Eines der ältesten und führenden Musiktheater Russlands. Die Geschichte des Theaters reicht bis ins Jahr 1783 zurück, als das Stone Theatre eröffnet wurde, in dem Schauspiel-, Opern- und Balletttruppen auftraten. Die Abteilung für Oper (Sänger P. V. Zlov, A. M. Krutitsky, E. S. Sandunova usw.) und Ballett (Tänzer E. I. Andreyanova, I. I. Valberkh (Lesogorov), A. P. Glushkovsky, A. I. Istomina, E. I. Kolosova usw.) traten 1803 mit dramatischen Truppen auf. Auf der Bühne wurden ausländische Opern sowie Erstwerke russischer Komponisten aufgeführt. Im Jahr 1836 wurde die Oper „Ein Leben für den Zaren“ von M. I. aufgeführt Klassik Russische Opernkunst. Die herausragenden russischen Sänger O.A. Petrov, A.Ya. Petrova sowie M.M. Stepanova und S.S. Gulak-Artemovsky sangen. In den 1840er Jahren. Russisch Operntruppe wurde von den Italienern, die unter der Schirmherrschaft des Hofes standen, beiseite geschoben und nach Moskau verlegt. Erst Mitte der 1850er Jahre wurden ihre Auftritte in St. Petersburg wieder aufgenommen. auf der Bühne des Zirkustheaters, das nach einem Brand im Jahr 1859 wieder aufgebaut wurde (Architekt A.K. Kavos) und 1860 unter diesem Namen eröffnet wurde Mariinsky-Opernhaus(1883-1896 wurde das Gebäude unter der Leitung des Architekten V.A. Schröter umgebaut). Kreative Entwicklung und die Entstehung des Theaters sind mit der Aufführung von Opern (sowie Balletten) von A.P. Borodin, A.S. Dargomyzhsky, M.P. Rimsky-Korsakov, P.I. verbunden. Hoch Musikkultur Das Kollektiv wurde durch die Aktivitäten des Dirigenten und Komponisten E.F. Napravnik (1863-1916) ermöglicht. Die Choreografen M.I. Petipa und L.I. Ivanov leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung der Ballettkunst. Auf der Bühne des Mariinsky-Theaters traten die Sänger E.A. Lawrow, I.K. und N.N. Figner, F.I. Chaliapin, T.P. Kshesinskaya, M.F bedeutende Künstler, darunter A. Ya. Golovin, K. A. Korovin.

Nach Oktoberrevolution Das Theater wurde staatseigener und 1919 akademischer Natur. Seit 1920 hieß es Staatliches Akademisches Opern- und Balletttheater, seit 1935 nach Kirow benannt. Neben Klassikern wurden im Theater auch Opern und Ballette aufgeführt Sowjetische Komponisten. Einen großen Beitrag zur Entwicklung der Musik- und Theaterkunst leisteten die Sänger I.V. Ershov, S.I. Migai, S.P. Preobrazhenskaya, N.K. Pechkovsky, die Balletttänzer T.M. A. Ya. Shelest, Dirigenten V. A. Dranishnikov, A. M. Pazovsky, B. E. Khaikin, Regisseure V. A. Lossky, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu. Shlepyanov, Choreographen A. Ya. Vaganova, L. M. Lavrovsky, F. V. Lopukhov. Während des Großen Vaterländischer Krieg Das Theater befand sich in Perm und arbeitete weiterhin aktiv (es fanden mehrere Uraufführungen statt, darunter die Oper „Emelyan Pugachev“ von M. V. Koval, 1942). Einige Theaterkünstler, die im belagerten Leningrad blieben, darunter Preobrazhenskaya, P.Z. Andreev, traten in Konzerten und im Radio auf und nahmen daran teil Opernaufführungen. IN Nachkriegsjahre Das Theater schenkte große Aufmerksamkeit Sowjetische Musik. Die künstlerischen Leistungen des Theaters sind mit den Aktivitäten der Hauptdirigenten S.V. Jelzin, E.I.Klimow, K.A.Simeonow, Yu.X.Temirkanow, der Choreographen I.A. Belsky, K.A. Fenster verbunden. L.V. Yakobson, Künstler V.V. Dmitriev, S.B. Virsaladze und andere: Chefdirigent V.A.Gergiev, Chefchoreograf O.I.Vinogradov, Sänger I.P.Bogacheva, E.E.Gorokhovskaya, G.A.Kovalyova, S.P.Leiferkus, Yu.M.Marusin, V.M.Morozov, N.P.Okhotnikov, K I. Pluzhnikov, L. P. Filatova, B. G. Shtokolov, Balletttänzer S. V. Vikulov, V. N. Gulyaev, I. A . Kolpakova, G. T. Komleva, N. A. Kurgapkina, A. I. Sizova und andere wurden mit dem Lenin-Orden (1939) und dem Orden der Oktoberrevolution (1983) ausgezeichnet. Großauflagenzeitung „For sowjetische Kunst"(seit 1933).

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Mariinsky-Theaterballett, Mariinsky-Theaterballett
Die Geschichte der Balletttruppe des Mariinsky-Theaters begann mit Hofaufführungen, an denen viele professionelle Tänzer und Tänzer teilnahmen, die nach ihrer Gründung durch Kaiserin Anna Ioannowna im Jahr 1738 auftraten Tanzschule unter der Leitung des Französischlehrers Jean Baptiste Lande.

Die Balletttruppe war Teil der Theater:

• Petersburg Bolschoi-Theater(Kamenny; ab 1783),
• Mariinsky-Theater seit 1860,
• Staatliches Mariinski-Theater (seit 1917), das 1920 in Staatstheater umbenannt wurde Akademisches Theater Oper und Ballett (seit 1935 nach S. M. Kirov benannt), und 1992 kehrte es zu seinem früheren Namen zurück – Mariinsky-Theater.

