MGA LECTURES

SA BANYAGANG LITERATURA NG MUSIKA

PARA SA MGA MAG-AARAL NG 1st COURSE OPERA ART NG 17TH CENTURY.

Malaki ang papel ng ika-17 siglo sa pag-unlad sining ng musika: sa isang banda, naisa-isa niya ang lahat ng nakaraang mga nagawa, at sa kabilang banda, binuksan niya ang daan tungo sa higit na pag-unlad ng musika. Noong ika-17 siglo na ang isa sa mga nangungunang genre ng musika, ang opera, ay lumitaw.

Ang Opera ay isang sintetikong genre na pinagsasama ang iba't ibang uri ng sining: musika, tula, teatro, sayaw. Salamat sa mga unibersal na katangian nito, ang opera ay mabilis na kumalat sa mga bansang Europa at nakakuha ng isang malakas na posisyon sa iba pang mga sining. Sa lahat ng oras, ang opera ay tumugon sa pinaka-advanced, progresibong adhikain ng sangkatauhan. Maraming mga musikal na genre ang inilatag sa kalaliman nito, halimbawa, overture, suite. Naimpluwensyahan ng Opera ang paglikha at pagbuo ng mga symphony, oratorio, cantatas, atbp.

Italian opera.

Ang lugar ng kapanganakan ng opera ay Italya. Ang Italian opera ay may ilang mga paaralan: Florentine, Roman, Venetian, Neapolitan, bawat isa ay nag-ambag sa pag-unlad ng opera sa Italya.

paaralan ng Florence. Ang mga nagtatag nito ay sina Ottavio Rinuccini (makata), Jacopo Peri at Giulio Caccini (mga musikero). Sinunod nila ang mga ideyang inihain ng mga miyembro ng camerata - isang bilog ng mga progresibong pigura ng sining at agham na naghahangad na buhayin ang sinaunang sining at ang pinakamataas na anyo nito - ang trahedya ng Griyego, kung saan natagpuan ang pagsasanib ng tula, musika at pagbigkas. Ang mga unang opera ng mga Florentine ay "Daphne" at "Euredice" ni Peri, "Euredice" ni Caccini. Ang Florentine opera ay lumikha ng isang bagong single-voice vocal style batay sa recitative declamation, nagpasimula ng isang prologue, na madaling ihatid ang nilalaman ng opera, at isang koro.

paaralang Romano. Ito ay nilikha sa inisyatiba ng pamilyang Barberini. Ang mga plot ay sumasalamin sa mga ideya sa relihiyon at pagpapatibay, ngunit sa kabila nito, ang opera ng Roma ay kumakatawan sa isang mas mataas na yugto sa pagbuo ng genre ng opera kumpara sa paaralan ng Florentine. Ang mahahalagang katangian nito ay ang pagpapakilala ng mga elemento ng komedya at ang paggamit ng katutubong musika.

paaralan ng Venice. Mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang Venice ay naging sentro ng Italyano na opera. Kung sa Florence at Rome ay ginanap ang opera sa mga palasyo ng mga aristokrata, kung gayon sa Venice ang mga teatro ng lungsod ay nilikha, bukas sa mga ordinaryong mamamayan. Ang pagkakaroon ng iba't ibang mga opera house ay nagbunga ng kanilang kumpetisyon, na siya namang humantong sa paglikha ng lalong sopistikadong mga pagtatanghal. Ang mga plot ay batay sa pag-iibigan at naglalaman ng mga eksena ng "katakutan", away, tunggalian, prusisyon, atbp. Sa purong musikal na mga termino, ang diin ay ang solo na pag-awit, na kung saan ay hahantong sa pagkabulok ng opera sa isang makinang na "konsiyerto sa mga kasuotan". Sa mga Venetian composers, namumukod-tangi sina Francesco Cavalli at Marco Cesti. Ang pangalan ng natitirang Italyano na kompositor na si Claudio Monteverdi, na may malaking impluwensya sa mga kompositor, ay nauugnay din sa Venice mga susunod na henerasyon.

Neapolitan na paaralan. Pinalitan nito ang Venetian. Matagal nang naging sentro ang Naples kultura ng musika. Mayroong 4 na conservatories dito, at hindi nagkataon na sa Naples nagmula ang dalawang pangunahing genre ng opera: "seria", i.e. seryoso at "buff", i.e. komiks, at binuo din ang sikat na vocal style na bel canto, na nangangahulugang "magandang pag-awit." Ang mga natatanging kinatawan ng Neapolitan opera ay sina Alessandro Scarlatti at Nicolo Porpora.

Nagmula sa Italya, ang opera ay mabilis na kumalat sa ibang mga bansa sa Europa.

French opera.

Ang mga unang produksyon ng Italian opera sa France ay nagdulot ng makabuluhang tagumpay at nakakaakit ng malapit na pansin sa bagong genre para sa Pranses. Ang mga progresibong Pranses na musikero at makata ay nagpasya na tutulan ang Italian opera gamit ang kanilang sarili pambansang opera. Ang mga nagpasimula ay ang makata na si Pierre Perrin at ang musikero na si Robert Cambert. Bilang resulta, noong 1669 lumitaw ang Royal Academy of Music at ang Grand Opera. Ngunit ang mga unang French opera ay malakas pa rin ang impluwensya ng mga Italyano. At tanging sa mga natitirang Pranses na kompositor Nagawa ni Lully na lumikha ng isang tunay na pambansang opera. Ang bansa noong panahong iyon ay nakararanas ng kasagsagan ng isang absolutistang monarkiya. Ang pinuno ng estado ay si Louis XIV, kung saan ang lahat ay nasasakop sa pagluwalhati ng maharlikang korte, kabilang ang sining.

Ang French opera ay isang malaking limang-aktong pagtatanghal na may paunang salita, kahanga-hanga, marangya, solemne, na nagsasalaysay ng buhay ng mga hari at ng kanilang hukuman. Ang pagguhit sa mga tradisyon ng teatro ng Pransya at klasikal na trahedya, ang opera ng Pransya ay malaki ang pagkakaiba sa Italyano:

1) ang estilo ng boses ay nailalarawan sa pamamagitan ng trahedya na pagbigkas;

2) recitative ang naging batayan, ang pag-awit ay hindi mapaghihiwalay sa pag-arte;

3) isang malaking papel ang ibinigay sa ballet, na kadalasang hindi nauugnay sa aksyon, ngunit nagbigay ng pagiging makulay at pagiging epektibo ng pagganap;

4) isang bagong uri ng overture ang lumitaw sa French opera, na binubuo ng 3 bahagi: bahagi 1 - mabagal, solemne, bahagi 2 - mabilis, magaan, bahagi 3 - katulad ng una.

German opera.

Alemanya 17-18 siglo. ay isang mahina, atrasado, pira-pirasong estado, kung saan ang impluwensiya ng relihiyon ay di-pangkaraniwang malakas. Mabubuhay lang si Art sa korte o sa simbahan. Nag-iwan ito ng tiyak na bakas sa kanya. Lahat ng pambansa ay tinanggihan at may ganap na paghanga sa dayuhan. Sa larangan ng opera, ito ay isang paggalang sa French at, lalo na, Italian opera.

Ang mga pagtatangka na lumikha ng isang pambansang opera ng Aleman ay natapos sa kabiguan. Ang unang kompositor na nagpasya na lumikha ng isang Aleman na opera ay si Heinrich Schütz, na sumulat ng opera na Daphne. Ang pinakamahalagang kompositor ng Aleman ay si Reinhard Keyser, na ang pangalan ay nauugnay sa Hamburg. Ang Hamburg ay isang mayaman, maunlad na lungsod na tinawag na Venice of the North. Isa siya sa mga sentrong pangkultura mga bansa. Dito itinatag ang pambansang opera ng Aleman. Ngunit hindi ito nagtagal. Iba-iba ang nilalaman nito, mula sa mga sinaunang alamat hanggang sa modernong pang-araw-araw na kwento. Ang kahinaan ng Hamburg opera ay ang kakulangan ng mga propesyonal na mang-aawit. Ang mga pangunahing tungkulin ay ginampanan ng mga babaeng bulaklak, tindera, at kung minsan ay mga lalaki sa falsetto. Ang orkestra, na nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kasanayan nito sa pagganap, ay may pinakamalaking halaga.

English opera.

Sa England, isang kontradiksyon na kababalaghan ang naobserbahan. Ang isang advanced na bansa na may isang maunlad na ekonomiya, ang unang naglagay ng mga ideya ng Enlightenment, sa musika ay hindi maaaring makipagkumpitensya sa iba pang mga European na estado. Ang musika ay itinuturing na hindi karapat-dapat na libangan at inuusig sa pang-araw-araw na buhay. Sa mga dramatikong pagtatanghal lamang siya binigyan ng isang lugar ng karangalan. Ito ay hindi nagkataon na si Shakespeare ay nagbigay ng malaking pansin sa musika.

Ang English opera ay kinakatawan ng iisang akda - "Dido at Aeneas" at isang may-akda - Henry Purcell. Sa pagkamatay ng kompositor na ito, namatay din ang English opera.

INSTRUMENTAL MUSIC NG 17TH CENTURY.

Ang instrumental na musika noong ika-17 siglo ay nabuo sa iba't ibang direksyon: bilang organ music, keyboard music at musika para sa mga string instrument.

Musika ng organ. Mula noong ika-16 na siglo, ang organ ay ang pinaka-maunlad at nagpapahayag na instrumento sa musika. Ito ay tinawag na "hari ng lahat ng mga instrumento." Para sa musika ng organ ay tipikal polyphony . Ang polyphony ay isang polyphonic structure, kung saan ang bawat melodic line ay may independiyenteng kahulugan. Ang pangunahing katangian ng polyphony ay panggagaya, ibig sabihin. "imitasyon", pag-uulit ng isang melody sa iba't ibang boses na may ilang pagkaantala.

Ang polyphony sa una ay nabuo lamang sa mga vocal form at genre, pagkatapos, sa pag-unlad ng organ music, matatag itong pumasok sa mga instrumental na genre.

Ang mga pangunahing genre ay binuo sa dalawang direksyon: 1) improvisational sa kalikasan; 2) ng isang mahigpit na kalikasan, kung saan ang prinsipyo ng imitasyon ay pinananatili nang mas pare-pareho. Ito ay humantong sa paglikha ng isang maliit na cycle na binubuo ng dalawang dula ng magkaibang kalikasan. Ang unang piraso ay isang prelude, fantasy, toccata, ang pangalawa ay isang fugue. Ang pangunahing papel ay ibinigay sa fugue - ang pinakamataas at pinaka kumplikadong anyo sa polyphonic music.

Ang pinakamalaking organista ng ika-17 siglo ay ang Italian Frescobaldi, ang Germans Pachelbel, Buxtehude, Boehm, Reincken at iba pa.

Musika sa keyboard. Noong ika-17 siglo Ang mga instrumento sa keyboard ay naging laganap. Iba ang tawag sa kanila: cymbal, virginal, spinet, atbp. Ngunit sa paglipas ng panahon, dalawang magkakaugnay na instrumento ang lumitaw - ang harpsichord at ang clavichord. Ang clavichord ay mas malambing na musika ng isang malambot, makinis na kalikasan ay ginanap dito. Maaaring baguhin ng performer ang lakas ng tunog. Ang tunog mismo ay muling ginawa sa pamamagitan ng paghampas ng isang string. Sa harpsichord ang tunog ay nakamit sa pamamagitan ng plucking. Samakatuwid, ang tunog ay biglang, maliit na malambing, ang lakas ng tunog ay nanatiling hindi nagbabago.

Sa kabila ng maraming mga pagkukulang, ang harpsichord at clavichord ay nakakuha ng napakalaking katanyagan at naging matatag sa pang-araw-araw na buhay. Ang paggamit ng mga instrumentong ito sa paggawa ng musika sa tahanan ay nagpasiya sa nilalaman ng musikang itinatanghal sa kanila. Ito ay malapit na konektado sa katutubong buhay at isa pang istrukturang musikal - homophony , kung saan ang isang boses ang pinuno, ang iba pang mga tinig ay gumaganap ng papel ng saliw.

Ang mga binuo na bansang European ay bumuo ng kanilang sariling mga paaralan ng mga clavicinist, at sa England - mga virginist. Ang isa sa pinakatanyag ay ang paaralang Pranses, na ang mga natatanging kinatawan ay sina Rameau at Couperin. Ang kanilang mga gawa ay puno ng iba't ibang melismas: mordents, gruppettos, grace notes, atbp. Samakatuwid, ang istilo ng mga French harpsichordist ay tinawag na "rococo," na isinalin ay nangangahulugang mga dekorasyon na gawa sa mga bato at shell. Sa paaralang Pranses Nabuo ang genre ng keyboard suite. Ang salitang "suite" mismo ay nangangahulugang "sumusunod". Ito ay isang paikot na gawain, na binubuo ng maraming iba't ibang mga sayaw, na pinagsama ng isang karaniwang tonality. Ang batayan ng suite ay binubuo ng 4 na sayaw:

1) allemande – German 4-beat dance, katamtaman, seryoso, nailalarawan sa pamamagitan ng polyphonic presentation;

2) chime – nagmula sa Italyano na "corente", pinakalat sa France, 3-beat, masigla;

3) sarabande – isang Espanyol na sayaw na nauugnay sa mga seremonya ng pagluluksa, 3-beat, napakabagal, malungkot, na may napapanatiling bass at isang ornamental melody;

4) giga - English comic sailor dance on heels, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliit na three-beats (3/8, 6/8, 12/16) at fugue presentation.

Musika para sa mga instrumentong kuwerdas. Ang mga musikero na Italyano, parehong kompositor at performer, ay may malaking papel sa pagbuo ng musikang ito. Bilang karagdagan, ang Italya ay sikat sa mga gumagawa ng biyolin: Stradivari, Guarneri, Amati, atbp.

Ang mga musikero ng Italyano ay naghangad hindi lamang upang ipakita ang virtuoso na kasanayan, ngunit din upang ipahayag malalim na damdamin at mga kaisipan. Isa sa mga nangungunang genre ng string music ay ang concerto grosso (malaking konsiyerto). Ang violin at cello (concertino) ay kumilos bilang solong instrumento ay tinatawag na grosso. Ang pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito ay ipinakita sa mga gawa ni Arcangelo Corelli. Sumulat din siya ng mga sonata ng violin. Ang isa pang natatanging kompositor ng Italyano na nagtatrabaho sa genre ng musika ng violin ay si Antonio Vivaldi, na ang merito ay nakasalalay sa pagbuo ng solo violin concerto. .

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685 – 1750).

Si Bach ay isang henyo Aleman na kompositor, na ang pagkamalikhain ay humanga sa lalim, kayamanan, at monumentalidad nito. Hindi sinasadya na sinabi ni Beethoven tungkol sa kanya: "Hindi ito isang batis - ang pangalan nito ay karagatan."

Naging posible na tunay na pahalagahan ang kahalagahan ni Bach 100 taon lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan, ngunit ang kanyang trabaho ay paksa pa rin ng pananaliksik. Sa buhay ng kompositor, 5 lamang sa kanyang mga gawa ang nai-publish, ang iba ay nakalimutan o nawala. Noong 1850, sa inisyatiba ni Schumann, nilikha ang Bach Society, na naghanap at naglathala ng mga gawa ni Bach. Noong 1895, nai-publish ang huling ika-45 na tomo. Gayunpaman, kahit ngayon ay hindi natin masasabing lubos nating kilala ang kompositor na ito.

Ang makasaysayang kahalagahan ng Bach ay nakasalalay sa katotohanan na, sa isang banda, siya ay nagbuod ng isang malaking panahon sa pag-unlad ng musika - ang panahon ng polyphony, at sa kabilang banda, inihanda niya ang sining ng kasunod na mga panahon ng musikal.

Ang gawain ni Bach ay maaaring hatiin sa tatlong panahon: 1) Weimar (1708 - 1717);

2) Ketensky (1717 – 1723); 3) Leipzig (1723 – 1750).

Sa panahon ng Weimar at Köthen, humawak siya ng malapit na posisyon bilang musikero ng kamara, na nangangailangan ng kakayahang makabisado. iba't ibang instrumento, una sa lahat, violin, harpsichord, organ. Sa Leipzig, si Bach ay isang cantor, isang choir director. Sa gawain ng isang cantor, mahirap ihiwalay ang gumaganap na bahagi ng aktibidad mula sa komposisyonal o pedagogical na bahagi, samakatuwid ang karamihan sa mga gawa ng panahong ito ay isinulat para sa koro, na pinamunuan niya. SA Panahon ng Weimar Ang mga gawa ng organ ay nangingibabaw (toccata at fugue sa D minor, prelude at fugue sa A minor, atbp.). Sa Köten - mga keyboard, halimbawa, H.T.K., vol 1, "Brandenburg Concertos", mga suite. Sa Leipzig - vocal at choral. Bilang karagdagan, sa panahon ng Leipzig, isinulat ni Bach ang volume 2 ng H.T.K., mga teoretikal na gawa - "The Art of Fugue" at "Musical Offering".

Style ni Bach.

Ang pinakamahalagang katangian ng gawain ni Bach ay ang kanyang rasyonalismo. Ang proseso ng pag-iisip, pati na rin ang proseso ng karanasan, ay unang pumasok sa musika na may ganoong lalim at pagkakapare-pareho nang tumpak sa musika ni Bach. Ito ay hindi nagkataon na siya ay inihambing sa mga natitirang pilosopo na sina Kant at Ficht. Naipapakita ang rasyonalismo sa kahusayan ng polyphonic writing at, higit sa lahat, sa paggamit ng fugue. Ang Fugue para kay Bach ay ang sentral na genre kung saan nakamit niya ang pinakadakilang pagiging perpekto. Gumawa siya ng humigit-kumulang 400 fugues para sa iba't ibang instrumento at komposisyon. Ang hugis ng fugues ay lubhang magkakaibang. Nagsusulat si Bach ng 3-4 na voice fugue, fugue na may double exposition, sa ilang mga tema, atbp.

Ang isa pang mahalagang polyphonic form sa gawa ni Bach ay ang canon, kung saan ang mga tema ay isinasagawa sa iba't ibang intervallic na proporsyon, at kung saan ginamit ng kompositor sa iba't ibang genre.

