Biografia

Achille Claude Debussy é um compositor francês. Principal representante do impressionismo musical.

Debussy antes do impressionismo

Nasceu em 22 de agosto de 1862 em Saint-Germain-en-Laye (subúrbio de Paris) na família de um pequeno comerciante - dono de uma pequena loja de faiança. Quando Claude tinha dois anos, seu pai vendeu sua loja e toda a família mudou-se para Paris, onde Debussy Sr. conseguiu um emprego como contador em uma empresa privada. Quase toda a infância de Claude Debussy passou em Paris, menos a época da Guerra Franco-Prussiana, quando a mãe do futuro compositor foi com ele para Cannes, longe das hostilidades. Foi em Cannes que o jovem Claude começou a ter as primeiras aulas de piano em 1870; ao retornar a Paris, as aulas continuaram sob a orientação de Antoinette Mothe de Fleurville, sogra do poeta Paul Verlaine, que também se autodenominava aluna de Frederic Chopin.

Em 1872, aos dez anos, Claude ingressou no Conservatório de Paris. Estudou piano com o famoso pianista e professor Antoine Marmontel, na aula elementar de solfejo com o eminente tradicionalista Albert Lavignac, e o próprio Cesar Frank lhe ensinou órgão. No conservatório, Debussy estudou com bastante sucesso, embora como estudante não tenha brilhado com nada de especial. Somente em 1877 os professores apreciaram o talento pianístico de Debussy, concedendo-lhe o segundo prêmio pela execução de uma sonata de Schumann. Estar na aula de harmonia e acompanhamento de Emile Durand gerou um conflito aberto entre aluno e professor. Leal livro escolar harmonia, Durand não conseguia aceitar nem mesmo os experimentos mais modestos de seu aluno. Não esquecendo os embates com o professor, muitos anos depois Debussy escreveu sobre este episódio da sua formação: “A harmonia, tal como ensinada no conservatório, é uma forma pomposamente divertida de ordenar os sons”.

Debussy começou a estudar composição sistematicamente apenas em dezembro de 1880 com o professor Ernest Guiraud, membro da Academia de Belas Artes. Seis meses antes de entrar na aula de Guiraud, Debussy viajou pela Suíça e Itália como pianista e professor de música na família de uma rica filantropa russa, Nadezhda von Meck. Debussy passou os verões de 1881 e 1882 perto de Moscou, em sua propriedade Pleshcheyevo. A comunicação com a família von Meck e a permanência na Rússia tiveram um efeito benéfico no desenvolvimento do jovem músico. Em sua casa, Debussy conheceu a nova música russa de Tchaikovsky, Borodin, Balakirev e compositores próximos a eles. Em várias cartas de von Meck a Tchaikovsky, às vezes era mencionado um certo “querido francês” que falava com admiração de sua música e lia partituras com excelência. Juntamente com von Meck, Debussy também visitou Florença, Veneza, Roma, Moscou e Viena, onde ouviu pela primeira vez o drama musical “Tristão e Isolda”, que se tornou objeto de sua admiração e até adoração por uns bons dez anos. O jovem músico perdeu este trabalho igualmente agradável e lucrativo em consequência de um amor descoberto inoportunamente por uma das muitas filhas de von Meck.

Retornando a Paris, Debussy, em busca de trabalho, tornou-se acompanhante no estúdio vocal de Madame Moreau-Senty, onde conheceu a rica cantora amadora e amante da música Madame Vanier. Ela expandiu significativamente seu círculo de amizades e introduziu Claude Debussy nos círculos da boêmia artística parisiense. Para Vanier, Debussy compôs vários romances requintados, incluindo obras-primas como “Bandolim” e “Mutely”.

Paralelamente, Debussy continuou os seus estudos no conservatório, tentando obter reconhecimento e sucesso também entre os seus colegas, músicos académicos. Em 1883, Debussy recebeu um segundo Prêmio de Roma por sua cantata Gladiador. Não parando por aí, continuou seus esforços nesse sentido e um ano depois, em 1884, recebeu o Grande Prêmio de Roma pela cantata " Filho pródigo"(francês L'Enfant prodigue). Numa estranheza tão comovente quanto inesperada, isto aconteceu graças à intervenção pessoal e ao apoio benevolente de Charles Gounod. Caso contrário, Debussy provavelmente não teria recebido esta coroa profissional de papelão de todos os acadêmicos da música - “este certificado único de origem, iluminação e autenticidade do primeiro grau”, como Debussy e seu amigo, Erik Satie, mais tarde chamaram de brincadeira o Prêmio Roma entre eles mesmos.

Em 1885, com extrema relutância e com dois meses de atraso (o que foi uma violação grave), Debussy foi, no entanto, para Roma por conta pública, onde deveria viver e trabalhar durante dois anos na Villa Medici, juntamente com outros vencedores de prémios. Foi em uma dualidade tão dura e em contradições internas que passou todo o período inicial da vida de Debussy. Ao mesmo tempo, ele resiste à Academia conservadora e quer ser incluído em suas fileiras, luta obstinadamente pelo prêmio, mas depois não quer trabalhar e “justificá-lo”. Além disso, pela duvidosa honra de ser incentivado como aluno exemplar, era preciso se conter de todas as maneiras possíveis e levar em conta as exigências acadêmicas. Assim, ao contrário dos romances de Madame Vanier, as obras de Debussy, galardoadas com os Prémios Roma, geralmente não ultrapassavam os limites do tradicionalismo permitido. E ainda assim, durante todos esses anos, Debussy esteve profundamente preocupado com a busca de seu estilo e linguagem originais. Esses experimentos jovem músico inevitavelmente entrou em conflito com a escolástica acadêmica. Mais de uma vez surgiram conflitos agudos entre Debussy e alguns professores do conservatório, complicados pelo caráter temperamental e vingativo do jovem compositor.

O período romano não se tornou particularmente fecundo para o compositor, pois nem Roma nem música italiana não eram próximos dele, mas aqui conheceu a poesia dos pré-rafaelitas e começou a compor um poema para voz e orquestra “A Virgem Escolhida” (francês: La damoiselle élue) com as palavras de Gabriel Rossetti - o primeiro obra em que foram delineadas as características de sua individualidade criativa. Depois de passar os primeiros meses na Villa Medici, Debussy enviou sua primeira epístola romana a Paris - a ode sinfônica "Suleima" (de acordo com Heine), e um ano depois - uma suíte de duas partes para orquestra e coro sem palavras "Primavera" (depois pintura famosa Botticelli), que causou o infame revisão oficial Academias:

“Sem dúvida, Debussy não peca com curvas planas e banalidades. Pelo contrário, ele se distingue por um desejo claramente expresso de procurar algo estranho e incomum. Ele exibe um senso excessivo de colorido musical, que às vezes o faz esquecer a importância da clareza do padrão e da forma. Ele deve tomar cuidado especialmente com o impressionismo vago, um inimigo tão perigoso da verdade nas obras de arte.”

- (Léon Vallas, “Claude Debussy”, Paris, 1926, p.37.)

Esta revisão destaca-se, antes de mais, pelo facto de, apesar de toda a inércia académica do conteúdo, ser essencialmente profundamente inovador. Este artigo de 1886 ficou para a história como a primeira menção ao “impressionismo” em relação à música. Deve-se notar especialmente que naquela época o impressionismo estava plenamente formado como movimento artístico na pintura, mas na música (incluindo o próprio Debussy) não só não existia, como ainda nem foi planejado. Debussy estava apenas no início de sua busca por um novo estilo, e os acadêmicos assustados, com o diapasão cuidadosamente limpo de suas orelhas, compreenderam a direção futura de seu movimento - e o avisaram com medo. O próprio Debussy falou com uma ironia bastante cáustica sobre o seu “Zuleima”: “lembra muito Verdi ou Meyerbeer”...

No entanto, a cantata “A Virgem Escolhida” e a suíte “Primavera”, escrita na Villa Medici, já não evocavam nele tão forte auto-ironia. E quando a Academia, tendo aceitado “Virgin” para apresentação em um de seus concertos, rejeitou “Spring”, o compositor lançou um ultimato contundente e ocorreu um escândalo, que resultou na recusa de Debussy em participar do concerto e no rompimento total com o Academia.

Depois de Roma, Debussy visitou Bayreuth e novamente experimentou a forte influência de Richard Wagner. Talvez uma das obras mais wagnerianas seja o ciclo vocal “Cinco Poemas de Baudelaire” (francês: Cinq Poèmes de Baudelaire). Porém, não contente apenas com Wagner, durante todos esses anos Debussy se interessou ativamente por tudo que é novo e busca seu próprio estilo em todos os lugares. Ainda antes, uma visita à Rússia despertou uma paixão pelo trabalho de Mussorgsky. Após a Exposição Mundial de 1889 em Paris, Debussy voltou sua atenção para orquestras exóticas, especialmente javanesas e anamitas. Porém, a formação definitiva de seu estilo composicional ocorre apenas três anos depois.

