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No final do século XVI apareceu um novo estilo– Barroco. Isso é o que será discutido neste artigo.

Barroco (Barocco italiano - “bizarro”, “estranho”, “propenso ao excesso”, porto. perola barroca - literalmente “pérola com defeito”)é um estilo de arte em geral e de arquitetura em particular.

Era barroca

Acredita-se convencionalmente (como todos os períodos históricos) que a era barroca durou entre os séculos XVI e XVIII. Curiosamente, tudo começou com, que no século XVI começou a enfraquecer visivelmente na arena internacional, económica e politicamente.

Os franceses e espanhóis prosseguiram activamente as suas políticas na Europa, embora a Itália continuasse a ser o centro cultural da sociedade europeia. E a força de uma cultura, como sabemos, é determinada pela sua capacidade de adaptação às novas realidades.

Assim, a nobreza italiana, não tendo dinheiro para construir palácios ricos que demonstrassem o seu poder e grandeza, recorreu à arte para usá-la para criar a aparência de riqueza, força e prosperidade.

Foi assim que começou a era barroca, que se tornou uma etapa importante no desenvolvimento da arte mundial.

É importante ressaltar que a vida das pessoas começou a mudar fundamentalmente nesta época. A era barroca é caracterizada por muito tempo livre. Os habitantes da cidade preferem andar a cavalo (“carrosséis”) e jogar cartas aos torneios de cavaleiros (ver), caminhar no parque às peregrinações e teatros aos mistérios.

Velhas tradições baseadas em superstições e preconceitos estão a desaparecer. Um notável matemático e filósofo deriva a fórmula: “Penso, logo existo”. Ou seja, a sociedade está sendo reconstruída para uma forma diferente de pensar, onde o que é sensato não é o que alguma autoridade disse, mas o que pode ser explicado matematicamente com precisão a qualquer ser inteligente.

Um fato interessante é que no meio profissional há mais disputas em torno da palavra “Barroco” do que sobre a época em si. Do espanhol, barroco é traduzido como uma pérola de formato irregular, mas do italiano, barroco significa uma conclusão lógica falsa.

Esta segunda opção parece a versão mais plausível da origem da polêmica palavra, pois foi na época barroca que se observou na arte algum tipo de absurdo brilhante, e até capricho, que impressionou a imaginação com sua pompa e grandiosidade.

Estilo barroco

O estilo barroco é caracterizado pelo contraste, dinamismo e tensão, bem como por um claro desejo de pompa e grandeza externa.

É interessante que os representantes desse movimento combinassem de forma extremamente orgânica diferentes estilos de arte. Em suma, a Reforma e a doutrina desempenharam papel fundamental no lançamento das bases do estilo barroco.

Se para a Renascença era típico perceber o homem como a medida de todas as coisas e o mais inteligente dos seres, então ele agora se percebe de forma diferente: “algo entre tudo e nada”.

Arte barroca

A arte barroca distingue-se, antes de mais, pelo extraordinário esplendor das formas, originalidade dos enredos e dinamismo. A arte é dominada por um floreio cativante. Na pintura, os representantes mais destacados deste estilo foram Rubens e.

Olhando algumas das pinturas de Caravaggio, você não pode deixar de ficar surpreso com o dinamismo de seus temas. O jogo de luz e sombra enfatiza de forma incrivelmente sutil as várias emoções e experiências dos personagens. Um fato interessante é que a influência desse artista na arte foi tão grande que surgiu um novo estilo - o Caravaggismo.

Alguns seguidores conseguiram adotar o naturalismo de seu professor ao retratar pessoas e acontecimentos na tela. Peter Rubens, estudando na Itália, tornou-se seguidor de Caravaggio e Carraci, dominando sua técnica e adotando seu estilo.

O pintor flamengo Van Dyck e o holandês Rembrandt também foram representantes proeminentes da arte barroca. Este estilo seguiu excelente artista Diego Velázquez, e em - Nicolas Poussin.

Aliás, foi Poussin quem começou a lançar as bases de um novo estilo de arte - o classicismo.

Barroco na arquitetura

A arquitetura, de estilo barroco, distingue-se pela abrangência espacial e pelas formas complexas e curvilíneas. Numerosas esculturas nas fachadas e nos interiores, várias colunatas e muitos reforços criam uma aparência pomposa e majestosa.

Conjunto arquitetônico "Zwinger" em Dresden

As cúpulas assumem formas complexas e geralmente possuem vários níveis. Um exemplo é a cúpula da Basílica de São Pedro, em Roma, cujo arquiteto foi.

Maioria obras significativas A arquitetura barroca é considerada o Palácio de Versalhes e o edifício da Academia Francesa. Os maiores conjuntos barrocos do mundo incluem Versalhes, Peterhof, Zwinger, Aranjuez e Schönbrunn.

Em geral, deve-se dizer que a arquitetura deste estilo se espalhou por muitos países europeus, inclusive sob a influência de Pedro, o Grande.

Música barroca

Quando se fala da época barroca, é impossível ignorar a música, pois esta também sofreu alterações significativas neste período. Os compositores combinaram formas musicais em grande escala, ao mesmo tempo que tentavam contrastar o coral e o cantando sozinho, vozes e instrumentos.

Vários gêneros instrumentais. Os representantes mais proeminentes da música barroca são Bach, Handel e.

Resumindo, podemos dizer com segurança que esta época deu origem a gênios de importância mundial que escreveram para sempre seus nomes na história. A criatividade de muitos deles ainda está decorada melhores museus países diferentes.

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O artista mais famoso e significativo do barroco italiano foi Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Ele glorificou tanto o absolutismo quanto o catolicismo. Foi um homem de enorme energia criativa, com uma variedade de talentos que o surpreenderam: arquiteto, escultor, decorador, pintor, desenhista. Ele é um daqueles artistas raros que viveu uma vida longa e confortável. Na verdade, ao longo da sua vida, Bernini foi o ditador da vida artística romana.

Por um lado, a sua obra reflecte as exigências da Igreja (não é por acaso que a Igreja sempre patrocinou o seu talento); por outro lado, ampliou as possibilidades das formas de arte espaciais (plásticas). Por um lado, ele criou a glória da arte católica, por outro, “corrompeu” a escultura da igreja, criou um tipo de estátuas religiosas escandalosa, inquieta e indecentemente sedutora, que se tornou o cânone por um século inteiro.

Um de esculturas famosas Bernini-David. É apresentado de uma forma completamente diferente de Michelangelo. Há paz, aqui há expressão, sentimento, movimento impetuoso. O mesmo pode ser visto no rosto. É distorcido por uma careta de raiva e fúria. As imagens bíblicas e sua interpretação são verdadeiramente inesgotáveis. Em contraste com o monumentalismo dos revivalistas, Bernini busca uma representação concreta do acontecimento.

Ação e dinâmica são o cerne das composições de Bernini (“O Estupro de Prosérpina”, “Apolo e Daphne”). Este magnífico artista foi um dos primeiros (depois dos antigos escultores) a abordar o problema da transmissão do movimento através de uma forma de arte espacial.

Isso foi representado de forma especialmente expressiva em sua escultura “Apolo e Daphne” (a história de Apolo e Daphne é contada por Ovídio. Apolo persegue Daphne, a filha da terra de Gaia e o deus dos rios Peneus (ou Ladon), que lhe deu palavra para permanecer casta e celibatária, como Ártemis. Ela pediu ajuda aos deuses, e os deuses a transformaram em árvore de louro. Em vão Apolo o abraçou; ele não voltou a ser Daphne. E a partir de então o louro tornou-se a planta sagrada favorita de Apolo). Bernini transmitiu com surpreendente precisão o momento da metamorfose do corpo da ninfa nas raízes, folhas e galhos de uma árvore. A pedra transmite a ternura da pele de Daphne, a leveza dos seus cabelos e a superfície da árvore emergente. Provavelmente pela primeira vez a escultura era tão franca e autêntica.

Bernini conseguiu aproximar-se do gênero do retrato escultórico.

