Artistas famosos dos séculos XIX e XX. "Nu contra fundo de busto e folhas verdes"
A pintura russa se distingue legitimamente do mundo artes artísticas. O facto é que até ao século XVII a pintura doméstica estava associada exclusivamente à tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar reformador, Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, em russo mundo da arte o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII surgiram os primeiros artistas, passando de pintura de retrato para paisagem. É notável a simpatia pronunciada dos artistas pelos panoramas de inverno. O século XVIII também foi lembrado pelo surgimento da pintura cotidiana. No século XIX, três movimentos ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a recorrer gênero retrato. Foi então que surgiram os mundialmente famosos retratos e autorretratos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas representavam cada vez mais o povo russo comum no seu estado oprimido. O realismo torna-se o movimento central da pintura deste período. Foi então que surgiram os artistas Itinerantes, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, obviamente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um enorme Mundo maravilhoso artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações
"Jogadores de cartas"
Autor
Paulo Cézanne
Um país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo
O artista nasceu no sul da França, na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio para ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de “uma peregrinação a Aix”.
130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado
O trabalho de Cézanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta de um objeto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não confundissem o espectador. Cézanne combinou em sua arte dois principais Tradições francesas: classicismo e romantismo. Com a ajuda de texturas coloridas, ele deu ao formato dos objetos uma plasticidade incrível.
A série de cinco pinturas “Jogadores de Cartas” foi pintada em 1890-1895. O enredo deles é o mesmo - várias pessoas jogam pôquer com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.
Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores da obra “gratuita” de Cézanne foram o negociante de arte William Acquavella e o mundialmente famoso galerista Larry Gagosian, que ofereceram cerca de 220 milhões de dólares por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Qatar por 250 milhões. O maior negócio de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. A jornalista Alexandra Pierce relatou isso na Vanity Fair. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo dono, e então a informação penetrou na mídia de todo o mundo.
O Museu Árabe foi inaugurado no Catar em 2010. arte contemporânea e Museu Nacional do Catar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo xeque para esse fim.
A maioriapintura carano mundo
Proprietário
Xeque Hamad
bin Khalifa al-Thani
A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Há cerca de meio século, foram descobertas aqui enormes reservas de petróleo e gás, o que tornou instantaneamente o Qatar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. O Xeque Hamad bin Khalifa al-Thani tomou o poder em 1995, enquanto o seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do actual governante, segundo especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país e na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Qatar tem agora uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres têm o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Catar quem fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe prestam grande atenção à cultura.
2
"Número 5"
Autor
Jackson Pollock
Um país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato
Jack the Sprinkler - esse foi o apelido que Pollock recebeu do público americano por sua técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou da placa de fibra durante um movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde cedo ele se interessou pela filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um “derramamento” gratuito.
122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O valor do trabalho de Pollock não reside no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de “action painting”. Com sua mão leve, tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia, vidro quebrado, mas escrevia com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca, um furo. O artista era tão popular que na década de 1950 foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura “Número 5” é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano colecionou recentemente obras de arte moderna. É improvável que ele tivesse perdido um “peixe grande” como o “Número 5” de Pollock.
3
"Mulher III"
Autor
Willem de Kooning
Um país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato
Natural da Holanda, imigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, aconteceu a exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo seu autor como um grande artista modernista. Ele sofreu de alcoolismo durante a maior parte de sua vida, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada obra. De Kooning se distingue pela impulsividade de sua pintura e pelos traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe nos limites da tela.
121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições faciais feias apareciam nas pinturas de De Kooning. "Mulher III" tornou-se último emprego desta série participando do leilão.
Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o “Número 5” de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Steven Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isto deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.
Num dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de “Mulher III” com a pintura “Dama com Arminho” de Leonardo da Vinci. Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura viu a graça de uma pessoa de sangue real. Isto também é evidenciado pela coroa mal desenhada que coroa a cabeça da mulher.
4
"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustavo Klimt
Um país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno
Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas, mas apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte do pai, ele passou a ser responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: o erotismo franco é claramente visível sob as finas pinceladas de ouro.
138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O destino da pintura, chamada de “Mona Lisa austríaca”, poderia facilmente se tornar a base de um best-seller. O trabalho do artista causou um conflito entre um estado inteiro e uma senhora idosa.
Assim, “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata uma aristocrata, esposa de Ferdinand Bloch. Seu último desejo era doar a pintura à Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria comprou com dificuldade a Golden Adele, mas então apareceu uma herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.
Iniciado em 2005 processo alto“Maria Altmann contra a República da Áustria”, pelo que o filme “partiu” com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas sem precedentes: foram realizadas negociações sobre empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman aumentou o preço para US$ 300 milhões. Na época do processo, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que alterou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, dono da New Gallery de Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para 135 milhões de dólares.
5
"Gritar"
Autor
Edvard Munch
Um país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo
A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, “The Sick Girl” (são cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, a sua pintura pesada e maníaca provocou até um escândalo. Porém, apesar dos temas depressivos, suas pinturas possuem um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.
73,5x91cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O título completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de um humano ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções que o espectador experimenta ao olhar a imagem. Um de principais obras o expressionismo alerta para temas que se tornaram agudos na arte do século XX. Segundo uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental que sofreu durante toda a vida.
A pintura foi roubada duas vezes de museus diferentes, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para representantes da cultura pop, a obra se tornou uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias impressas dela, e a máscara do filme “Scream” foi feita à imagem e semelhança do herói do filme.
