Raízes históricas dos programas de variedades modernos. O que é música pop

1.1 História da arte pop

A palavra "palco" (do latim estratos) significa piso, plataforma, elevação, plataforma.

A definição mais precisa de pop art como uma arte que combina vários gêneros é dada no dicionário de D.N. Ushakov: “Variedade é a arte das pequenas formas, a área das performances espetaculares e musicais em palco aberto. adaptabilidade às diversas condições de manifestação pública e ações de curta duração, em meios artísticos e expressivos, arte que contribui para a identificação viva da individualidade criativa do intérprete, na atualidade, aguda relevância sociopolítica dos temas abordados, na predominância de elementos de humor, sátira, jornalismo."

A enciclopédia soviética define a música pop como proveniente da estrade francesa - uma forma de arte que inclui pequenas formas de drama e arte vocal, música, coreografia, circo, pantomima, etc. Nos concertos existem números completos separados, unidos pela animação e pelo enredo. Surgiu como uma arte independente no final do século XIX.

Existe também a seguinte definição de estágio:

Uma área de palco, permanente ou temporária, para apresentações de concertos de um artista.

A arte pop tem suas raízes no passado distante, remontando à arte do Antigo Egito e da Grécia Antiga. Embora a arte variedade interaja estreitamente com outras artes, como a música, o teatro dramático, a coreografia, a literatura, o cinema, o circo, a pantomima, é um tipo de arte independente e específico. A base da pop art é “o número de Sua Majestade” - como disse N. Smirnov-Sokolsky 1.

Número - pequeno desempenho, um ou mais artistas, com enredo, clímax e desfecho próprios. A especificidade da performance é a comunicação direta do artista com o público, em nome próprio ou de um personagem.

Na arte medieval dos artistas viajantes, nos teatros de farsas na Alemanha, nos bufões na Rússia, no teatro de máscaras na Itália, etc. já existia um endereço direto do artista ao público, o que permitia ao artista subsequente tornar-se participante direto da ação. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) requer extrema concentração de meios expressivos, laconicismo e dinâmica. Os números das variedades são classificados de acordo com as características em quatro grupos. O primeiro grupo de tipos inclui números de conversação (ou fala). Depois, há números musicais, plástico-coreográficos, mistos, “originais”.

A arte da comédia foi construída no contato aberto com o público del- arte (máscara) Século XVI-pp.XVII.

As performances geralmente eram improvisadas com base em cenas padrão da trama. O som musical como interlúdios (inserções): canções, danças, números instrumentais ou vocais - foi a fonte direta do ato de variedades.

No século 18 eles apareceram ópera cômica E vaudeville. Os vaudevilles eram apresentações emocionantes com música e piadas. Seus principais heróis - pessoas comuns - sempre derrotaram aristocratas estúpidos e cruéis.

E em meados do século 19, o gênero nasceu opereta(literalmente pequena ópera): um tipo de arte teatral que combinava música vocal e instrumental, dança, balé, elementos da pop art e diálogos. A opereta apareceu como gênero independente na França em 1850. O “pai” da opereta francesa, e da opereta em geral, foi Jacques Offenbach (1819-1880). Mais tarde, o gênero se desenvolve na “comédia de máscaras” italiana.

O palco está intimamente ligado ao quotidiano, ao folclore, às tradições. Além disso, estão sendo repensados, modernizados, “extraditados”. Várias formas de criatividade pop são usadas como passatempo divertido.

Isto não é coincidência. Na Inglaterra, os pubs (instituições públicas públicas) surgiram no século XVIII e se tornaram os protótipos dos music halls ( Salão de música). Os pubs tornaram-se locais de entretenimento para amplos setores democráticos da população. Ao contrário dos salões aristocráticos, onde se tocava predominantemente música clássica, nos pubs eram executadas canções e danças, acompanhadas de piano, realizados comediantes, mímicos, acrobatas, eram mostradas cenas de espetáculos populares constituídos por imitações e paródias. Um pouco mais tarde, na primeira metade do século XIX, os cafés-concertos generalizaram-se, inicialmente sendo cafés literários e artísticos onde poetas, músicos e atores executavam as suas improvisações. Em diversas modificações, espalharam-se pela Europa e ficaram conhecidos como cabaré (abobrinha). O entretenimento não exclui o fator espiritualidade que é especialmente importante para um artista pop.

A fácil adaptação da pop art ao público corre o risco de flertar com o público e ceder ao mau gosto. Para não cair no abismo da vulgaridade e da vulgaridade, um artista precisa de verdadeiro talento, gosto e talento. O diretor formou um programa a partir de números pop individuais, que também foi um forte meio de expressão. A livre montagem de pequenas formas separou-se dos vários tipos de criatividade artística e passou a viver de forma independente, o que levou ao nascimento da arte colorida espetáculo de variedades. A arte dos espetáculos de variedades está intimamente relacionada ao teatro e ao circo, mas, diferentemente do teatro, não requer ação dramática organizada. A convencionalidade do enredo, a falta de desenvolvimento da ação (drama principal) também são características de uma grande atuação revista(do francês - revisão). As partes individuais da revista estão conectadas por uma ideia performática e social comum. Como gênero musical dramático, a revista combina elementos de cabaré, balé e show de variedades. A apresentação da revista é dominada por música, canto e dança. O programa de variedades tem suas próprias modificações:

- show de variedades de números separados

- espetáculo de variedades

- dança cabaré

- análise

No século 20, a revista tornou-se um luxuoso show de entretenimento. Variedades de revistas apareceram nos EUA, chamadas mostrar.

O palco musical incluiu diferentes gêneros de música leve: canções, trechos de operetas, musicais, shows de variedades em adaptações variadas de obras instrumentais. No século XX o palco foi enriquecido pelo jazz e música popular.

Assim, a pop art passou longo curso, e hoje podemos observar esse gênero de forma e performance diferenciadas, o que sugere que seu desenvolvimento não pára.

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Variedade é um tipo de arte cênica que implica tanto um gênero separado quanto uma síntese de gêneros. Incluía canto, dança, performance original, arte circense, ilusões...

As raízes da pop art remontam a um passado distante, traçadas na arte do Egito, Grécia, Roma; seus elementos estão presentes nas performances de comediantes-bufões viajantes (Rússia), shpilmanov (Alemanha), malabaristas (França), dândis (Polônia), mascarados (Ásia Central), etc.

Sátira à vida e à moral urbana, piadas afiadas sobre temas políticos, atitude crítica em relação ao poder, dísticos, cenas cômicas, piadas, jogos, pantomima de palhaço, malabarismo, excentricidades musicais foram os primórdios dos futuros gêneros pop, nascidos no barulho do carnaval e diversões quadradas.

Os Barkers, que, com a ajuda de piadas, piadas e dísticos engraçados, vendiam qualquer produto em praças e mercados, mais tarde se tornaram os antecessores dos artistas. Tudo isso era de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas do carnaval medieval não realizaram apresentações.

Na Rússia, as origens dos gêneros pop se manifestaram na diversão bufônica, na diversão e na criatividade em massa, nos festivais folclóricos. Seus representantes são os curingas Raus de barba obrigatória, que divertiram e convidaram o público da plataforma superior do estande Raus, tocadores de salsa, raeshniks, líderes dos ursos “eruditos”, atores bufões realizando “esboços” e “reprises” entre a multidão, tocando flauta, harpa, fungando e divertindo o povo.

A arte variada é caracterizada por qualidades como abertura, laconicismo, improvisação, festividade, originalidade e entretenimento.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. A própria sensação de festa foi criada devido à animação externa, jogo de luzes, mudança de cenário pitoresco, mudança no formato da área do palco, etc. Apesar de o palco ser caracterizado por uma variedade de formas e gêneros, ele pode ser dividido em três grupos:

- palco de concertos (anteriormente denominado “divertissement”) reúne todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;
- palco teatral (apresentações de câmara de teatros em miniatura, teatros de cabaré, teatros-café ou grandes revistas de concertos, salas de música, com grande elenco e equipamento de palco de primeira classe);
- palco festivo (celebrações folclóricas, feriados em estádios, repletos de esportes e concertos, além de bailes, carnavais, bailes de máscaras, festivais, etc.).

