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Foto: ANTON ZEMLYANY Estilo: KATYA KLIMOVA

É fácil saborear a vitória na linha de chegada; é muito mais difícil ser o primeiro a largar a corrida. Mas as dificuldades nunca incomodaram Kristina Krasnyanskaya. Conhecemo-nos com a fundadora do Heritage, que celebrou recentemente o décimo aniversário da sua galeria e há muito provou ao mundo que existe design na URSS.

“Design na União Soviética? Você está brincando?" — a dona da galeria Heritage relembrou para o resto da vida a exclamação de surpresa do fundador e curador do Design Miami / Basel Craig Robins. Há seis anos, quando ela decidiu mostrar o design soviético em Basileia, outras questões surgiram, resumindo-se à notória: “Por que você precisa disso?” Mas Christina sempre soube por quê. Em geral, ela é uma daquelas pessoas que primeiro pega o hardware e só depois se joga de cabeça na piscina, então mesmo um cético não conseguiria explicar essa história de sucesso por pura sorte. “Eu não tinha ideia de como eles reagiriam conosco”, lembra o galerista. “Lembro que trouxemos uma escultura de um metro e meio de trabalhadores russos e europeus beijando apaixonadamente sob uma faixa vermelha com a inscrição: “Trabalhadores de todos os países, uni-vos!” Eles me perguntaram: “O que é isso, arte contemporânea?” Não, eu digo, não contemporâneo – 1937.” Krasnyanskaya tem certeza de que então, durante a preparação do projeto de estreia da Basileia, nada teria acontecido sem a ajuda de Yuri Vasilyevich Sluchevsky: o professor Stroganov e criador dos primeiros móveis de gabinete da URSS tornou-se seu fiel assistente e consultor. “Percebemos que quase não tínhamos mais objetos de vanguarda. Mas existe o construtivismo, que, em essência, é a vanguarda tardia. Surgiu a ideia de um diálogo entre o construtivismo e a estética dos anos 60 - período em que designers e arquitetos se voltaram para a mesma vanguarda e Bauhaus.” O plano não apenas funcionou, mas disparou com força ensurdecedora - e o galerista voltou à Rússia com elogios comentários de The Guardian, Wallpaper e The Daily Telegraph, que por unanimidade consideraram o destino do Heritage quase o evento principal da feira. “Se me dissessem que aconteceria ASSIM, eu nunca teria acreditado”, sorri o interlocutor. “Tornamo-nos pioneiros: movíamos-nos de olhos fechados no escuro.”

Christina desempenha habilmente o papel de pioneira. Tudo começou com artistas da diáspora russa. “É claro que não descobrimos a América, perdoem o trocadilho. Diante de nós estavam as galerias “Nossos Artistas”, “Elysium”, “Aquarela”. Em 1995, a Galeria Tretyakov acolheu uma importante exposição “Eles levaram a Rússia com eles” - pinturas, gráficos e materiais de arquivo recolhidos pelo professor francês René Guerra. Surgiu toda uma camada de nomes: Isaev, Pozhedaev, Polyakov, de Stael. Mas uma coisa é ter uma exposição num museu, outra bem diferente é ter uma galeria privada que precisa de ganhar dinheiro. Hoje, os colecionadores procuram pinturas de artistas emigrantes, mas poucas pessoas as conheciam. Eles conheceram Chagall, Kandinsky, Jawlensky, Goncharova e Larionov. Mas assim que você deu um passo para o lado, surgiram todas as manchas brancas. Então tínhamos muitas tarefas, e a principal delas era educativa: explicar quem são todas essas pessoas e por que o trabalho delas é o investimento certo. E assim abrimos a exposição de Andrei Mikhailovich Lansky. Pequeno, mas muito volumoso: primeiras obras, mosaicos, colagens, abstração lírica. A reação foi simplesmente uau! Este é um dos meus projetos favoritos: em primeiro lugar, é uma estreia, e Em segundo lugar, muito indicativo – criamos muitas dessas exposições sincréticas ao longo de dez anos.”

Aliás, por volta do décimo aniversário: foi comemorado no Heritage com um jantar realizado por Vladimir Mukhin e uma exposição dedicada ao Art Déco soviético. “A curadora Sasha Selivanova e eu escolhemos um pequeno período de tempo - de 1932 a 1937”, explica o galerista. “Decidimos mostrar um quase estilo: não mais vanguardista, mas ainda não império.” Os preparativos para junho em Basileia também estão a todo vapor. Krasnyanskaya terá sorte com a arte de propaganda dos anos 20 e 30: móveis, porcelanas, tapetes, vidros. Também há planos para produzir réplicas de móveis soviéticos e projetos com instituições artísticas famosas. “Quero colaborar com a Fundação Prada”, diz ela com ar sonhador. Parece alto, mas nada é impossível para Christina. Norman Foster admira suas exposições, e os melhores museus de Moscou confiam suas coleções ao Heritage. Ela é curadora de uma exposição no Museu MAGA de Milão e ajuda nossos artistas a se tornarem estrelas no cenário internacional. Mesmo fora do trabalho, esta frágil menina consegue tanto que você começa a suspeitar que ela se teletransporte: hoje ela está estudando a retrospectiva de Kabakov em Londres, amanhã ela está aplaudindo Currentzis em Moscou. Só quero perguntar à banalidade infernal: “Você pelo menos às vezes descansa? Você precisa libertar sua cabeça! “Claro que é necessário”, diz ela. “É para isso que servem os aviões.” Outro dia eu estava relendo “Por Quem os Sinos Dobram”. E adivinha? O livro é perfeitamente paralelo ao nosso projeto recente sobre o tema Guerra civil na Espanha. Ah, acho que estou falando de trabalho de novo, certo?

