Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Blues

(melancolia, tristeza) - inicialmente - uma canção lírica solo de negros americanos, mais tarde - uma direção musical.

Na década de 20 do século XX, formou-se o blues clássico, que se baseava num período de 12 compassos correspondente a uma forma poética de 3 versos. Blues era originalmente música tocada por negros para negros. Após o surgimento do blues no sul dos Estados Unidos, ele começou a se espalhar por todo o país.

A melodia do blues é caracterizada por uma estrutura de perguntas e respostas e pelo uso da escala de blues.

O blues teve grande influência na formação do jazz e da música pop. Elementos do blues foram utilizados por compositores do século XX.

Jazz Arcaico

Jazz arcaico (antigo)– Designação dos tipos de jazz mais antigos e tradicionais que existem desde meados do século passado em vários estados do sul dos EUA.

O jazz arcaico foi representado, em particular, pela música das bandas marciais negras e crioulas do século XIX.

O período do jazz arcaico precedeu o surgimento do estilo New Orleans (clássico).

Nova Orleans

A pátria americana, onde surgiu o próprio jazz, é considerada a cidade das canções e da música - Nova Orleans.
Embora se discuta que o jazz surgiu em toda a América, e não apenas nesta cidade, foi aqui que ele se desenvolveu de forma mais poderosa. Além disso, todos os antigos músicos de jazz apontaram para o centro, que consideravam Nova Orleans. Nova Orleans proporcionou o ambiente mais favorável para o desenvolvimento desta tendência musical: havia uma grande comunidade negra e uma grande percentagem da população era crioula; Muitas tendências e gêneros musicais se desenvolveram ativamente aqui, cujos elementos foram posteriormente incluídos em obras jazz famoso trocas Vários grupos desenvolveram seus próprios estilos musicais, e os afro-americanos criaram uma nova arte que não tem análogos a partir de uma combinação de melodias de blues, ragtime e suas próprias tradições. As primeiras gravações de jazz confirmam a prerrogativa de Nova Orleans no nascimento e desenvolvimento da arte do jazz.

Dixielândia

(Dixie Country) é um termo coloquial para os estados do sul dos Estados Unidos, uma das variedades do jazz tradicional.

A maioria dos cantores de blues, pianistas de boogie-woogie, artistas de raigtime e bandas de jazz vieram do Sul para Chicago, trazendo consigo a música que logo foi apelidada de Dixieland.

Dixielândia– a designação mais ampla estilo musical os primeiros músicos de jazz de Nova Orleans e Chicago que gravaram discos de 1917 a 1923.

Alguns historiadores atribuem Dixieland apenas à música de bandas brancas tocando no estilo de Nova Orleans.

Os músicos de Dixieland procuravam um renascimento do jazz clássico de Nova Orleans.

Essas tentativas foram bem-sucedidas.

Boogie Woogie

Estilo piano blues, uma das primeiras variedades de música instrumental negra.

Um estilo que se revelou muito acessível a um amplo público ouvinte.

Com voz completa estilo boogie-woogie surgiu devido à necessidade que surgiu no início do século XX de contratar pianistas para substituir orquestras em cafés honky-tonk baratos. Para substituir uma orquestra inteira, os pianistas inventaram diferentes formas de tocar ritmicamente.

Características características: improvisação, virtuosismo técnico, um tipo específico de acompanhamento - figuração motora de ostinato na parte da mão esquerda, intervalo (até 2-3 oitavas) entre o baixo e a melodia, continuidade do movimento rítmico, recusa de uso de pedal .

Representantes do clássico boogie-woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

Blues folclóricos

Arcaico blues acústico, baseado no folclore rural da população negra dos Estados Unidos, em contraste com o blues clássico, que tinha existência predominantemente urbana.

Blues folclóricos- Este é um tipo de blues executado, via de regra, não em instrumentos musicais elétricos. Cobre ampla variedade jogos e estilos musicais podem incluir música simples e despretensiosa tocada no bandolim, banjo, gaita e outros instrumentos não elétricos projetados como bandas de jarro.O folk blues dá a impressão de uma música áspera e um tanto informal. Em suma, esta é a verdadeira música folclórica, tocada pelo povo e para o povo.

Dentro do folk blues havia cantores mais influentes do que Blind Lemon Jefferson, Charley Patton e Alger Alexander.

Alma

(literalmente – alma); o estilo de música mais popular dos anos 60 do século XX, que se desenvolveu a partir da música cult dos negros americanos e emprestou muitos elementos do ritmo e do blues.

Na soul music existem várias direções, sendo as mais importantes o chamado soul “Memphis” e “Detroit”, bem como o soul “branco”, característico principalmente de músicos da Europa.

Funk

O termo nasceu no jazz dos anos 50 do século XX. O estilo “funk” é uma continuação direta da música “soul”. Uma das formas de ritmo e blues.

Os primeiros intérpretes do que mais tarde seria classificado como música “funk” foram jazzistas que tocavam um tipo de jazz mais enérgico e específico no final dos anos 50 e início dos anos 60.

O funk, antes de tudo, é uma música dançante, o que determina suas características musicais: a extrema síncope das partes de todos os instrumentos.

O funk é caracterizado por uma seção rítmica proeminente, uma linha de baixo nitidamente sincopada, riffs de ostinato como base melódico-temática da composição, um som eletrônico, vocais animados e um andamento musical rápido.

James Brown e George Clinton criaram uma escola experimental de funk com os grupos PARLAMENT/FUNKDEIC.

Os discos clássicos de funk datam da virada das décadas de 1960 e 1970.

funk grátis

Funk grátis– uma mistura de jazz de vanguarda com ritmos funk.

Quando Ornette Coleman formou o Prime Time, ele se tornou um "quarteto duplo" (composto por dois guitarristas, dois baixistas e dois bateristas, além de seu contralto), tocando música em tons livres, mas com ritmos excêntricos de funk. Três membros da banda de Coleman (o guitarrista James Blood Ulmer, o baixista Jamaaladin Takuma e o baterista Ronald Shannon Jackson) mais tarde formaram seus próprios projetos de free-funk, e o free-funk foi uma grande influência de artistas de m-bass, incluindo os violistas Steve Coleman e Greg Osby.
Balanço

Bop- um estilo de jazz que se desenvolveu em meados dos anos 40 do século XX e se caracteriza por um andamento rápido e improvisações complexas baseadas na execução da harmonia e não da melodia. O bebop revolucionou o jazz; os boppers criaram novas ideias sobre o que era a música.

A fase do bebop marcou uma mudança significativa na ênfase do jazz, da música dançante baseada na melodia para a "música para músicos", menos popular e mais baseada no ritmo. Os músicos de Bop preferiam improvisações complexas baseadas em acordes em vez de melodias.

O bebop era rápido, áspero e “cruel com o ouvinte”.

Jazz Progressivo

Paralelamente ao surgimento do bebop, o jazz desenvolveu-se novo gênero-jazz progressivo. O principal diferencial desse gênero é a vontade de se afastar do clichê congelado das big bands e das técnicas ultrapassadas das chamadas. jazz sinfônico.

