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INTRODUÇÃO
Cultura - (do latim cultura - cultivo, educação, educação, desenvolvimento, veneração), nível de desenvolvimento historicamente determinado da sociedade e do homem, expresso nos tipos e formas de organização da vida e das atividades das pessoas, bem como no material e valores espirituais que eles criam. O conceito de cultura é usado para caracterizar o nível material e espiritual de desenvolvimento de certas épocas históricas, formações socioeconômicas, sociedades, nacionalidades e nações específicas (por exemplo, cultura antiga, cultura socialista, cultura maia), bem como esferas específicas de atividade ou vida ( K. trabalho, artístico K., K. vida cotidiana). Em um sentido mais restrito, o termo "K." relacionam-se apenas com a esfera da vida espiritual das pessoas.
É assim que o termo “cultura” é revelado na TSB. E, portanto, podemos concluir que o jazz é parte integrante da cultura musical, embora muitas pessoas, especialmente as gerações mais velhas, não o reconheçam, ou o reconheçam de forma muito limitada. Esta é uma abordagem bastante primitiva, uma vez que a música jazz, como qualquer música e cultura, tem pessoas e obras brilhantes próprias. Talentos que estão na história da música há séculos.
Esta forma de arte musical está se tornando cada vez mais difundida em nosso tempo. Devido à relevância deste estilo no mundo moderno, escolhi este tema específico para o meu ensaio, cujos objetivos eram:

descrever brevemente o caminho percorrido pela música jazz;
destacar as principais direções;
descrever experimentadores musicais brilhantes e ídolos de muitas gerações esta direção Na música.

1 ORIGENS DO JAZZ
O próprio nome “jazz” em árabe diz “ser permitido”. Esta música escrava acabou por quebrar os regimes totalitários onde reinavam as orquestras clássicas, completamente subordinadas à vontade da batuta do maestro. De acordo com a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e a expansão da influência soviética nos países do terceiro mundo. O jazz surgiu como uma combinação de diversas culturas musicais e tradições nacionais. Chegou originalmente em forma embrionária de terras africanas. Qualquer música africana é caracterizada por um ritmo muito complexo, a música é sempre acompanhada de dança, que consiste em batidas rápidas e palmas (músicos negros dedilham facilmente as cordas de um banjo, sapateiam em pandeiro e castanholas, e ao mesmo tempo tempo realizar passos incríveis com os pés). Com base nisso, no final do século XIX, surgiu outro gênero musical, o ragtime. Posteriormente, os ritmos do ragtime combinados com elementos do blues deram origem a uma nova direção musical - o jazz.
As origens do jazz estão ligadas ao blues. Surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas as suas origens devem ser procuradas desde o momento da importação de escravos de África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham da mesma família e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma cultura única (incluindo musical) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreram graves mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do “proto-jazz”, e depois do jazz no sentido geralmente aceite. .
O berço do jazz foi o Sul dos Estados Unidos e, acima de tudo, Nova Orleans. Em 26 de fevereiro de 1917, no estúdio nova-iorquino da companhia Victor, cinco músicos brancos de Nova Orleans gravaram o primeiro disco de jazz. É difícil superestimar a importância desse fato: antes do lançamento deste disco, o jazz permanecia um fenômeno marginal, folclore musical, e depois disso surpreendeu toda a América em poucas semanas. A gravação pertenceu à lendária "Original Dixieland Jazz Band".
A improvisação desempenha um papel fundamental no verdadeiro jazz. Além disso, muitos estilos de jazz se distinguem por uma técnica especial de execução: “swinging” ou swing. Além disso, o jazz se distingue pela síncope (ênfase em batidas fracas e acentos inesperados) e um impulso especial. Os dois últimos componentes surgem no ragtime e depois são transferidos para a execução de orquestras (bandas), após o que a palavra jazz surge para denotar esse novo estilo de tocar música, que entrou no léxico americano em 6 de outubro de 1917, quando esta palavra foi explicado em um artigo na Literature Digest como “o desejo de uma pessoa de tremer, pular e fazer caretas”, escrito primeiro como Jass, depois como Jasz, e somente em 1918 adquiriu sua forma moderna.
Outra característica do estilo jazz é a performance individual única de um virtuoso do jazz. A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação. Após o aparecimento do brilhante intérprete que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz e ainda continua a ser uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance do jazz viu horizontes novos e inusitados: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de toda a performance, mudando completamente a ideia de jazz.
O jazz não é apenas um certo tipo de apresentação musical, mas também uma época única e alegre.

2 PRINCIPAIS CORRENTES
Atualmente, existem diversos movimentos de jazz, entre os quais se destacam os seguintes grupos:
- Espiritual, senhor
- Músicas de trabalho
- Menestréis
- Ragtime
- Boogie Woogie
-Jazz tradicional
- Estilo Chicago
- Jazz comercial
- Balanço
- Bebop "Jazz moderno"
- Jazz legal
- Hard-bop
- Progressivo
-Jazz moderno
-Jazz rock
Vamos caracterizar alguns deles.
2.1 Espiritual, senhor
Os espirituais surgiram como resultado da introdução dos negros na religião dos brancos. Na igreja protestante, a mais difundida na América, os negros foram apresentados pela primeira vez aos hinos corais polifônicos. Esta circunstância permitiu-lhes dominar rapidamente a melodia simples e a harmonia de tais hinos, onde desde o início começaram a introduzir elementos de improvisação no canto coral.
Os espirituais são exemplos de folclore altamente desenvolvido e artístico que surgiu nos estados do Sul no século XIX. O principal atrativo dessa música é a alta cultura da performance coral, combinando uma melodia expressiva com um complexo sistema de ecos polifônicos, imitações, ritmos agudos e harmonia fresca e de sonoridade incomum.
Spiritual é um dos ramos do estilo folclórico afro-americano, que determinou em grande parte o desenvolvimento do jazz. A profunda interpenetração de elementos da música europeia e africana sintetizou e entrelaçou estreitamente as harmonias musicais anglo-célticas e negras. Esta é uma daquelas primeiras culturas afro-europeias sintéticas que adquiriu na América o papel do folclore nacional, desenvolvendo-se no solo social e cultural do país. Os princípios melódicos e harmônicos da construção de hinos religiosos europeus foram adotados pelos negros e transferidos para os seus próprios tradições musicais. Daí surgiu um tipo diferente de hinos, que se distinguem, a par de uma clara configuração de formas europeias, também pela utilização pela primeira vez das harmonias de passo mais simples, remontando às antigas tradições da cultura africana. canto coral(linearia harmônica, abertura de fita, etc.) Freqüentemente há voltas plagais, acordes de sétima diminuta ou não acordes, elipse (a tônica esperada é substituída por um grau VI reduzido), substituição de tríades por um acorde de um quarto de sexo, etc.
A importância dos espirituais no desenvolvimento do jazz reside no desenvolvimento dos princípios do desenho melódico de sons fechados e posição aberta, na introdução do paralelismo harmônico, na criação de formas polifônicas.
Graças ao acompanhamento do canto de muitos espirituais, com batidas de pés e palmas, estabeleceu-se a divisão do conjunto em grupos melódicos e rítmicos. Conceitos como “bit” e depois “off beat” tornaram-se firmemente estabelecidos na prática.
BEAT - a batida do jazz. Este é um fluxo elástico absolutamente regular, igualmente forte, de acentos métricos uniformes que criam movimento interno. Na produção musical negra, os acentos uniformes de todas as quatro batidas do compasso de “quatro batidas”, ou a acentuação da segunda e quarta batidas, são tradicionais. Em contraste, os brancos tendem a enfatizar a primeira e a terceira batidas, enquanto a segunda e a quarta são consideradas duas batidas leves.
OFF BEAT é uma expressão da natureza extática do jazz. Este é um conceito mais complexo do que a simples síncope. Esta é uma espécie de atmosfera rítmica do jazz. A essência deste conceito é que os acentos melódicos devem cair entre os acentos métricos (entre as batidas principais - a batida). A origem (off beat) vem da música africana. Toda a música de bateria africana consiste em batidas diferentes. No jazz tradicional, na improvisação solo ou em grupo, a técnica off-beat é utilizada por cada intérprete à sua maneira. No estilo swing (veja abaixo), devido à combinação de instrumentos em grupos, o diversificado jogo off-beat é combinado em um único tipo de movimento para todo o grupo. O off beat torna-se o principal princípio rítmico do jazz.
2.2 Canções de trabalho
Durante o período da escravidão, as canções de trabalho dos negros eram uma parte importante do folclore negro. Realizado sozinho e em grupo sem acompanhamento. Do lado musical, as canções de trabalho são uma forma de canção com melodia pouco desenvolvida e caracterizam-se por uma estrutura respiratória curta. A chamada entre o solista e o coro (técnica de “chamado” e “resposta”), também típica dos africanos, permeia esses cantos. A característica estilística mais importante também são os sons melódicos destemperados, alternando entonações musicais com gritos e suspiros. Para o jazz, o aspecto mais importante nas canções de trabalho acabou sendo a entonação - o efeito Shaut. Gritar - gritar, gritar - denota um estilo de canto que é “gritante por natureza”. Este estilo foi transferido diretamente da produção musical africana para a esfera performática afro-americana. "Efeitos de grito" podem ser encontrados em todas as formas vocais e instrumentais de jazz até hoje.

