O poema sinfônico de Liszt “Prelúdios. Sinfonismo programático nas obras de Franz Liszt

poema sinfônico

gênero de música de programa sinfônico. Uma obra orquestral de um movimento, de acordo com ideia romântica síntese das artes, permitindo uma variedade de fontes do programa (literatura, pintura, menos frequentemente filosofia ou história). O criador do gênero é F. Liszt.

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Poema sinfônico

Poema sinfônico- um gênero de música sinfônica que expressa a ideia romântica de uma síntese das artes. Um poema sinfônico é uma obra orquestral de um movimento que permite várias fontes de programa (literatura e pintura, menos frequentemente filosofia ou história; pinturas da natureza). Um poema sinfônico é caracterizado pelo livre desenvolvimento material musical, combinando vários princípios formações, na maioria das vezes sonata e monotematismo com ciclicidade e variabilidade.

O surgimento do poema sinfônico como gênero está associado, em primeiro lugar, ao nome de Franz Liszt, que criou 12 obras desta forma em 1848-1881. Alguns investigadores, no entanto, apontam para a obra de Cesar Franck de 1846, “O que se ouve na montanha”, baseada num poema de Victor Hugo e precedendo a obra de Liszt na mesma base; O poema de Frank, entretanto, permaneceu inacabado e inédito, e o compositor voltou-se novamente para esse gênero muito mais tarde. Felix Mendelssohn é chamado de antecessor imediato de Liszt, principalmente sua Abertura das Hébridas (1830 - 1832).

Depois de Liszt, muitos outros compositores trabalharam neste gênero - M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glazunov, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov, S. S. Prokofiev, S. V. Rachmaninov, A. G. Rubinstein, C .Saint-Saens, J. Sibelius, AN Scriabin, B. Smetana, J. Suk, Z. Fibich, S. Frank, PI Tchaikovsky, MK Ciurlionis, A. Schoenberg, E. Chausson, DD Shostakovich, R. Strauss, J ... Enescu e outros.

O “Poema” para violino e orquestra de E. Chausson também foi escrito sob a influência do gênero poema sinfônico.

“Poema coreográfico” “Valsa” de M. Ravel é um poema sinfônico que sugere a possibilidade de implementação cênica.

O repensar mais radical do gênero poema sinfônico foi proposto por D. Ligeti em seu Poema Sinfônico para 100 metrônomos.

Outros gêneros também foram influenciados pelo poema sinfônico em seu desenvolvimento -