• 1. 19. Jahrhundert
• 2. XX Jahrhundert
• 3. 21. Jahrhundert
  • 3.1 Balletttänzer
    • 3.1.1 Ballerinas und Premieren
    • 3.1.2 Erste Solisten
    • 3.1.3 Zweite Solisten
    • 3.1.4 Charaktertanzsolisten
    • 3.1.5 Koryphäen
• 4 Siehe auch
• 5 Notizen
• 6 Links

19. Jahrhundert

S. L. Didelot hatte einen spürbaren Einfluss auf die Entwicklung des St. Petersburger Balletts. Didelots Tanzgedichte „Zephyr und Flora“ (1804), „Amor und Psyche“ (1809), „Acis und Galatea“ (1816) von Kavos ließen den Beginn der Romantik ahnen. 1823 inszenierte das Theater das Ballett „ Gefangener des Kaukasus, oder Schatten der Braut“ zur Musik. Kavos (1823). Das von Didelot geschaffene Repertoire offenbarte die Talente von M. I. Danilova, E. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (O. Poirot) und N. O. Golts. 1837 zeigten der italienische Choreograf F. Taglioni und seine Tochter M. Taglioni in St. Petersburg das Ballett La Sylphide. 1842 trat E. I. Andreyanova erfolgreich im Ballett „Giselle“ auf, inszeniert von J. Coralli und J. Perrot. In den Jahren 1848-1859 wurde das St. Petersburger Ballett von J. Perrault geleitet, der die Ballette „Esmeralda“, „Catarina“ und „Faust“ von Pugni inszenierte. Im Jahr 1859 wurde das Ballett vom Choreografen A. Saint-Leon geleitet, der die Ballette „Das kleine bucklige Pferd“ (1864) und „ Goldfisch"(1867). Nachfolger von Perrault und Saint-Leon wurde Marius Petipa (ab 1847 Ballettsolist, dann Choreograf und von 1869 bis 1903 Chefchoreograf des Theaters).

Während seines Aufenthalts in Russland inszenierte Marius Petipa Ballette auf der kaiserlichen Bühne: „Die Tochter des Pharaos“ zur Musik von Caesar Pugni, 1862; „König Kandaules“ von Caesar Pugni, 1868; „Don Quijote“ von L. F. Minkus, 1869; „Zwei Sterne“ von Caesar Pugni, 1871; „La Bayadère“ von L. F. Minkus, 1877; „Die Dornröschen von P. I. Tschaikowsky, herausgegeben von Drigo (1890-1895), Akt I und III, in Zusammenarbeit mit Lew Iwanow (Iwanows Text – 2. Szene des ersten Akts, venezianische und ungarische Tänze im zweiten Akt, dritter Akt , mit Ausnahme der Apotheose); Schwanensee"(zusammen mit L.I. Ivanov, 1895); „Raymonda“ zur Musik von A.K. Glasunow, 1898; „Corsair“ zur Musik von Adam, Pugni, Drigo, Delibes, Peter von Oldenburg, Minkus und Trubetskoy, 1898; „Paquita“ von Deldevez, 1899; „Die Prozesse gegen Damis“ von A.K. Glasunow, 1900; „Jahreszeiten“ (Vier Jahreszeiten) von A.K. Glasunow, 1900; „Harlequinade“ (Millionen Harlekin) Drigo, 1900; „Mr. Dupre’s Disciples“, 1900; " magischer Spiegel» Koreschtschenko, 1904; „Romance of a Rosebud“, Drigo (Premiere fand nicht statt).

Die Ballette von Marius Petipa erforderten eine hohe Professionalität der Truppe, die dank der pädagogischen Talente von Christian Johanson und Enrico Cecchetti erreicht wurde. Die folgenden Künstler traten in den Balletten von Petipa und Ivanov auf: M. Surovshchikova-Petipa, Ekaterina Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, Maria Petipa, P. A. Gerdt, P. K. Karsavin, N. G. Legat, I. F. Kshesinsky, K. M. Kulichevskaya, A. V. Shiryaev .

20. Jahrhundert

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren die Hüter der akademischen Traditionen Künstler: Olga Preobrazhenskaya (1871-1962), Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina Vaganova, L. N. Egorova, N. G. Legat, S. K. Andrianov, Maria Kozhukhova (1897-1959), Olga Spesivtseva (1895-1991) (5. (18) Juli 1895 - 16. September 1991)

Auf der Suche nach neuen Formen setzte Mikhail Fokin auf Moderne Kunst. Die beliebteste Bühnenform des Choreografen war Ballett in einem Akt mit lakonischer Dauerhandlung, mit klar definierter stilistischer Farbgebung.

Mikhail Fokin besitzt die folgenden Ballette: Armidas Pavillon, 1907; „Chopiniana“, 1908; „Ägyptische Nächte“, 1908; „Karneval“, 1910; „Petruschka“, 1911; „Polovtsian Dances“ in der Oper „Prince Igor“, 1909. Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky und Anna Pavlova wurden in Fokines Balletten berühmt.

Der erste Akt des Balletts „Don Quijote“ zur Musik von Ludwig Minkus (basierend auf dem Ballett von M. Petipa) erreichte die Zeitgenossen in der Ausgabe von Alexander Gorsky aus dem Jahr 1900.

Später, im Jahr 1963, wurde „Das kleine bucklige Pferd“ inszeniert (von Alexander Gorsky, wiederbelebt von Mikhailov, Baltacheev und Bruskin).

