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Resolvi fazer uma seleção de holandeses que, na minha opinião, são famosos no mundo todo...

Então vamos começar:

Ah, sim, em primeiro lugar, claro - Vicente Van Gogh, não reconhecido durante sua vida, mas amado pelo mundo moderno por suas cores vivas e simplicidade imaginária. Até o momento isso é o mais artista popular entre ladrões.

Rembrandt van Rijn- grande pintor e gravador holandês. Uma de suas pinturas mais famosas é A Ronda Noturna, a pintura tem fama de ser misteriosa. Críticos de arte e amantes da arte têm coçado a cabeça com esta pintura há séculos. Assim, um venerável historiador de arte holandês do início do século XIX levou anos para provar que o destacamento vai desfilar por ocasião da chegada da rainha francesa Maria de Médicis a Amsterdã em 1639. O mais fascinante entre os mistérios do “Relógio ”é a imagem de uma garota estranha em uma roupa dourada... Os holandeses modernos amam e reverenciam muito este artista... Desde o início do século 20, tem sido seguida uma política de devolução das pinturas deste artista ao sua terra natal.

Johannes Vermeer de Delft. Ele viveu pouco tempo, escreveu pouco e foi descoberto tarde. A obra mais famosa e "turística" de Vermeer é "Garota com Brinco de Pérola", de propriedade do Museu de Haia. A maioria das pinturas de Vermeer pertence a museus e colecionadores particulares nos Estados Unidos. Não existe uma única obra deste artista holandês na Rússia.

Ana Frank– O diário da holandesa Anne Frank é um dos documentos mais famosos e impressionantes sobre as atrocidades nazistas. Anna manteve um diário de 12 de junho de 1942 a 1º de agosto de 1944. No início, ela escrevia apenas para si mesma, até que, na primavera de 1944, ouviu um discurso no rádio do Ministro da Educação da Holanda, Bolkenstein. Ele disse que todas as evidências dos holandeses durante o período de ocupação deveriam se tornar propriedade pública. Impressionada com essas palavras, Anna decidiu, após a guerra, publicar um livro baseado em seu diário.

Paulo Verhoeven- famoso diretor holandês. Criador de filmes como: o fantástico filme de ação "RoboCop" (1987), que arrecadou mais de 50 milhões de dólares de bilheteria, o superfilme de ação "Total Recall" (1990) com Arnold Schwarzenegger em papel de liderança. O maior sucesso era esperado no thriller cult Instinto Selvagem (1992), estrelado por Sharon Stone e Michael Douglas. O drama erótico Showgirls (1995), que Verhoeven filmou depois disso, foi um fracasso total de bilheteria. O diretor conseguiu “reabilitar-se” parcialmente filmando o filme de ação de ficção científica “Starship Troopers” (1997). O thriller de ficção científica “O Homem Invisível” (2000) também teve sucesso parcial, após o lançamento do qual Verhoeven fez uma pausa criativa de seis anos.

Mata Hari- a principal cortesã da espionagem mundial. Margaretha Gertrude Zelle se casou com Rudolf McLeod, de 38 anos. O casal, cuja diferença de idade era de 20 anos, se conheceu por meio de um anúncio de jornal: o solitário policial McLeod queria uma comunicação romântica com o sexo oposto, e foi ele quem Margareta escolheu como objeto de paixão. Porém, algum tempo depois do casamento e da mudança para a ilha de Java, Margareta desiludiu-se com o seu escolhido: um holandês de origem escocesa, McLeod, sofria de alcoolismo, descontou toda a sua raiva e insatisfação nos assuntos militares na esposa e nos dois filhos e também mantinha amantes. O casamento estava fracassando e Margareta concentrou-se no estudo das tradições indonésias, em particular das danças nacionais locais. Segundo a lenda, foi em 1897 que ela começou a se apresentar sob o pseudônimo de Mata Hari, que em malaio significa “sol” (“mata” - olho, “hari” - dia, literalmente “olho do dia”). A partir daí começa a transformação em espião...

Armin Van Buren– Para todos os fãs de música eletrônica, o nome do holandês Armin van Buuren é o nome de uma verdadeira lenda. E isso não é um exagero. É realmente difícil superestimar a importância deste músico, DJ e personalidade simplesmente excepcionalmente enérgica para toda a indústria do trance.

Tiësto– Nome verdadeiro: Thijs Vervest. Tiesto é o DJ número 2 do mundo (e muitas vezes o número 1 na lista da DJMag). Tiësto quebrou o recorde mundial de consumo de Red Bull em 24 horas, conseguiu beber 31 latas – quase o dobro da dose letal, mas não quer mais tomar.

Dirk Nicholas Advogado– Futebolista (meio-campista) e treinador de futebol holandês, ex-técnico das seleções dos Países Baixos, Emirados Árabes Unidos, Coreia do Sul, Bélgica, Rússia, bem como Zenit de São Petersburgo, Rangers e outros clubes. Depois de vencer o Campeonato Russo de Futebol de 2007 com o Zenit, Advocaat tornou-se o primeiro treinador estrangeiro a vencer este torneio. Em 28 de maio de 2008, Dick Advocaat recebeu o título de cidadão honorário de São Petersburgo. Além disso, para isso, o parlamento da cidade teve que emitir uma lei especial para o treinador pessoalmente, uma vez que a lei de São Petersburgo “Sobre o título de “Cidadão Honorário de São Petersburgo” não permitia que Dick Advocaat recebesse o título de cidadão honorário “em uma base geral”.

Benedito Spinoza- Filósofo racionalista holandês, naturalista, um dos principais representantes da filosofia moderna. Ele nasceu em uma família judia, mas os judeus o excomungaram. Os cristãos o odiavam igualmente. Embora a ideia de Deus domine toda a sua filosofia, os clérigos o acusaram de ateísmo. Os anos de vida de Spinoza coincidiram com o início da era moderna. Em sua obra, realizou uma síntese das ideias científicas do Renascimento com a filosofia grega, estóica, neoplatônica e escolástica.

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Pintura holandesa antiga(raramente Antiga pintura holandesa) - uma das etapas do Renascimento do Norte, época da pintura holandesa e, em particular, flamenga, que abrange cerca de um século na história da arte europeia, a partir do segundo quartel do século XV. A arte gótica tardia foi substituída nesta época pelo início da Renascença. Se o gótico tardio, tendo surgido na França, criou linguagem universal forma artística, para a qual também contribuíram muitos mestres holandeses da pintura, então, durante o período descrito no território dos Países Baixos, formou-se uma escola de pintura independente claramente reconhecível, caracterizada por maneira realista cartas, que encontrou sua expressão principalmente no gênero do retrato.

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  Desde o século XIV, estes territórios sofreram mudanças culturais e sociológicas: os mecenas seculares substituíram a igreja como principal cliente de obras de arte. A Holanda, como centro de arte, começou a ofuscar a arte gótica tardia na corte francesa.

