Poesie über Poesie: Goldene und silberne Jahrhunderte der russischen Kultur. Planeinführung. Zwei Epochen Das Thema Poesie in den Werken einiger Autoren: Alexander Sergeevich Puschkin Valery Bryusov Mikhail Yuryevich Lermontov Anna Akhmatova Vladimir Solovyov Vladimir Vladimirovich Mayakovsky Fazit Quellen Haftungsausschluss (Verzicht)

Im Allgemeinen glaube ich, dass jede Analyse eines literarischen Werks, einschließlich (und noch mehr!) eines Gedichts, eine Zerstörung, eine Vergröberung des ursprünglichen figurativen Inhalts darstellt, was nicht nur nicht hilft, zu spüren, was der Autor darin hineingesteckt hat , sondern hindert einen im Gegenteil daran. Solche Methoden eignen sich eher für die Geschichte, aber die Literatur muss gefühlt werden. Das ist natürlich nur meine Meinung, aber trotzdem werde ich in dieser Arbeit versuchen, sicherzustellen, dass es so wenig Analyse wie möglich gibt, aber es wird Gedichte selbst geben, Gedichte, Gedichte wieder und ein wenig von meinem fast historischen und nahezu literarische Kommentare.

Einführung. Zwei Epochen

Das Studium und der Vergleich von Lyrik aus zwei verschiedenen Epochen ist ohne den Bezug zur Geschichte undenkbar – zu jenen Ereignissen, die das Schicksal und die Weltanschauung von Dichtern zeitweise entscheidend beeinflusst haben.

Also das Goldene und das Silberne Jahrhundert, zwei „russische Renaissancen“, zwei Lichtblitze inmitten von Jahrtausenden der Dunkelheit und des Graus.…

Das neunzehnte Jahrhundert ist natürlich vaterländischer Krieg 1812, das man als „Null-Weltkrieg“ bezeichnen könnte, die Schlacht von Borodino, die Konfrontation zwischen Westlern und Slawophilen, der Dekabristenaufstand, die Reformen Alexanders II., die Abschaffung der Leibeigenschaft, der Krimkrieg, die Verteidigung von Sewastopol, Populismus. .. Das sind die Namen von Puschkin, Lermontow, Nekrasow, Gogol, Tolstoi, Turgenjew, Dostojewski, Tolstoi, Solowjow...

Das 20. Jahrhundert bzw. sein Beginn ist völlig anders, aber ebenso widersprüchlich. Die wichtigsten Ereignisse hier: zwei Revolutionen, die ganz Russland auf den Kopf stellten, was nicht einmal mit einem Sturm, sondern mit dem Fall eines riesigen Meteoriten oder Kometen verglichen werden kann. In der Literatur und vor allem in der Poesie zeichnen sich viele Trends ab: vom Symbolismus, der viel vom Goldenen Zeitalter übernommen hat, bis zum Futurismus, der fordert: „Puschkin, Dostojewski, Tolstoi usw. aufgeben.“ und so weiter. vom Dampfschiff der Moderne“ (aus dem Almanach „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“).

Es gab verschiedene Richtungen und Schulen, sie unterschieden sich in vielerlei Hinsicht, aber einige Themen erregten die Aufmerksamkeit aller Dichter. In einer davon geht es um den Zweck der Kreativität und tatsächlich um das Leben des Dichters selbst ... Man könnte sagen, bei Poesie geht es um Poesie ...

Alexander Sergejewitsch Puschkin (1799–1836)

Vielleicht lässt sich Puschkins Haltung zu unserem Thema am deutlichsten in seinen Gedichten „Echo“, „Prophet“ und „Monument“ erkennen. Ohne uns an die Chronologie zu halten, beginnen wir mit „Echo“:

Brüllt das Biest im tiefen Wald?
Bläst das Horn, brüllt der Donner,
Singt das Mädchen hinter dem Hügel?
Für jeden Ton...
Ihre Antwort ins Leere
Du wirst plötzlich gebären

Du lauschst dem Donnergrollen,
Und die Stimme des Sturms und der Wellen,
Und der Schrei der ländlichen Hirten -
Und Sie senden eine Antwort;
Sie haben kein Feedback ... Das ist es
Und du, Dichter!

Hier geht es um die „technische“ Seite des Themas: Die Aufgabe des Dichters besteht darin, diese Welt mit all ihrer Schönheit und Hässlichkeit, mit all ihren Paradoxien und Widersprüchen widerzuspiegeln, ohne etwas zu erfinden, sondern nur die Realität durch sich selbst zu brechen. Es gibt einen gewissen Hinweis auf das tragische Schicksal des Dichters: Dieses damals von Lermontov entwickelte Thema wird durch nur eine Zeile dargestellt: „Sie haben keine Antwort ...“

Über die gesellschaftliche Bedeutung der Kunst fällt hier kein Wort ... Dieses Thema wird später in „Monument“ behandelt, aber mehr dazu weiter unten. Jetzt möchte ich mich an das Gedicht „Prophet“ erinnern, das konzeptionell dem „Echo“ nahe kommt:

Prophet

Wir werden von spirituellem Durst gequält,
In der dunklen Wüste schleppte ich mich, -
Und der sechsarmige Seraph
Er erschien mir an einem Scheideweg.
Mit Fingern so leicht wie ein Traum,
Er berührte meine Augen.
Die prophetischen Augen öffneten sich,
Wie ein verängstigter Adler.
Er berührte meine Ohren,
Und sie waren voller Lärm und Klingeln:
Und ich hörte den Himmel beben,
Und der himmlische Flug der Engel,
Und das Reptil des Meeres unter Wasser,
Und die Vegetation des fernen Weinstocks,
Und er kam an meine Lippen
Und mein Sünder riss mir die Zunge heraus,
Und untätig und listig,
Und der Stachel der weisen Schlange
Meine gefrorenen Lippen
Er legte es mit seiner blutigen rechten Hand nieder.
Und er schnitt mir mit einem Schwert in die Brust,
Und nahm mein zitterndes Herz heraus
Und Kohle, die vor Feuer brennt,
Ich drückte das Loch in meine Brust.
Ich lag wie eine Leiche in der Wüste.
Und Gottes Stimme rief mir zu:
„Steh auf, Prophet, und sieh und höre,
Lass dich von meinem Willen erfüllen
Und unter Umgehung der Meere und Länder,
Verbrenne die Herzen der Menschen mit dem Verb

Die Identifikation des Dichters mit dem Propheten verändert etwas die klassischen Vorstellungen: Es gibt keine Muse, aber es gibt eine „Stimme Gottes“, die mit einem „Verb“ dazu aufruft, „die Herzen der Menschen“ zu verbrennen, die Quelle der Inspiration ist Gott , und der Dichter antwortet nur Gott. Ein anderes Gefühl: Der Schmerz, die unglaubliche Komplexität, Dichter zu werden, ist auch sehr charakteristisch für dieses Thema.

Das Gedicht „Denkmal“ nimmt in Puschkins Werk und allgemein im Thema „Dichter und Poesie“ einen besonderen Platz ein.

Monument

Exegi monumentum

Ich habe mir ein Denkmal gesetzt, das nicht von Hand gemacht wurde,
Der Weg des Volkes zu ihm wird nicht versperrt,
Mit seinem rebellischen Kopf stieg er höher
Alexandrische Säule.

Nein, ich werde nicht alle sterben – die Seele ist in der geschätzten Leier
Meine Asche wird überleben und der Verfall wird entkommen –
Und ich werde herrlich sein, solange ich in der sublunären Welt bin
Mindestens ein Piit wird am Leben sein.

Gerüchte über mich werden sich in ganz Russland verbreiten.
Und jede Zunge, die darin ist, wird mich rufen,
Und der stolze Enkel der Slawen und der Finnen und jetzt wild
Tunguz und Freund der Steppen Kalmücken.

Und ich werde noch lange so freundlich zu den Menschen sein,
Dass ich mit meiner Leier gute Gefühle erweckte,
Dass ich in meinem grausamen Zeitalter die Freiheit verherrlicht habe
Und er rief um Gnade für die Gefallenen.

Auf den Befehl Gottes, oh Muse, sei gehorsam,
Ohne Angst vor Beleidigungen, ohne eine Krone zu fordern,
Lob und Verleumdung wurden gleichgültig hingenommen,
Und fordere keinen Narren heraus

Warum verdient dieses Gedicht unsere besondere Aufmerksamkeit? Aus mehreren Gründen: Erstens wurde es 1836 geschrieben und fasst tatsächlich das gesamte Leben des Dichters zusammen. Hier wird viel gesagt: über die Unsterblichkeit der Kunst, über ihre Ziele („Und ich werde noch lange so freundlich zu den Menschen sein / Dass Gefühle Art Ich erwachte mit der Leier…“), das Thema der göttlichen Gabe, das in „Der Prophet“ angesprochen wurde („Auf Befehl Gottes, oh Muse, sei gehorsam“), wird wiederholt, und nicht nur das.

Zweitens das ein vonÜbersetzungen von „Ad Melpomena“ („An Melpomene“) von Horaz, daher gibt es in der russischen Literatur viele ähnliche Gedichte, und anhand ihres Beispiels können leicht Vergleiche angestellt werden. Nachdem wir „Monument“ wie eine Brücke geworfen haben (entschuldigen Sie das Wortspiel), gehen wir weiter zum Silbernen Zeitalter: Valery Bryusov.

Valery Bryusov (1873–1924) Denkmal

Mein Denkmal steht, zusammengesetzt aus konsonanten Strophen.

Schon in der ersten Zeile spürt man den Unterschied zu Puschkins Gedicht: Hier besteht das Denkmal „aus Konsonantenstrophen“ – das ist das Erbe des Dichters, seine Gedichte. Puschkin war der ursprünglichen Bedeutung dieses Wortes näher: Sein Denkmal ist eine Erinnerung an die Verdienste des Dichters, also an die Folgen seiner Gedichte, und nicht an die Gedichte selbst.

Schrei, randaliere – du wirst ihn nicht zu Fall bringen können!

Der Ton des Kampfes, des Widerstands gegen etwas ist, wie wir später sehen werden, sehr charakteristisch für das Silberne Zeitalter. Dies ist nicht verwunderlich – obwohl Puschkin seine Zeit als „grausam“ bezeichnete, ist sie hinsichtlich ihrer Turbulenzen nicht mit der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert zu vergleichen. Anscheinend war schon damals die Atmosphäre der „Unfreiheit der Meinungsäußerung“ zu spüren, wenn ein Dichter der gefährlichste Beruf für einen Menschen ist...

Charakteristisch für die Symbolik sind folgende Zeilen:

Und alle Lager sind Kämpfer und Menschen unterschiedlichen Geschmacks,
Im Schrank des armen Mannes und im Palast des Königs,

Hier geht es um die Tatsache, dass Poesie für alle Menschen verständlich sein (wird/sollte), unabhängig von Nationalität, sozialem Status und anderen künstlichen Attributen.