Munch escreveu quatro versões da obra para um tema: a que está em coleção particular é feita em tons pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para “Scream”. Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Conselheiros Leões, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui o maior acervo de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos séculos passados.
6
"Nu contra fundo de busto e folhas verdes"
Autor
Pablo Picasso
Um país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo
É espanhol de origem, mas por espírito e local de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Depois foi para Paris e lá passou a maior parte da vida. É por isso que seu sobrenome tem duplo acento. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da ideia de que um objeto retratado na tela só pode ser visto de um ângulo.
130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele acabou com a vadiagem e mudou-se para um apartamento luxuoso com ela. Naquela época, o reconhecimento havia encontrado o herói, mas o casamento foi destruído. Um dos mais pinturas caras O mundo foi criado quase por acidente - por um grande amor, que, como sempre acontece com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato retratando Marie-Thérèse na imagem de Daphne. A tela foi comprada pelo negociante nova-iorquino Paul Rosenberg e, em 1951, ele a vendeu para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista estava completando 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie’s em março de 2010. Ao longo de seis décadas, o preço aumentou mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou-o por US$ 106,5 milhões. Em 2011, ocorreu uma “exposição de uma pintura” na Grã-Bretanha, onde foi lançada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.
7
"Oito Elvis"
Autor
Andy Warhole
Um país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop
"Sexo e festas são os únicos lugares onde aparecer ele mesmo“- disse o artista cult da pop art, diretor, um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com a Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a empresa I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando símbolos da América: a sopa Campbell's e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.
358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado
Os anos 60 de Warhol foi o nome dado à era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan, no estúdio Factory, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes proeminentes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol testou a técnica de serigrafia - repetição repetida de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar “Os Oito Elvises”: o espectador parece estar vendo cenas de um filme onde a estrela ganha vida. Aqui está tudo o que o artista tanto amou: uma imagem pública ganha-ganha, cor prateada e uma premonição de morte como mensagem principal.
Existem hoje dois negociantes de arte promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. O primeiro gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende suas pinturas como se fossem cartões de Natal, só que por um preço mais alto. Mas não foram eles, mas o modesto consultor de arte francês Philippe Segalot que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender “Oito Elvises” a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol – 100 milhões de dólares.
8
"Laranja,Vermelho amarelo"
Autor
Marcos Rothko
Um país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato
Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (hoje Daugavpils, Letônia), em grande família Farmacêutico judeu. Em 1911 emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale e ganhou uma bolsa de estudos, mas sentimentos anti-semitas o forçaram a abandonar os estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatraram o artista e os museus o perseguiram por toda a vida.
206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's
Os primeiros experimentos artísticos de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para colorir manchas, privando-as de qualquer objetividade. No início tinham tons claros e, na década de 1960, tornaram-se marrons e roxos, tornando-se pretos na época da morte do artista. Mark Rothko alertou contra a busca de qualquer significado em suas pinturas. O autor queria dizer exatamente o que disse: apenas a cor se dissolvendo no ar e nada mais. Ele recomendou visualizar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse “atraído” pela cor, como se fosse um funil. Cuidado: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento e a purificação vêm gradativamente. A cor em suas pinturas vive, respira e tem a influência mais forte. impacto emocional(dizem que às vezes é curativo). O artista declarou: “O espectador deveria chorar ao olhar para eles”, e tais casos realmente aconteceram. Segundo a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele viveu enquanto trabalhava na pintura. Se você foi capaz de entendê-lo em um nível tão sutil, não ficará surpreso com o fato de essas obras de arte abstrata serem frequentemente comparadas pelos críticos a ícones.
A obra “Orange, Red, Yellow” expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu preço inicial no leilão da Christie’s em Nova York é de US$ 35 a 45 milhões. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes maior que o estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não é divulgado.
9
"Tríptico"
Autor
Francis Bacon
Um país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo
As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o renegou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais de seu filho. Bacon foi primeiro para Berlim, depois para Paris, e então seus rastros ficaram confusos por toda a Europa. Durante sua vida, suas obras foram expostas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.
147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o recatado público inglês não tinha pressa em desembolsar por tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: “O homem que pinta estes quadros aterrorizantes”.
O próprio artista considerou o pós-guerra o ponto de partida de sua obra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou grandes obras-primas. Antes da participação em “Tríptico, 1976”, o trabalho mais caro de Bacon foi “Estudo para um Retrato do Papa Inocêncio X” (US$ 52,7 milhões). Em “Tríptico, 1976” o artista retratou a trama mítica da perseguição de Orestes pelas Fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as Fúrias são o seu tormento. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em acervo particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte, e ainda por cima generoso? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, na qual foi significativamente influenciado por sua amiga Dasha Zhukova, que se tornou Rússia moderna dono de galeria da moda. Segundo dados não oficiais, o empresário possui pessoalmente obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, adquiridas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 tornou-se proprietário do Tríptico. Aliás, em 2011 foi adquirida outra valiosa obra de Bacon - “Três Esboços para um Retrato de Lucian Freud”. Fontes ocultas dizem que Roman Arkadyevich tornou-se novamente o comprador.
10
"Lagoa com nenúfares"
Autor
Claude Monet
Um país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo
O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas telas. A primeira obra significativa foi a pintura “Almoço na Relva” (versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude ele desenhou caricaturas e pintura real realizou durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.
