Cerimonial significa solene. Retratos da realeza russa do século 18 Retrato solene

Na pintura - uma das mais fecundas. A imagem de uma pessoa, a reprodução mais sutil e espiritual de seus traços na tela tocou pessoas de diferentes classes e rendas. Essas imagens eram de meio corpo e de corpo inteiro, em paisagens e em interiores. Maiores Artistas eles procuraram capturar não apenas características individuais, mas também transmitir o humor e o mundo interior de seu modelo.

Gênero de tribunal

Os retratos podem ser de gênero, alegóricos, etc. O que é um retrato cerimonial? É uma espécie de histórico. Este gênero surgiu na corte durante o reinado dos monarcas. O significado e o objetivo dos autores do retrato cerimonial não era apenas a capacidade de transmitir com a maior precisão possível, mas de escrever de forma a glorificar e exaltar uma pessoa. Os mestres desse gênero quase sempre receberam grande fama, e seu trabalho foi generosamente pago pelos clientes, porque geralmente os retratos cerimoniais eram encomendados por pessoas nobres - reis e seus associados de alto escalão. E se o pintor identificou o próprio monarca com uma divindade, então comparou seus dignitários a uma pessoa reinante.

Características distintas

Uma figura majestosa em todo o esplendor dos trajes e símbolos de poder, colocada numa paisagem magnífica, tendo como pano de fundo figuras esbeltas ou num interior exuberante - isto é um retrato cerimonial. O status social do herói da tela vem à tona. Tais obras foram criadas para capturar uma pessoa como figura histórica. Freqüentemente, uma pessoa aparece em uma imagem em uma pose teatral um tanto pretensiosa, destinada a enfatizar sua importância. A estrutura mental e a vida interior não foram objeto de representação. Aqui, nos rostos dos aristocratas, não veremos nada além de uma expressão congelada, solene e majestosa.

Era e estilo

O que é um retrato cerimonial em termos do estilo da época? Trata-se de uma tentativa de “historicizar” a realidade nas pessoas de figuras significativas, enquadrando-as num ambiente e cenário perceptíveis para a época. O colorido geral de tais pinturas era elegante e pomposo; revelou-se decorativo e refinado durante a era Rococó, e adquiriu contenção e clareza solenes durante o classicismo.

Variedades de retrato cerimonial

O cerimonial pode ser dividido em vários tipos: coroação, à imagem de comandante, equestre, caça, semicerimonial.

O mais importante, do ponto de vista ideológico, foi o retrato da coroação, no qual o artista capturou o imperador no dia da sua ascensão ao trono. Havia todos os atributos do poder – uma coroa, um manto, um orbe e um cetro. Mais frequentemente, o monarca era retratado em pleno crescimento, às vezes sentado no trono. O fundo do retrato era uma cortina pesada, que lembrava os bastidores de um teatro, destinada a revelar ao mundo algo além dos limites da vida cotidiana, e colunas, simbolizando a inviolabilidade do poder real.

É assim que vemos Catarina, a Grande, no retrato pintado em 1770. O retrato de Jean Auguste Ingres “Napoleão no Trono” (1804) foi pintado no mesmo gênero.

Freqüentemente, um retrato cerimonial do século 18 retratava uma figura real disfarçada de militar. No retrato de Paulo Primeiro, criado por Stepan Shchukin em 1797, o monarca é retratado com o uniforme de coronel do Regimento Preobrazhensky.

Um retrato em uniforme militar com premiações indicava um certo status da pessoa encarnada na tela. Normalmente, essas obras-primas retratavam comandantes gloriosos após vitórias significativas. A história conhece inúmeras imagens de Alexander Suvorov, Mikhail Kutuzov, Fyodor Ushakov.

As telas de mestres europeus demonstram eloquentemente o que é um retrato cerimonial de um governante a cavalo. Uma das mais famosas é a tela de Ticiano, na qual o maior pintor italiano da Renascença retratou Carlos V montando um imponente garanhão em 1548. O artista da corte austríaca Georg Prenner pintou um retrato equestre da Imperatriz com sua comitiva (1750-1755). A graça impetuosa dos magníficos cavalos personifica os planos ousados e ambiciosos da rainha.

Um retrato de caça, no qual o aristocrata era mais frequentemente retratado na companhia de cães de caça ou com caça na mão orgulhosamente levantada, poderia simbolizar a masculinidade, destreza e força do nobre.

Um retrato de meio vestido atendia a todos os requisitos básicos, mas representava a pessoa em versão de meio corpo, e não em altura total.

O interesse neste gênero continua até hoje.

Antes início do XVIII séculos, predominantemente tradições de pintura de ícones desenvolvidas na pintura russa.

De acordo com as memórias de contemporâneos, na Rússia daquela época todas as imagens eram confundidas com ícones: muitas vezes, quando chegavam à casa de um estranho, os russos, segundo o costume, curvavam-se diante da primeira imagem que chamava sua atenção. No entanto, no século XVIII. a pintura começou gradualmente a adquirir características europeias: os artistas dominaram a perspectiva linear, o que lhes permitiu transmitir a profundidade do espaço, procuraram representar corretamente o volume dos objetos usando o claro-escuro, estudaram anatomia para reproduzir com precisão corpo humano. A técnica da pintura a óleo se espalhou e surgiram novos gêneros.

Um lugar especial na pintura russa do século XVIII. pegou o retrato. As primeiras obras deste gênero aproximam-se da parsuna do século XVII. Os personagens são solenes e estáticos. Ivanov A. B. Histórias sobre artistas russos - M. Iluminismo 1988

No início do século XVIII. Pintores estrangeiros trabalharam na Rússia, em particular I.G. Tannauer e L. Caravaque.

A Academia de Artes, fundada em 1757, determinou o caminho da arte russa na segunda metade do século XVIII. A reforma reavivada pela Academia deixou de ser uma simples aprendizagem, pois no início do século tornou-se uma colaboração artística que trouxe reconhecimento europeu aos artistas russos. Direção principal pintura acadêmica Houve o classicismo, cujos princípios básicos estavam mais consistentemente unidos no gênero histórico, que interpretava temas antigos, bíblicos e nacional-patrióticos de acordo com os ideais civis e patrióticos do Iluminismo. Frolova A.R. Fyodor Rokotov teve uma mão // Panorama das Artes 9. M., 1989. O fundador do gênero histórico na Rússia foi A.P. Losenko (1737-73). Órfão cedo filho camponês, ele passou a infância na Ucrânia. Então, por acaso, ele acabou em São Petersburgo, onde cantou pela primeira vez no coro da corte. Então, tendo recebido as primeiras lições de I.P. Argunov foi um dos primeiros a se formar na Academia de Artes e passou sua aposentadoria em Paris e Roma. Características do classicismo apareceram em sua obra, na 2ª metade do século XVIII. tendências realistas são fortes (“Vladimir e Rogneda”, 1770, Museu Estatal Russo; “Hector’s Farewell to Andromache”, 1773, Galeria Tretyakov). Com verdadeira habilidade, Losenko também pintou retratos de seus contemporâneos, principalmente figuras proeminentes da cultura russa (retratos de F. Volkov. Galeria Tretyakov e Museu Estatal Russo; A.P. Sumarokov. I.I. Shuvalov, ator Ya. D. Shumsky, todos no Estado Museu Russo). Na virada dos séculos XVIII para XIX. excelente mestre a pintura histórica foi G. I. Ugryumov (1764 - 1823), cujas obras mostraram um aumento no interesse público pela história russa ("A entrada cerimonial de Alexander Nevsky em Pskov após a vitória sobre os cavaleiros alemães", 1793-94; "A chamada de Mikhail Fedorovich ao reino" , ca. 1800, ambos no Museu Estatal Russo, etc.). Savinov A. N. [Introdução. Art.] // Fyodor Stepanovich Rokotov e artistas de seu círculo: Catálogo da exposição. M., 1960.