Ang contrasting polyphony ay sumasakop sa isang malaking lugar, lalo na sa mga konsyerto.

Pinatunayan ni Bach ang kanyang sarili bilang ang pinakamaliwanag na innovator sa lahat ng paraan ng musikal na wika.

Melody . Iba-iba ang melodicism ni Bach. May mga vocalise na nagmumula sa mga Italyano, at mga tema ng koro na nauugnay sa alamat ng Aleman. Ang mga melodies ni Bach ay palaging partikular sa genre, nauugnay sa mga partikular na genre, pangunahin ang mga genre ng sayaw: siciliana, gigue, minuet, polonaise, atbp. Ang kompositor ay lumikha ng bagong polyphonic na tema, na nahahati sa dalawang elemento na magkasalungat sa isa't isa - ang core at ang pangkalahatan paggalaw. Maraming single-voice melodies ang naglalaman ng nakatagong polyphony, i.e. pagkakaroon ng mga nakatagong boses.

Harmony . Ang pagkakaisa ni Bach ay humanga sa katapangan nito. Sa kanyang trabaho ay may mga gawa ng isang homophonic na kalikasan, kung saan ang pagkakaisa ay gumaganap ng isang malayang papel. Ngunit maraming mga harmonies ang ipinanganak mula sa isang polyphonic interweaving ng mga boses, at dito lumitaw ang mga kumplikadong harmonies na magiging laganap lamang sa ika-19 at ika-20 siglo. Hindi nakakagulat na itinuturing ni Beethoven si Bach bilang ama ng pagkakaisa. Ang pinakamayamang kumbinasyon ay ibinibigay ng mga kumbinasyon ng diatonic at chromatic.

Gumagana ang organ ni Bach.

Ang kasaysayan ng organ ay bumalik sa dalawang libong taon. Ang organ ay unang tumunog sa Alexandria ng Egypt noong ika-2 siglo BC. e.

Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang sining ng organ ay umabot sa isang hindi pa naganap na pamumulaklak, lalo na sa Alemanya. Ang pamumulaklak na ito ay nauugnay sa gawain nina Bach at Handel.

Ang organ ay ang paboritong instrumento ni Bach, at naipakita ng kompositor ang lahat ng mga katangiang nagpapahayag nito. Isang araw, isang lokal na organista, na nakarinig kay Bach na tumutugtog ng organ, ay bumulalas: “Diyos ko! Si Mr. Bach o ang demonyo mismo!" At ang patriarch ng mga organistang Aleman, ang 97-taong-gulang na si Reincken, na nasasabik sa improvisasyon ni Bach, ay nagsabi: "Akala ko patay na ang sining na ito, ngunit ngayon ay nakikita ko na nabubuhay pa rin ito sa iyo."

Nagsimulang tumugtog ng organ si Bach sa Ohrdruf, noong nakatira siya kasama ang kanyang nakatatandang kapatid. Dito nakikilala niya ang mga gawa ng mga master ng South German. Sa pagkopya ng mga gawa nina Pachelbel at Floberger, hinihigop niya ang kahulugan ng anyo at istilo ng mga kompositor na ito. Sa Lüneburg, nakilala ng kompositor ang gawain ng organist ng Central German na si Georg Böhm. Sa panahong ito, binubuo ni Bach ang mga gawa ng organ, na ginagaya ang kanyang mga nauna. Ang isa sa mga pangunahing genre ng panahong ito ay ang chorale, na pinoproseso niya nang may kamangha-manghang talino.

Noong 1704, naging organista si Bach sa Arndstadt, na nagbukas ng napakalaking prospect para sa kanyang pagkamalikhain sa organ. Mula dito naglalakbay siya sa Lubeck upang marinig ang paglalaro ni Buxtehude, isang kinatawan ng organ school ng northern masters.

Istilo ng pagganap Ang mga organista sa Hilagang Aleman ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang likas na improvisasyon, kabaligtaran sa "pinakintab", maingat na kinokontrol na mga gawa ng mga organista ng South German.

Sumulat si Bach ng mga gawa ng iba't ibang genre para sa organ: chorale preludes, fugues, small cycles (prelude and fugue, toccata and fugue), concertos, Passacaglia in C minor, atbp.

Karamihan sa mga gawa ng organ ay nilikha sa Weimar. At ito ay naiintindihan, si Bach ay gumugol ng 9 na taon doon, na naglalaan ng karamihan sa kanyang oras sa kanyang paboritong instrumento. Ang mga gawa ng organ ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang monumentalidad at saklaw. Ang mga organ fugue ay mas malaki at mas binuo kaysa sa mga keyboard fugue.

Pagkamalikhain sa keyboard.

Noong ika-16-17 siglo. May tendensiya sa pagpapalaya mula sa kapangyarihan ng simbahan. Lumilitaw ang opera at sekular na instrumental na musika. Isang kapansin-pansing pagtaas ng keyboard music noong ika-18 siglo. nauugnay sa mga gawa ng Couperin, Dominico Scarlatti, Handel at Bach. Isa sa mga nagtatag ng keyboard music sa Germany ay si Kuhnau, ang hinalinhan ni Bach bilang cantor ng St. Thomas. Isa siya sa mga unang gumamit ng cyclic sonata ("Biblical Sonatas").

Pinatunayan ni Bach ang kanyang sarili bilang isang malalim na innovator sa larangan ng keyboard music. Para sa kanya, ang clavier ay isang laboratoryo kung saan maaari siyang mag-eksperimento sa larangan ng melody, harmony, at anyo. Pinayaman niya ang keyboard music gamit ang mga teknik ng organ, vocal, at violin music. Mga Tampok na Katangian ang kanyang mga gawa sa keyboard ay:

1) estilo ng paglalaro ng cantilena, na malinaw na ipinakita sa mga imbensyon at symphony;

2) isang kasaganaan ng harmonic figurations, lalo na sa toccatas, preludes, fantasies;

3) nababaluktot, detalyadong pagbigkas.

Ang di-kasakdalan ng instrumento noong panahong iyon ay hindi nagpahintulot sa amin na ihayag ang totoo

merito ng keyboard music ni Bach. Ito ay posible lamang sa pagdating ng piano.

Sumulat si Bach ng mga gawa ng iba't ibang genre para sa clavier, mula sa mga maliliit na piraso hanggang sa mga monumental na komposisyon. Gumawa siya ng dalawang volume ng H.T.K., English at French suite, partitas, atbp. Ang mga suite at partitas ay may tig-anim na piraso, kung saan mayroong mga tradisyonal: allemande, courante, sarabande at gigue. Ang mga French suite ay pinakamalapit sa uri sa mga suite ng French clavicinist; Ang mga English suite at partita ay nagsisimula sa ilang uri ng panimulang piyesa - isang prelude, fantasia, symphony, toccata - at mas virtuosic at parang konsiyerto ang kalikasan.

Maayos na keyboard . Ang mas matapang na mga plano ni Bach ay naging, mas nakatagpo niya ang mga di-kasakdalan ng mga instrumento. Dahil sa tumpak na tunog na pag-tune ng ikalima at pangatlo, imposibleng gumamit ng mga susi na may 5 o higit pang mga palatandaan, modulasyon, transposisyon, atbp. Sa loob ng maraming siglo, sinubukan ng mga musikero na lutasin ang problema ng ugali. (Temperation (lat.) - tamang ratio, proporsyonalidad). Nagawa ito nina Werkmeister at Neidhardt. Ang tempered system ay nagbukas ng napakalaking prospect. Upang patunayan ang mga pakinabang ng bagong sistema, nilikha ni Bach ang H.T.K. Ang unang tomo ay isinulat sa Köthen noong 1722, ang pangalawa sa Leipzig noong unang bahagi ng 40s. Kasama sa bawat volume ang 24 na prelude at fugues, na binuo ayon sa chromaticism ng parehong mga key (C major - C minor, C sharp major - C sharp minor, atbp.) at naglalaman ng contrast sa pagitan ng mga cycle at sa loob nito, i.e. .e. . sa pagitan ng single-tone preludes at fugues.

Vocal na pagkamalikhain

Ang vocal creativity ni Bach ay kinakatawan ng mga cantata at oratorio. Una siyang bumaling sa genre na ito sa Arndstadt at Mühlhausen ("Easter", "Election" cantatas), ngunit nilikha niya ang pinakamalaking bilang ng mga vocal at choral na gawa sa panahon ng Leipzig. Itinuring ni Bach ang pag-compose ng cantatas bilang kanyang tungkulin at nag-time sa kanila na tumutugma sa mga serbisyo ng Linggo at holiday sa mga simbahan ng St. Thomas at St. Nicholas. Mayroong isang palagay na lumikha si Bach ng 295 na mga gawa ng genre na ito, kung saan 260 ay nasa Leipzig, ngunit halos 200 ang nakarating sa amin.

Sumulat si Bach ng mga espiritwal at sekular na cantatas, ngunit walang matalim na pagkakaiba sa pagitan nila, dahil ginamit niya ang parehong mga pamamaraan. Binubuo ang mga cantata na nasa isip ng madla ng iba't ibang klase, at para maging malinaw ang nilalaman, gumamit ang kompositor ng isang sistema ng mga simbolo ng musika. Para sa ilang mga natural na phenomena at estado ng pag-iisip, mayroong isang tiyak na "code" ng mga simbolo. Dahil dito, naunawaan ng mga tagapakinig ang dose-dosenang mga motibo sa buhay - alon, hamog na ulap, paglubog ng araw, pagtakbo, paglalakad, pagtawa, kaligayahan, pagkabalisa, atbp. Ang koleksyon ng imahe sa mga vocal at choral na gawa ni Bach ay napakalakas, ngunit nalampasan ito ng mas matingkad na imahe ng mga kasunod na henerasyon ng mga kompositor.

Ang nilalaman ng mga cantata at oratorio ay nakumpleto ang isang buong panahon ng sining ng relihiyon. Nakita ni Bach ang mga totoong pangyayari sa mga salaysay ng ebanghelyo, kaya namangha ang kanyang vocal works sa kanilang pambihirang katapatan at lalim ng pagpapahayag. Kabilang sa mga gawa ng genre na ito ay may mga monumental na may malaking cast ng mga performer, at may mga kamara - para sa isang solong boses at ilang mga instrumento. Nangibabaw ang polyphony sa mga cantata at oratorio. Ang mga pamagat ay kinuha mula sa mga unang salita ng teksto. Maraming mga gawa ang naglalaman ng mga motif ng kalungkutan at pagdurusa. Ang mga obra maestra ng genre na ito ay ang St. Matthew Passion at ang High Mass sa B minor.

REPORMA NG OPERA NI GLUCK

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, bumagsak ang opera house. Dahil dati ay napaka-progresibo, ang opera buff at opera seria sa panahong ito ay nagsimulang makaranas ng krisis. Kaya, ang opera seria, na nagbigay sa mundo ng kahanga-hangang istilo ng boses ng bel canto, ay naging isang "konsiyerto sa mga kasuotan." Ang aksyon sa entablado ay isinailalim sa kulto ng mang-aawit. Ang pangunahing bagay ay hindi ang nilalaman, ngunit ang vocal skill ng mga performers. Ang buff opera, ang pinaka-progresibo at demokratiko sa mga genre ng opera, ay nagsimulang dumagsa sa intriga, naging malito at kumplikado ang aksyon. Kailangan ng reporma. At ang gayong repormador, na nagtatag ng isang bagong direksyon sa sining ng opera, ay naging si Christoph Willibald Gluck.

Ang mga pangunahing tampok ng reporma sa opera ni Gluck ay ang mga sumusunod:

1) naging pangunahing bagay sa opera musikal na dramaturhiya, aksyon. Ang musika ay nasa ilalim ng pagkilos. Sa bagay na ito, ang mga pangunahing elemento ng pagganap ng opera ay muling naisip;

2) aria nawala ang puro kahulugan ng konsiyerto, naging mas simple, nang walang labis na birtuosidad. Sinunod din niya ang pangkalahatang nilalaman at nagsiwalat emosyonal na kalagayan mga bayani;

3) recitative mas lumapit sa pag-awit ng aria, naging mas nagpapahayag at nag-ambag sa pag-unlad ng aksyon. Walang matalim na linya sa pagitan ng arias at recitatives magkasama sila nabuo malalaking dramatikong mga eksena;

4) naging iba na ang papel koro At balete. Sila, tulad ng iba pang mga numero ng opera, ay organikong hinabi sa pangkalahatang aksyon at tumulong na ibunyag ang nilalaman;

5) Kumuha ng bagong diskarte si Gluck overture. Sinikap niyang ilapit ang overture sa nilalaman ng opera. Marami sa kanyang mga overture ay nagpapakita ng pangunahing ideya ng opera. Ang rapprochement ng overture sa opera ay pinadali din ng katotohanan na ang mga overture ay madalas na walang kumpletong konklusyon at direktang isinama sa unang aksyon. At ang overture sa opera na "Iphigenia sa Aulis" ay may temang konektado sa opera;

Malaki ang kahalagahan ng reporma sa opera ni Gluck sa panahon nito, gayunpaman, mayroon itong ilang mga kombensiyon:

1) ang mga bayani sa opera ay hindi mga taong nabubuhay na may mga indibidwal na karakter, ngunit pangkalahatan na nagdadala ng ilang mga damdamin at hilig;

2) dahil sa mga kumbensyon ng operatic art, lahat ng opera ay natapos sa isang masayang pagtatapos;

3) mayroong ilang kontradiksyon sa pagitan ng musika at mga salita sa mga indibidwal na numero ng opera.

VIENNA CLASSICAL SCHOOL

Ang classicism ng Vienna ay nabuo sa panahon ng Enlightenment, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga ideya ng unibersal na hustisya, mga pangarap ng isang maliwanag na hinaharap, at isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan.

Ang Vienna, ang pinakamalaking sentro ng musika sa mundo, ay ang kabisera ng isang multinasyunal na estado, kaya ang musika ng iba't ibang bansa ay tumunog sa Vienna: Hungarian, Austrian, Czech, Slovak, German, atbp. mga katutubong genre Si Landler ang pinakasikat. Ang mga pangalan ng Haydn, Mozart at Beethoven ay nauugnay sa Vienna, kaya ang mga kompositor na ito ay nagsimulang tawaging "Viennese classics".

Ang sining ng mga klasikong Viennese ay nakikilala sa pamamagitan ng humanismo at optimismo, na tumutukoy sa kalinawan, pagiging simple, integridad at pagkakaisa ng kanilang istilo ng musika. Sa kanilang mga gawa ay sinasalamin nila ang mga damdamin at kaisipan ng buong mga tao, dahil hinarap ang kanilang sining sa mga tao sa paraang naa-access sa kanila.

Ang nilalaman ay higit sa lahat ay hindi programmatic, ngunit pangkalahatan. Ang mga malalaking ideya ay nangangailangan ng mga monumental na anyo at genre, kaya ang mga pangunahing genre ay naging symphony, sonata, concerto, quartet, quintet, atbp. Ang nangungunang uri ng musika ay homophonic-harmonic. Kung sa panahon ng Bach, ang mga musikero ay nauugnay sa simbahan, at ang musika sa mga paksa ng relihiyon ay nangingibabaw, na nangangailangan ng polyphonic na pagsulat, kung gayon sa panahon ng klasisismo, sa paglago ng demokrasya at pagkalat ng musika sa pang-araw-araw na buhay, ang homophonic na istraktura ay naging ang pangunahing isa, kung saan ang isang boses ang pinuno, at ang iba pang mga tinig ay gumaganap ng escort role.

Ang harmonic na wika ng mga classic ay simple, malinaw, batay sa T, S at D. Ang hugis ay malinaw, simetriko, parisukat (4, 8, 16 bar).

Ang mga klasikong Viennese ay lumikha ng isang mataas na uri ng symphony. Sa kanilang trabaho, ang sonata-symphonic cycle at sonata form ay nakatanggap ng kumpletong pagpapahayag.

Kung susuriin mong mabuti ang mga instrumento na kasalukuyang ginagamit at pag-aaralan ang kasaysayan ng alinman sa mga ito, talagang napakahirap hanapin ang mga pinakabago, dahil halos lahat ng mga ito ay may kasaysayan ng siglo. Ang muling pagtatayo ng landas ng bawat instrumento, ang pagtuklas sa makasaysayang batayan para sa lahat ng teknikal na detalye ay isang nakakagulat na kawili-wili at mahalagang gawain para sa isang musikero na kasangkot sa sinaunang musika.

Sa lahat ng mga instrumentong ginagamit ngayon, ang mga nakayuko lamang ang nagpapanatili ng kanilang panlabas na hugis sa loob ng apat na raang taon. Lahat ng iba- ayon sa mga pagbabago sa panlasa at patuloy na pagtaas ng mga pangangailangan sa mga teknikal na kakayahan - ay pinalitan bago mga istruktura na may binagong panlabas na hugis. Bakit hindi dumanas ng katulad na kapalaran ang mga nakayukong instrumento? O hindi ba kailangan ng mga pagbabago sa kasong ito? Hindi ba't nangangahulugan ito na ang tunog ng mga modernong biyolin ay kapareho ng tunog ng mga instrumento noong ika-16 na siglo? Huling tanong higit pa sa pangunahing: hindi lamang dahil ang mga modernong biyolin ay mukhang mga sinaunang, ngunit dahil din sa mga musikero ay mas pinahahalagahan ang mga lumang instrumento kaysa sa mga kamakailang ginawa. Ang lahat ng mga natitirang soloista ay tumutugtog ng mga instrumento na higit sa dalawang daang taong gulang.

