Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang Romantisismo sa pagpipinta ay isang pilosopikal at kultural na kilusan sa sining ng Europa at Amerika noong huling bahagi ng ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang batayan para sa pag-unlad ng istilo ay sentimentalismo sa panitikan ng Alemanya, ang lugar ng kapanganakan ng romantikismo. Ang direksyon na binuo sa Russia, France, England, Spain at iba pang mga European bansa.

Kwento

Sa kabila ng mga unang pagtatangka ng mga pioneer na sina El Greco, Elsheimer at Claude Lorrain, ang istilo na kilala natin bilang Romantisismo ay hindi nakakuha ng lakas hanggang sa halos katapusan ng ika-18 siglo, nang ang kabayanihan na elemento ng neoclassicism ay nagkaroon ng malaking papel sa sining ng panahon. .

Ang mga kuwadro ay nagsimulang magpakita ng isang heroic-romantic ideal na batay sa mga nobela noong panahong iyon. Ang kabayanihang elementong ito, na sinamahan ng rebolusyonaryong ideyalismo at emosyonalidad, ay bumangon bilang resulta ng Rebolusyong Pranses bilang isang reaksyon laban sa pinigilan na sining sa akademya.

Pagkatapos ng Rebolusyong Pranses noong 1789, naganap ang mga makabuluhang pagbabago sa lipunan sa loob ng ilang taon. Ang Europa ay niyanig ng mga krisis pampulitika, mga rebolusyon at mga digmaan. Nang magpulong ang mga pinuno sa Kongreso ng Vienna upang magplano ng plano para sa muling pagsasaayos ng mga gawain sa Europa pagkatapos ng Napoleonic Wars, naging malinaw na ang pag-asa ng mga tao para sa kalayaan at pagkakapantay-pantay ay hindi natupad. Gayunpaman, sa loob ng 25 taon na ito, nabuo ang mga bagong ideya na nag-ugat sa isipan ng mga tao sa France, Spain, Russia, at Germany.

Ang paggalang sa indibidwal, na isa nang pangunahing elemento sa neoclassical na pagpipinta, ay nabuo at nag-ugat. Ang mga pagpipinta ng mga artista ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang emosyonalidad at senswalidad sa paghahatid ng imahe ng indibidwal. Sa simula ng ika-19 na siglo, ang iba't ibang istilo ay nagsimulang magpakita ng mga katangian ng Romantisismo.

Mga layunin

• Ang mga paniniwala at layunin ng Romantisismo ay kinabibilangan ng:
• Paniniwala sa kabutihan ng sangkatauhan at ang pinakamahusay na mga katangian ng indibidwal;
• Hustisya para sa lahat - ang ideya ay laganap sa Russia, France, Spain, England.

Isang matatag na paniniwala sa kapangyarihan ng damdamin at emosyon na nangingibabaw sa isip at talino.

Mga kakaiba

Mga tampok na katangian ng estilo:

1. Ang idealisasyon ng nakaraan at ang pangingibabaw ng mga tema ng mitolohiya ay naging nangungunang linya sa gawain ng ika-19 na siglo.
2. Pagtanggi sa rasyonalismo at dogma ng nakaraan.
3. Nadagdagang pagpapahayag sa pamamagitan ng mga paglalaro ng liwanag at kulay.
4. Ang mga kuwadro ay naghatid ng liriko na pangitain sa mundo.
5. Pagtaas ng interes sa mga paksang etniko.

Ang mga romantikong pintor at eskultor ay may posibilidad na magpahayag ng emosyonal na tugon sa personal na buhay, sa kaibahan sa pagpigil at unibersal na mga halaga na itinataguyod ng neoclassical na sining. Ang ika-19 na siglo ay minarkahan ang simula ng pag-unlad ng romanticism sa arkitektura, bilang ebedensya sa pamamagitan ng katangi-tanging Victorian gusali.

Mga pangunahing kinatawan

Kabilang sa mga pinakadakilang romantikong pintor noong ika-19 na siglo ay ang mga kinatawan tulad ng I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. Ang romantikong sining ay hindi pumalit sa neoclassical na istilo, ngunit gumana bilang isang panimbang sa dogmatismo at katigasan ng huli.

Ang romantikismo sa pagpipinta ng Russia ay kinakatawan ng mga gawa ni V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Sinikap ng mga pintor ng Russia na ihatid ang kalikasan bilang emosyonal hangga't maaari.
Ang ginustong genre sa mga Romantics ay landscape. Ang kalikasan ay nakita bilang isang salamin ng kaluluwa, at sa Alemanya ito ay nakikita rin bilang isang simbolo ng kalayaan at kawalang-hanggan. Ang mga artista ay naglalagay ng mga larawan ng mga tao laban sa background mga rural na lugar o urban, seascape. Sa romanticism sa Russia, France, Spain, Germany, ang imahe ng isang tao ay hindi nangingibabaw, ngunit pinupunan ang balangkas ng larawan.

Ang mga motif ng Vanitas tulad ng mga patay na puno at tinutubuan na mga guho ay sikat, na sumasagisag sa transience at may hangganan na kalikasan ng buhay. Ang mga katulad na motif ay umiral nang mas maaga sa sining ng Baroque: hiniram ng mga artista ang obra na may liwanag at pananaw sa mga katulad na painting mula sa mga Baroque na pintor.

Mga Layunin ng Romantisismo: Ang artista ay nagpapakita ng isang pansariling pananaw sa layunin ng mundo, at nagpapakita ng isang larawang na-filter sa pamamagitan ng kanyang kahalayan.

Sa iba't ibang bansa

Romantisismo ng Aleman noong ika-19 na siglo (1800 - 1850)

Sa Germany, isang nakababatang henerasyon ng mga artista ang tumugon sa pagbabago ng mga panahon na may proseso ng pagsisiyasat: umatras sila sa isang mundo ng mga emosyon, na inspirasyon ng mga sentimental na adhikain para sa mga mithiin ng mga nakaraang panahon, lalo na ang medieval na panahon, na ngayon ay nakikita bilang isang panahon. kung saan ang mga tao ay namuhay nang naaayon sa kanilang sarili at kapayapaan. Sa kontekstong ito, ang mga painting ni Schinkel, tulad ng Gothic Cathedral on the Water, ay kinatawan at katangian ng panahon.

Sa kanilang pananabik para sa nakaraan, ang mga romantikong artista ay napakalapit sa mga neoclassicist, maliban na ang kanilang historicism ay pinuna ang rationalistic dogma ng neoclassicism. Ang mga neoclassical artist ay nagtakda ng mga sumusunod na gawain: tumingin sila sa nakaraan upang bigyang-katwiran ang kanilang pagiging irrationality at emosyonalidad, at pinanatili ang mga akademikong tradisyon ng sining sa paghahatid ng katotohanan.

Romantisismo ng Espanyol noong ika-19 na siglo (1810 - 1830)

Si Francisco de Goya ay ang hindi mapag-aalinlanganang pinuno ng kilusang Romantikong sining sa Espanya, ang kanyang mga pagpipinta ay nagpapakita ng mga katangiang katangian: isang pagkahilig sa hindi makatwiran, pantasya, emosyonalidad. Noong 1789, siya ay naging opisyal na pintor ng korte ng hari ng Espanya.

Noong 1814, bilang parangal sa pag-aalsa ng mga Espanyol laban sa mga tropang Pranses sa Puerta del Sol, Madrid, at sa pamamaril sa mga walang armas na Kastila na pinaghihinalaang kasabwat, nilikha ni Goya ang isa sa kanyang pinakadakilang obra maestra, Ang Ikatlo ng Mayo. Mga kilalang gawa: "Mga Kalamidad ng Digmaan", "Caprichos", "Nude Macha".

Ang romantikong Pranses noong ika-19 na siglo (1815 - 1850)

Pagkatapos ng Napoleonic Wars, muling naging monarkiya ang French Republic. Ito ay humantong sa isang malaking pagtulak ng Romantisismo, na hanggang ngayon ay pinipigilan ng pangingibabaw ng mga Neoclassical. Hindi nililimitahan ng mga Pranses na artista ng Romantikong panahon ang kanilang sarili sa genre ng landscape na nagtrabaho sila sa genre ng portrait art. Ang pinakakilalang kinatawan ng istilo ay sina E. Delacroix at T. Gericault.

Romantisismo sa Inglatera (1820 – 1850)

Ang teorista at pinakakilalang kinatawan ng istilo ay si I. Fusli.
Si John Constable ay kabilang sa Ingles na tradisyon ng Romantisismo. Hinahangad ng tradisyong ito ang balanse sa pagitan ng malalim na sensitivity sa kalikasan at pag-unlad sa agham ng pagpipinta at mga graphic. Tinalikuran ni Constable ang dogmatikong paglalarawan ng kalikasan; ang mga painting ay nakikilala dahil sa paggamit ng mga color spot para ihatid ang realidad, na naglalapit sa gawa ni Constable sa sining ng impresyonismo.

Ang mga kuwadro na gawa ni William Turner, isa sa mga pinakadakilang English artist ng romanticism, ay sumasalamin sa pananabik na obserbahan ang kalikasan bilang isa sa mga elemento ng pagkamalikhain. Ang mood ng kanyang mga pagpipinta ay nilikha hindi lamang sa pamamagitan ng kung ano ang kanyang inilalarawan, kundi pati na rin sa paraan ng artist na nagbibigay ng kulay at pananaw.

Kahulugan sa sining

Ang romantikong istilo ng pagpipinta noong ika-19 na siglo at ang mga espesyal na tampok nito ay nagpasigla sa paglitaw ng maraming paaralan, tulad ng: ang Barbizon school, plein air landscapes, at ang Norwich school of landscape painters. Ang romantikismo sa pagpipinta ay nakaimpluwensya sa pag-unlad ng aestheticism at simbolismo. Ang pinaka-maimpluwensyang mga pintor ay lumikha ng kilusang Pre-Raphaelite. Sa Russia at Kanlurang Europa, naimpluwensiyahan ng romantikismo ang pag-unlad ng avant-garde at impresyonismo.

Sanaysay sa pagsusulit

Paksa: "Romanticism bilang isang kilusan sa sining."

Nakumpleto mag-aaral ng klase 11 "B" ng paaralan No

Boyright Anna

Guro sa Sining ng Daigdig

kultura Butsu T.N.

Brest 2002

1. Panimula

2. Mga dahilan ng paglitaw ng romantikismo

3. Mga pangunahing tampok ng romantikismo

4. Romantikong bayani

5. Romantisismo sa Russia

a) Panitikan

b) Pagpinta

c) Musika

6. Kanlurang Europeong romantikismo

a) Pagpipinta

b) Musika

7. Konklusyon

8. Mga Sanggunian

1. PANIMULA

Kung titingnan mo ang paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, makakahanap ka ng ilang mga kahulugan ng salitang "romantisismo": 1. Isang kilusan sa panitikan at sining ng unang quarter ng ika-19 na siglo, na nailalarawan sa idealization ng nakaraan, paghihiwalay mula sa realidad, at ang kulto ng personalidad at tao. 2. Isang kilusan sa panitikan at sining, na puno ng optimismo at pagnanais na ipakita sa matingkad na mga larawan ang mataas na layunin ng tao. 3. Isang estado ng pag-iisip na puno ng ideyalisasyon ng katotohanan at panaginip na pagmumuni-muni.

Tulad ng makikita mula sa kahulugan, ang romantisismo ay isang kababalaghan na nagpapakita ng sarili hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, pananamit, pamumuhay, sikolohiya ng mga tao at bumangon sa mga pagbabago sa buhay, samakatuwid ang tema ng romantikismo ay may kaugnayan pa rin ngayon. Nabubuhay tayo sa turn of the century, nasa transitional stage na tayo. Kaugnay nito, sa lipunan ay may kakulangan ng pananampalataya sa hinaharap, pagkawala ng pananampalataya sa mga mithiin, isang pagnanais na tumakas mula sa nakapaligid na katotohanan sa mundo ng sariling mga karanasan at sa parehong oras upang maunawaan ito. Ito ang mga tampok na nagpapakilala romantikong sining. Iyon ang dahilan kung bakit pinili ko ang paksang "Romantisismo bilang isang kilusan sa sining" para sa pananaliksik.

Ang Romantisismo ay isang napakalaking layer ng iba't ibang uri ng sining. Ang layunin ng aking trabaho ay upang masubaybayan ang mga kondisyon ng pinagmulan at mga dahilan para sa paglitaw ng romantikismo sa iba't ibang mga bansa, upang galugarin ang pag-unlad ng romantisismo sa mga anyo ng sining tulad ng panitikan, pagpipinta at musika, at upang ihambing ang mga ito. Ang pangunahing gawain para sa akin ay upang i-highlight ang mga pangunahing tampok ng romantikismo, katangian ng lahat ng uri ng sining, upang matukoy kung ano ang impluwensya ng romantikismo sa pag-unlad ng iba pang mga paggalaw sa sining.

Sa pagbuo ng paksa, gumamit ako ng mga aklat-aralin sa sining, mga may-akda tulad ng Filimonova, Vorotnikov at iba pa, mga publikasyong ensiklopediko, mga monograp na nakatuon sa iba't ibang mga may-akda ng panahon ng Romantiko, mga biograpikong materyales ng mga may-akda tulad ng Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova at iba pa.

2. MGA DAHILAN NG PAGSIBONG NG ROMANTISMO

Habang papalapit tayo sa modernong panahon, nagiging mas maikli ang mga panahon ng pangingibabaw ng isang istilo o iba pa. Ang yugto ng panahon ng pagtatapos ng ika-18-1 ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ay itinuturing na panahon ng romanticism (mula sa French Romantique; isang bagay na misteryoso, kakaiba, hindi totoo)

Ano ang nakaimpluwensya sa paglitaw ng bagong istilo?

Ito ang tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang kulog ng Paris ay umalingawngaw sa buong Europa. Ang slogan na “Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran!” ay may napakalaking kaakit-akit na kapangyarihan para sa lahat ng mga mamamayang Europeo. Sa pagbuo ng mga burges na lipunan, nagsimulang kumilos ang uring manggagawa laban sa pyudal na kaayusan bilang isang malayang puwersa. Ang magkasalungat na pakikibaka ng tatlong uri - ang maharlika, ang burgesya at ang proletaryado ang naging batayan ng makasaysayang pag-unlad ng ika-19 na siglo.

Ang kapalaran ni Napoleon at ang kanyang papel sa kasaysayan ng Europa sa loob ng 2 dekada, 1796-1815, ay sumasakop sa isipan ng kanyang mga kontemporaryo. "Ang pinuno ng mga kaisipan," sabi ni A.S. Pushkin.

Para sa France, ito ay mga taon ng kadakilaan at kaluwalhatian, kahit na sa halaga ng buhay ng libu-libong Pranses. Nakita ng Italya si Napoleon bilang tagapagpalaya nito. Malaki ang pag-asa ng mga Polo sa kanya.

Si Napoleon ay kumilos bilang isang mananakop na kumikilos sa interes ng Pranses na burges. Para sa mga monarko ng Europa, hindi lamang siya isang kalaban ng militar, kundi isang kinatawan din ng dayuhan na mundo ng bourgeoisie. Kinasusuklaman nila siya. Sa simula ng mga digmaang Napoleoniko, ang kanyang "Dakilang Hukbo" ay kinabibilangan ng maraming direktang kalahok sa rebolusyon.

Ang personalidad ni Napoleon mismo ay kahanga-hanga. Ang binata na si Lermontov ay tumugon sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni Napoleon:

Alien siya sa mundo. Lahat ng tungkol sa kanya ay sikreto

Ang araw ng kadakilaan - at ang oras ng pagkahulog!

Ang misteryong ito ay lalong nakakuha ng atensyon ng mga romantiko.

Kaugnay ng mga digmaang Napoleoniko at ang pagkahinog ng pambansang kamalayan sa sarili, ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-usbong ng kilusang pambansang pagpapalaya. Ang Germany, Austria, Spain ay nakipaglaban sa Napoleonic occupation, Italy - laban sa Austrian yoke, Greece - laban sa Turkey, sa Poland sila ay nakipaglaban laban sa Russian tsarism, Ireland - laban sa British.

Ang mga kamangha-manghang pagbabago ay naganap sa harap ng mga mata ng isang henerasyon.

Ang France ay nagngangalit higit sa lahat: ang mabagyo na limang taon ng Rebolusyong Pranses, ang pagbangon at pagbagsak ng Robespierre, mga kampanyang Napoleoniko, ang unang pagbibitiw ni Napoleon, ang kanyang pagbabalik mula sa isla ng Elba ("isang daang araw") at ang pangwakas.

ang pagkatalo sa Waterloo, ang madilim na ika-15 anibersaryo ng rehimeng pagpapanumbalik, ang Rebolusyong Hulyo ng 1860, ang Rebolusyong Pebrero ng 1848 sa Paris, na nagdulot ng isang rebolusyonaryong alon sa ibang mga bansa.

Sa Inglatera, bilang resulta ng rebolusyong pang-industriya noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. naitatag ang produksyon ng makina at kapitalistang relasyon. Ang repormang parlyamentaryo noong 1832 ay nilinis ang landas para sa burgesya tungo sa kapangyarihan ng estado.

Sa mga lupain ng Alemanya at Austria, napanatili ng mga pinunong pyudal ang kapangyarihan. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon, malupit ang pakikitungo nila sa oposisyon. Ngunit maging sa lupain ng Aleman, ang steam locomotive, na dinala mula sa England noong 1831, ay naging salik sa pag-unlad ng burges.

Binago ng mga rebolusyong pang-industriya at mga rebolusyong pampulitika ang mukha ng Europa. “Ang burgesya, sa wala pang isang daang taon ng makauring paghahari nito, ay lumikha ng mas marami at napakalaking produktibong pwersa kaysa sa pinagsama-samang lahat ng nakaraang henerasyon,” isinulat ng mga siyentipikong Aleman na sina Marx at Engels noong 1848.

Kaya, ang Great French Revolution (1789-1794) ay minarkahan ang isang espesyal na milestone na naghihiwalay sa bagong panahon mula sa Age of Enlightenment. Hindi lamang ang mga anyo ng estado, ang istrukturang panlipunan ng lipunan, at ang pagsasaayos ng mga uri ay nagbago. Ang buong sistema ng mga ideya, na iluminado sa loob ng maraming siglo, ay nayanig. Ideolohiyang inihanda ng mga Enlightener ang rebolusyon. Ngunit hindi nila mahulaan ang lahat ng kahihinatnan nito. Ang "kaharian ng katwiran" ay hindi naganap. Ang rebolusyon, na nagpahayag ng indibidwal na kalayaan, ay nagbunga ng burges na kaayusan, ang diwa ng pagkuha at pagkamakasarili. Ito ang makasaysayang batayan para sa pag-unlad ng artistikong kultura, na naglagay ng isang bagong direksyon - romantismo.

3. PANGUNAHING TAMPOK NG ROMANTICism

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang masining ay isang masalimuot at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon itong malakas na pambansang pagpapahayag. Sa panitikan, musika, pagpipinta at teatro hindi madaling makahanap ng mga tampok na pinag-iisa ang Chateaubriand at Delacroix, Mickiewicz at Chopin, Lermontov at Kiprensky.

Ang mga romantiko ay sumakop sa iba't ibang posisyon sa lipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit naghimagsik sila sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may kanya-kanyang ideal. Ngunit para sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba nito, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok.

Ang pagkadismaya sa modernidad ay nagbunga ng isang espesyal interes sa nakaraan: sa mga pormasyong panlipunan bago ang burges, sa patriyarkal na sinaunang panahon. Maraming mga romantiko ang may ideya na ang kaakit-akit na exoticism ng mga bansa sa timog at silangan - Italy, Spain, Greece, Turkey - ay isang patula na kaibahan sa boring burges araw-araw na buhay. Sa mga bansang ito, pagkatapos ay hindi gaanong naantig ng sibilisasyon, ang mga romantiko ay naghahanap ng maliwanag, malakas na mga karakter, isang orihinal, makulay na paraan ng pamumuhay. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming makasaysayang mga gawa.

Nagsusumikap na tumaas sa itaas ng prosa ng pag-iral, upang palayain ang magkakaibang mga kakayahan ng indibidwal, upang makamit ang pinakamataas na pagsasakatuparan sa sarili sa pagkamalikhain, ang mga romantiko ay sumalungat sa pormalisasyon ng sining at ang prangka at makatwirang diskarte dito, katangian ng klasisismo. Lahat sila nanggaling pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na nakagapos sa malikhaing inisyatiba ng artista at kung hinahati ng klasisismo ang lahat sa isang tuwid na linya, sa mabuti at masama, sa itim at puti, kung gayon ang romantikismo ay walang hinahati sa isang tuwid na linya. Ang Classicism ay isang sistema, ngunit ang romanticism ay hindi. Isinulong ng Romantisismo ang pagsulong ng modernong panahon mula sa klasisismo tungo sa sentimentalismo, na nagpapakita ng panloob na buhay ng tao na naaayon sa mas malawak na mundo. At kabaligtaran ang romanticism panloob na mundo pagkakaisa. Sa romantikismo na nagsisimulang lumitaw ang tunay na sikolohiya.

Ang pangunahing layunin ng romantisismo ay imahe ng panloob na mundo, espirituwal na buhay, at ito ay maaaring gawin sa materyal ng mga kuwento, mistisismo, atbp. Kinakailangan na ipakita ang kabalintunaan ng panloob na buhay na ito, ang hindi makatwiran nito.

Sa kanilang imahinasyon, binago ng mga romantiko ang hindi magandang tingnan na katotohanan o umatras sa mundo ng kanilang mga karanasan. Ang agwat sa pagitan ng panaginip at katotohanan, ang pagsalungat ng magandang kathang-isip sa layunin na katotohanan, ay nasa gitna ng buong romantikong kilusan.

Unang itinaas ng Romantisismo ang problema sa wika ng sining. “Ang sining ay isang wika na ganap na naiiba kaysa sa kalikasan; ngunit naglalaman din ito ng parehong mahimalang kapangyarihan, na parehong lihim at hindi maintindihan na nakakaapekto sa kaluluwa ng tao” (Wackenroder at Tieck). Ang artista ay isang interpreter ng wika ng kalikasan, isang tagapamagitan sa pagitan ng mundo ng espiritu at mga tao. "Salamat sa mga artista, ang sangkatauhan ay lumilitaw bilang isang kumpletong indibidwalidad. Sa pamamagitan ng modernidad, pinag-iisa ng mga artista ang mundo ng nakaraan sa mundo ng hinaharap. Sila ang pinakamataas na espiritwal na organ kung saan ang mga mahahalagang puwersa ng kanilang panlabas na sangkatauhan ay nagtatagpo sa isa't isa at kung saan ang panloob na pagkatao ay unang nagpapakita ng sarili" (F. Schlegel).

Gayunpaman, ang romantisismo ay hindi isang homogenous na kilusan: ang pag-unlad ng ideolohiya nito ay napunta sa iba't ibang direksyon. Kabilang sa mga romantiko ang mga reaksyunaryong manunulat, mga tagasunod ng lumang rehimen, na niluwalhati ang pyudal na monarkiya at Kristiyanismo. Sa kabilang banda, ang mga romantikong may progresibong pananaw sa mundo ay nagpahayag ng isang demokratikong protesta laban sa pyudal at lahat ng uri ng pang-aapi, at isinama ang rebolusyonaryong udyok ng mga tao para sa isang mas magandang kinabukasan.

Ang Romantisismo ay nag-iwan ng isang buong panahon sa kulturang sining ng mundo, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikan V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, atbp.; sa fine arts E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky at iba pa; sa musika F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa Natuklasan at binuo nila ang mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, nagsiwalat ng dialektika ng. mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga uri ng sining ay higit pa o mas mababa ang katumbas ng kahalagahan at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, bagaman ang mga romantiko ay nagbigay ng primacy sa musika sa hagdan ng sining.

4. ROMANTIC HERO

Sino ang isang romantikong bayani at ano siya?

Isa itong indibidwalista. Isang superman na nabuhay sa dalawang yugto: bago bumangga sa katotohanan, nabubuhay siya sa isang "pink" na estado, siya ay dinaig ng pagnanais para sa tagumpay, upang baguhin ang mundo; pagkatapos bumangga sa katotohanan, patuloy niyang isinasaalang-alang ang mundong ito bilang bulgar at boring, ngunit hindi siya nagiging isang may pag-aalinlangan o isang pesimista. Sa isang malinaw na pag-unawa na walang mababago, ang pagnanais para sa tagumpay ay bumababa sa isang pagnanais para sa panganib.

Maaaring ilakip ng Romantics ang walang hanggang pangmatagalang halaga sa bawat maliit na bagay, bawat kongkretong katotohanan, bawat solong bagay. Tinawag ito ni Joseph de Maistre na "mga landas ng Providence," tinawag ito ni Germaine de Stael na "mabungang sinapupunan ng imortal na uniberso." Ang Chateaubriand sa The Genius of Christianity, sa isang aklat na nakatuon sa kasaysayan, ay direktang tumutukoy sa Diyos bilang simula ng makasaysayang panahon. Ang lipunan ay lumilitaw bilang isang hindi matitinag na koneksyon, "isang hibla ng buhay na nag-uugnay sa atin sa ating mga ninuno at dapat nating ipaabot sa ating mga inapo." Ang puso lamang ng isang tao, at hindi ang kanyang isip, ang makakaunawa at makakarinig ng tinig ng Lumikha, sa pamamagitan ng kagandahan ng kalikasan, sa pamamagitan ng malalim na damdamin. Ang kalikasan ay banal, pinagmumulan ng pagkakaisa at pagkamalikhain, at ang mga metapora nito ay kadalasang dinadala sa pampulitikang leksikon ng mga romantiko. Para sa mga romantiko, ang isang puno ay nagiging simbolo ng angkan, kusang pag-unlad, pang-unawa sa mga katas ng katutubong lupain, isang simbolo ng pambansang pagkakaisa. Kung mas inosente at sensitibo ang kalikasan ng isang tao, mas madali niyang marinig ang tinig ng Diyos. Ang isang bata, isang babae, isang marangal na kabataan, na mas madalas kaysa sa iba, ay nakikita ang kawalang-kamatayan ng kaluluwa at ang halaga ng buhay na walang hanggan. Ang pagkauhaw sa kaligayahan sa gitna ng mga romantiko ay hindi limitado sa idealistikong pagnanais para sa Kaharian ng Diyos pagkatapos ng kamatayan.