Vor Freude werden sie mich Valery Bryusov nennen,
Über Freundschaft mit einem Freund sprechen.

Charakteristisch für die Symbolik ist auch die Personifizierung, die Individualität, die in der direkten Erwähnung des Namens des Autors zum Ausdruck kommt.

Hier ist ein weiteres Gedicht von Bryusov, das für seine Zeit charakteristisch ist:

An den jungen Dichter

Ein blasser junger Mann mit brennendem Blick,
Jetzt gebe ich dir drei Bündnisse:
Akzeptiere zunächst: Lebe nicht in der Gegenwart,
Nur die Zukunft ist die Domäne des Dichters.

Denken Sie an das zweite: Mitfühlen Sie mit niemandem,
Liebe dich selbst unendlich.
Dritter Bergfried: Anbetungskunst
Nur für ihn, gedankenlos, ziellos.

Ein blasser junger Mann mit verwirrtem Blick!
Wenn du meine drei Bündnisse akzeptierst,
Still werde ich als besiegter Kämpfer fallen,
Im Wissen, dass ich den Dichter in der Welt lassen werde.

Auf den ersten Blick (?) etwas seltsame Aussagen: „Lebe nicht in der Gegenwart“, „Mitleid mit niemandem“, „Liebe dich selbst ... liebe dich selbst unendlich“ ... Das dritte Testament über die Anbetung Kunst (vielleicht Wahrheit? Dann scheint „niemand“ logischer zu sein) – seien Sie unparteiisch, aber auf jeden Fall nur eine Vermutung ...). Die letzten beiden Zeilen: „Im Stillen werde ich als besiegter Kämpfer fallen / Wissend, dass ich den Dichter in der Welt zurücklassen werde.“ Ziehen Sie eine Parallele zwischen Kunst und ... Krieg, so seltsam es auch klingen mag ...

Ich werde versuchen, das erste „Testament“ so zu erklären, wie ich es verstehe: Es war kein Zufall, dass die Zeit des Silbernen Zeitalters so viele großartige Menschen hervorgebracht hat. Tatsache ist, dass in diesem Moment das Schicksal Russlands, seine Zukunft, entschieden wurde und jeder Einfluss, jede Empörung es in die eine oder andere Richtung ändern konnte. Dies ist der Einfluss, den der Dichter haben muss, wenn er versucht, den Prozess der natürlichen Entwicklung zu lenken. Aus diesem Grund darf er „nicht in der Gegenwart leben“, und deshalb kommt es an einem solchen Punkt der Gabelung, einem Bruch, wie dem Anfang Im 20. Jahrhundert kam es zu einem poetischen Aufschwung.

Lermontov beschrieb eine sehr schwierige Zeit, die der Zeit von Bryusov in gewisser Weise ähnelte. Machen wir weiter...

Michail Jurjewitsch Lermontow (1814–1841)

Sowohl Leben als auch Werk von Lermontov sind von Tragödien durchdrungen. Es genügt, mindestens eines seiner Gedichte zu nehmen, und wir werden dort Schmerz, Qual und Leid sehen. Gedichte über Poesie sind keine Ausnahme. Zum Beispiel „Prophet“:

Prophet

Seit dem ewigen Richter
Der Prophet gab mir Allwissenheit,
Ich lese in den Augen der Menschen
Seiten voller Bosheit und Laster.

Ich begann, Liebe zu verkünden
Und die Wahrheit ist reine Lehre:
Alle meine Nachbarn sind in mir
Sie warfen wild mit Steinen.

Ich habe Asche auf meinen Kopf gestreut,
Ich bin als Bettler aus den Städten geflohen,
Und so lebe ich in der Wüste,
Wie Vögel, Gottes Gabe an Nahrung;

Den Bund des Ewigen halten
Das irdische Geschöpf ist mir unterwürfig;
Und die Sterne hören mir zu
Freudig mit Rochen spielen.

Wenn durch den lauten Hagel
Ich mache mich in Eile auf den Weg
Das sagen die Ältesten ihren Kindern
Mit einem stolzen Lächeln:

„Sehen Sie: Hier ist ein Beispiel für Sie!
Er war stolz und kam mit uns nicht klar:
Narr, wollte er uns versichern,
Was Gott durch seine Lippen sagt!

Schaut ihn an, Kinder:
Wie düster und dünn und blass er ist!
Schau, wie nackt und arm er ist,
Wie alle ihn verachten!“

Dem Titel und dem Anfang nach zu urteilen („Da der ewige Richter /
Er gab mir die Allwissenheit des Propheten ...“), dieses Gedicht ist eine Fortsetzung von Puschkins „Der Prophet“, aber das Thema hier ist völlig anders, rein lermontovianisch: Puschkins mangelnde Reaktion des Lesers („Sie haben keine Antwort ...“) schlägt hier in offene Feindseligkeit, Verachtung, ja sogar Hass um. Leider war dies offenbar tatsächlich Lermontovs Zeit. Dies ist jedoch nicht das Hauptproblem, das Problem des Mangels an einem Leser, der Kreativität verstehen kann, war höchstwahrscheinlich für alle Dichter: Das Schlimmste ist, dass, wenn Puschkin und Bryusov versuchen könnten, etwas zu ändern, ihre Zeit mit ihrer eigenen ändern könnte Kreativität, und das sehen wir in ihren Gedichten, dann hat Lermontov das nicht. Wahrscheinlich bestand seine Mission darin, Kunst durch diese Dunkelheit zu bringen, zu vermitteln kulturelles Erbe weiter, so dass später die Gedichte von Tyutchev, Fet und dann Solovyov, Achmatova und sogar den Futuristen auftauchten: Obwohl sie zum Verzicht auf die Klassiker aufriefen, standen sie auf die eine oder andere Weise auf deren Grundlage. (Es könnte sich die Frage stellen: Was wäre, wenn Lermontov nicht existiert hätte, dann hätten Puschkins Gedichte Achmatowa nicht erreicht? Nein, das hätten sie getan, aber... Tatsache ist, dass Kunst nicht nur in Form von Büchern oder, sagen wir, Gemälden existieren kann Darüber hinaus hat Kunst überhaupt nichts mit Büchern zu tun, und ein Buch ist nur ein Kommunikationsmittel zwischen ihnen, das es uns ermöglicht, mit denen zu kommunizieren, die zwei Jahrhunderte (oder sogar Jahrtausende) vor uns gelebt haben Sie – bei uns. Außerdem kann die Kunst nicht stillstehen, sie kann nicht „eingefroren“ werden – sie muss leben und sich entwickeln, sonst wird sie sterben...)

Nun, da wir uns an Achmatowa erinnerten, diese große Dichterin ...

Anna Andrejewna Achmatowa (1889–1966)

Wenn man das gewählte Thema fortsetzt, kann man nicht umhin, Achmatowas Arbeit zu erwähnen. Obwohl die Aufgabe der Poesie nicht im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht, brachte sie auch hier etwas Neues ein. Z.B:

Schaffung

Es passiert so: eine Art Trägheit;
Die Uhr klingelt nicht in Ihren Ohren;
In der Ferne das Grollen des nachlassenden Donners.
Unerkannte und gefangene Stimmen
Ich stelle mir sowohl Klagen als auch Stöhnen vor,
Ein geheimer Kreis verengt sich,
Aber in diesem Abgrund des Flüsterns und Klingelns
Ein alles erobernder Klang erklingt.
Es ist so unglaublich still um ihn herum,
Man hört das Gras im Wald wachsen,
Wie er mit einem Rucksack schneidig über den Boden geht.
Aber jetzt werden die Worte gehört
Und leichte Reime signalisieren Glocken, -
Dann beginne ich zu verstehen
Und nur diktierte Zeilen
Sie gehen in ein schneeweißes Notizbuch.

(ein paar Sekunden Stille)

Nein, ich kann, ich habe einfach kein Recht, mich zu diesem wunderbaren Gedicht zu äußern: Es hat ein solches Schicksal nicht verdient, es wäre zu grausam. Aber wenn Kommentare unbedingt notwendig sind, dann ist es besser, einen anderen Vers zu nehmen:

* * *

Wir haben frische Worte und ein Gefühl der Einfachheit
Verlieren ist nicht so, als würde ein Maler sein Augenlicht verlieren,
Oder ein Schauspieler – Stimme und Bewegung,
Und wie sieht es mit der Schönheit einer schönen Frau aus?

Aber versuchen Sie nicht, es für sich zu behalten
Dir vom Himmel gegeben:
Verurteilt – und wir wissen es selbst –
Wir geben aus, nicht sparen.

Geh allein und heile die Blinden,
In einer schwierigen Stunde des Zweifels herauszufinden
Der hämische Spott der Studenten
Und die Gleichgültigkeit der Menge.

Ja, tatsächlich sehen wir hier Anklänge an Puschkin und Lermontow, insbesondere in der letzten Strophe (die Zeile „Gehe allein und heile die Blinden“ ist sehr typisch – ein Dichter „heilt“ eine blinde Gesellschaft und öffnet ihre Augen für ihre eigenen Fehler und mögliche Wege, sie zu beheben... ), aber wir sehen dasselbe Problem mit anderen Augen, oder besser gesagt, wir fühlen es sogar mit einem anderen Herzen... In der zweiten Strophe heißt es, dass Poesie und Kreativität immer ein Opfer sind, und so weiter Wer Talent hat, ist bereits dazu „verdammt“, es zu opfern. Ich erinnere mich an die Worte aus Tarkowskis Film „Andrei Rublev“: „Es ist eine große Sünde, die Gabe Gottes nicht zu nutzen“ (nicht wörtlich). Aber warum dieses Opfer? Leider oder zum Glück können wir nicht überprüfen, was drin sein würde dieser Moment, wenn es Achmatowa nicht gäbe. Aber wenn durch sie (und im Allgemeinen durch die Gedichte von irgendjemandem) das Leben eines Menschen auch nur um ein Milligramm, sogar um ein Tausendstel Prozent besser wurde (nicht im physischen, sondern im emotionalen Sinne), dann war dieses Opfer nicht umsonst. Allerdings geschieht auf dieser Welt nichts umsonst...

Als wir, unseren Assoziationen folgend, vom 19. ins 20. Jahrhundert und zurück sprangen, vergaßen wir fast denjenigen, der als Vorbote des Silbernen Zeitalters gilt: Wladimir Solowjow.

Wladimir Solowjow (1853–1900)

Hier möchte ich ein Gedicht herausgreifen, das die Zukunft der Poesie widerspiegelt:

* * *

Lieber Freund, verstehst du nicht,
Dass alles, was wir sehen, ist
Nur eine Spiegelung, nur Schatten
Aus dem Unsichtbaren mit deinen Augen?