  Os Países Baixos também estavam ligados à França pela dinastia comum da Borgonha, portanto os flamengos, valões e Artistas holandeses eles facilmente encontraram trabalho na França nas cortes de Anjou, Orleans, Berry e no próprio rei francês. Mestres excepcionais Gótico Internacional, os irmãos Limburg de Geldern eram essencialmente artistas franceses. Com raras exceções na pessoa de Melchior Bruderlam, apenas pintores de categoria inferior permaneceram em sua terra natal, a Holanda.

  Nas origens da pintura holandesa, entendida em no sentido estrito, está Jan van Eyck, que em 1432 concluiu o trabalho em sua principal obra-prima - o Retábulo de Gante. Os contemporâneos também consideraram as obras de Jan van Eyck e outros Artistas flamengos“nova arte”, algo completamente novo. Cronologicamente, a pintura holandesa antiga desenvolveu-se aproximadamente ao mesmo tempo que o Renascimento italiano.

  Com o advento do retrato, um tema secular e individualizado tornou-se pela primeira vez o motivo principal da pintura. As pinturas de gênero e as naturezas mortas só surgiram na arte durante o período barroco holandês do século XVII. O caráter burguês da pintura holandesa inicial fala do advento do Novo Tempo. Cada vez mais, os clientes, além da nobreza e do clero, eram a nobreza rica e os comerciantes. O homem nas pinturas não era mais idealizado. Pessoas reais com todas as suas deficiências humanas aparecem diante do espectador. Rugas, bolsas sob os olhos - tudo foi retratado naturalmente na foto, sem enfeites. Os santos já não viviam exclusivamente nas igrejas; eles também entravam nas casas das pessoas da cidade.

  Artistas

  Um dos primeiros representantes de novas visões artísticas, junto com Jan van Eyck, é considerado o mestre de Flemal, atualmente identificado como Robert Campin. A sua principal obra é o retábulo (ou tríptico) da Anunciação (outro nome: retábulo da família Merode; c. 1425), hoje conservado no Cloisters Museum de Nova Iorque.

  Já por muito tempo O próprio fato da existência do irmão de Jan van Eyck, Hubert, é questionado. Últimas pesquisas mostrou que Hubert van Eyck, mencionado apenas em algumas fontes, era apenas um artista medíocre da escola de Ghent, que não tinha família nem qualquer outro relacionamento com Jan van Eyck.

  O aluno de Kampen é considerado Rogier van der Weyden, que provavelmente participou do trabalho do tríptico de Merode. Por sua vez, ele influenciou Dirk Bouts e Hans Memling. O contemporâneo de Memling foi Hugo van der Hus, mencionado pela primeira vez em 1465.

  Desta série, o mais proeminente artista misterioso desta vez Hieronymus Bosch, cuja obra ainda não recebeu uma interpretação inequívoca.

  Ao lado destes grandes mestres, merecem menção os primeiros artistas holandeses como Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden e Quentin Massys.

  Um fenômeno marcante foi o trabalho dos artistas de Leiden: Cornelis Engelbrechtsen e seus alunos Artgen van Leyden e Lucas van Leyden.

  Apenas uma pequena fração das obras dos primeiros artistas holandeses sobreviveu até hoje. Inúmeras pinturas e desenhos foram vítimas da iconoclastia durante a Reforma e as guerras. Além disso, muitas obras foram seriamente danificadas e requerem restaurações dispendiosas. Algumas obras sobreviveram apenas em cópias, enquanto a maioria se perdeu para sempre.

  O trabalho dos primeiros holandeses e flamengos é apresentado nos maiores museus de arte do mundo. Mas alguns altares e pinturas ainda estão em seus lugares antigos - em igrejas, catedrais e castelos, como o Retábulo de Gante na Catedral de São Bavo, em Gante. No entanto, agora você só pode vê-lo através de um vidro blindado grosso.

  Influência

  Itália

  No berço da Renascença, a Itália, Jan van Eyck era altamente respeitado. Poucos anos após a morte do artista, o humanista Bartolomeo Fazio chegou a ligar para van Eyck "príncipe entre os pintores do século".

  Enquanto Mestres italianos Eles usaram meios matemáticos e geométricos complexos, em particular o sistema de perspectiva, os flamengos conseguiram exibir corretamente a “realidade” sem, ao que parece, muita dificuldade. A ação nas pinturas não acontecia mais, como no gótico, simultaneamente no mesmo palco. As instalações são representadas de acordo com as leis da perspectiva e as paisagens não são mais um fundo esquemático. Um fundo amplo e detalhado leva o olhar ao infinito. Roupas, móveis e acessórios foram exibidos com precisão fotográfica.

  Espanha

  A primeira evidência da difusão das técnicas de pintura do norte em Espanha encontra-se no reino de Aragão, que incluía Valência, Catalunha e as Ilhas Baleares. O rei Alfonso V enviou seu artista da corte, Louis Dalmau, para Flandres em 1431. Em 1439, o artista de Bruges Louis Alimbrot mudou-se para Valência com a sua oficina ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck provavelmente visitou Valência já em 1427 como parte de uma delegação da Borgonha.

  Valência, naquela época um dos centros mais importantes do Mediterrâneo, atraiu artistas de toda a Europa. Além das tradicionais escolas de arte do “estilo internacional”, havia oficinas trabalhando tanto em flamengo como em estilo italiano. Aqui se desenvolveu a chamada direção de arte “espanhola-flamenga”, cujos principais representantes são Bartolome Bermejo.

  Os reis castelhanos possuíam vários trabalho famoso Rogier van der Weyden, Hans Memling e Jan van Eyck. Além disso, o artista visitante Juan de Flandes (“Jan de Flandres”, sobrenome desconhecido) tornou-se o pintor de retratos da corte da Rainha Isabel, que lançou as bases da escola realista de retratos da corte espanhola.

  Portugal

  Uma escola independente de pintura surgiu em Portugal na segunda metade do século XV, na oficina lisboeta do artista da corte Nuno Gonçalves. A obra deste artista está em completo isolamento: parece não ter tido antecessores nem seguidores. A influência flamenga é sentida particularmente em seu políptico "São Vicente" Jan van Eyck e seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlim 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jacob Friedlander: Altniederlandische Malerei. 14 Bde. Berlim 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung e Wesen.Übersetzt und hrsg. de Jochen Sander e Stephan Kemperdick. Colônia 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Original: Pintura holandesa antiga. 2 Bde. Cambridge (Mass.) 1953)
• Otto Pächt: Van Eyck, o Begründer do Altniederländischen Malerei. Munique 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederlandische Malerei. Von Rogier van der Weyden é Gerard David. Hora. por Monika Rosenauer. Munique 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle e Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norberto Lobo: Trecento e Altniederlandische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Os Países Baixos são uma região histórica que ocupa parte das vastas planícies da costa norte da Europa, desde o Golfo da Finlândia até ao Canal da Mancha. Atualmente, este território inclui os estados dos Países Baixos (Holanda), Bélgica e Luxemburgo.
Após o colapso do Império Romano, os Países Baixos tornaram-se um conjunto heterogêneo de grandes e pequenos estados semi-independentes. Os mais significativos entre eles foram o Ducado de Brabante, os condados de Flandres e Holanda e o Bispado de Utrecht. No norte do país a população era maioritariamente alemã - frísios e holandeses; no sul predominavam os descendentes de gauleses e romanos - flamengos e valões.
Os holandeses trabalharam desinteressadamente com seu talento especial de “fazer as coisas mais chatas sem tédio”, como disse o historiador francês Hippolyte Taine sobre esse povo, totalmente dedicado à vida cotidiana. Eles não conheciam a poesia sublime, mas reverenciavam com ainda mais reverência as coisas mais simples: uma casa limpa e confortável, uma lareira quente, uma comida modesta, mas saborosa. O holandês está habituado a ver o mundo como casa enorme, em que ele é chamado a manter a ordem e o conforto.