Poema sinfônico

(alemão symphonische Dichtung, francês poime symphonique, poema sinfônico inglês, poema sinfonica italiano) - sinfonia de programa de uma parte. trabalhar. O gênero de S. p. foi totalmente formado na obra de F. Liszt. O próprio nome vem dele. "S.p." Liszt apresentou-o pela primeira vez em 1854 com sua abertura "Tasso", escrita em 1849, após a qual passou a ser chamada. S. p. todas as suas sinfonias de programa de um movimento. ensaios. Nome "S.p." indica uma conexão neste tipo de produção. música e poesia - ambas no sentido de concretizar o enredo de uma ou outra literatura. funciona, e no sentido da semelhança de S. itens com o mesmo nome. gênero poético ação judicial S. p. é o principal sinfonia de gênero música do programa. Obras como S. p. às vezes recebem outros nomes - fantasia sinfônica, sinfonia. lendas, baladas, etc. Fechar com itens, mas com específicos. características de uma variedade de músicas de programas - abertura e imagem sinfônica. Dr. o tipo mais importante de sinfonia. música do programa é sinfonia do programa, que é um ciclo de 4 (e às vezes 5 ou mais) partes.
Na folha estão escritos 13 pp. Os mais famosos deles são “Prelúdios” (de acordo com A. Lamartine, ca. 1848, última edição 1854), “Tasso” (de acordo com J. V. Goethe), “Orfeu” (1854), “A Batalha dos Hunos” (baseado na pintura de W. Kaulbach, 1857), “Ideais” (baseado em F. Schiller, 1857), “Hamlet” (baseado em W. Shakespeare, 1858). Nos itens S. de Listov, vários tipos são combinados livremente. estruturas, características, etc. instrução gêneros. Particularmente característico deles é a combinação em um movimento dos traços da sonata allegro e da sonata-sinfonia. ciclo. Básico parte da sinfonia O poema geralmente consiste em uma série de episódios diferentes, que, do ponto de vista da sonata allegro, correspondem ao cap. partes, partes laterais e desenvolvimento, e do ponto de vista do ciclo - o primeiro (rápido), o segundo (lírico) e o terceiro (scherzo) movimentos. Conclui a produção um regresso de forma comprimida e figurativamente transformada, semelhante na sua expressividade, aos episódios anteriores, que do ponto de vista da sonata allegro corresponde à reprise, e do ponto de vista do ciclo - ao finale. Em comparação com a sonata allegro usual, os episódios de S. p. são mais independentes e internamente completos. O retorno comprimido no final do mesmo material prova ser um poderoso agente de retenção de forma. Em S. p. o contraste entre os episódios pode ser mais nítido do que na sonata allegro, podendo haver mais de três episódios propriamente ditos. Isso dá ao compositor maior liberdade para implementar ideias de programas, exibir diversas. tipo de histórias. Em combinação com este tipo de "sintético". estruturas, Liszt frequentemente aplicava o princípio do monotematismo - tudo básico. os temas, nesses casos, acabam sendo variações livres do mesmo tema ou temática principal. Educação. O princípio do monotematismo fornece forma de fixação, no entanto, quando consistente. aplicação pode levar à entonação. empobrecimento do todo, já que a transformação é principalmente rítmica. desenho, harmonização, textura das vozes acompanhantes, mas não entonação. contornos do tema.
Os pré-requisitos para o surgimento do gênero S. p. podem ser rastreados ao longo de muitas décadas anteriores. Tentativas de combinar estruturalmente partes de uma sonata-sinfonia. os ciclos foram realizados antes de Liszt, embora muitas vezes recorressem a métodos “externos” de unificação (por exemplo, a introdução de construções de ligação entre as partes individuais do ciclo ou a transição de uma parte para a seguinte). O próprio incentivo para tal unificação está associado ao desenvolvimento da música programática, à divulgação na produção. parcela única. Muito antes de Liszt, também surgiram sinfonias-sonatas. ciclos que tinham características de monotematismo, por exemplo. sinfonias, principal Os temas de todas as partes revelaram entonação, ritmo. e assim por diante. unidade. Um dos primeiros exemplos de tal sinfonia foi a 5ª Sinfonia de Beethoven. O gênero com base no qual se deu a formação de S. p. é a abertura. Ampliação do seu escopo, associado aos planos do programa, interno. temático o enriquecimento gradualmente transformou a abertura em S. p. Marcos importantes nesse caminho são plurais. aberturas de F. Mendelssohn. É significativo que Liszt também tenha criado suas primeiras peças de S. como aberturas para K.-L. aceso. produzidos, e inicialmente tinham até o nome. Abertura ("Tasso", "Prometheus").
