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O romantismo na pintura é um movimento filosófico e cultural na arte da Europa e da América no final do século XVIII e na primeira metade do século XIX. A base para o desenvolvimento do estilo foi o sentimentalismo na literatura da Alemanha, berço do romantismo. A direção desenvolveu-se na Rússia, França, Inglaterra, Espanha e outros países europeus.

História

Apesar das primeiras tentativas dos pioneiros El Greco, Elsheimer e Claude Lorrain, o estilo que conhecemos como Romantismo só ganhou força quase no final do século XVIII, quando o elemento heróico do neoclassicismo assumiu um papel importante na arte da época. . As pinturas passaram a refletir um ideal heróico-romântico baseado nos romances da época. Este elemento heróico, combinado com o idealismo revolucionário e a emotividade, surgiu como resultado da Revolução Francesa como uma reação contra a arte acadêmica contida.

Após a Revolução Francesa de 1789, mudanças sociais significativas ocorreram em poucos anos. A Europa foi abalada por crises políticas, revoluções e guerras. Quando os líderes se reuniram no Congresso de Viena para planear um plano de reorganização dos assuntos europeus após as Guerras Napoleónicas, tornou-se claro que as esperanças dos povos em termos de liberdade e igualdade não se tinham concretizado. No entanto, durante estes 25 anos, foram formadas novas ideias que se enraizaram nas mentes das pessoas em França, Espanha, Rússia e Alemanha.

O respeito pelo indivíduo, que já era um elemento-chave na pintura neoclássica, desenvolveu-se e enraizou-se. As pinturas dos artistas distinguiram-se pela emotividade e sensualidade na transmissão da imagem do indivíduo. No início do século XIX, vários estilos passaram a apresentar características do Romantismo.

Metas

Os princípios e objetivos do Romantismo incluíam:

• Um regresso à natureza - exemplificado pela ênfase na espontaneidade na pintura que as pinturas demonstram;
• Crença na bondade da humanidade e nas melhores qualidades do indivíduo;
• Justiça para todos - a ideia foi difundida na Rússia, França, Espanha, Inglaterra.

Uma firme crença no poder dos sentimentos e emoções que dominam a mente e o intelecto.

Peculiaridades

Características características do estilo:

1. A idealização do passado e o domínio de temas mitológicos tornaram-se a linha condutora da obra do século XIX.
2. Recusa do racionalismo e dos dogmas do passado.
3. Maior expressividade através de jogos de luz e cor.
4. As pinturas transmitiam uma visão lírica do mundo.
5. Aumento do interesse por temas étnicos.

Os pintores e escultores românticos tendiam a expressar uma resposta emocional à vida pessoal, em contraste com a contenção e os valores universais promovidos pela arte neoclássica. O século XIX marcou o início do desenvolvimento do romantismo na arquitetura, como evidenciado pelos requintados edifícios vitorianos.

Principais representantes

Entre os maiores pintores românticos do século XIX estavam representantes como I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. A arte romântica não suplantou o estilo neoclássico, mas funcionou como contrapeso ao dogmatismo e à rigidez deste último.

O romantismo na pintura russa é representado pelas obras de V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Os pintores russos procuraram transmitir a natureza da forma mais emocional possível.
O gênero preferido entre os românticos era a paisagem. A natureza era vista como um espelho da alma e na Alemanha também é vista como um símbolo de liberdade e ilimitação. Artistas colocam imagens de pessoas contra o fundo áreas rurais ou urbana, paisagem marítima. No romantismo da Rússia, França, Espanha, Alemanha, a imagem de uma pessoa não domina, mas complementa o enredo do quadro.

Motivos Vanitas, como árvores mortas e ruínas cobertas de vegetação, são populares, simbolizando a transitoriedade e a natureza finita da vida. Motivos semelhantes existiam anteriormente na arte barroca: os artistas emprestaram o trabalho com luz e perspectiva em pinturas semelhantes de pintores barrocos.

Objetivos do Romantismo: O artista demonstra uma visão subjetiva do mundo objetivo e mostra uma imagem filtrada por sua sensualidade.

Em países diferentes

Romantismo Alemão do século XIX (1800 - 1850)

Na Alemanha, uma geração mais jovem de artistas respondeu à mudança dos tempos com um processo de introspecção: retiraram-se para um mundo de emoções, inspirados por aspirações sentimentais pelos ideais de tempos passados, mais notavelmente da era medieval, que agora é vista como uma época em que as pessoas viviam em harmonia consigo mesmas e em paz. Neste contexto, as pinturas de Schinkel, como a Catedral Gótica sobre as Águas, são representativas e características do período.

Na sua ânsia pelo passado, os artistas românticos estavam muito próximos dos neoclassicistas, excepto que o seu historicismo criticava os dogmas racionalistas do neoclassicismo. Os artistas neoclássicos estabeleceram os seguintes objetivos: olharam para o passado para justificar a sua irracionalidade e emotividade e preservaram as tradições académicas da arte na transmissão da realidade.

Romantismo espanhol do século XIX (1810 - 1830)

Francisco de Goya foi o líder indiscutível do movimento artístico romântico na Espanha, suas pinturas apresentam traços característicos: tendência à irracionalidade, fantasia, emotividade. Em 1789, tornou-se o pintor oficial da corte real espanhola.

Em 1814, em homenagem à revolta espanhola contra as tropas francesas na Puerta del Sol, Madrid, e ao fuzilamento de espanhóis desarmados suspeitos de cumplicidade, Goya criou uma de suas maiores obras-primas, O Três de Maio. Obras notáveis: “Desastres da Guerra”, “Caprichos”, “Nude Macha”.

Romantismo francês do século XIX (1815 - 1850)

Após as Guerras Napoleônicas, a República Francesa tornou-se novamente uma monarquia. Isto levou a um enorme impulso do Romantismo, que até então tinha sido contido pelo domínio dos Neoclássicos. Os artistas franceses da era romântica não se limitaram ao gênero paisagístico; trabalharam no gênero do retrato. Os representantes mais proeminentes do estilo são E. Delacroix e T. Gericault.

Romantismo na Inglaterra (1820 – 1850)

O teórico e representante mais proeminente do estilo foi I. Fusli.
John Constable pertencia à tradição inglesa do Romantismo. Esta tradição procurou um equilíbrio entre uma profunda sensibilidade à natureza e o progresso na ciência da pintura e da gráfica. Constable abandonou a representação dogmática da natureza; as pinturas são reconhecíveis graças ao uso de manchas coloridas para transmitir a realidade, o que aproxima o trabalho de Constable da arte do impressionismo.

As pinturas de William Turner, um dos maiores artistas ingleses do romantismo, refletem o desejo de observar a natureza como um dos elementos da criatividade. O clima de suas pinturas é criado não apenas pelo que ele retrata, mas também pela forma como o artista transmite cor e perspectiva.

Significado na arte

O estilo romântico de pintura do século XIX e as suas características especiais estimularam o surgimento de inúmeras escolas, tais como: a escola de Barbizon, a pintura de paisagem plein air e a escola de pintores de paisagem de Norwich. O romantismo na pintura influenciou o desenvolvimento do esteticismo e do simbolismo. Os pintores mais influentes criaram o movimento Pré-Rafaelita. Na Rússia e na Europa Ocidental, o romantismo influenciou o desenvolvimento da vanguarda e do impressionismo.

Redação de exame

Assunto: “Romantismo como movimento na arte.”

Realizado aluno da 11ª turma “B” da escola nº 3

Boyright Anna

Professor de Arte Mundial

cultura Butsu T.N.

Brest 2002

1. Introdução

2. Razões para o surgimento do romantismo

3. Principais características do romantismo

4. Herói romântico

5. Romantismo na Rússia

a) Literatura

b) Pintura

c) Música

6. Romantismo da Europa Ocidental

uma pintura

b) Música

7. Conclusão

8. Referências

1. INTRODUÇÃO

Se você consultar o dicionário explicativo da língua russa, poderá encontrar vários significados da palavra “romantismo”: 1. Um movimento na literatura e na arte do primeiro quartel do século XIX, caracterizado pela idealização do passado, isolamento da realidade e do culto à personalidade e ao homem. 2. Um movimento na literatura e na arte, imbuído de otimismo e do desejo de mostrar em imagens vívidas o elevado propósito do homem. 3. Um estado de espírito imbuído de uma idealização da realidade e de uma contemplação sonhadora.

Como se depreende da definição, o romantismo é um fenômeno que se manifesta não só na arte, mas também no comportamento, no vestuário, no estilo de vida, na psicologia das pessoas e surge em momentos decisivos da vida, por isso o tema do romantismo ainda é relevante hoje. Vivemos na viragem do século, estamos numa fase de transição. A este respeito, na sociedade existe uma falta de fé no futuro, uma perda de fé nos ideais, surge um desejo de escapar da realidade circundante para o mundo das próprias experiências e ao mesmo tempo de compreendê-la. Estas são as características que caracterizam arte romântica. Por isso escolhi o tema “Romantismo como movimento na arte” para pesquisa.

O romantismo é uma camada muito grande de diferentes tipos de arte. O objectivo do meu trabalho é traçar as condições de origem e as razões para o surgimento do romantismo em diferentes países, explorar o desenvolvimento do romantismo em formas de arte como a literatura, a pintura e a música, e compará-las. A principal tarefa para mim foi destacar as principais características do romantismo, características de todos os tipos de arte, para determinar que influência o romantismo teve no desenvolvimento de outros movimentos artísticos.

No desenvolvimento do tema, utilizei livros didáticos de arte, autores como Filimonova, Vorotnikov e outros, publicações enciclopédicas, monografias dedicadas a diversos autores da era romântica, materiais biográficos de autores como Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova e outros.

2. RAZÕES PARA O SURGIMENTO DO ROMANTISMO

Quanto mais nos aproximamos dos tempos modernos, mais curtos se tornam os períodos de domínio de um ou outro estilo. O período do final do século XVIII ao primeiro terço do século XIX. é considerada a era do romantismo (do francês Romantique; algo misterioso, estranho, irreal)

O que influenciou o surgimento do novo estilo?

São três acontecimentos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleónicas, a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa.

O trovão de Paris ecoou por toda a Europa. O slogan “Liberdade, igualdade, fraternidade” teve um enorme poder de atracção para todos os povos europeus. À medida que as sociedades burguesas se formaram, a classe trabalhadora começou a agir contra a ordem feudal como uma força independente. A luta oposta de três classes - a nobreza, a burguesia e o proletariado formou a base do desenvolvimento histórico do século XIX.

O destino de Napoleão e o seu papel na história europeia durante duas décadas, 1796-1815, ocuparam as mentes dos seus contemporâneos. “O governante dos pensamentos”, disse A.S. Pushkin.

Para a França, estes foram anos de grandeza e glória, embora à custa da vida de milhares de franceses. A Itália via Napoleão como seu libertador. Os poloneses tinham grandes esperanças nele.

Napoleão agiu como um conquistador agindo no interesse da burguesia francesa. Para os monarcas europeus, ele não era apenas um adversário militar, mas também um representante do mundo estranho da burguesia. Eles o odiavam. No início das guerras napoleónicas, o seu “Grande Exército” incluía muitos participantes diretos na revolução.

A personalidade do próprio Napoleão era fenomenal. O jovem Lermontov respondeu ao 10º aniversário da morte de Napoleão:

Ele é estranho ao mundo. Tudo sobre ele era um segredo

O dia da exaltação – e a hora da queda!

Este mistério atraiu especialmente a atenção dos românticos.

Em ligação com as guerras napoleónicas e o amadurecimento da autoconsciência nacional, este período foi caracterizado pela ascensão do movimento de libertação nacional. Alemanha, Áustria, Espanha lutaram contra a ocupação napoleónica, Itália - contra o jugo austríaco, Grécia - contra a Turquia, na Polónia lutaram contra o czarismo russo, Irlanda - contra os britânicos.

Mudanças surpreendentes ocorreram diante dos olhos de uma geração.

A França estava em ebulição acima de tudo: os tempestuosos cinco anos da Revolução Francesa, a ascensão e queda de Robespierre, as campanhas napoleónicas, a primeira abdicação de Napoleão, o seu regresso da ilha de Elba (“cem dias”) e o final

a derrota em Waterloo, o sombrio 15º aniversário do regime de restauração, a Revolução de Julho de 1860, a Revolução de Fevereiro de 1848 em Paris, que causou uma onda revolucionária em outros países.

Na Inglaterra, como resultado da revolução industrial da 2ª metade do século XIX. a produção de máquinas e as relações capitalistas foram estabelecidas. A reforma parlamentar de 1832 abriu caminho para a burguesia chegar ao poder estatal.

Nas terras da Alemanha e da Áustria, os governantes feudais mantiveram o poder. Após a queda de Napoleão, eles lidaram duramente com a oposição. Mas mesmo em solo alemão, a locomotiva a vapor, trazida da Inglaterra em 1831, tornou-se um factor de progresso burguês.

As revoluções industriais e as revoluções políticas mudaram a face da Europa. “A burguesia, em menos de cem anos de domínio de classe, criou forças produtivas mais numerosas e colossais do que todas as gerações anteriores juntas”, escreveram os cientistas alemães Marx e Engels em 1848.

Assim, a Grande Revolução Francesa (1789-1794) marcou um marco especial que separa a nova era da Era do Iluminismo. Não apenas as formas do Estado, a estrutura social da sociedade e a organização das classes mudaram. Todo o sistema de ideias, iluminado durante séculos, foi abalado. Os Iluministas prepararam ideologicamente a revolução. Mas eles não podiam prever todas as suas consequências. O “reino da razão” não aconteceu. A revolução, que proclamou a liberdade individual, deu origem à ordem burguesa, ao espírito de aquisição e ao egoísmo. Essa foi a base histórica para o desenvolvimento da cultura artística, que propôs um novo rumo - o romantismo.

3. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO

O romantismo como método e direção na cultura artística foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países teve uma forte expressão nacional. Na literatura, na música, na pintura e no teatro não é fácil encontrar características que unam Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.

Os românticos ocuparam diferentes posições sociais e políticas na sociedade. Todos se rebelaram contra os resultados da revolução burguesa, mas rebelaram-se de maneiras diferentes, pois cada um tinha o seu ideal. Mas apesar de todas as suas muitas faces e diversidade, o romantismo tem características estáveis.

A desilusão com a modernidade deu origem a uma especial interesse no passado: às formações sociais pré-burguesas, à antiguidade patriarcal. Muitos românticos tinham a ideia de que o pitoresco exotismo dos países do sul e do leste - Itália, Espanha, Grécia, Turquia - era um contraste poético com o enfadonho cotidiano burguês. Nesses países, então pouco tocados pela civilização, os românticos procuravam personagens brilhantes e fortes, um modo de vida original e colorido. O interesse pelo passado nacional deu origem a muitas obras históricas.

Esforçando-se para se elevar acima da prosa da existência, para liberar as diversas habilidades do indivíduo, para alcançar a máxima autorrealização na criatividade, os românticos se opuseram à formalização da arte e à abordagem direta e razoável dela, característica do classicismo. Todos vieram de negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que restringiu a iniciativa criativa do artista, e se o classicismo divide tudo em linha reta, em bom e mau, em preto e branco, então o romantismo não divide nada em linha reta. O classicismo é um sistema, mas o romantismo não. O Romantismo avançou o avanço dos tempos modernos do classicismo ao sentimentalismo, que mostra a vida interior do homem em harmonia com o mundo mais amplo. E o romantismo contrasta mundo interior harmonia. É com o romantismo que o verdadeiro psicologismo começa a aparecer.

O principal objetivo do romantismo era imagem do mundo interior, vida espiritual, e isso poderia ser feito com base em histórias, misticismo, etc. Era preciso mostrar o paradoxo desta vida interior, a sua irracionalidade.

Na sua imaginação, os românticos transformaram a realidade desagradável ou retiraram-se para o mundo das suas experiências. A lacuna entre o sonho e a realidade, a oposição da bela ficção à realidade objetiva, estava no cerne de todo o movimento romântico.

O romantismo levantou pela primeira vez o problema da linguagem da arte. “A arte é uma linguagem completamente diferente da natureza; mas também contém o mesmo poder milagroso, que afeta igualmente secreta e incompreensivelmente a alma humana” (Wackenroder e Tieck). O artista é um intérprete da linguagem da natureza, um mediador entre o mundo do espírito e das pessoas. “Graças aos artistas, a humanidade emerge como uma individualidade completa. Através da modernidade, os artistas unem o mundo do passado com o mundo do futuro. Eles são o órgão espiritual mais elevado no qual as forças vitais da sua humanidade exterior se encontram e onde a humanidade interior se manifesta antes de tudo” (F. Schlegel).

Contudo, o romantismo não foi um movimento homogêneo: seu desenvolvimento ideológico seguiu em direções diferentes. Entre os românticos estavam escritores reacionários, adeptos do antigo regime, que glorificavam a monarquia feudal e o cristianismo. Por outro lado, os românticos com uma visão de mundo progressista expressaram um protesto democrático contra a opressão feudal e todos os tipos de opressão, e encarnaram o impulso revolucionário do povo por um futuro melhor.

O Romantismo deixou uma era inteira na cultura artística mundial, seus representantes foram: na literatura V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, etc.; nas artes plásticas E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky e outros; na música F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e outros descobriram e desenvolveram novos gêneros, prestaram muita atenção ao destino da personalidade humana, revelaram a dialética de. bem e mal, paixões humanas magistralmente reveladas, etc.

Os tipos de arte igualaram-se mais ou menos em importância e produziram magníficas obras de arte, embora os românticos dessem primazia à música na escala das artes.

4. HERÓI ROMÂNTICO

Quem é um herói romântico e como ele é?

Este é um individualista. Um super-homem que viveu duas fases: antes de colidir com a realidade, vive num estado “rosa”, é dominado pelo desejo de realização, de mudar o mundo; depois de colidir com a realidade, ele continua a considerar este mundo vulgar e enfadonho, mas não se torna cético ou pessimista. Com uma compreensão clara de que nada pode ser mudado, o desejo de realização degenera em desejo de perigo.

Os românticos podiam atribuir um valor eterno e duradouro a cada pequena coisa, a cada fato concreto, a cada coisa. Joseph de Maistre chama isso de “os caminhos da Providência”, Germaine de Stael chama de “o ventre fecundo do universo imortal”. Chateaubriand em O Gênio do Cristianismo, em livro dedicado à história, aponta diretamente para Deus como o início do tempo histórico. A sociedade surge como uma ligação inabalável, “um fio de vida que nos liga aos nossos antepassados ​​e que devemos estender aos nossos descendentes”. Somente o coração de uma pessoa, e não a sua mente, pode compreender e ouvir a voz do Criador, através da beleza da natureza, através de sentimentos profundos. A natureza é divina, uma fonte de harmonia e criatividade, e as suas metáforas são frequentemente transportadas para o léxico político pelos românticos. Para os românticos, a árvore torna-se símbolo de clã, desenvolvimento espontâneo, percepção dos sucos da terra natal, símbolo de unidade nacional. Quanto mais inocente e sensível for a natureza de uma pessoa, mais facilmente ela ouvirá a voz de Deus. Uma criança, uma mulher, um jovem nobre percebe com mais frequência do que outros a imortalidade da alma e o valor da vida eterna. A sede de felicidade entre os românticos não se limita ao desejo idealista do Reino de Deus após a morte.

Além do amor místico por Deus, uma pessoa precisa de um amor real e terreno. Incapaz de possuir o objeto de sua paixão, o herói romântico tornou-se um eterno mártir, condenado a esperar o encontro com sua amada na vida após a morte, “pois um grande amor é digno da imortalidade quando custa a vida de uma pessoa”.

O problema do desenvolvimento e da educação da personalidade ocupa um lugar especial na obra dos românticos. A infância é desprovida de leis; seus impulsos instantâneos violam a moralidade pública, obedecendo às suas próprias regras de brincadeira infantil. No adulto, reações semelhantes levam à morte, à condenação da alma. Em busca do reino celestial, a pessoa deve compreender as leis do dever e da moralidade, só então poderá esperar vida eterna. Visto que o dever é ditado aos românticos pelo desejo de obter a vida eterna, o cumprimento do dever proporciona felicidade pessoal em sua manifestação mais profunda e poderosa. Ao dever moral acrescenta-se o dever dos sentimentos profundos e dos interesses sublimes. Sem misturar os méritos dos diferentes sexos, os românticos defendem a igualdade no desenvolvimento espiritual de homens e mulheres. Da mesma forma, o dever cívico é ditado pelo amor a Deus e às suas instituições. A aspiração pessoal encontra a sua realização numa causa comum, na aspiração de toda a nação, de toda a humanidade, de todo o mundo.

Cada cultura teve seu herói romântico, mas Byron teve uma atuação típica em sua obra Charles Harold. herói romântico. Ele colocou a máscara de seu herói (sugere que não há distância entre o herói e o autor) e conseguiu corresponder ao cânone romântico.

Todas as obras românticas se distinguem por traços característicos:

Em primeiro lugar, em toda obra romântica não existe distância entre o herói e o autor.

Em segundo lugar, o autor não julga o herói, mas mesmo que algo de ruim seja dito sobre ele, a trama é estruturada de tal forma que o herói não tem culpa. O enredo de uma obra romântica costuma ser romântico. Os românticos também constroem uma relação especial com a natureza; gostam de tempestades, trovoadas e desastres.

5. ROMANTISMO NA RÚSSIA.

O romantismo na Rússia diferia da Europa Ocidental devido a uma situação histórica diferente e a uma tradição cultural diferente. A Revolução Francesa não pode ser incluída entre as causas da sua ocorrência; um círculo muito restrito de pessoas depositou quaisquer esperanças nas transformações no seu curso. E os resultados da revolução foram completamente decepcionantes. A questão do capitalismo na Rússia no início do século XIX. não resistiu. Portanto, também não havia razão para isso. A verdadeira razão foi Guerra Patriótica 1812, em que foi demonstrado todo o poder da iniciativa popular. Mas depois da guerra, o povo não recebeu liberdade. Os melhores da nobreza, insatisfeitos com a realidade, chegaram à Praça do Senado em dezembro de 1825. Esse ato também não passou despercebido para a intelectualidade criativa. Os turbulentos anos do pós-guerra tornaram-se o cenário em que o romantismo russo se formou.