Existem também estes:

1. Teatros de variedades
2. Salas de música

Se a base de uma performance variada é um número completo, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinou organicamente e levou ao enfraquecimento de um dos componentes da performance: ou o número, ou os personagens, ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de "Milagres do Século 20" - a peça se dividiu em uma série de episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e vários shows de variedades de primeira classe tiveram sucesso com o público. atos de circo. O conjunto de balé, encenado por Goleizovsky, executou três números: “Ei, vamos gritar!”, “Moscou na chuva” e “30 garotas inglesas”. O desempenho de "Snake" foi especialmente impressionante. Entre os artistas circenses, os melhores foram: Tea Alba e “Australian Lumberjacks” Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda palavras diferentes. Os lenhadores no fundo da sala corriam para cortar dois troncos grossos. O alemão Strodi mostrou um excelente equilíbrio na corda bamba. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os atos circenses, destacou-se o ato de Zoe e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a inauguração do Leningrad Music Hall.

3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, óperas, operetas junto com números variados (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, a sátira, a ironia e o lirismo não está excluído. A trupe é pequena, é possível um teatro de um ou dois atores. De design lacônico, as performances são projetadas para um público relativamente pequeno e apresentam uma espécie de tela de mosaico.
4. Gêneros de conversação no palco - um símbolo para gêneros associados principalmente a palavras: artista, espetáculo secundário, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (piada encenada), burime.

Artista - o artista pode ser emparelhado, solteiro ou em massa. Um gênero conversacional construído segundo as leis da “unidade e luta dos opostos”, ou seja, a transição da quantidade para a qualidade segundo o princípio satírico.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico ou humorístico.

Interlúdio é uma cena cômica ou peça musical de conteúdo humorístico, apresentada como número independente.

Uma esquete é uma pequena cena onde a intriga se desenvolve rapidamente, onde o enredo mais simples se constrói sobre situações inesperadas, engraçadas, comoventes, reviravoltas, permitindo que toda uma série de absurdos surjam durante a ação, mas onde tudo, via de regra, termina em um feliz desfecho. 1-2 caracteres (mas não mais que três).

A miniatura é o gênero falado mais popular no palco. No palco hoje, uma piada popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para simular a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero de conversação curta mais comum.

Os dísticos são uma das variedades mais inteligíveis e populares do gênero conversacional. O dístico procura ridicularizar este ou aquele fenômeno e expressar sua atitude em relação a ele. Deve ter senso de humor

Os gêneros musicais e de conversação incluem dístico, cantiga, canção e folhetim musical.

Uma paródia comum no palco pode ser “conversacional”, vocal, musical ou dançante. Ao mesmo tempo, os gêneros do discurso incluíam recitações, recitações melódicas, montagens literárias e “leitura artística”.

É impossível fornecer uma lista de gêneros de fala registrada com precisão: sínteses inesperadas de palavras com música, dança, gêneros originais (transformação, ventrologia, etc.) dão origem a novos formações de gênero. A prática viva fornece continuamente todos os tipos de variedades; não é por acaso que em cartazes antigos era costume acrescentar “em seu gênero” ao nome do ator.

Cada um dos gêneros de discurso acima tem suas próprias características, sua própria história e estrutura. O desenvolvimento da sociedade e das condições sociais ditou o surgimento de um ou outro gênero. Na verdade, apenas o artista nascido no cabaré pode ser considerado um gênero “variedade”. O restante veio de barracas, teatros e páginas de revistas humorísticas e satíricas. Os géneros discursivos, ao contrário de outros que tendem a abraçar inovações estrangeiras, desenvolveram-se em sintonia com a tradição nacional, em estreita ligação com o teatro e a literatura humorística.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que “morre” no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que determina em grande parte o sucesso do ato. Os próprios artistas muitas vezes se tornaram os autores. As tradições de I. Gorbunov foram retomadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não possuíam talento literário recorreram à ajuda de autores que escreviam com expectativa de performance oral, levando em consideração. conta a máscara do performer. Esses autores, via de regra, permaneceram “anônimos”. Durante muitos anos, a imprensa discutiu a questão de saber se uma obra escrita para apresentação no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 80, foram criadas as Associações All-Union e depois as Associações Pan-Russas de Autores Pop, o que ajudou a legitimar este tipo atividade literária. O “anonimato” do autor é coisa do passado, aliás, os próprios autores subiram ao palco. No final da década de 70 foi lançado o programa “Nos Bastidores do Riso”, composto como um concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) apresentavam os seus próprios programas, agora este fenómeno generalizou-se. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado na década de 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Intelectualidade Criativa, que, como as canções de Vysotsky, se espalharam por todo o país.

5. Jazz no palco

O termo "jazz" é comumente entendido como: 1) tipo arte musical, baseado na improvisação e intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam esta música. Os termos “banda de jazz”, “conjunto de jazz” (por vezes indicando o número de intérpretes - trio de jazz, quarteto de jazz, “orquestra de jazz”, “big band”) também são utilizados para designar grupos.

6. Música no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), que se difundiu na prática de concertos. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de “jogo” de palco com a ajuda de plásticos, figurinos, luz, mise-en-scène (“teatro da canção”); grande importância adquire a personalidade, características de talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna “coautor” do compositor.

Os gêneros e formas da canção são variados: romance, balada, canção folclórica, dístico, cantiga, canção, etc .; Os métodos de execução também são variados: solo, conjunto (duetos, coros, conjuntos vocal-instrumentais).

Há também um grupo de composição entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk, etc. A canção anterior era principalmente uma canção de compositor, a atual é de "intérprete".

Muitos estilos, costumes e tendências coexistem - do kitsch sentimental e romance urbano ao punk rock e rap. Assim, a canção de hoje é um painel multicolorido e multiestilo, incluindo dezenas de direções, desde imitações do folclore doméstico até infusões de culturas afro-americanas, europeias e asiáticas.

7. Dance no palco

É um pequeno número de dança, solo ou grupo, apresentado em concertos pop nacionais, shows de variedades, music halls e teatros em miniatura; acompanha e complementa a programação de vocalistas, números de gêneros originais e até discursos. Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia, no cruzamento de todo tipo de influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos e se forma sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

As danças folclóricas foram inicialmente incluídas nas apresentações das trupes da capital. O repertório incluía apresentações teatrais divertidas da vida rural, urbana e militar, suítes vocais e de dança da língua russa músicas folk e dançando.

Nos anos 90, a dança no palco se polarizou fortemente, como se voltasse à situação dos anos 20. Grupos de dança envolvidos no show business, como Dança Erótica e outros, contam com o erotismo - apresentações em boates ditam suas próprias leis.

8. Fantoches no palco

Desde a antiguidade, na Rússia, o artesanato era valorizado, os brinquedos eram amados e os jogos divertidos com bonecas eram respeitados. Petrushka lidou com um soldado, um policial, um padre e até com a própria morte, brandiu bravamente uma clava, condenou à morte aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal e afirmou a moralidade do povo.

Os tocadores de salsa vagavam sozinhos, às vezes juntos: um titereiro e um músico, eles próprios compunham peças, eles próprios eram atores, eles próprios eram diretores - procuravam preservar os movimentos dos bonecos, da mise-en-scène e do boneco truques. Os titereiros foram perseguidos.

Houve outros espetáculos em que atuavam bonecos. Nas estradas da Rússia podiam-se ver vans carregadas de bonecos amarrados em cordões - fantoches. E às vezes com caixas com fendas dentro, por onde os bonecos eram movidos por baixo. Essas caixas eram chamadas de presépios. Os fantoches dominaram a arte da imitação. Eles adoravam se passar por cantores, copiavam acrobatas, ginastas e palhaços.

9. Paródia no palco

Este é um número ou performance baseada em uma imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, traços característicos e estereótipos do original, quanto de movimentos e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (depreciativo) ao humorístico (desenho animado amigável) é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes arte antiga, na Rússia está presente há muito tempo em jogos de bufões e apresentações de farsa.

10. Pequenos teatros

Criação de teatros de cabaré na Rússia “The Bat”, “Curved Mirror”, etc.

Tanto “Curves Mirror” quanto “The Bat” eram equipes de atuação profissionalmente fortes, o nível cultura teatral que, sem dúvida, foi maior do que em numerosos teatros de miniaturas (dos de Moscou, Petrovsky, cujo diretor era D.G. Gutman, destacou-se mais que outros, Mamonovsky, cultivando a arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estreia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky Entre os de São Petersburgo - Troitsky A.M. - diretor V.R.

Dança no palco - número curto de dança , solo ou em grupo, apresentado em concertos pop nacionais, shows de variedades, music halls, teatros em miniatura, acompanha e complementa a programação de vocalistas, números originais até de gêneros discursivos . Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica artística, acrobacias , no cruzamento de todos os tipos de influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos e se forma sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

A história do desenvolvimento da direção de dança pode ser dividida em dois marcos: o período anterior ao século XX e o período que vai do século XX até o presente.

