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REVOLUÇÃO CULTURAL Visava: A Revolução Cultural prevista: Na URSS na década de 1960. Século XX A Revolução Cultural ocorreu. O objetivo era: 1. Mudar a composição social da intelectualidade pós-revolucionária, 2. Romper com as tradições da herança cultural pré-revolucionária. A Revolução Cultural previu: 1. Eliminação do analfabetismo, 2. Criação de um sistema socialista de educação pública e esclarecimento, 3. Desenvolvimento da ciência, literatura e arte sob controle partidário.

Belas artes Na década de 1930, ocorreram mudanças significativas nas artes visuais. Apesar de a Parceria de Exposições Itinerantes e a União dos Artistas Russos continuarem a existir no país, novas associações surgem no espírito da época - a Associação de Artistas da Rússia Proletária, a Associação de Artistas Proletários, artista F. Shurpin 1930, artista G. Klutsis

Realismo socialista Em meados dos anos 30. O método do realismo socialista (a representação da realidade não como ela é, mas como deveria ser do ponto de vista dos interesses da luta pelo socialismo) foi declarado um método artístico geralmente obrigatório para a arte soviética. Os acontecimentos decisivos neste sentido foram a criação, em 1934, da União dos Escritores Soviéticos e uma série de campanhas ideológicas. Nikolaev K. "Colocando uma ferrovia em Magnitogorsk"

M. Grekov. "Trompetistas do Primeiro Exército de Cavalaria", 1934 Tikhova M. "Laboratório de escultura da fábrica de porcelana Lomonosov"

ARTE DE CARTAZ Durante o período da guerra civil e da intervenção, o cartaz político esteve completamente separado de outros tipos de grafismo artístico (publicidade, cartazes, desenhos políticos). O pôster é caracterizado por uma imagem visual marcante, resposta rápida e acessibilidade do conteúdo. Isto foi muito importante para um país onde a maior parte da população era analfabeta KUKRYNIKSY Efimov B., Ioffe M., 1936.

PINTURA DE CAVALETE A pintura de cavalete soviética anseia por formas e imagens monumentais e significativas. A pintura está se tornando cada vez mais ampla em termos de tema e menos incompleta em estilo. “Uma generalidade heróica penetra na pintura de cavalete” Um dos representantes mais significativos pintura de cavalete este período Boris Ioganson. Ele introduz “novos conteúdos revolucionários em sintonia com a época” em suas obras. Duas de suas pinturas são especialmente populares: “Interrogatório de Comunistas” (1933) e “Na Antiga Fábrica dos Urais” (1937). “Interrogatório de comunistas” “Na antiga fábrica dos Urais”

PINTURA MONUMENTAL Na década de 1990, a pintura monumental tornou-se parte obrigatória de todos cultura artística. Dependia do desenvolvimento da arquitetura e estava firmemente ligado a ela. As tradições pré-revolucionárias foram continuadas nesta época por Evgeniy Lanceray, que pintou o restaurante da estação ferroviária de Kazansky (1933), demonstrando seu desejo por uma forma barroca flexível. Deineka também deu uma grande contribuição à pintura monumental desta época. Seus mosaicos da estação Mayakovskaya (1938) foram criados em um estilo moderno: nitidez do ritmo, dinâmica dos pontos coloridos locais, energia dos ângulos, representação convencional de figuras e objetos. Favorsky, famoso artista gráfico, também deu uma contribuição à pintura monumental: aplicou seu sistema de construção de formas, desenvolvido em ilustração de livro, para novos desafios. Suas pinturas do Museu da Maternidade e da Infância Protetoras (1933, junto com Lev Bruni) mostram sua compreensão do papel do avião, a combinação de afrescos com arquitetura baseada na experiência da pintura russa antiga.

PAISAGEM Uma variedade de direções estilísticas é alcançada: Na década de 1960, a era do método bem fundamentado do realismo socialista na arte em geral, e na pintura em particular, começou na URSS. Uma variedade de direções estilísticas é alcançada: 1. Linha lírica pintura de paisagem, 2. Paisagem industrial.

Desenvolvimento do GÊNERO RETRATO retrato pitoresco no estilo da vanguarda da “primeira onda” havia se esgotado na década de 1930. EM gênero retrato As técnicas e estilísticas de uma solução realista para a imagem de um contemporâneo foram novamente procuradas, enquanto a função ideológica e propagandística do retrato foi declarada como uma das principais tarefas. M. Nesterov “Retrato do Acadêmico I.P Pavlov” 1930 Nesterov M. “Retrato dos artistas P.D. e A. D. Korinykh.", 1930

RESULTADO: Resultados das transformações dos primeiros anos Poder soviético no campo da cultura estavam longe de ser ambíguos. Por um lado, foram alcançados alguns sucessos na eliminação do analfabetismo, houve um aumento da atividade da intelectualidade criativa, que se expressou na organização de novas e no renascimento de velhas sociedades e associações, na criação de valores no campo de espiritual e cultura material. Por outro lado, a cultura passou a fazer parte da política estatal, ficando sob o controle do partido e do aparato governamental.

A composição profissional nos géneros concerto, filarmónica e teatro musical também sofreu alterações significativas na década de 30. Naturalmente, não podiam deixar de estar associados às transformações da vida social que levaram ao estabelecimento de um novo sistema estatal centralizado. Em 23 de abril de 1932, foi adotada uma resolução do Comitê Central do Partido Comunista Bolchevique de Toda a União “Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas”. Este documento do partido sublinhava que o quadro das organizações literárias e artísticas que surgiram na década de 1920 estava “a tornar-se estreito e a dificultar o alcance sério da criatividade artística”. Entre essas organizações liquidadas de acordo com a resolução do Comité Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de União estava também o RAPM, que há muito se transformou num grupo que colocava os interesses do seu “clã” acima da verdade. O texto do documento do partido apontava o perigo de transformar este tipo de associações “de um meio de maximizar a mobilização de escritores e artistas soviéticos em torno das tarefas de construção socialista num meio de cultivar o isolamento do círculo, a separação das tarefas políticas do nosso país”. época e de grupos significativos de escritores e artistas que simpatizam com a construção socialista”.