210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também era um jardineiro entusiasta e adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços; a uma certa distância, eles se tornam invisíveis e se fundem em uma textura, imagem tridimensional. Nas pinturas do final de Monet, o tema da água e da vida nela contida ocupa um lugar especial. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes que trouxe especialmente do Japão. Quando as flores desabrocharam, ele começou a desenhar. A série “Nenúfares” é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até à sua morte. Sua visão piorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da época do ano e do clima, a aparência do lago mudava constantemente e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, ele compreendeu a essência da natureza. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: o Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), a Orangerie (Paris). Uma versão do próximo “Lago com Nenúfares” chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.
11
Estrela Falsa t
Autor
Jasper Johns
Um país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop
Em 1949, Jones ingressou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.
137,2x170,8cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para seus trabalhos utilizou objetos simples e compreensíveis: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou cartões. Não há uma composição clara no filme False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes rotulando “erroneamente” as cores da pintura, invertendo o próprio conceito de cor: “Eu queria encontrar uma maneira de representar a cor para que ela pudesse ser determinada por algum outro método”. Sua pintura mais explosiva e “insegura”, segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.
12
"Sentadonuno sofá"
Autor
Amedeo Modigliani
Um país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo
Modigliani esteve frequentemente doente desde a infância, durante um delírio febril, reconheceu o seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza e em 1906 foi para Paris, onde sua arte floresceu.
65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's
Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e depois sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de “Nude Seated on a Sofa” em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também suicidou-se.
13
"Águia em um pinheiro"
Autor
Qi Baishi
Um país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo Guohua
O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi à pintura. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura chinês concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês" e em 1956 recebeu o Prémio Internacional da Paz.
10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China
Qi Baishi estava interessado nas manifestações do mundo circundante às quais muitos não dão importância, e esta é a sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: “Tenho medo de ir ao seu país, porque existe Qi Baishi na China”. A composição “Águia em um Pinheiro” é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a obra foi adquirida representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Só o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões.
14
"1949-A-No. 1"
Autor
Clyfford ainda
Um país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato
Aos 20 anos, visitei o Metropolitan Museum of Art de Nova York e fiquei decepcionado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso na Student Arts League, mas saiu 45 minutos após o início da aula - descobriu-se que “não era para ele”. A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se encontrou, e com ela o reconhecimento
79x93cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Ainda legou todas as suas obras, mais de 800 telas e 1.600 obras em papel, a uma cidade americana onde será inaugurado um museu com seu nome. Denver tornou-se uma dessas cidades, mas só a construção foi cara para as autoridades e, para concluí-la, quatro obras foram colocadas em leilão. É pouco provável que as obras de Still voltem a ser leiloadas, o que aumentou antecipadamente o seu preço. A pintura “1949-A-No.1” foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.
15
"Composição suprematista"
Autor
Kazimir Malevitch
Um país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo
Malevich estudou pintura em Kyiv escola de Artes, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim para “domínio”).
71x88,5cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
A pintura foi mantida no Museu da Cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a doou. O artista pintou esta obra no mesmo ano do “Manifesto do Suprematismo”, por isso a Sotheby’s anunciou antes mesmo do leilão que não iria para uma coleção privada por menos de 60 milhões de dólares. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra “Composição Suprematista” do Museu do MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.
16
"Banhistas"
Autor
Paul Gauguin
Um país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo
Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o impulsionavam constantemente a viajar. Na França, começou a pintar e tornou-se amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.
93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's
Em 1891, Gauguin organizou uma venda de suas pinturas para usar o dinheiro arrecadado para viajar até a ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se sente a conexão sutil entre a natureza e o homem. Gauguin vivia numa cabana de palha e um paraíso tropical florescia nas suas telas. Sua esposa era Tahitian Tehura, de 13 anos, o que não impediu o artista de se envolver em relacionamentos promíscuos. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava lotado lá e ele voltou para o Taiti. Este período é chamado de “segundo taitiano” - foi então que foi pintado o quadro “Banhistas”, um dos mais luxuosos de sua obra.
17
"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"
Autor
Henrique Matisse
Um país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo
Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando de uma cirurgia, sua mãe comprou tintas para ele. No início, Matisse copiou cartões postais coloridos por tédio, depois copiou obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, surgiu com um estilo - o fauvismo.
65,2x81cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's
Pintura "Narcisos e toalha de mesa em azul e tons rosa» pertenceu a Yves Saint Laurent durante muito tempo. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro “Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa”, pintado sobre uma toalha de mesa comum em vez de tela. A exemplo do Fauvismo, ele está repleto da energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas em toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que se encontra em coleção particular.
18
"Menina Adormecida"
Autor
RoyLee
htenstein
Um país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop
O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de artes. Em 1949, Lichtenstein recebeu o título de Mestre em Belas Artes. Seu interesse por quadrinhos e sua habilidade de usar a ironia fizeram dele um artista cult do século passado.
91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
Um dia, um chiclete caiu nas mãos de Lichtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte na tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem final, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. O quadro “Sleeping Girl” pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh durante quase 50 anos, cujos herdeiros o venderam em leilão.
19
"Vitória. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Um país Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo
Meu nome real– Cornelis – o artista mudou para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Juntamente com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento Neoplasticismo. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.
27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's
O mais “musical” dos artistas do século XX ganhava a vida com naturezas mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e lá passou o resto da vida. Jazz e Nova York foram o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie-Woogie é o melhor exemplo disso. Os quadrados perfeitos foram obtidos com fita adesiva, o material favorito de Mondrian. Na América, ele foi chamado de “o imigrante mais famoso”. Nos anos 60, Yves Saint Laurent lançou vestidos “Mondrian” mundialmente famosos com grandes estampas xadrez.