Seit 1924 inszenierte Fjodor Lopukhov Theaterstücke im Theater, dessen erste Produktion das Stück „Nacht auf dem kahlen Berg“ (Musik – Modest Mussorgsky) war; dann 1927 – „The Ice Maiden“; 1929 – „Roter Mohn“, zusammen mit Ponomarev und Leontyev; 1931 – „Bolt“, Musik – Dmitri Schostakowitsch, 1944 – „Vain Precaution“ zur Musik von G. Hertel (Leningrad Maly Opernhaus bei der Evakuierung in Orenburg und im Leningrader Opern- und Balletttheater. S. M. Kirov); 1947 - " Frühlingsmärchen" Musik B. Asafieva (von Musikalische Materialien Tschaikowsky) (Leningrader Opern- und Balletttheater, benannt nach S. M. Kirov)

In den ersten Jahren nach der Oktoberrevolution 1917 stand das Theater vor der Aufgabe, sein Erbe zu bewahren. Führende Künstler arbeiteten am Theater: E. Ville, E. P. Gerdt, Pjotr ​​​​Gusev, A. V. Lopukhov, E. M. Lyuk, O. P. Mungalova, V. I. Ponomarev, V. A. Semenov, B. V. Shavrov.

• 1930 inszenierten die Choreografen Wassili Wainonen, Leonid Jakobson und V.P. Tschesnokow das Ballett „Das Goldene Zeitalter“ zur Musik von Dmitri Schostakowitsch.

• Von 1932 bis 1942 wurden folgende Ballette aufgeführt: „Die Flammen von Paris“, Choreograf Vasily Vainonen, 1932; „Der Bachtschissarai-Brunnen“, Choreograf Rostislav Zakharov, 1934; 1939 - „Laurencia“, Choreograf Vakhtang Chabukiani.

1940 inszenierte der Choreograf Leonid Lawrowsky das Ballett Romeo und Julia. Diese Aufführung wurde später 1975 von Semyon Kaplan wieder aufgenommen.

Während des Großen Vaterländischen Krieges blieben Künstler in belagerte Leningrad Unter der Führung von O.G. Jordan gingen sie an die Front und traten in Fabriken und Krankenhäusern auf. Die Hauptmannschaft wurde nach Perm evakuiert, wo 1942 das Stück „Gayane“ von der Choreografin Nina Anisimova inszeniert wurde

Die Solisten des Balletttheaters der Zeit von 1920 bis 1940 waren Schüler von A. Ya. Vaganova, M. F. Romanova, E. P. Snetkova-Vecheslova und A. V. Shiryaeva: Nina Anisimova, Fairy Balabina, Tatyana Vecheslova, Natalya Dudinskaya, A. N. Ermolaev, N. A. Zubkovsky, O. G. Jordan, Marina Semyonova, Konstantin Sergeev, Galina Ulanova, Vakhtang Chabukiani und Alla Shelest, Tatyana Vecheslova.

Im Jahr 1941, nach ihrem Abschluss an der Moskauer Choreografischen Schule in der Klasse der St. Petersburger Lehrerin Maria Kozhukhova, betrat Inna Zubkovskaya das Theater.

IN die Nachkriegszeit Repertoire des Balletts des Kirov-Theaters, neue Produktionen erschienen, in denen tanzten: I. D. Belsky, B. Ya. Bregvadze, Inna Zubkovskaya, Ninel Kurgapkina, Askold Makarov, Olga Moiseeva, N. A. Petrova, V. D. Ukhov, K V. Shatilov N. B. Yastrebova.

IN aktuelle Ausgaben A. Ya. Vaganova der 50er Jahre, zwei Namen tauchten auf und glänzten: Irina Kolpakova und Alla Osipenko, ab der Saison 1957 trat V. S. Kostrovitskayas Schülerin Gabriela Komleva im Theater auf, 1958 trat N. A. Kamkovas Schülerin Alla Sizova im Theater auf E. V. Shiripina veröffentlichte die Zukunft Weltstar Natalia Makarova, 1963 trat Natalya Bolshakova, eine Schülerin von L. M. Tyuntina, im Theater auf, 1966 eine Schülerin derselben Lehrerin Elena Evteeva, 1970 trat Galina Mezentseva, eine Schülerin von N. V. Belikova, im Theater auf, und auch 1970-1972 gg. eine Absolventin derselben Lehrerin, Lyudmila Semenyaka, tanzte seit 1958 im Theater; Schüler von Alexander Puschkin, Rudolf Nuriev, und seit 1958 arbeitete Mikhail Baryshnikov im Kirov-Ballett; ).

In den 80er Jahren kam die nächste Generation ins Theater, darunter die neuen Stars Altynai Asylmuratova, Farukh Ruzimatov, Elena Pankova, Zhanna Ayupova, Larisa Lezhnina und Anna Polikarpova.

21. Jahrhundert

Im neuen Jahrtausend gehören zur Balletttruppe des Theaters: Ulyana Lopatkina, Diana Vishneva, Yulia Makhalina, Alina Somova und Victoria Tereshkina.