Apesar de o decreto de 23 de abril de 1932 ter efetivamente abolido o direito dos artistas de estabelecerem associações e associações livres, foi recebido com entusiasmo pela esmagadora maioria deles. Muitos deles esperavam por mudanças benéficas, pela abolição da discriminação anterior contra os chamados “companheiros de viagem” e aprovaram a ideia de se unirem em sindicatos criativos únicos baseados na filiação profissional. A própria ideia de igualdade em tais uniões para todos os mestres da arte, independentemente das suas posições artísticas e preferências estilísticas, parecia abrir, na sua implementação prática, amplas perspectivas para o livre desenvolvimento de indivíduos criativos sob uma condição indispensável - a sua apoio à construção socialista no país. Caso contrário, tudo parecia ficar ao critério dos próprios artistas, que escolhiam livremente os caminhos para alcançar a verdade na arte e os meios que utilizavam para resolver os problemas que se colocavam.

A associação organizacional dos trabalhadores criativos foi consolidada pela criação de sindicatos criativos unificados. Entre eles estava a União dos Compositores Soviéticos (mais tarde União dos Compositores da URSS) - uma associação de compositores e musicólogos criada em uma base comum base ideológica, então reconhecido por todos os sindicatos criativos. O Primeiro Congresso de Escritores de Toda a União, realizado em 1934 sob a liderança e com a participação ativa de A. M. Gorky, desempenhou um papel decisivo na sua aprovação. O método do realismo socialista tornou-se a base teórica para a consolidação das figuras criativas do país.
A essência do método foi formulada na Carta do Sindicato dos Escritores da URSS em 1934: “O realismo socialista exige do artista uma visão verdadeira e historicamente específica imagem artística realidade em seu desenvolvimento revolucionário." Esta fórmula, de facto, não implicava uma reflexão da vida na arte tal como ela é, nas suas complexas contradições, mas a construção de um modelo ideal, um modelo a seguir, a recriação da realidade como deveria ser para corresponder ao ideal stalinista do socialismo."

Desde as primeiras tentativas de compreender o processo artístico do ponto de vista do realismo socialista, surgiram dificuldades significativas. A prática viva não se enquadrava no leito de Procusto do método, por isso era necessário ajustar artificialmente as obras a critérios que adquiriram força de lei, ou separar completamente essas obras e seus criadores da arte soviética em geral. O dano irreparável causado pela introdução forçada deste método resultou das reivindicações dos seus seguidores a um monopólio. Além disso, ocorreu uma substituição significativa: o princípio do realismo foi proclamado em palavras, enquanto os seguidores do novo método criaram de fato um mito romântico com o mundo dual característico dos artistas românticos. Os horrores do velho mundo, que pareciam ser o foco de todos os vícios e opressões concebíveis perpetrados pelos que estavam no poder, foram combatidos pela elevada harmonia da nova sociedade de construtores e lutadores - cavaleiros sem medo ou censura. É claro que esse modelo nunca foi apresentado em sua pureza desanuviada nas criações mais talentosas, mas serviu como uma espécie de diretriz, um ideal pelo qual se deve lutar. Daí a insistente exigência de otimismo, otimismo sob comando, assim que a realidade soviética se tornou objeto de representação artística; daí a atitude desconfiada em relação ao tema trágico e aos artistas com uma visão de mundo trágica.

Na música, a inculcação do realismo socialista encontrou imediatamente dificuldades significativas. “O realismo socialista não é uma forma padrão pronta de criatividade musical”, escreveu o proeminente crítico soviético V. Gorodinsky “em seu encalço”. Este método, segundo o crítico, não limita em nada a iniciativa do artista e não é de forma alguma algo estabelecido de uma vez por todas, incapaz de se desenvolver, sempre e em toda parte igual. Mas o que exatamente a música deveria conter para atender aos critérios do método permaneceu obscuro. Não é por acaso que as conversas sobre a essência do realismo socialista na música logo desapareceram, e o assunto se limitou a simplesmente repetir a fórmula ritual sem tentar seriamente descobrir se ela era geralmente aplicável à arte das imagens sonoras entoadas.

Se passarmos à situação real que se desenvolveu em tipos diferentes arte dos anos 30, deve-se enfatizar que na literatura, nas artes plásticas, no teatro, no cinema - em todos os lugares surgiu um processo de relativa estabilização. Estava associado a um afastamento da estética dos anos 20, das tendências extremas da então vanguarda artística. Longe vão os símbolos dos cartazes, a propaganda direta de discursos destinados à oratória diante de pessoas que preenchem espaços abertos, assim como a prática de apresentações teatrais de massa desapareceu. Até os líderes das organizações proletárias apresentaram a palavra de ordem “homem vivo”, rejeitando os apelos à “demonização” ficção. Os movimentos experimentais, que eram agora vistos como uma expressão dos extremos esquerdistas e dos excessos estéticos burgueses, deram em nada. Foram alvo de críticas à escola formal da crítica literária - o rótulo de “formalismo” tornou-se durante muito tempo um meio comum de represália contra as áreas onde se colocava a tarefa de atualizar os meios linguísticos. A orientação para os clássicos passou a determinar o desenvolvimento de quase todas as manifestações da criatividade artística.

No entanto, seria um erro afirmar que a arte soviética dos anos 30 abandonou completamente qualquer busca ou definição de novas tarefas artísticas. Em várias obras, ambas as tendências anteriores fundiram-se harmoniosamente - o desenvolvimento da tradição clássica e a procura de uma nova linguagem em sintonia com a modernidade. Talvez esta combinação não tenha se manifestado em nenhum lugar com tanta clareza e perfeição artística como na música. Mas também afetou o desenvolvimento da arte teatral de forma bastante clara e perceptível. Na década de 30, o prestígio dos teatros acadêmicos aumentou significativamente, onde o Teatro de Arte de Moscou ganhou destaque: liderado por K. Stanislavsky e V. Nemirovich-Danchenko, apresentou uma série de performances marcantes, marcadas por uma interpretação inovadora dos clássicos. (“Anna Karenina” de L. Tolstoy, “A Escola do Escândalo” de R. Sheridan e outros). Mas o antigo antípoda do Teatro de Arte de Moscou, como longos anos O teatro de V. Meyerhold proclamou-se, voltou-se também para os clássicos e contribuiu para o renascimento de A. Ostrovsky, ao qual esteve associada a década de 30 (a produção da peça “A Floresta”).

1) Resolução do XVI Congresso do Partido Comunista de Toda a União /b/ “Sobre a introdução da educação primária obrigatória universal para todas as crianças na URSS” (1930); 2) A ideia apresentada por I. Stalin nos anos trinta de renovar o “pessoal económico” a todos os níveis, o que implicou a criação de academias industriais e universidades de engenharia em todo o país, bem como a introdução de condições que incentivassem os trabalhadores a receberem educação em cursos noturnos e por correspondência em universidades “sem separação da produção”.