Bilang karagdagan sa mistikong pag-ibig sa Diyos, ang isang tao ay nangangailangan ng tunay, makalupang pag-ibig. Hindi kayang taglayin ang layunin ng kanyang pagnanasa, ang romantikong bayani ay naging isang walang hanggang martir, na nakatakdang maghintay para sa isang pagpupulong kasama ang kanyang minamahal sa kabilang buhay, "sapagkat ang dakilang pag-ibig ay karapat-dapat sa kawalang-kamatayan kapag ang isang tao ay nagkakahalaga ng kanyang buhay."

Ang problema ng pag-unlad ng pagkatao at edukasyon ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa gawain ng mga romantiko. Ang pagkabata ay walang mga batas; Sa isang may sapat na gulang, ang mga katulad na reaksyon ay humahantong sa kamatayan, sa paghatol sa kaluluwa. Sa paghahanap ng makalangit na kaharian, dapat na maunawaan ng isang tao ang mga batas ng tungkulin at moralidad, saka lamang siya makakaasa. buhay na walang hanggan. Dahil ang tungkulin ay idinidikta sa mga romantiko sa pamamagitan ng kanilang pagnanais na makamit ang buhay na walang hanggan, ang pagtupad sa tungkulin ay nagbibigay ng personal na kaligayahan sa pinakamalalim at pinakamakapangyarihang pagpapakita nito. Sa moral na tungkulin ay idinagdag ang tungkulin ng malalim na damdamin at dakilang interes. Nang walang paghahalo ng mga merito ng iba't ibang kasarian, ang mga romantiko ay nagtataguyod ng pagkakapantay-pantay ng espirituwal na pag-unlad sa pagitan ng mga lalaki at babae. Sa parehong paraan, ang tungkuling pansibiko ay idinidikta ng pagmamahal sa Diyos at sa kanyang mga institusyon. Ang personal na mithiin ay nahahanap ang pagkumpleto nito sa isang karaniwang layunin, sa mithiin ng buong bansa, ng buong sangkatauhan, ng buong mundo.

Ang bawat kultura ay may romantikong bayani, ngunit si Byron ay nagbigay ng isang tipikal na pagganap sa kanyang trabaho na si Charles Harold. romantikong bayani. Nagsuot siya ng maskara ng kanyang bayani (nagmumungkahi na walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda) at pinamamahalaang tumutugma sa romantikong canon.

Ang lahat ng mga romantikong gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng mga tampok na katangian:

Una, sa bawat romantikong akda ay walang distansya sa pagitan ng bayani at ng may-akda.

Pangalawa, hindi hinuhusgahan ng may-akda ang bida, ngunit kahit na may masabi na masama tungkol sa kanya, ang plot ay nakabalangkas sa paraang hindi masisisi ang bida. Karaniwang romantiko ang balangkas sa isang romantikong gawain. Ang mga romantiko ay nagtatayo rin ng isang espesyal na kaugnayan sa kalikasan, gusto nila ang mga bagyo, bagyo, at mga sakuna.

5. ROMANTICISMO SA RUSSIA.

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa dahil sa ibang makasaysayang sitwasyon at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang sa mga dahilan ng paglitaw nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, wala ring dahilan para dito. Ang tunay na dahilan ay Digmaang Makabayan 1812, kung saan ipinakita ang buong kapangyarihan ng popular na inisyatiba. Ngunit pagkatapos ng digmaan, ang mga tao ay hindi nakatanggap ng kalayaan. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, hindi nasiyahan sa katotohanan, ay dumating sa Senate Square noong Disyembre 1825. Ang pagkilos na ito ay hindi rin pumasa nang walang bakas para sa mga malikhaing intelihente. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging tagpuan kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Romantisismo, at, bukod dito, ang atin, Ruso, na binuo at hinulma sa ating orihinal na anyo, ang romantikismo ay hindi isang simpleng pampanitikan, ngunit isang kababalaghan sa buhay, isang buong panahon ng moral na pag-unlad, isang panahon na may sariling espesyal na kulay, na nagsasagawa ng isang espesyal na view sa buhay... Hayaang ang romantikong kalakaran ay magmula sa labas, mula sa Kanluraning buhay at Kanluraning panitikan, natagpuan ito sa likas na lupa ng Russia na handa na para sa pang-unawa nito, at samakatuwid ay makikita sa ganap na orihinal na mga phenomena, tulad ng tinasa ng makata at kritiko na si Apollo Grigoriev - ito ay isang natatanging kultural na kababalaghan, at ang mga katangian nito ay nagpapakita ng mahahalagang kumplikado ng romantikismo, mula sa kailaliman. kung saan ang batang Gogol ay lumitaw at kung kanino siya ay nauugnay hindi lamang sa simula ng kanyang karera sa pagsusulat, ngunit sa buong buhay niya.

Tumpak na tinukoy ni Apollo Grigoriev ang likas na katangian ng impluwensya ng romantikong paaralan sa panitikan at buhay, kabilang ang prosa ng panahong iyon: hindi isang simpleng impluwensya o paghiram, ngunit isang katangian at makapangyarihang buhay at uso sa panitikan na nagbigay ng ganap na orihinal na mga phenomena sa batang Ruso panitikan.

a) Panitikan

Ang romantikong Ruso ay karaniwang nahahati sa ilang mga panahon: inisyal (1801-1815), mature (1815-1825) at ang panahon ng pag-unlad ng post-Decembrist. Gayunpaman, may kaugnayan sa paunang panahon, ang pagkakatulad ng pamamaraang ito ay kapansin-pansin. Para sa bukang-liwayway ng romantikong Ruso ay nauugnay sa mga pangalan nina Zhukovsky at Batyushkov, ang mga makata na ang trabaho at saloobin ay mahirap na magkatabi at ihambing sa loob ng parehong panahon, ang kanilang mga layunin, adhikain, at ugali ay ibang-iba. Sa mga tula ng parehong makata ay maaari pa ring maramdaman ang malakas na impluwensya ng nakaraan - ang panahon ng sentimentalismo, ngunit kung malalim pa rin ang ugat ni Zhukovsky, kung gayon si Batyushkov ay mas malapit sa mga bagong uso.

Tamang sinabi ni Belinsky na ang gawain ni Zhukovsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng "mga reklamo tungkol sa di-sakdal na pag-asa na walang pangalan, kalungkutan sa nawawalang kaligayahan, na alam ng Diyos kung ano ang nilalaman nito." Sa katunayan, sa katauhan ni Zhukovsky, ang romantikismo ay nagsasagawa pa rin ng mga unang mahiyain na hakbang, na nagbibigay pugay sa sentimental at mapanglaw na mapanglaw, malabo, banayad na sakit sa puso, sa madaling salita, ang masalimuot na hanay ng mga damdamin na sa kritisismo ng Russia ay tinawag na "romantisismo ng Gitnang. Mga edad.”

Isang ganap na kakaibang kapaligiran ang naghahari sa tula ni Batyushkov: ang kagalakan ng pagiging, tapat na kahalayan, isang himno sa kasiyahan.

Si Zhukovsky ay nararapat na itinuturing na isang kilalang kinatawan ng Russian aesthetic humanism. Alien sa matinding hilig, ang kampante at maamo na si Zhukovsky ay kapansin-pansing naimpluwensyahan ng mga ideya ni Rousseau at ng mga romantikong Aleman. Sa pagsunod sa kanila, binigyan niya ng malaking kahalagahan ang aesthetic side sa relihiyon, moralidad, at panlipunang relasyon. Ang sining ay nakakuha ng relihiyosong kahulugan mula kay Zhukovsky na hinahangad niyang makita sa sining ang "paghahayag" ng mas mataas na mga katotohanan; Ang mga romantikong Aleman ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkakakilanlan ng mga tula at relihiyon. Nakita natin ang parehong bagay kay Zhukovsky, na sumulat: "Ang tula ay Diyos sa mga banal na panaginip ng lupa." Sa romantikong Aleman, lalo siyang malapit sa atraksyon sa lahat ng bagay sa kabila, sa "gabi na bahagi ng kaluluwa," sa "hindi maipahayag" sa kalikasan at tao. Ang kalikasan sa tula ni Zhukovsky ay napapalibutan ng misteryo, ang kanyang mga tanawin ay makamulto at halos hindi totoo, tulad ng mga pagmuni-muni sa tubig:

Anong insenso ang pinagsama sa lamig ng mga halaman!

Kay tamis ang pagtalsik ng mga jet sa katahimikan sa tabi ng dalampasigan!

Kung gaano kalambot ang pag-ihip ng zephyr sa tubig

At ang pag-flutter ng flexible willow!

Ang sensitibo, malambot at mapangarapin na kaluluwa ni Zhukovsky ay tila matamis na nag-freeze sa threshold ng "mahiwagang liwanag na iyon." Ang makata, sa angkop na pagpapahayag ni Belinsky, ay "iibigin at iniibig ang kanyang pagdurusa," ngunit ang pagdurusa na ito ay hindi tinutusok ang kanyang puso ng malupit na mga sugat, dahil kahit na sa kalungkutan at kalungkutan ang kanyang panloob na buhay ay tahimik at matahimik. Samakatuwid, kapag sa isang liham kay Batyushkov, "ang anak ng kaligayahan at kasiyahan," tinawag niya ang epicurean na makata na "kamag-anak ng Muse," mahirap paniwalaan ang relasyon na ito. Sa halip, paniniwalaan natin ang banal na si Zhukovsky, na magiliw na nagpapayo sa mang-aawit ng makalupang kasiyahan: "Tanggihan ang kabaliwan, ang mga pangarap ay nakapipinsala!"

Si Batyushkov ay isang pigura na kabaligtaran ni Zhukovsky sa lahat. Siya ay isang tao ng malakas na mga hilig, at ang kanyang malikhaing buhay ay natapos 35 taon bago ang kanyang pisikal na pag-iral: bilang isang napakabata na lalaki siya ay bumulusok sa kailaliman ng kabaliwan. Ibinigay niya ang kanyang sarili sa parehong kagalakan at kalungkutan na may pantay na lakas at pagnanasa: sa buhay, tulad ng sa patula na pag-unawa nito, ang "ginintuang kahulugan" ay dayuhan sa kanya - hindi katulad ni Zhukovsky. Bagaman ang kanyang tula ay nailalarawan din ng papuri ng dalisay na pagkakaibigan, ang kagalakan ng isang "mapagpakumbaba na sulok," ang kanyang idyll ay hindi nangangahulugang katamtaman at tahimik, dahil hindi ito maiisip ni Batyushkov nang walang matamlay na kaligayahan ng madamdaming kasiyahan at pagkalasing sa buhay. Kung minsan ang makata ay dinadala ng mga senswal na kagalakan na handa siyang walang ingat na tanggihan ang mapang-aping karunungan ng agham:

Posible ba na sa malungkot na katotohanan

Mapanglaw na stoics at boring sage,

Nakaupo sa mga damit pang-libing,

Sa pagitan ng mga durog na bato at mga kabaong,

Mahahanap ba natin ang tamis ng ating buhay?

Mula sa kanila, nakikita ko ang kagalakan

Lumilipad na parang paruparo mula sa mga tinik na palumpong.

Para sa kanila walang kagandahan sa mga kasiyahan ng kalikasan,

Ang mga dalaga ay hindi umaawit sa kanila, na nagsasama-sama sa mga pabilog na sayaw;

Para sa kanila, para sa mga bulag,

Ang tagsibol na walang kagalakan at tag-araw na walang mga bulaklak.

Ang totoong trahedya ay bihirang tumunog sa kanyang mga tula. Sa pagtatapos lamang ng kanyang malikhaing buhay, nang magsimula siyang magpakita ng mga palatandaan ng sakit sa isip, ay isa sa kanyang mga huling tula na naitala mula sa pagdidikta, kung saan malinaw na naririnig ang mga motibo ng kawalang-saysay ng pag-iral sa lupa:

Naalala mo ba yung sinabi mo?

Nagpaalam sa buhay, may buhok na Melchizedek?

Ang isang tao ay ipinanganak na alipin,

Siya ay pupunta sa kanyang libingan bilang isang alipin,

At halos hindi sasabihin sa kanya ng kamatayan

Bakit siya lumakad sa lambak ng kamangha-manghang mga luha,

Nagdusa, umiyak, nagtiis,

Sa Russia, ang romantikismo bilang isang kilusang pampanitikan ay nabuo noong ikadalawampu ng ikalabinsiyam na siglo. Ang mga makata, mga manunulat ng prosa, at mga manunulat ay nakatayo sa mga pinagmulan nito; Ang romantikong Ruso ay binuo ng mga makata sa unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, at ang bawat makata ay nag-ambag ng bago. Ang romantikong Ruso ay malawak na umunlad, nakakuha ng mga katangiang katangian, at naging isang malayang kilusan sa panitikan. Sa "Ruslan at Lyudmila" A.S. May mga linya si Pushkin: "May espiritu ng Ruso, may amoy ng Russia." Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa Russian romanticism. Mga bayani mga romantikong gawa- mga makatang kaluluwa na nagsusumikap para sa "matayog" at maganda. Ngunit mayroong isang pagalit na mundo na hindi nagpapahintulot sa isa na makaramdam ng kalayaan, na nag-iiwan sa mga kaluluwang ito na hindi maunawaan. Ang mundong ito ay magaspang, kaya kaluluwang patula tumakbo sa isa pa, kung saan may ideal, nagsusumikap siya para sa "walang hanggan." Ang romantikismo ay batay sa labanang ito. Ngunit ang mga makata ay may iba't ibang saloobin sa sitwasyong ito. Si Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, batay sa isang bagay, ay bumuo ng relasyon sa pagitan ng kanilang mga bayani at ng mundo sa kanilang paligid nang iba, samakatuwid ang kanilang mga bayani ay may iba't ibang mga landas patungo sa perpekto.

Ang katotohanan ay kakila-kilabot, bastos, walang pakundangan at makasarili, walang lugar dito para sa mga damdamin, pangarap at pagnanasa ng makata at ng kanyang mga bayani. Ang "totoo" at ang walang hanggan ay nasa kabilang mundo. Samakatuwid ang konsepto ng dalawahang mundo ay nagsusumikap para sa isa sa mga mundong ito sa paghahanap ng isang ideal.

Ang posisyon ni Zhukovsky ay hindi ang posisyon ng isang tao na pumasok sa isang pakikibaka sa labas ng mundo, na hinamon ito. Ito ay isang landas sa pamamagitan ng pagkakaisa sa kalikasan, isang landas ng pagkakaisa sa kalikasan, sa isang walang hanggan at magandang mundo. Si Zhukovsky, ayon sa maraming mananaliksik (kabilang si Yu.V. Mann), ay nagpahayag ng kanyang pag-unawa sa prosesong ito ng pag-iisa sa "The Inexpressible." Ang pagkakaisa ay ang paglipad ng kaluluwa. Ang kagandahan na nakapaligid sa iyo ay pumupuno sa iyong kaluluwa, ito ay nasa iyo, at ikaw ay nasa loob nito, ang kaluluwa ay lumilipad, ni oras o espasyo ay umiiral, ngunit ikaw ay umiiral sa kalikasan, at sa sandaling ito ikaw ay nabubuhay, nais mong kumanta tungkol sa kagandahang ito. , ngunit walang mga salita upang ipahayag ang iyong kalagayan, mayroon lamang isang pakiramdam ng pagkakaisa. Hindi ka ginagambala ng mga taong nakapaligid sa iyo, ang mga malasakit na kaluluwa, mas marami ang nabubunyag sa iyo, ikaw ay malaya.

Nilapitan nina Pushkin at Lermontov ang problemang ito ng romantikismo nang iba. Walang alinlangan na ang impluwensyang ginawa ni Zhukovsky kay Pushkin ay hindi maipapakita sa gawain ng huli. Para sa maagang pagkamalikhain Ang Pushkin ay nailalarawan sa pamamagitan ng "sibil" na romantikismo. Sa ilalim ng impluwensya ng "The Singer in the Camp of Russian Warriors" ni Zhukovsky at ang mga gawa ni Griboyedov, isinulat ni Pushkin ang ode na "Liberty", "To Chaadaev". Sa huli ay tinawag niya:

"Aking kaibigan, ilaan natin ang ating mga kaluluwa sa ating Ama na may kahanga-hangang mga salpok..." Ito ang parehong pagnanais para sa ideyal na mayroon si Zhukovsky, tanging si Pushkin ang nakakaunawa ng perpekto sa kanyang sariling paraan, samakatuwid ang landas sa perpekto ay naiiba para sa makata. Hindi niya gusto at hindi maaaring magsikap para sa ideal na nag-iisa; Si Pushkin ay tumingin sa katotohanan at perpekto sa ibang paraan. Hindi mo ito matatawag na kaguluhan, ito ay isang pagmuni-muni sa isang rebeldeng elemento. Ito ay makikita sa ode na "Dagat". Ito ang lakas at kapangyarihan ng dagat, malaya ang dagat, naabot na nito ang ideal. Ang tao ay dapat ding maging malaya, ang kanyang espiritu ay dapat na malaya.

Ang paghahanap para sa isang ideal ay ang pangunahing katangian ng romanticism. Ipinakita nito ang sarili sa mga gawa nina Zhukovsky, Pushkin, at Lermontov. Lahat ng tatlong makata ay naghahanap ng kalayaan, ngunit hinahanap nila ito sa iba't ibang paraan, naiintindihan nila ito nang iba. Si Zhukovsky ay naghahanap ng kalayaang ipinadala ng "tagalikha". Ang pagkakaroon ng natagpuan ang pagkakaisa, ang isang tao ay nagiging malaya. Para kay Pushkin, ang kalayaan ng espiritu ay mahalaga, na dapat magpakita mismo sa isang tao. Para kay Lermontov, ang rebeldeng bayani lamang ang libre. Pag-aalsa para sa kalayaan, ano ang mas maganda? Ang saloobing ito patungo sa ideyal ay napanatili sa mga liriko ng pag-ibig ng mga makata. Sa palagay ko, ang saloobing ito ay dahil sa oras. Bagama't lahat sila ay nagtrabaho halos sa parehong panahon, ang oras ng kanilang pagkamalikhain ay naiiba, ang mga kaganapan ay nabuo nang may pambihirang bilis. Malaki rin ang impluwensya ng mga tauhan ng mga makata sa kanilang relasyon. Ang kalmadong Zhukovsky at ang mapanghimagsik na Lermontov ay ganap na kabaligtaran. Ngunit ang romantikong Ruso ay tiyak na umunlad dahil ang mga katangian ng mga makata na ito ay naiiba. Nagpakilala sila ng mga bagong konsepto, bagong karakter, bagong mithiin, at nagbigay ng kumpletong pag-unawa sa kung ano ang kalayaan, kung ano ang tunay na buhay. Ang bawat isa sa kanila ay kumakatawan sa kanilang sariling landas tungo sa perpektong ito ang karapatan ng pagpili para sa bawat indibidwal.

Ang mismong paglitaw ng romantikismo ay lubhang nakababahala. Ang indibidwal na tao ngayon ay nakatayo sa gitna ng buong mundo. Ang "Ako" ng tao ay nagsimulang bigyang-kahulugan bilang batayan at kahulugan ng lahat ng pag-iral. Ang buhay ng tao ay nagsimulang tingnan bilang isang gawa ng sining, sining. Noong ika-19 na siglo, laganap ang romantikismo. Ngunit hindi lahat ng makata na tinawag ang kanilang sarili na mga romantiko ay naghatid ng kakanyahan ng kilusang ito.

Ngayon, sa pagtatapos ng ika-20 siglo, maaari na nating uriin ang mga romantiko noong nakaraang siglo batay dito sa dalawang grupo. Ang isa at marahil ang pinakamalawak na grupo ay ang nagbuklod sa mga "pormal" na romantiko. Mahirap maghinala sa kanila ng kawalan ng katapatan, sa kabaligtaran, inihahatid nila ang kanilang mga damdamin nang tumpak. Kabilang sa mga ito ay sina Dmitry Venevitinov (1805-1827) at Alexander Polezhaev (1804-1838). Ginamit ng mga makata na ito ang romantikong anyo, na isinasaalang-alang ito ang pinakaangkop para sa pagkamit ng kanilang masining na layunin. Kaya, isinulat ni D. Venevitinov:

Pakiramdam ko ay nag-aapoy ito sa loob ko

Banal na apoy ng inspirasyon,

Ngunit ang diwa ay pumapaitaas patungo sa isang madilim na layunin...

Makakahanap ba ako ng maaasahang bangin,

Saan ko maipapahinga nang husto ang aking paa?

Ito ay isang tipikal na romantikong tula. Gumagamit ito ng tradisyonal na romantikong bokabularyo - parehong "apoy ng inspirasyon" at "sumisikat na espiritu". Kaya, inilalarawan ng makata ang kanyang damdamin. Pero wala na. Ang makata ay nalilimitahan ng balangkas ng romantikismo, ang "berbal na anyo nito." Ang lahat ay pinasimple sa ilang mga cliches.

Ang mga kinatawan ng isa pang grupo ng mga romantiko noong ika-19 na siglo, siyempre, ay sina A.S. Ang mga makata na ito, sa kabaligtaran, ay pinunan ang romantikong anyo ng kanilang sariling nilalaman. Ang romantikong panahon sa buhay ni A. Pushkin ay maikli, kaya kakaunti ang mga romantikong gawa niya. Ang "Prisoner of the Caucasus" (1820-1821) ay isa sa mga pinakaunang romantikong tula ni A.S. Pushkin. Bago sa amin ay isang klasikong bersyon ng isang romantikong gawa. Ang may-akda ay hindi nagbibigay sa amin ng isang larawan ng kanyang bayani, hindi namin alam ang kanyang pangalan. At hindi ito nakakagulat - lahat ng mga romantikong bayani ay magkatulad sa bawat isa. Bata pa sila, maganda... at malungkot. Ang balangkas ng trabaho ay klasikal din na romantiko. Isang bihag na Ruso sa mga Circassian, isang batang babaeng Circassian ang umibig sa kanya at tinulungan siyang makatakas. Ngunit siya ay walang pag-asa na nagmamahal sa isa pa... Ang tula ay nagtatapos sa trahedya - ang babaeng Circassian ay itinapon ang sarili sa tubig at namatay, at ang Ruso, na napalaya mula sa "pisikal" na pagkabihag, ay nahulog sa isa pa, mas masakit na pagkabihag - pagkabihag ng kaluluwa. Ano ang alam natin tungkol sa nakaraan ng bayani?

Malayo ang daan patungo sa Russia...

.....................................

Kung saan niyakap ko ang matinding pagdurusa,

saan abalang buhay wasak

Pag-asa, kagalakan at pagnanais.

Dumating siya sa steppe sa paghahanap ng kalayaan, sinusubukang tumakas mula sa kanyang nakaraang buhay. At ngayon, kapag ang kaligayahan ay tila malapit na, kailangan niyang tumakas muli. Pero saan? Bumalik sa mundo kung saan siya "niyakap ang kakila-kilabot na pagdurusa."

Taksil ng liwanag, kaibigan ng kalikasan,

Iniwan niya ang kanyang sariling lupain

At lumipad sa malayong lupain

Kasama ang masayang multo ng kalayaan.

Ngunit ang "multo ng kalayaan" ay nanatiling multo. Tuluyan niyang susuyuin ang romantikong bayani. Ang isa pang romantikong tula ay "Gypsies". Sa loob nito, ang may-akda ay hindi muling nagbibigay sa mambabasa ng isang larawan ng bayani na alam lamang natin ang kanyang pangalan - Aleko. Dumating siya sa kampo upang maranasan ang tunay na kasiyahan, tunay na kalayaan. Para sa kanyang kapakanan, tinalikuran niya ang lahat ng dating nakapaligid sa kanya. Siya ba ay naging malaya at masaya? Tila mahal ni Aleko, ngunit sa pakiramdam na ito ay kasawian at paghamak lamang ang dumarating sa kanya. Si Aleko, na labis na naghahangad ng kalayaan, ay hindi makilala ang kalooban ng ibang tao. Ang tulang ito ay nagsiwalat ng isa pa sa mga sobrang katangian ng pananaw sa mundo ng romantikong bayani - pagiging makasarili at kumpletong hindi pagkakatugma sa mundo sa paligid niya. Si Aleko ay hindi pinarusahan ng kamatayan, ngunit mas kakila-kilabot - sa pamamagitan ng kalungkutan at debate. Siya ay nag-iisa sa mundo kung saan siya tumakas, ngunit sa kabilang banda, labis na ninanais, siya ay naiwang mag-isa muli.

Bago isulat ang "Prisoner of the Caucasus," minsang sinabi ni Pushkin: "Hindi ako karapat-dapat na maging bayani ng isang romantikong tula"; gayunpaman, sa parehong oras, noong 1820, isinulat ni Pushkin ang kanyang tula na "The Daylight Has Extinguished ...". Dito makikita mo ang lahat ng bokabularyo na likas sa romantikismo. Ito ang "malayong baybayin", at ang "mapanglaw na karagatan", at "katuwaan at mapanglaw" na nagpapahirap sa may-akda. Ang refrain ay tumatakbo sa buong tula:

Mag-alala sa ilalim ko, malungkot na karagatan.

Ito ay naroroon hindi lamang sa paglalarawan ng kalikasan, kundi pati na rin sa paglalarawan ng damdamin ng bayani.

...Ngunit dating sugat sa puso,

Walang nakapaghilom sa malalim na sugat ng pag-ibig...

Gumawa ng ingay, gumawa ng ingay, masunurin layag,

Mag-alala sa ilalim ko, madilim na karagatan...