Além dos artistas viajantes medievais e suas performances, os divertissements também podem ser considerados os ancestrais da dança pop moderna. Eram cenas que nos séculos XVII-XVIII eram mostradas entre atos ou partes musicais performances dramáticas. Durante os divertissements foram apresentadas árias de ópera, o espectador pôde ver trechos de balés, ouvir músicas folk e finalmente desfrutar de dançar. Na Rússia, as origens do palco de dança encontram-se nas apresentações de dançarinos em coros russos e ciganos e, a partir de meados do século XIX, em festivais folclóricos. O final do século XIX foi marcado pela realização de concertos colectivos em palcos de jardins, “voxais” e cafés.

Dança popular do século XIX. - pode, pode(Cancan francês, de canard - pato), dança francesa de origem argelina, 2 tempos, andamento rápido. Passos característicos - jogar as pernas para fora, pular. Distribuído desde meados do século XIX, amplamente utilizado em operetas clássicas e shows de variedades. Podemos dizer que com o advento do cancan surge uma nova era da dança. O cancan teve origem em Paris por volta de 1830. Era uma dança feminina apresentada no palco, acompanhada de chutes altos nas pernas. Em 1860, muitas aulas de dança foram abertas em São Petersburgo, onde dançavam principalmente o cancan.

Outra dança popular do século 19 é a dança Cake Walk.

Caminhada de bolo -(também cake walk, cake walk; inglês cakewalk - andar com uma torta) é uma dança de marcha de origem afro-americana, popular desde meados do século XIX. Características: ritmo acelerado, fórmula de compasso- Ritmo sincopado de 2 tempos, acordes reproduzindo o som de um banjo, estilo de comédia lúdica (muitas vezes ironicamente grotesco). Os ritmos acentuados típicos do cake walk formaram mais tarde a base do ragtime e, duas décadas depois, definiram o estilo do pop jazz. A caminhada do bolo fazia parte das apresentações humorísticas do teatro menestrel norte-americano do século XIX, nas quais era apresentada com música rápida e sincopada no espírito do ragtime posterior. EM últimos anos No século XIX, o passeio do bolo, separado do palco do menestrel, generalizou-se na Europa sob a forma de dança de salão. coreógrafo de dança pop dramatúrgico

No palco do menestrel, a caminhada do bolo tinha um significado simbólico especial. Era uma cena de passeio em que dândis negros bem vestidos, de braços dados com suas damas igualmente elegantemente vestidas, reconstituíam em forma cômica as solenes procissões dominicais de damas e cavalheiros brancos. Reproduzindo a aparência exterior dos proprietários, os dândis negros ridicularizavam sua estúpida importância, sua estupidez espiritual e seu presunçoso senso de superioridade imaginária. O motivo de zombaria oculta contido na caminhada do bolo encontrou um reflexo específico na esfera sonora.

A música de dança, cuja expressividade se baseava principalmente em sons percussivos e metrítmicos significativamente complicados, desempenhou um papel inovador significativo e abriu novos caminhos para o desenvolvimento da arte musical moderna. Novos princípios musicais foram introduzidos na psicologia do público mais vasto, primeiro apenas nos EUA e depois na Europa, contrariando tudo o que os compositores europeus afirmaram ao longo dos séculos. A forma musical do cake walk é encontrada em peças de piano de salão, em números pop para composições instrumentais tradicionais e em marchas para banda de metais e às vezes em dança de salão Descendência europeia. “Mesmo nas valsas aparecia a síncope, com a qual Waldteufel e Strauss nunca sonharam” (Blesh R., Janis H. Todos tocavam ragtime). O gênero cake walk foi usado por muitos compositores acadêmicos (por exemplo, Debussy, Stravinsky, etc.).

A caminhada do bolo foi inovadora não só na música, mas também na coreografia. Isto se manifestava em movimentos especiais das pernas, aparentemente “independentes” do corpo da bailarina. Assim como em outras danças do teatro menestrel, o corpo do artista permanecia em um estado estritamente controlado e equilibrado, seus braços pendiam como “trapos” indefesos e disformes. Toda a energia do dançarino, toda a sua habilidade fenomenal e ritmo vertiginoso foram incorporados nos movimentos das suas pernas. Acentos sincronizados precisos produzidos pelo calcanhar de um pé e pelos dedos do outro; uma espécie de estampagem “batendo” com sola de madeira; correndo sobre os calcanhares; “embaralhamento” gratuito e aparentemente aleatório. A proporção incomum do balé tradicional entre “corpo indiferente” e pernas “preocupadas” enfatizou o efeito humorístico da equanimidade externa, inseparável da imagem de uma máscara congelada.

A caminhada do bolo teve um enorme impacto em arte de dança final do século XIX - início do século XX. Ele deu origem a uma série de danças que substituíram a polca, a quadrilha, a dança sertaneja e outras danças populares do passado recente do uso cultural. Essas danças mais recentes - urso pardo, abraço de coelho, Texas Tommy, tarky-trot, etc. foram distinguidas por um 2-beat especial, inseparável da caminhada do bolo, e seu característico efeito de “balanço”. Sua evolução culminou no conhecido two-step e foxtrot, que ganhou grande popularidade em todo o mundo e permaneceu no repertório da dança cotidiana por muitos anos.

O apogeu inicial de todas essas danças coincide com o ápice da popularidade do ragtime e o início da “era do jazz”.

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Introdução

3. Gêneros de arte pop

Conclusão

Lista de literatura usada

Introdução

diretor de gênero de arte variada

As raízes da pop art remontam a um passado distante, traçadas na arte do Egito e da Grécia. Elementos de palco estiveram presentes nas performances de viajantes - bufões (Rússia), shpilmans (Alemanha), malabaristas (França) e assim por diante. O movimento trovadoresco na França (finais do século XI) atuou como portador de uma nova ideia social. Sua especialidade era escrever música sob encomenda, diversidade de gênero músicas de histórias letras de amor para cantar as façanhas militares dos líderes militares. Cantores contratados e artistas itinerantes difundem a criatividade musical.

Sátira à vida e à moral urbana, piadas afiadas sobre temas políticos, atitude crítica em relação ao poder, dísticos, cenas cômicas, piadas, jogos e excentricidades musicais foram os primórdios dos futuros gêneros pop, nascidos no barulho do carnaval e das diversões das praças. Barkers, que, com a ajuda de piadas, piadas e dísticos engraçados, vendiam qualquer produto em praças e mercados, mais tarde se tornaram os antecessores do artista. Tudo isso era de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas do carnaval medieval não realizaram apresentações. A base da performance era a miniatura, o que os distinguia do teatro, Característica principal quais são os elementos que unem a ação. Esses artistas não retratavam personagens, mas sempre atuavam a partir de próprio nome, comunicando-se diretamente com o visualizador. Esta ainda é a principal característica distintiva do show business moderno.

Um pouco mais tarde (meados e finais do século XVIII) em países estrangeiros Surgiram vários estabelecimentos de entretenimento - music halls, shows de variedades, cabarés, shows ministeriais, que combinavam toda a experiência das feiras e espetáculos carnavalescos e foram os antecessores das modernas organizações de entretenimento. Com a transição de muitos gêneros de rua para espaços internos, um nível especial começou a se formar Artes performáticas, uma vez que novas condições exigiam uma percepção mais concentrada por parte do espectador. Formada na segunda metade do século XIX, a actividade dos cafés - chantans, cafés - concertos, destinados a um pequeno número de visitantes, permitiu o desenvolvimento de géneros de câmara como o canto lírico, o entretenimento, dança solo, excêntrico. O sucesso de tais cafés causou o surgimento de empreendimentos maiores e mais espetaculares - cafés-concertos, como "Ambassador", "Eldorado" e outros.

Essa forma de atuação era caracterizada por qualidades como abertura, laconicismo, improvisação, festividade, originalidade e entretenimento. Neste momento, a França adquire o status de centro cultural e de entretenimento. "Teatro Montassier" (show de variedades) - combina artes musicais, teatrais e circenses. Em 1792, o teatro Vaudeville tornou-se muito popular. O repertório do teatro é composto por peças cômicas que alternam diálogos com dísticos, canções e danças. O cabaré (um local de entretenimento que combina gêneros de música e dança de natureza divertida) e a opereta eram muito populares.

Desenvolvendo-se como a arte do lazer festivo, a música pop sempre buscou a originalidade e a diversidade. A sensação de festa foi criada devido à animação externa, ao jogo de luzes, à mudança do cenário pitoresco e à mudança do formato da área do palco.

