Im 16. Jahrhundert hat es einen langen Weg zurückgelegt und ist mittlerweile auf der ganzen Welt beliebt. Zahlreiche Ballettschulen und Theatergruppen, deren Zahl jedes Jahr steigt, sind sowohl klassisch als auch modern.

Aber wenn es Dutzende berühmter Showballette gibt, unterscheiden sie sich tatsächlich von anderen Tanzensembles also nur das Niveau des Könnens Nationaltheater Ballett mit einer jahrhundertealten Geschichte lässt sich an einer Hand abzählen.

Russisches Ballett: Bolschoi- und Mariinski-Theater

Sie und ich können stolz sein, denn das russische Ballett ist eines der besten der Welt. " Schwanensee„, „Der Nussknacker“, die berühmten Plastikballette, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in unserem Land erschienen, machten Russland zur zweiten Heimat dieser Kunst und bescherten unseren Theatern einen endlosen Strom dankbarer Zuschauer aus aller Welt.

Heutzutage konkurrieren Truppen des Bolschoi- und Mariinsky-Theaters um den Titel der Besten, deren Fähigkeiten von Tag zu Tag besser werden. Beide Truppen wählen Tänzer aus den Schülern der nach A. Ya. Vaganova benannten St. Petersburger Akademie aus, und von den ersten Tagen ihrer Ausbildung an träumen alle Schüler davon, eines Tages eine Solorolle zu spielen Hauptbühne Länder.

Französisches Ballett: Große Oper

Die Wiege des Weltballetts, dessen Haltung gegenüber Aufführungen seit drei Jahrhunderten unverändert ist und in der nur klassischer akademischer Tanz existiert und alles andere als Verbrechen gegen die Kunst angesehen wird, ist der ultimative Traum für alle Tänzer auf der Welt.

Jedes Jahr wird seine Zusammensetzung mit nur drei Tänzern ergänzt, die mehr Auswahlen, Wettbewerbe und Tests bestanden haben, als selbst Astronauten jemals träumen könnten. Eintrittskarten für die Pariser Oper sind nicht billig und nur die wohlhabendsten Kunstkenner können sie sich leisten, doch der Saal ist bei jeder Aufführung voll, denn neben den Franzosen selbst kommen auch alle Europäer hierher, die davon träumen, klassisches Ballett zu bewundern.

Vereinigte Staaten: American Ballet Theatre

Bekannt geworden durch die Veröffentlichung von Black Swan, wurde das American Ballet Theatre von einem Solisten des russischen Bolschoi-Theaters gegründet.

Das Ballett verfügt über eine eigene Schule, stellt keine externen Tänzer ein und hat einen unverwechselbaren russisch-amerikanischen Stil. Die Produktionen kombinieren klassische Themen wie den berühmten „Nussknacker“ und neue Tanzstile. Viele Ballettkenner behaupten, dass ABT die Kanons vergessen hat, aber die Popularität dieses Theaters wächst von Jahr zu Jahr.

Großbritannien: Birmingham Royal Ballet

Unter der Aufsicht der Königin selbst verfügt das London Ballet über eine geringe Anzahl an Tänzern, zeichnet sich jedoch durch eine strenge Auswahl der Teilnehmer und des Repertoires aus. Moderne Trends oder Genreabweichungen sucht man hier vergeblich. Vielleicht verlassen deshalb viele junge Stars dieses Balletts, da sie den harten Traditionen nicht standhalten können, es und beginnen, ihre eigenen Truppen zu gründen.

Es ist nicht einfach, zu einer Aufführung des Royal Ballet zu gelangen; nur die berühmtesten und reichsten Menschen der Welt erhalten diese Auszeichnung, aber alle drei Monate wird sie organisiert Wohltätigkeitsabende mit offenem Eingang.

Österreichisches Ballett: Wiener Oper

Die Geschichte der Wiener Oper reicht anderthalb Jahrhunderte zurück und die ersten Solisten der Truppe waren seit jeher russische Tänzer. Bekannt für sie Jahresbälle, die nicht nur während des Zweiten Weltkriegs stattfand, Wiener Oper ist die meistbesuchte Sehenswürdigkeit Österreichs. Die Menschen kommen hierher, um talentierte Tänzer zu bewundern und ihre Landsleute auf der Bühne zu betrachten und mit Stolz ihre Muttersprache zu sprechen.

Hier ist es sehr einfach, Karten zu bekommen: Dank des riesigen Saals und der Abwesenheit von Wiederverkäufern ist dies am Tag des Balletts möglich, mit Ausnahme der Premieren- und Saisoneröffnungstage.

Wenn Sie also klassisches Ballett von den talentiertesten Tänzern sehen möchten, gehen Sie in eines dieser Theater und genießen Sie die alte Kunst.

Veröffentlichungen in der Rubrik Theater

Berühmte russische Ballette. Top 5

Klassisches Ballett - Atemberaubender Ausblick Kunst, die während der reifen Renaissance in Italien entstand, „zog“ nach Frankreich, wo König Ludwig XIV. das Verdienst für seine Entwicklung, einschließlich der Gründung der Tanzakademie und der Kodifizierung vieler Bewegungen, hatte. Frankreich exportierte die Kunst des Theatertanzes in alle europäischen Länder, darunter auch nach Russland. Mitte des 19. Jahrhunderts war nicht mehr Paris, das der Welt die Meisterwerke der Romantik La Sylphide und Giselle bescherte, die Hauptstadt des europäischen Balletts, sondern St. Petersburg. Genau bei Nördliche Hauptstadt Fast 60 Jahre lang arbeitete der große Choreograf Marius Petipa, der Schöpfer des klassischen Tanzsystems und Autor von Meisterwerken, die die Bühne immer noch nicht verlassen. Nach Oktoberrevolution Sie wollten „das Ballett vom Schiff der Moderne werfen“, aber es gelang ihnen, es zu verteidigen. Sowjetzeit war geprägt von der Entstehung einer beträchtlichen Anzahl von Meisterwerken. Wir präsentieren fünf russische Spitzenballette – in chronologischer Reihenfolge.

„Don Quijote“

Szene aus dem Ballett Don Quijote. Eine der ersten Produktionen von Marius Petipa

Uraufführung des Balletts von L.F. Minkus „Don Quijote“ im Bolschoi-Theater. 1869 Aus dem Album des Architekten Albert Kavos

Szenen aus dem Ballett Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (Mitte). Inszeniert von A.A. Gorski. Moskau, Bolschoi-Theater. 1900

Musik von L. Minkus, Libretto von M. Petipa. Uraufführung: Moskau, Bolschoi-Theater, 1869, Choreografie von M. Petipa. Nachfolgende Produktionen: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1871, Choreographie von M. Petipa; Moskau, Bolschoi-Theater, 1900, St. Petersburg, Mariinski-Theater, 1902, Moskau, Bolschoi-Theater, 1906, alle – Choreografie von A. Gorsky.

Das Don Quijote-Ballett ist eine Theateraufführung voller Leben und Freude, ein ewiges Fest des Tanzes, das Erwachsene nie ermüdet und zu dem Eltern ihre Kinder gerne mitnehmen. Obwohl es nach dem Helden des berühmten Romans von Cervantes benannt ist, basiert es auf einer seiner Episoden, „Die Hochzeit von Quiteria und Basilio“, und erzählt von den Abenteuern junger Helden, deren Liebe trotz des Widerstands letztendlich siegt der hartnäckige Vater der Heldin, der sie mit dem reichen Gamache verheiraten wollte.

Don Quijote hat also fast nichts damit zu tun. Während der gesamten Aufführung läuft ein großer, dünner Künstler in Begleitung eines kleinen, dickbäuchigen Kollegen, der Sancho Panza darstellt, über die Bühne, was es manchmal schwierig macht, die wunderschönen Tänze von Petipa und Gorsky zu sehen. Ballett ist im Wesentlichen ein Konzert in Kostümen, eine Feier des klassischen Tanzes und des Charaktertanzes, bei dem alle Tänzer einer Ballettkompanie einen Job haben.

Die Uraufführung des Balletts fand in Moskau statt, wo Petipa von Zeit zu Zeit zu Besuch war, um das Niveau der örtlichen Truppe zu erhöhen, die mit der brillanten Truppe des Mariinsky-Theaters nicht zu vergleichen war. Aber in Moskau konnte man freier atmen, und so inszenierte der Choreograf im Wesentlichen eine Ballett-Erinnerung an die wunderbaren Jugendjahre, die er in einem sonnigen Land verbrachte.

Das Ballett war ein Erfolg und zwei Jahre später verlegte Petipa es nach St. Petersburg, was Änderungen erforderlich machte. Dort charakteristische Tänze interessierten sich deutlich weniger als für reine Klassiker. Petipa erweiterte „Don Quijote“ auf fünf Akte, komponierte den „weißen Akt“, den sogenannten „Don Quijote-Traum“, ein wahres Paradies für Liebhaber von Ballerinas im Tutu und Besitzer hübscher Beine. Die Zahl der Amoretten im „Traum“ erreichte 52...

Zu uns kam „Don Quixote“ in einer Neubearbeitung des Moskauer Choreografen Alexander Gorsky, der sich für die Ideen Konstantin Stanislawskis interessierte und das alte Ballett logischer und dramatisch überzeugender machen wollte. Gorski zerstörte Petipas symmetrische Kompositionen, schaffte den Tutus in der „Traum“-Szene ab und bestand auf der Verwendung dunkler Schminke für Tänzerinnen, die spanische Frauen darstellten. Petipa nannte ihn ein „Schwein“, aber bereits in der ersten Gorsky-Adaption wurde das Ballett 225 Mal auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt.