No dia 31 de março termina a sua obra, dedicada ao oitavo aniversário da Galeria do Património. Hoje, esta galeria é a única na Rússia que trata de designs colecionáveis ​​ocidentais e soviéticos.

A proprietária do “Heritage” Kristina Krasnyanskaya disse à editora-chefe do “365” Yana Kharina qual é o fenômeno do modernismo soviético, o que há de bom nos edifícios “Khrushchev” e se os móveis dos anos 60 serão transportados valor da coleção.

Caminhando pela exposição, percebi que muitas coisas aqui me eram dolorosamente familiares. A quem se destina esta exposição: às pessoas familiarizadas com o design soviético ou às que não tiveram tempo de o conhecer?

Temos uma exposição abrangente. Claro, foi projetado para ambos os tipos de hóspedes. Por um lado, isto é interessante para as pessoas que estavam rodeadas pela situação soviética. Por outro lado, é educativo para um público mais jovem e um dos principais objetivos da nossa exposição é quebrar os padrões. Mostrar o que é soviético não é o caminho soviético.

Não é por acaso que há vários anos a galeria se concentrou no design soviético: há muitas coisas famosas, nomes que não são conhecidos não só no Ocidente, mas também aqui. Em virtude de razões históricas Tiramos uma página do contexto da nossa história da arte. Há toda uma galáxia de arquitetos, escultores e designers qualificados, que hoje são conhecidos por um círculo muito restrito de especialistas. O conceito de “design soviético” é muito amplo. Artistas de vanguarda recorreram ao design, todos tentaram fazer alguma coisa. Mas nem uma única peça de design vanguardista sobreviveu até hoje. Mas coisas da vanguarda tardia e do construtivismo foram preservadas, incluindo Boris Iofan (um dos principais representantes da arquitetura stalinista. - Nota “365”). Em nossa coleção há uma cadeira de “House on the Embankment”. O resto pode ser visto em museus.

O que é exatamente o “modernismo soviético”?

Estamos falando do estilo mais recente na história do design soviético - o modernismo. Oficialmente data de 1955-85. Quando nos lembramos do que é o modernismo soviético, há uma referência à grande arquitetura. Por exemplo, para o mesmo infeliz Rossiya Hotel demolido, que foi um dos objetos mais brilhantes do modernismo soviético. Este estilo surgiu após a morte de Stalin, quando chegou outro governo, novo culto personalidade. Ao mesmo tempo, chegou um período completamente incomum para a URSS - o chamado “degelo”, quando a “Cortina de Ferro” se abriu ligeiramente e uma corrente de vento fresco do oeste veio até nós. O avanço foi VI Festival Mundial jovens e estudantes em 1957, especialmente para quem Picasso fez a “Pomba da Paz”.

O que é apresentado na exposição?

Nossa exposição apresenta não só design, mas também fotografia, pintura, vidro de design, bronze e porcelana. A tarefa dos curadores era mostrar como essas coisas, em sua estética, estão em sintonia com o que se fazia no Ocidente. Com o fim da Segunda Guerra Mundial, houve uma necessidade urgente de reassentar os apartamentos comunitários. As pessoas estão começando a conseguir moradia própria, “Khrushchevka”. Estes mesmos “Khrushchevs” são um dos padrões negativos com os quais a maioria das pessoas associa esse período. Na verdade é muito estilo interessante, que substituiu o estilo do Império Stalinista. E os designers e arquitetos que trabalharam sob Stalin sentiram-se incomodados porque este estilo é desprovido de princípios decorativos, é mais minimalista, tem forma pesada e tem as suas raízes na ideia Bauhaz: funcionalidade, simplicidade de linhas, laconicismo, massividade.

Mas para os jovens designers era um vasto campo de actividade, onde podiam fazer nome e deixar para trás uma marca completamente nova arquitetura. E ao longo desses 30 anos, formou-se um estilo como o modernismo soviético, que estava em sintonia com o design da moda dos anos 50 e 60 no Ocidente. Os móveis volumosos de Stalin não cabiam nos novos apartamentos compactos. Aparecer novo tamanho designer de móveis e móveis. O primeiro designer da época, Yu V. Sluchevsky, que introduziu móveis de gabinete modulares, ainda está vivo. A princípio, causou terrível indignação entre o público. Mas esse móvel foi aprovado e lançado. Este estilo tem, por um lado, uma justificação socioeconómica e, por outro, esta é a estética que existia no Ocidente. Este é um período de abstração, esta é a cultura que se desenvolveu paralelamente ao realismo socialista oficial.

Há algum conceito ou nome que os visitantes da exposição precisam saber?