2.3 Menestréis
Eles se originam de antigas apresentações musicais folclóricas, que por sua vez se originam de apresentações de malabaristas. Originado na América do Norte no século XVIII.
Desde meados do século XIX, eles vêm se desenvolvendo sob a influência do folclore afro-americano. As canções cotidianas anglo-célticas foram processadas, modificadas e improvisadas.
Na década de trinta do século passado, o banjo apareceu na música do menestrel, o que lhe conferiu um sabor específico. Gradualmente, elementos negros começaram a predominar na música dos menestréis. Sincopação, uma sequência de ostinato de motivos curtos, muitas vezes pentatônicos, um movimento descendente da melodia, acompanhamento de acordes característico associado ao dedilhado de banjo (uma sequência de acordes de sétima paralelos) e o uso de uma variedade de instrumentos de percussão - tudo isso dá à música dos menestréis uma originalidade brilhante.
O contraste entre solistas, coro e instrumentos se dá em menor escala, como um efeito deliberado que perturba a suavidade da melodia. Nas profundezas da comédia de menestréis, surgiram os primeiros arautos do pop jazz ou Dixieland. Isso resultou em música instrumental com uma marcha rápida e sincopada. Posteriormente separadas do show de menestréis, essas marchas se transformaram na dança Cack-Walk (versão de salão) ou ragtime (versão variety), que se torna um dos primeiros componentes do estilo jazz maduro.
2.4 Ragtime
Rag Time - ritmo irregular. Surgiu no final do século XIX. Obteve sucesso e distribuição sensacionais no início do século XX. Conhecido principalmente como um estilo de tocar piano. Caracteriza-se por uma peculiar melodia sincopada, um ritmo claro e um baixo “oscilante” na mão esquerda.
Seus antecessores imediatos são a combinação "jig piano" e "cake walk" - rítmica e "plantation banjo". Mas as suas qualidades melódicas, harmónicas e formais gerais são de origem europeia.
etc..................

Como se desenvolveu um tipo de música na virada dos séculos XIX e XX. como resultado da síntese de elementos de duas culturas musicais - europeia e africana. Dos elementos africanos, nota-se a polirritmicidade, a repetição repetida do motivo principal, a expressividade vocal, a improvisação, que penetrou no jazz junto com as formas comuns do folclore musical negro - danças rituais, canções de trabalho, espirituais e blues.

Palavra "jazz", originalmente "banda de jazz", começou a ser utilizado em meados da 1ª década do século XX. nos estados do sul para se referir à música criada por pequenos conjuntos de Nova Orleans (compostos por trompete, clarinete, trombone, banjo, tuba ou contrabaixo, bateria e piano) no processo de improvisação coletiva sobre temas de blues, ragtime e música popular europeia canções e danças.

Para se conhecer, você pode ouvir e Cesária Évora, e, , e muitos outros.

Então o que é Jazz ácido? Este é um estilo musical funky com elementos integrados de jazz, funk dos anos 70, hip-hop, soul e outros estilos. Pode ser amostrado, pode ser ao vivo e pode ser uma mistura dos dois últimos.

Majoritariamente, Jazz ácido coloca ênfase na música em vez de texto/palavras. Esta é uma música club que visa fazer você se mexer.

Primeiro single em grande estilo Jazz ácido era "Frederick ainda está", autor Galiano. Esta foi uma versão cover da obra Curtis Mayfield "Freddie está morto" do filme "Super mosca".

Grande contribuição para a promoção e apoio ao estilo Jazz ácido contribuído Gilles Peterson, que era DJ na KISS FM. Ele foi um dos primeiros a fundar Jazz ácido rótulo No final dos anos 80 - início dos anos 90, muitos artistas apareceram Jazz ácido, que eram como equipes “ao vivo” - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry e projetos de estúdio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Fora, E Organização Futura Unida.

Claro, este não é um estilo de jazz, mas sim um tipo de conjunto instrumental de jazz, mas mesmo assim foi incluído na tabela, porque qualquer jazz executado por uma “big band” se destaca muito da formação de intérpretes de jazz individuais e Pequenos grupos.
O número de músicos em big bands costuma variar de dez a dezessete pessoas.
Formado no final da década de 1920, é composto por três grupos de orquestra: saxofones - clarinetes(Carretel) instrumentos de sopro(Metais, surgiram posteriormente grupos de trompetes e trombones), seção rítmica(Seção rítmica - piano, contrabaixo, guitarra, instrumentos de percussão). A ascensão da música grandes bandas, que começou nos EUA na década de 1930, está associado a um período de entusiasmo em massa pelo swing.

Mais tarde, até os dias de hoje, big bands se apresentaram e continuam tocando músicas dos mais variados estilos. No entanto, em essência, a era das big bands começa muito antes e remonta aos tempos dos teatros de menestréis americanos na segunda metade do século XIX, que muitas vezes aumentavam o elenco para várias centenas de atores e músicos. Ouvir A banda de jazz original de Dixieland, a banda de jazz crioula de King Oliver, a orquestra Glenn Miller e sua orquestra e você apreciará todo o encanto do jazz tocado por big bands.

Estilo de jazz que se desenvolveu no início e meados dos anos 40 do século 20 e inaugurou a era do jazz moderno. Caracterizado por um andamento rápido e improvisações complexas baseadas em mudanças de harmonia e não na melodia.
O ritmo ultra-rápido da performance foi introduzido por Parker e Gillespie para manter os não-profissionais longe de suas novas improvisações. Entre outras coisas, uma característica distintiva de todos os bebopistas era o seu comportamento chocante. A trombeta curva de "Dizzy" Gillespie, o comportamento de Parker e Gillespie, os chapéus ridículos de Monk, etc.
Tendo surgido como reação à ampla difusão do swing, o bebop continuou a desenvolver os seus princípios na utilização de meios expressivos, mas ao mesmo tempo revelou uma série de tendências opostas.

Ao contrário do swing, que é maioritariamente música de grandes orquestras de dança comercial, o bebop é um movimento criativo experimental do jazz, associado principalmente à prática de pequenos conjuntos (combos) e anticomercial na sua orientação.
A fase do bebop marcou uma mudança significativa na ênfase do jazz, da música popular de dança para uma “música para músicos” mais altamente artística e intelectual, mas menos produzida em massa. Os músicos de Bop preferiam improvisações complexas baseadas em acordes em vez de melodias.
Os principais instigadores do nascimento foram: saxofonista, trompetista, pianistas Bud Powell E Monge Thelonious, baterista Max Barata. Se você quiser Seja bop, ouvir , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Um dos estilos do jazz moderno, formado na virada dos anos 40 para 50 do século XX, baseado no desenvolvimento das conquistas do swing e do bop. A origem deste estilo está associada principalmente ao nome do saxofonista negro swing L. jovem, que desenvolveu um estilo “frio” de produção sonora oposto ao ideal sonoro do hot jazz (o chamado som Lester); Foi ele quem primeiro introduziu o termo “kul”. Além disso, as premissas do cool jazz são encontradas no trabalho de muitos músicos de bebop - como C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson e outros.