Balletttänzer

Seit 2016 besteht der Kern des Balletts des Mariinsky-Theaters aus folgenden Künstlern:

Ballerinas und Premieren

• Ekaterina Kondaurova
• Uljana Lopatkina
• Julia Makhalina
• Daria Pawlenko
• Oksana Skorik
• Alina Somova
• Victoria Tereschkina
• Diana Vishneva
• Timur Askerov
• Jewgenij Iwantschenko
• Kimin Kim
• Igor Kolb
• Wladimir Shklyarov
• Danila Korsuntsev
• Denis Matvienko (Gastsolist)

Erste Solisten

Zweite Solisten

Charaktertanzsolisten

Koryphäen

„Die Tochter des Pharaos“, 1898

Eine der Aufführungen, 2005

„Schwanensee“, 2004

„La Bayadère“, 2011

siehe auch

• Geschichte der St. Petersburger Ballettschule

Anmerkungen

1. Solisten des Balletts des Mariinsky-Theaters. Mariinski-Opernhaus. Abgerufen am 17. August 2016.

Links

• Ballettsolisten – auf der Website des Mariinsky-Theaters

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Informationen zum Mariinsky-Theater-Ballett

Veröffentlichungen in der Rubrik Theater

Moderne russische Ballerinas. Top 5

Zu den vorgeschlagenen fünf führenden Ballerinas gehören Künstler, die ihre Karriere in den wichtigsten Musiktheatern unseres Landes – dem Mariinski- und dem Bolschoi-Theater – in den 90er Jahren begannen, als sich die Situation in der Politik und dann in der Kultur rasch veränderte. Balletttheater wurde aufgrund der Erweiterung des Repertoires, der Ankunft neuer Choreografen, der Entstehung zusätzlicher Möglichkeiten im Westen offener und gleichzeitig anspruchsvoller an die darstellerischen Fähigkeiten.

Das Auswahlliste Die Stars der neuen Generation werden von Ulyana Lopatkina entdeckt, die 1991 ans Mariinsky-Theater kam und ihre Karriere nun fast beendet. Am Ende der Liste steht Victoria Tereshkina, die ebenfalls in der Ära der Perestroika in der Ballettkunst zu arbeiten begann. Und direkt hinter ihr kommt die nächste Generation von Tänzern, für die das sowjetische Erbe nur eine von vielen Richtungen ist. Das sind Ekaterina Kondaurova, Ekaterina Krysanova, Olesya Novikova, Natalya Osipova, Oksana Kardash, aber mehr über sie ein anderes Mal.

Uljana Lopatkina

Heutige Medien bezeichnen Natalia Dudinskayas Schülerin Ulyana Lopatkina (geb. 1973) als „Stilikone“ des russischen Balletts. In dieser eingängigen Definition steckt ein Körnchen Wahrheit. Sie ist die ideale Odette-Odile, die wahre „zweigesichtige“ Heldin von „Schwanensee“ in der kalt verfeinerten sowjetischen Version von Konstantin Sergeev, der es auch gelang, in Mikhail Fokines dekadenter Miniatur ein weiteres Schwanenbild zu entwickeln und überzeugend auf der Bühne zu verkörpern. Der sterbende Schwan“ von Camille Saint-Saëns. Anhand dieser beiden auf Video aufgezeichneten Werke wird Lopatkina auf der Straße von Tausenden von Fans auf der ganzen Welt erkannt, und Hunderte junger Ballettschüler versuchen, das Handwerk zu beherrschen und das Geheimnis der Transformation zu lüften. Der raffinierte und sinnliche Schwan ist Ulyana, und selbst wenn die neue Generation von Tänzern die brillante Galaxie der Ballerinas der 1990er bis 2000er Jahre in den Schatten stellt, wird Odetta-Lopatkina noch lange betören. Unerreichbar, technisch präzise und ausdrucksstark war sie auch in „Raymond“ von Alexander Glasunow, „Die Legende der Liebe“ von Arif Melikov. Ohne ihren Beitrag zu den Balletten von George Balanchine, dessen amerikanisches Erbe, durchdrungen von der Kultur des russischen Kaiserballetts, vom Mariinsky-Theater gemeistert wurde, wäre sie nicht als „Stilikone“ bezeichnet worden, als Lopatkina auf dem Höhepunkt ihrer Karriere war Karriere (1999–2010). Ihr beste Rollen, nämlich Rollen und nicht Rollen, da Lopatkina weiß, wie man handlungslose Kompositionen dramatisch füllt Solowerke in „Diamanten“, „ Klavierkonzert Nr. 2“, „Thema und Variationen“ zur Musik von Pjotr ​​​​Tschaikowsky, „Walzer“ von Maurice Ravel. Die Ballerina beteiligte sich an allen Avantgarde-Projekten des Theaters und infolge der Zusammenarbeit mit moderne Choreografen wird vielen einen Vorsprung verschaffen.

