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Tempos modernos inclui o dia das eras artísticas: vanguarda e realismo. Originalidade Uma dessas eras é que elas não se desenvolvem sequencialmente, mas historicamente em paralelo.

Grupos artísticos de vanguarda nº ( pré-modernismo, modernismo, neomodernismo, pós-modernismo) desenvolver paralelamente ao grupo realista (crítico realismo XIX o., realismo socialista, prosa de aldeia, neorrealismo, realismo mágico, realismo psicológico, realismo intelectual). Neste desenvolvimento paralelo de épocas se manifesta aceleração geral do movimento da história.

Uma das principais disposições do conceito artístico dos movimentos de vanguarda: caos, desordem "A lei da vida moderna na sociedade humana. A arte torna-se caosologia, estudando as leis da desordem mundial.

Todos os movimentos de vanguarda restringem o consciente e aumentam o inconsciente tanto no processo criativo como no processo de recepção. Essas direções prestam grande atenção à arte de massa e aos problemas de formação da consciência do indivíduo.

Características que unem os movimentos artísticos de vanguarda: Um novo visual sobre a posição e propósito do homem no universo, a rejeição de regras e normas previamente estabelecidas, de tradições e estabelecidas

competências, experiências no domínio da forma e do estilo, procura de novos meios e técnicas artísticas.

Pré-modernismo - o primeiro período (inicial) de desenvolvimento artístico da era vanguardista; um conjunto de movimentos artísticos da cultura da segunda metade do século XIX, abrindo toda uma fase (a fase das ilusões perdidas) do mais recente desenvolvimento artístico.

O naturalismo é um movimento artístico cujo conceito artístico invariável era a afirmação do homem da carne no mundo das coisas-materiais; uma pessoa, mesmo tomada apenas como indivíduo biológico altamente organizado, merece atenção em todas as manifestações; apesar de todas as suas imperfeições, o mundo é estável e todos os detalhes sobre ele são de interesse geral. No conceito artístico do naturalismo, desejos e possibilidades, ideais e realidade são equilibrados, sente-se uma certa complacência da sociedade, a sua satisfação com a sua posição e a relutância em mudar qualquer coisa no mundo.

O naturalismo afirma que todo o mundo visível faz parte da natureza e pode ser explicado pelas suas leis, e não por causas sobrenaturais ou paranormais. O naturalismo nasceu da absolutização do realismo e sob a influência das teorias biológicas darwinianas, dos métodos científicos de estudo da sociedade e das ideias deterministas de Taine e de outros positivistas.

Impressionismo - movimento artístico (segunda metade do século XIX - início do século XX), cujo conceito artístico invariável era a afirmação de uma personalidade sofisticada, liricamente responsiva, impressionável, admiradora da beleza do mundo. O impressionismo abriu um novo tipo de percepção da realidade. Ao contrário do realismo, que se concentra em transmitir o típico, o impressionismo se concentra no especial, no individual e na visão subjetiva do artista.

O impressionismo é um domínio magistral da cor, do claro-escuro, da capacidade de transmitir a diversidade, o multicolorido da vida, a alegria de ser, de capturar momentos fugazes de iluminação e o estado geral do mundo em mudança circundante, de transmitir plein air - o jogo de luz e sombras ao redor das pessoas e coisas, o ar ambiente, a iluminação natural, que confere uma aparência estética ao objeto retratado.

O impressionismo manifestou-se na pintura (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) e na música (C. Debussy e M . Ravel, A. Scriabin) e na literatura (parcialmente G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellerman, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Ecletismo- uma direção artística (que se manifestou principalmente na arquitetura), que, na criação de obras, envolve qualquer combinação de quaisquer formas do passado, quaisquer tradições nacionais, decorativoismo absoluto, intercambialidade e equivalência de elementos em uma obra, uma violação da hierarquia em o sistema artístico e um enfraquecimento da sistematicidade e da integridade.

O ecletismo é caracterizado por: 1) excesso de decorações; 2) igual importância dos vários elementos, de todas as formas de estilo; 3) perda de distinção entre massa e estrutura única em conjunto urbano ou obra de literatura e outras obras do processo literário; 4) falta de unidade: a fachada é separada do corpo do edifício, o detalhe é separado do todo, o estilo da fachada é separado do estilo do interior, os estilos dos vários espaços interiores são separados uns dos outros ; 5) composição axial simétrica opcional (desvio da regra do número ímpar de janelas na fachada), uniformidade da fachada; 6) o princípio do “non-finito” (incompletude da obra, abertura da composição); 7) fortalecimento

compreender a associatividade do pensamento do autor (artista) la, arquiteto) e visualizador; 8) libertação da tradição antiga e confiança em culturas de diferentes épocas e nações diferentes; desejo pelo exótico; 9) multiestilo; 10) personalidade desregulada (em contraste com o classicismo), subjetivismo, livre manifestação do elemento pessoal; 11) democracia: a tendência de criar um tipo de habitação urbana universal e sem classe.

Funcionalmente, o ecletismo na literatura, arquitetura e outras artes visa servir o “terceiro estado”. A estrutura-chave do Barroco é uma igreja ou palácio, a estrutura-chave do Classicismo é um edifício estatal, a estrutura-chave do Ecletismo é um prédio de apartamentos (“para todos”). O decorativoismo eclético é um fator de mercado que surgiu com o objetivo de atrair uma ampla clientela para um prédio onde se alugam apartamentos. Um prédio de apartamentos é um tipo de habitação em massa.

Modernismo- uma era artística que une movimentos artísticos, cujo conceito artístico reflete a aceleração da história e o fortalecimento da sua pressão sobre o homem (simbolismo, raionismo, fauvismo, primitivismo, cubismo, acmeísmo, futurismo); o período da personificação mais completa do vanguardismo. Durante o período do modernismo, o desenvolvimento e a mudança nas direções artísticas ocorreram rapidamente.

Os movimentos artísticos modernistas constroem-se a partir da desconstrução da estrutura tipológica de uma obra clássica – alguns de seus elementos tornam-se objetos de experimentações artísticas. Na arte clássica estes elementos são equilibrados. O modernismo perturbou este equilíbrio, fortalecendo alguns elementos e enfraquecendo outros.

Simbolismo- um movimento artístico da era do modernismo, afirmando o conceito artístico: o sonho do poeta é a cavalaria e uma bela dama. Sonhos de

cavalaria, a adoração de uma bela dama preenche a poesia simbolismo.

O simbolismo surgiu na França. Seus mestres foram Baudelaire, Mallarmé, Verlaine e Rimbaud.

Acmeísmo é um movimento artístico da literatura russa do início do século XX, que surgiu na “Idade da Prata”, existiu principalmente na poesia e afirmou: poeta- um feiticeiro e orgulhoso governante do mundo, desvendando seus segredos e superando seu caos.

Os seguintes pertenciam ao Acmeísmo: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich e outros.- movimento artístico da era do modernismo, afirmando uma personalidade agressiva e militante no caos urbano organizado do mundo.

Definindo artístico o fator do futurismo é a dinâmica. Os futuristas implementaram o princípio da experimentação ilimitada e alcançaram soluções inovadoras na literatura, pintura, música e teatro.

Primitivismo- um movimento artístico que simplifica o homem e o mundo, buscando ver o mundo através dos olhos das crianças, com alegria e simplicidade, fora do “adulto”» dificuldades. Este desejo dá origem aos pontos fortes e fracos do primitivismo.

O primitivismo é uma nostalgia atávica do passado, ansiando por um modo de vida pré-civilizado.

O primitivismo se esforça para capturar os contornos principais de um mundo complexo, procurando nele cores e linhas alegres e compreensíveis. O primitivismo é oposição à realidade: o mundo torna-se mais complexo, mas o artista simplifica-o. No entanto, o artista simplifica o mundo para lidar com a sua complexidade.

Cubismo - uma variedade geometrizada de primitivismo que simplifica a realidade, percebendo-a com olhos infantis ou “selvagens”.

a verdadeira natureza da primitivização: ver o mundo através das formas de figuras geometricamente regulares.

O cubismo na pintura e na escultura foi desenvolvido pelos artistas italianos D. Severini, U. Boccione, C. Kappa; Alemão - E.L. Kirchner, G. Richter; Americano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, mexicano Diego Rivera, argentino E. Pettoruti e outros.

No cubismo, as estruturas arquitetônicas são sentidas; as massas estão mecanicamente acopladas umas às outras e cada massa mantém a sua independência. O cubismo abriu uma direção fundamentalmente nova na arte figurativa. Obras convencionais do Cubismo (Braque, Gris, Picasso, Léger) mantêm uma ligação com o modelo. Os retratos correspondem aos originais e são reconhecíveis (um crítico americano num café parisiense reconheceu um homem que conhecia apenas por um retrato de Picasso composto por figuras geométricas).

Os cubistas não retratam a realidade, mas criam uma “realidade diferente” e transmitem não a aparência de um objeto, mas seu design, arquitetura, estrutura, essência. Eles não reproduzem um “fato narrativo”, mas incorporam visualmente seu conhecimento sobre o assunto retratado.

Abstracionismo- direção artística de arte do século XX, cujo conceito artístico afirma a necessidade do indivíduo escapar da realidade banal e ilusória.

As obras de arte abstrata estão separadas das próprias formas de vida e incorporam as impressões subjetivas de cores e fantasias do artista.

Duas tendências surgiram na arte abstrata. Primeira corrente abstracionismo lírico-emocional, psicológico - uma sinfonia de cores, harmonização de combinações de cores informes. Este movimento nasceu da diversidade impressionista de impressões do mundo, materializadas nas pinturas de Henri Matisse.

O criador da primeira obra do abstracionismo psicológico foi V. Kandinsky, que pintou o quadro “Montanha”.

Segunda corrente - o abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) (“neoplasticismo”) é o cubismo não figurativo. Um papel significativo no nascimento deste movimento foi desempenhado por P. Cézanne e pelos cubistas, que criaram um novo tipo de espaço artístico ao combinar várias formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas.

Suprematismo(autor do termo e fenômeno artístico correspondente Kazimir Malevich) - o movimento do abstracionismo, que aguçou e aprofundou suas feições. Malevich abriu o movimento “Suprematismo” em 1913 com a pintura “Quadrado Negro”. Mais tarde, Malevich formulou os seus princípios estéticos: a arte é duradoura devido ao seu valor intemporal; a pura sensualidade plástica é a “dignidade das obras de arte”. A estética e a poética do Suprematismo afirmam fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - estruturas ideais a partir de elementos geometricamente corretos.

O raísmo é um dos movimentos quase abstracionistas que afirmavam a dificuldade e a alegria da existência humana e a incerteza do mundo, em que todos os objetos iluminados fontes diferentes luz, encontram-se desmembrados pelos raios desta luz e perdem a sua clara figuratividade.

O raísmo surgiu em 1908 - 1910 obg. nas obras dos artistas russos Mikhail Larionov e sua esposa Natalia Goncharova.

Durante neomodernismo, todos os movimentos artísticos de vanguarda vêm de tal compreensão da realidade: uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um neo-humano. Durante este período, o desenvolvimento

Existem movimentos artísticos de vanguarda que afirmam conceitos artísticos sombrios e pessimistas do mundo e da personalidade. Entre eles Dadaísmo, construtivismo, surrealismo, existencialismo, neo-abstracionismo, etc.

O dadaísmo é um movimento artístico que afirma um conceito artístico; mundo- loucura sem sentido que testa a razão e a fé.

Os princípios do dadaísmo tornaram-se; uma ruptura com as tradições da cultura mundial, incluindo as tradições linguísticas; fuga da cultura e da realidade, da ideia do mundo como um caos de loucura no qual é lançada uma pessoa indefesa; pessimismo, descrença, negação de valores, sentimento de perda geral e falta de sentido da existência, destruição de ideais e do propósito da vida. O dadaísmo é uma expressão da crise dos valores culturais clássicos, da busca de uma nova linguagem e de novos valores.

O surrealismo é um movimento artístico que se concentra em uma pessoa confusa em um mundo misterioso e incognoscível. O conceito de personalidade no surrealismo poderia ser brevemente expresso na fórmula do agnosticismo: “Eu sou um homem, mas os limites da minha personalidade e do mundo se confundiram. Não sei onde começa e onde termina o meu “eu”, onde está o mundo e o que é?

O surrealismo como movimento artístico foi desenvolvido por: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Queneau, Jacques Prévert.

O surrealismo surgiu a partir do dadaísmo, inicialmente como movimento literário, que mais tarde encontrou expressão na pintura, mas também no cinema, no teatro e em parte na música.

Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. Eles estão perdendo limites. Proclama-se o relativismo estético: tudo flui, tudo se esgota.

parece estar confuso” borrões; Nada é certo. O surrealismo afirma a relatividade do mundo e dele valores. Não há fronteiras entre felicidade e infelicidade, entre o indivíduo e a sociedade. Caos do mundo causa caos no pensamento artístico- Este é o princípio da estética do surrealismo.

O conceito artístico do surrealismo afirma o mistério e a incognoscibilidade de um mundo em que o tempo e a história desaparecem, e a pessoa vive no subconsciente e se encontra indefesa diante das dificuldades.

Expressionismo- um movimento artístico que afirma: alienado, o homem vive num mundo hostil. Tal como o herói da época, o expressionismo apresentava uma personalidade inquieta, dominada pelas emoções, [incapaz de trazer harmonia a um mundo dilacerado pelas paixões. -

O expressionismo como movimento artístico surgiu a partir de relações com vários campos de atividade científica: com a psicanálise de Freud, a fenomenologia de Husserl, a epistemologia neokantiana, a filosofia do “Círculo de Viena” e a psicologia da Gestalt.

O expressionismo se manifestou em diferentes tipos de arte: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - na pintura; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - na literatura; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - na música.