Desde a década de 20 do século passado, a música pop tem sido foco de atenção de figuras culturais e artísticas, pesquisadores de diversas áreas do conhecimento, atuando como tema de polêmica nas páginas de periódicos e de disputas no meio científico. Ao longo da história da pop art russa, as atitudes em relação a ela mudaram repetidamente. “Na ciência nacional, existe uma tradição de considerar a arte pop e, neste contexto, o jazz e depois o rock, como manifestações da cultura de massa, que se tornaram objeto de estudo no âmbito da sociologia, da psicologia social e de outras áreas sociais. ciências culturais. O interesse dos cientistas culturais e dos cientistas políticos pelos problemas da música pop moderna e pelos fenómenos socioculturais por ela gerados continua inabalável até hoje.”

O desenvolvimento do cinema teve um efeito surpreendente em todo o mundo, tornando-se posteriormente um atributo imediato de qualquer sociedade. Desde o final da década de 1880 e início de 1900, tem estado intimamente adjacente ao cenário doméstico emergente, como instituição e como espetáculo é uma continuação direta do estande. As fitas foram transportadas de cidade em cidade por empresários em vans junto com equipamentos de projeção. A falta de energia elétrica dificultou o desenvolvimento do cinema em grandes áreas do país. Levando em conta esse fato, os empresários estão adquirindo pequenas centrais portáteis, o que ampliou significativamente as possibilidades de distribuição de filmes.

Assim, “o desenvolvimento da cultura musical não é possível sem a implementação de todo um conjunto de tarefas de gestão, cuja solução exige a formação de pessoal qualificado de acordo com as condições socioculturais modernas”.

Existe também um processo inverso - a comercialização (sem conotação negativa) do palco. Assim, os preços dos fãs para os shows de Madonna em Londres em agosto de 2007 variaram de 80 a 160 libras (de 140 a 280 dólares) mais 13 libras para reserva. A turnê Re-Invention, com a qual ela percorreu os Estados Unidos e a Europa há dois anos, arrecadou US$ 125 milhões, mais do que qualquer outro show daquele ano. Os ingressos para shows em Londres custam até 150 libras.

Na verdade, Madonna é uma das principais beneficiárias das mudanças que poderosas forças económicas trouxeram à indústria do entretenimento.

1. Número - o principal componente da pop art

Uma performance é uma performance separada e completa de um ou mais artistas. É a base da pop art - "Número de Sua Majestade" - disse N. Smirnov-Sokolsky. A sequência, a “montagem” de números é a essência de um concerto, de um programa teatral ou de uma apresentação de variedades. Inicialmente, o conceito de “número” foi utilizado no sentido literal, determinando a ordem de sucessão dos artistas: primeiro, segundo, quinto... num programa de variedades (ou circo) (também a alternância de cenas individuais em uma ópera - “ópera numérica”, no balé).

Para um artista que se apresenta no palco, um número é uma pequena performance com início, culminação e desfecho próprios. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) requer extrema concentração de meios expressivos, laconicismo e dinâmica. Diretores e, às vezes, compositores, coreógrafos e artistas, incluindo figurinistas e designers de iluminação, são trazidos para as apresentações.

Em um script, um número pode ser definido como um segmento separado de ação que possui sua própria estrutura interna.

A estrutura do número é idêntica à estrutura de qualquer ação dramática. Deveria haver uma espécie de momento expositivo, um enredo necessário à ação. Uma performance não pode existir sem desenvolvimento, cuja intensidade depende das tarefas específicas do diretor. O clímax do ato é mais frequentemente expresso como um ponto de inflexão contrastante, sem o qual a necessária integralidade do desenvolvimento de todo o cenário não pode ocorrer. O número termina, via de regra, com um momento de resolução que leva a ação à relativa completude.

O número deve ser relativamente curto em intensidade, mas não curto. A sua duração depende diretamente da sua função, finalidade, tarefa na solução global do tema: nem menos nem mais do que lhe é atribuído pela lógica artística.

O próximo requisito para o ato é uma alta concentração de conteúdo: em um tempo extremamente curto é necessário fornecer o máximo de informação, e não apenas transmitir a informação ao espectador, mas organizá-la artisticamente para fins de impacto emocional e estético.

Cada gênero musical tem sua própria forma de existência. EM ópera Esta performance é um trabalho holístico, abrangente e artisticamente concluído. Para uma sinfonia, orquestra de metais, orquestra folclórica, conjuntos de câmara e solistas, esta forma é um concerto, que inclui a execução de uma ou mais obras. Para palco musical- também um concerto, mas de um tipo especial. É baseado em números musicais de diferentes gêneros e estilos. Por exemplo, quando cantam acompanhados por uma orquestra de instrumentos folclóricos russos, é um concerto acadêmico, e quando acompanhados por um conjunto instrumental também de instrumentos folclóricos, é um concerto pop. Essa diferença é determinada pelas características específicas de desempenho de cada gênero. Uma das principais características de um ato de variedade musical, vocal ou instrumental, é a especificidade da comunicação com o público. O intérprete de palco sempre se dirige ao público, ao público. Esta característica do palco musical tem raízes históricas. Até mesmo os bufões dos festivais folclóricos mantinham comunicação direta com os ouvintes. Atualmente, a comunicação direta com o espectador tornou-se mais complexa e multifacetada. A. Alekseev expressou essa ideia de maneira muito precisa e interessante em seu livro “Serious and Funny”. No palco, ao contrário de um concerto académico, “sentemos sempre que não estão a dizer isto por ti, mas que estão a falar contigo...”.

Esta característica da arte performática - seja um folhetim musical, versos, uma canção, peça instrumental- define a essência e a diferença entre uma performance pop e uma performance acadêmica. Quando um solista-instrumentista ou vocalista chega à beira do palco, canta uma música ou toca uma peça musical - isso não é apenas uma performance, mas um apelo profundamente pessoal e sincero para aqueles que estão sentados no salão, para todos ao mesmo tempo e para cada indivíduo.

A variedade está intimamente ligada ao teatro; as formas de teatro e obras pop são diferentes. Se no primeiro, como observou A. Anastasyev, esta é uma performance, então na arte da variedade é uma performance que, nas palavras de Yu.

Ao mesmo tempo, existe uma lacuna na ciência da música pop. O reconhecimento unânime de que é o número a base e a “unidade de medida” da arte da variedade, por um lado, e a virtual ausência de uma teoria para a criação de um ato de variedade, por outro, criam uma espécie de “Paradoxo sobre a lei da variedade.” A posição dominante do ato na estrutura da pop art obriga-nos a tirar a seguinte conclusão fundamental: são os méritos artísticos do ato pop que determinam, em última análise, o vetor de desenvolvimento da pop art como um todo. Portanto a análise estrutura artística O ato varietal em estreita ligação com a metodologia de sua criação pode ser apontado como um dos principais problemas dos estudos varietais, o que requer uma pesquisa aprofundada.

A criação de um ato variado concentra a criatividade do autor, ator, diretor e artista. Certas questões da obra do autor e do artista são consideradas na dissertação ao analisar a estrutura artística da questão, mas a atenção principal está voltada para a obra do ator e do diretor.

Ao criar uma imagem artística em um ato variado, o ator, como no teatro, assume uma posição de liderança. Mas no palco isso é especialmente perceptível por causa de sua personificação extrema. A prática mostra que os artistas pop, ao contrário do teatro, são frequentemente os autores de suas próprias obras de arte - números. Além disso, a arte da improvisação do ator, base de determinados gêneros pop, torna necessário estudar as peculiaridades do processo de criação de um número diretamente no momento de sua execução.

A direção de um ato variado concentra todos os componentes da encenação do ato no trabalho com o autor do texto, o compositor, o coreógrafo, o artista e o ator. Este axioma tem de ser repetido, uma vez que se deve notar com pesar que mesmo os aspectos básicos da teoria e da prática do trabalho de um realizador num acto de variedades quase não são formulados e nem de todo generalizados. “Na minha opinião, pouco se falou sobre o trabalho do diretor dentro do ato”, observou N. Zavadskaya, por exemplo, “Enquanto isso, é necessário para o artista, mesmo que ele tenha todas as habilidades profissionais”. Qualquer habilidade profissional, mesmo a mais marcante, de um artista pop torna-se um conjunto sem sentido de truques, reprises e outros meios expressivos se não forem levados ao denominador comum de uma imagem artística holística, que é um dos principais componentes da profissão do diretor. em geral. E não há razão para considerar a lei de variedades uma exceção a esta regra.

2. Classificação dos números pop de acordo com gêneros pop genéricos

Qualquer classificação em arte é incompleta e, portanto, podemos distinguir aqui espécies e grupos de gêneros, focando apenas nos números frequentemente encontrados em cenários performáticos. Os números das variedades são classificados de acordo com as características em quatro grupos.

