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Se você está planejando uma viagem à Itália, não deixe de ir a uma das casas de ópera italianas. Afinal A Itália é o berço da ópera e as produções mais famosas e as melhores do mundo apresentações musicais acontecem em palcos italianos. Este gênero de arte musical e dramática foi originalmente destinado ao entretenimento da corte, mas posteriormente tornou-se disponível ao público em geral. Hoje em dia, ir à ópera é excelente maneira passe uma noite inesquecível e experimente grande arte.

É melhor cuidar disso com antecedência. A temporada de ópera vai de outubro até o final de março, mas em alguns palcos ao ar livre também são realizadas apresentações no verão.

Mesmo que não tenha oportunidade de assistir a um espetáculo de ópera ou de ballet, a arquitetura e a história dos teatros merecem alguma atenção e uma visita à parte.

Teatro La Scala (Teatro Alla Scala)

A casa de ópera mais famosa do mundo (e certamente a mais famosa do mundo) foi inaugurada em 1778. No palco deste teatro, as óperas “Madama Butterfly” e “Turandot” de Puccini foram apresentadas pela primeira vez ao público. A ópera “Nabucco” de Verdi também foi apresentada pela primeira vez neste palco. Durante a Segunda Guerra Mundial, o teatro foi destruído e totalmente restaurado. Depois última restauração havia um teatro inaugurado em 2004.

Esses mestres famosos se apresentaram no palco do teatro palco de ópera Como Maria Callas E Luciano Pavarotti. E hoje o teatro continua a atrair os melhores artistas de ópera e orquestras mundialmente famosas. A abertura da temporada no La Scala é um dos eventos sociais mais esperados de Milão.

Teatro La Fenice (Teatro La Fenice)

La Fenice – "Fénix"– um dos teatros mais famosos da Europa. Foi inaugurado em Veneza em 1792 e foi destruído pelas chamas duas vezes e depois "ressurgiu das cinzas". Após um incêndio em 1996 e uma restauração de oito anos, graças a doações e apoio de muitas celebridades, incluindo o diretor americano Woody Allen, o teatro reabriu suas portas ao público em 2003. Apresentado pela primeira vez no palco Ópera “La Traviata” de Giuseppe Verdi.

A maioria evento importante no teatro é Concerto de ano novo , do qual participam estrelas do cenário mundial.

Teatro São Carlos (Teatro de São Carlos)

Maioria casa de ópera em funcionamento mais antiga A Itália foi inaugurada em 1737 em Nápoles por ordem do rei Carlos III. O mais cedo apresentações de balé Na Itália. Ao mesmo tempo, o teatro era dirigido por Gioachino Rossini e Gaetano Donizetti.

Se você adora balé, lembre-se que possui uma das principais academias de balé do mundo.

Teatro Máximo (Teatro Máximo)

Localizado em Palermo, na Sicília, o Teatro Massimo é a terceira maior casa de ópera da Europa. Cúpula o edifício é considerado obra-prima arquitetônica e é famoso por sua excelente acústica. As cenas da terceira parte foram filmadas no teatro. Padrinho» Francis Ford Coppola. Todos os amantes do cinema e da arquitectura, fãs da ópera e da música clássica devem incluir o Teatro Massimo na lista de locais a visitar.

Teatro Régio (Teatro Régio)

O Teatro Reggio ou Teatro Royale é outra casa de ópera reconstruída após um incêndio. Construído em Turim em 1740, este teatro recebeu muitos convidados famosos, incluindo Napoleão. Em 1973 Teatro Régio reaberto após o incêndio em 1936 e continua até hoje oferece cerca de dez produções por temporada teatral, que vai de outubro a junho.

Arena de Verona (Arena de Verona)

O que leva os conhecedores de música clássica a reservar voos para a Europa para assistir a espetáculos de ópera? EM Cidades europeias O nível da ópera é alto, a arquitetura dos teatros é incrível. Para todos os amantes deste tipo de arte, oferecemos uma visão geral das casas de ópera mais importantes da Europa.

Scala, Milão
A Ópera La Scala abriu suas portas aos visitantes em 1778. Hoje, reservando passagens aéreas para Milão e indo à mais famosa casa de ópera, você poderá ouvir as obras-primas mundiais de Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Já agora, a capacidade do auditório é de 2.030 espectadores e os preços dos bilhetes variam entre os 35 e os 300 euros. O La Scala é único porque a temporada começa no dia 7 de dezembro (este é o dia de Santo Ambrósio, padroeiro de Milão) e vai até novembro. O La Scala tem um código de vestimenta rígido: a visita ao teatro só é permitida com vestido preto ou smoking.

"San Carlo", Nápoles
“San Carlo” é a maior casa de ópera não só da Itália, mas também da Europa. Em tamanho, só é superado pelos teatros de Nova York e Chicago. O teatro começou a funcionar em 1737. Em 1817, após um incêndio, foi reconstruída. O teatro incrivelmente luxuoso tem capacidade para 3.283 espectadores, com bilhetes a partir de 25 euros. Se você decidir reservar voos e visitar esta cidade maravilhosa, não deixe de ouvir “Othello” de Giuseppe Verdi em “San Carlo” - você terá um grande prazer.

Covent Garden, Londres
Se você reservar um voo para, poderá ver não apenas a Tower Bridge e a Guarda Real, mas também o Teatro Real. Inaugurado em 1732 sob a liderança de Handel, o teatro sobreviveu a mais de 3 incêndios, e todas as vezes foi restaurado, preservando sua arquitetura requintada. A singularidade do teatro reside no fato de muitas produções serem exibidas em inglês. Os preços dos ingressos variam de £ 10 a £ 200. No Covent Garden recomendamos ouvir a ópera Norma Vincenzo Bellini.