As exposições são feitas para dizer algo às pessoas. Se uma pessoa vem aqui e sabe tudo, então ou é um especialista na área, ou um colecionador e está procurando coisas para comprar. Em geral, em essência, as exposições são criadas para mostrar novo material. Acho que esse foi um projeto difícil para nós: tivemos que combinar coisas muito diferentes em nossa direção, e para que não virasse uma bagunça, tivemos que expor corretamente. E, claro, eu queria que as coisas dialogassem entre si. Apresentamos trabalho cedo Oscar Rabin com uma bíblia em chamas e ao lado de “A Revolta Ucraniana” de 1970. Isso é uma coisa experimental. Queremos forçar de um jeito bom esta palavra, olhe para o antigo de uma maneira nova. Havia toda uma galáxia de pessoas talentosas que faziam coisas completamente vanguardistas que se encaixariam perfeitamente no interior ocidental moderno de hoje e seria completamente incompreensível que isso fosse feito na URSS. É por isso que é valioso porque foi feito por artistas que vivem num estado fechado. Esta é uma estética paralela, uma cultura paralela.

Estou correto ao entender que a exposição foi criada para mostrar itens únicos e não itens produzidos em massa?

Sem dúvida . Quando começámos a trabalhar neste período específico, até ao final dos anos 50, a regra era que os arquitectos também fossem designers. Eles fizeram uma ótima arquitetura, também fizeram interiores. Boris Iofan, ao projetar a Casa no Aterro, também criou seus interiores. Karo Halabyan, um dos principais designers e arquitetos do estilo do Império Estalinista, ergueu não apenas o edifício do Teatro Exército soviético, mas também todos os móveis para ele. Foi inteiramente seu projeto. Foi na década de 50 que começou a divisão entre arquitetos e designers. E, claro, por trás de cada coisa existe uma pessoa que inventou. Nossa exposição contém apenas itens originais. Graças à Academia Stroganov, conseguimos encontrar o autor de cada item. Sim, eram grupos de design, porque o design começou a se despersonalizar, mas por trás de qualquer objeto existem pessoas. No entanto, isso não foi anunciado; era desnecessário.

Este mobiliário tem valor colecionável?

Os móveis dessa época já estão na moda. Tenho certeza de que em cinco anos a demanda será um pouco maior do que agora. Não direi que tenha valor de colecionador, mas pelo fato de desaparecer do mercado, será um dos principais objetos de busca. Hoje, mesmo o que estava em produção em massa é difícil de encontrar. Eles se separaram impiedosamente: alguns a levaram para a dacha, outros simplesmente a expulsaram. Mostramos aqui coisas soviéticas, não checas, romenas ou da RDA.

Os móveis são um reflexo da época. Mas do ponto de vista da tendência atual, na esteira do interesse geral nos anos 50-60, há uma oportunidade de ver o que estava acontecendo na URSS.

A exposição chama-se “Design Soviético - um fenômeno da cultura e do design do século XX”. O que é esse fenômeno?

Em geral, o conceito de modernismo soviético é uma definição fenomenal. Modernismo é um termo associado à arte ocidental no primeiro terço do século XX. O fenómeno do modernismo soviético reside também no facto de ser um estilo que pode ser integrado no contexto internacional. Há coisas que são absolutamente internacionais, sem conotações propagandísticas, sem toque totalitário ou propaganda. Essas coisas podem facilmente se equiparar a objetos de design ocidental, tanto em museus quanto para decorar apartamentos.

O que você mais gosta na exposição??

Gosto muito do sofá concha. É claro que gosto das obras de nossos artistas inconformistas, o maravilhoso díptico Viktor Pivovarov. Ele e Ilya Kabakov compraram tinta que não era adequada para pintura. Esta é uma tinta técnica, nitro esmalte, bastante fedorenta e com cheiro soviético. Fizeram trabalhos em painéis que logo viraram objetos. Ela fez isso durante seu período “abstrato”, que poucas pessoas conhecem. E os trabalhos de Kabakov, aqui apresentados, também foram feitos nesta técnica de nitro-esmalte. Gosto muito de Erik Bulatov e Oleg Vasiliev. Feito de vidro – um deslumbrante vaso decorativo “Eletrificação” da artista Helena Põld. O vaso pertence ao vidro do designer, só existem coisas assim em dois museus. Adoro muito as esculturas de Nikolai Silis e considero-o o Henry Moore soviético. É surpreendente que a estética de seu trabalho seja muito próxima, apesar de Silis não ter ideia da existência de um escultor como Henry Moore. Curiosamente, ao mesmo tempo, em diferentes partes do mundo, absolutamente pessoas diferentes fez a mesma coisa.

Vamos olhar para 10 a 15 anos à frente. É possível que você faça uma exposição dedicada ao design dos anos 90 e 2000?

Não, e vou lhe dizer por quê. Depois de 1985, a produção nacional praticamente desapareceu, as importações substituíram tudo. Neste ponto, nossa atividade de design está concluída. Os anos 90 geralmente não são o período mais favorável da história recente; pouco foi produzido.

E agora?

Infelizmente não. Provavelmente, na Academia Stroganov existem alunos talentosos que fazem o bem trabalhos de formatura. Mas não vai mais longe. Meu sonho é criar um grupo de designers que criem coisas dignas com personalidade própria, que sejam dignas de aparecer em Basileia.