Os primeiros projetos de construção do plano quinquenal, coletivização da agricultura, o movimento Stakhanov, conquistas históricas Ciência soviética e as técnicas foram percebidas, vivenciadas e refletidas na consciência pública na unidade de suas estruturas racionais e emocionais. Portanto, a cultura artística não poderia deixar de desempenhar um papel extremamente importante no desenvolvimento espiritual da sociedade socialista. Nunca no passado e em nenhum lugar do mundo as obras de arte tiveram um público tão amplo, tão massivo e verdadeiramente popular como no nosso país. Isto é eloquentemente evidenciado pelos números de frequência ao teatro, salas de concerto, Museus de arte e exposições, o desenvolvimento de uma rede de cinemas, a edição de livros e a utilização de fundos da biblioteca.

A arte oficial dos anos 30 e 40 era otimista e afirmativa, até mesmo eufórica. O principal tipo de arte que Platão recomendou para o seu “Estado” ideal foi incorporado na verdadeira sociedade totalitária soviética. Aqui devemos ter em mente a trágica inconsistência que se desenvolveu no país no período pré-guerra. Na consciência pública dos anos 30, a fé nos ideais socialistas e a enorme autoridade do partido começaram a ser combinadas com a “liderança”. A covardia social e o medo de sair da corrente dominante espalharam-se por amplos setores da sociedade. A essência da abordagem de classe dos fenômenos sociais foi fortalecida pelo culto à personalidade de Stalin. Os princípios da luta de classes também se refletem na vida artística do país.

Em 1932, na sequência da decisão do XVI Congresso do Partido Comunista da União /b/, várias associações criativas foram dissolvidas no país - Proletkult, RAPP, VOAPP. E em abril de 1934, foi inaugurado o Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União. No congresso, o Secretário do Comitê Central de Ideologia A.A. Jdanov, que delineou a visão bolchevique da cultura artística numa sociedade socialista. O “realismo socialista” foi recomendado como o “principal método criativo” da cultura soviética. O novo método prescrevia aos artistas tanto o conteúdo como os princípios estruturais da obra, sugerindo a existência de um “novo tipo de consciência” que emergiu como resultado do estabelecimento do marxismo-leninismo. O realismo socialista foi reconhecido de uma vez por todas como dado, o único método criativo verdadeiro e mais perfeito... A definição de Jdanov do realismo socialista baseou-se na definição de Stalin dos escritores como “engenheiros” em prol do pensamento técnico da época. almas humanas" Assim, a cultura artística e a arte foram dadas caráter instrumental, ou foi-lhe atribuído o papel de instrumento para a formação de um “homem novo”.

Contudo, a prática artística das décadas de 30 e 40 revelou-se muito mais rica do que as orientações partidárias preconizadas. No período pré-guerra, o papel da novela histórica, mostra um profundo interesse pela história da pátria e pelos personagens históricos mais marcantes. Daí toda uma série de obras históricas sérias: “Kyukhlya” de Yu Tynyanov, “Radishchev” de O. Forsh, “Emelyan Pugachev” de V. Shishkov, “Genghis Khan” de V. Yan, “Pedro, o Grande” de A. . Tolstoi.

Durante esses mesmos anos, a literatura infantil soviética floresceu. Suas grandes realizações foram poemas infantis de V. Mayakovsky, S. Marshak, K. Chukovsky, S. Mikhalkov, histórias de A. Gaidar, L. Kassil, V. Kaverin, contos de fadas de A. Tolstoy, Yu.

Na véspera da guerra, em fevereiro de 1937, o 100º aniversário da morte de A.S. Pushkin foi amplamente comemorado na União Soviética, em maio de 1938, o país celebrou não menos solenemente o 750º aniversário da criação do santuário nacional “O Conto; da Campanha de Igor”, e em março de 1940, a última parte do romance de M. Sholokhov “ Calma Don».

Desde os primeiros dias da Grande Guerra Patriótica, a arte soviética dedicou-se inteiramente à causa da salvação da Pátria. Figuras culturais lutaram com armas nas mãos nas frentes de guerra, trabalharam na imprensa da linha de frente e nas brigadas de propaganda.

A poesia e a canção soviética alcançaram um som extraordinário durante este período. A canção “Guerra Santa” de V. Lebedev, Kumach e A. Alexandrov tornou-se um verdadeiro hino da guerra popular. Letras militares de M. Isakovsky, S. Shchipachev, A. Tvardovsky, A. Akhmatova, A. Cyrikov, N. Tikhonov, O. Berggolts, B. Pasternak, K. Simonov foram criadas na forma de juramento, lamentação, maldição e apelo direto.

Durante os anos de guerra, foi criada uma das maiores obras do século XX - a 7ª sinfonia de D. Shostakovich. Certa vez, L. Beethoven gostava de repetir a ideia de que a música deveria acender o fogo do coração humano corajoso. Foram esses pensamentos que D. Shostakovich incorporou em sua obra mais significativa. D. Shostakovich começou a escrever a 7ª Sinfonia um mês após o início da Grande Guerra Patriótica e continuou seu trabalho em Leningrado, sitiada pelos nazistas. Junto com professores e alunos do Conservatório de Leningrado, foi cavar trincheiras e, como integrante do corpo de bombeiros, morou em quartel no prédio do conservatório. Na partitura original da sinfonia, são visíveis as marcas do compositor "VT" - que significa "aviso de ataque aéreo". Quando chegou, D. Shostakovich interrompeu seu trabalho na sinfonia e foi lançar bombas incendiárias do telhado do conservatório.

Os três primeiros movimentos da sinfonia foram concluídos no final de setembro de 1941, quando Leningrado já estava cercada e submetida a brutais bombardeios de artilharia e aéreos. O final vitorioso da sinfonia terminou em dezembro, quando as hordas fascistas estavam nos arredores de Moscou. “Dedico esta sinfonia à minha cidade natal, Leningrado, à nossa luta contra o fascismo, à nossa próxima vitória” - esta foi a epígrafe deste trabalho.

Em 1942, a sinfonia foi apresentada nos EUA e em outros países da coalizão antifascista. Arte musical o mundo inteiro não conhece outra composição que receberia uma resposta pública tão poderosa. “Defendemos a liberdade, a honra e a independência da nossa Pátria. Lutamos pela nossa cultura, pela ciência, pela arte, por tudo o que construímos e criamos”, escreveu D. Shostakovich naquela época.