20
"Composição nº 5"
Autor
ManjericãoKandinsky
Um país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda
O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, tentou cooperar com o governo soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.
275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's
Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como “arte degenerada” e não foram expostas em lugar nenhum. Em 1939, Kandinsky obteve a cidadania francesa e em Paris participou livremente de processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, por isso muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composição nº 5” é uma das obras-chave do gênero: “A palavra “composição” soou para mim como uma oração”, disse o artista. Ao contrário de muitos de seus seguidores, ele planejou o que retrataria em uma enorme tela, como se estivesse escrevendo notas.
21
"estudo de uma mulher em azul"
Autor
Fernand Leger
Um país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo
Leger recebeu educação arquitetônica, e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e no século XX também fez sucesso como escultor.
96,5x129,5cm
1912–1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
David Norman, presidente do departamento internacional de impressionismo e modernismo da Sotheby's, considera completamente justificada a enorme quantia paga por “A Dama de Azul”. A pintura pertence à famosa coleção Léger (o artista pintou três pinturas sobre o mesmo tema, a última delas hoje está em mãos privadas. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor doou esta obra para a galeria Der Sturm, depois ela acabou na coleção de Hermann Lang, colecionador alemão do modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.
22
“Cena de rua. Berlim"
Autor
Ernesto LudwigKirchner
Um país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo
Para Expressionismo alemão Kirchner se tornou uma pessoa icônica. No entanto, as autoridades locais acusaram-no de aderir à “arte degenerada”, o que afetou tragicamente o destino das suas pinturas e a vida do artista, que cometeu suicídio em 1938.
95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's
Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços cenas de rua. Ele foi inspirado pela turbulência e pelo nervosismo cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, o estado de ansiedade do artista é sentido de forma especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão; Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com severidade: 639 de suas obras foram retiradas de galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.
23
"Vacacionista"dançarino"
Autor
Edgar Degas
Um país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo
A história de Degas como artista começou com seu trabalho como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar “famoso e desconhecido” e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.
64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
“As bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimentos”, disse Degas. Cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. “Resting Dancer” foi vendido por US$ 28 milhões em 1999 e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões – hoje é a obra mais cara do artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção às molduras, projetou-as ele mesmo e proibiu que fossem alteradas. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?
24
"Pintura"
Autor
Joan Miró
Um país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata
Durante guerra civil na Espanha o artista esteve ao lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Nesse período, Miro pintou o quadro “Ajude a Espanha!”, chamando a atenção do mundo inteiro para o domínio do fascismo.
89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O segundo título da pintura é “Blue Star”. O artista pintou-a no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo as obras com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - a abstração surreal. A sua “Pintura” pertence ao ciclo das “pinturas de sonho”. No leilão, quatro compradores disputaram a obra, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa e “Pintura” tornou-se a pintura mais cara do artista.
25
"Rosa Azul"
Autor
Yves Klein
Um país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática
O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, artesanato de dourador de molduras, Zen Budismo e muito mais. Sua personalidade e suas travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que as pinturas monocromáticas.
153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's
A primeira exposição de obras monocromáticas em amarelo, laranja e rosa não despertou interesse do público. Klein ficou ofendido e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como “internacional Cor azul Klein." O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, ateava fogo em papelão, fazia impressões do corpo de uma pessoa em tela. Em uma palavra, experimentei o melhor que pude. Para criar a “Rosa Azul” usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.
26
"Em Busca de Moisés"
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Um país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo
O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo “alma” ao seu sobrenome para que pudesse ser listado em primeiro lugar nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista recebeu o título de cavaleiro.
213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
O tema principal da obra de Alma-Tadema foi a antiguidade. Nas pinturas ele tentou os mínimos detalhes para retratar a época do Império Romano, para isso chegou a realizar escavações arqueológicas na Península Apenina, e em seu casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Assuntos mitológicos tornou-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi extremamente requisitado durante sua vida, mas após sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está renascendo, como evidenciado pelo custo da pintura “Em Busca de Moisés”, que é sete vezes superior à estimativa de pré-venda.
27
"Retrato de um funcionário nu dormindo"
Autor
Luciano Freud
Um país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa
O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para a Grã-Bretanha. As obras de Freud estão no Wallace Collection Museum, em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.
219,1x151,4cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Enquanto os artistas da moda do século XX criavam “manchas coloridas na parede” positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Capturo os gritos da alma e o sofrimento da carne enfraquecida”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o “legado” de Sigmund Freud. As pinturas foram exibidas e vendidas com tanto sucesso que os especialistas começaram a duvidar: elas têm propriedades hipnóticas? O Retrato de um Oficial Adormecido Nu, vendido em leilão, segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.
28
"Violino e Guitarra"
Autor
Xum Gris
Um país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo
Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.
5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Gris, por em minhas próprias palavras, estava engajado na “arquitetura plana e colorida”. Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço aleatório, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor ainda dedicou a ele sua primeira obra em estilo cubista, “Tributo a Picasso”. A pintura “Violino e Violão” é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso e favorecido por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e mantidas em coleções particulares.
29
"RetratoCampos de Éluard"
Autor
Salvador Dalí
Um país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo
“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o mais artista famoso-surrealista. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem criou a embalagem do Chupa Chups.
25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura “Retrato de Paul Eluard” foi pintada durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiada a responsabilidade de captar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e ficava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.
30
"Aniversário"
Autor
Marc Chagall
Um país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda
Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e tornou-se próximo dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, durante a tomada do poder pelos nazistas, partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele retornou à França apenas em 1948.