Tentando fazer uma aposta de grande compositor, em 1890 Debussy começou a trabalhar na ópera Rodrigue et Chimène baseada em um libreto de Catulle Mendes. No entanto, este trabalho não lhe deu nenhuma confiança em própria força e dois anos depois foi abandonado inacabado.

No final da década de 1880, Debussy aproximou-se de Ernest Chausson, compositor amador, secretário do Conselho Nacional de Música e simplesmente um homem muito rico, com cuja ajuda e apoio contava. O brilhante salão artístico de Chausson era visitado semanalmente por celebridades como os compositores Henri Duparc, Gabriel Fauré e Isaac Albéniz, o violinista Eugene Ysaye, a cantora Pauline Viardot, o pianista Alfred Cortot-Denis, o escritor Ivan Turgenev e o artista Claude Monet. Foi lá que Debussy conheceu o poeta simbolista Stéphane Mallarmé e tornou-se primeiro um visitante regular do seu círculo de poesia e depois um amigo próximo. Ao mesmo tempo, Debussy leu pela primeira vez os contos de Edgar Poe, que até o fim da vida se tornou o escritor favorito de Debussy.

No entanto, o acontecimento mais importante desta época foi, talvez, o inesperado conhecimento em 1891 do pianista do Auberge du Clou de Montmartre, Erik Satie, que ocupava o cargo de segundo pianista. A princípio, Debussy foi atraído pelas improvisações harmonicamente frescas e incomuns do acompanhante do café, e depois por seus julgamentos sobre a música, livre de quaisquer estereótipos, originalidade de pensamento, caráter independente, áspero e humor cáustico, que absolutamente não poupou nenhuma autoridade. . Além disso, Satie interessou Debussy por suas composições inovadoras para piano e vocais, escritas com uma mão ousada, embora não totalmente profissional. A inquietante amizade e inimizade destes dois compositores, que determinaram a face da música francesa no início do século XX, continuaram durante quase um quarto de século. Trinta anos depois, Erik Satie descreveu o encontro da seguinte forma:

“Quando nos conhecemos, ele era como um mata-borrão, completamente saturado de Mussorgsky e procurava meticulosamente seu caminho, que não conseguia encontrar e encontrar. Foi nesta questão que o superei em muito: nem o Prémio de Roma... nem os “prémios” de quaisquer outras cidades deste mundo pesaram no meu andar, e não tive que arrastá-los nem em mim nem nas costas. ... Naquele momento escrevi “Filho das Estrelas” - baseado no texto de Joseph Péladan; e Debussy explicou muitas vezes a necessidade de nós, franceses, finalmente nos libertarmos da influência avassaladora de Wagner, o que é completamente inconsistente com as nossas inclinações naturais. Mas, ao mesmo tempo, deixei-lhe claro que não era de forma alguma um anti-wagnerista. A única questão era que deveríamos ter a nossa própria música – e, se possível, sem chucrute alemão.

Mas porque não utilizar para estes fins os mesmos meios visuais que há muito vemos em Claude Monet, Cézanne, Toulouse-Lautrec e outros? Por que não transferir esses fundos para a música? Nada poderia ser mais simples. Não é isso que é a verdadeira expressividade?”

- (Erik Satie, do artigo “Claude Debussy”, agosto de 1922.)

Em 1886-1887, Satie publicou suas primeiras obras impressionistas (para piano e voz com piano). Sem dúvida, a comunicação com este país independente e um homem livre, localizado fora de todos os grupos e academias, acelerou significativamente a formação do estilo final (maduro) de Debussy. A superação da influência de Wagner por Debussy também teve um caráter incomumente agudo e tempestuoso. E se até 1891 sua admiração por Wagner (como ele mesmo admite) “chegou ao ponto em que você se esquece das regras da decência”, então, apenas dois anos depois, Debussy concordou em negar completamente qualquer importância de Wagner para a arte: “Wagner nunca serviu à música. , ele nem serviu à Alemanha!” Muitos dos seus amigos mais próximos (incluindo Chausson e Emile Vuillermeau) foram incapazes de compreender e aceitar esta mudança repentina, o que também levou a um esfriamento das relações pessoais.

Tendo abandonado a composição da ópera “Rodrigue e Ximena” sobre o libreto (nas palavras de Satie) “daquele lamentável wagnerista Catulle Mendes”, em 1893 Debussy iniciou o longo trabalho de compor uma ópera baseada no drama de Maeterlinck “Pelléas et Mélisande”. E um ano depois, sinceramente inspirado pela écloga de Mallarmé, Debussy escreveu o prelúdio sinfônico “A Tarde de um Fauno” (francês: Prélude à l'Après-midi d'un faune), que estava destinado a se tornar uma espécie de manifesto de um novo movimento musical: impressionismo na música.

Criação

Durante o resto de sua vida, Debussy teve que lutar contra a doença e a pobreza, mas trabalhou incansavelmente e de forma muito frutífera. A partir de 1901, passou a aparecer em periódicos com resenhas espirituosas sobre acontecimentos da vida musical atual (após a morte de Debussy, foram coletadas na coleção Monsieur Croche - antidiletante, publicada em 1921). A maioria de suas obras para piano apareceu durante o mesmo período.

Duas séries de Imagens (1905-1907) foram seguidas por uma suíte Canto infantil(1906-1908), dedicado à filha do compositor, Shushu.

Debussy fez várias viagens para shows para sustentar sua família. Conduziu seus trabalhos na Inglaterra, Itália, Rússia e outros países. Dois cadernos de prelúdios para piano (1910-1913) demonstram a evolução da escrita sonora única característica de estilo piano compositor. Em 1911, ele escreveu a música para o mistério de Gabriele d'Annunzio, O Martírio de São Sebastião; a partitura foi feita com base em suas marcações pelo compositor e maestro francês A. Caplet. Em 1912 surgiu o ciclo orquestral Imagens. Debussy há muito se sentia atraído pelo balé e, em 1913, compôs a música para o balé Games, interpretado pela companhia Russian Seasons de Sergei Pavlovich Diaghilev em Paris e Londres. No mesmo ano, o compositor começou a trabalhar no balé infantil “Toy Box” - sua instrumentação foi completada por Kaple após a morte do autor. Esta vigorosa atividade criativa foi temporariamente suspensa pela Primeira Guerra Mundial, mas já em 1915 surgiram inúmeras obras para piano, incluindo Doze Estudos dedicados à memória de Chopin. Debussy iniciou uma série de sonatas de câmara, até certo ponto baseadas no estilo da música instrumental francesa dos séculos XVII-XVIII. Conseguiu completar três sonatas deste ciclo: para violoncelo e piano (1915), para flauta, viola e harpa (1915), para violino e piano (1917). Debussy recebeu uma encomenda de Giulio Gatti-Casazza, do Metropolitan Opera, para uma ópera baseada na história de Edgar Allan Poe, A Queda da Casa de Usher, na qual começou a trabalhar na juventude. Ele ainda teve forças para refazer o libreto da ópera.

Ensaios

Um catálogo completo das obras de Debussy foi compilado por François Lesure (Genebra, 1977; nova edição: 2001).