Músicos que tocavam jazz progressivo buscaram atualizar e aprimorar modelos de frases de swing, introduzindo composições na prática últimas conquistas Sinfonismo europeu no domínio da tonalidade e da harmonia. A maior contribuição para o desenvolvimento do “progressista” foi feita por Stan Kenton. O som da música executada por sua primeira orquestra aproximava-se do estilo de Sergei Rachmaninov, e as composições traziam traços do romantismo.

A série de álbuns gravados “Artistry”, “Miles Ahead”, “Spanish Drawings” pode ser considerada uma espécie de apoteose do desenvolvimento da música progressiva.

(Jazz legal), um dos estilos do jazz moderno, formado na virada das décadas de 40 e 50 do século XX a partir do desenvolvimento das conquistas do swing e do bop.

O trompetista Miles Davis, um dos primeiros pioneiros do bebop, tornou-se um inovador do gênero.

O cool jazz é caracterizado por características como cor sonora leve e “seca”, câmera lenta, harmonia congelada, que cria a ilusão de espaço. A dissonância também desempenhou algum papel, mas com um caráter suavizado e moderado.

O saxofonista Lester Young introduziu pela primeira vez o termo “cool”.

Maioria músicos famosos kula – Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, "Shorty" Rogers .
Convencional

(literalmente - corrente principal); termo em relação a um determinado período do swing, em que os intérpretes conseguiram evitar os clichês consagrados desse estilo e deram continuidade às tradições do black jazz, introduzindo elementos de improvisação.

O mainstream é caracterizado por uma linha melódica simples, mas expressiva, harmonia tradicional e um ritmo claro com impulso pronunciado.

Artistas principais: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins e líderes de big band Duke Ellington e Benny Goodman.

(duro, hard bop), estilo de jazz moderno.

É uma continuação das tradições do clássico rhythm and blues e bebop.

Surgiu na década de 50 do século XX como uma reação ao academicismo e à orientação europeia do jazz cool e da costa oeste, que nessa altura já tinha atingido o seu apogeu.

Os traços característicos do hard bop inicial são o predomínio do acompanhamento rítmico estritamente acentuado, o fortalecimento dos elementos do blues na entonação e harmonia, a tendência de revelar o princípio vocal na improvisação e alguma simplificação da linguagem musical.

Os principais representantes do hard bop são em sua maioria músicos negros.

O primeiro conjunto desse estilo a gravar em discos foi o quinteto JAZZ MESSENGERS de Art Blakey (1954).

Outros músicos importantes: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

(literalmente – fusão, fusão), um movimento de estilo moderno que surgiu com base no jazz rock, uma síntese de elementos da música acadêmica europeia e do folclore não europeu. Partindo não apenas da fusão do jazz com a música pop e o rock, a fusão como gênero musical surgiu no final da década de 1960 sob o nome de jazz-rock.

Larry Coryell, Tony Williams e Miles Davis introduziram elementos como eletrônica, ritmos de rock e faixas estendidas, eliminando muito do que o jazz se baseava – a batida swing.

Outra mudança foi na área do ritmo, onde o swing foi revisado ou totalmente ignorado. A pulsação e a métrica não eram mais um elemento essencial na leitura do jazz.

O free jazz continua a existir hoje como uma forma viável de expressão e, na verdade, não é mais um estilo tão controverso como era percebido nos seus primeiros dias.

A fusão de elementos rítmicos latinos esteve presente quase desde o início no caldeirão de culturas que se originou em Nova Orleans. A influência musical latina se espalhou no jazz não apenas para orquestras e bandas com improvisadores latinos de primeira linha, mas também para uma combinação de artistas locais e latinos, criando algumas das mais emocionantes músicas de palco.

E ainda assim, hoje estamos vendo uma mistura de tudo mais culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, em essência, já está se tornando “world music” ( mundo da música).

O jazz de hoje não pode mais deixar de ser influenciado pelos sons que nele penetram de quase todos os cantos. globo.

Oportunidades potenciais desenvolvimento adicional o jazz é atualmente bastante amplo, pois as formas de desenvolvimento do talento e os meios de sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários gêneros de jazz hoje incentivados.

Jazz- um tipo de arte musical que surgiu no final do século XIX e início do século XX como resultado da mistura da cultura musical africana dos escravos negros com a europeia. Da primeira cultura, esse tipo de música emprestou improvisação, ritmo, repetição repetida do motivo principal, e da segunda - harmonia, sons em menor e maior. É importante notar que elementos do folclore dos escravos africanos trazidos para a América, como danças rituais, canções de trabalho e de igreja e blues, também se refletiram nas melodias do jazz.

As disputas sobre a origem do jazz ainda continuam. Sabe-se com certeza que se espalhou pelo mundo a partir dos EUA, e sua direção clássica teve origem em Nova Orleans, onde em 26 de fevereiro de 1917 a Original Dixieland Jazz Band gravou o primeiro disco de jazz.

Na primeira década do século 20, nos estados do sul dos Estados Unidos, conjuntos musicais, que realizou improvisações originais sobre temas de blues, ragtime e canções europeias. Eles eram chamados de “banda de jazz”, daí veio a palavra “jazz”. Esses grupos incluíam músicos que tocavam diversos instrumentos, incluindo: trompete, clarinete, trombone, banjo, tuba, contrabaixo, bateria e piano.

O jazz possui vários traços característicos que o distinguem de outros gêneros musicais:

• ritmo;
• balanço;
• instrumentos que imitam a fala humana;
• uma espécie de “diálogo” entre instrumentos;
• vocais específicos, entonação que lembra uma conversa.

O jazz tornou-se parte integrante indústria da música, espalhando-se por todo o globo. A popularidade das melodias jazzísticas levou à criação de um grande número de conjuntos que as executam, bem como ao surgimento de novos rumos neste género musical. Hoje, são conhecidos mais de 30 desses estilos, entre os quais os mais populares são blues, soul, ragtime, swing, jazz-rock e jazz sinfônico.

Para quem quer dominar os fundamentos desse tipo de arte musical a decisão é comprar um clarinete trompete, banjo, trombone ou qualquer outro instrumento de jazz será um excelente começo para dominar este gênero. Posteriormente, o saxofone foi incluído em orquestras e conjuntos de jazz, que hoje podem até ser adquiridos em loja online. Além dos listados, um grupo de jazz também pode incluir instrumentos musicais étnicos.

Jazz é um fenômeno musical do século XX

O jazz é uma parte significativa da cultura musical americana. Tendo surgido com base na música folclórica e na música dos negros americanos, o jazz tornou-se uma arte profissional distinta, exercendo uma influência significativa no desenvolvimento da música moderna.

A música jazz tem sido chamada de arte americana, a contribuição da América para as artes. O jazz também ganhou reconhecimento entre aqueles que foram criados principalmente nas tradições da música de concerto da Europa Ocidental.