80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's
A pintura “Aniversário” é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, o sentimento de um conto de fadas é preservado no cenário da vida burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhou pessoas da vida, mas apenas da memória ou da imaginação. A pintura “Aniversário” retrata o próprio artista e sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, abriga exatamente o mesmo, apenas com o nome de “Aniversário”. A propósito, foi escrito antes - em 1915.
preparou o projeto
Tatiana Palasova
a classificação foi compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13
(maio a junho de 2013)
russo cultura artística cujas origens começaram com o classicismo, que adquiriu um poderoso som folclórico, como o alto classicismo, que se refletiu na pintura do século XIX, passou gradualmente do romantismo ao realismo nas belas-artes russas. Os contemporâneos da época apreciaram especialmente a direção de artistas russos em que predominava o gênero histórico com ênfase em temas nacionais.
Mas, ao mesmo tempo, não houve mudanças significativas na arte da direção histórica em comparação com os mestres da segunda metade do século XVIII e desde o início da história do retrato russo. Muitas vezes em suas obras muitos mestres dedicaram verdadeiros heróis antiga Rus', cujas façanhas inspiraram a escrita de pinturas históricas. Os pintores russos da época estabeleceram o seu próprio princípio de descrição de retratos e pinturas, desenvolvendo os seus próprios rumos na representação do homem e da natureza, testemunhando um conceito figurativo completamente independente.
Os artistas russos em suas pinturas refletiram vários ideais de elevação nacional, abandonando gradativamente os estritos princípios do classicismo impostos pelas fundações acadêmicas. O século XIX foi marcado por um grande florescimento da pintura russa, na qual os pintores russos deixaram uma marca indelével na história da arte russa para a posteridade. Artes visuais, imbuído do espírito de reflexão integral da vida das pessoas.
Os maiores pesquisadores da pintura russa do século XIX em geral notam o papel destacado no alto florescimento da criatividade dos grandes mestres e artes plásticas russos. Obras únicas criados por artesãos nacionais enriqueceram para sempre a cultura russa.
Artistas famosos do século 19
(1782-1836) Os retratos magnificamente e sutilmente pintados de Kiprensky trouxeram-lhe fama e verdadeiro reconhecimento entre seus contemporâneos. Suas obras Auto-retrato, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Retrato de um menino Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Retrato de Denis Davydov, 1819 Menina com uma coroa de papoulas, o retrato de maior sucesso de 1827 de A. S. Pushkin e outros. refletem a beleza da excitação, sofisticada mundo interior imagens e estados de espírito. Os contemporâneos compararam suas obras com os gêneros da poesia lírica e da dedicatória poética aos amigos. (1791-1830) Mestre do romantismo paisagístico russo e da interpretação lírica da natureza. Em mais de quarenta de suas pinturas, Shchedrin retratou vistas de Sorento. Entre elas destacam-se as pinturas do Bairro de Sorrento. Noite, Nova Roma "Castelo do Santo Anjo", Passeio Mergellina em Nápoles, Grande Porto na ilha de Capri, etc.Tendo se rendido completamente ao romance da paisagem e ao ambiente natural de percepção, Shchedrin, por assim dizer, compensa com suas pinturas o interesse caído de seus companheiros de tribo da época pela paisagem. Shchedrin experimentou o início de sua criatividade e reconhecimento.
(1776-1857) Notável retratista russo, descendente de servos. Suas obras famosas são pinturas: A Rendeira, também Retrato de Pushkin A.S., gravador E.O. Skotnikova, Velho - Mendigo, distinguido por uma cor clara Retrato de um Filho, 1826 Spinner, Ourives, essas obras atraíram especialmente a atenção dos contemporâneos. 1846 Tropinin desenvolveu seu próprio estilo figurativo independente de retrato, que caracteriza o gênero específico de escrita de Moscou. Naquela época, Tropinin tornou-se Figura central Elite de Moscou.(1780-1847) O fundador do gênero cotidiano camponês, Seu famoso retrato do Ceifador, pintura > Ceifadores, Menina com lenço na cabeça, Primavera na terra arável, Camponesa com centáureas, Zakharka e outros. Podemos destacar especialmente a pintura da eira, que atraiu a atenção do imperador Alexandre I, ele ficou emocionado imagens vívidas camponeses, transmitidos com veracidade pelo autor. Ele amou pessoas comuns encontrando nisso um certo lirismo, isso se refletiu em suas pinturas mostrando a difícil vida camponesa. seus melhores trabalhos foram criados na década de 20. (1799-1852) Mestre da pintura histórica, O último dia de Pompéia na turbulência, os habitantes condenados fogem da fúria do vulcão Vesúvio. A imagem causou uma impressão impressionante em seus contemporâneos. Ele pinta com maestria pinturas seculares, a Cavaleira e retratos usando momentos coloridos brilhantes na composição da pintura, Condessa Yu. Suas pinturas e retratos são compostos por contrastes de luz e sombra. . Influenciado pelo classicismo acadêmico tradicional, Karl Bryullov dotou suas pinturas de autenticidade histórica, espírito romântico e verdade psicológica. (1806-1858) Magnífico mestre gênero histórico. Por cerca de duas décadas, Ivanov trabalhou em sua pintura principal, A Aparição de Cristo ao Povo, enfatizando sua desejo apaixonado retratam a vinda de Jesus Cristo à terra. Na fase inicial, são as pinturas Apolo, Jacinto e Cipreste 1831-1833, a Aparição de Cristo a Maria Madalena após a ressurreição em 1835. Para ele não vida longa Ivanov criou muitas obras; para cada pintura pintou muitos esboços de paisagens e retratos. Ivanov é um homem de extraordinária inteligência, sempre buscando mostrar em suas obras os elementos dos movimentos populares. (1815-1852) Mestre do movimento satírico, que lançou as bases para o realismo crítico em gênero cotidiano. O Cavalier Fresco 1847 e A Noiva Discriminatória 1847,
Renascença (Renascença). Itália. Séculos XV-XVI. Capitalismo primitivo. O país é governado por banqueiros ricos. Eles estão interessados em arte e ciência.
