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Jazz é uma direção musical caracterizada por uma combinação de ritmicidade e melodia. Um recurso separado jazz é improvisação. A direção musical ganhou popularidade devido ao seu som inusitado e à combinação de diversas culturas completamente diferentes.

A história do jazz começou no início do século XX nos EUA. O jazz tradicional foi formado em Nova Orleans. Posteriormente, novas variedades de jazz começaram a surgir em muitas outras cidades. Apesar de toda a variedade de sons estilos diferentes, a música jazz pode ser imediatamente distinguida de outro gênero devido aos seus traços característicos.

Improvisação

A improvisação musical é uma das principais características do jazz, que está presente em todas as suas variedades. Os artistas criam música espontaneamente, nunca pensando no futuro ou ensaiando. Tocar jazz e improvisar requer experiência e habilidade nesta área da produção musical. Além disso, um músico de jazz deve lembrar o ritmo e a tonalidade. A relação entre os músicos do grupo não é de pouca importância, pois o sucesso da melodia resultante depende da compreensão do estado de espírito de cada um.

A improvisação no jazz permite que você crie sempre algo novo. O som da música depende apenas da inspiração do músico no momento da execução.

Não se pode dizer que se não houver improvisação numa performance, então já não é jazz. Este tipo de produção musical chegou ao jazz a partir de Povos africanos. Como os africanos não tinham noção de notas e ensaio, a música era transmitida uns aos outros apenas através da memorização da sua melodia e tema. E cada novo músico já poderia tocar a mesma música de uma nova maneira.

Ritmo e melodia

A segunda característica importante do estilo jazz é o ritmo. Os músicos têm a oportunidade de criar som espontaneamente, pois a pulsação constante cria o efeito de vivacidade, brincadeira e excitação. O ritmo também limita a improvisação, exigindo que os sons sejam produzidos de acordo com um determinado ritmo.

Tal como a improvisação, o ritmo veio para o jazz das culturas africanas. Mas precisamente esta característica é característica principal fluxo musical. Os primeiros artistas de free jazz abandonaram completamente o ritmo para serem completamente livres para criar música. Por conta disso, a nova direção do jazz não foi reconhecida por muito tempo. O ritmo é fornecido por instrumentos de percussão.

O jazz herdou a melodia da música da cultura europeia. É a combinação do ritmo e da improvisação com uma música harmoniosa e suave que confere ao jazz a sua sonoridade inusitada.

A palavra "jazz" apareceu no início do século XX. Este é um novo movimento musical que se originou na América do Norte e posteriormente se espalhou pelo mundo. Os pais do jazz são trazidos da África e oprimidos pelos escravos negros.

No século XVII, surgiram na América os primeiros escravos - africanos, que foram retirados à força de sua terra natal e vendidos como escravos. Eles estavam com muita saudade de seus terra Nativa, e seu único consolo era a música. No início, os negros simplesmente cantavam suas canções tradicionais acompanhados de palmas ou batidas em caixas de madeira. Mas com o tempo, os motivos nacionais africanos começaram a ser esquecidos e ecos das canções dos brancos apareceram em melodias negras. Os brancos, naquela época, tinham canções sobre temas religiosos, e os negros também passaram a cantar canções espirituais, mas à sua maneira, com ritmo e melodia característicos. Suas canções espirituais (espirituais) estavam imbuídas de dor e esperança de salvação.

No século XIX, os escravos negros começaram a cantar canções impregnadas de tristeza e clima decadente, que eram executadas com acompanhamento (blues). Os intérpretes tocavam instrumentos musicais caseiros, pois Eles não tinham dinheiro para comprar os verdadeiros. Além disso os negros gostavam muito de tocar numa orquestra e depois da Guerra Civil de 1861- 1865 . Começaram a tocar instrumentos musicais profissionais, porque... bandas militares foram dissolvidas e instrumentos vendidos por centavos.

Orquestras negras tocavam em todos os lugares: em casamentos, feriados e funerais. Os músicos não sabiam ler música e, olhando para os músicos profissionais, aprenderam a tocar sozinhos. A música instrumental que transmitia com precisão os motivos do soul e do blues era chamada de jazz. Suas características distintivas são o ritmo livre e oscilante (swing) e a improvisação. Além disso, os músicos de jazz improvisam tanto solo quanto coletivamente.

O jazz começou a se espalhar rapidamente pela América e depois por todo o mundo, atraindo cada vez mais músicos e compositores “brancos”.

Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller e Beni Goodman e outros são jazzistas que deram um enorme contributo para a popularização da música jazz e que são agora admirados pela geração mais jovem de músicos de jazz.

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Jazz– um fenômeno único na cultura musical mundial. Esta forma de arte multifacetada teve origem na virada do século (XIX e XX) nos EUA. A música jazz tornou-se fruto da imaginação das culturas da Europa e de África, uma fusão única de tendências e formas de duas regiões do mundo. Posteriormente, o jazz se espalhou para além dos Estados Unidos e tornou-se popular em quase todos os lugares. Esta música tem como base canções, ritmos e estilos folclóricos africanos. Na história do desenvolvimento desta direção do jazz, são conhecidas muitas formas e tipos que surgiram à medida que novos modelos de ritmos e harmônicos foram dominados.

Características do Jazz

A síntese de duas culturas musicais fez do jazz um fenômeno radicalmente novo na arte mundial. As características específicas desta nova música foram:

• Ritmos sincopados dando origem a polirritmos.
• A pulsação rítmica da música é a batida.
• Desvio complexo da batida - balanço.
• Improvisação constante nas composições.
• Uma riqueza de harmônicos, ritmos e timbres.

A base do jazz, especialmente nos primeiros estágios de desenvolvimento, era a improvisação combinada com uma forma pensada (ao mesmo tempo, a forma da composição não estava necessariamente fixada em algum lugar). E da música africana este novo estilo assumiu os seguintes traços característicos:

• Compreender cada instrumento como um instrumento de percussão.
• Entonações de conversação populares ao executar composições.
• Imitação semelhante de conversa ao tocar instrumentos.

Em geral, todos os estilos de jazz se distinguem por suas características locais, por isso é lógico considerá-los no contexto desenvolvimento histórico.

O surgimento do jazz, ragtime (1880-1910)

Acredita-se que o jazz tenha surgido entre os escravos negros trazidos da África para os Estados Unidos da América no século XVIII. Como os africanos cativos não eram representados por uma única tribo, tiveram que procurar uma língua comum com os seus parentes no Novo Mundo. Tal consolidação levou ao surgimento de uma cultura africana unificada na América, que incluía a cultura musical. Foi somente nas décadas de 1880 e 1890 que a primeira música jazz surgiu como resultado. Este estilo foi impulsionado pela demanda global por música popular de dança. Como a arte musical africana abundava nessas danças rítmicas, foi a partir dela que nasceu uma nova direção. Milhares de americanos de classe média, incapazes de aprender as danças clássicas aristocráticas, começaram a dançar ao som de pianos ragtime. Ragtime introduziu várias bases futuras do jazz na música. Assim, o principal representante deste estilo, Scott Joplin, é o autor do elemento “3 versus 4” (padrões rítmicos de sonoridade cruzada com 3 e 4 unidades, respectivamente).

Nova Orleans (1910–1920)

O jazz clássico surgiu no início do século XX nos estados do sul da América, e especificamente em Nova Orleans (o que é lógico, porque o comércio de escravos era generalizado no sul).

Aqui tocavam orquestras africanas e crioulas, criando a sua música sob a influência do ragtime, do blues e das canções dos trabalhadores negros. Após o aparecimento na cidade de muitos instrumentos musicais de bandas militares, começaram a surgir grupos amadores. O lendário músico de Nova Orleans, criador de sua própria orquestra, King Oliver, também foi autodidata. Uma data importante na história do jazz foi 26 de fevereiro de 1917, quando a Original Dixieland Jazz Band lançou seu primeiro disco de gramofone. As principais características do estilo foram estabelecidas em Nova Orleans: a batida dos instrumentos de percussão, solos magistrais, improvisação vocal com sílabas - scat.

Chicago (1910–1920)

Na década de 1920, chamada de “loucos anos 20” pelos classicistas, a música jazz gradualmente entrou na cultura de massa, perdendo os títulos de “vergonhoso” e “indecente”. As orquestras começam a se apresentar em restaurantes e se deslocam dos estados do sul para outras partes dos Estados Unidos. Chicago se torna o centro do jazz no norte do país, onde as apresentações noturnas gratuitas de músicos se tornam populares (durante esses shows havia improvisações frequentes e solistas externos). Arranjos mais complexos aparecem no estilo musical. O ícone do jazz dessa época foi Louis Armstrong, que se mudou de Nova Orleans para Chicago. Posteriormente, os estilos das duas cidades começaram a ser combinados em um gênero de jazz - Dixieland. A principal característica desse estilo foi a improvisação coletiva em massa, que elevou a ideia central do jazz ao absoluto.