Ulyana Lopatkina in der choreografischen Miniatur „Der sterbende Schwan“

Dokumentarfilm„Ulyana Lopatkina oder Tanzen an Wochentagen und Feiertagen“

Diana Vishneva

Von Geburt an Zweite, nur drei Jahre jünger als Lopatkina, Schülerin der legendären Lyudmila Kovaleva Diana Vishneva (Jahrgang 1976), in Wirklichkeit wurde sie nie Zweite, sondern nur Erste. So kam es, dass Lopatkina, Vishneva und Zakharova, drei Jahre voneinander getrennt, Seite an Seite im Mariinsky-Theater spazierten, voller gesunder Rivalität und gleichzeitig Bewunderung für die enormen, aber völlig unterschiedlichen Fähigkeiten des anderen. Während Lopatkina als träger, anmutiger Schwan regierte und Zakharova ein neues – urbanes – Bild der romantischen Giselle formte, übernahm Wischnewa die Funktion der Windgöttin. Da sie die Akademie des Russischen Balletts noch nicht abgeschlossen hatte, tanzte sie bereits auf der Bühne des Mariinsky Kitri - Hauptfigur in Don Quijote zeigte sie einige Monate später ihre Leistungen in Moskau auf der Bühne des Bolschoi-Theaters. Und im Alter von 20 Jahren wurde sie Primaballerina des Mariinsky-Theaters, obwohl viele mit der Beförderung in diesen Status warten müssen, bis sie 30 oder älter sind. Mit 18 Jahren (!) probierte Vishneva die Rolle der Carmen in einer von Igor Belsky speziell für sie komponierten Nummer. In den späten 90er Jahren galt Vishneva zu Recht als die beste Julia in der kanonischen Version von Leonid Lawrowski, und sie wurde auch die anmutigste Manon Lescaut im gleichnamigen Ballett von Kenneth MacMillan. Seit Anfang der 2000er Jahre trat sie parallel zu St. Petersburg, wo sie an vielen Produktionen von Choreografen wie George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsyth, Alexei Ratmansky und Angelen Preljocaj teilnahm, im Ausland als Gast-Etoile („Ballettstar“) auf. ). Jetzt arbeitet Vishneva häufiger an ihren eigenen Projekten und bestellt Ballette für sich berühmte Choreografen(John Neumeier, Alexei Ratmansky, Caroline Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rhoden, Jean-Christophe Maillot). Die Ballerina tanzt regelmäßig in Premieren Moskauer Theatern. Vishneva hatte großen Erfolg im von Mats Ek choreografierten Ballett „The Apartment“ (2013) des Bolschoi-Theaters und 2014 in John Neumeiers Stück „Tatyana“ nach „Eugen Onegin“ von Alexander Puschkin am Moskauer Musiktheater Stanislawski und Nemirowitsch-Dantschenko. 2013 wurde sie eine der Organisatoren des November-Festivals für zeitgenössischen Tanz Context, das seit 2016 nicht nur in Moskau, sondern auch in St. Petersburg stattfindet.

Dokumentarfilm „Immer in Bewegung. Diana Wischnewa“

Swetlana Sacharowa

Svetlana Zakharova (geb. 1979), die jüngste der drei berühmten Mädels der A. Vaganova-Akademie aus den 90er Jahren, holte sofort zu ihren Rivalen auf und übertraf sie in mancher Hinsicht, indem sie sich wie die einst großen Leningrader Ballerinas Marina Semyonova und Galina Ulanova verhielt. „to dienen“ am Moskauer Bolschoi-Theater im Jahr 2003. Sie hatte ihr Studium bei der hervorragenden ARB-Lehrerin Elena Evteeva, Erfahrung in der Zusammenarbeit mit Olga Moiseeva, dem Star des Kirov-Balletts der 70er Jahre, und eine gigantische Erfolgsbilanz hinter sich. Bei allen Auftritten der St. Petersburger Zeit stach Zakharova deutlich hervor. Ihre Stärke war einerseits die Interpretation von Heldinnen in antiken Balletten von Marius Petipa, die von Sergei Vikharev restauriert wurden, und andererseits die Interpretation von Solisten in avantgardistischen Produktionen führender Choreografen. Nach natürlichen Daten und „ technische Spezifikationen„Zakharova übertraf nicht nur ihre Kollegen am Mariinsky-Theater und dann am Bolschoi-Theater, sie schloss sich auch der Kohorte der gefragtesten Ballerinas der Welt an, die überall als Gast tanzen. Und die wichtigste Ballettkompanie Italiens – das La Scala Ballet – bot ihr 2008 einen unbefristeten Vertrag an. Zakharova gab irgendwann zu, dass sie „Schwanensee“, „La Bayadère“ und „Dornröschen“ in allen möglichen Bühnenversionen von Hamburg bis Paris und Mailand getanzt habe. Kurz nachdem Sacharowa nach Moskau gezogen war, inszenierte John Neumeier im Bolschoi-Theater sein Programmballett „Dream in“. Sommernacht“, und die Ballerina glänzte darin in der Doppelrolle der Hippolyta-Titania gepaart mit Nikolai Tsiskaridzes Oberon. Außerdem wirkte sie an der Inszenierung „Dame mit Kamelien“ von Neumeier am Bolschoi mit. Zakharova arbeitet erfolgreich mit Yuri Posokhov zusammen – sie tanzte 2006 die Premiere seines „Aschenputtels“ am Bolschoi-Theater und 2015 sang sie die Rolle der Prinzessin Maria in „Ein Held unserer Zeit“.

Dokumentarfilm „Primallerina des Bolschoi-Theaters Swetlana Sacharowa. Offenbarung"

Maria Alexandrova

Zur gleichen Zeit, als die Triade der St. Petersburger Tänzer Nordpalmyra eroberte, ging in Moskau der Stern von Maria Alexandrova (geb. 1978) auf. Ihre Karriere entwickelte sich mit einer leichten Verzögerung: Als sie zum Theater kam, hatten die Ballerinas der vorherigen Generation – Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko – ihre Tanzzeit beendet. In den Balletten mit ihrer Beteiligung spielte Alexandrova – aufgeweckt, temperamentvoll, sogar exotisch – die Nebenrollen, aber sie war es, die alle experimentellen Premieren des Theaters erhielt. Gar nicht junge Ballerina Kritiker sahen Alexei Ratmanskys Ballett „Dreams of Japan“, bald interpretierte sie Katharina II. in Boris Eifmans Ballett „Russian Hamlet“ und anderen und debütierte in den Hauptrollen von Balletten wie „Schwanensee“, „Dornröschen“, „Raymonda“. „, „Die Legende der Liebe“, wartete sie jahrelang geduldig.

