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Prazo ,romantismo" vem da palavra francesa romantismo. O Romantismo é um movimento artístico que se formou no final do século XVIII - início do século XIX, primeiro na literatura e depois na música. A obra dos românticos reflete a renovação da personalidade, a afirmação da sua força espiritual e beleza, uma rebelião individualista contra o filistinismo, letras sublimes e interesse por enredos fantásticos. Em relação à música, este termo foi mencionado pela primeira vez por E. T. A. Hoffmann.

O romantismo musical, que se manifestou claramente na década de 20 do século XIX, mostrou continuidade com o classicismo (obra de L. Beethoven). Na música instrumental, o ciclo sonata clássico é substituído por uma combinação do ciclo sonata e variações, um grande papel é desempenhado pela forma de miniaturas: estudos, noturnos, valsas, peças com conteúdo programático. Há uma tendência de unir peças individuais de personagens diferentes em ciclos sob um nome comum. O gênero do poema sinfônico está sendo desenvolvido. Na ópera, aumenta o papel da orquestra e do sistema de leitmotifs, o que se manifesta mais claramente na obra de R. Wagner.

O romantismo tardio é caracterizado pelo desenvolvimento da expressividade, sofisticação, expressividade emocional e pelo uso mais rico das capacidades de timbre de uma grande orquestra sinfônica. Isto, por sua vez, predeterminou o surgimento de novas tendências na música europeia - impressionismo e expressionismo.

Na Alemanha, o romantismo apareceu pela primeira vez nas obras de K. Weber (“Free Shooter”) e F. Schubert (vocal-sinfônico e criatividade no piano). Mais tarde, conquistas significativas em sinfônica, piano e gêneros vocais alcançado por F. Mendelssohn e R. Schumann. A maior ópera e sinfonia compositores do século XIX século tornou-se R. Wagner e J. Brahms. Compositores antípodas, eles personificaram duas correntes de romantismo maduro - uma gravitação em torno da música programática, uma rejeição das formas clássicas de construção de uma obra musical (Wagner) e um romantismo, exteriormente revestido de formas acadêmicas mais rígidas (Brahms), mais associadas ao clássico herança do passado. As poderosas tradições do sinfonismo romântico germano-austríaco continuaram no último terço do século XIX nas obras de A. Bruckner, G. Mahler e R. Strauss.

Criatividade vocal F. Schubert, R. Schumann, H. Wolf - o auge da música romântica da era do romantismo. Entre as formas vocais, o papel da balada, da cena e do poema é cada vez maior. A melodia vocal e o acompanhamento tornam-se mais detalhados e individuais, e as músicas em muitos casos são combinadas em ciclos.

Em meados do século XIX, a França tornou-se o reduto do romantismo maduro e Paris o seu centro espiritual. A vida cultural, inclusive musical, da Europa estava concentrada em Paris. A obra do maior compositor, reformador da orquestra sinfônica G. Berlioz, bem como as tradições da “grande ópera” francesa (J. Meyerbeer, F. Aubert) levaram ao maior desenvolvimento do romantismo - nas obras de C Saint-Saëns, S. Franck, J. Massenet, L. Delibes, A. Thoma e outros.

As escolas nacionais europeias também deram um contributo significativo para o enriquecimento das tradições do romantismo. Entre os mais famosos compositores românticos europeus estão F. Liszt (Hungria), F. Chopin (Polónia), N. Paganini, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti (Itália), E. Grieg (Noruega), K. Nielsen (Suécia), J. Sibelius (Finlândia), E. Elgar (Grã-Bretanha), A. Dvorak e B. Smetana (República Checa) M. de Falla e E. Granados (Espanha). Na música russa, as características do romantismo podem ser encontradas em M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin.

O realismo surgiu em meados do século XIX em contraste com o romantismo com a sua exaltada idealização das experiências interiores do indivíduo. As principais características do realismo são a representação de heróis, personagens, eventos reais e a relação do indivíduo com o meio ambiente.

A influência do realismo já se faz sentir nas obras dos maiores compositores românticos. Representantes proeminentes da síntese do romantismo e do realismo foram B. Smetana e A. Dvorak. Características de realismo apareceram nas obras de D. Verdi (“La Traviata”) e J. Bizet (“Carmen”).

No final do século XIX, surge na ópera um movimento de verisma, caracterizado pelo lirismo sincero e pela veracidade dos sentimentos. Esta direção foi expressa mais claramente nas óperas de G. Puccini “Cio-Cio-san”, R. Leoncavalo “Pagliacci”, U. Giordano “Andrei Chenier” e outros.

O realismo tornou-se difundido na Rússia. As tradições do “realismo clássico” estabelecidas na literatura russa foram incorporadas nas obras de M. Glinka (“Ivan Susanin”) e A. Dargomyzhsky (romances). Os compositores de The Mighty Handful: A. Borodin, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov são os maiores representantes do realismo. Eles introduziram na música uma nova gama de imagens associadas tanto vida cotidiana, e com grandes eventos históricos (óperas de M. Mussorgsky “Boris Godunov” e “Khovanshchina”, N. Rimsky-Korsakov “ A noiva do czar"), com grande habilidade revelada sentimentos da alma personalidade quando confrontado com a realidade circundante.

A descoberta de aspectos da vida antes inacessíveis à arte aliou-se à procura de novos meios de expressão musical e à mudança da linguagem musical. As obras dos maiores compositores russos do século 20 - S. Prokofiev, D. Shostakovich, N. Myaskovsky, A. Khachaturian - são refletidas cenário histórico e colossais conflitos sociais do século XX. Na Rússia, a música sinfônica e instrumental de câmara alcançou o maior sucesso. No entanto, obras como óperas e balés de S. Prokofiev (“Romeu e Julieta”, “Cinderela”, “Guerra e Paz”) e D. Shostakovich (“Katerina Izmailova”, “O Nariz”) tornaram-se conquistas marcantes de realismo. música .

Com seu culto à razão. Sua ocorrência deveu-se a vários motivos. O mais importante deles é decepção com os resultados da Revolução Francesa, que não correspondeu às expectativas nele depositadas.

Para romântico cosmovisão caracterizado por um conflito agudo entre realidade e sonhos. A realidade é baixa e não espiritual, está permeada pelo espírito do filistinismo, do filistinismo e só vale a pena ser negada. Um sonho é algo lindo, perfeito, mas inatingível e incompreensível à razão.

O Romantismo contrastou a prosa da vida com o belo reino do espírito, a “vida do coração”. Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a razão. Segundo Wagner, “o artista recorre ao sentimento, não à razão.” E Schumann disse: “A mente se perde, os sentimentos nunca.” Não é por acaso que a forma de arte ideal foi declarada a música, que, pela sua especificidade, expressa da forma mais plena os movimentos da alma. Exatamente a música na era do romantismo ocupou um lugar de destaque no sistema artístico.

Se na literatura e na pintura a direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em direção ao meio Século XIX, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como movimento surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com vários movimentos da literatura, pintura e teatro. Primeira etapa o romantismo musical é representado pela obra de E. T. A. Hoffmann, N. Paganini; a fase subsequente (1830-50) - criatividade, . A fase tardia do romantismo estende-se até ao final do século XIX.

O principal problema da música romântica é apresentado problema de personalidade, e sob uma nova luz - no seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre solitário. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Muitas vezes associado a isso está o pensamento de personalidade criativa: uma pessoa fica solitária quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O artista, o poeta, o músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, o poema sinfônico de Liszt “Tasso”).

O profundo interesse inerente à música romântica personalidade humana expresso na predominância nele tom pessoal. A divulgação de dramas pessoais frequentemente adquiridos entre os românticos uma sugestão de autobiografia, que trouxe uma sinceridade especial à música. Por exemplo, muitos estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. Wagner enfatizou de todas as maneiras possíveis a natureza autobiográfica de suas óperas.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gêneros - dominante Letras ganham posição, em que predominam imagens de amor.

Muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica” tema natureza. Ressoando com o estado de espírito de uma pessoa, geralmente é colorido por um sentimento de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a “grande” sinfonia em dó maior de Schubert).

Uma verdadeira descoberta de compositores românticos foi tema de fantasia. Pela primeira vez, a música aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas através de meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos XVII e XVIII, personagens “sobrenaturais” (como a Rainha da Noite) falavam em uma linguagem musical “geralmente aceita”, pouco se destacando do cenário de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é “Scene in the Wolf Gorge” em “ Flecha Mágica» .