O retrato do Cardeal Scipione Borghese transmite a pele flácida, o cetim do manto e o movimento característico; sente-se uma pessoa autoconfiante, inteligente, sensual e poderosa.

Bernini criou uma série de maravilhosos retratos cerimoniais (às vezes dizem que cerimonial é romântico).

Por exemplo, o retrato de Francesco d'Este retrata um verdadeiro governante, um soberano. Um dos mais obras características O retrato de Luís XIV de Bernini neste gênero. Mesmo sem saber de quem é o retrato que está diante de nós, podemos adivinhar que é o rei. Bernini mostra, junto com a grandeza, a arrogância aristocrática, a arrogância vazia e o egoísmo.

E. Fuchs em “A História Ilustrada da Moral” escreve sobre a era barroca precisamente como “uma reflexão artística do absolutismo principesco, uma fórmula artística de grandeza, pose, representação... Não há ninguém superior ao monarca, seja em ideia ou na prática... Na pessoa do soberano absoluto na terra a própria divindade está caminhando. Daí o esplendor, daí a resplandecente pompa dourada com que se veste o monarca absoluto... a cerimónia afetada e cuidadosamente pensada até ao mais ínfimo pormenor, que rodeia cada serviço que lhe é prestado desde o momento em que acorda até ao momento em que cai. adormecer.”

Luís XIV não sabia ler nem escrever. Mas, no entanto, observa E. Fuchs, quando o famoso J.B. Colbert (Ministro das Finanças desde 1665) soube que seu filho estava incluído na corte de Luís XIV, viu isso como a maior felicidade. Ele se dirigiu a Luís assim: “Senhor, é nosso dever permanecer reverentemente silencioso e agradecer a Deus todos os dias por nos permitir nascer sob o cetro de um soberano que não reconhece outros limites além de sua própria vontade”. A arte de Bernini, revelada no retrato de Luís XIV, reflete notavelmente a psicologia e a linguagem da era do absolutismo.

As obras escultóricas de Bernini capturam o pathos dos sentimentos, o esplendor espetacular, os efeitos pictóricos, a combinação de materiais de diferentes texturas e cores e o uso da luz. As lápides papais são na verdade mise-en-scenes teatrais, tudo nelas é criado de forma a evocar uma onda de emoções (em particular, as lápides do Papa Alexandre VII e do Papa Urbano VIII são distinguidas por isso).

Bernini não ignorou seus temas de culto favoritos do século XVII. - martírios, êxtases, visões e apoteoses. Assim, o enredo da sua famosa composição escultórica “O Êxtase de Santa Teresa” foi uma das cartas de uma freira espanhola do século XVI, na qual ela contava como viu um anjo que Deus lhe enviou. Bernini conseguiu transmitir o estado interior desta freira, o que nenhum outro artista conseguiu fazer.

Os personagens da composição aparecem diante do espectador de forma inesperada. A parede do altar parece abrir-se, as colunas separam-se. As figuras de Teresa e do anjo, feitas em mármore branco, lembram uma visão. Mas para Teresa, o anjo é a realidade. O momento de suprema excitação emocional é perfeitamente capturado. A cabeça está jogada para trás, a mão pende flácida. As dobras quebradas das roupas apenas intensificam a paixão da experiência. Diante de nós está um êxtase verdadeiramente doloroso e doce. (Há uma orientação muito definida da arte católica ocidental para a experiência, e não para o sentimento místico. Na escultura, recriando um sentimento religioso completamente preciso, há certamente revestimento pesado erotismo, o que nunca aconteceu, por exemplo, em um ícone russo.) na composição, um papel especial é desempenhado pela luz refletida nos raios de latão, o que também potencializa a experiência. A composição escultórica está localizada na Capela Cornaro.

A obra de Bernini também se distingue pelo fato de buscar novas técnicas para aumentar a expressividade e se voltar para a síntese das artes (escultura e arquitetura). Por exemplo, o dossel e o púlpito da Catedral de St. Petra. Bernini extrai efeitos plásticos sem precedentes de materiais tradicionais.

Entre as mais belas criações de Bernini estão fontes repletas de enorme poder dinâmico. A união da escultura e da água é interessante aqui. Por exemplo, a famosa fonte de Tritão, a fonte dos Quatro Rios. As fontes de Bernini tornaram-se parte integrante da arquitetura de Roma.

Bernini permaneceu na história como um arquiteto famoso. Na arquitetura barroca, desaparece a harmonia das formas inerente à arquitetura renascentista. Em vez de um equilíbrio de partes, há sua luta, seus contrastes, sua interação dinâmica.

O relevo da parede torna-se mais complexo, as formas são mais plásticas, como se fossem móveis, “geram” e continuam umas às outras. A arquitetura barroca parece atrair a pessoa para o seu espaço.

As obras de Bernini incluem a igreja de Sant'Andrea al Quirinale (a fachada parece curvada, a cerca é côncava, degraus semicirculares, o contorno da igreja é baseado em uma elipse, o interior é cercado por capelas - nichos; nichos, colunas, pilastras, esculturas são visíveis de ângulos complexos, o que cria a impressão de uma variedade infinita; a solução da cúpula também é interessante: os caixotões estão localizados diminuindo de tamanho em direção ao centro, o que cria a ilusão da leveza especial da cúpula e sua direção ascendente especial.

A solução para a “Escadaria Real” do Vaticano também é muito interessante. Ao utilizar diversas técnicas de perspectiva, Bernini cria a ilusão de sua enorme escala e extensão.

No Palácio Barberini, as salas estão dispostas em fila, ao longo de um eixo, e esta abertura gradual, uma espécie de “movimento” do espaço, impôs um ritmo elevado e imponente às cerimónias festivas.

A praça em frente à Basílica de São Pedro é uma das grandes criações de Bernini.

Duas galerias que conduzem a uma colunata abraçam o espaço da praça, “como braços abertos”, como disse Bernini. O centro da praça (sua profundidade total é de 280 m) é marcado por um obelisco, as fontes nas laterais definem seu eixo transversal. A área em frente à catedral revela de forma especialmente clara o gênio arquitetônico de Bernini e sua capacidade de modelar o espaço. Indo em direção à catedral, a pessoa deve caminhar sob a colunata ou ao longo dela, para perceber o edifício com vários pontos vista e em unidade com a colunata e fontes.

Bernini teve a impressão da unidade composicional da catedral - um edifício construído por vários mestres ao longo de dois séculos. A fachada da catedral aparece diante do caminhante no momento de sua aproximação imediata, mas a grandiosa praça já prepara psicologicamente a pessoa para essa percepção (um dos princípios do Barroco é a surpresa, a vontade de surpreender a imaginação, tudo isso está presente em Bernini). A praça em frente à catedral é considerada o melhor conjunto arquitetônico Itália XVII V. (I. Pruss).

Tudo isso em conjunto aumentou o clima de pathos religioso.

A obra arquitetônica de Bernini confirma o princípio emocional.

A Igreja de São Carlos do famoso Francesco Borromini é, desde a fachada, um organismo verdadeiramente vivo, possui um ritmo inquieto de formas arquitetônicas. Aparece como um espetáculo decorativo eficaz.

O pintor Caravaggio (1573-1610) é a personificação do temperamento desenfreado na pintura. Uma característica de seu trabalho é o tipo. Suas obras incluem imagens folclóricas(“Martírio do Apóstolo Pedro”).

Peter Paul Rubens ocupa um lugar especial no movimento barroco. Este artista flamengo é considerado por muitos historiadores da arte como pertencente ao movimento artístico barroco.

Rubens - o representante mais brilhanteÉpoca barroca. O desejo de um “grande estilo” solene (consequência do estabelecimento das monarquias europeias) foi combinado no Barroco com uma atitude perante o mundo como um todo complexo e mutável. Daí - tudo o que é considerado a “marca registrada” do Barroco: contraste, tensão, dinamismo das imagens, afetação, desejo de grandeza e esplendor, de combinar realidade e ilusão.