O gênero líder da pintura russa da segunda metade do século XVIII. havia um retrato. O desenvolvimento do gênero retrato na época de Pedro o Grande foi determinado pela influência da pintura ocidental, mas ao mesmo tempo baseou-se na tradição do século anterior (parsun). O desenvolvimento do retrato esteve associado ao trabalho de I.I. Nikitin e A.M. Matveeva. Lomonosov M.V. Obras completas. T.8.M.; L., 1959

A gravura tornou-se um fenômeno novo na arte. O mestre mais famoso foi A.F. Zubov. retrato cerimonial de rokotov

Os artistas da segunda metade do século XVIII começaram a se interessar mais pelos méritos pessoais de uma pessoa, suas qualidades morais, seu mundo interior. Eles vêem a arte como um meio de educação e, portanto, esforçam-se para torná-la razoável, clara e lógica. Outros gêneros de pintura também estão se desenvolvendo. Surge um sistema de gêneros (retrato, pintura monumental e decorativa, paisagem, pintura histórica). Os autores mais significativos do gênero histórico foram A.P. Losenko e G.I. Ugrumov. Duas tendências surgiram no desenvolvimento do retrato: um aumento nível artístico e o realismo da imagem e o florescimento do retrato cerimonial. Nas obras de A.P. Os traços tradicionais de parsuna de Antropov eram especialmente fortes. Ele se tornou um dos criadores do gênero retrato de câmara(retrato de Izmailova). Retratos de F.S. Rokotov se distingue pela intimidade, sutileza e psicologismo (retrato de A.P. Struyskaya). D.G. Levitsky trabalhou muito no gênero de retratos cerimoniais. Criatividade V.L. Borovikovsky (virada dos séculos 18 para 19) está associado às ideias do sentimentalismo. Ele foi o primeiro a introduzir fundos de paisagens em retratos. Balakina T.I. História da cultura russa - livro didático. Centro de Publicação M 1996

No final do século XVIII. surgiram telas com cenas da vida camponesa (M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), surgiu o interesse pelas paisagens paisagísticas (S.F. Shchedrin) e surgiu a paisagem arquitetônica urbana (F.Ya. Alekseev).

A principal diferença entre um retrato cerimonial e retratos históricos de outros estilos e movimentos é a sua impressionante expressividade e solenidade. Os retratos cerimoniais foram criados principalmente para pessoas de alta classe e posição social, com alto status e autoridade na sociedade. Um retrato histórico em uniforme militar cerimonial ainda é relevante hoje, muitas pessoas influentes querem se retratar como seus ancestrais da classe nobre do século retrasado; Romanycheva I. G. À biografia de F.S. Rokotova // Monumentos Culturais. Anuário. 1989. M., 1990.

Retrato cerimonial no século XVIII, esta é uma impressão brilhante e figurativamente expressa de uma pessoa nobre, criada por um artista que possui seu próprio conjunto excepcional de meios para descrever um retrato cerimonial, seu próprio colorido tonal e clareza histórica, em que uma imagem fantasiada brilhante desempenha um grande papel.

Um uniforme militar indica pertencer a um determinado status militar; as ordens refletem serviços especiais à pátria; O uniforme do modelo do século XVIII existiu até o início da Revolução de Outubro de 1917, e era o prêmio mais cobiçado para a mais alta liderança burocrática.

Um retrato cerimonial em uniforme naval, em termos de beleza de percepção, ocupa um lugar especial na arte do retrato e foi frequentemente criado por artistas após gloriosas vitórias militares e batalhas navais vitoriosas da frota russa.

Hoje em dia também está na moda retratar homem moderno em uniformes militares dos séculos XVIII-XIX, retratos militares da época, pendurados com diversos prêmios, belas e luminosas encomendas, acrescentam ao retrato cerimonial o que há de mais inusitado em nosso tempo, a ostentação da percepção.

Retratos históricos de militares em lindos uniformes são sempre solenes e criam um clima edificante entre seus proprietários.

Um retrato histórico em uniforme militar cerimonial dos séculos XVIII e XIX é uma continuação gloriosa das tradições de nossos ancestrais.

Nos anos em que Antropov ainda criava os seus retratos - precisos, um tanto secos e bastante pesados na pintura - já havia surgido toda uma galáxia de jovens mestres da segunda metade do século XVIII, afirmando decisivamente uma nova compreensão da imagem de um pessoa e os meios pictóricos de sua incorporação. Em pouco tempo, esses mestres colocaram o retrato russo no mesmo nível das melhores obras da arte contemporânea da Europa Ocidental. . Savinov A. N. [Introdução. Art.] // Fyodor Stepanovich Rokotov e artistas de seu círculo: Catálogo da exposição. M., 1960.

À frente desta galáxia estavam Rokotov e Levitsky.

Fyodor Stepanovich Rokotov (1735/36--1808/09) é um dos mais notáveis mestres do retrato russo do século XVIII. A originalidade da sua obra já se fazia sentir plenamente na década de 60, marcada pelo aparecimento de algumas das melhores obras de Antropov. Contudo, mesmo a comparação trabalhos iniciais Rokotov, com as obras maduras de Antropov, indica claramente o início de um novo período no desenvolvimento da arte russa, uma nova etapa nas ideias sobre a personalidade humana. Os retratos de Rokotov se distinguem por uma humanidade e profundidade lírica que antes não eram características do retrato russo. Voronina N. Brilhante pintora de retratos do século XVIII. - Artista 1972 nº 5

Na maioria das vezes, representações pictóricas de realeza ah (e especialmente no século XVIII) são formados com base em retratos cerimoniais, dos quais cópias foram ativamente tiradas e distribuídas. Esses retratos podem ser “lidos”, porque o modelo neles é sempre colocado em um cenário que ajuda a criar uma sensação de significado, incomum e solenidade da imagem, e cada um dos detalhes contém uma sugestão dos méritos reais ou imaginários e qualidades da pessoa que vemos à nossa frente.
É impossível não admirar a maioria dos retratos cerimoniais. Mas a questão de quão verdadeiro é o retrato permanece em aberto.

Por exemplo, a imagem de Catarina I criada por Jean-Marc Nattier em 1717:

Mas o retrato mais íntimo de Catarina em penhoar, pintado por Louis Caravacome na década de 1720.
Parece que os pesquisadores chegaram à conclusão de que inicialmente a imperatriz era retratada com decote no retrato, e depois apareceu uma fita azul, que pode ser entendida como uma alusão à fita da Ordem de Santo André, o Primeiro Chamado. e o alto status da pessoa. A única dica.

Louis Caravaque recebeu a nomeação de pintor oficial da corte - Hofmahler apenas sob Anna Ioannovna, mas antes disso conseguiu pintar vários retratos da família de Pedro, o Grande. Entre eles, há também vários que são incomuns para os padrões modernos.
Em primeiro lugar, pessoalmente lembro-me imediatamente do retrato Czarevich Peter Petrovich na imagem do Cupido

Aqui, é claro, deve-se dizer que a Rússia adotou a bravura do Rococó da Europa, juntamente com sua atmosfera especial de baile de máscaras, brincando com os heróis e deuses da mitologia antiga e modos de comportamento, que não podiam deixar de afetar a tradição pictórica. .
E, no entanto, há algo de peculiar no fato de vermos o pequeno Peter, “Shishechka”, como seus amorosos pais, que tinham grandes esperanças nele, o chamavam, exatamente assim. Mas o nascimento desse menino, que não viveu nem quatro anos, bem como sua saúde inicialmente relativamente forte, na verdade selou o destino do czarevich Alexei.
Podemos também imaginar a irmã mais velha de Piotr Petrovich, Elizabeth, lembrando o retrato do mesmo Caravaque, pintado em 1750:

Ou um retrato de seu aluno Ivan Vishnyakov, pintado em 1743:

Mas ainda durante a vida da imperatriz, outro retrato de Elizaveta Petrovna, pintado em meados da década de 1710 por Caravaque, teve grande sucesso, no qual ela é retratada na imagem da deusa Flora:

A futura imperatriz é retratada nua e deitada sobre um manto azul forrado de arminho - um sinal de pertencer à família imperial. EM mão direita ela segura uma miniatura com um retrato de Pedro I, em cuja moldura está fixada uma fita azul de Santo André.
Sim, é uma tradição, mas também há um certo tipo de picante nessa imagem. N. N. Wrangel deixou uma observação interessante sobre o retrato: “Aqui está uma menina, uma criança despida de oito anos com corpo de menina adulta. Ela está reclinada, segurando coquetemente o retrato de seu pai e sorrindo tão gentil e ternamente. , como se ela já estivesse pensando em Saltykov, Shubin, Sivers, Razumovsky, Shuvalov e todos os outros que esta bela criatura amou.”
No entanto, ele também observou que Elizabeth tinha muitas imagens.
Aqui está Elizaveta Petrovna em um terno masculino que combinava tanto com ela:

A.L. Weinberg considerou o retrato obra de Caravaque e datou-o de 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova acreditava que se tratava de uma cópia estudantil de Levitsky da obra de Antropov, remontando ao tipo iconográfico de Caravaque.