Altamente característico do romantismo musical é o interesse em Arte folclórica. Tal como os poetas românticos, que enriqueceram e actualizaram a linguagem literária através do folclore, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, etc.). Incorporando imagens da literatura nacional, história, natureza nativa, eles confiaram nas entonações e ritmos do folclore nacional e reviveram antigos modos diatônicos. Influenciado pelo conteúdo folclórico Música europeia brilhantemente transformado.

Novos temas e imagens exigiram o desenvolvimento do romântico novos meios de linguagem musical e princípios de construção de forma, individualização da melodia e introdução de entonações de fala, expansão do timbre e paleta harmônica da música ( trastes naturais, comparações coloridas de maior e menor, etc.).

Já que o foco dos românticos não está mais na humanidade como um todo, mas em uma pessoa específica com seu sentimento único, respectivamente e nos meios de expressão, o geral dá cada vez mais lugar ao individual, ao individualmente único. A participação de entonações generalizadas na melodia, progressões de acordes comumente usadas em harmonia, padrões típicos em diminuições de textura - todos esses meios são individualizados. Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais.

O ponto mais importante estética o romantismo musical foi ideia de síntese artística, que encontrou sua expressão mais vívida em e em música do programa Berlioz, Schumann, Liszt.

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O artigo examina o problema da manifestação do romantismo musical na história cultural da Europa no século XIX. O autor destaca que a música ocupou um lugar especial na estética do romantismo, capaz de transmitir mundo interior e os sentimentos das pessoas. A obra do compositor romântico polaco Fryderyk Chopin, que procurou reflectir o espírito nacional do povo polaco, é considerada um dos mais brilhantes representantes. Os temas da liberdade, do amor à pátria e das pessoas eram centrais para Chopin. Pesquisadores veem grande riqueza psicológica em sua música mundo espiritual pessoa. O princípio romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor e crítico musical alemão, justamente considerado um expoente da estética do romantismo. Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de sua época. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se expressão da estrutura romântica dos sentimentos. O compositor e maestro francês Hector Berlioz também foi um representante do romantismo. Berlioz introduziu corajosamente inovações no campo da forma musical e da harmonia e gravitou em direção à teatralização música sinfônica, à grandiosa escala das obras. Berlioz entrou para a história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro, cuja obra reflete as ideias do romantismo. Contribuiu para a criação de muitas escolas nacionais de música. Dele herança criativa enorme. Assim, criou o oratório “Sinfonia de Fausto”, 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Sua atuação combinava virtuosismo com poesia e drama. Assim, o amor pela natureza, pelo homem, a admiração por ele e depois a sua divinização orientaram a inspiração criativa do artista. Os românticos se esforçaram para compreender o espiritual; eles contrastaram o sentimento, a imaginação ardente e o jogo livre da fantasia com a razão. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, segundo os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e dos que a rodeiam.

inspiração

sinfonia

Francisco Liszt

Héctor Berlioz

Roberto Schumann

Frederico Chopin

romantismo

1.Grinenko G.V. Leitor sobre a história da cultura mundial: Tutorial. – M.: Ensino superior, 2005. 940 p.

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O artigo examina o problema da manifestação do romantismo musical na história cultural da Europa no século XIX. O autor destaca que a música ocupou um lugar especial na estética do romantismo, capaz de transmitir o mundo interior e os sentimentos das pessoas. A obra do compositor romântico polaco Fryderyk Chopin, que procurou reflectir o espírito nacional do povo polaco, é considerada um dos mais brilhantes representantes. Os temas da liberdade, do amor à pátria e das pessoas eram centrais para Chopin. Os pesquisadores veem em sua música a enorme riqueza psicológica do mundo espiritual humano. O princípio romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor e crítico musical alemão, justamente considerado um expoente da estética do romantismo. Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de sua época. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se expressão da estrutura romântica dos sentimentos. O compositor e maestro francês Hector Berlioz também foi um representante do romantismo. Berlioz introduziu corajosamente inovações no campo da forma musical e da harmonia, e gravitou em torno da teatralização da música sinfônica e da escala grandiosa de suas composições. Berlioz entrou para a história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro, cuja obra reflete as ideias do romantismo. Contribuiu para a criação de muitas escolas nacionais de música. Seu legado criativo é enorme. Assim, criou o oratório “Sinfonia de Fausto”, 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Sua atuação combinava virtuosismo com poesia e drama. Assim, o amor pela natureza, pelo homem, a admiração por ele e depois a sua divinização orientaram a inspiração criativa do artista. Os românticos se esforçaram para compreender o espiritual; eles contrastaram o sentimento, a imaginação ardente e o jogo livre da fantasia com a razão. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, segundo os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e dos que a rodeiam.

Palavras-chave: Romantismo, música, Fryderyk Chopin, Roberto Schumann, Hector Berlioz, Franz Liszt, sonata, sinfonia, inspiração.

Por “romantismo” (traduzido do francês “romantismo”) costuma-se entender a direção ideológica e artística da cultura espiritual europeia do final do século XVIII - primeira metade do século XIX, que substituiu o classicismo. A reavaliação dos valores sociais e a decepção com os ideais do passado são características da visão de mundo do romantismo, que se voltou para o destino do homem em um mundo em mudança. As principais características do romantismo: atenção enfatizada à personalidade humana, à individualidade e ao mundo interior do homem; um retrato de um personagem excepcional em circunstâncias excepcionais, uma personalidade forte e rebelde, um espírito livre, inconciliável com o mundo, na maioria das vezes um solitário que não é compreendido pela maioria das outras pessoas; culto aos sentimentos, à natureza e ao estado natural do homem; negação do racionalismo, do culto à razão e à ordem; a existência de “dois mundos”: o mundo do ideal, dos sonhos e o mundo da realidade, entre os quais existe uma discrepância irreparável, que leva os artistas românticos a um clima de desespero e desesperança, “tristeza mundial”; apelar para histórias folclóricas, folclore; interesse pelo passado histórico, busca pela consciência histórica.

O romantismo como fenómeno cultural distinguiu-se pela sua excepcional versatilidade, manifestando-se sob a forma de um movimento especial na pintura, na literatura, na música e no teatro. Se na literatura e na pintura o movimento romântico completou basicamente o seu desenvolvimento em meados do século XIX, na música a existência do romantismo foi mais longa. A música ocupou um lugar especial na estética do romantismo. Rejeitando o culto da razão, os românticos procuraram influenciar os sentimentos, e isso é melhor conseguido através da música. Sem imitar nenhuma outra forma, a música, melhor do que qualquer outra forma de arte, é capaz de expressar desejo, humor, confusão de sentimentos, experiências emocionais e o mundo espiritual de uma pessoa. O rápido desenvolvimento conflituoso da sociedade, o drama crescente, bem como o lirismo sutil dos sentimentos pessoais encontraram sua expressão em vários gêneros musicais humanos. O principal problema da arte musical-romântica é o problema da personalidade, seu conflito com o mundo exterior. Na cultura musical do romantismo, a canção ganha destaque como um gênero mais adequado que outros para expressar o pensamento mais íntimo do artista. Nesse sentido, todo o sistema de gêneros musicais sofre mudanças: a partir de agora, a canção subordina-se à ópera, à sinfonia, à sonata, que continuam a existir, mas com conteúdo entoacional. O tom íntimo e confidencial da declaração transforma esses gêneros, tornando-os mais diminutos. O lado entoacional da música romântica foi geralmente influenciado pela sílaba poética. Portanto, muitos gêneros musicais surgidos no século XIX devem sua origem à poesia e suas formas poéticas, por exemplo, sonetos, canções sem letra, noturnos, baladas. Grandes nomes da cultura musical europeia do século XIX: Robert Schumann e Richard Wagner, Hector Berlioz, Franz Liszt, Fryderyk Chopin, Franz Schubert.