Principais características da arte renascentista holandesa

Comum à arte do Renascimento na Itália e nos países da Europa Central é o desejo de uma representação realista do homem e do mundo que o rodeia. Mas estes problemas foram resolvidos de forma diferente devido às diferenças na natureza das culturas.
Para os artistas italianos do Renascimento, era importante generalizar e criar uma imagem ideal, do ponto de vista do humanismo, de uma pessoa. A ciência desempenhou um papel importante para eles - os artistas desenvolveram teorias de perspectiva e a doutrina das proporções.
Os artesãos holandeses foram atraídos pela diversidade da aparência individual das pessoas e pela riqueza da natureza. Eles não buscam criar uma imagem generalizada, mas transmitem o que é característico e especial. Os artistas não usam teorias de perspectiva e outras, mas transmitem a impressão de profundidade e espaço, efeitos ópticos e a complexidade das relações de luz e sombra através de observação cuidadosa.
Caracterizam-se pelo amor à sua terra e pela atenção incrível a todas as pequenas coisas: à sua natureza nativa do Norte, às peculiaridades da vida quotidiana, aos detalhes do interior, aos trajes, à diferença de materiais e texturas...
Artistas holandeses reproduzem com extremo cuidado os mínimos detalhes e recriar uma riqueza cintilante de cores. Estes novos problemas de pintura só poderiam ser resolvidos com a ajuda de uma nova técnica de pintura a óleo.
A descoberta da pintura a óleo é atribuída a Jan van Eyck. A partir de meados do século XV, esta nova “maneira flamenga” substituiu a antiga técnica da têmpera na Itália. Não é por acaso que nos altares holandeses, que são um reflexo de todo o Universo, você pode ver tudo o que o compõe - cada folha de grama e árvore da paisagem, detalhes arquitetônicos de catedrais e casas da cidade, pontos de ornamentos bordados nas vestes dos santos, bem como em uma série de outros detalhes muito pequenos.

A arte do século XV é a época de ouro da pintura holandesa.
Seu representante mais brilhante Jan Van Eyck. OK. 1400-1441.
O maior mestre da pintura europeia:
abriu uma nova era com sua criatividade Início da Renascença na arte holandesa.
Ele era o artista da corte do duque da Borgonha, Filipe, o Bom.
Foi um dos primeiros a dominar as capacidades plásticas e expressivas da pintura a óleo, utilizando finas camadas transparentes de tinta colocadas umas sobre as outras (o chamado estilo flamengo de pintura transparente multicamadas).

A maior obra de Van Eyck foi o Retábulo de Gante, que ele executou junto com seu irmão.
O Retábulo de Gante é um grandioso políptico de várias camadas. Sua altura na parte central é de 3,5 m, largura quando aberta é de 5 m.
Do lado de fora do altar (quando está fechado) está o ciclo diário:
- na linha inferior estão representados os doadores - o citadino Jodok Veidt e sua esposa, rezando diante das estátuas dos Santos João Batista e João Evangelista, padroeiros da igreja e da capela.
- acima está a cena da Anunciação, com as figuras da Mãe de Deus e do Arcanjo Gabriel separadas pela imagem de uma janela de onde emerge a paisagem da cidade.

O ciclo festivo está representado no interior do altar.
Quando as portas do altar se abrem, uma transformação verdadeiramente impressionante ocorre diante dos olhos do espectador:
- o tamanho do políptico é duplicado,
- a imagem da vida cotidiana é instantaneamente substituída pelo espetáculo do paraíso terrestre.
- os armários apertados e sombrios desaparecem, e o mundo parece se abrir: a ampla paisagem se ilumina com todas as cores da paleta, luminosas e frescas.
A pintura do ciclo festivo é dedicada ao tema, raro nas belas-artes cristãs, do triunfo do mundo transformado, que deverá vir depois do Juízo Final, quando o mal será finalmente derrotado e a verdade e a harmonia serão estabelecidas na terra.

Na linha superior:
- na parte central do altar, Deus Pai é representado sentado em um trono,
- a Mãe de Deus e João Batista estão sentados à esquerda e à direita do trono,
- então em ambos os lados há anjos cantando e tocando música,
- as figuras nuas de Adão e Eva fecham a fila.
A linha inferior de pinturas retrata uma cena de adoração ao Divino Cordeiro.
- no meio da campina ergue-se um altar, sobre ele está um Cordeiro branco, o sangue escorre de seu peito perfurado para um cálice
- mais perto do observador há um poço de onde flui água viva.












Jerônimo Bosch (1450 - 1516)
A conexão de sua arte com tradições folclóricas, folclore.
Em suas obras, ele combinou intrinsecamente as características da ficção medieval, do folclore, das parábolas filosóficas e da sátira.
Ele criou composições religiosas e alegóricas com várias figuras, pinturas sobre temas de provérbios populares, ditados e parábolas.
As obras de Bosch estão repletas de inúmeras cenas e episódios, imagens e detalhes vívidos e bizarros-fantásticos, cheios de ironia e alegoria.

O trabalho de Bosch teve uma enorme influência no desenvolvimento de tendências realistas na pintura holandesa do século XVI.
Composição “Tentação de S. Anthony" é um dos mais famosos e obras misteriosas artista. A obra-prima do mestre foi o tríptico “O Jardim das Delícias”, uma alegoria intrincada que recebeu muitas interpretações diferentes. No mesmo período, foram publicados os trípticos “O Juízo Final”, “Adoração dos Magos”, composições “S. João em Patmos", "João Batista no Deserto".
O período tardio da obra de Bosch inclui o tríptico “Céu e Inferno”, as composições “O Vagabundo”, “Carregando a Cruz”.

A maioria das pinturas de Bosch de seu período maduro e tardio são grotescas bizarras contendo profundas conotações filosóficas.


O grande tríptico “Hay Wagon”, muito apreciado por Filipe II de Espanha, remonta ao período maduro de criatividade do artista. No centro composição do altar Provavelmente reside o velho provérbio holandês: “O mundo é um palheiro e todos tentam tirar dele o máximo que podem”.