Expressionismo baseado na cultura do século XX. revive o romantismo. Expressionismo medo inerente do mundo e contradição entre dinamismo externo e a ideia da essência imutável do mundo (descrença na possibilidade de sua melhoria). De acordo com a arte conceitos do expressionismo, as forças essenciais da personalidade são alienadas em oposição pessoa e instituições sociais hostis a ele: tudo está sem esperança. Ek impressionismo - uma expressão da dor de um artista humanista,

causado a ele pela imperfeição do mundo. Conceito expressionista de personalidade: Humano- um ser emocional, “natural”, alheio ao mundo industrial e racional, urbano em que é forçado a viver.

Construtivismo- movimento artístico (década de 20 do século XX), cujo invariante conceitual é a ideia- a existência humana ocorre no ambiente de forças industriais alienadas dele; e o herói do tempo- racionalista da sociedade industrial.

Os princípios neopositivistas do cubismo, tendo nascido na pintura, foram estendidos de forma transformada à literatura e outras artes e consolidados numa nova direção, convergindo com as ideias do tecnicismo - o construtivismo. Este último via os produtos da indústria como independentes, alienados do indivíduo e dos valores que se lhe opunham. O construtivismo surgiu no alvorecer da revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnicismo; ele valorizava as máquinas e seus produtos acima dos indivíduos. Mesmo nas obras mais talentosas e humanísticas do construtivismo, os factores alienantes do progresso tecnológico são tidos como certos. O construtivismo está repleto do pathos do progresso industrial e da viabilidade económica; é de orientação tecnocrática.

A estética do construtivismo desenvolveu-se entre extremos (às vezes caindo em um deles) - o utilitarismo, que exige a destruição da estética, e o esteticismo. Nas artes plásticas e na arquitetura, os princípios criativos do construtivismo estão o mais próximos possível da engenharia e incluem: cálculo matemático, laconismo dos meios artísticos, composição esquemática, lógica.

Na literatura, o construtivismo como movimento artístico desenvolveu-se (1923 - 1930) na obra do grupo

LCC (Centro Literário de Construtivistas): I.L. Selvinsky, B. N. Ágapov, V.M. Inber, H. A. Aduev, E. Kh. Bagritsky, B.I. Gabrielovich, K.L. Zelinsky (teórico de grupo) e outros também influenciaram o teatro (trabalho do diretor Vsevolod Meyerhold, que desenvolveu os princípios da biomecânica, engenharia teatral e introduziu elementos do espetáculo circense na ação cênica. As ideias do construtivismo cobriram vários tipos de arte com seus. influência, no entanto maior influência teve impacto na arquitetura. Isto afetou especialmente o trabalho de Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Schuko e V.G. Gelfreich.

Existencialismo- o conceito de existência humana, o seu lugar e papel neste mundo, a sua relação com Deus. A essência do existencialismo- a primazia da existência sobre a essência (a própria pessoa molda a sua existência e, ao escolher o que fazer e o que não fazer, traz a essência à existência). O existencialismo afirma uma personalidade solitária, egoísta e auto-valorizada num mundo de absurdo. Para o existencialismo, o indivíduo está acima da história.

Em seu conceito artístico, o existencialismo (J.P. Sartre, A. Camus) afirma que os próprios fundamentos da existência humana são absurdos, até porque o homem é mortal; a história vai de mal a pior e volta a mal novamente. Não há movimento ascendente, há apenas movimento de esquilo roda história, na qual a vida da humanidade gira sem sentido.

A solidão fundamental afirmada pelo conceito artístico do existencialismo tem a consequência lógica oposta: a vida não é absurda onde uma pessoa continua a existir na humanidade. Mas se uma pessoa é solitária, se é o único valor no mundo, então ela é socialmente desvalorizada, não tem futuro e então a morte é absoluta. Isso risca uma pessoa e a vida perde o sentido.

Arte neo-abstrata(arte abstrata da segunda onda) - autoexpressão espontânea-impulsiva; uma rejeição fundamental da figuratividade, da representação da realidade, em nome da pura expressividade; fluxo de consciência capturado em cores.

O neoabstracionismo criou uma nova geração de abstracionistas: J. Paul Lak, De Kuhn e Ig, A. Manisirer e outros. Eles dominaram a técnica surrealista e os princípios do “automatismo mental”. Na obra de Pol Lak, o ato criativo é enfatizado não pela obra em si, mas pelo próprio processo de sua criação. Este processo torna-se um fim em si mesmo e aqui se formam as origens da “action painting”.

Os princípios do neo-abstracionismo foram fundamentados por M. Brion, G. Reed, Sh.-P. Brew, M. Raton. O teórico italiano D. Severini defendeu o esquecimento da realidade, pois esta não afeta a expressão plástica. Outro teórico, M. Zefor, considera que o mérito da pintura abstrata é que ela não traz nada do ambiente normal da vida humana. A fotografia tirou a figuratividade da pintura, deixando a esta apenas possibilidades expressivas de revelação do mundo subjetivo do artista.

O elo fraco na teoria do abstracionismo e do neo-abstracionismo é a falta de critérios de valor claros para distinguir a criatividade da especulação, a seriedade das piadas, o talento da mediocridade, a habilidade da malandragem.

Soluções artísticas de abstracionismo e neo-abstracionismo (harmonização de cor e forma, criação de “equilíbrio” de planos de diferentes tamanhos devido à intensidade de sua cor) são utilizadas em arquitetura, design, design art, teatro, cinema e televisão.

Pós-modernismo como uma era artística carrega em si um paradigma artístico que afirma que uma pessoa não consegue suportar a pressão do mundo e se torna um pós-humano. Todas as direções artísticas deste

período estão permeados por esse paradigma, manifestando-o e refratando-o por meio de seus conceitos invariantes de mundo e de personalidade: pop art, sonopucmuka, aleatória, pontilhismo musical, hiperrealismo, acontecimentos, etc.

Arte pop- nova arte figurativa. A pop art contrastou a rejeição abstracionista da realidade com o mundo áspero das coisas materiais, ao qual é atribuído status artístico e estético.

Os teóricos da pop art argumentam que, em determinado contexto, todo objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. Portanto, a tarefa do artista é entendida não como a criação de um objeto artístico, mas como conferir qualidades artísticas a um objeto comum, organizando um determinado contexto de sua percepção. A estetização do mundo material torna-se o princípio da pop art. Os artistas se esforçam para alcançar atratividade, clareza e clareza em suas criações, usando para isso a poética dos rótulos e da publicidade. A pop art é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um manequim ou escultura.

Carros amassados, fotografias desbotadas, pedaços de jornais e cartazes colados em caixas, um frango recheado sob uma tampa de vidro, um sapato rasgado pintado com tinta a óleo branca, motores elétricos, pneus velhos ou fogões a gás - essas são as exposições artísticas da pop art.

Dentre os artistas da pop art podemos destacar: E. Warhol, D. Chamberlain, J. Dine e outros.

A pop art como movimento artístico tem uma série de variedades (tendências): op art (artisticamente efeitos ópticos organizados, combinações geométricas de linhas e pontos), env-apm(composições, organização artística do ambiente do espectador), el-at(objetos movendo-se com a ajuda de motores elétricos

e designs, este movimento pop art surgiu como um movimento artístico independente - o cinetismo).

A pop art apresentou o conceito de personalidade consumidora de uma sociedade de “consumo de massa”. A personalidade ideal da pop art é uma pessoa consumidora para quem naturezas mortas estetizadas de composições mercantis deveriam substituir a cultura espiritual. Palavras substituídas por bens, literatura substituída por coisas, beleza substituída por utilidade, ganância por materiais, consumo de mercadorias substituindo necessidades espirituais são características da arte pop. Esta direção é fundamentalmente orientada para uma personalidade de massa e pouco criativa, privada de pensamento independente e que toma emprestado “seus” pensamentos da publicidade e da comunicação de massa, uma personalidade manipulada pela televisão e outros meios de comunicação. Esta personalidade é programada pela pop art para cumprir os papéis de adquirente e consumidor, suportando obedientemente a influência alienante. civilização moderna. A personalidade da pop art é o zumbi da cultura de massa.

O hiperrealismo é um movimento artístico cujo conceito artístico invariável é: um sistema de vida impessoal num mundo cruel e áspero.

Hiperrealismo - cria obras pitorescas sobrenaturalistas que transmitem os mínimos detalhes do objeto retratado. Os temas do hiperrealismo são deliberadamente banais, as imagens são enfaticamente “objetivas”. Esta direção devolve os artistas às formas e meios habituais das belas-artes, em particular à tela, rejeitada pela pop art. O hiperrealismo faz dos temas principais de suas pinturas a natureza morta, artificial, “segunda” do ambiente urbano: postos de gasolina, carros, vitrines, prédios residenciais, cabines telefônicas, que são apresentados como alienados do homem.

O hiperrealismo mostra as consequências da urbanização excessiva, da destruição da ecologia do meio ambiente e prova que a metrópole cria um ambiente desumano. tópico principal hiperrealismo - a vida mecanizada impessoal de uma cidade moderna.

Base teórica hiperrealismo - ideias filosóficas da escola de Frankfurt, que afirma a necessidade de se afastar das formas ideológicas de pensamento figurativo.

Funciona fotorrealismo são baseados em fotografias altamente ampliadas e são frequentemente identificados com hiperrealismo. No entanto, tanto em termos da tecnologia de criação de uma imagem como, mais importante, em termos do conceito artístico invariável do mundo e da personalidade - estas, embora próximas, são direções artísticas diferentes. Os hiperrealistas imitavam fotos usando meios pictóricos na tela, os fotorrealistas imitavam pinturas processando fotografias (com tintas, meios de colagem).

O fotorrealismo afirma a prioridade do conceito documental e artístico: uma pessoa comum e confiável em um mundo comum e confiável.

O objetivo do fotorrealismo é retratar a vida cotidiana moderna. Ruas, transeuntes, vitrines, carros, semáforos, casas e utensílios domésticos são reproduzidos em obras de fotorrealismo de forma autêntica, objetiva e extremamente semelhante.

As principais características do fotorrealismo: 1) figuratividade, contrapondo-se às tradições do abstracionismo; 2) atração pela trama; 3) o desejo de evitar “clichês realistas” e documentarismo; 4) confiança nas realizações artísticas dos equipamentos fotográficos.

Sonorística- direção musical: um jogo de timbres que expressa o “eu” do autor. Para seus representantes, não é a altura do som que importa, mas sim o timbre. Eles estão procurando por novos musical cores, som não convencional: tocado em uma palheta,

serrote, grudar nas cordas do piano, bater no tampo, controle remoto o som é produzido limpando o bocal com um lenço.

Na música sonora pura, a melodia, a harmonia e o ritmo não desempenham um papel especial; apenas o som do timbre importa; A necessidade de registrá-lo deu origem a formas gráficas especiais de registro do timbre na forma de linhas finas, ousadas, onduladas e em forma de cone. Às vezes, a faixa em que o intérprete precisa tocar também é indicada.

O fundador da música sonora foi o compositor polonês K. Penderecki, e sua iniciativa foi continuada por K. Serotsky, S. Bussotti e outros.

Pontilhismo musical- direção à vista * cuja peculiaridade é a fragmentação do tecido musical, sua dispersão nos registros, a complexidade do ritmo e das fórmulas de compasso e a abundância de pausas.

O pontilhismo musical recusa-se a criar uma realidade artística coerente (uma realidade que possa ser compreendida com base na tradição musical e artística mundial e utilizando códigos semióticos musicais tradicionais). O pontilhismo orienta o indivíduo para a emigração para o mundo da sua alma e afirma a fragmentação do mundo circundante.

Aleatoria- movimento artístico da literatura e da música, baseado na ideia filosófica de que o acaso reina na vida, e afirmando o conceito artístico: homem- um jogador em um mundo de situações aleatórias.

Representantes da aleatória: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky e outros. A aleatoriedade entra mecanicamente nas obras literárias ou musicais: jogando fichas (dados), jogando xadrez, embaralhando páginas ou variando fragmentos, e também

improvisação: o texto musical é escrito com “sinais-símbolos” e depois interpretado livremente.

Acontecendo- este é um dos tipos de moderno cultura artística no oeste. O autor das primeiras produções do acontecimento “The Yard”, “Creations” foi A. Keprow. As produções Happening envolvem ações misteriosas, às vezes ilógicas, dos performers e são caracterizadas por uma abundância de adereços feitos com itens usados ​​​​e até mesmo retirados de aterros sanitários. Os participantes do acontecimento usam trajes brilhantes e exageradamente ridículos, enfatizando a natureza inanimada dos performers, sua semelhança com caixas ou baldes. Algumas performances consistem, por exemplo, numa dolorosa retirada de debaixo de uma lona. Ao mesmo tempo, o comportamento individual dos atores é improvisado. Às vezes, os atores recorrem ao público com um pedido de ajuda. Esta inclusão do espectador na ação corresponde ao espírito do acontecimento.

O conceito de mundo e personalidade apresentado pelo acontecimento pode ser formulado da seguinte forma: mundo- uma cadeia de eventos aleatórios, uma pessoa deve sentir subjetivamente total liberdade, mas na realidade submeter-se a uma única ação, ser manipulada.

O acontecimento utiliza light painting: a luz muda continuamente de cor e força, é direcionada diretamente ao ator ou brilha através de telas feitas de diferentes materiais. Muitas vezes é acompanhado por efeitos sonoros (vozes humanas, música, tilintar, crepitar, ranger). O som às vezes é muito forte, inesperado, projetado para ter um efeito de choque. A apresentação inclui transparências e stills de filmes. Laura também utiliza substâncias aromáticas. O performer recebe uma tarefa do diretor, mas a duração das ações dos participantes não é determinada. Todos podem sair do jogo quando quiserem.

Os acontecimentos acontecem em diversos locais: em estacionamentos, em pátios cercados por prédios altos, em porões. poços, em sótãos. O espaço de um acontecimento, segundo os princípios desta ação, não deve limitar a imaginação do artista e do espectador.