Grande Ópera, Paris
Para apreciar a grandeza do teatro, basta listar os grandes compositores que ali executaram suas obras: Deelib, Rossini, Meyerbeer. No teatro mais visitado do mundo, o preço dos bilhetes chega aos 350 euros e a capacidade da sala é de 1.900 espectadores. Fachada com 7 arcos, esculturas de Drama, Música, Poesia e Dança e interior com escadarias de mármore, afrescos de Pilz, pinturas de Chagall e Baudry. Vale a pena reservar passagens aéreas apenas para visitar a Grand Opera pelo menos uma vez.

Ópera Real, Versalhes
A Ópera Real de Versalhes está localizada em um grande palácio luxuoso e é o maior palácio-teatro do mundo. A sua singularidade arquitectónica reside no facto de ser inteiramente construído em madeira, sendo todas as superfícies de mármore apenas uma imitação. O teatro recebeu estreias de óperas brilhantes, incluindo Ifigênia em Tauris, de Gluck. Agora este teatro é parte obrigatória da programação cultural de quem reservou voos para Paris. O preço mínimo do bilhete é de 20 euros.

Ópera Estatal de Viena, Viena
A Ópera de Viena é verdadeiramente real em estilo e escala. Na inauguração do teatro apresentaram Don Giovanni de Mozart. Tudo na ópera está imbuído do espírito do grande Compositor austríaco: a fachada do teatro, de estilo neo-renascentista, é pintada com afrescos baseados na ópera “A Flauta Mágica”. E o mais popular diretor artistico foi conduzido por Gustav Mahler. O Baile Vienense é realizado no teatro todo mês de fevereiro. Depois de reservar seu voo para Viena, não deixe de visitar a ópera!

Teatro Carlo Felice, Gênova
O Teatro Carlo Felice de Gênova é um símbolo da cidade, no qual nenhum dinheiro ou esforço foi poupado. Por exemplo, o cenário foi criado por Luigi Canonica, que construiu o La Scala. O teatro está intimamente ligado ao nome de Giuseppe Verdi, que estreou suas óperas na cidade por muitas temporadas consecutivas. E até hoje você pode ver as obras do brilhante compositor no cartaz do teatro. Se reservou voos para Gênova, recomendamos ouvir a ópera “Mary Stuart” de Gaetano Donizetti. Já agora, os preços dos bilhetes são bastante acessíveis e começam nos 7 euros.

Gran Teatro Liceu, Barcelona
, é simplesmente impossível amar a ópera e passar pelo Gran Teatro Liceo! O teatro é famoso tanto pelo repertório clássico quanto pela abordagem moderna de suas obras. O teatro sobreviveu a uma explosão, a um grande incêndio e foi restaurado exatamente de acordo com os desenhos originais. As poltronas do auditório são de ferro fundido com estofamento em veludo vermelho, e os lustres são de latão em forma de dragão com abajures de cristal.

Teatro Estates, Praga
O Teatro de Praga é o único na Europa que sobreviveu quase inalterado. Foi no Estates Theatre que Mozart apresentou ao mundo pela primeira vez as suas óperas Don Giovanni e La Clemenza di Titus. E até hoje, as obras do clássico austríaco constituem a base do repertório do teatro. Entre os virtuosos que atuaram neste palco estão Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Além da ópera, aqui são apresentadas apresentações de balé e teatro. E o diretor tcheco Milos Forman filmou aqui seu filme “Amadeus”, que rendeu muitos Oscars.

Ópera Estatal da Baviera, Munique
A Ópera Estatal da Baviera é considerada um dos teatros mais antigos do mundo; foi inaugurada em 1653! O teatro tem capacidade para 2.100 espectadores e os preços dos bilhetes começam nos 11 euros e terminam nos 380 euros. As estreias de Wagner foram apresentadas aqui - Tristão e Isolda, Das Rheingold e Die Walküre. Realiza 350 apresentações anualmente (incluindo balé). Para quem reservou um voo para Munique, a Ópera da Baviera é imperdível.

Conhecida por ela cantores de ópera e funciona. Se você gosta de ópera, tente assistir a pelo menos uma apresentação (compre os ingressos com antecedência). A temporada de ópera geralmente dura de outubro a abril, e no verão você pode assistir a várias apresentações ao ar livre.

As melhores casas de ópera da Itália e alguns festivais de ópera de verão:

Teatro La Scala - Teatro Alla Scala

Endereço: Piazza Giuseppe Verdi, 10, 43011 Busseto Parma

Teatro Verdi em Pisa - Teatro Verdi di Pisa

Endereço: Piazza Beniamino Gigli, 7, 00187 Roma

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Arena de Verona - Arena de Verona

Embora não seja um teatro, o Anfiteatro de Verona é um local fantástico para apresentações de ópera. A temporada começa em junho.

Endereço: Piazza Bra, 1, 37121 Verona

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Festival Puccini

Este festival de ópera é realizado na Torre del Lago Puccini, na Toscana, casa do famoso compositor de ópera Giacomo Puccini. Horário do festival: julho a agosto.

Endereço: Via delle Torbiere, 55049 Viareggio Lucca

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Festival de Ópera Sferisterio em Macerata - Sferisterio - Festival de Ópera de Macerata

O festival de ópera Sferitério acontece ao ar livre em uma arena na cidade de Macerata, na região de Marche. As apresentações acontecem em julho e agosto.

Endereço: Piazza Giuseppe Mazzini, 10, 62100 Macerata

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Os autores do ensaio são L. A. Solovtsova, O. T. Leontyeva

O berço da ópera é a Itália. Chamado à vida pelos ideais humanísticos da época Renascença italiana, esse gênero surgiu no final do século XVI. Na unidade da poesia, da música e do teatro, um grupo de poetas e músicos florentinos esclarecidos procurou formas de reavivar o antigo teatro, de criar arte sintética capaz de expressar verdadeiramente os sentimentos humanos. Os florentinos proclamaram o domínio da poesia sobre a música; Tendo abandonado a polifonia medieval, eles propuseram um novo estilo recitativo homofônico. Segundo B. Asafiev, os recitativos pastorais dos florentinos eram “uma espécie de propileu” para a ópera.