Durante os anos de guerra, o drama soviético criou verdadeiras obras-primas artes teatrais. É sobre sobre as peças de L. Leonov “Invasão”, K. Simonov “Povo Russo”, A. Korneychuk “Frente”.

Durante os anos de guerra, os concertos da Orquestra Sinfônica Filarmônica de Leningrado sob a direção de E. Mravinsky, o Conjunto de Canção e Dança do Exército Soviético sob a direção de A. Alexandrov, o Russo coro folclórico eles. M. Pyatnitsky, solistas K. Shulzhenko, L. Ruslanova, A. Raikin, L. Utesov, I. Kozlovsky, S. Lemeshev e muitos outros.

No período pós-guerra, a cultura russa continuou a sua exploração artística de temas militares. O romance de A. Fadeev, “The Young Guard” e “The Tale of a Real Man”, de B. Polevoy, foram criados em base documental.

Na União Soviética humanidades Durante este período, novas abordagens de pesquisa começaram a ser desenvolvidas consciência pública. Isso se deve ao fato de o povo soviético começar a conhecer a cultura de outros países e a fazer contatos espirituais com todos os continentes.

4. Situação sociocultural dos anos 60-70 do século XX na Rússia Processo artístico Os anos 60-70 caracterizaram-se pela intensidade e dinamismo do seu desenvolvimento. Ele estava intimamente ligado a conhecidos processos sócio-políticos que ocorriam no país. Não é à toa que esta época é chamada de “degelo” político e cultural. A formação da cultura do “degelo” também foi muito influenciada pelo rápido desenvolvimento. científico-técnico progresso, que determinou muitos processos socioeconômicos deste período. Mudanças ecológicas na natureza, migração de um grande número de pessoas das aldeias para as cidades, complicação da vida e da vida cotidiana em cidades modernas levou a sérias mudanças na consciência e na moralidade das pessoas, que se tornaram objeto de representação na cultura artística. Na prosa de V. Shukshin, Y. Trifonov, V. Rasputin, Ch. Aitmatov, na dramaturgia de A. Vampilov, V. Rozov, A. Volodin, na poesia de V. Vysotsky, pode-se traçar o desejo de ver problemas complexos de tempo em histórias cotidianas.

Nos anos 60-70, o tema da Grande Guerra Patriótica começou a soar de uma nova forma na prosa e no cinema. Trabalhos de arte aqueles anos não apenas revelaram conflitos e eventos com mais ousadia última guerra, mas também concentraram sua atenção no destino de uma pessoa individual na guerra. Os romances e filmes mais verdadeiros foram escritos e dirigidos por escritores e diretores aqueles que conhecem a guerra da experiência pessoal. Estes são escritores de prosa - V. Astafiev, V. Bykov, G. Baklanov, V. Kondratiev, diretores de cinema G. Chukhrai, S. Rostotsky.

Um verdadeiro fenômeno da cultura soviética foi o nascimento durante o “degelo” do chamado “ prosa da aldeia" A sua manifestação não indica de forma alguma que houvesse necessidades artísticas especiais entre o campesinato, que diferiam significativamente das necessidades de outras camadas da sociedade soviética. O conteúdo da maioria das obras de V. Astafiev, V. Belov, F. Abramov, V. Rasputin e outros “trabalhadores da aldeia” não deixou ninguém indiferente, porque o discurso em

Eles estavam falando sobre problemas humanos universais.

Os “escritores da aldeia” não só registraram mudanças profundas na consciência e na moralidade do aldeão, mas também mostraram o lado mais dramático dessas mudanças, que afetaram a mudança na conexão das gerações, a transferência da experiência espiritual das gerações mais velhas para os mais jovens. A violação da continuidade das tradições levou à extinção das antigas aldeias russas com o seu modo de vida, língua e moralidade que se desenvolveram ao longo dos séculos. Um novo modo de vida rural, semelhante ao urbano, está sendo substituído. Como resultado disso, o conceito fundamental da vida na aldeia está mudando - o conceito de “casa”, no qual desde os tempos antigos o povo russo também incluiu o conceito de “pátria”, “ terra Nativa", "famílias". Através da compreensão do conceito de “casa”, percebeu-se uma ligação profunda entre as colônias. F. Abramov escreveu sobre isso com dor em seu romance “Home”; as histórias de V. Rasputin “Farewell to Matera” e “Fire” também são dedicadas a esse problema.

O problema da relação entre o homem e a natureza é um dos mais agudos problemas globais Século XX, recebeu seu significado artístico especial também nos anos 60-70. A utilização irracional dos recursos naturais, a poluição dos rios e lagos e a destruição das florestas têm sido as consequências mais graves do progresso científico e tecnológico. A natureza não resolvida destes problemas não poderia deixar de afectar mundo espiritual uma pessoa que testemunhou, e muitas vezes causou diretamente, uma violação do equilíbrio ecológico da natureza. A atitude cruel e consumista em relação à natureza deu origem à crueldade e à falta de espiritualidade nas pessoas. Exatamente problemas morais Em primeiro lugar, foi dedicado o filme panorâmico daqueles anos “By the Lake”, do realizador S. Gerasimov. Os anos sessenta revelaram à sociedade soviética o fenômeno da prosa de A. Solzhenitsyn. Foi nesse período que surgiram suas histórias “Um Dia na Vida de Ivan Denisovich” e “A Corte de Matrenin”, que se tornaram clássicos da dissidência daqueles anos. Uma verdadeira descoberta da cultura teatral da época foi a criação dos jovens estúdios de teatro “Sovremennik” e “Taganka”. Um fenômeno notável na vida artística daqueles anos foi a atividade da revista “Novo Mundo” sob a liderança de A. Tvardovsky.

Em geral, a cultura artística do “Degelo” foi capaz de colocar uma série de problemas prementes à sociedade soviética e tentou resolver esses problemas nas suas obras.

5. Cultura soviética Década de 80 do século XX A década de oitenta foi uma época em que a cultura artística se concentrou na ideia de arrependimento. O motivo do pecado universal, o cadafalso, força os artistas a recorrer a formas de pensamento artístico como parábolas, mitos e símbolos. Por sua vez, ao conhecer o romance “O Andaime” de Ch. Aitmatov e o filme “Arrependimento” de T. Abuladze, o leitor e o espectador raciocinaram, argumentaram e desenvolveram sua própria posição cívica.