Ao mesmo tempo jazz legal tem diferenças significativas em relação bopa. Isso se manifestou em um afastamento das tradições do hot jazz que o bop seguiu, em uma rejeição da expressividade rítmica excessiva e na instabilidade de entonação, e em uma ênfase deliberada no sabor especificamente negro. Jogado neste estilo: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Com o declínio gradual da atividade na música rock a partir do início dos anos 70, e com uma diminuição no fluxo de ideias do mundo do rock, a música de fusão tornou-se mais simples. Ao mesmo tempo, muitos começaram a perceber que o jazz elétrico poderia se tornar mais comercial, produtores e alguns músicos começaram a buscar tais combinações de estilos para aumentar as vendas. Eles criaram com muito sucesso um tipo de jazz que era mais acessível ao ouvinte médio. Nas últimas duas décadas, surgiram muitas combinações diferentes para as quais promotores e publicitários gostam de usar a frase "Modern Jazz", usada para descrever as "fusões" do jazz com elementos de pop, ritmo e blues e "world music".

No entanto, a palavra "crossover" descreve com mais precisão a essência do assunto. O crossover e a fusão alcançaram o objetivo de aumentar o público do jazz, principalmente entre aqueles que estavam fartos de outros estilos. Em alguns casos, esta música merece atenção, embora geralmente o conteúdo jazzístico nela seja reduzido a zero. Exemplos do estilo crossover variam de (Al Jarreau) e gravações vocais (George Benson) a (Kenny G), "Spyro Gyra" E " " . Em tudo isto há a influência do jazz, mas, mesmo assim, esta música enquadra-se no campo da pop art, que é representada por Gerald Albright, George Duke, saxofonista Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixielândiaé a designação mais ampla para o estilo musical dos primeiros músicos de jazz de Nova Orleans e Chicago que gravaram discos de 1917 a 1923. Este conceito também se estende ao período de desenvolvimento e renascimento subsequente do jazz de Nova Orleans - Renascimento de Nova Orleans, que continuou após a década de 1930. Alguns historiadores atribuem Dixielândia apenas ao som de bandas brancas tocando no estilo jazz de Nova Orleans.

Ao contrário de outras formas de jazz, o repertório de peças dos músicos Dixielândia permaneceu bastante limitado, oferecendo infinitas variações de temas dentro das mesmas músicas compostas ao longo da primeira década do século XX e incluíam ragtimes, blues, one-steps, two-steps, marchas e músicas populares. Para estilo de desempenho Dixielândia característica era o complexo entrelaçamento de vozes individuais na improvisação coletiva de todo o conjunto. O solista de abertura e os demais solistas que continuaram sua execução pareciam se opor ao “riffing” dos demais instrumentos de sopro, até as frases finais, geralmente executadas pela bateria em forma de refrões de quatro tempos, aos quais o todo o conjunto respondeu por sua vez.

Os principais representantes desta época foram A banda de jazz original de Dixieland, Joe King Oliver, e sua famosa orquestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke e Jimmy McPartland. Os músicos de Dixieland procuravam essencialmente um renascimento do jazz clássico de Nova Orleans do passado. Estas tentativas tiveram muito sucesso e, graças às gerações subsequentes, continuam até hoje. O primeiro dos reavivamentos de Dixieland ocorreu na década de 1940.
Aqui estão apenas alguns dos jazzistas que tocaram Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.

Desde o início dos anos 70, uma companhia alemã ocupou um nicho separado na comunidade do estilo jazz ECM (Edição de Música Contemporânea- Editora Música moderna), que gradualmente se tornou o centro de uma associação de músicos que professavam não tanto o apego à origem afro-americana do jazz, mas sim a capacidade de resolver os mais diversos problemas artísticos, sem se limitarem a um determinado estilo, mas em linha com o processo criativo de improvisação.

Com o tempo, desenvolveu-se, no entanto, uma certa personalidade da empresa, o que levou à separação dos artistas desta editora numa direcção estilística de grande escala e claramente definida. O foco do fundador da gravadora, Manfred Eicher, em unir vários idiomas do jazz, folclore mundial e nova música acadêmica em um único som impressionista, tornou possível usar esses meios para reivindicar profundidade e compreensão filosófica dos valores da vida.

O principal estúdio de gravação da empresa, localizado em Oslo, correlaciona-se claramente com o papel dominante no catálogo dos músicos escandinavos. Em primeiro lugar, são noruegueses Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. No entanto, a geografia da ECM abrange o mundo inteiro. Os europeus também estão aqui Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin e representantes de culturas não europeias Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e muitos outros. A Legião Americana não é menos representativa - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. O impulso revolucionário inicial das publicações da empresa transformou-se ao longo do tempo num som meditativo e desapegado de formas abertas com camadas sonoras cuidadosamente polidas.

Alguns adeptos do mainstream negam o caminho escolhido pelos músicos desta tendência; por mais que o jazz seja Cultura mundial, está a desenvolver-se apesar destas objecções e a produzir resultados muito impressionantes.

Em contraste com o refinamento e a frieza do estilo cool, a racionalidade do progressivo na Costa Leste dos Estados Unidos, os jovens músicos do início dos anos 50 continuaram o desenvolvimento do estilo bebop aparentemente esgotado. O crescimento da autoconsciência dos afro-americanos, característico da década de 50, desempenhou um papel significativo nesta tendência. Houve um foco renovado em permanecer fiel às tradições de improvisação afro-americanas. Ao mesmo tempo, todas as conquistas do bebop foram preservadas, mas muitos desenvolvimentos cool foram acrescentados a eles tanto no campo da harmonia quanto no campo das estruturas rítmicas. A nova geração de músicos, via de regra, teve uma boa formação musical. Essa corrente, chamada "hardbop", revelou-se bastante numeroso. Os trompetistas aderiram Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianistas Monge Thelonious, Horace Silver, baterista Arte Blake, saxofonistas Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, contrabaixista Paulo Câmaras e muitos outros.

Outra inovação técnica revelou-se significativa para o desenvolvimento do novo estilo: o aparecimento de discos long-play. Tornou-se possível gravar solos longos. Para os músicos, isso se tornou uma tentação e uma prova difícil, pois nem todos conseguem falar de forma completa e sucinta por muito tempo. Os trompetistas foram os primeiros a aproveitar essas vantagens, modificando o estilo de Dizzy Gillespie para uma execução mais calma, porém mais profunda. Os mais influentes foram Gorduras Navarro E Clifford Brown. Esses músicos prestaram atenção principal não às passagens virtuosísticas de alta velocidade no registro superior, mas às linhas melódicas bem pensadas e lógicas.

Hot jazz é considerado a música dos pioneiros da segunda onda de Nova Orleans, cuja maior atividade criativa coincidiu com o êxodo em massa de músicos de jazz de Nova Orleans para o Norte, principalmente para Chicago. Este processo, que começou logo após o encerramento de Storyville devido à entrada dos EUA na Primeira Guerra Mundial e à declaração de Nova Orleães como porto militar por esse motivo, marcou a chamada era de Chicago na história do jazz. O principal representante desta escola foi Louis Armstrong. Ainda atuando no conjunto King Oliver, Armstrong fez mudanças revolucionárias no conceito de improvisação de jazz da época, passando dos esquemas tradicionais de improvisação coletiva para a execução de partes individuais de solo.