Seguindo Liszt, outros europeus ocidentais também se voltaram para o gênero das obras literárias. compositores, representantes de vários nacional escolas Entre eles estão B. Smetana ("Richard III", 1858; "Wallenstein's Camp", 1859; "Jarl the Heckon", 1861; o ciclo "My Homeland", composto por 6 parágrafos, 1874-70), K. Sen - Sane ("A Roda Giratória de Omphale", 1871; "Phaeton", 1873; "Dança da Morte", 1874; "A Juventude de Hércules", 1877), S. Frank ("Zolids", 1876; "Djinns", 1885; "Psyche", 1886, com coro), H. Wolf ("Pentesileia", 1883-85).
A etapa mais importante no desenvolvimento do gênero S. p. na Europa Ocidental. a arte está associada à obra de R. Strauss, autor de 7 S. p. Os mais significativos deles são “Don Juan” (1888), “Morte e Iluminismo” (1889), “Till Eulenspiegel” (1895), “Assim Falou Zaratustra” (1896), “Dom Quixote” (1897). Perto das artes. sinais de S. e. também tem sua sinfonia. fantasias "From Italy" (1886), "Home Symphony" (1903) e "Alpine Symphony" (1915). Criado por R. Strauss S. e. distingue-se pelo brilho, "cativação" das imagens, uso magistral das capacidades da orquestra - tanto expressivas quanto visuais. R. Strauss nem sempre adere ao esquema estrutural típico das peças de Liszt S.. Assim, a base de seu “Don Juan” é o esquema de uma sonata allegro, a base de “Till Eulenspiegel” é a forma rondó-variação, a base de “Dom Quixote” são variações (em O subtítulo da obra é denominado “variações sinfônicas sobre o tema do caráter cavalheiresco”).
Depois de R. Strauss, representantes de outras nacionalidades trabalharam com sucesso na área da produção agrícola. escolas J. Sibelius criou uma série de S. p. mas com base em motivos folclóricos. finlandês o épico "Kalevala" ("Saga", 1892; "Kullervo", 1892; o último - "Tapiola" data de 1925). 5 itens S. foram escritos em 1896 por A. Dvořák ("O Homem da Água", "Meio-dia", "A Roda Giratória Dourada", "A Pomba", "A Canção Heroica").
No século 20 no exterior, além de J. Sibelius, prod. Poucos compositores criaram no gênero de canções cantadas - B. Bartok ("Kossuth", 1903), A. Schoenberg ("Pelleas and Melisande", 1903), E. Elgar ("Falstaff", 1913), M. Reger (4 S. p. baseado em pinturas de Böcklin, 1913), O. Respighi (trilogia: “Fontes de Roma”, 1916; “Pineas de Roma”, 1924; “Festas de Roma”, 1929). Sp na Europa Ocidental. a música é modificada internamente; perdendo as características do enredo, aproxima-se gradativamente da sinfonia. pintura. Freqüentemente, nesse sentido, os compositores apresentam sinfonias ao seu programa. estímulo. nomes mais neutros (prelúdio " Descanso da tarde Faun", 1895, e 3 esquetes sinfônicos "The Sea", 1903, Debussy; "movimentos sinfônicos" "Pacific 231", 1922, e "Rugby", 1928, Honegger, etc.).
Rússia. compositores criaram muitos obras como S. p., embora este termo nem sempre tenha sido utilizado para definir seu gênero. Entre eles estão M. A. Balakirev (S. p. "Rus", 1887, na 1ª edição de 1862 chamada abertura "A Thousand Years"; "Tamara", 1882), P. I. Tchaikovsky (S. p. "Fatum", 1868; abertura-fantasia "Romeu e Julieta", 1869, 3ª edição 1880; fantasia sinfônica "Francesca da Rimini", 1870; fantasia (sinfônica) "A Tempestade", 1873; abertura-fantasia "Hamlet", 1885; balada sinfônica "Voevoda" , 1891), N. A. Rimsky-Korsakov ("Conto de Fadas", 1880), A. K. Glazunov ("Stenka Razin", 1885), A. N. Scriabin (“Sonhos”, 1898; “Poema de Êxtase”, 1907; “Poema de Fogo” , ou “Prometheus”, com ph. e refrão, 1910). Entre as corujas. compositores que se voltaram para o gênero de S. p. - A. I. Khachaturyan (poema sinfônico, 1947), K. Karaev ("Leili e Majnun", 1947), A. A. Muravlev ("Azov-Mountain", 1949), A. G. Svechnikov ( "Shchors", 1949), G. G. Galynin ("Poema Épico", 1950), A. D. Gadzhiev ("Pela Paz", 1951), V. Mukhatov ("Minha Pátria", 1951).
Literatura: Popova T., poema sinfônico, M.-L., 1952, M., 1963; Wagner R., Ober Pe. Liszt's Symphonische Dichtungen, Brief an M. Wittgenstein vom 17. Februar 1837, no livro: Wagner R., Gesammelte Schriften und Dichtungen, Bd 5, Lpz., 1898; Raabe P., Entstehungsgeschichte der ersten Orchesterwerke Fr. Jena, 1916 (Diss.); Hcinrichs J., Ber den Sinn der Lisztschen Programmusik, Bonn, 1929 (Diss.); Bergfeld J., Die formale Struktur der symphonischen Dichtungen Fr. Liszts, Eisenach, 1931; Mendl R., Art do poema sinfônico, "MQ", 1932, v. P.. 1950; ver também a lit. nos artigos Program music, Liszt F., Strauss G.

