Zhzl (Nikolai Dmitriev-Orenburg, pintor de batalha, populista)

Biografia do artista, trajetória criativa. Galeria de pinturas.

Ivanov Sergey Vasilievich

(1864 - 1910)

Ivanov Sergei Vasilievich, pintor russo. Estudou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1878-82 e 1884-85) com I. M. Pryanishnikov, E. S. Sorokin e na Academia de Artes de São Petersburgo (1882-84). Morou em Moscou. Ele viajou extensivamente por toda a Rússia e, em 1894, visitou a Áustria, a Itália e a França. Membro da Associação de Exposições de Arte Itinerantes (desde 1899) e um dos fundadores da União dos Artistas Russos. Ele lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (desde 1900) e na Escola de Arte e Indústria Stroganov de Moscou (desde 1899). Na 2ª metade da década de 1880 - início da década de 1890. trabalhou em pinturas de gênero (nas quais a paisagem desempenha um papel importante), desenhos e litografias dedicadas ao trágico destino dos migrantes camponeses russos e prisioneiros das prisões czaristas (“Na prisão”, 1885, “Na estrada. Morte de um migrante ”, 1889, ambas pinturas na Galeria Tretyakov). Participou dos acontecimentos revolucionários de 1905 e foi um dos primeiros artistas russos a abordar o tema da luta revolucionária do campesinato e do proletariado russo ("Revolta na Aldeia", 1889, "Execução", 1905 - ambos pinturas no Museu da Revolução da URSS em Moscou; "Palco", 1891, a pintura não sobreviveu;

A partir de 1895, Ivan voltou-se para a pintura histórica. A vida do povo e os traços do caráter nacional, sua conexão com os destinos futuros da Rússia - esta é a base ideológica de suas pinturas históricas, às vezes incorporando o poder espontâneo do movimento popular ("Problemas", 1897, I. I. Brodsky Apartment Museum, Leningrado), às vezes com grande convicção e autenticidade histórica (às vezes não sem elementos de sátira social) recriando cenas cotidianas do passado ("A Chegada de Estrangeiros a Moscou no Século XVII", 1901, "Czar. Século XVI" , 1902, ambos na Galeria Tretyakov). Na obra de I., uma orientação socialmente crítica se alia à busca de novas soluções composicionais e coloridas que enriquecem emocionalmente as possibilidades expressivas do gênero e da pintura histórica. Ele também fez ilustrações.

Aceso.: Granovsky I. N.., S. V. Ivanov. Vida e criatividade, M., 1962.

V. M. Petyushenko
TSB, 1969-1978

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Sergei Vasilyevich Ivanov nasceu em 16 de junho de 1864 na cidade de Ruza, província de Moscou, em uma família nobre empobrecida. As impressões de infância sobre sua estada na terra natal de seus ancestrais paternos e maternos nas províncias de Voronezh e Samara permaneceram por muito tempo em sua memória e mais tarde foram incorporadas em sua obra.

Sua habilidade para desenhar apareceu muito cedo, mas antes de entrar na Escola de Pintura e Pintura de Moscou, ele teve, a mando de seus pais, que estudar no Instituto de Pesquisa de Terras de Moscou, onde eram ensinados desenho e desenho. O encontro do futuro artista com P.P. Sinebatov, formado pela Academia de Artes, mudou significativamente sua vida. Aproveitando seu conselho, começou a copiar por conta própria e, em 1878, submeteu documentos à Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, que frequentou pela primeira vez como voluntário. Em 1882, tendo concluído o curso científico e a aula de figuras da escola, transferiu-se para a Academia de Artes de São Petersburgo, mas em 1884 retornou a Moscou. As qualidades distintivas do caráter de Ivanov - independência e determinação - desempenharam um papel importante quando ele cometeu um ato muito corajoso. Em 1885, deixou a escola sem sequer iniciar o trabalho final. Cativado pelos temas da vida, inquieto, em busca de novas impressões, não se envergonhou de que sem uma pintura competitiva receberia apenas o certificado para o título de professor de artes. A ideia de fazer uma longa viagem por diferentes províncias da Rússia o ocupou muito mais. O artista queria ver com seus próprios olhos como se desenrolava o destino dos camponeses migrantes, grandes multidões que se deslocavam para o leste da Rússia, após a reforma realizada por P.A. Stolypin, na esperança de encontrar terras e uma vida melhor. Esta longa viagem pelas províncias de Moscou, Ryazan, Vladimir, Samara, Orenburg e Voronezh começou na primavera de 1885. O resultado foi toda uma série de desenhos, esboços e pinturas sobre a vida dos imigrantes, entre eles o de maior sucesso em termos de pitoresco foi a pequena tela “Reassentado em uma Carruagem”. A pintura apareceu em uma exposição estudantil em 1886 e foi comprada por V.D. Polenov, que tratou o aspirante a pintor com grande atenção e cuidado. É preciso dizer que Ivanov, também ao longo de sua vida, sentiu uma afeição amigável por Polenov. Na década de 1880, era um convidado frequente em sua casa, participando, entre outros jovens, das noites de desenho de Polenov. “Mulher extraviada em uma carruagem”, próxima de um esboço em seu frescor de percepção, foi pintada ao ar livre, não sem a influência de Polenov, um mestre da pintura ao ar livre. A obra impressionou pela vitalidade da cena, pela luz solar intensa e pela imagem habilmente capturada de uma velha sentada em uma carruagem. Pouco depois surgiram outros esboços e obras concluídas, entre elas: “Deslocados. Solitário", "Na estrada. Morte de um migrante." Neles, o tema da vida camponesa sem esperança é levado ao máximo grau de ênfase social e soa tão poderoso quanto em melhores trabalhos Itinerantes Pintura “Na estrada. Morte de um Migrante" foi aceito para a XVII exposição itinerante, realizada em 1889.

Além das habilidades artísticas, Ivanov tinha uma mente científica. Durante suas viagens, sempre produziu interessantes esboços etnográficos, arquitetônicos, cotidianos e descrições científicas. No verão de 1886, na província de Samara, ele encontrou cemitérios da Idade da Pedra e ficou seriamente interessado neles. Com o tempo, ele colecionou uma interessante coleção paleontológica, parte da qual foi doada a V.D. Polenov e alojada na propriedade Borok. Os interesses científicos e artísticos levaram Ivanov a levar a fotografia a sério. Muitas fotografias tiradas durante a viagem foram então utilizadas no trabalho de pinturas históricas. O artista era membro titular da Sociedade Russa de Mineração Fotográfica e Geográfica.

S.V. Ivanov viajou muito. No verão de 1888, por sua iniciativa, foi organizada uma viagem conjunta ao longo do Volga com A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov e E.M. Muitos desenhos e esboços foram preservados desta viagem. Em agosto do mesmo ano, Ivanov fez uma expedição ao Cáucaso, com o objetivo de visitar áreas pouco conhecidas e chegar aos picos do Grande e do Pequeno Ararat. O livro dos membros da expedição E.P. Kovalevsky e E.S Markov “On the Ararat Mountains”, publicado em 1889, contém numerosos desenhos de S. Ivanov. Em 1896 ele acabou em Feodosia e depois viajou pelo Daguestão. Em 1898 ele fez uma viagem pela província de Vyatka, depois seguiu para as estepes Kalmyk e Quirguistão e para o Lago Baskunchak. Em 1899 e 1901 foi novamente atraído para o Volga. Em 1894, ele se viu na Europa, visitando Paris, Viena, Veneza, Milão e Gênova, mas as antigas cidades russas eram mais caras para ele - Rostov, Yaroslavl, Vologda, Zaraysk, que visitou mais de uma vez.

A partir de 1889, o artista ficou vários anos cativado pelo tema dos presos. Tendo recebido permissão oficial para visitar as prisões, Ivanov passa quase todo o seu tempo nas prisões, desenhando os que estão lá. Numerosos esboços representando rostos severos e cabeças raspadas contam essa história. Em 1891, durante um mês, ele visitou diariamente a prisão transitória de Saratov. Depois, tendo-se mudado para Atkarsk, onde também eram mantidos prisioneiros, instalou-se numa casa em frente à prisão e pintou os quadros “Palco” e “Tártaro em Oração”. Este último retrata um muçulmano de pé, de pé, com manto e solidéu de prisioneiro, realizando sua oração noturna.

Mesmo enquanto trabalhava em uma série de ilustrações para a edição de dois volumes de M.Yu Lermontov, realizada por P.P. Konchalovsky na editora Kushnerev, ele continuou sua “série de prisioneiros”. Das quinze ilustrações, quase todas estão, de uma forma ou de outra, relacionadas com este tema. Ilustrando os poemas: “Desejo”, “Prisioneiro”, “Vizinho”, ele não procurou transmitir o caráter romântico da poesia de Lermontov, mas os interpretou de forma literal e confiável, usando a natureza e os esboços que foram feitos na prisão de Makaryev.

Em 1894, querendo adquirir novas impressões, bem como renovar sua arte, que, em sua opinião, havia chegado a um beco sem saída, S.V. Ivanov e sua esposa fizeram uma viagem à Europa. O artista pretendia passar um ano inteiro na França, morando em Paris, mas as impressões que recebeu desta cidade e o estado da arte moderna ocidental o decepcionaram profundamente. Ele escreveu ao artista A.A Kiselev sobre esta viagem: “Está tudo bem na Rússia agora. Embora só esteja aqui em Paris há um mês, estou começando a ficar triste – não há espaço. Vi Salões e outras exposições, e não me deram o que eu esperava aqui, de 3.000 coisas, só encontrei 100 nas quais pude me debruçar... a falta de vida é impressionante.” Em outra carta ao mesmo destinatário, ele afirma com tristeza: “não há nada de bom aqui agora e não adianta vir aqui estudar”. Três meses depois, os Ivanov retornaram a Moscou.

No entanto, esta viagem não foi em vão; o elevado sentimento de amor pela pátria que surgiu na Europa e na pintura francesa moderna, por mais negativo que o pintor o percebesse, reflectiu-se na sua obra. A partir de 1895, começou a trabalhar no gênero histórico, e seu estilo de escrita tornou-se visivelmente liberado. O estudo da “História do Estado Russo” de N.M. Karamzin também contribuiu muito para sua paixão pela história.

O primeiro assunto que interessou ao artista foi relacionado à história dos tempos conturbados. Uma grande tela chamada “Os Problemas” foi pintada em 1897, na antiga cidade de Zaraysk. Na foto, uma multidão furiosa apareceu em poses expressivas, realizando seu cruel julgamento contra Grishka Otrepyev. Ao trabalhar nela, o artista procurou recriar a época com a maior precisão possível, retratando na obra trajes autênticos e armas antigas: escudos, sabres, machados, que já havia esboçado no Museu Hermitage. No bazar de Novgorod, ele conseguiu comprar várias coisas antigas, e obras históricas que estudou cuidadosamente também ajudaram: “O Conto de Massa e Herkman sobre o Tempo das Perturbações na Rússia” e “Contos de Contemporâneos sobre Demétrio, o Pretendente”. Porém, apesar da execução cuidadosa, esta obra, como esperava Ivanov, não foi aceita para nenhuma exposição.

Mas o próximo é “Na floresta”. Em memória de Stefan de Perm e outros iluministas de estrangeiros”, na qual ele encontrou uma forma composicional de sucesso para transmitir a profunda ideia cristã de iluminar tribos pagãs, foi levado à Exposição Itinerante de 1899, ao mesmo tempo em que ele tornou-se membro titular da Associação dos Itinerantes.

Durante esses mesmos anos, Ivanov trabalhou paralelamente em ilustrações para as obras de A.S. Pushkin, publicadas em 1898-1899 pela editora Kushnerev. Ele foi atraído pela oportunidade da história “ A filha do capitão" e "Canções sobre o profético Oleg", que ele escolheu para ilustrar, refletem a história russa. O artista estava especialmente interessado na imagem de Emelyan Pugachev. Ele pintou vários retratos para ele, incluindo seu “Autorretrato com Chapéu”, chamado de Irritado. Mas a melhor ilustração foi aquela que representava o Príncipe Oleg e o mágico.

Em 1901, S.V. Ivanov causou grande surpresa ao mostrar sua nova criação em uma exposição para 36 pessoas - o quadro “A Chegada de Estrangeiros. Século XVII”, que P.M. Tretyakov comprou imediatamente antes da abertura da exposição. Parecia que esta pintura, assim como a próxima - “Czar. Século XVI" foi escrito por outro autor. A liberdade composicional sem precedentes e o uso de cores vivas, quase locais, tornaram a pintura incomum e decorativa. Enormes nevascas fofas, pequenas casas de toras, igrejas pintadas com muito sentimento, transmitindo a sensação de ar gelado e conforto patriarcal, permitiram encher de poesia uma cena do passado e dar-lhe realidade. São muito expressivas as figuras e os rostos emoldurados de um velho com um longo casaco de pele e um grande maço de bagels na mão e de uma jovem que ele tem pressa em levar. O escritor e publicitário G.A. Machtet, parabenizando o artista por esta pintura, escreveu: “Como o gênio colossal de Viktor Vasnetsov, mergulhando no elevado épico nativo, nos dá isso em imagens, recriando as ideias do povo, seus conceitos, seus “beleza”, ensinando-nos a entender “a alma do povo” - então em sua pintura “A Chegada dos Convidados” você recria para nós nosso passado e distante... Eu respirei aquela Moscou selvagem - não conseguia tirar os olhos disso bárbaro severo, afastando o estúpido e tímido Fedora do “olho” do inimigo.

Em 1903, Ivanov visitou a vila de Svistukha, distrito de Dmitrov, província de Moscou, e foi imediatamente cativado pelo lugar tranquilo e pitoresco às margens do rio Yakhroma. Ele morou aqui nos últimos sete anos, construindo uma pequena casa e uma oficina de acordo com seu projeto. Aqui ele pintou uma de suas melhores pinturas, “Família”. Está pintado sobre uma grande tela, o que certamente indica a importância que o artista atribuía à sua obra. Ele retrata uma fila de pessoas caminhando pela neve fofa por toda a vila com especial solenidade e grandeza. A tela é executada de forma livre e empastada, utilizando uma paleta de cores vivas, dominada pelos tons de branco, amarelo, vermelho e azul. Surpreende com sua atitude otimista e de afirmação da vida. A paisagem desempenhou um papel importante na revelação da estrutura emocional da obra. Ele realmente se transformou em um dos personagens principais. Ivanov pintou a natureza, bem como esboços de camponeses, ao ar livre no inverno, construindo para esse fim uma oficina aquecida em um trenó.

Em 1903, S.V. Ivanov teve um papel importante na criação da associação criativa “União dos Artistas Russos”. Em grande medida, surgiu devido às suas qualidades organizacionais e ao seu caráter combativo e decisivo. Imediatamente após o aparecimento da “União”, o artista deixou a Associação de Exposições de Arte Itinerantes e até ao fim da sua vida expôs apenas aqui. O caráter apaixonado de Ivanov, que literalmente “o jogou nas barricadas”, foi notado por todos que o conheciam. Durante a revolução de 1905, ele não só demonstrou simpatia pelos rebeldes, mas, como V.A. Serov, criou muitos trabalhos gráficos e pictóricos sobre o tema, incluindo a pintura “Execução”.

Uma descrição interessante de S.V. Ivanov, ainda estudante da escola, foi dada por M.V. Ele escreveu: “Ele parecia um estudante rebelde, esfarrapado, pernas longas, cabeça encaracolada. Uma pessoa quente e apaixonada, com paixões sinceras e apaixonadas. Ele sempre ajudou o discurso com seu gesto deliberadamente apaixonado. Direto, impecavelmente honesto e tudo nele era atraente... Ivanov, aparentemente severo, muitas vezes mostrava seu entusiasmo e energia juvenil, contagiando os outros. Ele adorava ser guia de cavalos em empreendimentos, mas se algum empreendimento falhasse, ele ficava desanimado. Às vezes, seus camaradas riam dele por isso. A natureza rebelde do “incendiário infernal”... Ardente e quente, ele às vezes dava a impressão de uma pessoa dura, até mesmo despótica, mas por baixo disso escondia uma natureza muito profunda e suave.” Este é lindo retrato verbal complementa a visual, realizada em 1903 pelo artista I.E Braz. Dele, o olhar de um homem olha com grande tristeza e tensão para este mundo difícil.
S.V. Ivanov morreu repentinamente de coração partido em 16 de agosto de 1910 na vila de Svistukha, onde viveu tranquilamente nos últimos anos.

Artista de talento brilhante, Ivanov nasceu em Ruza, província de Moscou, na família de um oficial. Ele estudou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1878-1882, 1884-1885) com I.M. Pryanishnikov e na Academia de Artes de São Petersburgo.

Desde o início, o foco de seus trabalhos é bastante óbvio: a história da Rússia no passado e no presente. A primeira foto “Na estrada. Morte de um Migrante" (1889), que trouxe fama ao artista, foi escrito no estilo das primeiras obras dos Wanderers, mas a atitude em relação ao que estava acontecendo era diferente. A morte do ganha-pão, a solidão de uma família órfã é enfatizada pela paisagem desértica da estepe arrasada. Na pintura, o artista utilizou ativamente meios artísticos de composição. Dando continuidade às tradições, Ivanov buscou uma arte agudamente dramática, transmitindo com sensibilidade a “batida da alma humana”, que foi incorporada em pinturas sobre a vida dos camponeses (“Ao proprietário de terras com um pedido”, 1885) e temas “prisioneiros” (“ Palco”, 1892).

A busca de Ivanov por novas soluções composicionais e de cores - ângulos inesperados, decoratividade de manchas de cores planas - levou o artista a participar da criação do Sindicato dos Artistas Russos.

Em 1900, a influência do impressionismo tornou-se cada vez mais perceptível na obra de S. Ivanov. Transmissão ambiente de ar leve destaca os principais objetos das composições. As obras do artista caracterizam-se por uma interpretação lacônica e contundente das imagens.

Desde o final da década de 1890, o artista trabalhou principalmente em pinturas do passado russo. No passado da Rússia, o artista foi atraído principalmente por momentos dramáticos agudos, pela força dos personagens folclóricos russos (“Campanha dos Moscovitas. Século 16”, 1903) e pela beleza da vida antiga (“Família”, 1910). As obras de Ivanov sobre a vida dos boiardos em ascensão estavam imbuídas de ironia maligna, demonstrando raízes históricas fenômenos como filistinismo denso e presunção de alto escalão. Em 1902, na exposição “União 36”, Ivanov apresentou a pintura “Czar. Século XVI." É um dia de inverno, um cortejo cerimonial se move ao longo de uma rua de Moscou, à frente da qual marcham solenemente gridni (guardas) em caftans vermelhos. Num cavalo magnificamente decorado, com roupas ricas, cavalga um rei, gordo e desajeitado, com o lábio pomposo levantado. Mas os Lyuli, enterrados na neve num acesso de sentimento subserviente, não conseguem apreciar a “grandeza do momento”. Utilizando a técnica da “composição calorificada”, o artista aproximou a imagem o mais possível do espectador, como se criasse o “efeito de presença” em seu interior. Esta obra distingue-se pelo seu esquema de cores vivas, soluções de silhueta expressivas e pintura livre.

Em busca de uma nova linguagem pictórica, Ivanov tornou-se um inovador do gênero histórico: suas telas lembravam quadros de filmes congelados, cativando o espectador com seu ritmo dinâmico (“A Chegada de Estrangeiros a Moscou no Século XVII”, 1901). A última obra do artista foi um ciclo sobre os acontecimentos de 1905 (“Execução”).

Lona, óleo. 71x122cm
Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

A vida na aldeia russa pós-reforma era difícil. A crescente falta de terras do campesinato, as frequentes quebras de colheitas e a mão inexorável da fome forçaram os residentes de muitas províncias russas a abandonar a sua casa miserável mas familiar. “Como um dragão de conto de fadas, a necessidade segurou as massas em suas garras, empurrou-as, cambaleou, derrubou-as e estrangulou-as”, observou o escritor realista N. Teleshov, um escritor da vida cotidiana na aldeia. Perseguidos pela pobreza, pela ilegalidade e pela arbitrariedade, os camponeses foram para a cidade ganhar dinheiro. Muitos correram para novas terras, na maioria das vezes para a Sibéria, para encontrar a salvação da fome e da miséria em suas vastas extensões. Os colonos, sobrecarregados com pertences lamentáveis, aldeias inteiras surgiram de suas casas onde seus pais, avós e bisavôs viveram durante séculos, e em longas filas se estendiam ao longo das estradas empoeiradas da Rússia desde Kursk, Tambov, Penza, Yaroslavl e Chernigov. províncias. Poucos sobreviveram à difícil jornada. Doenças, fome e frio, a arbitrariedade dos funcionários czaristas, a total indefesa - foi isso que passou a ser o seu destino. A morte destruiu impiedosamente as fileiras cada vez menores de colonos. Muitas vezes, depois de gastar todo o dinheiro na estrada, voltavam, e quem chegava ao local enfrentava a mesma pobreza e as mesmas ordens e funcionários que na sua terra natal.

A chamada questão do reassentamento preocupou muitos representantes da cultura e da arte russa avançada naqueles anos. Mesmo V. G. Perov, o fundador do realismo crítico, não ignorou este tópico. Por exemplo, seu desenho “Morte de um Migrante” é famoso.
Os colonos causaram uma impressão dolorosa em A.P. Chekhov, que viajou por toda a Sibéria na estrada para Sakhalin em 1890. Sob a influência de conversas com Chekhov, ele viajou ao longo do Volga e Kama, até os Urais, e de lá para a Sibéria e N. Teleshov. “Além dos Urais, vi a vida cansativa dos nossos colonos”, lembrou ele, “as dificuldades e os fardos quase fabulosos da vida camponesa do povo”. Uma série de histórias de Teleshov retratando o destino dessas pessoas é a analogia mais próxima da pintura de Sergei Vasilyevich Ivanov “On the Road. Morte de um migrante."

Ivanov passou boa metade de sua vida viajando pela Rússia, conhecendo com cuidado e grande interesse a vida dos trabalhadores multifacetados. Nessas andanças incessantes, conheceu a vida dos colonos. “Ele caminhou com eles por muitas dezenas de quilômetros na poeira das estradas, sob a chuva, o mau tempo e o sol escaldante nas estepes”, dizem os amigos de Ivanov, “ele passou muitas noites com eles, enchendo seus álbuns com desenhos e notas, muitas cenas trágicas passaram diante de seus olhos.” Impotente para ajudar estas pessoas, o artista pensou com dor na tragédia incomensurável da sua situação e no engano dos seus sonhos de “felicidade”, que não estavam destinados a encontrar nas condições da Rússia czarista.

No final da década de 1880, Ivanov concebeu uma grande série de pinturas, contando consistentemente sobre a vida dos colonos. Na primeira foto - “Rus is Coming” - o artista quis mostrar o início de sua jornada, quando as pessoas ainda estavam vigorosas, saudáveis e plenas esperanças brilhantes. Os filmes seguintes deveriam apresentar ao espectador as dificuldades do caminho e as primeiras adversidades. A série deveria terminar com cenas dramáticas de sofrimento e morte trágica dos colonos. No entanto, apenas alguns elos deste ciclo foram concluídos pelo artista. Ivanov encarnado em imagens artísticas apenas as impressões de vida mais características e impressas em sua consciência.