O teórico do acontecimento M. Kirby atribui esse tipo de espetáculo ao campo do teatro, embora observe que os acontecimentos diferem do teatro pela ausência da estrutura tradicional da peça: enredo, personagens e conflito. Outros investigadores associam a natureza do acontecimento à pintura e à escultura, e não ao teatro.

As origens do acontecimento remontam às buscas artísticas do início do século XX, às tentativas de alguns pintores e escultores de deslocar a ênfase de uma pintura ou escultura para o próprio processo de sua criação. também tem origem na “action painting”: no “drop splashing” de J. Pollock, nas pinceladas “cortantes” de De Kooning, nas pinturas fantasiadas de J. Mathieu.

Arte autodestrutiva- este é um dos estranhos fenômenos do pós-modernismo. Pinturas pintadas com tinta que desbota diante dos olhos do público. O livro “Nothing”, publicado nos EUA em 1975 e republicado na Inglaterra. Tem 192 páginas e não há uma única linha nele. O autor afirma ter expressado o pensamento: não tenho nada para lhe contar. Todos esses são exemplos de arte autodestrutiva. Também tem a sua expressão na música: a execução de uma peça num piano em ruínas ou num violino em desintegração, etc.

Conceitualismo- Este é um movimento artístico da arte ocidental, que no seu conceito artístico afirma uma pessoa desligada do sentido direto (imediato) da cultura e rodeada de produtos estetizados da atividade intelectual.

As obras do conceitualismo são imprevisivelmente diferentes em sua textura e aparência: fotografias, fotocópias de textos, telegramas, reproduções, gráficos, colunas de números, diagramas. O conceitualismo não utiliza o produto intelectual da atividade humana para o fim a que se destina: o destinatário não deve ler e interpretar o significado do texto, mas percebê-lo como um produto puramente estético, interessante na sua aparência.

Representantes do conceitualismo; Artistas americanos T. Atkinsoni, D. Bainbridge, M. Baldwin, H. Harrell, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler, etc.

Realismo crítico Século XIX,- direção artística" apresentando o conceito: o mundo e o homem são imperfeitos; saída- não resistência ao mal por meio da violência e do autoaperfeiçoamento.

M O realismo socialista é um movimento artístico que afirma o conceito artístico: o indivíduo é socialmente ativo e incluído na criação da história por meios violentos.”

Realismo camponês- um movimento artístico que afirma que o camponês é o principal portador da moralidade e o sustentáculo da vida nacional.

Realismo camponês (prosa de aldeia) - direção literária da prosa russa (anos 60 - 80); tema central- uma aldeia moderna, cujo protagonista é um camponês - o único verdadeiro representante do povo e portador de ideais.

Neorrealismo- o movimento artístico do realismo do século XX, que se manifestou no cinema italiano do pós-guerra e em parte na literatura. Características: O neorrealismo mostrou grande interesse pelo homem do povo, pela vida das pessoas comuns: grande atenção aos detalhes, observação e registro de elementos que entraram na vida após a Segunda Guerra Mundial. Produzido

O neorrealismo afirma as ideias do humanismo, a importância dos valores simples da vida, da bondade e da justiça nas relações humanas, da igualdade das pessoas e da sua dignidade, independentemente da sua situação financeira.

realismo mágico- um movimento artístico de realismo que afirma o conceito: uma pessoa vive numa realidade que combina modernidade e história, o sobrenatural e o natural, o paranormal e o quotidiano.

A peculiaridade do realismo mágico é que os episódios fantásticos se desenvolvem de acordo com as leis da lógica cotidiana como realidade cotidiana.

Realismo psicológico- movimento artístico do século XX, propondo o conceito: o indivíduo é responsável; o mundo espiritual deve ser preenchido com uma cultura que promova a fraternidade das pessoas e supere o seu egocentrismo e a solidão.

Realismo intelectual- Esta é a direção artística do realismo, em cujas obras se desenrola um drama de ideias e os personagens em seus rostos “representam” o pensamento do autor, expressam vários aspectos de seu conceito artístico. O realismo intelectual pressupõe o modo de pensar conceitual e filosófico do artista. Se o realismo psicológico se esforça para transmitir a plasticidade do movimento dos pensamentos, revela a dialética da alma humana, a interação do mundo e da consciência, então o realismo intelectual se esforça para resolver de forma artística e convincente os problemas atuais e fornecer uma análise do estado do mundo.

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Fundamentos racionalistas da cultura.É impossível traçar uma fronteira totalmente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas uma verdadeira virada na ciência do universo ocorreu na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegaram à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinidade do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula, quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, do seu lugar no mundo e da relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade – o Renascimento – afirma-se em conformidade com a natureza, que representa uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo “idílico” já não era adequado para nova era, quando a pessoa deixou de se reconhecer como o centro do universo, quando sentiu toda a complexidade e contradições da vida, quando teve que travar uma luta feroz contra a reação feudal-católica.

A personalidade do século XVII não tem valor por si só, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem se quer mostrar, surpreender e convencer. Esta tendência, por um lado, de captar a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, tal como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos e experiências. Isto é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria uma doutrina das paixões e Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem poderia tomar duas direções no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, poderia ser enfatizado o seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, a sua natureza ilusória, as suas qualidades sensuais. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que discernem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento que luta com os seus conflitos, na razão que supera as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido o seu desenho clássico na Itália e na França, respetivamente, espalharam-se, de uma forma ou de outra, por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Fundamentos racionalistas da cultura

É impossível traçar uma fronteira totalmente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas uma verdadeira virada na ciência do universo ocorreu na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegaram à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinidade do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula, quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, do seu lugar no mundo e da relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade – o Renascimento – afirma-se em conformidade com a natureza, que representa uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo “idílico” já não era adequado à nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como centro do universo, quando sentiu toda a complexidade e contradições da vida, quando teve que travar uma luta cruel contra o reação feudal-católica.

A personalidade do século XVII não tem valor por si só, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem se quer mostrar, surpreender e convencer. Esta tendência, por um lado, de captar a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, tal como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos e experiências. Isto é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria uma doutrina das paixões e Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem poderia tomar duas direções no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, poderia ser enfatizado o seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, a sua natureza ilusória, as suas qualidades sensuais. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que discernem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento que luta com os seus conflitos, na razão que supera as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido o seu desenho clássico na Itália e na França, respetivamente, espalharam-se, de uma forma ou de outra, por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do Barroco

O estilo barroco surgiu na Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que viveu uma contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde os cidadãos ricos se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde a teoria e a prática do maneirismo floresceram em em plena floração e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu brilho se preservaram as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O Barroco tirou do Maneirismo a sua subjetividade, do Renascimento o seu fascínio pela realidade, mas ambos numa nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuassem a ser sentidos na primeira e mesmo na segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da capacidade de persuadir, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meios de persuasão, parecem equivalentes - e daí decorre o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com o sigilo da técnica de “arte” da obra de efeito, criando uma impressão subjetiva e enganosa de verossimilhança .

Partindo do fato de que o conceito principal da estética barroca é a capacidade de persuadir, ela é entendida como a capacidade de convencer o espectador com a ajuda de um instrumento específico de influência, que é uma obra de arte. A retórica decora a fala, dá aos conceitos e objetos formas mais facilmente percebidas. A retórica está inextricavelmente ligada à literatura e à poesia, que muitas vezes se identifica com a retórica. A capacidade de persuasão deve convencer, tocar, surpreender aquele a quem se destina. O autor, portanto, deve conhecer nos mínimos detalhes a quem se destina sua obra, deve estudá-los e guiar-se por esse conhecimento na hora de criar suas obras.

Existem métodos reconhecidos e obrigatórios de persuadir o espectador, leitor, ouvinte devido à sua eficácia? Todos os métodos são adequados, desde que atinjam o seu objetivo principal - convencer a pessoa a quem se destinam. Nesse sentido, o problema da verdade ou falsidade de uma obra de arte é relegado a segundo plano e torna-se insignificante. A ilusão se torna um princípio. O leitor e o espectador devem antes de tudo ficar atordoados e surpresos, e isso pode ser feito com a ajuda de uma seleção habilidosa de pinturas estranhas e de composição incomum.

A maior parte dos teóricos do Barroco eram escritores, mas nas suas afirmações sente-se claramente a tendência principal da época Barroca - para a reaproximação dos vários tipos de arte. Todas as artes estão interligadas e possuem uma essência única. Eles diferem apenas nas formas de expressão.

Racionalismo e normativismo da estética do classicismo

O classicismo é uma das áreas mais importantes da arte. Tendo se estabelecido nas obras e na criatividade de muitas gerações, apresentando uma galáxia brilhante de poetas e escritores, pintores e músicos, arquitetos, escultores e atores, o classicismo deixou marcos no caminho do desenvolvimento artístico da humanidade como tragédias Corneille, Racine, Milton, Voltaire, comédia Molière, música Lully, poesia Lafontaine, parque e conjunto arquitetônico de Versalhes, pinturas de Poussin.

O classicismo inicia a sua cronologia no século XVI, domina no século XVII e afirma-se poderosa e persistentemente no século XVIII e no início do século XIX. A própria história confirma a vitalidade das tradições do sistema de arte clássica e o valor dos conceitos de mundo e personalidade humana, principalmente o imperativo moral característico do classicismo.

A palavra “classicismo” (do latim classicus - exemplar) encarna a orientação estável da nova arte em direção ao antigo “modelo”. No entanto, a lealdade ao espírito da antiguidade não significou para os classicistas nem uma simples repetição desses modelos antigos, nem uma cópia direta de teorias antigas. O classicismo foi um reflexo da era da monarquia absoluta e do sistema nobre-burocrático em que a monarquia se baseava. Voltando-nos para a arte da Grécia e de Roma, que também foi um traço característico do Renascimento, por si só ainda não pode ser chamada de classicismo, embora já contivesse muitas das características deste movimento.

Na história da França, a monarquia absoluta desempenhou um papel duplo. A mesma dualidade caracterizou a política cultural da monarquia absoluta e sua doutrina estética - o classicismo. Os tribunais monárquicos caracterizavam-se pelo desejo de subordinar todas as forças artísticas a uma organização centralizadora. O Cardeal Richelieu criou um centro oficial no campo da literatura e da língua - a Academia Francesa. Sob Luís XIV, foi criada a Academia de Artes. Nesses centros de cultura artística, muito trabalho foi feito para criar uma linguagem literária unificada, libertá-la das peculiaridades provinciais e resquícios da antiguidade, desenvolver o discurso literário correto, classificar gêneros e assim por diante. A Academia de Artes, que reunia os mais proeminentes pintores e teóricos da arte, estava envolvida em atividades semelhantes. Em geral, toda esta atividade teve um significado progressivo.

De acordo com os códigos da arte, primeiro era exigido do artista que tivesse “nobreza de design”. O enredo do quadro deve ter tido um valor edificante. Portanto, todos os tipos de alegorias eram especialmente valorizados, nos quais imagens da vida tiradas de maneira mais ou menos convencional expressavam diretamente ideias gerais. O gênero mais elevado era considerado “histórico”, que incluía mitologia antiga, cenas de obras literárias famosas, da Bíblia e assim por diante. Retratos, paisagens e cenas da vida real eram considerados “gêneros menores”. O gênero mais insignificante era a natureza morta.

Na poesia, o classicismo destacou o desenvolvimento racional do tema segundo regras bem conhecidas. O exemplo mais marcante disso é a "Arte Poética" Boileau- um tratado apresentado em belos versos e contendo muitas idéias interessantes. Boileau apresentou a exigência da primazia do conteúdo na arte poética, embora esse princípio se expressasse nele de uma forma muito unilateral - na forma de uma subordinação abstrata do sentimento à razão.

Estética do Iluminismo Europeu

As teorias estéticas do Iluminismo foram formadas durante as primeiras revoluções burguesas dos séculos XVII-XVIII e fazem parte da ideologia e da cultura do seu tempo. Os Iluministas acreditavam que a reorganização de um sistema social ultrapassado deveria ser realizada através da disseminação de ideias avançadas, através da luta contra a ignorância, a droga religiosa, a escolástica medieval, a moralidade feudal desumana, com arte e estética que atendessem às necessidades das camadas superiores. do estado feudal-absolutista.

Apesar de toda a sua progressividade, os iluministas não conseguiram ultrapassar as fronteiras da sua época. Nas maquinações de uma sociedade harmoniosa, os iluministas confiaram num certo “cidadão” abstrato, na sua consciência política e moral, e não na pessoa real que realmente se formou sob o capitalismo.

Os iluministas, por meio da educação moral, política e estética, tentaram alcançar uma transformação da sociedade com base nos princípios da igualdade e da justiça. Tinham plena consciência de que existiam contradições entre os interesses privados e públicos, entre as aspirações e os deveres pessoais, entre o indivíduo e a sociedade. Eles esperavam resolver estas contradições em grande parte através da educação estética. Daí surgiu a convicção de que o princípio estético é capaz de amenizar o egoísmo inato das pessoas, transformando a pessoa em um “indivíduo”.

Do ponto de vista de formar um “cidadão”, uma nova pessoa, os iluministas consideraram os conceitos básicos: beleza, sublime, harmonia, graça, sabor ( Burke, Diderot ); Os problemas da essência e das funções sociais da arte, do conflito artístico, do caráter, da verdade na arte e assim por diante foram tratados com o mesmo espírito. O leitmotiv dos conceitos estéticos do Iluminismo foi a defesa da arte de alto pathos cívico, dos princípios do realismo e do humanismo. Ele discutiu a relação entre beleza e moralidade. Shaftesbury .

Ao interpretar as categorias da estética, os iluministas partiram dos princípios do sensacionalismo, que é uma direção da teoria do conhecimento, segundo a qual a sensualidade é a principal forma de conhecimento confiável. A fórmula clássica que caracteriza o sensacionalismo pertence aos estóicos: “Não há nada na mente que não estivesse anteriormente nos sentidos”.