Kristina Krasnyanskaya é filha do famoso empresário Georgy Krasnyansky (ex-sócio de Filaret Galchev, agora dirige o conselho de administração da empresa de carvão Karakan Invest). Ela supervisiona três coleções ao mesmo tempo - familiar, pessoal e de galeria. “O acervo familiar começou a tomar forma há cerca de 15 anos. De alguma forma, caímos numa tendência geral quando todos começaram a comprar arte”, diz Kristina Krasnyanskaya. - Mas há algumas coisas que agora estou comprando para mim. Não é um processo fácil porque você tem que se separar constantemente como colecionador e como galerista.”

Os Krasnyanskys, como muitos colecionadores russos, começaram com o clássico russo pinturas XIX-XX séculos - Aivazovsky, Zhukovsky, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. A Heritage Gallery, que Christina abriu em Petrovka em fevereiro de 2008, inicialmente especializada em artistas da diáspora russa. Mas há cerca de cinco anos a menina se interessou por design. “Os pais estão menos interessados ​​em design, embora também tenham itens modernos escandinavos. Parece-me que na Rússia as pessoas apenas começaram a mergulhar neste tema”, diz Christina.

Ela própria levou a sua paixão ainda mais longe e acrescentou objetos criados na URSS ao design europeu. Quando nos conhecemos no Heritage, na exposição “Modernismo Soviético - um fenômeno de cultura e design do século 20”, ali estavam expostas coisas de sua coleção pessoal.

Segundo Krasnyanskaya, antes dela, os colecionadores russos praticamente não lidavam com móveis soviéticos como tais.

A tarefa deles projetos de museu a menina vê isso como “mostrar o que é soviético de uma forma não-soviética”. Ela gosta de integrar o design soviético num contexto internacional.

Para isso, Krasnyanskaya leva há vários anos itens de sua coleção para a prestigiada feira internacional Art Basel Miami. Muitas das exposições são verdadeiras raridades, e os curadores ocidentais apreciam isso, diz ela: “Tenho 23 objetos de uma casa comunal em Smolensk no final dos anos 1930, feitos pelo escultor de Leningrado Krestovsky, esta é uma grande transição do construtivismo para a arte tardia decorativo. Recentemente expus-os na Art Miaimi Basel – foi um projecto dedicado ao fenómeno cultural das casas comunitárias. Depois disso, o Victoria and Albert Museum de Londres me abordou com uma proposta para fazer um projeto conjunto. Os estrangeiros reagem instantaneamente a tudo relacionado ao design de propaganda.”

Sua coleção de design já conta com centenas de peças. “Há uma coleção bastante impressionante de móveis - objetos construtivistas de Boris Iofan de 1929, em particular, sua famosa cadeira da House on the Embankment, itens exclusivos de design de propaganda da casa comunal de 1937; há peças de autor do estilo do Império Stalinista, há o art déco soviético de Nikolai Lansere, que será exposto aqui em maio - e o último grande estilo que está em exposição agora: o chamado modernismo soviético, de 1955 a 1985 , - Christina lista, caminhando Hall de exibição. - Logo no início deste período surgiram os edifícios Khrushchev, tão odiados por muitos - e com eles um novo estilo. Em primeiro lugar, trata-se de móveis de pequeno porte que seriam convenientes em apartamentos pequenos.”

O design modernista soviético, deve-se dizer, raramente é encontrado no mercado - de acordo com Krasnyanskaya, com exceção de raridades com qualidade de museu, os móveis da década de 1960 eram frequentemente jogados em aterros, queimados ou enviados para dachas. Mas ela teve sorte com seus parceiros: “Quando começamos a trabalhar neste tema, trabalhamos em estreita colaboração com a Academia Stroganov, com base na qual foi criada uma oficina experimental. Lá eles fizeram amostras que foram exibidas em três grandes exposições dedicadas ao novo design - 1958, 1964 e 1967."

“Quando fomos pela primeira vez ao Art Miami Basel, Stroganovka nos ajudou a encontrar coisas dessas exposições, que após as mostras foram distribuídas nas dachas e apartamentos de quem tinha condições de comprá-las. Então acabamos com coisas desses apartamentos – protótipos feitos com materiais de maior qualidade do que na produção em massa. Mas também não abrimos mão dos móveis produzidos em massa, porque hoje não sobrou quase nada deles.”

Os móveis soviéticos de Krasnyanskaya não parecem soviéticos, em grande parte devido à restauração de alta qualidade. “Não temos o objetivo de replicar os mesmos tecidos usados ​​no original”, diz ela. - Claro, selecionamos de forma que o espírito da época, o sentimento da época sejam preservados - mas essas coisas recebem uma nova interpretação graças a algum momento do jogo. Por exemplo, estas cadeiras do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 são estofadas em tecido Loro Piana, o que seria difícil de imaginar na União Soviética.” As cadeiras fazem parte de seu próprio acervo e já participaram de diversas exposições.

EM Novo apartamento Krasnyanskaya também tem um par de poltronas soviéticas – ela vê “um certo chique” nelas. Muitas peças de mobiliário modernista apresentadas em sua galeria podem ser facilmente confundidas com o design escandinavo, muito popular em Ultimamente no mercado de arte.

Nos quatro anos em que colecionou móveis e decoração, o design escandinavo das décadas de 1950 e 1960 triplicou de valor.