O primeiro grupo de tipos inclui números de conversação (ou fala). Depois, há números musicais, plástico-coreográficos, mistos, “originais”.

Os gêneros de conversação incluem: artista, reprise, trocadilho, interlúdio, miniatura, esquete, monólogo pop, folhetim pop, folhetim musical, mosaico musical, dísticos, cantigas, paródias.

Gêneros de números coreográficos plásticos: dança (folk, personagem, pop, moderna), pantomima e esquete plástico.

Gêneros do tipo grupo de “atos originais”: excentricidade, truques de mágica, bufonaria, tocar instrumentos musicais inusitados, onomatopeias, gravuras populares, Tantamoresques, acrobacias, atos circenses, atos esportivos.

Envolver os espectadores na acção directa de uma representação teatral é uma das características específicas esse tipo de arte. Portanto, é aqui que o número do jogo em suas diversas formas de gênero (relacionado a números mistos ou “originais”) é difundido.

Incluímos, em primeiro lugar, um número musical de concerto no grupo de números musicais. Sua completude se deve ao próprio forma musical. Se um trecho de uma grande obra for considerado um número, então ele deverá ser relativamente completo, produzindo uma impressão holística. O principal gênero musical é a canção: folk, lírico, pop, romance urbano, romance cigano, folhetim musical.

O gênero musical favorito das pessoas é a cantiga. Suas características são atualidade, extrema brevidade, expressividade de forma e capacidade de conteúdo. Uma cantiga criada sobre um material específico é um gênero indispensável em termos de eficiência. A fala em uma cantiga sempre soa individualizada, artisticamente justificada, como a fala uma determinada pessoa ou como um dialeto peculiar a uma determinada região, região, região.

O conteúdo laconicamente expresso na cantiga corresponde a uma composição clara determinada pela forma e estrutura da quadra. Uma das características desta forma é a combinação orgânica da entonação conversacional com a estrutura musical. Mas, em geral, o número da cantiga é construído como um elemento efetivo do programa que se completa em si mesmo.

Quando cantada, a estrofe cantiga de quatro versos é dividida em duas meias estrofes com uma pausa profunda no meio. A pausa prepara para uma nova resolução, geralmente inesperada, do tema “declarado” no início. Via de regra, o primeiro dístico desempenha o papel de início; dá, por assim dizer, o início de uma narrativa lírica; o segundo dístico é o final: desenvolvimento do tema e conclusão final. É justamente essa estrutura dramática da cantiga que a torna um gênero extremamente expressivo, eficaz e facilmente percebido pelos ouvintes.

Cantigas com “reservas” têm grande impacto emocional.

3. Gêneros de arte pop

A arte variada é caracterizada por qualidades como abertura, laconicismo, improvisação, festividade, originalidade e entretenimento.

O palco de concertos (anteriormente denominado "divertissement") combina todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;

Palco teatral (apresentações de câmara de teatros em miniatura, teatros de cabaré, teatros-café ou grandes revistas de concertos, salas de música, com grande elenco e tecnologia de palco de primeira classe);

Palco festivo (celebrações folclóricas, feriados em estádios, repletos de esportes e apresentações de concertos, além de bailes, carnavais, bailes de máscaras, festivais, etc.).

Existem também estes:

1. Teatros de variedades

2. Salas de música

Se a base de uma performance variada é um número completo, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinava organicamente e levava ao enfraquecimento de um dos componentes da performance: ou o número, ou os personagens, ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de “Milagres do Século 20” - a peça se dividiu em uma série de episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e vários números de circo de primeira classe tiveram sucesso com o público. O conjunto de balé, encenado por Goleizovsky, executou três números: “Ei, vamos gritar!”, “Moscou na chuva” e “30 garotas inglesas”. O desempenho de "Snake" foi especialmente impressionante. Entre os artistas circenses, os melhores foram: Tea Alba e “Australian Lumberjacks” Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no fundo da sala corriam para cortar dois troncos grossos. O alemão Strodi mostrou um excelente equilíbrio na corda bamba. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os atos circenses, destacou-se o ato de Zoe e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a inauguração do Leningrad Music Hall.

3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, óperas, operetas junto com números variados (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, a sátira, a ironia e o lirismo não está excluído. A trupe é pequena, é possível um teatro de um ou dois atores. De design lacônico, as performances são projetadas para um público relativamente pequeno e apresentam uma espécie de tela de mosaico.

4. Gêneros de conversação no palco - um símbolo para gêneros associados principalmente a palavras: artista, espetáculo secundário, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (piada encenada), burime.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico ou humorístico.

Interlúdio é uma cena cômica ou peça musical de conteúdo humorístico, apresentada como número independente.

A miniatura é o gênero falado mais popular no palco. No palco hoje, uma piada popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para simular a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero de conversação curta mais comum.

Os gêneros musicais e de conversação incluem dístico, cantiga, canção e folhetim musical.

É impossível fornecer uma lista de gêneros de fala registrada com precisão: sínteses inesperadas de palavras com música, dança, gêneros originais (transformação, ventrologia, etc.) dão origem a novas formações de gênero. A prática viva fornece continuamente todos os tipos de variedades; não é por acaso que em cartazes antigos era costume acrescentar “em seu gênero” ao nome do ator.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que “morre” no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que determina em grande parte o sucesso do ato. Os próprios artistas muitas vezes se tornaram os autores. As tradições de I. Gorbunov foram retomadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não possuíam talento literário recorreram à ajuda de autores que escreviam com expectativa de performance oral, levando em consideração. conta a máscara do performer. Esses autores, via de regra, permaneceram “anônimos”. Durante muitos anos, a imprensa discutiu a questão de saber se uma obra escrita para apresentação no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 80, foram criadas as Associações All-Union e depois as Associações Pan-Russas de Autores Pop, o que ajudou a legitimar este tipo de atividade literária. O “anonimato” do autor é coisa do passado, aliás, os próprios autores subiram ao palco. No final da década de 70 foi lançado o programa “Nos Bastidores do Riso”, composto como um concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) apresentavam os seus próprios programas, agora este fenómeno generalizou-se. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado na década de 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Intelectualidade Criativa, que, como as canções de Vysotsky, se espalharam por todo o país.

5. Jazz no palco

O termo “jazz” é comumente entendido como: 1) um tipo de arte musical baseada na improvisação e intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam esta música. Os termos “banda de jazz”, “conjunto de jazz” (por vezes indicando o número de intérpretes - trio de jazz, quarteto de jazz, “orquestra de jazz”, “big band”) também são utilizados para designar grupos.

6. Música no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), amplamente utilizada na prática de concerto. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de “jogo” de palco com a ajuda de plásticos, figurinos, luz, mise-en-scène (“teatro da canção”); A personalidade, características de talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna “coautor” do compositor, tornam-se de grande importância.

7. Dance no palco

É um pequeno número de dança, solo ou grupo, apresentado em concertos pop nacionais, shows de variedades, music halls e teatros em miniatura; acompanha e complementa a programação de vocalistas, números de gêneros originais e até discursos. Foi formada com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), no balé clássico, na dança moderna, na ginástica, na acrobacia e no cruzamento de todos os tipos de influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos e se forma sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

8. Fantoches no palco

9. Paródia no palco

Este é um número ou performance baseada em uma imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, traços característicos e estereótipos do original, quanto de movimentos e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (depreciativo) ao humorístico (desenho animado amigável) é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes na arte antiga; na Rússia, há muito tempo está presente em jogos de bufões e performances de farsa.

10. Pequenos teatros

Criação de teatros de cabaré na Rússia “The Bat”, “Curved Mirror”, etc.

Tanto “The Crooked Mirror” quanto “The Bat” eram grupos de atuação profissionalmente fortes, cujo nível de cultura teatral era sem dúvida superior ao de vários teatros em miniatura (dos de Moscou, Petrovsky, cujo diretor era D.G. Gutman, se destacou mais do que outros , Mamonovsky, cultivando a arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estreia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky Entre os de São Petersburgo - Troitsky A.M. um artista de teatro artístico.

4. Géneros musicais em cena. Princípios básicos, técnicas e direção

Os gêneros pop são diferenciados:

1. Música latino-americana

A música latino-americana (espanhol musica latinoamericana) é um nome generalizado para estilos e gêneros musicais de países América latina, bem como a música de pessoas desses países que vivem compactamente no território de outros estados e formam grandes comunidades latino-americanas (por exemplo, nos EUA). Na linguagem coloquial, o nome abreviado "música latina" (espanhol musica latina) é frequentemente usado.