Enciclopédia Musical. - M.: Enciclopédia Soviética, compositor soviético. Ed. Yu V. Keldysh. 1973-1982 .

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Na visão cotidiana, Liszt aparece principalmente como um autor de obras para piano e como um pianista virtuoso. No entanto, na realidade ele escreveu não muito menos música para orquestra do que para piano. O compositor sentia-se tão confiante nas obras orquestrais quanto nas obras para piano. A liberdade de direção de Liszt em partituras orquestrais complexas tornou-se matéria de lendas. Ele os leu à primeira vista como se tivessem sido cuidadosamente memorizados peça de piano. A habilidade de ler partituras chegou a Liszt durante muitos anos de trabalho como maestro de sinfonia e ópera. Ele dirigiu muitas estreias de composições orquestrais criadas por seus contemporâneos, ou seja, dominou partituras nas quais, por assim dizer, “a tinta do autor ainda não havia secado”. Além disso, o compositor arranjou muitos música orquestral, incluindo versões de piano criadas textos completos todas as nove sinfonias de Beethoven.

Liszt entrou para a história da música sinfônica como o criador de um novo gênero - poema sinfônico de uma parte . O seu nome evoca associações instantâneas com a atmosfera da poesia e reflecte claramente a ligação entre a música e a literatura que está subjacente à estética de Liszt (como é sabido, Liszt foi um dos mais ferrenhos apoiantes criatividade do programa e síntese várias artes). Dado que um poema sinfónico incorpora conteúdos programáticos específicos, por vezes muito complexos, a sua formação carece da estabilidade inerente aos seus parentes mais antigos - a sinfonia e a abertura. A maioria dos poemas sinfônicos de Liszt são baseados na música livre ou forma mista. Este é o nome dado às formas que combinam as características essenciais de duas ou mais formas clássicas. O fator unificador, via de regra, é o princípio do monotematismo (a criação de imagens contrastantes baseadas no mesmo tema ou motivo).

12 dos 13 poemas sinfônicos de Liszt datam do apogeu de sua obra - a chamada. Período de Weimar(1848-186I, ou seja, década de 50), quando o compositor era diretor e maestro do teatro da corte de Weimar. Ambas as sinfonias de Liszt, Fausto e Dante, foram criadas ao mesmo tempo. O compositor voltou-se para uma forma cíclica neles. A sinfonia “Dante” tem dois movimentos (“Inferno” e “Purgatório”), a sinfonia “Fausto” tem três movimentos (“Fausto”, “Margarita”, “Mefistófeles”. No entanto, suas partes são próximas em estrutura aos poemas sinfônicos ).

A gama de imagens incorporadas nos poemas sinfônicos de Liszt é muito ampla. Apresentado aqui literatura mundial todos os séculos, dos mitos antigos à criatividade românticos modernos. Mas entre a variedade heterogênea de assuntos, destaca-se claramente uma problemática filosófica muito específica de Liszt:

problema de significado vida humana– “Prelúdios”, “Hamlet”, “Prometeu”, “Lamento pelos Heróis”;
o destino do artista e a finalidade da arte - “Tasso”, “Orfeu”, “Mazeppa”;
o destino dos povos e de toda a humanidade - “Hungria”, “Batalha dos Hunos”, “O que se ouve na montanha”.

Os dois poemas mais conhecidos de Liszt são: "Tasso" (onde o compositor recorreu à personalidade do notável poeta renascentista italiano Torquato Tasso) e "Prelúdios".

"Prelúdios" é o terceiro poema sinfônico de Liszt. Seu nome e programa foram emprestados pelo compositor do poema de mesmo nome Poeta francês Lamartine(sob a impressão da poesia de Lamartine, o compositor criou também o ciclo para piano “Harmonias Poéticas e Religiosas”). No entanto, Liszt afastou-se significativamente da ideia central do poema, que se dedicava a pensar a fragilidade da existência humana. Ele criou uma música cheia de pathos heróico e de afirmação da vida.