A característica mais importante da situação artística dos anos oitenta é o surgimento de um poderoso fluxo de cultura artística “retornada”. Essa cultura foi compreendida e compreendida a partir das mesmas posições da moderna, ou seja, criada para o espectador, ouvinte,. leitor daqueles anos.

A cultura dos anos oitenta é caracterizada por uma tendência emergente de dar novo conceito o homem e o mundo, onde o universal humanístico é mais significativo que o sócio-histórico. De acordo com a variedade de estilos criativos, conceitos estéticos, predileções por um ou outro tradição artística, a cultura do final dos anos 80 e início dos anos 90 lembra o início do século 20 na cultura russa. Cultura doméstica como se estivesse a atingir um momento natural falhado do seu desenvolvimento (passado calmamente pela cultura da Europa Ocidental do século XX) e interrompido à força por conhecidos acontecimentos sócio-políticos no nosso país.

Assim, o problema central da cultura artística dos anos oitenta, associado à autoconsciência do indivíduo na sua relação com o mundo natural e o mundo das pessoas na expressão estilística, foi indicado por um movimento do psicologismo ao jornalismo, e depois ao mito, sintetizando os estilos de diferentes orientações estéticas.

Devido às especificidades História russa e, em particular, a presença na sociedade de estruturas socioeconómicas e camadas socioculturais fundamentalmente diferentes, a consciência da necessidade de transformação é, em regra, muito difícil. Klyuchevsky enfatizou que a peculiaridade dos países que ficam atrás das potências avançadas é que “a necessidade de reformas amadurece antes que as pessoas estejam maduras para a reforma”. Na Rússia, os primeiros a compreender a necessidade de reforma foram a intelectualidade ou representantes individuais da elite dominante, que experimentaram uma certa influência da cultura ocidental. No entanto, devido à inércia da esmagadora maioria da sociedade e à alienação do poder do Estado, as ideias reformistas, em regra, espalham-se de forma extremamente lenta. Isto, por sua vez, provocou frequentemente os seus apoiantes radicais a protestos antigovernamentais ou, pelo menos, a propaganda. A supressão destes movimentos (por exemplo, os dezembristas e populistas no século XIX, dissidentes nas décadas passadas) apenas causou uma reacção negativa e atrasou as reformas.

Ao mesmo tempo, a ideia da necessidade de reformas penetrou gradativamente na mente dos governantes, e foi o Estado quem iniciou as reformas. Assim, a posição do poder supremo: reis, imperadores, secretários gerais, e agora presidentes, foi de enorme e decisiva importância para o destino das transformações. Alguns deles estiveram entre os primeiros a realizar e iniciar reformas. Este, claro, é Pedro, o Grande, e em parte Alexandre I. No entanto, este último, talvez, como a sua avó Catarina II, não ousou, como Pedro I, colocar o seu próprio destino em risco e iniciar reformas radicais, quebrando a resistência e a apatia da elite dominante, sim e em grande medida - do povo.

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“Instrumentos musicais cazaques” - Mas o sherter era bem menor e tinha um som mais forte. Urano. Asyks foram colocados sob cada corda em ambos os lados. Nos tempos antigos, os instrumentos de percussão eram amplamente utilizados na vida dos cazaques. Scherter. Além dos sybyzgs de junco, havia também os de madeira. As cordas são afinadas por cravelhas e pela movimentação das arquibancadas.

“Jogos musicais” - . Ele não me deixou pular de linha em linha, disse: “A harmonia está sendo quebrada”. Alexander Sergeevich Pushkin. A professora apresenta o jogo às crianças, explicando a tarefa. Classificação dos jogos. Nas colheres: KNOCK - KNOCK - KNOCK. O inverno chegou à terra! Quando soava uma boa música, tanto o compositor quanto o poeta eram elogiados. compositor Johann Sebastian Bach.

Em 1934, no Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União, Maxim Gorky formulou os princípios básicos do realismo socialista como um método de literatura e arte soviética. Este momento marca o início nova era Arte soviética, com controle ideológico e esquemas de propaganda mais rígidos.

Princípios básicos:

• - Nacionalidade. Via de regra, os heróis das obras realistas socialistas eram trabalhadores urbanos e rurais, trabalhadores e camponeses, representantes da intelectualidade técnica e militares, bolcheviques e pessoas sem partido.
• - Ideologia. Mostrar a vida pacífica do povo, a busca de caminhos para uma vida nova e melhor, feitos heróicos para alcançar vida feliz para todas as pessoas.
• - Especificidade. Mostre o processo na realidade desenvolvimento histórico, que por sua vez deve corresponder à compreensão materialista da história (no processo de mudança das condições da sua existência, as pessoas também mudam a sua consciência e atitude perante a realidade circundante).

Nos anos que se seguiram a esta resolução do Comité Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de Toda a União sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas, foram realizados vários eventos importantes com o objetivo de desenvolver a arte na direção exigida pelo Estado. A prática está se expandindo ordens governamentais, viagens de negócios criativas, organização de exposições temáticas e de aniversário em grande escala. Artistas soviéticos criam muitas obras (painéis, monumentais, decorativas) para o futuro VDNH. Isto significou uma etapa importante no renascimento da arte monumental como uma arte independente. Nestas obras, tornou-se óbvio que o desejo da arte soviética pela monumentalidade não é acidental, mas reflecte “grandes perspectivas para o desenvolvimento da sociedade socialista”.

Em 1918, Lenin, numa conversa com K. Zetkin, definiu as tarefas da arte na sociedade soviética: “A arte pertence ao povo. Deve ter as suas raízes mais profundas nas profundezas das amplas massas trabalhadoras. Deve ser compreensível para essas massas e amado por elas. Deve unir o sentimento, o pensamento e a vontade destas massas, elevá-las. Deveria despertar os artistas neles e desenvolvê-los.”

Durante o período em análise, juntamente com as tendências artísticas já existentes, surgiram várias outras fundamentalmente novas, por exemplo, a vanguarda.