Ang mga biyolin, na ang pangwakas na anyo ay nakita na natin noong ika-16 na siglo, ay pinagsasama ang mga tampok ng maraming nakaraang mga instrumento: ang hugis ng katawan ay hiniram mula sa fidel At lira at braccio, paraan ng tensioning string - kay Rebecca. Ang mga byolin (sa Italy ay tinawag silang viola da braccio - shoulder viola, kumpara sa viola da gamba - knee viola) noong una ay may apat na kuwerdas at nakatutok - gaya ngayon - sa ikalima. Sa lalong madaling panahon, lalo na sa hilagang Italya, lumitaw ang iba't ibang mga modelo: ang ilan ay may mas matalas na tunog, mayaman sa mataas na tono, ang iba ay may mas buo at bilog na tunog. Kaya, depende sa nais na tunog at pamamaraan ng isang partikular na paaralan, ang ilang mga instrumento ay mas matambok at gawa sa mas manipis na kahoy, ang iba ay mas patag at mas makapal ang pader. Mula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, ang mga gumagawa ng biyolin ng Timog Aleman at Tyrolean ay nakakuha ng pagkilala. Ang uri ng instrumento na nabuo ni Steiner ay ang embodiment ng isang ideal na sapilitan para sa hilagang dalisdis ng Alps. Sa kabila ng iba't ibang mga modelo at mga ideya ng tunog, na kung minsan ay naiiba nang malaki sa isa't isa, ang mga violin ay hindi sumailalim sa anumang mga radikal na pagbabago sa tunog hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang mga ito ay palaging maaaring iakma sa iba't ibang mga kinakailangan na may maliit na pagbabago: sa halip na ang mapurol at tumutunog na gat "G" string, isang string na nakabalot sa metal wire ang ginamit, at ang isang mas mahaba at mas mahusay na balanseng bow ay naging posible upang makamit ang isang pinong kanang kamay. pamamaraan.

Ang napakalaking pagbabago sa kasaysayan na nakaimpluwensya sa integridad ng buhay sa buong Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo, na makabuluhang muling hinubog ito, ay makikita sa sining. Ang diwa ng mga panahon, ang pagsalungat sa takot at kawalan ng pananampalataya (halimbawa, sa mga komposisyon ni Beethoven), sa panimula ay nakaimpluwensya sa tunog ng mga instrumento noong panahong iyon. Ang dynamic na sukat ng tunog ay kailangang lumawak - hanggang sa mga limitasyon ng posible.

Ang pabago-bagong sukat ng mga biyolin ay tumigil din upang matugunan ang mga kinakailangan ng mga kompositor at tagapakinig. Sa puntong ito ng pagbabago sa kasaysayan, ang mga makikinang na gumagawa ng violin ay nakahanap ng paraan upang mailigtas ang mga instrumento (kabilang sa maraming biktima ng turning point na iyon, ang gamba ay kabilang sa iba pa) - pinataas nila ang tensyon ng mga kuwerdas, na ginagamit nang husto ang mga teknikal na kakayahan. ng instrumento. Ang kapal ng string ay direktang proporsyonal sa pag-igting nito, at sa gayon ay sa presyon, na ipinadala sa pamamagitan ng stand sa itaas na kubyerta. Ang mas malakas na string, mas malaki ang pag-igting nito at mas mahirap na kailangan mong ilipat ang busog, na hinihikayat itong tumunog. Ngunit ang disenyo ng mga sinaunang instrumento ay hindi nagbigay ng napakalaking presyon at hindi makayanan ito, kaya ang mga bukal ay pinalakas din: ang mga nauna, luma, ay pinutol at pinalitan ng mga bago, tatlo o limang beses na mas makapal. Ang parehong reinforced na tuktok ng instrumento ay maaaring makatiis ng mas malaking presyon. Ang lumang cervix ay tinanggal din. Sa halip na isang solid, pinutol kasama ang suso mula sa isang piraso ng kahoy, isang bago, inilagay sa isang anggulo, ay nakadikit sa; isang matandang kuhol ang nakakabit dito. Sa ganitong paraan, ang anggulo ng mga string na nakaunat sa stand ay naging matalas at muli ang presyon sa itaas na soundboard ay tumaas nang malaki. Ang tagumpay ng "pagpapalakas" na ito ay nakoronahan ng isang bagong busog, na idinisenyo ni Tourte, na naging posible upang matugunan ang bagong nabuong instrumento nang naaayon. Ang busog na ito ay mas mabigat kaysa sa mga luma (sa simula ay napakagaan), malakas na malukong, na humantong sa pagtaas ng pag-igting ng buhok na may pagtaas ng presyon sa string. Ito ay may dalawang beses na dami ng buhok kaysa sa mga sinaunang busog, at ito ay sinigurado - sa kaibahan sa bilugan at mahinang tuft sa mga sinaunang busog - na may metal na bracket, na nagbibigay dito ng hugis ng isang patag na laso.

Ang lahat ng mga lumang biyolin ay sumailalim sa mga pamamaraan sa itaas, simula noong 1790 at hanggang sa kasalukuyan (ang mga lumang instrumentong Italyano na ginagamit ng mga soloista ngayon ay na-moderno sa ganitong paraan at ngayon ay tumutunog ang mga ito. sa lahat naiiba kaysa sa oras ng pinagmulan nito). Ang mga muling ginawang violin, kasama ang bagong busog, ay nagbago nang hindi nakilala. Sa paglipas ng panahon, ang hindi maiiwasang ito ay naging isang birtud: ang makinis, bilugan na tunog ng mga violin ay naging isang mainam, ang tunog ay naging mas "pinakinis", ang mga unwound string ng bituka ay pinalitan ng mga kasalukuyang, bakal at pinagsama-samang pagkawala ng matataas na tono hindi maiiwasang resulta ng pagtaas sa masa ng instrumento; ang dahilan ay hindi lamang sa mga matibay na kisame at malakas na pag-igting ng mga string, kundi pati na rin sa iba pang mga elemento na nagsisilbi upang ayusin ang pag-tune ng napakalaking ebony neck, tailpiece, atbp. Ang mga operasyong ito ay hindi matagumpay para sa lahat ng mga instrumento. Ang ilan, lalo na ang magaan, convex-backed na mga instrumento ng Steiner school, ay nawalan ng tono, ang tunog ay naging hiyawan, habang nananatiling mahina. Napakaraming mahalagang mga lumang instrumento ang nawasak - ang mga mas mababang soundboard ay hindi makatiis sa presyon ng kaluluwa at nahati. Ang mga alaalang ito ang susi sa pag-unawa sa diwa ng tunog ng mga sinaunang nakayukong instrumento.

Ngayon ihambing ang tunog ng mga baroque violin at moderno instrumento ng konsiyerto: Mas tahimik ang tunog ng "Baroque", ngunit may matinding matamis na gilid. Ang mga sound nuances ay nakakamit sa pamamagitan ng iba't ibang articulation at, sa isang mas mababang lawak, sa pamamagitan ng dynamics. Ang modernong instrumento, sa kabaligtaran, ay may isang bilog, makinis na tunog na may malaking dynamic na hanay. Iyon ay, ang pangunahing elemento ng pormasyon nito ay dinamika. At sa pangkalahatan, dapat tandaan na ang sound palette ay makitid: sa isang modernong orkestra ang lahat ng mga instrumento ay may isang bilugan na tunog, walang mataas na frequency, ngunit sa isang baroque orchestra ang mga pagkakaiba sa pagitan ng mga indibidwal na grupo ng mga instrumento ay nagbibigay ng mas mayamang mga posibilidad.

Gamit ang mga violin bilang isang halimbawa, sinuri namin ang kasaysayan ng mga pagbabago sa istruktura ng mga instrumento at ang kanilang tunog. Bumaling tayo ngayon sa iba pang nakayukong instrumento, una sa lahat sa viol at gamba. Para sa akin, ang kanilang lahi ay direktang hinango (kahit na higit pa sa linya ng mga biyolin) mula sa medieval fiddle. Isang bagay ang tiyak: parehong pamilya - ang mga gamba at ang mga biyolin - ay bumangon nang halos sabay-sabay noong ika-16 na siglo. Sa simula pa lang ay tiyak na magkahiwalay sila at magkaiba. Ang pagkakaroon ng dibisyong ito ay makikita salamat sa mga patnubay na umiiral sa mga instrumental na gawa ng Italyano noong ika-17 siglo: ang cello, bagama't hawak sa pagitan ng mga binti (o "da gamba"), ay itinalaga bilang viola oo braccio at kabilang sa pamilya ng violin, at ang maliit na French Pardessus de Viole ay isang treble gumboy, bagaman kadalasan ay nakahawak siya sa balikat (“da braccio”).

Ang Gambas ay naiiba sa mga violin sa mga sukat: isang mas maikling katawan na may kaugnayan sa haba ng mga string, isang patag na mas mababang soundboard at mas mataas na mga gilid. Sa pangkalahatan sila ay mas payat at mas magaan. Ang hugis ng katawan ay naiiba sa mga violin at hindi malinaw na tinukoy, at mayroon ding mas kaunting impluwensya sa tunog ng instrumento. Ang mga mahahalagang katangian ay hiniram mula sa lute: quart-tertz scale at frets. Nakapasok na maagang XVI Sa loob ng maraming siglo, ang mga gamba ay ginawa ng mga koro, iyon ay, ang mga instrumento na may iba't ibang laki ay ginawa para sa treble, alto, tenor at bass. Ang mga pangkat na ito ay pangunahing ginamit para sa pagganap ng mga akdang tinig, kung saan - idinagdag ang mga ito sa isang instrumental na bersyon - naaangkop na mga palamuti. Kasama sa mga halimbawa ang mga ehersisyo ni Ortiz (Spain) at Ganassi (Italy), na idinisenyo para sa layuning ito. Noong panahong iyon, ang biyolin ay hindi pa itinuturing na isang pinong instrumento at pangunahing ginagamit para sa improvisasyon sa musika ng sayaw.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo - nang unti-unting nagsimula ang pagpapalawak ng mga biyolin sa Italya bilang pinakaangkop na mga instrumento para sa karakter na Italyano - natagpuan ng mga gamba choir ang kanilang tunay na tinubuang-bayan sa England. Ang Viola da gamba ay lubos na nababagay sa Ingles, na pinatunayan ng napakaraming kahanga-hanga at malalim na musika para sa mga ensemble mula dalawa hanggang pitong gamba, na isinulat sa loob ng isang daang taon. Ang musikang ito - parehong mula sa makasaysayang at sound side - ay maihahambing lamang sa mga string quartets noong ika-18-19 na siglo. Ang bawat pamilyang Ingles na tumutugtog ng musika noong mga panahong iyon ay may dibdib na may iba't ibang laki ng mga gamba. At kung sa kontinente sa loob ng mahabang panahon ay sumulat sila ng musika para sa mga instrumento na "nasa kamay", nang hindi binibigyang pansin ang kanilang mga detalye, kung gayon sa England sila ay binubuo - na may malinaw na layunin para sa gamba - mga pantasya, inilarawan sa pangkinaugalian na mga sayaw at pagkakaiba-iba. Ang gamba, dahil sa istraktura at frets nito, ay may tunog na mas pino at balanse kaysa sa mga instrumento ng pamilya ng violin. At dahil ang pinakamadaling tunog na nuances ay ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag para sa gamba, ang musikang inilaan para dito ay umiwas sa labis na karga at dynamic na rich interpretations.

Di-nagtagal, natuklasan ng mga musikero ng Ingles ang mga solong posibilidad ng mga gamba. Para sa layuning ito, isang bahagyang mas maliit kaysa sa karaniwang bass gamba "sa D" ay nilikha, na tinatawag Dibisyon- Viol. Isang mas maliit na solo gamba ang tinawag Lyra-Viol. Ang huli ay may variable na sistema (depende sa piraso), ang bahagi nito ay naitala sa anyo ng tablature (mga diskarte sa paglalaro). Ang pamamaraan ng notasyon at nakalilitong pag-tune ay humantong sa katotohanan na sa kasalukuyan ay walang gumagawa sa kahanga-hanga at teknikal na napaka-kagiliw-giliw na musika na isinulat para sa instrumentong ito. Sa Inglatera, ang mga gamba, bilang solong instrumento, ay karaniwang ginagamit para sa libreng improvisasyon. Ang mga matingkad na halimbawa ng sining na ito ay matatagpuan sa “Division Viol” Christopher Simpson - isang manwal para sa pagtuturo ng solo improvisation sa isang tema na ipinakita sa boses ng bass. Ang pamamaraang ito ng improvisasyon ay ang pinakamataas na tagumpay ng sining ng paglalaro ng gamba at ipinakita ang komprehensibong musika, teknikal na kahusayan, at imahinasyon ng tagapalabas. Noong ika-17 siglo, ang mga English Gambist ay nagtamasa ng hindi pa nagagawang katanyagan sa kontinente. Nang gumawa si Steiner ng mga gamba para sa katedral sa Bolzano noong 1670, ginamit niya ang payo ng isa sa kanila, na isinasaalang-alang siya ang pinakamataas na awtoridad.

Gayunpaman, ang bansa kung saan ang mga solong kakayahan ng gamba ay ganap na pinagsamantalahan ay ang France, at pagkatapos lamang sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang hanay ng noon ay French gamba ay pinalawak sa pamamagitan ng pagdaragdag ng mababang "A" na string. Sa ilalim ng Louis XIV, salamat sa paghihikayat ng mga pinaka-pinong tagahanga ng musika, isang malaking bilang ng mga gawa ni Marin Mare ang lumitaw; ang napakaraming mga tagasunod ay nakahanap din ng magagandang, matapang na komposisyon ng dalawang kinatawan ng pamilya Forqueret. (Ang mga teknikal na kinakailangan sa kanilang mga gawa ay napakataas na nag-udyok sila ng paghahanap para sa mga pangunahing pinagmumulan at ang mga unang halimbawa ng gayong kagalingan. Dati, noong panahon ni Louis XIII, ang sunod sa moda at pinaka-virtuosic na instrumento ay ang lute.

Sa mga daliri, na naitala sa lahat ng mga komposisyong Pranses para sa gamba, malinaw na makikilala ng isa ang mga pamamaraan ng paglalaro na tipikal ng lute). Pinalawak din ng mga kompositor na ito ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag ng gamba, pagbuo ng isang buong sistema ng mga palatandaan na naging posible upang maitala ang masalimuot at katangi-tanging mga dekorasyon, glissanding at iba pang mga epekto. Sa bawat oras na ipinaliwanag sila sa mga paunang salita. Naabot dito ni Gamba ang rurok ng kanyang solo at teknikal na kakayahan, gayundin, sa isang tiyak na lawak, panlipunan. Maging ang mga marangal na tao ay umunlad sa paglalaro nito. Ang lapit ng tunog nito ay tinukoy ang gamba bilang isang solong instrumento na eksklusibo para sa maliliit na espasyo, at ang paggawa ng napakahusay na tunog ay parehong pinagmumulan ng tagumpay ng instrumento at ang dahilan ng pagbaba nito. Hindi pinansin noong una, ang mga biyolin, na tumutunog nang malakas kahit sa malalaking silid, ay unti-unting nakilala hanggang sa mapalitan nila ang sopistikadong gamba sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ang pakikibaka na ito ay makasagisag na nililikha ng mga polemik ng mahilig sa gambo na si Abbe Le Blanc na may mga tagasunod ng violin at cello. Ang kakanyahan ng tunog ng gamba, ang kaselanan at pagiging sopistikado nito ay kitang-kita na walang mga pagtatangka na ginawa upang "iligtas" ito sa pamamagitan ng pagpapahusay ng tunog.

Wala kahit saan ang gamba na nakakuha ng kahalagahan tulad ng sa England o France. Sa Italya, nagsimula itong lumabas sa fashion noong ika-17 siglo sa pagdating ng biyolin. Sa Germany, kakaunti lamang ang makikitang komposisyon para sa gamba, na umaasa sa mga modelong Pranses (maraming mga gawa ng Telemann), o ginamit ang mga kakayahan sa teknikal at tunog nito nang mababaw (Buxtehude, Bach, atbp.). Binubuo ng mga kompositor na ito ang mga katulad na gambo na gawa nang hindi isinasaalang-alang na kailangan itong malalim na tumagos sa likas na katangian ng instrumento; sila ay maaaring maging parehong mahusay na kinakatawan - nang walang pagkawala sa purong musikal na bagay - kapag gumanap sa iba pang mga instrumento.

Noong ika-18 siglo, sa pagtatapos ng panahon ng Gambian, pansamantalang naging uso ang mga tao mula sa iisang pamilya. Halimbawa, ang Viola d'amour at ang English Violet ay ginamit lamang bilang solong instrumento.

Ang mga pagtatangka ay ginawa upang makamit ang isang bagay tulad ng resonance sa mga ito; Sa pamamagitan ng mga butas sa leeg sila ay hinila sa mga peg at, depende sa dami, sila ay nakatutok sa ilang sukat o chromatically. Ang mga string na ito ay hindi inilaan para sa paglalaro, ngunit nagsilbi lamang bilang mga resonating string. Ang viola d'amour ay isang tunay na naka-istilong instrumento noong ika-18 siglo, at ito ay nakaligtas hanggang sa ika-19 na siglo, pagkatapos na makalimutan ang gamba, bagama't ito ay nanatili sa malalim na anino.

Noong ika-18 siglo, minsan ay ginawa ang mga bass gamba na may matunog na mga kuwerdas. Ang isa sa mga pinaka-kahanga-hangang instrumento ng ganitong uri ay ang baritone.

Ito ay may sukat at mga string ng bass gamba. Ang mga resonant string ay inihain hindi lamang upang kulayan ang tunog - habang tumutugtog, maaari din itong hawakan ng hinlalaki ng kaliwang kamay. Sa ganitong paraan, nakamit ang isang espesyal na epekto: sa halip malakas (tulad ng harpsichord) na mga tunog ay hindi nalunod, ngunit patuloy na tumunog sa loob ng mahabang panahon, madalas na magkakapatong sa isa't isa. Kung si Haydn ay hindi nagsulat ng isang malaking bilang ng mga mahiwagang komposisyon na nagpapakita ng mga katangian ng baritone, ngayon ay halos hindi na nila maaalala ang instrumento na ito: bukod sa kanila, walang iba pang mga gawa para sa baritone. Totoo, medyo marami sa mga instrumento ang napanatili, ang ilan ay mula pa noong ika-17 siglo. Dapat itong bigyang-diin na ang instrumento na ito ay inilaan lalo na para sa improvisasyon, at salamat sa karagdagang mga plucked string, posible na samahan ang sarili, gaya nga.

Sa kasamaang palad, nang muling matuklasan ang gamba noong dekada singkwenta, nawalan na kami ng pagkaunawa sa pambihirang tunog nito. Ang hindi nila pinangahasang gawin noong ika-18 siglo ay nagawa na: maraming magagandang lumang gamba ang pinalaki at kadalasan ay nababawasan na sa laki ng cello.