Peter Paul Rubens nasceu em 28 de junho de 1577 em Siegen, na Vestfália (hoje parte da Alemanha). Ele era o sétimo filho da família do advogado Jan Rubens. Durante muito tempo a família Rubens viveu em Antuérpia, mas em 1568 mudou-se para Colônia. O fato é que nessa época Jan começou a inclinar-se para o protestantismo, o que causou forte descontentamento por parte da comunidade católica local. Em Colônia, recebeu o cargo de secretário de Ana da Saxônia, esposa de Guilherme I de Orange. Em 1591, Rubens começou a estudar pintura. Por algum tempo trabalhou como aprendiz de Tobias Verhahat; cerca de quatro anos - com Adam van Noort; mais dois anos com Otto van Ven. Em 1598 foi finalmente aceite na Guilda dos Artistas de St. Lucas. Os primeiros professores de Rubens eram pintores muito medíocres, mas estudar com van Wen beneficiou Rubens. Em maio de 1600, Peter Paul partiu para a terra prometida dos artistas. Morou na Itália durante oito anos, o que determinou seu futuro. É improvável que algum dos pintores do norte da Europa que veio para a Itália naqueles anos tenha mergulhado tão profundamente na cultura italiana quanto Rubens. Em outubro de 1608, Rubens recebeu a notícia de que sua mãe estava gravemente doente. Ele correu para Antuérpia, mas nunca teve a oportunidade de ver sua mãe viva. Em 23 de setembro de 1609, Rubens recebeu o cargo de pintor da corte na corte do arquiduque Albert e sua esposa Isabella, que então governava Flandres em nome da coroa espanhola, e dez dias depois casou-se com Isabella Brant, de 17 anos. EM Próximo ano Rubens finalmente se estabeleceu em Flandres, comprando casarão em Antuérpia.Na década seguinte, Rubens participou ativamente deste trabalho, criando um após o outro retábulos surpreendentes. Entre eles, destacam-se os trípticos “A Elevação da Cruz” e “A Descida da Cruz”, escritos para a Catedral de Antuérpia. O destino lhe desferiu o primeiro golpe cruel em 1623, quando a filha de Rubens morreu (ele teve mais dois filhos), e o segundo em 1626, quando sua esposa morreu (“uma amiga e uma assistente insubstituível”, como escreveu o próprio Rubens em um dos suas cartas).A felicidade acompanhou o artista em sua vida pessoal. Em 1630, Rubens casou-se com Helena Fourment, de 16 anos, sobrinha de sua primeira esposa. Este casamento, como o primeiro, teve muito sucesso. Rubens e Helena tiveram cinco filhos (a última filha nasceu oito meses após a morte do artista). Em 1635, Rubens adquiriu o castelo de Steen, localizado a aproximadamente 32 quilômetros ao sul de Antuérpia. Enquanto vivia no castelo, gostava muito de pintar paisagens locais.Em 30 de maio de 1640, enquanto estava em Antuérpia, Rubens morreu inesperadamente de ataque cardíaco. O artista, que completou 62 anos, foi lamentado por toda a cidade.

Barroco como estilo

Os artistas barrocos trabalharam conscientemente para se separarem dos artistas da Renascença e do período maneirista posterior. Em sua paleta eles usaram tons intensos e cores quentes e, em particular, as cores primárias: vermelho, azul e amarelo, muitas vezes colocando as três muito próximas. A pintura barroca inclui uma vasta gama de estilos, visto que a pintura mais importante e fundamental do período que começa por volta de 1600 e continua ao longo do século XVII, e até ao início do século XVIII, é hoje identificada como pintura barroca. As manifestações mais típicas da arte barroca são: grande dramaticidade, cores ricas e profundas e luzes intensas e sombras escuras. A arte barroca pretendia evocar emoção e paixão, em vez da racionalidade calma valorizada durante o Renascimento. Ao contrário dos rostos calmos das pinturas renascentistas, os rostos das pinturas barrocas expressavam claramente as suas emoções. Os artistas costumavam usar a assimetria, onde a ação ocorria longe do centro da imagem, e criavam eixos que não eram verticais nem horizontais, mas inclinados para a esquerda ou para a direita, criando uma sensação de instabilidade e movimento. Eles potencializavam essa impressão de movimento quando os trajes dos personagens eram levados pelo vento ou percorriam seu próprio caminho. As impressões gerais foram do movimento. Outro elemento importante da pintura barroca foi a alegoria. Cada pintura contava uma história e tinha uma mensagem, muitas vezes criptografada em símbolos alegóricos que se esperava que um observador instruído conhecesse e lesse.

Teoria da arte na era barroca

Uma teoria artística desenvolvida do período barroco não foi criada nem na Itália, nem na sua terra natal, nem em outros países. Apenas alguns traços característicos do Barroco foram descritos nas obras de seus contemporâneos: Marco Boschini (Italiano) russo, Pietro da Cortona, Bernini, Roger de Pil (Francês) russo. Nas histórias de Boschini sobre os méritos da pintura veneziana, os princípios do Barroco não foram claramente formulados, mas a própria natureza das comparações e a forma de descrição indicam as preferências do autor, que ele expressou não à escultura antiga e a Rafael, mas a Ticiano, Veronese, Velázquez e Rembrandt. Boschini enfatizou o papel dominante da coloração barroca, bem como a discrepância entre a forma pictórica e a plástica. Nos comentários sobre a expressividade da pintura com mancha e sobre ilusão de óptica Ao fundir os traços, Boschini desenvolveu um tipo de visão de mundo próxima do Barroco.

Pietro da Cortona compara as pinturas da época barroca não com a tragédia, típica das pinturas do classicismo, mas com um poema épico e sua inerente amplitude narrativa, muitos temas diferentes, colorido e composição livre. Em disputas acadêmicas com Andrea Sacchi, os seguidores de Pietro da Cortona defenderam as vantagens da imagem barroca, que não exigia do espectador uma análise cuidadosa de cada figura e uma “leitura” cuidadosa da trama para revelar todos os matizes de significado, mas a desdobrava diante do espectador “um efeito global radiante, harmonioso e vivo, capaz de causar admiração e espanto” .

Na Itália

A pintura barroca italiana desenvolveu-se gêneros diferentes, mas principalmente eram alegorias, um gênero mitológico. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo e os irmãos Carracci (Agostino e Lodovico) tiveram sucesso nessa direção. A escola veneziana tornou-se famosa, onde o gênero vedata, ou paisagem urbana, se tornou muito popular. O autor mais famoso dessas obras é D. A. Canaletto. Não menos famosos são Francesco Guardi e Bernardo Bellotto. Canaletto e Guardi pintaram vistas de Veneza, enquanto Bellotto (aluno de Canaletto) trabalhou na Alemanha. Ele possui muitas vistas de Dresden e de outros lugares. Salvator Rosa (escola napolitana) e Alessandro Magnasco pintaram paisagens fantásticas. Este último pertence a visões arquitetônicas, e o artista francês Hubert Robert, que trabalhou numa época em que o interesse pela antiguidade e pelas ruínas romanas aumentava, era muito próximo dele. Suas obras retratam ruínas, arcos, colunatas, templos antigos, mas de uma forma um tanto fantástica, com exageros. Pinturas heróicas foram pintadas por Domenichino e parábolas pitorescas por Domenico Fetti.

Na França

Na França, os traços barrocos são inerentes aos retratos cerimoniais de Iacinte Rigaud. Sua obra mais famosa é um retrato de Luís XIV. A obra de Simon Vouet e Charles Lebrun, artistas da corte que atuaram no gênero do retrato cerimonial, é caracterizada como “classicismo barroco”. A verdadeira transformação do Barroco em Classicismo é observada nas pinturas de Nicolas Poussin.

Na Espanha

O estilo barroco na Espanha recebeu uma concretização mais rígida e rigorosa, concretizada nas obras de mestres como Velázquez, Ribera e Zurbaran. Eles aderiram aos princípios do realismo. Nessa altura, Espanha vivia a sua "Idade de Ouro" na arte, ao mesmo tempo que se encontrava em declínio económico e político.