Hoje, o jazz tem adeptos e intérpretes em todas as partes do mundo e penetrou na cultura de todos os países. É justo dizer que o jazz é uma música mundial e a primeira neste aspecto.

Jazz (jazz inglês) desenvolvido nos estados do sul dos EUA em virada do século XIX– Séculos XX como resultado da síntese da cultura musical europeia e africana. Os portadores da cultura africana foram Negros americanos- descendentes de escravos retirados da África. Isso se manifestou em danças rituais, canções de trabalho, hinos espirituais - espirituais, blues líricos e ragtime, canções gospel (salmos negros) que surgiram durante os séculos XVIII - XX no processo de assimilação pelos negros da cultura da população branca do Estados Unidos.

As principais características do jazz são o papel fundamental do ritmo, pulsação métrica regular, ou “batida”, acentos melódicos que criam uma sensação de movimento ondulatório (swing), início de improvisação, etc. instrumentos de sopro, percussão e ruído projetados para executar esse tipo de música.

Jazz é por excelência Artes performáticas. Esta palavra apareceu pela primeira vez em 1913 em um dos jornais de São Francisco, em 1915 passou a fazer parte do nome da orquestra de jazz de T. Brown, que se apresentava em Chicago, e em 1917 apareceu em um disco de gramofone gravado pela famosa orquestra de Nova Orleans. Banda original de DixieIand Jazz (Jass).

A origem da palavra "jazz" é bastante obscura. No entanto, não há dúvida. Que tinha um significado bastante vulgar na época em que começou a ser aplicado a esse tipo de música - por volta de 1915. Ressalte-se que inicialmente esse nome foi dado à música pelos brancos, demonstrando seu desdém por ela.

A princípio, a palavra “jazz” só podia ser ouvida na combinação “jazz band”, que significava um pequeno conjunto composto por trompete, clarinete, trombone e seção rítmica (pode ser banjo ou guitarra, tuba ou contrabaixo). , interpretando as melodias de spirituals e ragtime, blues e canções populares. A performance foi uma improvisação polifônica coletiva. Posteriormente, a improvisação coletiva foi mantida apenas nos episódios de abertura e encerramento e, nos demais, uma voz era a solista, apoiada pela seção rítmica e pelo som simples dos acordes dos instrumentos de sopro.

Na Europa do século XVIII, quando a improvisação era uma característica comum da performance musical, apenas um músico (ou cantor) improvisava. No jazz, desde que haja algum acordo, até oito músicos podem improvisar ao mesmo tempo. Foi exatamente isso que aconteceu no primeiro estilo de jazz - nos chamados conjuntos Dixieland.

O blues é o mais importante e influente de todos os idiomas afro-americanos para o jazz. O blues usado no jazz não reflete necessariamente tristeza ou tristeza. Esta forma é uma combinação de elementos das tradições africanas e europeias. O blues é cantado com espontaneidade melódica e grande emoção. No início dos anos 20, e talvez antes, o blues tornou-se não apenas um gênero vocal, mas também instrumental.

O ragtime autêntico apareceu no final da década de 1890. Tornou-se imediatamente popular e foi sujeito a todo tipo de simplificações. Em sua essência, o ragtime era música tocada em instrumentos que possuíam um teclado semelhante ao de um piano. Não há dúvida de que a dança cakewalk (originalmente baseada em uma paródia elegante e estilizada dos maneirismos bonitinhos dos sulistas brancos) era anterior ao ragtime, então tinha que haver música cakewalk.

Existem os chamados estilos de jazz de Nova Orleans e Chicago. Os nativos de Nova Orleans criaram os mais famosos conjuntos e obras de jazz. O jazz antigo era geralmente executado por pequenas orquestras de 5 a 8 instrumentos e era caracterizado por um estilo instrumental específico. Os sentimentos penetram no jazz, daí a maior elevação e profundidade emocional. Na sua fase final, o centro de desenvolvimento do jazz mudou-se para Chicago. Seus representantes mais proeminentes foram os trompetistas Joe King Oliver e Louis Armstrong, os clarinetistas J. Dodds e J. Nui, o pianista e compositor Jelly Roll Morton, o guitarrista J. St.

A execução de peças de um dos primeiros grupos de jazz - a Original Dixieland Jazz-Band - foi gravada em discos de gramofone em 1917, e em 1923 começou a gravação sistemática de peças de jazz.

Um amplo círculo do público norte-americano conheceu o jazz imediatamente após o fim da Primeira Guerra Mundial. A sua técnica foi adoptada por um grande número de intérpretes e deixou a sua marca em toda a música de entretenimento dos EUA e da Europa Ocidental.

No entanto, da década de 1920 até meados da década de 1930, era comum aplicar a palavra "jazz" indiscriminadamente a quase todos os tipos de música influenciados pelo jazz ritmicamente, melodicamente e tonalmente.

Symphojazz (eng. simphojazz) é uma variedade de estilo de jazz combinado com música sinfônica de gênero leve. Este termo foi usado pela primeira vez na década de 1920 pelo famoso maestro americano Paul Whiteman. Na maioria dos casos era música dançante com um toque de “salão”. Porém, o mesmo Whiteman iniciou a criação e primeira intérprete da famosa “Rhapsody in Blue” de George Gershwin, onde uma fusão de jazz e música sinfônica Acabou sendo extremamente orgânico. Houve tentativas de recriar uma síntese semelhante com uma nova qualidade e posteriormente.

No início da década de 1930, o jazz de Nova Orleans e Chicago foi substituído pelo estilo “swing”, que era personificado por “big bands” que incluíam 3-4 saxofones, 3 trompetes, 3 trombones e uma seção rítmica. O termo "swing" veio de Louis Armstrong e foi usado para definir o estilo em que sua influência era fortemente sentida. O aumento da composição tornou necessária a passagem à execução de arranjos pré-criados, gravados em notas ou aprendidos diretamente de ouvido conforme instruções diretas do autor. As contribuições mais significativas para o “swing” foram feitas por F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford. Cada um deles combinou os talentos de um líder de orquestra, arranjador, compositor e instrumentista. Seguindo-os, surgiram as orquestras de B. Goodman, G. Miller e outros, que emprestaram as conquistas técnicas de músicos negros.

No final da década de 1930, o “swing” esgotou-se, transformando-se num conjunto de técnicas formais e técnicas. Muitos mestres proeminentes do “swing” estão começando a desenvolver os gêneros de jazz de câmara e de concerto. Atuando em pequenos conjuntos, eles criam uma série de peças dirigidas igualmente ao público dançante e a um círculo relativamente restrito de ouvintes conhecedores. Ellington gravou com sua orquestra a suíte "Reminiscence in Tempo", que levou o jazz além do número dançante de três minutos.