Lieber Freund, hörst du nicht?
Der Alltagslärm knistert -
Nur die Antwort ist verzerrt
Triumphierende Harmonien?

Lieber Freund, hörst du nicht,
Was ist eins auf der ganzen Welt -
Nur das, was Herz zu Herz ist
Sagt in einem stillen Hallo?

Tatsächlich drückt die erste Strophe sehr deutlich die idealistische Idee der Symbolik aus, die zweite – den Beginn des Akmeismus. Ich denke, ich sollte hier nicht lange verweilen: Beide Ideen bedürfen keiner besonderen Kommentare, aber es ist unmöglich, sich bei der Betrachtung unseres Themas nicht an dieses Gedicht und seinen Autor zu erinnern.

Die Dichter, die wir zuvor untersucht haben, standen Puschkin in ihrer Einstellung zum Thema Poesie nahe: Sie stellten sich die Aufgabe, diese Welt und ihre Zeit zu reflektieren. Allerdings vertraten nicht alle Dichter des Silbernen Zeitalters diesen Standpunkt:

Wladimir Wladimirowitsch Majakowski (1893-1930)

Hier möchte ich nicht Mayakovskys Gedichte zitieren, sondern nur ein kleines Zitat aus seinem Artikel „How to Make Poems“:

„Welche Daten werden benötigt, um mit der poetischen Arbeit zu beginnen?

Erste. Das Vorhandensein eines Problems in der Gesellschaft, dessen Lösung nur durch ein poetisches Werk denkbar ist. Gesellschaftsordnung.

Zweite. Genaues Wissen, oder vielmehr ein Gespür für die Wünsche Ihrer Klasse (oder der Gruppe, die Sie vertreten) in dieser Angelegenheit, also eine Zielsetzung.“

Alle. Vielleicht bin ich zu kategorisch, aber von diesem Moment an existiert Mayakovsky als Dichter für mich nicht mehr. Ja, Sie können so viel sagen, wie Sie möchten, dass er an eine glänzende kommunistische Zukunft glaubte und alles tat, um sie näher zu bringen usw. Höchstwahrscheinlich sind seit 1991 bei allen Schülern ähnliche Gedanken von Aufsatz zu Aufsatz zu diesem Thema gewandert. Aber das ändert nichts an der Frage: Bryusovs zweiter Auftrag wird nicht erfüllt, und der Dichter wird wirklich „ein Rad und ein Rädchen“ (W. Lenin). Aber das sollte nicht passieren! Der Dichter muss seine Gefühle ausdrücken, er muss wirklich frei sein, sein einziger „Kunde“ ist nicht die Gesellschaft, nicht die Partei, nicht einmal das Volk, sondern nur das Herz und Gott! Warum konnten sie beispielsweise Achmatowa nicht durch Repression „überzeugen“, nicht so zu schreiben, wie sie schrieb, sondern so, wie sie „sollte“? Der Punkt liegt in der inneren Freiheit – wenn eine Person tatsächlich frei ist, ist es unmöglich, sie einzuschüchtern oder auf irgendeine Weise zu beeinflussen. Freiheit ist wahrscheinlich die wichtigste Voraussetzung dafür, dass ein Mensch den Namen eines Dichters trägt, sonst hört er auf, einer zu sein und wird ein Agitator, ein professioneller, talentierter, aber ein Agitator. Vielleicht irre ich mich, aber das ist meine Meinung.

Abschluss

Wir haben einen kurzen Rückblick auf die russische Poesie im Kontext des Themas „Dichter und Poesie“ am Beispiel des Goldenen und Silbernen Zeitalters der russischen Kultur durchgeführt. Natürlich gibt es zu diesem Thema keine „wahre“, „echte“ Meinung – jeder hat auf seine Weise Recht, aber wir sehen, dass die Gedanken einiger Dichter andere aus einer ganz anderen Zeit beeinflussen, uns, Leser, Geben beeinflussen Geburt (oder Nicht-Gebären) als Reaktion in unseren Herzen, verändert unser Leben, verändert die Geschichte. Hier ist alles miteinander verbunden, und es ist unmöglich, das eine isoliert vom anderen zu betrachten, das Silberne Zeitalter ohne das Erbe des Goldenen, das Goldene Zeitalter ohne seine Fortsetzung im Silbernen oder die Geschichte ohne Kunst. Assoziative Verbindungen führten uns von Puschkin zu Bryusov und von ihm zu Lermontov durch Zeiten, denen echte Poesie nicht unterliegt.

Quellen Russische Literatur des 20. Jahrhunderts. Lesebuch für die 11. Klasse. Komp. Barannikov et al. M., „Aufklärung“, 1993. A. S. Puschkin. Gesammelte Werke in sechs Bänden. Band 1: „Ausgewählte Gedichte“. Beilage zur Zeitschrift „Junger Kollektivbauer“. M., 1949 Grundlehrbuch der Physik, herausgegeben von Akademiemitglied Landsberg. (So ​​weit wird sowieso niemand lesen...) Die Website „Element“ (http://www.litera.ru/stixiya/) – Texte einiger Gedichte und Biografien einiger Dichter. Vorgefertigte Abstracts und Essays. Nicht benutzt. Eigene Gedanken

Alle im Werk verwendeten Gedichte sind geistiges Eigentum ihrer Autoren.

Über das Silberne Zeitalter

Dichter und Schriftsteller des 19. Jahrhunderts gaben Russische Literatur ein großer Entwicklungsimpuls: Sie brachten es auf Weltniveau und schufen Werke, die noch immer als die grundlegendsten in der Geschichte der russischen Literatur gelten. Dieses Zeitalter wurde das Goldene Zeitalter genannt; es endete zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Die Literatur selbst strebte jedoch weiter nach vorne und nahm immer neue Formen an, und auf das Goldene Zeitalter folgte das Silberne Zeitalter.

Definition 1

Das Silberne Zeitalter ist die herkömmliche Bezeichnung für einen Zeitraum in der Entwicklung der russischen Poesie, der durch das Aufkommen einer großen Zahl von Dichtern und poetischen Bewegungen gekennzeichnet ist, die nach neuen poetischen Formen suchten und neue ästhetische Ideale vorschlugen.

Das Silberne Zeitalter kann getrost als Erbe des Goldenen Zeitalters bezeichnet werden. Dichter des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts stützten sich auf die Werke von A.S. Puschkin und die Dichter aus Puschkins Kreis sowie das Werk von F.I., der etwas später schrieb. Tyutcheva, A.A. Fet und N.A. Nekrasova.

Wenn es bei der Festlegung des chronologischen Rahmens des Goldenen Zeitalters praktisch keine Fragen gibt, bleiben die Grenzen des Silbernen Zeitalters immer noch verschwommen. Die meisten Literaturwissenschaftler sind sich einig, dass dieser Meilenstein in der Geschichte der russischen Poesie an der Wende der 80er und 90er Jahre des 19. Jahrhunderts beginnt. Wann er endet, ist jedoch umstritten. Es gibt mehrere Standpunkte:

• Einige Forscher glauben, dass das Silberne Zeitalter mit dem Anfang endete Bürgerkrieg(1918);
• Andere glauben, dass das Silberne Zeitalter 1921 endete, als Alexander Blok und Nikolai Gumilev starben;
• Wieder andere sind der Meinung, dass das Silberne Zeitalter ungefähr nach dem Tod von Wladimir Majakowski, also an der Wende der 1920er- und 1930er-Jahre, unterbrochen wurde.

Anmerkung 1

Es ist wichtig zu verstehen, dass, wenn das Konzept des Goldenen Zeitalters sowohl für Poesie als auch für Prosa gilt, wir, wenn wir über das Silberne Zeitalter sprechen, ausschließlich über Poesie sprechen. Diese Ära erhielt den Namen „Silberzeitalter“ in Anlehnung an den Namen ihres Vorgängers.

Dichter dieser Zeit experimentierten mutig mit literarischen Formen und Genres und schufen absolut einzigartige Werke, die in der Geschichte der russischen Literatur keine Entsprechung haben. Die Arbeit dieser Autoren prägte Richtungen der Poesie wie Symbolismus, Futurismus, Akmeismus, Imagismus und neue Bauernpoesie. Viele Forscher sagen, dass die Poesie des Silbernen Zeitalters im Hinblick auf historische Ereignisse, die sich damals in Russland abspielten, wurden ausgezeichnet akute Krise Glaube und Mangel an innerer Harmonie.

Die berühmtesten Dichter des Silbernen Zeitalters sind Anna Achmatowa, Wladimir Majakowski, Sergej Jesenin, Alexander Blok, Marina Zwetajewa und Iwan Bunin.

Symbolismus

Die erste Richtung, die im Silbernen Zeitalter entstand, war der Symbolismus. Er war das eigentliche Produkt der Krise, die das Russische Reich erfasste. Seine Entstehung wurde jedoch stark von einer anderen Krise beeinflusst – der Krise Europäische Kultur. Die führenden Köpfe des späten 19. Jahrhunderts überdachten in ihren Werken alle bestehenden moralischen Werte, kritisierten die Richtung der gesellschaftlichen Entwicklung und ließen sich stark von der Philosophie des Idealismus mitreißen.

Definition 2

Der Symbolismus ist eine Kunstrichtung, die von Experimentierfreude, Innovationsdrang und der Verwendung von Symbolik geprägt war.

Russische Symbolisten, entsetzt über den Zusammenbruch des Populismus in ihrem Land, gaben die Tendenz der Dichter um Puschkin auf, in ihren Werken akute soziale Fragen anzusprechen. Die Symbolisten wandten sich philosophischen Problemen zu. Zunächst imitierte die russische Symbolik die französische Symbolik, erlangte jedoch sehr bald ihre eigenen einzigartigen Merkmale.

Die russische Symbolik zeichnete sich durch das Fehlen einer einzigen poetischen Schule aus. Selbst in der französischen Symbolik kann man keine so große Vielfalt an Stilen und Konzepten finden, wie die Symbolik in Russland unterschiedlich war.

Alle nachfolgenden Richtungen waren auf die eine oder andere Weise von der Symbolik beeinflusst. Einige erbten seine Postulate direkt, während andere, die die Symbolik kritisierten und leugneten, ihre Entwicklung auf jeden Fall damit begannen, sich an ihn zu wenden.

Am Ursprung der russischen Symbolik standen die sogenannten „älteren Symbolisten“: Dmitri Merezhkovsky, Zinaida Gippius, Valery Bryusov, Alexander Dobrolyubov, Konstantin Balmont. Ihre Anhänger, die „Junior-Symbolisten“, waren Alexander Blok, Andrei Bely und andere.