Swing e big bands (décadas de 1930 a 1940)

O aumento adicional da popularidade do jazz criou uma demanda por grandes orquestras para tocar músicas de dança. Foi assim que surgiu o swing, representando desvios característicos do ritmo em ambas as direções. O swing tornou-se a principal direção estilística da época, manifestando-se no trabalho de orquestras. A execução de composições de dança harmoniosas exigia uma execução mais coordenada da orquestra. Esperava-se que os músicos de jazz participassem de maneira uniforme, sem muita improvisação (exceto o solista), então a improvisação coletiva de Dixieland tornou-se coisa do passado. Na década de 1930, floresceram grupos semelhantes, chamados de big bands. Uma característica das orquestras da época era a competição entre grupos de instrumentos e seções. Tradicionalmente, eram três: saxofones, trompetes, bateria. Os músicos de jazz mais famosos e suas orquestras são: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. O último músico é famoso pelo seu compromisso com o folclore negro.

Bebop (década de 1940)

O afastamento do Swing das tradições do jazz antigo e, em particular, das melodias e estilos clássicos africanos, causou descontentamento entre os especialistas em história. As grandes bandas e os artistas de swing, que trabalhavam cada vez mais para o público, começaram a enfrentar a oposição da música jazz de pequenos conjuntos de músicos negros. Os experimentadores introduziram melodias super-rápidas, trouxeram de volta longas improvisações, ritmos complexos e controle virtuoso do instrumento solo. O novo estilo, que se posicionava como exclusivo, passou a se chamar bebop. Os ícones deste período foram músicos de jazz ultrajantes: Charlie Parker e Dizzy Gillespie. A revolta dos negros americanos contra a comercialização do jazz, o desejo de devolver intimidade e singularidade a esta música tornou-se um ponto chave. A partir deste momento e deste estilo começa a contagem regressiva da história jazz moderno. Ao mesmo tempo, líderes de big band também vêm para pequenas orquestras, querendo fazer uma pausa nos grandes salões. Em conjuntos chamados combos, esses músicos aderiam a um estilo swing, mas tinham liberdade para improvisar.

Cool jazz, hard bop, soul jazz e jazz-funk (décadas de 1940 a 1960)

Na década de 1950, um gênero musical como o jazz começou a se desenvolver em duas direções opostas. Os defensores da música clássica “esfriaram” o bebop, trazendo de volta à moda a música acadêmica, a polifonia e os arranjos. O cool jazz tornou-se conhecido por sua contenção, secura e melancolia. Os principais representantes desta direção do jazz foram: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Mas a segunda direção, ao contrário, começou a desenvolver as ideias do bebop. O estilo hard bop pregava a ideia de retornar às raízes da música negra. Melodias folclóricas tradicionais, ritmos alegres e agressivos, solos explosivos e improvisação voltaram à moda. Conhecidos no estilo hard bop são: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Este estilo desenvolveu-se organicamente junto com soul jazz e jazz-funk. Esses estilos aproximaram-se do blues, tornando o ritmo um aspecto fundamental da performance. O jazz-funk, em particular, foi introduzido por Richard Holmes e Shirley Scott.

HISTÓRIA DO DESENVOLVIMENTO DO JAZZ

Jazz

É improvável que alguém se atreva a explicar o que é o jazz, pois nem mesmo o grande homem da história do jazz, Louis Armstrong, o fez, que disse que só precisa ser compreendido e pronto. Na verdade, o jazz, a sua história, origens, modificações e ramificações são demasiado diversos e multifacetados para dar uma definição simples e abrangente. Mas há momentos que esclarecem a natureza desta direção musical.

O jazz surgiu como uma combinação de diversas culturas musicais e tradições nacionais. Inicialmente, chegou na sua infância de terras africanas, e sob a influência da música ocidental desenvolvida e dos seus movimentos (blues, reg-times) e da combinação do folclore musical africano com eles, o resultado foi um estilo que não morreu para isso. dia - jazz.

O jazz vive no ritmo, na inconsistência, nas intersecções e no não cumprimento de tonalidades e alturas. Toda música é construída no confronto e na contradição, mas em uma única peça tudo se junta harmoniosamente e surpreende pela sua melodia e atratividade especial.

Os primeiros jazzistas, salvo raras exceções, criaram a tradição de uma orquestra de jazz, onde há improvisações com som, velocidade ou andamento, é possível ampliar o número de instrumentos e intérpretes, e envolver tradições sinfônicas. Muitos jazzistas contribuíram com sua arte para o desenvolvimento da tradição da arte de tocar em conjuntos de jazz.

Após o aparecimento do brilhante intérprete, que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz, e ainda continua a ser uma lenda - Louis Armstrong, a arte de interpretar jazz viu horizontes novos e inusitados: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de todo performance, mudando completamente a ideia de jazz.

E é aqui que se torna possível explicar outra característica do estilo jazz: esta é a performance individual única de um jazzista virtuoso, esta é a sua performance e o prazer que ele e os ouvintes sentem pela música no momento. E a chave para a eterna juventude do jazz é a improvisação. O jazz tem espírito, mas não tem esqueleto que sustente tudo. Você pode trocar o saxofone pelo piano, ou pode largar a cadeira e pegar o microfone, e se isso não funcionar, então voltar para o trompete e tentar tocar algo que Armstrong e Bechet não tocaram.

O jazz não é apenas um certo tipo de performance musical, é também uma época única e alegre.

Origens

A questão do berço do jazz é bem conhecida - esta é a América, mas de onde ele se origina?

O jazz surge como uma fusão única. E um dos seus componentes, que garantiu a sua origem, é considerado de origem africana. Os colonos africanos trouxeram consigo a sua cultura, que se desenvolveu num contexto de forte influência europeia e americana.

A comunidade e as suas regras (normas de comportamento, tradições) estão no sangue de quem veio, embora a ligação com os seus antepassados ​​​​fosse efectivamente cortada. E a música, como manifestação integral da cultura originária, tornou-se um dos elos de ligação daquela cultura nativa africana e vida nova em outro continente.

A música vocal dos afro-americanos, temperada com ritmo e dança, plasticidade corporal e palmas, tornou-se uma nova subcultura musical. A música africana é completamente diferente dos samples europeus, não possui uma galáxia de instrumentos, manteve em grande parte o ritualismo e a ligação aos costumes.

Origens/História do Jazz

Essa música escrava acabou quebrando regimes totalitários, onde reinavam as orquestras clássicas, completamente subordinadas à vontade da batuta do maestro. De acordo com a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e a expansão da influência soviética nos países do terceiro mundo. As origens do jazz estão ligadas ao blues.

O jazz surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas as suas origens devem ser procuradas desde o momento da importação de escravos de África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham da mesma família e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma cultura única (inclusive musical) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreram sérias mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do “proto-jazz”, e depois do jazz na forma geralmente aceita. senso.

A improvisação desempenha um papel fundamental no verdadeiro jazz. Além disso, o jazz se distingue pela síncope (ênfase em batidas fracas e acentos inesperados) e um impulso especial. Os dois últimos componentes surgem no ragtime, e depois são transferidos para a execução de orquestras (bandas), após o que surge a palavra “jazz”, escrita primeiro como “Jass”, depois como “Jasz”, e somente a partir de 1918 adquiriu seu visual moderno. Além disso, muitos estilos de jazz se distinguem por uma técnica especial de execução: “swinging” ou swing. O berço do jazz foi o Sul dos Estados Unidos e, acima de tudo, Nova Orleans. Em 26 de fevereiro de 1917, no estúdio nova-iorquino da companhia Victor, cinco músicos brancos de Nova Orleans gravaram o primeiro disco de jazz. A importância deste facto é difícil de sobrestimar: antes do lançamento deste disco o jazz permanecia um fenómeno marginal folclore musical, e então surpreendeu toda a América por várias semanas. A gravação pertenceu à lendária "Original Dixieland Jazz Band".

Origens / Nascimento do Jazz

As origens deste movimento musical devem ser procuradas numa mistura de culturas africanas e europeias. Curiosamente, o jazz começou com o próprio Cristóvão Colombo. É claro que o grande viajante e descobridor não foi o primeiro intérprete de jazz. Ao abrir a América à Europa, Colombo marcou o grande início da interpenetração dos países africanos e europeus. tradições musicais.

Ao explorar o continente americano, os europeus transportaram para cá um grande número de inimigos negros, cujo número em 1700 ultrapassava centenas de milhares. Os escravos foram transportados da costa oeste da África através do Atlântico.