O romantismo, e, além disso, o nosso, russo, desenvolveu-se e moldou-se nas nossas formas originais, o romantismo não foi um simples literário, mas um fenómeno de vida, toda uma era de desenvolvimento moral, uma época que teve uma cor especial, realizando um especial vista na vida... Deixe a tendência romântica vir de fora, da vida ocidental e Literatura ocidental, encontrou na natureza russa solo pronto para sua percepção e, portanto, se refletiu em fenômenos completamente originais, como avaliou o poeta e crítico Apollo Grigoriev - este é um fenômeno cultural único, e suas características mostram a complexidade essencial do romantismo, desde as profundezas da qual surgiu o jovem Gogol e com quem esteve associado não apenas no início de sua carreira de escritor, mas ao longo de sua vida.

Apollo Grigoriev definiu com precisão a natureza da influência da escola romântica na literatura e na vida, inclusive na prosa da época: não uma simples influência ou empréstimo, mas uma vida característica e poderosa e uma tendência literária que deu fenômenos completamente originais no jovem russo literatura.

a) Literatura

O romantismo russo é geralmente dividido em vários períodos: o inicial (1801-1815), o maduro (1815-1825) e o período de desenvolvimento pós-dezembrista. Contudo, em relação ao período inicial, a convencionalidade deste esquema é marcante. Pois o alvorecer do romantismo russo está associado aos nomes de Zhukovsky e Batyushkov, poetas cuja obra e atitude são difíceis de colocar lado a lado e comparar dentro do mesmo período, seus objetivos, aspirações e temperamentos são tão diferentes. Nos poemas de ambos os poetas ainda se pode sentir a poderosa influência do passado - a era do sentimentalismo, mas se Zhukovsky ainda está profundamente enraizado nela, então Batyushkov está muito mais próximo das novas tendências.

Belinsky observou corretamente que o trabalho de Zhukovsky é caracterizado por “queixas sobre esperanças imperfeitas que não tinham nome, tristeza pela felicidade perdida, que só Deus sabe em que consistia”. Com efeito, na pessoa de Zhukovsky, o romantismo ainda dava os primeiros passos tímidos, prestando homenagem à melancolia sentimental e melancólica, à mágoa vaga e subtil, numa palavra, aquele complexo conjunto de sentimentos que na crítica russa era denominado “romantismo do Médio Idades.”

Uma atmosfera completamente diferente reina na poesia de Batyushkov: a alegria de ser, a sensualidade franca, um hino ao prazer.

Zhukovsky é legitimamente considerado um representante proeminente do humanismo estético russo. Alheio às paixões fortes, o complacente e manso Zhukovsky foi visivelmente influenciado pelas ideias de Rousseau e dos românticos alemães. Seguindo-os, ele atribuiu grande importância ao lado estético na religião, na moral e nas relações sociais. A arte adquiriu um significado religioso de Zhukovsky; ele procurou ver na arte a “revelação” de verdades superiores que eram “sagradas” para ele; Os românticos alemães caracterizaram-se pela identificação entre poesia e religião. Encontramos a mesma coisa em Zhukovsky, que escreveu: “A poesia é Deus nos sonhos sagrados da terra”. No romantismo alemão, ele estava especialmente próximo da atração por tudo o que está além, pelo “lado noturno da alma”, pelo “inexprimível” na natureza e no homem. A natureza na poesia de Zhukovsky é cercada de mistério, suas paisagens são fantasmagóricas e quase irreais, como reflexos na água:

Como o incenso se funde com o frescor das plantas!

Quão doce é o barulho dos jatos no silêncio da costa!

Quão suavemente o zéfiro sopra pelas águas

E o esvoaçar do salgueiro flexível!

A alma sensível, terna e sonhadora de Zhukovsky parece congelar docemente no limiar “daquela luz misteriosa”. O poeta, na expressão adequada de Belinsky, “ama e mergulha seu sofrimento”, mas esse sofrimento não fere seu coração com feridas cruéis, pois mesmo na melancolia e na tristeza sua vida interior é tranquila e serena. Portanto, quando em uma carta a Batyushkov, “o filho da felicidade e da diversão”, ele chama o poeta epicurista de “parente da Musa”, é difícil acreditar nessa relação. Em vez disso, acreditaremos no virtuoso Zhukovsky, que aconselha amigavelmente o cantor sobre os prazeres terrenos: “Rejeite a voluptuosidade, os sonhos são perniciosos!”

Batyushkov é uma figura oposta a Zhukovsky em tudo. Foi um homem de fortes paixões e a sua vida criativa terminou 35 anos antes da sua existência física: ainda muito jovem mergulhou no abismo da loucura. Ele se entregou às alegrias e às tristezas com igual força e paixão: na vida, como em sua compreensão poética, o “meio-termo” era estranho para ele - ao contrário de Zhukovsky. Embora sua poesia também seja caracterizada pelo elogio da amizade pura, pela alegria de um “canto humilde”, seu idílio não é de forma alguma modesto e tranquilo, pois Batyushkov não pode imaginá-lo sem a felicidade lânguida dos prazeres apaixonados e a embriaguez da vida. Às vezes, o poeta fica tão fascinado pelas alegrias sensuais que está pronto para rejeitar imprudentemente a sabedoria opressiva da ciência:

É possível que em verdades tristes

Estóicos sombrios e sábios chatos,

Sentado em vestidos funerários,

Entre os escombros e os caixões,

Encontraremos a doçura de nossas vidas?

Deles, eu vejo, alegria

Voa como uma borboleta em arbustos espinhosos.

Para eles não há encanto nas delícias da natureza,

As donzelas não cantam para eles, entrelaçando-se em danças circulares;

Para eles, como para os cegos,

Primavera sem alegria e verão sem flores.

A verdadeira tragédia raramente soa em seus poemas. Somente no final de sua vida criativa, quando começou a apresentar sinais de doença mental, um de seus últimos poemas foi registrado a partir de ditado, no qual se ouvem claramente os motivos da futilidade da existência terrena:

Você se lembra do que disse?

Dizendo adeus à vida, Melquisedeque de cabelos grisalhos?

Um homem nasceu escravo,

Ele irá para o túmulo como um escravo,

E a morte dificilmente lhe dirá

Por que ele caminhou pelo vale das lágrimas maravilhosas,

Sofri, chorei, aguentei,

Na Rússia, o romantismo como movimento literário desenvolveu-se na década de vinte do século XIX. Poetas, prosadores e escritores estiveram em suas origens; eles criaram o romantismo russo, que diferia do “Europeu Ocidental” em seu caráter nacional e original. O romantismo russo foi desenvolvido por poetas da primeira metade do século XIX, e cada poeta contribuiu com algo novo. O romantismo russo desenvolveu-se amplamente, adquiriu traços característicos e tornou-se um movimento independente na literatura. Em "Ruslan e Lyudmila" A.S. Pushkin diz: “Existe um espírito russo, existe um cheiro de Rússia”. O mesmo pode ser dito sobre o romantismo russo. Heróis obras românticas- almas poéticas que buscam o “elevado” e o belo. Mas existe um mundo hostil que não permite sentir a liberdade, que deixa estas almas incompreendidas. Este mundo é difícil, então alma poética corre para outro, onde há um ideal, ela luta pelo “eterno”. O romantismo é baseado neste conflito. Mas os poetas tiveram atitudes diferentes em relação a esta situação. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, com base em uma coisa, constroem a relação entre seus heróis e o mundo ao seu redor de maneira diferente, portanto, seus heróis tiveram caminhos diferentes para o ideal.

A realidade é terrível, rude, atrevida e egoísta; não há lugar nela para os sentimentos, sonhos e desejos do poeta e de seus heróis. O “verdadeiro” e o eterno estão no outro mundo. Daí o conceito de mundos duais; o poeta luta por um desses mundos em busca de um ideal.

A posição de Zhukovsky não era a posição de uma pessoa que entrou em luta com o mundo exterior, que o desafiou. Foi um caminho pela unidade com a natureza, um caminho de harmonia com a natureza, num mundo eterno e belo. Zhukovsky, de acordo com muitos pesquisadores (incluindo Yu.V. Mann), expressa sua compreensão deste processo de unificação em “O Inexprimível”. A unidade é o vôo da alma. A beleza que te cerca preenche sua alma, está em você, e você está nela, a alma voa, não existe tempo nem espaço, mas você existe na natureza, e neste momento você vive, você quer cantar sobre essa beleza , mas não há palavras para expressar sua condição, há apenas um sentimento de harmonia. Você não se incomoda com as pessoas ao seu redor, as almas prosaicas, mais lhe é revelado, você é livre.

Pushkin e Lermontov abordaram esse problema do romantismo de maneira diferente. Não há dúvida de que a influência exercida por Zhukovsky sobre Pushkin não poderia deixar de se refletir no trabalho deste último. Para criatividade precoce Pushkin é caracterizado pelo romantismo “civil”. Sob a influência de “O Cantor no Campo dos Guerreiros Russos” de Zhukovsky e das obras de Griboyedov, Pushkin escreveu a ode “Liberdade”, “Para Chaadaev”. Neste último ele chama:

“Meu amigo! Dediquemos nossas almas à nossa Pátria com impulsos maravilhosos...” Este é o mesmo desejo pelo ideal que Zhukovsky tinha, apenas Pushkin entende o ideal à sua maneira, portanto o caminho do poeta para o ideal é diferente. Ele não quer e não pode lutar apenas pelo ideal; Pushkin via a realidade e o ideal de maneira diferente. Você não pode chamar isso de motim, é uma reflexão sobre um elemento rebelde. Isso se refletiu na ode “Mar”. Esta é a força e o poder do mar, o mar é livre, atingiu o seu ideal. O homem também deve tornar-se livre, o seu espírito deve ser livre.

A busca por um ideal é o principal traço característico do romantismo. Manifestou-se nas obras de Zhukovsky, Pushkin e Lermontov. Os três poetas procuravam a liberdade, mas procuravam-na de maneiras diferentes, entendiam-na de forma diferente. Zhukovsky procurava a liberdade enviada pelo “criador”. Tendo encontrado a harmonia, a pessoa torna-se livre. Para Pushkin, era importante a liberdade de espírito, que deveria se manifestar na pessoa. Para Lermontov, apenas o herói rebelde é livre. Revolta pela liberdade, o que poderia ser mais bonito? Essa atitude em relação ao ideal foi preservada nas letras de amor dos poetas. Na minha opinião, essa atitude se deve ao tempo. Embora todos tenham trabalhado quase no mesmo período, o tempo de sua criatividade foi diferente, os eventos se desenvolveram com extraordinária velocidade. Os personagens dos poetas também influenciaram muito seus relacionamentos. O calmo Zhukovsky e o rebelde Lermontov são completamente opostos. Mas o romantismo russo desenvolveu-se precisamente porque as naturezas destes poetas eram diferentes. Eles introduziram novos conceitos, novos personagens, novos ideais e deram uma compreensão completa do que é a liberdade, do que é a vida real. Cada um deles representa o seu próprio caminho para o ideal; este é o direito de escolha de cada indivíduo.

O próprio surgimento do romantismo foi muito perturbador. O indivíduo humano agora estava no centro do mundo inteiro. O “eu” humano passou a ser interpretado como base e sentido de toda existência. A vida humana começou a ser vista como uma obra de arte, arte. No século XIX, o romantismo era muito difundido. Mas nem todos os poetas que se autodenominavam românticos transmitiram a essência desse movimento.

Agora, no final do século XX, já podemos classificar os românticos do século passado nesta base em dois grupos. Um e provavelmente o mais extenso grupo é aquele que uniu os românticos “formais”. É difícil suspeitar de falta de sinceridade, pelo contrário, eles transmitem seus sentimentos com muita precisão; Entre eles estão Dmitry Venevitinov (1805-1827) e Alexander Polezhaev (1804-1838). Esses poetas utilizaram a forma romântica, por considerá-la a mais adequada para atingir seu objetivo artístico. Assim, D. Venevitinov escreve:

Eu sinto que está queimando dentro de mim

Santa chama de inspiração,

Mas o espírito voa em direção a um objetivo sombrio...

Encontrarei um penhasco confiável,

Onde posso descansar meu pé com firmeza?

Este é um típico poema romântico. Ele usa vocabulário romântico tradicional - tanto “chama de inspiração” quanto “espírito elevado”. Assim, o poeta descreve seus sentimentos. Mas nada mais. O poeta é limitado pelo enquadramento do romantismo, pela sua “aparência verbal”. Tudo é simplificado para alguns clichês.

Os representantes de outro grupo de românticos do século XIX, é claro, foram A.S. Pushkin e M. Lermontov. Esses poetas, ao contrário, preencheram a forma romântica com conteúdos próprios. O período romântico na vida de A. Pushkin foi curto, então ele teve poucos trabalhos românticos. “Prisioneiro do Cáucaso” (1820-1821) é um dos primeiros poemas românticos de A.S. Pushkin. Diante de nós está uma versão clássica de uma obra romântica. O autor não nos dá um retrato do seu herói, nem sequer sabemos o seu nome. E isso não é surpreendente - todos os heróis românticos são semelhantes entre si. Eles são jovens, bonitos... e infelizes. O enredo da obra também é classicamente romântico. Prisioneira russa entre os circassianos, uma jovem circassiana se apaixona por ele e o ajuda a escapar. Mas ele ama outra pessoa desesperadamente... O poema termina tragicamente - a mulher circassiana se joga na água e morre, e a russa, libertada do cativeiro “físico”, cai em outro cativeiro mais doloroso - o cativeiro da alma. O que sabemos sobre o passado do herói?

Um longo caminho leva à Rússia...

.....................................

Onde abracei um sofrimento terrível,

Onde vida agitada arruinado

Esperança, alegria e desejo.

Ele veio para a estepe em busca de liberdade, tentando escapar de sua vida passada. E agora, quando a felicidade parecia tão próxima, ele teve que fugir novamente. Mas onde? De volta ao mundo onde ele “abraçou um sofrimento terrível”.

Renegado da luz, amigo da natureza,

Ele deixou sua terra natal

E voou para uma terra distante

Com o alegre fantasma da liberdade.

Mas o “fantasma da liberdade” permaneceu um fantasma. Ele assombrará para sempre o herói romântico. Outro poema romântico é “Ciganos”. Nele, o autor novamente não dá ao leitor um retrato do herói, apenas sabemos seu nome - Aleko; Ele veio ao acampamento para experimentar o verdadeiro prazer, a verdadeira liberdade. Por ela, ele abandonou tudo o que antes o cercava. Ele se tornou livre e feliz? Parece que Aleko ama, mas com esse sentimento só vem o infortúnio e o desprezo. Aleko, que tanto ansiava pela liberdade, não conseguia reconhecer a vontade de outra pessoa. Este poema revelou outro dos traços extremamente característicos da visão de mundo do herói romântico - o egoísmo e a total incompatibilidade com o mundo ao seu redor. Aleko não é punido com a morte, mas com uma punição mais terrível - com a solidão e o debate. Ficou sozinho no mundo do qual fugiu, mas no outro, tão desejado, foi novamente deixado sozinho.

Antes de escrever “Prisioneiro do Cáucaso”, Pushkin disse uma vez: “Não estou apto para ser o herói de um poema romântico”; porém, na mesma época, em 1820, Pushkin escreveu seu poema “The Daylight Has Extinguished...”. Nele você encontra todo o vocabulário inerente ao romantismo. Esta é a “costa distante”, e o “oceano sombrio”, e a “excitação e melancolia” que atormentam o autor. O refrão percorre todo o poema:

Preocupação abaixo de mim, oceano taciturno.

Está presente não apenas na descrição da natureza, mas também na descrição dos sentimentos do herói.

...Mas antigas feridas cardíacas,

Nada curou as feridas profundas do amor...

Faça barulho, faça barulho, vela obediente,

Preocupe-se abaixo de mim, oceano sombrio...

Ou seja, a natureza passa a ser outro personagem, outro herói lírico do poema. Mais tarde, em 1824, Pushkin escreveu o poema “To the Sea”. O herói romântico nele, como em “The Daylight Has Gone Out...”, tornou-se novamente o próprio autor. Aqui Pushkin volta-se para o mar como um símbolo tradicional de liberdade. O mar é um elemento que significa liberdade e felicidade. No entanto, Pushkin constrói este poema de forma inesperada:

Você esperou, você ligou... eu estava acorrentado;

Minha alma foi dilacerada em vão:

Encantado por uma paixão poderosa,

Fiquei à beira-mar...

Podemos dizer que este poema encerra o período romântico da vida de Pushkin. Foi escrito por um homem que sabe que depois de alcançar a chamada liberdade “física”, o herói romântico não fica feliz.

Nas florestas, nos desertos estão em silêncio

Eu vou aguentar, estou cheio de você,

Suas pedras, suas baías...

Neste momento, Pushkin chega à conclusão de que a verdadeira liberdade só pode existir dentro de uma pessoa e só ela pode torná-la verdadeiramente feliz.

A versão do romantismo de Byron foi vivida e sentida em sua obra, primeiro por Pushkin, depois por Lermontov. Pushkin tinha o dom de dar atenção às pessoas, mas o mais romântico dos poemas românticos da obra do grande poeta e prosaico é, sem dúvida, “A Fonte de Bakhchisarai”.

O poema “A Fonte de Bakhchisarai” ainda apenas continua a busca de Pushkin no gênero de um poema romântico. E não há dúvida de que isso foi evitado pela morte do grande escritor russo.

O tema romântico nas obras de Pushkin recebeu duas versões diferentes: há um herói romântico heróico (“cativo”, “ladrão”, “fugitivo”), que se distingue por uma vontade forte, que passou por uma cruel prova de paixões violentas, e lá é um herói sofredor em quem as experiências emocionais sutis são incompatíveis com a crueldade do mundo exterior (“exílio”, “prisioneiro”). O princípio passivo do personagem romântico agora adquiriu uma aparência feminina em Pushkin. “A Fonte de Bakhchisarai” desenvolve precisamente este aspecto do herói romântico.

Em “O Prisioneiro do Cáucaso” toda a atenção foi dada ao “prisioneiro” e muito pouca à “mulher circassiana”, agora pelo contrário - Khan Girey é uma figura nada mais do que pouco dramática, e de facto a principal personagem é uma mulher, até duas - Zarema e Maria. Pushkin também usa a solução para a dualidade do herói encontrada em poemas anteriores (através da imagem de irmãos acorrentados): o princípio passivo é retratado na pessoa de dois personagens - o ciumento e apaixonadamente apaixonado Zarema e a triste, perdida esperança e amor Maria . Ambas são duas paixões contraditórias de natureza romântica: decepção, desânimo, desesperança e ao mesmo tempo ardor espiritual, intensidade de sentimentos; a contradição se resolve tragicamente no poema - a morte de Maria também não trouxe felicidade a Zarema, pois estão ligados por laços misteriosos. Assim, em “The Robber Brothers”, a morte de um dos irmãos obscureceu para sempre a vida do outro.

No entanto, B.V. Tomashevsky observou com razão, “o isolamento lírico do poema também determinou uma certa pobreza de conteúdo... A vitória moral sobre Zarema não leva a novas conclusões e reflexões... “Prisioneiro do Cáucaso” tem uma continuação clara na obra de Pushkin: tanto Aleko quanto Evgeny Onegin resolvem... questões colocadas no primeiro poema do sul. “A Fonte Bakhchisarai” não tem tal continuação...”

Pushkin sentiu e identificou o ponto mais vulnerável da posição romântica de uma pessoa: ele quer tudo só para si.

O poema "Mtsyri" de Lermontov também não reflete totalmente os traços característicos do romantismo.

Existem dois heróis românticos neste poema, portanto, se este é um poema romântico, então é muito único: em primeiro lugar, o segundo herói é transmitido pelo autor através de uma epígrafe; em segundo lugar, o autor não se conecta com Mtsyri, o herói resolve o problema da obstinação à sua maneira, e Lermontov ao longo de todo o poema só pensa em resolver esse problema. Ele não julga seu herói, mas também não o justifica, mas assume uma certa posição - a compreensão. Acontece que o romantismo na cultura russa se transforma em reflexão. Acontece o romantismo do ponto de vista do realismo.

Podemos dizer que Pushkin e Lermontov não conseguiram se tornar românticos (no entanto, Lermontov uma vez conseguiu cumprir as leis românticas - no drama Masquerade). Com seus experimentos, os poetas mostraram que na Inglaterra a posição do individualista poderia ser frutífera, mas na Rússia não. Embora Pushkin e Lermontov não tenham conseguido se tornar românticos, eles abriram caminho para o desenvolvimento do realismo. Em 1825, foi publicada a primeira obra realista: “Boris Godunov”, depois “A Filha do Capitão”, “Eugene Onegin”, “Herói do Nosso Tempo” e muitos outros.

b) Pintura

Nas artes plásticas, o romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na gráfica, menos expressivamente na escultura e na arquitetura. Representantes proeminentes do romantismo nas artes plásticas foram os pintores românticos russos. Nas suas pinturas expressaram o espírito de liberdade, de acção activa e apelaram com paixão e temperamento à manifestação do humanismo. As pinturas cotidianas dos pintores russos distinguem-se pela sua relevância, psicologismo e expressão sem precedentes. As paisagens espiritualizadas e melancólicas são novamente a mesma tentativa dos românticos de penetrar no mundo humano, de mostrar como uma pessoa vive e sonha no mundo sublunar. A pintura romântica russa diferia da pintura estrangeira. Isso foi determinado tanto pela situação histórica quanto pela tradição.

Características do russo pintura romântica:

A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. Portanto, o romantismo não foi expresso com clareza.

O romantismo desenvolveu-se paralelamente ao classicismo, muitas vezes entrelaçado com ele.

A pintura acadêmica na Rússia ainda não se esgotou.

O romantismo na Rússia não era um fenômeno estável. Os românticos foram atraídos pelo academicismo. Em meados do século XIX. a tradição romântica quase desapareceu.

Obras relacionadas ao romantismo começaram a aparecer na Rússia já na década de 1790 (as obras de Teodósio Yanenko “Viajantes apanhados em uma tempestade” (1796), “Auto-retrato em um capacete” (1792). O protótipo neles é óbvio - Salvator Rosa, muito popular na virada dos séculos XVIII e XIX. Mais tarde, a influência deste artista proto-romântico será perceptível na obra de Alexander Orlovsky, cenas ao redor do fogo, batalhas que o acompanharam o tempo todo. caminho criativo. Como em outros países, os artistas pertencentes ao romantismo russo introduziram um clima emocional completamente novo nos gêneros clássicos de retrato, paisagem e cenas de gênero.