A obra do compositor romântico polaco Fryderyk Chopin está associada às tradições do povo polaco, ao desejo de refletir o espírito nacional do povo polaco. Os temas da liberdade, do amor à pátria e das pessoas eram centrais para Chopin. A imagem da Pátria predomina nas obras do compositor, que pode ser ouvida no som das suas mazurcas e polonaises. O compositor usa padrões de ritmo e movimento danças folclóricas para transmitir sentimentos bastante complexos e criar diferentes imagens musicais. Chopin criou novos gêneros música de piano: noturnos, fantasias, prelúdios, improvisados, além de miniaturas musicais românticas. Eles transmitem a sutileza e a profundidade dos sentimentos, a beleza melódica, as imagens vívidas da música, o virtuosismo e a alma inerentes às habilidades performáticas de Chopin. O compositor polonês escreveu 2 concertos, 3 sonatas, 4 baladas, scherzos, uma série de obras improvisadas, noturnos, estudos e canções. F. Chopin, ao contrário de outros compositores, criou obras apenas para piano. Os pesquisadores veem em sua música a enorme riqueza psicológica do mundo espiritual humano. “Tragédia, romance, lirismo, heróico, dramático, fantástico, sincero, sincero, sonhador, brilhante, majestoso, simplicidade – em geral, todas as expressões possíveis estão em seus escritos...”. O princípio romântico também foi claramente expresso na obra de Robert Schumann, compositor e crítico musical alemão, justamente considerado um expoente da estética do romantismo. Robert Schumann é o criador dos ciclos de piano (Borboletas, Carnaval, Peças Fantásticas, Kreisleriana), dos ciclos vocais lírico-dramáticos, da ópera Genovena, dos oratórios Paraíso e Peri, entre muitas outras obras. O ciclo baseado nos poemas de Heine “O Amor do Poeta” é uma fusão de música e poesia; reflete com precisão as imagens poéticas criadas pelo grande poeta e expressa ironia romântica Schumann Suas obras são caracterizadas por uma descoberta romântica e paixão. Para os textos de suas obras, Schumann escolheu as obras dos melhores poetas românticos de sua época. Temas como solidão, amor trágico, luto e ironia tornam-se expressão da estrutura romântica dos sentimentos. As ideias do romantismo na música também podem ser traçadas nas obras do famoso Compositor austríaco Franz Schubert, criador de canções românticas, baladas, miniaturas de piano, sinfonias, que se distingue pela profundidade de personificação dos sentimentos. A música do compositor é caracterizada por uma riqueza de melodias, imagens vívidas e imagens musicais quase visíveis. O seu legado distingue-se por uma enorme variedade de diferentes formas musicais. As canções de Schubert são obras-primas de miniatura musical com conteúdo lírico e psicológico ("Ave Maria", "Serenata", "O Rei da Floresta"). Schubert criou cerca de 600 canções baseadas em poemas de I.V. Goethe, F. Schiller, G. Heine, W. Scott e Shakespeare, que se distinguem pela sutileza de transmitir a elusiva mudança de sentimentos de uma pessoa solitária e sofredora. A “canção” também pode ser ouvida nas suas obras sinfónicas, em particular, na “Sinfonia Inacabada”, cuja peculiaridade é a novidade da estrutura (tem duas partes em vez de quatro), a sinceridade, a confiança e o contraste das imagens musicais.

Um representante do romantismo foi também o compositor e maestro francês Hector Berlioz, dono obras musicais“Sinfonia Fantástica”, “Réquiem”, “Sinfonia de Luto e Triunfo”, ópera - duologia “Os Troianos”. Berlioz introduziu corajosamente inovações no campo da forma musical e da harmonia, e gravitou em torno da teatralização da música sinfônica e da escala grandiosa de suas composições. Assim, nas ruas de Paris, praticou canções revolucionárias com o povo, em particular “La Marseillaise”, que arranjou para coro e orquestra. Berlioz entrou para a história da música como o criador do romantismo sinfônico programático. É no gênero sinfônico que Berlioz revela pela primeira vez o mundo complexo e contraditório do herói romântico. Franz Liszt é um compositor, pianista e maestro húngaro, cuja obra reflete as ideias do romantismo. Contribuiu para a criação de muitas escolas nacionais de música. Seu legado criativo é enorme. Assim, criou o oratório “Sinfonia de Fausto”, 13 poemas sinfônicos, 19 rapsódias, valsas, estudos e cerca de 70 outras obras musicais. Sua atuação combinava virtuosismo com poesia e drama. Liszt deu ao piano um som orquestral, transformando-o de um instrumento de salão em um instrumento para um público de massa. Um dos contemporâneos do compositor descreve a atuação de Liszt em um dos concertos da seguinte forma: “A maneira como ele tocava era frenética, muito rápida, porém, através da torrente de inspiração sombria, relâmpagos de gênio brilhavam de vez em quando... eles poderiam ser comparadas a estrelas douradas, constantemente irrompendo do monstruoso fogo da paixão." Direção romântica apresentado nas obras do compositor, maestro e reformador da arte operística alemão Richard Wagner. Ele é o autor libretos de ópera, dramas, trabalhos teóricos musicais, estudos de história da arte, artigos sobre política e filosofia. Suas óperas como “Rienzi”, “Tannhäuser”, “O Holandês Voador”, “Tristão e Isolda” e outras obras musicais são amplamente conhecidas. Spengler O. escreve sobre Wagner: “As cores da meia-noite estrelada, nuvens extensas, outono, crepúsculo matinal terrivelmente sombrio, visões inesperadas de distâncias ensolaradas, medo do mundo, proximidade do destino, timidez, rajadas de desespero, esperanças repentinas, impressões que ninguém dos músicos anteriores não consideraria alcançável - ele pinta tudo isso com perfeita clareza em vários tons de um mesmo motivo.”

A peculiaridade dos músicos do passado era que eles viam na essência dos fundamentos espirituais da música - o seu futuro. R. Wagner, apresentando a arte do futuro como sintética, como um mistério, considerou a natureza da música como um caminho do inconsciente ao consciente. Ele viu esse processo como caminho da vida um artista - um criador que reflete o mundo. Esta tendência continuou no romantismo, que moldou a imagem espiritual de " pessoa central mundo", a personalidade ideal de um criador, de um gênio.

O amor pela natureza, pelo homem, a admiração por ele e depois a sua deificação guiaram a inspiração criativa do artista. Os românticos se esforçaram para compreender o espiritual; eles contrastaram o sentimento, a imaginação ardente e o jogo livre da fantasia com a razão. A liberdade é o deus desta época, graças ao qual, segundo os românticos, uma pessoa é capaz de se elevar acima de si mesma e dos que a rodeiam. Note que os compositores da era romântica são o orgulho da cultura europeia e mundial.

Link bibliográfico

Magafurova L.S. ROMANTISMO MUSICAL NA HISTÓRIA DA CULTURA EUROPEIA DO SÉCULO XIX // Boletim Científico de Estudantes Internacionais. – 2017. – Nº 5.;
URL: http://eduherald.ru/ru/article/view?id=17355 (data de acesso: 24 de novembro de 2019). Chamamos a sua atenção revistas publicadas pela editora "Academia de Ciências Naturais"

Francês romantismo

Um movimento artístico que se formou no final do século XVIII e início do século XIX. primeiro na literatura (Alemanha, Grã-Bretanha, outros países da Europa e América), depois na música e outras artes. O conceito de “romantismo” vem do epíteto “romântico”; até o século 18 ele apontou algumas características de obras literárias escritas em Línguas românicas(ou seja, não nas línguas da antiguidade clássica). Eram romances (romance espanhol), bem como poemas e romances sobre cavaleiros. Em con. século 18 “Romântico” é entendido de forma mais ampla: não apenas como aventureiro, divertido, mas também como folclore antigo e original, distante, ingênuo, fantástico, espiritualmente sublime, fantasmagórico, bem como incrível, assustador. “Os românticos romantizaram tudo o que gostavam do passado recente e antigo”, escreveu F. Blume. Eles percebem como “deles” as obras de Dante e W. Shakespeare, P. Calderon e M. Cervantes, J. S. Bach e J. W. Goethe, muito na antiguidade; Eles também são atraídos pela poesia do Dr. Minnesingers orientais e medievais. Com base nas características apontadas acima, F. Schiller chamou sua “Donzela de Orleans” de “tragédia romântica”, e nas imagens de Mignon e o Harpista ele vê o romance de Goethe “Os Anos do Ensino de Wilhelm Meister”.

Romantismo como termo literário aparece pela primeira vez em Novalis, como termo musical - em E. T. A. Hoffmann. No entanto, em seu conteúdo não difere muito do epíteto correspondente. O Romantismo nunca foi um programa ou estilo claramente definido; Trata-se de um amplo leque de tendências ideológicas e estéticas em que a situação histórica, o país e os interesses do artista criaram certos acentos e determinaram diversos objetivos e meios. No entanto arte romântica diferentes formações são inerentes e importantes características gerais, relativo tanto à posição ideológica quanto ao estilo.