Kristina também vê potencial de investimento em produtos marcados como “feitos na URSS”: “É claro que o interesse pelo design soviético está crescendo. Supercoisas colecionáveis, praticamente ausentes no mercado, estão sempre em demanda e são caras. Mas tenho certeza de que as coisas que foram produzidas em massa e estão presentes nesta exposição simplesmente como um reflexo da época, mais cedo ou mais tarde também serão apreciadas.”

Talvez os objetos mais impressionantes da coleção pessoal de Krasnyanskaya apresentados aqui sejam o vidro de arte soviética. “Acredito que diferentemente do porcelanato, esse nicho ainda não foi tão popularizado. Comecemos pelo fato de que o vidro artístico foi recriado por Vera Mukhina, autora de “O Trabalhador e a Mulher da Fazenda Coletiva” e o vidro lapidado. Desde 1934, ela chefiou a oficina experimental na Fábrica de Espelhos de Leningrado. Tenho um vaso de acrílico absolutamente deslumbrante dela do final dos anos 1940”, diz ela.

Na Heritage, Christina expôs vaso de vidro final da década de 1960 com base em forma de isoladores de linha e linhas de energia gravadas em círculo. A autora é a artista estoniana Helen Põld, que trabalhou naquela oficina experimental da Fábrica de Espelhos de Leningrado. “É algo incrível – um acabamento delicado e ao mesmo tempo uma mensagem de produção”, comenta Christina. - A tiragem era muito pequena, essas coisas só existem em alguns museus. Pura arte! Ela também inclui na mesma categoria um tríptico do final da década de 1970 com o título inesperadamente relevante “Revolta Ucraniana” - vasos poderosos e expressivos feitos de vidro experimental vermelho e branco de dupla camada, que lembram as obras de Emile Galle. Krasnyanskaya os encontrou em uma coleção particular na Ucrânia: “Eles não eram usados ​​na vida cotidiana - eram um objeto de arte. Havia várias instalações de produção de vidro na Ucrânia, em Kiev e em outros lugares.”

A própria Kristina nasceu em Kiev, como sua mãe, e de lá veio a primeira coisa da coleção de arte da família: uma aquarela de Taras Shevchenko com visual de Kiev - o principal poeta ucraniano também era artista. Ao longo de uma década e meia, eles conseguiram montar uma coleção de pinturas e gráficos russos em nível de museu, como diz Krasnyanskaya. Ela sonha um dia mostrar toda a família reunida em um dos principais museus. O espaço de sua galeria simplesmente não é suficiente para isso: a coleção da família Krasnyansky está armazenada em quatro depósitos - três em Moscou e um em Genebra.

Krasnyanskaya não cita o custo estimado da arrecadação, nem divulga os custos de sua formação. Sua galeria emprega cinco pessoas, mas ela, sendo crítica de arte por formação, toma sozinha todas as decisões sobre compra ou venda de objetos. A menos que você consulte outros colecionadores sobre autenticidade ou preço, se houver alguma dúvida. E ultimamente ele tem participado de leilões apenas por meio de representantes, e não pessoalmente - ele diz que o clima emocional ali é como o de um cassino, por isso você pode facilmente sair do orçamento pré-planejado.

Embora a grande exposição familiar não tenha acontecido, Krasnyanskaya está mostrando a todos exposições de sua própria coleção de objetos de design e das coleções de seus amigos do Heritage. Ela não cobra taxa de visita.

Outra característica da Galeria Krasnyanskaya são os jantares de colecionadores. “Isso é feito frequentemente no Ocidente, mas fomos um dos primeiros na Rússia. O objetivo é que colecionadores particulares exponham suas aquisições em um ambiente agradável”, afirma ao encerrar nosso passeio. - Fizemos sério programa musical para essas reuniões. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov e meu bom amigo Yuri Rozum. Não houve objetivos comerciais – apenas um gesto por parte da galeria. Qualquer colecionador, não importa o que diga, quer exibir suas aquisições.”

O Museu de Arquitetura acolhe a exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo." Isto mostra itens raros mobiliário e artes decorativas do século passado. A idealizadora da exposição e diretora da galeria Heritage, Kristina Krasnyanskaya, contou ao VD sobre a correta coleção de itens soviéticos, as tendências do mercado de arte atual e a necessidade de um Museu de Design em Moscou.

Cristina Krasnyanskaya. Fonte: promoção

Obras-primas do design soviético
Nossa exposição difere de inúmeras exposições sobre os temas História soviética e a vida cotidiana. Não se trata da vida cotidiana, trata-se de arte. Os corredores exibem itens originais muito raros e únicos. Personagem principal, claro, móveis. Mas paralelamente também são apresentadas porcelanas, vernizes e têxteis desse período.

O design soviético hoje certamente merece um museu e é digno de se tornar um item de coleção. É claro que quando pinturas impressionistas ou obras-primas russas são vendidas no leilão da Sotheby’s, toda a gente fala sobre isso, os nossos meios de comunicação escrevem sobre isso. Quando acontecem leilões de projetos, há muito menos informação e ressonância. Entretanto, tanto os preços como as obras-primas encontradas nestes leilões não são inferiores ao nível.