Ibig sabihin, nagiging ibang karakter ang kalikasan, isa pang liriko na bayani ng tula. Nang maglaon, noong 1824, isinulat ni Pushkin ang tula na "Sa Dagat." Ang romantikong bayani dito, tulad ng sa "The Daylight Has Gone Out...", ay muling naging may-akda mismo. Narito ang Pushkin ay lumiliko sa dagat bilang isang tradisyonal na simbolo ng kalayaan. Ang dagat ay isang elemento, na nangangahulugang kalayaan at kaligayahan. Gayunpaman, itinayo ni Pushkin ang tulang ito nang hindi inaasahan:

Naghintay ka, tumawag ka... nakadena ako;

Ang aking kaluluwa ay napunit sa walang kabuluhan:

Nabighani ng malakas na pagnanasa,

Naiwan ako sa dalampasigan...

Masasabi nating ang tulang ito ay nagtatapos sa romantikong panahon ng buhay ni Pushkin. Ito ay isinulat ng isang tao na nakakaalam na pagkatapos makamit ang tinatawag na "pisikal" na kalayaan, ang romantikong bayani ay hindi nagiging masaya.

Sa kagubatan, sa disyerto ay tahimik

Titiisin ko, punong-puno ako sa iyo,

Ang iyong mga bato, ang iyong mga bay...

Sa oras na ito, dumating si Pushkin sa konklusyon na ang tunay na kalayaan ay maaari lamang umiral sa loob ng isang tao at ito lamang ang makapagpapasaya sa kanya.

Ang bersyon ng romantikismo ni Byron ay nabuhay at nadama sa kanyang trabaho muna ni Pushkin sa kulturang Ruso, pagkatapos ay ni Lermontov. Si Pushkin ay may regalo ng atensyon sa mga tao, ngunit ang pinaka romantikong mga romantikong tula sa gawa ng mahusay na makata at manunulat ng prosa ay walang alinlangan na "The Fountain of Bakhchisarai".

Ang tula na "The Fountain of Bakhchisarai" ay nagpapatuloy lamang sa paghahanap ni Pushkin sa genre ng isang romantikong tula. At walang alinlangan na ito ay napigilan ng pagkamatay ng dakilang manunulat na Ruso.

Ang romantikong tema sa mga gawa ni Pushkin ay nakatanggap ng dalawang magkakaibang bersyon: mayroong isang kabayanihan na romantikong bayani ("bilanggo", "magnanakaw", "takas"), na nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na kalooban, na dumaan sa isang malupit na pagsubok ng mga marahas na hilig, at doon ay isang naghihirap na bayani kung saan ang mga banayad na emosyonal na karanasan ay hindi tugma sa kalupitan ng labas ng mundo ("pagkatapon", "bilanggo"). Ang passive na prinsipyo sa romantikong karakter ay nakakuha na ngayon ng isang pambabae na pagkukunwari sa Pushkin. Ang "The Fountain of Bakhchisarai" ay bubuo ng tiyak na aspetong ito ng romantikong bayani.

Sa "The Prisoner of the Caucasus" ang lahat ng atensyon ay ibinayad sa "bilanggo" at napakaliit sa "Circassian woman", ngayon sa kabaligtaran - Khan Girey ay isang figure na hindi hihigit sa isang hindi dramatiko, at sa katunayan ang pangunahing ang karakter ay isang babae, kahit dalawa - sina Zarema at Maria. Ginagamit din ni Pushkin ang solusyon sa duality ng bayani na natagpuan sa mga nakaraang tula (sa pamamagitan ng imahe ng mga nakakadena na kapatid): ang passive na prinsipyo ay inilalarawan sa katauhan ng dalawang karakter - ang nagseselos, masigasig sa pag-ibig Zarema at ang malungkot, nawalan ng pag-asa at nagmamahal kay Maria . Pareho silang dalawang magkasalungat na hilig ng isang romantikong kalikasan: pagkabigo, kawalan ng pag-asa, kawalan ng pag-asa at sa parehong oras espirituwal na sigasig, intensity ng damdamin; ang pagkakasalungatan ay nalutas sa kalunos-lunos na tula - ang pagkamatay ni Maria ay hindi rin nagdulot ng kaligayahan kay Zarema, dahil sila ay konektado ng mahiwagang ugnayan. Kaya sa "The Robber Brothers," ang pagkamatay ng isa sa mga kapatid ay nagpadilim nang tuluyan sa buhay ng isa pa.

Gayunpaman, tama ang sinabi ni B.V. Tomashevsky, "ang liriko na paghihiwalay ng tula ay tumutukoy din sa isang tiyak na kahirapan ng nilalaman... Ang moral na tagumpay laban kay Zarema ay hindi humahantong sa karagdagang mga konklusyon at pagmumuni-muni... Ang "Prisoner of the Caucasus" ay may malinaw na pagpapatuloy sa gawa ni Pushkin: parehong nalutas nina Aleko at Evgeny Onegin ... mga tanong na ibinabanta sa unang tula sa timog. "Ang Bakhchisarai Fountain" ay walang ganoong pagpapatuloy..."

Naramdaman at nakilala ni Pushkin ang pinaka-mahina na lugar ng romantikong posisyon ng isang tao: gusto niya ang lahat para lamang sa kanyang sarili.

Ang tula ni Lermontov na "Mtsyri" ay hindi rin ganap na sumasalamin sa mga katangian ng romantikismo.

Mayroong dalawang romantikong bayani sa tulang ito, samakatuwid, kung ito ay isang romantikong tula, kung gayon ito ay lubhang kakaiba: una, ang pangalawang bayani ay ipinarating ng may-akda sa pamamagitan ng isang epigraph; pangalawa, ang may-akda ay hindi kumonekta kay Mtsyri, nilulutas ng bayani ang problema ng sariling kagustuhan sa kanyang sariling paraan, at si Lermontov sa buong tula ay nag-iisip lamang tungkol sa paglutas ng problemang ito. Hindi niya hinuhusgahan ang kanyang bayani, ngunit hindi rin siya binibigyang-katwiran, ngunit kumuha siya ng isang tiyak na posisyon - pag-unawa. Lumalabas na ang romantikismo sa kulturang Ruso ay binago sa pagmuni-muni. Lumalabas ang romanticism mula sa pananaw ng realismo.

Masasabi nating nabigo sina Pushkin at Lermontov na maging mga romantiko (gayunpaman, minsan ay nagawa ni Lermontov na sumunod sa mga romantikong batas - sa dramang Masquerade). Sa kanilang mga eksperimento, ipinakita ng mga makata na sa Inglatera ang posisyon ng isang indibidwalista ay maaaring maging mabunga, ngunit sa Russia ito ay hindi. Bagaman nabigo sina Pushkin at Lermontov na maging romantiko, binuksan nila ang daan para sa pag-unlad ng realismo. Noong 1825, ang unang makatotohanang gawain ay nai-publish: "Boris Godunov", pagkatapos ay "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "Hero of Our Time" at marami pang iba.

b) Pagpinta

Sa pinong sining, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura. Ang mga kilalang kinatawan ng romantikismo sa sining ay mga romantikong pintor ng Russia. Sa kanilang mga pagpipinta ay ipinahayag nila ang diwa ng kalayaan, aktibong pagkilos, at marubdob at may temperamental na nanawagan para sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na pagpipinta ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaugnayan, sikolohiya, at hindi pa naganap na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunary na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhang pagpipinta. Ito ay tinutukoy ng parehong makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng Russian romantikong pagpipinta:

Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, hindi malinaw na ipinahayag ang romantisismo.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasiko, na madalas na kaakibat nito.

Ang akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa naubos ang sarili nito.

Ang romantiko sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan ay naakit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (ang mga gawa ni Theodosius Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Ang prototype sa kanila ay halata - Salvator Rosa, napaka-tanyag sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo Mamaya, ang impluwensya ng proto-romantic artist na ito ay magiging kapansin-pansin sa gawa ni Alexander Orlovsky, mga eksena sa paligid ng apoy, mga labanan na sinamahan siya sa buong. malikhaing landas. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artist na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portrait, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang lumitaw muna sa pagpipinta ng portrait. Sa unang ikatlo ng ika-19 na siglo, higit na nawalan ito ng pakikipag-ugnayan sa dignitary aristokrasiya. Ang mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, at mga larawan ng mga ordinaryong magsasaka ay nagsimulang sumakop sa isang makabuluhang lugar. Ang ugali na ito ay lalo na binibigkas sa mga gawa ng O.A. Kiprensky (1782 – 1836) at V.A. Tropinin (1776 – 1857).

Si Vasily Andreevich Tropinin ay nagsumikap para sa isang masigla, nakakarelaks na katangian ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. Ang Portrait of a Son (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "Self-Portrait" (1846) ay humanga hindi sa kanilang pagkakahawig ng larawan sa mga orihinal, ngunit sa kanilang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Larawan ng isang anak na lalaki- Si Arseny Tropinina ay isa sa mga pinakamahusay sa trabaho ng master. Ang pino at malambot na ginintuang color scheme ay nakapagpapaalaala sa 18th-century valerie painting. Gayunpaman, kumpara sa tipikal na larawan ng bata noong ika-18 siglong romanticism. Narito ang kawalang-kinikilingan ng disenyo ay kapansin-pansin - ang batang ito ay nag-pose sa isang napakaliit na lawak. Dumausdos ang tingin ni Arseny sa tumitingin, nakasuot ito ng casual, bukas ang gate na parang nagkataon. Ang kakulangan ng representasyon ay nakasalalay sa hindi pangkaraniwang pagkapira-piraso ng komposisyon: pinupuno ng ulo ang halos buong ibabaw ng canvas, ang imahe ay pinutol hanggang sa collarbone, at sa gayon ang mukha ng batang lalaki ay mekanikal na inilipat patungo sa manonood.

Ang kasaysayan ng paglikha ay lubhang kawili-wili "Larawan ni Pushkin." Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky sa pagtakbo ng aso, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Noon, tila, isang maliit na sketch ang isinulat batay sa unang impresyon na labis na pinahahalagahan ni Tropinin. Sa mahabang panahon nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakamahusay na naghahatid ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata dito ay puno ng isang espesyal na kinang, mabilis na lumiko ang ulo, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. Walang alinlangan, ang mga tunay na tampok ng mukha ng Pushkin ay nakunan dito, na hiwalay nating nakatagpo sa isa o isa pa sa mga larawan na bumaba sa amin. Ang isa ay nananatiling naguguluhan," dagdag ni Shchekotov, "kung bakit ang kaakit-akit na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata." Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, walang kagandahan ng brushwork, walang mahusay na nakasulat na "mga pangyayari" dito. At si Pushkin dito ay hindi isang katutubong "vitia", hindi isang "henyo", ngunit una sa lahat isang tao. At halos hindi katanggap-tanggap sa pagsusuri kung bakit ang napakalaking nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive tones, sa padalos-dalos, tila random na mga stroke ng brush ng isang halos hindi nakikitang sketch. Ang pagpunta sa memorya sa buong buhay at kasunod na mga larawan ng Pushkin, ang sketch na ito, sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng sangkatauhan, ay maaari lamang ilagay sa tabi ng pigura ng Pushkin, na nililok ng iskultor ng Sobyet na si A. Matveev. Ngunit hindi ito ang gawain na itinakda ni Tropinin para sa kanyang sarili, hindi ito ang uri ng Pushkin na gustong makita ng kanyang kaibigan, bagaman inutusan niya ang makata na ilarawan sa isang simple, parang bahay na anyo.

Sa pagtatasa ng artist, si Pushkin ay isang "tsar-poet." Ngunit isa rin siyang makata ng bayan, isa siya sa kanyang sarili at malapit sa lahat. "Ang pagkakapareho ng larawan sa orihinal ay kapansin-pansin," isinulat ni Polevoy matapos itong tapusin, kahit na napansin niya ang kakulangan ng "bilis ng titig" at "liveness ng facial expression," na nagbabago at nagiging animated sa Pushkin sa bawat bagong impression.

Sa portrait, lahat ay pinag-isipan at napatunayan sa pinakamaliit na detalye, at kasabay nito, walang sinadya, walang dinala ng artista. Kahit na ang mga singsing na nagpapalamuti sa mga daliri ng makata ay naka-highlight sa lawak na si Pushkin mismo ay nagbigay ng kahalagahan sa kanila sa buhay. Kabilang sa mga kaakit-akit na paghahayag ng Tropinin, ang larawan ng Pushkin ay humanga sa sonority ng saklaw nito.

Ang pagiging romantiko ni Tropinin ay malinaw na nagpahayag ng sentimentalistic na pinagmulan. Si Tropinin ang nagtatag ng genre, medyo idealized na larawan ng isang tao mula sa mga tao ("The Lacemaker" (1823)). "Parehong mga eksperto at hindi mga eksperto," ang isinulat ni Svinin tungkol sa "Ang Lacemaker," -- humanga kapag tinitingnan ang larawang ito, na tunay na pinag-iisa ang lahat ng kagandahan ng sining ng larawan: ang kaaya-aya ng brush, ang tama, masayang pag-iilaw, ang malinaw, natural na pangkulay, bukod dito, ang kaluluwa ng kagandahan ay inihayag at ang mapanlinlang na sulyap na iyon ng pag-uusisa na ibinato niya sa isang taong pumasok sa sandaling iyon. Ang kanyang mga bisig, na natatakpan ng siko, ay tumigil kasama ng kanyang tingin, ang trabaho ay tumigil, isang buntong-hininga ang lumipad mula sa birhen na dibdib, na natatakpan ng isang muslin scarf - at ang lahat ng ito ay inilalarawan nang may ganoong katotohanan at pagiging simple na ang larawang ito ay napakadali. napagkakamalang pinakamatagumpay na gawain ng maluwalhating Panaginip. Ang mga bagay na hindi sinasadya, tulad ng isang lace na unan at isang tuwalya, ay inayos nang may mahusay na kasanayan at ginawa nang may katapusan...”

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Ang lahat ng mga kilalang tao ng Moscow ay dumalo sa mga gabing pampanitikan dito. Dito nakilala ng batang si Orest Kiprensky si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta sa ibang pagkakataon, ay naging perlas ng sining ng larawan sa mundo, at ang mga tula ni A.S. Larawan ng Pushkin Ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na sagisag ng mala-tula na henyo. Sa mapagpasyang pagliko ng ulo, sa masiglang nakakurus na mga braso sa dibdib, sa buong anyo ng makata, ang isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan ay makikita. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pulong na ito ay hindi nagaganap nang personal, ngunit pagkalipas ng maraming taon sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang Ruso. makata, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar, ay inihambing - isa sa Moscow. Ang isa ay nasa St. Petersburg. Ngayon ito ay isang pagpupulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga hinahangaan ni Kiprensky na ang artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ipinakita ang makata na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng "Pushkin" ni Tropinsky. .

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang direksyon ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kapital. At pagkatapos ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St. Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang kalunos-lunos na damdamin ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan ng mga progresibong mamamayang Ruso.

Sa harap ng pinto "Larawan ni E.V. Davydov"(1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal ng romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipaglaban sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi naprotektahan siya mula sa mga personal na katangian ng modelo.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo ang mga ito sa iyong isip, ay nagpapakita ng espirituwal at likas na kayamanan ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, gaya ng pinag-uusapan din ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi nagsikap si Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, sinundan niya ang kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideyal. Sa esensya, marami sa mga inilalarawan niya ay nasa threshold ng ideal, hinahangad ito, ngunit ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay ang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa mga kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag ang kapalaran ay nagbabago, ang mga lumang ideya ay nasira, ang kabataan ay kumukupas, atbp., Kiprensky ay tila nararanasan kasama ng kanyang mga modelo. Kaya naman ang espesyal na pakikilahok ng portraitist sa interpretasyon ng mga artistikong larawan, na nagbibigay sa portrait ng isang taos-pusong ugnayan.

Sa unang bahagi ng panahon ng gawain ni Kiprensky, hindi mo makikita ang mga taong nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira ng kaluluwa. Darating ito mamaya, kapag naranasan ng romantikong oras ang taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga larawan ng 1800s at ang mga larawang isinagawa sa Tver, ang matapang na brush ni Kiprensky ay nakikita, madali at malayang bumubuo ng anyo. Ang pagiging kumplikado ng mga teknikal na pamamaraan at ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na sa mga mukha ng kanyang mga bayani ay hindi mo makikita ang kabayanihan sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa pagmuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, na iniisip ang tungkol sa hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga larawang babae na kumakatawan sa mga asawa at kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, hindi rin nagsikap si Kiprensky para sa sinasadyang kabayanihan. Isang pakiramdam ng kadalian at pagiging natural ang namamayani. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng babae ay umaakit sa kanilang katamtamang dignidad at integridad ng kalikasan; sa mukha ng mga lalaki ay makikilala ng isa ang isang matanong na kaisipan, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng namumuong etikal at aesthetic na mga ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga iniisip at adhikain ay ibinahagi ng marami (ang paglikha ng mga lihim na lipunan na may ilang mga programang panlipunan at pampulitika ay naganap noong panahon ng 1816-1821), at alam ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi natin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan ng 1812-1814, ang mga larawan ng mga magsasaka, na nilikha sa parehong mga taon, ay isang uri ng artistikong parallel sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Minarkahan ng maliwanag na selyo ng romantikong ideal "Larawan ni V.A. Zhukovsky"(1816). Ang artista, na lumilikha ng isang larawan na kinomisyon ni S.S. Uvarov, ay nagpasya na ipakita sa kanyang mga kontemporaryo hindi lamang ang imahe ng makata, na kilalang-kilala sa mga bilog na pampanitikan, kundi pati na rin upang ipakita ang isang tiyak na pag-unawa sa personalidad ng romantikong makata. Sa harap natin ay isang uri ng makata na nagpahayag ng pilosopiko at panaginip na direksyon ng romantikong Ruso. Ipinakilala ni Kiprensky si Zhukovsky sa isang sandali ng malikhaing inspirasyon. Ginulo ng hangin ang buhok ng makata, ang mga punungkahoy ay sabik na nagsasaboy sa kanilang mga sanga sa gabi, ang mga guho ng mga sinaunang gusali ay halos hindi nakikita. Ganito dapat ang hitsura ng isang lumikha ng mga romantikong ballad. Ang mga madilim na kulay ay nagpapahusay sa mahiwagang kapaligiran. Sa payo ni Uvarov, hindi kinumpleto ni Kiprensky ang mga indibidwal na fragment ng larawan, upang ang "labis na pagkakumpleto" ay hindi mapatay ang espiritu, ugali, at emosyonalidad.

Maraming mga larawan ang ipininta ni Kiprensky sa Tver. Bukod dito, nang ipinta niya si Ivan Petrovich Wulf, ang may-ari ng lupain sa Tver, tiningnan niya nang may damdamin ang batang babae na nakatayo sa harap niya, ang kanyang apo, ang hinaharap na si Anna Petrovna Kern, kung saan ang isa sa mga pinaka-kaakit-akit na liriko na gawa ay nakatuon - ang tula ni A.S. Pushkin "Naaalala ko ang isang kahanga-hangang sandali ..." Ang ganitong mga asosasyon ng mga makata, artista, musikero ay naging isang pagpapakita ng isang bagong direksyon sa sining - romantikismo.

Ang "The Young Gardener" (1817) ni Kiprensky, "Italian Noon" (1827) ni Bryullov, "The Reapers" o "The Reaper" (1820s) ni Venetsianov ay mga gawa ng parehong typological series nakasulat na tahasan gamit ito Gayunpaman, ang gawain ng bawat isa sa mga artist - upang isama ang aesthetic pagiging perpekto ng simpleng kalikasan - humantong sa isang tiyak na idealization ng hitsura, pananamit, sitwasyon para sa kapakanan ng paglikha ng isang imahe-metapora Observing buhay, kalikasan, ang artist rethought ito, poeticizing ang nakikita sa ito qualitatively bagong kumbinasyon ng kalikasan at imahinasyon na may karanasan ng mga sinaunang at Renaissance masters, na nagbubunga ng mga imahe na dati ay hindi kilala sa sining, at ito ay isa sa mga tampok ng romanticism ng unang kalahati ng mga. Ika-19 na siglo Ang likas na metaporiko, sa pangkalahatan ay katangian ng mga gawang ito nina Venetsianov at Bryullov, ay isa sa pinakamahalagang katangian ng romantikong mga artistang Ruso ay hindi pa gaanong pamilyar sa larawang romantikong Kanlurang Europa. "Larawan ng isang Ama (A.K. Schwalbe)"(1804) ay isinulat ni Orest Kiprensky ng sining at ang portrait genre sa partikular.

Ang pinakamahalagang tagumpay ng romantikong Ruso ay mga gawa sa genre ng portrait. Ang pinakamaliwanag at pinakamahusay na mga halimbawa Ang Romantisismo ay nagsimula noong unang panahon. Matagal bago ang kanyang paglalakbay sa Italya, noong 1816, si Kiprensky, na panloob na handa para sa isang romantikong pangitain ng mundo, ay nakakita ng mga pagpipinta ng mga lumang master na may bagong mga mata. Ang madilim na pangkulay, mga figure na naka-highlight sa pamamagitan ng liwanag, nasusunog na mga kulay, matinding drama ay nagkaroon ng malakas na epekto sa kanya. Ang "Portrait of a Father" ay walang alinlangan na inspirasyon ni Rembrandt. Ngunit ang Russian artist ay kumuha lamang ng mga panlabas na pamamaraan mula sa mahusay na Dutchman. Ang "Portrait of a Father" ay isang ganap na independiyenteng gawain, na nagtataglay ng sarili nitong panloob na enerhiya at kapangyarihan ng masining na pagpapahayag. Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ng album ay ang kasiglahan ng kanilang pagpapatupad. Walang kaakit-akit dito - ang agarang paglipat ng kung ano ang nakikita sa papel ay lumilikha ng kakaibang pagiging bago ng graphic na pagpapahayag. Samakatuwid, ang mga taong inilalarawan sa mga larawan ay tila malapit at naiintindihan sa amin.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky ay nagbigay sa Russian art school ng European na katanyagan sa kanyang trabaho. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang tumaas na interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pag-unlad ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan naging nangingibabaw ang self-portrait. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang aksidenteng episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na sumulat at gumuhit ng kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan, na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at kasabay nito ay isang manifesto na hinarap sa kanilang mga kontemporaryo. Self-portrait ay hindi isang pasadyang genre, sumulat ang artista para sa kanyang sarili at dito, higit kailanman, naging malaya siya sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na imahe lamang, kasama ang kulto ng indibidwal at pambihirang, nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Lumilitaw ang mga ito sa pamilyar at natural na papel ng lumikha ("Self-portrait in a velvet beret" ni A. G. Varnek, 1810s), pagkatapos ay bumulusok sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ("Self-portrait sa isang helmet at baluti" ni F. I. Yanenko , 1792), o, kadalasan, lumilitaw nang walang anumang propesyonal na katangian, na nagpapatunay sa kahalagahan at pagpapahalaga sa sarili ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, naghahanap at nagmamadali, tulad ng F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa self-portraits 1810s. Ang pagiging handa para sa diyalogo at pagiging bukas na katangian ng mga makasagisag na solusyon ng mga gawa noong 1810-1820 ay unti-unting napalitan ng pagkapagod at pagkabigo, pagsipsip, at pag-alis sa sarili ("Self-Portrait" ni M. I. Terebenev). Ang kalakaran na ito ay makikita sa pag-unlad portrait na genre pangkalahatan.

Ang mga self-portraits ni Kiprensky ay lumitaw, ito ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay ay nagpatotoo sila sa pagtaas o pagbaba ng lakas ng kaisipan. Tiningnan ng artista ang kanyang sarili sa pamamagitan ng kanyang sining. Kasabay nito, hindi siya gumamit ng salamin, tulad ng karamihan sa mga pintor; ipininta niya pangunahin ang kanyang sarili ayon sa kanyang imahinasyon;

"Pag-self-portrait na may mga brush sa likod ng tainga" binuo sa isang pagtanggi, at malinaw na nagpapakita, sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay nakabalangkas sa humigit-kumulang, sa pangkalahatan. Ang ilaw sa gilid ay bumabagsak sa mukha, na nagha-highlight lamang sa mga tampok sa gilid. Ang mga indibidwal na pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinapatay ang halos hindi nakikitang mga kurtina na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, kalooban. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture. Ang paglahok ng artist sa mga lihim ng pagkamalikhain ay ipinahayag sa misteryosong romantikong "sfumato ng ika-19 na siglo." Ang kakaibang maberde na tono ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng artistikong mundo, sa gitna nito ay ang artist mismo.

Halos kasabay nitong self-portrait, nagpinta rin siya “Self-portrait sa isang pink na neckerchief”, kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, nakakaramdam ng kagaanan, natural, malaya. Ang ibabaw ng pagpipinta ng canvas ay pinong itinayo. Kumpiyansa na naglalagay ng pintura ang brush ng artist. Nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang scheme ng kulay ay perpektong binuo, ang mga kulay ay malambot at magkakasuwato na pinagsama sa bawat isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag o pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ng portrait ay si Venetsianov. Noong 1811, natanggap niya mula sa Academy ang pamagat ng akademiko, na hinirang para sa "Self-portrait" at "Portrait of K.I. Ito ay mga pambihirang gawa.