"Schwanensee"

Bühnenbild für die Uraufführung. Grand Theatre. Moskau. 1877

Szene aus dem Ballett „Schwanensee“ von P.I. Tschaikowsky (Choreografen Marius Petipa und Lev Ivanov). 1895

Musik von P. Tschaikowsky, Libretto von V. Begichev und V. Geltser. Uraufführung: Moskau, Bolschoi-Theater, 1877, Choreographie von V. Reisinger. Nachfolgende Produktion: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1895, Choreografie von M. Petipa, L. Ivanov.

Das beliebte Ballett, dessen klassische Fassung 1895 aufgeführt wurde, wurde tatsächlich achtzehn Jahre zuvor im Moskauer Bolschoi-Theater geboren. Die Partitur von Tschaikowsky, deren Weltruhm noch bevorstand, war eine Art Sammlung von „Liedern ohne Worte“ und schien für die damalige Zeit zu komplex. Das Ballett wurde etwa 40 Mal aufgeführt und geriet in Vergessenheit.

Nach Tschaikowskys Tod wurde „Schwanensee“ im Mariinski-Theater aufgeführt und alle weiteren Produktionen des Balletts basierten auf dieser Fassung, die zum Klassiker wurde. Der Handlung wurde mehr Klarheit und Logik verliehen: Das Ballett erzählte vom Schicksal der schönen Prinzessin Odette, die durch den Willen des bösen Genies Rothbart in einen Schwan verwandelt wurde, wie Rothbart Prinz Siegfried täuschte, der sich in sie verliebte, indem er auf den Charme seiner Tochter Odile zurückgreift, und über den Tod der Helden. Tschaikowskys Partitur wurde vom Dirigenten Riccardo Drigo um etwa ein Drittel gekürzt und neu orchestriert. Petipa schuf die Choreografie für den ersten und dritten Akt, Lev Ivanov – für den zweiten und vierten. Diese Aufteilung entsprach idealerweise der Berufung beider brillanter Choreografen, von denen der zweite im Schatten des ersten leben und sterben musste. Petipa ist der Vater des klassischen Balletts, der Schöpfer makellos harmonischer Kompositionen und der Sänger der Feenfrau, der Spielzeugfrau. Ivanov ist ein innovativer Choreograf mit einem ungewöhnlich sensiblen Gespür für Musik. Die Rolle der Odette-Odile übernahm Pierina Legnani, „die Königin der Mailänder Ballerinas“, sie ist auch die erste Raymonda und die Erfinderin des 32 Fouetté, der schwierigsten Art des Drehens auf Spitzenschuhen.

Sie wissen vielleicht nichts über Ballett, aber Schwanensee kennt jeder. IN letzten Jahren Existenz die Sowjetunion Als sich die älteren Anführer oft gegenseitig ersetzten, kündigten die gefühlvolle Melodie des „weißen“ Duetts der Hauptfiguren des Balletts und das Spritzen geflügelter Hände vom Fernsehbildschirm ein trauriges Ereignis an. Die Japaner lieben „Schwanensee“ so sehr, dass sie es morgens und abends gerne von jeder Truppe aufgeführt sehen. Keine einzige Tourneetruppe, von der es in Russland und insbesondere in Moskau viele gibt, kommt ohne „Swan“ aus.

"Nussknacker"

Szene aus dem Ballett „Der Nussknacker“. Erste Produktion. Marianna – Lydia Rubtsova, Klara – Stanislava Belinskaya, Fritz – Wassili Stukolkin. Mariinski-Opernhaus. 1892

Szene aus dem Ballett „Der Nussknacker“. Erste Produktion. Mariinski-Opernhaus. 1892

Musik von P. Tschaikowsky, Libretto von M. Petipa. Uraufführung: St. Petersburg, Mariinsky-Theater, 1892, Choreografie von L. Ivanov.

In Büchern und auf Websites kursieren immer noch falsche Informationen darüber, dass „Der Nussknacker“ vom Vater des klassischen Balletts, Marius Petipa, inszeniert wurde. Tatsächlich schrieb Petipa nur das Drehbuch und die erste Aufführung des Balletts wurde von seinem Untergebenen Lew Iwanow durchgeführt. Iwanow stand vor einer unmöglichen Aufgabe: Das Drehbuch, das im Stil eines damals modischen Extravaganzballetts unter unverzichtbarer Beteiligung eines italienischen Gastdarstellers erstellt wurde, stand in offensichtlichem Widerspruch zu Tschaikowskys Musik, die zwar in strikter Übereinstimmung mit der Musik von Petipa geschrieben war Anweisungen, zeichnete sich durch großes Gefühl aus, dramatische Intensität und komplex symphonische Entwicklung. Darüber hinaus war die Heldin des Balletts ein junges Mädchen, und die Starballerina war nur für das abschließende Pas de deux (ein Duett mit einem Partner, bestehend aus einem Adagio - einem langsamen Satz, Variationen -) bestimmt. Solotänze und Codes (virtuoses Finale)). Die erste Inszenierung des Nussknackers, bei der der erste Akt überwiegend ein Pantomime-Akt war, sich stark vom zweiten Akt, einem Divertissement-Akt, unterschied, war kein großer Erfolg. Nur der Schneeflockenwalzer war nicht besonders erfolgreich; und das Pas de deux der Zuckerfee und des Keuchhustenprinzen, dessen Inspirationsquelle Ivanovs Adagio mit einer Rose aus Dornröschen war, wo Aurora mit vier Herren tanzt.

Doch im 20. Jahrhundert, das in die Tiefen von Tschaikowskys Musik vordringen konnte, war „Der Nussknacker“ für eine wahrhaft fantastische Zukunft bestimmt. Es gibt unzählige Ballettproduktionen in der Sowjetunion, europäischen Ländern und den USA. In Russland erfreuen sich vor allem Inszenierungen von Wassili Wainonen am Staatlichen Akademischen Opern- und Balletttheater Leningrad (heute Mariinski-Theater in St. Petersburg) und Juri Grigorowitsch am Moskauer Bolschoi-Theater großer Beliebtheit.

"Romeo und Julia"

Ballett „Romeo und Julia“. Julia – Galina Ulanova, Romeo – Konstantin Sergeev. 1939

Mrs. Patrick Campbell als Julia in Shakespeares Romeo und Julia. 1895

Finale des Balletts „Romeo und Julia“. 1940

Musik von S. Prokofjew, Libretto von S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Uraufführung: Brünn, Opern- und Balletttheater, 1938, Choreographie von V. Psota. Nachfolgende Produktion: Leningrad, nach ihm benanntes Staatliches Akademisches Opern- und Balletttheater. S. Kirov, 1940, Choreographie von L. Lawrowski.

Wenn ein Shakespeare-Satz in einer berühmten russischen Übersetzung lautet „Es gibt keine traurigere Geschichte auf der Welt als die Geschichte von Romeo und Julia“, dann sagten sie über das Ballett, das der große Sergej Prokofjew zu dieser Handlung geschrieben hatte: „Es gibt keine traurigere Geschichte auf der Welt als Prokofjews Musik im Ballett“. Die Partitur von Romeo und Julia war in ihrer Schönheit, ihrem Farbenreichtum und ihrer Ausdruckskraft wirklich erstaunlich und schien zum Zeitpunkt ihres Erscheinens zu komplex und für das Ballett ungeeignet. Balletttänzer weigerten sich einfach, dazu zu tanzen.

Prokofjew schrieb die Partitur 1934 und sie war ursprünglich nicht für das Theater, sondern für die berühmte Leningrader Akademische Choreografische Schule zur Feier ihres 200-jährigen Jubiläums gedacht. Das Projekt wurde aufgrund der Ermordung von Sergej Kirow in Leningrad im Jahr 1934 nicht umgesetzt, es kam zu Veränderungen im führenden Musiktheater der zweiten Hauptstadt. Auch der Plan, „Romeo und Julia“ im Moskauer Bolschoi aufzuführen, ging nicht in Erfüllung. 1938 wurde die Uraufführung im Brünner Theater gezeigt, und nur zwei Jahre später wurde Prokofjews Ballett schließlich im Heimatland des Autors, im damaligen Kirow-Theater, aufgeführt.

Der Choreograf Leonid Lawrowsky schuf im Rahmen des Genres „Dramaballett“ (eine für das Ballett der 1930er-50er Jahre charakteristische Form des choreografischen Dramas), das von den sowjetischen Behörden sehr begrüßt wurde, ein beeindruckendes, aufregendes Spektakel mit einer sorgfältig zusammengestellten Menge Szenen und fein umrissen psychologische Merkmale Figuren. Zu seiner Verfügung stand Galina Ulanova, die anspruchsvollste Ballerina-Schauspielerin, die in der Rolle der Julia unübertroffen blieb.

Prokofjews Partitur wurde schnell von westlichen Choreografen geschätzt. Die ersten Versionen des Balletts erschienen bereits in den 40er Jahren des 20. Jahrhunderts. Ihre Schöpfer waren Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) und Margarita Froman (Zagreb, 1949). Bemerkenswerte Produktionen„Romeo und Julia“ gehört Frederick Ashton (Kopenhagen, 1955), John Cranko (Mailand, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseeva, 1958, Choreographie von Yu. Grigorovich, 1968.

Ohne Spartak ist das Konzept des „sowjetischen Balletts“ undenkbar. Das ist ein echter Hit, ein Symbol dieser Zeit. Sowjetzeit entwickelte andere Themen und Bilder, die sich stark vom traditionellen klassischen Ballett unterschieden, das von Marius Petipa und den Kaiserlichen Theatern von Moskau und St. Petersburg übernommen wurde. Märchen mit Happy End wurden archiviert und durch Heldengeschichten ersetzt.