Ngayong ang impormasyon tungkol sa paggamit ng mga instrumentong baroque at tinatawag na mga instrumentong baroque ay nakolekta sa loob ng dalawang henerasyon, nagbago ang saloobin sa kanila. Wala nang nanghihimasok sa "pagpapabuti" ng mga lumang instrumento, ngunit sa kabaligtaran, tinutuklasan nila ang mga posibilidad ng kanilang tunay na tunog. Kasabay nito, na parang sa sarili nito, lumitaw ang katotohanan: ang toolkit ng bawat panahon ay lumilikha ng isang kamangha-manghang inangkop na integridad, kung saan ang lugar ng bawat instrumento ay malinaw na tinukoy. Ang paggamit ng mga indibidwal na sinaunang instrumento kasama ng mga modernong ay ganap na imposible. Kaya, ang isang orihinal, wastong nakatutok na gamba sa isang modernong string orchestra ay magiging napakanipis; Maraming mga manlalaro ng gambo ang nahaharap sa isang katulad na problema kapag ginagawa nila ang "Passion" ni Bach bawat taon. (Sa aking palagay, hindi na kailangan ng kompromiso - ang solong bahagi ay dapat i-play alinman sa isang cello o sa isang reinforced gumbo cello).

Kung sumasang-ayon tayo na ang tunog, gayundin ang orihinal na mga instrumento, ay ang pinakamabisang salik sa paglalapit sa atin sa sinaunang musika at pagbibigay ng napakahalagang tulong sa interpretasyon nito, at bilang karagdagan - isang pinagmumulan ng pinakamayamang artistikong pampasigla, kung gayon hindi tayo magpapahinga hanggang dumating kami sa huling ng mga link, na bumubuo ng isang mahabang hanay ng mga pattern. Kung gagawin natin - at malaki - ang mga pagsisikap na ayusin at iakma ang buong instrumento sa ating sarili, kung gayon ang ating gantimpala ay magiging isang nakakumbinsi na sound image, na siyang magiging pinakamahusay na tagapamagitan sa pagitan natin at ng sinaunang musika.

Violin - solong instrumentong baroque

Ang panahon ng Baroque ay nagtaas ng solong pagganap sa walang uliran na mga taas, at ang birtuoso ay "dapat" na lumitaw, dahil tumigil sila sa pagiging interesado sa hindi kilalang sining, at nagsimulang humanga sa artista at gawing diyos ang isa na gumagawa ng hindi kapani-paniwalang mga bagay; Ang panahong ito ay ang panahon din kung saan naabot ng mga soloista ang mga limitasyon ng mga kakayahan na tinutukoy ng kalikasan para sa bawat instrumento. At wala ni isa sa kanila ang naghatid ng diwa ng Baroque na kasing-totoo ng biyolin. Ang paglitaw nito sa paglipas ng ika-16 na siglo ay tila resulta ng unti-unting pagkonkreto ng isang partikular na plano. Ang mga biyolin ay kinuha ang kanilang partikular na anyo - salamat sa sining ng mga makikinang na master mula sa Cremona at Brescia - mula sa maraming Renaissance bowed instrument tulad ng fiddle, ang rebec, ang lira, at ang kanilang maraming mga uri.

1. Sinaunang Greek lyre.
2. Medieval one-string lyre.
3. Lyra da braccio.
4. Folk (may gulong) lira.

Naglalaro si Angel ng fideli

Ang prosesong ito ay naganap kasama ng ebolusyon ng musika mismo, dahil sa mga nakaraang siglo ang lahat ng mga elemento ay nakatiklop sa isang manipis na polyphonic na tela, ang hindi kilalang bahagi nito ay mga indibidwal na instrumento at musikero. Ang bawat instrumento ay kailangang napakalinaw na gumuhit ng sarili nitong linya at sa parehong oras ay umakma sa pangkalahatang imahe ng tunog na may katangiang kulay nito. Ngunit humigit-kumulang 1600 bagong uso ang lumitaw. Ang musikal at declamatory na interpretasyon ng mga akdang patula ay humantong sa paglaganap ng monody, solong pagkanta may saliw. Sa recitar cantando (sung recitative) at sa concitato style, nabuo ang mga bagong paraan ng pagpapahayag, na pinagsama ang salita at tunog sa isang kamangha-manghang integridad. Ang alon na ito ay nagdala din ng purong instrumental na musika na pinalaya ng soloista ang kanyang sarili mula sa ensemble na hindi nagpapakilala, naglaan ng bagong monodic sound speech at nagsimulang "magsalita" ng eksklusibo sa tulong ng mga tunog. Ang solong uri ng paggawa ng musika ay itinuturing na isang uri ng wika, na may kaugnayan kung saan kahit na ang teorya ng musikal na retorika ay lumitaw; nakuha ng musika ang katangian ng isang diyalogo, at isa sa mga pangunahing kinakailangan na kinakaharap ng lahat ng mga guro ng musika ng Baroque ay ang kakayahang magturo ng "nagpapahayag" na pagtugtog ("sprechendes" Spiel).

Sa Italya noong panahon ni Claudio Monteverdi, mga biyolinista lamang ang naging kompositor. Ang bagong musikal na wika ng Baroque, sa isang hindi kapani-paniwalang maikling panahon, ay humantong sa paglitaw ng mga birtuoso na panitikan, na sa loob ng mahabang panahon ay itinuturing na hindi maunahan. Isinulat ni Monteverdi ang unang tunay na violin solo sa kanyang "Orpheus" (1607) at sa "Vespro" ("Vespers") (1610), at ang kanyang mga estudyante at tagasunod (Fontana, Marini, Uccellini, atbp.) sa susunod na tatlumpung taon kasama ang ang kanilang matapang, madalas na may kakaibang mga gawa ay nag-ambag sa walang uliran na pamumulaklak ng solong pagtugtog ng biyolin.

Ang mga sumunod na dekada ay nagdala ng kaunting kalmado. Para sa mga violinist, ang panahon ng "bagyo at stress" ay natapos na; Tulad ng Baroque style mismo, ang mga violin ay isang Italyano na imbensyon, at kung ang Italian Baroque (sa mga katutubong uri nito) ay nasakop ang buong Europa, kung gayon ang mga violin ay naging isang mahalagang bahagi ng European instrumentation. Mabilis silang nag-ugat sa Germany: nasa unang kalahati na XVII Sa loob ng maraming siglo, ang mga Italyano na birtuoso ay nagtrabaho sa mga korte ng mga prinsipe ng Aleman. Di-nagtagal ay nabuo doon ang isang independiyenteng istilo ng solong violin music; Ang katangian ng pagiging sopistikado ng istilong ito (na kalaunan ay tinawag na "typical German") ay polyphonic, chord playing.

Antas ng violin technique XVII-XVIII siglo ay karaniwang hindi tama ang pagtatantya ngayon. Ang paghahambing ng mataas na teknikal na tagumpay ng mga kontemporaryong soloista na may makabuluhang mas mababang kakayahan ng mga musikero na nabuhay isang daang taon na ang nakalilipas, naniniwala sila na pinag-uusapan natin tungkol sa tuluy-tuloy na pag-unlad - na parang sa nakaraan, mas mababa ang antas ng pagtugtog ng biyolin. Kasabay nito, nakalimutan nila na ang pampublikong muling pagsusuri ng propesyon ng musikero, na naganap noong ika-19 na siglo, ay nauugnay nang tumpak sa regression. Sinabi ni Henri Martial noong 1910: "Kung maririnig natin ang Corelli, Tartini, Viotti, Rohde o Kreutzer, ang ating pinakamahuhusay na biyolinista ay bumuka ang kanilang mga bibig sa pagkagulat at napagtanto na ang sining ng pagtugtog ng biyolin ay humihina na ngayon."

Maraming mga teknikal na elemento ng modernong paglalaro, tulad ng vibrato, spiccato, flying staccato, atbp., ay itinuturing na mga imbensyon ng Paganini at (maliban sa vibrato) ay itinuturing na hindi katanggap-tanggap sa baroque music. Sa halip, ang tinatawag na "Bach bow" ay naimbento, na, sa mga lugar ng iba't ibang artikulasyon na likas sa estilo ng Baroque, ay nagpapakilala ng ganap na monotony. Gayunpaman, ang musika mismo at ang mga sinaunang teoretikal na treatise ay inilarawan nang detalyado ang iba't ibang mga teknikal na pamamaraan na umiral sa isang tiyak na panahon, pati na rin ang mga lugar kung saan ginamit ang mga diskarteng ito.

Ang Vibrato, isang pamamaraan na kasing sinaunang pagtugtog ng mga nakayukong instrumento mismo, ay nagsisilbing tularan ang pagkanta. Ang tumpak na katibayan ng pagkakaroon nito ay natagpuan na sa ika-16 na siglo (mula sa Agricola). Ang mga paglalarawan nito (bilang isang bagay ng kurso) ay matatagpuan sa ibang pagkakataon (Mersenne 1636, North 1695, Leopold Mozart 1756). Gayunpaman, ang vibrato ay palaging itinuturing na isang uri lamang ng dekorasyon na hindi palaging ginagamit, ngunit ginagamit lamang sa mga partikular na okasyon. Ganito ang sabi ni Leopold Mozart: “May mga artistang nanginginig sa bawat nota, na para bang niyuyugyog sila ng patuloy na pagyanig. Ang Tremulo (vibrato) ay dapat na gamitin lamang sa mga lugar kung saan ang kalikasan mismo ay nangangailangan nito."

Ang Spiccato (jumping bow) ay isang napakalumang uri ng stroke (noong ika-17 at ika-18 siglo - malinaw na pinaghihiwalay na mga tala, hindi isang tumatalon na busog). Sa ganitong paraan, isinagawa ang unligated arpeggio figure o mabilis na umuulit na tunog. Si Walter (1676), Vivaldi at iba pa, na nagsusumikap para sa gayong pagpindot, ay sumulat ng "col arcate sciolte" o, sa madaling salita, "sciolto". Maraming mga halimbawa ng "itinapon" na busog at kahit na mahabang kadena ng "lumilipad" na staccato ay matatagpuan sa solong panitikan ng violin noong ika-17 siglo (lalo na sa Schmelzer, Bieber at Walter). Mayroon ding iba't ibang kulay ng pizzicato (gamit ang plectron o pick sa fingerboard), na makikita sa Bieber, o sa chord playing ni Farina (1626), o col legno (pumutok gamit ang baras ng busog) - lahat ng kilala na sila sa XVII siglo.

Nai-publish noong 1626, ang "Capriccio stravagante" ni Carla Farina (isang estudyante ng Monteverdi) ay isang hindi maunahang katalogo ng mga epekto ng violin. Marami sa kanila ang itinuring na isang tagumpay sa mas huling panahon, habang ang ilan ay nag-akala na sila ay natuklasan lamang noong ika-20 siglo! Ang gawaing ito, na may bilingual (Italian-German) na paunang salita, ay isang mahalagang testamento sa sinaunang pamamaraan ng biyolin. Dito ay inilarawan - bilang isang espesyal na epekto - naglalaro sa matataas na posisyon sa mababang mga string (sa oras na iyon ang "E" string lamang ang nilalaro sa itaas ng unang posisyon): "... ang kamay ay inilipat patungo sa tulay at nagsisimula... gamit ang ikatlong daliri ang ipinahiwatig na nota o tunog " Ang Col legno ay inilarawan bilang mga sumusunod: "... ang mga tala ay dapat na tamaan sa pamamagitan ng paghampas sa baras ng busog, tulad ng isang tamburin, habang ang busog ay hindi maaaring manatiling hindi gumagalaw sa loob ng mahabang panahon, ngunit kailangang ulitin ang paggalaw" - ang baras ng busog ay dapat tumalbog pabalik tulad ng ang mga patpat ng tambol. Inirerekomenda ni Farina ang pagtugtog ng sul ponticello (malapit sa tulay) upang gayahin ang tunog ng mga instrumentong pang-ihip tulad ng plawta o trumpeta: “Ang tunog ng plauta ay ginawa nang malumanay, sa layo ng isang daliri (1 cm) mula sa tulay, napakatahimik, tulad ng isang lira. Ang mga tunog ng mga trumpeta ng militar ay tinutugtog sa parehong paraan, na may pagkakaiba na dapat itong patugtugin nang mas malakas at mas malapit sa kinatatayuan." Ang isang madalas na ginagamit na pamamaraan ng pagtugtog ng Baroque sa mga nakayukong instrumento ay ang bowed vibrato, na ginagaya ang isang organ tremulant: "ang tremolo ay ginagaya sa pamamagitan ng pagpintig ng kamay na humahawak sa bow (katulad ng tremulant sa isang organ)."

Naiiba ang Baroque left-hand technique sa modernong pamamaraan dahil sinubukan ng mga violinist na iwasan ang matataas na posisyon sa mababang string. Ang pagbubukod ay ang bariolage passages, kung saan ang pagkakaiba ng kulay sa pagitan ng mataas na mababang string at ng walang laman na mataas na string ay nagbigay ng nais na sound effect. Ang paggamit ng mga walang laman na mga string ay hindi lamang pinapayagan, ngunit madalas kahit na kinakailangan; Ang mga walang laman na string ng bituka ay hindi kasing-iba ng tunog mula sa mga pinindot na string gaya ng mga kasalukuyang metal.

(materyal na hiniram mula sa site: http://www.nnre.ru/kulturologija/muzyka_jazykom_zvukov_put_k_novomu_ponimaniyu_muzyki/p3.php#metkadoc3

Ministri ng Edukasyon at Agham ng Ukraine

SevNTU

Kagawaran: Ukrainian Studies. Kulturolohiya. Pedagogy.

Abstract sa pag-aaral sa kultura

Paksa: "Instrumental na musika ng panahon ng Baroque (XVII-1st kalahati ng XVIII na siglo). Ang pinagmulan ng mga genre - symphony, concert. Ang gawa ni Antonio Vivaldi."

Ginagawa ng isang mag-aaral

pangkat IM-12d

Stupko M.G.

Sinuri:

Kostennikov A.M.

Sevastopol 2007

Plano:

Panimula.

Pangunahing bahagi:

1) Mga pagkakaiba sa musikang Baroque:

Mula sa Renaissance.

Mula sa klasisismo.

2) Pangkalahatang katangian ng mga instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

3) Kasaysayan ng instrumental na musika sa Kanlurang Europa.

Panghuling bahagi.

1) Ang impluwensya ng baroque instrumental music sa susunod na musika.

Ang paglipat sa panahon ng klasisismo (1740-1780).

Ang impluwensya ng Baroque techniques at techniques pagkatapos ng 1760.

Jazz.

2) Konklusyon.

IV. Listahan ng mga mapagkukunan.

Panimula:

Ang panahon ng Baroque (XVII century) ay isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na panahon sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ito ay kawili-wili para sa kanyang drama, intensity, dynamics, contrast at, sa parehong oras, armonya, integridad, pagkakaisa.

Ang musikal na sining ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa panahong ito, na nagsisimula na parang isang mapagpasyang punto ng pagbabago, na may isang hindi kompromiso na pakikibaka laban sa lumang "mahigpit na istilo."

Ang nagpapahayag na mga posibilidad ng musikal na sining ay lumalawak, at sa parehong oras ay may isang ugali patungo sa paghihiwalay ng musika mula sa mga salita - patungo sa masinsinang pag-unlad ng mga instrumental na genre, na higit na nauugnay sa Baroque aesthetics. Lumalabas ang mga malalaking cyclic form (concerto grosso, ensemble at solo sonata sa ilang suite, theatrical overtures, fugues, at organ-type improvisations ay intricately alternated. Ang paghahambing at interweaving ng polyphonic at homophonic na mga prinsipyo ng musikal na pagsulat ay nagiging tipikal.Ang pagbubuo at pagtatanghal ng mga pamamaraan ng panahon ng Baroque ay naging isang mahalagang bahagi ng klasikal na musikal na kanon. Ang mga gawa noong panahong iyon ay malawakang ginagawa at pinag-aaralan.

Mga pagkakaiba sa Baroque music

mula sa Renaissance

Ang Baroque music ay kinuha mula sa Renaissance ang kasanayan ng paggamit ng polyphony at counterpoint. Gayunpaman, ang mga pamamaraan na ito ay ginamit nang iba. Sa panahon ng Renaissance, ang pagkakasundo ng musika ay batay sa katotohanan na sa malambot at mahinahon na paggalaw ng polyphony, ang mga consonance ay lumitaw na pangalawa at parang nagkataon. Sa Baroque na musika, ang pagkakasunud-sunod ng hitsura ng mga consonance ay naging mahalaga: ito ay ipinakita sa tulong ng mga chord, na inayos ayon sa isang hierarchical scheme ng functional tonality (o functional major-minor modal system). Sa paligid ng 1600, ang kahulugan ng kung ano ang tonality ay higit na hindi tumpak at subjective. Halimbawa, ang ilan ay nakakita ng ilang tonal development sa cadences ng madrigals, habang sa katunayan sa mga unang monodies ang tonality ay hindi pa rin sigurado. Ang mahinang pag-unlad ng teorya ng pantay na ugali ay nagkaroon ng epekto. Ayon kay Sherman, sa unang pagkakataon lamang noong 1533, iminungkahi at ipinakilala ng Italyano na si Giovanni Maria Lanfranco ang isang sistema ng pantay na ugali sa pagsasanay ng pagganap ng organ at keyboard. Ngunit ang sistema ay naging laganap nang maglaon. At noong 1722 lamang lumitaw ang "The Well-Tempered Clavier" ni J. S. Bach. Isa pang pagkakaiba sa pagitan ng pagkakatugma ng musika Ang Baroque at Renaissance ay na sa unang bahagi ng panahon ang paglilipat ng tonic ay naganap nang mas madalas sa ikatlo, habang sa panahon ng Baroque ay nangingibabaw ang modulasyon sa ikaapat o ikalima (ang hitsura ng konsepto ng functional tonality ay may epekto). Bilang karagdagan, ang Baroque na musika ay gumamit ng mas mahabang melodic na linya at mas mahigpit na ritmo. Ang pangunahing tema ay lumawak nang mag-isa o sa tulong ng basso continuo accompaniment. Pagkatapos ay lumitaw ito sa ibang boses. Nang maglaon, nagsimulang ipahayag ang pangunahing tema sa pamamagitan ng basso continuo, hindi lamang sa tulong ng mga pangunahing tinig. Malabo ang hierarchy ng melody at accompaniment.