Ipinahayag ni Venetsianov ang kanyang sarili na tunay na sanay "Larawan sa Sarili" 1811. Ito ay isinulat nang iba kaysa sa iba pang mga artist na pininturahan ang kanilang mga sarili sa oras na iyon - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek at maging ang serf V. Tropinin. Lahat sila ay may posibilidad na isipin ang kanilang sarili sa isang romantikong aura na kumakatawan sa isang uri ng patula na paghaharap na may kaugnayan sa kanilang kapaligiran. Ang pagiging eksklusibo ng artistikong kalikasan ay ipinakita sa pose, mga kilos, at ang hindi pangkaraniwan ng espesyal na dinisenyo na kasuutan. Sa "Self-Portrait" ni Venetsianov, napapansin ng mga mananaliksik, una sa lahat, ang mahigpit at tensiyonado na pagpapahayag ng isang abalang lalaki... Tamang kahusayan, naiiba sa pakitang-tao na "artistic negligence" na ipinahiwatig ng mga robe o coquettishly pulled caps ng ibang mga artista. Tinitingnan ni Venitsianov ang kanyang sarili nang matino. Para sa kanya, ang sining ay hindi isang inspiradong salpok, ngunit, higit sa lahat, isang bagay na nangangailangan ng konsentrasyon at atensyon. Maliit sa laki, halos monochrome sa kulay ng mga tono ng oliba, bukod-tanging tumpak na nakasulat, ito ay simple at kumplikado sa parehong oras. Hindi kaakit-akit sa panlabas na bahagi ng pagpipinta, pinipigilan ka nito sa kanyang tingin. Ang perpektong manipis na mga gilid ng manipis na gintong mga frame ng mga baso ay hindi nagtatago, ngunit sa halip ay binibigyang-diin ang matalas na talas ng mga mata, hindi masyadong nakadirekta sa kalikasan (ang artist ay inilalarawan ang kanyang sarili na may isang palette at brush sa kanyang mga kamay), ngunit sa halip sa ang lalim ng sariling iniisip. Ang malaking malapad na noo, kanang bahagi ng mukha, na pinaliwanagan ng direktang liwanag, at ang puting shirtfront ay bumubuo ng isang magaan na tatsulok, una sa lahat ay umaakit ng tingin ng manonood, na sa susunod na sandali, kasunod ng paggalaw ng kanang kamay na may hawak na manipis. brush, dumudulas pababa sa palette. Kulot na mga hibla ng buhok, ang mga braso ng isang makintab na frame, isang maluwag na kurbata sa kwelyo, isang malambot na linya ng balikat at, sa wakas, isang malawak na kalahating bilog ng palette ay bumubuo ng isang gumagalaw na sistema ng makinis, umaagos na mga linya, kung saan mayroong tatlong pangunahing mga punto : maliliit na highlight ng mga mag-aaral, at ang matalim na dulo ng shirtfront, halos magsara na may palette at brush. Ang halos mathematical na pagkalkula na ito sa pagbuo ng komposisyon ng portrait ay nagbibigay ng bahagyang panloob na kalmado sa imahe at nagbibigay ng dahilan upang ipalagay na ang may-akda ay may analytical na pag-iisip, madaling kapitan ng pag-iisip ng siyentipiko. Sa "Self-Portrait" walang bakas ng anumang romantikismo, na noon ay karaniwan nang ilarawan ng mga artista ang kanilang sarili. Ito ay isang self-portrait ng isang artist-researcher, artist-thinker at worker.

Iba pang gawain - larawan ni Golovachevsky- ipinaglihi bilang isang uri ng komposisyon ng balangkas: ang mas lumang henerasyon ng mga masters ng Academy sa katauhan ng matandang inspektor ay nagbibigay ng mga tagubilin sa lumalaking talento: isang pintor (na may folder ng mga guhit. Isang arkitekto at isang iskultor. Ngunit hindi ginawa ni Venetsianov payagan ang kahit na anino ng anumang malayo o didaktisismo sa larawang ito: ang mabait na matandang Golovachevsky na palakaibigan ay nagpapakahulugan sa mga tinedyer ng ilang pahinang binasa sa aklat Ang katapatan ng pagpapahayag ay sinusuportahan sa nakalarawang istraktura ng pagpipinta: ito ay masunurin, banayad at maganda. Ang mga magkakasuwato na makukulay na tono ay lumilikha ng impresyon ng kapayapaan at kabigatan.

At sa gawa ni Orlovsky noong 1800s, lumitaw ang mga gawa ng portrait, karamihan ay naisakatuparan sa anyo ng mga guhit. Ang nasabing isang emosyonal na mayaman na portrait sheet ay nagsimula noong 1809 bilang “Larawan sa sarili”. Puno ng isang mayaman, libreng stroke ng sanguine at uling (backlit na may chalk), ang "Self-Portrait" ni Orlovsky ay umaakit sa kanyang artistikong integridad, katangiang imahe, at kasiningan ng pagpapatupad. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang natatanging aspeto ng sining ni Orlovsky. Ang "self-portrait" ni Orlovsky, siyempre, ay walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Bago sa amin ay higit na sinasadya. Ang labis na hitsura ng isang "artista", na inihambing ang kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan, hindi siya nababahala sa "disente" ng kanyang hitsura: ang isang suklay at isang brush ay hindi hinawakan ang kanyang malago na buhok, sa kanyang balikat ay ang gilid ng isang checkered na kapote sa ibabaw mismo ng kanyang kamiseta sa bahay na may bukas na kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "malungkot" na hitsura mula sa ilalim ng niniting na kilay, isang malapit na pag-crop ng larawan, kung saan ang mukha ay inilalarawan malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pag-iiba ng taong inilalarawan sa kapaligiran (at sa gayon ang manonood).

Ang mga pathos ng affirmation ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang natatanging aspeto, halos hindi natagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng pagkatao ay hindi nagmumula sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng kayamanan ng panloob na mundo nito, ngunit sa pamamagitan ng isang mas panlabas na paraan ng pagtanggi sa lahat ng bagay sa paligid nito. Kasabay nito, ang imahe ay walang alinlangan na mukhang mahirap at limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tumunog at ang personalidad ng isang tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, demokratikong kaayusan sa lipunan, pinakamahusay na mga tao Ang Russia noong panahong iyon ay hindi hiwalay sa realidad, mulat na tinatanggihan ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa lupain ng Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. Ito ay malinaw na ipinakita ang sarili bilang isang salamin ng aktwal na mga kadahilanan sa Russian portrait art. Ang isa ay dapat lamang ihambing ang "Self-Portrait" ni Orlovsky sa sabay-sabay “Larawan sa sarili” Kiprensky (halimbawa, 1809), upang ang seryosong panloob na pagkakaiba sa pagitan ng parehong mga pintor ng portrait ay agad na nakakuha ng mata.

Si Kiprensky ay "nagpapabayani" din sa personalidad ng isang tao, ngunit ipinakita niya ang tunay na mga panloob na halaga nito. Sa mukha ng artista, nakikita ng manonood ang mga katangian ng isang malakas na pag-iisip, karakter, at kadalisayan sa moral.

Ang buong hitsura ni Kiprensky ay nababalot ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuti" at "masama" sa mundo sa paligid niya at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, sa harap natin ay walang alinlangan na isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng kahalagahan ng kanyang mga personal na katangian. Eksaktong parehong konsepto portrait na larawan pinagbabatayan ang sikat na kabayanihan na larawan ni D. Davydov ni Kiprensky.

Si Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, pati na rin sa ilang iba pang mga pintor ng larawan ng Russia noong panahong iyon, ay nilutas ang imahe ng isang "malakas na personalidad" sa isang mas limitado, mas prangka at panlabas na paraan, habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Kapag tiningnan mo ang kanyang "Self-Portrait", ang mga larawan nina A. Gros at Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile ni Orlovsky na "Self-Portrait" noong 1810, kasama ang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", ay nagpapakita rin ng isang panloob na pagkakalapit sa French portrait art, kahit na ito ay pinagkaitan na ng matalim na "sketch" na anyo ng "Self-Portrait" ng 1809 o "Larawan ng Duport." Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa "Self-Portrait," ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "heroic" na pose na may matalim, halos cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport at ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na katangian nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ay sumunod sa saloobing ito sa kanilang trabaho. tanawin. Kabilang sa mga halatang eksepsiyon, na nakahilig sa kamangha-manghang tanawin, ay si A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Tingnan sa paligid ng Roma", 1809); P. V. Basin ("Kalangitan sa paglubog ng araw sa paligid ng Roma", "Larawan sa gabi", pareho - 1820s). Habang lumilikha ng mga partikular na uri, napanatili nila ang spontaneity ng sensasyon at emosyonal na kayamanan, na nakakamit ng napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Nakita ng batang Orlrvsky sa kalikasan ang mga titanic na puwersa lamang, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng sakuna, sakuna. Ang pakikibaka ng tao laban sa nagngangalit na mga elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809 – 1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan "Pagbagsak ng barko"(1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Ang kulay sa malupit na pulang tono ay nagpapahusay sa pakiramdam ng pagkabalisa. Ang mga pagsalakay ng malalakas na alon na naglalarawan ng isang bagyo ay nagbabanta, at sa isa pang larawan - “Sa dalampasigan”(1809). Ang mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon, ay gumaganap din ng malaking emosyonal na papel dito. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang mas maayos at mahina. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Ang mga pulang batik sa damit ng mga mangingisda ay maganda ang paglalaro laban sa mapula-pula-kayumangging background. Hindi mapakali at nakakaalarma na mga elemento ng dagat sa watercolor “Bangka na naglalayag”(c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi pumapalya ang layag at alon sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “Seascape na may mga barko”(c.1810), may premonisyon ang manonood na susundan ng bagyo ang kalmado.

Sa lahat ng drama at kaguluhan ng mga damdamin, ang mga seascape ni Orlovsky ay hindi gaanong bunga ng kanyang mga obserbasyon sa atmospheric phenomena bilang resulta ng direktang imitasyon ng mga klasiko ng sining. Sa partikular, si J. Vernet.

Ang mga tanawin ng S. F. Shchedrin ay may ibang kalikasan. Ang mga ito ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay sa pagitan ng tao at kalikasan ("Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827). Maraming tanawin ng Naples at ng nakapalibot na lugar sa pamamagitan ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay at katanyagan.

Ang paglikha ng isang romantikong imahe ng St. Petersburg sa pagpipinta ng Russia ay nauugnay sa gawain ni M. N. Vorobyov. Sa kanyang mga canvases, ang lungsod ay lumitaw na nababalot ng mahiwagang mga fog ng St. Petersburg, ang malambot na ulap ng puting gabi at isang kapaligiran na puspos ng kahalumigmigan ng dagat, kung saan ang mga balangkas ng mga gusali ay nabubura at ang liwanag ng buwan ay nakumpleto ang misteryo. Ang parehong liriko na prinsipyo ay nagpapakilala sa mga pananaw ng St. Petersburg environs na kanyang ginawa ("Sunset in the vicinity of St. Petersburg", 1832). Ngunit nakita din ng mga artista ang hilagang kabisera sa ibang, dramatikong paraan, bilang isang arena para sa banggaan at pakikibaka ng mga natural na elemento (V. E. Raev "The Alexander Column sa panahon ng isang bagyo", 1834).

Ang makikinang na mga pagpipinta ni I.K. Aivazovsky ay malinaw na naglalaman ng mga romantikong mithiin ng rapture ng pakikibaka at ang kapangyarihan ng mga natural na pwersa, ang katatagan ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang mahiwagang panloob na buhay, at kung saan ang mga larawang paghahanap ng artist ay naglalayong kumuha ng mga pambihirang epekto ng liwanag ( "View of Odessa on a moonlight night", "View of Constantinople by moonlight", pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang taong nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay binigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga gawa ay batay sa totoong mga kaganapan, ngunit ang kahulugan ng mga imahe ay hindi isang layunin na muling pagsasalaysay ng mga ito. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Peter Basin "Lindol sa Rocca di Papa malapit sa Roma"(1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan, ngunit sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa pagpapakita ng mga elemento.

Ang mga luminaries ng pagpipinta ng Russia sa panahong ito ay sina K.P. Ivanov (1806 – 1858). Ang pintor at draftsman ng Russia na si K.P. Si Bryullov, habang nag-aaral pa sa Academy of Arts, ay pinagkadalubhasaan ang walang kapantay na kasanayan sa pagguhit. Ang gawain ni Bryullov ay karaniwang nahahati sa bago ang "Ang Huling Araw ng Pompeii" at pagkatapos. Ano ang nilikha noon...?!

“Italian Morning” (1823), “Hermilia with the Shepherds” (1824) batay sa tula ni Torquatto Tasso na “The Liberation of Jerusalem”, “Italian Afternoon” (“Italian Woman Picking Grapes”, 1827), “Horsewoman” (1830) , "Bathsheba" (1832) - lahat ng mga kuwadro na ito ay puno ng isang maliwanag, hindi nakikilalang kagalakan ng buhay. Ang ganitong mga gawa ay naaayon sa mga unang epicurean na tula ng Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, at Delvig. Ang lumang istilo, batay sa imitasyon ng mga dakilang masters, ay hindi nasiyahan kay Bryullov at isinulat niya ang "Italian Morning", "Italian Afternoon", "Bathsheba" sa open air.

Habang nagtatrabaho sa larawan, pininturahan lamang ni Bryullov ang ulo mula sa buhay. Ang lahat ng iba pa ay madalas na iminungkahi sa kanya ng kanyang imahinasyon. Ang bunga ng naturang libreng creative improvisation ay "Rider". Ang pangunahing bagay sa larawan ay ang kaibahan ng pinainit, lumulutang na hayop na may mga butas ng ilong at kumikinang na mga mata at ang matikas na mangangabayo na mahinahon na pinipigilan ang galit na galit na enerhiya ng kabayo (ang pagpapaamo ng mga hayop ay isang paboritong tema ng mga klasikal na iskultor; nalutas ito ni Bryullov sa pagpipinta).

SA “Bathsheba” ginagamit ng artista ang biblikal na kuwento bilang isang dahilan upang ipakita ang mga hubad na katawan sa bukas na hangin at ihatid ang paglalaro ng liwanag at mga reflexes sa magaan na balat. Sa “Bathsheba” nilikha niya ang larawan ng isang dalagang puno ng kagalakan at kaligayahan. Ang hubad na katawan ay kumikinang at kumikinang, napapaligiran ng mga halamang olibo, mga damit na cherry, at isang malinaw na lawa. Ang malambot na nababanat na mga anyo ng katawan ay maganda na pinagsama sa pagpaputi na tela at kulay ng tsokolate ng babaeng Arabe na naglilingkod kay Bathsheba. Ang likidong linya ng mga katawan, anyong tubig, at mga tela ay nagbibigay sa komposisyon ng pagpipinta ng isang makinis na ritmo.

Ang pagpipinta ay naging isang bagong salita sa pagpipinta “Ang Huling Araw ng Pompeii”(1827-1833). Ginawa niyang walang kamatayan ang pangalan ng artista at napakasikat sa kanyang buhay.

Ang balangkas nito, tila, ay napili sa ilalim ng impluwensya ng kanyang kapatid na si Alexander, na masinsinang pinag-aralan ang mga guho ng Pompeii. Ngunit ang mga dahilan para sa pagpipinta ng larawan ay mas malalim. Napansin ito ni Gogol, at direktang sinabi ni Herzen na sa "Ang Huling Araw ng Pompeii" natagpuan nila ang kanilang lugar, marahil, isang walang malay na pagmuni-muni ng mga iniisip at damdamin ng artist na dulot ng pagkatalo ng pag-aalsa ng Decembrist sa Russia. Ito ay hindi para sa wala na inilagay ni Bryullov ang kanyang sariling larawan sa mga biktima ng nagngangalit na sakuna sa namamatay na Pompeii at ibinigay ang mga tampok ng kanyang mga kakilala sa Russia sa iba pang mga character sa larawan.

Ang Italian entourage ni Bryullov ay gumanap din ng isang papel, na maaaring sabihin sa kanya ang tungkol sa mga rebolusyonaryong bagyo na dumaan sa Italya sa mga nakaraang taon, tungkol sa malungkot na kapalaran ng Carbonari sa mga taon ng reaksyon.

Ang napakagandang larawan ng pagkamatay ni Pompeii ay puno ng diwa ng historisismo;

Nakikita ng artista ang takbo ng kasaysayan, ang pagbabago ng mga panahon bilang isang pagkabigla sa sangkatauhan. Sa gitna ng komposisyon, ang isang babae na nahulog mula sa isang karwahe at namatay, ay tila personified ang katapusan ng sinaunang mundo. Ngunit inilagay ng artista ang isang buhay na sanggol malapit sa katawan ng ina. Naglalarawan sa mga bata at magulang, isang binata at isang matandang ina, mga anak na lalaki at isang huwarang ama, ipinakita ng artista ang mga lumang henerasyon na dumaan sa kasaysayan at pinalitan sila ng mga bago. Ang pagsilang ng isang bagong panahon sa mga guho ng isang lumang mundo na gumuho sa alikabok ang tunay na tema ng pagpipinta ni Bryullov. Anuman ang mga pagbabagong dulot ng kasaysayan, ang pagkakaroon ng sangkatauhan ay hindi tumitigil, at ang pagkauhaw nito sa buhay ay nananatiling walang kupas. Ito ang pangunahing ideya ng "Ang Huling Araw ng Pompeii". Ang larawang ito ay isang himno sa kagandahan ng sangkatauhan, na nananatiling walang kamatayan sa lahat ng mga siklo ng kasaysayan.

Ang canvas ay ipinakita noong 1833 sa Milan Art Exhibition, nagdulot ito ng magulo ng mga masigasig na tugon. Ang bugbog na Italya ay nasakop. Ang estudyante ni Bryullov na si G.G Gagarin ay nagpapatotoo: “Ang dakilang gawaing ito ay pumukaw ng walang hanggang sigasig sa Italya. Ang mga lungsod kung saan ipinakita ang pagpipinta ay nagbigay ng mga pagtanggap sa mga artista, ang mga tula ay nakatuon sa kanya, dinala siya sa mga lansangan na may musika, mga bulaklak at mga sulo... Kahit saan siya ay tinanggap nang may karangalan bilang isang kilalang, matagumpay na henyo, naiintindihan at pinahahalagahan ng lahat."

Ang Ingles na manunulat na si Walter Scott (isang kinatawan ng romantikong panitikan, sikat sa kanyang mga makasaysayang nobela) ay gumugol ng isang buong oras sa studio ni Bryullov, kung saan sinabi niya na hindi ito isang pagpipinta, ngunit isang buong tula. Ang Academies of Arts ng Milan, Florence, Bologna at Parma ay inihalal ang pintor ng Russia bilang isang honorary member.

Ang canvas ni Bryullov ay nagdulot ng masigasig na mga tugon mula kina Pushkin at Gogol.

Binuksan ni Vesuvius ang bibig nito - bumuhos ang usok sa ulap ng apoy

Malawak na binuo bilang isang bandila ng labanan.

Ang lupa ay nabalisa - mula sa nanginginig na mga haligi

Bumagsak ang mga idol!..

Sumulat si Pushkin sa ilalim ng impresyon ng pagpipinta.

Simula kay Bryullov, ang mga pagbabago sa kasaysayan ay naging pangunahing paksa ng pagpipinta ng kasaysayan ng Russia, na naglalarawan ng mga magagandang eksena ng katutubong, kung saan ang bawat tao ay kalahok. makasaysayang drama, kung saan walang pangunahin at pangalawa.

Ang "Pompeii" ay kabilang, sa pangkalahatan, sa klasisismo. Mahusay na inilabas ng artista ang kaplastikan ng katawan ng tao sa canvas. Ang lahat ng mga emosyonal na paggalaw ng mga tao ay ipinarating ni Bryullov lalo na sa wika ng plasticity. Ang mga indibidwal na figure, na ibinigay sa marahas na paggalaw, ay kinokolekta sa balanseng, frozen na mga grupo. Ang mga kislap ng liwanag ay binibigyang-diin ang mga hugis ng mga katawan at hindi gumagawa ng malakas na mga epekto ng painter. Gayunpaman, ang komposisyon ng pagpipinta, na may isang malakas na pambihirang tagumpay sa lalim sa gitna, na naglalarawan ng isang pambihirang kaganapan sa buhay ni Pompeii, ay inspirasyon ng romantikismo.

Ang Romantisismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng mga romantiko para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng mga romantiko ay walang alinlangan ang mga simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, at nagpapahayag na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, at malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamasigla, matiyaga, at mabunga.

Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy na nabubuhay sa sining ng mundo.

c) Musika

Romantisismo sa purong anyo ay isang kababalaghan ng sining ng Kanlurang Europa. Sa musikang Ruso noong ika-19 na siglo. mula Glinka hanggang Tchaikovsky, ang mga tampok ng klasisismo ay pinagsama sa mga tampok ng romantikismo, ang nangungunang elemento ay isang maliwanag, orihinal na pambansang prinsipyo. Ang Romantisismo sa Russia ay nagbigay ng hindi inaasahang pagtaas nang ang kalakaran na ito ay tila isang bagay ng nakaraan. Muling binuhay ng dalawang kompositor ng ika-20 siglo, sina Scriabin at Rachmaninov, ang mga katangian ng romantikismo bilang walang pigil na paglipad ng pantasya at katapatan ng mga liriko. Samakatuwid, ang ika-19 na siglo tinatawag na siglo ng mga klasikong musikal.

Ang oras (1812, ang pag-aalsa ng Decembrist, ang kasunod na reaksyon) ay nag-iwan ng marka sa musika. Anuman ang genre na kunin natin - romansa, opera, ballet, chamber music - kahit saan sinabi ng mga kompositor na Ruso ang kanilang bagong salita.

Ang musika ng Russia, kasama ang lahat ng kagandahan ng salon nito at mahigpit na pagsunod sa mga tradisyon ng propesyonal na instrumental na pagsulat, kabilang ang sonata-symphonic na pagsulat, ay batay sa natatanging pangkulay ng modal at ritmikong istraktura ng alamat ng Russia. Ang ilan ay malawak na umaasa sa pang-araw-araw na mga kanta, ang iba sa mga orihinal na anyo ng paggawa ng musika, at ang iba pa sa sinaunang modality ng sinaunang Russian peasant mode.

Simula ng ika-19 na siglo Ito ang mga taon ng una at pinakamaliwanag na pamumulaklak ng genre ng romansa. Ang katamtaman, taos-pusong mga liriko ay tumatatak pa rin at nagpapasaya sa mga tagapakinig. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Sumulat siya ng mga romansa batay sa mga tula ng maraming makata, ngunit ang mga walang kamatayan ay "Nightingale" sa mga tula ni Delvig, “Winter Road”, “I Love You” batay sa mga tula ni Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) nagsulat ng musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, ngunit kilala namin siya sa mga sikat na romansa "Red sundress", "Huwag mo akong gisingin sa madaling araw", "Puti ang malungkot na layag".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- kompositor, pianista, biyolinista at guro, isinulat niya ang mga romansa gaya ng "Ang kampana ay walang pagbabagong tumunog", "Sa bukang-liwayway ng maulap na kabataan" atbp.

Ang pinakakilalang lugar dito ay inookupahan ng mga romansa ni Glinka. Wala pang nakamit ang gayong natural na pagsasanib ng musika sa mga tula nina Pushkin at Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- kontemporaryo ng Pushkin (sa loob ng 5 taon mas bata kay Alexander Si Sergeevich), isang klasiko ng panitikang Ruso, ay naging tagapagtatag ng mga klasikong musikal. Ang kanyang trabaho ay isa sa mga tuktok ng kulturang musikal ng Russia at mundo. Ito ay maayos na pinagsasama ang kayamanan ng katutubong musika at pinakamataas na tagumpay husay ng kompositor. Ang malalim na katutubong makatotohanang pagkamalikhain ni Glinka ay sumasalamin sa malakas na pamumulaklak ng kulturang Ruso noong ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo, na nauugnay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 at kilusang Decembrist. Ang maliwanag, nagpapatibay sa buhay na karakter, ang pagkakatugma ng mga anyo, ang kagandahan ng mga nagpapahayag na malambing na melodies, ang pagkakaiba-iba, pagiging makulay at subtlety ng mga harmonies ay ang pinakamahalagang katangian ng musika ni Glinka. Sa pinakatanyag na opera "Ivan Susanin"(1836) ang ideya ng popular na pagkamakabayan ay nakatanggap ng isang napakatalino na pagpapahayag; ang moral na kadakilaan ng mga mamamayang Ruso ay niluwalhati sa fairy-tale opera " Ruslan at Lyudmila". Mga orkestra na gawa ni Glinka: “Waltz Fantasy”, “Gabi sa Madrid” at lalo na "Kamarinskaya", bumubuo ng batayan ng klasikal na symphonism ng Russia. Ang musika para sa trahedya ay kapansin-pansin para sa kapangyarihan ng dramatikong pagpapahayag at ningning ng mga katangian. "Prinsipe Kholmsky". Ang vocal lyrics ni Glinka (romances "Naaalala ko ang isang magandang sandali", "Pag-aalinlangan") ay isang hindi maunahang sagisag ng tula ng Russia sa musika.

6. WESTERN EUROPEAN ROMANTICISMO

a) Pagpipinta

Kung ang France ang ninuno ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat... romantikong paaralan"," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya." Doon siya isinilang, at doon nabuo ng modernong Italyano at Pranses na mga romantiko ang kanilang panlasa.”

Fragmented Alemanya hindi alam ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Ang kalunos-lunos ng mga advanced na ideya sa lipunan ay kakaiba sa marami sa mga romantikong Aleman. Ginawa nila ang Middle Ages. Ibinigay namin ang aming mga sarili sa hindi masasabing emosyonal na mga impulses, napag-usapan ang tungkol sa pag-abandona buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Ang isang natatanging pintor ng portrait ay si Otto Runge (1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, habang kalmado sa labas, ay humanga sa kanilang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng isang romantikong makata ay nakita ni Runge sa "Larawan sa sarili". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita niya ang isang maitim ang buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng sigla, maalalahanin, makasarili at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagpapatupad ng larawan ay mabilis at malawak, na parang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na ihatid sa texture ng akda; Sa isang madilim na scheme ng kulay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at madilim. Ang contrast ay isang katangiang pamamaraan ng pagpipinta ng mga Romantic masters.

Ang isang romantikong artista ay palaging susubukan na mahuli ang nagbabagong paglalaro ng mood ng isang tao at tingnan ang kanyang kaluluwa. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing mayabong na materyal para sa kanya. SA Larawan ng mga batang Huelsenbeck(1805) Ang Runge ay hindi lamang nagbibigay ng kasiglahan at spontaneity katangiang pambata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pamamaraan para sa isang maliwanag na mood na nakalulugod sa plein air openings ng ika-2 palapag. XIX na siglo Ang background sa pagpipinta ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa regalo ng artist para sa kulay at paghanga sa saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang master romantiko, na gustong pagsamahin ang kanyang "I" sa kalawakan ng Uniberso, ay nagsusumikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong senswalidad ng imahe ay mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ideya ng artista."