Uma das pinturas finais do ciclo é “On the Road. Death of a Migrant” é a obra mais poderosa da série planejada. Outras obras sobre este tema, criadas anteriormente e posteriormente por vários escritores e artistas, não revelaram tão profundamente e ao mesmo tempo tão simplesmente a tragédia dos colonos em toda a sua terrível verdade.

Estepe aquecida. Uma leve névoa obscurece a linha do horizonte. Esta terra desértica e queimada pelo sol parece ilimitada. Aqui está uma família de migrantes solitária. Aparentemente, o último extremo a forçou a parar neste lugar vazio, desprotegido dos raios escaldantes do sol. O chefe da família, o ganha-pão, morreu. O que aguarda as infelizes mãe e filha no futuro - esta é a pergunta que todos se fazem involuntariamente ao olhar a foto. E a resposta é clara. Pode ser lido na figura da mãe estendida no chão. A mulher angustiada não tem palavras nem lágrimas. Num desespero silencioso, ela raspa a terra seca com os dedos tortos. Lemos a mesma resposta no rosto confuso e enegrecido da menina, como um carvão apagado, nos olhos congelados de horror, em toda a sua figura entorpecida e emaciada. Não há esperança de ajuda!

Mas recentemente, a vida brilhava em uma pequena casa de transporte. O fogo crepitava, um escasso jantar estava sendo preparado e a anfitriã estava ocupada perto do fogo. Toda a família sonhava que em algum lugar distante, em uma terra desconhecida e abençoada, em breve começaria uma vida nova e feliz para ela.

Agora tudo estava desmoronando. O trabalhador principal morreu e, aparentemente, o cavalo exausto também morreu. A gola e o arco não são mais necessários: são jogados descuidadamente perto do carrinho. O fogo da lareira apagou-se. Uma concha virada, as varas nuas de um tripé vazio, as hastes vazias estendidas como braços, numa angústia silenciosa - como tudo isso é desesperadamente triste e trágico!
Ivanov procurou deliberadamente essa impressão. Como Perov em “Vendo os Mortos”, ele confinou sua dor a um estreito círculo familiar, abandonando as figuras de mulheres simpáticas que estavam no esboço preliminar da pintura. Querendo enfatizar ainda mais a desgraça dos colonos, o artista decidiu não incluir o cavalo, que também estava no desenho, na foto.

O poder da pintura de Ivanov não termina com a representação verdadeira de um momento específico. Esta obra representa uma imagem típica da vida camponesa na Rússia pós-reforma. É por isso que foi recebida com a cruel blasfêmia dos críticos reacionários, que afirmavam que a morte dos colonos no caminho era um fenômeno acidental e de forma alguma típico, e que o conteúdo da pintura foi inventado pelo artista dentro das paredes de sua oficina. Ivanov não foi detido pelos ataques violentos dos inimigos da arte avançada e da verdade da vida. Seu trabalho foi apenas um dos primeiros resultados do estudo profundo do artista sobre a verdade social da vida russa contemporânea. Seguiram-se muitas outras obras significativas, nas quais foi expresso não só o sofrimento do povo, mas também o furioso protesto que fermentava entre as massas contra a opressão dos exploradores.

Às vezes você tem que discutir com vários tipos de monarquistas que amaldiçoam os bolcheviques russos por terem derrubado o czar (coisa estranha, eu sei que o próprio czar abdicou do trono durante a revolução burguesa de fevereiro) e destruíram a vida camponesa feliz ao unir as fazendas camponesas em as fazendas coletivas mecanizadas (as mesmas fazendas coletivas que alimentaram o país de frente em frente durante a guerra).

Eles continuam a resistir quando lhes contamos sobre a ilegalidade e a pobreza em que os czares alemães e a sua comitiva liberal-maçónica mergulharam os camponeses, sobre a fome regular na Rússia czarista, que, devido às condições climáticas e ao baixo desenvolvimento das forças produtivas dos aldeões (a força de tração dos animais, dos arados, do trabalho manual) se repetia a cada 11 anos, e que o bolchevismo russo como movimento insurrecional popular foi gerado por razões objetivas. Dizem que isto é desinformação e propaganda de “Sovietes petrificados”.

Não quero discutir agora as deficiências e méritos dos movimentos “branco” e “vermelho”... Esta é uma conversa separada e difícil para um patriota russo. Eu queria ir até a virada do século XIX e observar a vida de um simples camponês russo através dos olhos de uma testemunha ocular.

Felizmente, documentos objetivos daquela época foram preservados até hoje - são pinturas de nossos famosos artistas itinerantes russos, dos quais é difícil suspeitar que simpatizem com o poder soviético ou o socialismo.

É impossível desafiar a história da vida russa que capturaram.

Perov. "Beber chá em Mytishchi" 1862

Há um ano, a servidão foi abolida. Aparentemente esses mendigos são pai e filho. Pai em uma prótese. Ambos estão esfarrapados ao extremo. Eles vieram ao pai para pedir esmolas. Para onde mais eles deveriam ir?

A atitude deste Padre para com os convidados pode ser vista na foto. A empregada tenta expulsá-los.

Na foto o menino tem cerca de dez anos. A Revolução de Outubro ocorrerá em 55 anos. Ele terá então 65 anos. É improvável que viva para ver isso. Os camponeses morreram cedo. Bem, o que você pode fazer... Esta é uma vida feliz?

Perov. “Vendo embora o morto” 1865

E foi assim que os camponeses se enterraram. Gostaria de chamar a atenção dos monarquistas para os rostos felizes das crianças.

Faltam 52 anos para a Revolução Russa.

Vladimir Makovsky. "Pequenos Moedores de Órgãos" 1868

Esta é mais uma paisagem urbana. Crianças ganhando a vida. Dê uma olhada em seus rostos russos simples. Na minha opinião, não há necessidade de descrever sua condição. O menino tem de 9 a 10 anos, a menina de 5 a 6 anos. Faltam 49 anos para a Revolução Russa. Deus sabe que é improvável que sobrevivam.

Vladimir Makovsky “Visitando os Pobres” 1873

Esta não é mais uma vila, mas uma pequena cidade provinciana russa. A pintura retrata o interior do quarto de uma família pobre. Ainda não é um pesadelo completo. Eles têm um fogão e não são completamente impotentes. Eles simplesmente não sabem que são felizes porque vivem num estado autocrático.

A menina da foto tem cerca de 6 anos. A estratificação da sociedade começa a atingir níveis perigosos. Faltam 44 anos para a Revolução Russa. Ela viverá. Ele definitivamente viverá!

Ilya Repin “Barcaças no Volga” 1873

Sem comentários. Faltam 44 anos para a Revolução Russa.

Vasily Perov “Refeição no mosteiro” 1875

Uma humilde refeição para os servos de Deus.

A propósito, li na Internet um “historiador erudito” que a igreja demonstrava o máximo cuidado com seu rebanho.

A degradação da igreja como organização é óbvia. Faltam 42 anos para a Revolução Russa.

Vasily Perov. "Troika" 1880

Crianças pequenas, como uma força de tração, arrastando uma banheira com água. Faltam 37 anos para a Revolução Russa.

Vladimir Makovsky. "Encontro" 1883

O filho trabalha como aprendiz. Sua mãe veio visitá-lo e trouxe um presente para ele. Ela olha para o filho com compaixão. Lá fora é final de outono ou inverno (a mãe está vestida com roupas quentes). Mas o filho está descalço.

Faltam 34 anos para a Revolução Russa. Este menino deve viver.

Bogdanov Belsky. “Contagem oral” 1895

Preste atenção nas roupas e sapatos das simples crianças camponesas. E ainda assim eles podem ser chamados de sortudos. Eles estão estudando. E estudam não em escola paroquial, mas sim em escola normal. Eles tiveram sorte. 70% da população era analfabeta. Faltam 22 anos para a revolução.

Então eles terão cerca de 40 anos. E depois de 66 anos, os filhos desses caras desafiarão o estado mais poderoso do mundo - os Estados Unidos. Seus filhos lançarão um homem ao espaço e testarão uma bomba de hidrogênio. E as crianças, essas crianças já vão morar em apartamentos de dois ou três quartos. Não conhecerão o desemprego, a pobreza, o tifo, a tuberculose e cometerão o crime mais terrível - a destruição do estado socialista do seu povo, da Cortina de Ferro e da sua segurança social.

Os seus bisnetos irão tropeçar na confusão do liberalismo, registar-se nas bolsas de trabalho, perder apartamentos, lutar, enforcar-se, tornar-se bêbados e gradualmente aproximar-se de uma vida que pode ser descrita como “Tea Party em Mytishchi”.

O resultado da vida, que é exibido consistentemente nas fotos apresentadas acima, é a imagem:

Makovsky “9 de janeiro de 1905” 1905

Este é o Domingo Sangrento. Tiro em trabalhadores. Muitos russos morreram.

Alguém, olhando as fotos acima, argumentará que o protesto popular foi provocado pelos bolcheviques? É realmente possível levar uma pessoa feliz e satisfeita a uma manifestação de protesto? O que “branco” e “vermelho” têm a ver com isso? A divisão na sociedade foi causada por razões objetivas e se transformou em um protesto violento massivo. Pobreza, degradação de todos os ramos do governo, burguesia engordada, analfabetismo, doenças...

Qual deles precisava ser convencido, quem agitar?!..

O que Lenin e Stalin têm a ver com isso?.. A divisão e o colapso da sociedade tornaram-se tais que se tornou impossível governar este estado.

Nos últimos 20 anos, os liberais têm-nos dito na televisão que o Domingo Sangrento é um mito soviético. Não houve execução. E Pop Gapon era um cara normal. Bem, homens bêbados se reuniram na praça e fizeram barulho. A polícia veio com os cossacos. Eles dispararam para o ar. A multidão parou. Conversamos com os homens e... nos separamos.

Então o que fazer com a pintura de Makovsky, pintada em 1905? Acontece que a foto está mentindo, mas Posner, Svanidza e Novodvorskaya estão falando a verdade??

Ivanov Sergey Vasilievich. "Execução." 1905

Ivanov Sergey Vasilievich. "Motim na Vila" 1889

S. V. Ivanov. “Eles estão indo. Desapego punitivo." Entre 1905 e 1909

Repin. "Prisão do propagandista" 1880-1889.

N. A. Yaroshenko. "Vida em toda parte" 1888

Esta é uma excursão tão triste...

Ninguém tirou o poder de ninguém. A monarquia degenerou biologicamente, em condições de guerra foi incapaz de governar o país e rendeu a Rússia aos maçons ocidentalizados. Dois meses antes da captura de Winter, a Era Socialista, que fazia parte do Governo Provisório Maçónico, disse: “Não sentimos qualquer ameaça por parte dos Bolcheviques.” Mas os bolcheviques russos ainda tomaram o poder.

Como foi? Rússia real no início do século 20? Era um país agrário atrasado, com um sistema de governo primitivo, com um exército que não estava nada pronto para o combate, um povo russo analfabeto e escravizado, um sistema de classes podre e um czar alemão degenerado e de mente fraca, terrivelmente longe do pessoas trabalhando.

Onde em 1913 foram quebrados recordes de venda de pão no exterior, e o povo russo morria de fome.

Em 1917, era uma ruína destruída pela Primeira Guerra Mundial, com a indústria parada, os transportes parados, com um exército desertando e cidades morrendo de fome!

Este era um país muito pobre, onde havia 2 centrais eléctricas que forneciam electricidade à residência do rei e às suas casas de banho. Além disso, nesta porra de sistema de classes havia uma horda de funcionários, burocratas, proprietários de terras, capitalistas e outras escórias alemã-polonesa-francesa-judia, russofóbica liberal-maçônica, cientes da estreiteza de espírito do czar e usando-a no momento em que é necessário atirar em mais cem trabalhadores russos, então o trabalho daqueles que se rebelam contra todas essas condições desumanas!

E se a segunda Revolução Russa não tivesse acontecido, teríamos perdido coletivamente a oportunidade de voar para o espaço, e a vitória na Segunda Guerra Mundial, e a industrialização, e uma usina nuclear com veículos lunares e bombas termonucleares, e nossos pais teriam dificilmente viveram para ver seu nascimento.

A propósito, os exércitos da Guarda Branca cuspiram três vezes no czar, na monarquia e no capitalismo! E cuspiram cem vezes mais no povo trabalhador russo!

E se não fosse pelo ano 17 e não fosse pela vitória do exército operário e camponês russo (movimento insurgente russo), então a Rússia como Estado já teria deixado de existir e teria se tornado uma colônia da Entente e do Os Estados Unidos (que forneceram ao movimento branco tanques, armas, alimentos e dinheiro), dividiram-se nas repúblicas Siberiano-Urais, na República do Extremo Oriente, nos cossacos destruidores e em outros bandos de principados independentes e insignificantes que, se estivessem com Kolchak_Yude- nada_Wrangel, teria compartilhado o poder por mais 50 anos.
Kolchak pode ser um oficial russo com uma mistura de negros, mas era um cara tão maravilhoso que foi nomeado pela Inglaterra nada menos que o “governante supremo da Rússia” e, ao mesmo tempo, um residente inglês. Mas os camponeses de alguma forma não compreenderam a sua “bondade”. E decidiram que ele receberia merecidamente a bala.

E se não fosse pela revolução russa e pelos “maus” bolcheviques, que reuniram o país e a nação russa dos trapos até o ano 23 e o transformaram em um grande campo industrial militar, certamente estaríamos rastejando sobre os joelhos de Países ocidentais pelo direito à vida ao sol.

Data da morte: Um lugar de morte: Cidadania:

Império Russo

Gênero:

pinturas de histórias

Estilo: Influência: Funciona no Wikimedia Commons

Sergei Vasilievich Ivanov(4 (16) de junho, Ruza - 3 (16) de agosto, vila de Svistukha (hoje distrito de Dmitrovsky, região de Moscou)) - Pintor russo.

Biografia

primeiros anos

PARA último período O ensino inclui as pinturas “A Mulher Doente” (1884, local desconhecido), “Na Taverna” (1885, local desconhecido), “Ao proprietário com um pedido” (1885; local desconhecido), “Na prisão” (1884 -1885, Galeria Tretyakov), “ Agitador em uma carruagem" (1885, Centro Estadual de Ciências Sociais e Pesquisa). É nessa época que remonta o início dos trabalhos sobre o tema do reassentamento (ciclo 1885-1890).

Tema do reassentamento (1885-1890)

Já nos seus últimos anos, Sergei Ivanov recorreu a Problemas sociais. Em particular, sua atenção foi atraída para um fenômeno característico da aldeia russa do último quartel do século XIX: na segunda metade da década de 1880, começou o reassentamento na Sibéria. Após a reforma de 1861, surgiu a necessidade de resolver a questão fundiária. O governo viu uma solução na realocação de camponeses sem terra para esta região vasta e escassamente povoada. Só nas últimas décadas do século XIX, vários milhões de camponeses deixaram as suas parcelas insignificantes e as suas cabanas miseráveis e foram em busca de “terras férteis”. Sozinho, com esposas e filhos, em pequenas festas, levando consigo seus pertences frágeis, a pé e em carroças, e se tiver sorte, então por estrada de ferro, eles correram, inspirados pelos sonhos utópicos de “Belovodye” ou “Arapia Branca”, para provações difíceis e, na maioria das vezes, severas decepções. A tragédia dos camponeses sem terra deixando seus lugares de origem, das províncias centrais às periferias do país - até a Sibéria e morrendo às centenas ao longo do caminho - esta é a ideia principal da série de pinturas de Ivanov. Ele capturou cenas da vida camponesa em pinturas coloridas deliberadamente monótonas e “lutosas” sobre imigrantes.

Tendo solicitado à Sociedade de Arte de Moscou um certificado para “viagem e residência” em várias províncias, de Moscou a Orenburg, Ivanov se desfez da escola sem sequer receber um certificado para o título de professor de arte. A partir de então, Ivanov tornou-se uma espécie de cronista de um fenômeno trágico na vida do campesinato russo pós-reforma.

O crítico de arte Sergei Glagol (pseudônimo de S.S. Goloushev) fala sobre este período da vida e obra de Ivanov:

“... Ele caminhou dezenas de quilômetros com os colonos na poeira das estradas russas, sob a chuva, o mau tempo e o sol escaldante nas estepes, passou muitas noites com eles, enchendo seu álbum de desenhos e notas, muitas cenas trágicas passaram antes seus olhos e uma série de pinturas que são verdadeiramente capazes de retratar a epopéia das migrações russas.”

As pinturas e desenhos de Ivanov retratam cenas horríveis da vida no reassentamento. Esperança e desespero, doença e morte ao lado de pessoas que vagam pelas extensões da Rússia - “Pessoas deslocadas. Walkers" (Museu de Arte do Estado de Bashkir em homenagem a M. V. Nesterov), "Migrantes Reversos" (1888, Galeria Nacional da República Komi) e a primeira pintura séria do artista "On the Road. A Morte de um Migrante” (Galeria Tretyakov), que trouxe fama ao jovem artista.

A próxima seção do épico social de Ivanov foi a “série de prisioneiros”. O trabalho nesta área por vezes coincidiu com o “ciclo de reassentamento”; Ao mesmo tempo, o artista criou: “Fugitivo”, esboço (1886, Galeria Tretyakov), “Revolta na Aldeia” (Centro Estadual de Inspeção Social Internacional), “Despacho de Prisioneiros” (Centro Estadual de Desenvolvimento Internacional), “ Vagabundo” (local desconhecido). A pintura “Palco” (a pintura foi perdida, a versão no Museu de Arte do Estado de Saratov em homenagem a A.N. Radishchev) parece resumir a “série de prisioneiros”.

Na virada de 1889-1890, Sergei Ivanov, junto com Serov, Levitan, Korovin, era um líder reconhecido entre os artistas moscovitas da geração mais jovem. Ao mesmo tempo, ele participou das “noites de desenho” de Polenov, organizadas por V.D. Polenov e sua esposa, e encontrou apoio e aprovação ali.

Período de obras históricas

A partir de meados da década de 90 inicia-se um novo período na obra do artista, associado à criação de obras históricas. A pintura histórica de Ivanov possui características que a tornam semelhante à arte de Surikov e Ryabushkin. O pintor compreende o estado das massas excitadas em momentos dramáticos agudos (“The Troubles”, I. I. Brodsky Apartment Museum); “De acordo com o veredicto do veche”, coleção particular), ele se sente atraído pela força dos personagens folclóricos russos e, como Ryabushkin, encontra beleza nos fenômenos da vida popular, afirma a compreensão dessa beleza pelo povo russo. Ivanov capta com sensibilidade a busca pictórica do tempo; as suas obras destes anos adquirem uma sonoridade colorística especial.

No entanto, a busca por outros temas e formas de expressar o estado interno continuou. Ivanov, insatisfeito (em suas palavras) com as “cenas fofas” que prevaleciam no gênero cotidiano dos Itinerantes, buscou uma arte acentuadamente dramática, transmitindo com sensibilidade a “batida da alma humana”. Gradualmente, talvez sob a influência do trabalho ao ar livre, mudou seu desenho e paleta. Isso aconteceu durante os anos de criação do Sindicato dos Artistas Russos, no qual Ivanov desempenhou um certo papel. O artista voltou-se para o gênero histórico, pintou retratos de seus entes queridos e ilustrou livros. Ele permaneceu um artista realista, apesar dos próximos tempos de busca, modernismo e rejeição da arte-objeto.

Ivanov atuou como um inovador do gênero histórico, compondo episódios da Idade Média russa - no espírito do estilo Art Nouveau - quase como quadros de filmes, cativando o espectador com seu ritmo dinâmico, o “efeito de presença” (A Chegada de Estrangeiros em Moscou no século XVII); "Czar. Século XVI" (1902), Campanha dos Moscovitas. Século XVI, 1903). Neles, o artista lançou um novo olhar sobre o passado histórico de sua terra natal, retratando não momentos heróicos de acontecimentos, mas cenas da vida cotidiana da antiga vida russa. Algumas imagens são escritas com um toque de ironia e grotesco.

Anos revolucionários - últimos anos

Mais tarde, o artista trabalha no quadro “Eles vão! Destacamento punitivo" (-, Galeria Tretyakov).

Lecionou na Escola de Arte e Indústria Stroganov (1899-1906), na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1900/1903-1910).

Participou de exposições da Sociedade de Amantes da Arte de Moscou (1887, 1889, 1894), da Associação de Itinerantes (1887-1901), “36 Artistas” (1901, 1902), “Mundo da Arte” (1903), e a União dos Artistas Russos (1903-1910).

Trabalhou frutuosamente como mestre de água-forte e litografia, bem como ilustrador de obras de N.V. Gogol, M.Yu. Lermontov, A.S. Pushkina e outros.

Ivanov morreu aos 46 anos de ataque cardíaco no dia 3 (16) de agosto em sua dacha no vilarejo de Svistukha, às margens do rio Yakhroma.

Galeria

Literatura

"1989. Cem datas memoráveis». Calendário de arte. Publicação anual ilustrada. M. 1988. Artigo de V. Petrov.

A. F. Dmitrienko, E. V. Kuznetsova, O. F. Petrova, N. A. Fedorova. "50 biografias curtas mestres da arte russa." Leningrado, 1971. Artigo de A. F. Dmitrienko.

Nos seus últimos anos na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscovo, Sergei Ivanov aborda problemas sociais prementes. Em particular, sua atenção foi atraída para um fenômeno característico da aldeia russa do último quartel do século XIX: na segunda metade da década de 1880, começou o reassentamento na Sibéria.

Na imagem: “Deslocados. Caminhantes." 1886.

Após a reforma de 1861, surgiu a necessidade de resolver a questão fundiária. O governo viu uma solução na realocação de camponeses sem terra para esta região vasta e escassamente povoada. Só nas últimas décadas do século XIX, vários milhões de camponeses deixaram as suas parcelas insignificantes e as suas cabanas miseráveis e foram em busca de “terras férteis”.

Na imagem: “Mulher extraviada em uma carruagem”, 1886.

Sozinhos, com suas esposas e filhos, em pequenas festas, levando consigo seus frágeis pertences, a pé e em carroças, e se tivessem sorte, então de trem, corriam, inspirados nos sonhos utópicos de “Belovodye” ou “Arapia Branca”. ”, rumo a provações difíceis e, na maioria das vezes, a decepções severas. A tragédia dos camponeses sem terra que abandonam os seus lugares de origem, das províncias centrais às periferias do país - até à Sibéria e morrem às centenas ao longo do caminho - é a ideia principal da série de pinturas de Ivanov. Ele capturou cenas da vida camponesa em pinturas coloridas deliberadamente monótonas e “lutosas” sobre imigrantes.

Na imagem: “Na estrada. Morte de um migrante." 1889.

Em meados da década de 1890, inicia-se um novo período na obra do artista, associado à criação de obras históricas. A pintura histórica de Ivanov possui características que a tornam semelhante à arte de Surikov e Ryabushkin. O pintor compreende o estado das massas excitadas em momentos dramáticos agudos (“The Troubles”, 1897, I. I. Brodsky Apartment Museum); “De acordo com o veredicto da noite”, 1896, coleção particular), ele é atraído pela força dos personagens folclóricos russos e, como Ryabushkin, encontra beleza nos fenômenos da vida popular, afirma a compreensão dessa beleza pelo povo russo . Ivanov capta com sensibilidade a busca pictórica do tempo; as suas obras destes anos adquirem uma sonoridade colorística especial.