A arte espanhola é caracterizada pela decoratividade, pelo capricho, pela sofisticação das formas, pelo dualismo do ideal e do real, do físico e do ascético, do empilhamento e da mesquinhez, do sublime e do ridículo. Entre os representantes:

1. Francisco Zurbaran (1598-1664) - “A Infância de Nossa Senhora”, “O Menino Jesus”. O principal em suas pinturas é o sentimento de santidade e pureza; solução composicional simples, linhas suaves, esquema de cores denso, materialidade, materialidade, riqueza de cores, majestade, contenção, realidade da vida, combinada com o misticismo da fé, alta espiritualidade, intensidade emocional.
2. Jusépe Ribera (1591-1652). Os principais temas de suas pinturas são o martírio de santos, retratos de pessoas que viveram vida longa. Mas seu trabalho não é sentimental. Acima de tudo, ele não queria que seus modelos evocassem pena. Eles contêm orgulho nacional verdadeiramente espanhol. Por exemplo, “A Perna Manca”, “Santa Inês”, “Apóstolo Tiago, o Velho”.

Parecia que a pintura espanhola nunca sairia das “paredes” dos templos. Mas isso foi feito por Diego Velázquez (1599-1660), um excelente mestre do retrato psicológico e pintor de personagens. Suas pinturas se distinguem pela complexidade multifigurada de suas composições, natureza multiquadro, detalhes extremos e excelente domínio da cor. Velázquez é um grande polifonista da pintura. “Café da Manhã”, “Retrato de Olivares”, “Jester”, “Rendição de Breda” (“Lanças”), “Spinners”.

O artista que completou a “época de ouro” da pintura espanhola foi

O termo vem de uma palavra italiana usada durante a Idade Média para descrever o abandono da lógica esquemática. Posteriormente, a palavra passou a significar qualquer ideia distorcida ou processo especial de pensamento. Outra possível fonte é a palavra portuguesa "Barroco" (espanhol "Barrueco"), usada para descrever o formato imperfeito das pérolas. A história das obras neste estilo remonta a cerca de 200 anos - o desenvolvimento da época durou de 1600 a 1700.

Na história da arte, a palavra barroco é usada para descrever tudo o que é caprichoso, assimétrico, incomum, brilhante, simbolizando a rejeição das regras e proporções estabelecidas. Esta ideia surgiu graças aos críticos do século XVII. Antes final do século XIX século, este termo sempre teve conotações de grotesco, exagero, excesso de decoração, pompa. Somente em 1888 o termo passou a ser utilizado como designação de um movimento estilístico, e não como um conceito crítico ao excesso, ao excesso na pintura.

O estilo barroco de pintura com carga emocional teve um impacto profundo em todas as formas de arte, incluindo arquitetura e escultura. É na pintura que esta direção da arte se expressa mais.

História do desenvolvimento de estilo

Parte dos esforços de reforma da igreja consistiu em educar os seus membros, ajudando-os a compreender mais sobre a fé. Esta não foi uma tarefa fácil, pois a maioria das pessoas era analfabeta naquela época.

A decisão foi tomada para tornar a arte mais compreensível pessoas comuns– é necessário utilizar a criação da pintura para explicar os princípios profundos da fé a todos, e não apenas aos instruídos. Para atingir o seu objectivo, as pinturas religiosas tinham de ser inequívocas, emocionalmente atraentes e poderosas, de modo a inspirar o espectador a uma maior devoção.

Novas denominações, como os calvinistas, acreditavam que as igrejas e os cultos deveriam ser simples. No entanto, a igreja oficial e os padres decretaram que a arte e a sua beleza poderiam transmitir mais do que as suas palavras.

O estilo foi fundado por Caravaggio, o artista mais influente do início do período barroco. Ele é o responsável pela descoberta da característica principal - a iluminação brilhante da cena a partir da escuridão das obras barrocas. No futuro, esta característica tornar-se-á uma característica comum da pintura barroca.

Caravaggio atraiu críticas ao seu trabalho. Suas pinturas religiosas geraram polêmica quanto ao seu desejo de retratar pessoas sem idealização. O pintor procurou transmitir sua imperfeição. Graças a Caravaggio, houve uma ruptura com a tradição renascentista de idealismo, especialmente com temas religiosos.

Estágios de desenvolvimento

Média

O principal representante é Caravaggio. Período de desenvolvimento: 1600 – 1625.

Alto

Desenvolveu-se de 1625 a 1675. Existem várias áreas nesta fase:

Mais tarde

1675-1725. O estilo foi criado por receptores dos estágios inicial e superior.

Principais características

A arte barroca na pintura é caracterizada pelo dinamismo (sensação de movimento), que é complementado por efeitos extravagantes (linhas curvas, decoração rica, iluminação brilhante).

O Barroco em grande escala ou Barroco Pleno foi desenvolvido na parte sul Europa Ocidental, enquanto o norte da Europa Ocidental criou uma direção clássica ou discreta.
O barroco é caracterizado pela sobreposição contínua, pela intersecção de figuras e elementos.

Recursos de estilo:

Os principais temas das pinturas: transformações, martírio e morte, batalhas, momentos psicológicos intensos, qualquer forma de manifestação de ação, suas consequências. A pintura barroca pode ser considerada o auge do realismo na arte europeia. Durante o Renascimento, os artistas europeus perceberam a importância da forma e da anatomia na representação realista das figuras humanas. Os criadores barrocos conseguiram transmitir imagens de pessoas de forma realista - seus retratos tornaram-se mais elaborados, brilhantes e emocionais. Os artistas barrocos eram obcecados pela luz, pinturas que retratavam com precisão uma paisagem ou o interior de uma cena.

A pintura barroca pode ser dividida em barroco dinâmico e realista. A primeira pode ser considerada como uma continuação do Renascimento italiano, a segunda - como a arte de países com diferentes níveis de desenvolvimento da pintura, em que o foco principal está na componente física.

As pinturas de paisagens são representadas pelas obras de Jacob Isaacs van Ruisdael, da Holanda, as naturezas-mortas foram pintadas por Jean Baptiste Simeon Chardin, da França, e os retratos de Frans Hals. Suas obras são conhecidas pela apresentação e percepção especiais da realidade.

Obras notáveis

"A crucificação de São Pedro", de Caravaggio

Ao contrário do idealizado, nobre e clássico formas humanas, artistas renascentistas, preferiam pintar cenas e pessoas com seus defeitos naturais.

Peter Paul Rubens "Quatro Continentes"

O artista trouxe energia, sensualidade e dramaticidade ao Barroco, não apenas às obras religiosas. Em sua representação podem-se perceber traços barrocos de cores fortes, fisicalidade e figuras sobrepostas.

"Descida da Cruz" de Rembrandt

O pintor buscou uma transmissão natural do movimento. Sua obra transmite as características das obras do estilo barroco: emotividade da cena, maior dramaticidade, uso ativo de luz e sombra.

Significado

O estilo vibrante e reconhecível do início da era moderna teve uma enorme influência nas artes da Europa. Ele trouxe realismo, riqueza, emotividade e dinâmica à pintura - é graças a essas qualidades que as pinturas de artistas barrocos podem ser facilmente reconhecidas. Maior influência renderizado em estilo rococó.

O Renascimento chegou ao fim. Chegou o século XVII, que se tornou uma nova etapa na história da arte da Europa Ocidental. Os estados nacionais da Europa foram fortalecidos e o capitalismo substituiu o sistema feudal moribundo. A insatisfação das massas com a sua situação crescia. A crescente burguesia lutava pelo poder político. Em países com indústria e comércio desenvolvidos (Inglaterra e Holanda) revoluções burguesas terminou com a vitória da nova ordem social. A luta contra o feudalismo foi também dirigida contra a Igreja Católica, que estava à frente das forças reaccionárias.

Nesta época difícil, nova cultura, que deu ao mundo grandes cientistas - Galileu, Leibniz, Newton, filósofos - Bacon, Spinoza, Descartes, escritores - Shakespeare, Cervantes, Molière.