A música latino-americana, cujo papel na Vida cotidiana A América Latina é muito elevada, é uma fusão de muitas culturas musicais, mas baseia-se em três componentes: as culturas musicais espanhola (ou portuguesa), africana e indiana. Via de regra, as canções latino-americanas são executadas em espanhol ou português, e menos frequentemente em francês. Artistas latino-americanos que vivem nos Estados Unidos são geralmente bilíngues e costumam usar letras em língua Inglesa.

Na verdade, a música espanhola e portuguesa não pertence à música latino-americana, estando, no entanto, intimamente ligada a esta última. grande quantia conexões; Além disso, a influência da música espanhola e portuguesa na música latino-americana é mútua.

Apesar de a música latino-americana ser extremamente heterogênea e cada país da América Latina ter características próprias, estilisticamente ela pode ser dividida em vários estilos regionais principais:

* Música andina;

* Música centro-americana;

* Música caribenha;

* Música argentina;

* Música mexicana;

* Música brasileira.

Deve-se, no entanto, ter em mente que tal divisão é muito arbitrária e as fronteiras destes estilos musicais são muito confusas.

Blues (inglês: blues from blue devils) é um gênero musical que se difundiu na década de 20 do século XX. É uma das conquistas da cultura afro-americana. Foi formada a partir de tendências musicais étnicas da sociedade afro-americana como “canção de trabalho”, “espirituais” e cólera. De muitas maneiras, ele influenciou a música popular moderna, especialmente gêneros como “pop” (música pop inglesa), “jazz” (jazz inglês), “rock and roll” (rock "n" roll inglês). A forma predominante de blues é 4/4, onde os primeiros 4 compassos são frequentemente tocados na harmonia tônica, 2 de cada na subdominante e na tônica, e 2 de cada na dominante e na tônica. Essa alternância também é conhecida como progressão de blues. O ritmo de oitavas tercinas com pausa é frequentemente usado - o chamado shuffle. Uma característica do blues são as "notas azuis". Muitas vezes a música é construída sobre uma estrutura de “pergunta-resposta”, expressa tanto no conteúdo lírico da composição quanto no conteúdo musical, muitas vezes construído no diálogo entre instrumentos. Blues é uma forma improvisada do gênero musical, onde as composições muitas vezes utilizam apenas a “estrutura” de apoio principal, que é tocada por instrumentos solo. O tema original do blues é construído sobre o componente social sensual da vida da população afro-americana, suas dificuldades e obstáculos que surgem no caminho de cada negro.

Jazz (Inglês: Jazz) é uma forma de arte musical que surgiu no final do século 19 - início do século 20 nos EUA como resultado da síntese de estilos africanos e Culturas europeias e posteriormente se generalizou. Características linguagem musical O jazz começou inicialmente com improvisação, polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para execução de textura rítmica - o swing. O maior desenvolvimento do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz.

A música country combina dois tipos de folclore americano - a música dos colonos brancos que se estabeleceram no Novo Mundo nos séculos 17 a 18 e as baladas de cowboy do Velho Oeste. Esta música tem uma forte herança de madrigais elisabetanos, irlandeses e escoceses música folclórica. Os principais instrumentos musicais deste estilo são violão, banjo e violino.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" é a primeira canção country "documentada", escrita em 1871 por Will Heiss, do Kentucky. 53 anos depois, Fiddin John Carson gravou esta composição em disco. Em outubro de 1925, começou a operar o programa de rádio Grand Ole Opry, que até hoje transmite shows ao vivo de estrelas country.

A música country como indústria musical começou a ganhar impulso no final da década de 1940. graças ao sucesso de Hank Williams (1923-53), que não só estabeleceu a imagem de cantor country por várias gerações, mas também delineou os temas típicos do gênero - o amor trágico, a solidão e as adversidades da vida profissional. Já naquela época havia estilos diferentes: Western swing, tomando os princípios de arranjo de Dixieland - aqui o rei do gênero era Bob Wills e seus Texas Playboys; bluegrass, dominado pelo fundador Bill Monroe; O estilo de músicos como Hank Williams era então chamado de caipira. Em meados da década de 1950. a música country, junto com elementos de outros gêneros (gospel, ritmo e blues), deu origem ao rock and roll. Imediatamente surgiu um gênero limítrofe - o rockabilly - foi com ele que cantores como Elvis Presley, Carl Perkins e Johnny Cash iniciaram suas carreiras criativas - não é por acaso que todos gravaram no mesmo estúdio da Memphis Sun Records. Graças ao sucesso do álbum "Gunfighter Ballads and Trail Songs" (1959) de Marty Robbins, o gênero country e western, dominado por histórias da vida do Velho Oeste, surgiu como gênero.

Chanson (chanson francês - "canção") é um gênero de música vocal; a palavra é usada em dois significados:

2) Canção pop francesa em estilo cabaré (em russo inclina-se).

A canção Blatnaya (folclore blatnoy, blatnyak) é um gênero musical que glorifica a vida e os costumes do meio criminoso, originalmente pensado para o ambiente de presos e pessoas próximas ao mundo do crime. Originou-se no Império Russo e tornou-se difundido na União Soviética e posteriormente nos países da CEI. Com o tempo, canções passaram a ser escritas no gênero da música criminosa que vão além da temática criminosa, mas mantêm seus traços característicos (melodia, jargão, narração, visão de mundo). Desde a década de 1990, a canção criminosa na indústria musical russa tem sido comercializada sob o nome de “chanson russa” (cf. a estação de rádio e prêmios com o mesmo nome).

Romance na música - composição vocal, escrito sobre um pequeno poema de conteúdo lírico, principalmente de amor.

A canção do autor, ou música de bardo, é um gênero musical que surgiu em meados do século XX na URSS. O gênero cresceu nas décadas de 1950 e 1960. de apresentações amadoras, independentemente da política cultural das autoridades soviéticas, e rapidamente alcançou grande popularidade. A ênfase principal está na poesia do texto.

6. Música eletrônica

A música eletrônica (do inglês Electronic music, coloquialmente também “eletrônica”) é um gênero musical amplo que se refere à música criada com instrumentos musicais eletrônicos. Embora os primeiros instrumentos electrónicos tenham surgido no início do século XX a música electrónica como género desenvolveu-se na segunda metade do século XX e início do XXI século inclui dezenas de variedades.

7. Rock

A música rock é um nome geral para várias áreas da música popular. A palavra “rock” - balançar - neste caso indica as sensações rítmicas características desses movimentos associadas a uma determinada forma de movimento, por analogia com “roll”, “twist”, “swing”, “shake”, etc. Sinais da música rock como o uso de instrumentos musicais elétricos e a autossuficiência criativa (os músicos de rock normalmente executam suas próprias composições) são secundários e muitas vezes enganosos. Por esta razão, a identidade de alguns estilos musicais como rock é contestada. Além disso, o rock é um fenômeno subcultural especial; subculturas como mods, hippies, punks, metalheads, góticos, emo estão inextricavelmente ligadas a certos gêneros de rock.

A música rock tem um grande número de direções: desde gêneros leves como dance rock and roll, pop rock, britpop até gêneros brutais e agressivos - death metal e hardcore. O conteúdo das músicas varia de leve e casual a sombrio, profundo e filosófico. A música rock é frequentemente contrastada com a música pop, etc. "pop", embora não haja uma fronteira clara entre os conceitos de "rock" e "pop", e muitos fenômenos musicais se equilibrem na linha entre eles.

As origens do rock estão no blues, de onde surgiram os primeiros gêneros de rock - rock and roll e rockabilly. Os primeiros subgêneros da música rock surgiram em estreita conexão com a música folk e pop da época - principalmente folk, country, skiffle e music hall. Durante a sua existência, houve tentativas de combinar a música rock com quase todos os tipos de música possíveis - com música acadêmica (art rock, surge no final dos anos 60), jazz (jazz rock, surge no final dos anos 60 - início dos anos 70 -x) , música latina (rock latino, surge no final dos anos 60), música indiana (raga rock, surge em meados dos anos 60). Nas décadas de 60 e 70, surgiram quase todos os maiores subgêneros do rock, sendo os mais importantes, além dos listados, o hard rock, o punk rock e o rock de vanguarda. No final dos anos 70 e início dos anos 80, surgiram gêneros de rock como pós-punk, new wave, rock alternativo (embora os primeiros representantes dessa direção tenham aparecido já no final dos anos 60), hardcore (um grande subgênero do punk rock), como bem como subgêneros brutais do metal - death metal, black metal. Na década de 90, os gêneros grunge (surgiu em meados dos anos 80), Britpop (surgiu em meados dos anos 60) e metal alternativo (surgiu no final dos anos 80) foram amplamente desenvolvidos.