A virada decisiva ocorreu no início dos anos 40, quando um grupo de músicos liderou uma nova direção do jazz, chamando-a de palavra onomatopeica “bebop”. Ele lançou as bases para o jazz moderno (jazz moderno inglês - jazz moderno) - este termo é geralmente usado para designar os estilos e tendências do jazz que surgiram após o domínio do swing. O Bebop marcou a ruptura final entre o jazz e o reino da música de entretenimento. Artisticamente, abriu caminho para o desenvolvimento independente do jazz como um dos ramos da arte musical moderna.

Na década de 1940, a orquestra mais popular era a Orquestra Glenn Miller. No entanto, o crédito pela criatividade genuína no jazz durante estes anos vai para Duke Ellington, que, segundo um crítico, produziu obras-primas aparentemente todas as semanas.

No final dos anos 40 surgiu a direção do jazz “cool”, caracterizado pela sonoridade moderada, transparência das cores e ausência de contrastes dinâmicos nítidos. O surgimento desta tendência está associado às atividades do trompetista M. Davis. Posteriormente, o jazz “cool” foi praticado principalmente por grupos que atuavam na costa oeste dos Estados Unidos.

No jazz dos anos 40 e 50, a linguagem harmónica tornou-se cada vez mais cromática, até mesmo “neo-Debussiana”, e os músicos executavam melodias populares complexas. Ao mesmo tempo, continuam a expressar a essência tradicional do blues. E a música manteve e expandiu a vitalidade da sua base rítmica.

Os acontecimentos mais importantes da história do jazz centram-se nos compositores que sintetizam a música e lhe dão formas gerais e depois em torno de músicos individuais, solistas inventivos que atualizam periodicamente o vocabulário do jazz. Às vezes, esses estágios são intercambiáveis, da síntese de Morton às inovações de Armstrong, da síntese de Ellington às inovações de Parker.

Desde a segunda metade do século XX, o número de conceitos artísticos e estilos muito diferentes de execução de música jazz tem aumentado. Um contributo notável para o aperfeiçoamento da técnica de composição jazzística foi dado pelo conjunto Modern Jazz Quartet, que sintetizou os princípios do “bebop”, do “cool jazz” e da polifonia europeia dos séculos XVII-XVIII. Esta tendência levou à criação de peças extensas para orquestras mistas, incluindo orquestradores acadêmicos e improvisadores de jazz. Isto aprofundou ainda mais a lacuna entre o jazz e o campo da música de entretenimento e alienou dele completamente grandes setores do público.

Em busca de um substituto adequado, os jovens dançarinos começaram a recorrer ao gênero da música negra cotidiana “rhythm-and-blues”, que combina performance vocal expressiva no estilo blues com acompanhamento enérgico de bateria e sugestões de guitarra elétrica ou saxofone. Dessa forma, a música serviu como antecessora do “rock and roll” dos anos 50 e 60, que teve grande influência na composição e execução de canções populares. Por sua vez, o “boogie-woogie”, muito popular nos Estados Unidos no final dos anos 30 (na verdade, é bem mais antigo), são estilos de blues tocados no piano.

No final dos anos 50, ao ritmo e blues juntou-se outro gênero popular - o soul, que é uma versão secular de um dos ramos da música sacra negra.

Outra tendência no jazz no final dos anos 60 e início dos anos 70 deveu-se ao crescente interesse pelo folclore e pela arte musical profissional da Ásia e da África. Aparecem diversas peças de diversos autores, baseadas em músicas e danças folclóricas de Gana, Nigéria, Sudão, Egito e países da Península Arábica.

No final dos anos 60, um gênero de jazz se desenvolveu nos Estados Unidos usando o rock tradicional, sob a influência do músico negro Miles Davis e seus alunos, que tentaram tornar sua música mais clara e acessível. O boom do rock "inteligente" e a novidade do estilo tornaram-no extremamente popular em meados da década de 1970. O jazz-rock mais tarde se dividiu em vários outros formulários específicos, alguns de seus adeptos retornaram ao jazz tradicional, alguns chegaram à música pop e apenas alguns continuaram a procurar maneiras de uma interpenetração mais profunda do jazz e do rock. As formas modernas de jazz rock são mais conhecidas como fusão.

Durante décadas, o desenvolvimento do jazz foi predominantemente espontâneo e em grande parte determinado por uma coincidência de circunstâncias. Embora permaneça principalmente um fenômeno da cultura afro-americana, o sistema da linguagem musical do jazz e os princípios de sua execução estão gradualmente adquirindo um caráter internacional. O Jazz é capaz de assimilar facilmente os elementos artísticos de qualquer cultura musical, mantendo a sua originalidade e integridade.

O surgimento do jazz na Europa no final da década de 1910 atraiu imediatamente a atenção dos principais compositores. Certos elementos de estrutura, entonação e voltas e técnicas rítmicas foram usados ​​​​em suas obras por C. Debussy, I. F. Stravinsky, M. Ravel, K. Weil e outros.

Ao mesmo tempo, a influência do jazz na obra destes compositores foi limitada e de curta duração. Nos EUA, a fusão do jazz com a música de tradição europeia deu origem à obra de J. Gershwin, que ficou na história da música como o mais destacado representante do jazz sinfónico.

Assim, a história do jazz pode ser contada com base no desenvolvimento das seções rítmicas e na relação dos músicos de jazz com a parte do trompete.

Os conjuntos de jazz europeus começaram a surgir no início da década de 1920, mas até ao final da Segunda Guerra Mundial, a falta de apoio de um público de massa forçou-os a apresentar principalmente repertório pop e dançante. Depois de 1945, durante os próximos 15-20 anos na maioria das capitais e principais cidades A Europa formou um quadro de instrumentistas que dominam a técnica de execução de quase todas as formas de jazz: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dankworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kwasnitsky.

O jazz opera num ambiente onde compete com outros tipos de música popular. Ao mesmo tempo, é uma arte tão popular que recebeu a mais elevada e amplamente aceite apreciação e respeito e atraiu a atenção tanto de críticos como de académicos. Além disso, as mudanças em outros tipos de música popular às vezes parecem um capricho da moda. O jazz, por sua vez, evolui e se desenvolve. Seus intérpretes aproveitaram muito da música do passado e construíram sua música sobre ela. E, como disse S. Dance, “ os melhores músicos estavam sempre à frente de seu público" .

Lista de literatura usada

Enciclopédia de Jazz/Música. T. 2. S. 211-216.

Mikhailov J. K. Reflexões sobre a música americana // EUA. Economia, política, ideologia. 1978. Nº 12. págs. 28-39.

Pereverzev L. Canções de trabalho do povo negro // Sov. música. 1963. Nº 9. pp. 125-128.

Troitskaya G. Cantora de jazz. Em turnê palco estrangeiro// Teatro. 1961. Nº 12. pp. 184-185.

Williams M. Uma Breve História do Jazz // EUA. Economia, política, ideologia. 1974. Nº 10. pp. 84-92. Nº 11. págs. 107-114.

