Publicações na seção Arquitetura

Arquitetura em pinturas de artistas russos

Panoramas das ruas da capital, monumentos arquitetônicos, prédios que não existem mais, barcos de madeira correndo ao longo do Neva e do rio Moscou - tudo isso pode ser visto nas pinturas de mestres da paisagem urbana do final do século XVIII - primeira metade do século XX. Cerca de 10 artistas do gênero - no material do portal “Culture.RF”.

Fyodor Alekseev. Vista da Ressurreição e dos Portões Nikolsky e da Ponte Neglinny da Rua Tverskaya em Moscou (fragmento). 1811. Estado Galeria Tretyakov, Moscou

Fyodor Alekseev. Praça Vermelha em Moscou (fragmento). 1801. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Fyodor Alekseev. Vista de Strelka Ilha Vasilievsky de Fortaleza de Pedro e Paulo(fragmento). 1810. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Fedor Alekseev começou seu caminho criativo das paisagens urbanas de Veneza, onde viveu como pensionista da Academia de Artes. Retornando à Rússia, ele pintou vistas da Crimeia, Poltava, Orel, mas ficou famoso por suas pinturas representando Moscou e São Petersburgo. A maioria pinturas famosas seu ciclo de Moscou - “Praça Vermelha em Moscou” e “Vista da Ressurreição e dos Portões Nikolsky e da Ponte Neglinny da Rua Tverskaya em Moscou” - são hoje mantidos na Galeria Tretyakov. As principais pinturas do artista em São Petersburgo - “Vista do Spit da Ilha Vasilievsky da Fortaleza de Pedro e Paulo” e “Vista do Aterro Inglês” podem ser vistas na coleção do Museu Russo.

As pinturas de Alekseev são interessantes não apenas do ponto de vista artístico, mas também histórico: por exemplo, a pintura de 1800 “Vista da Igreja de São Nicolau, a Grande Cruz em Ilyinka” retrata um templo barroco do final do século XVII século, que foi demolido em 1933. E graças à pintura “Vista da Catedral de Kazan” você pode descobrir que inicialmente havia um obelisco de madeira em frente a este templo de São Petersburgo. Com o tempo, caiu em desuso e foi retirado da praça na década de 1820.

Máximo Vorobiev. Vista do Kremlin de Moscou (da lateral da Ponte Ustinsky) (fragmento). 1818. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Máximo Vorobiev. Vista da Catedral de Kazan do lado oeste (fragmento). Primeira metade da década de 1810. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Máximo Vorobiev. Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). Final da década de 1820. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Ele também retratou outros subúrbios de São Petersburgo - Peterhof, Pavlovsk, Gatchina e, de fato, a própria São Petersburgo. Entre as obras do artista estão “Apollo Cascade and the Palace”, “Vista do Palácio Kamennoostrovsky”, “Vista da Ilha do Grande Lago nos Jardins de Tsarskoe Selo”, “Pátio Rural em Tsarskoe Selo”. E embora Semyon Shchedrin fosse um mestre da paisagem urbana, ele pintou objetos arquitetônicos de maneira bastante convencional. A principal atenção do artista foi dada à natureza - os historiadores da arte o consideram um prenúncio da paisagem lírica russa.

Stiepan Galaktionov. Vista do Neva da Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). 1821. Museu de Toda a Rússia COMO. Pushkin, São Petersburgo

Stiepan Galaktionov. Fonte no parque. (fragmento). 1820. Sebastopol Museu de Arte nomeado em homenagem a P.M. Kroshitsky, Sebastopol

Stiepan Galaktionov. Casa de campo no parque (fragmento). 1852. Museu de Belas Artes de Tyumen, Tyumen

Stepan Galaktionov não foi apenas pintor e aquarelista, mas também um gravador brilhante: foi um dos primeiros na Rússia a dominar a técnica da litografia - gravura em pedra. A principal fonte de inspiração de Galaktionov foram os monumentos arquitetônicos de São Petersburgo. Participou da criação de um álbum de litografias “Vistas dos subúrbios e arredores de São Petersburgo”, com curadoria do artista Semyon Shchedrin em 1805. Esta coleção inclui suas obras: “Vista do Palácio da Ilha Kamenny da dacha do Conde Stroganov” e “Vista do Palácio Monplaisir” em Peterhof, “Vista do Templo de Apolo com a Cascata no jardim do Palácio Pavlovsky” e “Vista de parte do palácio pela lateral do grande lago da cidade de Gatchina”. Posteriormente, participou do trabalho da coleção “Vistas de São Petersburgo e arredores”, publicada em 1825 pela Sociedade para o Incentivo aos Artistas.

Vasily Sadovnikov. Vista do aterro e do Palácio de Mármore (fragmento). 1847. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Vasily Sadovnikov. Vista do Neva e da Fortaleza de Pedro e Paulo. 1847. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Vasily Sadovnikov. Vista do Neva e da Fortaleza de Pedro e Paulo (fragmento). 1847. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

O artista autodidata Vasily Sadovnikov pintou a arquitetura de São Petersburgo enquanto ainda era servo da princesa Natalya Golitsyna. Depois de receber a liberdade, ingressou na Academia de Artes, onde Maxim Vorobyov se tornou seu professor.

São conhecidas inúmeras vistas do Palácio de Inverno, pintadas por Sadovnikov em nome dos imperadores Nicolau I e Alexandre II. Mas a obra mais famosa do artista é a aquarela de 16 metros “Panorama of Nevsky Prospekt”, na qual trabalhou durante 5 anos - desde 1830. nela A rua principal Petersburgo é desenhada em ambas as direções - da Praça Admiralteyskaya à Ponte Anichkov. O artista retratou detalhadamente cada casa da Nevsky Prospekt. Posteriormente, o editor Andrei Prevost divulgou partes individuais desse panorama em forma de litografias, a série consistia em 30 folhas.

Entre outras pinturas capitais do artista estão “Vista do aterro e do Palácio de Mármore”, “Saída do pátio pela entrada principal grande Palácio em Peterhof", "Salão do Marechal de Campo". Na obra “Saída de uma diligência da Praça de Santo Isaac”, a catedral é retratada ainda em construção.