Das Jahr 2003 wurde schicksalhaft, als der Choreograf Alexandrova als Julia auswählte neue Welle Radu Poklitaru. Es war eine wichtige Leistung, die den Weg ebnete neue Choreografie(ohne Spitzenschuhe, ohne klassische Positionen) im Bolschoi-Theater, und Alexandrova hielt das revolutionäre Banner. 2014 wiederholte sie ihren Erfolg in einem weiteren Shakespeare-Ballett – „Der Widerspenstigen Zähmung“, choreografiert von Mayo. Im Jahr 2015 begann Alexandrova mit dem Choreografen Vyacheslav Samodurov zusammenzuarbeiten. Er inszenierte in Jekaterinburg ein Ballett über das Theater hinter den Kulissen – „Curtain“ und wählte sie im Sommer 2016 für die Rolle der Ondine im gleichnamigen Ballett am Bolschoi-Theater aus. Der Ballerina gelang es, die erzwungene Wartezeit zu nutzen, um die dramatische Seite der Rolle zu verfeinern. Die geheime Quelle ihrer kreativen Energie, die auf die Schauspielerei abzielt, versiegt nicht und Alexandrova ist immer in Alarmbereitschaft.

Dokumentarfilm „Monologe über mich. Maria Alexandrova“

Victoria Tereschkina

Wie Alexandrova am Bolschoi stand Victoria Tereshkina (geb. 1983) im Schatten des oben genannten Ballerina-Trios. Aber sie wartete nicht darauf, dass irgendjemand in den Ruhestand ging, sondern begann, parallele Räume energisch einzufangen: Sie experimentierte mit unerfahrenen Choreografen und verlor sich nicht in den schwierigen Balletten von William Forsythe („Approximate Sonata“ zum Beispiel). Sie tat oft, was andere nicht wagten oder versuchten, kam aber nicht zurecht, aber Tereshkina schaffte und schafft absolut alles. Ihre größte Stärke war die tadellose Beherrschung der Technik, unterstützt durch Ausdauer und die Anwesenheit einer zuverlässigen Lehrerin in der Nähe – Lyubov Kunakova. Es ist merkwürdig, dass sie sich im Gegensatz zu Alexandrova auf ein echtes Drama einließ, das nur in möglich ist Ballettbühne, Tereshkina „konzentrierte“ sich auf die Verbesserung der Technologie und erhob die triumphale Handlungslosigkeit zum Kult. Ihre Lieblingshandlung, die sie immer auf der Bühne spielt, erwächst aus einem Sinn für Form.

Dokumentarfilm „The Royal Box. Victoria Tereschkina“

Die Tournee der Balletttruppe des Mariinsky-Theaters in New York ist beendet. Der Haupteindruck dieser Touren: Best-Case-Szenario– Valery Gergiev versteht die Kunst des Balletts nicht; im schlimmsten Fall mag er diese Kunst nicht.

Schauen wir uns die Fakten an.

BAM – Brooklyn Academy of Music ist eine davon Theaterzentren New York. Auf der BAM-Bühne treten ständig moderne Theatertänzer auf, Schauspieltheater, aber keine großen Truppen, die klassische Ballette tanzen.

Die Bühne bei BAM ist lang und schmal. Es war unmöglich, das Corps de Ballet der Schwäne auf diesem „Laufband“ unterzubringen, und die Anzahl der Corps de Ballet-Tänzer wurde reduziert. Der Rest war immer noch in diesem Raum zusammengepfercht, so dass sie sich in Rudeln fast berührten und manchmal eine Art „Durcheinander“ in dem engen Raum bildeten. Das beste Corps de Ballet der Welt wurde unter solchen Bedingungen untergebracht! Was für ein „Atmen“ gibt es, was für eine Magie gibt es, wenn es nirgendwo zum Tanzen gibt?! Und im Allgemeinen wirkten alle Szenen des Stücks eingeklemmt zwischen Kulisse und Rampe.

Als Ulyana Lopatkina in der Rolle der Odile im hinteren Teil der Bühne 32 Fouettés buchstäblich auf einer Stelle brillierte, war nicht nur ich, wie ich erfuhr, besorgt: Würde sie der Souveränen Prinzessin, die hinter ihr saß, mit ihrer Socke ins Gesicht schlagen?

Das Theater brachte kein eigenes Linoleum mit und der Boden auf der BAM-Bühne ist rutschig. Die Tänzer stürzten (einer der Solisten wurde schwer verletzt). Ich spreche nicht einmal von so „kleinen Dingen“ wie flachen Flügeln. Oder der Platzmangel hinter der Kulisse, der dazu führte, dass die Darsteller bei Bedarf für die Aufführung unter die Bühne laufen mussten, um die Bühne von der anderen Seite zu betreten. Wie war es möglich, eine Truppe ins Theater zu bringen, ohne vorher zu prüfen, ob die Bühne für eine Ballettaufführung geeignet war?!

Es gibt keinen Ballettdirigenten im Theater, was sich tragischerweise auf die Ballettaufführung der Tänzer auswirkt. Weder Gergiev noch die anderen Dirigenten stimmten ihr Tempo mit der Choreografie ab.

Ein Ballettdirigent ist ein eigenständiger Beruf, und solche Dirigenten gab es schon immer am Mariinsky-Theater (Kirow). Der brillanteste Orchesterdirigent der Welt muss diesen Beruf nicht unbedingt ausüben. Wie die brillanteste Ballerina nicht unbedingt eine gute Nachhilfelehrerin sein muss.