Tendo herdado muitas das suas características progressistas da Era do Iluminismo, o romantismo está ao mesmo tempo associado a uma profunda decepção tanto no próprio Iluminismo como nos sucessos de toda a nova civilização como um todo. Para os primeiros românticos, que ainda não conheciam os resultados da Grande Revolução Francesa, o processo geral de racionalização da vida, a sua subordinação à “razão” sóbria média e à praticidade sem alma foram decepcionantes. Posteriormente, especialmente durante os anos do Império e da Restauração, o significado social da posição dos românticos - o seu anti-burguismo - tornou-se cada vez mais claro. Segundo F. Engels, “as instituições sociais e políticas estabelecidas pela vitória da razão revelaram-se uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas do Iluminismo” (Marx K. e Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, página 387).

Nas obras dos românticos, a renovação da personalidade, a afirmação de sua força e beleza espiritual se alia à exposição do reino dos filisteus; o totalmente humano e criativo é contrastado com o medíocre, insignificante, atolado em vaidade, vaidade e cálculos mesquinhos. Na época de Hoffmann e J. Byron, V. Hugo e George Sand, G. Heine e R. Schumann, a crítica social do mundo burguês tornou-se um dos principais elementos do romantismo. Em busca de fontes de renovação espiritual, os românticos muitas vezes idealizaram o passado e tentaram dar nova vida aos mitos religiosos. Foi assim que nasceu uma contradição entre a orientação progressista geral do romantismo e as tendências conservadoras que surgiram na sua própria corrente dominante. Essas tendências não desempenharam um papel notável no trabalho dos músicos românticos; eles se manifestaram principalmente nos motivos literários e poéticos de algumas obras, mas na interpretação musical de tais motivos o princípio humano real geralmente superava.

O romantismo musical, que se manifestou de forma significativa na 2ª década do século XIX, foi um fenómeno historicamente novo e ao mesmo tempo revelou laços profundos e contínuos com os clássicos musicais. A obra de compositores destacados da época anterior (incluindo não só os clássicos vienenses, mas também a música dos séculos XVI e XVII) serviu de suporte para o cultivo de um elevado nível artístico. Foi esse tipo de arte que se tornou modelo para os românticos; segundo Schumann, “só esta fonte pura pode nutrir as forças da nova arte” (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 140). E isso é compreensível: somente o elevado e o perfeito poderiam se opor com sucesso à conversa fiada musical do salão secular, ao virtuosismo espetacular do palco e palco de ópera, o tradicionalismo indiferente dos músicos artesãos.

Os clássicos musicais da era pós-Bach serviram de base ao romantismo musical e em relação ao seu conteúdo. A partir de C. F. E. Bach, o elemento sentimento manifestou-se cada vez mais livremente, a música dominou novos meios que permitiram expressar a força e a sutileza da vida emocional, o lirismo em sua versão individual. Estas aspirações trouxeram muitos músicos em comum na 2ª metade do século XVIII. com o movimento literário Sturm und Drang. A atitude de Hoffmann em relação a K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart e especialmente L. Beethoven como artistas de tipo romântico foi bastante natural. Tais avaliações refletiam não apenas o viés da percepção romântica, mas também a atenção às características do “pré-romantismo” realmente inerentes aos maiores compositores da 2ª metade do século XVIII - início do século XIX.

O romantismo musical também foi historicamente preparado pelo movimento de romantismo literário que o precedeu na Alemanha entre os românticos de “Jena” e “Heidelberg” (W. G. Wackenroder, Novalis, irmãos F. e A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, etc.), de um escritor próximo a eles, Jean Paul, mais tarde de Hoffmann, na Grã-Bretanha dos poetas dos chamados. A “Escola do Lago” (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, etc.) já havia desenvolvido plenamente os princípios gerais do romantismo, que foram então interpretados e desenvolvidos na música à sua maneira. Posteriormente, o romantismo musical foi significativamente influenciado por escritores como Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz e outros.

As áreas mais importantes da criatividade dos músicos românticos incluem letra, fantasia, originalidade folclórica e nacional, natural, característica.

A importância primordial das letras na literatura romântica. a arte, especialmente a música, baseava-se fundamentalmente nela. teóricos R. Para eles, “romântico” é, antes de tudo, “musical” (na hierarquia da arte a música recebeu o lugar mais honroso), pois na música o sentimento reina supremo e, portanto, o trabalho de um artista romântico encontra seu objetivo mais elevado nele. Portanto, música é letra. No aspecto abstrato-filosófico, segundo a teoria da literatura. R., permite que uma pessoa se funda com a “alma do mundo”, com o “universo”; No aspecto da vida concreta, a música, por sua natureza, é o antípoda do prosaico. na realidade, ela é a voz do coração, capaz de falar com a maior plenitude sobre uma pessoa, sua riqueza espiritual, sua vida e aspirações. É por isso que no campo da música lírica. R. tem a palavra mais brilhante. O lirismo, a espontaneidade e a expressão, e a individualização do lirismo alcançada pelos músicos românticos eram novas. declarações, transmissão de psicológico o desenvolvimento de um sentimento repleto de novos detalhes preciosos em todas as suas etapas.

A ficção como contraste com a prosa. a realidade é semelhante à letra e muitas vezes, especialmente na música, está entrelaçada com esta última. A própria fantasia revela diferentes facetas, igualmente significativas para R. Ela atua como liberdade de imaginação, livre jogo de pensamentos e sentimentos, e ao mesmo tempo. como liberdade de conhecimento, precipitando-se corajosamente para o mundo do “estranho”, maravilhoso, desconhecido, como se desafiasse a praticidade filistina, o miserável “senso comum”. A fantasia também é um tipo de beleza romântica. Ao mesmo tempo, a ficção científica permite, de forma indireta (e portanto com a máxima generalidade artística), colidir o belo e o feio, o bem e o mal. Nas artes. R. deu uma grande contribuição para o desenvolvimento deste conflito.

O interesse dos românticos pela vida “fora” está indissociavelmente ligado ao conceito geral de conceitos como originalidade folclórica e nacional, natural, característica. Era um desejo de recriar a autenticidade, a primazia e a integridade perdidas na realidade circundante; daí o interesse pela história, pelo folclore, pelo culto à natureza, interpretada como natureza primordial, como a personificação mais completa e não distorcida da “alma do mundo”. Para um romântico, a natureza é um refúgio dos males da civilização; consola e cura uma pessoa inquieta. Os românticos deram uma enorme contribuição ao conhecimento e às artes. renascimento de pessoas poesia e música de épocas passadas, bem como de países “distantes”. Segundo T. Mann, R. é “uma saudade do passado e ao mesmo tempo um reconhecimento realista do direito à originalidade de tudo o que realmente existiu com seu próprio sabor local e sua própria atmosfera” (Obras coletadas, vol. .10, M., 1961, p. 322), Na Grã-Bretanha, que começou no século XVIII. encontro de nacionais o folclore continuou no século XIX. W.Scott; Na Alemanha, foram os românticos os primeiros a recolher e tornar públicos os tesouros do povo. criatividade do seu país (a coleção de L. Arnim e C. Brentano “A Trompa Mágica do Menino”, “Contos Infantis e Familiares” dos Irmãos Grimm), que foi de grande importância para a música. O desejo da transmissão fiel do nacional-nacional. artes estilo (“cor local”) - uma característica comum músicos românticos países diferentes e escolas. O mesmo pode ser dito sobre a música. paisagem. Criado nesta área por compositores do século XVIII - início. séculos 19 superado em muito pelos românticos. Na música na personificação da natureza, R. alcançou uma concretude figurativa até então desconhecida; Isto foi devido às expressões recém-descobertas. meios de música, principalmente harmônicos e orquestrais (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

“Característica” atraiu os românticos em alguns casos como distintos, integrais, originais, em outros - como estranhos, excêntricos, caricaturados. Perceber a característica, expô-la, significa romper o véu cinza nivelador da percepção comum e tocar a vida real, bizarramente colorida e fervilhante. Na busca desse objetivo, desenvolveu-se uma arte literária típica dos românticos. e música retrato. Tal arte foi frequentemente associada à crítica do artista e levou à criação de retratos paródicos e grotescos. De Jean Paul e Hoffmann, a propensão para esboços de retratos característicos foi transmitida a Schumann e Wagner. Na Rússia, não sem a influência do romantismo. tradições da música O retrato desenvolveu-se entre compositores nacionais. realista. escolas - de A. S. Dargomyzhsky a M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov.