Além de São Petersburgo, Sadovnikov pintou paisagens urbanas de Moscou, Vilnius e Helsinque. Uma das últimas obras do artista foi um panorama de São Petersburgo visto de Pulkovo Heights.

Andrei Martynov. Vista do Palácio de Pedro I no Jardim de Verão (fragmento). 1809-1810. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Andrei Martynov. Vista do Golfo da Finlândia da varanda do Palácio Oranienbaum (fragmento). 1821-1822. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Andrei Martynov. Vista da Nevsky Prospekt do Fontanka ao Almirantado (fragmento). 1809-1810. Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Entre as primeiras obras independentes do mestre da pintura de paisagem Andrei Martynov estão as vistas italianas. Depois de se formar na Academia de Artes, o artista viveu aposentado em Roma. Retornando da Itália para sua terra natal, Martynov pintou vistas de São Petersburgo usando várias técnicas, incluindo aquarela e gravura. Martynov até abriu sua própria oficina litográfica para imprimir gravuras.

Entre as obras famosas do artista estão “A margem do aterro Bolshaya em São Petersburgo, de Liteinaya ao Jardim de Verão”, “Ao longo do Jardim de Verão até os edifícios do Palácio de Mármore”, “Da Moshkov Lane ao longo dos edifícios do Palácio de inverno".

Martynov viajou muito; visitou Pequim com o embaixador russo. Mais tarde, o artista lançou o álbum litográfico “Picturesque Journey from Moscow to the Chinese Border”. Durante suas viagens, Martynov desenhou ideias para suas pinturas; ele também capturou vistas da Crimeia e do Cáucaso. As obras do artista podem ser vistas nas coleções da Galeria Estatal Tretyakov, do Museu Estatal Russo e do Museu A.S. de Belas Artes. Pushkin.

Karl Beggrov. No Jardim de Verão (fragmento). Década de 1820. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Karl Beggrov. Arco do edifício do Estado-Maior (fragmento). 1822. Museu de Toda a Rússia A.S. Pushkin, São Petersburgo

Karl Beggrov. Portão Triunfal (fragmento). Década de 1820. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Karl Beggrov pintou paisagens, embora, ao contrário do filho do pintor marinho Alexander Beggrov, ele não pintasse vistas do mar, mas sim vistas da cidade. Aluno de Maxim Vorobyov, pintou um grande número de aquarelas e litografias com paisagens de São Petersburgo.

Em 1821-1826, Karl Beggrov criou uma série de litografias, que foram incluídas na coleção “Vistas de São Petersburgo e arredores”. Entre eles, por exemplo, está “Vista do Arco do Estado-Maior”. Após a publicação deste álbum, Beggrov trabalhou mais em aquarelas, mas ainda pintou principalmente São Petersburgo - por exemplo, “In the Summer Garden” e “Triumphal Gates”. Hoje, as obras de Karl Beggrov são mantidas na Galeria Estatal Tretyakov, no Museu Estatal Russo, no Hermitage Estatal e em museus de outras cidades.

Alexandre Benois. Estufa (fragmento). 1906. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Alexandre Benois. Frontispício para " Cavaleiro de Bronze» Alexander Pushkin (fragmento). 1905. Museu Estadual de Belas Artes em homenagem a A.S. Pushkin, Moscou

Alexandre Benois. Oranienbaum (fragmento). 1901. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Em 1902 na revista “World of Art”

Mstislav Dobuzhinsky. Petersburgo (fragmento). 1914. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobuzhinsky. Casinha em São Petersburgo (fragmento). 1905. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobuzhinsky. Esquina de São Petersburgo (fragmento). 1904. Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Mstislav Dobuzhinsky era um artista versátil - ele desenhou apresentações teatrais, livros e revistas ilustrados. Mas o lugar central em seu trabalho foi ocupado pela paisagem da cidade, o artista gostava especialmente de retratar São Petersburgo - Dobuzhinsky passou sua infância lá.

Entre suas obras estão “Corner of St. Petersburg”, “Petersburg”. As paisagens de São Petersburgo também podem ser vistas no livro “Petersburgo em 1921”, nas ilustrações de “Noites Brancas de Dostoiévski” e “Petersburgo de Dostoiévski” de Nikolai Antsiferov. Em 1943, Dobuzhinsky criou um ciclo de paisagens imaginárias da sitiada Leningrado.

Como escreveu o crítico de arte Erich Hollerbach: “Ao contrário de Ostroumova-Lebedeva, que capturou principalmente a beleza arquitetônica de São Petersburgo em suas gravuras e litografias, a artista também olhou para as planícies da vida urbana, abraçou com seu amor não apenas o esplendor monumental da arquitetura de São Petersburgo, mas também a miséria lamentável da periferia suja.” Depois de deixar o país, Dobuzhinsky continuou a pintar paisagens, mas desta vez da Lituânia e dos EUA.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburgo, Moika (fragmento). 1912. Coleção particular

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (fragmento). 1953. Coleção particular

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrogrado. Colunas vermelhas (fragmento). 1922. Museu Estatal Russo, São Petersburgo

Um dos principais artistas gráficos e gravadores da primeira metade do século XX. Em xilogravuras - xilogravuras, litografias e aquarelas - ela retratou principalmente vistas de São Petersburgo. Entre suas obras estão ilustrações para os livros de Vladimir Kurbatov “Petersburgo” e Nikolai Antsiferov “A Alma de Petersburgo”, aquarela “Campo de Marte”, “Outono em Petrogrado”, gravuras “Petersburgo. Jardim de verão no inverno", "Petersburgo. Colunas rostrais e a bolsa de valores" e outros.

A artista não deixou sua cidade natal, Leningrado, mesmo durante o cerco: “Muitas vezes escrevia no banheiro. Vou colocar uma prancheta na pia e colocar um tinteiro nela. Na prateleira da frente há um fumeiro. Aqui os golpes soam abafados, o assobio dos projéteis voadores é menos audível, é mais fácil reunir pensamentos dispersos e direcioná-los no caminho correto.” Obras deste período - “Jardim de Verão”, “ Coluna rostral"e outros - também foram publicados na forma de cartões postais.