No quadro do estilo monumental maior interesse representa a escultura. Como todas as outras tendências da arte soviética, a escultura do período tinha orientação propagandística e conteúdo patriótico de temas. Grande importância O plano de Lenin para a propaganda monumental, adoptado em 1918, desempenhou um papel no desenvolvimento da escultura. De acordo com este plano, monumentos que promovessem novos valores revolucionários deveriam ser erguidos em todo o país. Escultores proeminentes foram contratados para o trabalho: N.A. Andreev (que mais tarde se tornou o criador da escultural Leniniana). Outro escultor proeminente deste período é Ivan Shadr. Em 1922, criou as estátuas “Trabalhador”, “Semeador”, “Camponês”, “Soldado do Exército Vermelho”. A singularidade de seu método é a generalização de uma imagem baseada em um enredo de gênero específico, escultura poderosa de volumes, expressividade de movimento e pathos romântico. Sua obra mais marcante é “O paralelepípedo é uma ferramenta do proletariado. 1905" (1927). No mesmo ano, no território da central hidroeléctrica do Cáucaso ZAGES, foi erguido por ele um monumento a Lenin - “um dos melhores”. Vera Mukhina desenvolveu-se como mestra também na década de 20. Nesse período, ela criou o projeto do monumento “Trabalho Liberado” (1920, não preservado), “Mulher Camponesa” (1927). De mais mestres maduros celebrar o trabalho de Sarra Lebedeva, que criou retratos. Na sua compreensão da forma, ela leva em consideração as tradições e a experiência do impressionismo. Alexander Matveev é caracterizado pela clareza clássica na compreensão da base construtiva da arte plástica, a harmonia das massas escultóricas e a relação dos volumes no espaço (“Mulher despindo-se”, “Mulher calçando sapato”), bem como o famoso “Outubro ”(1927), onde a composição inclui 3 homens nus as figuras são uma combinação das tradições clássicas e do ideal do “homem da Revolução” (atributos - martelo, foice, budenovka).

As formas de arte que podiam “viver” nas ruas desempenharam um papel vital nos primeiros anos após a revolução na “formação da consciência social e estética do povo revolucionário”. Portanto, junto com a escultura monumental, o cartaz político recebeu o desenvolvimento mais ativo. Acabou sendo a forma de arte mais móvel e operativa. Durante o período da Guerra Civil, este gênero foi caracterizado pelas seguintes qualidades: “nitidez na apresentação do material, reação instantânea a acontecimentos em rápida mudança, orientação propagandística, graças à qual foram formadas as principais características da linguagem plástica do cartaz . Acabou sendo laconicismo, imagens convencionais, clareza de silhueta e gestos. Os cartazes eram extremamente comuns e eram impressos grandes edições e estavam localizados em todos os lugares. Um lugar especial no desenvolvimento do cartaz é ocupado pelas Janelas da Sátira da ROSTA, nas quais Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich e Vladimir Mayakovsky desempenharam um papel de destaque. São cartazes estampados, pintados à mão e com inscrições poéticas sobre o tema do dia. Eles desempenharam um papel importante na propaganda política e se tornaram uma nova forma figurativa. A decoração artística de festivais é outro fenômeno novo da arte soviética que não tinha tradição. Os feriados incluíam os aniversários da Revolução de Outubro, 1º de maio, 8 de março e outros feriados soviéticos. Isto criou uma nova forma de arte não convencional, graças à qual a pintura adquiriu novos espaços e funções. Para as férias, foram criados painéis monumentais, caracterizados por um enorme pathos de propaganda monumental. Artistas criaram esboços para o desenho de praças e ruas.

As seguintes pessoas participaram da concepção destes feriados: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S.V.

A crítica de arte soviética dividiu os mestres da pintura soviética deste período em dois grupos:

• - artistas que procuraram capturar assuntos de uma forma familiar linguagem figurativa exibição factual;
• - artistas que utilizaram uma percepção mais complexa e figurativa da modernidade.

Criaram imagens simbólicas nas quais tentavam expressar a sua percepção “poética e inspirada” da época no seu novo estado. Konstantin Yuon criou uma das primeiras obras dedicadas à imagem da revolução (“Novo Planeta”, 1920, Galeria Tretyakov), onde o acontecimento é interpretado numa escala cósmica universal. Petrov-Vodkin em 1920 criou a pintura “1918 em Petrogrado (Madona de Petrogrado)”, resolvendo nela os problemas éticos e filosóficos da época. Arkady Rylov, como se acreditava, em sua paisagem “In the Blue Expanse” (1918) também pensa simbolicamente, expressando “o sopro livre da humanidade, irrompendo nas vastas extensões do mundo, nas descobertas românticas, nas experiências livres e fortes .”

Novas imagens também podem ser vistas nos gráficos. Nikolai Kupreyanov “procura expressar suas impressões sobre a revolução usando a complexa técnica da gravura em madeira” (“Carros Blindados”, 1918; “Aurora Volley”, 1920). Na década de 1930, a pintura monumental tornou-se um elemento indispensável de toda a cultura artística. Dependia do desenvolvimento da arquitetura e estava firmemente ligado a ela. As tradições pré-revolucionárias foram continuadas nesta época pelo ex-estudante do World of Art Evgeniy Lansere - a pintura do restaurante da estação ferroviária de Kazan (1933) demonstra seu desejo por uma forma barroca flexível. Ele rompe o plano do teto, expandindo o espaço para fora. Deineka, que também deu uma importante contribuição para a pintura monumental dessa época, trabalha de forma diferente. Seus mosaicos da estação Mayakovskaya (1938) foram criados em um estilo moderno: ritmo agudo, dinâmica de pontos coloridos locais, energia de ângulos, representação convencional de figuras e objetos. Os tópicos são principalmente esportes. Favorsky, famoso artista gráfico, também deu uma contribuição à pintura monumental: aplicou seu sistema de construção de formas, desenvolvido na ilustração de livros, a novas tarefas. Seus murais do Museu da Maternidade e da Infância (1933, junto com Lev Bruni) e da Casa dos Modelos (1935) mostram sua compreensão do papel do avião, a combinação de afrescos com arquitetura baseada na experiência da pintura russa antiga. (Ambas as obras não sobreviveram).

O construtivismo tornou-se o estilo dominante na arquitetura dos anos 20.

Os construtivistas tentaram usar novas capacidades técnicas para criar formas simples, lógicas e funcionalmente justificadas e estruturas expeditas. Exemplo de arquitetura Construtivismo soviético Os projetos dos irmãos Vesnin podem servir. O mais grandioso deles, o Palácio do Trabalho, nunca ganhou vida, mas teve uma influência significativa no desenvolvimento da arquitetura doméstica. Infelizmente, os monumentos arquitetônicos também foram destruídos: somente na década de 30. Em Moscou, a Torre Sukharev, a Catedral de Cristo Salvador, o Mosteiro dos Milagres no Kremlin, o Portão Vermelho e centenas de igrejas urbanas e rurais desconhecidas, muitas das quais de valor histórico e artístico, foram destruídas.