Tinukoy ng mga pagkakaiba sa istilo ang paglipat mula sa ricercars, fantasies at canzones ng Renaissance tungo sa fugues, isa sa mga pangunahing anyo ng Baroque music. Tinawag ni Monteverdi itong bago, malayang istilo pangalawang praktika (pangalawang anyo) sa kaibahan sa prima pratica (ang unang anyo), na nagpapakilala sa mga motet at iba pang mga anyo ng simbahan ng mga chorales ng naturang Renaissance masters bilang Giovanni Pierluigi da Palestrina. Ginamit mismo ni Monteverdi ang parehong mga estilo; ang kanyang Misa "In illo tempore" ay nakasulat sa lumang istilo, at ang kanyang "Vespers of the Blessed Virgin" sa bagong istilo.

May iba pang mas malalim na pagkakaiba sa mga istilong Baroque at Renaissance. Ang Baroque na musika ay nagsusumikap para sa isang mas mataas na antas ng emosyonal na kapunuan kaysa sa Renaissance music. Ang mga sulating Baroque ay madalas na naglalarawan ng isa tiyak na damdamin(katuwaan, kalungkutan, kabanalan, atbp.; tingnandoktrina ng mga epekto). Ang Baroque na musika ay madalas na isinulat para sa mga birtuoso na mang-aawit at musikero, at kadalasan ay mas mahirap itanghal kaysa sa Renaissance na musika, sa kabila ng katotohanan na ang detalyadong pag-record ng mga bahagi para sa mga instrumento ay isa sa pinakamahalagang pagbabago sa panahon ng Baroque. Ito ay naging halos ipinag-uutos na gamitinmusikal na alahas, kadalasang ginaganap ng isang musikero sa anyoimprovisasyon. Ang mga pamamaraang nagpapahayag tulad ngmga tala inégalesnaging unibersal; ginagampanan ng karamihan sa mga musikero, madalas na may malaking kalayaan sa aplikasyon.

Ang isa pang mahalagang pagbabago ay ang pagkahilig sa instrumental na musika ay lumampas sa pagkahilig sa vocal music. Mga piyesang tinig tulad ngmga madrigal At arias, sa katunayan, ay madalas na hindi inaawit, ngunit gumanap nang instrumental. Ito ay pinatutunayan ng patotoo ng mga kontemporaryo, gayundin ang bilang ng mga manuskrito mga instrumental na piraso, ang bilang nito ay lumampas sa bilang ng mga gawa na kumakatawan sa sekular na vocal music. Ang unti-unting paglitaw ng isang purong instrumental na istilo, na naiiba sa vocal polyphony noong ika-16 na siglo, ay isa sa pinakamahalagang hakbang sa paglipat mula sa Renaissance tungo sa Baroque. Hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo, ang instrumental na musika ay halos hindi nakikilala mula sa vocal music at binubuo pangunahin ng mga himig ng sayaw, pagsasaayos ng mga sikat na sikat na kanta at madrigal (pangunahin para sa mga instrumento sa keyboard atlutes) pati na rin ang mga polyphonic na piraso, na maaaring ilarawan bilangmga mote, canzone, mga madrigalwalang tekstong patula.

Bagama't iba't ibang pagkakaiba-iba ng paggamot,toccatas, pantasya At foreplaypara sa mga instrumento ng lute at keyboard ay kilala sa mahabang panahon, ang ensemble music ay hindi pa nanalo sa malayang pag-iral nito. Gayunpaman, ang mabilis na pag-unlad ng mga sekular na komposisyon ng boses sa Italya at iba pang mga bansa sa Europa ay nagbigay ng isang bagong impetus sa paglikha ng chamber music para sa mga instrumento.

Halimbawa, sa Inglateranaging laganap ang sining ng paglalaroviola- mga instrumentong may kuwerdas na may iba't ibang hanay at laki. Ang mga manlalaro ng viol ay madalas na sumali sa vocal group, pinupunan ang mga nawawalang boses. Ang kasanayang ito ay naging pangkalahatang tinanggap, at maraming edisyon ang may label na "Angkop para sa Mga Boses o Violas."

Maraming vocal aria at madrigal ang ginanap bilang instrumental na mga gawa. Halimbawa, si madrigal"Silver Swan"Orlando Gibbonssa dose-dosenang mga koleksyon ito ay itinalaga at ipinakita bilang isang instrumental na piraso.

Mula sa klasisismo

Sa panahon ng klasisismo, na sumunod sa Baroque, ang papel ng counterpoint ay nabawasan (bagaman ang pag-unlad ng sining ng counterpoint ay hindi huminto), at ang homophonic na istraktura ng mga musikal na gawa ay nauna. Mayroong mas kaunting dekorasyon sa musika. Ang mga gawa ay nagsimulang sumandal patungo sa isang mas malinaw na istraktura, lalo na ang mga nakasulat sa anyong sonata. Ang mga modulasyon (mga pagbabago sa susi) ay naging isang elemento ng istruktura; ang mga gawa ay nagsimulang pakinggan bilang isang paglalakbay na puno ng drama sa pamamagitan ng pagkakasunod-sunod ng mga tonalidad, isang serye ng mga pag-alis at pagdating sa tonic. Ang mga modulasyon ay naroroon din sa Baroque na musika, ngunit hindi nagdadala ng isang pag-istruktura ng function.

Sa mga gawa ng klasikal na panahon, maraming mga damdamin ang madalas na ipinahayag sa loob ng isang bahagi ng akda, habang sa Baroque na musika ang isang bahagi ay nagdadala ng isa, malinaw na naglalarawan ng damdamin. At sa wakas, sa mga gawang klasikal isang emosyonal na kasukdulan ay karaniwang naabot at nalutas sa pagtatapos ng trabaho. Sa mga gawang baroque, pagkatapos maabot ang rurok na ito, nanatili ang bahagyang damdamin ng pinagbabatayan na damdamin hanggang sa huling tala. Ang iba't ibang mga anyo ng Baroque ay nagsilbing panimulang punto para sa pagbuo ng anyo ng sonata, pagbuo ng maraming mga pagkakaiba-iba ng mga pangunahing cadenza.

Pangkalahatang katangian ng mga instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

Ang pinagmulan ng mga genre - symphony, concert. Sonata noong ika-17 siglo.

Ang prototype ng symphony ay maaaring ituring na Italian overture, na nabuo sa ilalim ng Scarlatti sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang anyo na ito ay tinawag na isang symphony at binubuo ng allegro, andante at allegro, na pinagsama sa isang buo. Sa kabilang banda, ang hinalinhan ng symphony ay isang orkestra na sonata, na binubuo ng ilang mga paggalaw sa pinakasimpleng anyo at higit sa lahat sa parehong susi. Sa isang klasikal na symphony, ang una at huling mga paggalaw lamang ang may parehong mga susi, at ang mga gitna ay nakasulat sa mga key na nauugnay sa pangunahing isa, na tumutukoy sa susi ng buong symphony. Nang maglaon, si Haydn ay itinuturing na lumikha ng klasikal na anyo ng symphony at orchestral na kulay; Gumawa ng makabuluhang kontribusyon sina Mozart at Beethoven sa pag-unlad nito.

Ang salitang Concerto, bilang pangalan ng isang musikal na komposisyon, ay lumitaw sa Italya sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang konsiyerto sa tatlong bahagi ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang Italian Corelli (q.v.) ay itinuturing na tagapagtatag ng form ng konsiyerto na ito.

Ang konsiyerto ay karaniwang binubuo ng 3 bahagi (ang mga panlabas na bahagi ay nasa mabilis na paggalaw). Noong ika-18 siglo, tinawag na concerto grosso ang isang symphony kung saan marami sa mga instrumento ang tumutugtog nang solo sa mga lugar. Nang maglaon, ang isang symphony kung saan ang isang instrumento ay nakatanggap ng higit na independiyenteng kahalagahan kumpara sa iba ay nagsimulang tawaging symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Sa genetically, ang concerto grosso ay nauugnay sa anyo ng fugue, batay sa sunud-sunod na pagpapatupad ng isang tema sa pamamagitan ng mga boses, na nagpapalit-palit ng mga di-thematic na istruktura - mga interlude. Namana ng Concerto grosso ang prinsipyong ito na may pagkakaiba na ang unang istraktura ng concerto ay polyphonic. Mayroong 3 uri ng mga texture sa concerto grosso:

polyphonic;

homophonic;

kordal (choral).

(halos hindi sila matatagpuan sa kanilang purong anyo. Ang nangingibabaw na texture ay sintetiko - homophonic-polyphonic).

Sonata (hindi malito sa sonata form). Hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo, ang isang sonata ay isang koleksyon ng mga instrumental na piraso, pati na rin ang isang vocal motet na nakaayos sa mga instrumento. Ang sonata ay nahahati sa dalawang uri: chamber sonata (Italian. sonata sa camera ), na binubuo ng mga prelude, arioso, sayaw, atbp., na nakasulat sa iba't ibang mga susi, at isang sonata ng simbahan (Italian. sonata da chiesa ), kung saan nangingibabaw ang istilong kontrapuntal. Ang isang bilang ng mga instrumental na piraso na isinulat para sa marami mga instrumentong orkestra, ay tinawag na hindi isang sonata, ngunit isang malaking konsiyerto (Italian. concerto grosso ). Ginagamit din ang sonata sa mga konsyerto para sa solong instrumento at orkestra, gayundin sa mga symphony.

Ang mga pangunahing instrumental na genre ng panahon ng Baroque.

Concerto grosso ( concerto grosso)

Fugue

Suite

Allemande

Kuranta

Sarabande

Zhiga

Gavotte

Minuet

Sonata

Chamber sonata Sonata at camera

Sonata ng Simbahan Sonata da chiesa

Trio sonata

Klasikong sonata

Overture

French overture (fr. Ouverture)

Italian Overture (Italyano) Sinfonia)

Partita

Canzona

Symphony

Pantasya

Richerkar

Toccata

Prelude

Chaconne

Passacaglia

Chorale Prelude

Mga pangunahing instrumento sa panahon ng Baroque.

Ang organ ay naging pangunahing instrumentong pangmusika ng Baroque sa sagrado at silid sekular na musika. Malawakang ginagamit din ang harpsichord, plucked at bowed strings, pati na rin ang woodwind instruments: viols, baroque guitar, baroque violin, cello, double bass, iba't ibang flute, clarinet, oboe, bassoon. Sa panahon ng Baroque, ang mga function ng tulad ng isang karaniwang plucked instrumentong tali, tulad ng lute, ay higit na nai-relegated sa saliw ng basso continuo, at unti-unting natagpuan ang sarili nitong pinalitan sa pagkakatawang-tao na ito. mga instrumento sa keyboard. Ang hurdy-gurdy, na nawalan ng kasikatan noong nakaraang panahon ng Renaissance at naging instrumento ng mga pulubi at palaboy, ay muling nabuhay; hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang hurdy-gurdy ay nanatiling isang naka-istilong laruan para sa mga aristokratang Pranses na mahilig sa buhay sa kanayunan.

Kasaysayan ng instrumental na musika sa Kanlurang Europa.

Instrumental na musika ng Italya.

Ginampanan ng Italya noong ika-17 siglo ang papel ng isang uri ng malaking pang-eksperimentong studio, kung saan naganap ang patuloy na paghahanap at unti-unting pagbuo ng mga bagong progresibong genre at anyo ng instrumental na musika. Ang mga makabagong pakikipagsapalaran na ito ay humantong sa paglikha ng mga dakilang kayamanan ng sining.

Ang gayong bukas, demokratikong mga anyo ng paggawa ng musika ay lumitaw bilang mga konsyerto sa simbahan, kung saan hindi lamang sagrado, kundi pati na rin ang sekular na musika ay ginanap. Ang mga konsiyerto na ito ay ginanap para sa mga parokyano sa mga simbahan at katedral tuwing Linggo pagkatapos ipagdiwang ang misa. Ang iba't ibang mga diskarte ng iba't ibang mga katutubong melodies ay malawak na nakapasok sa propesyonal na musika.

Kasaysayan ng instrumental na musika noong ika-17 siglo. Sa Italya, ito ang kasaysayan ng paglikha ng mga instrumental na ensemble na may nangungunang papel na ginagampanan ng violin, dahil ngayon lamang ito sa wakas ay pinalitan ang chamber-refined six-string viol ng kanyang quartet-tert tuning, na itinutulak ang lute. Ang pag-tune ng fifths ay gumagawa ng biyolin na isang partikular na instrumento sa tune nagpapahayag ng mga posibilidad pagkakaisa, lalong tumatagos na instrumental na musika.

Nilikha ng Venice ang unang paaralan ng violin sa Italya, kung saan ang komposisyon ng isang propesyonal na string trio (dalawang violin at isang bass) ay nabuo sa unang pagkakataon at ang genre na naging tipikal para sa ensemble na ito ay natukoy: ang multi-part trio sonata.

Sa kalagitnaan ng siglo, ang sonata ay nabuo bilang isang cycle ng isang bagong uri.

Ito ay nabuo:

1) maghanap ng bagong tema, makasagisag na katiyakan, konkreto;

2) pagpapalawak ng saklaw ng komposisyon, pagpapasya sa sarili ng mga bahagi;

3) ang kaibahan ng dynamics at lyrics sa isang macro- at microscale.

Unti-unti, nagiging cycle ang sonata mula sa contrasting-composite form.

Ang genre ng suite ay umuunlad din. Isang uri ng konsiyerto ang unti-unting nagagawa - grosso, ang genre na ito

Mga kinatawan ng Italian instrumental music:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Ang nagtatag ng Italian organ school noong ika-17 siglo. Binubuo niya ang mga canzone, toccatas, ricercatas, mga arrangement ng chorale para sa organ, pati na rin ang mga piraso ng harpsichord fugue, canzone at partitas. Siya ay umalis mula sa mahigpit na pagsulat ng mga nakaraang siglo at inilatag ang pundasyon para sa isang bagong libreng istilo. Nakakuha ang mga theme-melodies ng iba't ibang feature ng genre na naglalapit sa kanila sa pang-araw-araw, makamundong buhay. Gumawa si Frescobaldi ng mga tema na masigla sa damdamin at indibidwal. Ang lahat ng ito ay bago at sariwang salita sa instrumental polyphony, sa melody at mode-harmonic na pag-iisip noong panahong iyon

Arcangelo Corelli.(1653 -1713)

Ang pinakadakilang biyolinista noong ika-17 siglo. Ang malikhaing pamana ay nakapaloob sa anim na opus: - Labindalawang trio sonata (na may kasamang organ) - 1685.

Labindalawang trio sonata (na may saliw ng harpsichord) - 1685.

Labindalawang trio sonata (na may kasamang organ) - 1689.

Labindalawang trio sonata (na may saliw ng harpsichord) - 1694.

Labing-isang sonata at mga pagkakaiba-iba para sa byolin (na may saliw ng harpsichord) - 1700.

Labindalawang concerto grosso-1712

Katangian: kakulangan ng mga pampakay na kaibahan sa loob ng mga bahagi; paghahambing ng solo at tutti (acting out) upang maisaaktibo ang musikal na tela; malinaw at bukas na mapanlikhang mundo.

Binigyan ni Corelli ang sonata ng klasikal na pagkakumpleto ng anyo. Naging tagapagtatag ng genre concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Paglikha.

Italyano na kompositor, biyolinista, konduktor, guro. Nag-aral siya sa kanyang ama na si Gevan Battista Vivaldi, violinist ng Cathedral of San Marco sa Venice, at posibleng kasama rin si G. Legrenzi. Noong 1703-25 siya ay isang guro, pagkatapos ay isang konduktor ng orkestra at direktor ng mga konsyerto, pati na rin ang direktor (mula 1713) ng Pietà Women's Conservatory (noong 1735 muli siyang isang bandmaster sa maikling panahon). Gumawa siya ng musika para sa maraming sekular at relihiyosong konsiyerto sa konserbatoryo. Kasabay nito ay sumulat siya ng mga opera para sa mga sinehan sa Venice (lumahok sa kanilang produksyon). Bilang isang birtuoso na biyolinista, nagbigay siya ng mga konsiyerto sa Italya at iba pang mga bansa. Ginugol niya ang kanyang mga huling taon sa Vienna.

Sa trabaho ni Vivaldi, naabot ng concerto grosso ang rurok nito. Batay sa mga nagawa ng A. Corelli, itinatag ni Vivaldi ang ika-3 bahagi para sa concerto grosso paikot na anyo, itinampok ang birtuoso na bahagi ng soloista. Nilikha niya ang genre ng solo instrumental na konsiyerto at nag-ambag sa pagbuo ng virtuoso violin technique. Ang estilo ng musikal ni Vivaldi ay nakikilala sa pamamagitan ng melody, generosity, dynamic at expressive sound, transparent orchestral writing, classical harmony na sinamahan ng emosyonal na kayamanan. Ang mga konsyerto ni Vivaldi ay nagsilbing mga halimbawa ng genre ng konsiyerto para sa maraming kompositor, kabilang si J. S. Bach (nag-ayos ng mga 20 Vivaldi violin concerto para sa harpsichord at organ). Ang "Seasons" cycle ay isa sa mga pinakaunang halimbawa ng software musikang orkestra.

Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng gaboes, horns, bassoons at iba pang instrumento bilang mga independyente at hindi duplikado). Ang instrumental na konsiyerto ni Vivaldi ay isang yugto sa landas patungo sa pagbuo ng isang klasikal na simponya. Ang Vivaldi Italian Institute ay nilikha sa Siena (pinamumunuan ni F. Malipiero).