Bereits 1941 einer der führenden Sowjetische Komponisten Aram Khachaturian sprach über seine Absicht, Musik für eine monumentale, heroische Aufführung zu schreiben, die auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt werden sollte. Das Thema dafür war eine Episode aus antike römische Geschichte, ein von Spartacus angeführter Sklavenaufstand. Khachaturian schuf eine farbenfrohe Partitur mit armenischen, georgischen und russischen Motiven voller wunderschöner Melodien und feuriger Rhythmen. Die Produktion sollte Igor Moiseev übernehmen.

Es dauerte viele Jahre, bis sein Werk das Publikum erreichte, und es erschien nicht im Bolschoi-Theater, sondern im Theater. Kirow. Der Choreograf Leonid Yakobson schuf eine atemberaubende innovative Darbietung, indem er die traditionellen Attribute des klassischen Balletts aufgab, darunter das Tanzen auf Spitzenschuhen, die Verwendung freier Plastizität und das Tragen von Sandalen durch die Ballerinas.

Doch das Ballett „Spartacus“ wurde 1968 in den Händen des Choreografen Juri Grigorowitsch zum Hit und zum Symbol der Epoche. Grigorowitsch verblüffte den Zuschauer mit seiner perfekt konstruierten Dramaturgie, der subtilen Darstellung der Charaktere der Hauptfiguren, der gekonnten Inszenierung von Massenszenen sowie der Reinheit und Schönheit der lyrischen Adagios. Er nannte sein Werk „eine Aufführung für vier Solisten mit einem Corps de Ballet“ (Corps de Ballet sind Künstler, die an Massentanzepisoden beteiligt sind). Die Rolle des Spartacus spielten Vladimir Vasiliev, Crassus – Maris Liepa, Phrygia – Ekaterina Maksimova und Aegina – Nina Timofeeva. Das Ballett war überwiegend von Männern besetzt, was das Ballett „Spartacus“ einzigartig macht.

Neben den berühmten Spartacus-Lesungen von Jacobson und Grigorovich gibt es etwa 20 weitere Aufführungen des Balletts. Darunter sind die Fassungen von Jiří Blazek für das Prager Ballett, László Szeregi für das Budapester Ballett (1968), Jüri Vamos für die Arena di Verona (1999), Renato Zanella für das Wiener Staatsopernballett (2002), Natalia Kasatkina und Vladimir Vasiliev für das von ihnen geleitete Staatliche Akademische Theater für klassisches Ballett in Moskau (2002).

Ballett wird als integraler Bestandteil der Kunst unseres Landes bezeichnet. Das russische Ballett gilt als das maßgeblichste der Welt, der Standard. Diese Rezension enthält die Erfolgsgeschichten von fünf großen russischen Ballerinas, die noch heute geschätzt werden.

Anna Pawlowa

Hervorragende Ballerina Anna Pawlowa wurde in eine kunstferne Familie hineingeboren. Als sie das Mädchen sah, entwickelte sie im Alter von 8 Jahren den Wunsch zu tanzen Ballettaufführung"Dornröschen". Im Alter von 10 Jahren wurde Anna Pavlova in die Imperial Theatre School und nach ihrem Abschluss in die Truppe des Mariinsky-Theaters aufgenommen.

Merkwürdig ist, dass die angehende Ballerina nicht in das Corps de Ballet aufgenommen wurde, sondern sofort damit begann, ihr verantwortungsvolle Rollen in Produktionen zu übertragen. Anna Pavlova tanzte unter der Leitung mehrerer Choreografen, aber das erfolgreichste und fruchtbarste Tandem, das ihren Aufführungsstil grundlegend beeinflusste, war mit Mikhail Fokin.

Anna Pavlova unterstützte die kühnen Ideen der Choreografin und stimmte bereitwillig Experimenten zu. Miniatur „Der sterbende Schwan“, aus der später wurde Visitenkarte Russisches Ballett war fast spontan. In dieser Inszenierung ließ Fokine der Ballerina mehr Freiheit, indem sie ihr ermöglichte, die Stimmung von „The Swan“ selbstständig zu spüren und zu improvisieren. In einer der ersten Rezensionen bewunderte der Kritiker das Gesehene: „Wenn eine Ballerina auf der Bühne die Bewegungen der edelsten Vögel nachahmen kann, dann ist dies gelungen.“

Galina Ulanova

Das Schicksal von Galina Ulanova war von Anfang an vorbestimmt. Die Mutter des Mädchens arbeitete als Ballettlehrerin, so dass Galina, selbst wenn sie es wirklich wollte, nicht in der Lage war, die Ballettstange zu umgehen. Jahrelanges, anstrengendes Training führten dazu, dass Galina Ulanova zur Künstlerin mit den meisten Titeln der Sowjetunion wurde.

Nach ihrem Abschluss an der choreografischen Fachschule im Jahr 1928 wurde Ulanova in die Balletttruppe des Leningrader Opern- und Balletttheaters aufgenommen. Schon bei ihren ersten Auftritten zog die junge Ballerina die Aufmerksamkeit von Zuschauern und Kritikern auf sich. Ein Jahr später wurde Ulanova mit der Hauptrolle der Odette-Odile in „Schwanensee“ beauftragt. Giselle gilt als eine der triumphalen Rollen der Ballerina. Galina Ulanova spielte die Szene des Wahnsinns der Heldin so gefühlvoll und selbstlos, dass selbst die Männer im Publikum ihre Tränen nicht zurückhalten konnten.

Galina Ulanova erreicht . Sie ahmten sie nach, Lehrer der führenden Ballettschulen der Welt verlangten von ihren Schülern Schritte „wie Ulanova“. Die berühmte Ballerina ist die einzige auf der Welt, der zu ihren Lebzeiten Denkmäler errichtet wurden.

Galina Ulanova tanzte bis zu ihrem 50. Lebensjahr auf der Bühne. Sie war immer streng und anspruchsvoll mit sich selbst. Auch im Alter begann die Ballerina jeden Morgen mit dem Unterricht und wog 49 kg.

Olga Lepeschinskaja

Für leidenschaftliches Temperament, brillante Technik und präzise Bewegungen Olga Lepeschinskaja Spitzname „Libellenspringer“. Die Ballerina wurde in eine Familie von Ingenieuren hineingeboren. Da das Mädchen von früher Kindheit an regelrecht vom Tanzen schwärmte, blieb ihren Eltern nichts anderes übrig, als sie auf die Ballettschule am Bolschoi-Theater zu schicken.

Olga Lepeshinskaya kam mit beiden Ballettklassikern („Schwanensee“, „Dornröschen“) problemlos zurecht moderne Produktionen(„Roter Mohn“, „Flamme von Paris“.) Während der Großen Vaterländischer Krieg Lepeshinskaya trat furchtlos an der Front auf und steigerte die Moral der Soldaten.

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Olga Lepeshinskaya -
Ballerina mit leidenschaftlichem Temperament. | Foto: www.etoretro.ru.

Obwohl die Ballerina Stalins Favoritin war und viele Auszeichnungen erhielt, stellte sie hohe Ansprüche an sich selbst. Schon im fortgeschrittenen Alter sagte Olga Lepeshinskaya, dass ihre Choreografie nicht als herausragend bezeichnet werden könne, ihre „natürliche Technik und ihr feuriges Temperament“ sie jedoch unnachahmlich machten.

Maya Plisetskaya

Maya Plisetskaya- noch eine herausragende Ballerina, dessen Name in goldenen Buchstaben in die Geschichte des russischen Balletts eingeschrieben ist. Als die zukünftige Künstlerin 12 Jahre alt war, wurde sie von Tante Shulamith Messerer adoptiert. Plisetskayas Vater wurde erschossen, und ihre Mutter und ihr kleiner Bruder wurden nach Kasachstan in ein Lager für die Frauen von Vaterlandsverrätern geschickt.

Tante Plisetskaya war Ballerina am Bolschoi-Theater, daher begann Maya auch, Choreografiekurse zu besuchen. Das Mädchen erzielte auf diesem Gebiet große Erfolge und wurde nach ihrem College-Abschluss in die Truppe des Bolschoi-Theaters aufgenommen.

Plisetskayas angeborene Kunstfertigkeit, ausdrucksstarke Plastizität und phänomenale Sprünge machten sie zu einer Primaballerina. Maya Plisetskaya spielte in allen klassischen Produktionen Hauptrollen. Besonders gut beherrschte sie tragische Bilder. Auch vor Experimenten in der modernen Choreografie hatte die Ballerina keine Angst.

Nachdem die Ballerina 1990 aus dem Bolschoi-Theater entlassen wurde, verzweifelte sie nicht und gab weiterhin Soloauftritte. Die überschäumende Energie ermöglichte es Plisetskaya, an ihrem 70. Geburtstag ihr Debüt in der Produktion von „Ave Maya“ zu geben.

Ljudmila Semenyaka

Schöne Ballerina Ljudmila Semenyaka trat bereits im Alter von 12 Jahren auf der Bühne des Mariinsky-Theaters auf. Das talentierte Talent konnte nicht unbemerkt bleiben, und so wurde Lyudmila Semenyaka nach einiger Zeit ins Bolschoi-Theater eingeladen. Galina Ulanova, die ihre Mentorin wurde, hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Arbeit der Ballerina.

Semenyaka meisterte jeden Teil so natürlich und mühelos, dass es von außen schien, als würde sie sich überhaupt nicht anstrengen, sondern einfach nur Spaß am Tanz haben. 1976 wurde Ljudmila Iwanowna mit dem Anna-Pavlova-Preis der Pariser Tanzakademie ausgezeichnet.