Pavilhão da URSS em Exposição internacional 1939 em Nova York. . Fonte: fundo Museu do Estado arquitetura em homenagem a A.V. Shchuseva

Eras e estilos
Estamos constantemente a tentar mudar a atitude existente em relação ao design soviético como algo que traz consigo energia negativa. Claro que foi um momento dramático. Mas quem começa a colecionar se envolve, vê as nuances, percebe como o tempo mudou o estilo de vida. Por exemplo, a era após a morte de Stalin é a “era do degelo”, a época da era Khrushchev, novos padrões. Surgiram habitações de pequeno porte, para as quais foi necessário adaptar os móveis. Observar essa mudança de forma é incrivelmente interessante.

exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo." Fonte: promoção

Luxo stalinista
Provavelmente a seção mais espetacular da exposição é o estilo stalinista do Império Soviético. Mostramos itens raros do Teatro do Exército Soviético e um vaso experimental da oficina de Mukhina da década de 1940, desenhos de vasos de Boris Smirnov (o designer favorito de Stalin)…

exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo." Fonte: promoção

E mesmo neste mundo pretensioso e imperial, aconteceram incidentes surpreendentes. Tomemos, por exemplo, o impressionante painel de Isidore Frikh-Hare, que se baseia no princípio do ícone de todos os santos. Uma vez tivemos a sua escultura de um metro e meio de trabalhadores russos e europeus beijando-se apaixonadamente sob uma faixa vermelha com a inscrição “Trabalhadores de todos os países, uni-vos!” Lembre-se, todos ficaram indignados com a representação de policiais se beijando, feita no início dos anos 2000 – e aqui estamos em 1937!

Pavilhão da URSS em Feira mundial em 1958 em Bruxelas. Fonte: fundo do Museu Estadual de Arquitetura em homenagem a A.V. Shchuseva

Quem precisa das coisas dos edifícios de Khrushchev?
Há sempre um elemento de memória pessoal em colecionar coisas. Vejamos, por exemplo, os móveis da década de 1960, que agradam à minha geração de 30 anos. Mas meus pais não gostam nada dela. Eles tiveram que morar com ela, não em melhores condições. Mas para o conhecedor ou colecionador sério, além da nostalgia e das lembranças, também há tendências no mercado de arte. As pessoas que estão, como dizem, na moda sabem que a década de 1960 está agora na crista de uma onda. Tivemos a mesma coisa, só que muita coisa foi esquecida. Felizmente, Yuri Vasilyevich Sluchevsky, um dos principais designers da época, ainda está vivo.

exposição “Design Soviético. Do construtivismo ao modernismo."

Top model, apresentadora de TV e atriz. Depois de receber o título de “Melhor garota da Rússia” pela Fashion TV, ela voou para conquistar Paris. E ela conseguiu - Polina assinou contratos com as Casas Dior, Roberto Cavalli, Jitrois, Levi’s. E como modelo de beleza, Polina conseguiu trabalhar com L’Oreal e Feraud, tornando-se o rosto de sucesso campanhas publicitárias marcas famosas.

Há alguns meses estive num evento dedicado à abertura da exposição do famoso artista da diáspora russa Georgy Artemov no Heritage. Todos os boêmios de Moscou e pessoas influentes da capital se reuniram nesta galeria. Fomos recebidos pelo dono da galeria cujo nome é amplamente conhecido no meio empresarial e da moda garota linda com um sorriso encantador, - Kristina Krasnyanskaya. Naquela mesma noite tive a ideia de gravar uma entrevista com Christina, falar com ela sobre sua galeria, como é difícil conseguir uma vocação e, claro, sobre o trabalho dos artistas russos.

: Cristina, estou feliz em ver você. Todo mundo conhece a tradução do nome da galeria “Heritage”, que significa “Patrimônio”. Sei que a galeria só acolhe exposições de artistas russos, qual o motivo desta escolha?

Cristina Krasnyanskaya: Porque a galeria tem um conceito oficial. A questão é que trabalhamos com artistas da diáspora russa, com aqueles que imigraram durante a revolução ou antes dela. Claro, a criatividade deles é nossa herança. Infelizmente, foi perdido antes de um certo período. A tarefa da nossa galeria é restaurar isso, mostrando ao mundo que se trata de artistas russos. Por exemplo, até 1985, Marc Chagall assinava em todas as galerias como Artista francês. Naquela época, esqueceu-se que ele veio da Rússia. Hoje em dia as peças de Chagall do período russo são muito mais valorizadas no mercado do que as da França. Ele viveu vida longa artista famoso, com quase 100 anos, e trabalhou até o fim da vida. Vale sempre lembrar que nosso “Patrimônio” russo é uma lista enorme de nomes famosos como Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev e menos artista famoso: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun e muitos outros, que recentemente se tornaram uma descoberta para colecionadores. Em geral, existe um conceito de arte do mercado étnico. Este grupo de artistas vai além disso. No entanto, é um facto amplamente conhecido que os russos tentam comprar Arte russa, Escandinavos - Escandinavos, Americanos - Americanos e assim por diante.

: Qual é a razão para isto?