E aqui está outro retrato de Elizabeth em terno masculino - o livro “Retrato da Imperatriz Elizabeth Petrovna em um cavalo com um pequeno árabe”, pintado por Georg Christoph Groot em 1743:

Este retrato pode ser chamado de cerimonial. Aqui está a Ordem de Santo André, o Primeiro Chamado, uma fita moiré azul com uma placa, um bastão de marechal na mão da imperatriz, um uniforme Preobrazhensky, bem como o fato de Elizabeth Petrovna estar montada em um cavalo como um homem, e a frota militar visível na baía.
Caravaque também possui um “Retrato de Menino em Traje de Caça”, sobre o qual foram construídas diversas versões. Eles o chamaram de Retrato de Pedro II e Retrato Pedro III e... um retrato de Elizabeth. Por alguma razão está muito perto de mim última versão.

Existem muitos retratos cerimoniais de Catarina II. Eles foram escritos por estrangeiros convidados para a Rússia e por artistas russos. Recorde-se, por exemplo, o retrato de Catarina diante de um espelho pintado por Vigilius Eriksen, em que o artista utiliza uma técnica única que lhe permite mostrar a imperatriz tanto de perfil como de frente.

A imagem do perfil da imperatriz serviu para o retrato cerimonial pintado por Rokotov:

A própria Catarina aparentemente adorou outro retrato pintado por Eriksen, retratando-a a cavalo:

Ainda assim! Afinal, o retrato simboliza o dia fatídico para a imperatriz, 28 de junho de 1762, quando ela, à frente dos conspiradores, dirigiu-se a Oranienbaum para dar um golpe palaciano. Catherine monta em seu famoso cavalo Diamond e está vestida em estilo militar - ela usa o uniforme de oficial de infantaria da guarda.
O retrato fez grande sucesso na corte; por ordem da imperatriz, ele repetiu sua obra três vezes, variando o tamanho da tela.

Eriksen também pintou um retrato de Catarina II em shugai e kokoshnik:

Pode-se lembrar o retrato sem cerimônia de Catarina II em traje de viagem, pintado por Mikhail Shibanov, um artista sobre o qual quase nada se sabe. Será que ele era próximo de Potemkin?:

Lembro-me dos retratos sem cerimônias de Catarina, a Grande, é impossível passar pela imagem criada por Borovikovsky;

O artista mostrou Catarina II “em casa”, de capa e boné. Uma senhora idosa caminha tranquilamente pelas vielas do Parque Tsarskaselsky, apoiada em um cajado. Ao lado dela está seu cachorro favorito, um galgo inglês.
A ideia de tal imagem provavelmente surgiu no círculo literário e artístico de Nikolai Lvov e está intimamente ligada a um novo movimento na arte chamado sentimentalismo. É significativo que o retrato de Catarina II não tenha sido executado em vida. Há evidências de que seu camareiro favorito (servo de quarto), Perekusikhin, posou para a artista, vestido com o vestido da imperatriz.
A propósito, é bastante interessante que no século 18 apenas 8 pintores oficiais da corte trabalharam na Rússia, entre os quais apenas um era russo, e mesmo assim ele terminou a vida de forma quase trágica. Portanto, não é surpreendente que os artistas russos não tenham tido a oportunidade de pintar imperadores e imperatrizes vivos.
Por este trabalho, Borovikovsky, sobre quem Lampi trabalhou, recebeu o título de “nomeado” acadêmico. Porém, apesar do reconhecimento da Academia de Artes, a imperatriz não gostou do retrato e não foi adquirida pelo departamento do palácio.
Mas foi precisamente nesta imagem que Pushkin a capturou na “história de honra” “A Filha do Capitão”.

Instituição de ensino municipal

Educação adicional crianças

"Infantil escola de Artes»

IMAGENS FEMININAS EM RETRATOS DO SÉCULO XVIII

(FS Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Concluído por: aluno da turma 4-A.

Instituição Educacional Municipal da Escola de Arte Infantil de Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Supervisor científico: professor

História da arte MOU DOD DHS

Solomatina Tatiana Leonidovna

Zelenogorsk

O lugar das mulheres na sociedade russa do século 18 e a arte do retrato ……………………………………………………………………………… 3

A imagem de uma mulher russa em retrato arte XVIII séculos…………4

2.1. Retrato cerimonial feminino da primeira metade do século XVIII:

2.1. Características do retrato cerimonial;

2.2. E EU. Vishnyakov

2.3. D.G. Levitsky

Retrato de câmara de uma mulher da segunda metade do século XVIII:

Características de um retrato de câmara

2.2.2. V.L. Borovikovsky

2.2.3. F.S. Rokotova

Um retrato feminino do século XVIII é uma das maiores conquistas do retrato russo…………………………………………………………16

Lista de referências……………………………………………………17

Lista de ilustrações………………………………………………………18

Aplicações………………………………………………………………………….19

O lugar das mulheres na sociedade russa do século XVIII

E a arte do retrato

Do início do século XVIII, a partir de uma imagem bastante primitiva rosto humano artistas levaram suas habilidades a uma perfeição extraordinária. Estudando com pintores estrangeiros, os mestres nacionais não só adotaram seus conhecimentos, mas também os superaram e acrescentaram um sabor profundamente russo à sua arte (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Os retratos do início do século retratam principalmente a filiação social de uma pessoa, sua melhores lados, sua pomposidade, beleza às vezes fictícia. Mas ao longo do século, o estado, o humor do público, bem como a atitude do artista em relação à pessoa retratada mudaram muito. Os mestres não se propuseram mais a fazer com que o retrato se parecesse com o modelo. Eles não se interessavam tanto pela solenidade da apresentação, mas pelo mundo interior de uma pessoa, sua essência, sua predisposição para a espiritualidade. No final do século XVIII, os pintores transmitiam a alma dos seus modelos, os estados de espírito mais subtis e a variabilidade dos personagens.

O objetivo do meu trabalho é provar essa tendência, ou seja, uma transição gradual das características externas de uma pessoa para a transferência de seu estado interno.

Para resolver este problema, concentrei minha atenção nos retratos dos seguintes destacados artistas russos:

E EU. Vishnyakova;

F.S. Rokotov;

D.G. Levitsky;

V.L. Borovikovsky.

Para caracterizar o retrato destes artistas, utilizei um conjunto bastante amplo de fontes, cuja lista se encontra no final da obra. Entre os livros que utilizei estão obras sobre a arte do período selecionado (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), além de monografias, dedicado à criatividade artistas individuais (2,3, 9,13,15).

A imagem de uma mulher russa na arte retratística do século XVIII

Retrato cerimonial feminino da primeira metade do século XVIII

O protagonismo da pintura da primeira metade do século XVIII pertencia ao retrato. A arte do retrato desenvolveu-se em dois gêneros: formal e de câmara.

Características de um retrato cerimonial

O retrato cerimonial é, em muitos aspectos, um produto do estilo barroco com sua pompa pesada e grandeza sombria. Sua tarefa é mostrar não apenas uma pessoa, mas uma pessoa importante em todo o esplendor de sua posição altamente social. Daí a abundância de acessórios pensados para enfatizar essa posição, a pompa teatral da pose. O modelo é retratado tendo como pano de fundo uma paisagem ou interior, mas sempre em primeiro plano, muitas vezes em altura total, como se suprimisse o espaço envolvente com a sua grandiosidade. (12)

Foi com os retratos cerimoniais que um dos principais retratistas da época, I.Ya., tornou-se famoso. Visnyakov.