Ende der 1990er Jahre gab Lyudmila Semenyaka das Ende ihrer Karriere als Ballerina bekannt, setzte ihre Tätigkeit als Lehrerin jedoch fort. Seit 2002 ist Ljudmila Iwanowna Lehrerin und Tutorin am Bolschoi-Theater.

Aber er beherrschte die Kunst des Balletts in Russland und verbrachte den größten Teil seines Lebens damit, in den USA aufzutreten.

Großbritannien. Vor den Tourneen der Truppe von Diaghilew und Anna Pawlowa in London in den 1910er-1920er-Jahren war das Ballett in England vor allem durch die Auftritte einzelner berühmter Ballerinas auf Varietébühnen vertreten, beispielsweise der Dänin Adeline Genet (1878-1970). Das englische Ballett verdankt seine Geburt zwei Frauen, die mit Diaghilew zusammengearbeitet haben: Marie Rambert (1888-1982), eine gebürtige Polin, und Ninette de Valois (geb. 1898), geboren in Irland, aber in London zur Schule gegangen. Rambert, ein Schüler des Musikers und Schöpfers des Systems der rhythmischen Gymnastik Emile Jacques-Dalcroze, wurde von Diaghilew eingeladen, Nijinsky zu helfen, als dieser an einer sehr rhythmisch komplexen Partitur für „Frühling“ arbeiten musste heiliger Strawinsky. Sie tanzte mehrere Jahre im Corps de Ballet der russischen Balletttruppe, kehrte dann nach England zurück und eröffnete 1920 ihre eigene Schule. Ihre Schüler traten zunächst als Marie Rambert Dancers, dann als Teil des Ballet Clubs im winzigen Mercury Theatre in Nottinhill Gate in London auf. Bei Rambert begannen viele berühmte englische Künstler ihre Karriere, darunter die Choreografen Frederick Ashton und Anthony Tudor. Beide wandten sich als junge Erwachsene dem Tanzen zu, begannen aber schon bald, mit Rambert kleine Ballette aufzuführen. In den 1930er Jahren wuchs eine ganze Generation junger englischer Tänzer heran, die ihre Auftritte verfolgten. De Valois, die auch in Diaghilews Truppe tanzte, verließ ihn und eröffnete eine Schule in London, die bald Teil des Sadler’s Wells Theaters wurde, und 1931 wurde aus ihren Schülern die Vic Wells Ballet-Gruppe gegründet; 1948 erhielt es den Namen „Sadler’s Wells Ballet“. Ashton schloss sich mit Ninette de Valois zusammen, um Ballette zu schaffen, die die Talente junger, von de Valois ausgebildeter Künstler offenbarten: Margot Fonteyn (1919–1991), Beryl Gray (geb. 1927), Robert Helpman (1909–1986), Moira Shearer (geb . 1926). Mit ihrer Teilnahme wird in den nächsten vierzig Jahren eine besondere Englischer Stil Ballettaufführung und Performance, die sich durch Virtuosität, Dramatik und pure klassische Lyrik auszeichnet. Zu Ashtons Produktionen gehören voller Humor (Facade, 1931, Musik von William Walton; A Vain Precaution, 1960, Musik von Ferdinand Herold, arrangiert von John Lanchbury) und tragisch (Ondine, 1958, Musik von H.W. Henze; ​​​​A Month in the Country, 1976, zur Musik von F. Chopin), handlungslos (Symphonic Variations, 1946, zur Musik von S. Frank; Monotony 1 und Monotony 2, 1965, 1966, zur Musik von E. Satie) und erzählerisch (Cinderella, 1948). , Musik von Prokofjew; Traum, 1964, zur Musik von F. Mendelssohn, arrangiert von Lanchbury). Ashton schuf bereitwillig Ballette, die auf literarischen Werken basierten: Sein Traum basiert beispielsweise auf Shakespeares Stück „Ein Sommernachtstraum“ und „Ein Monat auf dem Land“ basiert auf Turgenjews gleichnamigem Stück. Ashtons Muse war Margot Fonteyn, deren Talent als Ballerina sich gleichzeitig mit seinen choreografischen Experimenten entwickelte. Meins das letzte ballett für sie schuf er 1963: Marguerite und Armand (nach der Kameliendame von Alexandre Dumas und der Musik von F. Liszt). Zu dieser Zeit erlebte der bereits über vierzigjährige Fontaine eine Art zweite Jugendbühne, nachdem er in der Person des aus der Sowjetunion emigrierten Tänzers Rudolf Nurejew einen neuen Partner gefunden hatte. Die Inspirationsquelle für Ashton war das Talent verschiedener Interpreten: das für Lynn Seymour (geb. 1939) oder Christopher Gable (1940-1998) typische Drama, brillante Technik und gleichzeitig Emotionalität, manifestiert im Duett von Anthony Dowell (geb. 1943) und Antoniet Sibley (geb. 1939). Leider werden seine Produktionen nach Ashtons Tod (1988) nicht mit der gleichen Sorgfalt aufbewahrt, mit der die Ballette von Balanchine oder Tudor in Amerika aufbewahrt werden. In den 1930er Jahren lud Ninette de Valois den aus Russland emigrierten Regisseur des Mariinsky-Theaters Nikolai Sergeev (1876-1951) ein, klassische Ballette des 19. Jahrhunderts aufzuführen, um das Repertoire zu bereichern und Künstlern die Möglichkeit zu geben, bisher ungewöhnliche Tanzformen zu beherrschen . 1956 wurde Sadlers Wells Ballet zum Royal Ballet und trat im Royal Opera House in Covent Garden auf. In den 1960er und 1970er Jahren umfasste sein Repertoire dramatische Ballette von Kenneth MacMillan sowie traditionelle klassische Werke und Produktionen von Frederick Ashton. Seine Darbietungen zeichnen sich durch eine betonte Dramatik aus, sie sind voller akrobatischer Schritte und Hebungen, die als Ausdruck intensiver Emotionen dienen. MacMillans erfolgreichste Produktionen waren die Mehrakter „Romeo und Julia“ (Musik von Prokofjew, 1965) und „Manon“ (1974, Musik von J. Massenet, arrangiert von Leighton Lucas), die in vielen Ländern aufgeführt werden. Ashton, der das Royal Ballet seit 1963 geleitet hatte, trat 1970 nach dem Weggang von de Valois zurück. Bis 1977 arbeitete die Kompanie unter Macmillan, dann unter Norman Morris (geb. 1931), einem ehemaligen Tänzer am Balle Rambert nah an den Tanzideen der amerikanischen Tänzerin und Choreografin Martha Graham (1894-1991). 1986 übernahm Dowell, ein Tänzer, der mit Ashton zusammengearbeitet hatte, die Kompanie, während MacMillan bis zu seinem Tod im Jahr 1992 einer der Choreografen der Kompanie blieb. Er wurde als Choreograf durch David Bintley (geb. 1957) ersetzt, dessen Ballette manchmal dramatisch, manchmal handlungslos, sehr vielfältig in Stil und Genre. Dowell nahm Produktionen von Balanchine und Robbins sowie Werke von W. Forsythe und einigen Tänzern der Truppe in das Repertoire auf. Als Gäste lud er Tänzer aus Russland, Frankreich und den USA ein, widmete sich aber gleichzeitig auch seinen eigenen Künstlern: Unter ihm wurden die Talente von Darcey Bussell (geb. 1969) Viviana Durante (geb. 1967). Als Reaktion auf die Kritik, dass Ashtons Erbe zu wenig Beachtung fand, organisierte Dowell in der Saison 1994-1995 das Royal Ballet Festival. In den 1940er und 1940er Jahren führte die Balle Rambert-Truppe weiterhin neue Ballette auf, behielt aber in ihrem Repertoire die ursprünglichen klassischen Ballette bei, die für eine kleine Besetzung konzipiert waren. 1966 wurde die Truppe neu organisiert, wobei traditionelle Aufführungen vollständig aufgegeben und nur Werke im Stil des modernen Tanzes beibehalten wurden. 1987 wurde Richard Alston (geb. 1948), der vor allem vom Stil des amerikanischen Choreografen Merce Cunningham (geb. 1919) beeinflusst war, dessen Leiter. 1994 übernahm Christopher Bruce (geb. 1945), der ehemalige Haupttänzer und Choreograf der Truppe, diesen Posten. Zu den weiteren englischen Kompanien gehört das English National Ballet, dessen direkter Vorgänger eine 1949 von den ehemaligen Diaghilew-Tänzern Alicia Markova und Anton Dolin (1904-1983) gegründete Kompanie ist, die viele Jahre lang den Namen „London Festival Ballet“ trug. 1984 nahm der Däne Peter Schaufus (geb. 1949), der die Truppe leitete, Ashtons inzwischen praktisch vergessenes Ballett Romeo und Julia wieder auf. Im Jahr 1990 wurde Ivan Nagy Direktor der Truppe. Das Royal Ballet unterhält seit jeher eine zweite, kleinere Reisekompanie. In den 1990er Jahren ließ es sich in Birmingham nieder und ist heute als Birmingham Royal Ballet bekannt.