Si Runge ay isa sa mga unang romantikong artista na nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng synthesizing ng sining: pagpipinta, iskultura, arkitektura, musika. Ang ensemble sound ng sining ay dapat na magpahayag ng pagkakaisa mga banal na kapangyarihan mundo, ang bawat butil nito ay sumisimbolo sa kosmos sa kabuuan. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker ng 1st gender. siglo XVII Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay katulad ng mga romantiko ng buong kontinente ng Europa. Sa anyong patula, ang Ingles na makata at pintor na si William Blake ay nagpahayag ng parehong bagay tulad ng sumusunod:

Tingnan ang kawalang-hanggan sa isang sandali,

Isang malaking mundo sa salamin ng buhangin,

Sa isang dakot - infinity

At ang langit ay nasa tasa ng isang bulaklak.

Runge's cycle, o, gaya ng tawag niya dito, "isang fantastic-musical na tula" “Mga oras ng araw”– umaga, tanghali, gabi, ay isang pagpapahayag ng konseptong ito. Nag-iwan siya ng paliwanag ng kanyang konseptwal na modelo ng mundo sa tula at tuluyan. Ang imahe ng isang tao, landscape, liwanag at kulay ay nagsisilbing simbolo ng patuloy na pagbabago ng cycle ng natural at buhay ng tao.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na romantikong pintor, si Caspar David Friedrich (1774-1840), ay ginusto ang tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at nagpinta lamang ng mga pagpipinta ng kalikasan sa buong kanyang pitumpung taong buhay. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon sa pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng tao sa kalikasan at sa imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang isang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses ay madarama ng isang tao ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, isang karanasan ng tao. Ang subjectivism sa paglalarawan ng mga landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan sa mga masters ng 2nd gender. XIX na siglo Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich ang isang "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape. Interesado ang may-akda sa dagat, bundok, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. "Umaga sa bundok" kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan na umuusbong sa mga sinag ng pagsikat ng araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng dami at materyal na bigat. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay nagpalit kay Frederick sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya "Libingan ni Arminius"- tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang bayani ng Aleman.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng mga seascape: "Ages", "Moonrise over the sea", "The death of "Nadezhda" sa yelo".

Ang pinakabagong mga gawa ng artist ay "Rest in the Field", "Big Swamp" at "Memory of the Gigantic Mountains", "Giant Mountains" - isang serye ng mga hanay ng bundok at mga bato sa foreground na madilim na lupa. Ito ay, tila, isang pagbabalik sa naranasan na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo," ang pagnanais para sa maliwanag, hindi nasakop na mga taas. Binubuo ng damdamin ng artista ang mga masa ng bundok na ito sa isang espesyal na paraan, at muli ay mababasa ng isa ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang larawan ay napaka-ugnay, tulad ng anumang paglikha ng mga romantiko, at nagmumungkahi ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa kanyang pagguhit, musikal na magkakasuwato sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga epekto ng pag-iilaw. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang kaluluwa ng kalikasan ay inihayag sa lahat nang iba. Samakatuwid, walang sinumang maglakas-loob na ihatid sa iba ang kanyang karanasan at ang kanyang mga patakaran bilang isang ipinag-uutos na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang pamantayan para sa lahat. Ang bawat isa ay nagdadala sa kanyang sarili ng isang sukat lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o mas kaunti na nauugnay sa kanyang sarili, "ang pagmuni-muni ng master na ito ay nagpapatunay sa kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang pagkamalikhain - ito ang ibig sabihin ng romantikong Friedrich.

Tila mas pormal ang pagkakaiba sa mga "klasikong" mga artista - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - ang mga Nazarene. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga artista sa ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining na may mga relihiyosong tema. Ang Middle Ages ay ang paboritong panahon ng kasaysayan para sa mga romantiko. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan nina Cornelius, J. Schnoff von Carolsfeld, at Veit Furich.

Ang kilusang ito ng mga Nazarene ay tumutugma sa kanilang sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademiko sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitivist" na mga artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining na "pagpapahayag ng mga panahon," ang "espiritu ng mga tao," ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na noong una ay parang slogan ng pagkakaisa, pagkaraan ng ilang panahon ay naging parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang sining ng romantikismo sa France binuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibong opensiba (“rebolusyonaryo”) na karakter nito. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, at artista ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa mga polemics sa magasin at pahayagan, na kinikilala ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan." Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang manunulat, kompositor, at mamamahayag ng France ay "pinatalas ang kanilang mga panulat" sa mga romantikong polemik.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, sa akademikong sining na tinatawag na "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit ito ay kailangang maunawaan nang mas malawak: ito ay pagsalungat sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon nito sa petiburges. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang nerbiyos na pananabik, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa mga paksang pangkasaysayan at pampanitikan, sa lahat ng bagay na maaaring umahon mula sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran. , pangangarap ng gising at ganap na kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", ang mga akademiko, ay pangunahing naghimagsik laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang rebulto-plastic, karaniwan para sa "mga klasiko", ngunit binuo sa malakas na mga kaibahan ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na pagguhit, na sadyang inabandona ang katumpakan at klasikong katumpakan; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, isang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, ay nagsabi hanggang sa katapusan ng kanyang buhay na si Delacroix ay "nagpinta gamit ang isang baliw na walis," at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng pagiging malamig, makatuwiran, kulang sa paggalaw, at hindi. pagsulat, ngunit "pagpinta." Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang indibidwal, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romantikismo sa sining ay hindi nakakuha ng mga tagumpay nang madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng kilusang ito ay si Theodore Gericault (1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho na parehong klasiko. mga tampok at mga tampok ng romantikismo mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang simula, na nagkaroon ng malaking impluwensya sa sining ng realismo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Jaricot ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang mga unang pagpipinta (mga larawan ng mga lalaking militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, ipinakita ni Géricault ang isang pagpipinta "Opisyal ng Imperial Horse Chasseurs sa panahon ng pag-atake." Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ang kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng pagpipinta ay nagpapakita sa nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng isang "biglaang" sandali kapag ang kabayo ay umayos, at ang nakasakay, na pinapanatili ang halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon patungo sa manonood. Ang paglalarawan ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng isang pose, ay nagpapahusay sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta; Marami ang nagsama-sama sa gawaing ito: ang walang pasubali na pananalig ni Gericault sa posibilidad ng isang tao na makabisado ang kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang dati ay maaari lamang ihatid sa pamamagitan ng musika o ang wika ng tula - ang kaguluhan ng labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang sukdulang tensyon ng mga puwersa ng isang buhay na nilalang . Ibinatay ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na hikayatin ang manonood na "mag-isip nang mabuti", kumpletuhin ang pagguhit gamit ang "panloob na pananaw" at isang pakiramdam ng kung ano ang nais niyang ilarawan.

Ang France ay halos walang tradisyon ng gayong mga dinamika sa nakalarawan na salaysay ng romansa, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, samakatuwid, nang unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilong direksyon sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Géricault ay hindi lamang inihayag ang kapanganakan ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Marami pang mga gawa ang nauugnay sa paksang ito: " Carabinieri officer", "Cuirassier officer bago ang pag-atake", "Portrait of a carabinieri", "Wounded cuirassier".

Sa treatise na "Reflections on the State of Painting in France," isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao. .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lumilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay nangyayari. Ang tao, na napalaya sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng kasiyahan upang maalis ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang pag-unawa sa pang-edukasyon at makatao na papel ng sining ay ipinakita ni Géricault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga tema, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( "Bumalik mula sa Russia").

Kasabay nito, ang artista ay bumaling sa imahe ng pagkamatay ng frigate na "Medusa" sa baybayin ng Africa, na nagpagulo sa lipunan noong panahong iyon. Naganap ang sakuna dahil sa kasalanan ng isang bagitong kapitan na itinalaga sa posisyon na nasa ilalim ng pagtangkilik. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, si surgeon Savigny at engineer Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Ang paglubog ng barko ay nagawang maghulog ng balsa, na nagdala ng ilang bilang ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa mabagyong dagat hanggang sa makamit nila ang kaligtasan - ang barkong "Argus".

Naging interesado si Gericault sa sitwasyon ng matinding tensyon ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. "Ang balsa ng Medusa" ay ang resulta ng mahabang paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng mga elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa para sa kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagbuo ng komposisyon, pumili si Gericault ng isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (makikita ang mga distansya ng dagat) at ilarawan ang lahat ng mga naninirahan sa balsa, na napakalapit sa harapan. Ang kilusan ay batay sa kaibahan ng mga pigurang walang kapangyarihang nakahiga sa harapan at ang mga mapusok sa grupo na nagbibigay ng senyales sa dumadaang barko. Ang kalinawan ng ritmo ng pagtaas ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, at ang madilim na kulay ng larawan ay nagtakda ng isang tiyak na tala ng pagiging kumbensyonal sa imahe. Ngunit hindi ito ang kakanyahan ng bagay para sa nakikitang manonood, kung saan ang mga kumbensyon ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo. Dumadagundong ang karagatan. Ang layag ay umuungol. Ang mga lubid ay tumutunog. Ang balsa ay pumuputok. Ang hangin ay nagtutulak sa mga alon at pinupunit ang mga itim na ulap.

Hindi ba't itong France mismo, dala ng unos ng kasaysayan? – isip ni Eugene Delacroix, nakatayo sa tabi ng painting. "Nagulat si Delacroix sa balsa ng Medusa, umiyak siya at, tulad ng baliw, tumalon mula sa pagawaan ni Gericault, na madalas niyang binisita.

Hindi alam ng sining ni David ang gayong mga hilig.

Ngunit ang buhay ni Gericault ay nagwakas nang maaga (siya ay may karamdaman pagkatapos mahulog mula sa isang kabayo), at marami sa kanyang mga plano ay nanatiling hindi natapos.

Ang inobasyon ni Gericault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa paghahatid ng kilusang nagpapasigla sa mga romantiko, ang nakatagong damdamin ng isang tao, at ang coloristic, textured expressiveness ng larawan.

Si Eugene Delacroix ay naging tagapagmana ni Géricault sa kanyang paghahanap. Totoo, si Delacroix ay binigyan ng dalawang beses na mas maraming buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang isang bagong direksyon sa pagpipinta ng ika-2 palapag. XIX na siglo – impresyonismo.

Bago magsimulang magpinta sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ni Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na magkasintahan, nangangailangan ito ng buong tao..."

Pagkatapos ng mga demonstrasyon ni Géricault, alam na alam ni Delacroix na ang mga oras ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang literary plot. Ang kanyang larawan "Dante at Virgil", na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka na tingnan ang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon, sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: Antiquity - Virgil at ang Renaissance - Dante. Noong unang panahon, sa kanyang "Banal na Komedya," kinuha ni Dante si Virgil bilang kanyang gabay sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawa ni Dante, lumitaw ang isang bagong mundo ng Renaissance sa pamamagitan ng karanasan sa medieval ng memorya ng unang panahon. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Ang mga kabataan noong panahong iyon, na nag-aalab sa kalayaan at poot sa kanilang mga nang-aapi, ay nakiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pumupunta doon para makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas tiyak na makasaysayang kaganapan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824 Delacroix ay nagpapakita ng isang pagpipinta "Masacre sa isla ng Chios." laban sa backdrop ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain. Na sumisigaw pa rin mula sa usok ng mga apoy at sa patuloy na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk na nakasakay sa kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at sa maraming nagdurusa doon. Magaganda ang mga katawan at mukha ng mga taong madamdamin. Siya nga pala, isusulat ni Delacroix sa kalaunan na ang Greek sculpture ay ginawang hieroglyph ng mga artista, na itinatago ang tunay na kagandahang Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng mga talunang Griyego, ang pintor ay nagsasadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, siya ay nagsusumikap upang masira ang mga anggulo. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Géricault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong kredo na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: "Greece sa mga guho ng Missalunga", "The Death of Sardanapalus" at iba pa ay naging outcast sa mga opisyal na bilog ng pagpipinta. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Siya ay nag-aapoy sa artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at mga nagawa. Nagpapicture siya "Kalayaan sa mga barikada."

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta ni Eugene Delacroix na "Freedom on the Barricades," na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang pagpipinta ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo nito sa kapangyarihan, demokrasya at katapangan ng masining na disenyo. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Mas mahusay na sabihin - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa mabigat at kagila-gilalas na apela na nagmumula sa pagpipinta, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muli nila itong ibinalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang pagpipinta sa World Exhibition sa Paris noong 1855 ay napunta ito sa Louvre. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng French romanticism ay pinananatili dito hanggang sa araw na ito - isang inspiradong ulat ng saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng mga sikat na araw ng Hulyo 1830. Ang hangin ay puspos ng asul na usok at alikabok. Isang maganda at marilag na lungsod, nawawala sa manipis na ulap ng pulbura. Sa malayo, halos hindi kapansin-pansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula roon, mula sa lunsod na puno ng usok, sa ibabaw ng mga guho ng mga barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng kanilang mga nahulog na kasamahan, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at mapagpasyang humakbang. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kalooban sa tagumpay, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na kapangyarihang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, marubdob na tumatawag sa kanya. Sa kanyang hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, para siyang isang diyosang Griyego.

Panalo ang Nike. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng chiton na damit, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagbabagang mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor flag ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Ang kanyang hakbang ay matulin at magaan - ang paraan ng paglalakad ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng kilusan ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagmumula, na sinisingil ng uhaw at ang paghahangad na manalo. Ang mga malapit sa kanya, bawat isa sa kani-kanilang paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyon at nagbibigay-inspirasyong tawag na ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na kumakaway ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, nag-aapoy sa sigasig at kagalakan ng malayang salpok. Sa kanyang matulin, walang tiyaga na paggalaw, mas nauuna pa siya sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa nobelang Les Misérables: “Si Gavroche, na puno ng inspirasyon, nagniningning, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawain ng paglalagay ng buong bagay sa paggalaw. Nagpabalik-balik siya, umakyat, bumaba

bumaba, bumangon muli, gumawa ng ingay, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para palakasin ang loob ng lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang kanyang saya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin, na naroroon sa lahat ng dako nang sabay-sabay... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa kanilang mga tagaytay.”

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, "magandang salpok," masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Freedom - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung paano ang pigura ni Gavroche ay nagdulot ng masiglang tugon sa mga taga-Paris. "Damn it! - bulalas ng ilang mangangalakal ng grocery "Ang mga batang ito ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, ito ay nakita bilang isang self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, mas makabuluhan. Ang mga kamay ay may kumpiyansa na humahawak sa baril ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng katapangan, isang matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng mag-aaral ang hindi maiiwasang pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likod niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. May isang taong sugatan sa paanan ng Kalayaan. Nahihirapan siyang bumangon upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahan kung saan siya namamatay. Ang figure na ito ay nagdudulot ng matinding dramatikong elemento sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Liberty, isang mag-aaral, isang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi sumusukong kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay-inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang taong sugatan ay tumatawag para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Ang titig ng manonood, na nabighani pa at dinadala sa rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, ay bumagsak sa paanan ng barikada, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at halata ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay ang parehong hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde, tulad ng magandang inspirar na Kalayaan.

Ngunit hindi eksaktong pareho! Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ilalim na gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga tingin at nakita ang isang batang magandang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang malinaw at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi nakakatakot.

Ang artista ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Siya ay bahagi lamang ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng picture frame ang mga figure sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan, ang kulay sa mga gawa ni Delacroix ay nakakakuha ng isang napaka-emosyonal na tunog at gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, ngayon ay nagngangalit, ngayon kumukupas, naka-mute, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. Sa "Freedom on the Barricades" umalis si Delacroix sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, maingat na pumipili ng pintura at inilalapat ito sa malawak na mga stroke, inihahatid ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang scheme ng kulay ay pinigilan. Itinuon ni Delacroix ang atensyon sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, habang naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artist ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay isang simbolo na inilagay sa isang kumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang may emosyonal na epekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala din ng simbolikong kahulugan. Sa kayumanggi-kulay-abo na espasyo, dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti - ang mga kulay ng banner ng Rebolusyong Pranses ng 1789 - kumikislap. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay nagpapanatili ng malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na bandila na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Ang pagpipinta ni Delacroix na "Freedom on the Barricades" ay isang kumplikadong gawa, engrande ang saklaw. Dito pinagsama ang pagiging maaasahan ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Pinagsama-sama ng pagpipinta na "Freedom on the Barricades" ang tagumpay ng romanticism sa French painting. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta: “Labanan ng Poitiers” At "Pagpatay sa Obispo ng Liege."

Noong 1822 bumisita ang artista Hilagang Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, ang mga kuwadro na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito ay lumitaw sa kanyang trabaho: "Pangangaso ng leon", "Sinasakyan ng Moroccan ang isang kabayo" atbp. Ang maliliwanag na magkakaibang mga kulay ay lumikha ng isang romantikong tunog para sa mga kuwadro na ito. Lumilitaw ang malawak na pamamaraan ng stroke sa kanila.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa pamamagitan ng wika ng mga kaakit-akit na imahe, ngunit din formalized ang kanyang mga saloobin pampanitikan. Mahusay niyang inilarawan ang proseso ng malikhaing gawa ng isang romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, at mga pagmumuni-muni sa ugnayan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa ng mga artista ng mga sumunod na henerasyon.

Ang Pranses na romantikong paaralan ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang relief na "Marseillaise"), pagpipinta ng landscape (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na larawan ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang personal na subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa imahinasyon ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin," na nagpapahintulot sa kanya na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi bilang kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paghahatid ng paggalaw, si Delacroix ay nakatuon sa mahiwagang kapangyarihan kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "diwa ng pagpipinta", pagkatapos Espanyol Ang mga romantiko sa katauhan ni Francisco Goya (1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng istilo, ang phantasmagoric at nakakagulat na karakter nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay tila malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil ang artist ay madalas na kailangang sundin ang mga batas ng materyal ng pagpapatupad (kapag, halimbawa, lumikha siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay nahayag sa serye ng pag-ukit "Mga Capricho" (1797-1799),"Mga Kalamidad ng Digmaan" (1810-1820),“Disparantes (“Mga Kalokohan”)(1815-1820), mga kuwadro na gawa ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Malubhang sakit noong 1792 nagresulta sa ganap na pagkabingi ng artist. Pagkatapos magdusa ng pisikal at espirituwal na trauma, ang sining ng master ay nagiging mas nakatuon, maalalahanin, at panloob na dinamiko. Sarado dahil sa pagkabingi labas ng mundo na-activate ang panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit "Mga Capricho" Nakamit ni Goya ang pambihirang kapangyarihan sa paghahatid ng mga instant na reaksyon at mabilis na damdamin. Ang itim at puti na pagpapatupad, salamat sa naka-bold na kumbinasyon ng mga malalaking spot at ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Lumilikha si Goya ng mga mural ng Simbahan ng St. Anthony sa Madrid, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng brushstroke, ang laconicism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ng Goya ay kinuha nang diretso mula sa karamihan ng tao, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng artista ang himala ni Anthony ng Florida, na pinilit ang pinatay na lalaki na bumangon at magsalita, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang isang inosenteng tao mula sa pagpapatupad. Ang dynamism ng matingkad na tumutugon na karamihan ay ipinarating ni Goya sa parehong mga kilos at ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na tao. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga painting sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit hindi barok, kundi puro romantiko, na nakakaapekto sa damdamin ng bawat manonood, na tinatawag siyang bumaling sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula noong 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumilitaw bilang ilang mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha muna ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, nakakagambala sa mga pandama na may mga flash. Ang mga ukit ng serye ay maaaring ituring na isang graphic na parallel sa "The House of the Deaf." “Disparantes” .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos." At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung gaano kalaki ang impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng ika-19 na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, kung isasaalang-alang ito, alam namin kung gaano kalaki ang impluwensya nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at isang inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay natanto din sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artista na si William Blake (1757-1827). England ay isang klasikong bansa ng romantikong panitikan. Byron. Ang mga Shelley ay naging bandila ng kilusang ito na malayo sa mga hangganan ng Foggy Albion. Sa France, sa pagpuna sa magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan," ang mga romantiko ay tinawag na "Shakespeareans." Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang interes ng Romantics sa Middle Ages ay nagbunga ng isang malaking panitikan sa kasaysayan. Ang kinikilalang master nito ay si W. Scott. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Peraphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at mga libro ng ibang tao. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "Divine Comedy" ni Dante, at "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay, napaliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o isang pagkakasundo na buhol-buhol na nilikha mula sa dissonance ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Ang mga ukit ng landscape para sa "Pastorals" ng makatang Romano na si Virgil ay tila medyo naiiba - sila ay mas idyllically romantiko kaysa sa kanilang mga nakaraang gawa.

Sinisikap ng romanticism ni Blake na hanapin ang masining na pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na nabuhay sa kanyang buhay sa matinding kahirapan at kadiliman, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa mga gawa ng English landscape painters noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Si William Turner (1775-1851) ay lumikha ng mga romantikong nakataas na tanawin. Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, ulan, bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, gumamit siya ng mga diskarte sa watercolor at naglagay ng pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang nagpinta sa lupa, na nakakuha ng mga kulay ng bahaghari. Ang isang halimbawa ay ang larawan “Ulan, singaw at bilis”(1844). Ngunit kahit na ang sikat na kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maintindihan nang tama kung ano ang marahil ang pinaka-makabagong larawan sa parehong konsepto at pagpapatupad. “Ang ulan ay ipinahihiwatig ng mga batik ng maruming masilya,” ang isinulat niya, “na ipinahid sa canvas gamit ang isang palette knife na sumisikat sa pamamagitan ng isang malabong kurap mula sa ilalim ng napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome; Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na batik at mga batik ng cinnabar sa mga naka-mute na tono. At bagaman ang apoy sa locomotive firebox ay tila pula, hindi ko masasabi na hindi ito ipininta sa kulay ng cabalt o pea." Natuklasan ng isa pang kritiko na ang pangkulay ni Turner ay kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng late Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa kanyang mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita ang butil ng mga tunay na obserbasyon sa kanila. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, narito rin ito. Ang isang kawili-wiling kuwento ay napanatili mula sa isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa pagsilang ng "Ulan, Singaw at Bilis". Isang Mrs. Simon ay naglalakbay sa isang kompartimento ng Western Express kasama ang isang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya. Humingi siya ng pahintulot na buksan ang bintana, idinikit ang ulo sa buhos ng ulan at nanatili sa ganitong posisyon sa loob ng mahabang panahon. Nang tuluyan na niyang isinara ang bintana. Tumulo ang tubig mula sa kanya sa mga batis, ngunit tuwang-tuwa siyang ipinikit ang kanyang mga mata at sumandal, malinaw na nasiyahan sa nakita niya. Nagpasya ang isang mausisa na batang babae na maranasan ang kanyang nararamdaman para sa kanyang sarili - inilapit din niya ang kanyang ulo sa bintana. Nabasa rin ako. Ngunit nakakuha ako ng hindi malilimutang impresyon. Isipin ang kanyang sorpresa nang makalipas ang isang taon, sa isang eksibisyon sa London, nakita niya ang “Rain, Steam and Speed.” Ang isang tao sa likod niya ay kritikal na nagsabi: "Labis na tipikal kay Turner, tama. Wala pang nakakita ng ganoong halo ng mga kahangalan.” At siya, hindi makalaban, ay nagsabi: "Nakita ko ito."

Marahil ito ang unang larawan ng isang tren sa pagpipinta. ang punto ng view ay kinuha mula sa isang lugar sa itaas, na nagpapahintulot para sa isang malawak na malawak na saklaw. Ang Western Express ay lumilipad sa tulay sa bilis na talagang kakaiba sa panahong iyon (mahigit 150 km bawat oras). Bilang karagdagan, ito ay marahil ang unang pagtatangka upang ilarawan ang liwanag sa pamamagitan ng ulan.

sining ng Ingles noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, walang sinuman sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

Si Turner ay matagal nang itinuturing na isang nangunguna sa Impresyonismo. Tila ang kanyang paghahanap para sa kulay mula sa mundo ay dapat na higit pang binuo ng mga Pranses na artista. Ngunit ito ay hindi totoo sa lahat. Sa katunayan, ang pananaw sa impluwensya ni Turner sa mga Impresyonista ay bumalik sa 1899 na aklat ni Paul Signac na From Delacroix to Neo-Impressionism, kung saan inilarawan niya kung paano “noong 1871, sa kanilang mahabang pananatili sa London, natuklasan nina Claude Manet at Camille Pissarro si Turner. Namangha sila sa tiwala at mahiwagang kalidad ng kanyang mga pintura, pinag-aralan nila ang kanyang trabaho, sinuri ang kanyang pamamaraan. Noong una ay namangha sila sa kanyang pag-render ng niyebe at yelo, nabigla sa paraan kung saan nagawa niyang ihatid ang isang pakiramdam ng kaputian ng niyebe na sila mismo ay hindi makamit, gamit ang malalaking spot ng kulay-pilak na puti, na inilatag na patag na may malawak na mga stroke ng brush. . Nakita nila na ang impression na ito ay nakamit hindi lamang sa whitewash. At isang masa ng maraming kulay na mga stroke. Inilapat ang isa sa tabi ng isa, na nagbigay ng impresyon na ito kapag tiningnan mula sa malayo."

Sa mga taong ito, tumingin si Signac sa lahat ng dako para sa kumpirmasyon ng kanyang teorya ng pointillism. Ngunit wala sa mga pintura ni Turner, na makikita ng mga artistang Pranses sa National Gallery noong 1871, mayroong pamamaraang pointillism na inilarawan ng Signac, o, sa katunayan, ay mayroong "malawak na mga batik ng puti." hindi noong 1870 -e, at noong 1890s.

Pinag-aralan ni Paul Signac si Turner nang maingat - hindi lamang bilang isang tagapagpauna ng impresyonismo, na isinulat niya tungkol sa kanyang libro, kundi pati na rin bilang isang mahusay na makabagong artista. Tungkol sa mga huling pagpipinta ni Turner na "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" at "Evening of the Flood" ay sumulat si Signac sa kanyang kaibigan na si Angrand: "Ang mga ito ay hindi na mga pagpipinta, ngunit mga akumulasyon ng mga kulay (polychromine), mga scattering mamahaling bato, pagpipinta sa pinakamagandang kahulugan ng salita.”