Akmeismus

Der Akmeismus als Bewegung wurde zum direkten Erben des Symbolismus, er grenzte sich von ihm ab und wurde zu einer eigenständigen Bewegung, die sich seinem Vorläufer widersetzte.

Definition 3

Akmeismus - literarische Leitung, die den Kult der Konkretheit und „Materialität“ des Bildes proklamierte.

Die Entstehung des Akmeismus ist mit den Aktivitäten der poetischen Organisation „Workshop of Poets“ verbunden, und Nikolai Gumilyov gilt als Begründer dieser Richtung.

Akmeisten waren Anna Achmatowa, Sergej Gorodezki, Ossip Mandelstam, Michail Zenkewitsch und andere.

Die Acmeisten glaubten, dass der Zweck der Kunst darin bestehe, den Menschen zu veredeln. Ihrer Meinung nach sollte die Poesie die unvollkommenen Phänomene der umgebenden Realität künstlerisch verarbeiten und in etwas Besseres verwandeln.

Anmerkung 2

Für die Acmeisten war Kunst an sich wertvoll (Kunst um der Kunst willen).

Futurismus

Trotz aller Exzentrizität und Helligkeit der Poesie des Symbolismus und Akmeismus gilt der Futurismus als eine Art Quintessenz der Neuheit und Originalität des Silbernen Zeitalters.

Definition 4

Futurismus (von lateinisch futurum – „Zukunft“) ist der Name avantgardistischer Bewegungen, die sich in den 1910er und 20er Jahren in Russland und Italien entwickelten. Mit anderen Worten: Futurismus ist „die Kunst der Zukunft“

Futuristen interessierten sich weniger für den Inhalt von Gedichten als vielmehr für ihre Form. Futuristische Dichter schlugen vor, das Bestehende nicht zu bewahren literarische Traditionen und kulturelle Stereotypen, sondern sie zu zerstören. Der russische Futurismus zeichnete sich durch Rebellion, Anarchismus, den Ausdruck der Stimmung der Menge und Experimente mit Reimen und Rhythmen aus.

Als Schöpfer des russischen Futurismus gelten Mitglieder der literarischen und künstlerischen Vereinigung „Gilea“, zu der Velimir Chlebnikov, Elena Guro, Wassili Kamenski, Wladimir Majakowski und andere gehörten. „Gilea“ war es, die 1912 das Manifest „Ein Schlag ins Gesicht des öffentlichen Geschmacks“ veröffentlichte, in dem sie dazu aufrief, die Bindung an die Schöpfungen der Vergangenheit aufzugeben.

Der Futurismus selbst gliederte sich in mehrere Gruppen, die diese Richtung parallel entwickelten:

• Egofuturismus, angeführt von Igor Severyanin. Es existierte nur für relativ kurze Zeit;
• Kubofuturismus, dem die Mitglieder von „Gilea“ angehörten;
• Poesieverein „Mezzanine of Poetry“, gegründet von Egofuturisten;
• Futuristische Gruppe „Zentrifuge“.

Neue Bauernpoesie

Das Genre der Bauernpoesie entstand in Mitte des 19 Jahrhundert. Einige Dichter des Silbernen Zeitalters entwickelten und transformierten diese Richtung und schufen „neue Bauernpoesie“.

Definition 5

Neue Bauernpoesie ist eine konventionelle Richtung der russischen Poesie, die Dichter des Silbernen Zeitalters mit bäuerlichen Ursprüngen vereinte.

Am meisten bekannter Vertreter dieser Richtung ist Sergei Yesenin.

Dichter im Zusammenhang mit diese Richtung, bildeten keinerlei literarische Vereinigung, erst später wurden sie von Literaturwissenschaftlern in diese Kategorie eingeordnet, da sich alle diese Dichter in ihrem Werk mit dem Thema des ländlichen Russlands und der Verbindung zur Natur befassten.

Imaginismus

Imaginistische Dichter glaubten, dass der Zweck künstlerischer Kreativität darin bestehe, ein Bild zu schaffen. Die Imaginisten zeichneten sich, wie fast alle Dichter des Silbernen Zeitalters, durch Rebellion und Schockieren aus.

Der Futurismus hatte großen Einfluss auf die Entstehung des Imagismus. Als Ausgangspunkt des Imaginismus gilt das Jahr 1918, in dem die Organisation „Order of Imaginists“ gegründet wurde.

Anatoly Mariengov und Vadim Shershenevich gelten als Begründer des Imagismus.

Um dem Gott des Goldes zu gefallen
Krieg kommt von Rand zu Rand;
Und menschliches Blut fließt wie ein Fluss

Damaststahl fließt über die Klinge!
Menschen sterben für Metall
Die Leute brennen für Metal!
(Paare des Mephistopheles aus der Oper „Faust“)

Die Menschen waren schon immer fasziniert von Gold, das vor allem zur Herstellung wertvoller Schmuckstücke und Gegenstände verwendet wurde. Viele Museen auf der ganzen Welt verfügen über sogenannte „Goldene Räume“, die wahre Schatzkammern sind. Als ich zum Beispiel in der Eremitage war, sah ich dort den berühmten Kamm vom Solokh-Hügel und goldene Widder aus sibirischen Funden ... Und dort gab es viel verschiedenes Gold. Eine Menge... Im Schwedischen Historischen Museum in Stockholm gibt es einen „Goldenen Raum“. Ihre Sammlung umfasst insgesamt 52 Kilogramm Gold und mehr als 200 Kilogramm Silber. Aber es ist klar, dass es nicht das Gewicht des Metalls ist, das die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Sowohl Wissenschaftler als auch Besucher interessieren sich dafür, was aus diesem Metall hergestellt wurde und wie und wo diese Produkte daraus gefunden wurden.

„Goldener Raum“ im Historischen Museum in Stockholm.

Aus irgendeinem Grund glauben einige Leute, dass das Territorium Schwedens eine rückständige Region war, dass erst in der Ära der Wikinger, also der Händler und Piraten, arabisches Silber dorthin floss und Gold auftauchte, aber das stimmt überhaupt nicht. Die Ära unmittelbar „vor den Wikingern“ war sehr reich.

Darüber hinaus der Zeitraum zwischen 400 und 550 wird in Schweden als „Goldenes Zeitalter“ bezeichnet, und die Jahre von 800 bis 1050 (Wikingerzeit) werden manchmal als „Silberzeitalter“ bezeichnet. Darüber hinaus kam das Edelmetall natürlich sowohl in Form von Barren als auch in Form von Produkten nach Skandinavien und wurde oft in örtlichen Schmelzwerkstätten geschmolzen und in neue Dinge verwandelt und so weiter und so weiter. Obwohl etwas in Bestattungen und Schätzen landete und so zu uns kam.

Eingang zum Wikingermuseum in Stockholm.

Zu den ältesten Goldobjekten gehören Spiralmuster, die beispielsweise skandinavische Frauen bereits um 1500 v. Chr. um ihre Ellenbogen wickelten. Und daneben sind zwei goldene Schalen aus Blekinge und Halland ausgestellt, die mehrere Jahrhunderte später aus dünnem Goldblech hergestellt wurden. Sie weisen praktisch keine Gebrauchsspuren auf. Beide wurden wahrscheinlich als Opfergaben für die Götter dargebracht.

Von Anfang an waren Gold und Silber mit Macht, Reichtum und Luxus verbunden. Auch mit Spiralmotiven und später mit Schlangen und Drachen verzierte Ringe zieren seit langem die Hände ihrer Besitzer. Für mehrere Jahrhunderte, vom Beginn des ersten Jahrhunderts n. Chr. an, waren sie der Hauptindikator für den Status der Frau; Heute findet man sie in den Gräbern erwachsener Frauen. Auch Männer trugen Ringe und Ringe an den Fingern. Beispielsweise gehörte ein solcher Goldring aus Alt-Uppsala eindeutig einem Mann. Es wurde irgendwo in den römischen Provinzen hergestellt und war möglicherweise eine Belohnung für Tapferkeit im Kampf. Ein weiterer mit Granaten und Almandinen verzierter Ring aus der Zeit der Völkerwanderung trägt die griechische Inschrift: „Younes, sei gütig.“ Dieser Ring wurde im Södermanland gefunden.

Das Römische Reich hinterließ auch Originalschmuck oder Goldanhänger, sogenannte „Brakteaten“. Sie wurden in Skandinavien gefunden und waren eindeutig römischen Originalen nachempfunden, die den Kaiser darstellten, jedoch mit lokalen Motiven Folkloretraditionen. Zur Sammlung des Museums gehören auch Ringe mit Schlangenköpfen, die eindeutig von der römischen Mode inspiriert sind. Sowohl Männer als auch Frauen trugen solchen Schmuck.

Zu den einzigartigen Meisterwerken, die im „Goldenen Saal“ des Museums in Stockholm zu sehen sind, gehören drei goldene Halsbänder, zwei aus Gotland und eines aus Öland. Sie wurden im 5. Jahrhundert hergestellt und im 19. Jahrhundert separat entdeckt, jedoch ohne Begleitfunde. Diese Halsbänder gelten manchmal als die ältesten Insignien Schwedens, aber wir wissen nicht, wer sie trug oder welche Funktion sie hatten. Eine Theorie besagt, dass sie von Götterstatuen „getragen“ wurden, während eine andere besagt, dass sie von Frauen oder Männern getragen wurden, die politische oder religiöse Führer waren. Wir können definitiv sagen, dass diese Halsbänder verwendet wurden, da sie Gebrauchsspuren aufweisen und sich die Verzierung teilweise vollständig gelöst hat. Die Halsbänder bestehen aus ringförmig gebogenen Rohren und lassen sich mit einem einfachen Verschluss öffnen. Ihr Dekor ist voll von Miniaturfiguren von Menschen und Tieren, deren Bedeutung uns verloren geht. Zu sehen sind stilisierte Gesichter, Frauen mit Zöpfen in Lendenschurzen, nackte Schildträger, Schlangen und Drachen, Wildschweine, Vögel, Eidechsen, Pferde und Märchentiere, alles so klein, dass man es mit bloßem Auge kaum erkennen kann.

Goldenes Halsband aus dem 5. Jahrhundert. aus Gotland.

Einige Gegenstände, darunter Helme von Wendel und Uppland, sind auch mit ziselierten Bronzeplatten verziert, die Szenen aus der skandinavischen Mythologie darstellen. Darüber hinaus handelt es sich eindeutig um ein lokales Werk, da in Öland auch Bronzestempel für die Herstellung der Bronzebleche gefunden wurden, mit denen diese Helme verziert sind. Das heißt, im Norden von Uppland herrschten bereits in der Zeit vor den Wikingern mächtige Führer, die die Möglichkeit hatten, solche Helme für sich zu bestellen.