Desenho teórico da disciplina de estética

O fundador da estética alemã do Iluminismo e o “padrinho” de um ramo independente do conhecimento filosófico foi Baumgarten . Seu sistema epistemológico dividia-se em duas seções: estética e lógica. A primeira era uma teoria do conhecimento sensorial “inferior”, a segunda – do conhecimento “intelectual” superior. Para denotar conhecimento inferior, escolheu o termo “estética”, que era interpretado simultaneamente como sensação, sentimento e cognição. Conseqüentemente, se a lógica é a ciência do conhecimento intelectual, isto é, as leis e formas de pensamento, então a estética é a ciência do conhecimento sensorial. Assim, existem dois tipos de julgamentos: “lógicos” e “sensíveis” (sensuais). Os primeiros baseiam-se em ideias claras, os segundos em ideias vagas. Ele chama aqueles baseados em ideias claras de julgamentos da razão, e aqueles baseados em ideias vagas de julgamentos de gosto. Os julgamentos da razão nos dão a verdade, os julgamentos do gosto nos dão a beleza. A base objetiva do julgamento da razão e do julgamento do gosto é a perfeição, isto é, a correspondência dos objetos ao seu conceito.

A essência e o propósito social da arte na Era do Iluminismo

O iluminista alemão viu a essência da arte na imitação da natureza. Winkelmann. A imitação da beleza na natureza pode ser dirigida a um único objeto ou pode reunir observações de toda uma série de objetos individuais. No primeiro caso, obtém-se uma cópia semelhante, um retrato, no segundo - uma imagem ideal. Winkelmann considera o segundo caminho mais frutífero. Aqui o artista não atua como copista, mas como verdadeiro criador, pois antes de criar uma imagem, ele forma um conceito geral de beleza e depois segue seu protótipo. A beleza ideal supera as formas comuns da matéria e supera suas limitações.

Na primeira metade do século XX, formou-se uma das escolas culturais e estéticas mais populares do nosso século - o freudismo. Seu fundador, o filósofo e psiquiatra austríaco Sigmund Freud (1856-1939), introduziu uma explicação do subconsciente do ponto de vista da vida sexual de uma pessoa nas teorias intuicionistas de seus colegas. E embora as obras do filósofo não contenham uma apresentação sistemática da teoria estética, julgamentos individuais sobre questões de estética e cultura artística estão contidos em suas “Conferências sobre Introdução à Psicanálise” (1918), no livro “Insatisfação com a Cultura” (1930) , bem como nos artigos “Leonardo da Vinci. Um Estudo sobre Psicossexualidade" (1910), "Dostoiévski e o Parricídio" (1928), "O Poeta e a Fantasia" (1911). O ensino de Freud sobre estruturas-instintos inconscientes inatos teve uma enorme influência na prática da chamada “cultura de massa” que se formou no início do século XX. Com efeito, em sua teoria do inconsciente, o filósofo partiu do fato de que a essência do homem se expressa na liberdade dos instintos. A principal influência do freudismo na “cultura de massa” reside no uso dos seus instintos de medo, sexo e agressividade. A psicanálise de Freud criou uma escola muito representativa que existe até hoje. Um papel especial no desenvolvimento do ensino freudiano pertence a O. Rank, G. Sachs e especialmente K.G. Jung. No século XX, as ideias dos pensadores do século passado A. Schopenhauer e F. Nietzsche foram resumidas no conceito estético de elite do filósofo espanhol José Ortega y Gasset (1883-1955). Em 1925, foi publicada na Europa a sua obra mais famosa, intitulada “Desumanização da Arte”, dedicada ao problema da diferença entre a arte antiga e a nova. A principal diferença entre a arte nova e a antiga, segundo Ortega y Gasset, é que ela se dirige à elite da sociedade, e não às suas massas.

O livro “A Desumanização da Arte” de Ortega y Gasset tornou-se legitimamente um verdadeiro manifesto do vanguardismo. O filósofo fica ao lado daquela parte da intelectualidade criativa europeia do início do século que tentou criar uma nova arte. Neste sentido, é necessário analisar os movimentos artísticos, tendências e estilos mais marcantes que se manifestaram neste período histórico.

Avant-garde (da vanguarda francesa) é um conceito que une várias escolas e movimentos da arte europeia dos anos 10-20 do século XX sobre os princípios da renovação radical da prática artística. O termo "vanguarda" consolidou-se na estética crítica de arte na década de 20 O principal grupo de escolas de vanguarda (futurismo, dadaísmo, cubismo, expressionismo, suprematismo) declarou-se com extremo niilismo, o máximo grau de negação da tradição cultural anterior da experiência artística clássica. A implementação prática da vanguarda foi característica de vários tipos de arte: literatura (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teatro (W. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), música (M. Ciurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). No entanto, a vanguarda foi mais obviamente realizada nas artes plásticas. A pintura de vários movimentos de vanguarda foi caracterizada por uma rejeição da vida artística. A arte de vanguarda, com raras exceções (o cubismo, que geometriza convencionalmente a natureza, a arte abstrata com sua geometria puramente fantástica), não é figurativa. A rejeição da objetividade e a transformação de meios artísticos como cor, composição e textura num fim em si mesmos foram ditadas pelo sentimento de crise da civilização moderna.

Na segunda metade do século XX, pesquisas criativas, experiências ousadas continuaram na estética e na arte europeias, surgiram ideias influentes, novas escolas de arte e descobertas promissoras significativas. As tendências estéticas existencialistas, estruturalistas e socioculturais, representadas pelos nomes de J.-P., começam a soar de uma nova maneira. Sartre, A. Camus, C. Lévi-Strauss, R. Barthes, T. Adorno e outros. Mais significante escola estética, formada nas décadas de 40-50 na França, pertencia ao movimento existencialista e manifestou-se de forma especialmente clara nas obras de J. P. Sartre e A. Camus. Deve-se lembrar que o fundador do existencialismo filosófico, Soren Kierkegaard (1813-1855), considerou a filosofia como um pensamento sobre o ser a partir da existência humana pessoal - “existência”. O conceito estético do existencialismo também reconhecia como verdadeira apenas a existência individual de uma pessoa e a possibilidade de conhecer a “existência” com a ajuda da imaginação e das emoções humanas, que por sua vez são o aspecto mais importante da criatividade artística.

O filósofo e escritor francês Jean-Paul Sartre (1905-1980) em suas obras “Imaginação” (1936), “Ensaio sobre a Teoria das Emoções” (1939), “Imaginário” (1940) discute várias propriedades de forma bastante completa consciência humana. Sartre interpreta a consciência humana como transcendental, ou seja, indo além de qualquer experiência e sendo a fonte base de vida, incluindo a atividade criativa humana. Na visão do filósofo, as obras de arte não são um reflexo direto da realidade real, portanto a chamada “consciência imaginativa” de qualquer artista tem um caráter criativo, pois surge por si mesma e está livre de todas as manifestações da realidade . A expressão das visões estéticas de Albert Camus (1913-1960) é o capítulo final de sua obra filosófica “O Mito de Sísifo” (1942), na qual desenvolve a ideia central de sua obra - sobre o absurdo do ser humano existência no mundo. “O absurdo”, o sentimento de solidão e alienação do mundo exterior, a onipotência da morte tornam-se constantes no drama, na prosa e na estética de Camus. Segundo Camus, uma obra de arte também pertence ao absurdo. No entanto, o próprio ato de criatividade artística permite que uma pessoa mantenha a consciência num mundo de caos. Posteriormente, a “Estética do Absurdo” do filósofo desenvolve-se na “Estética da Rebelião”. Em 1951, foi publicado o ensaio político “O Homem Rebelde”, no qual Camus se manifesta contra os extremos da arte, tanto ideológicos quanto puramente formais. Tanto em “O Homem Rebelde” quanto em seus discursos quando recebeu o Prêmio Nobel (1957), Camus enfatiza que a verdadeira arte reflete o destino humano e se esforça para dominar o destino.

Na década de 50, os conceitos intuicionistas e existencialistas da estética da Europa Ocidental ficaram em segundo plano, dando lugar ao estruturalismo. A essência do estruturalismo foi expressa pelo seu principal teórico Claude Lévi-Strauss (nascido em 1908). Formulou as principais etapas da análise da pesquisa estruturalista: “leitura” do texto, sua microanálise, interpretação, decodificação e modelagem final. O estruturalismo tornou-se a base de um movimento literário e estético muito popular na década de 60, denominado " Novas críticas"liderado pelo professor parisiense Roland Barthes (1915-1980). No livro “Crítica e Verdade” (1966), ele defende a posição de que a ciência da literatura não deveria se preocupar em esclarecer o significado das obras, mas deveria criar leis universais para a construção da forma literária.

Nas décadas de 60 e 70, os conceitos sociológicos representados pelos nomes de T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm foram amplamente difundidos na Europa Ocidental e nos EUA. Esses nomes são explicados pelo desejo de explorar a correspondência das estruturas imanentes internas das obras de arte a certos tipos de relações sociais existentes.

ESTÉTICA a ciência do conhecimento sensorial, que compreende e cria beleza e se expressa em imagens de arte.

O conceito de “estética” foi introduzido no uso científico em meados do século XVIII. Filósofo iluminista alemão Alexander Gottlieb Baumgarten ( Estética, 1750). O termo vem da palavra grega

aisthetikos sensorial, relativo à percepção sensorial. Baumgarten destacou a estética como uma disciplina filosófica independente. ASSUNTO DE ESTÉTICA Arte e beleza têm sido objeto de estudo há muito tempo. Durante mais de dois milénios, a estética desenvolveu-se no âmbito da filosofia, da teologia, da prática artística e da crítica de arte.

No processo de desenvolvimento, o assunto tornou-se mais complexo e enriquecido estética. Durante o período da antiguidade, a estética abordou questões filosóficas gerais sobre a natureza da beleza e da arte; a teologia teve uma influência significativa na estética medieval, que serviu como uma das ferramentas para conhecer a Deus; Durante o Renascimento, o pensamento estético desenvolveu-se principalmente na esfera da prática artística, e o seu tema passou a ser a criatividade artística e a sua ligação com a natureza. No início dos tempos modernos, a estética procurou moldar as normas da arte. A política teve uma enorme influência na estética do Iluminismo, centrando-se no propósito social da criatividade artística, no seu significado moral e cognitivo.

O clássico da filosofia alemã Immanuel Kant tradicionalmente considerava o tema da estética como o belo na arte. Mas a estética, segundo Kant, não estuda objetos de beleza, mas apenas julgamentos sobre a beleza, ou seja, é uma crítica à faculdade estética de julgamento. Georg Hegel definiu o tema da estética como a filosofia da arte ou a filosofia da atividade artística e acreditava que a estética trata de determinar o lugar da arte no sistema do espírito mundial.

Posteriormente, o tema da estética foi reduzido à justificativa teórica de uma determinada direção da arte, à análise do estilo artístico, por exemplo, romantismo (Novalis), realismo (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existencialismo (A. Camus, J.-P. Sartre). Os marxistas definiram a estética como a ciência da natureza e as leis do desenvolvimento estético da realidade e da cultura artística da sociedade.

AF Losev considerou o tema da estética como um mundo de formas expressivas criadas pelo homem e pela natureza. Ele acreditava que a estética estuda não só o belo, mas também o feio, o trágico, o cômico, etc., portanto é a ciência da expressão em geral. Com base nisso, a estética pode ser definida como a ciência da percepção sensorial das formas expressivas do mundo circundante. Nesse sentido, o conceito de forma artística é sinônimo de obra de arte. De tudo o que foi dito, podemos concluir que o tema da estética é móvel e mutável e, do ponto de vista histórico, este problema permanece em aberto.

ATIVIDADE ESTÉTICA As obras de arte são criadas como resultado da atividade artística, que representa a forma mais elevada de atividade estética humana. Mas a esfera da exploração estética do mundo é muito mais ampla do que a própria arte. Também aborda aspectos de natureza prática: design, cultura de jardinagem, cultura cotidiana, etc. Esses fenômenos são tratados pela estética técnica e prática. A estética técnica é a teoria do design, a exploração do mundo de acordo com as leis da beleza por meios industriais. As ideias de estética técnica surgiram em meados do século XIX. na Inglaterra. John Ruskin em suas obras Pré-Rafaelitismo(1851) e A Economia Política da Arte(1857) introduziu o conceito de produtos esteticamente valiosos. William Morris em Teórico (obras Artes decorativas, sua relação com a vida moderna, 1878;Notícias do nada ou da Era da Felicidade, 1891 etc.) e prático (criação de uma empresa artística e industrial), desenvolveu problemas de estética do trabalho, do estatuto da indústria artística, do design, das artes decorativas e aplicadas e da organização estética do ambiente. O arquiteto e teórico da arte alemão Gottfried Semper publicou em 1863 “An Experience in Practical Aesthetics”, um ensaio Estilo nas artes técnicas e tectônicas, onde, em contraste com o idealismo filosófico de sua época, ele enfatizou a importância básica dos materiais e da tecnologia na formação de estilo.

Estética da vida cotidiana, comportamento humano, criatividade científica, esportes, etc. está no campo de visão da estética prática. Esta área do conhecimento estético ainda é pouco desenvolvida, mas tem um grande futuro, pois sua esfera de interesses é ampla e diversificada.

Assim, a atividade estética é parte integrante do domínio prático-espiritual da realidade por uma pessoa.

A atividade estética contém importantes princípios criativos e lúdicos e está associada a elementos inconscientes da psique ( Veja também INCONSCIENTE). O conceito de “jogo” como uma das características essenciais da atividade estética foi introduzido na estética por I. Kant e desenvolvido por F. Schiller. Kant formulou dois conceitos estéticos mais importantes: “aparência estética” e “jogo livre”. Pela primeira, ele entendeu a esfera de existência da beleza, pela segunda, sua existência simultaneamente nos planos real e condicional. Desenvolvendo essa ideia, Schiller Cartas sobre educação estética de uma pessoa(1794) escreveu que a beleza, existente no mundo objetivo, pode ser recriada, pode tornar-se “um objeto de motivação para brincar”. Uma pessoa, segundo Schiller, só é plenamente humana quando brinca. A brincadeira não é restringida por necessidades naturais ou obrigações sociais; é a personificação da liberdade. Durante o jogo, é criada uma “aparência estética”, que ultrapassa a realidade, é mais perfeita, elegante e emocional que o mundo que nos rodeia. Mas ao apreciar a arte, a pessoa torna-se cúmplice do jogo e nunca esquece a dupla natureza da situação. Veja também UM JOGO.