As artes plásticas também se desenvolveram maiores conquistas que está associado principalmente a países como Itália, Espanha, Holanda, Flandres e França.

A principal direção estilística da arte desta época foi o Barroco, nascido na Itália no final do século XVI. O nome “barroco” significa literalmente “estranho”, “bizarro”. São estes epítetos que surpreendentemente correspondem às características do novo estilo, que manteve a sua popularidade na arte da Europa Ocidental até meados do século XVIII. O barroco é caracterizado por características como paixão e vivacidade de sentimentos, emoção, chegando ao exagero, solenidade cerimonial e pompa.

Os governantes e a Igreja Católica procuraram tirar proveito disso, promovendo a sua força e poder através da arte e fortalecendo a fé do povo. É por isso que a arte barroca foi mais desenvolvida em países de religião católica.

Ao mesmo tempo, este estilo também expressou ideias progressistas sobre a diversidade e variabilidade do mundo, e uma pessoa aparece como uma personalidade complexa com seu próprio mundo de sentimentos e experiências profundos.

Pintura em arte barroca ocupada lugar especial. Nesta época surgiram novos gêneros e temas. Agora os artistas utilizavam em suas obras não apenas motivos religiosos e mitológicos, mas também temas relacionados às realidades da vida ao seu redor.

Alguns pesquisadores dividem a pintura barroca em três partes dependendo de quem era o cliente: igreja, corte, burguês. A pintura da igreja é característica da Espanha, a pintura da corte é característica da Flandres e a pintura burguesa é característica da Holanda, que naquela época tinha o sistema social mais progressista.

Mestres barrocos usaram principalmente em suas obras tons quentes e transições suaves de cores, efeitos de luz e sombra habilmente usados ​​e contrastes de tons claros e escuros. Suas pinturas são caracterizadas por um drama intenso; as poses dos heróis são instáveis, os gestos e movimentos são nítidos e exageradamente expressivos.Os olhos dos santos e mártires erguidos para o céu, os corpos incrivelmente curvos dos personagens das composições mitológicas deveriam realçar a impressão do que era retratado em a tela e fazer o espectador simpatizar com os heróis.

Pintura da Itália

Na Itália, berço do Barroco, no século XVII. A pintura a fresco floresceu. A família de artistas Carracci gozou de grande fama, criando muitas pinturas murais baseadas em motivos antigos em Roma e Bolonha. Lodovico Carracci e seus primos Annibale e Agostino Carracci fundaram em Bolonha em 1585 uma oficina-academia, onde formaram jovens artistas de acordo com um programa próprio, que visava a criação de arte monumental e cerimonial. Entre os alunos da academia, Guido Reni e Domenichino, que trabalharam em Roma em início do XVII V.

Michelangelo de Caravaggio

Um lugar significativo na pintura italiana da virada dos séculos XVI para XVII. ocupa a obra de Michelangelo da Caravaggio. Nasceu em 1573 na Lombardia. Educação Artistica recebido em Milão. Estabeleceu-se em Roma no início da década de 1590. O pintor contou com o patrocínio do Cardeal del Monte. Em 1606, durante um jogo de bola, Caravaggio brigou com um dos participantes da diversão e o matou em um duelo. Escondendo-se do governo, o artista é forçado a fugir para Nápoles e depois para a ilha de Malta. Após uma briga com um dos representantes da nobreza local, ele teve que partir para a Sicília. Em 1608-1609. Caravaggio escondeu-se de assassinos na Sicília e no sul da Itália. Em Nápoles, o artista não conseguiu escapar de um ataque durante o qual foi ferido. Em 1610, Caravaggio foi por mar para Roma, esperando o perdão do Papa, mas antes de chegar ao seu destino final foi assaltado por transportadores e morreu de malária.

O espírito rebelde de Caravaggio também se manifestou em sua obra. Em busca da verdade, o artista retrata pessoas comuns em composições religiosas e mitológicas. Esses são os heróis de seus primeiros trabalhos (“Little Sick Bacchus”, c. 1591; “Bacchus”, 1592-1593), nos quais os belos e açucarados heróis da arte acadêmica dão lugar a imagens de italianos comuns com traços faciais característicos ( olhos amendoados, lábios carnudos, cachos escuros e sedosos). A realidade dos personagens é enfatizada pelos detalhes da natureza morta: flores, frutas, instrumentos musicais. O interesse pela natureza morta é perceptível em muitas das obras de Caravaggio. Em 1596, o artista executou uma das primeiras composições deste género na história da pintura europeia - “Cesta de Frutas”.

Buscando autenticidade, Caravaggio sempre retrata em suas obras Vida real, por mais rude e impiedoso que seja (“Sacrifício de Abraão”, 1594-1596; “Judite e Holofernes”, 1595-1596). Segundo os contemporâneos, o pintor, convidado para uma exposição de estátuas antigas, permaneceu indiferente à sua beleza fria e, apontando para a multidão que o rodeava, disse que foram eles, contemporâneos comuns, que o inspiraram. Para comprovar suas palavras, o artista parou uma cigana que passava e a pintou prevendo o destino de um jovem. Foi assim que surgiu a famosa “Cartomante” (1595).

Caravaggio procura seus heróis nas ruas, em pequenas tabernas, em ambientes boêmios. Ele escreve tocadores, músicos (“Players”, 1594-1595; “Lute Player”, 1595).

Na maturidade, Caravaggio voltou-se para a arte monumental. Ele retrata os acontecimentos da História Sagrada para as igrejas de San Luigi dei Francesi e Santa Maria del Popolo de forma tão realista e verdadeira quanto cenas de gênero. Os clientes ficaram insatisfeitos com isso: a igreja não aceitou o quadro “Apóstolo Mateus com um Anjo”, porque a aparência da santa lhe parecia rude e indecente. O artista teve que pintar outro quadro.

Duas composições monumentais de Caravaggio tornaram-se verdadeiras obras-primas: “Sepultamento” (1602) e “Assunção de Maria” (1605-1606). A última obra, devido à representação realista da morte da Mãe de Deus, foi rejeitada pelo cliente - a Igreja Romana de Santa Maria della Scala. A artista interpreta o tema da ascensão de Maria como um simples drama de vida: a morte de uma mulher comum é lamentada por sua família e amigos.

A pintura “Sepultamento” é marcada por uma profunda tragédia, mas ao mesmo tempo se distingue pela contenção e veracidade, não há nela a expressão exagerada e a exaltação, característica da pintura de muitos artistas da época barroca. Ao retratar o Cristo morto e as pessoas congeladas ao seu redor, o artista busca transmitir a ideia de morte heróica e o faz de forma convincente e realista.

As adversidades da vida e os constantes confrontos com a igreja levam a uma intensificação do som trágico nas obras de Caravaggio dos últimos anos de sua vida ("A Flagelação de Cristo", 1607; "Sete Atos de Misericórdia", 1607).

O mestre italiano dá muita atenção à representação da iluminação: a ação em suas obras geralmente ocorre na penumbra, um feixe de luz vindo das profundezas atravessa o espaço da tela (a chamada iluminação de porão). Muitos artistas do século XVII. utilizaram essa técnica em seus trabalhos, o que confere dramatismo à imagem.

A obra de Caravaggio teve grande influência não só nos artistas italianos, mas também nos artistas estrangeiros que trabalharam em Roma. Os seguidores do pintor difundiram o seu estilo, denominado “Caravaggismo”, por outros países europeus.

A maioria dos caravagistas italianos não atingiu o auge da fama do grande mestre. Entre eles podemos destacar aqueles que trabalharam na primeira metade do século XVII. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, apelidado de Battistello. No início de sua carreira criativa, Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velázquez e Ribera gostavam do caravaggismo.

Muito popular no século XVII. em Nápoles foi utilizado por Salvator Rosa, cujo nome está associado ao aparecimento de paisagens românticas na pintura.