Durante a primeira metade do século XVII. a ópera foi gradualmente ganhando forma como género, adquirindo um novo rumo no seu desenvolvimento: ultrapassando o estreito círculo de poetas e músicos florentinos, entrou em contacto com um vasto público em Mântua, Roma, depois em Veneza, onde nos anos 30. Século XVII Foi inaugurada a primeira casa de ópera permanente do mundo. As apresentações de câmara dos florentinos deram lugar a magníficas produções teatrais; ao mesmo tempo, a música passou a ter precedência sobre o texto - o estilo declamatório foi gradativamente substituído pela cantilena.

A maior conquista da ópera italiana do século XVII é obra de dois compositores notáveis: Claudio Monteverdi (1567-1643) e Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Monteverdi trabalhou em Mântua e depois em Veneza, onde criou as suas melhores obras. Ele foi o primeiro grande compositor de ópera a incorporar palco de teatro personagens fortes e grandes paixões. Enriqueceu a ópera com uma série de novos meios musicais e expressivos; combinou recitação melodiosa com cantilena; Ele subordinou a melodia, a harmonia e a escrita orquestral a um conceito dramático. À frente de sua época, Monteverdi seguiu o caminho da criação de um drama musical realista.

Nas apresentações dos compositores italianos subsequentes, o conteúdo dramático gradualmente desapareceu em segundo plano; com isso em música de ópera O papel do canto virtuoso aumentou cada vez mais.

O desenvolvimento da ópera italiana na segunda metade dos séculos XVII e XVIII. associado à floração exuberante arte vocal. A obra de A. Scarlatti lançou as bases para a famosa escola napolitana, que na virada dos séculos XVII e XVIII. assumiu o lugar dominante anteriormente ocupado Escola veneziana. Tendo adoptado a experiência das culturas florentina, romana e Mestres venezianos, os napolitanos usaram suas conquistas criativas.

Em Nápoles, finalmente tomou forma o gênero da ópera italiana, onde a música dominava o texto, onde os tipos de formas vocais eram determinados e a arte de cantar florescia. Maravilhoso Cantores italianos tornou-se famoso em todo o mundo não só lindas vozes, mas também a habilidade vocal mais elevada, chamada Belo canto. Porém, ao longo do século XVIII. a arte do bel canto assumiu gradualmente um caráter cada vez mais externo e virtuoso. Os melhores cantores italianos possuíam o dom criativo da improvisação; Enquanto executavam árias, eles as variavam e improvisavam cadências. Tentando imitar os famosos mestres do bel canto, vocalistas menos talentosos muitas vezes ultrapassavam os limites do que era artisticamente justificável em sua performance.

A paixão dos cantores pela técnica virtuosa também influenciou o trabalho dos compositores. Cedendo aos gostos do público e aos hábitos dos cantores, os compositores muitas vezes sobrecarregavam as árias com enfeites virtuosos. Adquirindo brilho externo, a música foi perdendo gradativamente a expressividade emocional que marcou a obra de A. Scarlatti e seus seguidores mais próximos. Cantores virtuosos conquistaram o primeiro lugar na ópera, deixando o compositor e o libretista em segundo plano. Ao compor uma ópera, era necessário, antes de tudo, fornecer “números espetaculares” para os favoritos do público que nela atuavam.

Os compositores da escola napolitana, mesmo durante o seu período de pico, estavam pouco preocupados com questões dramáticas. O tipo de ópera dita “séria” (ópera séria) que surgiu em Nápoles consistia principalmente numa alternância de árias e recitativos; conjuntos papel importante não jogou; quase não havia coros; o lugar principal foi ocupado por árias e duetos que expressavam os sentimentos dos heróis; os recitativos descreviam principalmente os acontecimentos e o curso do drama. À medida que o poder dos cantores virtuosos aumentava, a atenção ao conteúdo dramático enfraquecia cada vez mais. Os gostos dos frequentadores dos teatros da corte tiveram um impacto muito negativo no desenvolvimento da ópera séria. Os enredos dos libretos de ópera muitas vezes se resumiam a casos de amor sem sentido.

Temas heróico-pastorais, temas da mitologia e da Idade Média serviram apenas de tela, dando origem a brilhantes árias virtuosas. O quão indiferentes tanto os intérpretes quanto os ouvintes eram à unidade estilística da música pode ser avaliado pelo fato de que na década de 20. Século XVIII o tipo de óperas em que todos os atos pertenciam a diferentes compositores. Essas óperas eram chamadas de pasticcio (“patê”).

Repetidamente ao longo do século XVIII. e foram feitas tentativas por parte de poetas e compositores para fortalecer a dramaturgia da ópera “séria”. Um crédito considerável por isso pertence aos poetas A. Zeno e Pietro Metastasio. Mas não superaram o esquematismo na construção de uma performance de ópera: como seus antecessores, Zenão e Metastasio partiram não das exigências da dramaturgia, mas da ordem estabelecida na distribuição de árias e recitativos entre os atos. Dramaturgia musical a ópera permaneceu essencialmente a mesma; em particular, os episódios recitativos tinham o caráter de conexões formais entre números vocais. Durante a execução dos recitativos, o público costumava falar alto ou sair do salão para fazer um lanche e jogar cartas.

Isto não significa que “entre os compositores italianos não houvesse artistas sérios e pensativos. Na segunda metade do século XVIII, durante a era do Iluminismo italiano, o desejo de aumentar nível artísticoópera “séria”, mas nenhum dos compositores italianos da época ousou se afastar da estrutura geralmente aceita da ópera séria, para abandonar o virtuosismo sem sentido das árias.