Atividade artística . O tipo de atividade estética mais elevada, concentrada e livre de natureza utilitária é atividade artística. O objetivo da criatividade artística é criar uma obra de arte específica. É criado por uma pessoa especial, um criador com habilidades artísticas ( Veja também PERSONALIDADE CRIATIVA). A estética reconhece uma hierarquia de habilidades artísticas, que se parece com isto: superdotação, talento, genialidade.

Gênio. Na antiguidade, o gênio era entendido como um fenômeno irracional. Por exemplo, Plotino explicou o gênio do artista como um fluxo de energia criativa proveniente das ideias subjacentes ao mundo. Durante a Renascença, existia um culto ao gênio como indivíduo criativo. O racionalismo afirmou a ideia de combinar o gênio natural do artista com a disciplina da mente. Uma interpretação única do gênio é apresentada no tratado do Abade Jean-Baptiste Dubos (16701742) Reflexões críticas sobre poesia e pintura(1719). O autor do tratado considerou o problema nos níveis estético, psicológico e biológico. Um gênio, a seu ver, não só tem um espírito vibrante e uma imaginação clara, mas também uma composição sanguínea favorável. Antecipando as principais disposições da escola histórico-cultural de Hippolyte Taine, Dubos escreveu que o tempo e o lugar, assim como o clima, são de grande importância para o surgimento do gênio. Kant deu um significado especial ao conceito de “gênio”. A genialidade de Kant é a exclusividade espiritual, é o talento artístico através do qual a natureza influencia a arte, mostrando sua sabedoria. Um gênio não segue nenhuma regra, mas cria padrões dos quais certas regras podem ser derivadas. Kant define o gênio como a faculdade de percepção ideias estéticas, ou seja imagens inacessíveis ao pensamento.

Inspiração. As visões históricas sobre a natureza do gênio evoluíram constantemente de acordo com o desenvolvimento da compreensão do próprio processo criativo e de um de seus principais elementos - a inspiração. Mais Platão em diálogo E ele disse que no momento do ato criativo o poeta está em estado de frenesi, é levado poder divino. Kant enfatizou o momento irracional da criatividade. Ele notou a incognoscibilidade do ato criativo. O método de trabalho do artista, escreveu ele em Crítica do julgamento, é incompreensível, um mistério para a maioria das pessoas, e às vezes até para o próprio artista.

Se as teorias irracionais da criatividade reconheciam a natureza do ato criativo como uma manifestação especial do espírito, então a tradição estética de orientação positivista via a inspiração como um fenômeno cognoscível, não contendo nada de místico ou sobrenatural. A inspiração é o resultado de um intenso trabalho anterior, de uma longa busca criativa. O ato de inspiração combina o talento e habilidade do artista, sua experiência de vida e conhecimento.

Intuição artística. Para a inspiração, a intuição artística é um elemento particularmente importante. Este problema foi desenvolvido pelo cientista francês Henri Bergson. Ele acreditava que a intuição artística é uma contemplação mística desinteressada e completamente desprovida de princípios utilitários. Depende do inconsciente de uma pessoa. Em andamento Evolução criativa (tradução russa 1914) Bergson escreveu que a arte, através da intuição artística, contempla o mundo de forma holística, em sua formação contínua na singularidade única dos fenômenos. A intuição criativa permite ao artista dar o máximo de expressividade ao seu trabalho. O imediatismo da percepção o ajuda a transmitir seus sentimentos. A criatividade, como nascimento contínuo do novo, é, segundo Bergson, a essência da vida, em oposição à atividade do intelecto, que não é capaz de criar o novo, mas apenas combinar o antigo.

Na estética intuicionista de Benedetto Croce, mais plenamente representada na obra A estética como ciência da expressão e como linguística geral(1902) a arte nada mais é do que intuição lírica. A natureza criativa e formativa da intuição ilógica, que capta (em oposição aos conceitos), o único, o inimitável, é enfatizada. A arte de Croce é indiferente ao conhecimento intelectual, e a arte não depende da ideia da obra.

Imagem artística. No processo de criatividade artística, do qual participam o pensamento, a imaginação, a fantasia, a experiência, a inspiração e a intuição do artista, nasce uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, o criador assume consciente ou inconscientemente o seu impacto junto do público. Um dos elementos dessa influência pode ser considerado a ambigüidade e o eufemismo da imagem artística.

O eufemismo estimula os pensamentos de quem percebe e dá espaço para a imaginação criativa. Um julgamento semelhante foi expresso por Schelling em um curso de palestras Filosofia da arte(18021805), onde é introduzido o conceito de “infinito de inconsciência”. Na sua opinião, o artista coloca na sua obra, além do plano, “um certo infinito”, inacessível a qualquer “razão finita”. Qualquer obra de arte permite um número infinito de interpretações. Assim, a existência plena de uma imagem artística representa não só a implementação de um conceito artístico numa obra acabada, mas também a sua percepção estética, que é um processo complexo de participação e cocriação do sujeito que percebe.

Percepção. As questões de recepção (percepção) estavam no campo de visão dos teóricos da “escola de Constança” (H.R. Jauss, W. Iser, etc.), surgida na Alemanha no final da década de 1960. Graças aos seus esforços, foram formulados os princípios da estética receptiva, cujas ideias principais são compreender a variabilidade histórica do significado de uma obra, que é o resultado da interação do sujeito que percebe (destinatário) e do autor.

Imaginação criativa. Uma condição necessária tanto para a criação quanto para a percepção de uma obra de arte é a imaginação criativa. F. Schiller enfatizou que a arte só pode ser criada pelo livre poder da imaginação e, portanto, a arte é o caminho para superar a passividade.

Além de prático e formas artísticas atividade estética existem formas internas e espirituais: emocionais e intelectuais, desenvolvendo impressões e ideias estéticas, gostos e ideais estéticos, bem como teóricas, desenvolvendo conceitos e visões estéticas. Estas formas de atividade estética correlacionam-se diretamente com o conceito de “consciência estética”.

Consciência estética. A especificidade da consciência estética é que ela é a percepção da existência e de todas as suas formas e tipos em termos de estética através do prisma ideal estético. A consciência estética de cada época absorve todas as reflexões que nela existem sobre a beleza e a arte. Inclui ideias atuais sobre a natureza da arte e sua linguagem, gostos artísticos, necessidades, ideais, conceitos estéticos, avaliações artísticas e critérios formados pelo pensamento estético.

O elemento primário da consciência estética é sentimento estético. Pode ser considerada como a habilidade e reação emocional de um indivíduo associada à experiência de perceber um objeto estético. O desenvolvimento do senso estético leva a necessidades estéticas, ou seja à necessidade de perceber e aumentar a beleza da vida. Sentimentos e necessidades estéticas são expressos em gosto estético a capacidade de notar o valor estético de algo. O problema do gosto ocupa um lugar central na estética do Iluminismo. Diderot, negando uma das disposições mais importantes da estética cartesiana sobre o caráter inato do gosto, acreditava que o gosto se adquire na prática cotidiana. O gosto como categoria estética também é discutido detalhadamente por Voltaire. Ele a define como a capacidade de reconhecer o belo e o feio. O ideal de um artista é uma pessoa cujo gênio se alia ao bom gosto. O sabor não é uma qualidade exclusivamente subjetiva. Os julgamentos de gosto são geralmente válidos. Mas se o gosto tem um conteúdo objetivo, então pode ser educado. Voltaire viu a solução para a antinomia do bom e do mau gosto na educação da sociedade.

As características psicológicas dos julgamentos de gosto foram estudadas pelo filósofo inglês David Hume. Na maioria de suas obras ( Sobre a norma do gosto,Sobre a tragédia,Sobre o refinamento do gosto e do afeto etc.) ele argumentou que o sabor depende da parte natural e emocional de um organismo vivo. Ele comparou razão e gosto, acreditando que a razão dá conhecimento da verdade e da mentira, o gosto dá uma compreensão da beleza e da feiúra, do pecado e da virtude. Hume sugeriu que a beleza de uma obra não reside em si mesma, mas no sentimento ou gosto de quem a percebe. E quando uma pessoa é privada desse sentimento, ela não é capaz de compreender a beleza, mesmo que tenha sido educada de forma abrangente. O gosto possui um padrão conhecido que pode ser estudado e modificado por meio de argumentação e reflexão. A beleza exige a atividade das capacidades intelectuais de uma pessoa, que deve “preparar o caminho” para o sentimento certo.

O problema do gosto ocupou um lugar especial na reflexão estética de Kant. Ele percebeu a antinomia do gosto, contradição que, em sua opinião, é inerente a qualquer avaliação estética. Por um lado, não há discussão sobre gostos, uma vez que o julgamento de gosto é muito individual e nenhuma evidência pode refutá-lo. Por outro lado, aponta para algo comum que existe entre os gostos e permite que sejam discutidos. Assim, ele expressou a contradição entre o gosto individual e o gosto público, que é fundamentalmente insolúvel. Na sua opinião, julgamentos de gosto separados e contraditórios podem existir juntos e ser igualmente verdadeiros.

No século 20 o problema do gosto estético foi desenvolvido por H.-G. Em andamento Verdade e Método(1960) conecta o conceito de “gosto” com o conceito de “moda”. Na moda, segundo Gadamer, o momento de generalização social contido no conceito de gosto torna-se uma realidade definitiva. A moda cria um vício social quase impossível de evitar. Aqui reside a diferença entre moda e gosto. Embora o gosto opere numa esfera social semelhante à moda, não está subordinado a ela. Comparado com a tirania da moda, o gosto permanece contido e livre.

O gosto estético é uma generalização da experiência estética. Mas esta é em grande parte uma habilidade subjetiva. Generaliza a prática estética mais profundamente ideal estético. O problema do ideal como problema teórico da estética foi colocado pela primeira vez por Hegel. EM Palestras sobre estética ele definiu a arte como a manifestação de um ideal. Um ideal estético é um absoluto incorporado na arte, ao qual a arte se esforça e ascende gradualmente. A importância do ideal estético no processo criativo é muito grande, pois a partir dele se formam o gosto do artista e o gosto do público.

CATEGORIAS ESTÉTICAS A categoria fundamental da estética é a categoria “estética”. A estética atua como um conceito universal genérico abrangente para a ciência estética, como uma “metacategoria” em relação a todas as suas outras categorias.

A categoria mais próxima da categoria “estética” é a categoria “bonito”. O belo é um exemplo de forma sensualmente contemplada, um ideal segundo o qual outros fenômenos estéticos são considerados. Ao considerar o sublime, o trágico, o cômico, etc., o belo atua como medida. Sublime algo que ultrapassa esta medida. Trágico algo que indica uma discrepância entre o ideal e a realidade, muitas vezes levando ao sofrimento, à decepção e à morte. Quadrinho algo que também atesta a discrepância entre o ideal e a realidade, só que essa discrepância se resolve com o riso. Na teoria estética moderna, juntamente com as categorias positivas, distinguem-se seus antípodas - feio, vil, terrível. Isto é feito com base no fato de que a seleção valor positivo quaisquer qualidades pressupõem a existência de qualidades opostas. Por isso, Pesquisa científica deve considerar os conceitos estéticos em sua correlação.

PRINCIPAIS ETAPAS DO DESENVOLVIMENTO DO PENSAMENTO ESTÉTICO. Elementos de reflexão estética são encontrados nas culturas do Antigo Egito, Babilônia, Suméria e outros povos do Antigo Oriente. O pensamento estético recebeu desenvolvimento sistemático apenas entre os antigos gregos.

Os primeiros exemplos de doutrina estética foram criados pelos pitagóricos (século VI aC). Suas visões estéticas desenvolveram-se na tradição da filosofia cosmológica, baseada na estreita relação entre a pessoa humana e o universo. Pitágoras introduz o conceito de espaço como uma unidade ordenada. Sua principal propriedade é a harmonia. Dos pitagóricos vem a ideia de harmonia como a unidade do diverso, a concordância dos opostos.

Pitágoras e seus seguidores criaram a chamada doutrina da “harmonia das esferas”, ou seja, música criada pelas estrelas e planetas. Desenvolveram também a doutrina da alma, que representa a harmonia, ou melhor, a consonância, baseada na correlação digital.

O ensino dos sofistas, que contribuiu para o surgimento da estética, surgiu no século V. BC. AC. Finalmente formulado por Sócrates e exposto por seus alunos, era de natureza antropológica.

Baseado na convicção de que o conhecimento é virtuoso, ele entende a beleza como a beleza do significado, da consciência e da razão. Os pré-requisitos mais importantes para a beleza dos objetos são a sua conveniência e justificativa funcional.

Ele teve a ideia de que a beleza em si difere dos belos objetos individuais. Sócrates é o primeiro a distinguir a beleza como um ideal universal da sua manifestação na vida real. Ele foi o primeiro a abordar o problema da epistemologia científica na estética e formulou a questão: o que significa o próprio conceito de “belo”?

Sócrates apresenta a imitação como princípio da criatividade artística ( mimese), que é pensado como uma imitação da vida humana.