Salvador Rosa

Em 1615, nasceu um menino na casa do agrimensor e arquiteto Vitantonio Rosa, na pequena cidade de Arenella, perto de Nápoles. Eles o chamaram de Salvador. Das janelas da dilapidada propriedade Casaccio havia uma vista maravilhosa de Nápoles e do vulcão Vesúvio. Ao redor da aldeia havia muitos lugares que encantavam pela sua beleza: a alta rocha de San Elmo, a fortaleza de Borgo di Arenella, construída durante o reinado de Carlos V, as colinas de Vomero e Posilipo, a ilha de Capri, a costa de o Golfo de Nápoles com águas azuis transparentes. Todas essas imagens serão posteriormente refletidas integralmente nas pinturas de Salvator Rosa. Desde cedo, o futuro artista procurou captar em pequenos pedaços de papel as imagens da natureza que o entusiasmavam.

Percebendo no filho o desejo pelo conhecimento, pela ciência e pela arte, seus pais decidiram matriculá-lo no Colégio Jesuíta da Congregação Somasca, localizado em Nápoles. Ali Salvator Rosa recebeu uma educação variada: estudou literatura clássica, estudou gramática, retórica, lógica. Entre outras coisas, recebi educação musical, aprendeu a tocar harpa, flauta, violão e até tentou compor pequenas obras musicais (são conhecidas as serenatas-doncellas que escreveu). Algumas serenatas eram tão populares entre os napolitanos que as cantavam dia e noite sob as janelas dos seus amantes.

Depois de algum tempo Salvator Rosa deixa a faculdade e retorna para sua cidade natal Arenella onde conhece o artista local Francesco Fracanzano ex-estudante Mestre espanhol da pintura Jusepe Ribera, que gozava de grande popularidade naquela época. Depois de ver as pinturas de Francesco, Salvator faz várias cópias delas, pelas quais merece elogios de Fracanzano, que soube discernir no jovem o talento de um verdadeiro artista e aconselhou-o a levar a pintura a sério.

A partir de agora Rosa desenha muito. Em busca de novas imagens, viaja pelas montanhas Abruzzi. Nesta época surgem paisagens com imagens dos vales do Monte Sarkio com um vulcão extinto, as grutas de Palignano, as grutas de Otranto, bem como as ruínas das antigas cidades de Canusia e Brundísia, as ruínas do arco e do anfiteatro de Benevento.

Lá, nas montanhas Abruzzi e na Calábria, o jovem artista conheceu ladrões vagabundos, entre os quais estavam aqueles que foram expulsos da sociedade por pessoas “respeitáveis” por seus pensamentos ousados ​​​​e amantes da liberdade. O aparecimento desses bandidos chocou tanto Salvator que ele decidiu capturá-los em seu álbum. Suas imagens foram então utilizadas nas composições posteriores do mestre já maduro (aqui convém relembrar a gravura da suíte Capricci, que mostra a captura de um jovem por ladrões liderados pelo cacique), e também se refletiram em pinturas retratando cenas de batalha.

A viagem foi fecunda e significativa para o desenvolvimento da criatividade paisagística do jovem pintor. Durante suas viagens, ele fez muitos esboços de vistas da natureza italiana. Depois transferidas para pinturas, essas paisagens são extraordinariamente realistas, vivas e naturais. Parece que a natureza adormeceu apenas por um momento. Parece que em um segundo tudo ganhará vida, soprará uma leve brisa, as árvores balançarão, os pássaros cantarão. As paisagens de Rosa contêm enorme poder e expressão especial. As figuras de pessoas e edifícios, fazendo parte de um todo único, combinam-se harmoniosamente com imagens da natureza.

A primeira exposição de Salvator Rosa aconteceu em Nápoles. Um dos que notou e apreciou o trabalho do jovem artista foi o famoso mestre pintura monumental Giovanni Lanfranco, que comprou para si diversas paisagens na exposição.

Em meados dos anos 30. Século XVII Salvator Rosa muda-se para Roma - a capital do mundo Artes visuais, onde reinam o barroco e o classicismo. Foi em Roma que Rosa conheceu a obra de tais grandes mestres pinturas como Michelangelo, Rafael, Ticiano, Claude Lorrain. Seu estilo de escrita influenciou muito a formação método criativo e técnicas artísticas e visuais de Rose. Isso é mais perceptível em pinturas com paisagens marítimas. Então, " Porto Maritimo"Escrito nas melhores tradições de C. Lorrain. Porém, o jovem artista vai além do professor. A sua paisagem é natural e concreta: as imagens ideais, até abstractas, de Lorena são aqui substituídas pelas figuras de pescadores comuns de Nápoles.

Poucos meses depois, Rosa, gravemente doente, deixa a exuberante e bela capital da Itália. Ele voltou apenas em 1639. No verão deste ano, foi realizado um carnaval em Roma, no qual Rosa atuou como ator viajante sob o disfarce de Coviello (um plebeu que não aceitou seu destino). E se outros Coviello tentavam ao máximo ser o mais verdadeiros camponeses possível, então Rosa tocava perfeitamente sua máscara, compondo toda uma performance e mostrando-o cantando e tocando violão, alegre, sem desanimar diante de nenhuma circunstância e das adversidades da vida. homem jovem. A ação carnavalesca aconteceu na Piazza Navona. Salvator Rosa com um pequeno grupo de atores saiu em uma carroça ricamente decorada com flores e galhos verdes. O sucesso de Rose foi enorme.

Terminado o carnaval, todos tiraram as máscaras. Imagine a surpresa de quem o rodeava quando se descobriu que sob o disfarce de camponês estava ninguém menos que Salvator Rosa.

Depois disso, Rosa decidiu começar a atuar. Não muito longe da Porta del Popolo, numa das vilas vazias, abre o seu próprio teatro. O conteúdo das peças encenadas sob a direção de Rosa não é conhecido pelos críticos de arte e historiadores. Porém, há fatos que falam por si: após a estreia da peça, em que os atores ridicularizaram o teatro da corte dirigido pelo então famoso arquiteto e escultor Lorenzo Bernini, alguém contratou assassinos para Rosa. Eles o esperaram perto de sua casa.

Felizmente, a tentativa de assassinato não ocorreu - o jovem sobreviveu. No entanto, devido a estas circunstâncias, ele foi forçado a deixar Roma novamente.

Tendo respondido ao convite do Cardeal Giovanni Carlo Medici, Rosa vai para Florença. Aqui o artista cria
o famoso “Autorretrato”.

A tela distingue-se pela sua execução única. O jovem apresentado no retrato parece um tanto angular. No entanto, sente-se nele uma energia efervescente, uma extraordinária força de vontade e determinação. Na pintura, um jovem se apoia em uma prancha com uma inscrição em latim: “Avt tace, Avt Loqver meliora Silentio” (“Ou cale-se ou diga o que é melhor que o silêncio”). Esta inscrição soa como o pensamento de toda a obra de arte e ao mesmo tempo como o credo do jovem retratado na tela (e, portanto, do próprio pintor).

O artista domina com maestria o jogo de luz e sombra. A expressividade da imagem é alcançada justamente pelo efeito de sombra, transformando-se de forma nítida e às vezes até inesperada em pontos de luz.

Não é por acaso que a figura de um jovem se situa contra o fundo do céu noturno: a imagem de um jovem orgulhoso e independente, com roupas escuras, destaca-se contra um fundo claro e, portanto, torna-se mais próxima e compreensível para o espectador .

As famosas sátiras de Rose foram criadas na mesma linha, entre as quais um lugar especial é ocupado por “Poesia”, “Música”, “Inveja”, “Guerra”, “Pintura”, que se tornou uma espécie de hino do jovem escritor e artista . Aqui o autor diz que os pintores, sendo servidores de uma das irmãs da arte - a criatividade artística e visual, devem ser versados ​​em história, etnografia e ciências exatas. O estilo de Rose na poesia, assim como na pintura, manifestou-se na sua totalidade. Seus poemas são enérgicos, impetuosos, emocionais e em alguns lugares muito rudes e ásperos. São uma espécie de oposição à maneira bonitinha e artificialmente teatral de construir e soar formas poéticas que se desenvolveu naquela época na literatura.