Tentação de S. Antônia. Tríptico. Parte central Madeira, óleo. 131,5 x 119 cm (parte central), 131,5 x 53 cm (folha) Museu Nacional Arte antiga, Lisboa
Jardim das Delícias. Tríptico. Por volta de 1485. Parte central
Madeira, óleo. 220 x 195 cm (parte central), 220 x 97 cm (folha) Museu do Prado, Madrid



Arte holandesa do século XVI. marcado pelo surgimento do interesse pela antiguidade e pelas atividades dos mestres do Renascimento italiano. No início do século surgiu um movimento baseado na imitação dos modelos italianos, denominado “Romanismo” (de Roma, nome latino para Roma).
O auge da pintura holandesa na segunda metade do século foi a criatividade Pieter Bruegel, o Velho. 1525/30-1569. Apelidado de Muzhitsky.
Ele criou uma arte profundamente nacional baseada nas tradições holandesas e no folclore local.
Desempenhou um papel importante na formação do gênero camponês e da paisagem nacional.Na obra de Bruegel, o humor folclórico áspero, o lirismo e a tragédia, os detalhes realistas e o grotesco fantástico, o interesse pela narrativa detalhada e o desejo de ampla generalização estão intrinsecamente interligados.


Nas obras de Bruegel há uma proximidade com as performances moralizantes do teatro popular medieval.
O duelo do bobo da corte entre Maslenitsa e a Quaresma é uma cena comum em apresentações justas realizadas na Holanda durante os dias de despedida de inverno.
Em todos os lugares a vida está a todo vapor: há dança de roda, aqui lavam janelas, uns jogam dados, outros negociam, alguém pede esmola, alguém é levado para ser enterrado...


Provérbios. 1559. A pintura é uma espécie de enciclopédia do folclore holandês.
Os personagens de Bruegel conduzem-se pelo nariz, sentam-se entre duas cadeiras, batem a cabeça na parede, ficam pendurados entre o céu e a terra... O provérbio holandês “E há rachaduras no telhado” tem um significado próximo do russo “E as paredes têm ouvidos.” O holandês “jogar dinheiro na água” significa o mesmo que o russo “desperdiçar dinheiro”, “jogar dinheiro no ralo”. Todo o quadro é dedicado ao desperdício de dinheiro, energia e de toda a vida - aqui eles cobrem o telhado com panquecas, atiram flechas no vazio, tosquiam porcos, se aquecem com as chamas de uma casa em chamas e confessam o diabo.


A terra inteira tinha uma língua e um dialeto. Movendo-se do leste, encontraram uma planície na terra de Sinar e estabeleceram-se ali. E disseram uns aos outros: “Vamos fazer tijolos e queimá-los no fogo”. E usaram tijolos em vez de pedras e alcatrão em vez de cal. E eles disseram: “Vamos construir para nós uma cidade e uma torre cuja altura chegue até o céu, e fazer um nome para nós mesmos antes de sermos espalhados pela face da terra. E o Senhor desceu para ver a cidade e a torre que os filhos dos homens estavam construindo. E o Senhor disse: “Eis que há um povo, e todos eles têm uma língua, e foi isso que começaram a fazer, e não desistirão do que planejaram fazer. Desçamos e confundamos ali a língua deles, para que um não entenda a fala do outro.” E o Senhor os espalhou dali por toda a terra; e pararam de construir a cidade e a torre. Por isso, lhe foi dado o nome: Babilônia, pois ali o Senhor confundiu a língua de toda a terra, e dali o Senhor os espalhou por toda a terra (Gênesis, capítulo 11). Em contraste com a agitação colorida das primeiras obras de Bruegel, esta pintura surpreende o espectador com sua calma. A torre retratada na imagem lembra o anfiteatro romano Coliseu, que o artista viu na Itália, e ao mesmo tempo - um formigueiro. Em todos os andares da enorme estrutura, o trabalho incansável está a todo vapor: blocos giram, escadas são lançadas, figuras de trabalhadores correm. Percebe-se que a ligação entre os construtores já se perdeu, provavelmente devido à “mistura de linguagens” que se iniciou: em algum lugar a construção está a todo vapor, e em algum lugar a torre já se transformou em ruínas.


Depois que Jesus foi entregue para ser crucificado, os soldados colocaram uma pesada cruz sobre Ele e O conduziram ao local de execução chamado Gólgota. No caminho, capturaram Simão de Cirene, que voltava do campo para casa, e obrigaram-no a carregar a cruz por Jesus. Muitas pessoas seguiram Jesus, entre elas mulheres que choraram e lamentaram por Ele. “Carregando a Cruz” é uma imagem religiosa e cristã, mas não é mais uma imagem de igreja. Bruegel correlacionou as verdades da Sagrada Escritura com experiência pessoal, refletiu sobre os textos bíblicos, deu-lhes a sua própria interpretação, ou seja, violou abertamente o decreto imperial de 1550 em vigor na época, que, sob pena de morte, proibia o estudo independente da Bíblia.


Bruegel cria uma série de paisagens “Os Meses”. “Hunters in the Snow” é dezembro-janeiro.
Para um mestre, cada estação é, antes de tudo, um estado único da terra e do céu.


Uma multidão de camponeses, cativados pelo ritmo rápido da dança.

Observação. Além de artistas holandeses, a lista também inclui pintores de Flandres.

Arte holandesa do século 15
As primeiras manifestações da arte renascentista na Holanda datam do início do século XV. As primeiras pinturas que já podem ser classificadas como monumentos do início da Renascença foram criadas pelos irmãos Hubert e Jan van Eyck. Ambos - Hubert (falecido em 1426) e Jan (cerca de 1390-1441) - desempenharam um papel decisivo na formação do Renascimento Holandês. Quase nada se sabe sobre Hubert. Jan era aparentemente um homem muito culto, estudou geometria, química, cartografia, e desempenhou algumas missões diplomáticas para o duque da Borgonha, Filipe, o Bom, a cujo serviço, aliás, decorreu a sua viagem a Portugal. Os primeiros passos do Renascimento na Holanda podem ser julgados pelas pinturas dos irmãos, executadas na década de 20 do século XV, e entre elas como “Mulheres Portadoras de Mirra no Túmulo” (possivelmente parte de um políptico; Rotterdam , Museu Boijmans van Beyningen), “ Madonna na Igreja" (Berlim), "São Jerônimo" (Detroit, Art Institute).

Os irmãos Van Eyck ocupam um lugar excepcional na arte contemporânea. Mas eles não estavam sozinhos. Ao mesmo tempo, outros pintores que estavam estilisticamente e problematicamente relacionados com eles também trabalharam com eles. Entre eles, o primeiro lugar pertence, sem dúvida, ao chamado mestre Flemal. Muitas tentativas engenhosas foram feitas para determinar seu verdadeiro nome e origem. Destas, a versão mais convincente é que este artista recebe o nome de Robert Campin e uma biografia bastante desenvolvida. Anteriormente chamado de Mestre do Altar (ou "Anunciação") de Merode. Há também um ponto de vista pouco convincente que atribui as obras que lhe são atribuídas ao jovem Rogier van der Weyden.