Ang masigasig na pagtatasa ni Signac ay minarkahan ang simula ng modernong pag-unawa sa pictorial quest ni Turner. Ngunit sa mga nagdaang taon, kung minsan ay nangyayari na hindi nila isinasaalang-alang ang subtext at pagiging kumplikado ng mga direksyon ng kanyang paghahanap, isang panig na pagpili ng mga halimbawa mula sa tunay na hindi natapos na "underpainting" ni Turner, sinusubukang matuklasan sa kanya ang hinalinhan ng impresyonismo.

Sa lahat ng pinakabagong mga artista, natural na lumitaw ang isang paghahambing kay Monet, na kinilala mismo ang impluwensya ni Turner sa kanya. Mayroong kahit isang balangkas na ganap na magkapareho para sa pareho - lalo na ang western portal ng Rouen Cathedral. Ngunit kung bibigyan tayo ni Monet ng isang pag-aaral ng solar illumination ng isang gusali, hindi niya tayo binibigyan ng Gothic, ngunit isang uri ng hubad na modelo, kasama si Turner naiintindihan mo kung bakit ang artist, na ganap na hinihigop sa kalikasan, ay dinala ng temang ito - sa kanyang imahe kung ano ang kapansin-pansin ay tiyak ang kumbinasyon ng napakalaki na kadakilaan ng kabuuan at ang walang katapusang iba't ibang mga detalye na nagdadala sa mga likha ng Gothic na sining na mas malapit sa mga gawa ng kalikasan.

Ang espesyal na katangian ng kultura ng Ingles at romantikong sining ay nagbukas ng posibilidad ng paglitaw ng unang plein air painter na naglatag ng mga pundasyon para sa light-air na paglalarawan ng kalikasan noong ika-19 na siglo - John Constable (1776-1837). Pinipili ng Englishman Constable ang landscape bilang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta: “The world is great; walang dalawang magkatulad na araw o kahit dalawang magkatulad na oras; Mula nang likhain ang mundo, wala pang dalawang magkatulad na dahon sa isang puno, at lahat ng mga gawa ng tunay na sining, tulad ng mga likha ng kalikasan, ay naiiba sa bawat isa," sabi niya.

Pininturahan ng Constable ang malalaking plein air sketch sa langis na may banayad na mga obserbasyon ng iba't ibang estado ng kalikasan Sa kanila ay naihatid niya ang pagiging kumplikado ng panloob na buhay ng kalikasan at ang pang-araw-araw na buhay nito (“Tanaw ng Highgate mula sa Hampstead Hills”, OK. 1834; "Hay cart" 1821; Nakamit ito ng "Detham Valley", ca. Nagpinta siya gamit ang mga gumagalaw na stroke, minsan makapal at magaspang, minsan mas makinis at mas transparent. Ang mga impresyonista ay darating dito lamang sa katapusan ng siglo. Ang makabagong pagpipinta ng Constable ay nakaimpluwensya sa mga gawa ni Delacroix, pati na rin ang buong pag-unlad ng French landscape.

Ang sining ng Constable, gayundin ang maraming aspeto ng akda ni Gericault, ay minarkahan ang paglitaw ng isang makatotohanang kilusan sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, na sa simula ay umunlad na kahanay ng romantikismo. Maya-maya ay naghiwalay ang kanilang mga landas.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo ng kaluluwa ng tao, isang indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng sensual na pananaw sa mundo. Ang immediacy ng imahe sa pagpipinta, gaya ng sinabi ni Gelacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagpapatupad ng literatura, ang nagpasiya ng pagtuon ng mga artist sa pinakamasalimuot na paghahatid ng paggalaw, kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Nag-iwan ng pamana ang Romantisismo sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademiko. Ang simbolo, na kabilang sa mga romantiko ay dapat na ipahayag ang mahalagang koneksyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo.

b) Musika

Ang ideya ng isang synthesis ng sining ay natagpuang pagpapahayag sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang romantikismo sa musika ay nabuo noong 20s ng ika-19 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng panitikan ng romantikismo at binuo na malapit na nauugnay dito, kasama ang panitikan sa pangkalahatan (pag-apila sa mga sintetikong genre, pangunahin ang opera, kanta, instrumental na miniature at musical programming). Ang apela sa panloob na mundo ng tao, katangian ng romantikismo, ay ipinahayag sa kulto ng subjective, ang pananabik para sa emosyonal na intensidad, na tumutukoy sa primacy ng musika at lyrics sa romantikismo.

Musika ng ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo. mabilis na umunlad. Ang isang bagong musikal na wika ay lumitaw; sa instrumental at chamber-vocal music, ang miniature ay nakatanggap ng isang espesyal na lugar; ang orkestra ay tumunog na may iba't ibang spectrum ng mga kulay; ang mga posibilidad ng piano at biyolin ay inihayag sa isang bagong paraan; ang musika ng mga romantiko ay napaka-virtuosic.

Ang musical romanticism ay nagpakita ng sarili sa maraming iba't ibang sangay na nauugnay sa iba't ibang pambansang kultura at sa iba't ibang mga panlipunang paggalaw. Kaya, halimbawa, mayroong isang makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng intimate, liriko na istilo ng mga romantikong Aleman at ang "oratorical" civic pathos na katangian ng gawa ng mga kompositor ng Pranses. Kaugnay nito, ang mga kinatawan ng mga bagong pambansang paaralan na lumitaw batay sa isang malawak na kilusang pambansang pagpapalaya (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), pati na rin ang mga kinatawan ng paaralan ng opera ng Italya, na malapit na nauugnay sa kilusang Risorgimento (Verdi, Bellini), sa maraming paraan ay naiiba sa kanilang mga kontemporaryo sa Germany, Austria o France, sa partikular, sa kanilang pagkahilig na mapanatili ang mga klasikal na tradisyon.

Gayunpaman, lahat sila ay minarkahan ng ilang karaniwang artistikong prinsipyo na nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa isang solong romantikong sistema ng pag-iisip.

Salamat sa espesyal na kakayahan ng musika na ihayag nang malalim at buong kaluluwa ang mayamang mundo ng mga karanasan ng tao, inilagay ito sa unang lugar bukod sa iba pang sining sa pamamagitan ng romantikong aesthetics. Maraming mga romantiko ang nagbigay-diin sa intuitive na katangian ng musika at iniugnay dito ang kakayahang ipahayag ang "hindi alam." Ang gawain ng mga natitirang romantikong kompositor ay may matibay na makatotohanang batayan. Interes sa buhay ordinaryong tao, ang kapunuan ng buhay at katotohanan ng damdamin, ang pag-asa sa pang-araw-araw na musika ay tumutukoy sa pagiging totoo ng pagkamalikhain ng pinakamahusay na mga kinatawan musical romanticism. Ang mga reaksyonaryong tendensya (mistisismo, escapism) ay likas sa medyo maliit na bilang ng mga gawa ng mga romantiko. Lumitaw sila nang bahagya sa opera ni Weber na "Euryanthe" (1823), sa ilan sa mga musikal na drama ni Wagner, sa oratorio "Christ" ni Liszt (1862), atbp.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang mga pangunahing pag-aaral ng alamat, kasaysayan, sinaunang panitikan, nakalimutang medieval legend, Gothic art, at Renaissance culture ay muling nabuhay. Sa oras na ito maraming mga pambansang paaralan ng isang espesyal na uri ang lumitaw sa komposisyonal na gawain ng Europa, na nakalaan upang makabuluhang palawakin ang mga hangganan ng pan-European na kultura. Russian, na sa lalong madaling panahon kinuha, kung hindi ang una, pagkatapos ay isa sa mga unang lugar sa pagkamalikhain sa kultura ng mundo (Glinka, Dargomyzhsky, ang "Kuchkists", Tchaikovsky), Polish (Chopin, Moniuszko), Czech (Smetana, Dvorak), Hungarian ( Liszt), pagkatapos ay Norwegian (Grieg), Espanyol (Pedrel), Finnish (Sibelius), Ingles (Elgar) - lahat ng mga ito, sumali sa pangkalahatang mainstream ng European compositional creativity, sa anumang paraan ay sumasalungat sa kanilang sarili sa itinatag na sinaunang tradisyon. Isang bagong bilog ng mga imahe ang lumitaw, na nagpapahayag ng mga natatanging pambansang katangian ng pambansang kultura kung saan kabilang ang kompositor. Ang istruktura ng intonasyon ng isang akda ay nagbibigay-daan sa iyo na agad na makilala sa pamamagitan ng tainga kung kabilang ka sa isang partikular na pambansang paaralan.

Isinasama ng mga kompositor ang mga pattern ng intonasyon ng sinaunang, karamihang alamat ng mga magsasaka ng kanilang mga bansa sa pan-European na musikal na wika. Sila, parang, nilinis ang Russian folk song mula sa barnisado na opera; Ang pinakakapansin-pansing kababalaghan sa musika ng romantisismo, lalo na malinaw na nakikita kung ihahambing sa matalinghagang globo ng klasisismo, ay ang pangingibabaw ng liriko-sikolohikal na prinsipyo. Siyempre, ang isang natatanging tampok ng musikal na sining sa pangkalahatan ay ang repraksyon ng anumang kababalaghan sa pamamagitan ng globo ng mga damdamin. Ang musika sa lahat ng panahon ay napapailalim sa pattern na ito. Ngunit ang mga romantiko ay nalampasan ang lahat ng kanilang mga nauna sa kahalagahan ng liriko na prinsipyo sa kanilang musika, sa lakas at pagiging perpekto sa paghahatid ng kalaliman ng panloob na mundo ng isang tao, ang mga banayad na lilim ng kalooban.

Ang tema ng pag-ibig ay sumasakop sa isang nangingibabaw na lugar sa loob nito, dahil ito ay tiyak kung ano estado ng pag-iisip pinakakomprehensibo at ganap na sumasalamin sa lahat ng kalaliman at nuances ng pag-iisip ng tao. Ngunit ito ay lubos na katangian na ang temang ito ay hindi limitado sa mga motibo ng pag-ibig sa literal na kahulugan ng salita, ngunit kinilala sa pinakamalawak na hanay ng mga phenomena. Ang puro liriko na mga karanasan ng mga karakter ay inilalantad sa backdrop ng malawak na makasaysayang panorama. Ang pag-ibig ng isang tao para sa kanyang tahanan, para sa kanyang amang bayan, para sa kanyang mga tao ay tumatakbo tulad ng isang thread sa pamamagitan ng trabaho ng lahat ng mga romantikong kompositor.

Ang isang malaking lugar ay ibinibigay sa imahe ng kalikasan sa mga musikal na gawa ng maliliit at malalaking anyo, na malapit at hindi maiiwasang magkakaugnay sa tema ng liriko na pag-amin. Tulad ng mga imahe ng pag-ibig, ang imahe ng kalikasan ay nagpapakilala sa estado ng pag-iisip ng bayani, na madalas na kulay ng isang pakiramdam ng hindi pagkakasundo sa katotohanan.

Ang tema ng pantasya ay madalas na nakikipagkumpitensya sa mga larawan ng kalikasan, na marahil ay nabuo ng pagnanais na makatakas mula sa pagkabihag ng totoong buhay. Karaniwan para sa mga romantiko ay ang paghahanap para sa isang kahanga-hangang mundo na kumikinang na may maraming kulay, laban sa kulay abong pang-araw-araw na buhay. Sa mga taong ito ang panitikan ay pinayaman ng mga fairy tale at ballad ng mga manunulat na Ruso. Para sa mga kompositor ng romantikong paaralan, ang engkanto, kamangha-manghang mga imahe ay nakakakuha ng isang natatanging pambansang kulay. Ang mga balad ay inspirasyon ng mga manunulat na Ruso, at salamat dito, ang mga gawa ng isang kamangha-manghang kagiliw-giliw na plano ay nilikha, na sumasagisag, parang, ang kabaligtaran na bahagi ng pananampalataya, na nagsisikap na baligtarin ang mga ideya ng takot sa mga puwersa ng kasamaan.

Maraming mga romantikong kompositor din ang kumilos bilang mga manunulat at kritiko ng musika (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, atbp.). Ang mga teoretikal na gawa ng mga kinatawan ng progresibong romantisismo ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng pinakamahalagang isyu ng musikal na sining. Ang romantikismo ay natagpuan din ang pagpapahayag sa mga sining ng pagtatanghal (biyolinistang Paganini, mang-aawit na si A. Nurri, atbp.).

Ang progresibong kahulugan ng Romantisismo sa panahong ito ay pangunahing nakasalalay sa mga aktibidad Franz Liszt. Ang gawain ni Liszt, sa kabila ng magkasalungat na pananaw sa mundo, sa panimula ay progresibo at makatotohanan. Isa sa mga tagapagtatag at klasiko ng Hungarian na musika, isang natatanging pambansang artista.

Ang mga pambansang tema ng Hungarian ay malawak na nakikita sa marami sa mga gawa ni Liszt. Pinalawak ng mga romantikong, virtuosic na gawa ni Liszt ang teknikal at nagpapahayag na mga kakayahan ng pagtugtog ng piano (concertos, sonatas). Ang mga koneksyon ni Liszt sa mga kinatawan ng musikang Ruso, na ang mga gawa na aktibong isinulong niya, ay makabuluhan.

Kasabay nito, gumaganap ng malaking papel si Liszt sa pag-unlad ng sining ng musikal sa mundo. Pagkatapos ng Liszt, "lahat ng bagay ay naging posible para sa piano." Ang mga katangian ng kanyang musika ay ang improvisasyon, romantikong tuwa, at nagpapahayag na melody. Si Liszt ay pinahahalagahan bilang isang kompositor, performer, at musical figure. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor: ang opera " Don Sancho o ang Castle of Love ”(1825), 13 symphonic poems “Tasso ”, ” Prometheus ”, “Hamlet” at iba pa, gumagana para sa orkestra, 2 konsiyerto para sa piano at orkestra, 75 romansa, koro at iba pang pantay na sikat na mga gawa.

Isa sa mga unang pagpapakita ng romantikismo sa musika ay ang pagkamalikhain Franz Schubert(1797-1828). Si Schubert ay bumaba sa kasaysayan ng musika bilang isa sa pinakamalaking tagapagtatag ng musikal na romantikismo at ang lumikha ng ilang bagong genre: ang romantikong symphony, ang piano miniature, at ang lyric-romantic na kanta (romansa). Ang pinakamalaking kahalagahan sa kanyang trabaho ay kanta, kung saan ipinakita niya lalo na ang maraming mga makabagong tendensya. Sa mga kanta ni Schubert, ang panloob na mundo ng tao ay pinakamalalim na inihayag, ang kanyang katangian na koneksyon sa katutubong musika ay pinaka-kapansin-pansin, ang isa sa mga pinakamahalagang tampok ng kanyang talento ay pinaka-malinaw na ipinakita - ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba, kagandahan, kagandahan ng mga melodies. Ang pinakamagagandang kanta noong unang panahon ay kinabibilangan ng “ Margarita sa umiikot na gulong ”(1814) , “Hari ng kagubatan" Ang parehong mga kanta ay nakasulat sa mga salita ng Goethe. Sa una sa kanila, naaalala ng isang inabandunang batang babae ang kanyang minamahal. Siya ay nag-iisa at malalim na nagdurusa, ang kanyang kanta ay malungkot. Ang simple at madamdamin na himig ay umaalingawngaw lamang ng monotonous na huni ng simoy ng hangin. "Hari ng Kagubatan"-- kumplikadong gawain. Ito ay hindi isang kanta, ngunit sa halip ay isang dramatikong eksena kung saan tatlong karakter ang lumitaw sa harap natin: isang ama na tumatakbo sa isang kabayo sa kagubatan, isang may sakit na bata na dala-dala niya, at isang kakila-kilabot na hari ng kagubatan na nagpakita sa isang batang lalaki sa isang nilalagnat na pagkahibang. Ang bawat isa sa kanila ay pinagkalooban ng sarili nitong melodic na wika. Hindi gaanong sikat at minamahal ang mga kanta ni Schubert na "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade". Isinulat sa mga susunod na taon, ang mga kantang ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang nakakagulat na simple at nagpapahayag na melody at sariwang kulay.

Sumulat din si Schubert ng dalawang siklo ng kanta - " Ang ganda ng asawa ni miller”(1823), at “ paglalakbay sa taglamig”(1872) - batay sa mga salita ng makatang Aleman na si Wilhelm Müller. Sa bawat isa sa kanila, ang mga kanta ay pinagsama ng isang balangkas. Ang mga kanta sa ikot ng "Beautiful Miller's Wife" ay nagsasabi tungkol sa isang batang lalaki. Kasunod ng agos ng batis, naglakbay siya upang hanapin ang kanyang kaligayahan. Karamihan sa mga kanta sa cycle na ito ay may magaan na karakter. Ang mood ng "Winter Retreat" cycle ay ganap na naiiba. Ang isang mahirap na binata ay tinanggihan ng isang mayamang nobya. Sa kawalan ng pag-asa, iniwan niya ang kanyang bayan at nagtungo sa paglibot sa buong mundo. Ang kanyang mga kasama ay ang hangin, isang blizzard, at isang nakakatakot na uwak.

Ang ilang mga halimbawa na ibinigay dito ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa mga kakaiba ng pagsulat ng kanta ni Schubert.

Mahilig magsulat si Schubert musika para sa piano. Sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawa para sa instrumento na ito. Tulad ng mga kanta, ang kanyang mga gawa sa piano ay malapit sa pang-araw-araw na musika at kasing simple at naiintindihan. Ang kanyang mga paboritong genre ng mga komposisyon ay mga sayaw, martsa, at sa mga huling taon ng kanyang buhay - impromptu.

Ang mga waltz at iba pang mga sayaw ay karaniwang lumilitaw sa Schubert sa mga bola at sa mga paglalakad sa bansa. Doon niya inayos ang mga ito at ni-record sa bahay.

Kung ikukumpara mo ang mga piyesa ng piano ni Schubert sa kanyang mga kanta, marami kang makikitang pagkakatulad. Una sa lahat, mayroong mahusay na melodic expressiveness, biyaya, makulay na paghahambing ng mayor at minor.

Isa sa pinakamalaki Pranses mga kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo Georges Bizet, tagalikha ng walang kamatayang likha para sa musikal na teatro - mga opera “Carmen” at magandang musika para sa drama ni Alphonse Daudet “ Arlesian ”.

Ang gawa ni Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng katumpakan at kalinawan ng pag-iisip, pagiging bago at pagiging bago ng mga paraan ng pagpapahayag, pagkakumpleto at kagandahan ng anyo. Ang Bizet ay nailalarawan sa pamamagitan ng talas ng sikolohikal na pagsusuri sa pag-unawa sa mga damdamin at pagkilos ng tao, katangian ng gawa ng mga dakilang kababayan ng kompositor - ang mga manunulat na sina Balzac, Flaubert, Maupassant. Ang sentral na lugar sa trabaho ni Bizet, na magkakaibang sa mga genre, ay kabilang sa opera. Ang operatic art ng kompositor ay lumitaw sa pambansang lupa at pinalaki ng mga tradisyon ng French opera theater. Itinuring ni Bizet ang unang gawain sa kanyang trabaho na malampasan ang mga paghihigpit sa genre na umiiral sa French opera na humadlang sa pag-unlad nito. "Malaking" opera ang tila sa kanya patay na genre, liriko - nakakainis sa kanyang pagluha at mga limitasyon ng petiburges, ang komiks na higit sa iba ay nararapat pansinin. Sa kauna-unahang pagkakataon sa opera ni Bizet, lumalabas ang mayaman at buhay na buhay na pang-araw-araw at mga eksena sa crowd, na inaasahan ang mga mahahalaga at makulay na eksena.

Musika ni Bizet para sa drama ni Alphonse Daudet “Arlesian” ay pangunahing kilala para sa dalawang concert suite, na binubuo ng kanyang pinakamahusay na mga numero. Gumamit si Bizet ng ilang tunay na Provençal melodies : “Marso ng Tatlong Hari” At "Sayaw ng Frisky Horses."

Opera ni Bizet Carmen” ay isang musikal na drama na inilalahad sa harap ng manonood na may nakakumbinsi na katotohanan at makapigil-hiningang artistikong kapangyarihan ang kuwento ng pag-ibig at pagkamatay ng mga bayani nito: ang sundalong si Jose at ang gipsy na si Carmen. Ang opera Carmen ay nilikha batay sa mga tradisyon ng French musical theater, ngunit sa parehong oras ay ipinakilala nito ang maraming mga bagong bagay. Batay sa pinakamahusay na mga tagumpay ng pambansang opera at reporma sa pinakamahalagang elemento nito, lumikha si Bizet ng bagong genre - makatotohanang musikal na drama.

Sa kasaysayan ng teatro ng opera noong ika-19 na siglo, ang opera na "Carmen" ay sumasakop sa isa sa mga unang lugar. Mula noong 1876, nagsimula ang kanyang matagumpay na martsa sa mga yugto mga opera house Vienna, Brussels, London.

Ang pagpapakita ng isang personal na saloobin sa kapaligiran ay ipinahayag sa mga makata at musikero lalo na sa spontaneity, emosyonal na "pagiging bukas" at pagsinta ng pagpapahayag, sa pagnanais na kumbinsihin ang nakikinig sa tulong ng patuloy na intensity ng tono ng pagkilala o pag-amin.

Ang mga bagong uso sa sining ay may mapagpasyang impluwensya sa paglitaw lyric opera . Ito ay lumitaw bilang kabaligtaran ng "grand" at comic opera, ngunit hindi nito maaaring balewalain ang kanilang mga pananakop at mga tagumpay sa larangan ng operatic dramaturgy at paraan ng pagpapahayag ng musikal.

Ang isang natatanging tampok ng bagong genre ng opera ay ang liriko na interpretasyon ng anumang balangkas na pampanitikan - sa isang makasaysayang, pilosopiko o modernong paksa. Ang mga bayani ng lyric opera ay pinagkalooban ng mga katangian ng mga ordinaryong tao, walang exclusivity at ilang hyperbolism na katangian ng romantikong opera. Ang pinaka makabuluhang artista sa larangan ng lyric opera ay Charles Gounod.

Kabilang sa napakaraming operatic heritage ni Gounod ay ang opera " Faust" sumasakop sa isang espesyal at, maaaring sabihin, eksklusibong lugar. Ang katanyagan at katanyagan nito sa buong mundo ay hindi mapapantayan ng iba pang mga opera ni Gounod. Ang makasaysayang kahalagahan ng opera na "Faust" ay lalong mahusay dahil hindi lamang ito ang pinakamahusay, ngunit mahalagang ang una sa mga opera ng bagong direksyon, tungkol sa kung saan isinulat ni Tchaikovsky: "Imposibleng tanggihan na ang "Faust" ay isinulat, kung hindi napakatalino, pagkatapos ay may pambihirang kasanayan at walang makabuluhang pagka-orihinal." Sa imahe ni Faust, ang talamak na hindi pagkakapare-pareho at "pagdoble" ng kanyang kamalayan, ang walang hanggang kawalang-kasiyahan na dulot ng pagnanais na maunawaan ang mundo, ay napapawi. Hindi naihatid ni Gounod ang lahat ng versatility at kumplikado ng imahe ng Mephistopheles ni Goethe, na naglalaman ng diwa ng militanteng pagpuna sa panahong iyon.

Ang isa sa mga pangunahing dahilan para sa katanyagan ng "Faust" ay ang pagkonsentrar nito sa pinakamahusay at pangunahing mga bagong tampok ng batang genre ng lyric opera: ang emosyonal na direktang at malinaw na indibidwal na paghahatid ng panloob na mundo ng mga bayani ng opera. Ang malalim na pilosopikal na kahulugan ng Goethe's Faust, na naghangad na ihayag ang makasaysayang at panlipunang mga tadhana ng lahat ng sangkatauhan sa pamamagitan ng halimbawa ng tunggalian ng mga pangunahing tauhan, ay nakapaloob sa Gounod sa anyo ng makataong liriko na drama nina Margarita at Faust.

Pranses na kompositor, konduktor, kritiko ng musika Hector Berlioz pumasok sa kasaysayan ng musika bilang pinakamalaking romantikong kompositor, tagalikha ng symphony ng programa, innovator sa larangan ng anyo ng musika, pagkakaisa at lalo na ang instrumento. Ang mga tampok ng rebolusyonaryong kalunos-lunos at kabayanihan ay malinaw na nakapaloob sa kanyang akda. Kilala ni Berlioz si M. Glinka, na ang musika ay lubos niyang pinahahalagahan. Nakipagkaibigan siya sa mga pinuno ng "Mighty Handful," na masigasig na tinanggap ang kanyang mga sinulat at malikhaing prinsipyo.

Gumawa siya ng 5 gawa sa entablado ng musika, kabilang ang mga opera " Benvenuto Chillini ”(1838), “ Mga Trojan ”,”sina Beatrice at Benedick”(batay sa komedya ni Shakespeare na “Much Ado About Nothing”, 1862); 23 vocal-symphonic works, 31 romances, choirs, sinulat niya ang mga librong "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoirs" (1870), mga artikulo, mga pagsusuri.

Aleman kompositor, conductor, playwright, publicist Richard Wagner pumasok sa kasaysayan ng kulturang pangmusika sa daigdig bilang isa sa mga pinakadakilang tagalikha ng musika at mga pangunahing repormador ng sining ng opera. Ang layunin ng kanyang mga reporma ay lumikha ng isang monumental na programmatic vocal-symphonic na gawain sa dramatikong anyo, na idinisenyo upang palitan ang lahat ng uri ng opera at symphonic na musika. Ang nasabing gawain ay isang musikal na drama, kung saan ang musika ay dumadaloy sa isang tuluy-tuloy na stream, pinagsasama ang lahat ng mga dramatikong link. Inabandona ang natapos na pag-awit, pinalitan sila ni Wagner ng isang uri ng emosyonal na sisingilin na recitative. Ang isang malaking lugar sa mga opera ni Wagner ay inookupahan ng mga independiyenteng orkestra na mga yugto, na isang mahalagang kontribusyon sa musikang symphonic sa mundo.

Ang kamay ni Wagner ay kabilang sa 13 opera: " The Flying Dutchman" (1843), "Tannhäuser" (1845), "Tristan and Isolde" (1865), "Das Rheingold" (1869) atbp.; koro, piano piraso, romansa.