Mga gawa:

opera (27)-
kabilang si Roland - ang haka-haka na baliw (Orlando fiato pozzo, 1714, Theater Sant'Angelo, Venice), Nero, na naging Caesar (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid.), Coronation of Darius (L "incoronazione di Daria, 1716, ibid. .), Panlilinlang nagtagumpay sa pag-ibig (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnace (1727, ibid., kalaunan ay tinawag ding Farnace, pinuno ng Pontus), Cunegonde (1727, ibid.), Olympiad (1734, ibid.), Griselda (1735, Teatro San Samuele, Venice), Aristide (1735, ibid.), Oracle in Messenia (1738, Teatro Sant'Angelo, Venice), Theraspes (1739, ibid. );

oratorio-
Moses, Diyos ng Paraon (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Triumphant Judith (Juditha Triumphans devicta Holofernis barbarie, 1716), Adoration of the Magi (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

sekular na cantatas (56)-
kabilang ang 37 para sa boses na may basso continuo, 14 para sa boses na may mga kuwerdas, orchestra large cantata Gloria at Hymen (1725);

musika ng kulto (mga 55 gawa) -
kabilang ang Stabat Mater, mga motet, mga salmo, atbp.;

instrumental. gawa-
76 sonata (may basso continuo), kabilang ang 30 para sa violin, 19 para sa 2 violin, 10 para sa cello, 1 para sa violin at cello, 2 para sa lute at violin, 2 para sa oboe; 465 concerto, kabilang ang 49 concerti grossi, 331 para sa isang instrumento na may basso continuo (228 para sa violin, 27 para sa cello, 6 para sa viol d'amore, 13 para sa transverse, 3 para sa longitudinal flute, 12 para sa oboe, 38 para sa bassoon, 1 para sa mandolin) 38 para sa 2 instrumento na may basso continuo (25 para sa violin, 2 para sa cello, 3 para sa violin at cello, 2 para sa mga sungay, 1 para sa mandolins), 32 para sa 3 o higit pang mga instrumento na may basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Composer, ang pinakadakilang master ng Italian keyboard music. Karamihan sa mga makikinang na sonata sa keyboard na pinamagatang Essercizi (Mga Pagsasanay ), na isinulat ni Domenico para sa kanyang mahuhusay na estudyante na si Maria Barbara, na nanatiling tapat sa kanyang guro sa buong buhay niya. Pinaniniwalaan na ang isa pang sikat na estudyante ng Domenico ay ang Espanyol na kompositor na si Padre Antonio Soler.

Ang pagka-orihinal ng istilong clavier ni Scarlatti ay nahayag sa 30 sonata na itinayo noong 1738. Ang mga sonata ni Scarlatti ay ang pinaka-maaasahan at sopistikadong pagmuni-muni ng istilong musikal ng Espanyol, nakukuha nila ang diwa at ritmo nang may matinding liwanag. Mga sayaw na Espanyol at kultura ng gitara. Ang mga sonata na ito ay madalas na may mahigpit na binary form (AABB), ngunit ang panloob na nilalaman nito ay napaka-magkakaibang.

Kabilang sa mga pinaka-kapansin-pansin na tampok ng estilo ng kompositor ay ang makulay ng dissonant harmonies at bold modulations. Ang pagiging kakaiba ng clavier na pagsulat ni Scarlatti ay nauugnay sa kayamanan ng texture: ito ay tumutukoy sa pagtawid ng kaliwa at kanang mga kamay, rehearsals, trills at iba pang uri ng dekorasyon. Sa ngayon, ang mga sonata ni Domenico ay itinuturing na isa sa mga pinaka orihinal na gawa na isinulat para sa mga instrumento sa keyboard.

Instrumental na musika ng Alemanya.

Sa instrumental na musika noong ika-17 siglo. ang organ ay kinuha ang pagmamalaki ng lugar. Sa mga unang henerasyon ng German organ composers, ang pinaka-kagiliw-giliw na mga figure ay sina Scheidt (1587-1654) at Johann Froberger (1616-1667). Ang kanilang kahalagahan ay mahusay para sa kasaysayan ng mga polyphonic form sa daan patungo sa fugue at mga pagsasaayos para sa chorale. Pinaglapit ni Froberger ang musika ng organ at harpsichord (improvisasyon, kalunos-lunos, virtuosity, mobility, banayad na pag-unlad ng mga detalye). Kabilang sa mga nauna kay Bach ay sina Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, at Dietrich Buxtelhude. Malaki at orihinal na mga artista, kinakatawan nila, kumbaga, ang iba't ibang panig ng pre-Bach organ art: Pachelbel - ang "klasikal" na linya, Buxtelhude - ang "baroque". Ang gawa ni Buxtelhude ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malawak na komposisyon, kalayaan ng imahinasyon, at isang pagkahilig sa mga pathos, drama, at oratorical na intonasyon.

Johann Sebastian Bach.

Karamihan sa instrumental na musika ay purong sekular na mga gawa (ang exception ay musika para sa organ). Sa instrumental na musika ay may proseso ng interaksyon at kapwa pagpapayaman ng iba't ibang lugar, genre, at uri ng pagtatanghal. Ang gitnang lugar ay inookupahan ng musika para sa clavier at organ.

Klavier - malikhaing laboratoryo. Pinalawak ni Bach ang saklaw ng kanyang repertoire, na naglalagay ng matinding pangangailangan sa instrumento. Ang istilong clavier ay nakikilala sa pamamagitan ng energetic at marangal, pinipigilan at balanseng istrukturang emosyonal, kayamanan at iba't ibang texture, at kayamanan ng intonasyon. Ipinakilala ni Bach ang mga bagong diskarte sa paglalaro. Mga gawa: mga piraso para sa mga nagsisimula (maliit na preludes, fuguettes), preludes at fugues (HTK), suite, concertos (Italian), toccatas, fantasies (libreng improvisation, pathetically elevated tone, virtuosic texture), "The Art of Fugue" (gumawa ng isang classical fugue) .

Malaki ang papel ng organ sa gawain ni Bach. Ang estilo ng organ ay nag-iwan ng marka sa buong instrumental na pag-iisip ng kompositor. Ito ay ang organ na kabilang sa genre na nag-uugnay ng instrumental na musika sa mga espirituwal na cantata at mga hilig - mga pagsasaayos ng mga chorales (higit sa 150). Ang mga komposisyon ng organ ay nakahilig sa mga nabuong anyo, tradisyonal na mga genre, kung saan nagbigay si Bach ng isang qualitatively bagong interpretasyon: prelude at fugue (nakilala niya ang dalawang compositional spheres, pinahusay ang mga ito, muling pinagsama ang mga ito sa isang bagong synthesis).

Sumulat din si Bach para sa iba pang mga instrumento: cello suite, chamber ensembles, suites para sa orkestra, at concerto, na may malaking papel sa karagdagang pag-unlad ng musika.

Ang napakalaking legacy ni Bach ay may epekto sa moral. Lumayo siya sa mga hangganan ng isang istilo, isang panahon.

Instrumental na musika ng England.

Sa larangan ng English instrumental music, naganap ang pagbuo ng keyboard school (verzhdinists - sa pangalan ng instrumento). Mga Kinatawan: Byrd, Bull, Morney, Gibbons... Karamihan sa Interes mula sa kanilang pagkamalikhain ay nagpapakita sila ng mga pagkakaiba-iba sa tema ng mga sayaw at kanta.

George Frideric Handel.

Ang instrumental na musika ay nagpapahiwatig ng estilo ng kompositor, ito ay nauugnay sa mga vocal na gawa; Sa pangkalahatan, ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kinang, kalunos-lunos, density ng tunog, maligaya na solemnity, full sonority, chiaroscuro contrasts, temperament, improvisational spills.

Ang pinaka-katangiang genre para sa malikhaing imahe ay ang concerto grosso at ang konsiyerto sa pangkalahatan (para sa organ, para sa orkestra...). Pinayagan ni Handel ang isang libreng komposisyon ng cycle ng konsiyerto at hindi sumunod sa prinsipyong "mabilis-mabagal". Ang kanyang mga konsiyerto (kabilang ang para sa organ) ay puro sekular na mga gawa, na may kasamang mga bahagi ng sayaw. Ang pangkalahatang tono ay pinangungunahan ng kasiyahan, enerhiya, kaibahan, at improvisasyon.

Gumawa rin si Handel sa iba pang mga genre ng instrumental na musika: sonatas (trio sonatas), fantasies, capriccios, variations, at nagsulat ng nakakaaliw na musika (double concertos, "Water Music").

Gayunpaman, ang nangungunang lugar ng pagkamalikhain ay inookupahan ng mga sintetikong genre: opera, oratorio.

Instrumental na musika ng France.

Ang ika-17 siglo ay ang rurok sa kasaysayan ng instrumental na musika. Kasama sa treasury ng world musical culture ang mga gawa ng French harpsichord virtuosos na sina Jacques Chambonnière, Louis Coupren at François Coupren. Ang paboritong genre ay isang suite ng maliliit na dance piece na sumusunod sa isa't isa. Si F. Kupren ang lumikha ng bagong genre sa instrumental na musika rondo (ang sining ng pagtugtog ng harpsichord). Ang estilo ng harpsichord music ay nakikilala sa pamamagitan ng melodic richness, abundance of decorations, at flexible graceful ritmo.

Panghuling bahagi.

Ang impluwensya ng baroque instrumental music sa susunod na musika.

Paglipat sa panahon ng klasisismo (1740-1780)

Ang transisyonal na yugto sa pagitan ng huling Baroque at maagang klasisismo, na puno ng magkasalungat na ideya at mga pagtatangkang pag-isahin ang iba't ibang pananaw sa mundo, ay may ilang mga pangalan. Tinatawag itong "gallant style", "Rococo", "Pre-classical period" o "Early classical period". Sa loob ng ilang dekada, matagumpay pa rin ang mga kompositor na nagpatuloy sa paggawa sa istilong Baroque, ngunit hindi na sila kabilang sa kasalukuyan, kundi sa nakaraan. Natagpuan ng musika ang sarili sa isang sangang-daan: ang mga masters ng lumang istilo ay may mahusay na pamamaraan, ngunit ang publiko ay nais na ng bago. Sinasamantala ang pagnanais na ito, nakamit ni Carl Philipp Emmanuel Bach ang katanyagan: siya ay matatas sa lumang istilo, ngunit nagsumikap na i-update ito. Ang kanyang mga sonata sa keyboard ay kapansin-pansin para sa kanilang kalayaan sa istraktura at matapang na trabaho sa istraktura ng trabaho.

Sa sandaling ito ng transisyon, tumaas ang pagkakaiba sa pagitan ng sagrado at sekular na musika. Ang mga sagradong gawa ay nanatiling nakararami sa loob ng Baroque framework, habang ang sekular na musika ay nakahilig sa bagong istilo.

Lalo na sa mga bansang Katoliko sa gitnang Europa, ang istilong Baroque ay naroroon sa sagradong musika hanggang sa katapusan ng ikalabing walong siglo, tulad noong panahon nito. naka-istilong antigo Ang panahon ng Renaissance ay nagpatuloy hanggang sa unang kalahati ng ikalabimpitong siglo. Ang masa at oratorio ng Haydn at Mozart, klasikal sa kanilang orkestrasyon at dekorasyon, ay naglalaman ng maraming Baroque na pamamaraan sa kanilang counterpoint at harmonic na istruktura. Ang pagbaba ng Baroque ay sinamahan ng mahabang panahon ng magkakasamang buhay ng luma at bagong mga pamamaraan. Sa maraming lungsod sa Germany, nakaligtas ang mga kasanayan sa pagganap ng Baroque hanggang sa 1790s, halimbawa sa Leipzig, kung saan nagtrabaho si J. S. Bach sa pagtatapos ng kanyang buhay

sa Inglatera, ang namamalaging katanyagan ni Handel ay nagsiguro ng mas kaunting tagumpay mga sikat na kompositor, na nag-compose sa ngayon ay kumukupas na istilong Baroque: Charles Avison (eng. Charles Avison ), William Boyce (eng. William Boyce ) at Thomas Augustine Arne (eng. Thomas Augustine Arne ). Sa kontinental Europa nagsimula na ang istilong ito na ituring na makaluma; ang pagwawagi nito ay kinakailangan lamang para sa pagbubuo ng sagradong musika at pagtatapos sa mga lumitaw noong panahong iyon sa maraming conservatories.

Impluwensya ng Baroque techniques and techniques after 1760

Dahil marami sa Baroque na musika ang naging batayan edukasyon sa musika, ang impluwensya ng istilong Baroque ay nagpatuloy kahit na matapos ang pag-alis ng Baroque bilang isang istilo ng pagtatanghal at pagbubuo. Halimbawa, kahit na ang pagsasanay ng pangkalahatang bass ay hindi na ginagamit, nanatili itong bahagi ng musikal na notasyon. Noong ika-19 na siglo, ang mga marka ng mga master ng Baroque ay nai-print sa kumpletong mga edisyon, na humantong sa panibagong interes sa counterpoint ng "mahigpit na pagsulat" (halimbawa, ang kompositor ng Russia na si S. I. Taneyev ay nagsulat ng isang teoretikal na gawain na "Moving counterpoint of strict writing" na. sa pagtatapos ng ika-19 na siglo).

Ang ika-20 siglo ay nagbigay ng pangalan sa panahon ng Baroque. Nagsimula ang isang sistematikong pag-aaral ng musika noong panahong iyon. Ang mga anyo at istilo ng Baroque ay nakaimpluwensya sa mga magkakaibang kompositor gaya nina Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky at Bela Bartok. Ang unang bahagi ng ikadalawampu siglo ay nakakita ng muling pagkabuhay ng interes sa mga mature na kompositor ng Baroque tulad nina Henry Purcell at Antonio Vivaldi.

Ilang trabaho mga modernong kompositor ay nai-publish bilang "nawala ngunit natuklasan muli" na mga gawa ng mga Baroque masters. Halimbawa, isang viol concerto na binubuo ni Henri Casadesus (French. Henri-Gustav Casadesus ), ngunit iniuugnay niya kay Handel. O ilang mga gawa ni Fritz Kreisler (German. Fritz Kreisler ), na iniuugnay niya sa hindi kilalang baroque na kompositor na si Gaetano Pugnani (Italian. Gaetano Pugnani ) at Padre Martini (Italyano. padre Martini ). At sa simula ng XXI mga siglo, may mga kompositor na nagsusulat ng eksklusibo sa istilong Baroque, halimbawa, Giorgio Pacioni (Italian. Giorgio Pacchioni).

Noong ika-20 siglo, maraming mga gawa ang binubuo sa istilong "neo-baroque", na nakatuon sa imitasyon ng polyphony. Ito ay mga gawa ng mga kompositor tulad nina Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston at Boguslav Martinu. Ang mga musicologist ay gumagawa ng mga pagtatangka upang makumpleto ang hindi natapos na mga gawa ng mga kompositor ng Baroque (ang pinakasikat sa mga gawang ito ay ang "The Art of Fugue" ni J. S. Bach). Dahil ang musical baroque ay tanda ng isang buong panahon, kung gayon mga makabagong gawa, na nakasulat sa isang "baroque" na istilo, ay madalas na lumalabas para gamitin sa telebisyon at pelikula. Halimbawa, pinapatawa ng kompositor na si Peter Schickele ang mga klasikal at baroque na istilo sa ilalim ng pseudonym na P. D. C. Bach.

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang pagganap na may kaalaman sa kasaysayan (o "tunay na pagganap" o "authenticism") ay lumitaw. Ito ay isang pagtatangka na muling likhain nang detalyado ang istilo ng pagganap ng mga musikero ng baroque. Ang mga gawa nina Quantz at Leopold Mozart ay naging batayan para sa pag-aaral ng mga aspeto ng pagganap ng musikang Baroque. Ang tunay na pagganap ay nagpapahiwatig ng paggamit ng mga string na gawa sa sinew sa halip na metal, ang muling pagtatayo ng mga harpsichord, at ang paggamit ng mga lumang paraan ng paggawa ng tunog at mga nakalimutang diskarte sa pagtugtog. Ilang sikat na ensemble ang gumamit ng mga inobasyong ito. Ito ang Anonymous 4, ang Academy of Ancient Music, ang Boston Haydn at Handel Society, ang Academy of St. Martin in Fields, ang William Christie ensemble na "Les Arts Florissants", Le poeme harmonique, ang Catherine the Great Orchestra at iba pa.

Sa pagliko ng ika-20 at ika-21 siglo, tumaas ang interes sa Baroque music at, una sa lahat, sa Baroque opera. Ang mga kilalang mang-aawit sa opera tulad ni Cecilia Bartoli ay nagsama ng mga barok na gawa sa kanilang repertoire. Ang mga produksyon ay ginaganap sa parehong konsyerto at klasikal na bersyon.

Jazz

Ang baroque music at jazz ay may ilang karaniwang batayan. Ang Baroque na musika, tulad ng jazz, ay pangunahing isinulat para sa maliliit na ensemble (sa oras na iyon ay walang tunay na posibilidad na mag-assemble ng isang orkestra ng daan-daang musikero), na nakapagpapaalaala sa isang jazz quartet. Gayundin, ang mga gawaing Baroque ay nag-iiwan ng malawak na larangan para sa pagsasagawa ng improvisasyon. Halimbawa, maraming mga likhang tinig ng Baroque ang naglalaman ng dalawang bahaging tinig: ang unang bahagi ay inaawit/tinutugtog ayon sa tinukoy ng kompositor at pagkatapos ay inuulit, ngunit ang bokalista ay nagpapalamuti sa pangunahing himig na may mga trills, flourishes at iba pang mga palamuti. Gayunpaman, hindi tulad ng jazz, walang pagbabago sa ritmo o pangunahing melody. Ang improvisasyon sa Baroque ay nagpupuno lamang, ngunit hindi nagbabago ng anuman.

Sa loob ng cool na istilo ng jazz noong 50s ng ika-20 siglo, nagkaroon ng tendensiya na gumuhit ng mga pagkakatulad sa mga komposisyon ng jazz sa musika ng panahon ng Baroque. Ang pagkakaroon ng pagtuklas ng mga karaniwang harmonic at melodic na prinsipyo sa naturang musika at aesthetically malayong mga panahon, ang mga musikero ay nagpakita ng interes sa instrumental na musika ng J. S. Bach. Ang ilang mga musikero at ensemble ay sumunod sa landas ng pagbuo ng mga ideyang ito. Kabilang dito sina Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, ngunit higit sa lahat ang Modern Jazz Quartet, na pinamumunuan ng pianist na si John Lewis.

Konklusyon.

Ang panahon ng Baroque ay nag-iwan ng napakalaking bilang ng mga obra maestra ng kultura ng mundo, at hindi isang maliit na bahagi ng mga ito ay mga likha ng instrumental na musika.Kaya, ang Baroque ay nabubuhay sa pang-araw-araw na buhay ng musika, sa mga intonasyon at ritmo ng magaan na musika, sa kilalang-kilala "sa musika ng Vivaldi," sa mga pamantayan ng paaralan ng musikal na wika. Ang mga genre na ipinanganak sa panahon ng Baroque ay buhay at umuunlad sa kanilang sariling mga paraan: fugue, opera, cantata, prelude, sonata, concerto, aria, variations...Sa pamamagitan ng pagsubaybay at pagsusuri sa kasaysayan nito, kumbinsido ka na halos lahat ng modernong musika ay sa isang paraan o iba pang konektado sa musika ng panahon ng Baroque, nang hiwalay sa instrumental na musika. Hanggang ngayon, ang mga sinaunang music ensemble ay nililikha, at marami itong sinasabi...