R. desenvolveu elementos de dialética na interpretação e reflexão do mundo e, nesse aspecto, aproximou-se do alemão contemporâneo. clássico filosofia. A arte fortalece a compreensão da relação entre o individual e o geral. Segundo F. Schlegel, romântico. a poesia é “universal”, ela “contém tudo o que é poético, desde o maior sistema de artes, que novamente inclui sistemas inteiros, até um suspiro, até um beijo, como se expressam na canção ingênua de uma criança” (“Fr. Schlegels Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Variedade infinita com componentes internos ocultos. unidade é o que os românticos valorizam, por exemplo. em Dom Quixote de Cervantes; F. Schlegel chama o tecido heterogêneo deste romance de “a música da vida” (ibid., p. 316). Este é um romance com “horizontes abertos”, observa A. Schlegel; segundo sua observação, Cervantes recorre a “variações infinitas”, “como se fosse um músico sofisticado” (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Tão artístico. cargo gera atenção especial tanto para o departamento. impressões, e às suas conexões, à criação de um conceito comum. Diretamente na música. a efusão de sentimento torna-se filosófica, a paisagem, a dança, a cena de gênero, o retrato são imbuídos de lirismo e levam a generalizações. R. mostra um interesse especial pelo processo de vida, no que N. Ya. Berkovsky chama de “o fluxo direto da vida” (“Romantismo na Alemanha”, Leningrado, 1973, p. 31); isso também se aplica à música. É típico dos músicos românticos lutar por transformações infinitas do pensamento original, um desenvolvimento “sem fim”.

Já que R. via em todas as reivindicações um único significado e um único capítulo. o objetivo é fundir-se com a misteriosa essência da vida, a ideia de síntese da arte adquiriu um novo significado. “A estética de uma arte é a estética de outra; apenas o material é diferente”, observa Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Mas a conexão vários materiais"aumenta o poder impressionante do todo artístico. Na fusão profunda e orgânica da música com a poesia, com o teatro, com a pintura, abriram-se novas oportunidades para a arte. Na área de ferramentas música, o princípio da programática adquire um papel importante, ou seja, inclusão tanto no plano do compositor quanto no processo de percepção da música. e outras associações.

R. está especialmente representado na música da Alemanha e da Áustria. Numa fase inicial - o trabalho de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; depois a escola de Leipzig, principalmente F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann; no 2º tempo. século 19 - R. Wagner, J. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. Na França, R. já apareceu nas óperas de A. Boildieu e F. Aubert, depois de forma muito mais desenvolvida e original em Berlioz. Na Itália é romântico. as tendências foram visivelmente refletidas em G. Rossini e G. Verdi. Pan-Europeu A criatividade dos computadores polacos ganhou importância. F. Chopin, pendurado. - F. Liszt, italiano. - N. Paganini (a obra de Liszt e Paganini também mostrou o auge da performance romântica), alemão. - J. Meyerbeer.

Nas condições de nacional As escolas de R. mantiveram muito em comum e ao mesmo tempo mostraram notável originalidade nas ideias, enredos, gêneros favoritos, bem como no estilo.

Na década de 30 criaturas foram descobertas. desentendimentos entre ele. e francês escolas. Formado visões diferentes sobre a medida aceitável de estilística inovação; A questão da admissibilidade da estética também foi controversa. os compromissos do artista para agradar os gostos da “multidão”. O antagonista da inovação de Berlioz foi Mendelssohn, que defendeu firmemente as normas do estilo moderado "clássico-romântico". Schumann, que falou ardentemente em defesa de Berlioz e Liszt, ainda não aceitava o que lhe parecia ser os extremos dos franceses. escolas; ele preferiu o muito mais equilibrado Chopin ao autor da “Sinfonia Fantástica”; ele avaliou Mendelssohn e aqueles próximos a este compositor A. Henselt, S. Heller, W. Taubert, W. S. Bennett e outros extremamente altamente. Schumann critica Meyerbeer com extraordinário agudeza, vendo em sua teatralidade espetacular apenas a demagogia e a busca pelo sucesso. Heine e Berlioz, pelo contrário, apreciam a natureza dinâmica do autor de Os Huguenotes. música dramaturgia. Wagner desenvolve críticas. Os motivos de Schumann, porém, em sua obra ele se afasta muito das normas do romantismo moderado. estilo; aderindo (ao contrário de Meyerbeer) a critérios estéticos rígidos. seleção, ele segue o caminho de reformas ousadas. Tudo está. século 19 como uma oposição à escola de Leipzig, a chamada. Nova escola alemã ou Weimar; Liszt tornou-se o seu centro nos seus anos de Weimar (1849-61), os seus adeptos eram R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff e outros. música do programa, música dramas do tipo wagneriano e outros tipos de música nova radicalmente reformados. ação judicial Desde 1859, as ideias da nova escola alemã foram representadas pelo “General German Verein” e pela revista criada em 1834 por Schumann. “Neue Zeitschrift für Musik”, a Crimeia foi chefiada por K. F. Brendel desde 1844. No campo oposto, junto com o crítico E. Hanslick, o violinista e compositor J. Joachim e outros, estava J. Brahms; este último não buscou polêmica e defendeu seus princípios apenas em sua obra (em 1860, Brahms assinou pela única vez um artigo polêmico - uma declaração coletiva contra certas ideias dos “Weimarites”, publicada na revista berlinense “ Eco"). O que os críticos tendiam a considerar conservadorismo na obra de Brahms era na verdade uma arte viva e original, onde o romântico. a tradição foi renovada, experimentando uma nova e poderosa influência do clássico. música do passado. As perspectivas deste caminho foram demonstradas pelo desenvolvimento da Europa. próxima música décadas (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneyev, etc.). As ideias dos “Weimarianos” revelaram-se igualmente promissoras. Posteriormente, as disputas entre as duas escolas tornam-se historicamente obsoletas.

Pois houve uma busca bem-sucedida pelo nacional no leito do rio. autenticidade, social e psicológica. veracidade, os ideais deste movimento estavam intimamente ligados à ideologia do realismo. Este tipo de ligação é evidente, por exemplo, nas óperas de Verdi e Bizet. O mesmo complexo é típico de várias nacionalidades. música Escolas do século 19 Em russo música romântica os elementos já estão claramente representados em MI Glinka e AS Dargomyzhsky, na 2ª metade. século 19 - dos compositores de “The Mighty Handful” e de P. I. Tchaikovsky, mais tarde de S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. As jovens musas desenvolveram-se sob forte influência de R. culturas da Polónia, República Checa, Hungria, Noruega, Dinamarca, Finlândia (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I. Sibelius, etc.), bem como espanhol. música 2º tempo 19 - começo Séculos 20 (I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla).

Música R. contribuiu ativamente para o desenvolvimento da música de câmara letras vocais e óperas. De acordo com os ideais de R. na reforma do wok. música cap. aprofundar a síntese da arte desempenha um papel. Wok. a melodia responde com sensibilidade à expressividade do poético. as palavras se tornam mais detalhadas e individuais. Instr. a festa perde o caráter de “acompanhamento” neutro e fica cada vez mais saturada de conteúdos figurativos. Nas obras de Schubert, Schumann, Franz, Wolf, pode-se traçar o caminho da canção baseada no enredo até a “música”. poema." Entre os woks. gêneros, aumenta o papel da balada, monólogo, cena, poema; músicas no plural os casos são combinados em ciclos. Em romântico ópera, que se desenvolveu em vários direções, a conexão entre música, palavras e teatro está se fortalecendo constantemente. ações. Este propósito é atendido por: um sistema de música. características e leitmotivs, desenvolvimento de entonações de fala, fundindo a lógica da música. e palco desenvolvimento, utilização de oportunidades ricas sinfonia. orquestra (as partituras de Wagner pertencem às maiores conquistas do sinfonismo operístico).