Óperas

Pelléas e Mélisande (1893-1895, 1898, 1900-1902)

Balés

Carma (1910-1912)
Jogos (1912-1913)
Caixa de brinquedos (1913)

Obras para orquestra

Sinfonia (1880-1881)
Suíte "O Triunfo de Baco" (1882)
Suíte "Primavera" para coro feminino e orquestra (1887)
Fantasia para piano e orquestra (1889-1896)
Prelúdio "Tarde de um Fauno" (1891-1894). Há também um arranjo original para dois pianos, feito em 1895.
“Nocturnes” é uma obra sinfónica programada que inclui 3 peças: “Nuvens”, “Celebrações”, “Sereias” (1897-1899)
Rapsódia para saxofone alto e orquestra (1901-1908)
“O Mar”, três esquetes sinfônicos (1903-1905). Há também um arranjo original para piano a 4 mãos, feito em 1905.
Duas Danças para Harpa e Cordas (1904). Há também um arranjo original para dois pianos, feito em 1904.
"Imagens" (1905-1912)

Música de câmara

Trio de Piano (1880)
Noturno e scherzo para violino e piano (1882)
Quarteto de Cordas (1893)
Rapsódia para clarinete e piano (1909-1910)
"Syringa" para flauta solo (1913)
Sonata para violoncelo e piano (1915)
Sonata para flauta, harpa e viola (1915)
Sonata para violino e piano (1916-1917)

Funciona para piano

A) para piano 2 mãos
"Dança Cigana" (1880)
Dois arabescos (por volta de 1890)
Mazurca (por volta de 1890)
"Sonhos" (por volta de 1890)
"Suíte Bergamas" (1890; editada em 1905)
"Valsa Romântica" (por volta de 1890)
Noturno (1892)
"Imagens", três peças (1894)
Valsa (1894; notas perdidas)
Peça “Para Piano” (1894-1901)
"Imagens", 1ª série de peças (1901-1905)
I. Reflet dans l’eau // Reflexões na água
II. Hommage a Rameau // Dedicatória a Rameau
III.Movimento // Movimento
Suíte "Impressões" (1903)
Pagodes
Noite em Granada
Jardins na chuva
"Ilha da Alegria" (1903-1904)
"Máscaras" (1903-1904)
Peça (1904; baseada em um esboço para a ópera “O Diabo na Torre do Sino”)
Suíte “Cantinho das Crianças” (1906-1908)

Doutor Gradus ad Parnassum // Doutor “Gradus ad Parnassum” ou Doutor “O Caminho para Parnassus”. O título está associado ciclo famoso Os estudos de Clementi são exercícios sistemáticos para atingir o ápice das habilidades performáticas.

Canção de ninar de elefante
Serenata para a boneca
A neve está dançando
Pequeno pastor
Caminhada no bolo de fantoches
"Imagens", 2ª série de peças (1907)
Cloches à travers les feuilles //Toque de sinos através da folhagem
Et la lune desce sur le templo qui fut //Ruínas do templo à luz da lua
Poissons d`or // Peixe Dourado
"Homenagem a Haydn" (1909)
Prelúdios. Caderno 1 (1910)
Danseuses de Delphes // Dançarinas Délficas
Voiles // Velas
Le vent dans la plaine // O vento na planície
Les sons et les parfums tournent dans l’air du soir // Sons e aromas flutuam no ar da noite
Les collines d’Anacapri // Colinas de Anacapri
Des pas sur la neige // Passos na neve
Ce qu’a vu le vent de l’ouest // O que o vento oeste viu
La fille aux cheveux de lin // A menina de cabelo louro
La sérénade interrompue // Serenata interrompida
La cathédrale engloutie // A Catedral Submersa
La danse de Puck // Dança de Puck
Menestréis // Menestréis
"Mais que lento (valsa)" (1910)
Prelúdios. Caderno 2 (1911-1913)
Brouillards // Névoas
Feuilles mortes // Folhas mortas
La puerta del vino // Porta da Alhambra
Les fées sont d’exquises danseuses // Fadas - lindas dançarinas
Bruyères // Urze
General Levine - excêntrico // General Levine (Lyavin) - excêntrico
La Terrasse des audits du clair de lune // Terraço das tâmaras ao luar (Terraço iluminado pelo luar)
Ondina // Ondina
Hommage e S.Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Homenagem a S. Pickwick, esq.
Canopo // Dossel
Les tierces alternées // Terças alternadas
Feux d'artifice // Fogos de artifício
"Canção de ninar heróica" (1914)
Elegia (1915)
"Etudes", dois livros de peças (1915)
B) para piano 4 mãos
Andante (1881; não publicado)
Divertimento (1884)
"Pequena Suíte" (1886-1889)
“Seis epígrafes antigas” (1914). Há o arranjo do autor da última das seis peças para piano a 2 mãos, realizada em 1914.
B) para 2 pianos
"Preto e Branco", três peças (1915)

Adaptações de obras de outras pessoas

Duas Gymnopedies (1ª e 3ª) de E. Satie para orquestra (1896)
Três danças do balé de P. Tchaikovsky " Lago dos Cisnes» para piano 4 mãos (1880)
“Introdução e Rondo Capriccioso” de C. Saint-Saëns para 2 pianos (1889)
Segunda Sinfonia de C. Saint-Saëns para 2 pianos (1890)
Abertura da ópera “The Flying Dutchman” de R. Wagner para 2 pianos (1890)
“Seis Estudos em Forma Canon” de R. Schumann para 2 pianos (1891)

Esboços, obras perdidas, planos

Ópera "Rodrigo e Ximena" (1890-1893; não concluída). Reconstruído por Richard Langham Smith e Edison Denisov (1993)
Ópera “O Diabo na Torre do Sino” (1902-1912?; esquetes). Reconstruído por Robert Orledge (estreado em 2012)

Ópera “A Queda da Casa de Usher” (1908-1917; não concluída). Existem várias reconstruções, incluindo as de Juan Allende-Blina (1977), Robert Orledge (2004)

Ópera “Crimes de Amor (Celebrações Galantes)” (1913-1915; esquetes)
Ópera "Salambo" (1886)
Música para a peça “O Casamento de Satanás” (1892)
Ópera "Édipo em Colono" (1894)
Três noturnos para violino e orquestra (1894-1896)
Balé "Daphnis e Chloe" (1895-1897)
Balé "Afrodite" (1896-1897)
Balé "Orfeu" (por volta de 1900)
Ópera "Como você gosta" (1902-1904)
Tragédia lírica "Dionísio" (1904)
Ópera "A História de Tristão" (1907-1909)
Ópera "Sidarta" (1907-1910)
Ópera "Oresteia" (1909)
Balé “Máscaras e Bergamascas” (1910)
Sonata para oboé, trompa e cravo (1915)
Sonata para clarinete, fagote, trompete e piano (1915)

Cartas

Monsieur Croche - antidilletante, P., 1921
Artigos, resenhas, conversas, trad. do francês, M.-L., 1964
Favorito cartas, L., 1986.

Estou tentando encontrar novas realidades... os tolos chamam isso de impressionismo.
C. Debussy

O compositor francês C. Debussy é frequentemente chamado de pai da música do século XX. Ele mostrou que cada som, acorde, tonalidade pode ser ouvido de uma nova maneira, pode viver uma vida mais livre e colorida, como se desfrutasse de seu próprio som, de sua dissolução gradual e misteriosa no silêncio. Debussy realmente tem muito em comum com o impressionismo pictórico: o brilho autossuficiente de momentos indescritíveis e fluidos, seu amor pela paisagem, a trepidação arejada do espaço. Não é por acaso que Debussy é considerado o principal representante do impressionismo na música. No entanto, ele foi além dos artistas impressionistas de formas tradicionais, a sua música dirige-se ao nosso século muito mais profundamente do que a pintura de C. Monet, O. Renoir ou C. Pissarro.

Debussy acreditava que a música se assemelha à natureza na sua naturalidade, variabilidade infinita e diversidade de formas: “A música é precisamente a arte que está mais próxima da natureza... Só os músicos têm a vantagem de captar toda a poesia da noite e do dia, da terra e da terra. céu, recriando sua atmosfera e transmitindo ritmicamente sua imensa pulsação.” Tanto a natureza quanto a música são sentidas por Debussy como um mistério e, acima de tudo, o mistério do nascimento, um desenho inesperado e único do caprichoso jogo do acaso. Portanto, a atitude cética e irônica do compositor em relação a todos os tipos de clichês e rótulos teóricos em relação a criatividade artística, esquematizando involuntariamente a realidade viva da arte.

Debussy começou a estudar música aos 9 anos e já em 1872 ingressou no departamento júnior do Conservatório de Paris. Já nos anos do conservatório, seu pensamento pouco convencional ficou evidente, o que gerou confrontos com professores de harmonia. Mas o aspirante a músico obteve verdadeira satisfação nas aulas de E. Guiraud (composição) e A. Mapmontel (piano).

Em 1881, Debussy, como pianista doméstico, acompanhou o filantropo russo N. von Meck (grande amigo de P. Tchaikovsky) em uma viagem à Europa e depois, a convite dela, visitou a Rússia duas vezes (1881, 1882). Assim começou o conhecimento de Debussy com a música russa, o que influenciou muito a formação de seu estilo próprio. “Os russos vão dar-nos novos impulsos para nos libertarmos de restrições absurdas. Eles... abriram uma janela com vista para a extensão dos campos.” Debussy foi cativado pelos timbres coloridos e pela representação sutil, pelo pitoresco da música de N. Rimsky-Korsakov e pelo frescor das harmonias de A. Borodin. Ele chamou M. Mussorgsky de seu compositor favorito: “Ninguém abordou o que há de melhor em nós com maior ternura e profundidade. Ele é único e permanecerá único graças à sua arte sem técnicas rebuscadas, sem regras fulminantes.” A flexibilidade da entonação vocal e de fala do inovador russo, a liberdade de formas pré-estabelecidas, “administrativas”, como disse Debussy, foram implementadas pelo compositor francês à sua maneira e tornaram-se parte integrante de sua música. “Vá ouvir Boris. “Ele é todo Pelléas”, disse Debussy certa vez sobre as origens linguagem musical de sua ópera.