Na Rússia, o romantismo começou a aparecer primeiro em pintura de retrato. No primeiro terço do século XIX, perdeu em grande parte o contacto com a aristocracia dignitária. Retratos de poetas, artistas, mecenas e imagens de camponeses comuns começaram a ocupar um lugar significativo. Esta tendência foi especialmente pronunciada nas obras de O.A. Kiprensky (1782 – 1836) e V.A. Tropinina (1776 – 1857).

Vasily Andreevich Tropinin buscou uma caracterização viva e descontraída de uma pessoa, expressa por meio de seu retrato. Retrato de um Filho (1818), “Retrato de A.S. Pushkin” (1827), “Autorretrato” (1846) surpreendem não pela semelhança do retrato com os originais, mas pela penetração extraordinariamente sutil no mundo interior de uma pessoa.

Retrato de um filho- Arseny Tropinina é um dos melhores na obra do mestre. O esquema de cores douradas suaves e refinadas lembra a pintura de Valerie do século XVIII. No entanto, em comparação com o típico retrato infantil do romantismo do século XVIII. Aqui a imparcialidade do design é impressionante - esta criança representa muito pouco. O olhar de Arseny passa pelo espectador, ele está vestido casualmente, o portão parece ter sido aberto acidentalmente. A falta de representação reside na extraordinária fragmentação da composição: a cabeça ocupa quase toda a superfície da tela, a imagem é recortada até à clavícula e, assim, o rosto do menino é movido mecanicamente em direção ao espectador.

A história da criação é extremamente interessante “Retrato de Pushkin.” Como de costume, para o primeiro contato com Pushkin, Tropinin foi à casa de Sobolevsky correndo como um cachorro, onde o poeta morava na época. O artista o encontrou em seu escritório brincando com os cachorrinhos. Foi então, aparentemente, que um pequeno esboço foi escrito com base na primeira impressão que Tropinin tanto valorizava. Por muito tempo ele permaneceu fora da vista de seus perseguidores. Apenas quase cem anos depois, em 1914, foi publicado pela P.M. Shchekotov, que escreveu que de todos os retratos de Alexander Sergeevich, ele “transmite melhor suas características... os olhos azuis do poeta aqui são preenchidos com um brilho especial, a cabeça gira rapidamente e os traços faciais são expressivos e móveis. Sem dúvida, aqui são capturadas as características faciais autênticas de Pushkin, que encontramos separadamente em um ou outro dos retratos que chegaram até nós. Ficamos perplexos”, acrescenta Shchekotov, “por que este encantador esboço não recebeu a devida atenção dos editores e conhecedores do poeta”. Isso se explica pelas próprias qualidades do pequeno esboço: não havia brilho nas cores, nem beleza nas pinceladas, nem “circunstâncias” habilmente escritas nele. E Pushkin aqui não é uma “vitia” popular, nem um “gênio”, mas antes de tudo uma pessoa. E dificilmente é passível de análise por que um conteúdo humano tão grande está contido nos tons monocromáticos verde-acinzentados e oliva, nas pinceladas apressadas e aparentemente aleatórias de um esboço de aparência quase imperceptível. Repassando na memória toda a vida e os retratos subsequentes de Pushkin, este esboço, em termos do poder da humanidade, só pode ser colocado ao lado da figura de Pushkin, esculpida pelo escultor soviético A. Matveev. Mas esta não foi a tarefa que Tropinin se propôs; não era esse o tipo de Pushkin que seu amigo queria ver, embora tenha ordenado que o poeta fosse retratado de uma forma simples e caseira.

Na avaliação do artista, Pushkin era um “poeta-czar”. Mas ele também era um poeta do povo, era um dos seus e próximo de todos. “A semelhança do retrato com o original é impressionante”, escreveu Polevoy após terminá-lo, embora tenha notado a falta de “rapidez de olhar” e “vivacidade de expressão facial”, que muda e se anima em Pushkin a cada nova impressão.

No retrato tudo é pensado e verificado nos mínimos detalhes e, ao mesmo tempo, não há nada deliberado, nada trazido pelo artista. Até os anéis que adornam os dedos do poeta ganham destaque na medida em que o próprio Pushkin lhes atribuiu importância na vida. Entre as revelações pictóricas de Tropinin, o retrato de Pushkin surpreende pela sonoridade de seu alcance.

O romantismo de Tropinin expressou claramente origens sentimentais. Foi Tropinin o fundador do gênero, retrato um tanto idealizado de um homem do povo (“A Rendeira” (1823)). “Especialistas e não especialistas”, escreve Svinin sobre “A Rendeira,” - fique admirado ao olhar para este quadro, que verdadeiramente une todas as belezas da arte pictórica: a simpatia do pincel, a iluminação correta e feliz, o colorido claro e natural, além disso, neste retrato a alma da beleza é revelada e; aquele olhar malicioso de curiosidade que ela lança para alguém que entrou naquele momento. Os braços, descobertos pelos cotovelos, pararam junto com o olhar, o trabalho parou, um suspiro saiu do seio virgem, coberto por um lenço de musselina - e tudo isso é retratado com tanta verdade e simplicidade que esta imagem pode muito facilmente ser confundido com a obra de maior sucesso do glorioso Sonho. Itens incidentais, como um travesseiro de renda e uma toalha, são arrumados com grande habilidade e trabalhados com finalidade...”

No início do século 19, Tver era um importante centro cultural da Rússia. Todas as pessoas proeminentes de Moscou participavam de noites literárias aqui. Aqui o jovem Orest Kiprensky conheceu A.S. Pushkin, cujo retrato, pintado mais tarde, tornou-se a pérola da arte retratística mundial, e A.S. Pushkin dedicou-lhe poemas, onde o chamou de “o queridinho da moda de asas leves”. Retrato de Pushkin os pincéis de O. Kiprensky são uma personificação viva do gênio poético. Na virada decisiva da cabeça, nos braços energicamente cruzados sobre o peito, em toda a aparência do poeta, reflete-se um sentimento de independência e liberdade. Foi sobre ele que Pushkin disse: “Eu me vejo como num espelho, mas esse espelho me lisonjeia”. Na obra sobre o retrato de Pushkin, Tropinin e Kiprensky encontram-se pela última vez, embora este encontro não ocorra pessoalmente, mas muitos anos depois na história da arte, onde, via de regra, dois retratos do maior russo poeta, criado simultaneamente, mas em lugares diferentes, são comparados - um em Moscou. A outra fica em São Petersburgo. Ora, este é um encontro de mestres igualmente importantes em sua importância para a arte russa. Embora os admiradores de Kiprensky afirmem que as vantagens artísticas estão do lado do seu retrato romântico, onde o poeta é apresentado imerso nos seus próprios pensamentos, sozinho com a musa, a nacionalidade e a democracia da imagem estão certamente do lado do “Pushkin” de Tropinsky. .

Assim, dois retratos refletiam duas direções da arte russa, concentradas em duas capitais. E os críticos escreverão posteriormente que Tropinin foi para Moscou o que Kiprensky foi para São Petersburgo.

Uma característica distintiva dos retratos de Kiprensky é que eles mostram o encanto espiritual e a nobreza interior de uma pessoa. O retrato de um herói, corajoso e fortemente sentimental, deveria incorporar o pathos dos sentimentos patrióticos e amantes da liberdade do povo russo progressista.

Na porta da frente “Retrato de E.V.(1809) mostra a figura de um oficial que mostrava diretamente a expressão daquele culto à personalidade forte e corajosa, tão típico do romantismo daqueles anos. A paisagem mostrada fragmentariamente, onde um raio de luz luta contra as trevas, sugere as ansiedades espirituais do herói, mas em seu rosto há um reflexo de sensibilidade sonhadora. Kiprensky procurava o “humano” em uma pessoa, e o ideal não o protegia dos traços de caráter pessoal do modelo.

Os retratos de Kiprensky, se você olhar para eles com os olhos da mente, mostram a riqueza espiritual e natural de uma pessoa, sua força intelectual. Sim, ele tinha um ideal de personalidade harmoniosa, do qual também falavam seus contemporâneos, mas Kiprensky não se esforçou para projetar literalmente esse ideal em uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, ele seguiu a natureza, como se medisse o quão longe ou perto ela estava de tal ideal. Em essência, muitos dos retratados por ele estão à beira do ideal, aspiravam a ele, mas o próprio ideal, segundo as ideias da estética romântica, dificilmente é alcançável, e toda arte romântica é apenas o caminho para isso.

Observando as contradições nas almas de seus heróis, mostrando-as nos momentos de ansiedade da vida, quando o destino muda, velhas ideias são quebradas, a juventude desaparece, etc., Kiprensky parece estar vivenciando junto com seus modelos. Daí o especial envolvimento do retratista na interpretação das imagens artísticas, o que confere ao retrato um toque sincero.

No período inicial do trabalho de Kiprensky, você não verá pessoas infectadas com ceticismo e análises que corroem a alma. Isso acontecerá mais tarde, quando o tempo romântico vivenciar seu outono, dando lugar a outros estados de espírito e sentimentos, quando as esperanças de triunfo do ideal de uma personalidade harmoniosa desmoronarem. Em todos os retratos de 1800 e nos retratos executados em Tver, o pincel ousado de Kiprensky é visível, construindo formas com facilidade e liberdade. A complexidade das técnicas técnicas e a natureza da figura mudavam de obra para obra.

Vale ressaltar que nos rostos de seus heróis você não verá a euforia heróica, pelo contrário, a maioria dos rostos são bastante tristes, entregam-se à reflexão; Parece que essas pessoas estão preocupadas com o destino da Rússia, pensando mais no futuro do que no presente. Nas imagens femininas que representam as esposas e irmãs dos participantes de eventos significativos, Kiprensky também não buscou uma exaltação heróica deliberada. Uma sensação de facilidade e naturalidade prevalece. Ao mesmo tempo, em todos os retratos há muita nobreza de alma. As imagens femininas atraem pela modesta dignidade e integridade da natureza; nos rostos dos homens pode-se discernir um pensamento curioso, uma disposição para o ascetismo. Essas imagens coincidiram com o amadurecimento das ideias éticas e estéticas dos dezembristas. Seus pensamentos e aspirações foram então compartilhados por muitos (a criação de sociedades secretas com determinados programas sociais e políticos ocorreu no período 1816-1821), e o artista os conhecia, e portanto podemos dizer que seus retratos de participantes nos eventos de 1812-1814, imagens de camponeses, criadas nos mesmos anos, é uma espécie de paralelo artístico aos conceitos emergentes do Decembrismo.

Marcado com a marca brilhante do ideal romântico “Retrato de V.A. Zhukovsky”(1816). O artista, ao criar um retrato encomendado por S.S. Uvarov, decidiu mostrar aos seus contemporâneos não só a imagem do poeta, bastante conhecido no meio literário, mas também demonstrar uma certa compreensão da personalidade do poeta romântico. Diante de nós está um tipo de poeta que expressou a direção filosófica e sonhadora do romantismo russo. Kiprensky apresentou Zhukovsky num momento de inspiração criativa. O vento despenteou os cabelos do poeta, as árvores espalham ansiosamente seus galhos durante a noite, as ruínas de edifícios antigos quase não são visíveis. Era assim que um criador de baladas românticas deveria ser. As cores escuras realçam a atmosfera misteriosa. Seguindo o conselho de Uvarov, Kiprensky não completa fragmentos individuais do retrato, para que a “completude excessiva” não extinga o espírito, o temperamento e a emotividade.

Muitos retratos foram pintados por Kiprensky em Tver. Além disso, ao pintar Ivan Petrovich Wulf, o proprietário de terras de Tver, olhou com emoção para a menina que estava à sua frente, sua neta, a futura Anna Petrovna Kern, a quem foi dedicada uma das obras líricas mais cativantes - o poema de A.S. Pushkin “Lembro-me de um momento maravilhoso...” Tais associações de poetas, artistas, músicos tornaram-se uma manifestação de uma nova direção na arte - o romantismo.

“The Young Gardener” (1817) de Kiprensky, “Italian Noon” (1827) de Bryullov, “The Reapers” ou “The Reaper” (1820) de Venetsianov são obras da mesma série tipológica. escrito explicitamente usando-o, no entanto, a tarefa de cada um dos artistas - incorporar a perfeição estética da natureza simples - levou a uma certa idealização da aparência, do vestuário, da situação em prol da criação de uma imagem-metáfora de observação da vida, da natureza, do. o artista repensou-o, poetizando o visível nesta combinação qualitativamente nova de natureza e imaginação com a experiência dos mestres antigos e renascentistas, dando origem a imagens até então desconhecidas pela arte, e esta é uma das características do romantismo da primeira metade do século. Século XIX. A natureza metafórica, geralmente característica destas obras de Venetsianov e Bryullov, foi uma das características mais importantes do romântico quando os artistas russos ainda estavam pouco familiarizados com o retrato romântico da Europa Ocidental. "Retrato de um Pai (A. K. Schwalbe)"(1804) foi escrito por Orest Kiprensky sobre arte e gênero de retrato em particular.

As conquistas mais significativas do romantismo russo são obras do gênero retrato. O mais brilhante e melhores exemplos O romantismo remonta ao período inicial. Muito antes de sua viagem à Itália, em 1816, Kiprensky, internamente pronto para uma visão romântica do mundo, viu pinturas de antigos mestres com novos olhos. A coloração escura, as figuras destacadas pela luz, as cores ardentes, o drama intenso tiveram forte impacto sobre ele. “Retrato de um Pai” é sem dúvida inspirado em Rembrandt. Mas o artista russo adotou apenas técnicas externas do grande holandês. “Retrato de um Pai” é uma obra absolutamente independente, possuindo energia interna própria e poder de expressão artística. Uma característica distintiva dos retratos de álbuns é a vivacidade de sua execução. Não há pitoresco aqui - a transferência instantânea do que é visto para o papel cria um frescor único de expressão gráfica. Portanto, as pessoas retratadas nas fotos parecem próximas e compreensíveis para nós.

Os estrangeiros chamam Kiprensky de Van Dyck russo; seus retratos estão em muitos museus ao redor do mundo. Sucessor da obra de Levitsky e Borovikovsky, antecessor de L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky deu fama europeia à escola de arte russa com seu trabalho. Nas palavras de Alexander Ivanov, “ele foi o primeiro a trazer o nome russo para a Europa...”.

O crescente interesse pela personalidade de uma pessoa, característico do romantismo, predeterminou o florescimento do gênero retrato na primeira metade do século XIX, onde o autorretrato se tornou dominante. Via de regra, a criação de um autorretrato não foi um episódio acidental. Os artistas escreveram e desenharam repetidamente, e essas obras tornaram-se uma espécie de diário, refletindo vários estados de espírito e fases da vida, e ao mesmo tempo foram um manifesto dirigido aos seus contemporâneos. Auto-retrato não era um gênero personalizado, o artista escrevia para si mesmo e aqui, mais do que nunca, tornou-se livre de expressão. No século XVIII, os artistas russos raramente pintavam imagens originais; apenas o romantismo, com o seu culto ao individual e ao excepcional, contribuiu para o surgimento deste género. A variedade de tipos de autorretrato reflete a percepção que os artistas têm de si mesmos como uma personalidade rica e multifacetada. Ou aparecem no papel familiar e natural do criador ("Autorretrato em boina de veludo" de A. G. Varnek, década de 1810), depois mergulham no passado, como se estivessem experimentando por si mesmos ("Autorretrato em capacete e armadura" de F. I. Yanenko, 1792), ou, na maioria das vezes, aparece sem quaisquer atributos profissionais, afirmando o significado e a autoestima de cada pessoa, liberada e aberta ao mundo, buscando e correndo, como F. ​​A. Bruni e O. A. Orlovsky em autorretratos da década de 1810. A prontidão para o diálogo e a abertura características das soluções figurativas das obras das décadas de 1810-1820 são gradualmente substituídas pelo cansaço e decepção, absorção e retraimento em si mesmo (“Autorretrato” de M. I. Terebenev). Esta tendência reflectiu-se no desenvolvimento gênero retrato geralmente.

Vale a pena notar que os autorretratos de Kiprensky apareceram em momentos críticos da vida; eles testemunharam o aumento ou o declínio da força mental. O artista olhou para si mesmo através de sua arte. Ao mesmo tempo, não usava espelho, como a maioria dos pintores; ele pintou principalmente a si mesmo de acordo com sua imaginação; queria expressar seu espírito, mas não sua aparência.

“Autorretrato com pincéis atrás da orelha” construída numa recusa, e claramente demonstrativa, na glorificação externa da imagem, na sua normatividade clássica e construção ideal. As características faciais são delineadas aproximadamente, geralmente. A luz lateral incide sobre o rosto, destacando apenas as características laterais. Reflexos individuais de luz incidem sobre a figura do artista, extinguindo o tecido quase invisível que representa o fundo do retrato. Tudo aqui está subordinado à expressão da vida, dos sentimentos, do humor. Este é um olhar sobre a arte romântica através da arte do autorretrato. O envolvimento do artista nos segredos da criatividade é expresso no misterioso e romântico “sfumato do século XIX”. O peculiar tom esverdeado cria uma atmosfera especial do mundo artístico, no centro do qual está o próprio artista.

Quase simultaneamente com este autorretrato, ele também pintou “Autorretrato com lenço rosa”, onde outra imagem é incorporada. Sem indicação direta da profissão de pintor. Foi recriada a imagem de um jovem que se sente à vontade, com naturalidade, liberdade. A superfície de pintura da tela é finamente construída. O pincel do artista aplica tinta com segurança. Deixando traços grandes e pequenos. O esquema de cores é perfeitamente desenvolvido, as cores são suaves e harmoniosamente combinadas entre si, a iluminação é calma: a luz se derrama suavemente sobre o rosto do jovem, delineando seus traços, sem expressão ou deformação desnecessária.

Outro notável retratista foi Venetsianov. Em 1811, recebeu da Academia o título de acadêmico, nomeado para “Autorretrato” e “Retrato de K.I. Golovachevsky com três alunos da Academia de Artes”. São obras extraordinárias.

Venetsianov declarou-se verdadeiramente hábil em "Auto-retrato" 1811. Foi escrito de forma diferente do que outros artistas da época pintaram - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek e até o servo V. Tropinin. Todos tendiam a imaginar-se numa aura romântica; os seus autorretratos representavam uma espécie de confronto poético em relação ao ambiente. A exclusividade do cunho artístico se manifestou na pose, nos gestos e na singularidade do figurino especialmente desenhado. No “Autorretrato” de Venetsianov, os pesquisadores notam, em primeiro lugar, a expressão severa e tensa de um homem ocupado... Eficiência correta, diferente daquela ostensiva “negligência artística” indicada pelas vestes ou bonés puxados coquetemente de outros artistas. Venitsianov olha para si mesmo com sobriedade. Para ele, a arte não é um impulso inspirado, mas, sobretudo, uma questão que exige concentração e atenção. De tamanho pequeno, quase monocromático em sua coloração em tons oliva, escrito com excepcionalmente precisão, é simples e complexo ao mesmo tempo. Não atraente pelo lado externo da pintura, ela te detém com seu olhar. As bordas perfeitamente finas das finas armações douradas dos óculos não escondem, mas enfatizam a agudeza do olhar, não tanto voltado para a natureza (o artista se retratou com paleta e pincel nas mãos), mas sim para dentro as profundezas de seus próprios pensamentos. A testa grande e larga, o lado direito do rosto, iluminado por luz direta, e a frente da camisa branca formam um triângulo luminoso, atraindo primeiro o olhar do observador, que no momento seguinte, acompanhando o movimento da mão direita segurando uma fina pincel, desliza para baixo até a paleta. Fios de cabelo ondulados, braços de moldura brilhante, gravata frouxa na gola, linha suave dos ombros e, por fim, um amplo semicírculo da paleta formam um sistema móvel de linhas suaves e fluidas, dentro das quais existem três pontos principais. : pequenos destaques das pupilas, e a ponta pontiaguda da frente da camisa, quase fechando com paleta e pincel. Esse cálculo quase matemático na construção da composição do retrato confere à imagem uma compostura interna parcial e dá motivos para supor que o autor possui uma mente analítica, propensa ao pensamento científico. Em “Autorretrato” não há vestígios de romantismo, então tão comum quando os artistas se retratavam. Este é um autorretrato de um artista-pesquisador, artista-pensador e trabalhador.

Outro trabalho – retrato de Golovachevsky- concebido como uma espécie de composição de enredo: a geração mais velha de mestres da Academia, representada pelo antigo inspetor, dá instruções aos talentos em crescimento: um pintor (com uma pasta de desenhos. Um arquiteto e um escultor. Mas Venetsianov não permitiu nem uma sombra de qualquer exagero ou didatismo nesta imagem: o gentil velho Golovachevsky amigável interpreta para os adolescentes alguma página lida no livro A sinceridade da expressão é apoiada na estrutura pictórica da pintura: seu colorido suave, sutil e lindamente harmonizado. os tons criam a impressão de paz e seriedade. O retrato é lindamente pintado, cheio de significado interior.

E na obra de Orlovsky dos anos 1800, apareceram retratos, feitos principalmente na forma de desenhos. Uma folha de retrato tão emocionalmente rica remonta a 1809 como "Auto-retrato". Preenchido com um traço rico e livre de sangue e carvão (iluminado com giz), o “Autorretrato” de Orlovsky atrai com sua integridade artística, imagem característica e arte de execução. Ao mesmo tempo, permite discernir alguns aspectos únicos da arte de Orlovsky. O “autorretrato” de Orlovsky, é claro, não tem como objetivo reproduzir com precisão a aparência típica do artista daquela época. Diante de nós está em grande parte deliberado. A aparência exagerada de um “artista”, contrastando o seu próprio “eu” com a realidade circundante, não se preocupa com a “decência” da sua aparência: um pente e uma escova não tocavam nos seus cabelos exuberantes, no seu ombro estava o a ponta de uma capa de chuva xadrez bem em cima da camisa de casa com gola aberta. Uma virada brusca da cabeça com um olhar “sombrio” sob as sobrancelhas tricotadas, um corte rente do retrato, no qual o rosto é retratado fechar-se, contrastes de luz - tudo isso visa alcançar o efeito principal de contrastar a pessoa retratada com o ambiente (e, portanto, com o espectador).