Composição musical"Prelúdios" baseia-se em princípios de sonata allegro de interpretação livre com ligações monotemáticas entre os temas mais importantes. No próprio em termos gerais o formulário pode ser definido como sonata-concêntrica(sonata allegro com introdução, episódio em desenvolvimento e reprise espelhada de caráter dinamizado).

O início do poema é muito típico de Liszt, que geralmente recusa apresentações solenes e inicia muitas obras silenciosamente, como que secretamente. Em “Prelúdios”, os sons abruptos e tranquilos dos primeiros compassos dão a impressão de mistério e enigma. Surge então o motivo tipicamente romântico da pergunta - do-si-mi (m.2 abaixo - parte 4 acima), expressando a frase inicial “chave” do programa: “Não é a nossa vida uma série de prelúdios para um hino desconhecido, cuja primeira nota solene será tomada pela morte?”), ou seja, a questão sobre o sentido da vida. Este motivo desempenha o papel de núcleo temático para todas as músicas subsequentes da composição.

Crescendo a partir do motivo da pergunta, mas adquirindo a certeza da autoafirmação, do heróico tópico principal (Dó maior) soa poderoso e solene com trombones, fagotes e cordas graves. Os temas de ligação e secundários contrastam claramente com o principal, pintando a imagem de um herói com outro lado do sonho de felicidade e amor. Neste caso, o fichário é uma versão “lirizada” tópico principal, apresentada por violoncelos de forma muito melodiosa. Posteriormente, recebe um significado transversal no poema, aparecendo nas bordas de trechos importantes e, por sua vez, sofrendo transformações variantes.

Lado(E-dur), segundo o plano do programa, é o tema do amor. Sua ligação com o motivo principal é mais indireta. Com o tema principal, o tema secundário aparece numa terceira relação colorida e “romântica”. O som secundário das trompas, duplicado pelas violas divizi, confere um calor e uma sinceridade especiais.

O idílio amoroso de um jogo paralelo em desenvolvimento dá lugar a tempestades da vida, cenas de batalha e, por fim, um grande episódio de cunho pastoral: o “herói” busca repouso no seio da natureza a partir das preocupações da vida (uma das motivos ideológicos e de enredo mais típicos arte romântica). Em todas essas seções há transformações do motivo principal. EM episódio de tempestade (primeira seção do desenvolvimento) torna-se mais instável devido ao aparecimento da mente nele.4. Toda harmonia, baseada principalmente em acordes de sétima diminuta e seus movimentos paralelos ao longo dos tons da escala cromática, também se torna instável. Tudo isso evoca associações com violentas rajadas de vento. O episódio da tempestade, que em muitos aspectos lembra o desenvolvimento de uma sonata, distingue-se por suas imagens pitorescas vívidas. Continua a longa tradição de “tempestades musicais” (Vivaldi, Haydn, Beethoven, Rossini) e tem uma clara semelhança com o scherzo tempestuoso e dramático do ciclo sinfónico.

A próxima seção é pastoral – assemelha-se a um movimento lento. O seu tema, executado alternadamente por vários instrumentos de sopro, é totalmente novo (trata-se de um “episódio” em desenvolvimento). Porém, mesmo aqui, no som transparente das melodias pastorais, brilha a “entonação de uma pergunta”, como se mesmo no seio da natureza o herói não conseguisse livrar-se das suas dúvidas. Mais tarde, após ecos do tema de ligação, um tema secundário é incluído no desenvolvimento, dando continuidade muito naturalmente à música do episódio lírico. Aqui começa formalmente a reprise espelhada do poema, mas a chave é nova - As-dur.

O posterior desenvolvimento do tema paralelo visa a sua glorificação: torna-se cada vez mais ativo, enérgico e em reprise dinâmica se transforma em uma marcha da vitória em um ritmo pontilhado. Esta versão em forma de marcha do tema paralelo é novamente precedida por um tema de ligação, que também perde o seu carácter sonhador e se transforma num apelo jubiloso. A heroização das imagens líricas leva logicamente ao auge de toda a obra - a poderosa implementação do tema principal, que se torna a apoteose heróica do poema.