Sabe-se de Campin que nasceu em 1378 ou 1379 em Valenciennes, recebeu o título de mestre em 1406 em Tournai, aí viveu, realizou, além da pintura, muitos trabalhos decorativos, foi professor de vários pintores (incluindo Rogier van der Weyden, que será discutido abaixo - de 1426, e Jacques Darais - de 1427) e morreu em 1444. A arte de Kampen manteve características cotidianas no esquema geral “panteísta” e, portanto, acabou por estar muito próxima da próxima geração de pintores holandeses. As primeiras obras de Rogier van der Weyden e Jacques Darais, um autor extremamente dependente de Campin (por exemplo, a sua “Adoração dos Magos” e “O Encontro de Maria e Isabel”, 1434-1435; Berlim), revelam claramente um interesse pela arte deste mestre, na qual não há dúvida de que aparece a tendência do tempo.

Rogier van der Weyden nasceu em 1399 ou 1400, formou-se com Campin (isto é, em Tournai), recebeu o título de mestre em 1432 e em 1435 mudou-se para Bruxelas, onde foi o pintor oficial da cidade: em 1449– Em 1450 ele viajou para a Itália e morreu em 1464. Alguns dos maiores artistas do Renascimento holandês estudaram com ele (por exemplo, Memling), e ele gozou de grande fama não apenas em sua terra natal, mas também na Itália (o famoso cientista e filósofo Nicolau de Cusa o chamou de o maior artista; Dürer mais tarde notou seu trabalho). A obra de Rogier van der Weyden serviu de base nutritiva para uma grande variedade de pintores da geração seguinte. Basta dizer que a sua oficina - a primeira oficina amplamente organizada na Holanda - teve uma forte influência na difusão sem precedentes do estilo de um mestre no século XV, acabando por reduzir este estilo à soma de técnicas de estêncil e até tocou o papel de freio à pintura do final do século. E, no entanto, a arte de meados do século XV não pode ser reduzida à tradição Rohir, embora esteja intimamente ligada a ela. O outro caminho é sintetizado principalmente pelos trabalhos de Dirik Bouts e Albert Ouwater. Eles, como Rogier, são um tanto alheios à admiração panteísta pela vida, e sua imagem do homem perde cada vez mais o contato com as questões do universo - questões filosóficas, teológicas e artísticas, adquirindo cada vez mais concretude e certeza psicológica. Mas Rogier van der Weyden, um mestre do som dramático intensificado, um artista que lutava por imagens individuais e ao mesmo tempo sublimes, estava interessado principalmente na esfera das propriedades espirituais humanas. As conquistas de Bouts e Ouwater residem no aumento da autenticidade cotidiana da imagem. Entre os problemas formais, interessavam-se mais por questões relacionadas com a resolução de problemas não tanto expressivos como visuais (não a nitidez do desenho e a expressão da cor, mas a organização espacial da imagem e a naturalidade do ambiente luz-ar) .

Retrato de uma jovem, 1445, Galeria de Arte, Berlim


St Ivo, 1450, Galeria Nacional, Londres


São Lucas pintando a imagem de Nossa Senhora, 1450, Museu Groningen, Bruges

Mas antes de passarmos a considerar a obra destes dois pintores, vale a pena deter-nos num fenómeno de menor escala, que mostra que as descobertas da arte de meados do século, sendo ao mesmo tempo uma continuação da tradição Van Eyck-Campen e um afastamento deles, estavam profundamente justificados em ambas as qualidades. O pintor mais conservador Petrus Christus demonstra claramente a inevitabilidade histórica desta apostasia, mesmo para artistas não inclinados a descobertas radicais. A partir de 1444, Christus tornou-se cidadão de Bruges (morreu lá em 1472/1473) - ou seja, viu as melhores obras de van Eyck e foi influenciado por sua tradição. Sem recorrer ao aforismo contundente de Rogier van der Weyden, Christus conseguiu uma caracterização mais individualizada e diferenciada do que van Eyck. No entanto, seus retratos (E. Grimston - 1446, Londres, National Gallery; monge cartuxo - 1446, Nova York, Metropolitan Museum of Art) ao mesmo tempo indicam um certo declínio no imaginário em sua obra. Na arte, o desejo pelo concreto, pelo individual e pelo particular tornava-se cada vez mais evidente. Talvez essas tendências tenham se manifestado mais claramente na obra de Bouts. Mais jovem que Rogier van der Weyden (nascido entre 1400 e 1410), estava longe da natureza dramática e analítica deste mestre. No entanto, os primeiros Bouts vêm em grande parte de Rogier. O altar com “A Descida da Cruz” (Granada, Catedral) e uma série de outras pinturas, por exemplo “Entombment” (Londres, National Gallery), indicam um estudo aprofundado da obra deste artista. Mas a originalidade já é perceptível aqui - Bouts dá mais espaço aos seus personagens, ele se interessa não tanto pelo ambiente emocional quanto pela ação, pelo próprio processo dela, seus personagens são mais ativos. O mesmo vale para retratos. Em excelente retrato de um homem(1462; Londres, National Gallery) olhos erguidos em oração - embora sem qualquer exaltação -, uma boca especial e mãos bem cruzadas têm uma coloração tão individual que van Eyck não conhecia. Até nos detalhes você pode sentir esse toque pessoal. Uma reflexão um tanto prosaica, mas inocentemente real, está em todas as obras do mestre. É mais perceptível em suas composições multifiguradas. E especialmente em sua obra mais famosa - o altar da Igreja de São Pedro de Louvain (entre 1464 e 1467). Se o espectador sempre percebe a obra de van Eyck como um milagre de criatividade, de criação, então diante das obras de Bouts surgem sentimentos diferentes. O trabalho composicional de Bouts fala muito sobre ele como diretor. Tendo em mente os sucessos de tal método de “diretor” (ou seja, um método em que a tarefa do artista é organizar traços característicos, como se extraídos da natureza, personagens, organizar a cena) nos séculos seguintes, deve-se atentar para esse fenômeno na obra de Dirk Bouts.