A estética antropológica levantou questões para a filosofia, cujas respostas encontramos em Platão e Aristóteles. O ensino estético ampliado de Platão é apresentado em obras como Celebração,Fedro,E ele, Hípias, o Maior,Estado etc. Um ponto importante na estética platônica é a compreensão da beleza. A beleza, em sua compreensão, é um tipo especial de essência espiritual, uma ideia. A ideia absoluta e supra-sensível de beleza está além do tempo, do espaço e da mudança. Visto que o belo é uma ideia (eidos), não pode ser compreendido pelo sentimento. A beleza é compreendida através da mente, da intuição intelectual. EM Pira Platão fala de uma espécie de escada da beleza. Com a ajuda da energia de eros, uma pessoa ascende da beleza corporal à beleza espiritual, da beleza espiritual à beleza da moral e das leis, depois à beleza do ensino e das ciências. A beleza que se revela no final desta jornada é uma beleza absoluta que não pode ser expressa em palavras comuns. Está além do ser e do conhecimento. Expandindo dessa forma a hierarquia da beleza, Platão chega à conclusão de que a beleza é uma manifestação do princípio divino no homem. A peculiaridade do belo em Platão é que ele é levado além dos limites da arte. A arte, do seu ponto de vista, é uma imitação do mundo das coisas sensoriais, e não do verdadeiro mundo das ideias. Visto que as próprias coisas reais são cópias de ideias, a arte, imitando o mundo sensorial, é uma cópia de cópias, uma sombra de sombras. Platão provou a fraqueza e a imperfeição da arte no caminho da beleza.

Aristóteles, apesar da continuidade das visões estéticas, criou sua própria teoria estética, diferente do platonismo. Em seus tratados Sobre arte poética (Poético),Retórica,Política,Metafísica são apresentados textos que de certa forma se relacionam com a estética. Neles ele dá uma definição de beleza, cujas características universais são o tamanho e a ordem. Mas a beleza de Aristóteles não se reduz apenas a estes signos. Não são belos em si mesmos, mas apenas em relação à percepção humana, quando são proporcionais ao olho e ao ouvido humanos. Dividindo a atividade humana em estudo, ação e criação, classifica a arte como criação baseada em regras. Comparado a Platão, ele ampliou significativamente a doutrina da imitação (mimese), que entende como uma imagem do geral.

Catarse(Grego

catarse limpeza). Remonta ao antigo pitagorismo, que recomendava a música para limpar a alma. Heráclito, segundo os estóicos, falava da purificação pelo fogo. Platão apresentou a doutrina da catarse como a libertação da alma do corpo, das paixões, dos prazeres. Aristóteles desenvolve a doutrina da catarse como base da experiência estética. A criatividade artística, segundo Aristóteles, atinge seu propósito por meio da imitação das belas formas que cria. A forma criada pelo criador torna-se objeto de prazer para o espectador receptivo. A energia investida num trabalho que satisfaz todos os requisitos do verdadeiro artesanato e da bela forma dá origem a nova energia atividade emocional da alma receptiva. O problema do prazer é uma parte importante da estética de Aristóteles. O prazer na arte corresponde a uma ideia razoável e tem fundamentos razoáveis. O prazer e a limpeza emocional são o objetivo final da arte, a catarse.

Kalokagatia. Aristóteles também desenvolveu a doutrina da kalokagathia (do grego.

kalos lindo e agathos bom, moralmente perfeito) a unidade do eticamente “bom” e esteticamente “belo”. Kalokagathia é considerada algo completo e independente. O filósofo entende “bom” como bens externos da vida (poder, riqueza, fama, honra), e “belo” como virtudes internas (justiça, coragem, etc.) Já que a kalokagathia de Aristóteles é uma fusão completa e final de “belo” e “ bom”, então qualquer diferença entre eles será perdida. Kalokagathia, segundo Aristóteles, é uma unificação interna de moralidade e beleza baseada na criação, uso e aprimoramento de bens materiais.

Enteléquia(do grego

enteléquia acabado, completo). Entelequia é o processo de transformação da matéria informe em algo holístico e ordenado. Tudo o que cerca uma pessoa, acreditava o filósofo, está em estado de caos. O mecanismo da enteléquia permite, no processo de atividade criativa, transformar a “matéria da vida” desordenada na “matéria da forma” ordenada. A arte realiza esse processo através da forma artística, da ordem e da harmonia, equilibrando as paixões, a catarse. Muitas ideias expressas por Aristóteles encontraram seu desenvolvimento nas teorias estéticas europeias subsequentes.

No final da antiguidade novo conceito beleza e arte foram apresentadas por Plotino. Seu neoplatonismo na estética da antiguidade tardia foi um elo de ligação entre a antiguidade e o cristianismo. As obras coletadas do filósofo foram chamadas Enéadas. A estética de Plotino nem sempre é expressa abertamente em suas obras. É revelado no conceito filosófico geral do pensador. Para Plotino, a beleza está contida nas percepções visuais e auditivas, na combinação de palavras, melodias e ritmos, nas ações humanas, no conhecimento e nas virtudes. Mas alguns objetos são belos em si mesmos, enquanto outros são belos apenas por causa de sua participação em alguma outra coisa. A beleza não surge na matéria em si, mas é uma certa essência imaterial, ou eidos (ideia). Este eidos conecta partes díspares e as conduz à unidade, não externa e mecânica, mas interna. Eidos é o critério de todas as avaliações estéticas.

Plotino ensinou que o homem surgiu da fonte primária de toda a existência, o bem absoluto, o primeiro e único. Desta fonte há uma emanação (saída) da energia ilimitada do primeiro para a individualidade, que enfraquece gradativamente, pois em seu caminho encontra a resistência da matéria escura inerte, da inexistência informe. Uma pessoa individual é um ser afastado de seu lugar no primeiro. Por isso, ele sente constantemente vontade de voltar para casa, onde a energia é mais forte. Este caminho metafísico do peregrino serve na filosofia de Plotino como uma explicação da experiência moral e estética. O amor pela beleza é entendido como um anseio metafísico da alma por sua antiga morada. Ela se esforça por sua antiga morada - pelo bem, por Deus e pela verdade. Assim, a ideia central do ensino estético de Plotino é afastar-se na compreensão da beleza dos prazeres sensuais para a fusão com o incompreensível primeiro. A beleza só é alcançada como resultado da luta do espírito com a matéria sensorial. A sua ideia da peregrinação de uma alma inquieta que sai da sua morada e do seu regresso teve grande influência nas obras de Agostinho, Tomás de Aquino, na obra de Dante e em todo o pensamento filosófico e estético da Idade Média.

Estética de Bizâncio. A formação da estética bizantina ocorre nos séculos IV-VI. Baseia-se nos ensinamentos de representantes da patrística oriental Gregório de Nazianzo, Atanásio de Alexandria, Gregório de Nissa, Basílio, o Grande, João Crisóstomo, bem como as obras de Pseudo-Dionísio, o Areopagita Areopagítica, que teve uma enorme influência na estética medieval tanto do Oriente como do Ocidente. A beleza transcendental absoluta nesses ensinamentos estéticos foi representada por Deus, que atrai para si e evoca o amor. Conhecer a Deus é realizado através do amor. Pseudo-Dionísio escreveu que a beleza, como causa final, é o limite de tudo e o objeto do amor. É também um modelo, pois de acordo com ele tudo recebe certeza. Os pensadores bizantinos compartilhavam o conceito de beleza transcendental e terrena, correlacionando-a com a hierarquia dos seres celestiais e terrestres. Segundo Pseudo-Dionísio, em primeiro lugar está a beleza divina absoluta, no segundo a beleza dos seres celestiais, em terceiro a beleza dos objetos do mundo material. A atitude dos bizantinos em relação à beleza material e percebida sensualmente era ambivalente. Por um lado, foi reverenciado como resultado da criação divina, por outro, foi condenado como fonte de prazer sensual.

Um dos problemas centrais da estética bizantina era o problema da imagem. Adquiriu particular urgência em relação às disputas iconoclastas (séculos VIII-IX). Os iconoclastas acreditavam que a imagem deveria ser consubstancial ao protótipo, ou seja, seja sua cópia perfeita. Mas como o protótipo representa a ideia do princípio divino, ele não pode ser representado por meio de imagens antropomórficas.

João de Damasco em um sermão Contra aqueles que rejeitam ícones sagrados e Fedor Studite (759826) em Refutações de iconoclastas insistiu na distinção entre a imagem e o protótipo, argumentando que a imagem do arquétipo divino deveria ser idêntica a ele não “em essência”, mas apenas “em nome”. Ícone é uma imagem da aparência visível ideal (eidos internos) do protótipo. Esta interpretação da relação entre a imagem e o protótipo baseou-se na compreensão da natureza convencional da imagem. A imagem foi entendida como uma estrutura artística complexa, como uma “semelhança diferente”.

Luz. Uma das categorias mais importantes da estética bizantina é a categoria da luz. Nenhuma outra cultura deu tanta importância à luz. O problema da luz foi desenvolvido principalmente no âmbito da estética do ascetismo que se desenvolveu entre o monaquismo bizantino. Esta estética interior (do lat.

interior interno) tinha orientação ético-mística e pregava a renúncia aos prazeres sensuais, um sistema de exercícios espirituais especiais destinados a contemplar a luz e outras visões. Seus principais representantes foram Macário do Egito, Nil de Ancira, João Clímaco e Isaac, o Sírio. De acordo com os seus ensinamentos, a luz é boa. Existem dois tipos de luz: visível e espiritual. A luz visível promove a vida orgânica, a luz espiritual une as forças espirituais, leva as almas à verdadeira existência. A luz espiritual não é visível por si mesma; ela está oculta sob várias imagens. É percebido através dos olhos da mente, os olhos da mente. A luz na tradição bizantina parece ser uma categoria mais geral e mais espiritual do que a beleza.

Cor. Outra modificação da beleza na estética bizantina é a cor. A cultura da cor foi consequência da canonicidade estrita Arte bizantina. Na pintura da igreja, um rico simbolismo de cores foi desenvolvido e uma hierarquia estrita de cores foi observada. Cada cor escondia um profundo significado religioso.

A estética bizantina revisa o sistema de categorias estéticas e coloca ênfase nesta área de forma diferente da estética antiga. Ela presta menos atenção a categorias como harmonia, medida e beleza. Ao mesmo tempo, no sistema de ideias que se difundiu em Bizâncio, ótimo lugar ocupa a categoria do sublime, assim como os conceitos de “imagem” e “símbolo”.

Simbolismoé um dos fenômenos mais característicos da cultura medieval tanto do Oriente como do Ocidente. Símbolos foram usados ​​para pensar em teologia, literatura e arte. Cada objeto foi considerado como uma imagem de algo correspondente a ele em uma esfera superior, e tornou-se um símbolo desta esfera superior. Na Idade Média, o simbolismo era universal. Pensar era descobrir eternamente significados ocultos. De acordo com o conceito patrístico, Deus é transcendental, e o Universo é um sistema de símbolos e sinais (sinais) que apontam para Deus e para a esfera espiritual da existência. Na consciência estética medieval, o mundo sensorial foi substituído por um mundo ideal e simbólico. O simbolismo medieval atribui ao mundo vivo a propriedade da refletividade, da ilusória. É daí que vem o simbolismo total da arte cristã.

Estética tradicional do Oriente. Índia. A base das ideias estéticas Índia Antiga serviu como uma tradição mitopoética, que encontrou expressão no sistema figurativo do Bramanismo. A doutrina de Brahman, o ideal universal, foi desenvolvida nos Upanishads, os primeiros dos quais datam dos séculos VIII-VI. antes. DE ANÚNCIOS Só é possível “conhecer” Brahman através da experiência mais forte da existência (contemplação estética). Essa contemplação supra-sensível parece ser a maior bem-aventurança e está diretamente relacionada ao prazer estético. A estética e o simbolismo dos Upanishads tiveram grande influência no imaginário e na estética dos poemas épicos indianos Mahabharata E Ramayana e em todo o desenvolvimento posterior do pensamento estético na Índia.

Um traço característico da reflexão estética da Índia medieval é a falta de interesse pelas questões estéticas da natureza e da vida. Apenas a arte passa a ser objeto de reflexão, principalmente a literatura e o teatro. O principal objetivo de uma obra de arte é a emoção. A estética é derivada do emocional. O conceito central de todos os ensinamentos estéticos é o conceito de “raça” (literalmente “gosto”), que na história da arte denota emoção artística. Esta doutrina da raça foi especialmente desenvolvida por teóricos da escola da Caxemira, entre os quais os mais famosos são Anandavardhana (século IX), Shankuka (século X), Bhatta Nayaka (século X) e Abhinavagupta (século X-XI). Eles estavam interessados ​​nas especificidades da emoção estética, que não pode ser confundida com o sentimento comum. Rasa, não sendo um sentimento específico, é uma experiência que surge no sujeito que percebe e é acessível apenas ao conhecimento interno. O estágio mais elevado da experiência estética é a degustação da rasa, ou seja, da tranquilidade na sua consciência, ou seja, do prazer estético.

China.O desenvolvimento do pensamento estético tradicional na China foi diretamente influenciado por dois movimentos principais da filosofia chinesa: o confucionismo e o taoísmo. Os ensinamentos estéticos de Confúcio (552/551479 aC) e seus seguidores desenvolveram-se no âmbito de sua teoria sócio-política. O lugar central nele foi ocupado pelos conceitos de “humanidade” e “ritual”, corporificados no comportamento “ homem nobre" O objetivo destas categorias morais era manter os princípios éticos na sociedade e organizar uma ordem mundial harmoniosa. Grande importância foi atribuída à arte, que era vista como um caminho para o aperfeiçoamento moral e o cultivo da harmonia de espírito. O confucionismo subordinou as exigências estéticas às éticas. Para Confúcio, “belo” em si é sinônimo de “bom”, e o ideal estético era considerado a unidade do belo, do bom e do útil. Daí surge um forte início didático na estética tradicional da China. Esta tradição estética defendia a autenticidade e o colorido da arte. Ela via a criatividade como o auge da habilidade profissional e o artista como um criador de arte.