Diferentes tipos de arte não existem em isolamento absoluto - eles emprestam uns dos outros não apenas temas e enredos, mas também conceitos. Um termo que veio da literatura se enraizou na música: poema. O que eles representam? poemas musicais, e quando esse gênero surgiu?

Existem diferentes poemas na música - e o primeiro a aparecer é o poema sinfônico. O seu “pai” é considerado um compositor romântico húngaro, mas, claro, ele criou novo gênero não "do zero". O antecessor imediato do poema sinfônico pode ser considerado a abertura, feita no século XIX por passo importante em seu desenvolvimento, separado das performances. Claro, aberturas para ópera e performances dramáticas ainda foram criados, mas junto com eles - com a mão leve de Felix Mendelssohn-Bartholdy - surgiram aberturas de concerto, das quais houve realmente um passo para um poema sinfônico, e esse passo foi dado por Franz Liszt... Como isso aconteceu ? É muito simples - ele chamou a abertura de Tasso escrita em 1849 de poema sinfônico e posteriormente chamou assim todas as suas obras sinfônicas de um movimento, das quais ele criou algumas - treze obras no total.

Os poemas sinfônicos de Franz Liszt nos ajudarão a entender como um poema difere de uma abertura - e o que impediu Liszt de continuar a chamar suas obras de aberturas. Ambos pertencem ao campo da música programática - isto é, música cujo conteúdo é concretizado na forma verbal. Mas o próprio conceito da abertura reflete o seu “passado” - a sua ligação com a obra cênica, que pode (ou em princípio poderia) abrir - afinal, até Liszt criou inicialmente “Tasso” como uma introdução orquestral à produção de Johann A tragédia “Torquato Tasso” de Wolfgang Goethe. Mas vamos dar uma olhada em outros poemas de Liszt: “Prelúdios” baseado em um poema do poeta francês Alphonse de Lamartine, “Mazeppa” baseado em um poema de Victor Hugo - essas obras literárias não são encenadas, são apenas lidas, e certamente não podem ser “abertos” com uma introdução orquestral! Além disso, isso é impossível para o afresco que inspirou Liszt a criar “A Batalha dos Hunos”. Assim, um poema sinfônico, tendo programa literário, desde o início da sua existência, destinava-se apenas à realização de concertos. Ao mesmo tempo, a presença de um programa era obrigatória - não foi por acaso que Liszt tomou emprestado o termo do arsenal da literatura.

Assim, os traços característicos de um poema sinfônico são a performance programática, de movimento único e de concerto (sem ligação com o teatro). Mas a partir dos poemas, adquiriu também características específicas de forma. Podemos dizer que em sua forma as características da sonata e da ciclicidade se fundiram - como se a forma sonata “crescesse” e “absorvesse” outras partes do ciclo sonata-sinfônico (movimento lento, scherzo, finale). A correlação de seções de um poema sinfônico lembra a comparação de temas e seções de uma forma sonata - mas cada uma delas é mais completa e autossuficiente, o que aproxima as seções das partes de uma sinfonia. Se na forma sonata se distinguem sempre três seções - exposição, desenvolvimento e reprise - então em um poema sinfônico pode haver mais seções, e nesse aspecto o compositor é mais livre, e para incorporar qualquer enredo específico Este formulário é muito mais conveniente.

Liszt lançou as bases para o gênero do poema sinfônico e outros compositores românticos tomaram a iniciativa. criou os poemas “Richard III”, “Camp Wallenstein”, mas glorificou especialmente o seu ciclo de poemas “My Homeland”. Camille Saint-Saëns criou poemas sinfônicos: “A Roda Giratória de Omala”, “Phaeton”, “A Juventude de Hércules” e os mais famosos – “Dança da Morte”. O gênero do poema sinfônico ocupa um lugar importante em sua obra: “Don Juan”, “Assim Falou Zaratustra”, “Até Eulenspiegel” - estes são apenas alguns de seus poemas. Vale ressaltar que em Strauss não encontramos mais aqueles sinais de forma que estão associados ao poema desde a época de Liszt - o compositor escolhe a forma mais adequada ao enredo correspondente: sonata allegro em Don Giovanni, variações em Don Quixote, combinação de rondó e variações de Till Eulenspiegel.