O pathos de afirmação da individualidade - uma das características mais progressistas da arte da época - constitui o principal tom ideológico e emocional do retrato, mas surge num aspecto único, quase nunca encontrado na arte russa desse período. A afirmação da personalidade passa não tanto pela revelação da riqueza do seu mundo interior, mas por uma forma mais externa de rejeitar tudo o que a rodeia. Ao mesmo tempo, a imagem parece, sem dúvida, empobrecida e limitada.

Tais soluções são difíceis de encontrar na arte retratística russa da época, onde já em meados do século XVIII os motivos cívicos e humanísticos soavam alto e a personalidade de uma pessoa nunca rompia laços fortes com o meio ambiente. Sonhando com uma ordem social melhor e democrática, as melhores pessoas Os russos daquela época não estavam de forma alguma desligados da realidade; rejeitaram conscientemente o culto individualista da “liberdade pessoal” que floresceu no solo da Europa Ocidental, afrouxado pela revolução burguesa. Isso se manifestou claramente como um reflexo de fatores reais na arte retratística russa. Basta comparar o “Autorretrato” de Orlovsky com o simultâneo "Auto-retrato" Kiprensky (por exemplo, 1809), de modo que a séria diferença interna entre os dois retratistas chama imediatamente a atenção.

Kiprensky também “heroiza” a personalidade de uma pessoa, mas mostra seus verdadeiros valores internos. No rosto do artista, o espectador discerne as características de uma mente forte, caráter e pureza moral.

Toda a aparência de Kiprensky está envolta em incrível nobreza e humanidade. Ele é capaz de distinguir entre “bem” e “mal” no mundo ao seu redor e, rejeitando o segundo, amar e apreciar o primeiro, amar e apreciar pessoas que pensam como você. Ao mesmo tempo, temos diante de nós, sem dúvida, uma individualidade forte, orgulhosa da consciência do valor das suas qualidades pessoais. Exatamente o mesmo conceito imagem de retrato está subjacente ao famoso retrato heróico de D. Davydov, de Kiprensky.

Orlovsky, em comparação com Kiprensky, bem como com alguns outros retratistas russos da época, resolve a imagem de uma “personalidade forte” de uma forma mais limitada, mais direta e externa, ao mesmo tempo que se concentra claramente na arte da França burguesa. Quando você olha seu “Autorretrato”, involuntariamente vêm à mente os retratos de A. Gros e Géricault. O perfil “Autorretrato” de Orlovsky de 1810, com o seu culto à “força interior” individualista, revela também uma proximidade interna com a arte retratística francesa, embora já esteja desprovido da forma nítida de “esboço” do “Autorretrato” de 1809 ou “Retrato de Duport.” Neste último, Orlovsky, assim como em “Autorretrato”, usa uma pose espetacular e “heróica”, com um movimento brusco, quase cruzado, da cabeça e dos ombros. Ele enfatiza a estrutura irregular do rosto de Duport e seus cabelos desgrenhados, com o objetivo de criar uma imagem de retrato autossuficiente em sua característica única e aleatória.

“A paisagem deve ser um retrato”, escreveu K. N. Batyushkov. A maioria dos artistas que se voltaram para o gênero aderiu a essa atitude em seus trabalhos. paisagem. Entre as exceções óbvias, que gravitaram em torno da paisagem fantástica, estavam A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek (“Vista nas proximidades de Roma”, 1809); P. V. Basin (“Céu ao pôr do sol nas proximidades de Roma”, “Paisagem noturna”, ambos - década de 1820). Ao criar tipos específicos, preservaram a espontaneidade da sensação e a riqueza emocional, alcançando um som monumental através de técnicas composicionais.

O jovem Orlrvsky via na natureza apenas forças titânicas, não sujeitas à vontade do homem, capazes de causar catástrofes, desastres. A luta do homem contra os elementos furiosos do mar é um dos temas preferidos do artista no seu período romântico “rebelde”. Tornou-se o conteúdo de seus desenhos, aquarelas e pinturas a óleo de 1809-1810. a cena trágica é mostrada na foto "Naufrágio"(1809(?)). Na escuridão total que caiu no chão, entre as ondas furiosas, pescadores afogados escalam freneticamente as rochas costeiras onde seu navio caiu. A cor em tons vermelhos fortes aumenta a sensação de ansiedade. Os ataques de ondas poderosas prenunciando uma tempestade são ameaçadores, e em outra foto - “À beira-mar”(1809). O céu tempestuoso, que ocupa a maior parte da composição, também desempenha nela um enorme papel emocional. Embora Orlovsky não dominasse a arte da perspectiva aérea, a transição gradual dos planos é resolvida aqui de forma mais harmoniosa e suave. A cor ficou mais clara. As manchas vermelhas nas roupas dos pescadores contrastam lindamente com o fundo marrom-avermelhado. Elementos marinhos inquietos e alarmantes em aquarela "Barco a vela"(c.1812). E mesmo quando o vento não agita a vela e ondula a superfície da água, como na aquarela “Paisagem marítima com navios”(c.1810), o espectador tem a premonição de que uma tempestade seguirá a calmaria.

Apesar de todo o drama e excitação de sentimentos, as paisagens marítimas de Orlovsky não são tanto fruto de suas observações de fenômenos atmosféricos, mas de uma imitação direta dos clássicos da arte. Em particular, J. Vernet.

As paisagens de S. F. Shchedrin tinham um caráter diferente. Estão repletos da harmonia da convivência entre o homem e a natureza (“Terraço à beira-mar. Cappuccini perto de Sorrento”, 1827). Numerosas vistas de Nápoles e arredores com seu pincel tiveram extraordinário sucesso e popularidade.

A criação de uma imagem romântica de São Petersburgo na pintura russa está associada à obra de M. N. Vorobyov. Em suas telas, a cidade apareceu envolta nas misteriosas neblinas de São Petersburgo, na névoa suave das noites brancas e em uma atmosfera saturada pela umidade do mar, onde os contornos dos edifícios se apagam e o luar completa o mistério. O mesmo princípio lírico distingue as vistas dos arredores de São Petersburgo que ele executou ("Pôr do sol nas proximidades de São Petersburgo", 1832). Mas os artistas também viam a capital do Norte de uma forma diferente e dramática, como uma arena para a colisão e luta de elementos naturais (V. E. Raev, “A Coluna de Alexandre durante uma Tempestade”, 1834).

As brilhantes pinturas de I.K. Aivazovsky encarnam vividamente os ideais românticos do êxtase da luta e do poder das forças naturais, da resiliência do espírito humano e da capacidade de lutar até o fim. No entanto, um grande lugar no património do mestre é ocupado por paisagens marítimas nocturnas dedicadas a locais específicos onde a tempestade dá lugar à magia da noite, uma época que, segundo a visão dos românticos, está repleta de uma misteriosa vida interior, e onde as pesquisas pictóricas do artista visam extrair efeitos de luz extraordinários ( "Vista de Odessa em uma noite de luar", "Vista de Constantinopla ao luar", ambos - 1846).

O tema dos elementos naturais e da pessoa pega de surpresa, tema preferido da arte romântica, foi interpretado de diferentes maneiras pelos artistas dos anos 1800-1850. As obras foram baseadas em acontecimentos reais, mas o significado das imagens não é uma releitura objetiva delas. Um exemplo típico é a pintura de Peter Basin "Terremoto em Rocca di Papa perto de Roma"(1830). Dedica-se não tanto à descrição de um evento específico, mas à representação do medo e do horror de uma pessoa diante da manifestação dos elementos.

Os luminares da pintura russa desta época foram K.P. Bryullov (1799-1852) e A.A. Ivanov (1806 – 1858). O pintor e desenhista russo K.P. Bryullov, ainda estudante da Academia de Artes, dominou a incomparável habilidade do desenho. A obra de Bryullov costuma ser dividida em antes de “O Último Dia de Pompéia” e depois. O que foi criado antes...?!

“Manhã Italiana” (1823), “Hermilia com os Pastores” (1824) baseado no poema de Torquatto Tasso “A Libertação de Jerusalém”, “Tarde Italiana” (“Mulher Italiana Colhendo Uvas”, 1827), “Cavaleira” (1830) , “Bathsheba” (1832) - todas essas pinturas estão imbuídas de uma alegria de vida brilhante e indisfarçável. Essas obras estavam em consonância com os primeiros poemas epicuristas de Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky e Delvig. O estilo antigo, baseado na imitação dos grandes mestres, não satisfez Bryullov e ele escreveu “Manhã Italiana”, “Tarde Italiana”, “Bathsheba” ao ar livre.

Enquanto trabalhava no retrato, Bryullov pintou apenas a cabeça viva. Todo o resto lhe foi frequentemente sugerido pela sua imaginação. O fruto dessa improvisação criativa e livre é "Cavaleiro". O principal no retrato é o contraste do animal aquecido e voador com narinas dilatadas e olhos brilhantes e o cavaleiro gracioso que restringe calmamente a energia frenética do cavalo (a domesticação de animais é um tema favorito dos escultores clássicos; Bryullov resolveu isso em pintura).

EM “Bate-Seba” a artista usa a história bíblica como pretexto para expor corpos nus ao ar livre e transmitir o jogo de luz e reflexos na pele clara. Em “Bate-Seba” ele criou a imagem de uma jovem cheia de alegria e felicidade. O corpo nu brilha e brilha, cercado por oliveiras, roupas de cerejeira e um lago cristalino. As formas macias e elásticas do corpo combinam lindamente com o tecido branqueador e a cor chocolate da mulher árabe servindo Bate-Seba. As linhas fluidas de corpos, corpos d'água e tecidos conferem à composição da pintura um ritmo suave.

A pintura se tornou uma nova palavra na pintura "O último dia de Pompéia"(1827-1833). Ela tornou o nome do artista imortal e muito famoso durante sua vida.

Seu enredo, aparentemente, foi escolhido sob a influência de seu irmão Alexandre, que estudou intensamente as ruínas de Pompéia. Mas as razões para pintar o quadro são mais profundas. Gogol percebeu isso, e Herzen disse diretamente que em “O Último Dia de Pompéia” eles encontraram seu lugar, talvez, como um reflexo inconsciente dos pensamentos e sentimentos do artista causados ​​​​pela derrota do levante dezembrista na Rússia. Não foi sem razão que Bryullov colocou seu autorretrato entre as vítimas do violento desastre na moribunda Pompéia e deu as feições de seus conhecidos russos a outros personagens da imagem.

A comitiva italiana de Bryullov também desempenhou um papel, que lhe poderia contar sobre as tempestades revolucionárias que varreram a Itália nos anos anteriores, sobre o triste destino dos Carbonários durante os anos de reação.

A grandiosa imagem da morte de Pompéia está imbuída do espírito do historicismo; mostra a mudança de uma época histórica para outra, a supressão do antigo paganismo e o início de uma nova fé cristã.

O artista percebe dramaticamente o curso da história, a mudança de épocas como um choque para a humanidade. No centro da composição, uma mulher que caiu de uma carruagem e morreu, aparentemente personificava o fim do mundo antigo. Mas o artista colocou um bebê vivo perto do corpo da mãe. Retratando filhos e pais, um jovem e uma mãe idosa, filhos e um pai decrépito, o artista mostrou gerações antigas passando para a história e novas substituindo-as. O nascimento de uma nova era sobre as ruínas de um velho mundo reduzido a pó é o verdadeiro tema da pintura de Bryullov. Não importa as mudanças que a história traga, a existência da humanidade não cessa e a sua sede de vida permanece inabalável. Esta é a ideia principal de “O Último Dia de Pompéia”. Esta imagem é um hino à beleza da humanidade, que permanece imortal em todos os ciclos da história.

A tela foi exibida em 1833 na Exposição de Arte de Milão e causou uma enxurrada de respostas entusiasmadas. A maltratada Itália foi conquistada. O aluno de Bryullov, G.G. Gagarin, testemunha: “Este grande trabalho despertou um entusiasmo sem limites na Itália. As cidades onde o quadro foi exposto deram recepções ao artista, poemas foram-lhe dedicados, ele foi levado pelas ruas com música, flores e tochas... Em todos os lugares foi recebido com honra como um gênio conhecido, triunfante, compreendido e apreciado por todos.”

O escritor inglês Walter Scott (representante da literatura romântica, famoso por seus romances históricos) passou uma hora inteira no ateliê de Bryullov, sobre o qual disse não se tratar de uma pintura, mas de um poema inteiro. As Academias de Artes de Milão, Florença, Bolonha e Parma elegeram o pintor russo como membro honorário.

A tela de Bryullov evocou respostas entusiásticas de Pushkin e Gogol.

O Vesúvio abriu a boca - a fumaça saiu em uma nuvem de chamas

Amplamente desenvolvida como bandeira de batalha.

A terra está agitada - das colunas instáveis

Os ídolos caem!..

Pushkin escreveu sob a impressão da pintura.

Começando com Bryullov, os momentos decisivos da história tornaram-se o tema principal da pintura histórica russa, que retratava cenas folclóricas grandiosas, onde cada pessoa é participante. drama histórico, onde não há principal e secundário.

“Pompéia” pertence, em geral, ao classicismo. O artista trouxe à tona com maestria a plasticidade do corpo humano na tela. Todos os movimentos emocionais das pessoas foram transmitidos por Bryullov principalmente na linguagem da plasticidade. Figuras individuais, apresentadas em movimentos violentos, são reunidas em grupos equilibrados e congelados. Flashes de luz enfatizam as formas dos corpos e não criam efeitos pictóricos fortes. No entanto, a composição da pintura, que apresenta um forte avanço de profundidade no centro, retratando um acontecimento extraordinário na vida de Pompéia, foi inspirada no romantismo.

O romantismo na Rússia como cosmovisão existiu em sua primeira onda, do final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas, motivos e técnicas expressivas românticas entraram na arte de diferentes estilos, tendências e associações criativas. A cosmovisão ou cosmovisão romântica revelou-se uma das mais vibrantes, tenazes e frutíferas.

O romantismo como atitude geral, característica principalmente da juventude, como desejo de liberdade ideal e criativa, ainda vive constantemente na arte mundial.

c) Música

Romantismo em forma puraé um fenômeno da arte da Europa Ocidental. Na música russa do século XIX. de Glinka a Tchaikovsky, as características do classicismo foram combinadas com as características do romantismo, sendo o elemento principal um princípio nacional brilhante e original. O romantismo na Rússia teve um crescimento inesperado quando esta tendência parecia ser coisa do passado. Dois compositores do século 20, Scriabin e Rachmaninov, ressuscitaram novamente características do romantismo como voos desenfreados de fantasia e sinceridade nas letras. Portanto, o século XIX chamado de século dos clássicos musicais.

O tempo (1812, o levante dezembrista, a reação subsequente) deixou sua marca na música. Seja qual for o gênero que escolhemos – romance, ópera, balé, música de câmara – em todos os lugares os compositores russos proferiram sua nova palavra.

A música da Rússia, com toda a sua elegância de salão e estrita adesão às tradições da escrita instrumental profissional, incluindo a escrita sonata-sinfônica, é baseada na coloração modal única e na estrutura rítmica do folclore russo. Alguns baseiam-se amplamente em canções cotidianas, outros em formas originais de fazer música e ainda outros na antiga modalidade dos antigos modos camponeses russos.

Início do século 19 Estes são os anos do primeiro e mais brilhante florescimento do gênero romance. As letras modestas e sinceras ainda ressoam e encantam os ouvintes. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ele escreveu romances baseados em poemas de muitos poetas, mas os imortais são "Rouxinol" aos poemas de Delvig, “Estrada de inverno”, “Eu te amo” baseado nos poemas de Pushkin.

Alexander Yegorovich Varlamov (1801-1848) escreveu músicas para apresentações dramáticas, mas o conhecemos melhor por meio de romances famosos “Vestido de verão vermelho”, “Não me acorde de madrugada”, “A vela solitária é branca”.

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- compositor, pianista, violinista e professor, escreveu romances como “O sino toca monotonamente”, “No alvorecer da juventude nebulosa” e etc.

O lugar de maior destaque aqui é ocupado pelos romances de Glinka. Ninguém mais havia conseguido uma fusão tão natural da música com a poesia de Pushkin e Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)– contemporâneo de Pushkin (por 5 anos mais jovem que Alexandre Sergeevich), um clássico da literatura russa, tornou-se o fundador dos clássicos musicais. Seu trabalho é um dos pináculos da cultura musical russa e mundial. Combina harmoniosamente as riquezas da música folclórica e maiores conquistas habilidade do compositor. A criatividade profundamente folclórica realista de Glinka refletiu o poderoso florescimento da cultura russa na primeira metade do século XIX, associada à Guerra Patriótica de 1812 e ao movimento dezembrista. O caráter brilhante e afirmativo da vida, a harmonia das formas, a beleza das melodias expressivamente melodiosas, a variedade, o colorido e a sutileza das harmonias são as qualidades mais valiosas da música de Glinka. Na ópera mais famosa “Ivan Susanina”(1836) a ideia de patriotismo popular recebeu uma expressão brilhante; a grandeza moral do povo russo é glorificada na ópera de conto de fadas “ Ruslan e Ludmila". Obras orquestrais de Glinka: “Valsa Fantasia”, “Noite em Madrid” e especialmente “Kamarinskaia”, formam a base do sinfonismo clássico russo. A música da tragédia se destaca pelo poder de expressão dramática e brilho de características. "Príncipe Kholmsky". Letras vocais de Glinka (romances “Lembro-me de um momento maravilhoso”, “Dúvida”) é uma personificação insuperável da poesia russa na música.

6. ROMANTISMO DA EUROPA OCIDENTAL

uma pintura

Se a França foi o ancestral do classicismo, então “para encontrar as raízes... escola romântica“”, escreveu um de seus contemporâneos, “deveríamos ir para a Alemanha”. Lá ela nasceu, e lá os modernos românticos italianos e franceses formaram seus gostos.”

Fragmentado Alemanha não conhecia o levante revolucionário. O pathos das ideias sociais avançadas era estranho para muitos dos românticos alemães. Eles idealizaram a Idade Média. Nos entregamos a impulsos emocionais inexplicáveis, falamos sobre abandono vida humana. A arte de muitos deles era passiva e contemplativa. Eles criaram seus melhores trabalhos na área de retratos e pinturas de paisagens.

Um notável retratista foi Otto Runge (1777-1810). Os retratos deste mestre, embora exteriormente calmos, surpreendem pela sua intensa e intensa vida interior.

A imagem de um poeta romântico é vista por Runge em "Auto-retrato". Ele se examina cuidadosamente e vê um jovem de cabelos escuros, olhos escuros, sério, cheio de energia, pensativo, egocêntrico e obstinado. O artista romântico quer conhecer a si mesmo. A forma de execução do retrato é rápida e abrangente, como se a energia espiritual do criador devesse ser transmitida na textura da obra; Em um esquema de cores escuras, aparecem contrastes de claro e escuro. O contraste é uma técnica de pintura característica dos mestres românticos.

Um artista romântico sempre tentará captar as mudanças no humor de uma pessoa e olhar para sua alma. E nesse sentido, os retratos infantis servirão para ele como material fértil. EM Retrato das crianças Huelsenbeck(1805) Runge não transmite apenas vivacidade e espontaneidade personagem infantil, mas também encontra uma técnica especial para um clima alegre que encanta as aberturas plein air do 2º andar. Século XIX O fundo da pintura é uma paisagem, que atesta não só o dom do artista para a cor e a atitude de admiração pela natureza, mas também o surgimento de novos problemas na reprodução magistral das relações espaciais, tons claros dos objetos ao ar livre. O mestre romântico, querendo fundir seu “eu” com a vastidão do Universo, se esforça para capturar a aparência sensualmente tangível da natureza. Mas com esta sensualidade da imagem prefere ver o símbolo do grande mundo, “a ideia do artista”.

Runge foi um dos primeiros artistas românticos que se propôs a sintetizar as artes: pintura, escultura, arquitetura, música. O conjunto sonoro das artes deveria expressar unidade poderes divinos mundo, cada partícula simboliza o cosmos como um todo. O artista fantasia, reforçando seu conceito filosófico com as ideias do famoso pensador alemão do 1º andar. Século XVII Jacob Boehme. O mundo é uma espécie de todo místico, cada partícula expressa o todo. Esta ideia é semelhante aos românticos de todo o continente europeu. Em forma poética, o poeta e artista inglês William Blake expressou a mesma coisa da seguinte forma:

Veja a eternidade em um momento,

Um mundo enorme no espelho de areia,

Em um único punhado - infinito

E o céu está no copo de uma flor.

O ciclo de Runge, ou, como ele o chamou, “um poema musical fantástico” "Horas do dia"– manhã, meio-dia, noite, é uma expressão deste conceito. Ele deixou uma explicação de seu modelo conceitual de mundo em poesia e prosa. A imagem de uma pessoa, a paisagem, a luz e a cor atuam como símbolos do ciclo em constante mudança da vida natural e humana.

Outro notável pintor romântico alemão, Caspar David Friedrich (1774-1840), preferiu a paisagem a todos os outros gêneros e pintou apenas pinturas da natureza ao longo de seus setenta anos de vida. O principal motivo do trabalho de Friedrich é a ideia da unidade do homem e da natureza.

“Ouçam a voz da natureza que fala dentro de nós”, orienta o artista aos seus alunos. O mundo interior de uma pessoa personifica o infinito do Universo, portanto, ao ouvir a si mesmo, a pessoa é capaz de compreender as profundezas espirituais do mundo.

A posição de escuta determina a forma básica de “comunicação” humana com a natureza e sua imagem. Esta é a grandeza, mistério ou iluminação da natureza e do estado de consciência do observador. É verdade que muitas vezes Friedrich não permite que uma figura “entre” no espaço paisagístico das suas pinturas, mas na penetração subtil da estrutura figurativa das vastas extensões pode-se sentir a presença de um sentimento, de uma experiência humana. O subjetivismo na representação de paisagens chega à arte apenas com a obra dos românticos, prenunciando a revelação lírica da natureza entre os mestres do 2º gênero. Século XIX Os pesquisadores notam nas obras de Friedrich uma “ampliação do repertório” de motivos paisagísticos. O autor se interessa pelo mar, pelas montanhas, pelas florestas e pelas diversas tonalidades do estado de natureza nas diferentes épocas do ano e do dia.