EM Será que um pintor prefere sempre glorificar a natureza, por assim dizer, na sua forma pura, sem estruturas arquitetónicas? Nem sempre. Afinal, os edifícios revivem-no e dão-lhe um novo significado. Mesmo sem ser histórico e valor artístico, eles, em unidade com o entorno, adquirem expressividade especial e são percebidos como elemento importante e, por vezes, principal da composição.

Outros mestres se inspiram na paisagem da cidade, quando numa pintura, esboço ou desenho não é a natureza, mas edifícios arquitetônicos pertence ao lugar principal.

Muitos edifícios de madeira e pedra são lindos em qualquer clima. Mas no inverno eles ficam mais “à vista” - não são obscurecidos por árvores e arbustos, a cobertura de neve esconde todos os detalhes perturbadores.

Porém, trabalhar ao ar livre nesta época do ano é difícil: faz frio e até geada. Suas mãos estão ficando frias, suas cores estão ficando mais espessas. No entanto, sabemos muito belos trabalhos, em que as paisagens de inverno são glorificadas. É verdade que nem todos foram criados ao ar livre, mas foram pintados em ateliê a partir de esboços, de memória ou de janela.

A tela de S. Svetoslavsky é chamada “Da janela da Escola de Pintura de Moscou”. É feito, como dizem, da natureza: os volumes, a cor e a textura dos objetos são transmitidos com extrema precisão. O telhado da torre sineira de quatro águas, os bulbos verdes da igreja, os tambores decorados com estuque, a neve solta e as paredes caiadas das casas são pintadas de forma tangível. Apesar de tudo isso, o quadro não é de forma alguma naturalista. Contém a poesia de um dia tranquilo de inverno, quando o céu azul brilha através da névoa gelada e os raios do sol baixo douram os telhados cobertos de neve. Quando a fumaça azul sai das chaminés e a distância é afogada em uma névoa fria. O artista observava todos os dias a paisagem, cheia de espaço e ar, da janela, mas pintava-a com tanta frescura, com cores vibrantes, como se a visse pela primeira vez.

Se a tela de Svetoslavsky dá uma ideia da escala de Moscovo, do seu aparecimento há séculos, então a pintura de N. Goncharova leva o espectador à cidade do início deste século, ao cruzamento de ruas estreitas e acolhedoras. A neve recém-caída transformava as árvores em nuvens de nuvens, cobria cuidadosamente os telhados e as calçadas e rangia alegremente sob os corredores.

Já não se trata de uma paisagem natural, mas de uma pintura feita a partir de uma impressão. É decorativo, contornado, escrito em termos gerais, sem elaboração de detalhes. Usando apenas algumas cores, Goncharova contornou
prestando atenção à perspectiva aérea, às nuances tonais e de cores - era importante para ela captar a impressão geral do que via, para criar uma imagem do inverno moscovita.

A pintura de P. Konchalovsky “Farmácia em Sadovaya” foi decidida de uma forma completamente diferente. A abordagem da natureza aqui é plein air: o artista transmite os efeitos característicos de espaço aberto,—uma riqueza de cores e tons, uma sensação de luz vindo de todas as direções. É mais como um esboço usando a técnica alla prima - criado imediatamente, de uma só vez, de uma só vez.

Porém, o artista não retratou a primeira coisa que lhe chamou a atenção. Ele foi atraído pela esquina da cidade velha, pelo lirismo de uma rua de inverno pouco povoada, com árvores nuas e pequenas casas atarracadas. O antigo edifício onde se encontra a farmácia ocupa um lugar central na composição. As árvores em primeiro plano aumentam a sensação de profundidade do espaço, servem como diapasão para configurações de tons e cores e determinam a escala dos edifícios.

Para dominar o lápis e a pintura, é útil analisar cuidadosamente as obras dos mestres. A esse respeito, o esboço de Konchalovsky pode dizer muito: como o artista trabalhava com o pincel? O que
mais escuro - telhados e ruas cobertos de neve ou céu nublado? Os montes de neve estão escritos apenas em branco? Como ele direcionou o pincel ao pintar árvores – de cima para baixo ou de baixo para cima? E o que ele retratou primeiro - o céu ou as árvores?

Compare o trabalho de P. Konchalovsky com a tela “Morning of Industrial Moscow” de K. Yuon. Eles não são completamente diferentes? A primeira é de natureza intimista, a paisagem limita-se a um pequeno espaço. E a pintura de Yuon é um panorama majestoso.

Diante de nós está a capital do primeiro anos pós-guerra. As silhuetas rígidas de canos, edifícios de fábricas e hangares são ecoadas pelas figuras enérgicas dos trabalhadores. Muitas linhas verticais contrariam as horizontais, criando um equilíbrio plástico. A fumaça parece se transformar em asas de nuvem e se espalhar pelo céu. Árvores altas à direita e à esquerda parecem unir as partes superior e inferior da composição e ao mesmo tempo, com os contornos bizarros de seus galhos, enfatizam a severidade da paisagem industrial.

Yuon corta a imagem para que comece com segundo plano: permite evitar mostrar detalhes desnecessários e focar a atenção do espectador no principal. O sol da manhã desenrolou um leque de raios dourados sobre a extensão, trazendo solenidade à paisagem. Se o mestre não tivesse escolhido contador- iluminação aberta, que faz com que os edifícios e as figuras das pessoas pareçam silhuetas, mas se eu preferisse a iluminação lateral, focando nos volumes e nas características de cor dos objetos, a impressão da tela seria muito menos forte. Agora é verdadeiramente monumental - graças à composição estrita, permeada por um ritmo claro e claro, à estabilidade da maioria dos objetos, ao horizonte alto e à disposição calma dos traços. E a natureza da pintura lembra um mosaico.

Seu próprio estilo únicocartas de V. Byalynitsky-Birul. Suas paisagens são poéticas, cheias de tristeza silenciosa. Eles parecem estar envoltos em uma névoa leve e suave, na qual os contornos e formas dos objetos, os contrastes de luz e sombra e o brilho das cores são suavizados. Mas a pintura adquire integridade e completude especiais.