Ang isa pang namumukod-tanging Aleman na kompositor, konduktor, pianista, guro, at pigura ng musika ay Felix Mendelssohn–Bartholdy. Sa edad na 9 nagsimula siyang gumanap bilang isang pianista, at sa edad na 17 nilikha niya ang isa sa kanyang mga obra maestra - ang overture sa komedya " C nasa midsummer night siya" Shakespeare. Noong 1843 itinatag niya ang unang conservatory sa Germany sa Leipzig. Pinagsasama-sama ang gawa ni Mendelssohn, "isang klasiko sa mga romantiko romantikong katangian na may klasikong paraan ng pag-iisip. Ang kanyang musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag na himig, demokratikong pagpapahayag, katamtaman ng mga damdamin, kalmado ng pag-iisip, ang pamamayani ng magaan na emosyon, liriko na mga mood, hindi walang bahagyang ugnayan ng sentimentalidad, impeccability ng mga anyo, napakatalino na craftsmanship. Tinawag siya ni R. Schumann na "Mozart ng ika-19 na siglo," tinawag siya ni G. Heine na "isang himala sa musika."

May-akda ng landscape romantic symphony ("Scottish", "Italian"), mga palabas sa konsiyerto ng programa, isang sikat na konsiyerto ng violin, mga cycle ng mga piyesa para sa piano na "Song without Words"; ang opera na "The Wedding of Camacho." Sumulat siya ng musika para sa dramatikong dula na "Antigone" (1841), "Oedipus at Colonus" (1845) ni Sophocles, "Athalia" ni Racine (1845), "A Midsummer Night's Dream" ni Shakespeare (1843) at iba pa; oratorio "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concerto para sa piano at 2 para sa violin.

SA Italyano Ang kultura ng musika ay may espesyal na lugar sa kasaysayan ni Giuseppe Verdi, isang natatanging kompositor, konduktor, at organista. Ang pangunahing lugar ng trabaho ni Verdi ay opera. Siya ay kumilos pangunahin bilang tagapagsalita para sa kabayanihan-makabayan na damdamin at mga ideya sa pambansang pagpapalaya ng mga Italyano. Sa mga sumunod na taon ay binigyan niya ng pansin ang mga dramatikong salungatan na nabuo ni hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan, karahasan, pang-aapi, inilantad ang kasamaan sa kanyang mga opera. Mga tampok na katangian ng gawa ni Verdi: katutubong musika, dramatikong ugali, melodic na ningning, pag-unawa sa mga batas ng entablado.

Sumulat siya ng 26 na opera: " Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida””atbp. . , 20 romances, vocal ensembles .

Bata pa Norwegian kompositor Edvard Grieg (1843-1907) nagsumikap para sa kaunlaran pambansang musika. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa kanyang trabaho, kundi pati na rin sa pagsulong ng musikang Norwegian.

Sa kanyang mga taon sa Copenhagen, sumulat si Grieg ng maraming musika: " Mga mala-tula na larawan” At "Humoresque" sonata para sa piano at unang violin sonata, mga kanta. Sa bawat bagong gawa, mas malinaw na lumalabas ang imahe ni Grieg bilang isang kompositor ng Norwegian. Sa banayad na liriko na "Poetic Pictures" (1863), ang mga pambansang tampok ay mahiyain pa ring dumaan. Ang rhythmic figure ay madalas na matatagpuan sa Norwegian folk music; naging katangian ito ng marami sa mga himig ni Grieg.

Ang pagkamalikhain ni Grieg ay malawak at maraming aspeto. Sumulat si Grieg ng mga gawa ng iba't ibang genre. Ang Piano Concerto and Ballads, tatlong sonata para sa violin at piano at isang sonata para sa cello at piano, ang quartet ay nagpapatotoo sa patuloy na pagkahumaling ni Grieg sa malakihang anyo. Kasabay nito, ang interes ng kompositor sa mga instrumental na miniature ay nanatiling pare-pareho. Sa parehong lawak ng piano, ang kompositor ay naaakit din sa mga chamber vocal miniature - mga romansa, mga kanta. Huwag maging pangunahing isa si Grieg, lugar symphonic na pagkamalikhain minarkahan ng mga obra maestra tulad ng mga suite " Pere Gounod ”, “Mula sa panahon ng Holberg" Isa sa mga katangiang uri ng pagkamalikhain ni Grieg ay ang pagpoproseso mga awiting bayan at sayaw: sa anyo ng mga simpleng piraso ng piano, isang suite cycle para sa piano apat na kamay.

Ang musikal na wika ni Grieg ay malinaw na kakaiba. Ang sariling katangian ng estilo ng kompositor ay higit na tinutukoy ng kanyang malalim na koneksyon sa Norwegian folk music. Malawakang gumagamit si Grieg ng mga tampok ng genre, istraktura ng intonasyon, at mga ritmikong pormula ng katutubong awit at himig ng sayaw.

Ang kahanga-hangang kasanayan ni Grieg sa variational at variant development ng melody ay nag-ugat sa katutubong tradisyon ng pag-uulit ng melody ng maraming beses sa mga pagbabago nito. "Ni-record ko ang katutubong musika ng aking bansa." Sa likod ng mga salitang ito ay naroon ang magalang na saloobin ni Grieg katutubong sining at pagkilala sa pagtukoy sa papel nito para sa sariling pagkamalikhain.

7. KONGKLUSYON

Batay sa lahat ng nasa itaas, ang mga sumusunod na konklusyon ay maaaring makuha:

Ang paglitaw ng romantikismo ay naiimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Great French Revolution, ang Napoleonic Wars, at ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa.

Ang Romantisismo bilang isang pamamaraan at direksyon sa kulturang masining ay isang masalimuot at magkasalungat na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon itong malakas na pambansang pagpapahayag. Ang mga romantiko ay sumakop sa iba't ibang posisyon sa lipunan at pampulitika sa lipunan. Lahat sila ay naghimagsik laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit naghimagsik sila sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may kanya-kanyang ideal. Ngunit para sa lahat ng pagkakaiba-iba at pagkakaiba-iba nito, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok:

Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na humadlang sa malikhaing inisyatiba ng artist.

Natuklasan nila ang prinsipyo ng historicism (hinahatulan ng mga enlighteners ang nakaraan; para sa kanila mayroong "makatwiran" at "hindi makatwiran"). Nakita natin sa nakalipas na mga karakter ng tao na nabuo ng kanilang panahon. Ang interes sa pambansang nakaraan ay nagbunga ng maraming makasaysayang mga gawa.

Interes sa isang malakas na personalidad na sumasalungat sa sarili sa buong mundo sa paligid nito at umaasa lamang sa sarili nito.

Pansin sa panloob na mundo ng isang tao.

Ang romantikismo ay malawakang binuo kapwa sa Kanlurang Europa at sa Russia. Gayunpaman, ang romanticism sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa dahil sa ibang makasaysayang sitwasyon at ibang kultural na tradisyon. Ang tunay na dahilan ng paglitaw ng romantikismo sa Russia ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang buong kapangyarihan ng popular na inisyatiba.

Mga tampok ng romantikong Ruso:

Ang Romantisismo ay hindi tutol sa Enlightenment. Ang ideolohiya ng paliwanag ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Ang ideal ng isang napaliwanagan na monarko ay hindi naubos ang sarili nito.

Ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasiko, na madalas na kaakibat nito.

Romantisismo sa Russia iba't ibang uri ang sining ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang paraan. Ito ay hindi nababasa sa arkitektura sa lahat. Sa pagpipinta ito ay natuyo sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Bahagyang ipinakita nito ang sarili sa musika. Marahil sa panitikan lamang ang romantikismo ay patuloy na nagpakita ng sarili.

Sa pinong sining, ang romantikismo ay malinaw na ipinakita sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong ipinahayag sa iskultura at arkitektura.

Binubuksan ng mga romantiko ang mundo ng kaluluwa ng tao, isang indibidwal, hindi katulad ng iba, ngunit taos-puso at samakatuwid ay malapit sa lahat ng sensual na pananaw sa mundo. Ang immediacy ng imahe sa pagpipinta, gaya ng sinabi ni Delacroix, at hindi ang pagkakapare-pareho nito sa pagpapatupad ng literatura, ang nagpasiya ng pagtuon ng mga artist sa pinakamasalimuot na paghahatid ng paggalaw, kung saan natagpuan ang mga bagong pormal at coloristic na solusyon. Nag-iwan ng pamana ang Romantisismo sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. lahat ng mga problemang ito at artistikong indibidwalidad ay napalaya mula sa mga tuntunin ng akademiko. Ang simbolo, na kabilang sa mga romantiko ay dapat na ipahayag ang mahalagang koneksyon ng ideya at buhay, sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. natutunaw sa polyphony ng artistikong imahe, na kumukuha ng pagkakaiba-iba ng mga ideya at sa nakapaligid na mundo. Ang romantikismo sa pagpipinta ay malapit na nauugnay sa sentimentalismo.

Salamat sa romanticism, ang personal na subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa imahinasyon ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin," na nagpapahintulot sa kanya na ihinto ang trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi bilang kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Iniwan ng Romantisismo ang isang buong panahon sa kulturang sining ng mundo, ang mga kinatawan nito ay: sa panitikang Ruso Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov at iba pa; sa fine arts E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin at iba pa; sa musika F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin at iba pa Natuklasan at binuo nila ang mga bagong genre, binigyang pansin ang kapalaran ng personalidad ng tao, nagsiwalat ng dialektika ng. mabuti at masama, mahusay na inihayag ang mga hilig ng tao, atbp.

Ang mga uri ng sining ay higit pa o mas mababa ang katumbas ng kahalagahan at gumawa ng mga kahanga-hangang gawa ng sining, bagaman ang mga romantiko ay nagbigay ng primacy sa musika sa hagdan ng sining.

Ang Romantisismo sa Russia bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng mga romantiko para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng mga romantiko ay walang alinlangan ang mga simbolista. Ang mga romantikong tema, motif, at nagpapahayag na mga diskarte ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, at malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamasigla, matiyaga, at mabunga.

Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa perpekto at malikhaing kalayaan, ay patuloy na nabubuhay sa sining ng mundo.

8. SANGGUNIAN

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Kaalaman, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksandr Osipovich Orlovsky. - M: Sining, 1971.

3. Belinsky V.G. Mga sanaysay. A. Pushkin. – M: 1976.

4. Great Soviet Encyclopedia (Punong editor: Prokhorov A.M.).– M: Soviet Encyclopedia, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Maikling talambuhay na diksyunaryo ng mga kompositor. – L: Musika, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (na-edit ni M.M. Rakovskaya). -- M: Fine Arts, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Kasaysayan ng sining. – Mn: Panitikan, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovch Orlovsky. - M: State Publishing House of Fine Arts, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu. Buhay at pagkamalikhain. – M: 1989.

10. Panitikan sa musika ibang bansa (inedit ni B. Levik).- M: Musika, 1984.

11. Nekrasova E.A. Turner. -- M: Fine Arts, 1976.

12. Ozhegov S.I. Diksyunaryo ng wikang Ruso. – M: State Publishing House of Foreign and Russian Dictionaries, 1953.

13. Orlova M. J. Konstable. - M: Sining, 1946.

14. Mga artistang Ruso. A.G. Venetsianov. – M: State Publishing House of Fine Arts, 1963.

15. Sokolov A.N. Kasaysayan ng panitikan ng Russia noong ika-19 na siglo (1 kalahati). – M: Higher School, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Kaalaman, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. -- M: Fine Arts, 1982.

18. Filimonova S.V. Kasaysayan ng kulturang sining ng mundo.-- Mozyr: White Wind, 1997.

Ang larawang ito ay binuo sa shades, hindi asul, hindi pink - sa shades of grey. Lahat ay natatakpan ng kadiliman - hindi, hindi ito totoo. Ito ay isang maliwanag na gabi, dahil ang hangin ay malinis, walang tao, walang usok at mga repleksyon ng mga lungsod. Gabi - may buhay, walang tunog. Ang sibilisasyon ay nasa isang lugar sa labas, lampas sa abot-tanaw. Alam ni Kuindzhi kung paano ipakita ang lawak ng mga expanses ng kanyang sariling lupain at ang mga maliliwanag na kulay ng isang maliit na entablado.

Si Leonardo ay may maraming mga guhit na nakatuon sa pagbuo ng balangkas ng Madonna at Bata, lalo na ang tinatawag na Mammal, i.e. pagpapasuso. Ngunit ganap na imposibleng isipin siya bilang isang sentimental na artista, malalim at magalang na sumasalamin sa pagmamahal ng ina (tulad ng madalas na nakasulat sa mga pagsusuri na nakatuon sa Hermitage "Madonna Litta"). Pabayaan mo na ako! Lambing, sentimental, atbp. mimimi- ito ay isang bagay na tiyak na wala si Leonardo, at hindi kailanman nagkaroon.

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Maabo, mausok, matamlay, pastel, mahangin... Lila, maputlang asul, maselan, transparent... Rose ash. Sa napakabaliw na talento na pinakamahusay na nagbebenta ng nobela ni K. McCullough na "The Thorn Birds," ang kulay ng damit ng pangunahing karakter, na tiyak na mapapahamak sa walang hanggang paghihiwalay sa kanyang kasintahan, ay tinawag na "abo ng rosas." Sa larawan ni Maria Lopukhina, na namatay sa pagkonsumo isang taon pagkatapos nitong makumpleto, ang lahat ay natatakpan ng banayad na kalungkutan ng kabataan, na humahantong sa walang hinaharap, nawawala tulad ng usok - lahat ay natatakpan ng "abo ng rosas."

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Hindi isang lobo-lobo, isang kulay-abo na bariles, ngunit isang natural na halimaw, si Fenrir, isang halimaw sa kagubatan mula sa mga engkanto ng mga hilagang tao - tulad ng isang tunay na FABULOUS na lobo sa pagpipinta ni Viktor Vasnetsov. At tungkol sa mga karakter ng tao, mayroon ding dapat pag-aralan. Mahirap para sa ating mga nasa hustong gulang na buhayin ang isang fairy tale, ngunit mahirap ding lubos na maunawaan ang artist na nagpinta ng fairy tale. Subukan natin, gayunpaman.

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Si Alyonushka mula sa pagpipinta ni Vasnetsov ay isang mahirap na pangunahing tauhang babae. Ang gawaing ito, kasama ang lahat ng ordinariness ng landscape, kasama ang lahat ng katanyagan ng fairy tale, ay mahirap maunawaan. Kaya, hindi na kailangang intindihin. Dapat kang mag-alala. Parang nakikinig sa fairy tale.

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Napakahusay sa kagandahan ng kulay nito, napakatalino sa pagiging simple at semantikong nilalaman ng balangkas, ang pagpipinta ni Isaac Levitan, tila, ay isang "photographic snapshot" lamang ng isang tanawin na may tubig, isang tulay, isang kagubatan kung saan ang nakatago ang mga bell tower at simbahan ng "Quiet Abode". Ngunit isipin natin ang tungkol sa mga simbolo at palatandaan.

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Ang malaking pagpipinta ay ang paksa nito ay ang nababagabag na ibabaw ng dagat, sa katunayan, ang canvas ay tinatawag na "Among the Waves." Ang pagpapahayag ng ideya ng artist ay hindi lamang kulay at komposisyon, kundi pati na rin ang balangkas mismo: ang dagat, ang dagat bilang isang elementong dayuhan at mapanganib sa tao.

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Ang pagpipinta ng sikat na artistang Ruso, na nabuhay sa halos buong buhay niya sa India at naglakbay sa Gitnang Asya na may ekspedisyon, ay naglalarawan ng hindi gaanong dakilang ermitanyo ng Tibet, gumagala na guro at practitioner ng Yoga Milarepa. Ano narinig niya?..

mga sanaysay sa mga pagpipinta ng mga sikat na artista sa site

Ang pagpipinta ni Arkady Rylov na "Sunset" ay ipininta na parang sa mga nakaraang taon, ngunit ang canvas na ito sa linya ng oras ay katabi ng Rebolusyong Oktubre ng 1917. Isang tipikal na tanawin ng Russian North, mga kulay na kosmiko sa buong kalangitan - pula, itim at lila, asul na tubig.

1.1 Pangunahing katangian ng romantisismo

Romantisismo - (French romantisme, mula sa medieval na French romant - nobela) ay isang direksyon sa sining na nabuo sa loob ng balangkas ng isang pangkalahatang kilusang pampanitikan sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. sa Germany. Ito ay naging laganap sa lahat ng mga bansa sa Europa at Amerika. Ang pinakamataas na rurok ng romantikismo ay naganap noong unang quarter ng ika-19 na siglo.

Ang salitang Pranses na romantisme ay bumalik sa Spanish romance (sa Middle Ages, ito ang pangalan para sa Spanish romances, at pagkatapos ay para sa chivalric romance), ang English romantic, na naging ika-18 siglo. sa romantique at pagkatapos ay nangangahulugang "kakaiba", "kamangha-manghang", "picturesque". Sa simula ng ika-19 na siglo. Ang Romantisismo ay nagiging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran sa klasisismo.

Pagpasok sa antithesis ng "classicism" - "romanticism," iminungkahi ng kilusan ang pagsalungat ng classicist demand para sa mga patakaran sa romantikong kalayaan mula sa mga patakaran. Ang sentro ng artistikong sistema ng romantisismo ay ang indibidwal, at ang pangunahing kontrahan nito ay ang indibidwal at lipunan. Ang mapagpasyang kinakailangan para sa pag-unlad ng romantikismo ay ang mga kaganapan ng Great French Revolution. Ang paglitaw ng romantikismo ay nauugnay sa kilusang anti-Enlightenment, ang mga dahilan kung saan nakasalalay sa pagkabigo sa sibilisasyon, sa panlipunan, pang-industriya, pampulitika at pang-agham na pag-unlad, ang resulta nito ay ang mga bagong kaibahan at kontradiksyon, leveling at espirituwal na pagkawasak ng indibidwal. .

Ipinangaral ng Enlightenment ang bagong lipunan bilang ang pinaka "natural" at "makatwiran". Pinatunayan at inilarawan ng pinakamahusay na mga isipan ng Europa ang lipunang ito ng hinaharap, ngunit ang katotohanan ay naging lampas sa kontrol ng "katwiran," ang hinaharap ay naging hindi mahuhulaan, hindi makatwiran, at ang modernong kaayusan sa lipunan ay nagsimulang magbanta sa kalikasan ng tao at sa kanyang personal na kalayaan. Ang pagtanggi sa lipunang ito, protesta laban sa kawalan ng espirituwalidad at pagkamakasarili ay makikita na sa sentimentalismo at pre-romanticism. Ang romantikismo ay nagpapahayag ng pagtanggi na ito nang lubos. Sinasalungat din ng Romantisismo ang Edad ng Enlightenment sa mga salita: ang wika ng mga romantikong gawa, nagsusumikap na maging natural, "simple", naa-access sa lahat ng mga mambabasa, ay isang bagay na kabaligtaran sa mga klasiko na may marangal, "kahanga-hanga" na mga tema, katangian, halimbawa. , ng klasikal na trahedya.

Sa mga huling romantikong Kanlurang Europeo, ang pesimismo na may kaugnayan sa lipunan ay nakakakuha ng cosmic na proporsyon at nagiging "sakit ng siglo." Ang mga bayani ng maraming romantikong mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga mood ng kawalan ng pag-asa at kawalan ng pag-asa, na nakakuha ng isang unibersal na karakter ng tao. Ang pagiging perpekto ay nawala magpakailanman, ang mundo ay pinamumunuan ng kasamaan, ang sinaunang kaguluhan ay muling nabuhay. Ang tema ng "kakila-kilabot na mundo", na katangian ng lahat ng romantikong panitikan, ay pinaka-malinaw na nakapaloob sa tinatawag na "black genre" (sa pre-romantic na "Gothic novel" - A. Radcliffe, C. Maturin, sa " drama ng rock", o "trahedya ng bato" - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), pati na rin sa mga gawa ni Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe at N. Hawthorne.

Kasabay nito, ang romantisismo ay batay sa mga ideya na humahamon sa "kakila-kilabot na mundo" - higit sa lahat, ang mga ideya ng kalayaan. Ang pagkabigo ng romantikismo ay isang pagkabigo sa katotohanan, ngunit ang pag-unlad at sibilisasyon ay isang panig lamang nito. Ang pagtanggi sa panig na ito, ang kawalan ng pananampalataya sa mga posibilidad ng sibilisasyon ay nagbibigay ng isa pang landas, ang landas sa perpekto, sa walang hanggan, sa ganap. Dapat lutasin ng landas na ito ang lahat ng kontradiksyon at ganap na baguhin ang buhay. Ito ang landas tungo sa pagiging perpekto, "tungo sa isang layunin, ang paliwanag kung saan dapat hanapin sa kabilang panig ng nakikita" (A. De Vigny). Para sa ilang mga romantiko, ang mundo ay pinangungunahan ng hindi maintindihan at misteryosong pwersa na dapat sundin at hindi subukang baguhin ang kapalaran (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para sa iba, ang "kasamaan sa mundo" ay nagdulot ng protesta, humingi ng paghihiganti at pakikibaka (unang bahagi ng A.S. Pushkin). Ang pagkakatulad nila ay nakita nilang lahat sa tao ang isang esensya, ang gawain na hindi limitado sa paglutas ng mga pang-araw-araw na problema. Sa kabaligtaran, nang hindi itinatanggi ang pang-araw-araw na buhay, ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pag-iral ng tao, bumaling sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at patula na damdamin.

Ang isang romantikong bayani ay isang kumplikado, madamdamin na personalidad, na ang panloob na mundo ay hindi pangkaraniwang malalim at walang katapusang; ito ay isang buong sansinukob na puno ng mga kontradiksyon. Ang mga romantiko ay interesado sa lahat ng mga hilig, parehong mataas at mababa, na salungat sa bawat isa. Ang mataas na pagnanasa ay pag-ibig sa lahat ng mga pagpapakita nito, ang mababang pagnanasa ay kasakiman, ambisyon, inggit. Inihambing ng mga romantiko ang buhay ng espiritu, lalo na ang relihiyon, sining, at pilosopiya, sa pangunahing materyal na kasanayan. Ang interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na hilig, at lihim na paggalaw ng kaluluwa ay mga katangian ng romantikismo.

Maaari nating pag-usapan ang tungkol sa pag-iibigan bilang isang espesyal na uri ng personalidad - isang taong may malakas na hilig at mataas na hangarin, hindi tugma sa pang-araw-araw na mundo. Ang mga pambihirang pangyayari ay kasama ng kalikasang ito. Ang pantasya, katutubong musika, tula, alamat ay nagiging kaakit-akit sa mga romantiko - lahat ng bagay na sa loob ng isang siglo at kalahati ay itinuturing na mga menor de edad na genre, hindi karapat-dapat ng pansin. Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapatibay ng kalayaan, ang soberanya ng indibidwal, pagtaas ng pansin sa indibidwal, ang natatangi sa tao, at ang kulto ng indibidwal. Ang pagtitiwala sa pagpapahalaga sa sarili ng isang tao ay nagiging isang protesta laban sa kapalaran ng kasaysayan. Kadalasan ang bayani ng isang romantikong gawain ay nagiging isang artista na may kakayahang malikhaing madama ang katotohanan. Ang klasiko na "imitasyon ng kalikasan" ay kaibahan sa malikhaing enerhiya ng artista na nagbabago sa katotohanan. Isang espesyal na mundo ang nilikha, mas maganda at totoo kaysa sa empirically perceived reality. Ito ay pagkamalikhain na ang kahulugan ng pag-iral; ito ay kumakatawan sa pinakamataas na halaga ng sansinukob. Masigasig na ipinagtanggol ng mga Romantiko ang malikhaing kalayaan ng artista, ang kanyang imahinasyon, na naniniwala na ang henyo ng artista ay hindi sumusunod sa mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga ito.

Ang mga romantiko ay bumaling sa iba't ibang mga makasaysayang panahon, naaakit sila sa kanilang pagka-orihinal, naaakit ng mga kakaiba at mahiwagang bansa at mga pangyayari. Ang interes sa kasaysayan ay naging isa sa mga nagtatagal na tagumpay ng masining na sistema ng romantikismo. Ipinahayag niya ang kanyang sarili sa paglikha ng genre nobelang pangkasaysayan, ang tagapagtatag nito ay itinuturing na si W. Scott, at sa pangkalahatan ang nobela, na nakakuha ng nangungunang posisyon sa panahong isinasaalang-alang. Ang mga romantiko ay nagpaparami nang detalyado at tumpak sa mga makasaysayang detalye, background, at lasa ng isang partikular na panahon, ngunit ang mga romantikong karakter ay ibinibigay sa labas ng kasaysayan, bilang panuntunan, ay nasa itaas ng mga pangyayari at hindi umaasa sa kanila. Kasabay nito, nakita ng mga romantiko ang nobela bilang isang paraan ng pag-unawa sa kasaysayan, at mula sa kasaysayan ay nagpunta sila upang tumagos sa mga lihim ng sikolohiya, at, nang naaayon, ng modernidad. Ang interes sa kasaysayan ay makikita rin sa mga gawa ng mga istoryador ng Pranses na romantikong paaralan (A. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

Ito ay sa panahon ng Romantisismo na ang pagtuklas ng kultura ng Middle Ages ay naganap, at ang paghanga sa sinaunang panahon, na katangian ng nakaraang panahon, ay hindi rin humina sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng siglo. XIX na siglo Ang pagkakaiba-iba ng pambansa, historikal, at indibidwal na mga katangian ay nagkaroon din ng pilosopikal na kahulugan: ang kayamanan ng isang buong mundo ay binubuo ng kumbinasyon ng mga indibidwal na tampok na ito, at ang pag-aaral ng kasaysayan ng bawat tao nang hiwalay ay ginagawang posible upang masubaybayan, tulad ng Burke sabihin, walang patid na buhay sa pamamagitan ng mga bagong henerasyon na nagpapatuloy sa isa't isa.