O “olho” impecável e o gosto impecável do artista colocaram Vishnyakov entre os melhores retratistas da época. Não é de admirar que ele tenha sido autorizado não apenas a copiar, mas também a pintar retratos de pessoas reinantes e depois “replicá-los” para numerosos palácios, instituições governamentais e dignitários privados (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn. HTML)

O artista gostou do luxo decorativo dos trajes cerimoniais de sua época, de sua teatralidade e festividade. Com admiração, ele transmite a materialidade e a objetividade do mundo, desenhando com cuidado e amor os incríveis trajes do século XVIII, com seus tecidos com padrões complexos, diversas cores e texturas, com os mais finos bordados e rendas e decorações. Como mestre decorador, Vishnyakov cria uma gama excepcional de cores. E embora o padrão pareça sobreposto às dobras rígidas das roupas, ele é tangível e lembra, nas palavras do crítico de arte T.V. Ilyina, (6) a fonte “o campo das luxuosas miniaturas russas antigas do século XVII. ” ou o ornamento floral de um afresco da época.” E acima de toda esta riqueza do mundo material, os rostos das pessoas olham e respiram.

Em 1743, Vishnyakov pintou um retrato da Imperatriz Elizabeth - representativo e magnífico. Elizabeth - em uma coroa, com um cetro e um uivo, em um luxuoso vestido moiré brilhante. É curioso que ele tenha gostado tanto deste retrato que Vishnyakov foi instruído a partir de agora a verificar o estilo de outros retratos de Elizabeth, independentemente de quem os pintou - ele se tornou, por assim dizer, o árbitro supremo em questões de iconografia imperial. Enquanto isso, ele mesmo, apesar do esplendor da situação em contraste com ela, retratou Elizabeth como uma mulher comum - uma beleza russa de sangue e leite, de sobrancelhas negras e bochechas rosadas, mais amigável e acessível do que majestosa ou majestosa. Tendo se apropriado dos atributos do poder, Elizabeth nunca se acostumou com isso. Algo caseiro, caloroso, sorridentemente rústico, é claro, não sem astúcia e não sem inteligência, sempre permaneceu em sua aparência, e Vishnyakov definitivamente sentiu isso.

Os retratos de crianças feitos por Vishnyakov eram os melhores.

Um dos mais interessantes é o retrato de Sarah Fermor. (il.3) Esta é uma imagem cerimonial típica da época. A garota é mostrada de corpo inteiro, no cruzamento espaço aberto e um fundo paisagístico com coluna obrigatória e cortina pesada. Ela está usando um vestido elegante e segurando um leque. A sua pose é constrangida, mas nesta solenidade congelada há muita poesia, um sentimento de vida reverente, rodeado de grande arte e grande calor espiritual. O retrato combina, como é típico de Vishnyakov, características aparentemente nitidamente contrastantes: nele pode-se sentir a tradição medieval russa ainda viva - e o brilho da forma de arte cerimonial europeia do século XVIII. A figura e a pose são convencionais, o cenário é tratado de forma plana - é uma paisagem abertamente decorativa - mas o rosto é esculpido tridimensionalmente. A escrita requintada do vestido cinza-verde-azul surpreende pela riqueza da pintura em várias camadas e tem tradição de achatamento. É transmitido de forma ilusória e material, até adivinhamos o tipo de tecido, mas as flores estão espalhadas em moiré sem levar em conta as dobras, e esse “padrão” fica no plano, como numa antiga miniatura russa. E acima de todo o esquema do retrato cerimonial - e isso é o mais surpreendente - o rosto sério e triste de uma menina de olhar pensativo vive uma vida tensa.

O esquema de cores – pintura em tom prateado, recusa de manchas locais brilhantes (que geralmente era característico do pincel deste mestre) – deve-se à natureza do modelo, frágil e arejado, semelhante a uma espécie de flor exótica (http://. www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Como se saísse de um caule, sua cabeça cresce sobre um pescoço fino, seus braços pendem impotentes, sobre cujo comprimento excessivo mais de um pesquisador escreveu. Isto é bastante justo se considerarmos o retrato do ponto de vista da correcção académica do desenho: notamos que as mãos em geral eram mais difíceis para os mestres que não tinham recebido uma educação “escolar” sistemática, que eram os artistas de meados do século XIX. Século XVIII, e Vishnyakov em particular, mas seu comprimento também enfatiza aqui harmoniosamente a fragilidade do modelo, assim como as árvores finas ao fundo. Sarah Farmer parece encarnar não o verdadeiro século XVIII, mas o efêmero, melhor expresso nos sons caprichosos do minueto, o século XVIII, que apenas foi sonhado, e ela mesma, sob o pincel de Vishnyakov, é como a personificação de um sonho .

Vishnyakov conseguiu em suas obras combinar a admiração pela riqueza do mundo material e um alto senso de monumentalidade, não perdido pela atenção aos detalhes. Em Vishnyakov, este monumentalismo remonta à antiga tradição russa, enquanto a graça e sofisticação da estrutura decorativa atestam um excelente domínio das formas da arte europeia. A combinação harmoniosa dessas qualidades faz de Ivan Yakovlevich Vishnyakov um dos artistas mais brilhantes de um período de transição tão complexo na arte como foi o da Rússia. meados do século 18 séculos.

D.G. Levitsky

O retrato cerimonial ocupa um lugar importante na obra de Levitsky. Aqui a decoratividade inerente à sua pintura se revela em todo o seu brilho.

Em retratos cerimoniais período maduro Levitsky se liberta da retórica teatral; eles estão imbuídos do espírito de alegria, de um sentimento festivo de vida e de um otimismo brilhante e saudável.

Atenção especial deve ser dada aos grandes retratos cerimoniais completos de estudantes do Instituto Smolny para Donzelas Nobres, formando um único conjunto decorativo.

“Retrato de Khovanskaya e Khrushchova” 1773, Museu Estatal Russo (Ill. 8)

Por ordem de Catarina II, Levitsky pintou vários retratos de estudantes do Instituto Smolny de Donzelas Nobres. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) As duas garotas retratadas neste retrato interpretam papéis da ópera cômica “Os caprichos do amor, ou Ninetta na corte” no palco do instituto.

Khrushchova, com os braços na cintura, toca de brincadeira o queixo da namorada. Um sorriso zombeteiro aparece no rosto feio, mas muito expressivo, da garota. Ela desempenha com confiança o papel masculino. Sua parceira, Khovanskaya, olha timidamente para o “cavalheiro”; sua confusão é visível no giro desajeitado de sua cabeça, na forma como sua mão repousa impotente sobre o cetim brilhante de sua saia. Vemos cenas paisagísticas representando um parque inglês, ruínas clássicas e a silhueta de um castelo. À esquerda está uma árvore extensa - um fundo para a figura de Khrushchova, em primeiro plano - um monte falso, cobrindo a luz adicional do público. As meninas são iluminadas pela luz da ribalta, por isso as sombras no chão e os contornos das figuras são tão distintos. Khrushchova está vestindo uma camisola de seda cinza escuro, decorada com trança dourada. No teatro do instituto, onde os meninos nunca atuavam, Khrushchova era considerada uma intérprete insuperável de papéis masculinos. Mas depois da faculdade, seu destino não teve sucesso e ela não conseguiu ocupar um lugar importante no mundo. E Katya Khovanskaya começará a atrair a atenção de todos, se tornará a esposa do poeta Neledinsky-Meletsky e a primeira intérprete de canções escritas por seu marido.

“Retrato de Nelidova” 1773 (il. 7)

Este é o mais antigo dos Smolyans. Enquanto ainda estudava na Smolny, tornou-se conhecida por sua excelente atuação no palco, brilhando principalmente na dança e no canto. No retrato, ela participa da peça “A Donzela é a Senhora”. Ela já conhece seu próprio charme, tem necessidade de agradar e domina perfeitamente as habilidades do comportamento teatral. A estatueta fica confiante em pose de balé, a alça levanta graciosamente o avental de renda, fitas rosa decoram o chapéu de palha “pastora” - tudo cria a sensação de uma boneca de porcelana. E um rosto animado, olhos risonhos, um sorriso explicam que tudo isso é apenas um jogo. Contra o fundo há aglomerados verdes suaves de árvores e nuvens leves e elegantes

Retratos de E. I. Nelidova (1773), (il. 7) E. N. Khrushchova e E. N. Khovanskaya (1773), (il. 8), G. I. Alymova (1776) (il. 2) e outros. A estrutura figurativa destas obras está associada àquela característica dos retratos cerimoniais do século XVIII. retratando uma mulher como uma “criatura alegre e alegre que ama apenas o riso e a diversão”. Mas sob o pincel de Levitsky esta fórmula geral estava repleta de conteúdo de vida realisticamente convincente.