Os ricos e poderosos reúnem ao seu redor os talentosos e sábios. Poetas, filósofos, artistas e escultores conversam diariamente com seus patronos. Em algum momento, parecia que as pessoas eram governadas por homens sábios, como queria Platão.
Lembramos dos antigos romanos e gregos. Eles também construíram uma sociedade de cidadãos livres, onde valor principal- uma pessoa (sem contar os escravos, é claro).
A Renascença não é apenas copiar a arte das civilizações antigas. Isto é uma mistura. Mitologia e Cristianismo. Realismo da natureza e sinceridade das imagens. Beleza física e espiritual.
Foi apenas um flash. O período da Alta Renascença dura aproximadamente 30 anos! Da década de 1490 a 1527 Desde o início do apogeu da criatividade de Leonardo. Antes do saque de Roma.
Miragem mundo ideal desapareceu rapidamente. A Itália revelou-se demasiado frágil. Ela logo foi escravizada por outro ditador.
No entanto, estes 30 anos determinaram as principais características da pintura europeia nos próximos 500 anos! Até .
Realismo da imagem. Antropocentrismo (quando o centro do mundo é o Homem). Perspectiva linear. Pinturas à óleo. Retrato. Cenário…
É incrível, mas durante esses 30 anos vários mestres brilhantes trabalharam ao mesmo tempo. Outras vezes, nascem uma vez a cada 1000 anos.
Leonardo, Michelangelo, Rafael e Ticiano são os titãs do Renascimento. Mas não podemos deixar de mencionar os seus dois antecessores: Giotto e Masaccio. Sem o qual não haveria Renascimento.
1. Giotto (1267-1337)
Paulo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragmento da pintura “Cinco Mestres” Renascença florentina”. Início XVI século. .
Século XIV. Proto-Renascimento. Seu personagem principal é Giotto. Este é um mestre que revolucionou sozinho a arte. 200 anos antes da Alta Renascença. Se não fosse por ele, dificilmente teria chegado a era da qual a humanidade tanto se orgulha.
Antes de Giotto existiam ícones e afrescos. Eles foram criados de acordo com os cânones bizantinos. Rostos em vez de rostos. Figuras planas. Não cumprimento das proporções. Em vez de uma paisagem há um fundo dourado. Como, por exemplo, neste ícone.
Guido da Siena. Adoração dos Magos. 1275-1280 Altenburg, Museu Lindenau, Alemanha.
E de repente aparecem afrescos de Giotto. Neles figuras volumétricas. Pessoas pessoas nobres. Velho e jovem. Triste. Triste. Surpreso. Diferente.
Afrescos de Giotto na Igreja de Scrovegni em Pádua (1302-1305). Esquerda: Lamentação de Cristo. Meio: Beijo de Judas (fragmento). À direita: Anunciação de Santa Ana (Mãe Maria), fragmento.
A principal obra de Giotto é o ciclo de seus afrescos na Capela Scrovegni, em Pádua. Quando esta igreja foi aberta aos paroquianos, multidões de pessoas acorreram a ela. Eles nunca tinham visto nada assim.
Afinal, Giotto fez algo inédito. Ele traduziu histórias bíblicas para um simples, linguagem clara. E eles se tornaram muito mais acessíveis pessoas comuns.
Gioto. Adoração dos Magos. 1303-1305 Afresco na Capela Scrovegni em Pádua, Itália.
Isto é precisamente o que será característico de muitos mestres da Renascença. Imagens lacônicas. Emoções vivas dos personagens. Realismo.
Leia mais sobre os afrescos do mestre no artigo.
Giotto ficou admirado. Mas sua inovação não foi mais desenvolvida. A moda do gótico internacional chegou à Itália.
Somente depois de 100 anos aparecerá um sucessor digno de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autorretrato (fragmento do afresco “São Pedro no púlpito”). 1425-1427 Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Início do século XV. O assim chamado Início da Renascença. Outro inovador está entrando em cena.
Masaccio foi o primeiro artista a usar perspectiva linear. Foi projetado por seu amigo, o arquiteto Brunelleschi. Agora o mundo representado tornou-se semelhante ao real. A arquitetura de brinquedo é coisa do passado.
Masaccio. São Pedro cura com sua sombra. 1425-1427 Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Ele adotou o realismo de Giotto. Porém, ao contrário de seu antecessor, ele já conhecia bem a anatomia.
Em vez de personagens em blocos, Giotto construiu pessoas lindamente. Assim como os antigos gregos.
Masaccio. Batismo de neófitos. 1426-1427 Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, Itália.
Masaccio. Expulsão do Paraíso. 1426-1427 Afresco na Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Masaccio viveu uma vida curta. Ele morreu, como seu pai, inesperadamente. Aos 27 anos.
No entanto, ele tinha muitos seguidores. Mestres das gerações subsequentes foram à Capela Brancacci para estudar seus afrescos.
Assim, a inovação de Masaccio foi retomada por todos os grandes artistas da Alta Renascença.