Sowjetrussland und andere Länder. In Russland verlor das Ballett auch in den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg und unter der sowjetischen Herrschaft nicht an Bedeutung, auch als die politische und wirtschaftliche Situation die Existenz des Bolschoi- und Mariinsky-Theaters (das nach der Oktoberrevolution den Namen trug) zu gefährden schien das Staatstheater für Oper und Ballett, GOTOB, und seit 1934 - der Name des S.M. Kirov-Theaters. Die 1920er Jahre waren eine Zeit intensiver Experimente in Form und Inhalt von Ballettaufführungen. Es erschienen auch Proletkult-Inszenierungen zu politischen und gesellschaftlichen Themen, in Moskau die Werke von Kasjan Goleizowski (1892–1970) und in Petrograd (1924 in Leningrad umbenannt) verschiedene Inszenierungen von Fjodor Lopuchow (1886–1973), darunter „Die Größe des Universums“. (1922) zur Musik von Beethovens Vierter Symphonie. Die Rote Mohnblume zur Musik von R.M. Gliere, ein 1927 von Wassili Tichomirow (1876-1956) und Lew Laschtschilin (1888-1955) inszeniertes Ballett, diente als Prototyp für viele nachfolgende sowjetische Ballette: Es handelt sich um einen Mehrakter Aufführung, deren Thema edle Leidenschaften und Heldentaten sind, und die speziell geschriebene Musik ist symphonischer Natur. Solche Ballette wie 1932 Flames of Paris von Wassili Vainonen (1901-1964) und 1934 The Bachchisarai Fountain von Rostislav Zakharov (1907-1984) – beide mit Musik von Boris Asafiev, sowie 1939 Laurencia (Musik von Alexander Crane) von Als Beispiele hierfür können Wachtang Chabukiani (1910-1992) und 1940 Romeo und Julia von Leonid Lawrowsky (1905-1967) (Musik von Prokofjew) dienen Ästhetische Prinzipien, dem nicht nur die Haupttruppen folgten – das nach ihm benannte Theater. S.M. Kirov in Leningrad und das Bolschoi-Theater in Moskau – aber auch alle etwa 50 Theater, die im Land betrieben wurden. Obwohl einige Entdeckungen aus den 1920er Jahren erhalten blieben, dominierten Aufführungen, die sich an der sowjetischen politischen Ideologie orientierten, und die Art der Aufführung zeichnete sich durch Freizügigkeit bei der Ausführung von Bewegungen und Flexibilität (Merkmale in den Armen und im Rücken) aus, während gleichzeitig hohe Sprünge und akrobatische Übungen entwickelt wurden (zum Beispiel Hochhaus auf einem Arm eines Herrn) und schnelle Drehungen, die sowjetischen Balletten einen besonderen dramatischen Ausdruck verliehen. Eine der Lehrerinnen, die zur Entwicklung dieses Stils beitrug, war Agrippina Waganowa (1879–1951). Als ehemalige Tänzerin am Mariinsky-Theater begann sie nach Abschluss ihrer Schauspielkarriere zu unterrichten. Als Lehrerin an der Leningrader Choreografischen Schule entwickelte Waganowa ein Programm und ein Lehrbuch für klassischen Tanz und bildete ihre Schüler aus, damit sie mit ihrer virtuosen Technik sowohl die großen romantischen Ballette der Vergangenheit als auch die neuen sowjetischen Ballette aufführen konnten. In der gesamten Sowjetunion sowie in Osteuropa wurde das Waganowa-System als Grundlage für die Ausbildung verwendet. Zuschauer herein Westeuropa und die Vereinigten Staaten waren mit dem sowjetischen Ballett bis Mitte der 1950er Jahre praktisch nicht vertraut, als die Balletttruppen des Theaters gegründet wurden. Kirov und das Bolschoi-Theater gingen zum ersten Mal auf Tournee in den Westen. Das Interesse an ihm wurde durch das erstaunliche Können der Ballerinas des Bolschoi-Theaters Galina Ulanova (1910-1998) geweckt, die die Gefühle von Giselle und Julia mit gefühlvoller Lyrik vermittelte, und Maya Plisetskaya (geb. 1925), die mit ihrer brillanten Technik verblüffte die Rolle der Odette-Odile in Schwanensee. Während das Bolschoi-Theater die spektakulärsten Merkmale verkörperte Sowjetischer Stil Die klassische Reinheit der Tänzer des Kirower Theaters fand ihren Ausdruck in Künstlern wie Natalya Dudinskaya (geb. 1912) und Konstantin Sergeev (1910–1992), die zur Wiederbelebung von Petipas Traditionen beitrugen. Viel Erfolg erreicht von folgenden Künstlergenerationen: Ekaterina Maksimova (geb. 1939), Vladimir Vasiliev (geb. 1940), Natalya Bessmertnova (geb. 1941) und Vyacheslav Gordeev (geb. 1948) am Bolschoi-Theater, Irina Kolpakova (geb. 1933). ), Alla Sizova (geb. 1939) und Yuri Solovyov (1940-1977) am Kirow-Theater. Im Jahr 1961 blieb Nurejew, einer der führenden Tänzer des Kirow-Theaters, während der Tournee der Truppe in Frankreich im Westen. Zwei weitere prominente Künstler desselben Theaters – Natalya Makarova und Mikhail Baryshnikov – taten dasselbe (Makarova – 1970 in London, Baryshnikov – 1974 in Kanada). In den 1980er Jahren schwächte sich der administrative und politische Druck auf die Kunst in der Sowjetunion ab, leitete Oleg Winogradow (geb. 1937). Balletttruppe Theater benannt nach Kirov begann seit 1977, Ballette von Balanchine, Tudor, Maurice Bejart (geb. 1927) und Robbins in das Repertoire aufzunehmen. Weniger zu Innovationen geneigt war Juri Grigorowitsch (geb. 1927), der ab 1964 das Ballett des Bolschoi-Theaters leitete. Typisch sind seine frühen Produktionen „Die steinerne Blume“ (Musik von Prokofjew, 1957) und „Spartakus“ (Musik von A. I. Chatschaturjan, 1968). Sowjetische Aufführungen. Grigorowitsch setzt auf spektakuläre Effekte, kontrolliert souverän eine große Masse energisch bewegter Tänzer, nutzt weit verbreitet Volkstänze und bevorzugt heroische Themen. Viele Jahre lang wurden im Bolschoi-Theater fast ausschließlich Ballette von Grigorowitsch oder seine Adaptionen historischer Stücke wie „Schwanensee“ aufgeführt. Ende der 1980er Jahre kamen Irek Mukhamedov (geb. 1960) und Nina Ananiashvili (geb. 1963) vom Bolschoi-Theater sowie Altynai Asylmuratova (geb. 1961) und Farukh Ruzimatov (geb. 1963) vom Theater. Kirov erhielt die Erlaubnis, mit führenden Ballettkompanien im Westen aufzutreten, und wurde dann Teil dieser Gruppen. Sogar Winogradow und Grigorowitsch suchten nach Möglichkeiten, ihre Talente außerhalb Russlands zu zeigen, wo die staatliche Finanzierung von Theatern nach dem Zusammenbruch der UdSSR im Jahr 1991 erheblich gekürzt wurde. 1995 wurde Grigorowitsch als Direktor des Balletts des Bolschoi-Theaters von Wladimir Wassiljew abgelöst . Weitere Ensembles in St. Petersburg sind das Ballett des Maly Opera and Ballet Theatre. M. P. Mussorgsky (bis 1991 Maly Theatre of Opera and Ballet genannt), St. Petersburg „Boris Eifman Ballet Theatre“, das vom Choreografen Boris Eifman (geb. 1946) geleitet wird, der von Leonid Yakobson (1904-) gegründeten Choreographic Miniatures-Truppe 1975), der am Theater arbeitete. Kirov in den Jahren 1942-1969, dessen Werke im Westen berühmt wurden. Die nach ihr benannte Truppe des Musiktheaters. K.S. Stanislavsky und Vl.I.Nemirovich-Danchenko, Klassisches Balletttheater. Aufmerksamkeit verdient die von Evgeny Panfilov (geb. 1956) in Perm gegründete Truppe „Experiment“. Der Zusammenbruch der Sowjetunion und die darauf folgenden Wirtschaftskrise brachte enorme Schwierigkeiten für die bislang vom Staat großzügig subventionierten Ballettkompanien mit sich. Viele Tänzer und Lehrer verließen das Land, um sich in den USA, England, Deutschland und anderen westlichen Ländern niederzulassen. Während kalter Krieg viele Länder Osteuropas, Teil des Sowjetblocks, folgte sowohl bei der Ausbildung von Tänzern als auch bei der Inszenierung von Aufführungen sowjetischen Prinzipien. Als sich die Grenzen öffneten, schlossen sich viele Künstler aus diesen Ländern, insbesondere aus Ungarn und Polen, den Errungenschaften der Choreografie der westlichen Truppen an, die sie besuchten, und begannen selbst, außerhalb ihrer Länder zu reisen.
Frankreich. Französisches Ballett zu Beginn des 20. Jahrhunderts. befand sich in einer Krise. Russische Künstler, die an die Pariser Oper eingeladen wurden, insbesondere aus Diaghilews Truppe, waren viel stärker Französische Künstler. Nach Diaghilews Tod leitete der Haupttänzer seiner Truppe, Sergei Lifar (1905-1986), der einst aus der Ukraine nach Frankreich gekommen war, das Pariser Opernballett und blieb in diesem Amt von 1929 bis 1945 und dann von 1947 bis 1958. Unter seiner Führung wuchsen wunderbare Tänzer heran, allen voran die wunderbare lyrische Ballerina Ivette Chauvire (geb. 1917), die durch ihre Darstellung der Rolle der Giselle berühmt wurde. Die interessantesten Experimente auf dem Gebiet der Choreographie wurden außerhalb der Pariser Oper durchgeführt, insbesondere von Roland Petit und Maurice Béjart. Petit (geb. 1924) verließ die Oper 1944 und gründete das Ballet des Champs-Élysées, wo er unter anderem das Ballett Jugend und Tod (1946, zur Musik von J. S. Bach) für den jungen und dynamischen Tänzer Jean inszenierte Babile (geb. 1923). Dann schuf er für die Balletttruppe Paris eine seiner berühmtesten und langlebigsten Produktionen – Carmen (1949, zur Musik von J. Bizet) mit Rene (Zizi) Jeanmer (geb. 1924). Petits Sinn für Theatralik ermöglichte es ihm, in einer Vielzahl von Genres zu arbeiten und an kommerziellen Veranstaltungen teilzunehmen. Von 1972 bis 1998 leitete er die Truppe des Nationalballetts von Marseille, wo er viele stilvolle und ergreifende Stücke inszenierte Theateraufführungen. Nach Lifar wurde die Pariser Operntruppe nacheinander von so berühmten Meistern wie Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi und Rosella Hightower (geb. 1920) geleitet. Bereichert wurde das Repertoire durch Werke von Petit und Bejart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glen Tetley sowie den Vertretern des amerikanischen Modern Dance Paul Taylor (*1930) und Merce Cunningham. 1983 wurde Rudolf Nurejew zum Direktor ernannt. Besonderes Augenmerk legte er auf die Entwicklung von Ballerinas wie Sylvie Guillem (geb. 1965) und Isabelle Guerin (geb. 1961) und gab der Truppe die Möglichkeit, sich während ihrer Zeit an choreografischen Werken verschiedenster Stilrichtungen zu versuchen Gleichzeitig bleiben die Klassiker erhalten. Nach dem Weggang Nurejews (1989) kehrte der frühere Haupttänzer, der den Titel „Star“ trug, Patrick Dupont (geb. 1959), zur Truppe zurück, nun als Regisseur. In den 1970er und 1980er Jahren erhielten französische Provinztruppen zunehmend staatliche Unterstützung und erlangten internationale Bekanntheit. Besondere Aufmerksamkeit verdient die Truppe „Ballett der Rheindepartements“, die unter der Leitung von Jean Paul Gravier mehrere Rekonstruktionen von Aufführungen aus dem 18. Jahrhundert zeigte, die auf der Grundlage sorgfältiger Rekonstruktionen angefertigt wurden historische Forschung, durchgeführt vom schwedischen Choreografen Ivo Kramer (geb. 1921), insbesondere die Ballette Daubervals vergebliche Vorsicht und Medea und Jason Noverra (Musik von Jean Joseph Rodolphe). Das Lyoner Opernballett führt stilisierte dramatische Tanzaufführungen auf, choreografiert von Magi Marin (geb. 1947).