Wenn der Tänzer keine Zeit hat, die Pose zu fixieren und uns ihre Schönheit genießen zu lassen, oder wenn der Darsteller die Pirouetten nicht sauber beenden kann, weil der Dirigent das Tempo „angetrieben“ hat, ist es dem Betrachter gleichgültig, wie die Geigen in diesem Moment spielen. Deine Kunst in volle Macht Ein Dirigent kann dies beweisen, wenn er mit einem Orchester in der Philharmonie oder der Carnegie Hall auftritt. Ja, Balanchine hielt an einem anderen Prinzip fest, aber er war gleichzeitig Musiker und Choreograf, und er verstand, dass Künstler in diesem Tempo tanzen konnten und was nicht, und er schuf eine völlig andere Ballettaufführung.

Und auf jeden Fall sollte das Ballett des Mariinsky-Theaters nicht so tanzen wie andere, die besten Balletttruppen der Welt. Das Ballett des Mariinsky-Theaters hat seine eigenen historischen Besonderheiten, die nicht vernachlässigt werden sollten. Im Mariinsky-Theater im Performance-Stil klassisches Ballett beinhaltet den obligatorischen Schönheitsbegriff als integralen Bestandteil der Aufführung. Das Unterscheidungsmerkmal Russisches Ballett im Allgemeinen. Und der Ballettdirigent muss das verstehen und den Tänzern die Möglichkeit geben, diese Schönheit auf der Bühne zu verkörpern.

Vor 100 Jahren war das Tempo vielleicht anders, aber in dieser Zeit haben sich der Stil und die Technik so sehr verändert, dass diese Umstände nicht ignoriert werden können.

Darüber hinaus jeder Balletttänzer hat sein eigenes individuelle Eingenschaften. Für einige erfolgreiche Ausführung Fouetté braucht ein beschleunigtes Tempo, manche brauchen ein langsameres Tempo, und der Ballettdirigent hat die Tempi immer mit den Solisten abgeglichen.

Das alles ist keine Laune des Künstlers, das ist die Voraussetzung, unter der er tanzen kann der beste Weg. Zweifellos ist Musik die Grundlage des Balletts, aber in Ballettaufführung Tanz dominiert. Daher besteht das Hauptziel des Theaters darin, die Aufführung in ihrem eigenen Stil zu zeigen beste Qualität. Und diese Qualität hängt nicht nur vom Können der Künstler ab, sondern auch davon, ob der Dirigent die Kunst des Balletts versteht.

Gergiev dachte nicht an die Leistung, was zeitweise die Qualität der Leistung beeinträchtigte.

Programm zur Aufführung. Es wäre interessant zu wissen, wer es zusammengestellt hat. Auf dem Programm steht Valery Gergiev, Direktor des Mariinsky-Theaters. Aber Yuri Fadeev ist nicht angegeben... Ja, seine Position in Russland ist vage angegeben: handelnd. Tatsächlich ist Fadeev jedoch der Direktor der Balletttruppe. Fadeevs Name steht nicht in der Rubrik „Who is Who“, in der Informationen gegeben werden – auch nicht über alle Theatersolisten. Aber das Programm enthielt ein Blatt Papier, auf dem alle Solomusiker des Orchesters aufgeführt waren ... Wer hat diese Informationen mit einer solchen Verachtung für das Ballett auf das Programm gesetzt?

Und – der Schlussakkord. Das letzte Programm besteht aus Balletten zur Musik von Chopin. Der Abend begann mit Chopiniana. Das Ballett wurde von Michail Fokin inszeniert und von A. Glasunow orchestriert Klaviermusik Chopin. Aber auf einer Tournee in Amerika wurde das Ballett zum Klavier getanzt (wie sie mir erklärten, gingen Gergiev und das Orchester für eine zweitägige Tournee nach En Arbor).

Unter solchen Bedingungen gibt es keine Beschwerden über die Tänzer, aber wir waren bei einem Gönnerkonzert des Theaters in der Fabrik dabei. Ich muss sagen, dass auch amerikanische Kritiker die gleichen Mängel festgestellt haben, die ich festgestellt habe. Unter solchen Bedingungen, unter denen das Ballett auf Tournee aufgeführt wurde, habe ich kein Recht, den Zustand und die Qualität der Truppe zu beurteilen dieser Moment. Obwohl einige Premierminister die Schwierigkeiten erfolgreich gemeistert haben.

Natürlich tanzte Ulyana Lopatkina Odette-Odile mit dem Talent und Können, das von ihr erwartet wurde. Ich möchte aber noch zwei weitere schauspielerische Erfolge hervorheben.

Diana Vishneva in Alexei Ratmanskys Ballett Cinderella. Warum haben Sie sich für dieses entschieden? bestes Ballett Ratmansky für die Tour – ich weiß es nicht (ich glaube, der Choreograf ist mit dieser Wahl auch nicht zufrieden). Aber Vishneva hat dieses Ballett auf eine andere Ebene gebracht. Sie erschien in dieser Aufführung als Wesen von einem anderen Planeten, mit einer anderen Weltanschauung und Einstellung.

Und wir sollten auch Ekaterina Kondaurova im zweiten Duett in Jerome Robbins‘ Ballett „In the Night“ erwähnen. Es war eine brillante, talentierte Leistung, eine Art Meisterwerk. Und Evgeny Ivanchenko war nicht nur Partner – die Geschichte ihrer Beziehung wurde in ihrem Duett „gelesen“.

Aber lassen Sie mich auf den Gesamteindruck der Tour zurückkommen. Warum wurde die Tournee der Balletttruppe mit einer Aufführung von... einer Oper eröffnet?... Eine kleine Bemerkung, die aber ins Gesamtbild passt...

In den letzten Monaten drei Russen Balletttruppen kam nach New York. Bolschoi-Ballett Michailowski-Theater tanzte im Lincoln Center und war von Anfang an dabei beste Seiten. Ein Ballett des Mariinsky-Theaters wurde unter ungünstigen Bedingungen untergebracht. Und wenn Gergiev zum alleinigen Anführer der Tour ernannt wird, sollte er für sie verantwortlich sein.