Salvator Rosa permaneceu em Florença até 1654. Sua casa, segundo as lembranças de seus contemporâneos, foi o local onde mais pessoas famosas: poeta R. Giambatisti, pintor e escritor F. Baldinucci, cientista E. Torricelli, professor da Universidade de Pisa G. B. Ricciardi.

Uma das ideias centrais da arte do cotidiano barroco é “ensinar o espectador ou leitor de forma discreta, ensinar através da beleza”. Seguindo essa regra tácita, os artistas criaram telas, ao olhar para as quais o espectador tinha associações muito específicas, evocando imagens de heróis literários. E vice-versa, segundo os escritores do período barroco, uma obra poética deve ser tal que, após a leitura, apareçam diante dos olhos do leitor imagens pitorescas, luminosas e coloridas.

Quase todo o trabalho artístico e visual de Rosa é baseado nas imagens literárias que ele criou. É exatamente assim que muitas pinturas foram pintadas. contos de fadas e telas com cenas de batalhas surgidas após a criação das sátiras “A Bruxa” e “Guerra”.

A tela chamada “Mentiras” é uma boa ilustração para o poema “Tiro o blush e as tintas do rosto”. Perceptível aqui é a semelhança entre o personagem principal da imagem e o próprio autor. Salvator Rosa demonstra excelente domínio da técnica de pintura na transmissão de expressões faciais e gestos. A trama é baseada em um episódio em que dois atores conversam nos bastidores de um teatro após uma apresentação. O tom de toda a obra é dado por transições inusitadas de luz para sombra e pelo uso de tintas de uma determinada cor (o fundo é marrom escuro, as roupas amareladas do ator simbolizam mentiras e engano). De particular importância é o olhar de um dos atores, dirigido não ao interlocutor, mas a algum lugar ao lado. É como se a pessoa estivesse tentando esconder seus pensamentos do amigo.

A ideia central da tela pode ser definida pelas palavras de W. Shakespeare, que se tornou uma espécie de lema da arte barroca, quando dizia que as pessoas são atores no palco da vida. A técnica principal imagem artística realidade e homem em produção teatralé um engano. É daí que surge a ligação entre o conceito de mentira e a imagem de um ator dramático que coloca uma máscara durante uma performance na pintura de Rosa.

A ideia da possibilidade da existência de um super-homem dotado de muitas habilidades manifesta-se mais claramente nos retratos de Salvator Rosa. Assim é o “Retrato de um Homem” (“Retrato de um Bandido”), em que um homem aparece diante de nós com um olhar penetrante, penetrante e penetrante e um sorriso cáustico congelado nos lábios. Esta imagem não pode ser considerada definitivamente inequívoca. Há algo de alarmante no olhar do vagabundo e alertando a nós, espectadores, sobre o caráter forte, determinado e orgulhoso deste homem, cujas emoções podem irromper e vir à tona a qualquer momento. O retrato de um bandido revela-se mais complexo do que o jovem aberto e com inclinações românticas da tela “Autorretrato”. A ambigüidade na interpretação da imagem surge devido à combinação e disposição especial de luz e sombra na tela. A expressividade incomumente brilhante do retrato é alcançada pelo uso magistral técnica de pintura e o uso de cores contrastantes (chapéu escuro e fundo claro, camisa branca e casaco de pele preto).

Os críticos de arte afirmam que o “Retrato de um Homem” é o mesmo autorretrato. Aqui o autor, como ator profissional, se testa no papel de um bandido, pronto a cada segundo para lutar contra seus inimigos. Os contemporâneos escreveram que aqui (assim como em “Autorretrato”) o caráter do próprio artista é amplamente revelado - um rebelde com um caráter decidido e forte. O herói do filme não é mais um personagem abstrato, mas uma pessoa real, em cuja alma fervem paixões tempestuosas.

A obra de Salvator Rosa é a etapa inicial da formação e desenvolvimento de uma nova forma pictórica – a pintura de paisagem. As obras assim construídas combinam elementos que realmente existem na vida cotidiana e aqueles que são ficcionais.

Particularmente interessante e reveladora é a obra de Rosa intitulada “Paisagem com Ponte”, atualmente conservada na Galeria Pitti, em Florença. A tela mostra uma pequena paisagem com uma ponte e uma rocha alta erguendo-se imediatamente atrás dela em forma de arco. Dois viajantes estão viajando ao longo da estrada. Eles aparentemente se perderam em um lugar desconhecido para eles. Eles pedem informações a um cara maltrapilho. Ao longe, duas figuras estão escondidas atrás de uma pedra. O sol foi atrás da nuvem. Está escuro perto da ponte; por trás de cada arbusto ou pedra, um transeunte pode ser atacado por ladrões, escondendo-se da justiça e buscando sozinho a verdade.

Talvez esta possa ser a interpretação do enredo da imagem. Nele se cria a impressão de ansiedade e de uma certa ambigüidade graças ao uso magistral que o artista faz da técnica de combinação de pontos de luz e sombras. A luz solar, bem visível ao longe, no fundo da composição, é gradativamente substituída na tela por sombra e escuridão, causando ao espectador uma sensação dolorosa e uma premonição de perigo.

A ponte retratada na fotografia, assim como o arco rochoso que sobe, a mudança de luz e sombra - tudo confere à paisagem um dinamismo extraordinário, dando-lhe vida.

Os contemporâneos da artista têm falado repetidamente sobre a presença e predominância de elementos românticos na obra de Rosa. Eles também estão presentes em “Paisagem com Ponte”: um vale luminoso afogado pelos raios do sol e rochas escuras e sombrias perto da ponte, cheias de ansiedade.

Muitas vezes a natureza parece ser dominante na composição global. Além disso, este elemento é significativo para animar a imagem e criar um certo clima e associações para o espectador. Na pintura “Fright”, uma expressividade especial é alcançada pela fusão de figuras humanas e da natureza em um único todo. As pessoas agem aqui como parte integrante do mundo vivo.

Um clima especial na paisagem é criado pelo contraste de luz e sombra, fazendo com que lugares apareçam na imagem, como se fossem arrancados da escuridão por um raio de luz. A sensação de ansiedade também é causada por uma determinada posição das figuras. O giro dos corpos, as expressões faciais e os gestos das pessoas utilizadas pela artista, as cores expressivas e densas evocam no espectador uma sensação de ansiedade e perigo iminente.

Esta pintura está atualmente guardada na Galeria Pitti em Florença.

Salvator Rosa é o criador de um tipo de paisagem filosófica. Um exemplo notável é a famosa “Paisagem Florestal com Três Filósofos”. A natureza aqui não apenas dá o tom para a composição geral, mas também expressa sentimentos, emoções, Estado de espirito três homens discutindo, talvez, sobre o sentido da vida terrena e a vaidade humana cotidiana. A expressão extraordinária é expressa por árvores poderosas curvadas ao vento, nuvens que se movem rapidamente que cobrem quase completamente o céu transparente e pessoas gesticulando tentando provar algo umas às outras. Dinâmica e emotividade especial são dadas à imagem por uma mudança brusca nos pontos claros e escuros.

O estilo de pintura ousado, às vezes até um tanto áspero, de Rose que emociona o espectador (contraste de luz e sombra, detalhes da paisagem, expressão vívida da composição geral) foi posteriormente continuado na arte por artistas românticos.

Quase todas as naturezas-mortas criadas por Rosa se distinguem pelo mesmo caráter ansioso e rebelde. Naquela época, na Itália, as naturezas mortas de Paolo Porpora e Giuseppe Recco eram muito populares. Suas telas atraíram o espectador pela realidade quase tangível das imagens retratadas. Parecia que as flores, os peixes, as frutas não eram desenhados, mas simplesmente transferidos para a parede, colados nela, pareciam tão vivos.