Simultaneamente à ópera “séria”, também surgiu a ópera cômica (ópera buffa) nas entranhas da mesma escola napolitana. Tendo ganhado grande popularidade desde os primeiros passos, rapidamente se espalhou por todas as cidades da Europa, deslocando a ópera “séria” até mesmo dos palcos dos teatros da corte.

Com origens que remontam ao século XVIII, a ópera cômica italiana surgiu das cenas cômicas e dos interlúdios que intercalavam as óperas venezianas e napolitanas da época; sua outra fonte eram comédias dialetais (baseadas em dialetos folclóricos), geralmente apresentadas com canções simples. Como gênero, a ópera cômica se estabeleceu nos interlúdios de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736); V Ultimo quarto século atingiu a maturidade clássica nas obras de Giovanni Paisiello (1740-1816) e Domenico Cimorosa (1749-1801). Democrática nas suas aspirações, a ópera buffa surgiu como reação contra a arte da ópera “séria”, divorciada da vida, surgiu em resposta a pedidos nova estética, o que exigia que a arte tivesse uma ligação específica com a modernidade.

A ópera cômica italiana exibiu no palco divertidas aventuras da vida de seus contemporâneos; ridicularizava os vícios e muitas vezes parodiava o próprio gênero da ópera “séria”. A ópera buffa contrastava o pathos afetado da ópera séria, suas árias e recitativos virtuosos que haviam perdido sua expressividade com comédia e temas cotidianos, músicas folclóricas simples e cotidianas, ritmos de dança animados e recitativos característicos, tão próximos do padrão das comédias de dialeto folclórico . Conjuntos dinâmicos e cheios de ação adquiriram grande importância na ópera cômica.

Ao longo do caminho, a ópera buffa evoluiu; certos elementos da ópera “séria” penetraram no cômico e vice-versa. Mas estes géneros continuaram a coexistir separadamente mesmo no século XIX.

No alvorecer do movimento de libertação nacional que abalou toda a Itália (primeiras décadas do século XIX), o romantismo literário tornou-se a expressão estética das ideias progressistas. Os primeiros românticos italianos, participantes do movimento revolucionário dos poetas carbonários, consideravam que a principal tarefa da arte e da literatura era servir ao povo. Lutaram pelo desenvolvimento da cultura nacional, apelaram ao estudo da vida do povo, dos seus pensamentos e aspirações, da história e da arte.

Aumentando a consciência nacional do povo italiano, apelaram ao país para se unir e derrubar o jugo dos escravizadores.

O movimento de libertação nacional também se reflectiu na arte da ópera, insuflando-lhe o espírito de vida moderna. Uma nova direção na ópera foi formada sob a influência progressiva do italiano romantismo literário. Rejeitando temas mitológicos tradicionais, os compositores italianos voltaram-se para o homem, para o seu mundo espiritual.

A obra de Gioachino Rossini (1792-1868) foi, por assim dizer, um elo de ligação no desenvolvimento da ópera italiana, completando a sua fase anterior e lançando as bases para uma nova escola nacional. Nas óperas cômicas do compositor (a melhor delas é “O Barbeiro de Sevilha”), de conteúdo ousado e atual, a ópera buffa atingiu seu ápice.

Rossini também enriqueceu o campo da ópera “séria”, que naquela época vivia uma profunda crise ideológica e dramática. É verdade que em suas obras havia muitas convenções que violavam a naturalidade desenvolvimento dramático. Basta dizer que Rossini transferiu facilmente fragmentos musicais de uma ópera para outra. E ainda assim, no gênero da ópera “séria”, ele criou uma série de obras notáveis.

Rossini voltou-se para temas heróicos que atendem às necessidades do nosso tempo; coros poderosos começaram a soar em suas óperas, conjuntos dinâmicos e desenvolvidos apareceram e a orquestra tornou-se colorida e dramaticamente expressiva. Guilherme Tell, de Rossini, lançou as bases para um novo gênero de ópera romântica heróico-histórica.

A obra do brilhante Rossini e dos seus jovens contemporâneos e seguidores - Vincenzo Bellini (1801-1835) e Gaetano Donizetti (1797-1848) - melhores conquistasÓpera italiana no primeiro terço do século XIX. Esses compositores atualizaram a linguagem musical da ópera italiana, preenchendo-a com belas melodias, entoacionalmente próximas das canções folclóricas. Eles sabiam criar melodias que traziam à tona o que há de melhor no talento dos cantores. Os nomes de Rossini, Bellini e Donizetti estão associados às atividades performáticas de grandes cantores como G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, que estabeleceram a glória da ópera italiana em todos os palcos europeus.

O apogeu da ópera italiana durou pouco. Depois de criar Guilherme Tell (1829), Rossini não escreveu mais óperas. Em meados dos anos 30. o jovem Bellini morreu. No início dos anos 40. O trabalho do gravemente doente Donizetti foi por água abaixo. A Ópera Nacional vivia mais uma vez uma grave crise. O palco italiano foi inundado por uma série de óperas medíocres compostas por numerosos imitadores de Rossini, Bellini e Donizetti. Nas obras, que em sua maioria foram criadas às pressas, para a temporada seguinte, e foram imediatamente esquecidas, pouquíssima atenção foi dada às questões de conteúdo ideológico e aos problemas da dramaturgia. As melodias da ópera estavam repletas de efeitos que não decorriam da natureza das imagens e, às vezes, até entravam em conflito com o conteúdo. Os compositores continuaram a escrever libretos compilados de acordo com estênceis aceitos; os números musicais nas óperas seguiam padrões familiares, não organicamente conectados pela ação.

A criação de libretos de ópera completos foi dificultada pela rotina que reinava nas casas de ópera. Mesmo quando os libretos foram escritos pelos melhores poetas da época - como o famoso Felice Romani - quando os libretistas se voltaram para as obras dos clássicos da literatura mundial, eles enquadraram os enredos em um esquema padrão, o que inevitavelmente os empobreceu.