Na imagem: "Time of Troubles" (acampamento de Tushino)

Ivanov foi um inovador do gênero histórico, compondo episódios da Idade Média russa - no espírito do estilo Art Nouveau - quase como stills de filmes, cativando o espectador com seu ritmo dinâmico, o “efeito de presença” (A Chegada de Estrangeiros em Moscou no século XVII, 1901); "Czar. Século XVI" (1902), Campanha dos Moscovitas. Século XVI, 1903). Neles, o artista lançou um novo olhar sobre o passado histórico de sua terra natal, retratando não momentos heróicos de acontecimentos, mas cenas da vida cotidiana da antiga vida russa. Algumas imagens são escritas com um toque de ironia e grotesco. Em 1908-13 completou 18 obras para o projeto “Pinturas sobre a História Russa”.

Na imagem: “Dia de São Jorge”. 1908

Na imagem: “Campanha do Exército de Moscou Rus'”, século XVI, pintura de 1903.

Na imagem: “Revisão do pessoal de serviço”, o mais tardar em 1907

As características peculiares do “proto-expressionismo” nervoso apareceram com particular força em suas imagens da primeira revolução russa, inclusive na famosa pintura “Execução” (1905, Museu Histórico e Revolucionário “Krasnaya Presnya”, uma filial do Centro Estatal de Ciências Históricas e Sociais), que atingiu os seus contemporâneos com o som penetrantemente desesperado de protesto.

Durante o levante armado de 1905 em Moscou, ele foi testemunha e participante - prestou assistência a estudantes feridos em batalhas de rua no prédio da Universidade de Moscou, na rua Mokhovaya. Seus desenhos de gendarmes e cossacos, que durante a revolta foram alojados em Manege, perto do Kremlin, foram preservados.

Mais tarde, o artista trabalha no quadro “Eles vão! Destacamento punitivo" (1905-1909, Galeria Tretyakov).

Na imagem: Eles estão vindo! Esquadrão punitivo.

Na foto: Família, 1907

Na imagem: Chegada do governador

Na imagem: Alemão, 1910

Imagem: Motim na aldeia, 1889

Na imagem: Na prisão. 1884

Na imagem: Chegada de estrangeiros. século 17 1901

Na imagem: escravos Boyar. 1909

É impossível desafiar a história da vida russa que capturaram.

Perov. "Beber chá em Mytishchi" 1862

A atitude deste Padre para com os convidados pode ser vista na foto. A empregada tenta expulsá-los.

Perov. “Vendo embora o morto” 1865

E foi assim que os camponeses se enterraram. Gostaria de chamar a atenção dos monarquistas para os rostos felizes das crianças.

Faltam 52 anos para a Revolução Russa.

Vladimir Makovsky. "Pequenos Moedores de Órgãos" 1868

Vladimir Makovsky “Visitando os Pobres” 1873

A menina da foto tem cerca de 6 anos. A estratificação da sociedade começa a atingir níveis perigosos. Faltam 44 anos para a Revolução Russa. Ela viverá. Ele definitivamente viverá!

Ilya Repin “Barcaças no Volga” 1873

Sem comentários. Faltam 44 anos para a Revolução Russa.

Vasily Perov “Refeição no mosteiro” 1875

Uma humilde refeição para os servos de Deus.

A propósito, li na Internet um “historiador erudito” que a igreja demonstrava o máximo cuidado com seu rebanho.

A degradação da igreja como organização é óbvia. Faltam 42 anos para a Revolução Russa.

Vasily Perov. "Troika" 1880

Crianças pequenas, como uma força de tração, arrastando uma banheira com água. Faltam 37 anos para a Revolução Russa.

Vladimir Makovsky. "Encontro" 1883

Faltam 34 anos para a Revolução Russa. Este menino deve viver.

Bogdanov Belsky. “Contagem oral” 1895

O resultado da vida, que é exibido consistentemente nas fotos apresentadas acima, é a imagem:

Makovsky “9 de janeiro de 1905” 1905

Este é o Domingo Sangrento. Tiro em trabalhadores. Muitos russos morreram.

Qual deles precisava ser convencido, quem agitar?!..

O que Lenin e Stalin têm a ver com isso?.. A divisão e o colapso da sociedade tornaram-se tais que se tornou impossível governar este estado.

Então o que fazer com a pintura de Makovsky, pintada em 1905? Acontece que a foto está mentindo, mas Posner, Svanidza e Novodvorskaya estão falando a verdade??

Ivanov Sergey Vasilievich. "Execução." 1905

Ivanov Sergey Vasilievich. "Motim na Vila" 1889

S. V. Ivanov. “Eles estão indo. Desapego punitivo." Entre 1905 e 1909

Repin. "Prisão do propagandista" 1880-1889.

N. A. Yaroshenko. "Vida em toda parte" 1888

Esta é uma excursão tão triste...

Como era a Rússia czarista no início do século XX? Era um país agrário atrasado, com um sistema de governo primitivo, com um exército que não estava nada pronto para o combate, um povo russo analfabeto e escravizado, um sistema de classes podre e um czar alemão degenerado e de mente fraca, terrivelmente longe do pessoas trabalhando.

Onde em 1913 foram quebrados recordes de venda de pão no exterior, e o povo russo morria de fome.

Em 1917, era uma ruína destruída pela Primeira Guerra Mundial, com a indústria parada, os transportes parados, com um exército desertando e cidades morrendo de fome!

A propósito, os exércitos da Guarda Branca cuspiram três vezes no czar, na monarquia e no capitalismo! E cuspiram cem vezes mais no povo trabalhador russo!

Comecemos pelos motivos da mudança para a Sibéria. A principal razão para o reassentamento na era pós-reforma é económica. Os camponeses acreditavam que na Sibéria viveriam melhor do que na sua terra natal, porque na sua terra natal todas as terras adequadas já estavam aradas, a população crescia rapidamente (1,7-2% ao ano) e a quantidade de terra por pessoa estava diminuindo correspondentemente, enquanto na Sibéria a oferta de terras adequadas para o cultivo é quase infinita. Onde rumores de uma vida rica na Sibéria se espalharam entre os camponeses, surgiu um desejo de reassentamento. Os campeões do reassentamento foram as províncias de Chernozem, mas ao mesmo tempo densamente povoadas e muito pobres, nas províncias de Kursk, Voronezh e Tambov. É interessante que os camponeses não-negros (e especialmente do norte) estivessem muito menos inclinados a migrar, embora fossem privados dos benefícios da natureza - preferiam desenvolver vários tipos de trabalho adicional não agrícola.

Os infelizes personagens da foto viajaram da província de Tambov para a Sibéria nesta pequena carroça? Claro que não. Esse tipo de hardcore terminou na década de 1850. A ferrovia chegou a Tyumen em 1885. Quem desejava se mudar para a Sibéria dirigiu-se à estação mais próxima de seu local de residência e encomendou um vagão de carga. Nessa carruagem, pequena (6,4x2,7m) e sem isolamento, foi colocada uma família camponesa com um cavalo, uma vaca, um suprimento de grãos (para o primeiro ano e semeadura) e feno, equipamentos e utensílios domésticos - em um espaço terrível condições e no frio. A carruagem se movia a uma velocidade de 150 a 200 km por dia, ou seja, a viagem de Tambov demorava algumas semanas.

Era necessário chegar a Tyumen o mais cedo possível após a abertura do Irtysh, ou seja, no início de março, e aguardar a deriva do gelo (que poderia acontecer imediatamente ou em um mês e meio). As condições de vida dos colonos eram espartanas - quartéis primitivos de tábuas e, para os azarados, cabanas de palha na costa. Lembramos que em março ainda faz frio em Tyumen, com média de -10.

Uma deriva de gelo estava passando, e de Tyumen, descendo o Irtysh e depois subindo o Ob, alguns e caros navios a vapor partiram (um navio a vapor é caro e difícil de construir em um rio que não está conectado com o resto do país nem por mar ou de trem). Os navios a vapor careciam desesperadamente de espaço, por isso arrastavam atrás de si uma série de barcaças primitivas e sem convés. As barcaças, que não tinham nem abrigo básico contra a chuva, estavam tão lotadas de gente que não havia onde se deitar. E mesmo essas barcaças não bastavam para todos, e ficar até a segunda viagem em Tyumen significaria perder todo o verão, durante o qual foi necessário organizar a economia. Não é de surpreender que a desorganização e as paixões fervilhantes do embarque nos navios se assemelhassem à evacuação do exército de Denikin de Novorossiysk. A maior parte dos colonos (e havia 30-40 mil deles por ano), rumo a Altai, desembarcou do navio em Barnaul, que crescia rapidamente, e se a água estivesse alta, ainda mais longe, em Biysk. De Tyumen a Tomsk por água são 2.400 km, até Barnaul - mais de 3.000. Para um velho navio a vapor, que mal se arrasta pelas inúmeras corredeiras no curso superior do rio, isso leva um mês e meio a dois meses.

A parte terrestre mais curta da viagem começou em Barnaul (ou Biysk). Os locais disponíveis para assentamento ficavam no sopé de Altai, a 100–200–300 km do cais. Os colonos compraram no cais carroças feitas por artesãos locais (e aqueles que não trouxeram cavalo, também cavalos) e pegaram a estrada. É claro que todo o equipamento camponês e o fornecimento de sementes não cabem num carrinho (idealmente levantando 700-800 kg), mas o camponês precisa de apenas um carrinho na quinta. Portanto, quem queria se instalar mais perto do cais cedeu seus bens para armazenamento e fez diversas viagens, e quem partiu para uma viagem mais longa alugou pelo menos mais uma carroça.

Essa circunstância pode explicar a ausência na imagem da carroça do colono dos objetos volumosos necessários ao camponês - um arado, uma grade, um suprimento de grãos em sacos. Ou esse imóvel está guardado em um depósito no cais e aguarda uma segunda viagem, ou o camponês alugou uma carroça e mandou junto seu filho adolescente e uma vaca, enquanto ele próprio, sua esposa, filha e equipamento compacto, rapidamente foram ao local de assentamento proposto para escolher um local para si.

Onde exatamente e com que bases legais nosso colono iria se estabelecer? As práticas que existiam então eram diferentes. Alguns seguiram o caminho legal e aderiram às sociedades rurais existentes. Embora as comunidades siberianas (compostas pelos mesmos colonos de anos anteriores) tivessem uma grande oferta de terras, elas aceitaram de bom grado os recém-chegados de graça, então, depois de separar as melhores terras, mediante o pagamento de uma taxa de entrada, e então começaram a recusar completamente. Em algumas quantidades completamente insuficientes, o tesouro preparou e demarcou áreas de reassentamento. Mas a maioria dos colonos na época descrita (década de 1880) estavam envolvidos na auto-apreensão de terras estatais (mas completamente desnecessárias para o tesouro), estabelecendo corajosamente fazendas e assentamentos ilegais. O erário não soube documentar a situação atual e simplesmente fez vista grossa, sem interferir nos camponeses nem expulsá-los das terras - até 1917, as terras dos colonos nunca foram registradas como propriedade. No entanto, isto não impediu que o Tesouro cobrasse impostos sobre os camponeses ilegais numa base geral.

Que destino aguardaria o colono se ele não tivesse morrido? Ninguém poderia ter previsto isso. Aproximadamente um quinto dos colonos daquela época não conseguiram se estabelecer na Sibéria. Não havia mãos suficientes, não havia dinheiro e equipamentos suficientes, o primeiro ano de agricultura acabou por ser uma má colheita, doença ou morte de familiares - tudo isto levou ao regresso à sua terra natal. Ao mesmo tempo, na maioria das vezes, a casa de quem voltava era vendida, o dinheiro era gasto - ou seja, voltavam para se estabelecer com parentes, e esse era o fundo social da aldeia. Note-se que aqueles que escolheram o caminho legal, ou seja, aqueles que abandonaram a sua sociedade rural, encontraram-se na pior posição - os seus concidadãos simplesmente não podiam aceitá-los de volta. Os imigrantes ilegais pelo menos tinham o direito de regressar e receber a sua cota. Aqueles que criaram raízes na Sibéria tiveram vários sucessos - a distribuição em famílias ricas, médias e pobres não diferiu significativamente do centro da Rússia. Sem entrar em detalhes estatísticos, podemos dizer que apenas alguns realmente enriqueceram (e aqueles que estavam bem em sua terra natal), enquanto os demais estavam de forma diferente, mas ainda melhor do que na vida anterior.

O que acontecerá com a família do falecido agora? Para começar, deve-se notar que a Rússia não é o Velho Oeste, e uma pessoa morta não pode simplesmente ser enterrada à beira da estrada. Na Rússia, todas as pessoas que moram fora do local de registro têm passaporte, e a esposa e os filhos cabem no passaporte do chefe da família. Consequentemente, a viúva precisa de alguma forma comunicar com as autoridades, enterrar o marido com um padre, redigir uma certidão de enterro e obter novos passaportes para ela e para os seus filhos. Dada a incrível escassez e afastamento dos funcionários na Sibéria, e a lentidão das comunicações postais oficiais, resolver este problema por si só poderia levar pelo menos seis meses para uma mulher pobre. Durante esse tempo, todo o dinheiro será gasto.

A seguir, a viúva deve avaliar a situação. Se ela for jovem e tiver um filho (ou filhos adolescentes que já atingiram a idade produtiva), podemos recomendar que ela se case novamente na hora (sempre houve falta de mulheres na Sibéria) - este será o mais próspero opção. Se a probabilidade de casamento for baixa, a pobre mulher terá que voltar para sua terra natal (e sem dinheiro, essa viagem terá que ser feita a pé, mendigando pelo caminho) e lá de alguma forma se estabelecer com parentes. Uma mulher solteira não tem qualquer hipótese de começar um novo agregado familiar independente sem um homem adulto (seja no seu país natal ou na Sibéria), e o antigo agregado familiar foi vendido. Portanto, a viúva não chora em vão. Não apenas seu marido morreu, mas todos os seus planos de vida relacionados à conquista da independência e independência foram destruídos para sempre.

Vale ressaltar que a fotografia não retrata a etapa mais difícil da jornada do migrante. Depois viagens de inverno em um vagão de carga sem aquecimento, morando em uma cabana nas margens do congelado Irtysh, dois meses no convés de uma barcaça lotada, uma viagem em sua própria carroça pela estepe florida era mais relaxamento e entretenimento para a família. Infelizmente, o pobre coitado não suportou as adversidades anteriores e morreu no caminho - como cerca de 10% das crianças e 4% dos adultos que se mudaram para a Sibéria naquela época. A sua morte pode estar associada às difíceis condições de vida, desconforto e condições insalubres que acompanharam o reassentamento. Mas, embora não seja óbvio à primeira vista, a imagem não indica pobreza - a propriedade do falecido, muito provavelmente, não se limita à pequena quantidade de coisas na carroça.

O apelo do artista não foi em vão. Desde a abertura da Ferrovia Siberiana (meados da década de 1890), as autoridades gradualmente começaram a cuidar dos colonos. Foram construídas as famosas carruagens "Stolypin" - vagões isolados com fogão de ferro, divisórias e beliches. Nas estações de junção surgiram centros de reassentamento com assistência médica, balneários, lavanderias e alimentação gratuita para crianças pequenas. O estado começou a demarcar novos lotes para os reassentados, conceder empréstimos para reformas residenciais e conceder incentivos fiscais. 15 anos após a pintura, essas cenas terríveis tornaram-se visivelmente menos numerosas - embora, é claro, o reassentamento continuasse a exigir muito trabalho e continuasse sendo um sério teste para a força e a coragem de uma pessoa.

No mapa você pode traçar a rota de Tyumen a Barnaul por água. Deixe-me lembrá-lo de que na década de 1880 a ferrovia terminava em Tyumen.

A geração mais jovem dos Peredvizhniki deu um grande contributo para o desenvolvimento da arte democrática russa, reflectindo de diferentes maneiras a fase proletária do movimento de libertação na Rússia. O conteúdo ideológico e os meios expressivos da arte foram visivelmente enriquecidos, e os indivíduos criativos manifestaram-se de diversas maneiras.

S. A. Korovin(1858-1908). O tema camponês permeia toda a obra de Sergei Alekseevich Korovin. A estratificação da aldeia russa, o surgimento de kulaks devoradores de mundo que oprimiram o campesinato sem terra são revelados de forma vital e expressiva em sua pintura “Sobre o Mundo” (1893, il. 181). A aldeia aqui parecia completamente nova: o antigo patriarcado desapareceu, a aparência dos camponeses mudou e as relações entre eles tornaram-se diferentes. Korovin trabalhou na composição por muito tempo e escreveu muitos esboços. O olhar atento do artista, que conhecia bem a psicologia camponesa moderna, é visível em tudo.

A composição introduz imediatamente o espectador no espaço da imagem, revelando a trama - uma disputa entre um pobre e um kulak. E a cor, mantida na tonalidade cinza-ocre, transmite o estado de um dia nublado, enfatizando o conteúdo dramático da trama.

O humor geral dos reunidos na reunião é mostrado de forma verdadeira e convincente. A maioria ainda não é capaz de compreender a essência das mudanças que ocorreram com a invasão da ordem capitalista na vida da aldeia. A multidão de camponeses está algemada em silêncio, com perplexidade em alguns rostos. A dúvida grave é expressa no velho sentado de costas para o observador.

Korovin comparou o isolamento da multidão de camponeses com a manifestação aberta de sentimentos entre os próprios disputantes. O rosto do pobre homem, distorcido pela dor, e o movimento repentino da figura retratam a angústia emocional de um homem levado ao desespero. Na imagem do punho há calma, hipocrisia e astúcia.

Profundamente e com precisão, evitando pequenos detalhes, mas transmitindo com precisão a situação, Korovin revela o significado das contradições sociais na aldeia, revelando uma posição cívica clara. É grande o significado artístico e educativo da pintura - este documento da época, trazido à vida em imagens.

A. E. Arkhipov(1862-1930). Entre os Itinerantes mais jovens, destaca-se Abram Efimovich Arkhipov, um artista de talento original. Ele veio de camponeses e conhecia bem a vida forçada do povo. A maioria de suas obras, como as de S. A. Korovin, são dedicadas a tema camponês. São de composição lacônica e sempre cheios de luz, ar e achados pitorescos.

Numa das primeiras pinturas de Arkhipov, “Visitando uma Pessoa Doente” (1885), a atenção está focada numa representação completa e verdadeira da vida de uma família camponesa pobre e numa conversa triste entre duas mulheres idosas. A paisagem ensolarada na porta aberta fala de novas buscas colorísticas.

Uma obra notável foi a pintura “Ao longo do rio Oka” (1889, il. 182), onde Arkhipov retratava um grupo de camponeses sentados em uma barcaça. Eles são tão característicos, pintados com tanto calor e conhecimento de personagens folclóricos, e a paisagem de verão é tão brilhante e bela que o quadro foi saudado pelos contemporâneos como uma revelação artística.

Arkhipov amou a beleza modesta da natureza russa e capturou-a poeticamente. Seu “Reverse” (1896) está imbuído de um sentimento profundamente lírico. A composição é construída de forma original: a espreguiçadeira está meio cortada pela borda inferior da tela, o motorista senta-se de costas para o espectador - parece que nós mesmos estamos dirigindo por este amplo campo, a campainha está tocando e uma música livre e comovente está fluindo. Os tons rosados derretidos do céu desbotado, a cor suave da grama e a estrada empoeirada transmitem sutilmente o clima do dia agonizante e uma tristeza leve e inexplicável.

Arkhipov dedica o quadro “Presidentes de uma Fundição de Ferro” (1896) à imagem de uma trabalhadora; O destino desesperador do trabalhador russo reflete-se mais claramente em uma das melhores obras de Arkhipov, “As Lavadeiras”, conhecida em duas versões - na Galeria Estatal Tretyakov e no Museu Estatal Russo (final da década de 1890, il. XIII).

O artista leva o espectador ao porão escuro e abafado de uma lavanderia miserável, retratando-o em fragmentos. A composição parece arrancada da vida. Parecemos que acidentalmente olhamos para esta sala e paramos diante do espetáculo que se abriu. Com pinceladas rápidas e largas de tons desbotados, Arkhipov transmitiu as figuras das lavadeiras trabalhando, o chão molhado da lavanderia, o ar saturado de umidade e a luz crepuscular saindo da janela. A imagem inesquecível da velha em primeiro plano, sentada para descansar: costas cansadas e curvadas, a cabeça apoiada na mão, um pensamento pesado no rosto. A artista parece estar falando sobre o destino de todas as trabalhadoras.

Refletindo a vida triste dos trabalhadores, Arkhipov nunca perdeu a fé na sua força inesgotável e na esperança de um futuro melhor. Um brilhante princípio otimista dominou a maioria de suas obras, o que foi especialmente perceptível nos anos 1900, às vésperas de grandes eventos revolucionários.

As paisagens do norte de Arkhipov contêm motivos simples e, à primeira vista, banais de natureza severa. Cabanas solitárias, a orla do céu, ora transparente, ora nublada, a superfície do rio. Mas que charme o artista extrai destes motivos e da modesta paleta de cinzas! As pinturas de Arkhipov estão imbuídas do sentimento alegre e de afirmação da vida de um simples russo, nascido em estreita comunicação com sua natureza nativa.

O sol brilhante penetra nas obras de Arkhipov dedicadas a vida camponesa. Suas telas coloridas expressam admiração pela saúde física e moral do povo russo. Não é por acaso que sua paleta também mudou, tornando-se mais contrastante e decorativamente generosa. Arkhipov continuou esta série de trabalhos após a Grande Revolução Socialista de Outubro.

S. V. Ivanov(1864-1910). Um dos sucessores mais consistentes das tradições do realismo crítico foi Sergei Vasilyevich Ivanov. Nas novas condições históricas, ele foi capaz de ver as profundas contradições da realidade russa e com suas obras respondeu a muitas questões urgentes.

Ivanov dedicou uma grande série de trabalhos à situação dos camponeses deslocados e às suas peregrinações forçadas pela Rússia. O triste destino de uma família que perdeu o seu ganha-pão se reflete em melhor foto esta série - "On the Road. Death of a Migrant" (1889, il. 184).

Com um senso de verdade incorruptível, S.V. Ivanov conta uma história pitoresca e cheia de conteúdo sincero. Toda a cena, detalhes do cotidiano cuidadosamente selecionados, são escritos com mão cuidadosa e dão ao enredo a autenticidade de um acontecimento vivo acontecendo diante de nossos olhos. A escala das figuras em relação ao espaço da paisagem é encontrada com maestria: indo em direção ao horizonte distante, lembra uma longa e difícil viagem por um terreno ressecado pelo calor. Uma pessoa solitária, indefesa e sofredora no silêncio da natureza é a essência do conceito criativo do artista.

No início da década de 1890, Ivanov tornou-se um dos primeiros cronistas da luta revolucionária na Rússia. Em 1889, ele pintou o quadro “Revolta na Aldeia”, que fala sobre o crescente protesto social entre os camponeses, e em 1891, “O Palco”. A terrível visão dos presos deitados lado a lado no chão do ponto de trânsito, com os pés descalços algemados, impressionou o artista. Só nas profundezas você percebe o olhar penetrante de algum presidiário dirigido a você.