Na instrução. Na música, os compositores românticos são especialmente propensos ao php. miniatura. Uma pequena peça torna-se uma fixação desejada de um momento para um artista romântico: um rápido esboço de um clima, uma paisagem, uma imagem característica. É valorizado e respeitado. simplicidade, proximidade com as fontes vitais da música - ao canto, à dança, à capacidade de captar um sabor fresco e original. Variedades populares de romântico. peças curtas: “música sem letra”, noturno, prelúdio, valsa, mazurca, além de peças com títulos de programas. Na instrução. a miniatura alcança alto conteúdo e imagens em relevo; embora a forma seja comprimida, ela se distingue por sua expressão brilhante. Assim como em uma wok. letras, aqui há uma tendência de combinar departamentos. peças em ciclos (Chopin - Prelúdios, Schumann - "Cenas Infantis", Liszt - "Anos de Andanças", etc.); em alguns casos estes são ciclos de uma estrutura “ponta a ponta”, onde entre os indivíduos são relativamente independentes. surgem diferentes peças. tipo de entonação conexões (Schumann - “Borboletas”, “Carnaval”, “Kreisleriana”). Tais ciclos “de ponta a ponta” já dão uma ideia das principais tendências do romantismo. interpretações dos principais instrumentos formulários. Por um lado, enfatiza o contraste e a diversidade dos departamentos. episódios, por outro lado, a unidade do todo é potencializada. Sob o signo destas tendências, surge uma nova criatividade. interpretação do clássico sonatas e ciclos sonatas; as mesmas aspirações determinam a lógica das formas “livres” de um movimento, que geralmente combinam as características de uma sonata allegro, ciclo sonata e variação. Os formulários “gratuitos” eram especialmente convenientes para programas musicais. No seu desenvolvimento, na estabilização do gênero da “sinfonia” de um movimento. poema" grande mérito é devido a Liszt. O princípio construtivo subjacente aos poemas de Liszt - a livre transformação de um tema (monotematismo) - cria uma expressão. contrasta e ao mesmo tempo garante a máxima unidade de toda a composição (“Prelúdios”, “Tasso”, etc.).

No estilo da música. R. os meios modais e harmônicos adquirem o papel mais importante. A busca por novas expressividades está associada a dois processos paralelos e muitas vezes interligados: ao fortalecimento da dinâmica funcional. lados das harmonias e com modo harmônico aumentado. colorido. O primeiro desses processos é a crescente saturação dos acordes com alterações e dissonâncias, o que exacerbou sua instabilidade e aumentou a tensão, o que exigiu uma resolução futura de forma harmoniosa. movimento. Tais propriedades de harmonia a melhor maneira Eles expressaram o “langor” típico de R., um fluxo de sentimentos “infinitamente” em desenvolvimento, que foi corporificado com particular completude no “Tristan” de Wagner. Os efeitos coloridos já eram evidentes no uso das capacidades do sistema de modo maior-menor (Schubert). Esquemas de cores novos e muito diversos. tons foram extraídos dos chamados. modos naturais, com a ajuda dos quais o vernáculo foi enfatizado. ou arcaico a natureza da música; Um papel importante - especialmente na ficção científica - foi atribuído aos modos com escalas de tons inteiros e "tom-semitom". Propriedades coloridas também foram reveladas em acordes dissonantes e cromaticamente complicados, e foi nesse ponto que os processos mencionados acima entraram claramente em contato. Novos efeitos sonoros também foram alcançados por dif. comparações de acordes ou modos dentro do diatônico. escala.

Em romântico Os capítulos seguintes estavam em vigor na melodia. tendências: na estrutura - o desejo de amplitude e continuidade de desenvolvimento, em parte pela “abertura” da forma; no ritmo - superação de tradições. métrica de regularidade acentos e qualquer automático repetição; na entonação composição - detalhamento, preenchendo de expressividade não só os motivos iniciais, mas também toda a melódica. desenho. O ideal de “melodia infinita” de Wagner incluía todas essas tendências. A arte dos maiores melodistas do século XIX também está ligada a eles. Chopin e Tchaikovsky. Música R. enriqueceu e individualizou muito os meios de apresentação (textura), tornando-os um dos elementos mais importantes da música. imagens. O mesmo se aplica ao uso de ferramentas. composições, especialmente composições sinfônicas. orquestra. R. desenvolveu o colorismo. meio da orquestra e dramaturgia da orquestra. desenvolvimento a um nível desconhecido pela música de épocas anteriores.

Música tardia R. (final do século 19 - início do século 20) ainda deu “rebentos ricos”, e seus maiores sucessores tiveram uma atitude romântica. a tradição ainda expressava as ideias de um progressista, humanista. arte (G. Mahler, R. Strauss, C. Debussy, A. N. Scriabin).

A nova criatividade está associada ao fortalecimento e à transformação qualitativa das tendências de R.. conquistas na música. Imagens recentemente detalhadas são cultivadas - tanto na esfera das impressões externas (colorido impressionista) quanto na transferência requintadamente sutil de sentimentos (Debussy, Ravel, Scriabin). As possibilidades da música estão se expandindo. figuratividade (R. Strauss). O refinamento, por um lado, e o aumento da expressividade, por outro, criam uma escala mais ampla de expressividade emocional da música (Scriabin, Mahler). Ao mesmo tempo, no final da R., que esteve intimamente interligado com as novas tendências da virada dos séculos XIX e XX. (impressionismo, expressionismo), cresceram os sintomas de crise. No início. século 20 A evolução de R. revela uma hipertrofia do princípio subjetivo, uma degeneração gradual da sofisticação em amorfa e imobilidade. Uma reação polêmica e contundente a essas características da crise foi a música. anti-romantismo dos anos 10-20. (I. F. Stravinsky, jovem S. S. Prokofiev, compositores dos “Seis” franceses, etc.); o último R. foi combatido pelo desejo de objetividade de conteúdo e clareza de forma; surgiu nova onda“classicismo”, culto aos antigos mestres, cap. arr. era pré-Beethoven. Meados do século 20 mostrou, no entanto, a viabilidade das tradições mais valiosas de R. Apesar das crescentes tendências destrutivas na música ocidental, R. manteve a sua base espiritual e, enriquecida com novas estilísticas. elementos, foi desenvolvido por muitos. compositores notáveis ​​do século XX. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok, etc.).

Literatura: Asmus V., Estética musical do romantismo filosófico, “SM”, 1934, nº 1; Nef K., História da música da Europa Ocidental, tradução do francês. BV Asafieva, M., 1938; Sollertinsky I., Romantismo, sua estética geral e musical, em seu livro: Estudos Históricos, L., 1956, vol.1, 1963; Zhitomirsky D., Notas sobre romantismo musical (Chopin e Schumann), “SM”, 1960, nº 2; o dele, Schumann e o Romantismo, em seu livro: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Canção romântica do século XIX, M., 1966; Konen V., História da música estrangeira, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problemas de harmonia clássica, M., 1972 (capítulo 9 - Sobre o desenvolvimento histórico da harmonia clássica no século XIX e início do século XX); Skrebkov S., Princípios artísticos estilos musicais, M., 1973; Estética musical França XIX século. Comp. textos, introdução. artigo e introdução ensaios de E. F. Bronfin, M., 1974 (Monumentos do pensamento musical e estético); Música da Áustria e Alemanha XIX século, livro. 1, M., 1975; Druskin M., História da música estrangeira, vol. 4, M., 1976.