Os europeus nem imaginavam que, junto com os escravos, transportaram para a América a cultura musical africana, caracterizada por um ritmo musical deslumbrante. Na África, a música tem sido um componente indispensável de vários rituais desde tempos imemoriais. O ritmo musical desempenhou um papel importante aqui.

A cultura europeia introduziu harmonia, padrões menores e maiores, melodia, bem como um princípio melódico solo no jazz.

Cantando no jazz

O canto jazz não pode ser equiparado ao canto no sentido geral da palavra. Inicialmente, não havia voz solo no jazz, havia apenas um instrumento, e somente a partir das apresentações de Louis Armstrong (ou seja, seu trabalho posterior) os vocais passaram a fazer parte do “kit de ferramentas” dos jazzistas. Mas, novamente - vocais de jazz, e isso é outra coisa.

Os vocais de jazz devem ter algumas características especiais, ou seja, a voz do intérprete. Considerando a base do jazz - a improvisação, a ausência de regras, é preciso entender que o mesmo se aplica à voz do intérprete: a capacidade de ampliar o alcance de uma música “normal”, brincar com a voz, improvisar com facilidade, ter um bom alcance . O intérprete deve aderir ao estilo de apresentação do jazz: fraseado e “ataque”.

“Scat Scat” - esse termo surgiu na época em que Louis Armstrong estava no palco, que cantava e tocava: os sons de sua voz eram muito parecidos com os sons de seu trompete. Os vocais de jazz começarão a mudar e a se tornar mais complexos um pouco mais tarde, quando o estilo bop entrar na moda. Chega a hora do esquete “bop” e a “primeira-dama do jazz” - Ella Fitzgerald - se torna a estrela.

Se a ligação entre o jazz e o blues não é tão forte, então a ligação entre os vocais tem uma ligação mais óbvia. As possibilidades de extração de sons (trabalho da laringe, chiado e sussurro, falsete, etc.) do blues foram aceitas de bom grado pelas tradições do jazz.

Os nomes dos vocalistas que ficaram famosos na história do jazz por seu canto: claro, o fundador é Louis Armstrong, seguido por Bing Crosby, seguido por ele, simplesmente apelidado de “a voz”, Frank Sinatra, Nat King Cole. As mulheres deram a sua contribuição, e considerável: Bessie Smith, apelidada de “Imperatriz do Blues”, seguida pelos nomes de Billie Holliday, Ella Fitzgerald e da cantora única Sarah Voen.

AS ORIGENS DO JAZZ E SEUS ESTILOS.

Introdução

Certa vez, durante uma entrevista, um repórter perguntou ao editor-chefe da mais famosa revista de jazz americana, “Down Beat”, distribuída em 124 países: “O que é jazz?” “Você nunca viu um homem tão rapidamente pego em flagrante por uma pergunta tão simples!”, disse mais tarde este editor. Em contrapartida, alguma outra figura do jazz poderia responder à mesma pergunta falando com você sobre essa música por duas horas ou mais, sem explicar nada especificamente, já que na realidade ainda não existe um método preciso, conciso e ao mesmo tempo, é hora para uma definição completa e objetiva da palavra e do próprio conceito de “jazz”.

Mas há uma enorme diferença entre a música de King Oliver e Miles Davis, Benny Goodman e o Modern Jazz Quartet, Stan Kenton e John Coltrane, Charlie Parker e Dave Brubeck. Muitos dos componentes e o constante desenvolvimento do jazz ao longo de 100 anos levaram ao fato de que mesmo o conjunto de suas características exatas de ontem não pode ser totalmente aplicado hoje, e as formulações de amanhã podem ser diametralmente opostas (por exemplo, para Dixieland e bebop, swing big banda e combo jazz-rock).

As dificuldades em definir jazz também residem em... A questão é que eles sempre tentam resolver esse problema de frente e falam muito de jazz com poucos resultados. Obviamente, isso poderia ser resolvido indiretamente definindo todas aquelas características que cercam esse mundo musical na sociedade e assim será mais fácil entender o que está no centro. Além disso, a pergunta “O que é jazz?” é substituído por "O que você quer dizer com jazz?" E aqui descobrimos que esta palavra tem mais Significados diferentes para pessoas diferentes. Cada pessoa preenche este neologismo lexical um certo significado a seu próprio critério.

Existem duas categorias de pessoas que usam essa palavra. Algumas pessoas adoram jazz, enquanto outras não estão interessadas nele. A maioria dos amantes do jazz tem um uso muito amplo desta palavra, mas nenhum deles consegue determinar onde o jazz começa e termina, porque cada um tem a sua opinião sobre o assunto. Eles conseguem encontrar uma linguagem comum entre si, mas cada um está convencido de que tem razão e sabe o que é jazz, sem entrar em detalhes. Até os próprios músicos profissionais, que vivem o jazz e o tocam regularmente, dão definições muito diferentes e vagas desta música.

A infinita variedade de interpretações não nos dá qualquer hipótese de chegar a uma conclusão única e indiscutível sobre o que é o jazz do ponto de vista puramente musical. No entanto, aqui é possível uma abordagem diferente, que na 2ª metade da década de 50 foi proposta pelo mundialmente famoso musicólogo, presidente e diretor do Instituto de Pesquisa de Jazz de Nova York Marshall Stearns (1908-1966), que invariavelmente gozava de respeito ilimitado em círculos de jazz de todos os países do Velho e do Novo Mundo. No seu excelente livro The History of Jazz, publicado pela primeira vez em 1956, ele definiu esta música de um ponto de vista puramente histórico.

Stearns escreveu: “Em primeiro lugar, onde quer que você ouça jazz, é sempre muito mais fácil reconhecê-lo do que descrevê-lo em palavras. Mas, numa primeira aproximação, podemos definir o jazz como uma música semi-improvisada que surgiu como resultado de 300. anos de mistura em solo norte-americano de duas grandes tradições musicais - a Europa Ocidental e a África Ocidental - ou seja, a própria fusão da cultura branca e negra. E embora a tradição europeia tenha desempenhado aqui um papel predominante musicalmente, aquelas qualidades rítmicas que tornaram o jazz tal. uma música característica, invulgar e facilmente reconhecível, sem dúvida que as suas origens são de África. Portanto, os principais componentes desta música são a harmonia europeia, a melodia euro-africana e o ritmo africano.

Mas por que o jazz se originou na América do Norte, e não na América do Sul ou Central, onde também havia brancos e negros suficientes? Afinal, quando se fala do berço do jazz, a América é sempre chamada de berço, mas geralmente se refere ao território moderno dos Estados Unidos. O fato é que se a metade norte do continente americano foi historicamente habitada principalmente por protestantes (britânicos e franceses), entre os quais havia muitos missionários religiosos que buscavam converter os negros à fé cristã, então na parte sul e central do Neste imenso continente predominavam os católicos (os espanhóis) e os portugueses), que viam os escravos negros simplesmente como animais de tração, sem se preocuparem com a salvação das suas almas. Portanto, não poderia ter havido uma interpenetração significativa e profunda o suficiente de raças e culturas, o que por sua vez teve um impacto direto no grau de preservação da música nativa dos escravos africanos, principalmente na área do seu ritmo. Até hoje, existem cultos pagãos nos países da América do Sul e Central, rituais secretos e carnavais desenfreados são realizados acompanhados de ritmos afro-cubanos (ou latino-americanos). Não é surpreendente que seja precisamente neste aspecto rítmico que a parte sul do Novo Mundo já tenha influenciado visivelmente toda a música popular mundial, enquanto o Norte tenha contribuído com algo diferente para o tesouro da arte musical moderna, por por exemplo, espirituais e blues.

Consequentemente, continua Stearns, no aspecto histórico, o jazz é uma síntese obtida no original a partir de 6 fontes fundamentais. Esses incluem:

1. Ritmos da África Ocidental;

2. Canções de trabalho (canções de trabalho, gritos de campo);

3. Canções religiosas negras (espirituais);

4. Canções seculares negras (blues);

5. Música folclórica americana dos séculos passados;

6. Música de menestréis e bandas de música de rua.

1. As origens do jazz

Os primeiros fortes de brancos no Golfo da Guiné, na costa da África Ocidental, surgiram já em 1482. Exatamente 10 anos depois, ocorreu um evento significativo - a descoberta da América por Colombo. Em 1620, surgiram no território moderno dos Estados Unidos os primeiros escravos negros, que foram convenientemente transportados de navio através do Oceano Atlântico vindo da África Ocidental. Nos cem anos seguintes, seu número cresceu para cem mil e, em 1790, esse número aumentou 10 vezes.