A ópera italiana foi tirada da crise ideológica e dramática por Giuseppe Verdi (1813-1901), um corajoso inovador, um defensor ardente, convencido e consistente dos princípios realistas da literatura italiana da era do movimento de libertação nacional.

Se o fundador do nacional escola de ópera foi Rossini, então na obra de Verdi atingiu seu pico mais alto. A Itália não teve um compositor igual a Verdi em importância e no poder do talento, nem durante a vida de Verdi nem após a sua morte. As primeiras óperas heróicas do compositor, surgidas na década de 40, nasceram do crescente recrudescimento da revolução, quando todas as forças culturais do país aderiram ao movimento de libertação. Democrata e patriota convicto, Verdi criou uma arte altamente ideológica e ao mesmo tempo acessível às grandes massas. O maior mérito do músico é que desde os primeiros passos criativos, apoiando-se nas tradições da ópera nacional e defendendo a identidade nacional, seguiu o caminho da inovação, pelo caminho da procura incansável da verdade dramática.

Artista astuto e dramaturgo nato, percebeu que a rotina formal e a indiferença ao conteúdo dramático haviam levado a ópera italiana a um beco sem saída. Percebendo que os principais defeitos das óperas italianas estavam enraizados no esquematismo da construção, ele travou uma luta incansável para criar libretos dramaticamente completos e supervisionou ativamente o trabalho de seus libretistas.

Verdi buscou constantemente a vitalidade realista dos personagens e das situações dramáticas. Ele procurava novas formas dramáticas e verdadeiras. Ele tentou subordinar todos os meios expressivos da ópera à identificação da ideia principal.

Tendo passado pelo fascínio pelo “romantismo feroz” de Hugo e dos românticos espanhóis próximos a ele, e tendo dominado criticamente as conquistas da ópera contemporânea da Europa Ocidental, Verdi em seus trabalhos posteriores - em Aida, Otelo e Falstaff - alcançou uma fusão ideal de ação, palavras e música, veio para criar um drama musical genuíno e realista.

Nos anos 70-80. do século passado na ópera italiana, que passava por um período de busca e luta entre direções, os dois pólos em torno dos quais as forças musicais se agrupavam eram os nomes de Verdi e Wagner. O fascínio pelos românticos alemães - e especialmente por Wagner - e o desejo de imitá-los cativaram uma parte significativa da juventude italiana. Esse hobby, que muitas vezes se resumia à simples imitação, tinha seus lados positivos e negativos.

O estudo da música alemã despertou um interesse crescente entre os compositores italianos pela harmonia, polifonia e orquestra. Mas, ao mesmo tempo, seguiram o caminho errado, rejeitando as tradições da ópera italiana, descartando o clássico herança da ópera. Chegaram a tratar o trabalho de Verdi com desdém. Maioria um representante proeminente Esta direção foi Arrigo Boito (1852-1918), cuja ópera “Mefistófeles” fez grande sucesso na época.

Na última década do século, o wagnerismo, que se espalhava por toda a Itália, foi combatido por um novo movimento operístico - o verismo (da palavra “vero” - verdadeiro, verdadeiro). O terreno para o surgimento do operismo foi preparado pelo movimento literário dos anos 80, que leva o mesmo nome.

A primeira ópera verista - "Honor Rusticana" de Pietro Mascagni (1890) - foi escrita a partir do enredo de um conto de Giovanni Verga. Tanto "Honor Rusticana" como a sua continuação "Pagliacci" de Ruggero Leoncavallo (1892) foram um grande sucesso de público, cansado do vago simbolismo nas tramas operísticas dos imitadores italianos de Wagner.

O credo criativo do verismo - verdade da vida. Os veristas retiraram os temas de suas óperas da vida cotidiana. Seus heróis não são personalidades marcantes, mas pessoas comuns, comuns, com seus dramas íntimos. Nisto o verismo italiano aproxima-se do francês ópera lírica. A linguagem melódica dos veristas italianos foi influenciada pela melodia sensível de Gounod, Thomas e Massenet. Conquistou um amor especial entre os veristas criatividade realista Bizet e Verdi. Os veristas valorizavam a "Carmen" de Bizet tanto quanto as óperas de Verdi, de quem adotaram a enfatizada emotividade da música e a severidade das situações dramáticas. São precisamente essas características de sua criatividade, bem como melodias temperamentais e acessíveis, que os veristas ganharam grande popularidade. Porém, a interpretação dos enredos de suas óperas muitas vezes adquiria um caráter melodramático. Querendo mostrar vida cotidiana“sem embelezamento”, os crentes muitas vezes substituíram a reprodução realista da realidade pela “fotografia” dela. E isso levou à redução dos personagens, às vezes à ilustratividade superficial da música, ao naturalismo.

A obra do mais destacado compositor italiano do século XX também está em grande parte relacionada ao verismo. Giacomo Puccini (1858-1924), que não escapou da influência do romantismo alemão em suas primeiras óperas. De acordo com as principais aspirações criativas e características características estilo Puccini é um verista, embora muito em sua obra vá além do verismo. Puccini é o mais talentoso e multifacetado entre os compositores deste movimento.

O verismo de Puccini se manifesta principalmente em sua atitude em relação ao enredo operístico. Na vida comum e pura, Puccini encontra material para um drama profundamente comovente. Seu discurso musical é sempre emocionalmente verdadeiro. Pela riqueza e frescura da sua linguagem musical, o compositor destaca-se entre os seus contemporâneos - os veristas. E embora Puccini não tenha conseguido atingir as alturas realistas de Verdi em sua obra, mas em termos do imediatismo emocional do impacto da música, na clareza orgânica da melodia, na força e brilho de seu talento dramático, ele é o herdeiro direto de Verdi e um artista verdadeiramente italiano.