Aber hier ist die Frage, die mich beunruhigt. Ich bin nicht der Einzige, der die Mängel sieht. Warum schweigen alle? Bin ich der Einzige, der diese Truppe weiterhin so sehr liebt, dass ich der Einzige bin, der über die respektlose Haltung ihr gegenüber beleidigt ist?

Welches russische Mädchen hat nicht mindestens einmal in ihrem Leben vom Ballett geträumt? Man kann es unser nennen nationale Kunst. Wir lieben Ballett und kennen fast alle Haupttänzer des Bolschoi- und Mariinsky-Theaters mit Namen.

In Vorfreude Internationaler Tag Ballett – dieses Jahr wird es zum dritten Mal gefeiert – laden wir Sie ein, die Besten der Besten zu bewundern, die Göttinnen des russischen Balletts: Svetlana Zakharova, Diana Vishneva und Ulyana Lopatkina.

Die Verkörperung von Anmut und Eleganz

Und auch ein eiserner Wille und ein unbeugsamer Geist. Das Prima des Bolschoi-Theaters und der Mailänder Scala—Swetlana Sacharowa. Im Alter von 17 Jahren debütierte sie am Mariinski-Theater, und seit zwanzig Jahren gab es in ihrer Karriere keinen einzigen Misserfolg. Sie führt erfolgreich klassischen und modernen Tanz auf.

„Ich habe bereits alle erdenklichen Rollen in den unterschiedlichsten Editionen getanzt. Beispielsweise wurde „Schwanensee“ in mehr als zehn Versionen auf verschiedenen Bühnen der Welt aufgeführt. Ich möchte experimentieren, die Fähigkeiten meines Körpers in etwas anderem testen. Moderner Tanz ist eine Bewegung, die Freiheit gibt. „Klassiker haben Grenzen und Regeln, die nicht überschritten werden können.“— teilte Svetlana in einem Interview mit.

Was gefällt Zakharova am meisten an ihrem Beruf? Nach Angaben der Ballerina bereitete sie sich glücklich auf den Auftritt vor. Anproben, Proben. Zu dieser Zeit schläft sie manchmal nachts nicht – Musik spielt in ihrem Kopf.

Die Premiere selbst bereitet nicht mehr so ​​viel Freude. Es wird sogar ein wenig traurig, denn das, worauf ich mich vorbereitet habe, ist bereits passiert.

Svetlana hält sich übrigens nicht für einen Star. „Ich bin einfach jemand, der jeden Tag pflügt“- Sie sagt.

Raffiniert und gleichzeitig schnell

Prima des Mariinsky Theaters und des American Ballet Theatre Diana Vishneva feierte dieses Jahr sein vierzigjähriges Jubiläum. Aber früher war die Karriere der Ballerinas ärgerlicherweise von kurzer Dauer. Diana begeistert die Fans nicht nur immer wieder mit Premieren, sondern fungiert auch als Organisatorin internationales Festival Kontext.

Sie spielt sowohl Klassiker als auch moderner Tanz. In einem Interview gab Vishneva zu, dass die Kombination verschiedener Richtungen in der Choreografie dem Erlernen einer anderen Sprache gleicht. Letztes Jahr drehte Diana sogar einen Film mit dem Titel „Language“ – über die Sprache ihrer eigenen Plastizität.

Vishneva spricht vor allem von sich selbst als einer hartnäckigen Person. Sie ist sich sicher: Ohne Ausdauer und Entschlossenheit macht es keinen Sinn, über Ballett nachzudenken. „Wie viele Opfer müssen jeden Tag gebracht werden! Sie müssen Ihren Körper und Geist zähmen. Körperlich anstrengende Arbeit - erforderliche Bedingung wenn du etwas erreichen willst. „Harte Arbeit“ ist keine Übertreibung. Sie müssen in der Lage sein zu fliegen, zu schweben, Schönheit und Liebe zu vermitteln … Kunst erfordert von Ihnen große emotionale, moralische und körperliche Stärke.“

Unglaublich künstlerisch

Zärtlich und gleichzeitig gewagt... Primaballerina des Mariinsky-Theaters, Volkskünstler Russland Uljana Lopatkina wird im Oktober seinen 43. Geburtstag feiern. Sie ist auf der ganzen Welt bekannt, spricht aber nicht gern über sich. Ulyana ist sehr praktisch veranlagt und zieht Taten den Worten vor.

„Das ist nicht Hollywood, im Ballett ist alles näher an der Sache. Im Ballett wird alles durch Arbeit bewiesen. Die Arbeit ist sehr hart, körperlich, geistig und emotional schwierig, und es gibt etwas, das man vor Menschen respektieren muss, die im Ballett eine hohe Position einnehmen – sie rechtfertigen diesen Platz mit ihrer Arbeit.“- bemerkte Lopatkina in einem ihrer Interviews.

Uljana wird als „Ikone des russischen Balletts“ bezeichnet.

Aber der Künstler leidet überhaupt nicht Sternenfieber und glaubt, dass jeder von uns in gewisser Weise eine „Ikone“ sein kann.

Wir tragen Heiligkeit in uns. Es manifestiert sich in unterschiedlichem Ausmaß, ist aber möglicherweise jedem von uns innewohnend. Vielleicht ist das der Grund, warum Menschen, die besonders sensibel für Kunst sind, über die Ikone sprechen. So formulieren sie ein Gefühl, das sie möglicherweise während der Aufführung erlebt haben.