Ang panahon ng Romantisismo ay minarkahan ng pag-usbong ng panitikan, isa sa mga natatanging katangian nito ay ang pagkahilig sa mga suliraning panlipunan at pampulitika. Sinusubukang unawain ang papel ng tao sa patuloy na makasaysayang mga kaganapan, ang mga romantikong manunulat ay nahilig sa katumpakan, pagtitiyak, at pagiging tunay. Kasabay nito, ang pagkilos ng kanilang mga gawa ay madalas na nagaganap sa mga setting na hindi karaniwan para sa isang European - halimbawa, sa Silangan at Amerika, o, para sa mga Ruso, sa Caucasus o Crimea. Kaya, ang mga romantikong makata ay pangunahing mga liriko at makata ng kalikasan, at samakatuwid sa kanilang trabaho (pati na rin sa maraming mga manunulat ng prosa), ang tanawin ay sumasakop sa isang makabuluhang lugar - una sa lahat, ang dagat, bundok, kalangitan, mga elemento ng bagyo kung saan ang bayani. ay nauugnay sa mga kumplikadong relasyon. Ang kalikasan ay maaaring maging katulad ng madamdamin na katangian ng isang romantikong bayani, ngunit maaari rin itong labanan siya, maging isang pagalit na puwersa kung saan siya ay pinilit na labanan.

Ang hindi pangkaraniwang at matingkad na mga larawan ng kalikasan, buhay, paraan ng pamumuhay at kaugalian ng malalayong bansa at mga tao ay nagbigay inspirasyon din sa mga romantiko. Hinahanap nila ang mga katangian na bumubuo sa pangunahing batayan ng pambansang diwa. Ang pambansang pagkakakilanlan ay naipapakita pangunahin sa bibig katutubong sining. Kaya't ang interes sa alamat, ang pagproseso ng mga gawa ng alamat, ang paglikha ng kanilang sariling mga gawa batay sa katutubong sining.

Ang pag-unlad ng mga genre ng makasaysayang nobela, kamangha-manghang kuwento, liriko-epikong tula, balad ay ang merito ng mga romantiko. Ang kanilang pagbabago ay ipinakita rin sa mga liriko, lalo na, sa paggamit ng polysemy ng mga salita, ang pagbuo ng pagkakaugnay, metapora, at mga pagtuklas sa larangan ng versification, meter, at ritmo.

Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang synthesis ng mga kasarian at genre, ang kanilang interpenetration. Ang sistema ng romantikong sining ay batay sa isang synthesis ng sining, pilosopiya, at relihiyon. Halimbawa, para sa isang palaisip tulad ni Herder, ang pananaliksik sa linggwistika, mga doktrinang pilosopikal, at mga tala sa paglalakbay ay nagsisilbi sa paghahanap ng mga paraan ng rebolusyonaryong pagpapanibago ng kultura. Karamihan sa mga nagawa ng romantikismo ay minana ng realismo noong ika-19 na siglo. – isang pagkahilig sa pantasya, ang kataka-taka, pinaghalong mataas at mababa, trahedya at komiks, ang pagtuklas ng “subjective man.”

Sa panahon ng romantikismo, hindi lamang panitikan ang umunlad, kundi pati na rin ang maraming agham: sosyolohiya, kasaysayan, agham pampulitika, kimika, biyolohiya, ebolusyonaryong doktrina, pilosopiya (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, natural na pilosopiya, ang kakanyahan ng na nagmumula sa katotohanan na ang kalikasan - isa sa mga kasuotan ng Diyos, "ang buhay na kasuotan ng Banal").

Ang Romantisismo ay isang kultural na kababalaghan sa Europa at Amerika. Sa iba't ibang bansa, ang kanyang kapalaran ay may sariling katangian.

1.2 Romantisismo sa Russia

Sa simula ng ikalawang dekada ng ika-19 na siglo, ang romantikismo ay sumakop sa isang mahalagang lugar sa sining ng Russia, na nagpapakita ng higit pa o hindi gaanong ganap na pambansang pagkakakilanlan nito. Lubhang mapanganib na bawasan ang pagiging natatangi na ito sa anumang katangian o kahit isang kabuuan ng mga katangian; Ang nakikita natin ay sa halip ang direksyon ng proseso, pati na rin ang bilis nito, ang pagbilis nito - kung ihahambing natin ang romantikong Ruso sa mga mas lumang "romantisismo" ng panitikan sa Europa.

Naobserbahan na natin ang pagbilis na ito ng pag-unlad sa prehistory ng Russian romanticism - sa huling dekada ng ika-18 siglo. - sa mga unang taon ng ika-19 na siglo, nang mayroong isang hindi pangkaraniwang malapit na pagkakaugnay ng mga pre-romantiko at sentimental na mga tendensya sa mga tendensya ng klasisismo.

Ang muling pagsusuri ng katwiran, hypertrophy ng sensitivity, ang kulto ng kalikasan at natural na tao, elegiac melancholy at epicureanism ay pinagsama sa mga sandali ng systematism at rationality, lalo na ipinakita sa larangan ng poetics. Ang mga istilo at genre ay na-streamline (pangunahin sa pamamagitan ng mga pagsisikap ni Karamzin at ng kanyang mga tagasunod), at nagkaroon ng pakikibaka laban sa labis na metaporikal at floridity ng pagsasalita para sa kapakanan ng "harmonic accuracy" nito (ang kahulugan ni Pushkin ng natatanging tampok ng paaralan na itinatag ni Zhukovsky at Batyushkov).

Ang bilis ng pag-unlad ay nag-iwan din ng marka sa mas mature na yugto ng romantikismong Ruso. Ang density ng artistikong ebolusyon ay nagpapaliwanag din sa katotohanan na sa Russian romanticism mahirap makilala ang mga malinaw na kronolohikal na yugto. Hinahati ng mga mananalaysay sa panitikan ang romantikong Ruso sa mga sumusunod na panahon: ang unang panahon (1801 - 1815), ang panahon ng kapanahunan (1816 - 1825) at ang panahon ng pag-unlad nito pagkatapos ng Oktubre. Ito ay isang tinatayang diagram, dahil hindi bababa sa dalawa sa mga panahong ito (ang una at pangatlo) ay may husay na heterogenous at hindi sila nailalarawan ng hindi bababa sa isang kamag-anak na pagkakaisa ng mga prinsipyo na nakikilala, halimbawa, ang mga panahon ng Jena at Heidelberg romanticism sa Germany.

Romantikong paggalaw sa Kanlurang Europa- pangunahin sa panitikang Aleman - nagsimula sa ilalim ng tanda ng pagkakumpleto at integridad. Lahat ng pinaghiwalay ay nagsusumikap para sa synthesis: sa natural na pilosopiya, at sa sosyolohiya, at sa teorya ng kaalaman, at sa sikolohiya - personal at panlipunan, at, siyempre, sa artistikong pag-iisip, na pinag-isa ang lahat ng mga impulses na ito at, tulad ng dati. , nagbigay sa kanila ng bagong buhay .

Ang tao ay naghangad na sumanib sa kalikasan; personalidad, indibidwal - kasama ang kabuuan, kasama ang mga tao; intuitive na kaalaman - na may lohikal; ang hindi malay na mga elemento ng espiritu ng tao - na may pinakamataas na saklaw ng pagmuni-muni at katwiran. Bagama't ang ugnayan sa pagitan ng magkasalungat na sandali ay minsan ay tila magkasalungat, ang pagkahilig sa pagkakaisa ay nagbunga ng isang espesyal na emosyonal na spectrum ng romantikismo, maraming kulay at sari-saring kulay, na may nangingibabaw na maliwanag, pangunahing tono.

Unti-unti lamang nabuo ang magkasalungat na elemento sa kanilang antinomy; ang ideya ng ninanais na synthesis ay natunaw sa ideya ng alienation at confrontation, ang optimistic mood ay nagbigay daan sa isang pakiramdam ng pagkabigo at pesimismo.

Ang romantikong Ruso ay pamilyar sa parehong mga yugto ng proseso - pareho ang una at ang pangwakas; gayunpaman, sa parehong oras ay pinilit niya ang pangkalahatang kilusan. Ang mga huling anyo ay lumitaw bago ang mga unang anyo ay umabot sa kanilang rurok; ang mga intermediate ay nalukot o nahulog. Kung ikukumpara sa background ng panitikan sa Kanlurang Europa, ang romantikong Ruso ay tumingin sa parehong oras na mas mababa at mas romantiko: ito ay mas mababa sa kanila sa kayamanan, ramifications, at lawak ng pangkalahatang larawan, ngunit higit sa kanila sa katiyakan ng ilang mga huling resulta. .

Ang pinakamahalagang salik na sosyo-politikal na nakaimpluwensya sa pagbuo ng romantikismo ay ang Decembrism. Ang repraksyon ng ideolohiyang Decembrist sa larangan ng artistikong pagkamalikhain ay isang lubhang kumplikado at napakahabang proseso. Gayunpaman, huwag nating kalimutan ang katotohanan na nakakuha ito ng tiyak na masining na pagpapahayag; na ang mga impulses ng Decembrist ay binihisan ng napakaespesipikong anyo ng pampanitikan.

Kadalasan ang "pampanitikan Decembrism" ay nakilala na may isang tiyak na kinakailangan panlabas sa artistikong pagkamalikhain, kapag ang lahat ng artistikong paraan ay nasa ilalim ng isang extra-literary na layunin, na, naman, ay nagmula sa ideolohiya ng Decembrist. Ang layuning ito, ang "gawain" na ito ay diumano'y na-level o itinulak pa nga ang "mga katangian ng pantig o mga tampok ng genre." Sa katotohanan, ang lahat ay naging mas kumplikado.

Ang tiyak na katangian ng romantikong Ruso ay malinaw na nakikita sa mga liriko ng panahong ito, i.e. sa liriko na saloobin sa mundo, sa pangunahing tono at pananaw ng posisyon ng may-akda, sa karaniwang tinatawag na "larawan ng may-akda." Tingnan natin ang tula ng Russia mula sa anggulong ito upang makakuha ng hindi bababa sa isang mabilis na ideya ng pagkakaiba-iba at pagkakaisa nito.

Ang mga romantikong tula ng Russia ay nagsiwalat ng medyo malawak na hanay ng "mga imahe ng may-akda," kung minsan ay nagtatagpo, kung minsan, sa kabaligtaran, polemicizing at contrasting sa bawat isa. Ngunit palaging ang "larawan ng may-akda" ay isang kondensasyon ng mga damdamin, mood, kaisipan, o pang-araw-araw at mga detalye ng talambuhay (ang liriko na gawa ay tila naglalaman ng "mga scrap" ng linya ng alienation ng may-akda, na mas ganap na kinakatawan sa tula), na nagmumula sa pagsalungat sa kapaligiran. Ang koneksyon sa pagitan ng indibidwal at ng kabuuan ay nasira. Ang diwa ng komprontasyon at hindi pagkakasundo ay pumutok sa imahe ng may-akda kahit na sa sarili nito ay tila walang ulap na malinaw at buo.

Ang pre-romanticism ay pangunahing alam ang dalawang anyo ng pagpapahayag ng salungatan sa mga liriko, na maaaring tawaging mga liriko na pagsalungat - ang elegiac at epicurean na anyo. Ang mga romantikong tula ay binuo ang mga ito sa isang serye ng mga mas kumplikado, malalim at indibidwal na naiiba.

Ngunit, gaano man kahalaga ang mga porma sa itaas sa kanilang sarili, siyempre, hindi nila nauubos ang buong kayamanan ng romantikong Ruso.

Ang sining ng romantikismo ay nabuo sa mga polemiks na may klasiko. Sa aspetong panlipunan, ang paglitaw ng romantikismo ay nauugnay sa Dakilang Rebolusyong Pranses noong ika-18 siglo bilang isang reaksyon ng pangkalahatang sigasig tungkol sa simula nito, ngunit bilang isang malalim na pagkabigo sa mga kakayahan ng tao sa kaganapan ng pagkatalo nito. Bukod dito, ang romantikismo ng Aleman ay itinuring na walang dugong bersyon ng Rebolusyong Pranses.

Bilang isang kilusang ideolohikal at masining, ipinakita ang romantikismo sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ito ay lumitaw lalo na bilang isang kilusang pampanitikan - dito ang aktibidad ng mga romantiko ay mataas at matagumpay. Hindi gaanong makabuluhan ang musika noong panahong iyon: mga vocal, instrumental na musika, teatro sa musika(opera at balete) ng romantikismo ay bumubuo pa rin ng batayan ng repertoire ngayon. Gayunpaman, sa visual at spatial arts, hindi gaanong malinaw na ipinakita ang romantikismo sa bilang ng mga gawang nilikha at sa kanilang antas. Ang pagpipinta ng Romantisismo ay umabot sa antas ng mga obra maestra sa Alemanya at Pransya, ang natitirang bahagi ng Europa ay nahuhuli. Hindi kaugalian na pag-usapan ang arkitektura ng romantikismo. Tanging ang landscape gardening art ay nagpapakita ng ilang pagka-orihinal dito, at kahit na ang mga romantiko ay nabuo dito ang ideya ng isang English landscape, o natural, parke. Mayroon ding isang lugar para sa ilang neo-Gothic tendencies na nakita ng mga romantiko ang kanilang sining sa serye: Gothic - Baroque - Romanticism. Mayroong maraming mga neo-Gothics sa mga bansang Slavic.

Pinong sining ng romantikismo

Noong ika-18 siglo ang terminong "romantiko" ay nangangahulugang "kakaiba", "kamangha-manghang", "picturesque". Madaling mapansin na ang mga salitang "romansa", "romansa" (knightly) ay napakalapit sa etymologically.

Noong ika-19 na siglo ang termino ay binibigyang kahulugan bilang isang pangalan kilusang pampanitikan, kabaligtaran sa mga saloobin nito sa klasisismo.

Sa pinong sining, ang romantikismo ay nagpakita ng kawili-wiling sarili sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong malinaw sa iskultura. Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantisismo ay binuo sa France, kung saan nagkaroon ng patuloy na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rationalism sa opisyal na sining sa diwa ng akademikong klasisismo. Ang nagtatag ng romantikong paaralan ng pagpipinta ay Theodore Gericault (1791-1824). Nag-aral siya kasama ang mga masters ng classicism, ngunit, sa pagkakaroon ng pinanatili mula sa classicism ang pagkahilig sa pangkalahatang mga bayani na imahe, Géricault sa unang pagkakataon ay ipinahayag sa pagpipinta ng pakiramdam ng salungatan sa mundo, ang pagnanais para sa nagpapahayag na pagpapahayag ng mga makabuluhang kaganapan sa ating panahon. Ang mga unang gawa ng artist ay nagpapakita ng mataas na emosyonalidad, ang "nerve" ng panahon ng Napoleonic wars, kung saan mayroong maraming katapangan ("Opisyal ng mga naka-mount na rangers ng imperial guard, na sumasalakay," "Wounded cuirassier umalis sa larangan ng digmaan”). Sila ay minarkahan ng isang trahedya na saloobin at isang pakiramdam ng pagkalito. Ang mga bayani ng klasisismo ay hindi nakaranas ng gayong mga damdamin o hindi nagpahayag ng mga ito sa publiko at hindi pinahahalagahan ang kawalan ng pag-asa, pagkalito, at kapanglawan. Ang mga kaakit-akit na canvases ng mga artista ng romanticism ay ipininta nang pabago-bago;

Lumilikha si Gericault ng isang hindi kapani-paniwalang dynamic na larawan na "Pagpapatakbo ng Libreng Kabayo sa Roma." Dito ay nahihigitan niya ang lahat ng mga naunang artista sa nakakumbinsi na paghahatid ng kilusan. Ang isa sa mga pangunahing gawa ni Gericault ay ang pagpipinta na "The Raft of Medusa". Sa loob nito ay inilalarawan niya ang mga tunay na katotohanan, ngunit sa gayong puwersa ng paglalahat na nakita ng mga kontemporaryo dito hindi ang imahe ng isang tiyak na pagkawasak ng barko, ngunit ng buong Europa sa kawalan ng pag-asa. At iilan lamang, ang mga taong matiyaga ay patuloy na lumalaban para mabuhay. Ipinakita ng artista ang kumplikadong hanay ng mga damdamin ng tao - mula sa madilim na kawalan ng pag-asa hanggang sa isang mabagyong pagsabog ng pag-asa. Ang dynamics ng canvas na ito ay natutukoy sa pamamagitan ng dayagonal ng komposisyon, ang epektibong pag-sculpting ng mga volume, at magkakaibang pagkakaiba sa liwanag at lilim.

Nagawa ni Gericault na patunayan ang kanyang sarili bilang isang master ng portrait genre. Dito rin siya kumikilos bilang isang innovator, na tinutukoy ang mga makasagisag na detalye ng genre ng portrait. Sa "Portrait of Twenty-Year-Old Delacroix" at sa self-portraits, ang ideya ng romantikong artista bilang isang malayang tagalikha, isang maliwanag, emosyonal na personalidad. Inilatag niya ang mga pundasyon para sa romantikong larawan - sa kalaunan ay isa sa pinakamatagumpay na romantikong genre.

Naging pamilyar din si Gericault sa tanawin. Naglalakbay sa paligid ng Inglatera, nabigla siya sa hitsura nito at nagbigay pugay sa kagandahan nito sa pamamagitan ng paglikha ng marami mga pagpipinta ng tanawin pininturahan sa parehong langis at watercolor. Sila ay mayaman sa kulay, banayad sa pagmamasid, at hindi tutol sa panlipunang kritisismo. Tinawag sila ng artist na "Large and Small English Suites". Napaka tipikal para sa isang romantikong tawagin ang pictorial cycle bilang isang terminong pangmusika!

Sa kasamaang palad, ang buhay ni Gericault ay maikli, ngunit inilatag niya ang pundasyon para sa isang maluwalhating tradisyon.

Mula noong 1820s nagiging pinuno ng mga romantikong pintor Ferdinand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Malakas siyang naimpluwensyahan ni Gericault, na naging kaibigan niya noong mga araw ng kanyang estudyante. Pinag-aralan niya ang pagpipinta ng mga matandang master, lalo na si Rubens. Nilibot niya ang England at nabighani siya sa mga painting ni Constable. Si Delacroix ay may madamdamin na ugali, malakas na malikhaing imahinasyon at mataas na kahusayan. Mula sa mga unang hakbang sa kanyang propesyonal na karera, si Delacroix ay tiyak na sumunod sa mga romantiko. Ang unang pagpipinta na ipinakita niya ay sina Dante at Virgil sa isang bangka na tumatawid sa Styx (Dante's Boat). Ang larawan ay puno ng trahedya at madilim na kalunos-lunos. Sa kanyang susunod na pagpipinta, "The Massacre on Chios," tumugon siya sa mga totoong kaganapan na nauugnay sa pagdurusa ng mga Griyego sa ilalim ng pamatok ng Turko. Dito ay hayagang ipinahayag niya ang kanyang posisyon sa pulitika, na pumanig sa mga Griyego sa labanan, kung kanino siya nakiramay, habang ang gobyerno ng Pransya ay nanligaw sa Turkey.

Ang pagpipinta ay nagdulot ng parehong pampulitika at pamumuna sa sining, lalo na pagkatapos Delacroix, sa ilalim ng impluwensya ng gawa ng Constable, muling isinulat ang pagpipinta sa mas magaan na kulay. Bilang tugon sa pagpuna, nilikha ng artist ang canvas na "Greece on the Ruins of Missolunga", kung saan muli niyang tinutugunan ang nasusunog na tema ng pakikibaka ng Greece para sa pagpapalaya mula sa Turkish yoke. Ang pagpipinta na ito ni Delacroix ay mas simboliko, isang babaeng pigura na may nakataas na kamay sa isang kilos ng alinman sa isang sumpa sa mga mananakop o isang panawagan na lumaban, ay nagpapakilala sa buong bansa. Tila inaasahan ang imahe ng Kalayaan sa hinaharap ng artista, ang pinakasikat na gawa.

Sa paghahanap ng mga bagong bayani at malalakas na personalidad, madalas na bumaling si Delacroix sa mga imaheng pampanitikan ni Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso in the Lunatic Asylum", "The Death of Sardanapalus", "The Murder of the Bishop of Liege"; gumagawa ng mga lithograph para sa "Faust" at "Hamlet", na nagpapahayag ng mga pinaka banayad na kulay ng damdamin ng mga karakter, na umani ng papuri kay Goethe. Lumapit si Delacroix kathang-isip ang paraan ng paglapit ng kaniyang mga nauna sa Banal na Kasulatan, na ginagawa itong walang katapusang pinagmumulan ng mga paksa para sa mga pagpipinta.

Noong 1830, sa ilalim ng direktang impresyon ng Rebolusyong Hulyo, nagpinta si Delacroix ng isang malaking canvas, "Liberty Leading the People" ("Freedom on the Barricades"). Sa itaas ng makatotohanang itinatanghal na mga pigura ng mga kalahok sa rebolusyonaryong pakikibaka, ang mga mahihirap, karamihan sa mga kabataang inspirasyon ng pakikibaka, ay umaaligid sa isang kahanga-hangang babae, na nakapagpapaalaala sa mga "henyo" ni Veronese. Siya ay may isang banner sa kanyang mga kamay, ang kanyang mukha ay inspirasyon. Ito ay hindi lamang isang alegorya ng kalayaan sa diwa ng klasisismo, ito ay isang mataas na simbolo ng rebolusyonaryong salpok. Gayunpaman, hindi maaaring iwanan ng isang tao ang buhay, sensual na pigura ng babae - siya ay kaakit-akit. Ang larawan ay naging kumplikado, kaakit-akit, at pabago-bago.

Tulad ng isang tunay na romantiko, naglalakbay si Delacroix sa mga kakaibang bansa: Algeria, Morocco. Mula sa kanyang paglalakbay, ibinalik niya ang limang mga painting, kabilang ang "Lion Hunt in Morocco," na tila isang pagpupugay sa kanyang minamahal na Rubens.

Si Delacroix ay madalas na nagtatrabaho bilang isang dekorador, na lumilikha ng mga monumental na gawa sa mga palasyo ng Bourbon at Luxembourg at mga simbahan sa Paris. Siya ay patuloy na nagtatrabaho sa genre ng portrait, na lumilikha ng mga larawan ng mga tao ng Romantikong panahon, halimbawa F. Chopin. Ang gawa ni Delacroix ay kabilang sa mga taluktok ng pagpipinta noong ika-19 na siglo.

Pagpipinta at graphics Romantikismo ng Aleman kadalasan ay nauukol sa sentimentalismo. At kung ang romantikong panitikan ng Aleman ay talagang bumubuo ng isang buong panahon, kung gayon hindi ito masasabi tungkol sa pinong sining: sa panitikan mayroong Sturm at Drang, at sa pinong sining ay mayroong ideyalisasyon ng patriyarkal na buhay ng pamilya. Ang pagkamalikhain ay nagpapahiwatig sa ganitong kahulugan Ludwig Richter (1803-1884): “Forest spring near Aricci”, “Wedding procession in spring”, atbp. Nagmamay-ari din siya ng maraming mga guhit sa mga tema ng mga engkanto at katutubong kanta, na ginawa sa isang medyo tuyo na paraan.

Ngunit mayroong isang malakihang pigura sa romantikismong Aleman na hindi maaaring balewalain. Ito Caspar David Friedrich (1774-1840). Siya ay isang pintor ng landscape at nag-aral sa Academy of Arts sa Copenhagen. Nang maglaon ay nanirahan siya sa Dresden at nagsimulang magturo.

Ang kanyang estilo ng landscape ay orihinal, ang mga kuwadro na gawa ay naaalala mula sa unang kakilala, maaari mong madama sa kanila na ang mga ito ay mga landscape ng isang romantikong artista: palagi nilang ipinapahayag ang mga detalye ng romantikong pananaw sa mundo. Ipininta niya ang mga tanawin ng timog Alemanya at baybayin ng Baltic, mga ligaw na bato na tinutubuan ng kagubatan, mga buhangin ng disyerto, at ang nagyeyelong dagat. Minsan ang mga tao ay naroroon sa kanyang mga pagpipinta, ngunit bihira nating makita ang kanilang mga mukha: ang mga pigura, bilang panuntunan, ay nakatalikod sa manonood. Hinangad ni Frederick na ihatid ang elemental na kapangyarihan ng kalikasan. Siya ay naghanap at nakatuklas ng mga consonance sa pagitan ng mga natural na pwersa at mga mood at pakikipagsapalaran ng tao. At kahit na sinasalamin niya ang buhay nang tumpak, ang sining ni Friedrich ay hindi makatotohanan. Ito ay natakot sa mga kritiko ng sining ng Sobyet sa kamakailang nakaraan ay kakaunti ang isinulat tungkol sa artista, at halos walang mga reproduksyon sa kanya. Ngayon ang sitwasyon ay nagbago, at maaari naming tamasahin ang malalim na espirituwalidad ng kanyang mga pintura, ang mapanglaw na hiwalay na pagmumuni-muni ng mga tanawin ni Friedrich. Ang malinaw na ritmo ng komposisyon at ang kalubhaan ng pagguhit ay pinagsama sa kanyang mga gawa na may mga kaibahan ng chiaroscuro, mayaman sa mga epekto ng pag-iilaw. Ngunit kung minsan ay umabot si Friedrich sa punto ng sakit na mapanglaw sa kanyang emosyonalidad, isang pakiramdam ng kahinaan ng lahat ng bagay sa mundo, hanggang sa pamamanhid ng isang mystical trance. Ngayon ay nakararanas kami ng pagdagsa ng interes sa trabaho ni Friedrich. Ang pinaka matagumpay na gawain- "Ang pagkamatay ng "Nadezhda" sa yelo", "Sementeryo ng monasteryo sa ilalim ng niyebe", "Mass in a Gothic ruin", "Sunset on the sea", atbp.

SA Ang romantikong Ruso Mayroong maraming mga bagay na kontradiksyon sa pagpipinta. Bukod dito, sa loob ng maraming taon ay pinaniniwalaan iyon magaling na artista- makatotohanan. Ito marahil ang dahilan kung bakit naitatag ang opinyon na sina O. Kiprensky at A. Venetsianov, V. Tropinin at maging si A. Kuindzhi ay mga realista, na tila sa amin ay hindi tama, sila ay mga romantiko.