1811-1812 marcado pela criação de uma série de paisagens montanhosas fruto da viagem do artista às montanhas. “Manhã nas montanhas” representa pitorescamente uma nova realidade natural emergindo nos raios do sol nascente. Tons roxo-rosados ​​os envolvem e os privam de volume e peso material. Os anos de batalha com Napoleão (1812-1813) levaram Frederico a temas patrióticos. Ilustrando, inspirado no drama de Kleist, ele escreve “Tumba de Armínio”- paisagem com os túmulos dos antigos heróis alemães.

Friedrich era um mestre sutil das paisagens marítimas: “Idades”, “Nascer da lua sobre o mar”, “A morte de “Nadezhda” no gelo”.

Os últimos trabalhos do artista são “Descanso no Campo”, “Grande Pântano” e “Memória das Montanhas Gigantescas”, “Montanhas Gigantes” - uma série de cadeias de montanhas e pedras em primeiro plano com solo escurecido. Este é, aparentemente, um retorno ao sentimento experimentado de vitória de uma pessoa sobre si mesma, a alegria da ascensão ao “topo do mundo”, o desejo de alturas brilhantes e inconquistadas. Os sentimentos do artista compõem estas massas montanhosas de uma forma especial, e novamente se pode ler o movimento desde a escuridão dos primeiros passos até à luz futura. O pico da montanha ao fundo é destacado como o centro das aspirações espirituais do mestre. A imagem é bastante associativa, como qualquer criação dos românticos, e sugere diferentes níveis de leitura e interpretação.

Friedrich é muito preciso no desenho, musicalmente harmonioso na construção rítmica de suas pinturas, nas quais tenta falar com emoções de cores e efeitos de iluminação. “Muitos recebem pouco, poucos recebem muito. A alma da natureza é revelada a cada pessoa de maneira diferente. Portanto, ninguém se atreve a transmitir a outro a sua experiência e as suas regras como uma lei obrigatória e incondicional. Ninguém é o padrão para todos. Cada um carrega dentro de si uma medida apenas para si e para as naturezas mais ou menos relacionadas com ele”, esta reflexão do mestre comprova a incrível integridade de sua vida interior e criatividade. A singularidade do artista só é palpável na liberdade de sua criatividade - é isso que o romântico Friedrich representa.

Parece mais formal diferenciar-se dos artistas “clássicos” – representantes do classicismo de outro ramo da pintura romântica na Alemanha – os Nazarenos. Fundada em Viena e radicada em Roma (1809-1810), a “União de São Lucas” uniu mestres com a ideia de reavivar a arte monumental com temática religiosa. A Idade Média foi o período histórico favorito dos românticos. Mas na sua busca artística, os Nazarenos voltaram-se para as tradições da pintura do início da Renascença na Itália e na Alemanha. Overbeck e Geforr foram os iniciadores da nova aliança, à qual mais tarde se juntaram Cornelius, J. Schnoff von Carolsfeld e Veit Furich.

Este movimento dos Nazarenos correspondia às suas próprias formas de oposição aos académicos classicistas em França, Itália e Inglaterra. Por exemplo, em França, os chamados artistas “primitivos” surgiram da oficina de David, e em Inglaterra, os Pré-Rafaelitas. No espírito da tradição romântica, consideravam a arte a “expressão dos tempos”, o “espírito do povo”, mas as suas preferências temáticas ou formais, que a princípio soavam como um slogan de unificação, depois de algum tempo transformaram-se no mesmos princípios doutrinários da Academia, que negavam.

A arte do romantismo na França desenvolvido de maneiras especiais. A primeira coisa que o distinguiu de movimentos semelhantes noutros países foi o seu carácter ofensivo activo (“revolucionário”). Poetas, escritores, músicos e artistas defenderam suas posições não apenas criando novas obras, mas também participando de polêmicas em revistas e jornais, que os pesquisadores caracterizam como uma “batalha romântica”. Os famosos V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz e muitos outros escritores, compositores e jornalistas franceses “afiaram a caneta” em polêmicas românticas.

A pintura romântica na França surgiu como uma oposição à escola classicista de David, à arte acadêmica chamada de “escola” em geral. Mas isto precisa de ser entendido de forma mais ampla: foi uma oposição à ideologia oficial da era reaccionária, um protesto contra as suas limitações pequeno-burguesas. Daí o caráter patético das obras românticas, a sua excitação nervosa, a atração por motivos exóticos, por temas históricos e literários, por tudo o que pode afastar o “quotidiano monótono”, daí este jogo da imaginação, e por vezes, pelo contrário , sonhar acordado e uma completa falta de atividade.

Representantes da “escola”, acadêmicos, rebelaram-se principalmente contra a linguagem dos românticos: sua coloração quente excitada, sua modelagem de forma, não a estátua-plástica, usual nos “clássicos”, mas construída sobre fortes contrastes de manchas coloridas; seu desenho expressivo, que abandonou deliberadamente o rigor e a precisão clássica; sua composição ousada, às vezes caótica, desprovida de majestade e calma inabalável. Ingres, inimigo implacável dos românticos, disse até o fim da vida que Delacroix “pinta com uma vassoura louca”, e Delacroix acusou Ingres e todos os artistas da “escola” de serem frios, racionais, sem movimento, e não escrevendo, mas “pintando suas pinturas”. Mas este não foi um simples choque de dois indivíduos brilhantes e completamente diferentes; foi uma luta entre duas visões de mundo artísticas diferentes.

Essa luta durou quase meio século, o romantismo na arte não conquistou vitórias fáceis e nem imediatas, e o primeiro artista desse movimento foi Theodore Gericault (1791-1824) - um mestre das formas monumentais heróicas, que combinou em sua obra tanto classicistas características e características do próprio romantismo e, por fim, um poderoso início realista, que teve enorme influência na arte do realismo em meados do século XIX. Mas durante sua vida ele foi apreciado apenas por alguns amigos íntimos.

O nome de Theodore Jaricot está associado aos primeiros sucessos brilhantes do romantismo. Já em suas primeiras pinturas (retratos de militares, imagens de cavalos), antigos ideais recuaram diante da percepção direta da vida.

No salão de 1812, Géricault mostra uma pintura “Oficial dos Caçadores de Cavalos Imperiais durante o ataque.” Este foi o ano do apogeu da glória de Napoleão e do poder militar da França.

A composição da pintura apresenta o cavaleiro numa perspectiva inusitada de um momento “repentino” em que o cavalo empinou, e o cavaleiro, mantendo uma posição quase vertical do cavalo, virou-se para o observador. A representação de tal momento de instabilidade, a impossibilidade de uma pose, potencializa o efeito do movimento. O cavalo tem um ponto de apoio; deve cair no chão, enroscar-se na luta que o levou a esse estado. Muitas coisas se juntaram nesta obra: a fé incondicional de Géricault na possibilidade de uma pessoa dominar seus próprios poderes, um amor apaixonado por representar cavalos e a coragem de um mestre novato em mostrar o que antes só poderia ser transmitido pela música ou pela linguagem da poesia - a excitação da batalha, o início de um ataque, a tensão máxima das forças de uma criatura viva. O jovem autor baseou a sua imagem na transmissão da dinâmica do movimento, e foi importante para ele estimular o espectador a “pensar”, completar o desenho com “visão interior” e um sentimento do que queria retratar.

A França praticamente não tinha tradição de tal dinâmica na narrativa pictórica do romance, exceto talvez nos relevos dos templos góticos, portanto, quando Géricault veio pela primeira vez à Itália, ficou impressionado com o poder oculto das composições de Michelangelo. “Tremi”, escreve ele, “duvidei de mim mesmo e por muito tempo não consegui me recuperar dessa experiência”. Mas Stendhal apontou Michelangelo como o precursor de uma nova direção estilística na arte ainda mais cedo em seus artigos polêmicos.

A pintura de Géricault não só anunciou o nascimento de um novo talento artístico, mas também prestou homenagem à paixão e decepção do autor com as ideias de Napoleão. Vários outros trabalhos estão relacionados a este tema: “ Oficial Carabinieri”, “Oficial Couraceiro antes do ataque”, “Retrato de um Carabinieri”, “Cuirassier ferido”.

No tratado “Reflexões sobre a situação da pintura na França”, ele escreve que “o luxo e as artes tornaram-se... uma necessidade e, por assim dizer, alimento para a imaginação, que é a segunda vida de uma pessoa civilizada. .. Não sendo objeto de primeira necessidade, as artes só aparecem quando as necessidades essenciais são satisfeitas e quando ocorre a abundância. O homem, liberto das preocupações cotidianas, passou a buscar o prazer para se livrar do tédio, que inevitavelmente o dominaria em meio ao contentamento.

Esta compreensão do papel educativo e humanístico da arte foi demonstrada por Géricault após retornar da Itália em 1818 - ele começou a se dedicar à litografia, replicando uma variedade de temas, incluindo a derrota de Napoleão ( “Retorno da Rússia”).

Ao mesmo tempo, o artista volta-se para a imagem da morte da fragata “Medusa” na costa de África, que agitou a sociedade da época. O desastre ocorreu por culpa de um capitão inexperiente nomeado para o cargo sob patrocínio. Os passageiros sobreviventes do navio, o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar, falaram detalhadamente sobre o acidente.

O navio que estava afundando conseguiu lançar uma jangada, que carregava um punhado de pessoas resgatadas. Durante doze dias eles foram carregados ao longo do mar tempestuoso até encontrarem a salvação - o navio "Argus".

Géricault interessou-se pela situação de extrema tensão da força espiritual e física humana. A pintura retratava 15 sobreviventes em uma jangada quando avistaram o Argus no horizonte. “A jangada da Medusa” foi o resultado de um longo trabalho preparatório do artista. Ele fez muitos esboços do mar revolto, retratos de pessoas resgatadas no hospital. No início, Géricault queria mostrar a luta das pessoas em uma jangada entre si, mas depois se decidiu pelo comportamento heróico dos vencedores dos elementos do mar e pela negligência do Estado. O povo suportou com bravura o infortúnio e a esperança de salvação não os abandonou: cada grupo da jangada tinha características próprias. Na construção da composição, Géricault opta por um ponto de vista de cima, o que lhe permitiu combinar a cobertura panorâmica do espaço (são visíveis as distâncias do mar) e retratar todos os habitantes da jangada, muito próximos do primeiro plano. O movimento baseia-se no contraste entre as figuras deitadas impotentes em primeiro plano e as impetuosas do grupo dando sinais ao navio que passa. A clareza do ritmo da dinâmica crescente de grupo para grupo, a beleza dos corpos nus e a coloração escura da imagem conferem uma certa nota de convencionalidade à imagem. Mas esta não é a essência da questão para o espectador que percebe, para quem as convenções da linguagem ajudam até a compreender e sentir o principal: a capacidade de uma pessoa de lutar e vencer. O oceano ruge. A vela está gemendo. As cordas estão tocando. A jangada está rachando. O vento impulsiona as ondas e despedaça as nuvens negras.

Não é esta a própria França, impulsionada pela tempestade da história? – pensou Eugene Delacroix, parado ao lado da pintura. “A jangada da Medusa chocou Delacroix, ele chorou e, como um louco, pulou da oficina de Géricault, que visitava com frequência.

A arte de David não conhecia tais paixões.

Mas a vida de Géricault terminou tragicamente cedo (ele estava com uma doença terminal depois de cair de um cavalo) e muitos de seus planos permaneceram inacabados.

A inovação de Géricault abriu novas oportunidades para transmitir o movimento que entusiasmava os românticos, os sentimentos ocultos de uma pessoa e a expressividade colorida e texturizada da imagem.

Eugene Delacroix tornou-se o herdeiro de Géricault em sua busca. É verdade que Delacroix ganhou o dobro da vida e conseguiu não só provar a justeza do romantismo, mas também abençoar um novo rumo na pintura do 2º andar. Século XIX – impressionismo.

Antes de começar a pintar por conta própria, Eugene estudou na escola de Lerain: pintou de vida, copiou os grandes Rubens, Rembrandt, Veronese, Ticiano do Louvre... O jovem artista trabalhava de 10 a 12 horas por dia. Lembrou-se das palavras do grande Michelangelo: “A pintura é um amante ciumento, exige a pessoa inteira...”

Após as demonstrações de Géricault, Delacroix estava bem consciente de que haviam chegado tempos de forte convulsão emocional na arte. Primeiro, ele tenta compreender uma nova era para ele por meio de tramas literárias conhecidas. A foto dele “Dante e Virgílio”, apresentado no salão de 1822, é uma tentativa de olhar para o caldeirão fervente, o “inferno” da era moderna, através das imagens associativas históricas de dois poetas: a Antiguidade - Virgílio e o Renascimento - Dante. Era uma vez, em sua “Divina Comédia”, Dante tomou Virgílio como seu guia por todas as esferas (céu, inferno, purgatório). Na obra de Dante, um novo mundo renascentista emergiu através da experiência medieval da memória da antiguidade. O símbolo do romântico como síntese da antiguidade, do Renascimento e da Idade Média surgiu no “horror” das visões de Dante e Virgílio. Mas a complexa alegoria filosófica revelou-se uma boa ilustração emocional da era pré-renascentista e uma obra-prima literária imortal.

Delacroix tentará encontrar uma resposta direta nos corações de seus contemporâneos através de sua própria dor. Ardendo de liberdade e ódio aos opressores, os jovens daquela época simpatizavam com a guerra de libertação da Grécia. O bardo romântico da Inglaterra, Byron, vai lá para lutar. Delacroix vê o significado da nova era na representação de um evento histórico mais específico - a luta e o sofrimento da Grécia amante da liberdade. Ele se detém na trama da morte da população da ilha grega de Chios, capturada pelos turcos. No Salão de 1824, Delacroix mostra uma pintura “Massacre na ilha de Quios.” tendo como pano de fundo uma extensão infinita de terreno montanhoso. Que ainda grita pela fumaça dos incêndios e pela batalha em curso, a artista mostra vários grupos de mulheres e crianças feridas e exaustas. Eles tiveram os últimos minutos de liberdade antes da aproximação dos inimigos. O turco em um cavalo empinado à direita parece pairar sobre todo o primeiro plano e os muitos sofredores ali presentes. Os corpos e rostos de pessoas apaixonadas são lindos. Aliás, Delacroix escreveria mais tarde que a escultura grega foi transformada pelos artistas em hieróglifos, escondendo a verdadeira beleza grega do rosto e da figura. Mas, revelando a “beleza da alma” nos rostos dos gregos derrotados, o pintor dramatiza tanto os acontecimentos que, para manter um único ritmo dinâmico de tensão, não mede esforços para deformar os ângulos. Estes “erros” já foram “resolvidos” pela obra de Géricault, mas Delacroix demonstra mais uma vez o credo romântico de que a pintura “não é a verdade de uma situação, mas a verdade de um sentimento”.

Em 1824, Delacroix perdeu seu amigo e professor Géricault. E ele se tornou o líder da nova pintura.

Os anos se passaram. Uma por uma as fotos apareceram: “Grécia sobre as ruínas de Missalunga”, “A Morte de Sardanapalus” e outros. O artista tornou-se um pária nos círculos oficiais da pintura. Mas a Revolução de Julho de 1830 mudou a situação. Ela inflama o artista com o romance de vitórias e conquistas. Ele está pintando um quadro “Liberdade nas barricadas.”

Em 1831, no Salão de Paris, os franceses viram pela primeira vez a pintura de Eugene Delacroix “Liberdade nas Barricadas”, dedicada aos “três dias gloriosos” da Revolução de Julho de 1830. Com o seu poder, democracia e abordagem artística ousada, a pintura causou uma impressão impressionante nos seus contemporâneos. Segundo a lenda, um respeitável burguês exclamou: “Você diz - o diretor da escola? Melhor dizendo - o chefe da rebelião! Após o encerramento do Salão, o governo, assustado com o apelo formidável e inspirador que emanava da pintura, apressou-se em devolvê-la ao autor. Durante a revolução de 1848, foi novamente exposto ao público no Palácio do Luxemburgo. E novamente eles devolveram ao artista. Somente depois que a pintura foi exibida na Exposição Mundial de Paris, em 1855, ela foi parar no Louvre. Uma das melhores criações do romantismo francês é mantida aqui até hoje - um relato inspirado de uma testemunha ocular e um monumento eterno à luta do povo pela sua liberdade.

Que linguagem artística encontrou o jovem romântico francês para fundir estes dois princípios aparentemente opostos - uma generalização ampla e abrangente e uma realidade concreta cruel na sua nudez?

Paris dos famosos dias de julho de 1830. O ar está saturado de fumaça azul e poeira. Uma cidade bela e majestosa, desaparecendo numa névoa de pólvora. Ao longe, quase imperceptíveis, mas erguem-se orgulhosamente as torres da Catedral de Notre Dame - um símbolo da história, da cultura e do espírito do povo francês. A partir daí, da cidade enfumaçada, sobre as ruínas das barricadas, sobre os cadáveres dos seus camaradas caídos, os rebeldes avançam obstinada e decisivamente. Cada um deles pode morrer, mas o passo dos rebeldes é inabalável - eles são inspirados pela vontade de vitória, de liberdade.

Este poder inspirador está incorporado na imagem de uma bela jovem, que a chama apaixonadamente. Com sua energia inesgotável, rapidez de movimento livre e juvenil, ela é como uma deusa grega

Nike vence. Sua figura forte está vestida com um vestido de chiton, seu rosto de traços ideais, com olhos ardentes, está voltado para os rebeldes. Em uma mão ela segura a bandeira tricolor da França, na outra - uma arma. Na cabeça está um boné frígio - um antigo símbolo de libertação da escravidão. Seu passo é rápido e leve - como andam as deusas. Ao mesmo tempo, a imagem da mulher é real - ela é filha do povo francês. Ela é a força orientadora do movimento do grupo nas barricadas. Dele, como de uma fonte de luz no centro de energia, emanam raios carregados de sede e vontade de vencer. Aqueles que estão próximos dela, cada um à sua maneira, expressam sua participação neste chamado inspirador e inspirador.

À direita está um menino, um gamer parisiense, brandindo pistolas. Ele está mais próximo da Liberdade e, por assim dizer, inflamado pelo seu entusiasmo e alegria do impulso livre. Em seu movimento rápido e infantilmente impaciente, ele está até um pouco à frente de sua inspiração. Este é o antecessor do lendário Gavroche, retratado vinte anos depois por Victor Hugo no romance Os Miseráveis: “Gavroche, cheio de inspiração, radiante, assumiu a tarefa de colocar tudo em movimento. Ele correu para frente e para trás, subiu, desceu

desceu, levantou-se novamente, fez barulho, brilhou de alegria. Parece que ele veio aqui para encorajar a todos. Ele tinha algum motivo para isso? Sim, claro, a sua pobreza. Ele tinha asas? Sim, claro, sua alegria. Foi uma espécie de redemoinho. Parecia encher o ar, estando presente em todos os lugares ao mesmo tempo... Enormes barricadas sentiam-no nas suas cristas.”

Gavroche na pintura de Delacroix é a personificação da juventude, “belo impulso”, aceitação alegre da brilhante ideia de Liberdade. Duas imagens - Gavroche e Liberdade - parecem complementar-se: uma é o fogo, a outra é uma tocha acesa. Heinrich Heine contou como a figura de Gavroche evocou uma resposta viva entre os parisienses. "Caramba! - exclamou algum comerciante de mercearia “Esses meninos lutaram como gigantes!”

À esquerda está um estudante armado. Anteriormente, era visto como um autorretrato do artista. Este rebelde não é tão rápido como Gavroche. Seu movimento é mais contido, mais concentrado, mais significativo. As mãos seguram com segurança o cano da arma, o rosto expressa coragem, uma firme determinação de resistir até o fim. Esta é uma imagem profundamente trágica. O estudante tem consciência da inevitabilidade das perdas que os rebeldes sofrerão, mas as vítimas não o assustam - a vontade de liberdade é mais forte. Atrás dele está um trabalhador igualmente corajoso e determinado com um sabre. Há um homem ferido aos pés da Liberdade. Ele se levanta com dificuldade para olhar novamente para a Liberdade, para ver e sentir de todo o coração a beleza pela qual está morrendo. Esta figura traz um elemento acentuadamente dramático ao som da tela de Delacroix. Se as imagens de Gavroche, Liberty, um estudante, um trabalhador - quase símbolos, a personificação da vontade inflexível dos lutadores pela liberdade - inspiram e apelam ao espectador, então o homem ferido clama por compaixão. O homem se despede da Liberdade, se despede da vida. Ele ainda é um impulso, um movimento, mas já é um impulso que se desvanece.

Sua figura é transitória. O olhar do espectador, ainda fascinado e levado pela determinação revolucionária dos rebeldes, cai ao pé da barricada, coberto pelos corpos dos gloriosos soldados mortos. A morte é apresentada pelo artista com toda a nudez e evidência do fato. Vemos os rostos azuis dos mortos, seus corpos nus: a luta é impiedosa e a morte é a mesma companheira inevitável dos rebeldes, como a bela inspiradora Liberdade.

Mas não exatamente igual! Da terrível visão na borda inferior da imagem, levantamos novamente o olhar e vemos uma jovem e bela figura - não! a vida vence! A ideia de liberdade, incorporada de forma tão visível e tangível, está tão focada no futuro que a morte em seu nome não é assustadora.

O artista retrata apenas um pequeno grupo de rebeldes, vivos e mortos. Mas os defensores da barricada parecem invulgarmente numerosos. A composição é construída de forma que o grupo de lutadores não seja limitado, nem fechado em si mesmo. Ela é apenas parte de uma avalanche sem fim de pessoas. O artista dá, por assim dizer, um fragmento do grupo: o porta-retratos recorta as figuras à esquerda, à direita e abaixo.

Normalmente, a cor nas obras de Delacroix adquire um som altamente emocional e desempenha um papel dominante na criação de um efeito dramático. As cores, ora violentas, ora desbotadas, silenciadas, criam uma atmosfera tensa. Em "Liberdade nas Barricadas" Delacroix afasta-se deste princípio. Com muita precisão, escolhendo cuidadosamente a tinta e aplicando-a com pinceladas largas, o artista transmite o clima da batalha.