Listahan ng mga mapagkukunan:

Encyclopedic Dictionary ng Brockhaus at Efron (1890-1907).

Spogin I. "Musical form." M., 1984

Sherman N. S. "Pagbuo ng isang sistemang pantay-pantay." M., 1964.

Livanova T.N., "Kasaysayan ng musika sa Kanlurang Europa hanggang 1789 (XVII siglo)", aklat-aralin sa 2 vols. T. 1. M., 1983

Rosenschild. "Ang kasaysayan ng banyagang musika hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo." M. “Musika” 1979

Kolesov. "Mga lektura sa kasaysayan ng kulturang sining ng mundo." Kiev-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Proteksiyon na sheet.

Ang panahon ng Baroque (XVII century) ay isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na panahon sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang musikal na sining ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa panahong ito, na nagsisimula na parang isang mapagpasyang punto ng pagbabago, na may isang hindi kompromiso na pakikibaka laban sa lumang "mahigpit na istilo."Ang pangingibabaw ng sekular na musika ay sa wakas ay natukoy (bagaman sa Alemanya at ilang iba pang mga bansa pinakamahalaga iniingatan ng simbahan).

Kung ikukumpara sa musika ng Renaissance, ang Baroque music ay nagiging mas kumplikado, at ang musika ng Classicism ay nagiging mas structured na may mas kaunting dekorasyon, at nagpapakita ng maraming mga emosyon, habang sa Baroque music ang isang bahagi ay nagdadala ng isa, maliwanag na iginuhit na pakiramdam.

Salamat mga mahuhusay na musikero lumalabas ang mga bagong genre ng musika, tulad ng symphony at concerto, umuunlad ang sonata, at ang fugue ay umabot sa hindi pa naganap na kasikatan Ang pinaka makabuluhang uri ng concerto ay grosso, ang genre na itobinuo sa malakas na kaibahan; Ang mga instrumento ay nahahati sa mga kalahok sa tunog ng isang buong orkestra, at sa isang mas maliit na solong grupo. Ang musika ay binuo sa matalim na mga transition mula sa malakas na tunog ng mga bahagi sa tahimik na mga, mabilis na mga sipi ay contrasted sa mabagal na mga.

Siyempre, ang duyan at sentro ng baroque instrumental music ay ang Italy, na nagbigay sa mundo ng pinakamalaking bilang ng mga makikinang na vertuoso composers (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653 -1713). Ang musika ng mga pinakadakilang kompositor na ito ay patuloy na nagpapasaya sa mga tagapakinig kahit ngayon.

Sinusubukan din ng ibang mga bansa sa Kanlurang Europa na makipagsabayan sa Italya: Germany, France, England.

Sa Germany, ang pinakamahalagang pigura ay si J.S. Si Bach, na nagbigay sa organ ng nangungunang papel sa kanyang trabaho. Ang napakalaking legacy ni Bach ay may epekto sa moral. Lumayo siya sa mga hangganan ng isang istilo, isang panahon.

Kasama sa treasury ng world musical culture ang mga gawa ng French harpsichord virtuosos na sina Jacques Chambonnière, Louis Coupren at François Coupren.

Sa larangan ng English instrumental music, naganap ang pagbuo ng keyboard school. Ang pinakakilalang kompositor ay si George Frideric Handel. Ang pinaka-katangiang genre para sa malikhaing imahe ay ang concerto grosso at ang konsiyerto sa pangkalahatan (para sa organ, para sa orkestra...). Pinayagan ni Handel ang isang libreng komposisyon ng cycle ng konsiyerto at hindi sumunod sa prinsipyong "mabilis-mabagal". Ang kanyang mga konsiyerto (kabilang ang para sa organ) ay puro sekular na mga gawa, na may kasamang mga bahagi ng sayaw.

Kasunod nito, ang instrumental na Baroque na musika ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa lahat ng kasunod na musika at ang mga karaniwang tampok ay matatagpuan kahit na sa jazz.

Kahit ngayon ay nililikha na ang mga ensemble ng sinaunang musika.

: Kanlurang European na musika noong ika-17 siglo

Ang instrumental na musika ay nabuo nang mas huli kaysa sa vocal na musika at hindi agad na nakakuha ng isang malayang lugar sa mga genre ng musika. Una, sa loob ng mahabang panahon ay pinanatili nito ang isang inilapat, iyon ay, opisyal, purong praktikal na karakter, na sinasamahan ng iba't ibang sandali sa buhay ng mga tao (mga prusisyon ng seremonyal at libing, mga bola ng korte, mga paglalakbay sa pangangaso, atbp.) Pangalawa, sa mahabang panahon Ang instrumental na musika ay direktang umaasa sa vocal music, sinasabayan ang pag-awit at subordinate dito. Halimbawa, ang tanging instrumento ng pagsamba sa Katoliko - ang organ - sa loob ng maraming siglo ay walang sariling "mukha", na nagdodoble ng pagsulat ng choral.

Sa panahon ng Renaissance (XV-XVI siglo) ang sitwasyon ay nagbago: instrumental art stepped malayo pasulong. Isang malawak na instrumental repertoire ang nilikha. Gayunpaman, karamihan sa mga instrumental na komposisyon noong panahong iyon ay hindi naiiba mula sa vocal: pinalitan lamang ng mga instrumento ang mga boses na tinig nang hindi isinasaalang-alang ang mga detalye ng mga timbre. Ang mga piyesang ito ay maaaring gumanap sa anuman mga instrumento, hangga't pinapayagan ang hanay (sa biyolin katulad ng sa trombone). Gayunpaman, sa paglipas ng mga taon, ang instrumental na musika ay lalong nagsusumikap na lumayo sa pagkopya ng mga vocal sample. At sa wakas, noong ika-17 siglo, nagkaroon ng kumpletong pagpapalaya ng instrumental na musika - ang katotohanang ito ay itinuturing na isa sa mga pangunahing tagumpay ng makasaysayang panahon na ito. Ang instrumental na musika ay nagiging isang independiyenteng larangan ng pagkamalikhain ng kompositor, at ang saklaw ng nilalaman nito ay lumalawak. Wala nang isang genre ng propesyonal na musika ang magagawa nang walang paglahok ng mga instrumentong pangmusika. Halimbawa, ang opera mula sa mga unang araw ng pagkakaroon nito ay umasa sa tunog ng orkestra.

Mayroong matinding interes sa iba't ibang tono ng musika. Nagsisimulang matanto ng mga kompositor ang masining at teknikal na kakayahan ng isang partikular na instrumento at mag-compose para sa biyolin nang iba kaysa sa organ o plauta.

Iba-iba mga istilong instrumental- , violin, - kasama ang kanilang mga tiyak na paraan ng pagpapahayag at mga diskarte sa pagganap.

Magkakaibang pambansa instrumental mga paaralan- German organists, English virginists, Spanish vihuelist, Italian violinists, atbp.

Iba-iba mga instrumental na genre sa kanilang natatanging pagtitiyak: concerto grosso, solo concert, suite, sonata, polyphonic genre (tulad ng para sa mga genre ng mga naunang panahon, wala silang malinaw na pagkakaiba: marami silang pagkakatulad, ang mga pagkakaiba sa isa't isa ay napaka kamag-anak).

Musika noong ika-17 at ika-18 siglo

Sa pagliko ng ika-16-17 siglo, ang polyphony, na nangingibabaw sa musika ng Renaissance, ay nagsimulang magbigay daan sa homophony (mula sa Griyegong "homos" - "isa", "magkapareho" at "telepono" - "tunog", "boses"). Hindi tulad ng polyphony, kung saan ang lahat ng boses ay pantay-pantay, sa homophonic polyphony ang isa ay namumukod-tangi, gumaganap ng pangunahing tema, at ang iba ay gumaganap ng papel ng saliw (accompaniment). Ang saliw ay karaniwang isang sistema ng mga kuwerdas (harmonies). Kaya ang pangalan ng bagong paraan ng pagbubuo ng musika - homophonic-harmonic.

Ang mga ideya tungkol sa musika ng simbahan ay nagbago. Ngayon ang mga kompositor ay hindi naghangad na tiyakin na ang isang tao ay tumalikod sa mga makalupang hilig, ngunit sa halip ay ipakita ang pagiging kumplikado ng kanyang mga espirituwal na karanasan. Lumitaw ang mga gawa na isinulat sa mga relihiyosong teksto o paksa, ngunit hindi nilayon para sa mandatoryong pagganap sa simbahan. (Ang ganitong mga gawa ay tinatawag na espirituwal, dahil ang salitang "espirituwal" ay may mas malawak na kahulugan kaysa sa "ekklesiastikal.") Ang mga pangunahing espirituwal na genre ng ika-17-18 na siglo. - cantata at oratorio. Ang kahalagahan ng sekular na musika ay tumaas: ito ay narinig sa korte, sa mga salon ng mga aristokrata, at sa mga pampublikong sinehan (ang unang naturang mga sinehan ay binuksan noong ika-17 siglo). Ang isang bagong uri ng musikal na sining ay lumitaw - opera.

Ang instrumental na musika ay minarkahan din ng paglitaw ng mga bagong genre, lalo na ang instrumental na konsiyerto. Ang violin, harpsichord, at organ ay unti-unting naging solong instrumento. Ang musikang isinulat para sa kanila ay nagbigay ng pagkakataon upang ipakita ang talento ng hindi lamang ng kompositor, kundi pati na rin ng tagapalabas. Ang pinahahalagahan higit sa lahat ay ang birtuosidad (ang kakayahang makayanan ang mga teknikal na paghihirap), na unti-unting naging wakas sa sarili nito at isang masining na halaga para sa maraming musikero.

Ang mga kompositor ng ika-17-18 siglo ay karaniwang hindi lamang binubuo ng musika, ngunit mahusay ding tumugtog ng mga instrumento at nakikibahagi sa mga aktibidad sa pagtuturo. Ang kapakanan ng artist ay higit na nakadepende sa partikular na customer. Bilang isang patakaran, ang bawat seryosong musikero ay naghangad na makakuha ng isang lugar alinman sa korte ng isang monarko o isang mayamang aristokrata (maraming miyembro ng maharlika ang may sariling mga orkestra o opera house) o sa isang templo. Bukod dito, ang karamihan sa mga kompositor ay madaling pinagsama ang musika ng simbahan sa serbisyo para sa isang sekular na patron.

Oratorio at cantata

Bilang isang independiyenteng genre ng musika, ang oratorio (Italian oratorio, mula sa Old Lat. oratoriyum - "panalangin") ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa Italya noong ika-16 na siglo. Nakikita ng mga musicologist ang pinagmulan ng oratorio sa liturgical drama (tingnan ang artikulong "Theater of Medieval Europe") - mga palabas sa teatro na nagsasabi tungkol sa mga kaganapan sa Bibliya.

Ang mga katulad na aksyon ay nilalaro sa mga templo - kaya ang pangalan ng genre. Sa una, ang mga oratorio ay isinulat batay sa mga teksto ng Banal na Kasulatan, at ang mga ito ay nilayon para sa pagganap sa simbahan. Noong ika-17 siglo, ang mga kompositor ay nagsimulang gumawa ng mga oratorio batay sa makabagong mga tekstong patula na may espirituwal na nilalaman. Ang istraktura ng oratorio ay malapit sa opera. Ito ay isang pangunahing gawain para sa mga solo na mang-aawit, koro at orkestra, na may dramatikong balangkas. Gayunpaman, hindi tulad ng opera, walang aksyon sa entablado sa oratorio: pinag-uusapan nito ang mga kaganapan, ngunit hindi ipinapakita ang mga ito.

Sa Italya noong ika-17 siglo. Ang isa pang genre ay lumitaw - cantata (Italian cantata, mula sa Latin canto- "Kumanta ako"). Tulad ng oratorio, ang cantata ay karaniwang ginagawa ng mga soloista, koro at orkestra, ngunit mas maikli kung ihahambing sa oratorio. Ang Cantatas ay isinulat sa espirituwal at sekular na mga teksto.

Musika ng Italya

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, nabuo ang istilong Baroque artistic sa Italya (mula sa um. barocco - "kakaiba", "kakaiba"). Ang istilong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapahayag, drama, libangan, at pagnanais para sa synthesis (kombinasyon) ng iba't ibang uri ng sining. Ang mga tampok na ito ay ganap na ipinakita sa opera, na lumitaw sa pagliko ng ika-16-17 na siglo. Ang isang gawa ay pinagsama ang musika, tula, drama at theatrical painting Sa una, ang opera ay may ibang pangalan: "drama para sa musika" (Italian: dramma per musica); ang salitang "opera" (Italian opera - "komposisyon") ay lumitaw lamang sa kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang ideya ng "drama para sa musika" ay ipinanganak sa Florence, sa artistikong bilog ng Florentine Camerata. Ang mga pagpupulong ng bilog ay ginanap sa isang silid (mula sa Italian camera - "kuwarto"), kapaligiran sa bahay. Mula 1579 hanggang 1592, ang mga naliwanagang mahilig sa musika, makata, at siyentipiko ay nagtipon sa bahay ni Count Giovanni Bardi. Dinalaw din ito ng mga propesyonal na musikero - mga mang-aawit at kompositor na sina Jacopo Peri (1561 - 1633) at Giulio Caccini (mga 1550-1618), theorist at kompositor na si Vincenzo Galilei (mga 1520-1591), ama ng sikat na siyentipiko na si Galileo Galilei.

Ang mga kalahok ng Florentine Camerata ay nababahala tungkol sa pag-unlad ng musikal na sining. Nakita nila ang hinaharap nito sa kumbinasyon ng musika at drama: ang mga teksto ng naturang mga gawa (hindi katulad ng mga teksto ng kumplikadong choral polyphonic chants noong ika-16 na siglo) ay mauunawaan ng nakikinig.

Natagpuan ng mga miyembro ng bilog ang perpektong kumbinasyon ng mga salita at musika sa sinaunang teatro: ang mga tula ay binibigkas sa isang awit, bawat salita, bawat pantig ay malinaw na tunog. Ito ay kung paano ang Florentine Camerata ay nagkaroon ng ideya ng solong pag-awit na sinamahan ng isang instrumento - monody (mula sa Griyego na "monos" - "isa" at "ode" - "kanta"). Ang bagong istilo ng pag-awit ay nagsimulang tawaging recitative (mula sa Italian recitare - "to recite"): sinundan ng musika ang teksto at ang pag-awit ay isang monotonous na pagbigkas. Ang mga musikal na intonasyon ay hindi kahanga-hanga - ang diin ay sa malinaw na pagbigkas ng mga salita, at hindi sa paghahatid ng damdamin ng mga tauhan.

Ang mga sinaunang opera ng Florentine ay binubuo sa mga paksa mula sa sinaunang mitolohiya. Ang mga unang gawa ng bagong genre na dumating sa amin ay dalawang opera na may parehong pangalan na "Eurydice" ng mga kompositor na sina Peri (1600) at Caccini (1602). Nilikha sila batay sa mitolohiya ni Orpheus. Ang pag-awit ay sinamahan ng isang instrumental ensemble, na binubuo ng isang cembalo (ang hinalinhan ng piano), lira, lute, gitara, atbp.

Ang mga bayani ng mga unang opera ay pinasiyahan ng kapalaran, at ang kalooban nito ay ipinahayag ng mga mensahero. Ang aksyon ay nagbukas sa isang paunang salita kung saan ang mga birtud at kapangyarihan ng sining ay niluwalhati. Ang mga karagdagang pagtatanghal ay kinabibilangan ng mga vocal ensembles (mga numero ng opera kung saan ang ilang mga kalahok ay kumanta nang sabay-sabay), isang koro, at mga yugto ng sayaw. Ang komposisyon ng musika ay itinayo sa kanilang paghahalili.

Ang Opera ay nagsimulang umunlad nang mabilis, at pangunahin bilang musika sa korte. Ang maharlika ay tumangkilik sa sining, at ang gayong pangangalaga ay ipinaliwanag hindi lamang sa pamamagitan ng pag-ibig sa kagandahan: ang kasaganaan ng sining ay itinuturing na isang obligadong katangian ng kapangyarihan at kayamanan. Ang mga malalaking lungsod sa Italya - Roma, Florence, Venice, Naples - ay may sariling mga paaralan ng opera.

Ang pinakamahusay na mga tampok ng iba't ibang mga paaralan - pansin sa patula salita (Florence), seryosong espirituwal na mga overtones ng pagkilos (Roma), monumentality (Venice) - ay pinagsama sa kanyang trabaho ni Claudio Monteverdi (1567-1643). Ang kompositor ay ipinanganak sa lungsod ng Cremona ng Italya sa pamilya ng isang doktor. Si Monteverdi ay umunlad bilang isang musikero sa kanyang kabataan. Sumulat siya at gumanap ng mga madrigal; tumugtog ng organ, viol at iba pang instrumento. Nag-aral si Monteverdi ng pagbubuo ng musika mula sa mga sikat na kompositor noong panahong iyon. Noong 1590, bilang isang mang-aawit at musikero, inanyayahan siya sa Mantua, sa korte ni Duke Vincenzo Gonzaga; kalaunan ay tumungo siya sa kapilya ng korte. Noong 1612 iniwan ni Monteverdi ang kanyang serbisyo sa Mantua at mula 1613 ay nanirahan sa Venice. Maraming salamat sa Monteverdi, ang unang pampublikong opera house sa mundo ay binuksan sa Venice noong 1637. Doon pinamunuan ng kompositor ang kapilya ng San Marco Cathedral. Bago ang kanyang kamatayan, kinuha ni Claudio Monteverdi ang mga banal na utos.