Se dissermos "ritmo africano", então devemos ter em mente, é claro, que os negros da África Ocidental nunca tocaram "jazz" como tal - estamos falando sobre trata-se apenas do ritmo como parte integrante da sua existência na sua terra natal, onde era representado pelo ritual “coro de tambores” com os seus complexos polirritmos e muito mais. Mas os escravos não podiam levar consigo nenhum instrumento musical para o Novo Mundo e, a princípio, na América, foram até proibidos de fazer tambores caseiros, cujos exemplos só puderam ser vistos muito mais tarde em museus etnográficos. Além disso, ninguém de qualquer cor de pele nasce com um senso de ritmo pronto, é tudo uma questão de tradição, ou seja, na continuidade das gerações e do meio ambiente, portanto, os costumes e rituais negros foram preservados e transmitidos em todos os Estados Unidos exclusivamente de forma oral e de memória, de geração em geração, de negros afro-americanos. Como disse Dizzy Gillespie: "Não creio que Deus possa dar a ninguém mais do que aos outros se eles se encontrarem nas mesmas condições. Você pode pegar qualquer pessoa, e se colocá-la nas mesmas condições. ambiente, então isso caminho da vida será definitivamente semelhante ao nosso."

O jazz surgiu nos Estados Unidos como resultado da síntese de numerosos elementos das culturas musicais reassentados dos povos da Europa, por um lado, e do folclore africano, por outro. Essas culturas tinham qualidades fundamentalmente diferentes. A música africana é de natureza improvisada; é caracterizada por uma forma colectiva de fazer música com polirritmia, polimetria e linearidade fortemente expressas. A função mais importante nele é o início rítmico, a polifonia rítmica, da qual surge o efeito do ritmo cruzado. O princípio melódico, e ainda mais o princípio harmónico, é desenvolvido em muito menor grau na produção musical africana do que na música europeia. A música para africanos tem em maior medida, do que para um significado prático europeu. Muitas vezes está associado à atividade laboral, a rituais, incluindo adoração. O sincretismo de diferentes tipos de artes afeta a natureza da produção musical – ela não atua de forma independente, mas em combinação com a dança, as artes plásticas, a oração e a recitação. No estado de excitação dos africanos, a sua entonação é muito mais livre do que a dos europeus acorrentados a uma escala padronizada. Na música africana, a forma de canto pergunta-resposta (chamada e resposta) é amplamente desenvolvida.

Por seu lado, a música europeia deu o seu rico contributo para a síntese futura: construções melódicas com voz principal, padrões modais maiores-menores, possibilidades harmónicas e muito mais. Em geral, relativamente falando, a emotividade africana, o princípio intuitivo, colidiu com o racionalismo europeu, manifestado especialmente na política musical do protestantismo.

2. "Terceira Corrente"

O termo "terceira corrente" foi cunhado pelo crítico John Wilson. Ele delineou uma alternativa, ou mais precisamente, opções para a síntese da primeira e da segunda tendências, ou seja, música acadêmica e jazz. Essa tendência se formou na década de 50 e não está associada a um estilo específico. Os trabalhos experimentais de vários músicos capturaram jazz sinfônico, jazz rock e movimentos de vanguarda.

O jazz, como uma das artes musicais mais singulares do século XX, aos poucos foi conquistando o mundo inteiro e, no final, adquiriu um caráter internacional. Isso aconteceu principalmente devido ao fato de seus compositores e intérpretes em seus trabalhos muitas vezes recorrerem à música de outros países e povos - indianos, sul-americanos, árabes e, claro, ao seu próprio folclore. A fonte mais importante jazzistas em busca de novos rumos na evolução do seu género também se inspiraram nos melhores exemplos da música clássica europeia e nas suas variedades um pouco mais populares.

Os contactos históricos dos compositores clássicos com o jazz são bem conhecidos, e dezenas de nomes famosos poderiam ser aqui citados como exemplos (Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Kshenek, bem como Copland, Gershwin e Bernstein), mas os seus as tentativas foram guiadas pelo desejo de introduzir apenas certos elementos do jazz na música acadêmica. Por outro lado, há muito trabalho experimental por parte de jazzistas interessados ​​que tentaram aplicar certos princípios de desenvolvimento sinfônico e usar os princípios originais da música clássica em suas partituras de jazz.

Em décadas diferentes, tais experimentos às vezes até levaram ao surgimento de novos, se não estilos, pelo menos, ramos independentes na árvore genealógica da história do jazz - por exemplo, nos anos 20 era o “jazz sinfônico” ( Paul Whiteman, que queria “fazer do jazz uma dama”), nos anos 40 - “progressivo” (Stan Kenton), e nos anos 60 - “terceiro movimento”.

O “terceiro movimento” é mencionado especificamente na história do jazz, porque os jazzistas, e não os clássicos, vieram até ele. Esta foi uma direção experimental do jazz moderno, cujos representantes tentaram criar obras detalhadas para composições mistas orquestras que incluíam artistas acadêmicos e improvisadores de jazz.

As composições do “terceiro movimento” caracterizam-se por uma fusão mais orgânica das técnicas composicionais europeias com as tradições do jazz. Maioria representantes proeminentes Essa direção nos EUA incluiu os músicos e compositores Gunther Schuller, John Lewis (líder do Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffre e outros.

Por exemplo, são conhecidas as apresentações (e gravações) conjuntas de Duke Ellington com as orquestras La Scala e Sinfônica de Londres. Com esta combinação surgem novas tonalidades harmónicas e instrumentais; o resultado é, por assim dizer, uma “música intelectual” moderna. Tem uma abordagem clássica do tema, mas permanece muito jazzístico em sua essência. É perfeitamente possível sintetizar estes dois componentes num só tipo de música, próximo tanto do jazz (liberdade de improvisação, sentido de swing, frescura de novos timbres) como da técnica de composições “sérias” (técnicas do campo das 12 -música tonal, polifonia, politonalidade, polirritmia, evolução temática geral, etc.).

Contribuição significativa ao terceiro movimento com obras para quarteto de jazz e Orquestra Sinfónica contribuição de Dave Brubeck. A tradição de combinar uma orquestra sinfônica e um conjunto de jazz ou mesmo uma orquestra é continuada por Wynton Marsalis e sua Orquestra do Lincoln Center.

3. Blues modernos. Grandes bandas da era pós-swing

Historicamente, o blues penetrou gradualmente em grandes centros industriais e rapidamente ganhou popularidade ali. Eles se estabeleceram nele características, herdado da música dos afro-americanos, e a forma de 12 compassos foi claramente definida (como a mais típica) e foi determinado o acompanhamento harmônico baseado na escala de blues. Entre os mais famosos intérpretes de jazz blues dos anos 50-60. havia Jimmy Rushing (1903-1972) e Joe Williams (1918-1999).

No final dos anos 40 e início dos anos 50, surgiu uma nova variedade - “rhythm and blues” - era uma modificação urbana do blues clássico, que se difundiu nas áreas negras das maiores cidades dos EUA. Utilizando os meios melódico-harmônicos básicos do blues, o “r&b” se distingue por um aumento significativo no acompanhamento instrumental, uma forma expressiva de execução, tempos mais rápidos, um ritmo claramente definido e uma batida energética, que é alcançada na forma de alternância massiva e batidas estrondosas em 1 e 3 tempos do compasso com um acento seco e abrupto nas batidas 2 e 4. A performance é caracterizada por tensão emocional implacável, som alto, ênfase em “notas de blues”, transições frequentes do vocalista para falsete, intensidade máxima (pressão, “drive”) do som e é construída na antífona de “riffs” curtos de o cantor e acompanhamento.

Até o final dos anos 40. O "R&B" em som "ao vivo" e em discos (em uma série dos chamados "discos raciais") era conhecido principalmente apenas pela população negra nas grandes cidades industriais. Os favoritos dessa tendência naqueles anos eram os saxofonistas Louis Jordan e Earl Bostic, os guitarristas "T-Bone" Walker e Muddy Waters, os pianistas Jay McShann e, um pouco mais tarde, Ray Charles e o vocalista Big Joe Turner.

Porém, no início dos anos 50, o interesse por essa música rítmica também apareceu entre os brancos. Gradualmente, uma demanda crescente por peças de R&B surgiu entre os jovens brancos, e vários músicos seguiram essa direção, tornando-se promotores ativos do R&B naqueles anos, o que revolucionou a música popular e levou ao surgimento do rock and roll. Quando o guitarrista branco Bill Haley gravou o famoso número de ritmo e blues "Rock Around the Clock" com sua banda em 12 de abril de 1954, a data de seu lançamento foi considerada o aniversário do "rock and roll" e do próprio tema. hino.

Durante esses anos, um disc jockey branco, Alan Freed (1922-1965), apareceu em uma estação de rádio de Cleveland e começou a transmitir regularmente gravações de artistas de "rhythm and blues", e agora pode-se dizer que Freed é quase sozinho responsável por mudando todo o rumo da música popular americana. Foi ele quem tirou os escritores e artistas negros de ritmo e blues de trás da cortina racial e os apresentou a um amplo público de adolescentes brancos. Num acesso de inspiração, ele chamou essas gravações de "rock and roll" e popularizou o termo entre os jovens de todo o mundo.