Mas o esquema de cores é restrito. Delacroix concentra sua atenção na modelagem em relevo da forma. Isso foi exigido pela solução figurativa da imagem. Afinal, ao retratar um acontecimento específico de ontem, o artista também criou um monumento a esse acontecimento. Portanto, as figuras são quase esculturais. Portanto, cada personagem, fazendo parte de um todo único do quadro, constitui também algo fechado em si mesmo, é um símbolo moldado em uma forma acabada. Portanto, a cor não só tem um impacto emocional nos sentimentos do espectador, mas também carrega um significado simbólico. No espaço marrom-acinzentado, aqui e ali, brilha uma tríade solene de vermelho, azul, branco - as cores da bandeira da Revolução Francesa de 1789. A repetida repetição dessas cores mantém o acorde poderoso da bandeira tricolor hasteada sobre as barricadas.

A pintura de Delacroix “Liberdade nas Barricadas” é uma obra complexa e de escopo grandioso. Aqui se combinam a confiabilidade do fato visto diretamente e o simbolismo das imagens; realismo, atingindo o naturalismo brutal e a beleza ideal; áspero, terrível e sublime, puro.

A pintura “Liberdade nas Barricadas” consolidou a vitória do romantismo na pintura francesa. Na década de 30, mais duas pinturas históricas: “Batalha de Poitiers” E “Assassinato do Bispo de Liège.”

Em 1822 o artista visitou norte da África, Marrocos, Argélia. A viagem causou-lhe uma impressão indelével. Na década de 50, pinturas inspiradas nas lembranças dessa jornada apareceram em sua obra: “Caça ao leão”, “Marroquino selando um cavalo” etc. Cores brilhantes e contrastantes criam um som romântico para essas pinturas. A técnica do traço largo aparece neles.

Delacroix, como romântico, registrou o estado de sua alma não apenas através da linguagem das imagens pitorescas, mas também formalizou seu pensamento literário. Ele descreveu bem o processo de trabalho criativo de um artista romântico, suas experiências com cores e reflexões sobre a relação entre a música e outras formas de arte. Seus diários tornaram-se a leitura favorita dos artistas das gerações subsequentes.

A escola romântica francesa fez mudanças significativas no campo da escultura (Rud e seu relevo “Marseillaise”), pintura de paisagem (Camille Corot com suas imagens leves da natureza da França).

Graças ao romantismo, a visão subjetiva pessoal do artista assume a forma de lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando que a arte é uma impressão. Os românticos falam da imaginação do artista, “a voz dos seus sentimentos”, que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

Se as fantasias de Géricault se concentravam em transmitir movimento, Delacroix se concentrava em poder mágico cor, e os alemães acrescentaram a isso um certo “espírito de pintura”, então Espanhol Os românticos na pessoa de Francisco Goya (1746-1828) mostraram as origens folclóricas do estilo, seu caráter fantasmagórico e grotesco. O próprio Goya e sua obra parecem distantes de qualquer enquadramento estilístico, até porque o artista muitas vezes teve que seguir as leis do material de execução (quando, por exemplo, criou pinturas para tapetes de treliça) ou as exigências do cliente.

Sua fantasmagoria veio à tona em séries de gravuras “Caprichos” (1797-1799),"Desastres da Guerra" (1810-1820),“Disparantes (“Follies”)(1815-1820), pinturas da “Casa dos Surdos” e da Igreja de San Antonio de la Florida em Madrid (1798). Doença grave em 1792 resultou na surdez completa do artista. Depois de sofrer traumas físicos e espirituais, a arte do mestre torna-se mais focada, ponderada e internamente dinâmica. Fechado devido à surdez mundo externo ativou a vida espiritual interior de Goya.

Em gravuras “Caprichos” Goya alcança um poder excepcional ao transmitir reações instantâneas e sentimentos rápidos. A execução em preto e branco, graças à ousada combinação de grandes manchas e à ausência da linearidade característica dos gráficos, adquire todas as propriedades de uma pintura.

Goya cria os murais da Igreja de Santo Antônio em Madrid, ao que parece, de uma só vez. O temperamento da pincelada, o laconicismo da composição, a expressividade das características dos personagens, cujo tipo Goya tirou direto da multidão, são surpreendentes. O artista retrata o milagre de Anthony da Flórida, que forçou o assassinado a se levantar e falar, que nomeou o assassino e assim salvou um inocente da execução. O dinamismo da multidão que reage brilhantemente é transmitido por Goya tanto nos gestos quanto nas expressões faciais das pessoas retratadas. No esquema composicional de distribuição das pinturas no espaço da igreja, o pintor segue Tiepolo, mas a reação que evoca no espectador não é barroca, mas puramente romântica, afetando os sentimentos de cada espectador, chamando-o a voltar-se para si mesmo.

Acima de tudo, este objectivo é alcançado na pintura Conto del Sordo (“Casa dos Surdos”), na qual Goya viveu desde 1819. As paredes dos quartos estão cobertas por quinze composições de carácter fantástico e alegórico. Percebê-los requer profunda empatia. As imagens aparecem como certas visões de cidades, mulheres, homens, etc. A cor, piscando, arranca primeiro uma figura, depois outra. A pintura como um todo é escura, dominada por manchas brancas, amarelas, vermelho-rosadas, perturbando os sentidos com flashes. As águas-fortes da série podem ser consideradas um paralelo gráfico a “A Casa dos Surdos”. “Disparantes” .

Goya passou os últimos 4 anos na França. É improvável que ele soubesse que Delacroix nunca se separou de seus “Caprichos”. E não conseguia prever como Hugo e Baudelaire se deixariam levar por essas águas-fortes, que enorme influência a sua pintura teria em Manet, e como nos anos 80 do século XIX. V. Stasov convidará artistas russos para estudar seus “Desastres da Guerra”

Mas nós, tendo isto em conta, sabemos a enorme influência que esta arte “sem estilo” de um realista ousado e de um romântico inspirado teve na cultura artística dos séculos XIX e XX.

O fantástico mundo dos sonhos também se concretiza nas obras do artista romântico inglês William Blake (1757-1827). Inglaterra foi um país clássico da literatura romântica. Byron. Os Shelleys tornaram-se a bandeira deste movimento muito além das fronteiras de Foggy Albion. Na França, nas críticas de revistas durante as “batalhas românticas”, os românticos eram chamados de “shakespearianos”. A principal característica da pintura inglesa sempre foi o interesse pela personalidade humana, o que permitiu o desenvolvimento frutífero do gênero retrato. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo. O interesse dos românticos pela Idade Média deu origem a uma grande literatura histórica. O mestre reconhecido é W. Scott. Na pintura, o tema da Idade Média determinou o aparecimento dos chamados perafaelitas.

William Blake é um tipo incrível de romântico na cena cultural inglesa. Ele escreve poesia, ilustra livros próprios e de outras pessoas. Seu talento procurou abraçar e expressar o mundo em uma unidade holística. Suas obras mais famosas são ilustrações para o “Livro de Jó” bíblico, a “Divina Comédia” de Dante e o “Paraíso Perdido” de Milton. Ele povoa suas composições com figuras titânicas de heróis, que correspondem ao seu entorno de um mundo irreal, iluminado ou fantasmagórico. Um sentimento de orgulho rebelde ou uma harmonia intrincadamente criada a partir da dissonância domina suas ilustrações.

As gravuras paisagísticas das “Pastorais” do poeta romano Virgílio parecem um pouco diferentes - são mais idilicamente românticas do que as suas obras anteriores.

O romantismo de Blake tenta encontrar sua fórmula artística e forma de existência do mundo.

William Blake, tendo vivido em extrema pobreza e obscuridade, após sua morte foi classificado entre os clássicos da arte inglesa.

Nas obras de pintores paisagistas ingleses do início do século XIX. os hobbies românticos são aliados a uma visão mais objetiva e sóbria da natureza.

William Turner (1775-1851) cria paisagens romanticamente elevadas. Ele adorava retratar tempestades, aguaceiros, tempestades no mar, pôr do sol brilhante e ardente. Turner muitas vezes exagerava os efeitos da iluminação e intensificava o som das cores mesmo quando pintava o estado calmo da natureza. Para maior efeito, utilizou técnicas de aquarela e aplicou tinta a óleo em camada bem fina e pintou diretamente no chão, obtendo tonalidades de arco-íris. Um exemplo seria a imagem “Chuva, vapor e velocidade”(1844). Mas mesmo o famoso crítico da época, Thackeray, não conseguiu compreender corretamente qual era talvez o quadro mais inovador tanto no conceito como na execução. “A chuva é indicada por manchas de massa suja”, escreveu ele, “manchadas na tela com uma espátula; a luz do sol brilha com um brilho fraco sob pedaços muito grossos de cromo amarelo sujo. As sombras são transmitidas por tons frios de manchas escarlates e manchas de cinábrio em tons suaves. E embora o fogo na fornalha da locomotiva pareça vermelho, não posso dizer que não seja pintado de cabalto ou de ervilha.” Outro crítico achou que a coloração de Turner era da cor de “ovos mexidos e espinafre”. As cores do falecido Turner geralmente pareciam completamente impensáveis ​​​​e fantásticas para seus contemporâneos. Demorou mais de um século para ver neles o grão de observações reais. Mas, como em outros casos, também estava aqui. Uma história interessante foi preservada de uma testemunha ocular, ou melhor, uma testemunha do nascimento de “Rain, Steam and Speed”. Uma certa Sra. Simon estava viajando em um compartimento do Western Express com um senhor idoso sentado à sua frente. Ele pediu permissão para abrir a janela, enfiou a cabeça para fora da chuva torrencial e permaneceu nesta posição por um bom tempo. Quando ele finalmente fechou a janela. A água pingava dele em riachos, mas ele fechou os olhos alegremente e recostou-se, claramente gostando do que acabara de ver. Uma jovem curiosa decidiu experimentar os sentimentos dele por si mesma - ela também colocou a cabeça para fora da janela. Eu também me molhei. Mas tive uma impressão inesquecível. Qual foi a surpresa dela quando, um ano depois, viu “Rain, Steam and Speed” numa exposição em Londres. Alguém por trás dela comentou criticamente: “Extremamente típico de Turner, certo. Ninguém jamais viu tamanha mistura de absurdos.” E ela, sem resistir, disse: “Eu vi”.

Talvez esta seja a primeira imagem de um trem na pintura. o ponto de vista foi tirado de algum lugar acima, o que permitiu uma ampla cobertura panorâmica. O Western Express voa pela ponte a uma velocidade absolutamente excepcional para a época (superando 150 km por hora). Além disso, esta é provavelmente a primeira tentativa de representar a luz através da chuva.

Arte inglesa de meados do século XIX. desenvolvido em uma direção completamente diferente da pintura de Turner. Embora sua habilidade fosse geralmente reconhecida, nenhum dos jovens o seguiu.

Turner há muito é considerado um precursor do Impressionismo. Parece que a sua busca pela cor do mundo deveria ter sido desenvolvida pelos artistas franceses. Mas isso não é verdade. Na verdade, a visão da influência de Turner sobre os impressionistas remonta ao livro de Paul Signac, de 1899, From Delacroix to Neo-Impressionism, onde ele descreveu como “em 1871, durante sua longa estada em Londres, Claude Manet e Camille Pissarro descobriram Turner. Ficaram maravilhados com a qualidade confiante e mágica das suas tintas, estudaram o seu trabalho, analisaram a sua técnica. A princípio, eles ficaram surpresos com sua representação da neve e do gelo, chocados com a maneira como ele foi capaz de transmitir uma sensação de brancura da neve que eles próprios não conseguiam alcançar, usando grandes manchas brancas prateadas, planas com pinceladas largas. . Eles viram que essa impressão não foi alcançada apenas com cal. E uma massa de traços multicoloridos. Aplicados um ao lado do outro, o que dava essa impressão quando visto de longe.”

Durante esses anos, Signac procurou em todos os lugares a confirmação de sua teoria do pontilhismo. Mas em nenhuma das pinturas de Turner, que os artistas franceses puderam ver na Galeria Nacional em 1871, existe a técnica do pontilhismo descrita por Signac, nem, de facto, existem “grandes manchas brancas. Essencialmente, a influência de Turner sobre os franceses foi mais forte”. não em 1870 -e, mas na década de 1890.

Paul Signac estudou Turner com muito cuidado - não apenas como um precursor do impressionismo, sobre o qual escreveu em seu livro, mas também como um grande artista inovador. Sobre as últimas pinturas de Turner “Rain, Steam and Speed”, “Exile”, “Morning” e “Evening of the Flood” Signac escreveu ao seu amigo Angrand: “Estas não são mais pinturas, mas acumulações de cores (policromina), dispersões pedras preciosas, pintando no mais belo sentido da palavra.”

A avaliação entusiástica de Signac marcou o início da compreensão moderna da busca pictórica de Turner. Mas nos últimos anos, às vezes acontece que eles não levam em conta o subtexto e a complexidade dos rumos de sua pesquisa, selecionando unilateralmente exemplos das “pinturas de fundo” verdadeiramente inacabadas de Turner, tentando descobrir nele o antecessor do impressionismo.

De todos os artistas mais recentes, surge naturalmente uma comparação com Monet, que reconheceu a influência de Turner sobre ele. Existe até um terreno que é absolutamente semelhante para ambos - nomeadamente o portal ocidental da Catedral de Rouen. Mas se Monet nos dá um estudo da iluminação solar de um edifício, ele não nos dá o gótico, mas sim uma espécie de modelo nu, com Turner você entende porque o artista, completamente absorto na natureza, se deixou levar por esse tema - em sua imagem o que chama a atenção é justamente a combinação entre a grandiosidade avassaladora do todo e a infinita variedade de detalhes que aproxima as criações da arte gótica das obras da natureza.

O caráter especial da cultura inglesa e da arte romântica abriu a possibilidade do aparecimento do primeiro pintor plein air que lançou as bases para a representação da natureza no ar leve no século XIX - John Constable (1776-1837). O inglês Constable escolhe a paisagem como gênero principal de sua pintura: “O mundo é grande; não existem dois dias iguais nem mesmo duas horas semelhantes; Desde a criação do mundo, não houve duas folhas idênticas numa mesma árvore, e todas as obras de verdadeira arte, como as criações da natureza, diferem umas das outras”, disse ele.

Constable pintou grandes esboços ao ar livre em óleo com observações sutis de diferentes estados da natureza. Neles ele foi capaz de transmitir a complexidade da vida interior da natureza e de sua vida cotidiana. (“Vista de Highgate das colinas de Hampstead”, OK. 1834; "Carrinho de feno" 1821; “Detham Valley”, ca. 1828) conseguiu isso usando técnicas de escrita. Ele pintou com pinceladas móveis, às vezes grossas e ásperas, às vezes mais suaves e transparentes. Os impressionistas só chegarão a isso no final do século. A pintura inovadora de Constable influenciou as obras de Delacroix, bem como todo o desenvolvimento da paisagem francesa.

A arte de Constable, assim como muitos aspectos da obra de Géricault, marcaram o surgimento de um movimento realista na arte europeia do século XIX, que inicialmente se desenvolveu em paralelo com o romantismo. Mais tarde, seus caminhos divergiram.

Os românticos abrem o mundo da alma humana, uma visão individual, diferente de qualquer outra, mas sincera e, portanto, próxima de todos, uma visão sensual do mundo. A imediatez da imagem na pintura, como dizia Gelacroix, e não a sua consistência na execução literária, determinou a aposta dos artistas na transmissão mais complexa do movimento, para a qual foram encontradas novas soluções formais e colorísticas. O romantismo deixou um legado para a segunda metade do século XIX. todos esses problemas e a individualidade artística libertada das regras do academicismo. O símbolo, que entre os românticos deveria expressar a ligação essencial entre ideia e vida, na arte da segunda metade do século XIX. dissolve-se na polifonia da imagem artística, captando a diversidade de ideias e do mundo envolvente.

b) Música

A ideia de uma síntese das artes encontrou expressão na ideologia e na prática do romantismo. O romantismo na música tomou forma na década de 20 do século XIX sob a influência da literatura do romantismo e desenvolveu-se em estreita ligação com ela, com a literatura em geral (voltando-se para géneros sintéticos, principalmente ópera, canção, miniaturas instrumentais e programação musical). O apelo ao mundo interior do homem, característico do romantismo, expressou-se no culto ao subjetivo, na ânsia de intensidade emocional, que determinou a primazia da música e das letras no romantismo.

Música da 1ª metade do século XIX. evoluiu rapidamente. Surgiu uma nova linguagem musical; na música instrumental e vocal de câmara, a miniatura ganhou um lugar especial; a orquestra soava com um variado espectro de cores; as possibilidades do piano e do violino foram reveladas de uma nova forma; a música dos românticos era muito virtuosa.

O romantismo musical manifestou-se em diversos ramos associados a diferentes culturas nacionais e a diferentes movimentos sociais. Assim, por exemplo, há uma diferença significativa entre o estilo íntimo e lírico dos românticos alemães e o pathos cívico “oratório” característico da obra dos compositores franceses. Por sua vez, representantes de novas escolas nacionais que surgiram com base num amplo movimento de libertação nacional (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), bem como representantes da escola de ópera italiana, intimamente associada ao movimento Risorgimento (Verdi, Bellini), em muitos aspectos diferem dos seus contemporâneos na Alemanha, Áustria ou França, em particular, na sua tendência para preservar as tradições clássicas.

E, no entanto, todos são marcados por alguns princípios artísticos comuns que nos permitem falar de um único sistema romântico de pensamento.

Graças à capacidade especial da música de revelar profunda e profundamente o rico mundo das experiências humanas, ela foi colocada em primeiro lugar entre outras artes pela estética romântica. Muitos românticos enfatizaram a natureza intuitiva da música e atribuíram-lhe a capacidade de expressar o “incognoscível”. A obra de excelentes compositores românticos tinha uma forte base realista. Interesse pela vida pessoas comuns, plenitude de vida e verdade de sentimentos, a confiança na música cotidiana determinou o realismo da criatividade dos melhores representantes romantismo musical. Tendências reacionárias (misticismo, escapismo) são inerentes apenas a um número relativamente pequeno de obras dos românticos. Eles apareceram parcialmente na ópera “Euryanthe” de Weber (1823), em alguns dramas musicais de Wagner, no oratório “Cristo” de Liszt (1862), etc.

No início do século XIX, estudos fundamentais de folclore, história, literatura antiga, lendas medievais esquecidas, arte gótica e cultura renascentista são ressuscitadas. Foi nesta altura que surgiram muitas escolas nacionais de um tipo especial no trabalho composicional da Europa, que estavam destinadas a expandir significativamente as fronteiras da cultura pan-europeia. Russo, que logo ocupou, senão o primeiro, então um dos primeiros lugares na criatividade cultural mundial (Glinka, Dargomyzhsky, os “Kuchkistas”, Tchaikovsky), polonês (Chopin, Moniuszko), tcheco (Smetana, Dvorak), húngaro ( Liszt), depois norueguês (Grieg), espanhol (Pedrel), finlandês (Sibelius), inglês (Elgar) - todos eles, juntando-se à corrente principal da criatividade composicional europeia, de forma alguma se opuseram às antigas tradições estabelecidas. Surgiu um novo círculo de imagens que expressavam as características nacionais únicas da cultura nacional à qual pertencia o compositor. A estrutura de entonação de uma obra permite reconhecer instantaneamente de ouvido se você pertence a uma determinada escola nacional.

Os compositores incorporam os padrões de entonação do folclore antigo, predominantemente camponês, dos seus países na linguagem musical pan-europeia. Eles, por assim dizer, limparam a canção folclórica russa da ópera envernizada; introduziram mudanças musicais de gêneros folclóricos no sistema de entonação cosmopolita do século XVIII. O fenômeno mais marcante na música do romantismo, especialmente percebido quando comparado com a esfera figurativa do classicismo, é o domínio do princípio lírico-psicológico. É claro que uma característica distintiva da arte musical em geral é a refração de qualquer fenômeno através da esfera dos sentimentos. A música de todas as épocas está sujeita a este padrão. Mas os românticos superaram todos os seus antecessores na importância do princípio lírico em sua música, na força e perfeição em transmitir as profundezas do mundo interior de uma pessoa, os mais sutis tons de humor.

O tema do amor ocupa nele um lugar dominante, pois é precisamente isso que Estado de espirito reflete de forma mais abrangente e completa todas as profundezas e nuances da psique humana. Mas é altamente característico que este tema não se limite aos motivos do amor no sentido literal da palavra, mas se identifique com a mais ampla gama de fenômenos. As experiências puramente líricas dos personagens são reveladas tendo como pano de fundo um amplo panorama histórico. O amor de uma pessoa pela sua casa, pela sua pátria, pelo seu povo corre como um fio condutor na obra de todos os compositores românticos.

Um grande lugar é dado à imagem da natureza nas obras musicais de pequenas e grandes formas, que está estreita e inextricavelmente entrelaçada com o tema da confissão lírica. Assim como as imagens do amor, a imagem da natureza personifica o estado de espírito do herói, muitas vezes colorido por um sentimento de desarmonia com a realidade.

O tema da fantasia muitas vezes compete com imagens da natureza, o que provavelmente é gerado pelo desejo de escapar do cativeiro da vida real. Típica dos românticos era a busca por um mundo maravilhoso cintilante com uma riqueza de cores, em oposição ao cotidiano cinzento. Foi durante esses anos que a literatura foi enriquecida com contos de fadas e baladas de escritores russos. Para os compositores da escola romântica, as imagens fantásticas e de contos de fadas adquirem um colorido nacional único. As baladas são inspiradas em escritores russos e, graças a isso, são criadas obras de um plano fantástico e grotesco, simbolizando, por assim dizer, o reverso da fé, buscando reverter as ideias de medo das forças do mal.

Muitos compositores românticos também atuaram como escritores e críticos musicais (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). Os trabalhos teóricos de representantes do romantismo progressista deram um contributo muito significativo para o desenvolvimento das questões mais importantes da arte musical. O romantismo também encontrou expressão nas artes cênicas (violinista Paganini, cantor A. Nurri, etc.).

O significado progressivo do Romantismo durante este período reside principalmente nas atividades Francisco Liszt. O trabalho de Liszt, apesar da visão de mundo contraditória, foi fundamentalmente progressista e realista. Um dos fundadores e clássicos da música húngara, um destacado artista nacional.