Em meados da década de 1890, Ivanov frequentemente abordava tópicos da história russa dos séculos XVI a XVII. Suas pinturas históricas contêm características comuns ao trabalho da maioria dos pintores contemporâneos – uma interpretação cotidiana de temas e cores decorativas. Mas, ao contrário de muitos, Ivanov não perdeu o interesse pelo lado social daquilo que retratou. Tais são, por exemplo, as pinturas “A Chegada de Estrangeiros a Moscou do Século XVII” (1901, il. 185), que transmitiu perfeitamente a aparência historicamente correta da antiga capital e os personagens de seus habitantes, e “O Czar . Século XVI” (1902), que foi percebido pelos contemporâneos como imagem satírica autocracia.

Os acontecimentos da revolução de 1905-1907 capturaram Ivanov e causaram um novo surto criativo. Ainda na véspera, dedicou o quadro “Greve” aos trabalhadores que se rebelaram na fábrica. Toda a força do seu talento manifestou-se na tela relativamente pequena “Execução” (1905). É um dos mais obras significativas, refletindo a represália sangrenta do czarismo contra o povo. Esta é uma imagem severa e lacônica, construída no contraste de planos pictóricos claros.

Na tela há uma praça deserta, inundada sol da tarde, fechado por uma linha de casas sombreadas e uma silhueta escura e solitária de um trabalhador assassinado. A partir deste grande plano brilhante e figura imóvel, o artista conduz o olhar do espectador para a profundidade. À esquerda você pode ver as primeiras fileiras de cossacos em fumaça de pólvora, à direita - manifestantes. A faixa vermelha – o ponto mais brilhante – destaca esta parte da composição. Cria a impressão de um evento trágico vivo acontecendo diante de nossos olhos.

A pintura de Ivanov é vista como um símbolo não só do massacre sangrento do povo rebelde, como pretendia o artista, mas também de todo o destino da primeira revolução russa, brutalmente reprimida pelo czarismo.

NA Kasatkin(1859-1930). Aluno de V. G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, em seus primeiros trabalhos, voltou-se para imagens folclóricas e enredos dramáticos. Logo o tema principal do seu trabalho tornou-se a vida da classe trabalhadora e a luta revolucionária do proletariado russo.

Já em 1892, Kasatkin pintou o quadro “Hard”, retratando o triste encontro de um jovem trabalhador ferido com sua noiva, uma pobre costureira. A expressão de tristeza e ansiedade no rosto da menina contrasta com a determinação e confiança da trabalhadora. A princípio a pintura se chamava "Petrel", mas o artista foi forçado a mudar o nome por motivos de censura. E ainda assim o conteúdo político da tela chegou ao espectador, relembrando as greves que eclodiam constantemente naquela época.

No mesmo ano, Kasatkin visitou pela primeira vez a bacia de Donetsk e desde então, durante nove anos, esteve constantemente entre os mineiros, estudando sua vida e obra. A princípio desconfiaram do artista, confundindo-o com um espião enviado, mas depois se apaixonaram sinceramente por ele. Eles o ajudaram muito a trabalhar imagens que ele ainda não conhecia Arte russa.

O primeiro trabalho de Kasatkin sobre a vida dos mineiros de Donetsk foi a pintura “Coletando carvão pelos pobres em uma mina minada” (1894). Imagens típicas vivas, desenho preciso e pintura modesta e consistente com a tonalidade geral distinguem esta tela.

O próprio Kasatkin passou à clandestinidade, observou as incríveis condições de trabalho verdadeiramente árduo dos mineiros e escreveu com amargura: “...onde um animal não pode trabalhar, uma pessoa o substitui”. Esta ideia está refletida na pequena pintura “Tyagolytsik Miner” (1896). Coloração escura com reflexos avermelhados das lâmpadas dos mineiros; Como um animal de carga, o trabalhador rasteja sob os arcos salientes da deriva e puxa um trenó carregado de carvão.

O resultado do trabalho de Kasatkin sobre o tema da vida do mineiro e numerosos esboços é a tela “Coal Miners Shift” (1895, il. 186). Esta foi a primeira obra da pintura russa a mostrar a crescente unidade da classe trabalhadora. As luzes fracas das lâmpadas dos mineiros e o branco bruxuleante dos olhos na escuridão impenetrável acrescentam tensão à imagem. No centro da composição está um mineiro idoso. Com uma arma nas mãos, ele caminha direto em direção ao espectador como uma força ameaçadora que se aproxima.

Em várias obras, Kasatkin revelou de forma abrangente e com grande sentimento o mundo espiritual do proletário oprimido. A artista alcançou um poder especial de penetração na imagem na tela “A Esposa de um Operário” (1901), que foi retirada da exposição pela censura czarista.

Parece que todo o destino sombrio da mulher ainda jovem, mas muito experiente, é capturado em uma figura cansada e caída, em um olhar fixo e uma mão caindo sobre os joelhos. O complexo estado de espírito é transmitido no rosto exausto. Há dor, amargura e raiva nascente - tudo o que estava naturalmente associado aos acontecimentos políticos da época e fazia o espectador pensar. As cores das roupas, de tom contido, estão imersas em um ambiente ocre-acinzentado. A palidez pálida do rosto é enfatizada por um lenço branco jogado sobre os ombros.

O enorme mérito de Kasatkin é que ele não só viu a difícil situação da classe trabalhadora na Rússia, mas foi capaz de perceber e incorporar a sua força, energia e otimismo. A imagem da “Mulher Mineira” (1894, il. 187) exala a poesia da vida, da juventude, da saúde física e espiritual. A cor prateada quente desta tela é harmoniosa. O movimento espontâneo da figura, suavemente inscrito na paisagem luminosa, é surpreendentemente verdadeiro.

Kasatkin, que conhecia bem a vida e o estado de espírito dos trabalhadores e simpatizava profundamente com eles, saudou com entusiasmo a revolução de 1905-1907. Tinha pressa em captar novas situações e imagens, em busca de novos temas. Muitos estudos, esboços e pinturas foram fruto de muito trabalho criativo.

Nas difíceis condições de tempos turbulentos, nem tudo o que impressionou Kasatkin conseguiu encontrar uma representação completa e completa, mas cada um, mesmo um esboço superficial, teve importante valor documental e artístico. As pinturas do artista criadas nessa época são significativas no seu conteúdo ideológico e testemunham a procura de uma composição emocionalmente intensa. Um exemplo é a pintura “A Última Jornada de um Espião” (1905).

Kasatkin trabalhou com entusiasmo na composição multifigurada “Ataque à fábrica por mulheres trabalhadoras” (1906), onde se desenrola uma complexa ação dramática. O movimento de uma enorme multidão fervilhante e uma variedade de gestos são aqui transmitidos com expressão. Lembro-me de alguns esboços desta pintura, principalmente da imagem de uma senhora idosa, revoltada, convocando uma revolta.

O significado exclusivamente ideológico e artístico da pequena tela “Trabalhador Militante” (1905, il. 188). Kasatkin viu e capturou o tipo característico de participante ativo na primeira revolução russa. Aparência, postura, andar, rosto severo - tudo fala do mundo espiritual de um homem dos tempos modernos - coragem e determinação, calma e inflexibilidade, consciência da importância do seu objetivo e nobre modéstia. Tal pessoa poderia realmente liderar destacamentos de combate revolucionários. A imagem ecoa o herói da história “Mãe” de A. M. Gorky.

L. V. Popov(1873-1914). Lukyan Vasilyevich Popov é um dos representantes mais jovens dos Itinerantes. Com particular sensibilidade ele notou mudança social na aldeia, que naquela época estava ativamente imbuída de sentimentos revolucionários. Suas pinturas “Rumo ao pôr do sol. Agitador na aldeia” (1906), “Na aldeia (Levanta-te, levanta-te!..)” (1906-1907, il. 183), “Socialistas” (1908), imbuídas de calor. simpatia pelos bravos e corajosos heróis, é um verdadeiro documento da vida camponesa nas vésperas e no período da revolução de 1905-1907.

O trabalho de A.P. Ryabushkin e M.V. Nesterov também foi associado às tradições dos Wanderers. Porém, em suas obras, de forma especial e precoce, manifestaram-se novas buscas criativas, que se tornaram típicas da arte do final do século XIX e início do século XX.

AP Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin pode ser considerado um artista nacional. Toda a sua vida e obra, após os anos de estudante na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura, bem como na Academia de Artes, decorreram na aldeia. A sua arte foi uma espécie de reacção aos processos históricos de capitalização da Rússia, quando “os antigos alicerces da agricultura e da vida camponesa, alicerces que realmente resistiram durante séculos, foram destruídos com uma velocidade extraordinária” * . Ryabushkin poetizou os velhos tempos que lhe eram caros, o modo de vida tradicional e as características estáveis da imagem nacional.

* (Lenin V.I. Leo Tolstoy, como espelho da revolução russa. - Completo. coleção cit., vol. 17, pág. 210.)

As pinturas de gênero de Ryabushkin são caracterizadas por características de calma e silêncio. Retratando a atmosfera patriarcal de um casamento na aldeia (“Esperando os noivos da coroa na província de Novgorod”, 1891), o artista enfatiza a serenidade e o decoro dos camponeses sentados.

Na década de 1890, Ryabushkin emergiu como o mestre original da pintura histórica e cotidiana russa. No passado distante da Rússia, ele se sente mais atraído pela vida cotidiana da antiga Moscou. O renascimento reina durante o degelo da primavera na pintura “Rua de Moscou do século XVII em férias” (1895). Aqui está uma garota com um panfleto vermelho, carregando cuidadosamente uma vela, e caras da aldeia com roupas de saia longa, e um boiardo arrogante passando por uma rua suja, e um mendigo cego. Roupas coloridas decoradas com ornamentos russos, reflexos azuis do céu em poças, cúpulas coloridas de igrejas e a vivacidade geral do trânsito tornam esta imagem festiva.

A personalidade brilhante de Ryabushkin foi mais plenamente expressa nas pinturas de 1901 “Riding” (il. 189) e “Wedding Train in Moscow (século XVII)” (il. 190). O primeiro deles, que se distingue pela composição ousada e inusitada, retrata moradores de Moscou à espera de estrangeiros. É como um fragmento arrancado da imagem da vida do povo russo do século XVII. Seus rostos refletiam curiosidade, ingenuidade e autoestima. Grandes manchas coloridas de caftans amarelos, vermelhos e verdes dos arqueiros e as roupas coloridas dos habitantes da cidade conferem ao quadro um tom importante e um caráter decorativo pronunciado.

A pintura “Trem de casamento em Moscou (século XVII)” está imbuída da poesia da antiguidade russa. O silêncio da noite de primavera, na névoa lilás em que Moscou está imersa, e a figura solitária de uma triste mulher moscovita contrastam com o magnífico trem festivo que passa rapidamente. O esboço da pintura, contrastando com uma paisagem mais densamente pintada, o colorido iluminado como um afresco, o ritmo sutilmente encontrado em todo o grupo central - tudo isso permitiu a Ryabushkin transmitir com alma a aparência cotidiana da cidade russa de tempos distantes.

“Tea Party” de Ryabushkin (1903), escrito um ano antes de sua morte, é extraordinariamente expressivo e figurativamente amplo. Este é um trabalho de natureza socialmente crítica. Se antes, para suas pinturas de gênero, Ryabushkin selecionava o que era positivo, gentil e belo na vida camponesa, agora ele retratava o mundo da aldeia rica. Há algo de bem-estar burguês na elegância e formalidade fria de beber chá; no grotesco das imagens, na rigidez da plasticidade pictórica, incomum para Ryabushkin, que lembra os antigos parsuns, pode-se ler a rejeição do artista a este mundo que lhe é estranho.

MV Nesterov(1862-1942). O período pré-revolucionário da criatividade de Mikhail Vasilyevich Nesterov é complexo e contraditório.

Ele iniciou sua jornada na arte com pinturas de gênero semelhantes às dos Wanderers, mas no final da década de 1880 ocorreu uma mudança brusca em sua obra. O artista entra no mundo da beleza ideal, glorificando a pureza do sentimento religioso, retratando os habitantes de mosteiros e mosteiros.

O velho eremita Nesterov na pintura “O Eremita” (1888-1889), vagando lentamente ao longo das margens de um lago liso como um espelho, está infinitamente longe das preocupações da vida. A sua imagem está indissociavelmente ligada à beleza da natureza pacífica, à sua tranquilidade serena.

A paisagem desempenha um papel importante no trabalho de Nesterov. O poeta de natureza russa Nesterov, capaz de penetrar profundamente mundo interior uma pessoa sempre conecta as experiências de seus heróis com o estado e o caráter da paisagem.

Na pintura “Visão ao Jovem Bartolomeu” (1889-1890, il. 191), o único personagem é um jovem pálido com mãos finas convulsivamente cerradas em êxtase orante. Mas o personagem principal do artista ainda é a paisagem da faixa da Rússia Central, natureza espiritualizada, onde o artista realmente dá vida a cada folha de grama, cada um participa da glorificação da pátria.

No final da década de 1890 - início de 1900, o artista criou uma série de pinturas dedicadas ao trágico destino da mulher russa, submissa e sofredora (“Além do Volga”, “Nas Montanhas”). Em “A Grande Tonsura” (1898) mostra uma triste procissão dos habitantes de um pequeno mosteiro, escondidos entre uma densa floresta, escoltando uma jovem, ainda cheia de forças, até ao mosteiro. Rostos tristes, silhuetas escuras de figuras, luzes trêmulas de enormes velas... A tristeza é profunda, mas perto está novamente o belo mundo da natureza, florestas virgens e jovens bétulas de troncos finos de Nesterovo.

No início dos anos 1900, a habilidade de Nesterov como pintor de retratos tomou forma. Aqui o lado realista do trabalho do artista foi revelado de forma mais completa. Nesterov pintou a maior parte dos retratos desta época tendo como pano de fundo uma paisagem, bem como em pinturas, afirmando a ligação inextricável entre o homem e a natureza. No retrato de O. M. Nesterova (1906, il. 192), a figura de uma menina com traje de montaria preto destaca-se em uma bela silhueta contra o fundo de uma paisagem lírica noturna. Elegante e graciosa, com um olhar espiritual e levemente sonhador, essa menina personifica para a artista o ideal da juventude, a beleza da vida e a harmonia.

Na década de 1880, o trabalho de três destacados artistas russos foi formado - K. A. Korovin, M. A. Vrubel e V. A. Serov. Eles definiram de forma mais completa as realizações artísticas da época, sua complexidade e riqueza.

V. A. Serov (1865-1911). O maior artista No final do século XIX - início do século XX existia Valentin Aleksandrovich Serov. Sua obra deu continuidade ao desenvolvimento da arte realista, aprofundando seu conteúdo e ampliando possibilidades expressivas.

A arte de Serov é brilhante e diversificada. Em primeiro lugar, é um mestre dos retratos psicológicos, pictóricos e gráficos, mas o seu talento também se manifestou na paisagem, no género histórico, na ilustração de livros, na arte decorativa e monumental. Desde a infância, Serov foi cercado por uma atmosfera de arte. Seu pai, A. N. Serov, é um famoso compositor e músico, sua mãe é uma pianista talentosa. Os professores de Serov foram I. E. Repin e na Academia de Artes - P. P. Chistyakov. O primeiro contribuiu largamente para a formação dos fundamentos democráticos da obra de Serov e para o despertar do interesse pelo estudo inquisitivo da vida, ao segundo deveu uma profunda compreensão das leis profissionais da forma.

Já os primeiros trabalhos de Serov - seus famosos retratos "Garota com Pêssegos" (1887, il. X) e "Garota Iluminada pelo Sol" (1888) - glorificaram o jovem artista e caracterizaram de forma mais completa a arte do início de Serov.

“Girl with Peaches” foi escrita em “Abramtsevo”, propriedade de S.I. Mamontov, com sua filha Vera. Neste excelente retrato, a imagem criada pelo artista, graças à plenitude vital do seu conteúdo, ultrapassa o quadro de um retrato individual, encarnando um princípio humano universal. Numa adolescente de rosto sério e olhar severo, na sua calma contenção e espontaneidade, a artista conseguiu transmitir a alta poesia de uma juventude brilhante e pura.

Este retrato é incrivelmente bonito em sua pintura. Está escrito em plena luz, com muita leveza e ao mesmo tempo materialmente. Suas cores transparentes, extraordinariamente puras, são repletas de luz e ar, transmitindo vividamente os reflexos da iluminação. A frescura da cor de “Menina com Pêssegos”, que outrora tanto surpreendeu os contemporâneos, bem como a simplicidade natural da composição cuidada, colocam o quadro no mesmo nível das melhores obras da pintura mundial.

Serov desenvolve o mesmo tema da juventude em “A Garota Iluminada pelo Sol”. O conteúdo do retrato é o mesmo sentimento alegre da beleza espiritual de uma pessoa e da plenitude do seu ser.

A década de 1890 é a próxima etapa da criatividade de Serov. Durante esses anos, o artista pinta com mais frequência pessoas de arte e agora quer revelar antes de tudo sua individualidade criativa. O olhar especial de N. S. Leskov (1894) transmite a vigilância de um escritor realista curioso. A consideração de I. I. Levitan é semelhante aos sentimentos poéticos do artista, a facilidade de pose de K. A. Korovin (1891, il. 193) é uma expressão única da liberdade e espontaneidade de sua arte.

Na década de 1880, além de retratos, Serov também pintou paisagens. Na maioria das vezes, ele encontrava motivos em Abramtsevo e Domotkanovo, onde ficava a propriedade de seus amigos Derviz. Na década de 1890, imagens de natureza rural simples começaram a ocupar um lugar cada vez maior na arte paisagística de Serov. Muitas vezes o artista introduz figuras de camponeses em suas pinturas, como se aproximasse a paisagem do gênero cotidiano (“Outubro. Domotkanovo”, 1895, il. 194, “Mulher com Cavalo”, 1898). I. E. Grabar chamou o artista de “camponês Serov” justamente por suas paisagens. A democracia de sua arte refletiu-se neles de maneira particularmente clara.

Na década de 1900, o trabalho de Serov tornou-se visivelmente mais complexo. O lugar principal ainda é ocupado pelos retratos. Além disso, ele continua pintando paisagens e trabalhando em ilustrações para as fábulas de I. A. Krylov, iniciadas na década de 1890. Seus interesses agora incluem constantemente a pintura histórica e monumental-decorativa.

Na década de 1900, o retrato de Serov tornou-se muito mais diversificado. Numerosos retratos cerimoniais sociais são adicionados aos retratos de pessoas próximas a ele. O artista ainda permanece incorruptivelmente verdadeiro em suas caracterizações e inexoravelmente exigente consigo mesmo, não permitindo a menor negligência ou umidade em sua atuação. Como antes, a base da sua arte retratista continua a ser a divulgação psicológica da imagem, mas Serov agora concentra a sua atenção nas características sociais dos modelos. Nos retratos dos principais representantes da intelectualidade russa, ele se esforça para capturar e enfatizar suas qualidades sociais mais típicas e marcantes com maior clareza do que antes. No retrato de A. M. Gorky (1905, il. 195), o artista enfatiza a democracia do escritor proletário com a simplicidade de toda a sua aparência, as roupas de artesão e o gesto de agitador. O retrato de M. N. Ermolova (1905, il. 196) é uma espécie de monumento majestoso à famosa atriz trágica. E o artista subordina todos os meios visuais à identificação desse pensamento. O átrio da mansão de Ermolova, onde posou para Serov, é percebido como um palco e, graças ao reflexo de um fragmento da colunata no espelho, também como um auditório. A própria Ermolova, em seu vestido preto rigoroso e solene, decorado apenas com um colar de pérolas, é majestosa e inspirada.

Os retratos de Serov de seus nobres clientes são completamente diferentes. Os retratos cerimoniais dos cônjuges Yusupov, S. M. Botkina, O. K. Orlova (il. 197) e muitos outros são semelhantes aos retratos do século XVIII - primeiro metade do século XIX séculos, móveis requintados e elegantes banheiros femininos foram pintados com habilidade brilhante. Em sua representação das próprias pessoas, Serov enfatizou as qualidades sociais típicas que caracterizam a classe à qual pertenciam. Esses retratos, como disse V. Ya. Bryusov, são sempre um julgamento sobre seus contemporâneos, ainda mais terrível porque a habilidade do artista torna esse julgamento peremptório.

Entre esses retratos de Serov, um dos primeiros lugares é ocupado pelo retrato de M. A. Morozov (1902), retratado tendo como pano de fundo a sala de sua mansão lindamente mobiliada. Este homem é educado, conhecido por suas extensas atividades filantrópicas e compreensão da arte, mas a base do comerciante ganancioso da época de Ostrovsky ainda está viva nele. Aqui está ele, como que vivo, este comerciante europeizado do final do século XIX, preenchendo o formato estreito da tela com uma figura pesada e olhando para a frente com um olhar penetrante. A autoridade de Morozov não é apenas sua propriedade pessoal, ela o revela como um industrial, assim como a arrogância da Princesa O.K. Orlova faz dela uma representante típica dos círculos aristocráticos da alta sociedade do início do século XX. Nesse período, Serov alcançou grande expressividade em seus retratos graças à riqueza dos meios visuais utilizados e à variação de seu estilo artístico em função das características da obra que está sendo criada. Assim, no retrato do banqueiro V. O. Girshman (1911), Serov é lacônico em estilo pôster, e no retrato da Princesa Orlova seu pincel torna-se refinado e frio.

Como mencionado acima, um lugar significativo na obra de Serov na década de 1900 foi ocupado por trabalhos sobre composições históricas. Ele está especialmente cativado pelo rápido e tempestuoso desenvolvimento da vida na Rússia durante a época de Pedro, o Grande. Na melhor pintura deste ciclo, “Pedro I” (1907, il. 198), o artista retrata Pedro como um poderoso transformador do Estado. Não é por acaso que ele é muito mais alto que seus companheiros. O movimento rápido de Pedro e dos cortesãos que mal o acompanham, o ritmo tenso das linhas angulares impetuosas que delineiam nitidamente as silhuetas, a excitação da paisagem - tudo isto cria o clima da tempestuosa era de Pedro, o Grande.

Cativado pela beleza viva da Grécia, que Serov visitou em 1907, também trabalhou durante muito tempo e com entusiasmo em temas mitológicos ("O Estupro de Europa", "Odisseu e Nausicaa"). Como sempre, ele constrói essas obras com base em trabalhos reais e observações cuidadosas. Mas, resolvendo-os em termos de painéis monumentais e decorativos, o artista simplifica e primitiviza um pouco a forma plástica, mantendo, no entanto, a vitalidade da impressão.

Uma das obras significativas de Serov no final da década de 1890 - início de 1900 - uma série de ilustrações para as fábulas de I. A. Krylov - foi objeto de seu incansável cuidado e atenção. O artista superou a descritividade que o impediu no período inicial de trabalho com fábulas e adquiriu o sábio laconicismo e a expressividade de uma forma habilmente encontrada. As melhores dessas folhas são obras-primas da arte de Serov. Seguindo Krylov, o artista não destruiu a alegoria das fábulas e procurou transmitir seu significado moralizante em seus desenhos. As imagens dos animais revelaram qualidades puramente humanas: o leão de Serov é sempre a personificação da força, inteligência e grandeza, o burro, como não poderia deixar de ser, é a personificação da estupidez, e a lebre é um covarde incorrigível.