3.Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Auto-retrato. 1512 Biblioteca Real em Torino, Itália.
Leonardo da Vinci é um dos titãs da Renascença. Ele teve uma influência tremenda no desenvolvimento da pintura.
Foi da Vinci quem elevou o status do próprio artista. Graças a ele, os representantes desta profissão deixaram de ser apenas artesãos. Estes são criadores e aristocratas do espírito.
Leonardo fez um grande avanço principalmente no retrato.
Ele acreditava que nada deveria desviar a atenção da imagem principal. O olhar não deve desviar-se de um detalhe para outro. Foi assim que surgiram seus famosos retratos. Lacônico. Harmonioso.
Leonardo da Vinci. Senhora com arminho. 1489-1490 Museu Czertoryski, Cracóvia.
A principal inovação de Leonardo é que ele encontrou uma maneira de tornar as imagens... vivas.
Antes dele, os personagens dos retratos pareciam manequins. As linhas eram claras. Todos os detalhes são cuidadosamente desenhados. O desenho pintado não poderia estar vivo.
Leonardo inventou o método sfumato. Ele sombreou as linhas. Fez a transição da luz para a sombra muito suave. Seus personagens parecem estar cobertos por uma névoa quase imperceptível. Os personagens ganharam vida.
4. Michelangelo (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michelangelo (fragmento). 1544 Museu Metropolitano de Arte, Nova York.
Michelangelo se considerava um escultor. Mas havia mestre universal. Como seus outros colegas da Renascença. Portanto, o seu património pictórico não é menos grandioso.
Ele é reconhecível principalmente por seus personagens fisicamente desenvolvidos. Ele retratou um homem perfeito em quem a beleza física significa beleza espiritual.
É por isso que todos os seus heróis são tão musculosos e resistentes. Até mulheres e idosos.
Miguel Ângelo. Fragmentos do afresco “ Último Julgamento”na Capela Sistina, Vaticano.
Michelangelo frequentemente pintava o personagem nu. E então ele adicionou roupas por cima. Para que o corpo fique o mais esculpido possível.
Teto Capela Sistina ele pintou sozinho. Embora sejam várias centenas de números! Ele nem permitiu que ninguém esfregasse tinta. Sim, ele era insociável. Ele tinha um caráter duro e briguento. Mas acima de tudo ele estava insatisfeito consigo mesmo.
Miguel Ângelo. Fragmento do afresco “A Criação de Adão”. 1511 Capela Sistina, Vaticano.
Michelangelo viveu uma vida longa. Sobreviveu ao declínio do Renascimento. Para ele foi uma tragédia pessoal. Suas obras posteriores estão cheias de tristeza e tristeza.
De qualquer forma caminho criativo Michelangelo é único. Seus primeiros trabalhos são uma celebração do herói humano. Livre e corajoso. Nas melhores tradições Grécia antiga. Qual é o nome dele, Davi?
Nos últimos anos de vida é imagens trágicas. Pedra intencionalmente talhada em bruto. É como se estivéssemos olhando para monumentos às vítimas do fascismo do século XX. Veja sua Pietà.
Esculturas de Michelangelo na Academia de Belas Artes de Florença. Esquerda: Davi. 1504 À direita: Pietà de Palestrina. 1555
Como isso é possível? Um artista em uma vida passou por todas as fases da arte, desde a Renascença até o século XX. O que fazer gerações futuras? Siga seu próprio caminho. Perceber que a fasquia está muito alta.
5. Rafael (1483-1520)
6. Ticiano (1488-1576).
Ticiano. Autorretrato (fragmento). 1562
Ticiano era um colorista insuperável. Ele também experimentou muito com composição. Em geral, ele foi um inovador ousado.
Todos o amavam pelo brilho de seu talento. Chamado de “o rei dos pintores e o pintor dos reis”.
Falando de Ticiano, quero colocar um ponto de exclamação após cada frase. Afinal, foi ele quem dinamizou a pintura. Pathos. Entusiasmo. Cor brilhante. Brilho de cores.
Ticiano. Ascensão de Maria. 1515-1518 Igreja de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Veneza.
No final de sua vida, ele desenvolveu uma técnica de escrita incomum. Os traços são rápidos e grossos. Apliquei a tinta com pincel ou com os dedos. Isso torna as imagens ainda mais vivas e vibrantes. E as tramas são ainda mais dinâmicas e dramáticas.
Ticiano. Tarquínio e Lucrécia. 1571 Museu Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra.
Isso te lembra alguma coisa? Claro, isso é tecnologia. E Tecnologia artistas do século XIX séculos: Barbizonianos e. Ticiano, como Michelangelo, passaria por 500 anos de pintura numa só vida. É por isso que ele é um gênio.
SOBRE obra-prima famosa Leia o mestre no artigo.
Os artistas renascentistas são donos de um grande conhecimento. Para deixar tal legado, havia muito que aprender. No campo da história, astrologia, física e assim por diante.
Portanto, cada imagem deles nos faz pensar. Por que isso está retratado? Qual é a mensagem criptografada aqui?
Eles quase nunca estavam errados. Porque eles pensaram cuidadosamente em seu trabalho futuro. Usamos todo o nosso conhecimento.
Eles eram mais que artistas. Eles eram filósofos. Eles nos explicaram o mundo através da pintura.
É por isso que eles sempre serão profundamente interessantes para nós.