O artista retratou a casa onde viveu recentemente o grande Lênin. Tanto o edifício como tudo ao seu redor parecem iguais aos de sua época. Uma casa construída no estilo do classicismo russo do final do século XVIII. início do século XIX século, grande prado coberto de neve, luz- O céu cinza é desenhado em cores e tons semelhantes, cujo som é realçado pelas manchas escuras dos abetos. O tronco da árvore em primeiro plano parece uma fita de luto. Imagine uma composição sem esse detalhe - ela perderá profundidade espacial, integridade e expressividade.

Às vezes, artistas iniciantes perguntam: onde procurar motivos interessantes? Nesta ocasião, o pintor moscovita I. Sorokin afirma: “Tendo viajado muito pelo país, percebi que meu tema principal é
Rússia central. Antigas cidades russas, bem como aldeias próximas, aldeias, preenchem e cativam completamente o meu imaginação criativa. Agora, de alguma forma, não me sinto atraído por terras distantes. Anteriormente, parecia que você encontraria algo incomum ali. Mas só parecia assim. E tudo o que é inusitado e interessante está perto de nós, entre nós, basta ver.”

A paisagem “Inverno em Suzdal” de Sorokin incorpora o charme da cidade com seus numerosos monumentos antigos, cúpulas coloridas, telhados e paredes. Os montes de neve, os edifícios e as árvores são esculpidos com traços fortes, ousados ​​e livres. O ponto de vista da Catedral da Natividade e dos edifícios circundantes foi escolhido com sucesso. A perspectiva da rua, das cercas, das árvores atrai o olhar para a parte central
da cidade antiga e ao mesmo tempo guarda toda a composição. O lado esquerdo da tela é visualmente mais carregado que o direito, o que confere à paisagem ainda mais vivacidade e naturalidade.

Como o artista conseguiu tal consistência de todos os elementos da imagem? Em primeiro lugar, viu a natureza em unidade com o meio ambiente, cobrindo imediatamente tudo com o olhar, comparando instantaneamente proporções, volumes, cores.

Os edifícios arquitetônicos não podem ser apenas parte integral paisagem - rural, urbana, industrial. Em muitas pinturas eles estão associados a alguma cena de gênero. Por exemplo, na obra de V. Telin “A Casa está Vazia” é revelada a relação entre uma pessoa e sua casa, que
posso te dizer muito. Sobre o fato de ter sido construído por mestres em seu ofício. E decorado com amor e bom gosto. Que serviu as pessoas por muito tempo. Mas os proprietários se foram, a casa velha, ainda boa e forte está vazia - e eles tapam as janelas com lindas molduras esculpidas...

Você pode dar um número infinito de exemplos de uma variedade de soluções arquitetônicas paisagísticas. Se vocês, queridos jovens artistas, se deixam levar por esse tema - e é simplesmente impossível não se deixar levar - então
A princípio, desenhe com um lápis, pinte em aquarela e óleo edifícios que não sejam muito complexos em forma e decoração. Primeiro tente compreender a estrutura do edifício, a relação entre os seus volumes e os objetos circundantes. Ao representar uma antiga igreja, câmaras, muralhas de fortaleza, preste atenção especial à sua unidade com bebida Sejamos realistas: os arquitetos antigos sempre viram a arquitetura em unidade com a natureza.

Os edifícios da fábrica, o elevador da fazenda estatal, a usina termelétrica com suas torres de resfriamento atarracadas e chaminés delgadas têm sua própria poesia. Escolha um ponto de vista que melhor revele os traços característicos da arquitetura. É interessante ter o mesmo motivo para desenhar e fazer xixi tempo diferente anos e sob diferentes condições de iluminação.

Ao trabalhar, você não apenas domina as habilidades gráficas e pictóricas - você parece penetrar na planta do arquiteto e, como ele, constrói paredes e um telhado em papel ou tela, decora a estrutura com talha ou estuque.

Esforce-se para transmitir a solidez, o peso do edifício, ou o esforço ascendente, a leveza. Observe a fachada do edifício - imagine suas paredes laterais e traseiras, e aplique pinceladas ou pinceladas, levando em consideração o desenho, as características de assentamento de tijolos, toras, blocos de concreto armado.

A arquitetura nos rodeia em todos os lugares. Poderíamos dizer que vivemos em um mundo de arquitetura que chegou até nós desde os tempos antigos e está em constante mudança de aparência. Exibir este mundo é uma tarefa extremamente emocionante,
excitante. Em cada caso específico possui características próprias e soluções próprias.

Desejamos-lhe sucesso criativo!

A. Alekhine

Revista " Jovem artista" №12, 1987

Outra aula magistral

Por materiais macios aqui queremos dizer lápis 3B e mais macios, carvão prensado, sanguíneo, molho, sépia, giz, pastel. Como material mais macio, mais suave deve ser o toque no papel. É melhor apagar os lugares ruins primeiro com um guardanapo ou bastão e depois com uma borracha. Alguns desses materiais podem ser utilizados ao trabalhar em papel úmido: molho, sanguíneo, sépia. Também podem ser esfregados até virar pó, diluídos em qualquer proporção com água e trabalhados com pincel. Exemplos de métodos de trabalho específicos serão fornecidos abaixo.
Os iniciantes muitas vezes têm uma atitude imprudente em relação aos materiais, por exemplo, com tempo limitado em uma grande folha de papel, o desenho é feito com um lápis duro. Na ausência de experiência, o processo de trabalho torna-se difícil e um resultado completo torna-se inatingível. Esboços tamanho grande fornecer Influência positiva para desenvolver um senso de integridade, e são naturalmente realizados com materiais flexíveis e móveis, como sanguíneo, carvão, sépia, etc. Esses grandes esboços são executados com o braço estendido.

Desenho de interiores.