A próxima etapa da arte holandesa abrange as últimas três ou quatro décadas do século XV - uma época extremamente difícil para a vida do país e sua cultura. Este período abre com o trabalho de Joos van Wassenhove (ou Joos van Gent; entre 1435-1440 - depois de 1476), um artista que desempenhou um papel significativo na formação de nova pintura, mas partiu para a Itália em 1472, lá se aclimatou e envolveu-se organicamente com a arte italiana. O seu altar com a “Crucificação” (Gante, Igreja de São Bavo) indica um desejo de narrativa, mas ao mesmo tempo um desejo de privar a história do frio desapego. Ele deseja alcançar este último com a ajuda da graça e da decoratividade. Seu altar é uma obra secular de natureza com esquema de cores claras baseado em refinados tons iridescentes.
Este período continua com o trabalho de um mestre de talento excepcional - Hugo van der Goes. Ele nasceu por volta de 1435, tornou-se mestre em Gante em 1467 e morreu em 1482. As primeiras obras de Hus incluem várias imagens da Madona com o Menino, que se distinguem pelo aspecto lírico da imagem (Filadélfia, Museu de Arte, e Bruxelas, Museu), e a pintura “Santa Ana, Maria e o Menino e o Doador” (Bruxelas , Museu). Desenvolvendo as descobertas de Rogier van der Weyden, Hus vê na composição não tanto uma forma de organizar harmoniosamente o que é retratado, mas um meio de concentrar e identificar o conteúdo emocional da cena. Uma pessoa é notável para Hus apenas pela força de seus sentimentos pessoais. Ao mesmo tempo, Gus é atraído por sentimentos trágicos. Porém, a imagem de Santa Genevieve (no verso da Lamentação) indica que, em busca da emoção nua, Hugo van der Goes começou a prestar atenção ao seu significado ético. No altar de Portinari, Hus tenta expressar sua fé nas capacidades espirituais do homem. Mas sua arte fica nervosa e tensa. Técnicas artísticas Gusa é variado - principalmente quando precisa recriar o mundo espiritual de uma pessoa. Às vezes, como ao transmitir a reação dos pastores, ele compara sentimentos próximos em uma determinada sequência. Às vezes, como na imagem de Maria, o artista delineia características comuns experiências a partir das quais o espectador completa o sentimento como um todo. Às vezes - nas imagens de um anjo de olhos estreitos ou de Margarita - ele recorre a técnicas composicionais ou rítmicas para decifrar a imagem. Às vezes, a própria indefinição da expressão psicológica se transforma em um meio de caracterização para ele - é assim que o reflexo de um sorriso brinca no rosto seco e sem cor de Maria Baroncelli. E as pausas desempenham um papel importante - na decisão espacial e na ação. Eles proporcionam uma oportunidade de desenvolver mentalmente e completar o sentimento que o artista delineou na imagem. O carácter das imagens de Hugo van der Goes depende sempre do papel que supostamente desempenham no seu conjunto. O terceiro pastor é realmente natural, José é totalmente psicológico, o anjo à sua direita é quase irreal e as imagens de Margarida e Madalena são complexas, sintéticas e construídas sobre gradações psicológicas extremamente sutis.

Hugo van der Goes sempre quis expressar e incorporar em suas imagens a gentileza espiritual de uma pessoa, seu calor interior. Mas, em essência, os últimos retratos do artista indicam uma crise crescente na obra de Hus, pois sua estrutura espiritual foi gerada não tanto pela consciência das qualidades individuais de uma pessoa, mas pela trágica perda da unidade do homem e do mundo para o artista. Na última obra – “A Morte de Maria” (Bruges, Museu) – esta crise resulta no colapso de todas as aspirações criativas do artista. O desespero dos apóstolos é desesperador. Seus gestos não têm sentido. Flutuando em esplendor, Cristo, com seu sofrimento, parece justificar o sofrimento deles, e suas palmas perfuradas estão voltadas para o observador, e uma figura de tamanho indefinido viola a estrutura em grande escala e o senso de realidade. Também é impossível compreender a extensão da realidade da experiência dos apóstolos, pois todos tinham o mesmo sentimento. E não é tanto deles, mas do artista. Mas os seus portadores ainda são fisicamente reais e psicologicamente convincentes. Imagens semelhantes serão revividas mais tarde, quando no final do século XV na cultura holandesa uma tradição centenária chegou ao fim (em Bosch). Um estranho ziguezague forma a base da composição da pintura e a organiza: o apóstolo sentado, o único imóvel, olhando para o observador, inclinado da esquerda para a direita, a Maria prostrada da direita para a esquerda, Cristo flutuando da esquerda para a direita . E esse mesmo ziguezague em esquema de cores: a figura da pessoa sentada está associada à cor de Maria, aquela deitada sobre um pano azul fosco, com um manto também azul, mas no máximo, de um azul extremo, então - o azul etéreo, imaterial de Cristo. E ao redor estão as cores das vestes dos apóstolos: amarelo, verde, azul - infinitamente frio, claro, antinatural. O sentimento em “A Assunção” é nu. Não deixa espaço para esperança ou humanidade. No final da vida, Hugo van der Goes ingressou num mosteiro, o seu mais últimos anos foram ofuscados doença mental. Aparentemente nestes fatos biográficos pode-se ver um reflexo das trágicas contradições que definiram a arte do mestre. O trabalho de Hus era conhecido e apreciado e atraiu atenção mesmo fora da Holanda. Jean Clouet, o Velho (Mestre de Moulins) foi muito influenciado por sua arte, Domenico Ghirlandaio conheceu e estudou o retábulo de Portinari. No entanto, seus contemporâneos não o compreenderam. A arte holandesa inclinava-se constantemente para um caminho diferente, e vestígios isolados da influência do trabalho de Hus apenas realçam a força e a prevalência destas outras tendências. Eles apareceram de forma mais completa e consistente nas obras de Hans Memling.


Vaidade terrena, tríptico, painel central,



Inferno, painel esquerdo do tríptico "Vaidades Terrestres",
1485, Museu de Belas Artes, Estrasburgo

Hans Memling, aparentemente nascido em Seligenstadt, perto de Frankfurt am Main, em 1433 (falecido em 1494), o artista recebeu excelente formação de Rogier e, tendo se mudado para Bruges, ali ganhou grande fama. Já relativamente trabalhos iniciais descubra a direção de sua busca. Os princípios da luz e do sublime receberam dele um significado muito mais secular e terreno, e tudo o que é terreno - uma certa euforia ideal. Um exemplo é o altar com Nossa Senhora, santos e doadores (Londres, National Gallery). Memling se esforça para preservar a aparência cotidiana de seus verdadeiros heróis e aproximar deles seus heróis ideais. O princípio sublime deixa de ser uma expressão de certas forças mundiais gerais compreendidas panteísticamente e se transforma em uma propriedade espiritual natural do homem. Os princípios do trabalho de Memling emergem mais claramente no chamado Floreins-Altar (1479; Bruges, Museu Memling), cujo palco principal e a ala direita são essencialmente cópias gratuitas das partes correspondentes do altar de Rogier em Munique. Ele reduz decisivamente o tamanho do altar, corta as partes superior e lateral da composição de Rogier, reduz o número de figuras e, por assim dizer, aproxima a ação do espectador. O evento perde seu alcance majestoso. As imagens dos participantes perdem a representatividade e adquirem traços particulares, a composição é um tom de suave harmonia, e a cor, mantendo a pureza e a transparência, perde completamente a sonoridade fria e aguda de Rogirov. Parece tremer com tons claros e claros. Ainda mais característica é a Anunciação (cerca de 1482; Nova Iorque, coleção Lehman), onde o esquema de Rogier é usado; A imagem de Maria recebe características de idealização suave, o anjo é significativamente formado por gênero e os itens interiores são pintados com o amor de Van Eyck. Ao mesmo tempo, os motivos penetram cada vez mais na obra de Memling Renascença italiana- guirlandas, putti, etc., e a estrutura composicional torna-se cada vez mais comedida e clara (tríptico com “Madona e o Menino, Anjo e Doador”, ​​Viena). O artista tenta apagar a linha entre o princípio concreto e mundano burguês e o princípio idealizador e harmonioso.