Esta versão adaptada de "r&b" resumia-se a três acordes básicos, alguns "riffs" simples de guitarra elétrica e uma batida pesada e monótona com acentos fortes nas batidas 2 e 4 (ou seja, o "off-beat"). No entanto, a harmonia do "rock and roll" ainda se baseava no esquema do blues de 12 compassos, pelo que o seu principal mérito foi ter estabelecido o conceito fundamental de blues na consciência musical de massa dos americanos brancos, e depois deles dos europeus, o que tem enorme potencial para o desenvolvimento de ritmo, melodia e harmonia. O blues não só revitalizou a música popular como um todo, mas também mudou a sua anterior orientação europeia "branca" e abriu a porta a um amplo fluxo de inovações e empréstimos de culturas musicais de outras áreas. globo, por exemplo, música latino-americana.

As difíceis condições económicas após a Segunda Guerra Mundial e as mudanças nos interesses do público e dos gestores afectaram radicalmente muitas big bands da era do swing. A maioria deles desapareceu para sempre. No entanto, no início dos anos 50, começou um renascimento do gênero. Com dificuldade, mas as orquestras de Benny Goodman, Count Basie e um pouco mais tarde a orquestra de Duke Ellington foram restauradas. O público novamente quis ouvir os sucessos do pré-guerra. Apesar da significativa renovação das formações e da chegada de jovens músicos, os dirigentes, satisfazendo os desejos dos ouvintes, restauraram o antigo repertório. Destes três pilares da era do swing, apenas Duke Ellington estava no caminho da mudança. Isso dizia respeito ao uso generalizado da forma de suíte, que começou durante os anos de guerra. Suítes de grande porte com conteúdo programático apareceram em seu repertório. Uma etapa significativa foi a criação dos “Concertos de Música Sacra” (1965-66) para orquestra, coro, solistas e bailarinos. As atuações enérgicas da big band do vibrafonista Lionel Hampton continuaram, focadas principalmente na musicalidade e no charme de seu líder.

Gradualmente, algumas orquestras transformaram-se em formações memoriais que sustentam tradições estabelecidas. Estes incluem a Orquestra Glenn Miller, que morreu em 1944, a Orquestra Count Basie, que existe com o mesmo nome após a morte do líder em 1984, liderada por Mercer Ellington (filho de Duke), e depois por seu neto Paul Mercer Ellington, o Duque. Orquestra Ellington (falecida em 1974).

As orquestras progressivas perderam gradualmente o espírito de experimentação e adquiriram um repertório relativamente padronizado. As orquestras de Woody Herman e Stan Kenton, tendo produzido alguns solistas interessantes, passaram a batuta aos colegas mais jovens. Dentre elas, é preciso destacar as bandas que criaram uma nova sonoridade baseada em arranjos alegres, poliestilística e novo uso do som instrumentos de sopro, principalmente tubos. Tais centros de progresso no som orquestral na década de 60 foram as bandas dos trompetistas Maynard Fergusson e Don Ellis. O movimento consistente na direção escolhida ocorreu no laboratório criativo de um dos fundadores do grupo, Gil Evans. Suas próprias apresentações, gravações com Miles Davis na virada dos anos 50 e 60 e novas experiências com música modal e elementos do jazz rock nos anos 70 foram uma tendência individual importante na história do jazz.

Na década de 70, um impulso poderoso ao movimento da banda foi dado por uma orquestra formada por músicos jovens e muito fortes da cena jazz nova-iorquina pelo trompetista Thad Jones, ex-membro da banda Basie, e pelo baterista Mel Lewis, que tocou em a orquestra Stan Kenton. Durante uma década, esta banda foi considerada a melhor, graças aos seus magníficos arranjos modernos e alto nível instrumentistas. A orquestra se desfez devido à mudança de Jones para a Dinamarca, mas Mel Louis tentou apoiá-la por muito tempo em colaboração com o trombonista e arranjador Bob Brookmyer. Na década de 80, o primeiro lugar na hierarquia mundial era ocupado por uma banda criada pela pianista e arranjadora japonesa Toshiko Akiyoshi junto com seu marido, o saxofonista Lew Tabakin. Esta orquestra é incomum porque foi criada por uma mulher e executa principalmente suas obras, mas continua a seguir as tradições orquestrais americanas. Em 1985, a orquestra foi dissolvida e Akiyoshi organizou uma nova banda chamada "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra".

Na década de 90, o gênero big band não secou, ​​​​mas, talvez, se fortaleceu. Ao mesmo tempo, a gama de estilística orquestral se expandiu. A ala conservadora, além das orquestras memoriais, é representada pela Lincoln Center Orchestra, liderada por um dos músicos de jazz mais favorecidos pelo funcionalismo, o talentoso trompetista e compositor Wynton Marsalis. Esta orquestra tenta seguir a linha de composição de Duke Ellington. formato grande e natureza programática. Mais diversificado é o trabalho da orquestra muito forte e mais moderna que leva o nome de Charles Mingus (The Mingus Big Band). Esta banda atrai músicos de mente criativa. Ideias mais radicais são professadas por vários “workshops” de carácter temporário e por diversas bandas que professam ideias mais vanguardistas. Entre essas orquestras estão as bandas de Sam Rivers, George Gruntz e vários conglomerados europeus.

4. Hardbop. Descolado

Em contraste com o refinamento e a frieza do estilo cool, a racionalidade do progressivo na Costa Leste dos Estados Unidos, os jovens músicos do início dos anos 50 continuaram o desenvolvimento do estilo bebop aparentemente esgotado. Jogado nesta tendência papel importante o crescimento da autoconsciência afro-americana que caracterizou os anos 50. Houve um foco renovado em permanecer fiel às tradições de improvisação afro-americanas. Ao mesmo tempo, todas as conquistas do bebop foram preservadas, mas muitos desenvolvimentos cool foram acrescentados a eles tanto no campo da harmonia quanto no campo das estruturas rítmicas. Os músicos da nova geração, via de regra, tiveram bons educação musical. Essa tendência, chamada de "hardbop", revelou-se muito numerosa. Incluía os trompetistas Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, os pianistas Thelonious Monk, Horace Silver, o baterista Art Blakey, os saxofonistas Sonny Rollins, Hank Mobley (Hank Mobley), Cannonball Adderley, o contrabaixista Paul Chambers e muitos outros.

Outra inovação técnica revelou-se significativa para o desenvolvimento do novo estilo: o aparecimento de discos long-play. Tornou-se possível gravar solos longos. Para os músicos, isso se tornou uma tentação e uma prova difícil, pois nem todos conseguem falar de forma completa e sucinta por muito tempo. Os trompetistas foram os primeiros a aproveitar essas vantagens, modificando o estilo de Dizzy Gillespie para uma execução mais calma, porém mais profunda. Os mais influentes foram Fats Navarro e Clifford Brown (ambos tiveram uma vida útil muito curta). Esses músicos prestaram atenção principal não às passagens virtuosísticas de alta velocidade no registro superior, mas às linhas melódicas bem pensadas e lógicas.

A complexidade musical alcançada, por exemplo, por Art Blakey, que utilizou estruturas rítmicas complexas, não levou à perda do jazz, da espiritualidade emocional. O mesmo se aplica a novas formas nas improvisações de Horace Silver ou nas figurações polirrítmicas dos solos de Sonny Rollins. A música ganhou um tom, acerbidade e uma nova dimensão de swing. Um papel especial no desenvolvimento do hardbop foi desempenhado por Art Blakey, que criou o conjunto Jazz Messengers em 1955. Esta composição desempenhou o papel de uma escola na qual o talento de numerosos representantes desta direção foi identificado e floresceu. Estes incluem os pianistas Bobby Timmons e Horace Silver, os saxofonistas Benny Golson, Hank Mobley, os trompetistas Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis e muitos outros. Os "Mensageiros do Jazz" ainda existem de uma forma ou de outra, tendo sobrevivido ao seu líder (1993).

O saxofonista tenor Sonny Rollins ocupa um lugar especial na galáxia dos músicos de hard bop. Seu estilo era composto por linhas parkerianas e pelo tom amplo de Coleman Hawkins, e sua inovação estava associada ao seu temperamento e espontaneidade como improvisador. Caracteriza-se por uma liberdade especial na utilização de materiais harmônicos. Em meados da década de 50, Rollins chamava a atenção pelas peculiaridades de seu fraseado, que representa magníficas figuras polirrítmicas que destroem o material harmônico proveniente do tema. Em suas improvisações melódicas aparecem aspereza sonora e sarcasmo musical.