Dänemark. Das Ballett in Dänemark begann im 20. Jahrhundert in einem Zustand der Stagnation. Hier blieb dank Hans Beck das Erbe von August Bournonville erhalten, doch der Mangel an Initiative führte dazu, dass die Entwicklung des Königlichen Balletts in Kopenhagen eingestellt wurde. Eine gewisse Wiederbelebung seiner Aktivitäten erfolgte in der Zeit von 1932 bis 1951, als die Truppe von Harald Lander (Lanner), einem Schüler Becks, geleitet wurde. Lander bewahrte Bournonvilles Werke, wann immer möglich, in ihrer Originalausgabe auf, inszenierte aber auch seine eigenen Ballette: Das berühmteste davon ist Etudes (1948, zur Musik von K. Czerny, arrangiert von Knudoge Risager), in dem die Hauptbestandteile eines Balletts aufgeführt sind Schulungsklasse werden auf die Bühne gebracht und inszeniert. 1951 ernannte Lander Vera Wolkowa (1904–1975), damals die maßgeblichste Expertin des Waganowa-Systems im Westen, zur künstlerischen Beraterin der Truppe. Durch ihre Bemühungen beherrschten dänische Tänzer eine neue Technik, die ihnen neue Möglichkeiten bei der Aufführung von Werken eröffnete verschiedene Stile. Die Truppe kam aus der Isolation und tourte durch Europa, Russland und den amerikanischen Kontinent. Die Anmut und die freudige Lebhaftigkeit, die für Bournonvilles Stil charakteristisch sind, machten den besten Eindruck, ebenso wie die Bravour des Tanzes, die die Leistung der dänischen Tänzer, insbesondere Erik Brun, auszeichnete. Die Ausbildung männlicher Tänzer wurde als eine der wichtigsten Errungenschaften der dänischen Schule anerkannt. In den 1960er und 1970er Jahren wuchs das Interesse an der Geschichte des Balletts enorm, und Bournonvilles Aufführungen wurden als zuverlässigstes Beispiel erhaltener romantischer Ballettwerke untersucht, was das Königlich Dänische Ballett dazu veranlasste, 1979 und 1992 die Bournonville Ballet Festivals abzuhalten. Nach Lander arbeitete das Team unter der Leitung vieler Künstler, darunter Flemming Flindt (geb. 1936), Henning Kronstam (geb. 1934) und Frank Andersen (geb. 1954). 1994 wurde die Truppe von Peter Schaufus geleitet, 1996-1999 von der Engländerin Maina Gielgud (*1945). Das Repertoire des Königlich Dänischen Balletts wurde nach und nach um Werke ausländischer Choreografen erweitert, und gleichzeitig begann man, Bournonvilles Ballette in das Repertoire aufzunehmen Tanzgruppen weltweit. 1982 inszenierte das National Ballet of Canada das gesamte Ballett Naples (Musik von Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli und Hans Christian Lumby) und 1985 Balle West in der amerikanischen Stadt Salt Lake City (Utah). . unter der Regie von Bruce Marks und Tony Lander präsentierte eine Rekonstruktion des Balletts Abdallah (Musik von Holger Simon Paulli), das zuvor 125 Jahre lang nicht aufgeführt worden war.
Deutschland. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. In Deutschland war das bedeutendste Phänomen die Entwicklung freier Tanz, die hier den Namen „expressiv“ erhielt – Ausdruckstanz. Nach dem Zweiten Weltkrieg widmeten die Regierungen der Bundesrepublik Deutschland und der Deutschen Demokratischen Republik der Unterstützung von Balletttruppen große Aufmerksamkeit. In allen großen Städten Westdeutschlands entstanden an Opernhäusern freie Ballettgruppen, die eigene Aufführungen aufführten und gleichzeitig an Opernaufführungen teilnahmen. John Cranko aus England (1927-1973), der in der englischen Truppe Sadler's Wells Theatre Ballet zahlreiche Aufführungen aufführte und inszenierte, leitete 1961 das Stuttgarter Ballett und baute ein umfangreiches Repertoire eigener Mehrakter-Aufführungen auf, die im Stil weitgehend an ihn erinnern sowjetischer Ballette, reich an dramatisierten Tänzen. Das ist Romeo und Julia (Musik von Prokofjew, 1962). Onegin (1965, zur Musik von Tschaikowsky, arrangiert von K. H. Stolze) und Der Widerspenstigen Zähmung (1969, zur Musik von A. Scarlatti, arrangiert von K. H. Stolze), Ballette, deren Erfolg stark von der Teilnahme von abhing Darin sind die wunderbare Tänzerin Marcia Heide (geb. 1939), gebürtige Brasilianerin, und ihr amerikanischer Partner Richard Cragan (geb. 1944) zu sehen. Die Truppe erlangte bald weltweite Berühmtheit; Nach dem frühen Tod von Cranko wurde es von Glen Tetley geleitet, der zum Gedenken an Cranko das Ballett Organ Solo (Voluntaries, 1973, zur Musik von F. Poulenc) inszenierte. Zu Crankos größten Errungenschaften gehörte die von ihm gegründete Kreativwerkstatt, in der junge Choreografen experimentieren konnten. Insbesondere die Amerikaner William Forsyth und John Neumeier (*1942) sowie der Tscheche Jiri Kylian (*1947) begannen hier zu arbeiten. Sie alle wurden zu führenden Choreografen Balletttheater Europa in den nächsten Jahrzehnten. Neumeier leitete 1973 das Ballett in Hamburg und schuf dort ein reichhaltiges Repertoire, sowohl aus eigenen Ausgaben klassischer Aufführungen als auch Originalproduktionen zu religiösen und religiösen Themen philosophische Themen, wo er die Musik von Mahler, Strawinsky und Bach verwendete. Sein Ballett Passion für St. Matthew (1981) dauerte vier Stunden. Forsythe trat kurz vor Crankos Tod der Stuttgarter Balletttruppe bei und tanzte hier, während er gleichzeitig Aufführungen aufführte, bis er 1984 zum Direktor des Frankfurter Balletts berufen wurde. Beeinflusst von vorherrschenden Ideen moderne Literatur, Forsythe wandte sie auf das Ballett an. Seine Choreografie weist die gleiche Fragmentierung auf, die die Literatur der Postmoderne auszeichnet; häufig werden verbale Passagen in den Tanz einbezogen und Techniken verwendet, die mit anderen Kunstformen verwandt sind. Die Tanztechnik basiert auf extremer Energie, der Störung des natürlichen Gleichgewichts und dient dazu, romantische Beziehungen im Moment höchster Spannung zu vermitteln. Dies sind die Ballette Love Songs (1979, Volksmusik) und In the middle, etwas erhaben, Musik von Leslie Stuck und Tom Willems, die Forsythe auf Einladung von Nureyev inszenierte Pariser Oper im Jahr 1988. Forsyth verwendete in seinen Produktionen bereitwillig die harsch klingende elektronische Musik des Niederländers Tom Willems, was zur Schaffung einer Atmosphäre der Entfremdung und vagen Angst beitrug.
Niederlande. Vor dem Zweiten Weltkrieg war der Einfluss des deutschen Freitanzes in den Niederlanden am stärksten. Nach dem Krieg wuchs das Interesse des Publikums am Ballett und in Amsterdam wurde die Truppe des Niederländischen Nationalballetts gegründet. 1959 gründeten einige Tänzer und Choreografen, nachdem sie diese Truppe verlassen hatten, das „Niederländische Tanztheater“, das sich in Den Haag niederließ und sich ausschließlich der modernen Choreografie widmete. Die beiden Truppen tauschten oft sowohl Künstler als auch Auftritte aus. Hans van Manen (geb. 1932) und Rudi van Danzig (geb. 1933), künstlerischer Leiter des Niederländischen Nationalballetts, bildeten zusammen mit Glen Tetley das Repertoire des Niederländischen Tanztheaters. Tetleys Arbeit basiert auf verschiedenen Einflüssen: Hanja Holm (1898–1992) und Martha Graham sowie Jerome Robbins und das American Ballet Theatre; Nicht umsonst nutzt er in seinen Darbietungen sowohl die Fingertechnik des Balletts als auch die für den modernen Tanz charakteristischen Beugungen des Körpers und die betont ausdrucksstarken Hände, verzichtet jedoch auf die im klassischen Tanz entwickelten Sprünge und Hebungen. Die Ballette von van Dantzig und van Manen ähneln Tetleys Balletten darin, dass sie eine Mischung verschiedener technischer Techniken enthalten. Van Dantzigs beeindruckendes Werk Monument to a Dead Youth (1965, Musik von Jan Berman) wurde von vielen Ballettkompanien auf der ganzen Welt aufgeführt. Der Direktor des Niederländischen Tanztheaters war 1978 Jiri Kylian, der oft mit Tudor verglichen wird, weil beide Themen berühren, die die Menschen bewegen, und sich bevorzugt der Musik mitteleuropäischer Komponisten bedienen. Kilian fügte dem gemischten Stil seiner Vorgänger neue Qualitäten hinzu: umfangreicher Einsatz von Bewegungen, die auf dem Boden ausgeführt wurden, dramatische skulpturale Effekte, hohe Hebungen und Rotationen. Seine zur Musik von L. Janacek geschaffenen und in vielen Ländern aufgeführten Ballette Rückkehr in ein fremdes Land (1974 und 1975 – zwei Auflagen) und Sinfonietta (1978) zeigen die Möglichkeiten, die sich eröffnen, wenn das Tanzmuster auf tanzenden Figuren aufbaut nahe beieinander. Da sich der Choreograf für die Kultur der australischen Ureinwohner interessierte, schuf er 1983 die Ballette Stamping Ground (Musik von Carlos Chavez) und Dreamtime (Musik von Takemitsu). Anfang der 1990er Jahre fügte Kilian der Haupttruppe eine weitere Truppe hinzu – Dutch Theatre 3. Ballet Scapino mit Sitz in Rotterdam unter der Leitung von Niels Christe (geb. 1946) ist ein weiteres niederländisches Unternehmen, das mit seinen zeitgenössischen Produktionen Aufmerksamkeit erregt hat.