Alto classicismo na pintura - “Catarina II - Legisladora no Templo da Deusa da Justiça” 1783, Museu Estatal Russo. (il. 3)

Esta é uma verdadeira ode pictórica com todas as características inerentes ao gênero. A personagem é uma imperatriz, em traje cerimonial, uma governante justa, razoável e ideal. A Imperatriz é apresentada com um vestido branco prateado cintilante de corte rigoroso com uma coroa de louros na cabeça e uma fita no peito. Ela está vestindo um manto pesado que flui de seus ombros e enfatiza a grandeza da imperatriz.

Catarina é retratada tendo como pano de fundo uma cortina solene, dobras largas envolvendo colunas largas e um pedestal sobre o qual está colocada a estátua de Têmis, a deusa da justiça. Atrás da colunata, atrás de uma balaustrada estrita, estão representados um céu tempestuoso e um mar com navios navegando nele. Catarina estendeu a mão sobre o altar iluminado com um gesto amplo. Ao lado do altar, uma águia, a ave de Zeus, pousa em grossos fólios. O mar lembra os sucessos da frota russa no século XVIII, os volumes de leis que Catarina criou para a Comissão Legislativa, a estátua de Themis - da legislação da imperatriz, glorificada pelos poetas. Mas esta, claro, não é a aparência real de Catarina, mas a imagem de um monarca ideal, como o Iluminismo queria que ele fosse. A pintura foi um grande sucesso e muitas cópias foram feitas dela.

V.L. Borovikovsky

“Catarina II num passeio no Parque Tsarskoye Selo” é um retrato de Catarina II de Vladimir Borovikovsky, escrito na linha do sentimentalismo, um dos mais imagens famosas imperatriz.

Borovikovsky pintou um retrato incomum para a época e imbuído do espírito de um novo movimento de sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava os retratos imperiais da época. Traços de caráter Essa direção é a idealização da vida no seio da natureza, o culto à sensibilidade e o interesse pela vida interior do homem. O sentimentalismo manifesta-se na rejeição do autor aos interiores cerimoniais dos palácios e na preferência pela natureza, que é “mais bela que os palácios”. “Pela primeira vez na arte russa, o fundo de um retrato torna-se um elemento importante na caracterização do herói. O artista glorifica a existência humana em meio ao ambiente natural, interpreta a natureza como fonte de prazer estético.”

Catherine, de 65 anos, é mostrada caminhando no Parque Tsarskoye Selo, apoiada em um cajado por causa de seu reumatismo. Suas roupas são decididamente informais - ela está vestida com um roupão decorado com babado de renda com laço de cetim e um boné de renda, com um cachorro brincando a seus pés. A governante é representada não como uma deusa, mas como uma simples “proprietária de terras de Kazan”, que ela gostava de aparecer nos últimos anos de sua vida como contemplativa, sem qualquer oficialidade, solenidade ou atributos cerimoniais. O retrato tornou-se uma versão doméstica do tipo inglês “portrait-walk”. No crepúsculo do parque é possível avistar um cais com esfinges, cisnes nadando no lago. O rosto da modelo é escrito de forma generalizada e condicional, sua idade é suavizada.

Assim, a “simplicidade natural” penetra no retrato cerimonial, o que, além do sentimentalismo, aproxima em parte o quadro do classicismo iluminista. No entanto, a pose da imperatriz é cheia de dignidade, o gesto com que aponta para o monumento às suas vitórias é contido e majestoso.

Ao contrário de Catherine - Themis de Levitsky, Ekaterina de Borovikovsky é retratada como uma "velha" proprietária de terras de Kazan "caminhando no jardim com seu amado galgo italiano. Borovikovsky criou um retrato incomum para a época. Catherine é mostrada dando um passeio no Parque Tsarskoye Selo de roupão e boné, com seu galgo italiano favorito a seus pés. Ela aparece diante do espectador não como Felitsa, não como uma rainha divina que desceu do céu, mas como uma simples “proprietária de terras de Kazan”, que ela gostava de parecer nos últimos anos de sua vida.

O artista retratou a figura de Catarina com simpatia insuperável. Esta não é uma velha imperatriz, mas antes de tudo uma pessoa, uma mulher, um pouco cansada dos assuntos de Estado, da etiqueta da corte, que, nos seus momentos livres, não se importaria de ficar sozinha, entregando-se às memórias e admirando a natureza. “Na arte russa, este é o primeiro exemplo de retrato real íntimo em sua essência, aproximando-se de uma pintura de gênero.

No entanto, mesmo neste retrato íntimo há um “motivo emblemático de uma coluna-“pilar” - a Coluna Chesme (Obelisco de Kahul - na versão do retrato do Museu Estatal Russo), que, apesar de todo o sentimentalismo da imagem de Catarina ao longo da trama do retrato, simboliza “firmeza ou constância”, “firmeza de espírito” , “Esperança sólida”. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa das modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso do figurino.

Os retratos cerimoniais de Vishnyakov são caracterizados por um elevado sentido de monumentalidade, não perdido na atenção aos detalhes. Em Vishnyakov, este monumentalismo remonta à antiga tradição russa, enquanto a graça e sofisticação da estrutura decorativa atestam um excelente domínio das formas da arte europeia.

A originalidade do retrato cerimonial russo na obra de Borovikovsky, destinado a glorificar, antes de tudo, a posição do homem na sociedade de classes, era o desejo de revelar o mundo interior do homem. Os seus retratos estão imbuídos do espírito de um novo movimento de sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava os retratos imperiais da época.

Levitsky era igualmente bom tanto em retratos íntimos quanto em imagens cerimoniais completas.

Os retratos cerimoniais de Levitsky revelam a decoratividade inerente à sua pintura em todo o seu esplendor.

Nos retratos cerimoniais de seu período maduro, Levitsky se liberta da retórica teatral e está imbuído de um espírito de alegria.

2. Características de um retrato de câmara da segunda metade do século XVIII:

Retrato de câmara - um retrato que usa uma imagem de meio corpo, na altura do peito ou dos ombros da pessoa retratada. Normalmente, num retrato de câmara, a figura é mostrada contra um fundo neutro.

Um retrato de câmara não é apenas um conjunto de características externas, é uma nova forma de ver uma pessoa. Se numa imagem cerimonial o critério para o valor de uma personalidade humana eram as suas ações (que o espectador conhecia através dos atributos), então numa imagem de câmara as qualidades morais vêm à tona.

O desejo de transmitir as qualidades individuais de uma pessoa e ao mesmo tempo fazer uma avaliação ética dela.

Borovikovsky dirigiu-se várias formas retrato - íntimo, cerimonial, miniatura Vladimir Lukich Borovikovsky foi o mais proeminente artista sentimentalista russo. Livro de A.I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) fala sobre as principais etapas da obra deste maravilhoso artista russo, que esteve em russo belas-Artes expoente do sentimentalismo. Segundo o autor, V.L. Borovikovsky é “um cantor da personalidade humana, que se esforça para dar o ideal do homem como ele e seus contemporâneos o imaginaram”. Ele foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. Os retratos de câmara ocupam um lugar predominante na obra de Borovikovsky.

Borovikovsky se torna popular entre uma ampla gama da nobreza de São Petersburgo. O artista retrata “clãs” familiares inteiros - os Lopukhins, Tolstoys, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodkos, que espalharam sua fama através de canais relacionados. Este período de sua vida inclui retratos de Catarina II, seus muitos netos, o Ministro das Finanças A.I. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa das modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso do figurino. Os heróis de Borovikovsky são geralmente inativos, a maioria dos modelos está extasiada com sua própria sensibilidade. Isto é expresso pelo retrato de M.I. Lopukhina (1797), e pelo retrato de Skobeeva (meados da década de 1790), e pela imagem da filha de Catarina II e A.G. Potemkin - E.G.

“O retrato de M.I. Lopukhina (Il. 7) (5) pertence à época em que, junto com o domínio do classicismo, o sentimentalismo se estabeleceu. Atento às nuances do temperamento individual, o culto à existência solitária-privada atua como uma reação peculiar à normatividade do classicismo de natureza social. A facilidade natural transparece no gesto artisticamente descuidado de Lopukhina, na inclinação caprichosa e caprichosa de sua cabeça, na curva obstinada de seus lábios macios, na distração sonhadora de seu olhar.