Devido à natureza política da arte soviética, muitas associações e grupos artísticos estão a ser criados com as suas próprias plataformas e manifestos. A arte estava em busca e era diversa. Os grupos principais foram AHRR, OST e “4 Arts”. A Associação de Artistas da Rússia Revolucionária foi fundada em 1922. O seu núcleo era constituído por antigos Itinerantes, cujo estilo teve grande influência na abordagem do grupo - a linguagem realista da escrita quotidiana dos falecidos Itinerantes, o “ir entre o povo” e as exposições temáticas. Além dos temas das pinturas (ditadas pela revolução), a AHRR caracterizou-se pela organização de exposições temáticas como “Vida e Vida dos Trabalhadores”, “Vida e Vida do Exército Vermelho”.

Os principais mestres e obras do grupo: Isaac Brodsky (“Discurso de Lenin na Fábrica Putilov”, “Lenin em Smolny”), Georgy Ryazhsky (“Delegado”, 1927; “Presidente”, 1928), retratista Sergei Malyutin (“Retrato de Furmanov”, 1922), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov (“Reunião da Célula da Aldeia”, 1924), Vasily Yakovlev (“O transporte está melhorando”, 1923), Mitrofan Grekov (“Tachanka”, 1925, mais tarde “Para o Kuban” e “Trompetistas do Primeiro Cavalo”, 1934). A Sociedade dos Pintores de Cavalete, fundada em 1925, incluía artistas com visões menos conservadoras em termos de pintura, principalmente alunos da VKHUTEMAS. Estes foram: Williams “A Revolta de Hamburgo”, Deineka (“Sobre a construção de novas oficinas”, 1925; “Antes de descer na mina”, 1924; “Defesa de Petrogrado”, 1928), Labas Luchishkin (“A bola voou longe”, “Eu amo a vida” "), Pimenov ("Indústria Pesada"), Tyshler, Shterenberg e outros. Eles apoiaram o slogan do renascimento e do desenvolvimento da pintura de cavalete, mas foram guiados não pelo realismo, mas pela experiência dos expressionistas contemporâneos. Entre os temas abordados estavam industrialização, vida urbana e esportes. A Four Arts Society foi fundada por artistas ex-membros do World of Art e da Blue Rose, que se preocupavam com a cultura e a linguagem da pintura. Os membros mais proeminentes da associação: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky e muitos outros mestres excepcionais. A sociedade caracterizava-se por uma formação filosófica com expressão plástica adequada. A Sociedade de Artistas de Moscou inclui ex-membros das associações “Pintores de Moscou”, “Makovets” e “Ser”, bem como membros do “Valete de Ouros”. Os artistas mais ativos: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Artistas criaram pinturas “temáticas” usando o “Bubnovo-Jack” desenvolvido e assim por diante. tendências da escola de vanguarda. A criatividade destes grupos foi um sintoma de que a consciência da geração mais velha de mestres tentava adaptar-se às novas realidades. Na década de 1920, foram realizadas duas exposições de grande porte que consolidaram as tendências - para o 10º aniversário da Revolução de Outubro e do Exército Vermelho, e também a “Exposição de Arte dos Povos da URSS” (1927).

A principal esfera de desenvolvimento da literatura na década de 20. XX. sem dúvida é poesia. Na forma, a vida literária permaneceu praticamente a mesma. Tal como no início do século, o tom foi dado pelos círculos literários, muitos dos quais sobreviveram aos tempos difíceis e sangrentos e continuaram a funcionar nos anos 20: simbolistas, futuristas, acmeístas, etc. agora ultrapassa os limites das esferas artísticas e muitas vezes adquire conotações políticas. Valor mais alto para o desenvolvimento da literatura existiram as associações RAPP, “Pereval”, “Serapion Brothers” e LEF.

A RAPP (Associação Russa de Escritores Proletários) tomou forma na Primeira Conferência Sindical de Escritores Proletários em 1925. Seus membros incluíam escritores (os mais famosos A. Fadeev e D. Furmanov) e críticos literários. O antecessor do RAPP foi o Proletkult, uma das organizações mais massivas fundada em 1917. Eles tratavam quase todos os escritores que não eram membros da sua organização como “inimigos de classe”. Entre os autores que foram atacados pelos membros da RAPP estavam não apenas A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, mas até mesmo “cantores da revolução” reconhecidos como M. Gorky e V. Mayakovsky. A oposição ideológica da RAPP foi grupo literário"Passar".

O grupo “Irmãos Serapion” foi criado em 1921 na Casa das Artes de Petrogrado. O grupo incluía escritores famosos como V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin e outros.

LEF – frente esquerda das artes. As posições dos membros desta organização (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein, etc.) são muito contraditórias. Combinando o futurismo com a inovação no espírito do proletkult, eles tiveram uma ideia muito fantástica de criar algum tipo de arte “industrial”, que deveria desempenhar uma função utilitária na sociedade, proporcionando uma atmosfera favorável à produção material. . A arte era considerada como elemento de construção técnica, sem qualquer subtexto, ficção de psicologismo, etc.

De grande importância para o desenvolvimento da literatura russa do século XX. jogado criatividade poética V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Bedny, poetas “camponeses”, o representante mais brilhante de quem Yesenin era amigo N.A. Klyuev. Uma página especial na história Literatura russa constitui obra de poetas e escritores que não aceitaram a revolução e foram obrigados a deixar o país. Entre eles estão nomes como M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Alguns deles, percebendo a impossibilidade de viver longe de sua terra natal, posteriormente retornaram (Tsvetaeva, Tolstoi). As tendências modernistas na literatura manifestaram-se na obra de E. I. Zamyatin, autor do romance distópico de ficção científica “Nós” (1924). Literatura satírica dos anos 20. apresentado por histórias de M. Zoshchenko; romances dos coautores I. Ilf (I. A. Fainzilberg) e E. Petrov (E. P. Kataev) “As Doze Cadeiras” (1928), “O Bezerro de Ouro” (1931), etc.