Seguindo o princípio da arte barroca (literariedade das obras de arte), Salvator Rosa criou naturezas mortas repletas de conteúdo filosófico. Os objetos constantes de sua atenção eram livros antigos em encadernações dilapidadas, vários instrumentos musicais, coleções de música, instrumentos de observação das estrelas e quase sempre - uma caveira, simbolizando a vã vaidade da vida terrena - Vanitas (do latim “vaidade das vaidades”).

Salvator Rosa é considerado um mestre na representação de cenas de batalha. Aprendeu a pintar batalhas na oficina de Agnello Falcone (1607-1656). Nas telas de Falcone é impossível encontrar personagens principais e secundários. Todas as imagens formam um todo único e estão subordinadas a uma tarefa: criar uma imagem real que transmita a natureza de uma determinada batalha sem qualquer exagero.

A mesma maneira é característica de Rose. O seu apelo ao tema das cenas de batalha está associado à conduta dos países da Europa Ocidental na Guerra, mais tarde denominada Guerra dos Trinta Anos.

O teatro de operações militares de Salvator Rosa é incrivelmente expressivo e, via de regra, está localizado até o horizonte, tendo como pano de fundo edifícios destruídos e congelados no silêncio. edifícios arquitetônicos(torres, palácios, templos) e um céu azul transparente, em alguns pontos coberto por nuvens brancas pouco visíveis a olho nu. O contraste do céu claro e do campo onde se desenrolam acontecimentos dramáticos com a participação de pessoas dominadas pelo ódio umas pelas outras, com rostos distorcidos pela dor ou pela raiva, realça e aguça ainda mais o eterno tema da falta de sentido e da tragédia da guerra para a humanidade.

E aqui o artista atua como um mestre maravilhoso, fluente na arte de combinar luz e sombra. Raios individuais de luz arrancados da escuridão figuras humanas e rostos fazem composição geral expressivo, incrivelmente emocional e dinâmico.

Uma das pinturas mais interessantes é a “Batalha”, que retrata a batalha entre os destacamentos rebeldes e o exército regular espanhol durante a revolta liderada por T. Masaniello. Acredita-se que Salvator Rosa tenha participado deste levante. A suposição surgiu pelo fato do próprio artista estar retratado na tela, no canto esquerdo. O palpite, além da comparação visual, também é confirmado pela inscrição na armadura deste guerreiro: “Saro” (Salvator Rosa).

Contudo, os historiadores da arte ainda não conseguem afirmar categoricamente a participação de Rosa no levante. Segundo biógrafos, Salvator Rosa estava ausente de Nápoles nesta época. Ele estava em Florença e de lá acompanhou os terríveis acontecimentos que aconteciam na cidade grande. Deve-se notar também que o artista compartilhava plenamente das opiniões dos rebeldes. E para expressar de alguma forma minha atitude em relação aos acontecimentos e aos rebeldes, resolvi me retratar em uma cena de batalha.

Em 1649, Salvator Rosa deixou Florença e foi para Roma, onde se estabeleceu no Monte Pincio, localizado na Piazza della Trinita del Monte. Das janelas da casa havia uma vista maravilhosa da Catedral de São Pedro e do Morro do Quirinal. Ao lado de Rose viviam os famosos artistas da época, Nicolas Poussin e Claude Lorrain, e não muito longe da casa do pintor ficava a Villa Medici.

Desde o aparecimento de Salvator Rosa em Florença, os moradores da rua Monte Pincio foram divididos em dois campos. Um grupo era liderado por um jovem de aparência ascética, Nicolas Poussin. Outra, que incluía músicos, cantores e poetas famosos, era liderada por Rosa.

Salvator Rosa transformou um dos cômodos de sua casa em oficina. Suas paredes foram decoradas com obras originais do artista. O mestre trabalhou constantemente, criando telas de diversos conteúdos: religiosos, mitológicos e tópicos históricos. Seu credo era o trabalho constante, o aprimoramento da tecnologia. Ele disse a todos que a “febre das estrelas” (como diriam agora os nossos contemporâneos) pode destruir até os talentos mais fortes e brilhantes. Portanto, mesmo depois de a fama e o reconhecimento universal terem chegado ao mestre, é necessário continuar a trabalhar em si mesmo e nas suas obras.

EM período tardio O trabalho criativo de Salvator Rosa frequentemente se volta para assuntos bíblicos e antigos. Para o artista aqui o mais importante é transmitir o próprio espírito da época e suas características. O mestre está tentando, por assim dizer, reviver, trazer de volta à vida tudo o que existia muito antes daqueles cujas vidas serviram de fonte de histórias fabulosamente belas e instrutivas.

Estas são as pinturas bastante conhecidas “Justiça Descendente aos Pastores” (1651), “Odisseu e Nausicaa”, “Demócrito e Protágoras” (1664), “O Filho Pródigo”.

A pintura “Justiça Descendente aos Pastores” foi pintada de acordo com história famosa"Metamorfoses" de Ovídio. Na tela, o espectador vê a deusa da Justiça, entregando aos pastores uma espada e uma balança da justiça. A ideia central da pintura pode ser definida da seguinte forma: a verdadeira justiça só é possível entre as pessoas comuns.

“Odisseu e Nausicaa”, “Demócrito e Protágoras” foram escritos por Salvator Rosa ao chegar de Veneza, onde conheceu pinturas de pintores venezianos (incluindo Paolo Veronese, em cujas melhores tradições foram criadas as obras acima).

No filme “O Filho Pródigo”, o enredo, em comparação com a parábola do Evangelho, revela-se um tanto simplificado e mundano. Assim, o herói é apresentado como um simples camponês napolitano. Também aqui não há um ambiente magnífico: o filho pródigo volta-se para Deus rodeado de carneiros e de uma vaca. O enorme tamanho da tela que representa uma cena ligeiramente modificada evoca um sentimento de zombaria e sarcasmo sobre o que é considerado na sociedade bom gosto. Rosa aparece aqui como sucessora das ideias do realismo, cuja formação começa com a obra de Michelangelo da Caravaggio.

Em 1656, Salvator Rosa iniciou os trabalhos num ciclo composto por 72 gravuras, denominado “Capricci”. As imagens retratadas nessas folhas são de camponeses, ladrões, vagabundos, soldados. Alguns detalhes das gravuras são característicos dos primeiros trabalhos de Rosa. Isso sugere que, muito possivelmente, o ciclo incluía esboços feitos na infância, bem como durante uma viagem às montanhas dos Abruzos e à Calábria.

O grande mestre da pintura, poeta, maravilhoso ator e diretor de espetáculos dramáticos faleceu em 1673.

Um proeminente representante do movimento romântico na pintura italiana do século XVII. houve Alessandro Magnasco, que trabalhou em Milão e Florença. Pintou retratos e composições sobre temas mitológicos e religiosos, mas seus gêneros favoritos eram paisagens e cenas cotidianas.

O artista sente-se atraído por imagens de músicos, soldados, ciganos e comediantes errantes. Grande interesse apresenta uma série de pinturas sobre o tema da vida monástica (“Refeição das Freiras”, “Funeral de um Monge”). Magnasco transforma a vida comum e banal do mosteiro em uma comédia de humor negro. As figuras grotescas de monges e freiras têm proporções exorbitantemente alongadas, são deformadas e seus gestos e poses são exageradamente expressivos. O vazio da realidade monástica cinzenta é realçado pelo colorido, sustentado em tons castanhos escuros e esverdeados.

A paisagem ocupa um lugar de destaque nas pinturas do mestre. O artista retrata ruínas sombrias, florestas escuras e tempestades marítimas. Figuras humanas grotescas parecem dissolver-se nos elementos naturais, conferindo às paisagens um aspecto fantástico (“Paisagem com lavadeiras”; “Paisagem de montanha”, década de 1720; “Sermão de Santo António de Bréscia”; “Paisagem marítima”, década de 1730). Apesar da ironia presente nas imagens das pessoas, ao olhar as pinturas, o espectador sente pena dos monges, músicos e vagabundos que habitam o mundo bizarro da pintura de Magnasco.