Os compositores russos também criaram poemas sinfônicos e, em primeiro lugar, Alexander Nikolaevich Scriabin vem à mente com seu “Poema de Êxtase” e “Prometheus” (“Poema de Fogo”). No entanto, Scriabin também tem outros poemas – os de piano (“O Poema Satânico”, o poema “To the Flame”). O poema para instrumento solo pode ser considerado descendente direto do poema sinfônico.

Finalmente, a definição de “poema” no século XX começou a ser aplicada a alguns obras corais- como, por exemplo, “Dez poemas corais” ou o poema coral “Ladoga”. Vale ressaltar que Sviridov deu o título “Poema em Memória de Sergei Yesenin” a uma de suas cantatas.

Surgem as características da abstração idealista, da retórica e do pathos oratório exterior. Ao mesmo tempo, é de fundamental importância criatividade sinfônica Liszt é ótimo: perseguindo consistentemente sua ideia de “renovar a música através de sua conexão com a poesia”, ele alcançou notável perfeição artística em uma série de obras.

A programação está subjacente ao número esmagador de Liszt obras sinfônicas. O enredo escolhido sugeriu novos meio de expressão, inspirou buscas ousadas no campo da forma e da orquestração, que Liszt sempre notou pela sua brilhante sonoridade e colorido. O compositor geralmente distinguia claramente os três grupos principais da orquestra - cordas, instrumentos de sopro e metais - e usava vozes solo de forma inventiva. Em tutti, sua orquestra soa harmoniosa e equilibrada, e nos momentos de clímax, como Wagner, ele frequentemente usava poderosos uníssonos de metais contra o pano de fundo de figurações de cordas.

Liszt entrou para a história da música como o criador de uma nova gênero romântico- “poema sinfônico”: assim chamou pela primeira vez nove obras concluídas em 1854 e publicadas em 1856-1857; mais tarde, mais quatro poemas foram escritos.

Os poemas sinfônicos de Liszt são grandes obras programáticas em formato livre de uma parte (Apenas o último poema sinfônico - “Do berço ao túmulo” (1882) - é dividido em três pequenas partes que correm sem interrupção.), onde vários princípios de formação são frequentemente combinados (sonata, variação, rondó); às vezes, essa estrutura de uma parte “absorve” elementos de um ciclo sinfônico de quatro partes. O surgimento desse gênero foi preparado por todo o desenvolvimento da sinfonia romântica.

Por um lado, havia uma tendência para a unidade de um ciclo multipartes, a sua unificação por temas transversais, a fusão de partes (“Sfonia Escocesa” de Mendelssohn, Sinfonia de Schumann em d-moll e outras). Por outro lado, o antecessor do poema sinfônico foi a abertura do concerto programático, que interpretava livremente a forma sonata (aberturas de Mendelssohn, e anteriores - Leonora nº 2 e Coriolanus de Beethoven). Enfatizando essa relação, Liszt chamou muitos de seus futuros poemas sinfônicos em suas primeiras versões de aberturas de concerto. O nascimento de um novo gênero também foi preparado por grandes obras monomoventes para piano, desprovidas de uma extensa programação - fantasias, baladas, etc. (de Schubert, Schumann, Chopin).

A gama de imagens incorporadas por Liszt em poemas sinfônicos é muito ampla. Ele foi inspirado pela literatura mundial de todos os séculos e povos - desde mito antigo(“Orfeu”, “Prometheus”), tragédias inglesas e alemãs dos séculos XVII-XVIII (“Hamlet” de Shakespeare, “Tasso” de Goethe) aos poemas de contemporâneos franceses e húngaros (“O que se ouve na montanha” e “Mazeppa” de Hugo, “Prelúdios” "Lamartine, "To Franz Liszt" de Vörösmarty). Como em criatividade no piano, Liszt em seus poemas muitas vezes incorporava imagens de pintura (“Batalha dos Hunos” baseada na pintura Artista alemão Kaulbach, “Do berço ao túmulo” baseado num desenho do artista húngaro Zichy), etc.