A representação de interiores da natureza tem características próprias. Em primeiro lugar, o interior inclui planos espaciais. O desenhista deve encontrar um ponto tal que a arquitetura do desenho seja legível e com as proporções corretas do geral e dos detalhes. Ao mesmo tempo, para espaços muito grandes é necessário “corrigir” a perspectiva aparente para que ocorra menos distorção. Para isso, é possível construir uma perspectiva grande angular “a olho nu” com três ou mais pontos de fuga no horizonte, e as verticais são traçadas estritamente paralelas. Os interiores das câmaras são representados com uma perspectiva normal. A localização da linha do horizonte é muito importante - ao nível dos olhos de uma pessoa em pé ou sentada. Em casos raros, uma linha do horizonte é feita próxima ao chão para dar uma monumentalidade especial ao objeto. Em segundo lugar, o interior tem várias fontes de iluminação e por vezes vários pontos de luz “funcionam”. De qualquer forma, é preciso estar atento à perspectiva aérea, que complementa a linear. O primeiro plano torna-se o mais contrastante; à medida que se afasta, a luz parece mais escura, as sombras parecem mais claras e todas as outras relações tonais tornam-se mais próximas. Em terceiro lugar, os objetos no interior variam em cor (do branco ao preto) e na textura (madeira, mármore, metal)
Para esboços rápidos, use uma linha. Mas a linha, como tal, define apenas condicionalmente os limites do objeto, sem dar uma ideia de sua cor e qualidades texturais. Portanto, a partir do primeiro esboço linear, você pode traçar imediatamente um tom claro com um liquidificador ou camurça, depois de experimentá-lo na paleta. As capacidades da linha na transmissão de volume real também são limitadas. Conhecemos os brilhantes desenhos lineares de interiores de arquitetos como Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
O padrão de recorte expressa não apenas a natureza convencional da iluminação, mas também muito mais. Antes de fazer tal desenho, é preciso pensar em como utilizar a iluminação de forma mais eficaz no interior, como revelar de forma mais expressiva os planos de iluminação. Quer a luz passe pelas janelas, seja luz difusa, ou se a luz venha dos lustres - em cada caso, será necessária uma solução de design qualitativamente nova. Para desenhos de interiores, é aconselhável utilizar papel colorido, com a expectativa de fazer traços nos pontos de luz na última etapa do trabalho com giz.
Um exemplo brilhante de desenhos de interiores em claro-escuro são os desenhos de Gonzago, Premazzi e Piranesi.

Desenho de uma paisagem com arquitetura.

Você precisa pintar ao ar livre em climas e momentos diferentes - então veremos a mesma arquitetura com iluminação diferente e será mais fácil captar o principal. Aqui também é necessário construir uma imagem em perspectiva, que determine a relação dos planos espaciais com o horizonte e o ponto de fuga e posição de todos os objetos no espaço. Primeiro, tente delinear o próprio formato dos edifícios, que independe de iluminação. À medida que o sol se move, ele muda o tempo todo e você precisa lembrar e fixar rapidamente a posição mais vantajosa na folha, ou desde o início assume iluminação difusa do céu nublado. Em primeiro lugar, trabalhe em grandes planos, subordiná-los e relacioná-los menos formas grandes e detalhes. É aconselhável desenhar em diferentes formatos de papel para que a arquitetura pareça ter uma escala diferente. É mais fácil começar com paisagens urbanas em um dia sem sol, quando a iluminação é mais estável e a proporção de luz e sombra muda pouco. Exemplos de tais obras são os desenhos de M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne e outros.

Desenho de arquitetura em paisagem (da minha experiência).


Escolho um formato de papel e imediatamente esboço a composição em uma folha de papel em sépia (sem lápis): quanta terra, quanta arquitetura e quanto céu. Normalmente a área do céu na folha é maior que a área da terra (é ruim quando acontece o mesmo). Na primeira etapa, “têm-se em mente problemas de iluminação e relações tonais” – esboça-se a própria forma da terra e da arquitetura, através de formas simplificadas e sem detalhes – plano, prisma, cilindro, etc. Para maior clareza da composição, o primeiro esboço deve ser brilhante, mas “leve”.
Em seguida começa a elaboração dos principais detalhes e explicação Forma geral tom. Pode-se aplicar sépia esfregado com pincel ou camurça e facilmente, sem esfregar no papel, aplicar nos locais necessários para a composição. Na iluminação difusa, estas são, antes de tudo, aberturas; na iluminação ensolarada, são também os limites gerais de suas próprias sombras. O tom de fundo médio é geralmente mais escuro que o tom médio da arquitetura. O detalhamento e o desenvolvimento do tom são realizados de acordo com a perspectiva linear e aérea. Ao mesmo tempo, de preferência de uma só vez, o céu é feito: o estado das nuvens em perspectiva e iluminação, e a arquitetura é completada contra o fundo do céu. Ao longo da obra, a arquitetura continua sendo o elemento principal da composição. É sempre aconselhável na fase final fazer um ou dois dos locais mais claros e um ou dois dos mais escuros, realçando os contrastes do primeiro plano. Mais perto das bordas da folha, os contrastes enfraquecem. O entorno (natureza, pessoas) nesses desenhos tem tom médio e mais ou menos convencional, ou seja, “joga junto” com a arquitetura. O palco linear e os detalhes são feitos apenas com um bastão sépia bem afiado. Para quase todos os assuntos, pode-se usar papel com textura áspera. Em seguida, os planos distantes são feitos com sombreamento, e o primeiro plano com giz, para transmitir textura áspera (casca de árvore, paredes feitas de pedras, terra, etc.). Se você pegar papel colorido - amarelado, acinzentado, acastanhado, etc. – depois na última etapa são colocados vários acentos com giz ou branco líquido com pincel. A cal é usada de duas maneiras: como destaque ou como plano de luz. O brilho é pequeno em área, mas brilhante em intensidade. Os planos leves são menos brilhantes, mas maiores em área. Em ambos os casos, esses pontos de luz têm intensidades diferentes e um deles se torna o mais brilhante. O tom geral do céu costuma ser mais claro que todo o resto.

Desenho de uma paisagem com elementos arquitetônicos.