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Leonardo di Ser Piero da Vinci (15 de abril de 1452 – 2 de maio de 1519) foi um famoso pintor, arquiteto, filósofo, músico, escritor, explorador, matemático, engenheiro, anatomista, inventor e geólogo italiano. Conhecido por suas pinturas, sendo as mais famosas “ Última Ceia" e "Mona Lisa", além de inúmeras invenções muito à frente de seu tempo, mas que permaneceram apenas no papel. Além disso, Leonardo da Vinci fez contribuições importantes para o desenvolvimento da anatomia, astronomia e tecnologia.
Raphael Santi (28 de março de 1483 - 6 de abril de 1520) - ótimo Artista italiano e um arquiteto atuante no Renascimento, abrangendo o período que vai do final do século XV aos primeiros anos do século XVI. Tradicionalmente, Rafael é considerado um dos três grandes mestres deste período, juntamente com Michelangelo e Leonardo da Vinci. Muitas de suas obras estão no Palácio Apostólico do Vaticano, em uma sala chamada Estâncias de Rafael. Entre outras, a sua obra mais famosa, “A Escola de Atenas”, está aqui localizada.
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6 de junho de 1599 - 6 de agosto de 1660) - pintor espanhol, pintor de retratos, pintor da corte do rei Filipe IV, maior representante idade de ouro da pintura espanhola. Além de inúmeras pinturas que retratam cenas históricas e culturais do passado, pintou muitos retratos da família real espanhola, bem como de outras figuras europeias famosas. A obra mais famosa de Velázquez é considerada a pintura "Las Meninas" (ou "A Família de Filipe IV") de 1656, localizada no Museu do Prado, em Madrid.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (25 de outubro de 1881 - 8 de abril de 1973) - artista e escultor espanhol mundialmente famoso, fundador do movimento nas belas artes - cubismo . Considerado um dos maiores artistas que influenciaram o desenvolvimento das artes plásticas no século XX. Especialistas reconheceram o melhor artista entre aqueles que viveram nos últimos 100 anos, e também os mais “caros” do mundo. Durante sua vida, Picasso criou cerca de 20 mil obras (segundo outras fontes, 80 mil).
Vincent Willem van Gogh (30 de março de 1853 - 29 de julho de 1890) foi um famoso artista holandês que ganhou fama somente após sua morte. Segundo muitos especialistas, Van Gogh é um dos maiores artistas da história da arte europeia, bem como um dos mais proeminentes representantes do pós-impressionismo. Autor de mais de 2.100 obras de arte, incluindo 870 pinturas, 1 mil desenhos e 133 esboços. Seus numerosos autorretratos, paisagens e retratos estão entre as obras de arte mais reconhecidas e caras do mundo. A obra mais famosa de Vincent Van Gogh é talvez considerada uma série de pinturas chamada “Girassóis”.
Michelangelo Buonarroti (6 de março de 1475 - 18 de fevereiro de 1564) - escultor, artista, arquiteto, poeta e pensador italiano mundialmente famoso, que deixou uma marca indelével em todo o mundo cultura mundial. A obra mais famosa do artista talvez sejam os afrescos do teto da Capela Sistina. Entre suas esculturas, as mais famosas são “Pieta” (“Lamentação de Cristo”) e “Davi”. Entre as obras de arquitetura está o desenho da cúpula da Basílica de São Pedro. É interessante que Michelangelo tenha se tornado o primeiro representante da arte da Europa Ocidental, cuja biografia foi escrita durante sua vida.
Em quarto lugar no ranking dos artistas mais famosos do mundo está Masaccio (21 de dezembro de 1401-1428), grande artista italiano que teve enorme influência sobre outros mestres. Masaccio viveu uma vida muito curta, por isso há poucas evidências biográficas sobre ele. Apenas quatro de seus afrescos sobreviveram, que são sem dúvida obra de Masaccio. Acredita-se que outros tenham sido destruídos. A obra mais famosa de Masaccio é considerada o afresco da Trindade na Igreja de Santa Maria Novella em Florença, Itália.
Peter Paul Rubens (28 de junho de 1577 - 30 de maio de 1640) foi um pintor flamengo (sul holandês), um dos maiores artistas da era barroca, conhecido por seu estilo extravagante. Ele foi considerado o artista mais versátil de seu tempo. Em suas obras, Rubens enfatizou e incorporou a vitalidade e a sensualidade da cor. Pintou numerosos retratos, paisagens e pinturas históricas com temas mitológicos, religiosos e alegóricos. A obra mais famosa de Rubens é o tríptico “A Descida da Cruz”, pintado entre 1610 e 1614 e que trouxe fama mundial ao artista.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 de setembro de 1571 – 18 de julho de 1610) foi um grande artista italiano do início do período barroco, o fundador da pintura realista europeia do século XVII. Em suas obras, Caravaggio utilizou habilmente contrastes de luz e sombra, focando nos detalhes. Ele frequentemente retratava romanos comuns, pessoas das ruas e dos mercados nas imagens de santos e madonas. Os exemplos incluem “Mateus Evangelista”, “Baco”, “A Conversão de Saulo”, etc. pinturas famosas O artista é considerado “O Tocador de Alaúde” (1595), que Caravaggio chamou de seu fragmento de pintura de maior sucesso.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) é um famoso pintor e gravador holandês considerado o maior e mais famoso artista do mundo. Autor de cerca de 600 pinturas, 300 águas-fortes e 2 mil desenhos. Sua característica é o jogo magistral com efeitos de luz e sombras profundas. A obra mais famosa de Rembrandt é considerada a pintura de quatro metros "A Ronda Noturna", pintada em 1642 e agora armazenada no Rijksmuseum de Amsterdã.