Algumas das músicas que surgiram no período "hardbop" absorveram naturalmente o blues, utilizado em andamento lento ou médio com expressão especial, baseado em uma batida pronunciada. Esse estilo é chamado de "funky". A palavra é uma gíria e significa uma definição intensificada de um cheiro ou sabor pungente e pungente. No jazz, é sinônimo de música realista e “real”. O aparecimento deste ramo não é acidental. Na década de 50, o jazz começou a se afastar da velha essência negra do jazz, e um enfraquecimento do idioma jazzístico tornou-se perceptível. Tornou-se cada vez mais difícil determinar que música deveria ser percebida como jazz. Músicos de jazz experimentaram o folclore de diferentes nações, foram atraídos pelo impressionismo e pelo atonalismo e começaram a se envolver com a música antiga. Nem todos acharam estes processos suficientemente convincentes. Vários músicos recorreram a composições fortemente temperadas com o som do blues tradicional e cantos religiosos. Inicialmente, o elemento religioso tinha uma finalidade decorativa e não funcional. Às vezes, os gritos antiquados dos campos de algodão desempenhavam o papel de uma introdução a figuras bastante tradicionais do bebop. Sonny Rollins dá sinais desse estilo, mas sua maior expressão pode ser encontrada no pianista Horace Silver, que criou o funky blues. A sinceridade da sua música foi reforçada pelos motivos religiosos que nortearam o músico.

Do estilo funky cresceu a figura de Charles Mingus - contrabaixista, compositor e líder de banda, um músico que não se enquadrava em um determinado estilo. Mingus se propôs a evocar sensações emocionais muito específicas no ouvinte. Ao mesmo tempo, a carga foi distribuída entre a própria composição e os músicos, que tiveram que improvisar, vivenciando justamente essas emoções. Mingus pode ser facilmente classificado como um dos poucos compositores de jazz. Ele se considerava um seguidor de Duke Ellington e voltou-se para a mesma área da cultura afro-americana, da religiosidade, do misticismo - uma área que exigia o uso de técnicas de estilo funky..

5. Jazz grátis

No início dos anos 60, a próxima fase de desenvolvimento dos estilos de jazz deveu-se em grande parte ao fortalecimento da autoconsciência racial dos músicos negros. Entre os jovens da época, esse processo se expressou de formas muito radicais, inclusive no jazz, que sempre foi uma válvula de escape na cultura dos afro-americanos. Na música, isto manifestou-se novamente no desejo de abandonar a componente europeia e regressar às origens do jazz. No novo jazz, os músicos negros voltaram-se para religiões não-cristãs, principalmente o budismo e o hinduísmo. Por outro lado, esta época é caracterizada pelo surgimento de ondas de protesto, instabilidade social, independentemente da cor da pele (movimento hippie, anarquismo, paixão pelo misticismo oriental). O “free jazz” que surgiu nessa época se afastou bruscamente de todo o caminho principal do desenvolvimento do jazz, do mainstream. A combinação da plenitude das experiências espirituais e estéticas com uma abordagem fundamentalmente nova para a organização do material musical isolou completamente o novo jazz da esfera da arte popular. Esta foi uma forte aceleração do processo iniciado pelos boppers.

Dixieland e estilistas de swing criaram improvisações melódicas, músicos de bebop, cool e hardbop seguiram estruturas de acordes em seus solos. O free jazz foi um afastamento radical dos estilos anteriores, pois neste estilo o solista não é obrigado a seguir uma determinada direção ou construir uma forma de acordo com cânones conhecidos, podendo seguir em qualquer direção imprevisível. Inicialmente, a principal aspiração dos líderes do free jazz era uma orientação destrutiva em relação ao ritmo, estrutura, harmonia e melodia. O principal para eles era a extrema expressividade, a nudez espiritual e o êxtase. As primeiras experiências dos novos músicos de jazz Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler não romperam os laços com as normas do mainstream. As primeiras gravações de free jazz ainda apelavam aos padrões harmônicos. Porém, gradativamente esse processo chega ao extremo de romper com a tradição. Quando Ornette Coleman introduziu totalmente o free jazz ao público de Nova York (apesar do fato de Cecil Taylor ser conhecido antes e muito bem), muitos dos músicos de bebop e conhecedores de jazz chegaram à conclusão de que essa música não poderia ser considerada apenas jazz, mas também, na verdade, música. Assim, ex-radicais tornaram-se conservadores em menos de 15 anos.

Um dos primeiros destruidores de cânones foi Cecil Taylor, que na época da maioridade era um músico muito treinado. Formou-se no conservatório, conhecia bem o jazz e pensava em aplicar os princípios da composição musical ao processo de improvisação. Em 1956, ele, junto com o saxofonista Steve Lacy, conseguiu lançar um disco contendo algumas ideias do novo jazz. O falecido pianista e compositor Herbie Nichols estava seguindo aproximadamente o mesmo caminho, vindo em grande parte de Thelonious Monk. Apesar da dificuldade de perceber músicas que não contenham referências convencionais, Cecil Taylor tornou-se uma figura famosa já em 1958, o que foi facilitado por suas apresentações no clube Five Spot.

Ao contrário de Taylor, outro fundador do free jazz, Ornette Coleman, tinha uma vasta experiência tocando antes e, ao mesmo tempo, nunca tocou “corretamente”. Talvez Coleman, sem perceber, tenha se tornado um mestre do primitivismo. Isso, por sua vez, deu-lhe a base para uma transição fácil para a música fora do padrão, que ele realizou junto com o trompetista que tocava trompete de bolso - Don Cherry. Os músicos tiveram sorte; o contrabaixista Red Mitchell e o pianista John Lewis, que eram influentes na comunidade musical, interessaram-se por eles. Em 1959, os músicos lançaram o álbum "Something Else!!" e consegui um noivado no Five Spot. Um marco para o novo jazz foi o time duplo "Free Jazz" de Ornette Coleman em 1960.

O free jazz frequentemente se cruza com outros movimentos de vanguarda, que, por exemplo, podem usar sua modelagem e sequência de estruturas rítmicas. Desde a sua criação, o free jazz permaneceu no domínio de um pequeno número de pessoas e é geralmente encontrado no underground, mas influenciou muito o mainstream moderno. Apesar da negação total, o free jazz desenvolveu uma certa normatividade que lhe permite distinguir-se de outros novos movimentos do jazz. Estas convenções dizem respeito ao plano geral da peça, à interação dos músicos, ao suporte rítmico e, claro, ao plano emocional. Deve-se notar que uma antiga forma de improvisação coletiva ressurgiu no free jazz. Para o free jazz tornou-se trabalho característico com um “formulário aberto” não vinculado a estruturas específicas. Esta abordagem também começou a aparecer entre músicos que não são forma pura free jazz, como, por exemplo, as improvisações espontâneas de Keith Jarrett em seus concertos solo.

A rejeição do "novo jazz" das normas musicais europeias levou a um enorme interesse pelas culturas não europeias, principalmente orientais. John Coltrane estava seriamente envolvido com música indiana, Don Cherry - indonésio e chinês, Farrow Sanders - árabe. Além disso, esta orientação não é superficial, decorativa, mas muito profunda, com o desejo de compreender e absorver todo o carácter não só da música correspondente, mas também do seu ambiente estético e espiritual.

As expressões do free jazz muitas vezes se tornaram parte integrante da música poliestilística. Uma das manifestações mais marcantes desta abordagem é o trabalho de um grupo de músicos negros de Chicago que começou a actuar na década de 60 sob os auspícios da Associação para o Avanço dos Músicos Criativos (AACM). Mais tarde, esses músicos (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) criaram o "Chicago Art Ensemble", que pregava uma variedade de estilos, desde feitiços rituais africanos e música gospel até free jazz. Uma outra face do mesmo processo manifesta-se no trabalho do clarinetista e saxofonista Anthony Braxton, intimamente associado ao Chicago Art Ensemble. Sua música é livre e intelectual. Braxton às vezes usa princípios matemáticos em suas composições, como a teoria de grupos, mas isso não diminui o impacto emocional de sua música. As disputas sobre a possibilidade de música desse tipo não diminuem até hoje. Assim, a autoridade oficial do establishment do jazz americano, Wynton Marsalis, desdenhosamente chama Braxton de “um bom jogador de xadrez”, enquanto, ao mesmo tempo, nas pesquisas da Associação Americana de Jornalistas de Jazz, Marsalis ocupa o próximo lugar, depois de Braxton, na categoria de compositores de jazz.

Deve-se notar que no início dos anos 70, o interesse pelo free jazz começou a capturar músicos de mentalidade criativa na Europa, que muitas vezes combinavam os seus princípios de “liberdade” com os desenvolvimentos da prática musical europeia do século XX - atonalidade, técnica serial , aleatória, sonora, etc. Por outro lado Por outro lado, alguns líderes do free jazz estavam se afastando do radicalismo extremo e, na década de 80, caminhando para algum compromisso, embora versões originais da música. Entre eles estão Ornette Coleman com o projeto “Prime Time”, Archie Shepp e outros.