Jazz - uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos EUA, em Nova Orleans, como resultado da síntese da cultura africana e Culturas europeias e posteriormente se generalizou. As origens do jazz foram o blues e outras músicas folclóricas afro-americanas. Os traços característicos da linguagem musical do jazz inicialmente eram a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para execução de textura rítmica - o swing. O maior desenvolvimento do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz. Os gêneros do jazz são: jazz de vanguarda, bebop, jazz clássico, cool, jazz modal, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e vários outros.

História do desenvolvimento do jazz

Vilex College Jazz Band, Texas

O jazz surgiu como uma combinação de diversas culturas musicais e tradições nacionais. Originariamente veio da África. Qualquer música africana é caracterizada por um ritmo muito complexo; a música é sempre acompanhada de dança, que consiste em batidas rápidas e palmas. Com base nisso, no final do século XIX, surgiu outro gênero musical - o ragtime. Posteriormente, os ritmos do ragtime combinados com elementos do blues deram origem a uma nova direção musical - o jazz.

O blues surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas as suas origens devem ser procuradas a partir do momento da importação de escravos de África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham da mesma família e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma cultura única (incluindo musical) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreram graves mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do “proto-jazz”, e depois do jazz no sentido geralmente aceite. . O berço do jazz foi o Sul dos Estados Unidos, especialmente Nova Orleans.
A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação
A peculiaridade do estilo é a atuação individual única de um jazzista virtuoso. A chave para a eterna juventude no jazz é a improvisação. Após o aparecimento do brilhante intérprete que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz e ainda continua a ser uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance do jazz viu horizontes novos e inusitados: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de toda a performance, mudando completamente a ideia de jazz. Jazz não é apenas certo tipo performance musical, mas também uma época única e alegre.

Jazz de Nova Orleans

O termo Nova Orleans geralmente se refere ao estilo dos músicos de jazz que tocaram jazz em Nova Orleans entre 1900 e 1917, bem como aos músicos de Nova Orleans que tocaram e gravaram em Chicago de 1917 até a década de 1920. Este período da história do jazz também é conhecido como Era do Jazz. E esse conceito também é usado para descrever a música tocada em vários períodos históricos por representantes do renascimento de Nova Orleans, que buscavam tocar jazz no mesmo estilo dos músicos da escola de Nova Orleans.

O folk e o jazz afro-americanos divergiram desde a inauguração de Storyville, o bairro da luz vermelha de Nova Orleans, famoso por seus locais de entretenimento. Quem queria se divertir e se divertir teve muitas oportunidades tentadoras, que foram oferecidas por pistas de dança, cabarés, shows de variedades, circo, bares e lanchonetes. E em todos os lugares nesses estabelecimentos a música soava e os músicos que dominavam a nova música sincopada podiam encontrar trabalho. Aos poucos, com o aumento do número de músicos atuando profissionalmente nos estabelecimentos de entretenimento de Storyville, o número de marchas e bandas de música de rua diminuiu, e em seu lugar surgiram os chamados conjuntos de Storyville, cuja manifestação musical se torna mais individual, em comparação com a execução de bandas de música. Essas composições, muitas vezes chamadas de “orquestras combinadas”, tornaram-se as fundadoras do estilo clássico do jazz de Nova Orleans. De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville tornaram-se um local ideal ambiente para jazz.
De 1910 a 1917, as casas noturnas de Storyville proporcionaram um ambiente ideal para o jazz.
O desenvolvimento do jazz nos EUA no primeiro quartel do século XX

Após o fechamento de Storyville, o jazz de gênero folclórico regional começa a se transformar em tendência musical nacional, espalhando-se pelas províncias do norte e nordeste dos Estados Unidos. Mas a sua ampla difusão, evidentemente, não poderia ter sido facilitada apenas pelo encerramento de uma zona de entretenimento. Junto com Nova Orleans, no desenvolvimento do jazz grande importância Louis, Kansas City e Memphis jogaram desde o início. O Ragtime teve origem em Memphis no século XIX, de onde se espalhou pelo continente norte-americano no período 1890-1903.

Por outro lado, os espectáculos de menestréis, com o seu mosaico heterogéneo de todos os tipos de movimentos musicais do folclore afro-americano, desde os jigs ao ragtime, rapidamente se espalharam por todo o lado e abriram caminho à chegada do jazz. Muitas futuras celebridades do jazz começaram suas carreiras em shows de menestréis. Muito antes de Storyville fechar, os músicos de Nova Orleans saíram em turnê com as chamadas trupes de “vaudeville”. Jelly Roll Morton excursionou regularmente pelo Alabama, Flórida e Texas desde 1904. Desde 1914 ele tinha contrato para se apresentar em Chicago. Em 1915, a orquestra branca Dixieland de Thom Browne também se mudou para Chicago. A famosa “Creole Band”, liderada pelo cornetista de Nova Orleans Freddie Keppard, também fez grandes turnês de vaudeville em Chicago. Tendo se separado da Olympia Band uma vez, os artistas de Freddie Keppard já em 1914 se apresentaram com sucesso no mesmo o melhor teatro Chicago e recebeu uma oferta para fazer uma gravação sonora de suas apresentações antes mesmo da Original Dixieland Jazz Band, que, no entanto, Freddie Keppard rejeitou míope. A área coberta pela influência do jazz foi significativamente ampliada por orquestras que tocavam em navios de recreio que navegavam pelo Mississippi.

Desde o final do século 19, as viagens fluviais de Nova Orleans a St. Paul tornaram-se populares, primeiro durante um fim de semana e depois durante uma semana inteira. Desde 1900, orquestras de Nova Orleans se apresentam nesses barcos fluviais, e sua música se tornou o entretenimento mais atraente para os passageiros durante os passeios fluviais. A futura esposa de Louis Armstrong, o primeiro pianista de jazz Lil Hardin, começou numa destas orquestras “Suger Johnny”. Outro pianista, a orquestra fluvial de Fates Marable, apresentou muitas futuras estrelas do jazz de Nova Orleans.

Os barcos a vapor que viajavam ao longo do rio paravam frequentemente nas estações de passagem, onde orquestras realizavam concertos para o público local. Foram esses shows que se tornaram a estreia criativa de Bix Beiderbeck, Jess Stacy e muitos outros. Outra rota famosa passava pelo Missouri até Kansas City. Nesta cidade, onde, graças às fortes raízes do folclore afro-americano, o blues se desenvolveu e finalmente tomou forma, a execução virtuosa dos jazzistas de Nova Orleans encontrou um ambiente excepcionalmente fértil. No início da década de 1920, Chicago tornou-se o principal centro de desenvolvimento da música jazz, onde, através do esforço de muitos músicos reunidos de diferentes partes dos Estados Unidos, foi criado um estilo que foi apelidado de jazz de Chicago.

Grandes bandas

A forma clássica e estabelecida de big bands é conhecida no jazz desde o início da década de 1920. Este formulário permaneceu relevante até o final da década de 1940. Os músicos que integravam a maioria das big bands, via de regra, quase na adolescência, tocavam partes bem específicas, ora memorizadas nos ensaios, ora a partir de notas. Orquestrações cuidadosas, juntamente com grandes seções de metais e sopros, trouxeram ricas harmonias de jazz e criaram um som sensacionalmente alto que ficou conhecido como “o som da big band”.