Im 9. oder 10. Jahrhundert wurden in Gräbern und Schätzen schwere Silberketten und prächtige vergoldete Broschen für Damenkostüme gefunden. Sie stellen den Höhepunkt der dekorativen Kunst jener Zeit dar. Elegant verzierte Armbänder und gedrehte Handringe sind bei Damenhorts weit verbreitet, ebenso wie viele Perlen, deren Glas aus Europa importiert wurde.

Werkzeuge für die Stoffbearbeitung: Ausstellungen im Wikingerschiffmuseum in Oslo.

Doch auch während der Wikingerzeit versteckten die Menschen weiterhin Silber- und Goldschätze im Boden. Einer der größten mittelalterlichen Schätze Europas ist der Gotland-Dünenschatz. Dazu gehörten feine Gürtelschnallen, orientalische Brillen und einheimische Anhänger. Zu den anderen Verstecken gehörten auch Schmuck, Perlen und Trinkbecher, die russischen oder byzantinischen Einfluss zeigten. Viele der Schätze Gotlands wurden 1361 vergraben, als die Dänen die Insel eroberten. Eines Tages entdeckten Forscher bei der Ausgrabung eines Feldes einen riesigen Cache, der als der größte Wikingerschatz der Welt präsentiert wurde. Der Schatz enthielt Tausende von Silbermünzen, Dutzende von Silberbarren, Hunderte von Armbändern, Ringen, Halsketten und mehr als 20 kg Bronzegegenstände. Insgesamt hatte der Schatz einen Wert von mehr als 500.000 US-Dollar.

In den nördlichen Regionen Skandinaviens gibt es viele Schätze. Sie bestehen aus kleinen Gegenständen aus Silber, Zinn und Kupferlegierung sowie Tierknochen und Hirschgeweihen. Der „Goldene Raum“ enthält die größte samische Schatzkammer Schwedens aus Gratrask am Tjautersee in Norrbotten.

Modell des Hafens von Birka aus dem Historischen Museum in Stockholm.

Aber es ist klar, dass einige der prächtigsten Artefakte im Goldenen Raum Kriegsbeute sind. Die Abendmahlsbecher, der Altar und die Bischofskruzifixe kamen während des Dreißigjährigen Krieges aus verschiedenen Teilen Deutschlands nach Schweden.

Es wird angenommen, dass das berühmte Reliquiar der Heiligen Elisabeth den Schädel der Heiligen enthielt. Dies ist ein atemberaubend exquisites Beispiel europäischen Schmucks. Das Reliquiar fiel 1632 in die Hände der schwedischen Armee, als diese die Festung Marienberg in Würzburg eroberte. Nun, es ist klar, dass er es nie zurück in seine Heimat geschafft hat.

Ein Fischer bei der Arbeit und im Gespräch. Diorama aus dem Viking Museum in York.

So zeigt allein die Untersuchung der Schätze des „Goldenen Raums“ des Historischen Museums in Stockholm erstens deutlich das Vorhandensein entwickelter Fähigkeiten im Umgang mit Gold und Silber unmittelbar vor der sogenannten Wikingerzeit, wobei Goldprodukte dominierten . Während der Wikingerzeit nahm die Zahl der vergrabenen kostbaren Gegenstände und arabischen Silberdirham deutlich zu, doch Silber als Metall dominierte.

Ausstellung aus der Königlichen Schatzkammer in Stockholm. Das sind natürlich keine Wikinger, aber das Können der Schöpfer dieser Rüstung ist beeindruckend.

In Schweden gibt es eine Gesetzgebung, nach der alle Bodenfunde aus dem 17. Jahrhundert aus Gold-, Silber- oder Kupferlegierungen, wenn sie älter als 100 Jahre sind, vom Staat von denen zurückgekauft werden, die sie gefunden haben. Dadurch entsteht eine ungewöhnlich große Anzahl an Gold- und Silbergegenständen, die sich in Schweden in staatlicher Hand befinden.

Zusammenfassend können wir sagen, dass die Meister des V. – VII. und VIII. – XI. Jahrhunderts. beherrschten die Techniken des Zeichnens und Gießens, Prägens, Körnens, Filigranierens, Metallkerbens, wussten, wie man die „Methode der verlorenen Form“ anwendet, sie waren mit der Technik der Verarbeitung von Edelsteinen und der Herstellung mehrfarbiger Glasperlen vertraut. Die Griffe der Schwerter der Wikinger selbst waren sehr lakonisch, aber mit großem Geschick verziert, aber auf die Schwerter und ihre Verzierung wird ein anderes Mal eingegangen...

Merkmale der Atmosphäre der Zeit

Der Bedarf an Veränderungen und Umstrukturierungen war offensichtlich. In Russland gab es drei Hauptkonflikte politische Mächte: Verteidiger des Monarchismus, Anhänger bürgerlicher Reformen, Ideologen der proletarischen Revolution. Dementsprechend wurden verschiedene Versionen des Perestroika-Programms vorgeschlagen: „von oben“, mittels „der außergewöhnlichsten Gesetze“, die „zu einer solchen sozialen Revolution, zu einer solchen Übertragung aller Werte ... führten, die die Geschichte noch nie erlebt hat.“ gesehen“ (A. P. Stolypin) und „von unten“, durch „eine heftige, brodelnde Welle von Klassen, die Revolution genannt wird“ (W. I. Lenin). Die Mittel des ersten Weges waren beispielsweise das Manifest vom 17. Oktober 1905 und die Gründung der Duma. Die Mittel des zweiten sind die theoretische Vorbereitung auf Revolution und Terror.

Merkmale der spirituellen Kultur.

Das spirituelle Leben Russlands spiegelte sowohl die sozialen Widersprüche der Zeit als auch die Widersprüche des russischen Gesellschaftsdenkens wider. In der Gesellschaft entsteht ein Gefühl einer gewissen Katastrophe der Zeit, der Vollständigkeit der Kultur. Diese Idee bestimmte das Pathos vieler Werke idealistischer Philosophen und symbolistischer Schriftsteller. Auf dieser Grundlage entstehen in Literatur und Kunst apokalyptische Motive der Vollständigkeit der Welt.

Wie diese Zeit wahrgenommen und bewertet wurde, lässt sich anhand der Titel der damals populären philosophischen Bücher beurteilen: „Entartung“ (Max Nordau, 1896), „Der Untergang Europas“ (Otto Spengler, 1918 – 1922).

Es entsteht die sogenannte „Philosophie des Pessimismus“, deren Ursprung A. Schopenhauer war. Er schrieb: „Die Welt wird durch einen gewissen blinden Willen erzeugt, der unvorhersehbar ist. Das Wesen der Welt ist Leiden.“

Max Nordau (Degeneration) sagte: „Eine ganze Epoche der Geschichte geht offenbar zu Ende und eine neue beginnt. Und alle Traditionen wurden untergraben und es gibt keine sichtbare Verbindung zwischen gestern und morgen ... Die bisher vorherrschenden Ansichten sind verschwunden oder wurden vertrieben, wie entthronte Könige ...“

Dichter und Philosoph D.S. Bereits 1893 schrieb Merezhkovsky in seinem Werk „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ über die Anzeichen einer bevorstehenden Wende in allen Lebensbereichen: „Unsere Zeit muss von zwei gegensätzlichen Merkmalen geprägt sein – dies ist eine Zeit des extremsten Materialismus und zugleich der leidenschaftlichsten Idealimpulse des Geistes.“ Wir befinden uns in einem großen, bedeutungsvollen Kampf zwischen zwei Lebensauffassungen, zwei diametral entgegengesetzten Weltanschauungen. Die neuesten Anforderungen des religiösen Gefühls kollidieren mit den neuesten Erkenntnissen der experimentellen Erkenntnis.“

Die Jahrhundertwende war die Zeit der Einführung verschiedener philosophischer Ideen, Strömungen und Tendenzen in das Bewusstsein der russischen Gesellschaft. Die Ideen der Erneuerung des christlichen Bewusstseins standen im Einklang mit den im Wesentlichen heidnischen Ideen von F. Nietzsche mit seiner Ablehnung des Christentums als Hindernis auf dem Weg des Einzelnen zu seinem übermenschlichen Zustand „mit einer Neubewertung der Werte“, seiner Lehre „über Willen und Freiheit“, mit der Ablehnung der Moral, Gottes („Gott ist tot!“). das heißt, laut Nietzsche ist der Niedergang mit der Krise des Christentums verbunden, statt des Gottmenschen bedarf es eines neuen „Übermenschen“, für den es die „alte“ Moral nicht gibt.

Gleichzeitig scheint die Ära aber auch eine Zeit einer Renaissance, einer spirituellen Erneuerung und eines kulturellen Aufschwungs zu sein. Das wichtigste Merkmal dieser Zeit ist die Annäherung von Philosophie und Literatur im Verständnis der Rolle des Spirituellen im Leben der Gesellschaft. Beleidigend neue Ära im Leben der russischen Gesellschaft gelten sie als Vertreter der unterschiedlichsten ideologischen und künstlerischen Bewegungen.

Goldenes und Silbernes Zeitalter der russischen Kultur.

Der Aufstieg sozialer und spiritueller Interessen, der Mitte der 90er Jahre begann. und manifestierte sich im Bereich der Philosophie, Literatur, bildenden Kunst, Musik, Theater, Ballett und ermöglichte es den Zeitgenossen, über die „spirituelle Wiederbelebung“ Russlands, über das kommende Silberne Zeitalter der russischen Kultur zu sprechen.

Folgt man der berühmten Formel von A. Grigoriev „Puschkin ist unser Ein und Alles!“, dann sollte die Etymologie der etablierten Kombination SILVER AGE (S.V.) genau in dieser klassischen Periode gesucht werden, die genannt wurde Puschkin-Ära oder das GOLDENE ZEITALTER der russischen Literatur. Im Gegensatz zu ihm hat S.V. kann nicht mit dem einen – auch großen – Namen einer Person angerufen werden; Es ist absolut unmöglich, seine Poetik auf die Arbeit eines, zweier oder sogar mehrerer Meister der Worte zu reduzieren. Die Besonderheit dieser Zeit besteht darin, dass in ihr Dichter lebten und arbeiteten, die viele literarische Strömungen repräsentierten und sich zu unterschiedlichen poetischen Prinzipien bekannten. Manchmal führten sie hitzige Debatten und machten Vorschläge verschiedene Wege Verständnis der Existenz. Aber jeder von ihnen zeichnete sich durch die außergewöhnliche Musik der Verse, den originellen Ausdruck der Gefühle und Erfahrungen des lyrischen Helden und den Fokus auf die Zukunft aus.