D. V. Zhitomirsky

Um movimento ideológico e artístico que se desenvolveu em todos os países da Europa e do Norte. América em golpe. 18 - 1º andar. séculos 19 R. expressou a insatisfação da sociedade burguesa. mudanças, opondo-se ao classicismo e ao iluminismo. F. Engels observou que “...as instituições sociais e políticas estabelecidas pela “vitória da razão” revelaram-se uma caricatura maligna e amargamente decepcionante das brilhantes promessas do Iluminismo”. As críticas ao novo modo de vida, que surgiu na esteira do iluminismo entre os sentimentalistas, manifestaram-se ainda mais entre os românticos. O mundo parecia-lhes obviamente irracional, cheio de pessoas misteriosas, incompreensíveis e hostis. personalidade. Para os românticos, as grandes aspirações eram incompatíveis com o mundo ao seu redor, e a discórdia com a realidade acabou sendo quase a maior. característica de R. R. contrastava a baixeza e a vulgaridade do mundo real com a religião, a natureza, a história e a fantasia. e exótico esferas, adv. criatividade, mas acima de tudo - a vida interior de uma pessoa. As ideias de R. sobre ela foram extremamente enriquecidas. Se o ideal do classicismo era a antiguidade, então R. foi guiado pela arte da Idade Média e dos tempos modernos, considerando A. Dante, W. Shakespeare e J. V. Goethe como seus antecessores. R. afirmou a arte, não prevista em modelos, mas criada pela livre vontade do artista, encarnando o seu mundo interior. Não aceitando a realidade circundante, R. de fato a compreendeu de forma mais profunda e completa do que o classicismo. A música, como personificação do elemento livre da vida, tornou-se a arte mais elevada para R. Ela alcançou enorme sucesso naquela época. R. também foi um período de desenvolvimento extraordinariamente rápido e significativo do balé. Os primeiros passos são românticos. os balés foram feitos na Inglaterra, Itália, Rússia (C. Didelot, A. P. Glushkovsky, etc.). No entanto, R. tomou forma mais completa e consistente em francês. teatro de balé, cuja influência foi sentida em outros países. Um dos pré-requisitos para isso foi o alto desenvolvimento da tecnologia clássica na França daquela época. dança, especialmente feminina. Mais claramente romântico. tendências apareceram nos balés de F. Taglioni (La Sylphide, 1832, etc.), onde a ação geralmente se desenrolava paralelamente nos mundos real e fantástico. A ficção científica libertou a dança da necessidade de justificações cotidianas privadas, abriu espaço para o uso de equipamentos acumulados e seus desenvolvimento adicional a fim de identificar na dança as propriedades essenciais dos personagens retratados. Na dança feminina, que ganhou destaque no balé de R., surgiram cada vez mais os saltos, a dança nas sapatilhas de ponta, etc., que correspondiam perfeitamente ao aparecimento de criaturas sobrenaturais - jipes, sílfides. A dança dominou o balé de R.. Novas formas composicionais clássicas surgiram. dança, o papel da dança feminina uníssona do corpo de balé aumentou acentuadamente. Desenvolvimento de danças em conjunto, dueto e solo. O papel da bailarina protagonista aumentou, começando com M. Taglioni. A túnica apareceu como traje permanente da dançarina. O papel da música aumentou, anteriormente muitas vezes uma seleção nacional. A dança sinfônica começou. ações. O ápice do romance balé - "Giselle" (1841), encenado por J. Coralli e J. Perrault. A criatividade de Perrault marcada novo palco balé R. A performance agora dependia fortemente da iluminação. a fonte original ("Esmeralda" segundo Hugo, "Corsair" segundo Byron, etc.) e, consequentemente, a dança foi mais dramatizada, o papel das composições eficazes (pas d'action) aumentou e o folclore da dança foi utilizado mais amplamente Aspirações semelhantes manifestaram-se no trabalho das datas mais proeminentes.Ballet de August Bournonville.Os dançarinos F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Gran, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya se apresentaram.

Tipo romântico a performance, que se desenvolveu nos balés de Taglioni, Perrot, Bournonville, continuou a existir até o fim. século 19 No entanto, a estrutura interna dessas performances está principalmente na obra de balés. MI Petipa, transformado.

O desejo de um renascimento romântico. o balé em sua forma original apareceu na obra de alguns coreógrafos do século XX. M. M. Fokin deu a R. novas características do impressionismo ao balé.

Balé. Enciclopédia, SE, 1981

A música da era romântica é provavelmente o modelo de estilo mais popular na sociedade moderna. O romantismo, entendido como uma época, é indicado por uma mudança no dominante na consciência artística e, consequentemente, no sistema artístico. O Romantismo é um conceito proposto pelos poetas da chamada escola de Jena, considerados seus fundadores (L. Tieck e Novalis).

É a poesia em combinação com a música que contribui para a formação de novas regulamentações para as relações das pessoas com o mundo e entre si. A principal diferença em relação à era anterior é o novo visual dos rituais socialmente significativos: a produção musical de salão assume a forma de um concerto lírico íntimo específico. O músico romântico torna-se objeto de culto público, personagem e herói de um certo drama da vida: deslocando do culto a figura do imperador coroado e divino, o rei, ele próprio se torna o “ungido” de Deus. A canção romântica é o gênero mais importante para caracterizar o estilo, todos os compositores românticos (exceto F. Chopin) lhe prestam homenagem, compondo centenas de obras. Arranjos de canções para piano estão se tornando extremamente populares, concretizando a tradição de variações de temas de óperas populares do século passado.

O gênero de “músicas sem palavras” - um arranjo único de uma letra de música inexistente - atrai extremamente os ouvintes com sua combinação de domínio virtuoso do instrumento e a profundidade lírica e psicológica da música. A expressão máxima desta tendência é o nascimento de um novo gênero - a própria miniatura lírica, associada principalmente ao piano. Um ramo especial desta esfera de gênero é criado pela música de dança cotidiana, sempre equilibrando-se à beira da dança aplicada, do arranjo de samples populares e da própria miniatura lírico-confessional (muitos exemplos nas obras de Chopin, Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky ). A valsa (que substituiu o minueto) tornou-se a dança icônica da época.

Na era romântica, os chamados gêneros didáticos, especialmente os estudos virtuosos, adquiriram considerável importância.

Construção de público salas de concerto estimula o desenvolvimento de gêneros de concertos sinfônicos, cuja direção foi definida por L. Beethoven - uma sinfonia brilhantemente dramática e profundamente literária e programática, um poema sinfônico e um concerto sinfonizado.

Em geral, podemos dizer que o sistema de géneros musicais está a ser transformado de forma bastante fundamental, tanto em conteúdo como em significado e percepção pela sociedade.

Gênero musical na Europa Ocidental e na Rússia

A poesia é uma arte sonora. A leitura pública de poesia em salões, salas de estar e simplesmente na vida íntima do dia a dia constitui a sua existência viva. A moda de ler poesia no salão dá origem a um gênero especial: a recitação sob acompanhamento musical o piano recebe o nome declamação melódica.

Conseqüentemente, a lógica do surgimento e difusão total do gênero da canção romântica como encarnação entonacional da poesia é completamente óbvia. É a música através do canto que permite reconstruir a ideia de formas entoacionais de leitura: um certo papel aqui pertence à narrativa - “narrativa” - recitação. Mas a “descoberta” musical do romantismo é expressiva enfático entonação. É ela quem determina a camada de entonação da música estilo romântico cultivando arioso. Este tipo de vocalismo representa uma combinação da flexibilidade do recitativo com a beleza e expressividade da cantilena, alcançada na ópera barroca e principalmente no classicismo (no gênero cômico).

O tema icônico da poesia romântica é, obviamente, o tema do amor. As confissões de amor - elogios líricos - são extremamente diversas não só nas canções, mas também em todos os gêneros instrumentais do romantismo.

O primeiro e mais prolífico compositor romântico do gênero musical é Francisco Schubert. Durante sua curta vida (1797-1828) escreveu mais de 600 canções. Sua fama nesse gênero começou com a balada “The Forest King” baseada nos versos de I. Goethe (1816). Esta é uma cena-monólogo-música com episódios contrastantes que representam personagens diferentes. Sua imagem principal – a figura simbólica da morte – ocupará um lugar especial na música vocal dos românticos.

Schubert usou textos de cerca de cem poetas em suas canções.

Num clima de sérios interesses poéticos, nasceu o ciclo “A Bela Esposa de Miller” baseado em poemas do poeta alemão W. Müller (1823). Em várias canções surge o enredo de uma espécie de conto poético sobre o amor de um aprendiz pela esposa de um moleiro: das primeiras delícias ingênuas, passando pela dor da traição e da separação, até a triste resignação.

Uma vida cheia de trabalho árduo e exaustivo e de pobreza desesperadora leva Schubert a estados de melancolia e solidão, que também se refletiram em seu último ciclo nos poemas de W. Müller “Winterreise” (1827). Sua vida sempre foi difícil, sua música sempre foi alegre e alegre. Agora ele anseia e escreve sobre o sofrimento da solidão e fica ainda mais romântico, para quem a confissão mágoa- um dos tópicos principais. O último ciclo “Canção do Cisne” (1828) baseado nos textos de seis poemas de G. Heine, bem como dos poetas L. Relyptab e A. Seidl, é trágico.

E outra descoberta importante de Schubert, adotada por todos os românticos, é a natureza musical da música em todos os gêneros. Ele organiza suas próprias músicas em formas instrumentais - o quarteto s, na segunda parte em que varia o tema da música "Death and the Maiden", o quinteto de piano "Trout" (na quarta parte há uma variação do tema da música de mesmo nome), uma fantasia para piano sobre o tema da música "Wanderer" ". Mas suas sinfonias também estão imbuídas de música, na qual soa uma entonação poética pessoal, expressando a atitude de uma pessoa em relação ao mundo. nova era. As imagens da natureza ocupam um lugar significativo nas composições de Schubert, o que também se reflete nas suas composições instrumentais. E isso se torna um manifesto de compositores românticos, revelando os impulsos da alma através de metáforas de paisagens, flores e elementos naturais.