Cristina Krasnyanskaya: O desejo de que obras de artistas que personifiquem a nação, arte familiar desde a infância, sejam vistas mais de uma vez em museus nacionais. Um elemento de uma espécie de patriotismo também está presente aqui. Na maioria das vezes, todo colecionador começa a comprar algo que pertence ao patrimônio de seu país de origem. Os artistas com os quais a galeria lida são interessantes porque têm uma escola russa, raízes russas, mas ao mesmo tempo estão representados em coleções de museus de todo o mundo. Esses nomes estão nas coleções não apenas de colecionadores russos, mas também de colecionadores ocidentais. Estes são artistas russos com reputação mundial. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo e Alexey Jawlensky são vendidos há muito tempo em leilões impressionistas, e em nenhum lugar do mundo alguém os posiciona como artistas russos. Portanto, era importante para a galeria, em primeiro lugar, devolver o nosso património à Rússia. Em segundo lugar, não devemos esquecer que estes artistas são também parte integrante do património mundial. Portanto, suas obras também são um ótimo investimento para colecionadores. Vejamos, por exemplo, a exposição de Artemov, que está actualmente a decorrer no Heritage. Conheci suas obras pela primeira vez em uma galeria francesa. Quando vi seu painel de madeira exposto ali, fiquei encantado. Depois de saber o preço, pensei que o preço mencionado se destinava a compradores russos, mas enganei-me. Os painéis foram comprados pelos franceses e em muito pouco tempo. Se você observar a história do trabalho de Georgy Artemov, verá que ele trabalhou muito para clientes franceses, como Andre Lanskoy. A galeria francesa la Carré tornou Lansky conhecido junto com tais artista famoso, como Fernand Léger e Raoul Dufy.

: Na hora de escolher as coleções você, como profissional, confia no seu gosto?

Cristina Krasnyanskaya: Sim. Não tenho diretor de arte, então preencho essa função. Meu sonho é que tudo funcione sozinho, sem minha participação constante. Mas, infelizmente, isso é praticamente impossível. Por um lado, isso é maravilhoso, mas, por outro, é difícil. Você está em um estado de constante tensão e responsabilidade pelo seu negócio e pelas pessoas que trabalham com você. Eu costumava pensar que possuir um negócio significava liberdade. Este é um grande equívoco.

: Ao participar de seus eventos, percebi que seus clientes e amigos ouvem atentamente sua opinião. Isso é ótimo porque você pode ajudar a criar a coleção certa de todos os ângulos. Do lado material, como um bom investimento, e do lado espiritual e energético. Você não sente uma espécie de orgulho por ser ouvido?

Cristina Krasnyanskaya: Durante todo esse tempo, percebi que o trabalho do galerista é, de certa forma, também o trabalho do psicólogo. Houve tempos diferentes e longo curso para o que tenho agora. Quando comecei a vender arte, poucas pessoas queriam comprar de mim. As pessoas que estão seriamente envolvidas nisso gastam muito dinheiro, têm consultores próprios e, naturalmente, a questão da confiança na experiência e no profissionalismo é muito importante. Eu entendi dois postulados para mim: primeiro, nunca devo ter vergonha do que vendo, uma pessoa não deve se decepcionar e voltar, e segundo, nunca pressiono as pessoas, não “enfio” nada, e Inclusive aconselho meus clientes na hora de comprar em outros marchands ou galerias de arte. A sua honestidade e profissionalismo consistem em orientar corretamente uma pessoa, dando-lhe os conselhos certos. Nosso negócio é muito delicado, porque vender um iate ou bom carro mais fácil do que vender arte, uma vez que a arte não tem função utilitária. Na Rússia, a maioria dos colecionadores ainda opta por arte clássica. A situação é muito mais complicada com a abstração, a pintura não figurativa, e muito difícil com a arte contemporânea real e conceitual. Isto é muito trabalho interessante, porque ao contar e transmitir informações a uma pessoa, você começa a educá-la, a desenvolvê-la, a mudar sua percepção estética, tornando-a, digamos, mais ampla. A “linha observada” é muito importante. Afinal, se uma pessoa não assiste às exposições, ela não recebe, junto com o que viu, nova informação, ele não se desenvolve. Em geral, existe um caminho padrão para um colecionador: das paisagens clássicas à arte contemporânea...

: Isso é verdade, mas a maioria das pessoas, infelizmente, aborda a arte contemporânea de acordo com o princípio “Por que custa tanto, porque eu também posso fazer isso?”

Cristina Krasnyanskaya: Isso geralmente ocorre devido à falta de informação e preparação. Quando você gradualmente mergulha em um tópico, você começa a entendê-lo melhor. É realmente simples. Um artista possui duas ferramentas – forma e conteúdo. E tocar esses dois instrumentos e suas variações dura 500 anos. Por forma entendemos “como se faz”: pintura, grafismo, escultura, relevo, contra-relevo, instalação, etc., até à performance e à videoarte. O conteúdo é o tema, a mensagem do artista para a sociedade. A arte deve dialogar com o espectador. Tomemos, por exemplo, o expressionismo, parece que o movimento se formou a partir da Primeira Guerra Mundial, quando prevaleciam emoções como a dor, a decepção e o desespero. A tarefa dos artistas era refletir esse tempo, transmitir essas emoções através da tela, e não mostrar linda foto com um colorido alegre, como os impressionistas. Neste ponto apareceram artistas como Egon Schiele e Edvard Munch. Pinturas que são lindas à sua maneira, mas diferem da visão usual de beleza.

: Há realmente muita dor nas pinturas desses artistas. Sempre que algo ruim acontece na minha vida, a pintura “O Grito”, de Edvard Munch, sempre surge na minha cabeça.

Cristina Krasnyanskaya: Hoje na arte precisamos de um curador que se torne um tradutor, um explicador das ideias do artista para o espectador. Embora, na minha opinião, a arte deva falar diretamente ao espectador.