6. Desenvolvimento da fusão: jazz-rock. Fusão ECM. Jazz Mundial

A definição original de "jazz rock" era a mais clara: uma combinação de improvisação de jazz com a energia e os ritmos do rock. Até 1967, os mundos do jazz e do rock existiam quase separadamente. Mas a essa altura, o rock se torna mais criativo e mais complexo, surge o rock psicodélico e a soul music. Ao mesmo tempo, alguns músicos de jazz começaram a se cansar do hardbop puro, mas não queriam tocar música de vanguarda difícil. Como resultado, dois idiomas diferentes começaram a trocar ideias e unir forças. A partir de 1967, o guitarrista Larry Coryell, o vibrafonista Gary Burton e, em 1969, o baterista Billy Cobham do grupo "Dreams", no qual tocavam os Brecker Brothers, começaram a dominar novas extensões de estilo. No final dos anos 60, Miles Davis tinha o potencial necessário para fazer a transição para o jazz rock. Foi um dos criadores do jazz modal, a partir do qual, utilizando 8/8 e instrumentos eletrônicos, Miles dá um novo passo ao gravar os álbuns "Bitches Brew", "In a Silent Way". Junto com ele nesta época estava uma brilhante galáxia de músicos, muitos dos quais mais tarde se tornaram figuras fundamentais deste movimento - John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. O ascetismo, o laconicismo e a contemplação filosófica característicos de Davis revelaram-se exatamente o que havia no novo estilo. No início da década de 1970, o jazz rock tinha sua própria identidade distinta como estilo de jazz criativo, embora fosse ridicularizado por muitos puristas do jazz. Os principais grupos da nova direção foram “Return To Forever”, “Weather Report”, “The Mahavishnu Orchestra” e vários conjuntos de Miles Davis. Eles tocavam jazz-rock de alta qualidade que combinava uma enorme variedade de técnicas tanto do jazz quanto do rock.

Fusão

Para o máximo composições interessantes O jazz-rock é caracterizado pela improvisação, combinada com soluções composicionais, pelo uso dos princípios harmônicos e rítmicos da música rock, pela incorporação ativa da melodia e do ritmo do Oriente, pela poderosa introdução de meios eletrônicos de processamento e síntese sonora na música. Nesse estilo, a gama de aplicação dos princípios modais se expandiu e a gama de diferentes modos, inclusive os exóticos, também se expandiu. Nos anos 70, o jazz-rock tornou-se incrivelmente popular; O jazz-rock, mais desenvolvido em termos de síntese de diversos meios musicais, é denominado “fusão” (fusão, fusão). Um impulso adicional para a “fusão” foi outra (não a primeira na história do jazz) reverência à música académica europeia. Na verdade, nesta fase, a fusão continua a linha do “terceiro movimento” dos anos 50.

Conexão de diferentes influências culturais afeta até as composições dos conjuntos mais interessantes. Um exemplo típico é o Weather Report, liderado inicialmente pelo tecladista austríaco americanizado Joseph Zawinul e pelo saxofonista americano Wayne Shorter, cada um dos quais em momentos diferentes passou pela escola de Miles Davis. O conjunto reuniu músicos do Brasil, Tchecoslováquia e Peru. Posteriormente, instrumentistas e vocalistas de quase todo o mundo começaram a colaborar com Zawinul. No sucessor do “Weather Report”, o projeto “Syndicat”, a geografia dos músicos se estende de Tuva à América do Sul.

Infelizmente, com o tempo, o jazz rock adquire em grande parte as características da música comercial; por outro lado, o próprio rock abandona muitas das descobertas criativas feitas em meados da década de 1970; Em muitos casos, a fusão torna-se na verdade uma combinação de jazz com música pop convencional e ritmo e blues leves; cruzamento. As ambições da música de fusão em termos de profundidade musical e empoderamento permanecem insatisfeitas, embora em casos raros a busca continue, como em grupos como Tribal Tech e os conjuntos de Chick Corea.

Jazz elétrico

O uso de conversores e sintetizadores eletrônicos de som tem se mostrado extremamente atraente para músicos que estão principalmente na fronteira com o rock ou a música comercial. Na realidade, existem relativamente poucos exemplos frutíferos na massa geral da música elétrica. Por exemplo, Joe Zawinul conseguiu uma fusão muito eficaz de elementos étnicos e tonais no projeto Weather Report. Herbie Hancock por muito tempo se tornou um ídolo não tanto do público quanto dos músicos, utilizando sintetizadores, inúmeros teclados e diversos truques eletrônicos nas décadas de 70 e 80. Na década de 90, esta área da música passou cada vez mais para a esfera não jazzística. Isto é facilitado pelas capacidades alargadas de criação de música computacional, que, com certas vantagens e capacidades, perde a ligação com a principal qualidade do jazz - a improvisação.

Desde o início dos anos 70, um nicho distinto na comunidade dos estilos de jazz foi ocupado pela companhia alemã ECM (Edição de Música Contemporânea), que gradualmente se tornou o centro de uma associação de músicos que professavam não tanto um apego ao afro-americano. origem do jazz, mas sim a capacidade de resolver as mais diversas tarefas artísticas, sem se limitar a um determinado estilo, mas em consonância com o processo criativo de improvisação. Com o tempo, desenvolveu-se uma certa personalidade da empresa, o que levou à separação dos artistas desta gravadora em uma direção estilística de grande escala e claramente definida. O foco do fundador da gravadora, Manfred Eicher, em unir vários idiomas do jazz, folclore mundial e nova música acadêmica em um único som impressionista, tornou possível usar esses meios para reivindicar profundidade e compreensão filosófica dos valores da vida.

O principal estúdio de gravação da empresa, localizado em Oslo, correlaciona-se claramente com o papel dominante no catálogo dos músicos escandinavos. Em primeiro lugar, estes são os noruegueses Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. No entanto, a geografia da ECM abrange o mundo inteiro. Aqui estão os europeus John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin e representantes de culturas não europeias Egberto Gismonti, Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e muitos outros . A Legião Americana não é menos representativa - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie), Leo Smith. O impulso revolucionário inicial das publicações da empresa transformou-se ao longo do tempo num som meditativo e desapegado de formas abertas com camadas sonoras cuidadosamente polidas. Naturalmente, Eicher cruzou a linha invisível que separava inúmeras tentativas de combinar o jazz e a música académica europeia. Esta já não é uma terceira corrente, mas simplesmente uma corrente que flui suavemente para a “Nova Série” de ECM com música académica, muito próxima em espírito dos lançamentos de jazz. O rumo da política da gravadora no exterior cultura popular, porém, levou a um aumento na popularidade deste tipo de música, o que pode ser visto como uma espécie de paradoxo. Alguns adeptos do mainstream negam o caminho escolhido pelos músicos desta tendência; por mais que o jazz seja Cultura mundial, está a desenvolver-se apesar destas objecções e a produzir resultados muito impressionantes.

Jazz Mundial

"Jazz Mundial" (World Jazz) - um termo que soa estranho em russo, refere-se a uma fusão da música do Terceiro Mundo, ou "música mundial" ( Mundo da música), com jazz. Essa direção muito ramificada pode ser dividida em vários tipos.

Música étnica que inclui improvisações de jazz, como jazz latino. Neste caso, às vezes apenas o solo é improvisado. O acompanhamento e a composição são essencialmente os mesmos da própria música étnica;

Jazz, que incorporou aspectos limitados da música não-ocidental. Os exemplos incluem as antigas gravações "A Night in Tunísia" de Dizzy Gillespie e a música de alguns discos de quarteto e quinteto de Keith Jarrett lançados na década de 1970 pelo selo Impulse!, usando instrumentos do Oriente Médio ligeiramente modificados e técnicas harmônicas semelhantes. Isto inclui algumas músicas de Sun Ra dos anos 50 a 90, que incorporam ritmos africanos, algumas gravações de Yusef Lateef usando instrumentos e técnicas islâmicas tradicionais;

Novo estilos musicais, emergindo através de formas orgânicas de combinar a improvisação do jazz com as ideias e instrumentos originais, harmonias, técnicas de composição e ritmos da tradição étnica existente. O resultado revela-se original e reflecte claramente os aspectos essenciais da etnicidade. Exemplos desta abordagem são numerosos e incluem os conjuntos de Don Cherry, Codona e Nu; algumas músicas de John McLaughlin dos anos 70 aos 90, baseadas nas tradições indianas; algumas músicas de Don Ellis dos anos 70, que pegou emprestadas ideias da música da Índia e da Bulgária; o trabalho de Andy Narell nos anos 90, que misturou música e instrumentos de Trinidad com improvisações de jazz e funk.