A grande banda se tornou música popular de sua época, atingindo o auge da fama em meados da década de 1930. Essa música se tornou a fonte da mania da dança swing. Os líderes das famosas orquestras de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett compuseram ou arranjaram e gravaram uma verdadeira parada de sucessos de músicas que foram ouvidas não apenas em no rádio, mas também em todos os lugares nos salões de dança. Muitas big bands exibiram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado de quase histeria durante as bem promovidas “batalhas de bandas”.
Muitas big bands demonstraram seus solistas improvisados, que levaram o público a um estado próximo da histeria
Embora a popularidade das big bands tenha diminuído significativamente após a Segunda Guerra Mundial, orquestras lideradas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e muitos outros viajaram e gravaram com frequência nas décadas seguintes. Sua música foi gradualmente transformada sob a influência de novas tendências. Grupos como conjuntos liderados por Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus e Tad Jones-Mal Lewis exploraram novos conceitos em harmonia, instrumentação e liberdade de improvisação. Hoje, as big bands são o padrão na educação do jazz. Orquestras de repertório como a Lincoln Center Jazz Orchestra, a Carnegie Hall Jazz Orchestra, a Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e o Chicago Jazz Ensemble tocam regularmente arranjos originais de composições de big band.

Jazz nordestino

Embora a história do jazz tenha começado em Nova Orleans com o advento do século 20, a música realmente decolou no início da década de 1920, quando o trompetista Louis Armstrong deixou Nova Orleans para criar uma nova música revolucionária em Chicago. A migração dos mestres do jazz de Nova Orleans para Nova York, iniciada logo em seguida, marcou uma tendência de movimento constante de músicos de jazz do Sul para o Norte.

Louis Armstrong

Chicago pegou a música de Nova Orleans e a tornou quente, aumentando sua intensidade não apenas com os esforços dos famosos conjuntos Hot Five e Hot Seven de Armstrong, mas também de outros, incluindo mestres como Eddie Condon e Jimmy McPartland, cuja equipe na Austin High School ajudou a reviver as escolas de Nova Orleans. Outros notáveis ​​habitantes de Chicago que ultrapassaram os limites do estilo clássico do jazz de Nova Orleans incluem o pianista Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, que eventualmente se mudaram para Nova York, criaram lá uma espécie de massa crítica que ajudou a cidade a se transformar em uma verdadeira capital mundial do jazz. E embora Chicago tenha permanecido principalmente um centro de gravação no primeiro quartel do século XX, Nova Iorque também se tornou um importante local de jazz, com clubes lendários como o Minton Playhouse, o Cotton Club, o Savoy e o Village Vanguard, e também tais arenas. como Carnegie Hall.

Estilo Kansas City

Durante a era da Grande Depressão e da Lei Seca, a cena jazzística de Kansas City tornou-se uma meca para os novos sons do final dos anos 1920 e 1930. O estilo que floresceu em Kansas City foi caracterizado por peças sinceras e com toques de blues executadas tanto por grandes bandas quanto por pequenos conjuntos de swing que apresentavam solos de alta energia executados para os clientes de bares clandestinos que vendiam bebidas alcoólicas. Foi nessas abobrinhas que se cristalizou o estilo do grande Count Basie, que começou em Kansas City na orquestra de Walter Page e depois com Benny Mouthen. Ambas as orquestras foram representantes típicos estilo de Kansas City, cuja base era uma forma peculiar de blues, chamada de “blues urbano” e formada na execução das orquestras acima mencionadas. A cena jazzística de Kansas City também se destacou por uma galáxia de mestres excepcionais blues vocal, cujo “rei” reconhecido foi o solista de longa data da orquestra de Count Basie, o famoso cantor de blues Jimmy Rushing. O famoso saxofonista alto Charlie Parker, nascido em Kansas City, ao chegar a Nova York, utilizou amplamente os “truques” característicos do blues que havia aprendido nas orquestras de Kansas City e que mais tarde formaram um dos pontos de partida nas experiências do bopper em década de 1940.

Jazz da Costa Oeste

Artistas envolvidos no movimento cool jazz da década de 1950 trabalharam extensivamente em estúdios de gravação de Los Angeles. Em grande parte influenciados pelo nonet de Miles Davis, esses artistas baseados em Los Angeles desenvolveram o que hoje é conhecido como "West Coast Jazz". O jazz da Costa Oeste era muito mais suave do que o furioso bebop que o precedeu. A maior parte do jazz da Costa Oeste foi escrita em grandes detalhes. As linhas de contraponto frequentemente utilizadas nestas composições pareciam fazer parte da influência europeia que permeou o jazz. No entanto, esta música deixou muito espaço para longas improvisações lineares de solo. Embora o West Coast Jazz fosse tocado principalmente em estúdios de gravação, clubes como o Lighthouse em Hermosa Beach e o Haig em Los Angeles frequentemente apresentavam seus principais mestres, incluindo o trompetista Shorty Rogers, os saxofonistas Art Pepper e Bud Schenk, o baterista Shelley Mann e o clarinetista Jimmy Giuffre. .

Difusão do jazz

O jazz sempre despertou interesse entre músicos e ouvintes de todo o mundo, independentemente da sua nacionalidade. Basta traçar os primeiros trabalhos do trompetista Dizzy Gillespie e sua síntese das tradições do jazz com a música dos cubanos negros na década de 1940 ou a combinação posterior do jazz com a música japonesa, euro-asiática e do Oriente Médio, famosa na obra do pianista Dave Brubeck, bem como o brilhante compositor e líder de jazz - a Orquestra Duke Ellington, que combinou herança musicalÁfrica, América latina e o Extremo Oriente.

Dave Brubeck

O jazz absorveu constantemente não apenas as tradições musicais ocidentais. Por exemplo, quando diferentes artistas começaram a tentar trabalhar com elementos musicais da Índia. Um exemplo desses esforços pode ser ouvido nas gravações do flautista Paul Horne no Taj Mahal, ou no fluxo de "world music" representado, por exemplo, no trabalho do grupo Oregon ou no projeto Shakti de John McLaughlin. A música de McLaughlin, anteriormente baseada em grande parte no jazz, começou a usar novos instrumentos de origem indiana, como o khatam ou tabla, ritmos intrincados e o uso generalizado da forma raga indiana durante seu tempo com Shakti.
À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais
O Art Ensemble of Chicago foi um dos pioneiros na fusão de formas africanas e jazzísticas. Mais tarde, o mundo conheceu o saxofonista/compositor John Zorn e as suas explorações da cultura musical judaica, tanto dentro como fora da Orquestra de Masada. Essas obras inspiraram grupos inteiros de outros músicos de jazz, como o tecladista John Medeski, que gravou com o músico africano Salif Keita, o guitarrista Marc Ribot e o baixista Anthony Coleman. O trompetista Dave Douglas incorpora com entusiasmo as influências dos Balcãs na sua música, enquanto a Orquestra de Jazz Asiático-Americana emergiu como um dos principais defensores da convergência do jazz e das influências asiáticas. formas musicais. À medida que a globalização do mundo continua, o jazz continua a ser influenciado por outras tradições musicais, fornecendo material maduro para pesquisas futuras e demonstrando que o jazz é verdadeiramente uma música mundial.