A arte de Memling atraiu a atenção dos mestres das províncias do norte. Mas eles também estavam interessados ​​em outras características - aquelas associadas à influência de Huss. As províncias do norte, incluindo a Holanda, ficaram atrás das do sul naquele período, tanto económica como espiritualmente. A pintura holandesa antiga geralmente não ia além do modelo medieval e provincial, e o nível de sua arte nunca atingiu o nível artístico dos artistas flamengos. Somente com Ultimo quarto No século XV, a situação mudou graças à arte de Hertgen tot sint Jans. Viveu em Haarlem, com os monges joaninos (aos quais deve o seu apelido - sint Jans significa São João) e morreu jovem - vinte e oito anos (nascido em Leiden (?) por volta de 1460/65, morreu em Haarlem em 1490- 1495). Hertgen sentiu vagamente a ansiedade que preocupava Hus. Mas, sem chegar às suas percepções trágicas, ele descobriu o encanto suave do simples sentimento humano. Ele é próximo de Gus com seu interesse pelo interior, mundo espiritual pessoa. Entre as principais obras de Goertgen está um retábulo pintado para os joanitas do Harlem. A ala direita, agora serrada dos dois lados, sobreviveu. Seu lado interno representa uma grande cena de luto com várias figuras. Gertgen cumpre ambas as tarefas definidas pelo tempo: transmitir calor, humanidade de sentimento e criar uma narrativa vitalmente convincente. Este último é especialmente visível do lado de fora da porta, onde está representada a queima dos restos mortais de João Batista por Juliano, o Apóstata. Os participantes da ação são dotados de um caráter exagerado, e a ação é dividida em uma série de cenas independentes, cada uma das quais apresentada com observação vívida. Ao longo do caminho, o mestre cria, talvez, um dos primeiros Arte europeia nova era dos retratos de grupo: construído sobre o princípio de uma simples combinação de características do retrato, antecipa a obra do século XVI. A sua “Família de Cristo” (Amesterdão, Rijksmuseum), apresentada no interior de uma igreja, interpretada como um ambiente espacial real, fornece muito para a compreensão da obra de Geertgen. As figuras em primeiro plano permanecem significativas, não demonstrando quaisquer sentimentos, mantendo a sua aparência quotidiana com serena dignidade. O artista cria imagens que são talvez as mais burguesas da arte holandesa. Ao mesmo tempo, é significativo que Gertgen entenda a ternura, a doçura e alguma ingenuidade não como sinais exteriormente característicos, mas como certas propriedades paz de espírito pessoa. E esta fusão do sentido de vida burguês com a profunda emotividade é uma característica importante do trabalho de Gertgen. Não é por acaso que ele não deu aos movimentos espirituais de seus heróis um caráter sublime e universal. É como se ele impedisse deliberadamente que seus heróis se tornassem excepcionais. Por causa disso, eles não parecem individuais. Eles têm ternura e não têm outros sentimentos ou pensamentos estranhos; a própria clareza e pureza de suas experiências os afastam da vida cotidiana. No entanto, a idealidade resultante da imagem nunca parece abstrata ou artificial. Estas características distinguem também uma das melhores obras do artista, “Christmas” (Londres, National Gallery), uma pequena pintura que esconde sentimentos de excitação e surpresa.
Gertgen morreu cedo, mas os princípios de sua arte não permaneceram na obscuridade. No entanto, o Mestre do díptico de Brunswick (“São Bavo”, Brunswick, Museu; “Natal”, Amsterdã, Rijksmuseum) e alguns outros mestres anônimos que estão mais próximos dele, que estão mais próximos dele, não desenvolveram tanto os princípios de Hertgen como dar-lhes o caráter de um padrão generalizado. Talvez o mais significativo entre eles seja o Mestre de Virgem intervirgens (nomeado em homenagem à pintura do Rijksmuseum de Amsterdã que representa Maria entre as virgens sagradas), que gravitou não tanto pela justificativa psicológica da emoção, mas pela agudeza de sua expressão em figuras pequenas, bastante cotidianas e às vezes quase deliberadamente feias ( "Sepultamento", St. Louis, Museu; "Lamentação", Liverpool; "Anunciação", Rotterdam). Mas também. a sua obra é mais uma prova do esgotamento de uma tradição secular do que uma expressão do seu desenvolvimento.

Um declínio acentuado no nível artístico também é perceptível na arte das províncias do sul, cujos mestres estavam cada vez mais inclinados a se deixar levar por detalhes insignificantes do cotidiano. Mais interessante que os outros é a própria narrativa Mestre da Lenda de Santa Úrsula, que trabalhou em Bruges nos anos 80-90 do século XV (“A Lenda de Santa Úrsula”; Bruges, Convento das Irmãs Negras), o autor desconhecido de retratos dos cônjuges Baroncelli que não são desprovidos de habilidade (Florença, Uffizi), e também um muito tradicional Mestre de Bruges da lenda de Santa Lúcia (Altar de Santa Lúcia, 1480, Bruges, Igreja de Santa Lúcia). James, também políptico, Tallinn, Museu). A formação da arte vazia e mesquinha no final do século XV é a antítese inevitável da busca de Huss e Hertgen. O homem perdeu o principal suporte de sua visão de mundo - a fé na ordem harmoniosa e favorável do universo. Mas se a consequência comum disso foi apenas o empobrecimento do conceito anterior, então um olhar mais atento revelou características ameaçadoras e misteriosas do mundo. Para responder às questões insolúveis da época, foram usadas alegorias medievais tardias, demonologia e previsões sombrias das Sagradas Escrituras. Em condições de crescentes contradições sociais agudas e conflitos graves, surgiu a arte de Bosch.