Você pode considerar especialmente desenhos de paisagens, onde a arquitetura na composição desempenha apenas o papel de um sotaque que enfatiza a beleza da paisagem. Nesses desenhos, a coescala do elemento arquitetônico e da paisagem é especialmente importante. A tarefa aqui é mostrar como a arquitetura se adapta perfeitamente à natureza e ao mesmo tempo difere dela. A textura da natureza é infinitamente variada: céu, folhagens, árvores, terra, pedras, etc. em contraste com mais ou menos a mesma textura na arquitetura. Os detalhes arquitetônicos desempenham um papel especial aqui. Tais desenhos são feitos, via de regra, em tons profundos - do branco ao mais escuro, mas é aconselhável não atingir tal grau de escuridão que o material não “funcione mais”.

paisagens arquitetônicas, obras-primas da pintura mundial, pinturas de artistas do passado

Como sabem, a arquitectura e a pintura estão ligadas desde o nascimento da pintura a óleo, porque arte arquitetônica muito mais velho. Os arquitetos da Grécia Antiga buscavam precisão e habilidade superior, que são as marcas registradas de Arte grega de forma alguma. As fórmulas que inventaram já no século VI aC influenciaram a arquitetura dos últimos dois milênios. Basta recordar as duas principais ordens da arquitetura grega arcaica e clássica - a ordem dórica e a ordem jônica. A arquitetura de todo o mundo ocidental inspirou-se nos clássicos gregos. Muitos artistas do século XIX eram apaixonados pelos cânones romanos e gregos de beleza arquitetônica (as fantasias arquitetônicas de Thomas Cole), admiravam a arquitetura contemporânea ou eram fascinados pela exótica arquitetura islâmica (Alberto Pasini, Jerome Jean-Leon e outros) e indiana ( Lord Edwin Weekes e outros artistas). Esta seção contém uma pequena parte das obras-primas da pintura mundial dedicadas à arquitetura. As pinturas com arquitetura não são sempre apenas obras-primas de arte, mas também uma oportunidade de mergulhar na história, como a imaginaram os artistas dos séculos passados.

Sonhos Arquitetônicos, Thomas Cole (EUA)

1840, x, m,

artista: Thomas Cole

[arquitetura antiga, edifícios, casas]

pinturas na seção:

Isto é interessante:

Tipos de presentes

Um dos melhores presentes de luxo é considerado uma pintura original ou uma cópia bem feita. Abaixo segue um artigo sobre os tipos de presentes: simbólicos, originais, cômicos, universais, monetários, etc.

O presente apresentado expressa, antes de tudo, atenção à pessoa que está sendo presenteada. Ao mesmo tempo, o desejo de dar um belo presente é muito mais valioso do que a generosidade demonstrada.

Todos os presentes podem ser divididos em vários tipos:

1. Presentes simbólicos.

Antigamente, o conhecimento era considerado obrigatório significados simbólicos quaisquer presentes. Naquela época era costume presentear como presentes pedras semipreciosas e preciosas, mechas de cabelo, buquês de certos tipos de plantas, carteiras de miçangas, etc.. Hoje em dia, tal simbolismo não está mais na moda e o significado do presente depende do circunstâncias. Na hora da apresentação, vale a pena preparar com antecedência um discurso de acompanhamento ou um cartão postal para que o destinatário compreenda imediatamente o significado.

2. Presentes em quadrinhos.

Esses presentes trazem muitos momentos agradáveis ​​​​ao destinatário, mas devem ser escolhidos com cuidado. Presentes engraçados podem ser inadequados se a pessoa que recebe o presente não tiver senso de humor ou se não corresponderem ao ambiente onde a celebração está acontecendo. Presentes cômicos são dados a amigos próximos ou parentes, mas é melhor evitar sugestões vulgares.

Este tipo inclui coisas feitas à mão: bordados, roupas de malha, produtos de madeira, itens de interior forjados, etc. Todas as características do presente dependem exclusivamente das capacidades do autor. EM Ultimamente Os brindes do autor passaram a incluir produtos impressos, por exemplo, um calendário com a fotografia do destinatário. É melhor anexar um cartão de parabéns a esse presente.

4. Coisas necessárias.

Esses presentes incluem itens necessários na vida cotidiana, por exemplo, bolsa, roupas íntimas, sapatos, cosméticos. Eles são apresentados apenas por parentes e amigos próximos. Você não deve dar esses presentes a pessoas que você não conhece, pois eles podem causar constrangimento e você também pode cometer erros com o tamanho.

5. Presente dos sonhos.

Para cada pessoa, o presente mais desejado é a realização sonho acalentado, entretanto, raramente alguém discute tais assuntos, mesmo com pessoas próximas. Você só deve dar esse presente se tiver certeza absoluta de que é isso que o destinatário deseja receber. Durante a entrega, você deve fazer um discurso preparado com antecedência, ao mesmo tempo que expressa a esperança de que o item recebido realmente lhe agrade.

6. Um presente universal.

Essa variedade inclui um grupo de itens neutros dados como presente nos casos em que as preferências do destinatário são desconhecidas. Isso inclui lembranças, flores, vasos, cinzeiros, copos, jogos de jantar, blocos de notas e doces.

7. Presente em dinheiro.

Não faz muito tempo, era costume dar dinheiro como presente para um casamento, mas agora esses presentes também são dados para outras celebrações. Um presente em dinheiro é especialmente relevante para pessoas que enfrentam algumas dificuldades financeiras. Ao mesmo tempo, as notas apresentadas como presente devem ser de grande valor e novas. Coloque-os em um envelope limpo ou em um cartão especial com bolso.

Qualquer que seja o tipo de presente escolhido, você deve pensar nisso com antecedência, caso contrário no último momento poderá não encontrar o necessário.

Enviado por: VolkovaMarina

O tema da paisagem como gênero Artes visuaisé o terreno. COM Francês A palavra “paisagem” é traduzida como “terreno, país”. Afinal, a paisagem não é apenas a imagem da natureza que nos é familiar. A paisagem também pode ser urbana (arquitetônica, por exemplo). Na paisagem urbana, destaca-se uma imagem documental - “veduta”.