Jazz na URSS e na Rússia

A primeira banda de jazz de Valentin Parnakh na RSFSR

A cena jazzística surgiu na URSS na década de 1920, simultaneamente ao seu apogeu nos EUA. A primeira orquestra de jazz da Rússia Soviética foi criada em Moscou em 1922 pelo poeta, tradutor, dançarino e figura teatral Valentin Parnakh e foi chamada de “A Primeira Orquestra Excêntrica de Bandas de Jazz de Valentin Parnakh na RSFSR”. O aniversário do jazz russo é tradicionalmente considerado 1º de outubro de 1922, quando aconteceu o primeiro concerto deste grupo. O primeiro conjunto profissional de jazz a tocar no rádio e gravar um disco é considerado a orquestra do pianista e compositor Alexander Tsfasman (Moscou).

As primeiras bandas de jazz soviéticas especializaram-se em apresentações danças da moda(foxtrot, Charleston). Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na década de 30, em grande parte graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utesov e pelo trompetista Ya. B. Skomorovsky. Filme de comédia popular com sua participação " Garotos engraçados"(1934) foi dedicado à história de um músico de jazz e teve trilha sonora correspondente (escrita por Isaac Dunaevsky). Utesov e Skomorovsky formaram o estilo original de “thea-jazz” (teatro jazz), baseado em uma mistura de música com teatro, opereta, números vocais e o elemento de performance desempenhou um grande papel nele. Uma contribuição notável para o desenvolvimento do jazz soviético foi feita por Eddie Rosner, compositor, músico e líder de orquestra. Tendo iniciado a sua carreira na Alemanha, Polónia e outros países europeus, Rosner mudou-se para a URSS e tornou-se um dos pioneiros do swing na URSS e o fundador do jazz bielorrusso.
Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na URSS na década de 1930.
Atitude Autoridades soviéticas ao jazz era ambíguo: os artistas nacionais de jazz, via de regra, não eram proibidos, mas as duras críticas ao jazz como tal eram generalizadas, no contexto da crítica cultura ocidental geralmente. No final da década de 40, durante a luta contra o cosmopolitismo, o jazz na URSS atravessava um período particularmente difícil, quando grupos de música “ocidental” eram perseguidos. Com o início do Degelo, as repressões contra os músicos cessaram, mas as críticas continuaram. Segundo a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e contra a expansão da influência soviética no Terceiro Mundo. Nos anos 50 e 60. Em Moscovo, as orquestras de Eddie Rosner e Oleg Lundstrem retomaram as suas atividades, surgiram novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO).

As grandes bandas criaram toda uma galáxia de arranjadores e improvisadores talentosos, cujo trabalho levou o jazz soviético a um nível qualitativamente novo e o aproximou dos padrões mundiais. Entre eles estão Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O desenvolvimento do jazz de câmara e de clube começa em toda a diversidade de sua estilística (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Clube de jazz "Pássaro Azul"

Muitos dos mestres do jazz soviético mencionados acima começaram sua caminho criativo no palco do lendário clube de jazz de Moscou “Blue Bird”, que existiu de 1964 a 2009, descobrindo novos nomes de representantes da geração moderna de estrelas do jazz russo (irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros). Na década de 70, o trio de jazz “Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC), formado pelo pianista Vyacheslav Ganelin, o baterista Vladimir Tarasov e o saxofonista Vladimir Chekasin, que existiu até 1986, tornou-se amplamente conhecido. Nas décadas de 70 e 80, o quarteto de jazz do Azerbaijão “Gaya” e os conjuntos vocais e instrumentais georgianos “Orera” e “Jazz Chorale” também eram famosos.

Após um declínio no interesse pelo jazz na década de 90, ele começou a ganhar popularidade novamente na cultura jovem. Festivais de música jazz como “Usadba Jazz” e “Jazz in the Hermitage Garden” são realizados anualmente em Moscou. O clube de jazz mais popular em Moscou é o clube de jazz "Union of Composers", que convida artistas mundialmente famosos de jazz e blues.

Jazz no mundo moderno

O mundo moderno da música é tão diverso quanto o clima e a geografia que vivenciamos nas viagens. E, no entanto, hoje assistimos à mistura de um número cada vez maior de culturas mundiais, aproximando-nos constantemente daquilo que, no fundo, já se está a tornar “world music” (world music). O jazz de hoje não pode mais deixar de ser influenciado por sons que penetram nele vindos de quase todos os cantos do globo. O experimentalismo europeu com tons clássicos continua a influenciar a música de jovens pioneiros como Ken Vandermark, um saxofonista de vanguarda do free jazz conhecido pelo seu trabalho com contemporâneos notáveis ​​como os saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Outros músicos jovens e mais tradicionais que continuam em busca de sua própria identidade incluem os pianistas Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, os saxofonistas Joshua Redman e David Sanchez e os bateristas Jeff Watts e Billy Stewart.

Velha tradição o som continua em ritmo acelerado com artistas como o trompetista Wynton Marsalis, que trabalha com uma equipe de assistentes, tanto em seus próprios pequenos grupos quanto na Orquestra de Jazz do Lincoln Center, que ele lidera. Sob seu patrocínio, os pianistas Marcus Roberts e Eric Reed, o saxofonista Wes “Warmdaddy” Anderson, o trompetista Marcus Printup e o vibrafonista Stefan Harris tornaram-se grandes músicos. O baixista Dave Holland também é um grande descobridor de jovens talentos. Suas muitas descobertas incluem artistas como o saxofonista/baixista Steve Coleman, o saxofonista Steve Wilson, o vibrafonista Steve Nelson e o baterista Billy Kilson. Outros grandes mentores de jovens talentos incluem o pianista Pintinho Corea, e o falecido baterista Elvin Jones e a cantora Betty Carter. As oportunidades potenciais para o futuro desenvolvimento do jazz são actualmente bastante grandes, uma vez que as formas de desenvolvimento do talento e os meios da sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários géneros de jazz hoje incentivados.

Jazz– um fenômeno único na cultura musical mundial. Esta forma de arte multifacetada teve origem na virada do século (XIX e XX) nos EUA. A música jazz tornou-se fruto da imaginação das culturas da Europa e de África, uma fusão única de tendências e formas de duas regiões do mundo. Posteriormente, o jazz se espalhou para além dos Estados Unidos e tornou-se popular em quase todos os lugares. Esta música tem como base a cultura africana músicas folk, ritmos e estilos. Na história do desenvolvimento desta direção do jazz, são conhecidas muitas formas e tipos que surgiram à medida que novos modelos de ritmos e harmônicos foram dominados.