Os principais centros de surgimento e desenvolvimento da música rock são os EUA e a Europa Ocidental (especialmente a Grã-Bretanha). A maioria das letras está em inglês. Porém, embora, via de regra, com algum atraso, o rock nacional apareceu em quase todos os países. A música rock de língua russa (o chamado rock russo) apareceu na URSS já nas décadas de 1960 e 1970. e atingiu o seu pico na década de 1980, continuando a desenvolver-se na década de 1990.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska é um estilo musical que surgiu na Jamaica no final da década de 1950. O surgimento do estilo está associado [fonte não especificada 99 dias] ao advento das aparelhagens, que possibilitaram dançar na rua.

As instalações sonoras não são apenas alto-falantes estéreo, mas uma forma peculiar de discotecas de rua, com DJs e seus sistemas estéreo móveis, com competição crescente entre esses DJs pelo melhor som, melhor repertório e assim por diante.

O estilo é caracterizado por um ritmo suingante 2/4, com a guitarra tocando nas batidas pares e o contrabaixo ou baixo enfatizando as ímpares. A melodia é executada por instrumentos de sopro como trompete, trombone e saxofone. Entre as melodias do ska você encontra melodias de jazz.

Rocksteady ("rocksteady", "rocksteady") é um estilo musical que existiu na Jamaica e na Inglaterra na década de 1960. A base do estilo são os ritmos caribenhos em 4/4, com maior atenção aos teclados e guitarras.

Reggae (reggae inglês, outras grafias "reggae" e "reggae"), música popular jamaicana, foi mencionada pela primeira vez no final dos anos 1960. Às vezes usado como um nome geral para todas as músicas jamaicanas. Intimamente relacionado a outros gêneros jamaicanos - rocksteady, ska e outros.

Dub é um gênero musical que surgiu no início dos anos 1970 na Jamaica. Inicialmente, as gravações desse gênero eram canções de reggae com os vocais (às vezes parcialmente) removidos. Desde meados da década de 1970, o dub tornou-se um fenômeno independente, considerado uma variedade experimental e psicodélica do reggae. Os desenvolvimentos musicais e ideológicos do dub deram origem à tecnologia e cultura dos remixes, e também influenciaram direta ou indiretamente o desenvolvimento nova onda e gêneros como hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno, dubstep e outros.

A música pop (inglês: música pop da música popular) é uma direção da música moderna, um tipo de cultura de massa moderna.

O termo “música pop” tem um duplo significado. Em um sentido amplo, trata-se de qualquer música de massa (incluindo rock, eletrônica, jazz, blues). Num sentido estrito, é um gênero separado de música popular, a própria música pop com certas características.

As principais características da música pop como gênero são a simplicidade, a melodia, a confiança na voz e no ritmo com menos atenção à parte instrumental. A principal e praticamente única forma de composição na música pop é a canção. As letras de música pop geralmente tratam de sentimentos pessoais.

A música pop inclui subgêneros como Europop, Latin, disco, electropop, dance music e outros.

10. Rap (Hip-hop)

Hip-hop (Inglês) hip-hop) é um movimento cultural que se originou entre a classe trabalhadora de Nova York em 12 de novembro de 1974. DJ Afrika Bambaataa foi o primeiro a definir os cinco pilares da cultura hip-hop: MCing, DJing, break, escrita de graffiti e conhecimento. Outros elementos incluem beatboxing, moda hip-hop e gírias.

Originário do sul do Bronx, o hip-hop tornou-se parte da cultura jovem em muitos países ao redor do mundo na década de 1980. Desde o final da década de 1990, de um underground de rua com forte orientação social, o hip-hop tornou-se gradualmente parte da indústria musical, e em meados da primeira década Este século a subcultura tornou-se “na moda”, “mainstream”. No entanto, apesar disso, muitas figuras do hip-hop ainda continuam a sua “linha principal” - protesto contra a desigualdade e a injustiça, oposição aos poderes constituídos.

Sabe-se que dirigir um show de variedades se divide em dirigir um espetáculo de variedades e dirigir um ato de variedades.

A metodologia de trabalho de uma performance variada (concerto, crítica, espetáculo), via de regra, não inclui a tarefa de criar os números que a compõem. O diretor une números prontos com um enredo, um tema único, constrói a ação ponta a ponta da performance, organiza sua estrutura tempo-rítmica e resolve os problemas de design musical, cenográfico e de iluminação. Ou seja, ele se depara com toda uma série de problemas artísticos e organizacionais que exigem resolução no programa como um todo e não estão diretamente relacionados ao ato de variedade em si. Esta posição é confirmada pela tese do famoso diretor de espetáculos de variedades I. Sharoev, que escreveu que “na maioria das vezes o encenador aceita atos de especialistas em vários gêneros e depois cria um programa de variedades a partir deles. ”

Trabalhar em um ato variado exige que o diretor resolva uma série de problemas específicos que ele não encontra ao encenar um grande programa. Esta é, antes de tudo, a capacidade de revelar a individualidade do artista, construir a dramaturgia do ato, trabalhar com reprise, truque, gag, conhecer e levar em conta a natureza dos meios expressivos específicos do ato, e muito mais.

Muitos postulados metodológicos para a criação de uma performance são baseados em princípios fundamentais comuns que existem no teatro dramático, musical e circo. Mas então estruturas completamente diferentes são construídas na fundação. Há uma especificidade notável na direção cênica, que é, antes de tudo, determinada pela tipologia de gênero do ato de variedade.

No palco, o realizador, como criador, atinge numa performance o objetivo último de qualquer arte - a criação de uma imagem artística, que constitui o lado criativo da profissão. Mas no processo de encenar uma performance, um especialista trabalha na tecnologia dos meios expressivos. Isso se deve à própria natureza de alguns gêneros: digamos, a maioria das variedades de subgêneros de esportes e circo exigem ensaio e trabalho de treinamento com um treinador sobre elementos esportivos e truques especiais; trabalhar em um número vocal é impossível sem aulas de um professor vocal especializado; No gênero coreográfico o papel do coreógrafo-tutor é fundamental.

Às vezes, esses especialistas técnicos se autodenominam diretores de palco, embora sua atividade, na verdade, se limite apenas à construção de uma manobra especial ou componente técnico da rotina - não importa se é acrobacia, dança ou canto. Aqui é um exagero falar sobre a criação de uma imagem artística. Quando os principais mestres pop (especialmente em gêneros originais) compartilham os segredos de suas habilidades em obras impressas, eles descrevem principalmente as técnicas de truques de mágica, acrobacias, malabarismo, etc.

Gostaria de enfatizar mais uma vez que a estrutura artística de um ato de variedades é complexa, diversa e muitas vezes conglomerada. Portanto, encenar um ato variado é uma das atividades mais difíceis de um diretor. “É muito difícil fazer uma boa atuação, mesmo que dure apenas alguns minutos. E me parece que essas dificuldades são subestimadas. Talvez seja por isso que respeito e aprecio tanto a arte daqueles que às vezes são chamados de forma um tanto depreciativa de artistas. dando-lhes um lugar não muito honroso na escala não escrita das profissões." Estas palavras de S. Yutkevich confirmam mais uma vez a importância de analisar a estrutura artística de um ato variado com o objetivo final de estudar os fundamentos da metodologia da sua criação, especialmente ao nível do trabalho de direção e produção.

Conclusão

A arte variada (do francês estrade - plataforma, elevação) é um tipo sintético de arte cênica que combina pequenas formas de drama, comédia, música, bem como canto e arte. leitura, coreografia, excentricidade, pantomima, acrobacia, malabarismo, ilusionismo, etc. Apesar do seu carácter internacional, mantém as suas raízes folclóricas, que lhe conferem um especial sabor nacional. Originada no Renascimento nos palcos de rua e começando pela palhaçaria, farsas primitivas, a bufonaria evoluiu de forma diferente nos diferentes países, dando preferência a um ou outro género, a uma ou outra imagem de máscara.