O próprio nome deste tipo de jazz está associado à intensidade emocional característica da forma de execução dessas partes solo. O termo Hot era originalmente sinônimo de improvisação de solo de jazz para destacar as diferenças na abordagem de solo que ocorreram no início da década de 1920. Posteriormente, com o desaparecimento da improvisação colectiva, este conceito passou a ser associado ao método de execução do material jazzístico, em particular ao som especial que determina o estilo instrumental e vocal de execução, a chamada entonação quente: um conjunto de especial métodos de ritmização e características específicas de entonação.

Talvez o movimento mais controverso da história do jazz tenha surgido com o advento do “free jazz”. Embora os elementos "Jazz Livre" existia muito antes do próprio termo aparecer, em “experimentos” Coleman Hawkins, Pee Wee Russell e Lenny Tristano, mas apenas no final da década de 1950, através dos esforços de pioneiros como o saxofonista e o pianista Cecil Taylor, essa direção se concretizou como um estilo independente.

O que estes dois músicos criaram em conjunto com outros, incluindo John Coltrane, Alberto Euler e comunidades como Orquestra Sun Ra e um grupo chamado The Revolutionary Ensemble, consistia em várias mudanças na estrutura e na sensação da música.
Entre as inovações introduzidas com imaginação e grande musicalidade estava o abandono da progressão de acordes, que permitia que a música se movesse em qualquer direção. Outra mudança fundamental foi encontrada na área do ritmo, onde o “swing” foi revisado ou totalmente ignorado. Ou seja, pulsação, métrica e groove deixaram de ser elementos essenciais nesta leitura do jazz. Outro componente chave estava relacionado à atonalidade. Agora o ditado musical não se baseava mais no costume sistema tonal.

Notas penetrantes, latidas e convulsivas preencheram completamente este novo mundo sonoro. O free jazz continua a existir hoje como uma forma viável de expressão e, na verdade, não é mais um estilo tão controverso como era nos seus primeiros dias.

Talvez o movimento mais controverso da história do jazz tenha surgido com o advento do “free jazz”.

Uma direção de estilo moderno que surgiu na década de 1970 com base no jazz-rock, uma síntese de elementos da música acadêmica europeia e do folclore não europeu.
Para o máximo composições interessantes O jazz-rock caracteriza-se pela improvisação, aliada a soluções composicionais, pela utilização dos princípios harmónicos e rítmicos da música rock, pela encarnação ativa da melodia e do ritmo do Oriente, pela introdução de meios eletrónicos de processamento e síntese sonora na música.

Nesse estilo, a gama de aplicação dos princípios modais se expandiu e a gama de diferentes modos, inclusive os exóticos, também se expandiu. Nos anos 70, o jazz-rock tornou-se incrivelmente popular; Mais avançado no que diz respeito à síntese de vários meios musicais Jazz-rock foi chamado de "fusão" (fusão, fusão). Um impulso adicional para a “fusão” foi outra (não a primeira na história do jazz) reverência à música académica europeia.

Em muitos casos, a fusão torna-se na verdade uma combinação de jazz com música pop convencional e ritmo e blues leves; cruzamento. As ambições da música de fusão em termos de profundidade e empoderamento musical permanecem insatisfeitas, embora em casos raros a busca continue, como em grupos como Tribal Tech e os conjuntos de Chick Corea. Ouvir: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, da nova Niacina, Tunnels, CAB.

Moderno funk refere-se a estilos populares de jazz dos anos 70 e 80, em que os acompanhantes tocam no estilo black pop-soul, enquanto as improvisações solo têm um caráter mais criativo e jazzístico. A maioria dos saxofonistas desse estilo usa seu próprio conjunto de frases simples que consistem em gritos e gemidos de blues. Eles se baseiam em uma tradição adotada a partir de solos de saxofone em gravações vocais de ritmo e blues, como as gravações de King Curtis's Coasters. Andador Júnior com grupos vocais do selo Motown, David Sanborn de "Blues Band" de Paul Butterfield. Uma figura proeminente neste gênero - que frequentemente tocava solos no estilo Hank Crawford usando acompanhamento tipo funk. Grande parte da música , e seus alunos usam essa abordagem. , também funcionam no estilo “funk moderno”.

O termo tem dois significados. Em primeiro lugar, é um meio expressivo no jazz. Um tipo característico de pulsação baseado em desvios constantes do ritmo das batidas de apoio. Graças a isso, cria-se a impressão de uma grande energia interna, que se encontra em estado de equilíbrio instável. Em segundo lugar, o estilo de jazz orquestral, que surgiu na virada das décadas de 1920 e 30 como resultado da síntese das formas estilísticas negras e europeias da música jazz.

Definição inicial "jazz-rock" foi o mais claro: uma combinação da improvisação do jazz com a energia e os ritmos do rock. Até 1967, os mundos do jazz e do rock existiam praticamente separados. Mas a essa altura, o rock se torna mais criativo e mais complexo, surge o rock psicodélico e a soul music. Ao mesmo tempo, alguns músicos de jazz começaram a se cansar do hardbop puro, mas não queriam tocar música de vanguarda difícil. Como resultado, dois idiomas diferentes começaram a trocar ideias e unir forças.

Desde 1967, o guitarrista Larry Coryell, vibrafonista Gary Burton, em 1969 baterista Billy Cobham com o grupo “Dreams”, no qual tocavam os irmãos Brecker, começaram a explorar novos espaços de estilo.
No final dos anos 60, Miles Davis tinha o potencial necessário para fazer a transição para o jazz rock. Foi um dos criadores do jazz modal, a partir do qual, utilizando ritmo 8/8 e instrumentos eletrónicos, deu um novo passo ao gravar os álbuns “Bitches Brew”, “In a Silent Way”. Junto com ele nesta época está uma brilhante galáxia de músicos, muitos dos quais mais tarde se tornarão figuras fundamentais neste movimento - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. O ascetismo, a brevidade e a contemplação filosófica características de Davis revelaram-se exatamente o que há de novo no novo estilo.

No início da década de 1970 rock jazz tinha sua própria identidade distinta como estilo de jazz criativo, embora tenha sido ridicularizado por muitos puristas do jazz. Os principais grupos da nova direção foram "Return To Forever", "Boletim Meteorológico", "A Orquestra Mahavishnu", vários conjuntos Milhas Davis. Eles tocavam jazz-rock de alta qualidade que combinava uma enorme variedade de técnicas tanto do jazz quanto do rock. Geração Asiática de Kung-Fu, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- você definitivamente deveria ouvi-lo para entender o quão diversa é a música progressiva e jazz-rock.

Estilo jazz-rap foi uma tentativa de reunir a música afro-americana das décadas passadas com uma nova forma dominante do presente, que prestaria homenagem e infundiria nova vida ao primeiro elemento desta - a fusão - ao mesmo tempo que expandia os horizontes do segundo. Os ritmos do jazz-rap foram completamente emprestados do hip-hop, e os samples e a textura sonora vieram principalmente de gêneros musicais como cool jazz, soul-jazz e hard bop.

O estilo era o mais legal e famoso de todos os estilos de hip-hop, e muitos artistas demonstraram uma consciência política afrocêntrica, acrescentando autenticidade histórica ao estilo. Considerando a inclinação intelectual desta música, não é de surpreender que o jazz-rap nunca tenha se tornado um dos favoritos das festas de rua; mas ninguém pensou nisso.

Os próprios representantes do jazz-rap se autodenominavam defensores de uma alternativa mais positiva ao movimento hardcore/gangsta, que deslocou o rap de sua posição de liderança no início dos anos 90. Eles procuraram difundir o hip-hop para ouvintes que não conseguiam aceitar ou compreender a crescente agressão da cultura musical urbana. Assim, o jazz-rap encontrou a maior parte de seus fãs em dormitórios estudantis e também foi apoiado por vários críticos e fãs do rock alternativo branco.