E se falamos de paisagem natural, então destacamos separadamente paisagem marinha, que é chamada de “marina” (portanto, os artistas que retratam o mar são chamados de “marinistas”), cósmico (imagem do espaço celeste, estrelas e planetas).
Mas as paisagens também diferem em termos de tempo: paisagens modernas, históricas, futurísticas.
Porém, na arte, seja qual for a paisagem (real ou imaginária), é sempre imagem artística. A este respeito, é importante compreender que para todos estilo artístico(classicismo, barroco, romantismo, realismo, modernismo) caracterizam-se por uma filosofia e estética próprias das imagens de paisagens.
É claro que o gênero paisagem desenvolveu-se gradualmente, assim como a ciência se desenvolveu. Ao que parece, o que as paisagens e a ciência têm em comum? Muito em comum! Para criar uma paisagem realista, você deve ter conhecimento de perspectiva aérea, proporcionalidade, composição, luz e sombra, etc.
Portanto, o gênero paisagem é considerado um gênero relativamente jovem na pintura. Durante muito tempo, a paisagem foi apenas um meio “auxiliar”: a natureza foi retratada como pano de fundo em retratos, ícones e cenas de gênero. Muitas vezes não era real, mas idealizado, generalizado.
E embora a paisagem tenha começado a se desenvolver na antiga arte oriental, significado independente ele recebeu na arte da Europa Ocidental a partir do século XIV.
E seria muito interessante descobrir por que isso aconteceu. Afinal, a essa altura a pessoa já sabia como retratar corretamente símbolos gráficos ideias abstratas, sua aparência, seu modo de vida, os animais, mas ele permanece por muito tempo indiferente à natureza. E só agora ele está tentando entender a natureza e sua essência, porque... Para retratar é preciso compreender.

Desenvolvimento da paisagem na pintura europeia

O interesse pela paisagem torna-se claramente perceptível, a partir da pintura do início da Renascença.
Artista e arquiteto italiano Giotto(cerca de 1267-1337) desenvolveu-se absolutamente nova abordagemà imagem do espaço. E embora em suas pinturas a paisagem também fosse apenas um meio auxiliar, ela já carregava uma carga semântica independente: Giotto transformou o espaço plano e bidimensional do ícone em tridimensional, criando a ilusão de profundidade por meio do claro-escuro.

Giotto "Fuga para o Egito" (Igreja de São Francisco de Assis)
A pintura transmite o clima idílico de primavera da paisagem.
A paisagem começou a desempenhar um papel ainda mais importante durante a Alta Renascença (século XVI). Foi neste período que se iniciou a procura das possibilidades de composição, perspectiva e outros componentes da pintura para transmitir o mundo envolvente.
Os mestres desempenharam um papel importante na criação do gênero paisagístico deste período. Escola veneziana: Giorgione (1476/7-1510), Ticiano (1473-1576), El Greco (1541-1614).

El Greco "Vista de Toledo" (1596-1600). Museu Metropolitano de Arte (Nova York)
A cidade espanhola de Toledo é retratada sob um céu sombrio e tempestuoso. O contraste entre o céu e a terra é óbvio. A vista da cidade é dada de baixo, a linha do horizonte é elevada e a luz fantasmagórica é usada.
Na criatividade Pieter Bruegel (o Velho) a paisagem já ganha amplitude, liberdade e sinceridade. Ele escreve com simplicidade, mas nesta simplicidade se percebe a nobreza de uma alma que sabe ver a beleza da natureza. Ele sabe como transmitir tanto o mundo mesquinho sob seus pés quanto a vastidão dos campos, montanhas e céus. Ele não tem lugares mortos e vazios - tudo vive e respira com ele.
Chamamos a sua atenção duas pinturas de P. Bruegel do ciclo “As Estações”.

P. Bruegel (O Velho) “Retorno do Rebanho” (1565). Museu Kunsthistorisches (Viena)

P. Bruegel (O Velho) “Caçadores na Neve” (1565). Museu Kunsthistorisches (Viena)
Nas pinturas de um artista espanhol D. Velázquez já podemos ver o nascimento do plein air ( Pleno ar- do frag. en plein air – “ao ar livre”) pintura. Sua obra “Vista da Villa Medici” transmite o frescor do verde, tons quentes luz deslizando pelas folhas das árvores e altos muros de pedra.

D. Velázquez “Vista do jardim da Villa Medici em Roma” (1630)
Rubens(1577-1640), afirmativo da vida, dinâmico, característico da obra deste artista.

P. Rubens “Paisagem com Arco-Íris”
você Artista francês François Boucher(1703-1770) as paisagens parecem tecidas em tons de azul, rosa e prata.

F. Boucher “Paisagem com moinho de água” (1755). galeria Nacional(Londres)
Os artistas impressionistas procuraram desenvolver métodos e técnicas que tornassem possível capturar o que há de mais natural e vívido. mundo real em sua mobilidade e variabilidade, para transmitir suas impressões fugazes.

Auguste Renoir "A piscina infantil". Museu Metropolitano de Arte (Nova York)
Artistas pós-impressionistas desenvolveram as tradições dos impressionistas em sua pintura.

Vincent Wag Gogh" Noite de luz das estrelas"(1889)
No século 20 Representantes de uma grande variedade de pessoas recorreram ao gênero paisagem direções artísticas: Fauvistas, Cubistas, Surrealistas, Abstracionistas, Realistas.
Aqui está um exemplo de paisagem de um artista americano Helen (Helen) Frankenthaler(1928-2011), que trabalhou no estilo da arte abstrata.

Helen Frankenthaler "Montanhas e Mar" (1952)

Alguns tipos de paisagem

Paisagem arquitetônica

N.V. Gogol chamou a arquitetura de “a crônica do mundo”, porque ela, em sua opinião, “fala mesmo quando as canções e as lendas já estão caladas...”. Em nenhum lugar o caráter e o estilo da época se manifestam de forma tão figurativa e clara como na arquitetura. Aparentemente, foi por isso que os mestres da pintura capturaram a paisagem arquitetônica em suas telas.