Und doch woher kommt dieser Name – das Silberzeitalter? Im Jahr 1933 vergab der Dichter N.A. die Bezeichnung für die Poesie der russischen Moderne. Otsup verglich in seinem Artikel „Das silberne Zeitalter der russischen Poesie“ (Zeitschrift „Numbers“, Bücher 7-8, Paris, 1933, S. 174-178) die Ära von Puschkin, Dostojewski, Tolstoi (19. Jahrhundert) mit der Eroberungen von Dante, Petrarca, Boccaccio und nannten das heimische „Goldene Zeitalter“. Die folgenden Phänomene wurden „wie in drei Jahrzehnte gequetscht, die beispielsweise das gesamte 19. Jahrhundert und den Beginn des 20. Jahrhunderts in Frankreich einnahmen“ als „Silberzeitalter“ bezeichnet (heute ohne Anführungszeichen, mit Großbuchstaben geschrieben). Brief).

Es ist wichtig zu verstehen, dass wir konkret über das Phänomen sprechen Russische Kultur basierend auf tiefer Einheit alle seine Schöpfer. S.V. - nicht nur eine Reihe russischer poetischer Namen. Dies ist ein besonderes Phänomen, das in allen Bereichen des spirituellen Lebens Russlands vertreten ist, einer Ära, die von einem außergewöhnlichen kreativen Aufschwung nicht nur in der Poesie, sondern auch in der Malerei, Musik, Theaterkunst, in den Geisteswissenschaften und den Geisteswissenschaften geprägt ist Naturwissenschaften Oh. Im gleichen Zeitraum entwickelte sich das russische philosophische Denken rasant: Es genügt, V. Solovyov, P. Florensky, N. Berdyaev, E. und S. Trubetskoy zu nennen.

Zu dieser Liste können wir die Namen von Wissenschaftlern hinzufügen, deren Leistungen der Weiterentwicklung der Wissenschaft spürbare Impulse gaben – A. Popov, I. Pavlov, S. Vavilov.

Die Stimmung des allgemeinen kulturellen Aufschwungs spiegelte sich tief und gefühlvoll in den Werken der Komponisten wider – S. Rachmaninow, A. Skrjabin, I. Strawinsky.

Die Art und Weise, wie Künstler reproduzieren, hat sich grundlegend verändert. M. Vrubel, I. Repin, M. Nesterov, V. Borisov-Musatov, K. Perov-Vodkin schufen Leinwände, die das Publikum in einer neuen Sprache ansprachen.

V. Komissarzhevskaya und Vas traten auf der Bühne auf. Kachalov, F. Schaljapin, A. Pawlowa; K. Stanislavsky schuf die Moderne Repertoiretheater, später schien die Sonne. Meyerhold.

Dies ist eine Zeit des städtischen Wachstums, die den Lebensprozess beschleunigt. Einige bewunderten die Stadt (Bryusov, Severyanin, Futuristen):

Ich liebe große Häuser

Und die engen Gassen der Stadt, -

An Tagen, an denen der Winter noch nicht gekommen ist,

Und der Herbst begann sich kalt anzufühlen.

…………………………….

Ich liebe die Stadt und die Steine,

Sein Brüllen und melodische Geräusche -

In dem Moment, in dem das Lied tief schmilzt,

Aber voller Freude höre ich Harmonien.

Bryusov V.Ya

Andere sahen im Wachstum der Städte eine Bedrohung der nationalen Traditionen, der nationalen Seele (Blok, Bely):

19. Jahrhundert, Eisen,

Wirklich ein grausames Zeitalter!

An dir vorbei in die Dunkelheit der Nacht, sternenlos

Ein sorgloser, verlassener Mann!

Das 20. Jahrhundert... Noch mehr Obdachlose.

Noch schlimmer als das Leben ist die Dunkelheit ...

Blok A.A.

Durch die staubigen, gelben Wolken

Ich laufe mit offenem Regenschirm.

Und der Rauch aus den Fabrikschornsteinen

Sie spucken in den Feuerhorizont.

Bely A.

Eine Person fühlt sich unwohl und hat Angst, in flüchtigen Umständen zu leben.

In der Literatur treten Geschichten in den Vordergrund: Die Menschen „haben keine Zeit“, große Werke zu schreiben und zu lesen.

Die Ära der Jahrhundertwende war eine Zeit der größten Entdeckungen auf dem Gebiet der Naturwissenschaften, vor allem der Mathematik und Physik (Relativitätstheorie, Quantentheorie usw.), die bisherige Vorstellungen über die Struktur der Welt erschütterten. Für idealistische Philosophen erschien das Universum als ein unfassbares Chaos. Die Krise früherer wissenschaftlicher Ideen wurde als Zusammenbruch der Möglichkeiten des intellektuellen Wissens interpretiert, die Unfähigkeit, die Komplexität des Universums zu erfassen. Blok nannte es „den Strudel der Ära“.

Der Mensch fühlt sich in den Weltkreislauf eingebunden. Daher das Gefühl der Angst, der Durst nach dem Tod, das Gefühl der Angst, das Leben versiegt in seinen Quellen.

Modernismus und Realismus.

All dies konnte sich nur auf die Literatur auswirken. Die Epoche an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert ist geprägt vom Übergang von der klassischen zur nichtklassischen Kunst, dem Zusammenspiel von Realismus und Moderne.

Die Modernisten verteidigten die besondere Begabung des Künstlers, der in der Lage sei, die Art der neuen Kultur vorherzusagen. Eine offene Fokussierung auf die Vorwegnahme der Zukunft oder gar die Veränderung der Welt durch die Mittel der Kunst war den Realisten fremd. Noah spiegelte jedoch das innere menschliche Verlangen nach Harmonie, Schönheit und kreativem Gefühl wider.

In Bezug auf diese Literaturperiode werden zwei Begriffe verwendet: "Dekadenz" Und "Modernismus" , was nicht verwechselt werden sollte.

Der Begriff „Dekadenz“ („Dekadenz“) (von lat. "Abfall") ist es üblich, den Schönheitskult als autarken Wert, der oft mit der Ästhetisierung von Sünde und Laster einhergeht, als kulturelles Phänomen des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts zu bezeichnen, das durch den Widerstand gegen die allgemein anerkannte „spießbürgerliche“ Moral gekennzeichnet ist. Die Dekadenz wurde durch einen Zustand der Hoffnungslosigkeit und Ablehnung verursacht öffentliches Leben, der Wunsch, in eine enge persönliche Welt zu fliehen.

Der Begriff „Modernismus“ (aus dem Französischen). „neueste, modernste“) V Im weitem Sinne ist eine allgemeine Bezeichnung für Phänomene der Kunst und Literatur des 20. Jahrhunderts, die sich von den Traditionen der äußerlichen Ähnlichkeit entfernten. Das Hauptmerkmal der Methodik der Moderne in verschiedenen Kunstrichtungen ist die metaphorische Konstruktion eines Bildes nach dem Prinzip der verzweigten Assoziativität, der freien Übereinstimmung der Ausdruckskraft der Form mit der Natur der eingefangenen Stimmungen.

In Bezug auf die Poesie hat sich der Modernismus „in ein System relativ unabhängiger künstlerischer Bewegungen und Bewegungen verkörpert, die durch ein Gefühl der Disharmonie in der Welt, einen Bruch mit den Traditionen des Realismus, eine rebellische und schockierende Wahrnehmung und die Vorherrschaft des Verlustmotivs gekennzeichnet sind.“ der Verbindung mit der Realität, der Einsamkeit und der illusorischen Freiheit des Künstlers, eingeschlossen im Raum seiner Fantasien, Erinnerungen und subjektiven Assoziationen“ (Ästhetik. Wörterbuch. - M., 1989. S. 210-211).

Russisch Modernismus wurde durch verschiedene literarische Werke vertreten Bewegungen: Symbolik, Akmeismus, Futurismus. Einige literarische Künstler, die organisatorisch nicht mit diesen Vereinigungen verbunden waren, fühlten sich intern von der Erfahrung eines von ihnen angezogen (M. Woloschin, I. Annensky usw.).

In hitziger Debatte lösten diese Trends einander ab. Diese Bewegung basierte jedoch auf einer gemeinsamen Basis. In den Aktivitäten jeder kreativen Vereinigung schien auf die eine oder andere Weise der Wunsch zu bestehen, eine ideale Kultur vorwegzunehmen oder sogar die Welt geistig neu zu strukturieren (was dem Realismus fremd war).

Später werden wir uns jede Strömung einzeln ansehen und eine Tabelle erstellen, damit wir sie miteinander vergleichen können. (Zeichnen Sie die Tabelle in Ihrem Notizbuch neu).

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Studierende, Doktoranden und junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Gepostet auf http://www.allbest.ru/

Ministerium für Bildung und Wissenschaft der Russischen Föderation

NVV der staatlichen Bildungseinrichtung St. Petersburg

Abteilung für Philosophie und Kulturgeschichte

Zusammenfassung zum Thema:

„Goldene“ und „Silberne“ Jahrhunderte in der Entwicklung der russischen Kultur

Einführung

„Modern“ in der russischen Architektur

Skulptur

Künstler des Silbernen Zeitalters

Beiträge zur Literatur des „Goldenen Zeitalters“

Literarische Bewegungen des „Silbernen Zeitalters“

Theater und Musik

Referenzliste

INdirigieren

Die Zeit des 19. Jahrhunderts – der Beginn des 20. Jahrhunderts – absorbierte, überdachte und entwickelte viele Trends, die sich in der russischen Kultur in der petrinischen und nachpetrinischen Ära entwickelt hatten, aber die Hauptprobleme des letzten Jahrhunderts blieben immer noch ungelöst – die staatliche Neuordnung der Gesellschaft, die Wahl zwischen westlichen und slawischen Wegen weitere Entwicklung, die Lage der Bauernschaft.

Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum kein einziges Jahrhundert der russischen Geschichte so viele Theorien, Lehren und Optionen für die Erneuerung und „Rettung“ Russlands kannte. Der Staat wurde noch nie von so vielen sozialen Bewegungen erschüttert: Revolutionären, Raznochintsy, Nihilisten, Anarchisten. Populisten, Marxisten... Dies ist eine komplexe und kontroverse Phase in der Entwicklung der russischen Gesellschaft. Die Kultur der Jahrhundertwende enthält immer Elemente einer Übergangszeit, einschließlich der Traditionen der Kultur der Vergangenheit und der innovativen Trends der neu entstehenden Kultur. Es gibt einen Transfer von Traditionen und nicht nur einen Transfer, sondern die Entstehung neuer Traditionen, all dies ist mit dem schnellen Prozess der Suche nach neuen Wegen der Kulturentwicklung verbunden, sie wird angepasst gesellschaftliche Entwicklung gegebene Zeit.