Equipe Línguas nativas (Afrika Bambaataa)- este coletivo nova-iorquino, formado por grupos de rap afro-americanos, tornou-se uma força poderosa que representa o estilo jazz-rap e inclui grupos como Uma Tribo Chamada Quest, De La Soul e The Jungle Brothers. Logo começou sua criatividade Planetas Digais E Gangue Starr também ganhou fama. Em meados dos anos 90, o rap alternativo começou a se decompor em um grande número de subestilos e jazz-rap raramente se tornaram um elemento de um novo som.

A palavra "jazz" apareceu no início do século XX. Este é um novo movimento musical que se originou na América do Norte e posteriormente se espalhou pelo mundo. Os pais do jazz são trazidos da África e oprimidos pelos escravos negros.

No século XVII, surgiram na América os primeiros escravos - africanos, que foram retirados à força de sua terra natal e vendidos como escravos. Eles estavam com muita saudade de seus terra Nativa, e seu único consolo era a música. No início, os negros simplesmente cantavam suas canções tradicionais acompanhados de palmas ou batidas em caixas de madeira. Mas com o tempo, os motivos nacionais africanos começaram a ser esquecidos e ecos das canções dos brancos apareceram em melodias negras. Os brancos, nessa época, tinham canções sobre temas religiosos, e os negros também passaram a cantar canções espirituais, mas à sua maneira, com ritmo e melodia característicos. Suas canções espirituais (espirituais) estavam imbuídas de dor e esperança de salvação.

No século XIX, os escravos negros começaram a cantar canções impregnadas de tristeza e clima decadente, que eram executadas com acompanhamento (blues). Os intérpretes tocavam instrumentos musicais caseiros, pois Eles não tinham dinheiro para comprar os verdadeiros. Além disso os negros gostavam muito de tocar numa orquestra e depois da Guerra Civil de 1861- 1865 . Começaram a tocar instrumentos musicais profissionais, porque... bandas militares foram dissolvidas e instrumentos vendidos por centavos.

Orquestras negras tocavam em todos os lugares: em casamentos, feriados e funerais. Os músicos não sabiam ler música e, olhando para os músicos profissionais, aprenderam a tocar sozinhos. A música instrumental que transmitia com precisão os motivos do soul e do blues era chamada de jazz. Suas características distintivas são o ritmo livre e oscilante (swing) e a improvisação. Além disso, os músicos de jazz improvisam tanto solo quanto coletivamente.

O jazz começou a se espalhar rapidamente pela América e depois por todo o mundo, atraindo cada vez mais músicos e compositores “brancos”.

Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller e Beni Goodman e outros são jazzistas que deram um enorme contributo para a popularização da música jazz e que são agora admirados pela geração mais jovem de músicos de jazz.

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Jazz nasceu em Nova Orleans. A maioria das histórias do jazz começa com uma frase semelhante, geralmente com o esclarecimento obrigatório de que música semelhante se desenvolveu em muitas cidades do sul dos Estados Unidos - Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.

As origens musicais do jazz, tanto afro-americanas como europeias, são numerosas e demasiado longas para enumerar, mas é impossível não mencionar os seus dois principais antecessores afro-americanos.

Você pode ouvir músicas de jazz

Ragtime e blues

Durante cerca de duas décadas virada de XIX-XX séculos - um breve apogeu do ragtime, que foi o primeiro tipo de música popular. Ragtime foi tocado principalmente no piano. A própria palavra se traduz como “ritmo irregular”, e esse gênero recebeu esse nome por causa do ritmo sincopado. O autor das peças mais populares foi Scott Joplin, apelidado de “Rei do Ragtime”.

Exemplo: Scott Joplin – Maple Leaf Rag

Outro antecessor igualmente importante do jazz foi o blues. Se o ragtime deu ao jazz seu ritmo energético e sincopado, o blues deu-lhe voz. E no sentido literal, já que o blues é um gênero vocal, mas principalmente no sentido figurado, já que o blues é caracterizado pelo uso de notas borradas que estão ausentes no sistema de som europeu (maiores e menores) - notas de blues, também como uma execução coloquialmente gritada e ritmicamente livre.

Exemplo: Blind Lemon Jefferson - Black Snake Moan

O nascimento do jazz

Posteriormente, os músicos de jazz afro-americanos transferiram esse estilo para a música instrumental, e os instrumentos de sopro passaram a imitar a voz humana, suas entonações e até articulações. Os chamados sons “sujos” apareceram no jazz. Cada som deve ter uma qualidade apimentada. Um músico de jazz cria música não apenas com a ajuda de notas diferentes, ou seja, sons de diferentes alturas, mas também com a ajuda de diferentes timbres e até ruídos.

Jelly Roll Morton - Sidewalk Blues

Scott Joplin morou no Missouri e o primeiro blues publicado conhecido foi chamado de "Dallas Blues". No entanto, o primeiro estilo de jazz foi chamado de "New Orleans Jazz".

O cornetista Charles "Buddy" Bolden combinou ragtime e blues, tocando de ouvido e improvisando, e sua inovação influenciou muitos dos músicos mais famosos de Nova Orleans que mais tarde levaram a nova música por todo o país, principalmente em Chicago, Nova York, Los Angeles: Joe “King” Oliver, Bunk Johnson, Jelly Roll Morton, Kid Ory e, claro, o Rei do Jazz, Louis Armstrong. Foi assim que o jazz tomou conta da América.

No entanto, a sua nome histórico Não recebi essa música imediatamente. No início chamava-se simplesmente música quente (quente), depois apareceu a palavra jass e só depois jazz. O primeiro disco de jazz foi gravado por um quinteto de artistas brancos, a Original Dixieland Jass Band, em 1917.

Exemplo: Original Dixieland Jass Band - Livery Stable Blues

A Era do Swing - Febre da Dança

O jazz surgiu e se espalhou como música dançante. Gradualmente, a febre da dança se espalhou pela América. Multiplicaram-se os salões de dança e as orquestras. A era das big bands, ou swing, começou, durando cerca de uma década e meia, de meados dos anos 20 até o final dos anos 30. Nunca antes ou depois o jazz foi tão popular.
Um papel especial na criação do swing pertence a dois músicos - Fletcher Henderson e Louis Armstrong. Armstrong influenciou um grande número de músicos, ensinando-lhes liberdade e variedade rítmica. Henderson criou o formato de uma orquestra de jazz com sua posterior divisão em uma seção de saxofones e uma seção de sopros com uma chamada entre elas.

Fletcher Henderson - Reunião do acampamento Down South

A nova composição se difundiu. Havia cerca de 300 big bands no país. Os líderes dos mais populares deles foram Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Chick Webb, Jimmy Lunsford, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Woody Herman. O repertório das orquestras inclui melodias populares chamadas de padrões de jazz, ou às vezes chamadas de clássicos do jazz. O padrão mais popular da história do jazz, Body and Soul, foi gravado pela primeira vez por Louis Armstrong.

Do bebop ao pós-bop

Na década de 40. era grandes orquestras terminou abruptamente, principalmente por razões comerciais. Os músicos começaram a experimentar pequenas composições, graças às quais nasceu um novo estilo de jazz - o bebop, ou simplesmente bop, o que significou toda uma revolução no jazz. Esta não era uma música destinada a dançar, mas a ser ouvida, não para um público amplo, mas para um círculo mais restrito de amantes do jazz. Em suma, o jazz deixou de ser música para entretenimento do público, mas tornou-se uma forma de expressão dos músicos.

Os pioneiros do novo estilo foram o pianista Thelonious Monk, o trompetista Dizzy Gillespie, o saxofonista Charlie Parker, o pianista Bud Powell, o trompetista Miles Davis e outros.

Groovin High - Charlie Parker, Dizzy Gillespie

O Bop lançou as bases para o jazz moderno, que ainda é predominantemente música de pequenas bandas. Finalmente, o bop aguçou o desejo constante do jazz de buscar algo novo. Um músico notável que visa a inovação constante foi Miles Davis e muitos de seus parceiros e talentos que ele descobriu, que mais tarde se tornaram famosos artistas de jazz e estrelas do jazz: John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Pintinho Corea, John McLaughlin, Wynton Marsalis.