Esta não é a primeira vez que o “World Fusion Jazz” segue este caminho na história do jazz, e esta tendência em si não se aplica exclusivamente ao jazz americano. Por exemplo, a música polinésia foi misturada com estilos pop ocidentais no início do século XX, e o seu som emergiu de alguns dos primeiros músicos de jazz. Os ritmos de dança caribenhos tornaram-se uma parte significativa da cultura popular americana ao longo do século XX e, como os músicos de jazz frequentemente improvisavam temas de música pop, eles eram mixados quase continuamente. Django Reinhardt combinou as tradições da música cigana, do impressionismo francês com a improvisação do jazz na década de 30 na França. A lista de músicos activos na região fronteiriça pode incluir centenas e milhares de nomes. Entre eles, por exemplo, estão os seguintes pessoas diferentes, como Al DiMeola do Dead Can Dance, Joe Zawinul do Shakti, Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu e muitos outros.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

O funk moderno refere-se a estilos populares de jazz dos anos 70 e 80, nos quais os acompanhantes tocam no estilo do black pop-soul e da música funk, enquanto extensas improvisações solo são mais criativas e jazzísticas por natureza. Em vez de usar o repertório diversificado e acumulado de expressões idiomáticas do jazz encontradas nos saxofonistas de jazz modernos (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), a maioria dos saxofonistas desse estilo usa seu próprio conjunto de frases simples que consistem em gritos e gemidos de blues. Eles se baseiam em uma tradição herdada de solos de saxofone em gravações vocais de ritmo e blues de nomes como King Curtis com os Coasters, Junior Walker com os grupos vocais da Motown, David Sanborn (Sanborn) com "Blues Band" de Paul Butterfield. Uma figura proeminente neste gênero é Grover Washington Jr., que frequentemente tocava solos no estilo de Hank Crawford usando acompanhamento de funk. É assim que aparece em suas gravações mais famosas, embora Washington seja capaz de tocar músicas em outros estilos de jazz. Os membros do The Jazz Crusaders Felder Wilton e Joe Sample alcançaram grande popularidade ao mudar significativamente seu repertório durante os anos 70 e remover a palavra “jazz” do nome do conjunto. Grande parte da música de Michael Brecker, Tom Scott e seus alunos adota essa abordagem, embora eles pudessem facilmente tocar nos estilos de John Coltrane ou Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott e seus contemporâneos também trabalham no estilo do "funk moderno". Entre 1971 e 1992, Miles Davis liderou conjuntos executando uma variação sofisticada do estilo, embora os saxofonistas de seus grupos fossem influenciados por John Coltrane e seus guitarristas exibissem uma mentalidade jazzística moderna juntamente com a influência de Jimi Hendrix. Muito do funk moderno também pode ser classificado como "crossover".

Jazz ácido

Muitos consideram as composições posteriores de Miles Davis as fundadoras desta tendência. O termo "acid jazz" foi atribuído a um dos tipos de música light jazz, principalmente um gênero de dança, unido pelo fato de ser parcialmente tocado por músicos "ao vivo", e o restante ser interpretado em forma de sample ou em a forma de sons, para cuja produção são utilizados discos, na maioria das vezes antigos, de vinil quarenta e cinco, produzidos para discotecas. O resultado musical pode ser de qualquer estilo, porém, com sonoridade modificada. Radicais “punk jazz”, “soul” e “fusion” são mais preferíveis para esses propósitos. O acid jazz também tem uma ala vanguardista mais radical - um exemplo é o trabalho do guitarrista britânico Derek Bailey. O que distingue o acid jazz da versão disco é a significativa contribuição da execução “ao vivo” dos músicos. Aparentemente, esta direção tem um futuro que lhe permite desenvolver-se.

Crossover

Com o declínio gradual da atividade da música rock (do ponto de vista artístico), a partir do início dos anos 70, com a diminuição do fluxo de ideias do mundo do rock, a música de fusão (combinando improvisação de jazz com ritmos de rock) tornou-se mais direto. Ao mesmo tempo, muitos começaram a perceber que o jazz elétrico poderia se tornar mais comercial, produtores e alguns músicos começaram a buscar tais combinações de estilos para aumentar as vendas. Eles criaram com muito sucesso um tipo de jazz que era mais acessível ao ouvinte médio. Nas últimas duas décadas, surgiram muitas combinações diferentes para as quais promotores e publicitários gostam de usar a frase "Modern Jazz", usada para descrever as "fusões" do jazz com elementos de pop, ritmo e blues e "world music". No entanto, a palavra "crossover" descreve com mais precisão a essência do assunto. O crossover e a fusão alcançaram o objetivo de aumentar o público do jazz, principalmente entre aqueles que estavam fartos de outros estilos. Em alguns casos, esta música merece atenção, embora na maioria dos casos o conteúdo de jazz nela contido seja reduzido a zero. Para um estilo que é essencialmente música pop com apenas um toque de improvisação que leva a música além das fronteiras do jazz, o termo “pop instrumental” se encaixa melhor do que outros. Exemplos do estilo crossover vão desde as gravações vocais de Al Jarreau e George Benson até Kenny G, Spyro Gyra e os Rippingtons. Há uma influência jazzística em tudo isto, mas, mesmo assim, esta música enquadra-se no campo da pop art, que é representada por Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, o saxofonista Bill Evans , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Suave

"Smooth jazz" é um produto do estilo fusion, que enfatiza o lado suave e suave da música. Em geral, o smooth jazz depende mais de ritmos e linhas melódicas do que de improvisação. Utiliza camadas sonoras de sintetizadores, ritmos funk, baixo funk, linhas elásticas de guitarra e trompete, saxofone alto ou soprano. A música não é cerebral como o hardbop, mas não é excessivamente energética como o funky ou o soul jazz. As composições de "smooth jazz" parecem simplistas, superficiais e polidas, com um som geral de valor mais alto do que peças individuais. Representantes típicos do estilo suave são George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Jazz é um movimento musical que foi fundado nos EUA, no estado de Nova Orleans, e depois se espalhou gradualmente pelo mundo. Esta música gozou de maior popularidade nos anos 30; foi nesta altura que caiu o apogeu deste género, que combinava a cultura europeia e africana. Agora você pode ouvir muitos subgêneros do jazz, como bebop, jazz de vanguarda, soul jazz, cool, swing, free jazz, jazz clássico e muitos outros.

O jazz combinou diversas culturas musicais e, claro, veio até nós de terras africanas, isso pode ser entendido pelo ritmo e estilo complexo de execução, mas esse estilo lembrava mais o ragtime, acabando por combinar ragtime e blues, os músicos receberam uma nova som, que eles chamavam de jazz. Graças à fusão do ritmo africano e da melodia europeia, podemos agora desfrutar do jazz, e a performance virtuosa e a improvisação tornam este estilo único e imortal, à medida que novos modelos rítmicos são constantemente introduzidos e um novo estilo de performance é inventado.

O jazz sempre foi popular entre todos os segmentos da população, nacionalidades, e ainda interessa a músicos e ouvintes de todo o mundo. Mas o pioneiro na fusão do blues e do ritmo africano foi o Chicago Art Ensemble; foram esses caras que acrescentaram formas jazzísticas aos motivos africanos, o que despertou extraordinário sucesso e interesse entre os ouvintes.

Na URSS, a turnê Jazz começou a surgir na década de 20 (como nos EUA) e o primeiro criador de uma orquestra de jazz em Moscou foi o poeta e figura teatral Valentin Parnakh, o concerto deste grupo aconteceu em 1º de outubro de 1922 , que é considerado o aniversário do jazz na URSS. Claro que a atitude Poder soviético em relação ao jazz era bilateral, por um lado, não pareciam proibir esse gênero musical, mas por outro lado, o jazz foi submetido a duras críticas, afinal adotamos esse estilo do Ocidente, e tudo novo e estrangeiro foi rigorosamente criticado pelas autoridades em todos os momentos. Hoje, festivais de música jazz são realizados anualmente em Moscou, há clubes onde são convidadas bandas de jazz mundialmente famosas, artistas de blues e cantores de soul, ou seja, para os fãs desse tipo de música sempre há tempo e lugar para curtir o jazz de som animado e único

É claro que o mundo moderno está mudando, e a música também está mudando, os gostos, os estilos e as técnicas de performance estão mudando. Porém, podemos afirmar com segurança que o jazz é um clássico do gênero, sim, a influência dos sons modernos não ultrapassou o jazz, mas mesmo assim você nunca vai confundir essas notas com nenhuma outra, porque isso é jazz, um ritmo que não tem análogos, ritmo que tem tradições próprias e se tornou World Music.