O melhor legado da ópera clássica italiana é a obra de Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini e, principalmente, Verdi. As obras destes compositores fazem parte do repertório da maioria dos teatros musicais e são invariavelmente ouvidas em concertos e na rádio.

A ópera clássica italiana, com o seu conteúdo ideológico progressista, com forte tradições nacionais, com a sua “vocalidade” genuína, ocupa um lugar de honra no tesouro da cultura musical mundial.

Além disso, no século XX. Os compositores italianos mostraram-se mais claramente nas formas música instrumental. No entanto, a ópera em Itália moderna não esquecido. O autor de dez óperas, das quais a ópera “Domingo”, encenada em 1904 em Turim baseada no romance de L. Tolstoy, teve particular sucesso, foi Franco Alfano (1877-1954). No início do século XX. interpretada no gênero operístico por Ottorino Respighi (1879-1936), representante do impressionismo italiano, que também sofreu significativa influência de Rimsky-Korsakov. Suas primeiras óperas foram “King Enzio” (1905) e “Semirama” (1910), encenadas em Bolonha. Em 1927, sua ópera “The Sunken Bell”, baseada no drama homônimo de Gerhard Hauptmann, foi apresentada no palco do Teatro de Hamburgo. EM período tardio Em sua obra, Respighi evoluiu para o neoclassicismo. O resultado desta viragem foi uma adaptação livre da ópera Orfeu (1935), de Monteverdi, que desempenhou um papel importante no renascimento e redescoberta da obra operística deste grande compositor italiano.

O maior representante da geração mais antiga de compositores italianos modernos que trabalham no gênero operístico é Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Seu estilo composicional foi formado no estudo das tradições clássicas e pré-clássicas arte nacional. Pizzetti compunha constantemente óperas para o famoso teatro milanês La Scala. O famoso Arturo Toscanini dirigiu as estreias de muitos deles. A primeira foi "Fedra", baseada no drama de Gabriel d'Annunzio (1915). A ópera "Fra Gherardo", baseada na crônica histórica de Parma do século XIII, foi encenada com sucesso em 1928. Pizzetti, que compôs quinze óperas, não consegue ser considerado um inovador no teatro musical, mas suas obras sempre tiveram sucesso suficiente para permanecer no repertório por muito tempo. Nos anos após a Segunda Guerra Mundial, o venerável compositor continuou a trabalhar intensamente para o teatro. Novas óperas de Pizzetti apareceram regularmente: em 1947 - “Gold”, em 1949 - “Bathtub Lupa”, em 1950 - "Iphigenia", em 1952 - "Cagliostro". Estas obras mantiveram algumas características do verismo italiano tardio, combinadas com a influência de Debussy (o refinado e recitação melodiosa de seu "Pelléas et Mélisande"). Em seus últimos anos, o velho mestre italiano não perdeu sua grande autoridade na ópera. Vale ressaltar que foram suas três últimas óperas que se revelaram as de maior sucesso e ganhou reconhecimento fora da Itália: “A Filha de Iorio” baseada no texto de G. d'Annunzio (1954), encenada em Nápoles pelo famoso diretor Roberto Rossellini, “Assassinato na Catedral” "(1958) e "Clytemnestra" ( 1964). “Murder in the Cathedral”, ópera recebida com particular interesse pelo público inglês, foi escrita com base no texto poético de uma peça popular do moderno poeta e dramaturgo inglês T. S. Eliot. O drama conta a história da vida e da morte do Arcebispo de Canterbury, Thomas Becket, que foi chanceler do rei inglês Henrique II. Dois motivos formam um profundo conflito ideológico desta obra: o assassinato político de Beckett, demagogicamente justificado pela “necessidade histórica” - “em nome do poder absoluto do monarca” - e o martírio voluntariamente aceito pelo herói. O dramaturgo, na composição de sua peça, previu antecipadamente uma possível estrutura musical. Originalmente combina formas de culto católico e tragédia grega antiga com um coro de comentários.

Em termos de escala de talento criativo e papel no teatro musical, apenas Gian Francesco Malipiero (1882-1973) pode ser colocado ao lado de Pizzetti. Como muitos compositores italianos do século XX, ele teve uma paixão pelo impressionismo, que afetou atenção especial ao brilho orquestral. Mas já na década de 20. este compositor voltou-se para um estudo profundo Mestres italianos Barroco e Renascentista e tornou-se um adepto do neoclassicismo generalizado. Tendo dedicado muito tempo e esforço à edição e restauração das obras de Claudio Monteverdi e Antonio Vivaldi, o próprio Malipiero foi fortemente influenciado estilisticamente por estes compositores. A melodia diatônica da música antiga também teve grande importância na formação de seu estilo. canção popular e canto gregoriano.

Malipiero compôs pelo menos trinta obras musicais e teatrais diferentes. De 1918 a 1922, o compositor trabalhou nas trilogias de ópera “Orpheides” e “Goldoniana”. Em 1932, completou a terceira trilogia, intitulada O Mistério Veneziano. Uma das óperas mais famosas de Malipiero é A História do Filho Changeling (1933), baseada na peça de Luigi Pirandello. Notamos também as óperas “The Fun of Callot” (1942) baseada na história “Princess Brambilla” de E. T. A. Hoffmann e “Don Juan” (1964) baseada em “The Stone Guest” de Pushkin.

Uma revisão da obra operística de compositores italianos contemporâneos da geração mais velha ficaria incompleta sem o nome de Alfredo Casella (1883-1947), embora o campo da música instrumental não associada à palavra o atraísse grande mestre muito mais que uma ópera. No gênero operístico, compôs três obras: “A Mulher Serpente” (1931) baseada na peça de C. Gozzi (uma estilização da antiga ópera buffa italiana), uma ópera de câmara em um ato “A História de Orfeu” ( encenada em 1932) e uma ópera-mistério de um ato “O Deserto da Tentação” (1937), encomendada pelo Estado em um falso estilo “cerimonial monumental” e contando sobre a missão “cultural e criativa” do exército italiano que ocupou Etiópia. Sob a ditadura fascista, os esforços criativos, mesmo dos compositores mais talentosos, foram muitas vezes limitados e distorcidos pelas exigências demagogicamente pervertidas da “etnografia”, do “historicismo” e da nacionalidade e relevância política falsamente interpretadas. Estas exigências, numa atmosfera de isolamento provinciano, caracterizaram o pseudoclassicismo da “era Mussolini”, que se autodenominava orgulhosamente a “era de ouro” da arte.