Depois de se formar no Conservatório em 1884, Debussy participou de competições para o Grande Prêmio de Roma, o que lhe deu direito a um estágio de quatro anos em Roma, na Villa Medici. Durante os anos que passou na Itália (1885-87), Debussy estudou a música coral da Renascença (G. Palestrina, O. Lasso), e o passado distante (bem como a originalidade da música russa) trouxe um espírito fresco e renovado seu pensamento harmônico. As obras sinfónicas enviadas a Paris para reportagem (“Zuleima”, “Primavera”) não agradaram aos conservadores “árbitros dos destinos musicais”.

Tendo retornado a Paris antes do previsto, Debussy aproximou-se de um círculo de poetas simbolistas liderados por S. Mallarmé. A musicalidade da poesia simbolista, a busca por conexões misteriosas entre a vida da alma e o mundo natural, sua dissolução mútua - tudo isso atraiu fortemente Debussy e moldou em grande parte sua estética. Não é por acaso que o mais original e perfeito dos primeiros trabalhos O compositor começou a escrever romances baseados nas palavras de P. Verdun, P. Bourget, P. Louis e também de C. Baudelaire. Alguns deles (“Noite Maravilhosa”, “Bandolim”) foram escritos durante os anos de estudo no conservatório. A primeira obra orquestral madura, o prelúdio “Tarde de um Fauno” (1894), também foi inspirada em imagens da poesia simbolista. Nesta ilustração musical As éclogas de Mallarmé deram origem ao estilo orquestral original e sutilmente matizado de Debussy.

O impacto do simbolismo foi sentido mais plenamente na única ópera de Debussy, “Pelléas et Mélisande” (1892-1902), escrita no texto em prosa do drama de M. Maeterlinck. Esta é uma história de amor onde, segundo o compositor, os personagens “não raciocinam, mas suportam a sua vida e o seu destino”. Debussy aqui parece estar discutindo criativamente com R. Wagner - o autor de “Tristão e Isolda” ele até queria escrever seu próprio Tristão - apesar do fato de que em sua juventude ele gostava muito da ópera de Wagner e a conhecia de cor. Em vez da paixão aberta da música de Wagner, aqui está a expressão de um jogo sonoro sofisticado, cheio de dicas e símbolos. “A música existe para o inexprimível; Gostaria que ela parecesse emergir da escuridão e às vezes retornar à escuridão; para que ela seja sempre modesta”, escreveu Debussy.

É impossível imaginar Debussy sem música para piano. O próprio compositor era um pianista talentoso (além de maestro); “Ele quase sempre tocava em ‘meios tons’, sem nenhuma aspereza, mas com a plenitude e densidade sonora que Chopin tocava”, lembrou o pianista francês M. Long. Foi a partir da leveza e espacialidade sonora do tecido do piano de Chopin que Debussy iniciou suas buscas colorísticas. Mas havia outra fonte. A contenção e uniformidade do tom emocional da música de Debussy inesperadamente a aproximaram da antiga música pré-romântica - especialmente dos cravistas franceses da era Rococó (F. Couperin, J. F. Rameau). Gêneros antigos da “Suíte Bergamass” e da Suíte para Piano (Prelúdio, Minueto, Passpied, Sarabande, Tocata) representam uma versão única e “impressionista” do neoclassicismo. Debussy não recorre de forma alguma à estilização, mas cria a sua própria imagem da música antiga, mais uma impressão dela do que um “retrato” dela.

O gênero preferido do compositor é a suíte de programas (orquestral e piano), como uma série de pinturas diversas, onde a natureza estática das paisagens é realçada por ritmos em movimento rápido, muitas vezes dançantes. São as suítes para orquestra “Noturnos” (1899), “Mar” (1905) e “Imagens” (1912). “Impressões”, 2 cadernos de “Imagens”, “Cantinho das Crianças”, que Debussy dedicou à filha, foram criados para piano. Em "Estamps" o compositor tenta pela primeira vez habituar-se aos mundos musicais dos mais culturas diferentes e os povos: a imagem sonora do Oriente (“Pagodas”), da Espanha (“Evening in Grenada”) e uma paisagem cheia de movimento, jogo de luz e sombra com uma canção folclórica francesa (“Gardens in the Rain”) coloridamente ambientada um do outro.

A Suite Mar é composta por três partes: “No Mar do Amanhecer ao Meio-dia”, “O Jogo das Ondas” e “A Conversa do Vento com o Mar”. As imagens do mar sempre chamaram a atenção de compositores de diversos movimentos e escolas nacionais. Existem inúmeros exemplos de software obras sinfônicas sobre temas “marítimos” de compositores da Europa Ocidental (abertura “Fingal’s Cave” de Mendelssohn, episódios sinfónicos de “The Flying Dutchman” de Wagner, etc.). Mas a implementação mais vívida e completa das imagens do mar foi encontrada na música russa, especialmente em Rimsky-Korsakov ( imagem sinfônica“Sadko”, ópera homônima, suíte “Scheherazade”, intervalo do segundo ato da ópera “O Conto do Czar Saltan”),

Ao contrário das obras orquestrais de Rimsky-Korsakov, Debussy não estabelece objetivos de enredo em sua obra, mas apenas pictóricos e colorísticos. Ele se esforça para transmitir através da música as mudanças nos efeitos de luz e nas cores do mar em diferentes momentos do dia, em diferentes estados do mar - calmo, agitado e tempestuoso. Na percepção do compositor sobre as pinturas marítimas não há absolutamente nenhum motivo que possa conferir um mistério crepuscular à sua coloração. Em Debussy, o brilhante domina iluminação solar, cores de sangue puro. O compositor usa ousadamente ritmos de dança e imagens épicas amplas para transmitir imagens musicais em relevo.

A primeira parte revela uma imagem do despertar lento e calmo do mar ao amanhecer, das ondas ondulantes preguiçosas e do brilho dos primeiros raios de sol sobre elas. O início orquestral deste movimento é especialmente colorido, onde tendo como pano de fundo o “farfalhar” dos tímpanos, as oitavas “pingando” de duas harpas e o tremolo “congelado” dos violinos no registro agudo, frases melódicas curtas do oboé aparecem como o brilho do sol nas ondas. O aparecimento de um ritmo de dança não perturba o encanto da paz plena e da contemplação sonhadora.

A parte mais dinâmica da obra é a terceira – “Conversa entre o vento e o mar”. Da imagem imóvel e congelada de um mar calmo no início do movimento, que lembra o primeiro, se desenrola a imagem de uma tempestade. Debussy usa tudo para um desenvolvimento dinâmico e intenso meios musicais- melódico-rítmico, dinâmico e principalmente orquestral.

No início ouvem-se partes motivos breves, que se realizam na forma de um diálogo entre violoncelos com contrabaixo e dois oboés tendo como pano de fundo a sonoridade abafada de bumbo, tímpanos e tom-tom. Além da inclusão gradual de novos grupos da orquestra e de um aumento uniforme da sonoridade, Debussy utiliza aqui o princípio do desenvolvimento rítmico: introduzindo cada vez mais novos ritmos de dança, ele satura a trama da obra com uma combinação flexível de vários ritmos rítmicos. padrões.

O final de toda a obra é percebido não apenas como uma folia dos elementos do mar, mas como um entusiástico hino ao mar e ao sol.

Muito da estrutura figurativa de “O Mar” e dos princípios de orquestração preparou o aparecimento da peça sinfónica “Ibéria” - uma das obras mais significativas e originais de Debussy. Surpreende pela sua estreita ligação com a vida do povo espanhol, a sua cultura de canto e dança. Nos anos 900, Debussy recorreu várias vezes a temas associados à Espanha: "Uma Noite em Granada", os prelúdios "As Portas da Alhambra" e "Serenata Interrompida". Mas “Iberia” está entre as melhores obras de compositores que se inspiraram na fonte inesgotável da música folclórica espanhola (Glinka em “ Jota aragonesa" e "Noites em Madrid", Rimsky-Korsakov em "Capriccio Espagnol", Bizet em "Carmen", Ravel em "Bolero" e o trio, sem falar dos compositores espanhóis de Falla e Albeniz).