Características do Jazz

A síntese de duas culturas musicais fez do jazz um fenômeno radicalmente novo na arte mundial. As características específicas deste nova música tornar-se:

• Ritmos sincopados dando origem a polirritmos.
• A pulsação rítmica da música é a batida.
• Desvio complexo da batida - balanço.
• Improvisação constante nas composições.
• Uma riqueza de harmônicos, ritmos e timbres.

A base do jazz, especialmente nos primeiros estágios de desenvolvimento, era a improvisação combinada com uma forma pensada (ao mesmo tempo, a forma da composição não estava necessariamente fixada em algum lugar). E da música africana este novo estilo assumiu os seguintes traços característicos:

• Compreender cada instrumento como um instrumento de percussão.
• Entonações de conversação populares ao executar composições.
• Imitação semelhante de conversa ao tocar instrumentos.

Em geral, todas as direções do jazz se distinguem por suas próprias características locais e, portanto, é lógico considerá-las no contexto do desenvolvimento histórico.

O surgimento do jazz, ragtime (1880-1910)

Acredita-se que o jazz tenha surgido entre os escravos negros trazidos da África para os Estados Unidos da América no século XVIII. Como os africanos cativos não eram representados por uma única tribo, tiveram que procurar uma língua comum com os seus parentes no Novo Mundo. Tal consolidação levou ao surgimento de uma cultura africana unificada na América, que incluía cultura musical. Foi somente nas décadas de 1880 e 1890 que a primeira música jazz surgiu como resultado. Este estilo foi impulsionado pela demanda global por música popular de dança. Desde africano arte musical estava repleto de danças rítmicas semelhantes, e foi a partir dela que nasceu uma nova direção. Milhares de americanos de classe média, incapazes de aprender as danças clássicas aristocráticas, começaram a dançar ao som de pianos ragtime. Ragtime introduziu várias bases futuras do jazz na música. Assim, o principal representante deste estilo, Scott Joplin, é o autor do elemento “3 versus 4” (padrões rítmicos de sonoridade cruzada com 3 e 4 unidades, respectivamente).

Nova Orleans (1910–1920)

O jazz clássico surgiu no início do século XX nos estados do sul da América, e especificamente em Nova Orleans (o que é lógico, porque foi no sul que o comércio de escravos se generalizou).

Aqui tocavam orquestras africanas e crioulas, criando a sua música sob a influência do ragtime, do blues e das canções dos trabalhadores negros. Após o aparecimento na cidade de muitos instrumentos musicais de bandas militares, começaram a surgir grupos amadores. O lendário músico de Nova Orleans, criador de sua própria orquestra, King Oliver, também foi autodidata. Data importante O dia 26 de fevereiro de 1917 entrou na história do jazz, quando a Original Dixieland Jazz Band lançou seu primeiro disco de gramofone. As principais características do estilo foram estabelecidas em Nova Orleans: a batida dos instrumentos de percussão, solos magistrais, improvisação vocal com sílabas - scat.

Chicago (1910-1920)

Na década de 1920, chamada de “loucos anos 20” pelos classicistas, a música jazz gradualmente entrou na cultura de massa, perdendo os títulos de “vergonhoso” e “indecente”. As orquestras começam a se apresentar em restaurantes e se deslocam dos estados do sul para outras partes dos Estados Unidos. Chicago se torna o centro do jazz no norte do país, onde as apresentações noturnas gratuitas de músicos se tornam populares (durante esses shows havia improvisações frequentes e solistas externos). Arranjos mais complexos aparecem no estilo musical. O ícone do jazz dessa época foi Louis Armstrong, que se mudou de Nova Orleans para Chicago. Posteriormente, os estilos das duas cidades começaram a ser combinados em um gênero de jazz - Dixieland. A principal característica desse estilo foi a improvisação coletiva em massa, que levantou idéia principal absolutamente jazz.

Swing e big bands (décadas de 1930 a 1940)

O aumento contínuo da popularidade do jazz criou uma demanda por grandes orquestras para tocar músicas dançantes. Foi assim que surgiu o swing, representando desvios característicos do ritmo em ambas as direções. O swing tornou-se a principal direção estilística da época, manifestando-se no trabalho de orquestras. Execução de slim composições de dança exigia uma execução mais coordenada da orquestra. Esperava-se que os músicos de jazz participassem de maneira uniforme, sem muita improvisação (exceto o solista), então a improvisação coletiva de Dixieland tornou-se coisa do passado. Na década de 1930, floresceram grupos semelhantes, chamados de big bands. Uma característica das orquestras da época era a competição entre grupos de instrumentos e seções. Tradicionalmente, eram três: saxofones, trompetes, bateria. Os músicos de jazz mais famosos e suas orquestras são: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. O último músico é famoso pelo seu compromisso com o folclore negro.

Bebop (década de 1940)

O afastamento do Swing das tradições do jazz antigo e, em particular, das melodias e estilos clássicos africanos, causou descontentamento entre os especialistas em história. Grandes bandas e artistas de swing, que trabalhavam cada vez mais para o público, começaram a enfrentar a oposição da música jazz de pequenos conjuntos de músicos negros. Os experimentadores introduziram melodias super-rápidas, trouxeram de volta longas improvisações, ritmos complexos e controle virtuoso do instrumento solo. Um novo estilo, posicionando-se como exclusivo, passou a ser chamado de bebop. Os ícones deste período foram músicos de jazz ultrajantes: Charlie Parker e Dizzy Gillespie. A revolta dos negros americanos contra a comercialização do jazz, o desejo de devolver intimidade e singularidade a esta música tornou-se um ponto chave. A partir deste momento e deste estilo começa a história do jazz moderno. Ao mesmo tempo, líderes de big band também vêm para pequenas orquestras, querendo fazer uma pausa nos grandes salões. Em conjuntos chamados combos, esses músicos aderiam a um estilo swing, mas tinham liberdade para improvisar.

Cool jazz, hard bop, soul jazz e jazz-funk (décadas de 1940 a 1960)

Na década de 1950, um gênero musical como o jazz começou a se desenvolver em duas direções opostas. Os defensores da música clássica “esfriaram” o bebop, trazendo-o de volta à moda música acadêmica, polifonia, arranjo. O cool jazz tornou-se conhecido por sua contenção, secura e melancolia. Os principais representantes desta direção do jazz foram: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Mas a segunda direção, ao contrário, começou a desenvolver as ideias do bebop. O estilo hard bop pregava a ideia de retornar às raízes da música negra. Melodias folclóricas tradicionais, ritmos alegres e agressivos, solos explosivos e improvisação voltaram à moda. Conhecidos no estilo hard bop são: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Este estilo desenvolveu-se organicamente junto com soul jazz e jazz-funk. Esses estilos aproximaram-se do blues, tornando o ritmo um aspecto fundamental da performance. O jazz-funk, em particular, foi introduzido por Richard Holmes e Shirley Scott.