O principal oponente do fascismo e de suas políticas na arte continuou sendo Luigi Dallapiccola (1904-1975), cujo trabalho recebeu o merecido reconhecimento já em anos pós-guerra. Na juventude, Dallapiccola esteve próximo do movimento neoclássico difundido na Itália, mas já no final dos anos 30. sua música revela traços expressionistas. A popularidade de Dallapiccola nos anos do pós-guerra foi grandemente facilitada por duas óperas de um ato apresentadas em vários países como apresentações televisivas. Trata-se de “Night Flight” (1940) baseado no conto de A. de Saint-Exupéry e “The Prisoner” (1949) baseado no conto “Torture by Hope” de V. de Lisle-Adan. Dallapiccola é um expoente proeminente das ideias da Resistência Italiana em arte musical. Em sua ópera “O Prisioneiro”, a ação se desloca para a Espanha do século XVI. Um anônimo combatente pela liberdade flamengo está definhando em uma prisão espanhola. Ele é atormentado por falsas promessas de liberdade, rumores provocativos sobre acontecimentos em sua terra natal e, por fim, é levado à execução. Os ouvintes não têm dúvidas de que o tema da ópera é o terror fascista e a Resistência, a luta contra a ditadura política que invade a liberdade do indivíduo e do povo.

A música de Dallapiccola é profundamente expressiva, embora a complexidade de sua linguagem musical dificulte luz às vezes percepção de suas obras.

Nos anos 50 e 60. As casas de ópera italianas encenaram obras de alguns compositores que já haviam se tornado famosos por suas músicas para filmes. São eles Nino Rota (1911-1979) e principalmente Renzo Rossellini (1908-1982), irmão do famoso cineasta. Os esforços destes compositores marcaram uma tentativa de democratizar e atualizar a ópera italiana moderna. Rossellini, em suas óperas “Guerra” (1956), “Whirlwind” (1958), “Octopus” (1958), “Vista da Ponte” (1961), escolheu conscientemente temas modernos e buscou simplificar a linguagem musical, trazer seu música mais próxima do folclore e dos gêneros de canções populares.

Uma experiência de renovação italiana ainda mais decisiva Teatro musicalé a ópera “Intolerância” de Luigi Nono (1924-1990), que ganhou grande popularidade fora da Itália desde 1961. Com esta obra, o compositor pretendia reavivar a tradição do teatro político e agitador de Brecht. O programa ideológico e estético de Nono exigia a resolução de uma série de problemas complexos e, em primeiro lugar, o compositor tinha de combinar de alguma forma os requisitos de acessibilidade e inteligibilidade da obra com novos e modernos meios técnicos de composição. Nono é um dos poucos representantes da “vanguarda” do pós-guerra que aceita o ensinamento marxista sobre o papel da arte na vida da sociedade e reconhece a necessidade de criar arte para o povo, uma arte que seja compreensível para o público em geral. massas de ouvintes. Portanto, em sua ópera, Nono cuida da simplicidade e da melodia, introduz movimentos melódicos populares, ritmos característicos de danças folclóricas e usa um coro falante por uma questão de pungência e impacto direto. Os coros cantores, pré-gravados em fita, são transmitidos por vários alto-falantes. O seu poderoso som “estereofónico” deverá evocar a ideia de música monumental de ruas e praças, de música ao ar livre. O libreto da ópera, escrito pelo próprio compositor, é muito conciso e esquemático, permitindo variações nas situações individuais do enredo no interesse da maior relevância do conteúdo. O texto inclui uma montagem de diferentes estrofes poéticas de diferentes autores, declarações aforísticas, slogans, que, do ponto de vista do compositor, expressam claramente o espírito da época. A primeira versão da ópera chamava-se “Intolerância. 1960" e continha um protesto contra a guerra na Argélia. Encenada posteriormente, esta ópera foi repleta de outros slogans e citações de documentos politicamente relevantes da época. A ópera iniciou o seu percurso nos palcos europeus com um escândalo político no Festival de Veneza em 1961. A causa do escândalo foi o seu tema - resistência à violência, intransigência, propaganda das ideias de transformação socialista da sociedade. Esta obra foi encenada em muitos teatros europeus, apesar do seu carácter algo “experimental” e experimental. Agora existe em uma nova versão sob o título “Intolerância. 1970”, ajustado com novas técnicas de direção, novos detalhes de enredo, mas o compositor ainda continua pesquisas nessa direção, buscando a mais completa síntese das técnicas dramáticas do teatro político moderno com novos meios musicais e expressivos.

"La Scala"(Italiano Teatro alla Scala ou La Scala ) é uma casa de ópera em Milão. O edifício do teatro foi construído segundo projeto do arquiteto Giuseppe Piermarini em 1776-1778. no local da igreja de Santa Maria della Scala, de onde vem o nome do próprio teatro. A igreja, por sua vez, recebeu o nome em 1381 não da “escada” (scala), mas da padroeira - uma representante da família de governantes de Verona chamada Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). O teatro foi inaugurado em 3 de agosto de 1778 com a produção da ópera "Europa Reconhecida" de Antonio Salieri.

Em 2001, o prédio do Teatro La Scala foi temporariamente fechado para restauração, e por isso todas as produções foram transferidas para o prédio do Teatro Arcimboldi, construído especialmente para esse fim. Desde 2004, as produções foram retomadas no antigo prédio, e o Arcimboldi é um teatro independente que funciona em colaboração com o La Scala.