“Iberia” é composto por três partes: “Nas ruas e estradas de Espanha”, “Aromas da noite” e “Manhã de férias”. A segunda parte revela os favoritos de Debussy pinturas cênicas a natureza, repleta do aroma especial e picante da noite espanhola, “escrita” com o imaginário subtil inerente ao compositor, uma rápida mudança de imagens bruxuleantes e desaparecentes. A primeira e a terceira partes pintam quadros vida popular Espanha. Particularmente colorida é a terceira parte, que contém grande número uma variedade de melodias de música e dança espanholas que criam uma rápida sucessão umas das outras e criam uma imagem animada de um feriado folclórico colorido. O maior compositor espanhol de Falla disse o seguinte sobre “Ibéria”: “O eco da aldeia na forma do motivo principal de toda a obra (“Sevilhana”) parece vibrar no ar puro ou na luz tremulante. A magia inebriante das noites andaluzas, a vivacidade da multidão festiva que vai dançar ao som dos acordes do “turma” de guitarristas e tocadores de bandura... - tudo isto rodopia no ar, ora aproximando-se, ora afastando-se , e nossa imaginação constantemente desperta fica cega pelos poderosos méritos da música intensamente expressiva com suas ricas nuances."

A última década da vida de Debussy foi caracterizada por contínuas atividades criativas e performáticas até a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Viagens de concertos como maestro à Áustria-Hungria trouxeram fama ao compositor no exterior. Ele foi recebido de maneira especialmente calorosa na Rússia em 1913. Concertos em São Petersburgo e Moscou aconteceram com grande sucesso. Os contatos pessoais de Debussy com muitos músicos russos fortaleceram ainda mais seu apego à cultura musical russa.

A eclosão da guerra fez com que Debussy aumentasse os sentimentos patrióticos. Em declarações impressas ele se autodenomina enfaticamente: “Claude Debussy - Músico francês" Várias obras destes anos são inspiradas tema patriótico: “Heroic Lullaby”, música “Christmas of Homeless Children”; em suíte para dois pianos"

O compositor francês Debussy é frequentemente chamado de pai da música do século XX. Ele mostrou que cada som, acorde, tonalidade pode ser ouvido de uma nova maneira, pode viver uma vida mais livre e colorida, desfrutar de seu próprio som, de sua dissolução gradual e misteriosa no silêncio.

Claude Debussy nasceu em 22 de agosto de 1862 em Saint-Germain-en-Laye, perto de Paris. Seu pai era fuzileiro naval e então coproprietário de uma loja de cerâmica. Primeiras lições de jogopianoDebussy foi dado por Antoinette-Flora Mothe (sogra do poeta Verlaine).

Em 1873, Claude Debussy ingressou no Conservatório de Paris, onde estudou durante 11 anos com Marmontel (piano), Lavignac, Durand, Basil (teoria musical). Em 1876 compôs seus primeiros romances baseados em poemas de T. de Banville e Bourget.

De 1879 a 1882, Debussy dirigiu férias de verão Como<домашний пианист>- primeiro no castelo de Chenonceau e depois em Nadezhda von Meck - em suas casas e propriedades na Suíça, Itália, Viena, Rússia. Durante essas viagens, novos horizontes musicais se abriram diante dele, e seu conhecimento das obras de compositores russos da escola de São Petersburgo revelou-se especialmente importante.Jovem Debussyapaixonado pela poesia de De Banville (1823-1891) e Verlaine, dotado de uma mente inquieta e propenso à experimentação (principalmente no campo da harmonia),gozava da reputação de revolucionário. Isso não o impediu de receber o Prêmio Roma em 1884 pela cantata O Filho Pródigo.

Debussy passou dois anos em Roma. Lá conheceu a poesia dos pré-rafaelitas e começou a compor um poema para voz e orquestra, A Virgem Escolhida, baseado em texto de G. Rossetti. Ele tirou impressões profundas de suas visitas a Bayreuth, e a influência wagneriana se refletiu em seu ciclo vocal Cinco Poemas de Baudelaire. Entre os outros hobbies do jovem compositor estão orquestras exóticas, javanesas e anamitas, que ouviu no Paris Feira Mundial em 1889; as obras de Mussorgsky, que naquela época penetravam gradativamente na França; ornamentação melódica do canto gregoriano.

Em 1890, Debussy começou a trabalhar na ópera Rodrigue et Ximena baseada num libreto de Mendes, mas dois anos depois deixou a obra inacabada (por muito tempo o manuscrito foi considerado perdido, depois foi encontrado; a obra foi instrumental pelo compositor russo Denisov e encenado em vários teatros). Na mesma época, o compositor tornou-se visitante regular do círculo do poeta simbolista S. Mallarmé e leu pela primeira vez Edgar Allan Poe, que se tornou o autor preferido de Debussy. Em 1893, começou a compor uma ópera baseada no drama Pelléas et Mélisande de Maeterlinck e, um ano depois, inspirado na écloga de Mallarmé, completou o prelúdio sinfônico A Tarde de um Fauno.

Debussy conheceu desde a juventude as principais figuras literárias deste período. Entre seus amigos estavam os escritores Louis, Gide e o linguista suíço Godet. O impressionismo na pintura atraiu sua atenção. O primeiro concerto inteiramente dedicado à música de Debussy teve lugar em 1894, em Bruxelas, numa galeria de arte.<Свободная эстетика>- tendo como pano de fundo novas pinturas de Renoir, Pissarro, Gauguin, ... No mesmo ano, começaram os trabalhos de três noturnos para orquestra, que foram originalmente concebidos como um concerto para violino do famoso virtuoso E. Ysaye. O autor comparou o primeiro dos noturnos (Nuvens) com<живописным этюдом в серых тонах>.

Perto do fimNo século XIX, a obra de Debussy, considerada análoga ao impressionismo nas artes visuais e ao simbolismo na poesia, abraçou ainda mais círculo amplo associações poéticas e visuais. Entre as obras desse período estão o quarteto de cordas em sol menor (1893), que refletia a paixão pelos modos orientais, um ciclo vocal Prosa lírica(1892-1893) baseado em textos próprios, Canções de Bilitis baseadas em poemas de P. Louis, inspirados no idealismo pagão Grécia Antiga, bem como Ivnyak, um ciclo inacabado para barítono e orquestra sobre poemas de Rossetti.

Em 1899, pouco depois de se casar com a modelo Rosalie Texier, Debussy perdeu a pouca renda que tinha: seu editor Artmann morreu. Sobrecarregado de dívidas, ainda encontrou forças para terminar Nocturnos no mesmo ano, e em 1902 - a segunda edição da ópera em cinco atos Pelleas e Melisande.

Entregue em Paris<Опера-комик>Em 30 de abril de 1902, Pelleas causou sensação. Esta obra, notável em muitos aspectos (combina poesia profunda com sofisticação psicológica, a instrumentação e interpretação das partes vocais é surpreendentemente nova), foi classificada como a maior conquista no gênero operístico depois de Wagner. O ano seguinte trouxe o ciclo das Gravuras - já desenvolvia um estilo característico da obra para piano de Debussy.

Em 1904, Debussy iniciou uma nova união familiar - com Emma Bardac, que quase levou ao suicídio de Rosalie Texier e causou publicidade impiedosa de algumas circunstâncias da vida pessoal do compositor. No entanto, isso não impediu a conclusão da melhor obra orquestral de Debussy - três esquetes sinfônicos do Mar (executados pela primeira vez em 1905), bem como o maravilhoso ciclos vocais- Três canções da França (1904) e o segundo caderno de festividades galantes sobre poemas de Verlaine (1904).

Durante o resto de sua vida, Debussy teve que lutar contra a doença e a pobreza, mas trabalhou incansavelmente e de forma muito frutífera. A partir de 1901, passou a aparecer em periódicos com resenhas espirituosas sobre acontecimentos da vida musical atual (após a morte de Debussy, foram coletadas na coleção Monsieur Croche - antidiletante, publicada em 1921). A maioria de suas obras para piano apareceu durante o mesmo período.

Duas séries de Imagens (1905-1907) foram seguidas pela suíte Children's Corner (1906-1908), dedicada à filha do compositorShushu(ela nasceu em 1905, mas Debussy só conseguiu formalizar seu casamento com Emma Bardac três anos depois).

Debussy fez várias viagens para shows para sustentar sua família. Conduziu seus trabalhos na Inglaterra, Itália, Rússia e outros países. Dois cadernos de prelúdios para piano (1910-1913) demonstram a evolução de um distinto<звукоизобразительного>escrita, característica do estilo pianístico do compositor. Em 1911, escreveu música para o mistério de G. d'Annunzio, O Martírio de São Sebastião; a partitura foi feita com base em suas marcações pelo compositor e maestro francês A. Caplet.