Imagem de M.I. Lopukhina cativa o espectador com sua melancolia suave, extraordinária suavidade de traços faciais e harmonia interior. Esta harmonia é transmitida por toda a estrutura artística do quadro: tanto pelo virar da cabeça como pela expressão do rosto da mulher, é realçada por detalhes poéticos individuais, como rosas colhidas e já penduradas no caule. Essa harmonia é fácil de captar na suavidade melodiosa das linhas, na consideração e subordinação de todas as partes do retrato.
Cara M.I. Lopukhina pode estar longe do ideal clássico de beleza, mas é repleta de um encanto tão indescritível, de um encanto espiritual que ao lado dela muitas belezas clássicas parecerão um esquema frio e sem vida. Imagem cativante Uma mulher gentil, melancólica e sonhadora é transmitida com grande sinceridade e amor; a artista revela seu mundo espiritual com incrível persuasão.
Um olhar pensativo, lânguido, triste e sonhador, um sorriso gentil, a descontração de uma pose um pouco cansada; linhas suaves e caindo ritmicamente; formas suaves e redondas; um vestido branco, um lenço lilás e rosas, um cinto azul, cabelos acinzentados, um fundo de folhagem verde e, por fim, uma névoa suave e arejada preenchendo o espaço - tudo isso forma uma tal unidade de todos os meios de expressão pictórica, em que o a criação da imagem é revelada de forma mais completa e profunda.

O retrato de Lopukhina foi pintado tendo como pano de fundo uma paisagem. Ela está parada no jardim, apoiada em um velho console de pedra. A natureza em que a heroína se isolou lembra um recanto do parque paisagístico de uma propriedade nobre. Ela personifica Belo mundo, cheio de encanto natural e pureza. Rosas e lírios murchados evocam uma leve tristeza, pensamentos sobre a beleza passageira. Eles ecoam o clima de tristeza, apreensão e melancolia em que Lopukhina está imersa. Na era do sentimentalismo, o artista sente-se especialmente atraído pelos estados complexos e transicionais do mundo interior de uma pessoa. O devaneio elegíaco e a ternura lânguida permeiam todo o tecido artístico da obra. A consideração e o leve sorriso de Lopukhina revelam sua imersão no mundo de seus próprios sentimentos.

Toda a composição é permeada por ritmos lentos e fluidos. A curva suave da figura e a mão suavemente abaixada são ecoadas pelos galhos inclinados das árvores, pelos troncos brancos das bétulas e pelas espigas de centeio. Contornos desfocados e pouco claros criam uma sensação de leveza ambiente aéreo, uma névoa transparente na qual a figura da modelo e a natureza circundante estão “imersas”. O contorno que contorna sua figura - ora perdido, ora aparecendo na forma de uma linha fina e flexível - evoca na memória do espectador os contornos de estátuas antigas. Dobras caindo, convergindo ou formando rupturas suaves, os traços mais sutis e espirituais do rosto - tudo isso constitui, por assim dizer, não pintura, mas música. O azul suave do céu, o verde suave da folhagem, o ouro das orelhas com salpicos brilhantes de centáureas ecoam a cor do vestido branco pérola, o cinto azul e a decoração brilhante no braço. O lenço lilás é ecoado por tons de rosas desbotadas.

Nos retratos de Borovikovsky, “Lisanka e Dashenka” (Ill. 6)(3) personificam o tipo de raparigas sensíveis daquela época. Seus rostos gentis estão pressionados face a face, seus movimentos são cheios de graça juvenil. A morena é séria e sonhadora, a loira é animada e divertida. Complementando-se, eles se fundem em uma unidade harmoniosa. O caráter das imagens corresponde aos tons delicados de flores lilás-azuladas frias e rosa-dourado quentes.

Borovikovsky foi especialmente bom em retratar “jovens donzelas” de famílias nobres. Este é o “Retrato de Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva” (4), que foi aluna do Instituto Smolny de Donzelas Nobres, dama de honra da Imperatriz Maria Feodorovna. A jovem Smolensk é retratada com uma fantasia de “peasanka”: ela usa um vestido espaçoso, um chapéu de palha com espigas de milho e nas mãos derramando maçã. A gordinha Katenka não se distingue pela regularidade clássica de seus traços. Porém, nariz arrebitado, olhos brilhantes com astúcia e um leve sorriso de lábios finos acrescentam alegria e coqueteria à imagem. Borovikovsky capturou perfeitamente a espontaneidade da modelo, seu charme e alegria.

F.S. Rokotov

Criatividade F.S. Rokotova (1735-1808) constitui uma das páginas mais encantadoras e difíceis de explicar da nossa cultura.

A imagem cerimonial não era a favorita de Rokotov nem a área mais típica da criatividade. Seu gênero preferido é o retrato de busto, em que toda a atenção do artista está voltada para a vida do rosto humano. Seu esquema composicional se distinguia pela simplicidade, beirando um pouco a monotonia. Ao mesmo tempo, seus retratos são caracterizados por uma habilidade pictórica sutil.

Ele foi atraído por outras tarefas de pintura: a criação de pinturas de câmara, íntimas, que refletissem as ideias do mestre sobre uma estrutura espiritual sublime.

Voltando-nos para o trabalho de F.S. Rokotov, como adepto do retrato de câmara, os autores observam que este artista combina um começo ideal com as características da aparência de um indivíduo, juntamente com uma representação magistral das características do rosto, roupas e joias da pessoa retratada; o artista é capaz de identificar as qualidades espirituais do modelo.

Na caracterização da imagem de Rokotov, a expressividade dos olhos e das expressões faciais é muito importante, e o artista não busca uma transmissão específica de humor, mas sim criar uma sensação de elusividade, fugacidade dos sentimentos de uma pessoa; surpreende pela beleza delicada e sofisticada do esquema de cores. A coloração, geralmente baseada em três cores, graças às suas transições, expressa a riqueza e a complexidade da vida interior do retratado. A artista usa o claro-escuro de forma única, destacando o rosto e, por assim dizer, dissolvendo pequenos detalhes.

Os retratos de Rokotov são história estampada em seus rostos. Graças a eles, temos a oportunidade de imaginar imagens de uma época que já passou.

No final da década de 1770-1780.

Essas características da criatividade de Rokotov manifestaram-se mais plenamente nos retratos femininos, que ocuparam um lugar especial na arte do século XVIII. Na época de seu apogeu criativo, o pintor cria uma galeria de belas imagens femininas: A. P. Struyskoy (1772) (il. 13), V. E. Novosiltseva. (il. 14)

O próximo retrato feminino é “Desconhecida em vestido rosa”, pintado na década de 1770. É considerada uma das obras-primas de Rokotov. As melhores gradações de rosa - desde saturado nas sombras, depois quente, claro, criam o efeito de cintilação e vibração dos mais finos ambiente de ar leve, como se estivesse em sintonia com os movimentos espirituais interiores indispensáveis nos retratos do século XVIII. um sorriso gentil brilhando nas profundezas de seu olhar. Esta imagem está repleta de um encanto lírico especial.

“Retrato de uma mulher desconhecida em um vestido rosa” é especialmente digno de nota. A abertura de uma pessoa aos outros e ao mundo pressupõe intimidade, atenção e interesse ocultos, talvez em algum lugar condescendência, um sorriso para si mesmo, ou mesmo entusiasmo e alegria, um impulso cheio de nobreza - e esta abertura, confiança na outra pessoa e no mundo como um todo - propriedades da juventude, juventude, especialmente em épocas em que novos ideais de bondade, beleza, humanidade estão no ar como o sopro da primavera. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

O retrato de uma jovem desconhecida com olhos pensativamente estreitados, em um vestido rosa claro (Desconhecido em Rosa), pintado por Fyodor Stepanovich Rokotov, atrai pela sua sutileza e riqueza espiritual. Rokotov escreve com suavidade e leveza. Numa meia dica, sem desenhar nada até o final, ele transmite a transparência da renda, a massa macia dos cabelos empoados, um rosto brilhante com olhos sombreados.