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Teatro "Busseto" em homenagem a G. Verdi.

Busseto(itálico. Busseto, emil.-rom. Busé, local Busse) é uma região da Itália, na região da Emília-Romanha, subordinada ao centro administrativo de Parma.

Uma cidade intimamente ligada à vida do compositor de ópera Giuseppe Verdi.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi(Italiano Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, 10 de outubro de 1813, Roncole perto da cidade de Busseto, Itália - 27 de janeiro de 1901, Milão) - ótimo Compositor italiano, cuja obra é uma das maiores conquistas da ópera mundial e o culminar do desenvolvimento da língua italiana óperas XIX século.

O compositor criou 26 óperas e um réquiem. As melhores óperas compositor: “Un ballo in maschera”, “Rigoletto”, “Il Trovatore”, “La Traviata”. O auge da criatividade são as últimas óperas: “Aida”, “Othello”.

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O Teatro Giuseppe Verdi é um pequeno teatro com 300 lugares construído pelo município com o apoio de Verdi, mas não com a sua aprovação. Teatro Giuseppe Verdi(Teatro Giuseppe Verdi)é uma pequena casa de ópera. Localizado na ala Rocca Dei Marchesi Pallavicino na Piazza Giuseppe Verdi em Busseto, Itália.

O teatro foi inaugurado em 15 de agosto de 1868. Prevaleceu na estreia cor verde, todos os homens usavam gravata verde, as mulheres usavam vestidos verdes. Naquela noite foram apresentadas duas óperas de Verdi: " Rigoletto" E " Baile de máscaras". Verdi não estava presente, embora morasse a apenas três quilômetros de distância, na aldeia de Sant'Agata, em Villanova sull'Arda.

Embora Verdi fosse contra a construção de um teatro (seria "muito caro e inútil no futuro", disse ele) e tivesse a reputação de nunca ter posto os pés nele, ele doou 10.000 liras para a construção e manutenção do teatro.

Em 1913, Arturo Toscanini realizou comemorações por ocasião do centenário do nascimento de Giuseppe Verdi e organizou uma arrecadação de fundos para a criação de um monumento ao compositor. Um busto de Verdi, de Giovanni Dupre, foi instalado na praça em frente ao o teatro.

O teatro foi restaurado em 1990. Acolhe regularmente uma temporada de apresentações de ópera.

9.Monumento a Giuseppe Verdi.

Teatro Real de San Carlo, Nápoles (Nápoles, San Carlo).

Ópera de Nápoles.Está localizado próximo à praça central Piazza del Plebiscita, próximo a Palácio Real. É a casa de ópera mais antiga da Europa.

O teatro foi encomendado pelo rei de Nápoles, Carlos VII da dinastia Bourbon francesa, e projetado por Giovanni Antonio Medrano, arquiteto militar, e Angelo Carasale, ex-diretor do Teatro San Bartolomeo. A construção custou 75.000 ducados e foi projetada para 1.379 lugares.

O novo teatro encantou os contemporâneos com sua arquitetura. O auditório é decorado com estuque dourado e cadeiras de veludo azul (azul e dourado são as cores oficiais da Casa de Bourbon).

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Teatro Real de Parma(Teatro Régio).

Teatro favorito de G. Verdi e do violinista Nicolo Paganini.

Parma sempre foi conhecida por tradições musicais e seu maior orgulho é a ópera (Teatro Regio).

Inaugurado em 1829. A primeira intérprete foi Zaira Bellini. O teatro foi construído em um belo estilo neoclássico.

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Teatro Farnese em Parma (Parma, Farnese).

Teatro Farnésio em Parma. Foi construído em estilo barroco em 1618 pelo arquiteto Aleotti Giovanni Battista. O teatro foi quase destruído durante um ataque aéreo aliado durante a Segunda Guerra Mundial (1944). Foi restaurado e reaberto em 1962.

Alguns afirmam que é o primeiro teatro de proscênio permanente (ou seja, um teatro em que o público assiste a uma peça teatral de um ato, conhecido como "proscênio em arco").

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Ópera Caio Melisso em Spoleto.

O principal local para apresentações de ópera durante o anual Festival de verão Dei Due Mondi.

O teatro passou por uma série de transformações e mudanças desde o final do século XVII. Teatro da Praça do Duomo, também conhecido como Teatro da Rosa, construído em 1667, modernizado em 1749 e reaberto em 1749 como Novo Teatro de Spoleto. Depois de 1817 e da construção de uma nova casa de ópera, o edifício só foi utilizado em meados do século XIX. 800 lugares Teatro Novo foi restaurado entre 1854 e 1864 através de doações voluntárias.

O antigo teatro foi preservado e reformado mais uma vez com novo design e layout. Renomeado para Teatro Cayo Melisso, reabriu as portas em 1880.

O primeiro festival de ópera aconteceu em 5 de junho de 1958. Fragmentos da ópera de G. Verdi " Macbeth"e outros, menos óperas famosas, característico deste festival.

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Teatro Olímpico, Vicenza, Olímpico.

O Olímpico é o primeiro teatro coberto do mundo com alvenaria e interiores em madeira e gesso.

Foi construído segundo projeto do arquiteto Andrea Palladio entre 1580-1585.

O Teatro Olímpico está localizado na Piazza Mattiotti em Vicenza. A cidade está localizada entre Milão e Veneza, no nordeste da Itália. Incluído em Património Mundial Unesco.

O teatro, que tem 400 lugares, recebe, entre outros eventos, espetáculos musicais e festivais de teatro, como “Música da Semana no Teatro Olímpico”, “Sons do Olimpo”, o festival “Homenagem a Palladio”, “András Schiff e Amigos” e uma série de espetáculos clássicos.

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