Ballettkunst auf der ganzen Welt. Wie Mitte des 20. Jahrhunderts. Die Rolle des Balletts nahm zu, in fast allen Ländern Amerikas, Europas und Asiens, auch in einigen Regionen, wurden Truppen gegründet Zentralasien und Afrika sowie Australien und Neuseeland. Selbst in Ländern mit einer eigenen reichen Tanztradition wie Spanien, China, Japan und Kleinasien hat das Ballett seinen Platz gefunden. Maurice Bejart, der im Nachkriegsfrankreich aufwuchs, gründete 1960 in Brüssel die Balletttruppe des 20. Jahrhunderts. Diese Truppe sowie die unter ihr organisierte sehr ungewöhnliche Schule namens „Mudra“ hatten das Ziel, die Ballettkunst zu fördern und auf Psychologie und Moderne basierende Tanzdramen vorzuführen philosophische Ideen. Viele Aufführungen fanden in Stadien statt, damit möglichst viele Zuschauer sie sehen konnten. Béjart widerlegte Balanchines oft zitierte Behauptung, dass „Ballett eine Frau“ sei, und widmete den männlichen Tänzern das Hauptaugenmerk: So ersetzte er im Ballett „Feuervogel“ (zur Musik von Strawinskys Suite, 1970) den Darsteller in der Hauptrolle durch einen junger Mann, der einen Partisanen darstellt. Trotzdem tanzte Balanchines führende Ballerina, Susan Farrell, fünf Jahre lang in seiner Truppe und verließ die New Yorker Truppe vorübergehend, nachdem sie geheiratet hatte. 1987 schlug Gerard Mortier, Direktor des Brüsseler Theaters de la Monnaie, wo das Ballett des 20. Jahrhunderts arbeitete, Béjart vor, die Kosten zu senken und die Größe der Truppe zu reduzieren. Bejar, der mit diesen Forderungen nicht einverstanden war, begann nach einem anderen Ort zu suchen, an dem er seine Arbeit fortsetzen konnte. Er erhielt zahlreiche Angebote aus verschiedenen europäischen Ländern und entschied sich für Lausanne in der Schweiz. Jetzt heißt seine Truppe „Béjart Ballet“. In den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Die italienische Ballerina Carla Fracci, Alessandra Ferri (geb. 1963) und Viviana Durante, führende Tänzerin des englischen Royal Ballet, traten mit großem Erfolg außerhalb Italiens auf, aber in ihrer Heimat gab es kein Theater, in dem sie ihre Talente würdig einsetzen konnten. In Spanien, wo Traditionen Nationaltanz Noch stärker als jede Innovation ist ein lokaler Choreograf entstanden, der sich dem klassischen Ballett verschrieben hat: Nacho Duato (geb. 1957), der das Ballet Lirico Nacional leitet. Duato, ein ehemaliges Mitglied des Dutch Dance Theatre, choreografiert Tänze, die Kilians Kantilene mit wilder Leidenschaft verbinden. In den 1920er Jahren gründete der schwedische Impresario Rolf de Mare (1898–1964) in Paris die schwedische Balletttruppe, deren Choreograf Jean Berlin (1893–1930) war. Diese Gruppe führte mutige Experimente durch und konkurrierte in den wenigen Jahren ihres Bestehens, von 1920 bis 1925, mit Diaghilews Russischem Ballett. Das Königlich Schwedische Ballett, das seit 1773 im Gebäude der Königlichen Oper in Stockholm untergebracht ist, wurde 1950–1953 von Anthony Tudor geleitet. 1950 fand hier die Uraufführung von Birgit Kullbergs (geb. 1908) Ballett Freken Julia (Musik von Ture Rangström) statt, das noch heute von vielen Kompanien auf der ganzen Welt aufgeführt wird. 1963 inszenierte Tudor, erneut zum Royal Ballet eingeladen, „Echo of Trumpets“ (zur Musik von Boguslav Martinu). Birgit Kullberg, die bei Kurt Jooss und Martha Graham studierte, gründete 1967 ihre eigene Kompanie und experimentierte mit der Kombination klassischer Choreografie und modernem Tanz in einer Aufführung. Ihr Sohn Mats Ek (geb. 1945), der seit 1990 den Kullberg Balle leitete, inszenierte dort völlig neue Produktionen der Ballette Giselle und Schwanensee, die in keiner Weise den traditionellen ähnelten. Im 20. Jahrhundert Es entstanden drei bedeutende kanadische Unternehmen: das Royal Winnipeg Ballet, das 1938 unter dem Namen Winnipeg Ballet Club gegründet wurde und 1949 zu einem professionellen Unternehmen wurde; „National Ballet of Canada“, 1951 in Toronto gegründet; und das Great Canadian Ballet, das seine Tätigkeit 1957 in Montreal aufnahm. Das National Ballet of Canada wurde von Celia Franca (geb. 1921) gegründet, die in den englischen Truppen Balle Rambert und Sadler's Wells Ballet auftrat. Basierend auf den Erfahrungen von Sadlers Wells Ballet begann sie mit der Inszenierung klassischer Ballette des 19. Jahrhunderts. Franka leitete die Truppe bis 1974, dann wurde sie von Alexander Grant (geb. 1925) abgelöst. In den Jahren 1994-1996 war Reid Anderson (geb. 1949) Direktor der Truppe, und 1996 wurde James Kudelka (geb. 1955) auf diesen Posten berufen. Das Ballett entwickelte sich in Kuba rasant. Alicia Alonso, eine der berühmtesten Ballerinas des American Ballet Theatre in den Vereinigten Staaten, kehrte nach Fidel Castros Revolution im Jahr 1959 in ihre Heimat zurück und gründete das Nationalballett von Kuba. Bühnenleben Alonso selbst hatte eine sehr lange Karriere; sie hörte erst im Alter von über sechzig Jahren auf, aufzutreten. In Buenos Aires im andere Zeit Viele großartige Tänzer und Choreografen arbeiteten mit, insbesondere Nijinska und Balanchine. Die Argentinier Julio Bocca und Paloma Herrera (geb. 1975), die zu den führenden Tänzern des American Ballet Theatre wurden, begannen in Buenos Aires Tanz zu studieren. Nach der Revolution von 1917 verließen viele russische Tänzer das Land über die asiatische Grenze. Einige von ihnen ließen sich vorübergehend oder dauerhaft in China nieder. Nach dem Zweiten Weltkrieg arbeiteten Lehrer und Choreografen aus der UdSSR in China. Während der chinesischen Kulturrevolution von 1960 schwächte sich der sowjetische Einfluss ab nationale Werke, wie das Rote Frauenbataillon oder das Graue Mädchen (beide 1964). Diese Aufführungen sind Beispiele für eine Tendenz, die Lyrik im Ballett als Dekadenz leugnet; ihr bemerkenswertes Merkmal ist eiserne Disziplin und Klarheit Massentänze aufgeführt vom Corps de ballet an den Fingern. Als in den 1970er und 1980er Jahren der ausländische Einfluss zunahm, entstanden in vielen Städten Chinas neue Ballettkompanien. Sie werden auch in den Hauptstädten vieler anderer asiatischer Länder hergestellt.
Abschluss. Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Die Probleme der Ballettkunst wurden immer deutlicher. In den 1980er Jahren, als Balanchine, Ashton und Tudor starben (in den 1980er Jahren) und Robbins sich aus der aktiven Arbeit zurückzog, entstand ein kreatives Vakuum. Die meisten jungen Choreografen des späten 20. Jahrhunderts waren nicht besonders daran interessiert, die Ressourcen des klassischen Tanzes weiterzuentwickeln. Sie bevorzugten eine Mischung verschiedener Tanzsysteme und Klassischer Tanz erscheint verarmt, und der moderne Tanz mangelt es an Originalität bei der Identifizierung körperlicher Fähigkeiten. In dem Bemühen zu vermitteln, was ein Wesen ausmacht modernes Leben, Choreografen verwenden Fingertechniken, als wollten sie Gedanken hervorheben, ignorieren sie jedoch traditionelle Bewegungen Hand (Port de Bras). Die Kunst des Stützens wurde auf eine Art Interaktion zwischen Partnern reduziert, bei der eine Frau über den Boden geschleift, geworfen, gewirbelt, aber fast nie gestützt oder mit ihr getanzt wird. Die meisten Ensembles bauen ihr Repertoire auf Klassiker des 19. Jahrhunderts auf. (La Sylphide, Giselle, Schwanensee, Dornröschen), die berühmtesten Ballette der Meister des 20. Jahrhunderts. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor und Ashton), beliebte Produktionen von MacMillan, Cranko, Tetley und Kilian und die Arbeit einer neuen Generation von Choreografen wie Forsyth, Duato, James Kudelka. Gleichzeitig erhalten Tänzer eine bessere Ausbildung, weil... da sind mehr kompetente Lehrer. Das relativ neue Gebiet der Tanzmedizin hat Tänzern Zugang zu Techniken zur Verletzungsprävention verschafft. Es gibt ein Problem, Tänzer an die Musik heranzuführen. Gemeinsam Popmusik kennt die Vielfalt der Stile, die in vielen Ländern trainiert werden, nicht musikalische Bildung ist auf einem niedrigen Niveau, bei der Aufführung von Tänzen werden ständig Tonträger verwendet – all dies beeinträchtigt die Entwicklung der Musikalität bei Tänzern. Ein neues Phänomen in den letzten Jahrzehnten war Ballettwettbewerbe Die erste Veranstaltung fand 1964 in Varna (Bulgarien) statt. Sie locken nicht nur mit Preisen, sondern auch mit der Möglichkeit, vor Richtern der renommiertesten Organisationen aufzutreten. Nach und nach gab es weitere Wettbewerbe, mindestens zehn in verschiedenen Ländern; einige bieten neben Geld auch Stipendien an. Aufgrund des Bedarfs an Choreografen entstanden auch Choreografiewettbewerbe.