: Concordo com você. Veja, por exemplo, “Black Square” de Kazimir Malevich. Tendo chocado o público com tal obra, ele abriu caminho para a imaginação e a liberdade de pensamento sobre o que queria transmitir ao espectador.

Cristina Krasnyanskaya: Malevich é um assunto completamente diferente. Esta é a vanguarda russa, um dos temas mais procurados e, portanto, falsificados no mundo da arte. Os artistas que chegaram à não-objetividade dominaram todos os níveis, todos os estilos, todas as direções. Malevich, tendo seguido este caminho, tornou-se essencialmente o fundador do minimalismo. Ele redefiniu o formulário.

: Sua galeria já tem seis anos, você sente que quer trabalhar nessa direção a vida toda?

Cristina Krasnyanskaya: Você sabe, eu realmente gosto do que estou fazendo agora. Talvez eu mude o formulário no futuro esta direção, de alguma forma se desenvolver, crescer, indo além da galeria. Não sou daqueles que pensam dez anos à frente. O mundo da arte é multifacetado e a galeria é uma delas. É um negócio muito caro, mas dá oportunidade para muitos projetos interessantes, criatividade, trabalho curatorial e promoção para o mercado internacional, participação em projetos internacionais. Nos tornamos a primeira e até agora a única galeria russa a expor no Design Miami Basel. Apresentamos outra área na qual estou apaixonadamente envolvido há vários anos - o design de coleções. Estávamos em Miami e Basileia. Trago itens de design de autores ocidentais para a Rússia e de design soviético para Basileia. Quando comecei, todos me disseram que ninguém precisava disso. Corri muitos riscos e estava preocupado com a forma como o nosso projeto seria percebido pelos colecionadores de classe mundial e pela mídia ocidental. Mas tudo acabou tão bem. Hoje somos amigos de museus mundiais e temos excelentes respostas na imprensa ocidental.

: No início de sua jornada, muitos discutiram o apoio de seus pais na criação da galeria. Você é ótima e a cada ano prova que é uma profissional na sua área, e não apenas filha dos seus pais. Não foi ofensivo eles terem dito isso?

Cristina Krasnyanskaya: Sempre entendi que as pessoas teriam uma associação com a minha família, e isso é um certo axioma. Tenho muito orgulho do meu sobrenome, se tiver que usar o primeiro nome sempre o faço. Mas apesar de tudo isso, estou sozinho. Claro, eu tinha capital inicial. Quando encontrei um lugar para uma galeria e ofereci ao meu pai, ele me disse que era uma loucura. Depois de todas as negociações, falei que não sei o sucesso da galeria, mas o site é líquido, o que significa que não perderemos nada. Ele concordou comigo. Antes trabalhei em uma galeria fechada por 1,5 ano e foi um bom começo para criar meu próprio negócio. Também tive experiência como revendedor, então já entendi um pouco dessa atividade. A decepção estava em outro lugar. Quando comecei a fazer isso, pensei que meus conhecidos e amigos que colecionam arte começariam imediatamente a comprar de mim. Mas as pessoas vinham, sorriam e não compravam nada... Agora entendo porquê. Quem investe dinheiro em arte já tem pessoas de confiança, consultores, e eu sou uma menina que começou a fazer isso e cuja experiência não inspirou a devida confiança.

Meu primeiro negócio sério aconteceu assim. Um dia eu estava passando por outra exposição em Paris, chateado, e encontrei um conhecido meu. Ele já estava comprando arte ativamente naquela época e tinha um bom entendimento disso. Ele perguntou o que havia de interessante na minha galeria, e naquela época eu tinha dois trabalhos sérios muito bons. Pediu para trazê-los para seu escritório e, ao ver os quadros, resolveu comprá-los, sem nem pechinchar muito. Este foi meu primeiro sucesso e, passo a passo, as pessoas começaram a confiar na minha opinião.

: Como você promove a galeria?

Cristina Krasnyanskaya: Em relação a RP, nunca trabalho com agências, só com pessoas. Isso está correto porque PR é um sistema de pontos. Lembro-me da minha primeira sessão de fotos brilhante, que foi para a Harper’s Bazaar. Tinha um fotógrafo incrível lá, a sessão durou 6 horas. Alguns dias depois, quando vi o resultado, fiquei um pouco chocado. Meu rosto foi alterado irreconhecível pelo Photoshop. Esta foi minha primeira aparição em gloss. Depois disso teve muita coisa... Estou muito orgulhoso da entrevista na Revista Wallpaper*. A edição foi dedicada à Rússia e contou com a participação dos melhores profissionais da área. Arkady Novikov por sua contribuição ao ramo de restaurantes, Daria Zhukova pelo melhor centro arte contemporânea, Olga Sviblova, como pessoa associada à fotografia, e eu como a personificação do design na Rússia. Foi muito legal e importante para mim.

: Ok, e quanto fraquezas das mulheres, do que você gosta?

Cristina Krasnyanskaya: Não serei original se disser que adoro bolsas, sapatos e casacos. Com tudo isso, estou muito tranquilo joia, eu gosto mais de roupas. Quando alguém me dá algo, prefiro que seja ARTE do que joias. Então estou mudando Graff para Pablo Picasso.