O jazz dos anos 50 e 60 continua a evoluir, por um lado, mantendo-se fiel às suas raízes, mas repensando os princípios da improvisação. É assim que hard bop, legal...

Miles Davis - E daí

...jazz modal, free jazz, pós-bop.

Herbie Hancock - Ilha Cantaloupe

Por outro lado, o jazz começa a absorver outros tipos de música, por exemplo, a afro-cubana e a latina. Foi assim que surgiu o jazz afro-cubano e afro-brasileiro (bossanova).

Manteca - Dizzy Gillespie

Jazz e rock = fusão

O impulso mais poderoso para o desenvolvimento do jazz foi o apelo dos músicos de jazz à música rock, o uso de seus ritmos e instrumentos elétricos (guitarra elétrica, baixo, teclados, sintetizadores). O pioneiro aqui foi novamente Miles Davis, cuja iniciativa foi retomada por Joe Zawinul (Weather Report), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (The Headhunters), Chick Corea (Return to Forever). Foi assim que surgiu o jazz-rock ou fusão...

Orquestra Mahavishnu – Encontro dos Espíritos

e jazz psicodélico.

Via Láctea - Boletim Meteorológico

História do jazz e dos padrões de jazz

A história do jazz não consiste apenas em estilos, tendências e artistas famosos jazz, é também um conjunto de belas melodias que vivem em muitas versões. São facilmente reconhecidos, mesmo que não se lembrem ou não saibam os nomes. O jazz deve sua popularidade e atratividade a compositores maravilhosos como George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggy Carmichael, Richard Rodgers, Jerome Kernb e outros. Embora escrevessem músicas principalmente para musicais e shows, seus temas, retomados por representantes do jazz, tornaram-se as melhores composições de jazz do século XX, que foram chamadas de standards de jazz.

Summertime, Stardust, What Is This Thing Called Love, My Funny Valentine, All the Things You Are - estes e muitos outros temas são conhecidos por todos os músicos de jazz, assim como composições criadas pelos próprios jazzistas: Duke Ellington, Billy Strayhorn, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Paul Desmond e muitos outros (Caravan, Night in Tunísia, 'Round Midnight, Take Five). Este é um clássico do jazz e uma linguagem que une os próprios intérpretes e o público do jazz.

Jazz moderno

O jazz moderno é um pluralismo de estilos e gêneros e uma busca constante por novas combinações nas intersecções de direções e estilos. E os artistas de jazz modernos costumam tocar em uma variedade de estilos. O jazz é suscetível à influência de muitos tipos de música, desde música de vanguarda e folk até hip-hop e pop. Acabou sendo o tipo de música mais flexível.

O reconhecimento do papel mundial do jazz foi a proclamação da UNESCO em 2011 Dia Internacional jazz, que é comemorado anualmente em 30 de abril.

Um pequeno rio cuja nascente estava em Nova Orleans na década de 100 pequenos anos de idade se transformou em um oceano que lava o mundo inteiro. Escritor americano Francis Scott Fitzgerald em sua época chamou os anos 20. a era do jazz. Ora, estas palavras podem ser aplicadas ao século XX como um todo, uma vez que o jazz é a música do século XX. A história do surgimento e desenvolvimento do jazz quase se enquadra num quadro cronológico século passado. Mas, claro, não termina aí.

1. Louis Armstrong

2. Duque Ellington

3. Benny Goodman

4. Contagem Basie

5. Billie Feriado

6. Ella Fitzgerald

7. Arte Tatum

8. Gillespie tonto

9.Charlie Parker

10. Monge Thelonious

11. Arte Blakey

12. Bud Powell

14. John Coltrane

15. Bill Evans

16. Charlie Mingus

17. Ornette Coleman

18. Herbie Hancock

19. Keith Jarret

20. Joe Zawinul

Texto: Alexander Yudin

Jazz - uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos EUA, em Nova Orleans, como resultado da síntese da cultura africana e Culturas europeias e posteriormente se generalizou. As origens do jazz foram o blues e outras músicas folclóricas afro-americanas. Características A linguagem musical do jazz tornou-se inicialmente a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para executar a textura rítmica - o swing. O maior desenvolvimento do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz. Os gêneros do jazz são: jazz de vanguarda, bebop, jazz clássico, cool, jazz modal, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e vários outros.

História do desenvolvimento do jazz

Vilex College Jazz Band, Texas

O jazz surgiu como uma combinação de diversas culturas musicais e tradições nacionais. Originariamente veio da África. Qualquer música africana é caracterizada por um ritmo muito complexo; a música é sempre acompanhada de dança, que consiste em batidas rápidas e palmas. Com base nisso, no final do século XIX, surgiu outro gênero musical - o ragtime. Posteriormente, os ritmos do ragtime combinados com elementos do blues deram origem a uma nova direção musical - o jazz.

O blues surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas as suas origens devem ser procuradas a partir do momento da importação de escravos de África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham da mesma família e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma cultura única (incluindo musical) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreram graves mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do “proto-jazz”, e depois do jazz no sentido geralmente aceite. . O berço do jazz foi o Sul dos Estados Unidos, especialmente Nova Orleans.
A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação
Uma característica distintiva do estilo é a performance individual única do virtuoso do jazz. A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação. Após o aparecimento do brilhante intérprete que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz e ainda continua a ser uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance do jazz viu horizontes novos e inusitados: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de toda a performance, mudando completamente a ideia de jazz. O jazz não é apenas um certo tipo de apresentação musical, mas também uma época única e alegre.

Jazz de Nova Orleans

O termo Nova Orleans geralmente se refere ao estilo dos músicos de jazz que tocaram jazz em Nova Orleans entre 1900 e 1917, bem como aos músicos de Nova Orleans que tocaram e gravaram em Chicago de 1917 até a década de 1920. Este período da história do jazz também é conhecido como Era do Jazz. E esse conceito também é usado para descrever a música tocada em vários períodos históricos por representantes do renascimento de Nova Orleans, que buscavam tocar jazz no mesmo estilo dos músicos da escola de Nova Orleans.

O folk e o jazz afro-americanos divergiram desde a inauguração de Storyville, o distrito da luz vermelha de Nova Orleans, famoso por seus locais de entretenimento. Quem queria se divertir e se divertir teve muitas oportunidades tentadoras, que foram oferecidas por pistas de dança, cabarés, shows de variedades, circo, bares e lanchonetes. E em todos os lugares nesses estabelecimentos a música soava e os músicos que dominavam a nova música sincopada podiam encontrar trabalho. Aos poucos, com o aumento do número de músicos atuando profissionalmente nos estabelecimentos de entretenimento de Storyville, o número de marchas e bandas de música de rua diminuiu, e em seu lugar surgiram os chamados conjuntos de Storyville, cuja manifestação musical se torna mais individual, em comparação com a execução de bandas de música. Essas composições, muitas vezes chamadas de “orquestras combinadas”, tornaram-se as fundadoras do estilo clássico do jazz de Nova Orleans. De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville proporcionaram um ambiente ideal para o jazz.
De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville proporcionaram um ambiente ideal para o jazz.
O desenvolvimento do jazz nos EUA no primeiro quartel do século XX

Após o fechamento de Storyville, o jazz de gênero folclórico regional começa a se transformar em tendência musical nacional, espalhando-se pelas províncias do norte e nordeste dos Estados Unidos. Mas a sua ampla difusão, evidentemente, não poderia ter sido facilitada apenas pelo encerramento de uma zona de entretenimento. Junto com Nova Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis desempenharam um papel importante no desenvolvimento do jazz desde o início. O Ragtime teve origem em Memphis no século XIX, de onde mais tarde se espalhou pelo continente norte-americano no período 1890-1903.