• - Die Uraufführung in Moskau – „Das Ballett von Orpheus und Eurydike“ wurde 1673 vom Schweden N. Lim inszeniert. Im Jahr 1773 wurde im Moskauer Waisenhaus eine Abteilung eröffnet...

  Moskau (Enzyklopädie)

• - Klassik erschien erstmals 1912 in Japan, als der italienische Choreograf Giovanni Rosi dort ankam, der drei Jahre lang Tanz am Teikoku Gekijo Theater unterrichtete...

  Ganz Japan

• - Ballett, Typ darstellende Künste: eine musikalische und choreografische Theateraufführung, bei der alle Ereignisse, Charaktere und Gefühle der Figuren durch Tanz vermittelt werden...

  Kunstlexikon

• - - Bühnenansicht. Klage; eine Aufführung, deren Inhalt in Musik und Choreographie verkörpert wird. Bilder Basierend auf der allgemeinen Dramaturgie Plan B. vereint Musik, Choreografie und bildende Kunst...

  Musik-Enzyklopädie

• - Schlagen wir einen Band von Puschkin auf: Das Theater ist bereits voll; die Kisten leuchten; Die Stände und die Sitzplätze – alles ist in vollem Gange; Im Paradies planschen sie ungeduldig, und als der Vorhang aufgeht, macht er ein Geräusch ...

  Musikalisches Wörterbuch

• - eine Art Theaterkunst, deren Hauptausdrucksmittel der sogenannte „klassische“ Tanz ist; ein szenisches Werk, das zu dieser Kunstform gehört...

  Colliers Enzyklopädie

Klassiker sind nicht nur Sinfonien, Opern, Konzerte und Kammermusik. Einige der bekanntesten klassischen Werke erschienen in Ballettform. Das Ballett entstand in der Renaissance in Italien und entwickelte sich nach und nach zu einer technischen Tanzform, die von den Tänzern viel Training erforderte. Die erste gegründete Ballettkompanie war die Pariser Opernballett, die gegründet wurde, nachdem König Ludwig XIV. Jean-Baptiste Lully zum Direktor der Royal Academy of Music ernannt hatte. Lullys Kompositionen für Ballett gelten vielen Musikwissenschaftlern als Wendepunkt in der Entwicklung dieses Genres. Seitdem hat die Popularität des Balletts allmählich nachgelassen und ist von einem Land in ein anderes „gewandert“, was Komponisten hervorgebracht hat verschiedene Nationalitäten Gelegenheit, einige ihrer schönsten zusammenzustellen Berühmte Werke. Hier sind sieben der beliebtesten und beliebtesten Ballette der Welt.

Tschaikowsky schrieb diesen zeitlosen Ballettklassiker im Jahr 1891, der zu den beliebtesten zählt Ballett aufgeführt moderne Ära. In Amerika erschien „Der Nussknacker“ erstmals 1944 auf der Bühne (aufgeführt vom San Francisco Ballet). Seitdem ist es zur Tradition geworden, „Der Nussknacker“ zur Neujahrs- und Weihnachtszeit aufzuführen. Dieses großartige Ballett hat nicht nur das Beste erkennbare Musik, aber seine Geschichte macht auch Kindern und Erwachsenen Freude.

Schwanensee ist das technisch und emotional komplexeste klassische Ballett. Seine Musik war ihrer Zeit weit voraus und viele seiner frühen Interpreten argumentierten, dass Schwanensee zu schwer zu tanzen sei. Tatsächlich ist über die ursprüngliche Erstproduktion nur sehr wenig bekannt, und was heute jeder gewohnt ist, ist eine Überarbeitung berühmte Choreografen Produktion von Petipa und Ivanov. Schwanensee wird immer als Standard des klassischen Balletts gelten und über Jahrhunderte hinweg aufgeführt.

Ein Traum in einer Sommernacht

Shakespeares Komödie „Ein Sommernachtstraum“ wurde in vielen Kunststilen adaptiert. Das erste abendfüllende Ballett nach diesem Werk wurde 1962 von George Balanchine zur Musik von Mendelssohn inszeniert. Heute ist „Ein Sommernachtstraum“ ein sehr beliebtes Ballett, das von vielen geliebt wird.

Das Ballett Coppelia wurde geschrieben Französischer Komponist Leo Deliboe und choreografiert von Arthur Saint-Leon. Coppelia ist eine unbeschwerte Geschichte, die den Konflikt des Menschen zwischen Idealismus und Realismus, Kunst und Leben mit lebendiger Musik und lebhaftem Tanz darstellt. Seine Uraufführung an der Pariser Oper war 1871 äußerst erfolgreich, und das Ballett ist bis heute erfolgreich und gehört zum Repertoire vieler Theater.

Peter Pan

Peter Pan- ein großartiges Ballett für die ganze Familie. Die Tänze, Bühnenbilder und Kostüme sind so farbenfroh wie die Geschichte selbst. Peter Pan ist relativ neu in der Welt des Balletts, und da es keine klassische Einzelversion davon gibt, kann das Ballett von jedem Choreografen, jeder Choreografin und jedem anders interpretiert werden musikalischer Leiter. Auch wenn sich jede Inszenierung voneinander unterscheiden kann, bleibt die Geschichte nahezu dieselbe, weshalb dieses Ballett als Klassiker eingestuft wurde.

Dornröschen

„Dornröschen“ war der erste berühmtes Ballett Tschaikowsky. Dabei ist Musik nicht weniger wichtig als Tanzen. Die Geschichte von „Dornröschen“ ist die perfekte Kombination aus ballettköniglichen Feierlichkeiten in einem prächtigen Schloss, dem Kampf von Gut und Böse und dem triumphalen Sieg der ewigen Liebe. Die Choreografie stammt vom weltberühmten Marius Pepita, der auch bei „Der Nussknacker“ und „Schwanensee“ Regie führte. Dieses klassische Ballett wird bis ans Ende der Zeit aufgeführt.

Aschenputtel

Es gibt viele Versionen von Aschenputtel, aber die häufigste ist die Version von Sergej Prokofjew. Prokofjew begann 1940 mit der Arbeit an Aschenputtel, vollendete die Partitur jedoch aufgrund des Zweiten Weltkriegs erst 1945. 1948 inszenierte der Choreograf Frederick Ashton eine komplette Produktion mit Prokofjews Musik, die ein großer Erfolg wurde.