Eu. 199. V. A. Serov. “Soldados, bravos rapazes, onde está a sua glória?” K., têmpera. 47,5 X 71,5. 1905. Tempo

O trabalho de Serov o caracteriza como um artista democrático, estando na vanguarda das figuras progressistas da cultura russa. Serov provou a sua lealdade aos princípios democráticos não só através da arte, mas também através da sua posição pública, especialmente durante a revolução de 1905-1907. Tendo presenciado o Domingo Sangrento em 9 de janeiro, renunciou ao cargo de membro titular da Academia de Artes, porque o comandante das tropas que realizavam massacres contra o povo era o presidente da Academia, Grão-Duque Vladimir Alexandrovich. Um forte protesto contra a violência e crueldade da autocracia também é ouvido nos desenhos ousados e acusatórios do artista publicados em revistas satíricas durante os dias da revolução (“Soldados, bravos rapazes, onde está a sua glória?” (il. 199), “Vistas da colheita”, “Dispersão da manifestação ").

K. A. Korovin(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin é um daqueles mestres que abrem novos caminhos na arte e cuja obra é uma escola para muitos artistas das gerações subsequentes.

Korovin é graduado pela Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, pela oficina de paisagem de A.K. Seu trabalho foi formado em linha com a pintura plein air russa da década de 1880 ("A Ponte", "Idílio do Norte", "Na Varanda. Mulheres Espanholas Leonora e Ampara", il. XI).

Desde a década de 1890, chegou a hora de Korovin atingir a maturidade criativa. Seu talento é igualmente revelado tanto na pintura de cavalete, principalmente na paisagem, quanto na arte teatral e decorativa.

O encanto da arte de Korovin reside no calor, no sol, na capacidade do artista de transmitir impressões de forma direta e vívida, na generosidade de sua paleta, na riqueza colorística da pintura artística.

Na mesma década de 1890, ocorreram mudanças significativas na obra de Korovin. Ele às vezes se esforça para transmitir o que é visível de maneira imessionista. A observação prolongada da natureza dá lugar à transferência de suas sensações. A estrutura pictórica e plástica da arte de Korovin também está mudando. O papel das formas de esboço da pintura está aumentando, e a própria pintura está se tornando mais impulsiva, pastosa e ampla; o colorido adquire maior sonoridade, tensão e riqueza decorativa (“No Inverno”, 1894, il. 200; “Verão”, 1895; “Rosas e Violetas”, 1912, il. 201; “Vento”, 1916).

A obra teatral de Korovin foi formada cercada por figuras da ópera privada russa S.I. Mamontov, mas ele alcançou sua maior fama enquanto trabalhava nos teatros imperiais nas décadas de 1900-1910. Por mais de vinte anos Korovin chefiou o departamento de produção Teatro Bolshoi. Participou ativamente da luta contra o conservadorismo e a rotina que reinava no palco oficial, trazendo alta cultura artística para esses teatros e, junto com vários outros mestres famosos, elevou a importância do artista teatral ao nível de um co. -autor da peça. Korovin é um mestre brilhante da decoração pitoresca, eficaz, emocional e verdadeira. As produções que ele desenhou foram um verdadeiro deleite para os olhos.

O melhor obras teatrais Korovin é geralmente associado a temas nacionais, à Rússia, aos seus épicos e contos de fadas, à sua história e, acima de tudo, à sua natureza (ópera “The Snow Maiden” de N. A. Rimsky-Korsakov, 1909; ópera “Khovanshchina” de M. P. Mussorgsky, 1911) .

MA Vrubel(1856-1910). A natureza foi generosa com Mikhail Alexandrovich Vrubel. Ela o dotou de brilhantes habilidades colorísticas, um raro dom como monumentalista, ele pintou lindamente, seu vôo de imaginação é realmente incrível. O trabalho de Vrubel é profundamente significativo e complexo. Ele sempre se preocupou com ideais elevados e grandes sentimentos humanos. Ele sonhava em “despertar a alma das ninharias da vida cotidiana com imagens majestosas”. A sua arte, alheia à indiferença, é sempre romanticamente excitada e espiritual.

Mas os ideais de Vrubel desenvolveram-se nas duras condições da vida circundante. Querendo fugir das suas flagrantes contradições, o artista tentou retirar-se para o mundo das imagens abstratas. Porém, sendo um grande artista, ainda não conseguiu se isolar da realidade. Sua arte reflete isso e traz as características da época.

Mesmo em seus anos de estudante, Vrubel era diferente de seus colegas. Ele caminhou em direção à maestria, quase contornando a timidez e o constrangimento escolar. Isso se manifestou em suas composições multifiguradas sobre um determinado tema, que lhe foram extraordinariamente fáceis ("O noivado de Maria com José"), e em sua fluência nas técnicas de aquarela e na plasticidade sutil de seus retratos.

Um papel importante na formação da criatividade de Vrubel foi desempenhado por seu professor P. P. Chistyakov, que incutiu nele uma compreensão construtiva da forma na arte, bem como por artistas avançados, participantes do círculo de Abramtsevo. Vrubel deve essas conexões, bem como seu subsequente conhecimento com N. A. Rimsky-Korsakov, à formação das fundações nacionais em seu trabalho.

Vrubel permaneceu na Academia de Artes por quatro anos. Em 1884, partiu para Kiev para restaurar e renovar as pinturas murais da Igreja de São Cirilo. Já nestas obras e nos esboços não realizados para as pinturas da Catedral de Vladimir, revela-se o enorme dom do artista. Usando as tradições da pintura bizantina e da antiga Rússia e da arte renascentista, Vrubel permanece profundamente original. A expressão enfatizada de sentimentos, o colorido intenso e a escrita temperamental conferem às suas imagens um drama especial.

Em 1889, Vrubel mudou-se para Moscou. A partir deste momento chega o momento de seu florescimento criativo. Ele é fluente em muitos gêneros de arte. Trata-se de uma pintura de cavalete, uma ilustração de livro, um painel decorativo monumental e um cenário de teatro. Vrubel tira muito proveito da vida e gosta de majólica. O artista aprimora incansavelmente suas habilidades, tem certeza de que “a técnica é a linguagem do artista”, que sem ela não conseguirá contar às pessoas sobre seus sentimentos, sobre a beleza que viu. A expressividade de suas obras aumenta ainda mais graças à pintura dinâmica, à cor cintilante como uma joia e ao desenho espiritual.

O tema do Demônio, inspirado no poema de M. Yu Lermontov, torna-se um dos temas centrais da obra de Vrubel. Cativado pelo alto romance do poema, ele o ilustra ("Tamara no caixão", 1890-1891) e cria imagens dos personagens centrais próximos aos de Lermontov em espírito, poder de expressividade e habilidade. Ao mesmo tempo, o artista dota-os de características de maior expressividade e quebrantamento, que em breve se tornarão a marca do seu tempo. Por mais de dez anos, Vrubel voltou repetidamente à imagem do Demônio. Sua evolução é uma espécie de confissão trágica do artista. Ele imaginou que esse espírito maligno do céu fosse lindo, orgulhoso, mas infinitamente solitário. A princípio poderoso, no auge de sua vida, ainda acreditando que encontrará a felicidade na terra ("O Demônio Sentado", 1890, ll. XIV), o Demônio é posteriormente retratado como invencível, mas já quebrado, com um corpo quebrado , estendido entre as frias montanhas de pedra ("Demônio derrotado", 1902). Em seus olhos ardendo de raiva e em sua boca teimosamente cerrada, pode-se sentir tanto o espírito rebelde quanto a destruição trágica.

Na década de 1890, outro tema, primordialmente russo, o folclore, tornou-se gradualmente dominante na obra de Vrubel. O artista ainda se sente atraído por heróis titânicos e fortes, mas agora eles carregam bondade e paz. No painel monumental e decorativo “Mikula Selyaninovich” (1896), Vrubel retratou o herói épico como um simples agricultor e viu nele a personificação da força da terra russa. Assim é “Bogatyr” (1898), como se fundido com seu cavalo, um poderoso cavaleiro - não lutando, mas guardando vigilantemente a paz de sua terra natal.

As imagens de contos de fadas de Vrubel são lindas. Eles combinam alegremente a verdade da observação, a poesia profunda, o romance sublime e a fantasia que transforma tudo o que é comum. Ela está inextricavelmente ligada à natureza. Na verdade, a espiritualização da natureza, sua personificação poética está na base dos contos de fadas de Vrubel. Seu "Towards Night" (1900) é misterioso e misterioso. Em "Pan" (1899, il. 204), representando o deus das florestas com pés de cabra, há muita humanidade. Em seus olhos claros, há muito desbotados, brilham a bondade e a sabedoria milenar. Ao mesmo tempo, é como um tronco de bétula revivido. Cachos grisalhos como cachos de casca branca e dedos como nós retorcidos. “A Princesa Cisne” (1900, ilustração 203) é ao mesmo tempo uma princesa de olhos azuis com uma longa trança que chega até a cintura e um pássaro majestosamente lindo com asas de cisne, nadando no mar azul.

Grandes pensamentos e sentimentos, um amplo espectro de imaginação atraíram Vrubel para o mundo da arte monumental, e isso se tornou uma das principais direções de seu trabalho. Desde a década de 1890, tendo encontrado a forma de painéis monumentais e decorativos, o artista os executa por encomenda de mecenas esclarecidos das artes (painel “Espanha”, il. 202, “Veneza”, série dedicada ao poema “Fausto” de Goethe) . Com a integridade monumental da forma, sempre mantiveram a sutileza do desenvolvimento plástico e a profundidade psicológica da imagem.

Os retratos de Vrubel também se distinguem pela originalidade e significado artístico. São profundos e muito expressivos; o artista deu a cada modelo uma espiritualidade especial e às vezes até drama. Tais são os retratos de S.I. Mamontov (1897), do poeta Valery Bryusov (1906), numerosos autorretratos (por exemplo, 1904, il. 205) e retratos de sua esposa, a famosa cantora N.I.

Os últimos dez anos de sua vida foram dolorosos para Vrubel. Seu maravilhoso dom lutou por muito tempo contra doenças mentais graves. Não conseguindo mais segurar o pincel na mão, pintou muito, impressionando quem estava ao seu redor com a pureza das formas estruturais do desenho. A visão desapareceu gradualmente. Vrubel morreu no auge de seus poderes criativos.

V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). A tendência à poetização das imagens, característica da arte russa da década de 1890 - início de 1900, encontrou expressão na obra de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Seu talento lírico começou a se manifestar desde os primeiros anos de estudante em imagens ternas de natureza poética, mas somente a partir do final da década de 1890 a gama de temas favoritos de Musatov e o sistema figurativo e pictórico de sua arte foram determinados. Com todas as suas forças, o artista se esforça para compreender a harmonia do mundo e, não a vendo ao seu redor, tenta recriá-la em seu imaginário.

As melhores obras de Musatov são “Primavera” (1901), “Reservatório” (1902, il. 206), “Colar de Esmeralda” (1903-1904). O artista ainda está próximo da natureza, mas ela parece reencarnar nas imagens elegíacas dos seus sonhos comoventes, como as imagens do simbolismo literário, perdendo a clareza dos contornos da vida nos contornos borrados e na instabilidade das manchas coloridas. Ele povoa seus parques atenciosos com garotas lentas, como se estivessem sonhando, veste-as com vestidos de tempos passados, envolve-as e tudo ao seu redor em uma névoa de leve tristeza.

"Mundo da Arte"- um fenômeno significativo na vida artística russa do final do século 19 - início do século 20, que desempenhou um papel importante no desenvolvimento não apenas das artes plásticas na Rússia, mas também do teatro, da música, da arquitetura e das artes aplicadas.

O berço do “Mundo da Arte” foi um círculo da intelectualidade de São Petersburgo que surgiu na década de 1890. Seu número incluía os artistas A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. No final desta década, o “Mundo da Arte” tomou forma como uma associação ideológica e artística. V. A. Serov participou, apoiando-o com sua autoridade. O núcleo do grupo jovem foi reabastecido por E. E. Lansere e M. V. Dobuzhinsky. S. P. Diaghilev, dedicado aos interesses da arte, desempenhou um papel organizacional importante. De 1899 a 1904, membros do World of Art publicaram uma revista literária e artística. No entanto, ele não estava unido em seu foco. O seu departamento artístico, chefiado por destacados mestres das artes plásticas, diferia fortemente do departamento literário e filosófico, de natureza simbolista e religiosa.

Os alunos do World of Art consideraram que seu principal objetivo era a renovação da arte russa, o aprimoramento de sua cultura artística, habilidade e ampla familiarização com as tradições do patrimônio estrangeiro e nacional. Eles trabalharam arduamente e frutuosamente não apenas como artistas, mas também como historiadores de arte, críticos e divulgadores da arte clássica e moderna.

O Mundo da Arte desempenhou um papel particularmente importante na vida artística russa no primeiro período da sua existência, que durou cerca de dez anos. Os alunos do World of Art organizaram extensas exposições de arte nacional e estrangeira e foram os iniciadores de muitos empreendimentos artísticos. Eles então se declararam oponentes tanto do academicismo rotineiro quanto do cotidiano mesquinho de alguns dos itinerantes posteriores.

Na sua prática criativa, os artistas Miriskus partiram de observações específicas da vida, retratando a natureza e o homem contemporâneos, e de materiais históricos e artísticos, voltando-se para os seus temas retrospectivos preferidos, mas ao mesmo tempo procuraram transmitir o mundo de uma forma transformada, em formas decorativas e elevadas e uma pesquisa foi considerada a principal tarefa arte sintética"grande estilo".

EM primeiros anos Durante a vida da associação, os estudantes do World of Art prestaram homenagem ao individualismo que permeava a cultura europeia daqueles anos e à teoria da “arte pela arte”. Mais tarde, na década pré-revolucionária, revisaram amplamente as suas posições estéticas, reconhecendo o individualismo como destrutivo para a arte. Durante este período, o modernismo tornou-se o seu principal adversário ideológico.

Em dois tipos de arte, os artistas do “Mundo da Arte” alcançaram um sucesso particularmente significativo: na arte teatral e decorativa, que concretizou o seu sonho de harmonia das artes, da sua síntese, e na gráfica.

Os gráficos atraíram o mundo da arte como uma das formas de arte de massa; eles também ficaram impressionados com suas formas de câmara, comuns naquela época em muitos tipos de arte. Além disso, os gráficos exigiam atenção especial, pois eram muito menos desenvolvidos que a pintura. Finalmente, o desenvolvimento da gráfica também foi facilitado pelas conquistas da impressão nacional.

A originalidade dos gráficos de cavalete do "Mundo da Arte" eram as paisagens da antiga São Petersburgo e seus subúrbios, cuja beleza os artistas cantavam, bem como o retrato, que em sua obra ocupava essencialmente um lugar igual ao pitoresco. A. P. Ostroumova-Lebedeva deu uma grande contribuição aos gráficos do início do século XX; em seu trabalho, a xilogravura se estabelece como uma forma de arte independente. A obra romântica de V.D. Falileev, que desenvolveu a arte da gravura em linóleo, foi única.

O fenômeno mais significativo no campo da água-forte foi o trabalho de V. A. Serov. Eles se distinguiam pela simplicidade, severidade da forma e excelentes habilidades de desenho. Serov também avançou no desenvolvimento da litografia, criando nesta técnica uma série de retratos notáveis, notáveis pela sua expressividade com uma incrível economia de meios artísticos.

Os mestres do “Mundo da Arte” alcançaram enorme sucesso no campo da ilustração de livros, elevando a cultura artística dos livros a um alto nível. O papel de A. N. Benois, E. E. Lanceray e M. V. Dobuzhinsky é especialmente significativo nesse sentido. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin e outros trabalharam frutuosamente na gráfica de livros.

As melhores conquistas da arte gráfica do início do século, e principalmente do Mundo da Arte, continham os pré-requisitos para o amplo desenvolvimento da gráfica soviética.

AN Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois atuou como o ideólogo do “Mundo da Arte”. Inteligência, educação ampla e universalidade de conhecimento profundo no campo da arte caracterizam Benoit. A atividade criativa de Benoit é extraordinariamente versátil. Ele conquistou muito na arte gráfica de livros e cavaletes, foi um dos principais artistas e figuras do teatro, crítico de arte e historiador da arte.

Tal como outros artistas mundiais, Benoit preferiu temas de épocas passadas. Ele foi o poeta de Versalhes (suas duas séries de Versalhes são mais conhecidas - " Últimas caminhadas Luís XIV", 1897-1898 e série 1905-1906, il. 208). A imaginação criativa do artista pegou fogo quando ele visitou os palácios e parques dos subúrbios de São Petersburgo. A história russa também se refletiu na obra de Benoit. Em 1907- Em 1910, junto com outros artistas russos, trabalhou com entusiasmo em pinturas sobre este tema para a editora I. Knebel ("Desfile sob Paulo I", 1907; "A aparição da Imperatriz Catarina II no Palácio Tsarskoye Selo", 1909) .

Benoit povoou suas detalhadas composições históricas, executadas com grande imaginação e habilidade, com pequenas figuras de pessoas e reproduziu com cuidado e amor monumentos de arte e a aparência cotidiana da época.

Benoit deu uma grande contribuição à gráfica de livros. A maioria das obras do artista nesta área estão associadas à obra de A. S. Pushkin. Em seus melhores trabalhos - ilustrações para o poema "O Cavaleiro de Bronze" (1903-1923), Benoit escolheu o caminho de artista-coautor, característico do "Mundo da Arte". Ele seguiu o texto linha por linha, embora às vezes se desviasse dele, introduzindo seus próprios assuntos. Benoit prestou atenção principal à beleza da antiga São Petersburgo, redescoberta pelos artistas mundiais, seguindo Pushkin, retratando a cidade clara e tranquila, ou romanticamente confusa nos dias ameaçadores da enchente.

As ilustrações de Benoit para "A Dama de Espadas" de Pushkin também são executadas com grande habilidade profissional. Mas distinguem-se por uma interpretação mais livre do texto de Pushkin, ignorando por vezes o psicologismo que permeia a história.

Benois esteve envolvido em atividades teatrais durante quase toda a sua vida criativa. Ele se estabeleceu como um excelente artista teatral e um crítico teatral sutil. Na década de 1910, durante seu apogeu criativo, Benois trabalhou no Teatro de Arte de Moscou junto com K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko, muitas vezes não apenas como artista, mas também como diretor, e nos primeiros anos de sua existência "Estações Russas" na Europa ele forneceu direção artística. As suas obras teatrais caracterizam-se também pelo rigor na recriação dos sinais artísticos e quotidianos da época, pelo cumprimento da intenção dramática do autor e pelo elevado gosto artístico. A criação teatral favorita de Benois é o famoso balé "Petrushka" (1911) de I. F. Stravinsky. Benoit não foi apenas responsável pelo seu design. Foi o autor do libreto e participou ativamente na sua produção.

K. A. Somov(1869-1939). Não menos característico do “Mundo da Arte” é o trabalho de Konstantin Andreevich Somov. Ao contrário de muitos de seus colegas no Mundo da Arte, Somov recebeu uma educação artística sistemática. Estudou na Academia de Artes, onde escolheu a oficina de I. E. Repin. Somov aprimorou incansavelmente as fortes habilidades profissionais que adquiriu aqui no futuro, e suas habilidades brilhantes logo se tornaram amplamente conhecidas.

Nos primeiros anos de trabalho, Somov seguiu tradições realistas (retrato de seu pai, 1897). Na pintura “A Dama de Vestido Azul” (retrato da artista E. M. Martynova, 1897-1900), há também uma visão psicologicamente sutil e profunda da imagem, que traz a marca do trágico destino da jovem artista. No entanto, o desejo de Somov de conectá-lo a um passado distante (Martynova está vestido com um vestido antigo), a cena que ele introduziu ao fundo no espírito do século 18 de uma senhora e um cavalheiro despreocupados tocando música, e a pintura que se tornou mais dura, anunciam uma nova busca pelo artista.

No início dos anos 1900, o trabalho de Somov foi finalmente formado. Como todos os artistas mundiais, ele pintou paisagens de boa vontade. Sempre partindo da natureza, ele criou sua própria imagem Somov da natureza, romanticamente elevada, com uma fina renda de folhagem congelada nas árvores e um complexo padrão gráfico de seus galhos, com sonoridade de cor aprimorada. Mas o lugar principal na obra do artista foi ocupado por composições retrospectivas. Seus personagens habituais são mulheres exageradas, parecidas com bonecas, com altas perucas empoadas e crinolinas. Junto com seus lânguidos cavalheiros, eles sonham, se divertem e paqueram. Somov pintou essas pinturas claramente sob a influência dos antigos mestres. Sua pintura tornou-se lisa, como se envernizada, mas sofisticada de forma moderna (“Winter. Ice Rink”, 1915, ilus. 210).

Os retratos ocupam um lugar significativo na obra de Somov. Sua galeria de retratos de representantes da intelectualidade artística é um verdadeiro marco da época. Os melhores deles são os retratos de A. A. Blok (1907, il. 209), M. A. Kuzmin e S. V. Rachmaninov. Eles se distinguem pela precisão, expressividade das características e arte de execução. O artista parece elevar todos os modelos acima da vida cotidiana, dotando-os das qualidades ideais comuns de um herói de sua época - inteligência e sofisticação.

E. E. Lansere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere é um dos mestres multifacetados do “Mundo da Arte”. Ele se dedicou à pintura de cavalete e monumental, à gráfica, foi artista de teatro e criou esboços para obras de arte aplicada. O seu trabalho é típico do “Mundo da Arte” e, ao mesmo tempo, a sua brilhante originalidade diferencia Lanceray do mundo da arte. Também se sentiu atraído pelo século XVIII, adorava criar composições impressionantes sobre o tema, mas que se distinguem pela maior variedade de interpretação do conteúdo e pela democratização das imagens. Assim, a pintura “Navios da Época de Pedro I” (1909, 1911) é inspirada no espírito do romance heróico da época de Pedro, o Grande, e os guaches “Imperatriz Elizaveta Petrovna em Tsarskoe Selo” (1905) são caracterizados por a verdade sóbria e real das imagens.

O lugar mais significativo na obra de Lansere é ocupado pelos gráficos - cavalete, livro e revista. Seus trabalhos gráficos são elegantes, às vezes com padrões complexos, imbuídos do espírito da época e classicamente claros. A obra central do artista é uma grande série de ilustrações para a história "Hadji Murad" de L. N. Tolstoy. Neles, Lansere conseguiu recriar a sábia simplicidade de Tolstói com o romance do clima geral e os personagens brilhantes e expressivos dos heróis. Mais tarde, Lansere trabalhou extensiva e frutuosamente como artista soviético.

M. V. Dobuzhinsky(1875-1957). Tal como Lancer, Dobuzhinsky pertencia à geração mais jovem de artistas do “Mundo da Arte”. A sua obra, tal como a de Lanceray, é típica desta associação e ao mesmo tempo profundamente original. Na arte do cavalete, Dobuzhinsky preferiu a paisagem urbana. Mas ele não foi apenas seu cantor, mas também psicólogo, não apenas glorificou sua beleza, mas retratou o outro lado da cidade capitalista moderna, friamente mecânica, uma cidade polvo ("O Diabo", 1906), pessoas espiritualmente devastadoras (" O Homem de Óculos", 1905-1906).