Por outro lado, os espectáculos de menestréis, com o seu mosaico heterogéneo de todos os tipos de movimentos musicais do folclore afro-americano, desde os jigs ao ragtime, rapidamente se espalharam por todo o lado e abriram caminho à chegada do jazz. Muitas futuras celebridades do jazz começaram suas carreiras em shows de menestréis. Muito antes de Storyville fechar, os músicos de Nova Orleans saíram em turnê com as chamadas trupes de “vaudeville”. Jelly Roll Morton excursionou regularmente pelo Alabama, Flórida e Texas desde 1904. Desde 1914 ele tinha contrato para se apresentar em Chicago. Em 1915, a orquestra branca Dixieland de Thom Browne mudou-se para Chicago. A famosa “Creole Band”, liderada pelo cornetista de Nova Orleans Freddie Keppard, também fez grandes turnês de vaudeville em Chicago. Tendo se separado da Olympia Band, os artistas de Freddie Keppard já em 1914 se apresentaram com sucesso no melhor teatro de Chicago e receberam uma oferta para fazer uma gravação sonora de suas apresentações antes mesmo da Original Dixieland Jazz Band, que, no entanto, Freddie Keppard míope rejeitado. A área coberta pela influência do jazz foi significativamente ampliada por orquestras que tocavam em navios de recreio que navegavam pelo Mississippi.

Desde o final do século 19, as viagens fluviais de Nova Orleans a St. Paul tornaram-se populares, primeiro durante um fim de semana e depois durante uma semana inteira. Desde 1900, orquestras de Nova Orleans se apresentam nesses barcos fluviais, e sua música se tornou o entretenimento mais atraente para os passageiros durante os passeios fluviais. A futura esposa de Louis Armstrong, o primeiro pianista de jazz Lil Hardin, começou numa dessas orquestras “Suger Johnny”. Outro pianista, a orquestra fluvial de Fates Marable, apresentou muitas futuras estrelas do jazz de Nova Orleans.

Os barcos a vapor que viajavam ao longo do rio paravam frequentemente nas estações de passagem, onde orquestras apresentavam concertos para o público local. Foram esses shows que se tornaram a estreia criativa de Bix Beiderbeck, Jess Stacy e muitos outros. Outra rota famosa passava pelo Missouri até Kansas City. Nesta cidade, onde, graças às fortes raízes do folclore afro-americano, o blues se desenvolveu e finalmente tomou forma, a execução virtuosa dos jazzistas de Nova Orleans encontrou um ambiente excepcionalmente fértil. No início da década de 1920, Chicago tornou-se o principal centro de desenvolvimento da música jazz, onde, através do esforço de muitos músicos reunidos de diferentes partes dos Estados Unidos, foi criado um estilo que foi apelidado de jazz de Chicago.

Grandes bandas

A forma clássica e estabelecida de big bands é conhecida no jazz desde o início da década de 1920. Este formulário permaneceu relevante até o final da década de 1940. Os músicos que integravam a maioria das big bands, via de regra, quase na adolescência, tocavam partes bem específicas, ora memorizadas nos ensaios, ora a partir de notas. Orquestrações cuidadosas, juntamente com grandes seções de metais e sopros, trouxeram ricas harmonias de jazz e criaram um som sensacionalmente alto que ficou conhecido como “o som da big band”.

A grande banda se tornou música popular de sua época, atingindo o auge da fama em meados da década de 1930. Essa música se tornou a fonte da mania da dança swing. Os líderes das famosas orquestras de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett compuseram ou arranjaram e gravaram uma verdadeira parada de sucessos de músicas que foram ouvidas não apenas em no rádio, mas também em todos os lugares nos salões de dança. Muitas big bands exibiram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado de quase histeria durante as bem promovidas “batalhas de bandas”.
Muitas big bands demonstraram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado próximo da histeria
Embora a popularidade das big bands tenha diminuído significativamente após a Segunda Guerra Mundial, orquestras lideradas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e muitos outros viajaram e gravaram com frequência nas décadas seguintes. Sua música foi gradualmente transformada sob a influência de novas tendências. Grupos como conjuntos liderados por Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus e Tad Jones-Mal Lewis exploraram novos conceitos em harmonia, instrumentação e liberdade de improvisação. Hoje, as big bands são o padrão na educação do jazz. Orquestras de repertório como Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e Chicago Masterpiece Orchestra conjunto de jazz Eles tocam regularmente arranjos originais de composições de big band.

Jazz nordestino

Embora a história do jazz tenha começado em Nova Orleans com o advento do século 20, a música realmente decolou no início da década de 1920, quando o trompetista Louis Armstrong deixou Nova Orleans para criar uma nova música revolucionária em Chicago. A migração dos mestres do jazz de Nova Orleans para Nova York, iniciada logo em seguida, marcou uma tendência de movimento constante de músicos de jazz do Sul para o Norte.

Louis Armstrong

Chicago pegou a música de Nova Orleans e a tornou quente, aumentando sua intensidade não apenas através do esforço conjuntos famosos Hot Five e Hot Seven de Armstrong, mas também outros, incluindo mestres como Eddie Condon e Jimmy McPartland, cuja equipe da Austin High School ajudou a reviver a escola de Nova Orleans. Outros notáveis ​​habitantes de Chicago que ultrapassaram os limites do estilo clássico do jazz de Nova Orleans incluem o pianista Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, que eventualmente se mudaram para Nova York, criaram lá uma espécie de massa crítica que ajudou a cidade a se transformar em uma verdadeira capital mundial do jazz. E embora Chicago tenha permanecido principalmente um centro de gravação no primeiro quartel do século XX, Nova Iorque também se tornou um importante local de jazz, com clubes lendários como o Minton Playhouse, o Cotton Club, o Savoy e o Village Vanguard, e também tais arenas. como Carnegie Hall.

Estilo Kansas City

Durante a era da Grande Depressão e da Lei Seca, a cena jazzística de Kansas City tornou-se uma meca para os novos sons do final dos anos 1920 e 1930. O estilo que floresceu em Kansas City foi caracterizado por peças sinceras e com toques de blues executadas tanto por grandes bandas quanto por pequenos conjuntos de swing que apresentavam solos de alta energia executados para os clientes de bares clandestinos que vendiam bebidas alcoólicas. Foi nessas abobrinhas que se cristalizou o estilo do grande Count Basie, que começou em Kansas City na orquestra de Walter Page e depois com Benny Mouthen. Ambas as orquestras eram representantes típicos do estilo de Kansas City, cuja base era uma forma peculiar de blues, chamada de “blues urbano” e formada na execução das orquestras acima mencionadas. Cena de jazz Kansas City também foi distinguida por uma galáxia inteira mestres excepcionais blues vocal, cujo “rei” reconhecido foi o solista de longa data da orquestra de Count Basie, o famoso cantor de blues Jimmy Rushing. O famoso saxofonista alto Charlie Parker, nascido em Kansas City, ao chegar a Nova York, utilizou amplamente os “truques” característicos do blues que havia aprendido nas orquestras de Kansas City e que mais tarde formaram um dos pontos de partida nas experiências do bopper em década de 1940.

Jazz da Costa Oeste

Artistas envolvidos no movimento cool jazz da década de 1950 trabalharam extensivamente em estúdios de gravação de Los Angeles. Em grande parte influenciados pelo nonet de Miles Davis, esses artistas baseados em Los Angeles desenvolveram o que hoje é conhecido como "West Coast Jazz". O jazz da Costa Oeste era muito mais suave do que o furioso bebop que o precedeu. A maior parte do jazz da Costa Oeste foi escrita em grande detalhe. As linhas de contraponto frequentemente utilizadas nestas composições pareciam fazer parte da influência europeia que permeou o jazz. No entanto, esta música deixou muito espaço para longas improvisações lineares de solo. Embora o West Coast Jazz fosse tocado principalmente em estúdios de gravação, clubes como o Lighthouse em Hermosa Beach e o Haig em Los Angeles frequentemente apresentavam seus principais mestres, incluindo o trompetista Shorty Rogers, os saxofonistas Art Pepper e Bud Schenk, o baterista Shelley Mann e o clarinetista Jimmy Giuffre. .