F. Rokotov “Retrato de A.P. Struyskoy" (il. 13)

1772, óleo sobre tela, 59,8x47,5cm

O retrato de Alexandra Struyskaya é sem dúvida a imagem mais brilhante de uma mulher idealmente bela em todos os retratos russos. É retratada uma jovem encantadora, cheia de graça cativante. Um rosto oval gracioso, sobrancelhas finas e esvoaçantes, um leve rubor e um olhar pensativo e ausente. Aos seus olhos há orgulho e pureza espiritual. O retrato é pintado com tons de cor e luz. As sombras se transformam sutilmente em tons claros, os tons cinza-acinzentados fluem para o azul e os tons rosados para o ouro pálido. Tons claros e gradações de cores não são perceptíveis e criam uma leve névoa, talvez algum tipo de mistério.

Uma lenda foi preservada sobre o amor de Rokotov por Struiska, aparentemente inspirada no tom especial de charme e sorte do talento do artista que criou seu retrato (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).

Levitsky

Em seus retratos íntimos prevalece visivelmente uma atitude objetiva em relação ao modelo. As características da individualidade tornam-se mais generalizadas e os traços típicos são enfatizados. Levitsky continua sendo um grande psicólogo e um pintor brilhante, mas não mostra sua atitude em relação ao modelo.

Sorrisos do mesmo tipo, blush muito brilhante nas bochechas, uma técnica para colocar dobras. Portanto, a alegre senhora E.A. Bakunina (1782) e a afetada e seca Dorothea Schmidt (início da década de 1780) tornam-se sutilmente semelhantes entre si.

Retrato de Ursula Mniszech (il. 12)

1782., óleo sobre tela,

Estado Galeria Tretyakov, Moscou

O retrato de Ursula Mniszech foi pintado no auge da habilidade e fama da artista. O oval era raro na prática retratista de D. G. Levitsky, mas foi essa forma que ele escolheu para a representação requintada de uma beleza secular. Com ilusão natural, o mestre transmitiu a transparência da renda, a fragilidade do cetim e o pó cinza de uma peruca alta da moda. Bochechas e maçãs do rosto “queimam” com o calor do blush cosmético aplicado.

O rosto é pintado com pinceladas fundidas, indistinguíveis graças aos esmaltes transparentes e iluminados e conferindo ao retrato uma superfície suavemente envernizada. Sobre um fundo escuro, tons de cinza azulado, cinza prateado e dourado pálido combinam-se vantajosamente.

Um virar distante da cabeça e um sorriso educado dão ao rosto uma expressão educada e secular. Um olhar frio e direto parece evasivo, escondendo o eu interior da modelo. A loira dela olhos abertos deliberadamente secreto, mas não misterioso. Esta mulher, apesar da sua vontade, evoca admiração, tal como a pintura virtuosa do mestre.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusão:

Em seus retratos íntimos, Borovikovsky capta perfeitamente a espontaneidade da modelo, seu charme vivo e alegria. Borovikovsky foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa dos modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso dos trajes. Os heróis de Borovikovsky são geralmente inativos, a maioria dos modelos está extasiada com sua própria sensibilidade.

Os retratos “íntimos” criados por Levitsky são marcados pela profundidade e versatilidade das características psicológicas; caracterizam-se por grande contenção dos meios artísticos;

F.S. Rokotov, adepto do retrato de câmara

Uma característica distintiva de Rokotov é um interesse crescente pelo mundo interior de uma pessoa; no retrato, o artista enfatiza a presença de uma vida espiritual complexa, poetiza-a, concentra nela a atenção do espectador, afirmando assim o seu valor.

Retrato cerimonial

O retrato cerimonial é um tipo retrato histórico determinada orientação social. Esses retratos tornaram-se mais difundidos na corte. O principal objetivo desta direção era a glorificação de pessoas nobres e de alto escalão, da realeza e de sua comitiva. A tarefa era focar a atenção nos méritos e conquistas do cliente, exaltação, às vezes próxima da divinização.

A ordem social determinou a forma de execução artística do retrato cerimonial. As pinturas eram geralmente grandes e a pessoa era retratada em pleno crescimento, em pé ou sentada. A atmosfera sugeria solenidade, o interior era exuberante. A orientação ideológica ditou alguma rigidez de poses e artificialidade da trama. O artista procurou enfatizar o significado do personagem, os heróis das pinturas estão vestidos com exuberantes trajes cerimoniais, a presença de insígnias e insígnias, símbolos de poder e poder era obrigatória.

As tarefas de mostrar a semelhança visual do modelo com o original e o estado interno de uma pessoa ficam em segundo plano em um retrato cerimonial, onde o principal é o status social do cliente. No entanto artistas excepcionais e neste gênero restrito foi possível refletir a individualidade de uma pessoa, seu caráter e modo de vida. Os famosos retratistas russos que retrataram pessoas de alto escalão em suas telas foram Ivan Nikitin, Alexey Antropov, Fyodor Rokotov, Dmitry Levitsky.

Ivan Nikitich Nikitin - “Mestre Pessoal”, o artista preferido de Pedro I, objeto de seu orgulho patriótico diante dos estrangeiros, “para que saibam que existem bons mestres entre nosso povo”. E Pedro não se enganou: “o pintor Ivan” foi o primeiro retratista russo a nível europeu e no sentido europeu da palavra.

I.N. Nikitin veio de uma família do clero de Moscou. Inicial Educação Artistica provavelmente recebido no Arsenal de Moscou e em sua oficina de gravura sob a direção do gravador holandês A. Schonebeek. Em 1711, juntamente com a oficina de gravura, foi transferida para São Petersburgo. Aparentemente, ele aprendeu a pintar retratos por conta própria, estudando e copiando as obras de mestres estrangeiros disponíveis na Rússia. Graças ao seu talento (e talvez aos seus parentes que serviram nas igrejas da corte), Nikitin rapidamente assumiu uma posição forte na corte. Pedro, o Grande, percebeu suas habilidades e o ensinou a I.G. Dangauer

Nas primeiras obras do artista (antes de 1716), há uma conexão notável com parsuns - retratos russos do final do século XV, com sua escrita áspera e fracionária, fundos escuros opacos, planicidade da imagem, falta de profundidade espacial e convencionalidade na distribuição de luz e sombras. Ao mesmo tempo, eles também têm habilidade de composição indubitável e a capacidade de armar uma figura com eficácia e transmitir textura. vários materiais, coordena harmoniosamente pontos de cores ricas. Mas o principal é que esses retratos deixam uma sensação de persuasão realista especial e autenticidade psicológica. Nikitin é completamente alheio à bajulação, comum em retratos cerimoniais.

Em 1716-20 I.N. Nikitin, junto com seu irmão mais novo, Roman, também pintor, está na Itália. Visitaram Florença, onde estudaram sob a orientação de Tommaso Redi, Veneza e Roma. Além disso, Roman Nikitin trabalhou em Paris, com N. Largillière I.N.N., na verdade, retornou da Itália como mestre. Ele se livrou das deficiências do desenho e das convenções dos primeiros trabalhos, mas manteve suas características principais: o realismo geral da pintura e a franqueza das características psicológicas, um colorido bastante escuro e rico, no qual tons quentes. Infelizmente, isso pode ser avaliado por muito poucos trabalhos que chegaram até nós.

Ele pintou retratos do próprio imperador (várias vezes), de sua esposa, das grã-duquesas Anna, Elizabeth e Natalia e de muitos outros funcionários de alto escalão. O artista conhecia as técnicas do estilo dominante da época - Rococó, leve e lúdico, mas só as utilizava quando realmente correspondiam ao caráter da modelo, como no retrato do jovem Barão SG Stroganov (1726). Mas talvez o melhor trabalho de Nikitin em termos de beleza da pintura, profundidade e complexidade das características psicológicas seja “Retrato de um chão Hetman” (década de 1720).

Em 1725 Nikitin última vez escreve sobre a vida do rei. “Pedro 1 em seu leito de morte” (no Museu da Academia de Artes) - em essência, esboço grande, executado livremente, mas integral, atencioso e monumental.

Durante o reinado de Catarina I, estabeleceu-se em Moscou, onde seu irmão, que retornou do exterior um pouco mais tarde, se dedicou principalmente à pintura de igrejas.