Na década de 30 Surgiram várias obras importantes que entraram na história da cultura russa. Sholokhov cria os romances “Quiet Don” e “Virgin Soil Upturned”. O trabalho de Sholokhov recebeu reconhecimento mundial: ele recebeu o Prêmio Nobel por suas realizações como escritor. Nos anos trinta, M. Gorky concluiu seu último romance épico, A Vida de Klim Samgin. O trabalho de N. A. Ostrovsky, autor do romance “Como o aço foi temperado” (1934), foi extremamente popular. A. N. Tolstoy (“Peter I” 1929-1945) tornou-se um clássico do romance histórico soviético. Os anos vinte e trinta foram o apogeu da literatura infantil. Várias gerações Povo soviético cresceu nos livros de K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V. P. Kataev.

Em 1928, perseguido pela crítica soviética, M. A. Bulgakov, sem qualquer esperança de publicação, começou a escrever seu melhor romance, “O Mestre e Margarita”. O trabalho no romance continuou até a morte do escritor em 1940. Este trabalho foi publicado apenas em 1966. No final da década de 80, foram publicadas as obras de A.P. Platonov (Klimentov) “Chevengur”, “Pit Pit”, “Juvenile Sea” . Os poetas A. A. Akhmatova e B. L. Pasternak trabalharam à mesa. O destino de Mandelstam (1891-1938) é trágico. Poeta de extraordinária força e grande precisão visual, esteve entre os escritores que, tendo aceitado em sua época Revolução de Outubro, não conseguia se dar bem na sociedade stalinista. Em 1938 ele foi reprimido.

Na década de 30. A União Soviética começa gradualmente a isolar-se do resto do mundo. Há muitos escritores russos por trás da Cortina de Ferro que, apesar de tudo, continuam a trabalhar. Um escritor de primeira grandeza foi o poeta e prosador Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Bunin não aceitou a revolução desde o início e emigrou para a França (a história “O Amor de Mitya”, o romance “A Vida de Arsenyev”, a coleção de contos “ Becos escuros"). Em 1933 ele recebeu o Prêmio Nobel.

No início dos anos 30. A existência de círculos e grupos criativos livres chegou ao fim. Em 1934, no Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União, foi organizada a “União dos Escritores”, na qual todas as pessoas envolvidas na trabalho literário. O Sindicato dos Escritores tornou-se um instrumento de controle total do governo sobre o processo criativo. Era impossível não ser membro da União, porque neste caso o escritor ficaria privado da oportunidade de publicar as suas obras e, além disso, poderia ser processado por “parasitismo”. M. Gorky esteve nas origens desta organização, mas sua presidência não durou muito. Após sua morte em 1936, A. A. Fadeev tornou-se o presidente. Além do “Sindicato dos Escritores”, foram organizados outros sindicatos “criativos”: “Sindicato dos Artistas”, “Sindicato dos Arquitetos”, “Sindicato dos Compositores”. Um período de uniformidade estava começando na arte soviética.

A revolução desencadeou poderosas forças criativas. Isso também afetou o desenvolvimento da arte teatral nacional. Muitos grupos de teatro surgiram. Um papel importante no desenvolvimento da arte teatral foi desempenhado pelo Teatro Dramático Bolshoi em Leningrado, cujo primeiro diretor artístico foi A. Blok, o teatro que leva o nome. V. Meyerhold, teatro que leva seu nome. E. Vakhtangov, Teatro de Moscou em homenagem. Mossovet.

Em meados da década de 20, assistiu-se ao surgimento do drama soviético, que teve um enorme impacto no desenvolvimento da arte teatral. Os maiores eventos das temporadas teatrais de 1925-1927. aço “Tempestade” de V. Bill-Belotserkovsky no teatro. MGSPS, “Yarovaya Love” de K. Trenev no Maly Theatre, “Fracture” de B. Lavrenev no Theatre. E. Vakhtangov e no Teatro Dramático Bolshoi, “Trem Blindado 14-69” de V. Ivanov no Teatro de Arte de Moscou. Os clássicos ocuparam lugar de destaque no repertório teatral. Tentativas de uma nova leitura dele foram feitas como teatros acadêmicos(“Coração Quente” de A. Ostrovsky no Teatro de Arte de Moscou) e “esquerda” (“A Floresta” de A. Ostrovsky e “O Inspetor Geral” de N. Gogol no Teatro V. Meyerhold).

Se teatros dramáticos Ao final da primeira década soviética, seu repertório foi reestruturado, mas os clássicos continuaram a ocupar o lugar principal nas atividades dos grupos de ópera e balé. O único grande sucesso em refletir um tema moderno foi a produção do balé “Red Poppy” (“Flor Vermelha”) de R. Glier. L.V. se apresentou na Europa Ocidental e na América. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, trupe do Teatro de Arte de Moscou, Teatro de Câmara, Estúdios com o nome. E. Vakhtangov, Quarteto de instrumentos russos antigos

A vida musical do país naqueles anos está associada aos nomes de S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky e outros jovens maestros E. Mravinsky, B. Khaikin. veio à tona. Foram criados conjuntos musicais que mais tarde glorificaram o nacional cultura musical: Quarteto com o nome. Beethoven, Grande Estado Orquestra Sinfónica, Orquestra Filarmônica do Estado, etc. Em 1932, foi formada a União dos Compositores da URSS.

Junto com os atores da geração mais velha (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova), está surgindo um novo teatro revolucionário. A busca por novas formas de expressão cênica é característica do teatro que funcionou sob a liderança de V. E. Meyerhold (hoje Teatro Meyerhold). As peças de V. Mayakovsky “Mystery-bouffe” (1921), “The Bedbug” (1929), etc. foram encenadas no palco deste teatro. Uma importante contribuição para o desenvolvimento do teatro foi feita pelo diretor do teatro. 3º estúdio do Teatro de Arte de Moscou E. B. Vakhtangov; organizador e diretor do Teatro de Câmara, reformador das artes cênicas A. Ya.

Um dos fenômenos mais importantes e interessantes da história da cultura dos anos 20. foi o início do desenvolvimento do cinema soviético. A produção de documentários está se desenvolvendo, tornando-se uma das ferramentas mais eficazes de luta e agitação ideológica, junto com os cartazes. Um marco importante no desenvolvimento dos longas-metragens foi o filme de Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) “Battleship Potemkin” (1925), considerado uma das obras-primas do mundo. Simbolistas, futuristas, impressionistas, imagistas, etc. foram alvo de uma enxurrada de críticas. Foram acusados ​​de “peculiaridades formalistas”, de que a sua arte não era necessária ao povo soviético, de que era hostil ao socialismo. Entre os “alienígenas” estavam o compositor D. Shostakovich, o diretor S. Eisenstein, os escritores B. Pasternak, Y. Olesha e outros.

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