Difusão do jazz

O jazz sempre despertou interesse entre músicos e ouvintes de todo o mundo, independentemente da sua nacionalidade. Basta traçar os primeiros trabalhos do trompetista Dizzy Gillespie e sua síntese das tradições do jazz com a música dos cubanos negros na década de 1940 ou a combinação posterior do jazz com a música japonesa, euro-asiática e do Oriente Médio, famosa na obra do pianista Dave Brubeck, bem como o brilhante compositor e líder de jazz - a Orquestra Duke Ellington, que combinou herança musicalÁfrica, América Latina e Extremo Oriente.

Dave Brubeck

O jazz absorveu constantemente não apenas as tradições musicais ocidentais. Por exemplo, quando diferentes artistas começaram a tentar trabalhar com elementos musicais da Índia. Um exemplo desses esforços pode ser ouvido nas gravações do flautista Paul Horne no Taj Mahal, ou no fluxo de "world music" representado, por exemplo, no trabalho do grupo Oregon ou no projeto Shakti de John McLaughlin. A música de McLaughlin, anteriormente baseada em grande parte no jazz, começou a usar novos instrumentos de origem indiana, como o khatam ou tabla, ritmos intrincados e o uso generalizado da forma raga indiana durante seu tempo com Shakti.
À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais
O Art Ensemble of Chicago foi um dos pioneiros na fusão de formas africanas e jazzísticas. Mais tarde, o mundo conheceu o saxofonista/compositor John Zorn e as suas explorações da cultura musical judaica, tanto dentro como fora da Orquestra de Masada. Essas obras inspiraram grupos inteiros de outros músicos de jazz, como o tecladista John Medeski, que gravou com o músico africano Salif Keita, o guitarrista Marc Ribot e o baixista Anthony Coleman. O trompetista Dave Douglas incorpora com entusiasmo as influências dos Balcãs na sua música, enquanto a Orquestra de Jazz Asiático-Americana emergiu como um dos principais defensores da convergência do jazz e das formas musicais asiáticas. À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais, fornecendo material maduro para pesquisas futuras e demonstrando que o jazz é verdadeiramente uma música mundial.

Jazz na URSS e na Rússia

A primeira banda de jazz de Valentin Parnakh na RSFSR

A cena jazzística surgiu na URSS na década de 1920, simultaneamente ao seu apogeu nos EUA. A primeira orquestra de jazz da Rússia Soviética foi criada em Moscou em 1922 pelo poeta, tradutor, dançarino e figura teatral Valentin Parnakh e foi chamada de “A Primeira Orquestra Excêntrica de Bandas de Jazz de Valentin Parnakh na RSFSR”. O aniversário do jazz russo é tradicionalmente considerado 1º de outubro de 1922, quando aconteceu o primeiro concerto deste grupo. O primeiro conjunto profissional de jazz a tocar no rádio e gravar um disco é considerado a orquestra do pianista e compositor Alexander Tsfasman (Moscou).

As primeiras bandas de jazz soviéticas especializaram-se na execução de danças da moda (foxtrot, Charleston). Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na década de 30, em grande parte graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utesov e pelo trompetista Ya. O popular filme de comédia com sua participação “Jolly Guys” (1934) foi dedicado à história do músico de jazz e teve trilha sonora correspondente (escrita por Isaac Dunaevsky). Utesov e Skomorovsky formaram o estilo original de “thea-jazz” (teatro jazz), baseado em uma mistura de música com teatro, opereta, números vocais e o elemento de performance desempenhou um grande papel nele. Uma contribuição notável para o desenvolvimento do jazz soviético foi feita por Eddie Rosner, compositor, músico e líder de orquestra. Tendo iniciado a sua carreira na Alemanha, Polónia e outros países europeus, Rosner mudou-se para a URSS e tornou-se um dos pioneiros do swing na URSS e o fundador do jazz bielorrusso.
Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na URSS na década de 1930.
A atitude das autoridades soviéticas em relação ao jazz era ambígua: os artistas nacionais de jazz, em regra, não eram proibidos, mas as duras críticas ao jazz como tal eram generalizadas, no contexto da crítica à cultura ocidental como um todo. No final da década de 40, durante a luta contra o cosmopolitismo, o jazz na URSS atravessava um período particularmente difícil, quando grupos de música “ocidental” eram perseguidos. Com o início do Degelo, as repressões contra os músicos cessaram, mas as críticas continuaram. Segundo a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e contra a expansão da influência soviética no Terceiro Mundo. Nos anos 50 e 60. Em Moscovo, as orquestras de Eddie Rosner e Oleg Lundstrem retomaram as suas atividades, surgiram novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO).

As grandes bandas criaram toda uma galáxia de arranjadores e improvisadores-solistas talentosos, cujo trabalho levou o jazz soviético a um nível qualitativamente novo e o aproximou dos padrões mundiais. Entre eles estão Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O desenvolvimento do jazz de câmara e de clube começa em toda a diversidade de sua estilística (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Clube de jazz "Pássaro Azul"

Muitos dos mestres do jazz soviético mencionados acima começaram sua caminho criativo no palco do lendário clube de jazz moscovita "Blue Bird", que existiu de 1964 a 2009, revelando novos nomes de representantes geração moderna estrelas do jazz nacional (irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros). Na década de 70, o trio de jazz “Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC), formado pelo pianista Vyacheslav Ganelin, o baterista Vladimir Tarasov e o saxofonista Vladimir Chekasin, que existiu até 1986, tornou-se amplamente conhecido. Nas décadas de 70 e 80, o quarteto de jazz do Azerbaijão “Gaya” e os conjuntos vocais e instrumentais georgianos “Orera” e “Jazz Chorale” também eram famosos.

Após um declínio no interesse pelo jazz na década de 90, ele começou a ganhar popularidade novamente na cultura jovem. Festivais de música jazz como “Usadba Jazz” e “Jazz in the Hermitage Garden” são realizados anualmente em Moscou. O clube de jazz mais popular em Moscou é o clube de jazz "Union of Composers", que convida artistas mundialmente famosos de jazz e blues.

Jazz no mundo moderno

O mundo moderno da música é tão diverso quanto o clima e a geografia que vivenciamos nas viagens. E, no entanto, hoje assistimos à mistura de um número cada vez maior de culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, no fundo, já se está a tornar “world music” (world music). O jazz de hoje não pode mais deixar de ser influenciado por sons que penetram nele vindos de quase todos os cantos do globo. O experimentalismo europeu com tons clássicos continua a influenciar a música de jovens pioneiros como Ken Vandermark, um saxofonista de vanguarda do free jazz conhecido pelo seu trabalho com contemporâneos notáveis ​​como os saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Outros músicos jovens e mais tradicionais que continuam em busca de sua própria identidade incluem os pianistas Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, os saxofonistas Joshua Redman e David Sanchez e os bateristas Jeff Watts e Billy Stewart.

Velha tradição o som continua rapidamente com artistas como o trompetista Wynton Marsalis trabalhando com toda a equipe assistentes, tanto em seus próprios pequenos grupos quanto na Orquestra de Jazz do Lincoln Center, que ele dirige. Sob seu patrocínio, os pianistas Marcus Roberts e Eric Reed, o saxofonista Wes “Warmdaddy” Anderson, o trompetista Marcus Printup e o vibrafonista Stefan Harris tornaram-se grandes músicos. O baixista Dave Holland também é um grande descobridor de jovens talentos. Suas muitas descobertas incluem artistas como o saxofonista/baixista Steve Coleman, o saxofonista Steve Wilson, o vibrafonista Steve Nelson e o baterista Billy Kilson. Outros grandes mentores de jovens talentos incluem o pianista Chick Corea, o falecido baterista Elvin Jones e a cantora Betty Carter. As oportunidades potenciais para o futuro desenvolvimento do jazz são actualmente bastante grandes, uma vez que as formas de desenvolvimento do talento e os meios da sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários géneros de jazz hoje incentivados.