Os temas nacionais húngaros foram amplamente refletidos em muitas das obras de Liszt. As obras românticas e virtuosísticas de Liszt expandiram as capacidades técnicas e expressivas da execução de piano (concertos, sonatas). As ligações de Liszt com representantes da música russa, cujas obras ele promoveu activamente, foram significativas.

Ao mesmo tempo, Liszt desempenhou um papel importante no desenvolvimento da arte musical mundial. Depois de Liszt, “tudo se tornou possível para o piano”. Os traços característicos de sua música são improvisação, euforia romântica e melodia expressiva. Liszt é valorizado como compositor, intérprete e figura musical. As principais obras do compositor: a ópera “ Dom Sancho ou o Castelo do Amor ”(1825), 13 poemas sinfônicos “Tasso ”, ” Prometeu ”, “Aldeia” e outros, obras para orquestra, 2 concertos para piano e orquestra, 75 romances, coros e outras obras igualmente famosas.

Uma das primeiras manifestações do romantismo na música foi a criatividade Francisco Schubert(1797-1828). Schubert entrou para a história da música como um dos maiores fundadores do romantismo musical e criador de uma série de novos gêneros: a sinfonia romântica, a miniatura do piano e a canção lírico-romântica (romance). O maior significado em seu trabalho é canção, no qual mostrou especialmente muitas tendências inovadoras. Nas canções de Schubert, o mundo interior de uma pessoa é mais profundamente revelado, sua conexão característica com a música folclórica é mais perceptível, uma das características mais significativas de seu talento se manifesta mais claramente - a incrível variedade, beleza, encanto das melodias. As melhores músicas do período inicial incluem “ Margarita na roda de fiar ”(1814) , “Rei da floresta" Ambas as canções foram escritas com palavras de Goethe. Na primeira delas, uma menina abandonada relembra seu amado. Ela está sozinha e sofrendo profundamente, sua música é triste. A melodia simples e comovente é ecoada apenas pelo zumbido monótono da brisa. “Rei da Floresta” - trabalho complexo. Esta não é uma canção, mas sim uma cena dramática onde três personagens aparecem diante de nós: um pai galopando a cavalo pela floresta, uma criança doente que ele carrega consigo e um formidável rei da floresta que aparece para um menino em um delírio febril. Cada um deles é dotado de uma linguagem melódica própria. Não menos famosas e queridas são as canções de Schubert “Trout”, “Barcarolle”, “Morning Serenade”. Escritas em anos posteriores, essas canções se distinguem por uma melodia surpreendentemente simples e expressiva e cores frescas.

Schubert também escreveu dois ciclos de canções - “ Linda esposa do moleiro”(1823) e“ jornada de inverno”(1872) - baseado nas palavras do poeta alemão Wilhelm Müller. Em cada uma delas, as músicas são unidas por um enredo. As canções do ciclo “Beautiful Miller's Wife” falam sobre um menino. Seguindo o fluxo da corrente, ele parte em uma jornada em busca de sua felicidade. A maioria das músicas deste ciclo tem um caráter leve. O clima do ciclo “Retiro de Inverno” é completamente diferente. Um jovem pobre é rejeitado por uma noiva rica. Desesperado, ele deixa sua cidade natal e vai passear pelo mundo. Seus companheiros são o vento, uma nevasca e um corvo ameaçador.

Os poucos exemplos aqui dados permitem-nos falar sobre as peculiaridades da composição de Schubert.

Schubert adorava escrever música para piano. Ele escreveu um grande número de obras para este instrumento. Assim como as canções, suas obras para piano eram próximas da música cotidiana e igualmente simples e compreensíveis. Seus gêneros de composições favoritos eram danças, marchas e nos últimos anos de sua vida - improvisados.

Valsas e outras danças geralmente apareciam em Schubert em bailes e passeios pelo campo. Lá ele improvisou e gravou em casa.

Se você comparar as peças para piano de Schubert com suas canções, encontrará muitas semelhanças. Em primeiro lugar, há grande expressividade melódica, graça, justaposição colorida de maior e menor.

Um dos maiores Francês compositores da segunda metade do século XIX Georges Bizet, criador de uma criação imortal para o teatro musical - óperas “Carmem”e música maravilhosa para o drama de Alphonse Daudet“ Arlesiano ”.

A obra de Bizet é caracterizada pela precisão e clareza de pensamento, novidade e frescor dos meios expressivos, completude e graça da forma. Bizet se caracteriza pela agudeza da análise psicológica na compreensão dos sentimentos e ações humanas, característica da obra dos grandes compatriotas do compositor - os escritores Balzac, Flaubert, Maupassant. O lugar central na obra de Bizet, de gêneros diversos, pertence à ópera. A arte operística do compositor surgiu em solo nacional e foi nutrida pelas tradições do teatro de ópera francês. Bizet considerou que a primeira tarefa da sua obra era superar as restrições de género existentes na ópera francesa que dificultavam o seu desenvolvimento. “Grande” ópera lhe parece gênero morto, lírico - irritante com seu choro e limitações pequeno-burguesas, cômico mais que outros merece atenção. Pela primeira vez na ópera de Bizet aparecem cenas ricas e vivas do cotidiano e da multidão, antecipando cenas vitais e vibrantes.

Música de Bizet para o drama de Alphonse Daudet “Arlesiano”é conhecida principalmente por duas suítes de concerto, compostas por seus melhores números. Bizet usou algumas melodias provençais autênticas : “Marcha dos Três Reis” E “Dança dos Cavalos Brincalhões.”

Ópera de Bizet Carmem”é um drama musical que desenrola diante do espectador com veracidade convincente e poder artístico de tirar o fôlego a história de amor e morte de seus heróis: o soldado José e a cigana Carmen. A ópera Carmen foi criada com base nas tradições do teatro musical francês, mas ao mesmo tempo introduziu muitas novidades. Baseado nas melhores conquistas da ópera nacional e reformando seus elementos mais importantes, Bizet criou um novo gênero - o drama musical realista.

Na história da ópera do século XIX, a ópera “Carmen” ocupa um dos primeiros lugares. Desde 1876, começa sua marcha triunfal pelos palcos casas de ópera Viena, Bruxelas, Londres.

A manifestação de uma atitude pessoal em relação ao meio ambiente expressou-se entre poetas e músicos principalmente na espontaneidade, na “abertura” emocional e na paixão de expressão, no desejo de convencer o ouvinte com a ajuda da intensidade constante do tom de reconhecimento ou confissão.

Estas novas tendências na arte tiveram uma influência decisiva no surgimento ópera lírica . Surgiu como a antítese da ópera “grande” e cómica, mas não podia ignorar as suas conquistas e conquistas no campo do drama operístico e dos meios de expressão musical.

Uma característica distintiva do novo gênero de ópera era a interpretação lírica de qualquer enredo literário - sobre um tema histórico, filosófico ou moderno. Os heróis da ópera lírica são dotados de traços de gente comum, desprovidos de exclusividade e de algum hiperbolismo característico da ópera romântica. A maioria artista significativo no campo da ópera lírica foi Carlos Gounod.

Entre a herança operística bastante numerosa de Gounod está a ópera “ Fausto" ocupa um lugar especial e, pode-se dizer, exclusivo. Sua fama e popularidade mundial são incomparáveis ​​com outras óperas de Gounod. O significado histórico da ópera “Fausto” é especialmente grande porque não foi apenas a melhor, mas essencialmente a primeira entre as óperas da nova direção, sobre a qual Tchaikovsky escreveu: “É impossível negar que “Fausto” foi escrito, se não de forma brilhante, pelo menos com habilidade extraordinária e sem originalidade significativa.” Na imagem de Fausto, a aguda inconsistência e “duplicidade” de sua consciência, a eterna insatisfação causada pelo desejo de compreender o mundo, são amenizadas. Gounod não conseguiu transmitir toda a versatilidade e complexidade da imagem do Mefistófeles de Goethe, que encarnava o espírito da crítica militante daquela época.

Uma das principais razões para a popularidade de “Fausto” foi que ele concentrou as melhores e fundamentalmente novas características do jovem gênero de ópera lírica: a transmissão emocionalmente direta e vividamente individual do mundo interior dos heróis da ópera. O profundo significado filosófico do Fausto de Goethe, que buscava revelar os destinos históricos e sociais de toda a humanidade através do exemplo do conflito dos personagens principais, foi corporificado em Gounod na forma do drama lírico humano de Margarita e Fausto.

Compositor, maestro e crítico musical francês Héctor Berlioz entrou para a história da música como o maior compositor romântico, criador do programa sinfônico, inovador no campo da forma musical, da harmonia e principalmente da instrumentação. As características do pathos revolucionário e do heroísmo foram vividamente incorporadas em seu trabalho. Berlioz conhecia M. Glinka, cuja música ele valorizava muito. Ele mantinha relações amigáveis ​​com os líderes do “Mighty Handful”, que aceitaram com entusiasmo seus escritos e princípios criativos.

Criou 5 obras musicais para palco, incluindo óperas “ Benvenuto Chillini ”(1838), “ Troianos ”,”Beatriz e Benedito”(baseado na comédia de Shakespeare “Much Ado About Nothing”, 1862); 23 obras vocal-sinfônicas, 31 romances, coros, escreveu os livros “Grande Tratado de Instrumentação e Orquestração Moderna” (1844), “Noites na Orquestra” (1853), “Através de Canções” (1862), “Curiosidades Musicais” (1859), “Memórias” (1870), artigos, resenhas.

Alemão compositor, maestro, dramaturgo, publicitário Ricardo Wagner entrou na história da cultura musical mundial como um dos maiores criadores musicais e grandes reformadores da arte da ópera. O objetivo de suas reformas era criar uma monumental obra vocal-sinfônica programática em forma dramática, destinada a substituir todos os tipos de ópera e música sinfônica. Tal obra era um drama musical, no qual a música flui em um fluxo contínuo, fundindo todos os elos dramáticos. Abandonando o canto finalizado, Wagner substituiu-os por uma espécie de recitativo carregado de emoção. Um grande lugar nas óperas de Wagner é ocupado por episódios orquestrais independentes, que são uma valiosa contribuição para a música sinfônica mundial.

A mão de Wagner pertence a 13 óperas: “ O Holandês Voador” (1843), “Tannhäuser” (1845), “Tristão e Isolda” (1865), “Das Rheingold” (1869) e etc.; coros, peças para piano, romances.

Outro notável compositor, maestro, pianista, professor e figura musical alemão foi Felix Mendelssohn–Bartholdy. Aos 9 anos começou a atuar como pianista e aos 17 criou uma de suas obras-primas - a abertura da comédia “ C ele está em uma noite de verão" Shakespeare. Em 1843 fundou o primeiro conservatório da Alemanha em Leipzig. A obra de Mendelssohn, “um clássico entre os românticos”, combina traços românticos com uma maneira clássica de pensar. A sua música é caracterizada por melodia alegre, expressão democrática, moderação de sentimentos, calma de pensamento, predomínio de emoções leves, climas líricos, não sem um leve toque de sentimentalismo, impecabilidade de formas, habilidade brilhante. R. Schumann o chamou de “Mozart do século 19”, G. Heine o chamou de “um milagre musical”.

Autor de sinfonias românticas paisagísticas (“escocesas”, “italianas”), aberturas de concertos de programas, um popular concerto para violino, ciclos de peças para piano “Canção sem Palavras”; a ópera “As Bodas de Camacho”. Escreveu música para a peça dramática “Antígona” (1841), “Édipo em Colono” (1845) de Sófocles, “Athalia” de Racine (1845), “Sonho de uma noite de verão” de Shakespeare (1843) e outros; oratórios “Paul” (1836), “Elijah” (1846); 2 concertos para piano e 2 para violino.

EM italiano a cultura musical ocupa um lugar especial na história de Giuseppe Verdi, notável compositor, maestro e organista. A principal área de trabalho de Verdi é a ópera. Ele atuou principalmente como porta-voz dos sentimentos heróico-patrióticos e das ideias de libertação nacional do povo italiano. Nos anos seguintes, prestou atenção aos dramáticos conflitos gerados pela desigualdade social, violência, opressão, expôs o mal em suas óperas. Traços característicos da obra de Verdi: música folclórica, temperamento dramático, brilho melódico, compreensão das leis do palco.

Ele escreveu 26 óperas: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Trouvador”, “La Traviata”, “Otelo”, “Aida”" e etc. . , 20 romances, conjuntos vocais .

Jovem norueguês compositor Edward Grieg (1843-1907) lutou pelo desenvolvimento música nacional. Isto foi expresso não só no seu trabalho, mas também na promoção da música norueguesa.

Durante seus anos em Copenhague, Grieg escreveu muitas músicas: “ Imagens poéticas” E "Humoresco" sonata para piano e sonata para primeiro violino, canções. A cada nova obra, a imagem de Grieg como compositor norueguês emerge mais claramente. Nas sutis “Quadros Poéticos” (1863), os traços nacionais ainda transitam timidamente. A figura rítmica é frequentemente encontrada na música folclórica norueguesa; tornou-se característico de muitas melodias de Grieg.

A criatividade de Grieg é vasta e multifacetada. Grieg escreveu obras de vários gêneros. O Concerto para Piano e Baladas, três sonatas para violino e piano e uma sonata para violoncelo e piano, o quarteto testemunha a atração constante de Grieg pela forma em grande escala. Ao mesmo tempo, o interesse do compositor pelas miniaturas instrumentais permaneceu constante. Na mesma medida que o piano, o compositor também se sentiu atraído pelas miniaturas vocais de câmara - romances, canções. Não seja o principal de Grieg, área criatividade sinfônica marcado por obras-primas como as suítes “ Père Gounod ”, “Da época de Holberg" Um dos tipos característicos da criatividade de Grieg é o processamento músicas folk e danças: na forma de peças simples para piano, um ciclo de suíte para piano a quatro mãos.

A linguagem musical de Grieg é claramente única. A individualidade do estilo do compositor é sobretudo determinada pela sua profunda ligação com a música folclórica norueguesa. Grieg usa amplamente recursos de gênero, estrutura de entonação e fórmulas rítmicas de canções folclóricas e melodias de dança.

O notável domínio de Grieg no desenvolvimento variacional e variante da melodia está enraizado nas tradições folclóricas de repetir a melodia muitas vezes com suas mudanças. “Gravei a música folclórica do meu país.” Por trás destas palavras está a atitude reverente de Grieg para com Arte folclórica e o reconhecimento do seu papel determinante para a própria criatividade.

7. CONCLUSÃO

Com base em tudo o que foi exposto, as seguintes conclusões podem ser tiradas:

O surgimento do romantismo foi influenciado por três acontecimentos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleónicas e a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa.

O romantismo como método e direção na cultura artística foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países teve uma forte expressão nacional. Os românticos ocuparam diferentes posições sociais e políticas na sociedade. Todos se rebelaram contra os resultados da revolução burguesa, mas rebelaram-se de maneiras diferentes, pois cada um tinha o seu ideal. Mas apesar de toda a sua diversidade e diversidade, o romantismo tem características estáveis:

Todos eles vieram da negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que restringiam a iniciativa criativa do artista.

Eles descobriram o princípio do historicismo (os iluministas julgavam o passado a-historicamente; para eles havia “razoável” e “irracional”). Vimos personagens humanos no passado, moldados por sua época. O interesse pelo passado nacional deu origem a muitas obras históricas.

Interesse por uma personalidade forte que se opõe a todo o mundo ao seu redor e depende apenas de si mesma.

Atenção ao mundo interior de uma pessoa.

O romantismo foi amplamente desenvolvido tanto na Europa Ocidental como na Rússia. No entanto, o romantismo na Rússia diferia da Europa Ocidental devido a uma situação histórica diferente e a uma tradição cultural diferente. A verdadeira razão para o surgimento do romantismo na Rússia foi a Guerra Patriótica de 1812, na qual foi demonstrado todo o poder da iniciativa popular.

Características do romantismo russo:

O Romantismo não se opôs ao Iluminismo. A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. O ideal de um monarca esclarecido não se esgotou.

O romantismo desenvolveu-se paralelamente ao classicismo, muitas vezes entrelaçado com ele.

Romantismo na Rússia tipos diferentes a arte se manifestou de diferentes maneiras. Não era de todo legível em arquitetura. Na pintura, secou em meados do século XIX. Manifestou-se apenas parcialmente na música. Talvez apenas na literatura o romantismo se manifestasse de forma consistente.

Nas artes plásticas, o romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na gráfica, menos expressivamente na escultura e na arquitetura.

Os românticos abrem o mundo da alma humana, uma visão individual, diferente de qualquer outra, mas sincera e, portanto, próxima de todos, uma visão sensual do mundo. A imediatez da imagem na pintura, como dizia Delacroix, e não a sua consistência na execução literária, determinou a aposta dos artistas na transmissão mais complexa do movimento, para a qual foram encontradas novas soluções formais e colorísticas. O romantismo deixou um legado para a segunda metade do século XIX. todos esses problemas e a individualidade artística libertada das regras do academicismo. O símbolo, que entre os românticos deveria expressar a ligação essencial entre ideia e vida, na arte da segunda metade do século XIX. dissolve-se na polifonia da imagem artística, captando a diversidade de ideias e do mundo envolvente. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo.

Graças ao romantismo, a visão subjetiva pessoal do artista assume a forma de lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando que a arte é uma impressão. Os românticos falam da imaginação do artista, “a voz dos seus sentimentos”, que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

O romantismo deixou uma era inteira na cultura artística mundial, seus representantes foram: na literatura russa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov e outros; nas artes plásticas E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin e outros; na música F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e outros descobriram e desenvolveram novos gêneros, prestaram muita atenção ao destino da personalidade humana, revelaram a dialética de. bem e mal, paixões humanas magistralmente reveladas, etc.

Os tipos de arte igualaram-se mais ou menos em importância e produziram magníficas obras de arte, embora os românticos dessem primazia à música na escala das artes.

O romantismo na Rússia como cosmovisão existiu em sua primeira onda, do final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas, motivos e técnicas expressivas românticas entraram na arte de diferentes estilos, tendências e associações criativas. A cosmovisão ou cosmovisão romântica revelou-se uma das mais vibrantes, tenazes e frutíferas.

O romantismo como atitude geral, característica principalmente da juventude, como desejo de liberdade ideal e criativa, ainda vive constantemente na arte mundial.

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Esta imagem é construída em tons, não em azul, nem em rosa - em tons de cinza. Tudo está coberto de escuridão – não, não é verdade. É uma noite clara porque o ar está limpo, não há ninguém, não há fumaça nem luzes da cidade. Noite - há vida, não há som. A civilização está em algum lugar lá fora, além do horizonte. Kuindzhi soube mostrar a amplitude da sua terra natal e as cores vivas de um pequeno palco.

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A pintura “Pôr do sol” de Arkady Rylov foi pintada como se nos últimos anos, e ainda assim esta tela na linha do tempo é adjacente à Revolução de Outubro de 1917. Uma paisagem típica do Norte da Rússia, cores cósmicas em todo o céu - vermelho, preto e roxo, água azul.

1.1 Principais características do romantismo

Romantismo - (romantismo francês, do romance francês medieval) é uma direção de arte que se formou no quadro de um movimento literário geral na virada dos séculos XVIII para XIX. Na Alemanha. Tornou-se difundido em todos os países da Europa e da América. O pico mais alto do romantismo ocorreu no primeiro quartel do século XIX.

A palavra francesa romantismo remonta ao romance espanhol (na Idade Média era o nome dos romances espanhóis, e depois do romance de cavalaria), o romântico inglês, que se transformou no século XVIII. em romantique e então significando “estranho”, “fantástico”, “pitoresco”. No início do século XIX. O romantismo passa a ser a designação de uma nova direção, oposta ao classicismo.

Entrando na antítese do “classicismo” - “romantismo”, o movimento sugeriu a oposição da exigência classicista de regras à liberdade romântica das regras. O centro do sistema artístico do romantismo é o indivíduo, e seu principal conflito é o indivíduo e a sociedade. O pré-requisito decisivo para o desenvolvimento do romantismo foram os acontecimentos da Grande Revolução Francesa. O surgimento do romantismo está associado ao movimento anti-iluminista, cujas razões residem na decepção com a civilização, com o progresso social, industrial, político e científico, cujo resultado foram novos contrastes e contradições, nivelamento e devastação espiritual do indivíduo .

O Iluminismo pregava a nova sociedade como a mais “natural” e “razoável”. As melhores mentes da Europa fundamentaram e prenunciaram esta sociedade do futuro, mas a realidade acabou por estar fora do controlo da “razão”, o futuro tornou-se imprevisível, irracional e a ordem social moderna começou a ameaçar a natureza humana e a sua liberdade pessoal. A rejeição desta sociedade, o protesto contra a falta de espiritualidade e o egoísmo já se refletem no sentimentalismo e no pré-romantismo. O Romantismo expressa esta rejeição de forma mais aguda. O Romantismo também se opôs ao Iluminismo em termos verbais: a linguagem das obras românticas, que se esforçava por ser natural, “simples”, acessível a todos os leitores, era algo oposto aos clássicos com os seus temas nobres, “sublimes”, característicos, por exemplo , da tragédia clássica.

Entre os últimos românticos da Europa Ocidental, o pessimismo em relação à sociedade adquire proporções cósmicas e torna-se a “doença do século”. Os heróis de muitas obras românticas são caracterizados por estados de desesperança e desespero, que adquirem um caráter humano universal. A perfeição está perdida para sempre, o mundo é governado pelo mal, o caos antigo é ressuscitado. O tema do “mundo terrível”, característico de toda literatura romântica, foi mais claramente corporificado no chamado “gênero negro” (no “romance gótico” pré-romântico - A. Radcliffe, C. Maturin, no “ drama do rock”, ou “tragédia do rock” - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), bem como nas obras de Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe e N. Hawthorne.

Ao mesmo tempo, o romantismo baseia-se em ideias que desafiam o “mundo terrível” - sobretudo, as ideias de liberdade. A decepção do romantismo é uma decepção na realidade, mas o progresso e a civilização são apenas um dos seus lados. A rejeição deste lado, a falta de fé nas possibilidades da civilização proporcionam outro caminho, o caminho para o ideal, para o eterno, para o absoluto. Este caminho deve resolver todas as contradições e mudar completamente a vida. Este é o caminho para a perfeição, “para uma meta cuja explicação deve ser procurada do outro lado do visível” (A. De Vigny). Para alguns românticos, o mundo é dominado por forças incompreensíveis e misteriosas que devem ser obedecidas e não tentar mudar o destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para outros, o “mal mundial” causou protestos, exigiu vingança e luta (no início de A.S. Pushkin). O que tinham em comum é que todos viam no homem uma essência única, cuja tarefa não se limita de forma alguma à resolução dos problemas do quotidiano. Pelo contrário, sem negar o quotidiano, os românticos procuraram desvendar o mistério da existência humana, voltando-se para a natureza, confiando nos seus sentimentos religiosos e poéticos.