Em 1732, Ivan Nikitin, juntamente com os irmãos Roman e Herodion (arcipreste da Catedral do Arcanjo em Moscou) foram presos sob a acusação de espalhar calúnias contra o vice-presidente Santo Sínodo A propósito, Feofan Prokopovich também é promotor e associado de Peter. Talvez isso tenha sido indiretamente facilitado pelo casamento malsucedido do artista e pelo subsequente divórcio: parentes ex-mulher tentou de todas as maneiras prejudicar Nikitin. Sim, muitas pessoas não gostavam dele por causa de seu caráter direto e independente. Após cinco anos de masmorras na Fortaleza de Pedro e Paulo, interrogatórios e torturas, os irmãos foram exilados. Ivan e Roman acabaram em Tobolsk. Eles esperaram pela reabilitação após a morte da Imperatriz Anna Ioannovna em 1741. Mas o artista idoso e doente nunca mais voltou para sua cidade natal, Moscou. Ele provavelmente morreu em algum lugar no caminho para ela. Roman Nikitin morreu no final de 1753 ou no início de 1754.

E.N.

Retrato do Chanceler G.I.

1720g, óleo sobre tela, 90,9 x 73,4 cm.

O retrato de Golovkin é considerado uma das primeiras obras concluídas pelo artista ao retornar da Itália. O conde Gavrila Ivanovich Golovkin, vice-chanceler, associado de Pedro I, teve especialmente sucesso no campo diplomático graças à sua destreza e astúcia características. A inscrição no verso do retrato afirma orgulhosamente que “durante a continuação da sua chancelaria, ele concluiu 72 tratados com diferentes governos”.

O rosto de Golovkin atrai a atenção com seu olhar inteligente e penetrante e uma linha de lábios firme e obstinada; emoldurado por uma peruca prateada, sobressai do espaço negro do fundo.

Nikitin conseguiu expressar neste retrato imagem perfeita enérgico político- um homem da época de Pedro. Não há pompa em sua postura, mas há autoestima. A contenção majestosa da pose, a fita e a estrela de Santo André, a Ordem Polonesa da Águia Branca na forma de uma cruz em um laço azul acrescentam solenidade e significado.

E.N.

Retrato de Anna Petrovna, filha de Pedro 1

Antes de 1716, óleo sobre tela, 65 x 53 cm.

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1716, o pintor Ivan Nikitich Nikitin foi enviado por Pedro 1 para a Itália no exterior. Mas dificilmente se pode dizer que ele foi enviado para lá como um simples estudante. Numa carta a Catarina em Berlim datada de 19 de abril de 1716, Pedro escreveu: “... peça ao rei que ordene que ele (Nikitin) anule sua pessoa... para que saibam que existem bons mestres entre nosso povo. ” E na Itália, Nikitin, como mestre reconhecido, recebia muito mais do tesouro para manutenção do que outros aposentados reais.

O retrato de Anna Petrovna, filha mais velha de Pedro e Ekaterina Alekseevna, executado por Nikitin antes mesmo de sua viagem ao exterior, realmente deu ao czar russo todos os motivos para se orgulhar de seu artista. Nikitin capturou a princesa Anna aos 6-7 anos de idade. Segundo a moda e segundo as regras do retrato da época, a menina é retratada adulta: em pose de paquera, com penteado alto e longos cabelos pretos espalhados sobre os ombros, em vestido azul decotado com grandes padrões dourados e um manto vermelho brilhante, forrado com arminho, indicando propriedade do filho à família real.

Neste retrato (e no estilo de Nikitin em geral) a cor é incrível - em todos os lugares extraordinariamente intensa, material, brilhando por dentro, não deixando espaço para sombras cinzentas. A artista consegue essa impressão construindo a camada de tinta nas áreas iluminadas com pinceladas cada vez mais brilhantes e grossas, enquanto as sombras permanecem claras, transparentes e nos tons mais delicados - é assim que o rosto e o peito aberto de Anna são pintados. A sensação de um toque de cor no manto é criada por rápidas pinceladas laranja e escarlate lançadas sobre o tom vermelho. O artista não retrata os sentimentos ou o caráter do modelo, mas com a força do brilho das cores, do movimento inquieto das linhas, ele parece criá-lo de novo, revivendo a matéria diante de nossos olhos.

Anna Petrovna, Tsesarevna e Duquesa de Holstein, filha de Pedro o Grande e Catarina I. Segundo os contemporâneos, Anna era muito parecida com o pai, era inteligente e bonita, educada, falava excelente francês, alemão, italiano e sueco Peter Eu a amava muito.

O futuro marido de Anna, o duque de Holstein-Gottorp, Friedrich Karl, veio para a Rússia em 1721 na esperança, com a ajuda de Pedro, o Grande, de devolver Schleswig da Dinamarca e adquirir novamente o direito ao trono sueco. A Paz de Nystad (1721) decepcionou as expectativas do duque, uma vez que a Rússia se comprometeu a não interferir nos assuntos internos da Suécia.

Em 22 de novembro de 1724, foi assinado o tão desejado contrato de casamento do duque, segundo o qual, aliás, Anna e o duque renunciaram para si e para seus descendentes todos os direitos e reivindicações à coroa do Império Russo; mas, ao mesmo tempo, Pedro concedeu-se o direito, a seu critério, de convocar para a sucessão da coroa e do Império de Toda a Rússia um dos príncipes nascidos deste casamento, e o duque obrigado a cumprir a vontade do imperador sem quaisquer condições.

Ela morreu em 4 de março de 1728, em Holstein, mal completando vinte anos, tendo dado à luz seu filho, Karl Peter Ulrich (mais tarde imperador Pedro III).

AP Antropov

Retrato da Senhora Estatal A.M.

1759g, óleo sobre tela, 57,2 x 44,8 cm

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1758, após uma longa ausência associada ao trabalho em Kiev e Moscou, Alexey Petrovich Antropov retornou a São Petersburgo. Nessa época ele já tinha mais de quarenta anos e gozava de respeito e fama.

No entanto, ele não foi listado, com razão, entre os mestres de primeira linha. Retornando a São Petersburgo, Antropov decidiu aprimorar sua arte e teve aulas particulares por dois anos com o famoso retratista italiano P. Rotari. O resultado foi verdadeiramente maravilhoso: um artesão talentoso tornou-se um notável e, o que é especialmente notável, um artista russo muito original.

O primeiro e melhor fruto desta formação foi o retrato da Estadista A.M. Izmailova, nascida Naryshkina, parente distante da Imperatriz Isabel por parte de pai e sua favorita.

Amiga mais próxima da Imperatriz Elizaveta Petrovna, Izmailova era conhecida como uma beldade em sua juventude, mas na época em que o retrato foi criado ela já era uma pessoa envelhecida e afetada que gozava de considerável influência na corte. Sem enfeites, a artista transmitiu uma figura pesada, rosto cheio com sobrancelhas grossas de acordo com a moda da época e um rubor brilhante nas bochechas. O olhar vivo dos olhos castanhos voltados para o espectador e os lábios sarcasticamente franzidos traem a mente perspicaz e o caráter imperioso de Izmailova.

As peculiaridades do estilo de Anthropov residem na coloração do retrato. O artista recorre a cores com um brilho quase popular de impressão e apresenta-as em justaposições tão contrastantes que parecem concebíveis apenas em imagens planas.

Bochechas idosas, Senhora gorda resplandecente como papoulas, sua cabeça é emoldurada por um gorro de renda, decorado nas laterais com laços vermelhos e amarrado com fitas rosa. Sobre uma jaqueta branca é usado um vestido azul-azulado, decorado com uma ordem cravejada de diamantes com um retrato da Imperatriz e uma rosa pálida com folhas verdes.

A enorme figura de Izmailova é colocada sobre um fundo de cor muito escura com tonalidade verde. Usando tal paleta, Antropov, no entanto, dá luminosidade e profundidade a cada tom, constrói uma forma tridimensional que, graças aos contrastes nítidos de cores ricas, parece excepcionalmente dinâmica, como se carregada de energia interna, durável e pesada. E essas qualidades de forma conferem à imagem um caráter obstinado, ousado, extraordinariamente vivo e colorido, que foi o que distinguiu a encantadora e inteligente confidente de Elizabeth, famosa por sua beleza na juventude.

Este trabalho do artista ganhou elogios do Rotary e trouxe fama a Antropov como um dos melhores retratistas russos, aumento de salário e posto de segundo-tenente.

AP Antropov