Napag-aralan ang gawain nina Peri at Caccini, nilikha ni Monteverdi ang kanyang sariling mga gawa ng genre na ito. Nasa mga unang opera - "Orpheus" (1607) at "Ariadne" (1608) - ang kompositor ay pinamamahalaang upang maihatid ang malalim at madamdamin na damdamin sa pamamagitan ng musikal na paraan, upang lumikha ng matinding dramatikong aksyon. Si Monteverdi ang may-akda ng maraming opera, ngunit tatlo lamang ang nakaligtas - Orpheus, The Return of Ulysses to his Homeland (1640; base sa sinaunang Greek epic na tula na Odyssey) at The Coronation of Poppea (1642).

Ang mga gawa ni Monteverdi ay magkakasuwato na pinagsama ang musika at teksto. Ang mga opera ay batay sa isang monologo kung saan ang bawat salita ay malinaw na tunog, at ang musika ay may kakayahang umangkop at banayad na naghahatid ng mga kakulay ng mood. Ang mga monologo, diyalogo at mga yugto ng koro ay maayos na dumadaloy sa isa't isa, ang aksyon ay dahan-dahang umuunlad (mayroong tatlo o apat na kilos sa mga opera ni Monteverdi), ngunit pabago-bago. Ang kompositor ay nagtalaga ng isang mahalagang papel sa orkestra. Sa Orpheus, halimbawa, ginamit niya ang halos lahat ng instrumentong kilala noong panahong iyon. Ang musikang orkestra ay hindi lamang sumasaliw sa pag-awit, kundi mismong nagsasabi tungkol sa mga kaganapang nagaganap sa entablado at ang mga karanasan ng mga tauhan. Sa "Orpheus" isang overture (French ouverture, o Latin apertura - "pagbubukas", "simula") - isang instrumental na pagpapakilala sa isang pangunahing gawaing musikal - lumitaw sa unang pagkakataon. Ang mga opera ni Claudio Monteverdi ay may malaking impluwensya sa mga kompositor ng Venetian at inilatag ang mga pundasyon ng paaralan ng opera ng Venetian.

Si Monteverdi ay nagsulat hindi lamang ng mga opera, kundi pati na rin ang sagradong musika, relihiyon at sekular na mga madrigal. Siya ang naging unang kompositor na hindi nag-contrast ng polyphonic at homophonic na pamamaraan - kasama sa mga choral episodes ng kanyang mga opera ang polyphonic techniques. Sa trabaho ni Monteverdi, ang bago ay pinagsama sa luma - ang mga tradisyon ng Renaissance.

Sa simula ng ika-18 siglo. Isang opera school ang itinatag sa Naples. Ang mga kakaiba ng paaralang ito ay nadagdagan ng pansin sa pagkanta at ang nangingibabaw na papel ng musika. Sa Naples nilikha ang istilo ng boses ng bel canto (Italian bel canto - "magandang pag-awit"). Ang Bel Canto ay sikat sa pambihirang kagandahan ng tunog, melody at teknikal na pagiging perpekto. Sa mataas na rehistro (saklaw ng boses), ang pag-awit ay nakikilala sa pamamagitan ng liwanag at transparency ng timbre, sa mababang rehistro - makinis na lambot at density. Ang tagapalabas ay kailangang makapag-reproduce ng maraming shade ng voice timbre, pati na rin ang mahusay na paghahatid ng maraming mabilis na pagkakasunud-sunod ng mga tunog na nakapatong sa pangunahing melody - coloratura (Italian coloratura - "dekorasyon"). Ang isang espesyal na kinakailangan ay ang kapantay ng tunog ng boses - ang paghinga ay hindi dapat marinig sa mabagal na melodies.

Noong ika-18 siglo, ang opera ay naging pangunahing anyo ng musikal na sining sa Italya, na pinadali ng mataas na propesyonal na antas ng mga mang-aawit na nag-aral sa mga conservatories (Italian conservatorio, err Latin conserve - "I protect") - mga institusyong pang-edukasyon na nagsanay ng mga musikero. Sa oras na iyon, apat na conservatories ang nilikha sa mga sentro ng Italian opera art - Venice at Naples. Ang katanyagan ng genre ay na-promote din ng mga opera theater na nagbukas sa iba't ibang lungsod ng bansa, na naa-access sa lahat ng mga segment ng lipunan. Ang mga Italyano na opera ay itinanghal sa mga sinehan sa mga pangunahing kabisera ng Europa, at ang mga kompositor mula sa Austria, Alemanya at iba pang mga bansa ay nagsulat ng mga opera batay sa mga tekstong Italyano.

Ang mga nagawa ng musikang Italyano noong ika-17-18 siglo ay makabuluhan. at sa larangan ng mga instrumental na genre. Malaki ang ginawa ng kompositor at organista na si Girolamo Frescobaldi (1583-1643) para sa pagbuo ng pagkamalikhain ng organ. "Sa musika ng simbahan, inilatag niya ang pundasyon para sa isang bagong istilo. Ang kanyang mga komposisyon para sa organ ay mga detalyadong komposisyon ng isang pantasya (libre) kalikasan. Si Frescobaldi ay naging tanyag sa kanyang birtuoso na pagtugtog at ang sining ng improvisasyon sa organ at clavier. Ang sining ng biyolin ay umunlad sa panahong iyon, ang mga tradisyon ng paggawa ng biyolin ay nabuo sa Italya, ang mga namamanang manggagawa ng mga pamilyang Amati, Guarneri, Stradivari mula sa lungsod ng Cremona, ang mga pamamaraan ng paggawa nito, na pinananatiling malalim. lihim at ipinasa mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon Ang mga instrumento na ginawa ng mga master na ito ay may kamangha-manghang maganda, mainit na tunog, na katulad ng boses ng tao ay naging laganap bilang isang ensemble at solong instrumento.

Ang nagtatag ng Roman violin school ay si Arcangelo Corelli (1653-1713), isa sa mga tagalikha ng concerto grosso genre (um. concerto grosso - "malaking konsiyerto"). Ang konsiyerto ay karaniwang nagsasangkot ng solong instrumento (o grupo ng mga instrumento) at isang orkestra. Ang "Grand Concert" ay batay sa paghahalili ng mga solong yugto at ang tunog ng buong orkestra, na noong ika-17 siglo ay kamara at nakararami ang string orkestra. Sa Corelli, ang mga solo ay halos violin at cello. Ang kanyang mga konsyerto ay binubuo ng mga bahagi ng iba't ibang kalikasan; ang kanilang numero ay arbitrary.

Isa sa mga natatanging masters ng violin music ay si Antonio Vivaldi (1678-1741). Siya ay naging tanyag bilang isang makikinang na violin virtuoso.

Ang kanyang mga kontemporaryo ay naaakit sa kanyang dramatikong istilo ng pagganap, na puno ng mga hindi inaasahang kaibahan. Ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng Corelli, ang kompositor ay nagtrabaho sa genre na "grand concerto". Napakalaki ng bilang ng mga akdang kanyang isinulat - apat na raan at animnapu't limang konsiyerto, apatnapung opera, cantata at oratorio.

Kapag lumilikha ng mga konsyerto, nagsusumikap si Vivaldi para sa maliwanag at hindi pangkaraniwang mga tunog. Pinaghalo niya ang mga timbre ng iba't ibang instrumento, kadalasang kasama ang mga dissonance (matalim na katinig) sa musika; pinili niya ang mga bihirang instrumento noong panahong iyon bilang mga soloista - bassoon, mandolin (tinuturing na instrumento sa kalye). Ang mga konsyerto ni Vivaldi ay binubuo ng tatlong paggalaw, kung saan ang una at huling ginanap sa isang mabilis na tempo, at ang gitna ay sa isang mabagal na tempo. Maraming mga konsiyerto sa Vivaldi ang may programa - isang pamagat o kahit isang dedikasyon sa panitikan. Ang cycle na "The Seasons" (1725) ay isa sa mga pinakaunang halimbawa ng programang orchestral music. Ang apat na konsyerto ng siklo na ito - "Spring", "Summer", "Autumn", "Winter" - nagpinta ng mga makukulay na larawan ng kalikasan. Nagawa ni Vivaldi na ihatid sa musika ang pag-awit ng mga ibon ("Spring", unang paggalaw), mga bagyo ("Tag-init", ikatlong paggalaw), at ulan ("Taglamig", pangalawang paggalaw). Ang birtuosidad at teknikal na pagiging kumplikado ay hindi nakagambala sa tagapakinig, ngunit nag-ambag sa paglikha ng isang di malilimutang imahe. Ang gawain ng konsiyerto ni Vivaldi ay naging matingkad na sagisag sa instrumental na musika ng istilong Baroque.

Operaseria at operabuffa

Noong ika-18 siglo ganyan mga genre ng opera, bilang opera seria (Italian opera seria - "seryosong opera") at opera buffa (Italian opera buffa - "comic opera"). Itinatag ng Operaseria ang sarili sa gawain ni Alessandro Scarlatti (1660-1725), ang tagapagtatag at pinakamalaking kinatawan ng Neapolitan opera school. Sa panahon ng kanyang buhay siya ay binubuo ng higit sa isang daang tulad ng mga gawa. Para sa operaseria ay kadalasang pinipili nila ang isang mitolohiya o makasaysayang balangkas. Binuksan ito ng isang overture at binubuo ng mga natapos na numero - arias, recitatives at chorus. Pangunahing tungkulin naglaro sila ng malalaking aria; karaniwang binubuo sila ng tatlong bahagi, na ang pangatlo ay pag-uulit ng una. Sa arias, ipinahayag ng mga bayani ang kanilang saloobin sa mga pangyayaring nagaganap.

Lumitaw ang ilang uri ng arias: heroic, pathetic (passionate), plaintive, atbp. Para sa bawat isa, isang tiyak na hanay ng mga paraan ng pagpapahayag ang ginamit: sa heroic arias - mapagpasyahan, nakakaakit na mga intonasyon, masayang ritmo; sa mga malungkot - maikli, pasulput-sulpot na mga pariralang musikal na nagpapakita ng kaguluhan ng bayani, atbp. Ang mga recitative, maliliit na fragment, ay nagsisilbing bumuo ng dramatikong salaysay, na parang inuusad ito. Tinalakay ng mga bayani ang mga plano para sa karagdagang mga aksyon at sinabi sa isa't isa ang tungkol sa mga pangyayaring nangyari. Ang mga recitative ay nahahati sa dalawang uri: secco (mula sa Italian secco - "tuyo") - isang mabilis na patter sa ilalim ng mga kalat-kalat na chord ng harpsichord, at accompaniato (Italian assotraniato - "may saliw") - isang nagpapahayag na pagbigkas sa tunog ng isang orkestra. Si Secco ay kadalasang ginagamit sa pagbuo ng aksyon, habang ang accompaniato ay ginagamit upang ihatid ang mga saloobin at damdamin ng bayani. Ang mga koro at vocal ensemble ay nagkomento sa kung ano ang nangyayari, ngunit hindi nakibahagi sa mga kaganapan.

Ang bilang ng mga kumikilos na linya ay nakasalalay sa uri ng balangkas at mahigpit na tinukoy; ang parehong naaangkop sa mga relasyon sa pagitan ng mga character. Ang mga uri ng solo vocal number at ang kanilang lugar sa aksyon sa entablado ay naitatag. Ang bawat karakter ay may sariling timbre ng boses: ang mga liriko na bayani - soprano at tenor, ang marangal na ama o kontrabida - baritone o bass, ang nakamamatay na pangunahing tauhang babae - contralto.

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang mga pagkukulang ng opera seria ay naging halata. Ang pagtatanghal ay madalas na nag-time na tumutugma sa mga pagdiriwang ng korte, kaya ang trabaho ay kailangang tapusin nang masaya, na kung minsan ay mukhang hindi kapani-paniwala at hindi natural. Kadalasan ang mga teksto ay isinulat sa artipisyal, sopistikadong wika. Minsan napapabayaan ng mga kompositor ang nilalaman at sumulat ng musika na hindi tumutugma sa katangian ng sienna o sitwasyon; maraming cliches at hindi kinakailangang panlabas na epekto ang lumitaw. Ipinakita ng mga mang-aawit ang kanilang sariling birtuosidad, nang hindi iniisip ang papel ng aria sa gawain sa kabuuan. Ang operaseria ay nagsimulang tawaging isang "konsiyerto sa mga kasuotan." Ang publiko ay hindi nagpakita ng seryosong interes sa opera mismo, ngunit nagpunta sa mga pagtatanghal para sa "korona" aria ng sikat na mang-aawit; Sa panahon ng aksyon, ang mga manonood ay pumasok at umalis sa bulwagan.

Ang Operabuffa ay nabuo din ng mga Neapolitan masters. Ang unang klasikong halimbawa ng naturang opera ay ang "The Lady's Servant" (1733) ng kompositor na si Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Kung sa operaseria ay may mga aria sa harapan, sa opera buffa ay may mga sinasalitang diyalogo, na kahalili ng vocal ensembles. Ang Operebuffa ay may ganap na magkakaibang mga pangunahing tauhan. Ito ay, bilang isang patakaran, mga ordinaryong tao - mga tagapaglingkod, mga magsasaka. Ang balangkas ay batay sa isang nakakaaliw na intriga na may mga pagbabalatkayo, niloloko ng mga katulong ang isang hangal na mayamang may-ari, atbp. Ang musika ay nangangailangan ng kaaya-ayang gaan, at ang aksyon ay nangangailangan ng bilis.

Ang Italian playwright at lumikha ng pambansang komedya na si Carlo Goldoni ay may malaking impluwensya sa operabuffa. Ang pinaka-matalino, buhay na buhay at makulay na mga gawa ng genre na ito ay nilikha ng mga kompositor ng Neapolitan: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Cecchina, o ang Mabuting Anak na Babae" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "The Barber of Seville" (1782), "The Miller's Wife" (1788); mang-aawit, biyolinista, harpsichordist at kompositor na si Domenico Cimarosa (1749-1801) - "The Secret Marriage" (1792).

Nakayukong mga instrumentong kuwerdas

Ang mga nauna sa modernong string instruments - violin, viola, cello at double bass - ay mga viols. Lumitaw sila sa pagtatapos ng ika-15 - simula ng ika-16 na siglo. at sa lalong madaling panahon, salamat sa kanilang malambot at banayad na tunog, nagsimula silang gumanap ng isang nangungunang papel sa mga orkestra.

Unti-unti, ang mga viols ay pinalitan ng bago, mas advanced na mga instrumentong pangkuwerdas na nakayuko. Noong ika-16-17 siglo, ang buong paaralan ng mga master ay nagtrabaho sa kanilang paglikha. Ang pinakatanyag sa kanila ay ang mga dinastiya ng mga gumagawa ng biyolin na lumitaw sa hilaga ng Italya - sa mga lungsod ng Cremona at Brescia.

Ang nagtatag ng paaralan ng Cremona ay si Andrea Amati (mga 1520 - mga 1580). Si Nicolo Amati (1596-1684), ang kanyang apo, ay naging tanyag lalo na sa kanyang sining. Ginawa niyang halos perpekto ang istraktura ng biyolin, pinahusay ang tunog ng instrumento; kasabay nito, napanatili ang lambot at init ng timbre. Ang pamilyang Guarneri ay nagtrabaho sa Cremona noong ika-17-18 siglo. Ang nagtatag ng dinastiya ay si Andrea Guarneri (1626-1698), isang estudyante ni Nicolo Amati. Ang namumukod-tanging master na si Azuseppe Guarneri (1698-1744) ay nakabuo ng bagong modelo ng violin, naiiba sa instrumentong Amati.

Ang mga tradisyon ng paaralang Amati ay ipinagpatuloy ni Antonio Stradivari (1644-1737). Nag-aral siya kay Nicolo Amati, at noong 1667 nagbukas siya ng sarili niyang negosyo. Si Stradivari, higit sa iba pang mga masters, ay nagawang ilapit ang tunog ng violin sa timbre ng boses ng tao.

Ang pamilya Magini ay nagtrabaho sa Bresha; ang pinakamahusay na biyolin ay nilikha ni Giovanni Magini (1580-1630 o 1632).

Ang pinakamataas na instrumento ng string ng rehistro ay ang byolin. Sinusundan ito sa pagkakasunud-sunod ng pagbaba ng hanay ng tunog sa pamamagitan ng viola, cello, at double bass. Ang hugis ng katawan (o resonant box) ng violin ay kahawig ng balangkas ng katawan ng tao. Ang katawan ay may tuktok at ilalim na deck (German Decke - "lid"), ang una ay gawa sa spruce, at ang pangalawa ay maple. Ang mga deck ay nagsisilbing sumasalamin at nagpapalakas ng tunog. Sa tuktok ay may mga butas ng resonator (sa anyo ng Latin na letrang f; hindi nagkataon na tinawag silang "f-hole"). Ang leeg ay nakakabit sa katawan; ito ay kadalasang gawa sa ebony. Ito ay isang mahabang makitid na plato kung saan ang apat na mga string ay nakaunat. Ang mga peg ay ginagamit sa pag-igting at pag-tune ng mga string; nasa fingerboard din sila.

Ang viola, cello at double bass ay katulad ng istraktura sa violin, ngunit mas malaki. Hindi masyadong malaki ang viola, nakahawak ito sa balikat. Ang cello ay mas malaki kaysa sa viola, at kapag tumutugtog, ang musikero ay nakaupo sa isang upuan at inilalagay ang instrumento sa sahig, sa pagitan ng kanyang mga binti. Ang double bass ay mas malaki kaysa sa cello, kaya ang performer ay kailangang tumayo o umupo sa isang mataas na stool at ilagay ang instrumento sa harap niya. Habang tumutugtog, ang musikero ay gumagalaw ng busog kasama ang mga kuwerdas, na isang kahoy na tungkod na may nakaunat na buhok ng kabayo; ang string ay nag-vibrate at gumagawa ng isang malambing na tunog. Ang kalidad ng tunog ay nakasalalay sa bilis ng paggalaw ng busog at ang puwersa kung saan pinindot nito ang string. Gamit ang mga daliri ng kanyang kaliwang kamay, pinaikli ng tagapalabas ang string, pinindot ito sa iba't ibang lugar laban sa fingerboard - sa ganitong paraan nakakamit niya ang iba't ibang mga pitch ng tunog. Sa mga instrumentong may ganitong uri, ang tunog ay maaari ding gawin sa pamamagitan ng pagbunot o paghampas sa string gamit ang kahoy na bahagi ng busog. Ang tunog ng nakayukong mga kuwerdas ay napaka-nagpapahayag;