Em 1912 surgiu o ciclo orquestral Imagens. Debussy há muito se sentia atraído pelo balé e em 1913 compôs a música para o balé Games, interpretado pela companhia<Русских сезонов>Sergei Diaghilev em Paris e Londres. No mesmo ano, o compositor começou a trabalhar no balé infantil “Toy Box” - sua instrumentação foi completada por Kaple após a morte do autor. Esta vigorosa atividade criativa foi temporariamente suspensa pela Primeira Guerra Mundial mas já em 1915 surgiram numerosas obras para piano incluindo Twelve Etudes dedicado à memória Chopin.

Debussy iniciou uma série de sonatas de câmara, até certo ponto baseadas no estilo da música instrumental francesa dos séculos XVII e XVIII. Conseguiu completar três sonatas deste ciclo: para violoncelo e piano (1915), para flauta, viola e harpa (1915), para violino e piano (1917).Debussyrecebeu um pedido de G. Gatti-Casazza de<Метрополитен-опера> para a óperabaseado na história de Edgar Poe "A Queda da Casa de Usher"sobrequalElecomeçou a trabalharainda na sua juventude.Ele ainda teve forças para refazer o libreto da ópera. 26 de março de 1918Claude Debussy morreu em Paris.

A música é precisamente a arte que está mais próxima da natureza... Só os músicos têm a vantagem de captar toda a poesia da noite e do dia, da terra e do céu, recriando a sua atmosfera e transmitindo ritmicamente a sua imensa pulsação.

Claude Debussy

Em termos de talento e importância na história da arte musical, poucos compositores franceses se comparam a Claude Debussy (1862-1918). A música moderna deve a ele muitas de suas descobertas, especialmente no campo da harmonia e da orquestração. O período em que o compositor trabalhou com maior intensidade, participando diretamente no movimento ideológico e artístico do seu tempo, foram os últimos 15 anos do século XIX e os primeiros anos do século XX. Desta vez foi um ponto de viragem para os destinos Cultura europeia e arte. Foi então que os últimos movimentos criativos entraram cada vez com mais confiança no cenário artístico. Como um artista extraordinariamente sensível e receptivo, Debussy absorveu avidamente tudo de novo que nasceu na arte de seu tempo. Sua criatividade é multifacetada. Por um lado, tem um forte apoio tradições nacionais Arte francesa, por outro lado, uma forte paixão pela cultura espanhola e pelas descobertas criativas “ Bando poderoso", especialmente Mussorgsky, cuja magnífica declamação Debussy apreciou. Seus interesses se estenderam por toda parte, abrangendo a música de Java e do Extremo Oriente.

Na vida e caminho criativo O compositor distingue claramente 3 períodos principais. Os pontos de viragem são 1892- o ano de criação de “A Tarde de um Fauno” e conhecimento do drama “Pelleas e Mélisande” de Maeterlinck, e 1903- ano de produção do Pelleas.

1 período

No primeiro período, Debussy, tendo experimentado diversas influências - de Gounod e Massenet a Wagner, Liszt e Mussorgsky, mergulhou na busca de uma forma própria de expressão. Uma característica distintiva de sua busca é ampla gama gêneros. O compositor experimenta letras de romance (“Ariettes Esquecidas” segundo Verlaine, “Cinco Poemas de Baudelaire”) e no campo vocal-sinfônico (cantatas “O Filho Pródigo”, “Primavera”, “A Virgem Escolhida”) , e na esfera do piano (“Little Suite”, “Bergamas Suite”).

No início dos anos 90, o próprio conceito de Debussy como compositor, em muitos aspectos próximo da estética dos simbolistas franceses, emergiu cada vez mais claramente. Ele sonha em criar um novo tipo de ópera, em que houvesse muito eufemismo, mistério e “subtexto”. O compositor descobriu tudo isso com Maurice Maeterlinck.

2º período

A década de 1892-1902 - 2º período de criatividade - foi marcada, em primeiro lugar, pelo trabalho na ópera Pelléas et Mélisande. Foi nessa época que Debussy atingiu o pleno florescimento de seus poderes criativos. Obras-primas foram criadas como “Tarde de um Fauno” (apreciado pelos contemporâneos como um manifesto do impressionismo musical), “Noturnos” e três “Canções de Bilitis” baseadas em poemas de Louis.

3º período

O 3º período, que abriu com os esquetes sinfónicos “O Mar”, caracteriza-se por alguns desvios do caminho anteriormente escolhido para as buscas neoclássicas. A maior parte das obras criadas a partir de Pelleas revela uma vontade de sair da sofisticação excessiva para uma arte mais forte e corajosa, para uma maior materialidade e clareza rítmica. São eles a trilogia orquestral “Imagens”, o ciclo de piano “Cantinho das Crianças” e dois cadernos de prelúdios, os balés “Jogos”, “Kama” e “Caixa de Brinquedos”.

O resultado da atividade criativa de Debussy é relativamente pequeno em termos quantitativos: uma ópera, três balé de um ato, diversas partituras sinfônicas, diversas obras para instrumentos solo e orquestra, 4 obras de câmara (um quarteto de cordas e três sonatas), música para uma peça de mistério. O maior lugar é ocupado por miniaturas de piano e vocais (mais de 80 peças para piano e aproximadamente o mesmo número de canções e romances). Mas com um resultado quantitativo relativamente modesto, o trabalho de Debussy surpreende pela abundância de descobertas inovadoras nas mais áreas diferentes- harmonia e orquestração, dramaturgia operística, na interpretação do piano, na utilização de meios vocais e de fala.

Impressionismo

O nome de Debussy está firmemente enraizado na história da arte como o nome do fundador da música impressionismo. Na verdade, em sua obra o impressionismo musical encontrou sua expressão clássica. Debussy gravitou em torno de uma paisagem de inspiração poética, para transmitir as sensações sutis que surgem ao admirar a beleza do céu, da floresta e do mar (especialmente o seu favorito).

Analogias musicais com a pintura impressionista também podem ser encontradas no campo meios expressivos Debussy, especialmente em harmonia E orquestração. Esta é uma área de inovação geralmente reconhecida para o compositor. Em primeiro plano aqui está a beleza e a sofisticação mágicas. Debussy era um colorista nato. Talvez este seja o primeiro compositor para quem a aparência sonora de uma obra foi motivo de especial preocupação. Sua harmonia é colorida, o que atrai pelo próprio som - sonoridade. As conexões funcionais são enfraquecidas, a gravidade tonal e o tom de entrada não são significativos. As consonâncias individuais adquirem alguma autonomia e são percebidas como “manchas” coloridas. Em pé, como se harmonias congeladas, paralelismos de acordes, alternância de dissonâncias não resolvidas, escalas modais, tons inteiros e sobreposições bitonais fossem frequentemente usados.

EM fatura Debussy ótimo valor tem movimento em complexos paralelos (intervalos, tríades, acordes de sétima). Em seu movimento, tais camadas formam combinações polifônicas complexas com outros elementos de textura. Surge uma única harmonia, uma única vertical.

Não menos original melodia e ritmo Debussy. Estruturas melódicas fechadas e expandidas raramente são encontradas em suas obras - dominam temas-impulsos breves e frases-fórmulas comprimidas. A linha melódica é econômica, contida e fluida. Desprovido de grandes saltos e “gritos” agudos, baseia-se nas tradições primordiais da recitação poética francesa. As qualidades correspondentes ao estilo geral foram adquiridas e ritmo- com uma violação constante dos princípios métricos, evitando acentos claros, o ritmo de Debussy se distingue pela instabilidade caprichosa, pelo desejo de superar o poder da linha do compasso, pela quadratura enfatizada (embora voltando-se para a temática do gênero folclórico, o compositor voluntariamente. utilizou os ritmos característicos da tarantela, habanera, cake-walk, marcha-procissões).

A beleza encantadora e a magia das cores também são características da escrita orquestral de Debussy. A primeira obra sinfônica do compositor nos convence disso - "Tarde de um Fauno" , criado em 1892-94. O motivo de sua escrita foi um poema de Stéphane Mallarmé, que fala sobre as experiências amorosas do antigo deus grego da floresta, fauno, tendo como pano de fundo um dia de verão abafado e inebriante.