Criatividade musical Roberto Schumann (1810-1856) - o mais apaixonado e reverente dos românticos - ocupa um lugar central nas letras vocais do século XIX. Dele carreira criativa inicialmente associado à música para piano: ele próprio sonhava em ser um virtuoso concertista e em meados da década de 1830. cria suas obras-primas imortais para piano - “Estudos Sinfônicos”, “Carnaval”, Fantasia em Dó maior, “Kreisleriana”. Em 1840, começou sua virada para o gênero canção - só naquele ano ele escreveu 134 canções, incluindo os famosos ciclos “O Amor de um Poeta” baseado em poemas de G. Heine, “Amor e Vida de uma Mulher” baseado em poemas de A. von Chamisso e “Myrtles” sobre poemas de vários poetas. Neles ele desenvolve a tradição musical de Schubert, mas cria um estilo único, cuja base é a sutileza e profundidade de penetração no significado do texto poético.

É nas composições de Schumann que emerge a forma entoacional de recitação romântica de poesia, teatralmente brilhante e intimamente lírica. Um grande papel pertence à parte do piano, que dificilmente pode ser chamada de acompanhamento - a rica harmonia e a textura inventiva criam uma imagem vívida que revela o subtexto emocional do verso.

No ciclo "O Amor de um Poeta" Schumann utiliza os poemas de Heine do "Intermezzo Lírico", mas não todos - o compositor os seleciona de forma a criar, como os de Schubert, história trágica amor.

Provavelmente a música mais famosa do ciclo é “Não estou com raiva”. Vale a pena ouvir apenas na língua original para nos surpreendermos com a habilidade do compositor, que “pronuncia” as palavras do perdão confuso com dor, alegria e mansidão.

Uma beleza semelhante de entonações melodiosas e monólogo declamatório expressivo distingue a música “Querido amigo, você está com vergonha de eu estar chorando” do ciclo “Amor e vida de mulher”. Se a poesia de Heine é bela, então Chamisso não é um dos poetas de primeira classe. Schumann imortalizou suas criações poéticas com seu extraordinário dom de ouvir as nuances emocionais mais sutis da expressão de um texto simples.

Os ditirambos silenciosos e sublimemente sonhadores de Schumann são extraordinariamente atraentes - as canções “Como um lírio do vale, você é linda” e “Lotus” baseada nos poemas de Heine do ciclo “Myrtles”, “Silent Tears” baseada nos poemas de J. Kerner do opus 35 (1840). As confissões de amor entusiásticas e impetuosas, tão características de Schumann na música para piano, representam o outro pólo dos sentimentos amorosos. Um excelente exemplo é a famosa “Dedicatória” às palavras de F. Rückert do ciclo “Myrtle”, inteiramente dedicada à “minha amada noiva”.

A história da canção romântica é um tema vasto. Os compositores alemães tinham um ouvido especial para a entonação e um talento para a personificação da poesia. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler - esses nomes hoje estão incluídos no tesouro mundial repertório vocal. O legado musical deles, que é para escolas românticas A Europa Ocidental e a Rússia eram o padrão de amor pela poesia e pela sutileza de sua audição, que não desapareceu mesmo séculos depois.

E os compositores russos, admirando Goethe e Heine, escreveram suas obras vocais com base em seus textos em traduções russas de Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, Tyutchev. Feta. Comparar composições com um texto é uma perspectiva fascinante para um trabalho independente. Em geral, o gênero musical é extremamente popular na Rússia, embora represente uma variedade específica chamada “romance”. As diferenças entre uma canção e um romance são extremamente sutis, devem ser buscadas no estilo musical nacional e, em geral, na entonação melódica da fala russa. Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857), criador do russo ópera nacional, tinha um ouvido extraordinariamente apurado, uma boa voz e foi o fundador romance clássico, romântico em sua essência. Um de seus primeiros romances, “Don’t Tempt”, revelou-se uma verdadeira obra-prima do lirismo vocal. Sensível e com inclinações românticas, Glinka é cativado pela poesia de V. Zhukovsky, que o tocou “até às lágrimas”. E, claro, ele admira a poesia de A. Pushkin, com base em cujos poemas escreveu vários romances magníficos. Um deles - “Não cante, linda, na minha frente” - ao som da melodia do georgiano canção popular, trazido em 1828 do Cáucaso por A. Griboyedov. A sutil personificação da declamação também é distinguida pelo romance em miniatura “Maria” - um exemplo de ditirambo de amor juvenil. O amor move sentimentos e pensamentos: Glinka dedica o maravilhoso romance “Dúvida”, cheio de triste melancolia e ternura, a seu aluno K. Kolkovskaya. Tendo se apaixonado por Ekaterina Kern, filha de Anna Petrovna Kern, a famosa “destinatária” Poema de Pushkin“Lembro-me de um momento maravilhoso”, Glinka escreve sua obra-prima imortal neste texto. Aqui a habilidade e a inspiração do compositor se fundem em uma harmonia incrível - os compositores raramente são capazes de criar uma personificação adequada de um verso brilhante.

Os romances são escritos por muitos compositores russos - a moda da poesia é tão difundida na Rússia quanto na Europa Ocidental. Tem as suas próprias conquistas nacionais, entre as quais devemos, naturalmente, mencionar Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869) e Modesto Petrovich Mussorgsky (1839-1881).

As obras de Dargomyzhsky baseadas nos poemas de Lermontov "Both Bored and Sad" e "I'm Sad" representam monólogos líricos com detalhes expressivos da personificação da entonação da fala. Completamente nova no gênero é a cáustica sátira social, que revela o princípio básico do compositor, que diz: "Quero que o som expresse diretamente a palavra. Quero a verdade".

Mussorgsky, que gravitou em torno de uma reflexão realista de imagens de vida popular, escreveu em seus próprios textos, poemas de N. Nekrasov, A. Ostrovsky (“Svetik Savishna”, “Kalistrat”, “Canção de ninar para Eremushka”, “Durma, durma, filho camponês", "Órfão", "Seminarista"). Suas canções eram "esboços" originais para óperas, que se tornaram uma palavra completamente nova no gênero ópera, teatro musical ("Boris Godunov", "Khovanshchina"). Na década de 1870. foram criados os ciclos vocais "Sem o Sol" (1874), "Canções e Danças da Morte" (1875-1877), bem como "Crianças" baseadas em suas próprias palavras (1872. A linguagem musical de Mussorgsky atingiu a imaginação de muitos compositores do século XX - as imagens eram tão novas, exigindo novos meios de expressão musical.

O auge de uma canção romântica na música russa é a criatividade Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893).

Os romances de Tchaikovsky revelam seu incrível dom de expressividade e beleza melódica. Seu estilo ariot é individual e único - assim que soam “três notas”, identificamos inequivocamente o autor, mas sua escolha textos poéticos como se fosse pouco exigente (o que foi repetidamente observado na literatura crítica), embora Tchaikovsky tivesse um aguçado senso de natureza musical poemas de Pushkin, Vasiliy, escreveram sobre isso. O tema principal são letras de amor, poemas originais e traduzidos de A.K. Tolstoi, A.N. Plescheeva, L.A. Meya. “Nem uma palavra, oh meu amigo”, “Não, só quem sabia”, “Carregue meu coração” e outros exemplos maravilhosos de criatividade precoce preparam a letra da ópera “Eugene Onegin”. No final da década de 1870. aparecem esquetes vocais apaixonados e entusiasmados - “Eu te abençoo, florestas”, “O dia reina”. “Entre o baile barulhento” nas palavras de A. Tolstoy é uma experiência marcante do lirismo vocal russo, um exemplo de retrato feminino no ritmo de uma valsa e devaneios poéticos sutis. O encantador romance dos poemas de K.R. (Konstantin Romanov) “I Opened the Window” foi admirado por mais de uma geração de artistas e ouvintes. Os romances da última obra (1893) às palavras de D. Ratgaus - “Sentamos com você”, “O pôr do sol”, “Nesta noite de luar”, “Entre os dias sombrios”, “Sozinho de novo, como antes ” - refletem temas de luto, melancolia e tristeza característicos da última Sexta Sinfonia com seu tema trágico de vida, destino e morte.