Um herói romântico é uma personalidade complexa e apaixonada, cujo mundo interior é extraordinariamente profundo e infinito; é todo um universo cheio de contradições. Os românticos estavam interessados ​​em todas as paixões, altas e baixas, que se opunham entre si. A paixão elevada é o amor em todas as suas manifestações, a paixão baixa é a ganância, a ambição, a inveja. Os românticos contrastavam a vida do espírito, especialmente a religião, a arte e a filosofia, com a prática material básica. O interesse por sentimentos fortes e vívidos, paixões que tudo consomem e movimentos secretos da alma são traços característicos do romantismo.

Podemos falar do romance como um tipo especial de personalidade - uma pessoa de fortes paixões e grandes aspirações, incompatível com o mundo cotidiano. Circunstâncias excepcionais acompanham esta natureza. Fantasia, música folclórica, poesia, lendas tornam-se atraentes para os românticos - tudo o que durante um século e meio foi considerado gênero menor, indigno de atenção. O romantismo é caracterizado pela afirmação da liberdade, da soberania do indivíduo, do aumento da atenção ao indivíduo, do único no homem e do culto ao indivíduo. A confiança na autoestima do homem transforma-se num protesto contra o destino da história. Freqüentemente, o herói de uma obra romântica torna-se um artista capaz de perceber a realidade de forma criativa. A “imitação da natureza” classicista se contrasta com a energia criativa do artista que transforma a realidade. Um mundo especial é criado, mais belo e real do que a realidade percebida empiricamente. É a criatividade o sentido da existência; ela representa o valor mais elevado do universo. Os românticos defenderam apaixonadamente a liberdade criativa do artista, sua imaginação, acreditando que o gênio do artista não obedece às regras, mas as cria.

Os românticos voltaram-se para várias épocas históricas, foram atraídos pela sua originalidade, atraídos por países e circunstâncias exóticas e misteriosas. O interesse pela história tornou-se uma das conquistas duradouras do sistema artístico do romantismo. Ele se expressou na criação do gênero novela histórica, cujo fundador é considerado W. Scott, e em geral o romance, que adquiriu posição de destaque na época em questão. Os românticos reproduzem detalhadamente e com precisão os detalhes históricos, os antecedentes e o sabor de uma época específica, mas os personagens românticos são dados fora da história, eles, via de regra, estão acima das circunstâncias e não dependem delas; Ao mesmo tempo, os românticos perceberam o romance como um meio de compreender a história e, a partir da história, penetraram nos segredos da psicologia e, consequentemente, da modernidade. O interesse pela história também se refletiu nas obras de historiadores da escola romântica francesa (A. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

Foi na época do Romantismo que se deu a descoberta da cultura da Idade Média, e a admiração pela antiguidade, característica da época anterior, também não diminuiu no final do século XVIII - início do século XVIII. Séculos XIX A diversidade de características nacionais, históricas e individuais também teve um significado filosófico: a riqueza de um único todo mundial consiste na totalidade dessas características individuais, e o estudo da história de cada povo separadamente permite traçar, como Burke dito isso, vida ininterrupta através de novas gerações que se sucedem uma após a outra.

A era do Romantismo foi marcada pelo florescimento da literatura, uma das propriedades distintivas da qual era a paixão pelos problemas sociais e políticos. Tentando compreender o papel do homem nos eventos históricos em curso, os escritores românticos gravitaram em torno da precisão, da especificidade e da autenticidade. Ao mesmo tempo, a ação das suas obras ocorre frequentemente em ambientes que são incomuns para um europeu - por exemplo, no Oriente e na América, ou, para os russos, no Cáucaso ou na Crimeia. Assim, os poetas românticos são principalmente letristas e poetas da natureza e, portanto, em suas obras (assim como em muitos prosadores), a paisagem ocupa um lugar significativo - antes de tudo, o mar, as montanhas, o céu, os elementos tempestuosos com os quais o herói está associado a relacionamentos complexos. A natureza pode ser semelhante à natureza apaixonada de um herói romântico, mas também pode resistir a ele, revelando-se uma força hostil com a qual ele é forçado a lutar.

Imagens incomuns e vívidas da natureza, da vida, do modo de vida e dos costumes de países e povos distantes também inspiraram os românticos. Procuravam os traços que constituem a base fundamental do espírito nacional. A identidade nacional se manifesta principalmente na oral Arte folclórica. Daí o interesse pelo folclore, pelo processamento de obras folclóricas, pela criação de obras próprias baseadas na arte popular.

O desenvolvimento dos gêneros do romance histórico, da história fantástica, do poema lírico-épico, da balada é mérito dos românticos. A sua inovação também se manifestou nas letras, em particular, no uso da polissemia das palavras, no desenvolvimento da associatividade, da metáfora e nas descobertas no campo da versificação, da métrica e do ritmo.

O romantismo é caracterizado por uma síntese de gêneros e gêneros, sua interpenetração. O sistema de arte romântica baseava-se numa síntese de arte, filosofia e religião. Por exemplo, para um pensador como Herder, a pesquisa linguística, as doutrinas filosóficas e as notas de viagem servem à procura de formas de revolucionar a cultura. Muitas das conquistas do romantismo foram herdadas pelo realismo do século XIX. – uma propensão para a fantasia, o grotesco, uma mistura de alto e baixo, trágico e cômico, a descoberta do “homem subjetivo”.

Na era do romantismo, não apenas a literatura, mas também muitas ciências floresceram: sociologia, história, ciência política, química, biologia, doutrina evolutiva, filosofia (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, filosofia natural, a essência de o que se resume ao fato de que a natureza é uma das vestimentas de Deus, “a vestimenta viva do Divino”).

O romantismo é um fenômeno cultural na Europa e na América. Em diferentes países, seu destino teve características próprias.

1.2 Romantismo na Rússia

No início da segunda década do século XIX, o romantismo ocupava um lugar fundamental na arte russa, revelando mais ou menos plenamente a sua identidade nacional. É extremamente arriscado reduzir essa singularidade a qualquer característica ou mesmo a uma soma de características; O que vemos é antes a direção do processo, bem como o seu ritmo, a sua aceleração – se compararmos o romantismo russo com os “romantismos” mais antigos da literatura europeia.

Já observamos esta aceleração do desenvolvimento na pré-história do romantismo russo - na última década do século XVIII. - nos primeiros anos do século XIX, quando houve um entrelaçamento invulgarmente próximo de tendências pré-românticas e sentimentais com as tendências do classicismo.

A revalorização da razão, a hipertrofia da sensibilidade, o culto à natureza e ao homem natural, a melancolia elegíaca e o epicurismo aliaram-se a momentos de sistematismo e racionalidade, especialmente manifestados no campo da poética. Estilos e gêneros foram simplificados (principalmente através dos esforços de Karamzin e seus seguidores), e houve uma luta contra a metaforicidade excessiva e o floreio do discurso em prol de sua “precisão harmônica” (a definição de Pushkin da característica distintiva da escola fundada por Zhukovsky e Batyushkov).

A velocidade do desenvolvimento também deixou sua marca no estágio mais maduro do romantismo russo. A densidade da evolução artística também explica o fato de que no romantismo russo é difícil reconhecer estágios cronológicos claros. Os historiadores literários dividem o romantismo russo nos seguintes períodos: o período inicial (1801 - 1815), o período de maturidade (1816 - 1825) e o período de seu desenvolvimento pós-outubro. Este é um diagrama aproximado, porque pelo menos dois desses períodos (o primeiro e o terceiro) são qualitativamente heterogêneos e não são caracterizados por pelo menos uma relativa unidade de princípios que distinguiram, por exemplo, os períodos do romantismo de Jena e de Heidelberg na Alemanha.

Movimento romântico em Europa Ocidental- principalmente na literatura alemã - começou sob o signo da completude e da integridade. Tudo o que foi separado buscava a síntese: na filosofia natural, e na sociologia, e na teoria do conhecimento, e na psicologia - pessoal e social, e, claro, no pensamento artístico, que uniu todos esses impulsos e, por assim dizer, , deu-lhes uma nova vida.

O homem procurou fundir-se com a natureza; personalidade, individual - com o todo, com as pessoas; conhecimento intuitivo - com lógico; os elementos subconscientes do espírito humano - com as mais altas esferas de reflexão e razão. Embora a relação entre momentos opostos às vezes parecesse conflitante, a tendência à unificação deu origem a um espectro emocional especial de romantismo, multicolorido e variado, com predominância de um tom maior e brilhante.

Só gradualmente os elementos conflitantes evoluíram para a sua antinomia; a ideia da síntese desejada dissolveu-se na ideia de alienação e confronto, o clima otimista deu lugar a um sentimento de decepção e pessimismo.

O romantismo russo está familiarizado com ambas as etapas do processo - tanto a inicial quanto a final; porém, ao mesmo tempo, forçou o movimento geral. As formas finais apareceram antes que as formas iniciais atingissem o auge; os intermediários amassaram ou caíram. Comparado com o pano de fundo da literatura da Europa Ocidental, o romantismo russo parecia ao mesmo tempo menos e mais romântico: era inferior a eles em riqueza, ramificações e amplitude do quadro geral, mas superior a eles na certeza de alguns resultados finais .

O fator sociopolítico mais importante que influenciou a formação do romantismo é o dezembrismo. A refração da ideologia dezembrista para o plano da criatividade artística é um processo extremamente complexo e demorado. Não percamos, porém, de vista que adquiriu expressão precisamente artística; que os impulsos dezembristas estavam revestidos de formas literárias muito específicas.

Muitas vezes o “dezembrismo literário” foi identificado com um certo imperativo externo à criatividade artística, quando todos os meios artísticos estavam subordinados a um objetivo extra-literário, que, por sua vez, decorreu da ideologia dezembrista. Este objetivo, esta “tarefa” foi supostamente nivelada ou mesmo deixada de lado “características de sílaba ou características de gênero”. Na verdade, tudo era muito mais complicado.

O caráter específico do romantismo russo é claramente visível nas letras desta época, ou seja, na atitude lírica perante o mundo, no tom básico e na perspectiva da posição do autor, no que é comumente chamado de “imagem do autor”. Vejamos a poesia russa deste ângulo para ter pelo menos uma ideia rápida de sua diversidade e unidade.

A poesia romântica russa revelou uma gama bastante ampla de “imagens do autor”, ora convergindo, ora, ao contrário, polemizando e contrastando entre si. Mas sempre a “imagem do autor” é uma tal condensação de emoções, humores, pensamentos ou detalhes cotidianos e biográficos (a obra lírica parece conter “restos” da linha de alienação do autor, mais plenamente representada no poema), que decorre da oposição ao meio ambiente. A conexão entre o indivíduo e o todo foi rompida. O espírito de confronto e desarmonia sopra sobre a imagem do autor, mesmo quando ela em si parece perfeitamente clara e completa.

O pré-romantismo conhecia principalmente duas formas de expressão do conflito nas letras, que podem ser chamadas de oposições líricas - a forma elegíaca e a epicurista. A poesia romântica desenvolveu-os em uma série de outros mais complexos, profundos e individualmente diferenciados.

Mas, por mais importantes que sejam as formas acima, elas, é claro, não esgotam toda a riqueza do romantismo russo.

A arte do romantismo formou-se em polêmica com o classicismo. No aspecto social, o surgimento do romantismo está associado à Grande Revolução Francesa do século XVIII; surge como uma reação de entusiasmo geral sobre o seu início, mas também como uma profunda decepção nas capacidades humanas em caso de sua derrota. Além disso, o romantismo alemão foi mais tarde considerado uma versão incruenta da Revolução Francesa.

Como movimento ideológico e artístico, o romantismo manifestou-se na primeira metade do século XIX. Surge principalmente como um movimento literário - aqui a atividade dos românticos é elevada e bem-sucedida. Não menos significativa é a música da época: vocais, música instrumental, Teatro musical(ópera e balé) do romantismo ainda hoje constituem a base do repertório. Porém, nas artes visuais e espaciais, o romantismo mostrou-se menos claramente tanto no número de obras criadas como no seu nível. A pintura do romantismo atinge o nível de obras-primas na Alemanha e na França, o resto da Europa fica para trás. Não é costume falar da arquitetura do romantismo. Só a arte da jardinagem paisagística revela aqui alguma originalidade, e mesmo assim os românticos desenvolveram aqui a ideia de um parque paisagístico, ou natural, inglês. Há também lugar para algumas tendências neogóticas; os românticos viram sua arte na série: Gótico - Barroco - Romantismo. Existem muitos desses neogóticos nos países eslavos.

Belas artes do romantismo

No século 18 o termo "romântico" significava "estranho", "fantástico", "pitoresco". É fácil perceber que as palavras “romance”, “romance” (cavaleiro) são etimologicamente muito próximas.

No século 19 o termo foi interpretado como um nome movimento literário, oposto em suas atitudes em relação ao classicismo.

Nas artes plásticas, o romantismo mostrou-se de forma interessante na pintura e na gráfica, e de forma menos evidente na escultura. A escola de romantismo mais consistente desenvolveu-se na França, onde houve uma luta persistente contra o dogmatismo e o racionalismo abstrato na arte oficial, no espírito do classicismo acadêmico. O fundador da escola romântica de pintura foi Theodore Géricault (1791-1824). Estudou com os mestres do classicismo, mas, tendo conservado do classicismo a inclinação para imagens geralmente heróicas, Géricault expressou pela primeira vez na pintura o sentimento de conflito no mundo, o desejo de expressão expressiva de acontecimentos significativos do nosso tempo. Já as primeiras obras do artista revelam elevada emotividade, o “nervo” da época das guerras napoleónicas, em que havia muita bravata (“Oficial dos guardas montados da guarda imperial, partindo para o ataque”, “Cuirassier ferido deixando o campo de batalha”). São marcados por uma atitude trágica e um sentimento de confusão. Os heróis do classicismo não vivenciaram tais sentimentos ou não os expressaram publicamente e não estetizaram o desânimo, a confusão e a melancolia. As telas pitorescas dos artistas do romantismo são pintadas de forma dinâmica; o colorido é dominado por um tom escuro, que é animado por acentos de cores intensas e pinceladas rápidas de empastamento.

Gericault cria uma imagem incrivelmente dinâmica "Corrida de cavalos livres em Roma". Aqui ele supera todos os artistas anteriores na transmissão de movimento de forma convincente. Uma das principais obras de Géricault é a pintura “A Jangada da Medusa”. Nele ele retrata fatos reais, mas com tal força de generalização que os contemporâneos viram nele não a imagem de um naufrágio específico, mas de toda a Europa em desespero. E apenas algumas pessoas, as mais persistentes, continuam a lutar pela sobrevivência. O artista mostra a complexa gama de sentimentos humanos - do desespero sombrio a uma tempestuosa explosão de esperança. A dinâmica desta tela é determinada pela diagonal da composição, pela escultura eficaz dos volumes e pelas diferenças contrastantes de luz e sombra.

Géricault conseguiu provar que é um mestre do gênero retrato. Aqui ele também atua como inovador, definindo as especificidades figurativas do gênero retrato. No “Retrato de Delacroix de vinte anos” e nos autorretratos, a ideia de artista romântico como um criador independente, uma personalidade brilhante e emocional. Ele lança as bases para o retrato romântico - mais tarde um dos gêneros românticos de maior sucesso.

Géricault também conheceu a paisagem. Viajando pela Inglaterra, ele ficou impressionado com sua aparência e prestou homenagem à sua beleza criando muitos pinturas de paisagens pintado em óleo e aquarela. São ricos em cores, sutis na observação e não avessos à crítica social. O artista as chamou de "Grandes e Pequenas Suítes Inglesas". Como é típico de um romântico chamar um ciclo pictórico de termo musical!

Infelizmente, a vida de Géricault foi curta, mas ele lançou as bases para uma tradição gloriosa.

Desde a década de 1820 torna-se o chefe dos pintores românticos Ferdinand Victor Eugène Delacroix (1798-1863). Ele foi fortemente influenciado por Géricault, de quem era amigo desde os tempos de estudante. Estudou pintura de antigos mestres, principalmente Rubens. Ele viajou pela Inglaterra e ficou fascinado pelas pinturas de Constable. Delacroix tinha temperamento apaixonado, imaginação criativa poderosa e alta eficiência. Desde os passos iniciais da carreira profissional, Delacroix seguiu decididamente os românticos. A primeira pintura que expôs foi de Dante e Virgílio num barco atravessando o Estige (O Barco de Dante). A imagem está cheia de tragédia e pathos sombrio. Com sua próxima pintura, “O Massacre de Chios”, ele respondeu a eventos reais associados ao sofrimento dos gregos sob o jugo turco. Aqui ele expressou abertamente sua posição política, tomando o lado dos gregos no conflito, com quem simpatizava, enquanto o governo francês flertava com a Turquia.

A pintura causou críticas políticas e artísticas, especialmente depois que Delacroix, sob a influência da obra de Constable, reescreveu a pintura em cores mais claras. Em resposta às críticas, o artista cria a tela “Grécia nas Ruínas de Missolunga”, na qual volta a abordar o tema candente da luta da Grécia pela libertação do jugo turco. Esta pintura de Delacroix é mais simbólica, uma figura feminina com a mão levantada num gesto de maldição aos invasores ou de apelo à luta, personifica todo o país. Parece antecipar a imagem da Liberdade na futura obra mais famosa do artista.

Em busca de novos heróis e personalidades fortes, Delacroix recorre frequentemente às imagens literárias de Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: “Tasso no Asilo de Lunáticos”, “A Morte de Sardanapalus”, “O Assassinato do Bispo de Liège”; faz litografias para “Fausto” e “Hamlet”, expressando os matizes mais sutis dos sentimentos dos personagens, o que rendeu elogios de Goethe. Delacroix se aproxima ficção a forma como seus antecessores abordaram as Sagradas Escrituras, tornando-as uma fonte inesgotável de temas para pinturas.

Em 1830, sob a impressão direta da Revolução de Julho, Delacroix pintou uma grande tela, “A Liberdade Guiando o Povo” (“Liberdade nas Barricadas”). Acima das figuras retratadas de forma realista dos participantes da luta revolucionária, pobres, na sua maioria jovens inspirados pela luta, paira uma mulher magnífica, que lembra os “génios” de Veronese. Ela tem um banner nas mãos, seu rosto está inspirado. Esta não é apenas uma alegoria da liberdade no espírito do classicismo, é um símbolo elevado do impulso revolucionário. No entanto, não se pode abandonar a figura feminina viva e sensual - ela é tão atraente. A imagem acabou sendo complexa, charmosa e dinâmica.

Como um verdadeiro romântico, Delacroix viaja para países exóticos: Argélia, Marrocos. Da viagem ele traz cinco pinturas, incluindo “Caça ao Leão no Marrocos”, aparentemente uma homenagem ao seu querido Rubens.

Delacroix trabalha muito como decorador, criando obras monumentais nos palácios Bourbon e Luxemburgo e nas igrejas parisienses. Continua trabalhando no gênero retrato, criando imagens de pessoas da era romântica, por exemplo, F. Chopin. A obra de Delacroix pertence aos ápices da pintura do século XIX.

Pintura e gráficos Romantismo alemão tende principalmente ao sentimentalismo. E se a literatura romântica alemã constitui realmente uma época inteira, então o mesmo não se pode dizer das artes plásticas: na literatura houve Sturm e Drang, e nas artes plásticas houve a idealização da vida patriarcal familiar. A criatividade é indicativa neste sentido Ludwig Richter (1803-1884): “Primavera na floresta perto de Aricci”, “Procissão de casamento na primavera”, etc. Ele também possui numerosos desenhos sobre temas de contos de fadas e canções folclóricas, feitos de forma bastante seca.

Mas há uma figura de grande escala no romantismo alemão que não pode ser ignorada. Esse Gaspar David Friedrich (1774-1840). Ele era pintor de paisagens e estudou na Academia de Belas Artes de Copenhague. Mais tarde estabeleceu-se em Dresden e começou a lecionar.

Seu estilo paisagístico é original, as pinturas são lembradas desde o primeiro contato, dá para sentir nelas que são paisagens de um artista romântico: expressam de forma consistente as especificidades da visão de mundo romântica. Ele pintou paisagens do sul da Alemanha e da costa do Báltico, rochas selvagens cobertas de florestas, dunas desérticas e o mar congelado. Às vezes há pessoas presentes em suas pinturas, mas raramente vemos seus rostos: as figuras, via de regra, estão de costas para o observador. Frederick procurou transmitir o poder elementar da natureza. Ele procurou e descobriu consonâncias entre as forças naturais e os humores e buscas humanas. E embora reflita a vida com bastante precisão, a arte de Friedrich não é realista. Isso assustou os críticos de arte soviéticos no passado recente, pouco foi escrito sobre o artista e quase não houve reproduções dele. Agora a situação mudou e podemos desfrutar da profunda espiritualidade das suas pinturas, da contemplação melancólica e distanciada das paisagens de Friedrich. O ritmo claro da composição e a severidade do desenho combinam-se em suas obras com contrastes de claro-escuro, ricos em efeitos de iluminação. Mas às vezes Friedrich chega a uma melancolia dolorosa em sua emotividade, um sentimento de fragilidade de tudo o que é terreno, ao entorpecimento de um transe místico. Hoje estamos vivenciando uma onda de interesse pelo trabalho de Friedrich. É o mais trabalho bem sucedido- “A morte de “Nadezhda” no gelo”, “Cemitério do mosteiro sob a neve”, “Missa numa ruína gótica”, “Pôr do sol no mar”, etc.

EM Romantismo russo Há muitas coisas contraditórias na pintura. Além disso, durante muitos anos acreditou-se que bom artista- realista. É provavelmente por isso que se estabeleceu a opinião de que O. Kiprensky e A. Venetsianov, V. Tropinin e mesmo A. Kuindzhi são realistas, o que nos parece incorreto, são românticos.