Tanto na gráfica de livros quanto na arte teatral e decorativa, Dobuzhinsky se caracteriza por uma abordagem psicológica individual para a interpretação da obra ilustrada. O artista é gentil e espirituoso como Andersen em seus elegantes desenhos coloridos para o conto de fadas “O Pastor de Porcos”, lírico e ternamente sentimental nas ilustrações de “Pobre Liza” de N. M. Karamzin e profundamente dramático na famosa série de ilustrações de F. M. Dostoiévski. história “Noites dos Brancos” (1922). As melhores obras teatrais de Dobuzhinsky são aquelas que ele apresentou no Teatro de Arte de Moscou ("A Month in the Village" de I. S. Turgenev, 1909, "Nikolai Stavrogin" de F. M. Dostoevsky, 1913).

A obra de muitos mestres do início do século está ligada, de uma forma ou de outra, ao “Mundo da Arte” - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar e outros. Na mesma linha - e Nicolau Konstantinovich Roerich(1874-1947) - artista avançado, cientista, figura pública proeminente. No ambiente artístico da época, Roerich se destacou por seu amor pela história e arqueologia da antiga Rússia, pela arte da Antiga Rus'. Na sua obra, procurou penetrar nas profundezas dos séculos, no mundo vivo e integral dos antepassados distantes, para ligá-lo ao desenvolvimento progressivo da humanidade, aos ideais de humanismo, heroísmo e beleza (“Overseas Guest”, 1902 , il. 211; “A cidade está sendo construída”, 1902).

"União dos Artistas Russos". Na vida artística da Rússia do início do século, a União dos Artistas Russos (1903-1923) desempenhou um papel significativo. Teve como pano de fundo as “Exposições de 36 Artistas”, organizadas em 1901 e 1902 em Moscou. A "União dos Artistas Russos" foi fundada por iniciativa dos moscovitas com o objetivo de fortalecer a jovem organização artística. Muitos dos principais mestres de ambas as capitais tornaram-se seus membros, mas o núcleo da “União dos Artistas Russos” continuou a ser os pintores de Moscou - K. A. Korovin, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. , A. S. Stepanov. Perto da “União dos Artistas Russos” em suas posições artísticas, os participantes ativos em suas exposições foram A. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin. Em 1910, a União dos Artistas Russos se dividiu. De sua composição surgiu o grupo de artistas de São Petersburgo, que restaurou o antigo nome "Mundo da Arte", grupo que deixou de existir como sindicato expositivo em 1903.

A paisagem é o gênero principal na arte da maioria dos mestres da União dos Artistas Russos. Eles foram os sucessores da pintura de paisagem da segunda metade do século 19, expandiram a gama de temas - retrataram a natureza da Rússia central, o sul ensolarado e o norte agreste, e antigas cidades russas com seus maravilhosos monumentos arquitetônicos, e propriedades poéticas antigas, e muitas vezes introduziam elementos do gênero em suas telas, às vezes naturezas mortas. Eles extraíram da natureza a alegria da vida e adoravam pintar diretamente da natureza com um pincel largo e temperamental, rico, brilhante e colorido, desenvolvendo e multiplicando as conquistas do plein air e da pintura impressionista.

As obras dos mestres da “União dos Artistas Russos” expressavam claramente a individualidade criativa de cada um, mas também tinham muitas características semelhantes - um grande interesse na rápida cobertura visual do mundo, um desejo por uma composição dinâmica fragmentária, indefinição de limites claros entre uma pintura composicional e um esboço em escala real. Sua pintura passou a ser caracterizada pela integridade da cobertura plástica da tela, pelo amplo relevo moldando a forma e pela sonoridade da cor.

Arte 1905-1907. Os acontecimentos da primeira revolução russa, que deixaram sua marca em todo o curso subsequente da história russa e mundial, refletiram-se claramente nas artes plásticas. Nunca antes a arte russa desempenhou um papel tão eficaz na vida política do país como hoje. “Os próprios desenhos incitam uma revolta”, relatou o Ministro do Interior I. N. Durnovo ao czar.

COM maior profundidade a revolução de 1905-1907 foi refletida na pintura de cavalete nas obras de I. E. Repin (“Manifestação em homenagem a 17 de outubro de 1905”), V. E. Makovsky (“9 de janeiro de 1905 na Ilha Vasilyevsky”), I. I. Brodsky (“Funeral Vermelho "), V. A. Serov ("Funeral de Bauman"), S. V. Ivanov ("Execução"). Já falamos acima sobre numerosos trabalhos sobre o tema revolucionário de N. A. Kasatkin, em particular sobre telas como “O Trabalhador Militante”.

Durante a revolução de 1905-1907, os gráficos satíricos alcançaram um florescimento sem precedentes - os mais dinâmicos e aparência em massa arte. São conhecidos 380 títulos de revistas satíricas publicadas em 1905-1907 no valor de 40 milhões de exemplares. Graças ao seu amplo alcance, a revolução uniu artistas de várias direções em um grupo grande e amigável. Entre os participantes de revistas satíricas estavam grandes mestres como V. A. Serov, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, I. Ya.

A maioria das revistas satíricas tinha orientação liberal. O governo czarista, mesmo tendo publicado um manifesto sobre a liberdade de imprensa, na verdade não permitiu que o Partido Bolchevique publicasse revistas satíricas e políticas. A única revista de orientação bolchevique - "Sting", da qual participou A. M. Gorky, foi banida após o lançamento do primeiro número, e seus editores foram destruídos. No entanto, as melhores revistas satíricas de 1905-1907, pelo seu conteúdo acusatório, pela agudeza do pensamento político atual e pelo propósito, tiveram grande valor educativo.

Na maioria das vezes, sua sátira, tanto no texto quanto na parte visual, era dirigida contra a autocracia. A elite dominante da Rússia e o próprio czar Nicolau II foram especialmente criticados. A denúncia das repressões sangrentas do governo czarista também se tornou um tema comum.

“Machine Gun” era uma revista muito corajosa daqueles anos, que devia muito ao empreendimento e engenhosidade de seu editor N. G. Shebuev e do artista I. M. Grabovsky. Imagens generalizadas de participantes da revolução - um trabalhador, um soldado, um marinheiro, um camponês - apareceram repetidamente em suas páginas. Na capa de uma das edições da Machine Gun, tendo como pano de fundo as chaminés fumegantes das fábricas, Grabovsky colocou a imagem de um trabalhador e fez a significativa inscrição “Sua Majestade Trabalhadora, o Proletário de Toda a Rússia”.

Eu. 212. M. V. Dobuzhinsky. Idílio de outubro. "Bogey", 1905, nº 1

Um tom combativo caracterizou muitas revistas (The Spectator, a mais durável delas, Leshy, Zhupel e sua sequência, Hell's Mail). V. A. Serov e muitos estudantes do World of Art colaboraram nas duas últimas revistas. Ambas as revistas se destacaram pela arte de suas ilustrações. O primeiro apresentava as famosas composições de Serov “Soldados, bravos rapazes, onde está a sua glória?” (il. 199), "Idílio de Outubro" de Dobuzhinsky (il. 212), Lanceray - "Trizna" (il. 213); no segundo - o "Olimpo" de Kustodiev - caricaturas cáusticas de membros do Conselho de Estado. Freqüentemente, os desenhos em revistas satíricas tinham a natureza de esboços cotidianos - esboços sobre o tema do dia. A alegoria, às vezes usando obras populares de cavalete de artistas russos, às vezes imagens folclóricas, era uma forma comum de mascarar a sátira. A atividade da maioria das revistas satíricas de 1905-1907 nasceu da revolução e congelou junto com o fortalecimento da reação governamental.

Arte 1907-1917. A década anterior a Outubro na Rússia, após a derrota da revolução de 1905-1907, foi uma época de provações difíceis e de reacção desenfreada dos Cem Negros. Em 1914, começou a primeira guerra imperialista mundial. Em condições difíceis, o partido bolchevique reuniu forças para a ofensiva e, a partir de 1910, cresceu uma onda de novo levante. movimento revolucionário, estavam em andamento os preparativos para a derrubada da autocracia. A Rússia estava às vésperas dos maiores acontecimentos históricos.

A situação tensa no país complicou ainda mais a vida artística russa. Muitos artistas estavam dominados pela confusão, por estados de espírito vagos, por impulsos apaixonados mas infundados, por experiências subjetivas infrutíferas, por lutas entre direções artísticas. Várias teorias idealistas se difundiram, separando a arte da realidade e das tradições democráticas. Essas teorias foram submetidas a críticas impiedosas por V.I.

Mas mesmo numa situação tão difícil, o desenvolvimento da arte realista russa não parou. Vários itinerantes proeminentes e membros da União dos Artistas Russos continuaram a trabalhar ativamente. Entre os artistas das maiores associações criativas, tem havido tendências de aproximação e pontos de contacto sobre algumas questões fundamentais. Durante estes anos, os estudantes do World of Art criticaram o individualismo generalizado, defenderam o fortalecimento de uma escola de arte profissional, e a sua busca pela arte de grande estilo tornou-se ainda mais proposital. N.K Roerich expressou a ideia de que a luta direcional não exclui a possibilidade de levantar a bandeira " realismo heróico", correspondente ao horário.

A interação de gêneros individuais de pintura se intensificou, a herança doméstica e clássica foi repensada, V. A. Serov foi um dos primeiros no século 20 a limpar a mitologia antiga da antiga interpretação acadêmica pseudo-clássica, revelando nela o princípio realista. Na década pré-revolucionária, apenas um pequeno número de pinturas grandes e significativas foram criadas, mas não é por acaso que foi então que apareceu “Stepan Razin” de V. I. Surikov, atendendo ao alto objetivo da arte nacional - refletir o grande ideias do nosso tempo. Uma evidência significativa do progresso da arte russa foi o desejo de vários pintores - A. E. Arkhipov, L. V. Popov, K. S. Petrov-Vodkin, Z. E. Serebryakova e outros - de conectar a imagem do povo com o pensamento da Pátria, com sua terra natal terra .

Z. E. Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova cantou em suas melhores obras a vida camponesa dos trabalhadores. O legado de A.G. Venetsianov e dos grandes mestres do Renascimento desempenhou um papel importante na formação de sua arte. O rigor das imagens monumentais, a harmonia e equilíbrio da composição e as cores sólidas e densas distinguem as suas melhores pinturas. Especialmente notáveis são “A Colheita” (1915) e “Branqueando a Tela” (1917, il. XII), em que as figuras são tão grandes, mostradas de um ponto de vista baixo, e o ritmo dos movimentos é majestoso . A tela é percebida como um monumento ao trabalho camponês.

K. S. Petrov-Vodkin(1878-1939). No período inicial de seu trabalho, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin prestou homenagem às tendências simbolistas abstratas. Um estudo atento das melhores tradições do Renascimento europeu e, mais importante, da linha da arte russa que pode ser traçada nas obras dos pintores da Antiga Rus, ajudou o artista a demonstrar uma visão de mundo democrática. Nas telas “Mãe” (1913 e 1915, il. 214) e “Manhã” (1917), as imagens das mulheres camponesas refletem a elevada pureza moral do mundo espiritual do povo russo. A pintura “O Banho do Cavalo Vermelho” (1912) está imbuída de uma premonição de mudanças sociais iminentes. O sublime conteúdo ideológico é atendido pelo laconicismo da composição, pela dinâmica do espaço, pelo rigor clássico do desenho e pela harmonia da cor, construída sobre as cores principais do espectro.

P. V. Kuznetsov(1878-1968). No início de sua carreira criativa, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov também experimentou a influência do simbolismo. O conjunto quirguiz de suas pinturas ("Mirage in the Steppe", 1912, III. 215; "Sheep Shearing", 1912) refletia uma compreensão poética da imagem de um trabalhador no mundo ao seu redor. Histórias de vida simples, gestos sem pressa e rostos calmos de pessoas empenhadas no seu trabalho habitual na sua terra natal, a estrutura musical da cor, a solenidade da paisagem - tudo recria uma imagem holística e harmoniosa.

Eu. 215. P. V. Kuznetsov. Miragem na estepe. X., têmpera. 95 X 103. 1912. Galeria Tretyakov

MS Saryan(1880-1972). Em uma série de pinturas baseadas em suas impressões de viagens aos países do Oriente, Martiros Sergeevich Saryan também poetiza a vida popular que retrata ("Rua. Meio-dia. Constantinopla", 1910; "Tamareira. Egito", 1911, etc. ). Suas obras lacônicas são construídas sobre silhuetas de cores vivas e sólidas, contrastes de ritmo, luz e sombra. As cores são enfaticamente decorativas, os planos espaciais são claramente desenhados. A poesia da arte de Saryan é determinada por sua capacidade de preservar um sentido vibrante de vida com intensa sonoridade e beleza da paleta pictórica.

As melhores obras dos artistas acima mencionados, que mais tarde deram uma contribuição inestimável para arte soviética, abriu a perspectiva de um maior desenvolvimento da arte realista monumental, cuja criação pertencia a uma nova era histórica.

Retratos com imagens psicológicas profundas não teve um desenvolvimento tão amplo na década pré-revolucionária como no período anterior, no entanto, vários exemplos mostram o seu enriquecimento na obra de mestres notáveis. Basta relembrar os autorretratos de V. I. Surikov e M. V. Nesterov, onde o complexo mundo espiritual de um homem de arte se revela com suas ansiedades, reflexões sobre a vida ou as nítidas características do retrato de V. A. Serov.

Continuação desta linha gênero retrato também pode ser visto nas obras de S.V. Malyutin (por exemplo, retratos de V.N. Baksheev, 1914, il. 216, K.F. Yuon, 1916). Pose, postura, gestos e expressões faciais transmitem caráter e testemunham a extraordinária personalidade dos representantes da arte russa. Da mesma forma, I. I. Brodsky pintou um retrato de A. M. Gorky (1910).

A pintura “A Freira” (1908, il. 218) de B. M. Kustodiev é significativa na interpretação psicológica da imagem. Embora o autor não tenha pretendido criar uma obra acusatória, o poder de penetração realista no mundo espiritual do retratado conferiu a esta imagem um certo significado simbólico. Diante de nós está o guardião dos fundamentos da igreja: gentil, e astuto, e gracioso, e poderoso, impiedoso. No entanto, a arte de Kustodiev, cheia de otimismo, dirige-se principalmente às tradições da antiguidade russa, aos costumes populares e aos festivais. Em suas telas ele combina observação vívida da natureza, imagens e decoratividade brilhante ("Esposa do Mercador", 1915, il. 219; "Maslenitsa", 1916).

A década de 1910 está associada a grandes sucessos no campo de um novo gênero - o retrato teatral, onde o artista enfrenta uma difícil tarefa criativa - mostrar a inspiração do ator, sua transformação em imagem cênica. O campeonato aqui pertence a A. Ya. Conhecendo muito bem as peculiaridades do palco e da dramaturgia, criou uma imagem majestosa e trágica no retrato de F. I. Chaliapin no papel de Boris Godunov (1912, il. 220).

A paisagem de uma forma ou de outra atraiu todos os artistas: eles foram unidos neste gênero por pesquisas pictóricas e colorísticas. Porém, para muitos, a imagem da natureza tornou-se mais uma solução para um esboço do que um problema de pintura, como acontecia no século XIX. No período pré-revolucionário, apenas alguns grandes mestres conseguiram transmitir o sentimento épico de sua terra natal ao retratar a natureza - predominavam os motivos líricos. A. A. Rylov voltou-se para as tradições da pintura de paisagem (“Green Noise”, 1904, il. 217). Sua pintura romântica “Cisnes sobre o Kama” (1912) prenunciou a pintura “Na Expansão Azul”, criada após a Grande Revolução Socialista de Outubro. O interesse cada vez maior pelo patrimônio nacional levou ao surgimento de uma série de suítes pictóricas dedicadas às antigas cidades russas. Ao incluir cenas do cotidiano na composição, os artistas mostraram a natureza e o homem igualmente ativos na pintura de paisagem(“Em Sergiev Posad” de K. F. Yuon e outros).

Os pintores paisagistas, em sua maioria representantes da União dos Artistas Russos, enriqueceram significativamente suas habilidades de pintura. Foi aqui que prevaleceram os estudos e a interpretação lírica de motivos, muitas vezes rurais, que datam de A.K. Savrasov, V.D. A pintura ao ar livre foi reabastecida com paisagens poéticas e coloridas como “Kem” (1917) de K. A. Korovin, “Towards Evening” de N. P. Krymov, as melhores obras de S. A. Vinogradov (“Jardim de Flores”, “Primavera”, 1911, il. 221) e S. Yu. Zhukovsky ("Dam", 1909, il. 222; "Joyful May", 1912).

O natureza morta. Agora este gênero é representado pelas obras de vários artistas de diversas associações criativas e é diversificado em motivos, conteúdos e objetivos. Em suas inúmeras naturezas mortas, K. A. Korovin grande importância deu decoratividade e beleza de cor. O mesmo começo é característico das obras de S. Yu. Sudeikin e N. N. Sapunov. As conquistas do impressionismo enriqueceram a pintura de I. E. Grabar (“The Untidy Table”, 1907, il. 223, etc.).

Os artistas da associação “Valete de Ouros”, que surgiu em 1910, trabalharam ativamente no campo da natureza morta, bem como da paisagem e do retrato: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin e outros. Em busca da originalidade nacional da arte, utilizaram as tradições do primitivo nacional (gravuras populares, letreiros, pinturas de bandejas, etc.), mas também descobriram ligações com a arte francesa contemporânea, principalmente com Cézanne e seus seguidores. As melhores obras dos mestres deste grupo, escritas com peso material e alcance decorativo, refletiram-se no amor à vida e na grande cultura artística. Tais são, por exemplo, o grotesco "Retrato de G. B. Yakulov" (1910, il. 224) e a natureza morta "Agave" (1916) de P. P. Konchalovsky, "Abóbora" (1914, il. 225) e "Natureza morta com Brocado" (1917) I. I. Mashkova.

Artes teatrais e decorativas experimentou um florescimento brilhante: muitos pintores importantes trabalharam para o teatro. Basta citar os nomes de V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Petrushka" por I. F. Stravinsky - A. N. Benois; "Príncipe Igor" por A. N. Borodin - N. K. Roerich; "Máscara" por M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovina, etc.). As “Estações Russas” em Paris e outras cidades da Europa Ocidental, organizadas por S. P. Diaghilev, em cuja concepção participaram muitos dos mestres acima mencionados, glorificaram a arte russa no cenário internacional. O alto nível artístico dos cenários e figurinos, e todo o aspecto da ação cênica, surpreenderam os estrangeiros com uma síntese de artes, um espetáculo de extraordinária beleza e originalidade nacional.

Como mencionado acima, o processo de desenvolvimento do realismo em 1907-1917 foi complicado pela crise da cultura burguesa. A parte menos estável da intelectualidade artística, embora capturada pelo espírito geral de protesto contra a realidade burguesa, sucumbiu aos estados de ânimo decadentes, afastou-se da modernidade e da vida pública, negou as tradições democráticas na arte, e este protesto em si geralmente tinha o carácter de um rebelião anárquica. Estes fenómenos negativos reflectiram-se pela primeira vez nas obras expostas na exposição Blue Rose, organizada em 1907 e que reúne artistas simbolistas. Os participantes deste grupo de curta duração afirmaram o domínio do intuicionismo na criatividade artística e retiraram-se para o mundo das fantasias místicas e fantasmagóricas. Mas os mais talentosos e determinados (P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan e alguns outros) já na década anterior a outubro seguiram o caminho democrático de desenvolvimento em sua criatividade.

Vários artistas, especialmente os jovens, estiveram envolvidos na década de 1910 na corrente principal dos movimentos modernistas. Alguns deles - defensores do cubismo e do futurismo - alegavam que sua criação de formas correspondia à era da engenharia e da tecnologia, outros - primitivistas - pelo contrário, buscavam retornar ao imediatismo da percepção do mundo por uma pessoa incivilizada. Todas essas tendências estavam intrinsecamente interligadas na arte da década anterior a outubro. Eles afetaram a pintura do “Valete de Ouros”, enquanto as tendências estilísticas e primitivistas foram especialmente refletidas nos representantes do grupo com o nome ousadamente chocante “Rabo de Burro”. Em última análise, todas as variedades de formalismo que então se espalharam na arte russa levaram a uma distorção da realidade, à destruição do mundo objetivo ou, finalmente, ao beco sem saída do abstracionismo (Rauchismo, Suprematismo) - a expressão extrema do modernismo.

As contradições na vida artística russa de 1907-1917 não impediram o desenvolvimento progressivo da arte realista neste período difícil. Os mestres russos avançados perceberam a aproximação da mudança social, sentiram consciente ou intuitivamente a necessidade de alinhar a sua criatividade com a escala dos eventos do turbulento era histórica. Após a Grande Revolução de Outubro, artistas de todas as gerações, alguns antes, outros mais tarde, envolveram-se na construção de uma nova cultura socialista, colocando a sua arte ao serviço do povo revolucionário; sob a influência da realidade soviética, ocorreu uma reestruturação entre aqueles que anteriormente rejeitavam o realismo como método.

Na imagem: “Deslocados. Caminhantes." 1886.

Na imagem: “Mulher extraviada em uma carruagem”, 1886.

Na imagem: “Na estrada. Morte de um migrante." 1889.

Na imagem: "Time of Troubles" (acampamento de Tushino)

Na imagem: “Dia de São Jorge”. 1908

Na imagem: “Campanha do Exército de Moscou Rus'”, século XVI, pintura de 1903.

Na imagem: “Revisão do pessoal de serviço”, o mais tardar em 1907

Mais tarde, o artista trabalha no quadro “Eles vão! Destacamento punitivo" (1905-1909, Galeria Tretyakov).

Na imagem: Eles estão vindo! Esquadrão punitivo.

Na foto: Família, 1907

Na imagem: Chegada do governador

Na imagem: Alemão, 1910

Imagem: Motim na aldeia, 1889

Na imagem: Na prisão. 1884

Na imagem: Chegada de estrangeiros. século 17 1901

Na imagem: escravos Boyar. 1909

Sergei Vasilievich Ivanov (1864-1910). Talvez nenhum artista tenha refletido em seu trabalho as contradições sociais, os conflitos e os movimentos de massa da Rússia no final do século XIX e início do século XX de forma tão ampla, direta e apaixonada quanto Sergei Vasilyevich Ivanov. Notável pintor e desenhista, inimigo implacável do sistema autocrático, homem de consciência agudamente sensível, foi o sucessor mais direto das tradições do realismo crítico entre os mestres de sua geração que procuravam novas formas de arte.