Historicamente, este prelúdio está associado a tradições poemas sinfônicos Liszt. No entanto, os sinais do sinfonismo clássico quase desapareceram: não há dinâmica de comparações figurativas, desenvolvimento conflitante ou desenvolvimento temático. Em vez disso, há um jogo sutil de cores harmônicas e orquestrais, suaves e puras. Este é o som transparente da flauta, depois do oboé, da trompa inglesa e das trompas. A atmosfera de saudade do amor e felicidade cativante é enfatizada pelo timbre mágico da harpa e dos pratos “antigos”. A composição geral da obra é construída como uma série de variações de timbre sobre o tema original da flauta (a melodia de um fauno sonhador).

Tons refinados e “delicados” de aquarela dominam outras obras orquestrais de Debussy. Eles raramente apresentam sons massivos, superpoderosos composições orquestrais(Nisto, as pontuações de Debussy diferem nitidamente das de Wagner). O compositor usa de bom grado soli instrumental (“cores puras”), principalmente instrumentos de sopro, adora a harpa, que combina bem com instrumentos de sopro, celesta, cordas de pizzicato e, quando necessário, trata as vozes humanas como instrumentos únicos (por exemplo, em “ Sirenes”).

A comparação de timbres “puros” (não mistos) na orquestra de Debussy ecoa diretamente técnica de pintura artistas impressionistas.

A influência da estética do impressionismo está em Debussy e na escolha gêneros e formas. Ele não precisava de formas sonatas em grande escala para capturar impressões fugazes. Nos gêneros sinfônicos, ele gravitou em torno da suíte: são "Noturnos"(tríptico sinfônico de três peças orquestrais), "Mar"(composição do programa de três “esboços” orquestrais), composto por três peças suíte orquestral "Imagens". EM música de piano O interesse de Debussy voltou-se para um ciclo de miniaturas, semelhantes a peculiares paisagens em movimento. As formas da música de Debussy são difíceis de reduzir aos esquemas composicionais clássicos, pois são únicas. Porém, nas suas obras o compositor não abandona de forma alguma as ideias formativas fundamentais. Suas composições instrumentais frequentemente entram em contato com a tripartida e a variação.

Ao mesmo tempo, a arte de Debussy não pode ser considerada apenas como uma analogia musical da pintura impressionista. Ele próprio se opôs a ser classificado como impressionista e nunca concordou com este termo em relação à sua música. Ele não era fã desse movimento na pintura. As paisagens de Claude Monet pareciam-lhe “muito irritantes” e “não suficientemente misteriosas”. O ambiente em que se formou a personalidade de Debussy consistia principalmente de poetas simbolistas que frequentavam as famosas "terças-feiras" de Stéphane Mallarmé. Estes são Paul Verlaine (em cujos textos Debussy escreveu numerosos romances, entre eles o juvenil “Bandolim”, dois ciclos de “Celebrações Galantes”, o ciclo “Ariettes Esquecidas”), Charles Baudelaire (romances, poemas vocais), Pierre Louis (“ Canções de Bilitis”).

Debussy valorizava muito a poesia dos simbolistas. Ele foi inspirado por sua musicalidade interior inerente, subtexto psicológico e, mais importante, interesse no mundo da ficção refinada (“incognoscível”, “inexprimível”, “indescritível”). Sob o disfarce do pitoresco brilho de muitas das obras do compositor, não se pode deixar de notar generalizações simbólicas. Suas paisagens sonoras estão sempre imbuídas de conotações psicológicas. Por exemplo, em “O Mar”, apesar de toda a sua expressividade pictórica, sugere-se uma analogia com três etapas vida humana, começando com “amanhecer” e terminando com “pôr do sol”. Existem muitos exemplos semelhantes no ciclo “24 Prelúdios para Piano”.

Ópera "Pelléas et Mélisande"

(Pelléas e Mélisande)

Sem a intimidade interior de Debussy com tradição artística simbolismo, é improvável que tivesse surgido a sua obra-prima operística - “Pelléas et Mélisande”, a única ideia operística que se concretizou plenamente.

O compositor conheceu o drama do dramaturgo simbolista belga Maurice Maeterlinck “Pelléas et Mélisande” em 1892. A peça o encantou. Correspondia exatamente ao ideal de drama com que Debussy sonhava; parecia especialmente “feito sob medida” para ele. Sabe-se que o compositor considerou o libretista ideal “que, sem dizer metade, ... criará personagens vivendo e agindo fora de qualquer lugar específico e espaço." Todos os personagens da peça de Maeterlinck não possuem nenhuma “biografia” real. O cenário também é enfaticamente convencional – um sombrio castelo real e seus arredores em um país desconhecido. Este é um drama tipicamente simbolista, tecido a partir de traços e sugestões quase imperceptíveis, evitando tudo o que é claro, plenamente expresso e que se distingue pela sua excepcional subtileza na transmissão de estados de espírito.

Claude Debussy

Compositor, pianista, maestro e maestro francês crítico musical Claude Debussy nasceu em 1862 nos subúrbios de Paris. O seu talento musical manifestou-se muito cedo e já aos onze anos tornou-se aluno do Conservatório de Paris, onde estudou piano com A. Marmontel e composição com E. Guiraud. Em 1881, Debussy visitou a Rússia como pianista na família de N. F. von Meck. Aqui ele conheceu a música até então desconhecida de compositores russos.

Em 1884, Debussy, formado pelo conservatório, recebeu o Prêmio de Roma por sua cantata “O Filho Pródigo”, graças à qual pôde continuar seus estudos na Itália. Em Roma, o compositor, levado pelas novas tendências, criou obras que causaram reação negativa entre os professores acadêmicos de sua terra natal, para onde Debussy enviou suas obras como relatórios.

A fria recepção preparada para o músico no seu regresso a Paris obrigou-o a romper com os círculos oficiais da arte musical francesa.

O talento brilhante e o estilo único do compositor já eram evidentes em seus primeiros trabalhos vocais. Um dos primeiros é o romance “Bandolim” (c. 1880), escrito sobre um poema do poeta simbolista francês P. Verlaine. Embora o padrão melódico do romance seja lacônico e simples, cada um de seus sons é extraordinariamente expressivo.

No início da década de 1890, Debussy já era autor de obras maravilhosas como “Canções Esquecidas” baseadas em poemas de P. Verlaine, “Cinco Poemas” baseados em palavras de Charles Baudelaire, “Suíte Bergamass” para piano e uma série de de outras obras. Nesse período, o compositor aproximou-se do poeta simbolista S. Mallarmé e sua comitiva. O poema de Mallarmé "A Tarde de um Fauno" inspirou o compositor a criar um balé de mesmo nome em 1894. Encenado em Paris, trouxe grande sucesso a Debussy.

As melhores obras do músico foram escritas entre 1892 e 1902. Entre elas estão a ópera “Pelléas et Mélisande”, “Nocturne” para orquestra e peças para piano. Essas obras se tornaram modelos para os jovens Compositores franceses. A fama de Debussy ultrapassou as fronteiras de sua terra natal. Foi recebido com grande alegria pelo público de São Petersburgo e Moscou, onde veio dar concertos em 1913.

L. Bakst. Fauno. Figurinos para o balé “Tarde de um Fauno” de C. Debussy

Tal como a arte de Rameau e Couperin, que Debussy valorizava muito, o seu trabalho é caracterizado por qualidades como o pitoresco género, a expressividade do som e a clareza clássica da forma. Tudo isso está presente mesmo nas suas obras escritas no espírito do impressionismo, com o desejo de transmitir impressões mutáveis ​​​​e de curto prazo. Debussy, que tinha um senso musical altamente desenvolvido e um gosto artístico sutil, apesar de suas buscas criativas, cortou impiedosamente tudo o que era desnecessário que interferisse na criação de uma música verdadeiramente brilhante e expressiva. Suas obras são admiradas por sua integridade, integridade e detalhes cuidadosamente elaborados. O compositor usa habilmente não apenas meios impressionistas, mas também elementos de gênero, bem como entonações e ritmos de danças folclóricas antigas.

Debussy foi muito influenciado pelos grandes compositores russos Rimsky-Korsakov, Balakirev, Mussorgsky. O seu trabalho tornou-se para ele um exemplo do uso inovador das tradições musicais nacionais.

A arte de Debussy é incrivelmente multifacetada. Criou esboços poéticos e vívidos de paisagens (peças “Vento na Planície”, “Jardins na Chuva”, etc.), composições de gênero (suíte orquestral “Ibéria”), miniaturas líricas (canções, romances), poemas ditirâmbicos (“Ilha da Alegria”), dramas simbólicos (“Pelléas e Mélisande”).