Im Mittelpunkt der russischen Kultur dieser Zeit stand ein Mensch, der einerseits zu einer Art Bindeglied in der bunten Vielfalt der Schulen und Bereiche der Wissenschaft und Kunst wurde und andererseits zu einer Art Ausgangspunkt für die Analyse aller unterschiedlichsten kulturelle Artefakte andererseits. Daher die starke philosophische Grundlage, die der russischen Kultur um die Jahrhundertwende zugrunde liegt. Das heißt, in der Kunst und im öffentlichen Leben versuchten sie, das Individuum oder das spirituelle Prinzip zu bekräftigen, das jeder Mensch offenbaren muss.

Ich denke, dass dieses Streben und dieser Wunsch aus einem solchen Widerspruch im russischen Leben wie der Isolation und der Unzugänglichkeit hoher kultureller Errungenschaften für die Masse des Volkes entstanden sind. Daher wurde den Menschen Kunst in ihrer ganzen Vielfalt als innovative Weiterentwicklung traditioneller christlicher ästhetischer Werte im Hinblick auf eine Annäherung an die Realitäten des modernen Lebens und mit einem Fokus auf die spirituellen, wissenschaftlichen, künstlerischen Suchen und Bestrebungen präsentiert Menschen des 20. Jahrhunderts. Um die Rolle der Kreativität von Künstlern verschiedener Richtungen und ihren Beitrag zur Bildung einer neuen Ästhetik zu bewerten, möchte ich zumindest verstehen, wie sich ihre Ansichten unterschieden und welche Rolle einer Person zugewiesen wurde Gegenstand ihrer kreativen Forschung.

Die Jahrhundertwende ist eine relative Grenze. Aber sie ermöglichen es den Menschen, den Lauf der Zeit, die Bewegung des Lebens deutlicher zu spüren. In solchen Zeiten haben Zeitgenossen manchmal ein verstärktes Gefühl für die Katastrophe der Existenz. Alt edles Russland hoffnungslos heruntergekommen. Das alte Gebäude stand kurz vor dem Einsturz. Wer Pech hat, wird unter den Trümmern sterben, wer Glück hat, bleibt obdachlos. Viele Menschen haben das gespürt. Und dieses Gefühl durchdrang damals alle Aspekte des spirituellen Lebens Russlands – von der Wissenschaft bis zur Religion.

Menschen, die eine einfache und klare Weltanschauung bewahrten (hauptsächlich Sozialisten, aber auch extreme Konservative), verstanden diese Katastrophenstimmung nicht und brandmarkten sie als „dekadent“ (dekadent). Aber seltsamerweise war es genau diese Stimmung, die zu Beginn des Jahrhunderts einen neuen Aufstieg der russischen Kultur auslöste. Und noch ein Paradox: bei der Verwirklichung der Kultur des frühen 20. Jahrhunderts. Den geringsten Beitrag leisteten jene „Optimisten“, die fröhlich die „Dekadenten“ entlarvten.

Im kulturellen Bereich wurden das Silberne und Goldene Zeitalter für Russland zu einer Zeit beispiellosen Aufstiegs und Wohlstands. Was den Reichtum an Literatur, bildender Kunst und Musik angeht, ist dieses Jahrhundert mit keiner anderen Epoche in der Geschichte nicht nur der russischen, sondern auch der Weltkultur zu vergleichen. Wenn im 18. Jahrhundert. Russland erklärte der ganzen Welt lautstark seine Existenz, damals im 19. Jahrhundert. sie platzte buchstäblich hinein Weltkultur und nimmt dort einen der ehrenvollsten Plätze ein. Dies geschah aufgrund der Tatsache, dass Russland der Welt Genies in Literatur, Malerei, Musik, Architektur und Philosophie schenkte und damit einen großen Beitrag zum Schatz der universellen menschlichen Kultur leistete. Es war in dieser Zeit, Russische Kultur Als Klassiker schuf er perfekte Bilder und Werke, von denen sich viele Generationen von Menschen und Künstlern in ihrem Leben und Werk leiten ließen.

"Modern"VRussischdie Architektur

Architektur, Kultur, Akmeismus, Wissenschaft

Um die Wende zum 19. Jahrhundert entstand in der Kunst mehrerer europäischer Länder eine neue Bewegung. In Russland wurde es „modern“ genannt. Die „Krise der Wissenschaft“ zu Beginn des Jahrhunderts, die Ablehnung mechanistischer Weltvorstellungen, ließ bei Künstlern eine Anziehungskraft auf die Natur entstehen, den Wunsch, von ihrem Geist durchdrungen zu werden und ihre veränderlichen Elemente in der Kunst widerzuspiegeln. Dem „natürlichen Prinzip“ folgend, lehnten die Architekten den „Fanatismus der Symmetrie“ ab und stellten ihm das Prinzip des „Gleichgewichts der Massen“ gegenüber. Die Architektur der „Moderne“ zeichnete sich durch Asymmetrie und Beweglichkeit der Formen, den freien Fluss einer „kontinuierlichen Oberfläche“ und den Fluss der Innenräume aus. Das Ornament wurde von floralen Motiven und fließenden Linien dominiert. Der Wunsch, Wachstum, Entwicklung und Bewegung zu vermitteln, war charakteristisch für alle Arten von Kunst im „modernen“ Stil – in der Architektur, Malerei, Grafik, Hausmalerei, Gitterguss, auf Bucheinbänden.

„Modern“ war sehr heterogen und widersprüchlich. Einerseits versuchte er, volkstümliche Prinzipien zu assimilieren und kreativ zu überarbeiten, um eine Architektur zu schaffen, die für die Menschen nicht protzig war, wie in der eklektischen Zeit, sondern authentisch. Die Meister der „Moderne“ stellten die Aufgabe noch umfassender und sorgten dafür, dass Alltagsgegenstände den Eindruck volkstümlicher Traditionen trugen. In dieser Hinsicht hat der Künstlerkreis in Abramtsevo, dem Anwesen des Philanthropen S. I. Mamontov, viel getan. Hier arbeiteten V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov. Das in Abramtsevo begonnene Geschäft wurde in Talashkino bei Smolensk, dem Anwesen der Prinzessin M. A. Tenisheva, fortgeführt. Zu den Talashin-Meistern gehörten M. A. Vrubel und N. K. Roerich. Sowohl in Abramtsevo als auch in Talashkino gab es Werkstätten, die Möbel und Haushaltsgeräte nach Mustern von Künstlern herstellten. Die Theoretiker der „Moderne“ stellten das Lebendige gegenüber Volkshandwerk gesichtslose Industrieproduktion.

Andererseits nutzte die „moderne“ Architektur in großem Umfang die Errungenschaften der modernen Bautechnik. Eine sorgfältige Untersuchung der Leistungsfähigkeit von Materialien wie Stahlbeton, Glas und Stahl führte zu unerwarteten Entdeckungen. Konvexes Glas, geschwungene Fensterflügel, fließende Formen von Metallgittern – all das kam mit dem Jugendstil in die Architektur.

Von Anfang an zeichneten sich in der heimischen „Moderne“ zwei Richtungen ab – die gesamteuropäische und die nationalrussische. Letzteres war vielleicht vorherrschend. An ihrem Ursprung steht die Kirche in Abramtsevo – eine originelle und poetische Schöpfung zweier Künstler, die als Architekten fungierten – Wasnezow und Polenow. Sie nahmen sich die antike Nowgorod-Pskower Architektur mit ihrer malerischen Asymmetrie zum Vorbild und kopierten keine einzelnen Details, sondern verkörperten den Geist der russischen Architektur in ihrem modernen Material.

Die märchenhaft-poetischen Motive der Abramtsevo-Kirche wurden von Alexey Viktorovich Shchusev (1873 - 1941) in der Kathedrale des Marfo-Mariinsky-Klosters in Moskau wiederholt und weiterentwickelt. Es gehört ihm grandioses Projekt Moskauer Kasaner Bahnhof. Es sieht etwas chaotisch aus, wie eine Reihe aneinandergrenzender Steinkammern, ist klar organisiert und einfach zu bedienen. Der Hauptturm ist eine genaue Reproduktion des Syuyumbeki-Turms im Kasaner Kreml. So verschränken sich im Bahnhofsgebäude die Motive der altrussischen und orientalischen Kultur.

Der Jaroslawski-Bahnhof gegenüber von Kasanski wurde nach dem Entwurf von Fjodor Ossipowitsch Schechtel (1859–1926), einem herausragenden russischen Architekten der Jugendstil-Ära, erbaut. Shekhtel folgte dem Weg von Wasnezow und Polenow und schuf ein sagenhaft episches Bild des russischen Nordens.

Shekhtel, ein sehr vielseitiger Künstler, hinterließ Werke nicht nur im nationalen russischen Stil. Zahlreiche nach seinen Entwürfen erbaute Villen, die über die Gassen Moskaus verstreut liegen, äußerst elegant und unterschiedlich zueinander, sind zu einem integralen Bestandteil der Architektur der Hauptstadt geworden.

Die frühe „Moderne“ zeichnete sich durch einen „dionysischen“ Anfang aus, d. h. der Wunsch nach Spontaneität, Eintauchen in den Fluss der Bildung und Entwicklung. In der späten „Moderne“ (am Vorabend des Weltkrieges) begann ein ruhiger und klarer „apollonistischer“ Beginn vorherrschend zu sein. Elemente des Klassizismus kehrten in die Architektur zurück. In Moskau wurde nach dem Entwurf des Architekten R. I. Klein ein Museum gebaut Bildende Kunst und Borodinsky-Brücke. Zur gleichen Zeit entstanden in St. Petersburg die Gebäude der Asow-Don- und der Russischen Handels- und Industriebank. Die St. Petersburger Banken wurden im monumentalen Stil mit Granitverkleidungen und „zerlumpten“ Mauerwerksoberflächen erbaut. Dies schien ihren Konservatismus, ihre Zuverlässigkeit und Stabilität zu verkörpern.

Das Jahrhundert der „Moderne“ war sehr kurz – ab dem Ende des 19. Jahrhunderts. vor Beginn des Weltkrieges. Aber dies war eine sehr helle Zeit in der Geschichte der Architektur. Zu Beginn des Jahrhunderts stieß sein Erscheinen auf heftige Kritik. Manche hielten es für einen „dekadenten“ Stil, andere für bürgerlich. Aber „modern“ bewies seine Vitalität und Demokratie. Es hatte volkstümliche Wurzeln, stützte sich auf eine fortschrittliche industrielle Basis und absorbierte die Errungenschaften der Weltarchitektur. „Modern“ hatte nicht die Strenge des Klassizismus. Es gliederte sich in viele Richtungen und Schulen, die am Vorabend der großen Umbrüche des 20. Jahrhunderts eine bunte Palette der letzten Blüte der Architektur bildeten.