Características principais personalidade criativa O amor de Ivanov pela verdade, o senso de envolvimento no destino do povo, a vigilância da visão social apareceram já no início de sua trajetória na arte, quando, contra a vontade de seu pai, um funcionário do imposto de consumo da cidade de Ruza, perto de Moscou, ele deixou o Land Survey Institute e, com a bênção de V.G. Perov, apreciou muito seus desenhos, ingressou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou em 1878. Suas primeiras obras independentes, expostas em exposições ("Blind Men", 1882; "Agitator in a Carriage", "At the Prison", 1885), atraíram a atenção geral devido à sua maturidade precoce, assimilação viva das conquistas dos mestres seniores - principalmente Repin e Polenov e, o mais importante, com certeza e coragem ao expressar uma posição pública. O início do trabalho de Ivanov sobre o tema “reassentamento” remonta a esta época (ciclo 1885-1890). Não é por acaso que o “Reassentamento” - a migração em massa do campesinato das províncias centrais da Rússia para a periferia do país - despertou o grande interesse do artista, bem como de seus escritores russos favoritos - L. Tolstoi , G. Uspensky , V. Korolenko . Foi a manifestação mais visível e em grande escala da insatisfação das populações com as condições de vida existentes e a prova da sede de uma vida melhor que nelas vive. Só nas últimas décadas do século XIX, vários milhões de camponeses deixaram as suas parcelas insignificantes e as suas cabanas miseráveis e foram em busca de “terras férteis”. Sozinhos, com suas esposas e filhos, em pequenas festas, levando consigo seus frágeis pertences, a pé e em carroças, e se tivessem sorte, então de trem, corriam, inspirados nos sonhos utópicos de “Belovodye” ou “Arapia Branca”. ”, rumo a provações difíceis e, na maioria das vezes, a decepções severas.

Ivanov caminhou muitos quilômetros, sempre criando suas obras com base nas impressões do que viu. Ele capturou os colonos no início de uma longa jornada, cheia de brilhantes esperanças de felicidade (“To New Places”, 1886), e aqueles que foram surpreendidos pelo infortúnio, forçados a se alimentar “pelo amor de Cristo”. Ele pintou os “sortudos” que encontraram um lugar em um vagão de gado (“Misplaced Woman in a Carriage”, 1886), e os infelizes que perderam toda a esperança pelo melhor e estavam tentando pelo menos retornar ao seu antigo, vida escassa, mas familiar (“Reverse Migrants”, 1888).

Com força verdadeiramente trágica, Ivanov transmitiu a dor desesperadora de uma família que havia perdido seu ganha-pão no melhor filme do ciclo - “Na Estrada da Morte” (1889), adquirido. P.M. para sua galeria. Nesta foto, a habilidade composicional do artista, seu desejo e capacidade de fazer imagem realista tão sucinto e conciso quanto possível, a capacidade de fazer com que cada elemento da imagem “funcione” para a impressão geral. De particular importância na estrutura emocional e figurativa da obra (como em geral na obra de Ivanov e de outros pintores da sua geração) é a paisagem, cuja beleza, pelo contrário, realça a tragédia dos destinos humanos.

A devoção de Ivanov às ideias e ideais democráticos levou ao seu apelo constante aos fenómenos em que o protesto do povo contra o despotismo dos que estão no poder, a luta das “duas Rússias” foi expresso de forma mais clara e aberta (“Revolta na Aldeia ”, “Gendarmes montados no pátio da Universidade de Moscou durante a agitação estudantil”, 1890).

Um número significativo de obras de Ivanov na década de 1890 foram executadas como resultado de observações de prisioneiros em prisões e cadeias. Essas pinturas (“O Vagabundo”, 1890; “Palco”, 1892, etc.) são percebidas como um ato de acusação à sociedade, que paralisa e deforma o destino e a alma das pessoas desde a infância. O realismo cruel da representação da vida na prisão, a máxima abordagem ao espectador (com a ajuda de “composições recortadas”) dos detalhes sombrios da vida dos presidiários e, antes de tudo, o sentido crítico mais aguçado de tais obras “ apunhalaram os olhos com a verdade” e eram inaceitáveis para muitos críticos burgueses. Mesmo os membros do conselho da Associação de Exposições de Arte Itinerantes, que naquela época já haviam perdido o antigo espírito de luta de sua arte, com poucas exceções, tratavam as pinturas de Ivanov com bastante cautela e indiferença, não aceitando as mais prementes delas para exposições. Nessas condições, Ivanov, que não queria pintar quadros sentimentais, era natural, nas palavras de Repin, “procurar... uma saída para a dolorosa tragédia da história”.

Na segunda metade da década de 1890 - início de 1900, o artista trabalhou principalmente em pinturas do passado russo dos séculos XVI a XVIII. E aqui ele foi atraído, em primeiro lugar, por aqueles momentos em que a raiva oprimida do povo, acumulada ao longo dos séculos, explodiu freneticamente e um julgamento terrível, mas justo, foi realizado contra os opressores ("The Troubles", 1896; ilustrações para "A Filha do Capitão" A. S. Pushkin , 1899), quando as forças adormecidas da unidade nacional despertaram antes do tempo (“A Marcha dos Moscovitas, século XVI”, 1903). Algumas das obras de Ivanov no gênero histórico são abordadas de forma bastante transparente em sua ironia maligna aos fenômenos da modernidade ("Czar. Século XVI", 1902), demonstrando as raízes históricas do denso filistinismo, da arrogância de alto escalão e das brutais Centenas Negras da Rússia czarista.

Ao mesmo tempo, as obras de Ivanov distinguem-se por um esquema de cores vivas e festivas, transmitindo a beleza da vida antiga, a expressividade das soluções de silhueta, a pintura ampla e livre - traços característicos de muitos, especialmente dos artistas moscovitas da época, que se uniram em 1903 com a participação ativa de Ivanov na “União dos Russos” artistas", que desempenhou um papel significativo no desenvolvimento da arte russa no início do século XX.

Durante este período, Ivanov fez muito para educar a juventude artística, ao lado de V. Serov e A. Arkhipov, K. Korovin, lecionando na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou.

Em 1905, Ivanov, “um revolucionário por natureza”, como disse o artista M. Nesterov sobre seu amigo de juventude, não apenas esteve sinceramente ao lado das massas insurgentes, mas também participou diretamente de eventos revolucionários. Durante o funeral N.E. foi-lhe confiada uma grande soma de dinheiro arrecadada para o levante armado e as chaves das instalações da Universidade de Moscou, que no mesmo dia se transformou em enfermaria para manifestantes feridos.

Em numerosos esboços, caricaturas, estudos e esboços de Ivanov, criados naquela época terrível, vemos o derramamento de bandeiras vermelhas nas praças de Moscou e a excitação das pessoas que sentiram a liberdade pela primeira vez.

Às melhores obras criadas por artistas russos sob a influência de eventos ano, inclui a pintura “Execução”, que está guardada, como muitas outras obras de Ivanov, no Museu Central da Revolução da URSS. Tendo capturado nesta pequena tela o espaço da praça, terrível com o vazio da morte, separando as fileiras dos manifestantes e a linha cinzenta dos punidores que acabavam de disparar uma saraivada, o artista com a maior expressividade transmitiu a crueldade estúpida do assassinato de pessoas desarmadas. Ao mesmo tempo, a imagem contém um nível diferente de generalização artística, incorporando com força corajosa a verdade, cuja consciência final se tornou o principal resultado da primeira revolução russa. " Como um abismo... nossa consciência se abriu... Ficamos em uma beira do abismo, e nossos escravizadores na outra, e percebemos: não há reconciliação para nós. E este é o horror dos nossos inimigos. O curso férreo da vida histórica apagará inexoravelmente a cabeça... do poder do homem sobre o homem" (A. Serafimovich "Marcha Fúnebre", 1906).

Durante os anos de reação feroz que se seguiram à supressão da Revolta de Dezembro, o artista voltou a trabalhar principalmente em temas históricos. No passado ano, “fugindo da porcaria circundante”, ele se estabeleceu na aldeia de Svistukha, não muito longe de Dmitrov. Foi lá naquele ano que ele sofreu uma morte súbita.

Materiais do artigo de Vl. Petrova no livro: 1989. Cem datas memoráveis. Calendário de arte. Publicação anual ilustrada. M. 1988.

Sergei Vasilyevich Ivanov (1864 - 1910) nasceu em 4 de julho de 1864 na cidade de Ruza, província de Moscou, na família de um funcionário do imposto de consumo. As inclinações artísticas do menino apareceram cedo; seu pai, porém, acreditava que seu filho não daria um artista, exceto talvez “um pintor, manchando cartazes”. Não vendo a diferença entre pintura e desenho, ele pretendia que seu filho se tornasse engenheiro e decidiu mandá-lo para o Konstantinovsky Land Survey Institute. Ivanov entrou lá em 1875, depois de se formar na escola distrital. O instituto pesou muito sobre ele e, a conselho de P. P. Sinebatov, colega de seu pai, um “eterno estudante” da Academia de Artes, Ivanov, como um “visitante livre além do contingente”, começou a estudar na Escola de Pintura de Moscou , Escultura e Arquitetura no outono de 1878. No ano seguinte ingressa na Escola e sai do Instituto de Topografia. Desde 1882, S. V. Ivanov está na Academia de Artes de São Petersburgo. A sua primeira pintura, “Pessoas Cegas” (Galeria de Arte de Sverdlovsk), data de 1883, e surgiu como resultado de uma viagem a Samara e às províncias vizinhas do Volga. Obviamente, as origens do interesse do artista pela vida “migratória” remontam a este período.

As aulas na Academia foram bem-sucedidas, mas a insatisfação com os procedimentos acadêmicos e as dificuldades financeiras obrigaram Ivanov, que já havia ingressado na última turma em período integral, a deixar a Academia e se mudar para Moscou. Ivanov retorna à Escola, que

não se formou na época. O último período de estudo inclui as pinturas “A Mulher Doente” (1884, local desconhecido), “Na Taberna” (1885, local desconhecido), “Ao proprietário com um pedido” (1885; local desconhecido), “No prisão” (1884-1885, Galeria Tretyakov), “Agitador em uma carruagem” (1885, Museu Estatal da Revolução da URSS).

A direção dos trabalhos do jovem artista é bastante óbvia. Ele está profundamente interessado na vida dos camponeses; na última dessas pinturas, Ivanov volta-se pela primeira vez para a imagem de um revolucionário. Forma-se também o estilo pictórico do artista; O som colorido de maior sucesso, lacônico e expressivo é a pintura “Na Prisão”.

O artista é cada vez mais atraído pelo tema “reassentamento” e, tendo solicitado à Sociedade de Arte de Moscou um certificado para “viagem e residência” em várias províncias, de Moscou a Orenburg, Ivanov se separou da escola sem sequer receber um certificado para o título de professor de artes. A partir de então, Ivanov tornou-se uma espécie de cronista do trágico fenômeno na vida do campesinato russo pós-reforma, sobre o qual V.I. Lenin escreveu: “As massas arruinadas, empobrecidas e famintas... do centro - o “coração”. ”da Rússia, correu para reassentar...”

O famoso crítico de arte Sergei Glagol fala sobre este período da vida e obra de Ivanov: “...Ele caminhou dezenas de quilômetros com os colonos na poeira das estradas russas, na chuva, no mau tempo e no sol escaldante nas estepes, passou muitas noites com eles, enchendo seu álbum de desenhos e anotações, muitas cenas trágicas passaram diante de seus olhos, e uma série de imagens se formaram em sua cabeça que foram verdadeiramente capazes de pintar a epopéia das migrações russas."

As pinturas e desenhos de Ivanov retratam cenas horríveis da vida no reassentamento. Esperança e desespero, doença e morte estão ao lado das pessoas que vagam pelas extensões da Rússia. A mais impressionante é a pintura “Migrantes Reversos” (1888, Museu de Arte Republicana da República Socialista Soviética Autônoma de Komi, Syktyvkar), na qual a tragédia da situação do camponês é sentida de forma aguda. A consequência lógica de uma existência sem esperança parece ser o destino de uma dessas pessoas indigentes, capturada por Ivanov no filme “Na Estrada da Morte de um Migrante” (1889, Galeria Tretyakov).

Com grande expressividade o artista transmitiu o estado de um camponês fugitivo que se dirigia para lar, de onde terá que sair novamente, fugindo da perseguição ("The Runaway", esboço, 1886, Galeria Tretyakov). Com indisfarçável simpatia, Ivanov escreve sobre um belo camponês de barba preta, um dos irmãos Mironov, “que vai se estabelecer na Sibéria por espancar um policial e testemunhas”. Os personagens da pintura “O Vagabundo” (1890, local desconhecido) são psicologicamente precisos, onde a indiferença do policial se justapõe à cautela do prisioneiro. A pintura “Despachando os Prisioneiros” (1889, Museu Estatal da Revolução da URSS) causa uma impressão deprimente. Isso é em grande parte determinado pela estrutura composicional da tela: o grande e opaco plano verde escuro da carruagem do prisioneiro, os tons cinza sujos do arco da estação, a parede vermelha escura, a neve escurecida e a multidão acastanhada de enlutados. A pintura “Palco” (1891, a pintura foi perdida, uma versão no Museu de Arte do Estado de Saratov em homenagem a A. N. Radishchev) parece resumir a “série de prisioneiros”. ...Um ângulo agudo mostra corpos deitados, pernas algemadas. E entre os que estão imersos num sono pesado, destaca-se o rosto do prisioneiro de cabeça raspada. A pintura adquire extraordinária expressividade graças ao especial técnica composicional- a sua estrutura de “pessoal” enfatiza uma cena da vida na prisão.

A partir de meados da década de 90 inicia-se um novo período na obra do artista, associado à criação de obras históricas. A pintura histórica de Ivanov possui características que a tornam semelhante à arte de Surikov e Ryabushkin. O pintor compreende o estado das massas excitadas em momentos dramáticos agudos ("Troubles", 1897, Museu-Apartamento de I. I. Brodsky, Leningrado; "De acordo com o veredicto da assembléia", 1896, coleção particular), ele é atraído pelo força dos personagens folclóricos russos e ele, assim como Ryabushkin, encontra beleza nos fenômenos da vida popular, afirma a compreensão dessa beleza pelo povo russo. Ivanov capta com sensibilidade a busca pictórica do tempo; as suas obras destes anos adquirem uma sonoridade colorística especial.

Ivanov trabalha com grande entusiasmo nas imagens dos líderes das revoltas populares - Stepan Razin e Emelyan Pugachev.

Numa exposição itinerante em 1901 (o artista foi aceito na Parceria em 1899), Ivanov executou a pintura “A Chegada de Estrangeiros a Moscou no Século XVII” (Galeria Tretyakov). Transmite vários matizes da atitude dos habitantes da cidade para com o visitante: desconfiança, surpresa, curiosidade ingênua; sente-se um sabor histórico especial na representação dos personagens, na apresentação dos detalhes, na magnífica paisagem de inverno. A riqueza das cores está associada à nossa ideia da multiplicidade de cores na Rússia.

Em 1902, na exposição "União 36", núcleo da futura União dos Artistas Russos, da qual Ivanov foi o fundador e participante ativo, foi exposta a sua pintura "Czar. Século XVI" (Galeria Tretyakov). ...O mesmo do filme “A Chegada dos Estrangeiros”, um dia de inverno. Só que não há curiosos, todos caíram de cara no chão. E ao longo deste peculiar “corredor”, passando por pessoas enterradas na neve, gridni (guardas reais) em caftans vermelhos marcham solenemente. Num cavalo ricamente decorado sobe o rei, gordo, desajeitado, com o rosto virado para cima, insensato e pomposo.

A pintura foi avaliada de forma diferente na imprensa. Alguns viram nas figuras derrotadas, no esplendor das vestes reais, “uma consciência digna da grandeza do momento”, outros ficaram perplexos: “há pouco real no rosto do rei, é antes um bem alimentado comerciante em traje real. "Moskovskie Vedomosti" viu na "difamação repugnante de Ivanov" uma caricatura do czar russo.

No inverno de 1903, na Primeira Exposição da União dos Artistas Russos, simultaneamente com a pintura “Greve”, Ivanov apresentou “A Marcha dos Moscovitas do Século XVI” (Galeria Tretyakov). E novamente - a sensação de um dia gelado de inverno; ele é animado pelo exército ruidosamente em movimento, forte, enérgico, assertivo; Tipos folclóricos vívidos permanecem na memória.

Em 1910, Ivanov concluiu a pintura “Família” (Galeria Tretyakov), na qual trabalhou durante muitos anos. Se “A Marcha dos Moscovitas” e uma série de outras obras do artista estão mais próximas das pinturas de Surikov, então “Família” é mais semelhante às pinturas de Ryabushkin, nas quais o artista admira a vida patriarcal russa. O interesse de Ivanov pela história é revelado tanto nas ilustrações de “Taras Bulba” quanto nos quadros sobre temas históricos feitos para a editora de I. N. Knebel.

O espírito cívico da criatividade de Ivanov foi revelado mais plenamente durante

revoluções de 1905-1907. Em 1903, a pintura “Strike” apareceu na exposição da União dos Artistas Russos (Museu Estatal de Belas Artes da RSS do Uzbequistão, Tashkent), onde o proletariado insurgente foi mostrado pela primeira vez na pintura russa. Uma das obras mais impressionantes do gênero histórico-revolucionário, “Execução” (Museu Estatal da Revolução da URSS), data de 1905. A capacidade dos meios pictóricos aqui alcançados por Ivanov deixa-nos profundamente imbuídos da tragédia retratada. A busca do artista, que se manifestou na pintura inicial “Na Prisão” e depois na pintura “Motim na Aldeia”, é corporificada em “Execução” com extraordinária pungência.

Uma praça cinzenta vazia, espremida por enormes edifícios, separa soldados e manifestantes. Voleibol. E as primeiras vítimas caíram na calçada. Aos raios do sol poente, os contrastes de cores das fachadas e extremidades dos edifícios parecem ameaçadores: roxo, amarelo, carmesim, marrom. As manchas das roupas dos mortos - azuis e vermelhas escuras - soam como acordes trágicos na praça bem iluminada. O significado do que está acontecendo é claramente transmitido: a coragem daqueles que caminham com uma bandeira vermelha rumo à morte e a crueldade das forças punitivas.

Ivanov fez uma magnífica gravura a partir da pintura “Execução” (Museu Pushkin); Outra obra de temática histórico-revolucionária também foi realizada com esta técnica: “No Muro Episódio de 1905”.

“Vencedores” - assim o artista chamou sarcasticamente sua aquarela (1905, Museu Estatal da Revolução da URSS), que mostra os resultados das ações “vitoriosas” dos servos do czar: uma praça coberta de neve, cadáveres e um mulher correndo com uma menina tomada de horror. Ivanov revelou o significado do manifesto do czar sobre “liberdades” nos desenhos “Pacificadores” e “Busca”.

No dia 20 de outubro, dia do funeral de N. Bauman, o artista esteve com os que protegiam a universidade da polícia. Os desenhos e esboços de Ivanov retratam esta noite na universidade, que os estudantes transformaram em enfermaria. Um álbum de esboços da pintura “Funeral de Bauman” também foi preservado.

A atividade pedagógica ocupou um lugar importante na vida de Ivanov. Durante onze anos lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou e na Escola Stroganov. Muitos artistas soviéticos devem a ele o desenvolvimento de seu talento.

Ivanov era um artista de talento único e brilhante. A história da Rússia no passado e no presente, o “movimento da vida” em direção ao futuro são profundamente revelados em suas obras. Ele fez muito, esse homem modesto, “que organicamente não gostava de se destacar em lugar nenhum”. S. V. Ivanov morreu aos quarenta e seis anos, em 3 de agosto de 1910.

Materiais utilizados no artigo de Dmitrienko A.F. do livro: Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 50 breves biografias de mestres da arte russa. Leningrado, 1971

Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky

1º (13) de abril de 1837 ou 1º de novembro de 1838, Nizhny Novgorod - 21 de abril (3 de maio) de 1898, São Petersburgo

Ivan Kramskoy Retrato do artista Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky. 1866

Pintor russo de gênero e batalha, artista gráfico, acadêmico e professor de pintura de batalha na Academia Imperial de Artes, participante da “revolta dos quatorze”, um dos fundadores do artel de artistas de São Petersburgo.
Nikolai nasceu na família de um proprietário de terras da província de Orenburg, em Nizhny Novgorod, passou a infância na casa dos pais de seu pai, depois se formou no ginásio provincial de Ufa e mais tarde mudou-se com os pais para São Petersburgo. Aqui o jovem começou a se preparar para ingressar na escola de cadetes. Não se sabe como os pais de Nikolai conheceram o famoso pintor Vasily Kozmich Shebuev(2 (13) de abril de 1777, Kronstadt - 16 (28) de junho de 1855, São Petersburgo) - Conselheiro de Estado titular, acadêmico, desde 1832, Reitor Homenageado da Academia Imperial de Artes. Além disso, os historiadores silenciam sobre o zelo e a idade com que o menino se interessou pelo desenho. Mas permanece o fato de que, a conselho de Shebuev, Nikolai, como escreveram na revista Niva em 1898, “em vista de seu talento descoberto”, ingressou na Academia Imperial, onde se tornou aluno do aluno de Shebuev, um acadêmico em pintura e um acadêmico com a categoria de Fyodor Bruni.

Fedor (Fidélio) Antonovich Bruni(10 de junho de 1799, Milão - 30 de agosto (11 de setembro), 1875, São Petersburgo) em 1855 foi nomeado reitor da Academia do departamento de pintura e escultura, em 1866 criou e chefiou o departamento de mosaico. Bruni era geralmente um pintor titulado - membro honorário das Academias de Artes de Bolonha e Milão, professor honorário da Academia Florentina de Belas Artes e da Academia de São Lucas em Roma.
Na Academia, Nikolai fez grandes progressos ao longo dos anos de estudos, recebeu quatro medalhas de prata pequenas e uma grande em competições acadêmicas. Em 1860, ele finalmente recebeu a Pequena Medalha de Ouro por seu filme programático “Os Jogos Olímpicos”. Nos dois anos seguintes, o artista trabalhou na criação de grandes telas “Grã-Duquesa Sofia Vitovitovna no casamento do Grão-Duque Vasily, o Escuro” (1861, Museu Regional de Arte de Irkutsk em homenagem a V.P. Sukachev) e “Streltsy Riot” (1862, Taganrog Art Museu), contando finalmente conseguir a Grande Medalha de Ouro. A propósito, este é o primeiro discurso de Dmitriev-Orenburgsky sobre o tema de Pedro I.

Nikolai Dmitriev-Orenburg Grã-duquesa Sofia Vitovtovna no casamento do Grão-Duque Vasily, o Escuro. 1861 Museu de Arte de Irkutsk com o nome. V.P. Sukacheva

Revolta de Nikolai Dmitriev-Orenburg Streletsky. Galeria de Arte Taganrog 1862

Nikolai Dmitriev-Orenburg Czarevich Pedro. Esboço para a pintura Streletsky Riot. 1862

Infelizmente, os trabalhos inscritos não receberam o prêmio desejado, mas o artista decidiu participar do concurso pela terceira vez. Mas justamente nesse mesmo ano, 1863, ocorreu na Academia a famosa “revolta dos 14 graduados” liderada por Ivan Kramskoy, que se recusou a implementar a proposta que propunha. tema do programa. Dmitriev-Orenburgsky, entre este grupo de “rebeldes”, deixou a Academia de Artes, recebendo o modesto título de artista de classe de 2º grau. Participou imediatamente da criação do Artel de Artistas de São Petersburgo, do qual foi membro até 1871. Em seu trabalho, o artista interessou-se pelo gênero folclórico, interessou-se pela vida do povo e todo verão ia à aldeia estudando a vida dos camponeses.

Cena da vila de Nikolay Dmitriev-Orenburgsky. década de 1860 Galeria de Arte Permanente

Além das pinturas de gênero, Dmitriev-Orenburgsky também pintou retratos e ilustrou muito, em particular as obras de Nikolai Nekrasov e Ivan Turgenev.

Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Retrato de uma mulher com um vestido aberto. Museu de Arte de Donetsk
Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Mulher brincando com seu cachorro. 1868

Em 1868, a sua pintura “Afogado na Aldeia” (Museu Russo) foi premiada na Exposição Académica, pela qual o artista do 2º grau recebeu o título de Académico.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Afogou-se na aldeia. 1868 Museu Russo, São Petersburgo

A partir de então, Nikolai, para não ser confundido com outros pintores de Dmitriev, passou a assinar com sobrenome duplo, acrescentando ao seu o epíteto “Orenburgsky”. Embora o mecanismo de busca me tenha dito que tudo artista famoso Os Dmitrievs nasceram já no século XX, e os contemporâneos homônimos do artista são mencionados apenas sobre Dmitry Mikhailovich Dmitriev (1814-1865).
Em 1869, Dmitriev-Orenburgsky, como parte da comitiva do Grão-Duque Nikolai Nikolaevich, o Velho, viajou pela Transcaucásia e pelo Cáucaso, bem como pelas províncias de Kharkov e Voronezh. Durante a viagem, a artista compilou um álbum com 42 desenhos a lápis para o príncipe.
Em 1871, uma nova etapa começou na vida e obra de Dmitriev-Orenburgsky. Às custas públicas da Academia, o artista é enviado ao exterior como pensionista por três anos. Ele passa todo esse tempo em Düsseldorf, onde visita oficinas de famosos pintores de gênero - o suíço Benjamin Vautier (27 de abril de 1829 - 25 de abril de 1898) e o alemão Ludwig Knaus (5 de outubro de 1829, Wiesbaden - 7 de dezembro). 1910, Berlim). No final do período de estudos de três anos, Nikolai não retornou à sua terra natal, mas mudou-se para a França. Ele passou os dez anos seguintes de sua vida em Paris. trabalho do artista. Tornou-se um dos organizadores da “Sociedade de Ajuda Mútua” parisiense, exposta anualmente no Salão de Paris, enviando apenas ocasionalmente suas obras para São Petersburgo, trabalhou para publicações ilustradas francesas. ali foram vendidas obras escritas na França, portanto esta parte do patrimônio do artista foi “perdida” em coleções particulares e ainda desconhecida do público em geral. No entanto, como escrevem os historiadores, enquanto vivia em Paris, Dmitriev-Orenburgsky não rompeu com. sua terra natal em seu trabalho, já que pintou principalmente pinturas de gênero da vida russa.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky I.S. Turgenev em caça. 1879

Mas foi na França que ele passou do gênero para a pintura de batalha, a razão para isso foi a guerra russo-turca de 1877-1878 pela libertação dos povos balcânicos do jugo turco e dos sentimentos patrióticos do próprio artista. Algumas fontes escrevem que Dmitriev-Orenburgsky foi até para o exército ativo. Mas, para falar a verdade, vale ressaltar que isso não aconteceu. A Enciclopédia Militar, publicada em 1911-1914, afirma que “o artista não estava preparado para retratar a vida militar, pois viveu em Paris durante a guerra”.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky No poço.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Retrato de um voluntário russo. 1878

Após o fim da guerra, Dmitriev-Orenburgsky apresentou ao imperador Alexandre II vários esboços de pinturas retratando momentos de operações militares do exército russo. Tendo recebido a mais alta aprovação e graças ao seu conhecimento pessoal do Grão-Duque Nikolai Nikolaevich, o artista recebeu uma encomenda do próprio imperador para uma série de pinturas de batalha dedicadas à guerra russo-turca. A partir de agora, o tema militar passa a ser o principal na obra do artista. Os historiadores da arte estimam que ele pintou mais de trinta pinturas dedicadas aos acontecimentos desta guerra.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Captura do reduto Grivitsky perto de Plevna. 1885

Para ter o material necessário para o trabalho e a oportunidade de cumprir a encomenda, o artista regressou a São Petersburgo em 1885, depois foi “localizar” para a Bulgária. A enciclopédia militar escreve que “esta grande obra, que exigiu 9 anos de vida, obriga-nos a dar ao artista um lugar digno na história da nossa pintura de batalha”. Após retornar à sua terra natal, as pinturas do artista começaram a aparecer em exposições anuais de arte e sempre atraíram a atenção da crítica. Obras de Dmitriev-Orenburgsky, incluindo “Cruzando o Danúbio”, “Rendimento de Nikopol”, “Captura do reduto Grivitsky”, “Batalhas perto de Plevna”, “Ocupação de Adrianópolis”, “Entrada de V.K. Nikolaevich em Tarnovo”, etc. ., recebeu até uma avaliação positiva do pintor de batalha V.V.

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Travessia do exército russo através do Danúbio em Zimnitsa em 15 de junho de 1877. 1883

Em 1883, a Academia de Artes concedeu ao seu ex-aluno rebelde o título de professor de pintura pelas pinturas “A Batalha nas Colinas Sistov do Comboio do Imperador Alexandre II” e “A Entrada do Imperador na Cidade de Ploiesti. ” Uma série de dez pinturas, a mando do imperador Alexandre III, foi colocada na Galeria Pompéia Palácio de inverno. E a pintura “Apresentação de Osman Pasha ao Imperador Alexandre II” já foi retratada em todas as revistas ilustradas e impressa em cartões postais.

Nikolai Dmitriev-Orenburg Apresentação de Osman Pasha ao Imperador Alexandre II. Década de 1890
O título completo da pintura é Capturado Osman Pasha, que comandou as tropas turcas em Plevna, sendo apresentado a Sua Alteza Imperial o Soberano Imperador Alexandre II, no dia da captura de Plevna pelas tropas russas em 29 de dezembro de 1877.

No entanto, os autores da mesma Enciclopédia Militar foram muito críticos em relação à pintura de batalha de Dmitriev-Orenburgsky. A Enciclopédia escreveu: “Nestas pinturas, o artista é um representante do realismo, primando pela veracidade e simplicidade da imagem, mas, na ausência de forte talento e impressões militares diretas, não foi capaz de dar às suas pinturas nem grandeza histórica nem expressividade dramática. . São ilustrações realisticamente decentes, mas áridas, que não chamam a atenção pelo seu lado artístico.” Vale ressaltar que esta enciclopédia foi publicada após a morte do artista.

Nikolai Dmitriev-Orenburg General N.D. Skobelev a cavalo. 1883

Nikolai Dmitriev-Orenburg Entrada do Grão-Duque Nikolai Nikolaevich em Tarnovo em 30 de junho de 1877. 1885

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky militar na aldeia. 1897

Observo também que Dmitriev-Orenburgsky não abandonou completamente sua amada tema gênero-folk. Na década de 1880, apresentou novos trabalhos em exposições: “Perto da Aldeia”, “Encontro”, “Moça Camponesa”, “Ressurreição na Aldeia”, infelizmente, o destino de algumas destas pinturas é desconhecido.

Reunião Nikolay Dmitriev-Orenburgsky. Museu de Arte de Odessa de 1888

Nikolai Dmitriev-Orenburgsky domingo na aldeia. 1884

A famosa pintura “Fogo na Aldeia” (1885), por exemplo, foi adquirida pelo próprio Imperador para sua coleção e agora a pintura está guardada no Museu Russo;

Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Incêndio na aldeia. 1885

Dmitriev-Orenburgsky continuou a trabalhar ativamente na área de ilustração de livros, colaborando com as revistas “Niva”, “Pchela”, “North”, “Picturesque Review”, etc. Além de ilustrações para as obras de Pushkin, Turgenev e Nekrasov , o artista criou uma grande série de desenhos históricos, retratando acontecimentos da época de Ivan, o Terrível, Pedro, o Grande e Catarina II. Além disso, os críticos notaram “um profundo conhecimento da época e a capacidade de compreender a psicologia das figuras históricas”. A série de gravuras apresentadas a seguir, realizadas
Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky morreu em 1898 em São Petersburgo, aos 60 anos.

Principais fontes – Wikipédia, enciclopédias eletrônicas e revista"Niva" para 1898.

Biografia do artista, trajetória criativa. Galeria de pinturas.

Ivanov Sergey Vasilievich

(1864 - 1910)

Aceso.: Granovsky I. N.., S. V. Ivanov. Vida e criatividade, M., 1962.

V. M. Petyushenko
TSB, 1969-1978

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Sua habilidade para desenhar apareceu muito cedo, mas antes de entrar na Escola de Pintura e Pintura de Moscou, ele teve, a mando de seus pais, que estudar no Instituto de Pesquisa de Terras de Moscou, onde eram ensinados desenho e desenho. O encontro do futuro artista com P.P. Sinebatov, formado pela Academia de Artes, mudou significativamente sua vida. Aproveitando seu conselho, começou a copiar por conta própria e, em 1878, submeteu documentos à Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, que frequentou pela primeira vez como voluntário. Em 1882, tendo concluído o curso científico e a aula de figuras da escola, transferiu-se para a Academia de Artes de São Petersburgo, mas em 1884 retornou a Moscou. As qualidades distintivas do caráter de Ivanov - independência e determinação - desempenharam um papel importante quando ele cometeu um ato muito corajoso. Em 1885, deixou a escola sem sequer iniciar o trabalho final. Cativado pelos temas da vida, inquieto, em busca de novas impressões, não se envergonhou de que sem uma pintura competitiva receberia apenas o certificado para o título de professor de artes. A ideia de fazer uma longa viagem por diferentes províncias da Rússia o ocupou muito mais. O artista queria ver com seus próprios olhos como se desenrolava o destino dos camponeses migrantes, grandes multidões que se deslocavam para o leste da Rússia, após a reforma realizada por P.A. Stolypin, na esperança de encontrar terras e uma vida melhor. Esta longa viagem pelas províncias de Moscou, Ryazan, Vladimir, Samara, Orenburg e Voronezh começou na primavera de 1885. O resultado foi toda uma série de desenhos, esboços e pinturas sobre a vida dos imigrantes, entre eles o de maior sucesso em termos de pitoresco foi a pequena tela “Reassentado em uma Carruagem”. A pintura apareceu em uma exposição estudantil em 1886 e foi comprada por V.D. Polenov, que tratou o aspirante a pintor com grande atenção e cuidado. É preciso dizer que Ivanov, também ao longo de sua vida, sentiu uma afeição amigável por Polenov. Na década de 1880, era um convidado frequente em sua casa, participando, entre outros jovens, das noites de desenho de Polenov. “Mulher extraviada em uma carruagem”, próxima de um esboço em seu frescor de percepção, foi pintada ao ar livre, não sem a influência de Polenov, um mestre da pintura ao ar livre. A obra impressionou pela vitalidade da cena, pela luz solar intensa e pela imagem habilmente capturada de uma velha sentada em uma carruagem. Pouco depois surgiram outros esboços e obras concluídas, entre elas: “Deslocados. Solitário", "Na estrada. Morte de um migrante." Neles, o tema da vida camponesa sem esperança é levado ao máximo grau de ênfase social e soa tão poderoso quanto nas melhores obras dos Wanderers. Pintura “Na estrada. Morte de um Migrante" foi aceito para a XVII exposição itinerante, realizada em 1889.

Além das habilidades artísticas, Ivanov tinha uma mente científica. Durante suas viagens, sempre produziu interessantes esboços etnográficos, arquitetônicos, cotidianos e descrições científicas. No verão de 1886, na província de Samara, ele encontrou cemitérios da Idade da Pedra e ficou seriamente interessado neles. Com o tempo, ele colecionou uma interessante coleção paleontológica, parte da qual foi doada a V.D. Polenov e alojada na propriedade Borok. Os interesses científicos e artísticos levaram Ivanov a levar a fotografia a sério. Muitas fotografias tiradas durante as viagens foram então utilizadas no trabalho de pinturas históricas. O artista era membro titular da Sociedade Russa de Mineração Fotográfica e Geográfica.

Durante esses mesmos anos, Ivanov trabalhou paralelamente em ilustrações para as obras de A.S. Pushkin, publicadas em 1898-1899 pela editora Kushnerev. Ele foi atraído pela oportunidade de refletir a história russa nas histórias “A Filha do Capitão” e “Canções sobre o Profético Oleg”, que ele escolheu para ilustrar. O artista estava especialmente interessado na imagem de Emelyan Pugachev. Ele pintou vários retratos para ele, incluindo seu “Autorretrato com Chapéu”, chamado de Irritado. Mas a melhor ilustração foi aquela que representava o Príncipe Oleg e o mágico.

Uma descrição interessante de S.V. Ivanov, ainda estudante da escola, foi dada por M.V. Ele escreveu: “Ele parecia um estudante rebelde, esfarrapado, pernas longas, cabeça encaracolada. Uma pessoa quente e apaixonada, com paixões sinceras e apaixonadas. Ele sempre ajudou o discurso com seu gesto deliberadamente apaixonado. Direto, impecavelmente honesto e tudo nele era atraente... Ivanov, aparentemente severo, muitas vezes mostrava seu entusiasmo e energia juvenil, contagiando os outros. Ele adorava ser guia de cavalos em empreendimentos, mas se algum empreendimento falhasse, ele ficava desanimado. Às vezes, seus camaradas riam dele por isso. A natureza rebelde do “incendiário infernal”... Ardente e quente, ele às vezes dava a impressão de uma pessoa dura, até mesmo despótica, mas por baixo disso escondia uma natureza muito profunda e suave.” Este belo retrato verbal complementa o visual, executado em 1903 pelo artista I.E. Dele, o olhar de um homem olha com grande tristeza e tensão para este mundo difícil.
S.V. Ivanov morreu repentinamente de coração partido em 16 de agosto de 1910 na vila de Svistukha, onde viveu tranquilamente nos últimos anos.

Em 1900, a influência do impressionismo tornou-se cada vez mais perceptível na obra de S. Ivanov. A transferência do ambiente luz-ar destaca os principais objetos das composições. As obras do artista caracterizam-se por uma interpretação lacônica e contundente das imagens.

Desde o final da década de 1890, o artista trabalhou principalmente em pinturas do passado russo. No passado da Rússia, o artista foi atraído principalmente por momentos dramáticos agudos, pela força dos personagens folclóricos russos (“Campanha dos Moscovitas. Século 16”, 1903) e pela beleza da vida antiga (“Família”, 1910). As obras de Ivanov sobre a vida dos boiardos e boiardos estavam imbuídas de ironia maligna, demonstrando as raízes históricas de fenômenos como o filistinismo denso e a arrogância de alto escalão. Em 1902, na exposição “União 36”, Ivanov apresentou a pintura “Czar. Século XVI." É um dia de inverno, um cortejo cerimonial se move ao longo de uma rua de Moscou, à frente da qual marcham solenemente gridni (guardas) em caftans vermelhos. Num cavalo magnificamente decorado, com roupas ricas, cavalga um rei, gordo e desajeitado, com o lábio pomposo levantado. Mas os Lyuli, enterrados na neve num acesso de sentimento subserviente, não conseguem apreciar a “grandeza do momento”. Utilizando a técnica da “composição calorificada”, o artista aproximou a imagem o mais possível do espectador, como se criasse o “efeito de presença” em seu interior. Esta obra distingue-se pelo seu esquema de cores vivas, soluções de silhueta expressivas e pintura livre.

A vida na aldeia russa era difícil. A chamada questão do reassentamento preocupou muitos representantes da cultura e da arte russa avançada naqueles anos. Mesmo V. G. Perov, o fundador do realismo crítico, não ignorou este tópico. Por exemplo, seu desenho “Morte de um Migrante” é famoso.
Os colonos causaram uma impressão dolorosa em A.P. Chekhov, que viajou por toda a Sibéria na estrada para Sakhalin em 1890. Sob a influência de conversas com Chekhov, ele viajou ao longo do Volga e Kama, até os Urais, e de lá para a Sibéria e N. Teleshov. “Além dos Urais, vi a vida cansativa dos nossos colonos”, lembrou ele, “as dificuldades e os fardos quase fabulosos da vida camponesa do povo”.

Impotente para ajudar estas pessoas, o artista pensou com dor na tragédia incomensurável da sua situação e no engano dos seus sonhos de “felicidade”, que não estavam destinados a encontrar nas condições da Rússia czarista.

No final da década de 1880, Ivanov concebeu uma grande série de pinturas, contando consistentemente sobre a vida dos colonos. Na primeira pintura - “Rus is Coming” - o artista quis mostrar o início de sua jornada, quando as pessoas ainda estavam alegres, saudáveis e cheias de grandes esperanças. “Pessoas deslocadas. Caminhantes." 1886 .

"Na estrada. Morte de um migrante." 1889

O chefe da família, o ganha-pão, morreu. O que aguarda as infelizes mãe e filha no futuro - esta é a pergunta que todos se fazem involuntariamente ao olhar a foto. E a resposta é clara. Pode ser lido na figura da mãe estendida no chão. A mulher angustiada não tem palavras nem lágrimas.

Num desespero silencioso, ela raspa a terra seca com os dedos tortos. Lemos a mesma resposta no rosto confuso e enegrecido da menina, como um carvão apagado, nos olhos congelados de horror, em toda a sua figura entorpecida e emaciada. Não há esperança de ajuda!

Migrantes (migrantes reversos), 1888

Ivanov procurou deliberadamente essa impressão. Como Perov em “Vendo os Mortos”, ele confinou sua dor a um estreito círculo familiar, abandonando as figuras de mulheres simpáticas que estavam no esboço preliminar da pintura. Querendo enfatizar ainda mais a desgraça dos colonos, o artista decidiu não incluir o cavalo, que também estava no desenho, na foto. .

O poder da pintura de Ivanov não termina com a representação verdadeira de um momento específico. Esta obra representa uma imagem típica da vida camponesa na Rússia pós-reforma.

Fontes.

http://www.russianculture.ru/formp.asp?ID=80&full

http://www.rodon.org/art-080808191839

Vale ressaltar que a fotografia não retrata a etapa mais difícil da jornada do migrante. Depois de uma viagem de inverno em um vagão de carga sem aquecimento, a vida em uma cabana nas margens do congelado Irtysh, dois meses no convés de uma barcaça lotada, uma viagem em sua própria carroça pela estepe florida foi mais relaxamento e entretenimento para a família . Infelizmente, o pobre coitado não suportou as adversidades anteriores e morreu no caminho - como cerca de 10% das crianças e 4% dos adultos que se mudaram para a Sibéria naquela época. A sua morte pode estar associada às difíceis condições de vida, desconforto e condições insalubres que acompanharam o reassentamento. Mas, embora não seja óbvio à primeira vista, a imagem não indica pobreza - a propriedade do falecido, muito provavelmente, não se limita à pequena quantidade de coisas na carroça.

No mapa você pode traçar a rota de Tyumen a Barnaul por água. Deixe-me lembrá-lo de que na década de 1880 a ferrovia terminava em Tyumen.

Na imagem: “Deslocados. Caminhantes." 1886.

Na imagem: “Mulher extraviada em uma carruagem”, 1886.

Na imagem: “Na estrada. Morte de um migrante." 1889.

Na imagem: "Time of Troubles" (acampamento de Tushino)

Na imagem: “Dia de São Jorge”. 1908

Na imagem: “Campanha do Exército de Moscou Rus'”, século XVI, pintura de 1903.

Na imagem: “Revisão do pessoal de serviço”, o mais tardar em 1907

Mais tarde, o artista trabalha no quadro “Eles vão! Destacamento punitivo" (1905-1909, Galeria Tretyakov).

Na imagem: Eles estão vindo! Esquadrão punitivo.

Na foto: Família, 1907

Na imagem: Chegada do governador

Na imagem: Alemão, 1910

Imagem: Motim na aldeia, 1889

Na imagem: Na prisão. 1884

Na imagem: Chegada de estrangeiros. século 17 1901

Na imagem: escravos Boyar. 1909

Data da morte: Um lugar de morte: Cidadania:

Império Russo

Gênero:

pinturas de histórias

Estilo: Influência: Funciona no Wikimedia Commons

Sergei Vasilievich Ivanov(4 (16) de junho, Ruza - 3 (16) de agosto, vila de Svistukha (hoje distrito de Dmitrovsky, região de Moscou)) - Pintor russo.

Biografia

primeiros anos

O último período de estudo inclui as pinturas “A Mulher Doente” (1884, local desconhecido), “Na Taberna” (1885, local desconhecido), “Ao proprietário com um pedido” (1885; local desconhecido), “No prisão” (1884-1885, Galeria Tretyakov), “Agitador em uma carruagem” (1885, Centro Estadual de Ciências Sociais e Pesquisa). É nessa época que remonta o início dos trabalhos sobre o tema do reassentamento (ciclo 1885-1890).

Tema do reassentamento (1885-1890)

Já em seus últimos anos, Sergei Ivanov voltou-se para problemas sociais prementes. Em particular, sua atenção foi atraída para um fenômeno característico da aldeia russa do último quartel do século XIX: na segunda metade da década de 1880, começou o reassentamento na Sibéria. Após a reforma de 1861, surgiu a necessidade de resolver a questão fundiária. O governo viu uma solução na realocação de camponeses sem terra para esta região vasta e escassamente povoada. Só nas últimas décadas do século XIX, vários milhões de camponeses deixaram as suas parcelas insignificantes e as suas cabanas miseráveis e foram em busca de “terras férteis”. Sozinhos, com suas esposas e filhos, em pequenas festas, levando consigo seus frágeis pertences, a pé e em carroças, e se tivessem sorte, então de trem, corriam, inspirados nos sonhos utópicos de “Belovodye” ou “Arapia Branca”. ”, rumo a provações difíceis e, na maioria das vezes, a decepções severas. A tragédia dos camponeses sem terra deixando seus lugares de origem, das províncias centrais às periferias do país - até a Sibéria e morrendo às centenas ao longo do caminho - esta é a ideia principal da série de pinturas de Ivanov. Ele capturou cenas da vida camponesa em pinturas coloridas deliberadamente monótonas e “lutosas” sobre imigrantes.

O crítico de arte Sergei Glagol (pseudônimo de S.S. Goloushev) fala sobre este período da vida e obra de Ivanov:

“... Ele caminhou dezenas de quilômetros com os colonos na poeira das estradas russas, sob a chuva, o mau tempo e o sol escaldante nas estepes, passou muitas noites com eles, enchendo seu álbum de desenhos e notas, muitas cenas trágicas passaram antes seus olhos e uma série de pinturas que são verdadeiramente capazes de retratar a epopéia das migrações russas.”

Período de obras históricas

Anos revolucionários - últimos anos

Mais tarde, o artista trabalha no quadro “Eles vão! Destacamento punitivo" (-, Galeria Tretyakov).

Lecionou na Escola de Arte e Indústria Stroganov (1899-1906), na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1900/1903-1910).

Trabalhou frutuosamente como mestre de água-forte e litografia, bem como ilustrador de obras de N.V. Gogol, M.Yu. Lermontov, A.S. Pushkina e outros.

Ivanov morreu aos 46 anos de ataque cardíaco no dia 3 (16) de agosto em sua dacha no vilarejo de Svistukha, às margens do rio Yakhroma.

Galeria

Literatura

"1989. Cem datas memoráveis." Calendário de arte. Publicação anual ilustrada. M. 1988. Artigo de V. Petrov.

A. F. Dmitrienko, E. V. Kuznetsova, O. F. Petrova, N. A. Fedorova. "50 breves biografias de mestres da arte russa." Leningrado, 1971. Artigo de A. F. Dmitrienko.