F. Ya. Alekseev “Vista da Bolsa e do Almirantado da Fortaleza de Pedro e Paulo” (1810)
A pintura retrata o Spit da Ilha Vasilyevsky. Centro de composição dela conjunto arquitetônico- Prédio de câmbio. Em frente à Bolsa existe uma praça semicircular com talude granítico. Nos seus dois lados existem colunas que serviam de balizas. Ao pé das colunas - esculturas de pedra, simbolizando os rios russos: Volga, Dnieper, Neva e Volkhov. Na margem oposta do rio são visíveis o Palácio de Inverno e os edifícios do Almirantado, Praça do Senado. A construção da Bolsa, projetada por Thomas de Thomon, durou de 1804 a 1810. Quando Pushkin chegou a São Petersburgo em 1811, a Bolsa já havia se tornado o centro arquitetônico do Spit of Vasilyevsky Island e o local mais movimentado da cidade portuária.
Um tipo de paisagem arquitetônica é a veduta. Na verdade, esta paisagem de F. Alekseev é a vedova.

Veduta

Veduta - gênero Pintura europeia, especialmente popular em Veneza no século XVIII. É uma pintura, desenho ou gravura que representa detalhadamente uma paisagem urbana cotidiana. Então, o artista holandês Jan Vermeer retratou exatamente sua cidade natal, Delft.

Jan Vermeer "Vista de Delft" (1660)
Os mestres Veduta trabalharam em muitos países europeus, incluindo a Rússia (M. I. Makhaev e F. Ya. Alekseev). Toda uma série de apresentações com vistas russas foi realizada por Giacomo Quarenghi.

Marina

Marina é um gênero de pintura, uma espécie de paisagem (do latim marinus - mar), que retrata uma vista do mar ou uma cena de batalha naval, entre outros acontecimentos ocorridos no mar. Como uma espécie independente pintura de paisagem Marina se destacou início do XVII V. na Holanda.
Pintor marinho (mariniste francês) é um artista que pinta a vida marinha. Os representantes mais proeminentes deste gênero são os ingleses Willian Turner e artista russo (armênio) Ivan Constantinovich Aivazovski, que pintou cerca de 6.000 pinturas sobre tema marinho.

W. Turner “A última viagem do navio “Brave””

I. Aivazovsky “Arco-íris”
Um arco-íris que aparece em um mar tempestuoso dá esperança para a salvação das pessoas de náufrago enviar.

Paisagem histórica

Tudo é bastante simples: através situação histórica, o ambiente natural e arquitetônico mostra o passado. Aqui podemos lembrar as fotos N. K. Roerich, imagens de Moscou no século XVII. SOU. Vasnetsova, russo Barroco XVIII V. DELA. Lanceray, UM. Benoit, arcaico K.F. Bogaevsky e etc.

N. Roerich “Convidados Estrangeiros” (1901)
Esta é uma pintura da série “The Beginning of Rus'. Eslavos". No artigo “A caminho dos varangianos aos gregos” (1899), Roerich descreveu um quadro poético imaginário: “Os convidados da meia-noite estão navegando. A costa suavemente inclinada do Golfo da Finlândia se estende como uma faixa clara. A água parecia saturada com o azul do céu claro da primavera; o vento ondula sobre ele, afastando listras e círculos roxos foscos. Um bando de gaivotas pousou nas ondas, balançou descuidadamente sobre elas, e somente sob a quilha do barco da frente bateram suas asas - elas ficaram alarmadas vida tranquila algo desconhecido, sem precedentes. Um novo riacho abre caminho através das águas estagnadas, corre para a vida eslava secular, passará por florestas e pântanos, rolará por um amplo campo, levantará as famílias eslavas - eles verão raro, convidados desconhecidos, eles ficarão maravilhados com seu estilo estritamente marcial, com seus costumes estrangeiros. As torres estão vindo em uma longa fila! A coloração brilhante queima ao sol. As laterais da proa apareceram elegantemente, terminando em um nariz alto e fino.”

K. Bogaevsky “Torre Consular em Sudak” (1903). Teodósio Galeria de Arte nomeado em homenagem a I.K. Aivazovsky

Paisagem futurista (fantástica)

Pinturas Artista belga Jonas De Ro são telas épicas de mundos novos e inexplorados. O objeto principal das imagens de Jonas são extensas imagens do mundo pós-apocalíptico, imagens futurísticas e fantásticas.
Além do futuro de cidades absolutamente reais, Jonas também desenha ilustrações totalmente originais de uma cidade abandonada.

J. De Roe “Civilização Abandonada”

Filosofia da paisagem

O que é?
No centro da pintura de paisagem está sempre a questão da relação do homem com o meio ambiente - seja ele uma cidade ou a natureza. Mas também ambiente também tem sua própria relação com uma pessoa. E essas relações podem ser harmoniosas e desarmônicas.
Considere a paisagem “Evening Bells”.

I. Levitan “Sinos da Noite” (1892). Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
A pintura “Sinos da Noite” retrata um mosteiro numa curva do rio, iluminado pelos raios do sol da tarde. O mosteiro é cercado por uma floresta de outono, nuvens flutuam no céu - e tudo isso se reflete na superfície espelhada de um rio que flui calmamente. A alegria brilhante da natureza e paz de espírito vida e sentimentos das pessoas. Quero olhar essa foto e olhar, isso acalma a alma. Esta é uma beleza feliz e idílica.
E aqui está outra paisagem do mesmo artista - “Acima paz eterna».

I. Levitan “Acima da Paz Eterna” (1894). Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O próprio Levitan escreveu sobre esta imagem: “... estou totalmente nela, com toda a minha psique, com todo o meu conteúdo...”. Numa outra carta: “Eternidade, uma eternidade terrível, na qual gerações se afogaram e se afogarão novamente... Que horror, que medo!” É nesta eternidade ameaçadora que a pintura de Levitan nos faz pensar. A água e o céu da foto cativam e surpreendem a pessoa, despertando o pensamento da insignificância e da transitoriedade da vida. Em uma margem alta e íngreme há uma igreja solitária de madeira, ao lado dela há um cemitério com cruzes frágeis e sepulturas abandonadas. O vento sacode as árvores, afasta as nuvens, arrasta o espectador para a infinita extensão do norte. A grandeza sombria da natureza só se opõe a uma pequena luz na janela da igreja.
O artista pode ter querido responder com a sua pintura à questão sobre a relação entre o homem e a natureza, sobre o sentido da vida, contrastando as forças eternas e poderosas da natureza com a vida humana fraca e efêmera. Esta é uma tragédia sublime.