Hieronymus van Aken, apelidado de Bosch, nasceu em 's-Hertogenbosch (lá morreu em 1516), ou seja, longe dos principais centros artísticos dos Países Baixos. Seus primeiros trabalhos não deixam de ter um toque de primitivismo. Mas eles já combinam estranhamente um senso agudo e perturbador da vida da natureza com um grotesco frio na representação das pessoas. Bosch responde à tendência arte contemporânea- com a sua ânsia pelo real, com a sua concretização da imagem de pessoa, e depois - a redução do seu papel e significado. Ele leva essa tendência a um certo limite. Na arte de Bosch aparecem imagens satíricas ou, melhor dizendo, sarcásticas da raça humana. Esta é a sua “Operação para retirar as pedras da estupidez” (Madrid, Prado). A operação é realizada por um monge - e aqui um sorriso maligno aparece no clero. Mas aquele a quem isso é feito olha atentamente para o espectador, e esse olhar nos envolve na ação. O sarcasmo aumenta no trabalho de Bosch; ele imagina as pessoas como passageiros no navio dos tolos (a pintura e o seu desenho estão no Louvre). Ele se volta para o humor popular - e sob suas mãos ele adquire um tom sombrio e amargo.
Bosch afirma a natureza sombria, irracional e vil da vida. Ele não apenas expressa sua visão de mundo, seu sentido de vida, mas também dá uma avaliação moral e ética. "Haystack" é uma das obras mais significativas da Bosch. Neste altar, um sentido nu da realidade se funde com a alegoria. O palheiro alude ao antigo provérbio flamengo: “O mundo é um palheiro: e dele cada um tira o que pode agarrar”; as pessoas se beijam à vista de todos e tocam música entre um anjo e alguma criatura diabólica; criaturas fantásticas puxam a carroça, e o papa, o imperador e as pessoas comuns a seguem com alegria e obediência: alguns correm à frente, correm entre as rodas e morrem, esmagados. A paisagem ao longe não é fantástica nem fabulosa. E acima de tudo - em uma nuvem - está um pequeno Cristo com as mãos levantadas. No entanto, seria errado pensar que Bosch gravita em torno do método das comparações alegóricas. Pelo contrário, ele se esforça para garantir que sua ideia seja incorporada na própria essência das decisões artísticas, de modo que apareça diante do espectador não como um provérbio ou parábola criptografado, mas como um modo de vida generalizado e incondicional. Com uma sofisticação de imaginação desconhecida da Idade Média, Bosch povoa as suas pinturas com criaturas que combinam bizarramente várias formas animais, ou formas animais com objetos do mundo inanimado, colocando-os em relações obviamente incríveis. O céu fica vermelho, pássaros equipados com velas voam pelo ar, criaturas monstruosas rastejam pela face da terra. Peixes com patas de cavalo abrem a boca e ao lado deles estão ratos, carregando nas costas troncos vivos de madeira dos quais as pessoas eclodem. A garupa do cavalo se transforma em um jarro gigante, e uma cabeça com cauda se esgueira em algum lugar sobre pernas finas e nuas. Tudo rasteja e tudo é dotado de formas pontiagudas e arranhadas. E tudo está infectado com energia: cada criatura - pequena, enganosa, tenaz - é envolvida por um movimento raivoso e precipitado. Bosch dá a essas cenas fantasmagóricas o maior poder de persuasão. Ele abandona a imagem da ação que se desenrola em primeiro plano e a estende ao mundo inteiro. Ele confere às suas extravagâncias dramáticas de múltiplas figuras um tom misterioso em sua universalidade. Às vezes, ele introduz a dramatização de um provérbio na imagem - mas não há mais humor nela. E no centro coloca uma pequena estatueta indefesa de Santo António. Tal é, por exemplo, o altar com “A Tentação de Santo António” na porta central do Museu de Lisboa. Mas então Bosch mostra um senso de realidade nu e aguçado sem precedentes (especialmente nas cenas nas portas externas do altar mencionado). Nas obras maduras de Bosch o mundo é ilimitado, mas a sua espacialidade é diferente – menos rápida. O ar parece mais claro e úmido. É assim que se escreve “João em Patmos”. No verso desta pintura, onde são retratadas em círculo cenas do martírio de Cristo, são apresentadas paisagens surpreendentes: transparentes, limpas, com amplos espaços fluviais, céus altos e outras - trágicas e intensas (“Crucificação”). Mas com mais persistência a Bosch pensa nas pessoas. Ele tenta encontrar uma expressão adequada de sua vida. Ele recorre à forma de um grande altar e cria um estranho e fantasmagórico espetáculo grandioso da vida pecaminosa das pessoas - o “Jardim das Delícias”.

As últimas obras do artista combinam estranhamente a fantasia e a realidade das suas obras anteriores, mas ao mesmo tempo são caracterizadas por um sentimento de triste reconciliação. Coágulos de criaturas malignas que antes se espalhavam triunfantemente por todo o campo da imagem estão espalhados. Individuais, pequenos, eles ainda se escondem debaixo de uma árvore, aparecem em riachos tranquilos ou correm por colinas desertas cobertas de grama. Mas eles diminuíram de tamanho e perderam atividade. Eles não atacam mais os humanos. E ele (ainda Santo Antônio) senta entre eles – lê, pensa (“Santo Antônio”, Prado). Bosch não estava interessado na posição de uma pessoa no mundo. Santo Antônio em seu trabalho anterior indefeso, lamentável, mas não solitário - na verdade, ele está privado daquela parcela de independência que lhe permitiria se sentir solitário. Agora a paisagem refere-se especificamente a uma pessoa, e na obra de Bosch surge o tema da solidão do homem no mundo. A arte do século XV termina com Bosch. O trabalho da Bosch completa esta etapa de insights puros, depois de buscas intensas e decepções trágicas.
Mas a tendência personificada pela sua arte não foi a única. Não menos sintomática é outra tendência associada à obra de um mestre de escala imensamente menor - Gerard David. Ele morreu tarde - em 1523 (nascido por volta de 1460). Mas, tal como Bosch, ele encerrou o século XV. Já é dele trabalhos iniciais(“Anunciação”; Detroit) – prosaicamente realista; obras do final da década de 1480 (duas pinturas sobre o enredo do julgamento de Cambises; Bruges, Museu) revelam uma estreita ligação com Bouts; melhores do que outras são composições de natureza lírica com um ambiente paisagístico desenvolvido e ativo (“Rest on the Flight to Egypt”; Washington, National Gallery). Mas a impossibilidade de o mestre ultrapassar as fronteiras do século é mais claramente visível no seu tríptico com o “Batismo de Cristo” (início do século XVI; Bruges, Museu). A proximidade e a miniatura da pintura parecem estar em conflito direto com a grande escala da pintura. A realidade em sua visão é desprovida de vida, emasculada. Por trás da intensidade da cor não há tensão espiritual nem uma sensação de preciosidade do universo. O estilo esmaltado da pintura é frio, independente e desprovido de propósito emocional.

O século 15 na Holanda foi uma época de grande arte. No final do século, ele havia se esgotado. Novas condições históricas, a transição da sociedade para outro estágio de desenvolvimento causou novo palco na evolução da arte. Originou-se no início do século XVI. Mas na Holanda, com a combinação original do princípio secular com critérios religiosos na avaliação dos fenômenos da vida, característica de sua arte, que vem dos van Eycks, com a incapacidade de perceber uma pessoa em sua grandeza autossuficiente, fora das questões de comunhão espiritual com o mundo ou com Deus - na Holanda, uma nova era inevitavelmente só viria depois da crise mais forte e grave de toda a cosmovisão anterior. Se na Itália a Alta Renascença foi uma consequência lógica da arte do Quattrocento, então na Holanda não existia tal ligação. Transição para nova era revelou-se especialmente doloroso, pois em muitos aspectos implicava a negação da arte anterior. Na Itália, a ruptura com as tradições medievais ocorreu já no século XIV, e a arte do Renascimento italiano manteve a integridade do seu desenvolvimento ao longo do Renascimento. Na Holanda a situação era diferente. A utilização do património medieval no século XV dificultou a aplicação das tradições estabelecidas no século XVI. Para os pintores holandeses, a linha entre os séculos XV e XVI acabou por estar associada a uma mudança radical na sua visão do mundo.

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