Entre as melhores obras de Debussy está “A tarde de um fauno”, em que força total A habilidade colorística do autor foi revelada. A obra está repleta de tons de timbre invulgarmente subtis, na criação dos quais os instrumentos de sopro desempenham um papel importante. O ouvinte parece imerso na atmosfera de um maravilhoso dia de verão, permeado pelos raios quentes do sol. "A Tarde de um Fauno" mostra uma versão da sinfonia característica da maioria das obras de Debussy. A música do compositor é caracterizada pela elegância colorida e pela melhor gravação sonora de cenas de gênero e imagens da natureza.

Também são de grande interesse os “Noturnos” (1897 – 1899), compostos por três partes (“Nuvens”, “Celebrações”, “Sereias”). As impressionistas “Clouds” refletiam a ideia do músico de um céu coberto de nuvens de trovoada sobre o Sena, e “Celebrations” foi inspirada nas memórias das festividades folclóricas no Bois de Boulogne. A partitura da primeira parte de “Nocturnes” está repleta de justaposições coloridas, criando a impressão de reflexos bruxuleantes de luz abrindo caminho através das nuvens. Em contraste com esta pintura contemplativa, “Celebrações” retrata uma cena alegre para o ouvinte, repleta de melodias de cantos e danças que soam ao longe, terminando com os sons de uma procissão festiva que se aproxima.

Mas os princípios impressionistas foram mais plenamente expressos no terceiro noturno - “Sereias”. A pintura representa o mar ao luar prateado, vozes gentis sirenes vindas de algum lugar distante. A partitura desta obra é mais colorida que as duas anteriores, mas é também a mais estática delas.

Em 1902, Debussy concluiu a ópera Pelléas et Mélisande, baseada em uma peça do dramaturgo e poeta simbolista belga M. Maeterlinck. Para transmitir os matizes mais sutis das experiências humanas, o compositor construiu suas obras em nuances sutis e acentos incomumente leves. Utilizou uma melodia arioso-recitativa, desprovida de contrastes, que, mesmo nos momentos mais dramáticos, não ultrapassou o quadro de uma narrativa calma. A música é caracterizada por ritmos suaves e movimentos suaves da melodia, o que dá parte vocal um toque de intimidade.

Os episódios orquestrais da ópera são pequenos, mas mesmo assim desempenham um papel significativo no decorrer da ação, como se completassem o conteúdo do quadro anterior e preparassem o ouvinte para o seguinte. A orquestração surpreende pela riqueza de tons coloridos, ajuda a criar o clima certo e a transmitir os movimentos de sentimentos mais indescritíveis.

O drama simbolista de Maeterlinck é caracterizado por um sentimento de pessimismo e desgraça. A peça, assim como a ópera de Debussy, transmite a mentalidade de alguns contemporâneos do compositor e poeta. Este fenómeno foi caracterizado em 1907 por R. Rolland: “A atmosfera em que se desenvolve o drama de Maeterlinck é de resignação cansada, entregando a vontade de vida ao poder do destino. Nada pode mudar nada na ordem dos acontecimentos. Ao contrário das ilusões do orgulho humano, que se imagina mestre, forças desconhecidas e irresistíveis determinam a comédia trágica da vida do início ao fim. Ninguém é responsável pelo que quer, pelo que ama... Vivem e morrem sem saber porquê. Este fatalismo, reflectindo o cansaço da aristocracia espiritual da Europa, foi maravilhosamente transmitido pela música de Debussy, que lhe acrescentou a sua própria poesia e encanto sensual, tornando-a ainda mais contagiante e irresistível.

A melhor obra orquestral de Debussy é “O Mar”, escrita em 1903-1905 à beira-mar, onde o compositor permanecia durante os meses de verão. A obra consiste em três esquetes sinfônicos. Abandonando esquetes românticos emocionais, Debussy criou uma verdadeira imagem “natural” baseada em gravações sonoras dos elementos do mar. “The Sea” encanta o ouvinte com sua riqueza colorida e expressividade. Aqui o compositor voltou-se novamente para técnicas impressionistas para transmitir impressões imediatas e conseguiu mostrar a variabilidade do elemento mar, calmo e quieto ou raivoso e tempestuoso.

Em 1908, Debussy escreveu a partitura de “Iberia”, que foi incluída no ciclo sinfônico de três partes “Imagens” (1906 – 1912). Suas outras duas partes são chamadas de “Sad Gigues” e “Spring Round Dances”. “Iberia” reflectiu o interesse do músico pela temática espanhola, o que despertou também a imaginação de outros compositores franceses.

A partitura da obra é composta por três partes - “Nas ruas e estradas”, “Aromas da noite”, “Manhã de feriado”. Ao criá-los, Debussy utilizou ritmos e entonações da música folclórica. “Iberia” é uma das obras mais alegres e afirmativas do músico francês.

Durante este período, o compositor escreveu também uma série de obras vocais notáveis, incluindo “Três Baladas de François Villon” (1910) e o mistério “O Martírio de São Sebastião” (1911).

Um lugar significativo na obra de Debussy é dedicado à música para piano. São, em sua maioria, peças pequenas, diferenciadas pelo gênero, pelo pitoresco e, às vezes, pela programação. Já nas primeiras obras para piano do músico, a Suite Bergamasca (1890), onde ainda se pode sentir a ligação com as tradições académicas, pode-se sentir um colorido extraordinário - qualidade que diferencia Debussy de outros compositores.

Particularmente boa é “Isle of Joy” (1904), a maior obra para piano de Debussy. Sua música animada e enérgica faz o ouvinte sentir o impacto onda do mar, ver dança engraçada e procissões festivas.

Em 1908, o compositor escreveu o álbum “Children's Corner”, que incluía uma série de peças fáceis e interessantes não só para as crianças, mas também para os adultos.

Mas a verdadeira obra-prima da obra para piano do músico foram os vinte e quatro prelúdios (o primeiro caderno apareceu em 1910, o segundo em 1913). O autor combinou paisagens, pinturas de humor e cenas de gênero. O conteúdo dos prelúdios já está indicado pelos seus nomes: “Vento na Planície”, “Colinas de Anacapri”, “Aromas e Sons Flutuam no Ar da Noite”, “Serenata Interrompida”, “Fogos de Artifício”, “Menina de Cabelos Linhos ”. Debussy transmite com maestria não apenas imagens da natureza ou de cenas específicas, como fogos de artifício, mas também desenha imagens verdadeiras. retratos psicológicos. Os prelúdios, que rapidamente passaram a fazer parte do repertório dos mais famosos pintores paisagistas, também são interessantes por conterem enredos e fragmentos de outras obras do compositor.

Em 1915, surgiram os Doze Estudos para Piano de Debussy, nos quais o autor estabelece novas tarefas para os intérpretes. Cada esboço individual revela um problema técnico específico.

O património criativo do compositor inclui ainda diversas obras para conjunto de câmara.

Até os últimos dias de sua vida, a fama de Debussy nunca o abandonou. O músico, considerado pelos seus contemporâneos o compositor mais importante da França, morreu em Paris em 1918.

Do livro Grande Enciclopédia Soviética(BE) do autor TSB

Do livro Grande Enciclopédia Soviética (BU) do autor TSB

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Claude Albert Claude (Claude) Albert (n. 23.8.1899, Longlier), biólogo belga, citologista. Graduado pela Universidade de Liège. Trabalhou no Rockefeller Institute for Medical Research (desde 1929). Em 1949-71 diretor do Instituto J. Bordet em Bruxelas, desde 1970 chefe do laboratório de biologia celular e

Do livro Grande Enciclopédia Soviética (TI) do autor TSB

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Do livro dos 100 grandes compositores autor Samin Dmitry

Do livro Enciclopédia do Diretor. Cinema da Europa autor Doroshevich Alexander Nikolaevich

Chappe Claude Chappe (25 de dezembro de 1763, Brulon, departamento de Sarthe - 23 de janeiro de 1805, Paris), mecânico francês, inventor do telégrafo óptico.

Em 1793 recebeu o título de engenheiro telegráfico. Em 1794, juntamente com seus irmãos, construiu a primeira linha telegráfica óptica entre Paris e

Wagner e Debussy É por isso que os simbolistas saudaram com tanto entusiasmo “o divino Richard Wagner na auréola do celebrante do sacramento”. Seu domínio imperioso e indiviso alimentou os sonhos ciumentos dos mestres da arte verbal e plástica.

Do livro do autor Jean-Claude Killy (nascido em 1943) esquiador alpino francês. Campeão Xwinter Jogos Olímpicos

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em Grenoble (França), 1968 Quando perguntaram a Jean-Claude Killy como se tornar um grande esquiador, ele respondeu: “Seja o primeiro na montanha e o último a sair dela - esse é o único caminho”.