Mas entre a variedade heterogênea de enredos, emerge claramente uma gravitação em torno de temas heróicos. Liszt sentiu-se atraído por temas que retratavam forte em espírito pessoas, fotos grandes movimentos populares, batalhas e vitórias. Ele incorporou a imagem em sua música herói antigo Prometeu, que se tornou um símbolo de coragem e vontade inflexível. Como os poetas românticos países diferentes(Byron, Hugo, Slovacki), Liszt estava preocupado com o destino do jovem Mazepa - um homem que superou um sofrimento inédito e alcançou grande fama (Essa atenção é dada à juventude de Mazepa (segundo a lenda, ele foi amarrado à garupa de um cavalo, que correu pela estepe por muitos dias e noites), e não a destino histórico hetman da Ucrânia - um traidor de sua terra natal - é típico, ao contrário de Pushkin, dos românticos estrangeiros.). Em “Hamlet”, “Tasso”, “Prelúdios” o compositor glorificou a façanha de vida do homem, seus impulsos eternos de luz, felicidade, liberdade; na “Hungria” cantou o passado glorioso do seu país, a sua heróica luta pela libertação; “Lamento pelos Heróis” foi dedicado aos combatentes revolucionários que morreram pela liberdade da sua pátria; em “A Batalha dos Hunos” ele pintou o quadro de um gigantesco confronto de nações (a batalha do exército cristão com as hordas de Átila em 451).

A folha é especialmente adequada para obras literárias, que serviu de base ao programa do poema sinfônico. Como Berlioz, ele geralmente prefacia a partitura com uma apresentação detalhada do enredo (muitas vezes bastante extensa, incluindo a história da ideia e o raciocínio filosófico abstrato); às vezes - trechos de um poema e muito raramente limitados apenas a um título geral (“Hamlet”, “Holiday Bells”). Mas, ao contrário de Berlioz, Liszt interpreta o programa detalhado de uma forma geral, sem transmitir o desenvolvimento sequencial da trama na música. Ele geralmente se esforça para criar uma imagem brilhante e proeminente do personagem central e concentrar toda a atenção do ouvinte em suas experiências. Esta imagem central também é interpretada não de uma forma concreta e cotidiana, mas num sentido generalizado e elevado, como portadora de uma grande ideia filosófica.

Nos melhores poemas sinfônicos, Liszt conseguiu criar imagens musicais memoráveis e mostrá-las em diversas situações da vida. E quanto mais multifacetadas são as circunstâncias em que o herói luta e sob a influência das quais se revelam diferentes lados de seu personagem, mais brilhante é revelada sua aparência, mais rico é o conteúdo da obra como um todo.

As características dessas condições de vida são criadas por diversos meios musicais e expressivos. A generalização através do gênero desempenha um papel importante: Liszt usa certos gêneros historicamente estabelecidos de marcha, coral, minueto, pastoral e outros que contribuem para a especificação imagens musicais e torná-los mais fáceis de perceber. Ele costuma usar técnicas visuais para criar imagens de tempestades, batalhas, corridas de cavalos, etc.

Liderança imagem central dá origem ao princípio do monotematismo - toda a obra é baseada na modificação de um tema central. É assim que se estruturam muitos dos poemas heróicos de Liszt (“Tasso”, “Prelúdios”, “Mazeppa”). desenvolvimento adicional princípio da variação: em vez de revelar gradativamente as possibilidades do tema, dá-se uma comparação direta de suas variantes de natureza distante, muitas vezes contrastantes. Graças a isso, é criada uma imagem única e ao mesmo tempo multifacetada e mutável do herói. A transformação do tema principal é percebida como uma manifestação de vários lados de seu caráter - como mudanças que surgem em decorrência de determinadas circunstâncias da vida. Dependendo da situação específica em que o herói atua, a composição de seu tema também muda.