Nos programas de variedades de salões, círculos e clubes que surgiram posteriormente, em estandes, music halls, cafés, cabarés, teatros em miniatura e nas variedades de jardinagem sobreviventes, humor alegre, paródias e desenhos animados espirituosos, sátira comunitária cáustica, hipérbole pontiaguda, pastelão, ironia grotesca e divertida, letras comoventes, dança da moda e ritmos musicais. Números individuais da variedade polifônica de divertissement são muitas vezes mantidos juntos no palco por um compere ou um enredo simples, e teatros de um ou dois atores, conjuntos (balé, musical, etc.) - por um repertório original, sua própria dramaturgia. A arte variada é voltada para o mais amplo público e depende, em primeiro lugar, da habilidade dos performers, de sua técnica de personificação, da capacidade de criar entretenimento espetacular usando meios lacônicos e de um personagem brilhante - mais frequentemente cômico-negativo do que positivo . Ao expor seus anti-heróis, ele se volta para traços e detalhes metafóricos, para o bizarro entrelaçamento de verossimilhança e caricatura, real e fantástico, ajudando assim a criar uma atmosfera de rejeição de seus protótipos de vida, oposição à sua prosperidade na realidade. A arte popular é caracterizada pela atualidade, uma combinação nos melhores exemplos de entretenimento com conteúdo sério, funções educativas, quando a diversão é complementada por uma variedade de paletas emocionais e, às vezes, por pathos sociopolítico e civil. Última qualidade privado, gerado pela cultura de massa burguesa, show business. Quase todas as variedades operacionais “pequenas”, “leves”, incluindo o “repolho” comum, caracterizam-se por uma vida útil relativamente curta, rápida depreciação das máscaras, que depende do esgotamento da relevância do tema, da implementação de ordens sociais, mudanças nos interesses e necessidades do público. Sendo uma das formas de arte mais dinâmicas e ao mesmo tempo mais antigas, a pop art está sujeita à doença da estampagem, à diminuição do valor artístico e estético dos achados talentosos, até à sua transformação em kitsch. O desenvolvimento é fortemente influenciado por artes “técnicas” como o cinema e especialmente a televisão, que muitas vezes incluem espectáculos de variedades e concertos nos seus programas. Deste modo formas tradicionais e as técnicas de palco adquirem não apenas maior escala e prevalência, mas também profundidade psicológica (o uso de close-ups, outros meios visuais e expressivos das artes cinematográficas) e entretenimento vívido.

No sistema Artes performáticas a música pop hoje ocupa firmemente um lugar separado, representando um fenômeno independente cultura artística. A popularidade da música pop entre os mais amplos e diversos públicos obriga-a a responder às necessidades estéticas contraditórias de vários grupos da população por composição social, etária, educacional e até nacional. Esta característica da pop art explica em grande parte a presença de aspectos negativos nos méritos profissionais, estéticos e de bom gosto das obras pop. A enorme dimensão do público pop no passado e no presente, a sua heterogeneidade, a necessidade de combinar funções lúdicas e educativas na arte pop, impõe requisitos específicos aos criadores de obras de arte pop e impõe-lhes uma responsabilidade especial.

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Estágio- um tipo de arte cênica que implica tanto um gênero separado quanto uma síntese de gêneros: canto, dança, performance original, arte circense, ilusões.

Música pop- um tipo de arte musical divertida dirigida ao mais amplo público ouvinte.

Este tipo de música teve seu maior desenvolvimento no século XX. Geralmente inclui música dançante, canções diversas, obras para orquestras sinfônicas pop e conjuntos vocais-instrumentais.

Muitas vezes, a música pop é identificada com o conceito existente de “música leve”, ou seja, fácil de entender, acessível ao público. Em termos históricos, a música leve inclui música de conteúdo simples e que ganhou popularidade universal. obras clássicas, por exemplo, peças de F. Schubert e J. Brahms, F. Lehár e J. Offenbach, valsas de J. Strauss e A. K. Glazunov, “Little Night Serenade” de W. A. Mozart.

Nesta área vasta e extremamente heterogênea em caráter e nível estético, criatividade musical Por um lado, utilizam-se os mesmos meios expressivos da música séria, por outro, meios próprios e específicos.

O termo “orquestra pop” foi proposto por L. O. Utesov no final dos anos 40, o que permitiu separar dois conceitos:
a própria música pop e jazz.

A música pop moderna e o jazz têm uma série de características comuns: a presença de uma pulsação rítmica constante realizada pela seção rítmica; caráter predominantemente dançante das obras executadas por grupos pop e jazz. Mas se a música jazz é caracterizada pela improvisação, o swing tem uma propriedade rítmica especial e as formas jazz modernoàs vezes são bastante difíceis de entender, então a música pop se distingue pela acessibilidade da linguagem musical, melodia e extrema simplicidade rítmica.

Um dos tipos mais comuns de composições instrumentais pop é a orquestra sinfônica pop (ESO), ou jazz sinfônico. Em nosso país, a formação e o desenvolvimento do ESO estão associados aos nomes de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. O repertório das orquestras sinfônicas pop é extremamente extenso: desde peças orquestrais originais e fantasias sobre temas conhecidos até o acompanhamento de canções e operetas.

Além da indispensável seção rítmica e da composição completa de metais da big band (grupo de saxofones e grupo de metais), o ESO inclui grupos tradicionais de instrumentos de orquestra sinfônica - sopros, trompas e cordas (violinos, violas, violoncelos). A proporção de grupos no ESO é próxima à de uma orquestra sinfônica: o grupo de cordas domina, o que se deve à natureza predominantemente melódica da música do ESO; Os instrumentos de sopro desempenham um grande papel; O princípio da orquestração em si é muito próximo daquele adotado em uma orquestra sinfônica, embora a presença de uma seção rítmica constantemente pulsante e o papel mais ativo da seção de metais (e às vezes dos saxofones) às vezes se assemelhem ao som de uma orquestra de jazz. Um importante papel colorístico no ESO é desempenhado pela harpa, vibrafone e tímpanos.

ESOs são muito populares em nosso país. Suas apresentações são transmitidas pelo rádio e pela televisão; eles costumam apresentar músicas para filmes e participar de grandes concertos e festivais pop. Muitos compositores soviéticos escrevem músicas especificamente para o ESO. Estes são A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu.

O gênero de música pop inclui tipos diferentes canções pop: romance tradicional, canção lírica moderna, canção em ritmos dançantes com acompanhamento instrumental desenvolvido. A principal coisa que une vários tipos de canções pop é o desejo de seus autores pela máxima acessibilidade e memorização da melodia. As raízes dessa democracia estão no romance antigo e no folclore urbano moderno.

Uma música pop não se limita ao puro entretenimento. Então, na União Soviética músicas pop não é de admirar que as canções de I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov e outros sejam ouvidos. Compositores soviéticos Eles são amados não só em nosso país, mas também muito além de suas fronteiras. A canção “Moscow Evenings” de Solovyov-Sedoy recebeu reconhecimento verdadeiramente mundial. No século 20 Vários tipos de música dançante se substituíram. Assim, o tango, a rumba, o foxtrot foram substituídos pelo rock and roll, foram substituídos pelo twist and shake, os ritmos do samba e da bossa nova eram muito populares. Por vários anos, o estilo disco foi difundido na música pop e dance. Surgiu de uma liga de negro música instrumental com elementos de canto e plasticidade, característicos de cantores pop da América Latina, em particular da ilha da Jamaica. Intimamente ligada na Europa Ocidental e nos EUA à indústria fonográfica e à prática das discotecas, a música disco acabou por ser uma das tendências em rápida evolução na música pop e dance da 2ª metade do século XX.

Entre os compositores soviéticos que estabeleceram tradições nacionais no gênero de dance music estão A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky e outros.

O rock moderno pode ser classificado como música pop. Na cultura musical da Europa Ocidental e dos EUA este é um movimento muito variado em termos de nível ideológico e artístico e princípios estéticos. É representado tanto por obras que expressam protesto contra a injustiça social, o militarismo, a guerra, como por obras que pregam o anarquismo, a imoralidade e a violência. O estilo musical dos conjuntos representativos deste movimento é igualmente heterogéneo. No entanto, eles têm uma base comum e algumas características distintivas.

Uma dessas características é a utilização do canto, solo e conjunto e, consequentemente, do texto, que carrega conteúdo independente, e da voz humana como coloração timbre especial. Os membros de conjuntos ou grupos frequentemente combinam as funções de instrumentistas e vocalistas. Os principais instrumentos são guitarras, bem como vários teclados e, menos frequentemente, instrumentos de sopro. O som dos instrumentos é amplificado por vários conversores de som e amplificadores eletrônicos. A música rock difere da música jazz em sua estrutura metro-rítmica mais subdividida.

Em nosso país, elementos do rock se refletem no trabalho dos conjuntos vocais e instrumentais (VIA).

A música pop soviética, devido ao seu apelo de massa e grande popularidade, desempenhou um papel significativo na educação estética da geração mais jovem.