Outra linha está associada aos ensinamentos taoístas. Seus ancestrais são considerados Lao Tzu (século VI aC) e Zhuang Tzu (séculos IV a III aC). Se os confucionistas prestaram a atenção principal ao princípio ético em seus ensinamentos, os taoístas prestaram a atenção principal ao princípio estético. O lugar central no Taoísmo foi ocupado pela teoria do “Tao” - o caminho, ou a eterna variabilidade do mundo. Um dos atributos do Tao, que tem um significado estético, era o conceito de “ziran” - naturalidade, espontaneidade. A tradição taoísta afirmou a espontaneidade da criatividade artística, a naturalidade da forma artística e a sua correspondência com a natureza. Daí a inseparabilidade do estético e do natural na estética tradicional da China. A criatividade no Taoísmo era considerada como revelação e inspiração, e o artista como instrumento que realiza a “autocriação” da arte.

Japão. O desenvolvimento da estética tradicional japonesa foi influenciado pelo Zen Budismo. Esta crença dá grande importância à meditação e outros métodos de psicotreinamento que servem para alcançar o satori - um estado de iluminação interior, paz de espírito e equilíbrio. O Zen Budismo é caracterizado por uma visão da vida e do mundo material como algo de curta duração, mutável e triste por natureza. A estética tradicional japonesa, combinando influências confucionistas que vieram da China e da escola japonesa do Zen Budismo, desenvolveu princípios especiais que são fundamentais para a arte japonesa. Entre eles, o mais importante é o “wabi” - o princípio estético e moral de desfrutar de uma vida calma e sem pressa, livre das preocupações mundanas. Significa beleza simples e pura e um estado de espírito claro e contemplativo. A cerimônia do chá, a arte dos arranjos florais e a arte da jardinagem baseiam-se neste princípio. Outro princípio da estética japonesa, “sabi”, que está associado à solidão existencial de uma pessoa em um universo infinito, remonta ao Zen Budismo. De acordo com a tradição budista, o estado de solidão humana deve ser aceito com serena humildade e encontrar nele uma fonte de inspiração. O conceito de "yugen" (a beleza da tristeza solitária) no Budismo está associado a uma verdade profundamente oculta que não pode ser compreendida intelectualmente. É reinterpretado como um princípio estético, significando uma misteriosa beleza “sobrenatural”, cheia de mistério, ambiguidade, tranquilidade e inspiração.

Estética da Idade Média da Europa Ocidental profundamente teológico. Todos os conceitos estéticos básicos encontram sua conclusão em Deus. Na estética do início da Idade Média, Agostinho Aurélio representa a teoria estética mais holística. Influenciado pelo Neoplatonismo, Agostinho compartilhou a ideia de Plotino sobre a beleza do mundo. O mundo é belo porque foi criado por Deus, que é a maior beleza e a fonte de toda beleza. A arte não cria imagens reais desta beleza, mas apenas das suas formas materiais. Portanto, acredita Agostinho, não se deve gostar da obra de arte em si, mas da ideia divina nela contida. Seguindo a antiguidade, S. Agostinho deu uma definição de beleza baseada nos sinais da harmonia formal. No ensaio Sobre a Cidade de Deus ele fala da beleza como proporcionalidade das partes combinada com a agradabilidade da cor. Ele também associa ao conceito de beleza os conceitos de proporcionalidade, forma e ordem.

A nova interpretação medieval da beleza era que a harmonia, a harmonia e a ordem dos objetos não são belas em si mesmas, mas como um reflexo da mais elevada unidade divina. O conceito de “unidade” é um dos centrais na estética de Agostinho. Ele escreve que a forma de toda beleza é a unidade. Quanto mais perfeita é uma coisa, mais unidade ela tem. O belo é um, porque a própria existência é uma. O conceito de unidade estética não pode surgir de percepções sensoriais. Pelo contrário, ele próprio determina a percepção da beleza. Ao iniciar uma avaliação estética, a pessoa já tem no fundo da alma o conceito de unidade, que então busca nas coisas.

Os ensinamentos de Agostinho sobre contrastes e opostos tiveram grande influência na estética medieval. No tratado Sobre a Cidade de Deus ele escreveu que o mundo foi criado como um poema, decorado com antíteses. A diferença e a variedade conferem beleza a tudo, e o contraste confere uma expressividade especial à harmonia. Para que a percepção da beleza seja completa e perfeita, a relação correta deve conectar o observador da beleza com o próprio espetáculo. A alma está aberta às sensações que lhe são consistentes e rejeita as sensações que lhe são inadequadas. Para perceber a beleza, deve haver concordância entre os objetos belos e a alma. É necessário que uma pessoa tenha um amor altruísta pela beleza.

Tomás de Aquino em sua obra principal Soma de Teologias na verdade, resumiu a estética medieval ocidental. Ele sistematizou as opiniões de Aristóteles, dos neoplatonistas, de Agostinho e de Dionísio, o Areopagita. O primeiro sinal característico da beleza, ecoado por Tomás de Aquino, é a forma, percebida pelos sentidos humanos elevados (visão, audição). A beleza afeta a sensação de bem-estar de uma pessoa através de sua organização. Ele fundamenta plenamente conceitos associados às características objetivas da beleza como “clareza”, “integridade”, “proporção”, “coerência”. Proporção, a seu ver, é a relação entre o espiritual e o material, o interno e o externo, a ideia e a forma. Por clareza ele entendia tanto o brilho visível, o brilho de uma coisa, quanto seu brilho interno e espiritual. Perfeição significava ausência de falhas. A cosmovisão cristã inclui necessariamente o conceito de bem no conceito de beleza. O que havia de novo na estética de Tomás de Aquino foi a introdução de uma distinção entre eles. Ele viu essa diferença no fato de que o bem é o objeto e a meta das constantes aspirações humanas, a beleza é uma meta alcançada quando o intelecto de uma pessoa se liberta de todas as aspirações da vontade, quando ela começa a sentir prazer. A meta característica do bem, na beleza, por assim dizer, deixa de ser uma meta, mas é uma forma pura, tomada em si, desinteressadamente. Esta compreensão da beleza por Tomás de Aquino permite a F. Losev concluir que tal definição do tema da estética é o início original de toda a estética do Renascimento.

Estética Renascentista estética individualista. A sua especificidade reside na autoafirmação espontânea de quem pensa e age artisticamente, compreende a natureza que o rodeia e ambiente histórico como objeto de prazer e imitação. A doutrina estética da Renascença está imbuída de motivos de afirmação da vida e de pathos heróico. A tendência antropocêntrica prevalece nele. A compreensão do belo, do sublime e do heróico também está associada ao antropocentrismo na estética do Renascimento. Uma pessoa, seu corpo, torna-se um exemplo de beleza. No homem eles vêem uma manifestação do titânico, do divino. Ele tem possibilidades ilimitadas de conhecimento e ocupa uma posição excepcional no mundo. Uma obra programática que teve grande influência no pensamento artístico da época foi o tratado Pico della Mirandola Sobre a dignidade humana(1487). O autor formula um conceito completamente novo de personalidade humana. Ele diz que o próprio homem é o criador, o dono da sua própria imagem. Isso justifica uma nova atitude em relação ao artista. Este não é mais um artesão medieval, mas uma personalidade amplamente educada, uma expressão concreta do ideal de uma pessoa universal.

Durante o Renascimento, a visão da arte como criatividade foi estabelecida. A estética antiga e medieval via a arte como a aplicação à matéria de uma forma pré-existente na alma do artista. Na estética do Renascimento surge a ideia de que o próprio artista cria, recria essa mesma forma. Um dos primeiros a formular esta ideia foi Nikolai Kuzansky (14011464) em seu tratado Sobre a mente. Ele escreveu que a arte não apenas imita a natureza, mas é criativa por natureza, criando as formas de todas as coisas, complementando e corrigindo a natureza.

Rico prática artística O Renascimento deu origem a numerosos tratados de arte. Estes são os escritos Sobre pintura, 1435; Sobre escultura, 1464; Sobre arquitetura, 1452 Leona-Battista Alberti; Sobre proporção divina Luca Pacioli (14451514); Livro sobre pintura Leonardo da Vinci. Neles, a arte foi reconhecida como expressão da mente do poeta e do artista. Uma característica importante desses tratados é o desenvolvimento da teoria da arte, problemas de linearidade e perspectiva aérea, claro-escuro, proporcionalidade, simetria, composição. Tudo isso ajudou a tornar a visão do artista estereoscópica e os objetos que ele retratou em relevo e tangíveis. O desenvolvimento intensivo da teoria da arte foi estimulado pela ideia de criar uma ilusão da vida real em uma obra de arte.

Séculos 17-18, Iluminismo. Para o século XVII. caracterizado pelo domínio da estética filosófica sobre a estética prática. Nesse período surgiram os ensinamentos filosóficos de Francis Bacon, Thomas Hobbes, René Descartes, John Locke e Gottfried Leibniz, que tiveram grande influência na reflexão estética da Nova Era. O mais holístico sistema estético representou o classicismo, cuja base ideológica era o racionalismo de Descartes, que argumentava que a base do conhecimento é a razão. O classicismo é, antes de tudo, o domínio da razão. Um dos traços característicos da estética do classicismo pode ser chamado de estabelecimento de regras estritas de criatividade. Uma obra de arte era entendida não como um organismo natural, mas como um fenômeno artificial, criado pelo homem de acordo com um plano, com tarefa e finalidade específicas. O conjunto de normas e cânones do classicismo é um tratado em verso de Nicolas Boileau Arte poética(1674). Ele acreditava que para alcançar o ideal na arte é preciso usar regras rígidas. Essas regras são baseadas nos antigos princípios da beleza, da harmonia, do sublime e do trágico. O principal valor de uma obra de arte é a clareza da ideia, a nobreza do design e a forma precisamente calibrada. No tratado de Boileau, a teoria da hierarquia dos gêneros, a regra das “três unidades” (lugar, tempo e ação), desenvolvida pela estética do classicismo, e a orientação para uma tarefa moral ( Veja também UNIDADES (TRÊS): TEMPO, LUGAR, AÇÃO).

No pensamento estético do século XVII. Destaca-se a direção barroca, não formalizada em um sistema coerente. A estética barroca é representada por nomes como Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) e Matteo Peregrini. Em seus escritos ( Sagacidade ou a arte da mente rápida(1642) Graciana; Luneta Aristóteles(1654) Tesauro; Tratado sobre a inteligência(1639) Peregrini) desenvolve um dos conceitos mais importantes da estética barroca - “inteligência”, ou “mente rápida”. É percebido como a principal força criativa. A sagacidade barroca é a capacidade de reunir diferenças. A base da sagacidade é a metáfora, conectando objetos ou ideias que parecem infinitamente distantes. A estética barroca enfatiza que a arte não é ciência, não se baseia em leis pensamento lógico. A inteligência é um sinal de gênio, dado por Deus, e nenhuma teoria pode ajudar a alcançá-lo.

Estética barroca cria um sistema de categorias em que o conceito de beleza é ignorado e, em vez de harmonia, é apresentado o conceito de desarmonia e dissonância. Recusando a ideia de uma estrutura harmoniosa do Universo, o Barroco reflete a visão de mundo de um homem do início da era moderna, que compreendeu a inconsistência da existência. Essa visão de mundo é representada de forma especialmente nítida pelo pensador francês Blaise Pascal. A reflexão filosófica de Pascal e as suas obras literárias ocupam um lugar importante na estética do século XVII. Ele não compartilhava do pragmatismo e da racionalidade da sociedade moderna. Sua visão do mundo adquiriu um colorido profundamente trágico. Isto se relaciona com as ideias do “Deus oculto” e do “silêncio do mundo”. Entre estes dois fenómenos, o homem fica preso na sua solidão, cuja natureza é tragicamente dual. Por um lado, é grande na sua inteligência e comunhão com Deus, por outro, é insignificante na sua fragilidade física e moral. Esta ideia é expressa na sua famosa definição: “o homem é uma cana pensante”. Pascal nesta fórmula refletiu não apenas sua visão do mundo, mas transmitiu humor geral séculos. Sua filosofia permeia a arte barroca, que gravita em torno de tramas dramáticas que recriam uma imagem caótica do mundo.

Estética inglesa dos séculos XVII-XVIII. defendeu os princípios sensualistas, apoiando-se nos ensinamentos de John Locke sobre a base sensorial do pensamento. O empirismo e o sensacionalismo de Locke contribuíram para o desenvolvimento de ideias sobre “sensação interna”, sentimento, paixão e intuição. A ideia de uma ligação fundamentalmente estreita entre arte e moralidade, que se tornou dominante na estética do Iluminismo, também foi fundamentada. Ele escreveu sobre a relação entre beleza e bondade em seu trabalho Características de pessoas, morais, opiniões e épocas(1711) representante da chamada “estética moralizante” A.E.K. Em sua filosofia moral, Shaftesbury confiou no sensualismo de Locke. Ele acreditava que as ideias de bondade e beleza têm uma base sensual e provêm do sentido moral inerente ao próprio homem.

Idéias do Iluminismo Inglês teve grande influência no pensador francês Denis Diderot. Assim como seus antecessores, ele conecta a beleza com a moralidade. Diderot é o autor da teoria do realismo educacional, que foi fundamentada em seu tratado Estudo filosófico sobre a origem e a natureza da beleza(1751). Ele entendia a criatividade artística como uma atividade consciente que tem um objetivo razoável e se baseia nas regras gerais da arte. Diderot viu o propósito da arte em suavizar e melhorar a moral, em cultivar a virtude. Um traço característico da teoria estética de Diderot é a sua unidade com a crítica artística.

O desenvolvimento da estética do Iluminismo alemão está associado aos nomes de Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gothold Lessing, Johann Herder. Em suas obras, pela primeira vez, a estética é definida como ciência, forma-se o princípio de uma abordagem histórica das obras de arte e chama-se a atenção para o estudo identidade nacional cultura artística e folclore (I. Herder Nos bosques da crítica, 1769;Sobre a influência da poesia na moral dos povos dos tempos antigos e modernos, 1778;Calígona, 1800), há uma tendência para o estudo comparativo de vários tipos de artes (G. Lessing Laocoonte, ou nas fronteiras da pintura e da poesia, 1766;Dramaturgia de Hamburgo, 17671769), são criados os fundamentos da história da arte teórica (I. Winkelman História da arte antiga, 1764).

Estética na filosofia clássica alemã. Os iluministas alemães tiveram uma grande influência no desenvolvimento subsequente do pensamento estético na Alemanha, especialmente no período clássico. A estética clássica alemã (final do século 18 - início do século 19) é representada por Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

I. Kant delineou suas visões estéticas em Crítica do julgamento, onde considerou a estética como parte da filosofia. Desenvolveu detalhadamente os problemas mais importantes da estética: a doutrina do gosto, as principais categorias estéticas, a doutrina do gênio, o conceito de arte e sua relação com a natureza, a classificação dos tipos de arte. Kant explica a natureza do julgamento estético, que é diferente do julgamento lógico. O julgamento estético é um julgamento de gosto; o julgamento lógico tem como objetivo a busca da verdade. Um tipo especial de julgamento estético de gosto é a beleza. O filósofo destaca vários pontos na percepção da beleza. Em primeiro lugar, é o desinteresse do sentimento estético, que se resume à pura admiração do objeto. A segunda característica da beleza é que ela é objeto de admiração universal sem a ajuda da categoria da razão. Ele também introduz em sua estética o conceito de “intencionalidade sem propósito”. Para ele, a beleza, sendo uma forma de intencionalidade de um objeto, deve ser percebida sem a ideia de qualquer finalidade.

Kant foi um dos primeiros a classificar os tipos de arte. Ele divide as artes em verbais (a arte da eloqüência e da poesia), visuais (escultura, arquitetura, pintura) e as artes do jogo gracioso de sensações (música).

Os problemas de estética ocuparam um lugar importante na filosofia de G. Hegel. Uma exposição sistemática da teoria estética de Hegel está contida em seu Palestras sobre estética(publicado em 18351836). A estética de Hegel é uma teoria da arte. Ele define a arte como uma etapa do desenvolvimento do espírito absoluto, junto com a religião e a filosofia. Na arte, o espírito absoluto se conhece na forma de contemplação, na religião - na forma de representação, na filosofia - em conceitos. A beleza da arte é superior à beleza natural porque o espírito é superior à natureza. Hegel observou que a atitude estética é sempre antropomórfica, a beleza é sempre humana. Hegel apresentou sua teoria da arte na forma de um sistema. Ele escreve sobre três formas de arte: simbólica (Oriente), clássica (antiguidade), romântica (Cristianismo). Com várias formas de arte, ele conecta um sistema de diferentes artes que diferem em materiais. Hegel considerava a arquitetura o início da arte, correspondendo à fase simbólica de desenvolvimento da criatividade artística. A arte clássica é caracterizada pela escultura, e a arte romântica é caracterizada pela pintura, música e poesia.

Com base nos ensinamentos filosóficos e estéticos de Kant, F.V. Schelling cria sua própria teoria estética. É apresentado em seus escritos Filosofia da arte, ed. 1859 e Sobre atitude belas-Artes para a natureza, 1807. A arte, no entendimento de Schelling, representa ideias que, como “conceitos eternos”, residem em Deus. Portanto, o início imediato de toda arte é Deus. Schelling vê a arte como uma emanação do absoluto. O artista deve sua criatividade à ideia eterna do homem, corporificado em Deus, que está conectado com a alma e forma com ela um todo único. Esta presença do princípio divino no homem é o “gênio” que permite ao indivíduo materializar o mundo ideal. Ele afirmou a ideia da superioridade da arte sobre a natureza. Na arte ele viu a conclusão do espírito mundial, a unificação do espírito e da natureza, objetivo e subjetivo, externo e interno, consciente e inconsciente, necessidade e liberdade. A arte para ele faz parte da verdade filosófica. Ele levanta a questão da criação de uma nova área da filosofia estética da arte e a coloca entre o absoluto divino e a razão filosofante.

Schelling foi um dos principais teóricos da estética romântica. A origem do romantismo está associada à escola de Jena, cujos representantes foram os irmãos August Schlegel e Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (1773-1798), Ludwig Tieck.

As origens da filosofia do romantismo estão no idealismo subjetivo de Fichte, que proclamou o “eu” subjetivo como princípio inicial. Com base no conceito de atividade criativa livre e irrestrita de Fichte, os românticos fundamentam a autonomia do artista em relação ao mundo exterior. Mundo externo eles são substituídos pelo mundo interior de um gênio poético. Na estética do romantismo desenvolveu-se a ideia de criatividade, segundo a qual o artista em sua obra não reflete o mundo como ele é, mas o cria como deveria ser em sua mente. Conseqüentemente, o papel do próprio artista aumentou. Assim, em Novalis o poeta atua como adivinho e mágico que revive a natureza inanimada. O romantismo é caracterizado pela negação da normatividade da criatividade artística e pela renovação das formas artísticas. A arte romântica é metafórica, associativa, polissemântica, gravita para a síntese, para a interação de gêneros, tipos de arte, para uma conexão com a filosofia e a religião.

Séculos 1920 De meados do século XIX. O pensamento estético da Europa Ocidental desenvolveu-se em duas direções. A primeira delas está associada à filosofia do positivismo de Auguste Comte, autor Curso de Filosofia Positiva(18301842). O positivismo proclamou a prioridade do conhecimento científico concreto sobre a filosofia e procurou explicar os fenômenos estéticos por meio de categorias e ideias emprestadas das ciências naturais. No quadro do positivismo, estão surgindo direções estéticas como a estética do naturalismo e a análise social.

A segunda direção da estética de orientação positivista está representada nas obras de Hippolyte Taine, que se tornou um dos primeiros especialistas no campo da sociologia da arte. Ele explorou questões da relação entre arte e sociedade, a influência do ambiente, da raça e do momento na criatividade artística. A arte, no entendimento de Taine, é produto de condições históricas específicas, e ele define uma obra de arte como um produto do meio ambiente.

A estética marxista também defende a partir da posição do positivismo. O marxismo via a arte como componente um processo histórico geral, cuja base viam no desenvolvimento do modo de produção. Correlacionando o desenvolvimento da arte com o desenvolvimento da economia, Marx e Engels viam-na como algo secundário em relação à base económica. As principais disposições da teoria estética do marxismo são o princípio da concretude histórica, o papel cognitivo da arte e seu caráter de classe. Uma manifestação do caráter de classe da arte, como acreditava a estética marxista, é a sua tendenciosidade. O marxismo estabeleceu os princípios básicos que encontraram seu desenvolvimento na estética soviética.

A direção de oposição ao positivismo no pensamento estético europeu da segunda metade do século XIX. Houve um movimento de artistas que propuseram o slogan “arte pela arte”. A estética da “arte pura” desenvolveu-se sob forte influência do conceito filosófico Artur Schopenhauer. Em andamento O mundo como vontade e representação (1844) ele delineou os elementos básicos do conceito elitista de cultura. O ensino de Schopenhauer baseia-se na ideia de contemplação estética. Ele dividiu a humanidade em “pessoas de gênio”, capazes de contemplação estética e criatividade artística, e “pessoas de utilidade”, focadas em atividades utilitárias. Gênio implica uma excelente capacidade de contemplar ideias. Uma pessoa prática sempre tem desejos; um artista-gênio é um observador calmo. Ao substituir a razão pela contemplação, o filósofo substitui o conceito de vida espiritual pelo conceito de prazer estético refinado e atua como o precursor da doutrina estética da “arte pura”.

As ideias de “arte pela arte” são formadas nas obras de Edgar Allan Poe, Gustav Flaubert, Charles Baudelaire e Oscar Wilde. Continuando a tradição romântica, os representantes do esteticismo argumentaram que a arte existe por si mesma e cumpre o seu propósito sendo bela.

No final do século XIX. processos de revisão radical das formas clássicas de filosofar estão ocorrendo no pensamento filosófico e estético europeu. Friedrich Nietzsche negou e revisou os valores estéticos clássicos. Ele preparou o colapso do conceito estético transcendental tradicional e influenciou significativamente a formação da filosofia e estética pós-clássica. Na estética de Nietzsche, uma teoria foi desenvolvida Arte apolínea e dionisíaca. No ensaio O nascimento da tragédia a partir do espírito da música (1872) ele resolve a antinomia de Apolíneo e Dionisíaco como dois princípios opostos, mas inextricavelmente ligados, que fundamentam todo fenômeno cultural. A arte apolínea esforça-se por ordenar o mundo, por torná-lo harmoniosamente proporcional, claro e equilibrado. Mas o princípio apolíneo diz respeito apenas ao lado externo da existência. Isso é uma ilusão e um autoengano constante. A estruturação apolínea do caos se opõe à embriaguez dionisíaca do êxtase. O princípio dionisíaco da arte não é a criação de novas ilusões, mas a arte dos elementos vivos, do excesso, da alegria espontânea. O frenesi dionisíaco na interpretação de Nietzsche acaba sendo uma forma de superar a alienação do homem no mundo. Ir além do isolamento individualista é verdadeira criatividade. As formas mais verdadeiras de arte não são aquelas que criam ilusão, mas aquelas que permitem perscrutar o abismo do universo.

Os conceitos estéticos e filosóficos de Nietzsche encontraram ampla aplicação na teoria e na prática da estética do modernismo no final do século XIX e início do século XX. O desenvolvimento original dessas ideias é observado na estética russa” era de prata" Em primeiro lugar, às Vladimir Soloviev, em sua filosofia de “unidade universal”, baseada no triunfo calmo da vitória eterna do princípio brilhante sobre a confusão caótica. e a estética nietzschiana atraiu simbolistas russos. Seguindo Nietzsche, eles perceberam o mundo como um fenômeno estético criado por um artista-teurgista.

Teorias estéticas do século XX. Questões estéticas do século XX. desenvolve-se não tanto em pesquisas especiais, mas no contexto de outras ciências: psicologia, sociologia, semiótica, linguística.

Dentre os conceitos estéticos mais influentes, destaca-se a estética fenomenológica, baseada no ensino filosófico Edmundo Husserl. O fundador da estética fenomenológica pode ser considerado o filósofo polonês Roman Ingarden (1893-1970). O conceito-chave da fenomenologia é a intencionalidade (do latim intentio desejo, intenção, direção), que é entendida como a construção de um objeto de conhecimento pela consciência.

A fenomenologia considera uma obra de arte como um fenômeno autossuficiente de contemplação intencional, sem qualquer contexto, baseado em si mesmo. Tudo o que se pode descobrir sobre uma obra está nela mesma contido; tem valor próprio, existência autônoma e é construída segundo suas próprias leis.

Nikolai Hartmann (1882-1950) falou a partir de uma posição fenomenológica. A principal categoria da estética, o belo, é percebida em estado de êxtase e devaneio. A razão, ao contrário, não nos permite ingressar na esfera da beleza. Portanto, o ato cognitivo e a contemplação estética são incompatíveis.

Michel Dufrenne (19101995) criticou o moderno civilização ocidental, alienando a pessoa da natureza, da sua própria essência e dos valores mais elevados da existência. Procura identificar os fundamentos fundamentais da cultura, que permitiriam o estabelecimento de relações harmoniosas entre o homem e o mundo. Tendo percebido o pathos do conceito de arte de Heidegger como a “verdade do ser”, Dufresne busca tais fundamentos na riqueza da experiência estética, interpretada do ponto de vista da ontologia fenomenológica.

O método de pesquisa fenomenológica está subjacente à metodologia do formalismo russo, do estruturalismo francês e da “nova crítica” anglo-americana, que surgiu como oposição ao positivismo. Nos escritos de J.K. Resgate ( Novas críticas, 1941), A. Teita ( Ensaios Reacionários, 1936), C. Brooks e RP Warren ( Compreendendo a Poesia, 1938; Compreensão da prosa, 1943) estabeleceu os princípios básicos da teoria neocrítica: a base para o estudo é um texto isolado que existe como objeto independentemente do artista-criador. Este texto possui uma estrutura orgânica e holística que pode existir como uma organização especial de imagens, símbolos e mitos. Com a ajuda de tal forma orgânica, realiza-se o conhecimento da realidade (o conceito neocrítico de “poesia como conhecimento”).

Para outras direções importantes do pensamento estético do século XX. incluem os conceitos psicanalíticos de S. Freud e G. Jung, a estética do existencialismo (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), a estética do personalismo (C. Péguy, E. Mounier, P. Ricoeur ), a estética do estruturalismo e do pós-estruturalismo (C. Levi Strauss, R. Barthes, J. Derrida), conceitos estéticos sociológicos de T. Adorno e G. Marcuse.

O pensamento estético moderno também se desenvolve em consonância com o pós-modernismo (I. Hassan, J.F. Lyotard). A estética do pós-modernismo é caracterizada por um desrespeito consciente por quaisquer regras e restrições desenvolvidas pela tradição cultural anterior e, como consequência disso, uma atitude irónica em relação a esta tradição.

O aparato conceitual da estética está passando por mudanças significativas, as principais categorias da estética estão sujeitas a uma reavaliação significativa, por exemplo, o sublime é substituído pelo surpreendente, o feio ganhou status de categoria estética junto com o belo, etc. O que tradicionalmente foi considerado não estético torna-se estético ou é definido esteticamente. Isso determina duas linhas de desenvolvimento cultura moderna: uma linha visa a continuação da estética tradicional (a estetização da vida cotidiana é considerada sua manifestação extrema, daí, por exemplo, o hiperrealismo, a pop art, etc.), a outra é mais consistente com a estetização epistemológica (cubismo, surrealismo, arte conceitual).

Um lugar especial na estética moderna é dado à tradição de violação, indo “fora das normas estéticas e artísticas”, ou seja, criatividade marginal ou ingênua, que muitas vezes adquire status estético depois de muito tempo (a história cultural está repleta de exemplos dessa criatividade por parte de artistas, músicos e escritores).

A variedade de teorias e conceitos estéticos da ciência estética moderna atesta um desenvolvimento qualitativamente novo do pensamento estético, em comparação com o período clássico. A utilização da experiência de muitas humanidades na estética moderna indica a grande promessa desta ciência.

Lyudmila Tsarkova

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