Im Laufe von anderthalb Jahrzehnten breitete sich der „Modernismus“ zeitgleich mit dem Bauboom in ganz Russland aus. Es ist noch heute in jeder alten Stadt zu finden. Man muss sich nur die abgerundeten Fenster, die exquisiten Stuckarbeiten und die geschwungenen Balkongitter eines Herrenhauses, Hotels oder Geschäfts genau ansehen.

Ein architektonisches Meisterwerk ist das Herrenhaus von Z. Morozova in Moskau (1893-1896), dessen „gotischer Saal“ mit dem Gefühl der Authentizität des Mittelalters verblüfft. Die Tafeln im „Gotischen Saal“ wurden nach den Zeichnungen von M. A. Vrubel erstellt. Andere Innenräume sind im Empire-Stil und im „vierten Rokoko“-Stil dekoriert. Im Namen der Liebe zu einer ungewöhnlichen Frau, Sinaida Morozova, baute Savva Morozov 1893 ein Schloss, wie es in Moskau noch nie zuvor gesehen worden war. Gotische Türmchen, Spitzbogenfenster, Zinnen an den Wänden – das Haus strahlte Geheimnis, den Geist des Mittelalters aus. Damals konnte sich niemand vorstellen, dass dieses Herrenhaus der erste Vorbote des aufkommenden Architekturstils in Russland war. Der Kunde des Herrenhauses war der berühmte Industrielle und Philanthrop Savva Morozov. Das Herrenhaus wurde jedoch ausschließlich nach Lust und Laune seiner Frau Zinaida gebaut, die das Geld ihres Mannes nicht mitzählte, und Gerüchte über den Luxus des Herrenhauses verbreiteten sich schnell in ganz Moskau (alle Innenräume wurden von Shekhtel unter Beteiligung von Vrubel sorgfältig entworfen). ). Später, nach dem Tod ihres Mannes, verkaufte Zinaida das Herrenhaus an die Rjabuschinskis und sagte, Savvas Geist würde ihr nicht erlauben, in diesem Haus zu leben, und angeblich bewegten sich nachts in Morozovs Büro Gegenstände auf dem Tisch, er hustete und schlurfte Gang war zu hören.

Skulptur

Ebenso wie die Architektur wurde auch die Bildhauerei um die Jahrhundertwende vom Eklektizismus befreit. Mit dem Einfluss ist die Erneuerung des künstlerischen und figurativen Systems verbunden Impressionismus. Der erste konsequente Vertreter dieses Trends war P.P. Trubetskoy (1866-1938), der sich in Italien zum Meister entwickelte, wo er seine Kindheit und Jugend verbrachte. Bereits in den ersten russischen Werken des Bildhauers (Porträt von I. I. Levitan und Büste von L. N. Tolstoi, beide 1899, Bronze) zeigten sich die Merkmale der neuen Methode – „Lockerheit“, klumpige Textur, dynamische Formen, durchdrungen von Luft und Licht.

Trubetskoys bemerkenswertestes Werk ist das Denkmal für Alexander III. in St. Petersburg (1909, Bronze). Fast grotesk satirisches Bild Das Denkmal des reaktionären Kaisers wurde als Antithese zum berühmten Denkmal für Falconet (den Bronzenen Reiter) errichtet: Anstelle eines stolzen Reiters, der mühelos ein sich aufbäumendes Pferd zäumt, gibt es einen „dickärschigen Martinet“ (Repin) auf einem schweren, rückwärts schreitenden Pferd . Durch den Verzicht auf die impressionistische Modellierung der Oberfläche verstärkte Trubetskoy den Gesamteindruck bedrückender roher Gewalt.

Auch das wunderbare Gogol-Denkmal in Moskau (1909) des Bildhauers N.A. ist dem monumentalen Pathos fremd. Andreeva (1873–1932) vermittelt auf subtile Weise die Tragödie des großen Schriftstellers „Müdigkeit des Herzens“, also im Einklang mit der Zeit. Gogol ist in einem Moment der Konzentration, tiefer Gedanken mit einem Hauch melancholischer Düsterkeit eingefangen.

Eine originelle Interpretation des Impressionismus ist dem Werk von A.S. inhärent. Golubkina (1864-1927), der das Prinzip der Darstellung sich bewegender Phänomene in die Idee des Erwachens des menschlichen Geistes umwandelte („Walking“, 1903; „Sitting Man“, 1912, Russisches Russisches Museum). Frauenbilder, geschaffen vom Bildhauer, sind geprägt von einem Gefühl des Mitgefühls für Menschen, die müde, aber nicht gebrochen sind durch die Prüfungen des Lebens („Izergil“, 1904; „Alt“, 1911 usw.).

Der Impressionismus hatte wenig Einfluss auf das Werk von S. T. Konenkov (1874-1971), das sich durch seine Stil- und Genrevielfalt auszeichnete (allegorisches „Samson Breaking Ties“, 1902; psychologisches Porträt „Militanter Arbeiter 1905 Ivan Churkin“, 1906, Marmor; allgemein Galerie – symbolische Bilder zu den Themen griechische Mythologie und russische Folklore – „Nike“, 1906, Marmor „Stribog“, 1910; fantastische und zugleich erschreckend reale Figuren elender Wanderer – „Bettlerbrüder“, 1917, Holz, Tretjakow-Galerie).

Künstler"SilberJahrhundert"

An Wende XIX-XX Jahrhunderte kam es in der russischen Malerei zu bedeutenden Veränderungen. Genreszenen traten in den Hintergrund. Die Landschaft verlor ihre fotografische Qualität und lineare Perspektive und wurde durch die Kombination und das Spiel von Farbflecken demokratischer. Porträts kombinierten oft die ornamentale Konventionalität des Hintergrunds und die skulpturale Klarheit des Gesichts.

Der Beginn einer neuen Etappe in der russischen Malerei ist mit dem Kreativverein „World of Art“ verbunden. Ende der 80er Jahre des 19. Jahrhunderts. In St. Petersburg entstand ein Kreis von Gymnasiasten und Kunstliebhabern. Sie versammelten sich in der Wohnung eines der Teilnehmer, Alexander Benois. Charmant und in der Lage, eine kreative Atmosphäre um sich herum zu schaffen, wurde er von Anfang an zur Seele des Kreises. Seine ständigen Mitglieder waren Konstantin Somov und Lev Bakst. Später kamen Eugene Lanceray, Benoits Neffe, und Sergej Diaghilew, der aus der Provinz stammte, hinzu.

Die Treffen des Kreises hatten etwas albernen Charakter. Die von den Mitgliedern vorgelegten Berichte wurden jedoch sorgfältig und seriös erstellt. Freunde waren fasziniert von der Idee, alle Arten von Kunst zu vereinen und Kulturen einander näher zu bringen verschiedene Nationen. Sie äußerten alarmiert und verbittert, dass die russische Kunst im Westen wenig bekannt sei und dass einheimische Künstler mit den Errungenschaften moderner europäischer Künstler nicht ausreichend vertraut seien.

Die Freunde wurden erwachsen, widmeten sich der Kreativität und schufen ihre ersten ernsthaften Werke. Und sie bemerkten nicht, wie Diaghilew an der Spitze des Kreises landete. Aus dem ehemaligen Provinzial entwickelte sich ein hochgebildeter junger Mann mit ausgeprägtem künstlerischem Geschmack und Geschäftssinn. Er selbst beschäftigte sich beruflich nicht mit irgendeiner Art von Kunst, sondern wurde zum Hauptorganisator einer neuen kreativen Vereinigung. In Diaghilews Charakter existierten Effizienz und nüchternes Kalkül mit einem gewissen Abenteurertum, und seine kühnen Unternehmungen brachten meistens Erfolg.

Im Jahr 1898 organisierte Diaghilew eine Ausstellung russischer und Finnische Künstler. Im Wesentlichen war dies die erste Ausstellung von Künstlern einer neuen Richtung. Es folgten weitere Vernissagen und schließlich 1906 eine Ausstellung in Paris „Zwei Jahrhunderte russischer Malerei und Skulptur“. Der „kulturelle Durchbruch“ Russlands in Westeuropa war den Bemühungen und dem Enthusiasmus Diaghilews und seiner Freunde zu verdanken.

Im Jahr 1898 begann der Benois-Diaghilev-Kreis mit der Herausgabe der Zeitschrift „World of Art“. In Diaghilews programmatischem Artikel heißt es, dass der Zweck der Kunst der Selbstausdruck des Schöpfers sei. Kunst, schrieb Diaghilew, dürfe nicht zur Veranschaulichung sozialer Lehren verwendet werden. Wenn es echt ist, ist es an sich eine Wahrheit des Lebens, eine künstlerische Verallgemeinerung und manchmal eine Offenbarung.

Der Name „World of Art“ wurde von der Zeitschrift auf eine kreative Künstlervereinigung übertragen, deren Rückgrat aus demselben Kreis bestand. Meister wie V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan und N. K. Roerich traten dem Verein bei. Sie alle hatten wenig Ähnlichkeit miteinander und arbeiteten in unterschiedlichen kreativen Stilen. Und doch gab es in ihrer Kreativität, ihren Stimmungen und Ansichten viele Gemeinsamkeiten.

„The World of Artisans“ war alarmiert über den Beginn des Industriezeitalters, als riesige Städte wuchsen, die aus gesichtslosen Fabrikgebäuden bestanden und von einsamen Menschen bewohnt wurden. Sie befürchteten, dass die Kunst, die Harmonie und Frieden ins Leben bringen soll, zunehmend verdrängt und Eigentum eines kleinen Kreises von „Auserwählten“ werde. Sie hofften, dass die Kunst nach ihrer Rückkehr zum Leben die Menschen allmählich erweichen, vergeistigen und vereinen würde.

Die Welt der Kunsthandwerker glaubte, dass die Menschen in vorindustrieller Zeit in engeren Kontakt mit Kunst und Natur kamen. Das 18. Jahrhundert erschien ihnen besonders reizvoll. Aber sie verstanden immer noch, dass das Zeitalter von Voltaire und Katharina nicht so harmonisch war, wie es ihnen scheint, und deshalb sind die wenigen Landschaften von Versailles und Zarskoje Selo mit Königen, Kaiserinnen, Herren und Damen in einen leichten Dunst aus Traurigkeit und Selbstironie gehüllt . Jede dieser Landschaften von A. N. Benois, K. A. Somov oder E. E. Lanceray ist wie mit einem Seufzer zu Ende: Schade, dass sie für immer verschwunden ist! Schade, dass es eigentlich nicht so schön war!

Die Ölmalerei, die den Künstlern der Kunstwelt etwas schwer erschien, geriet in ihrem Schaffen in den Hintergrund. Wesentlich häufiger kamen Aquarell, Pastell und Gouache zum Einsatz, wodurch Arbeiten in hellen, luftigen Farben möglich wurden. Die Zeichnung spielte im Schaffen der neuen Künstlergeneration eine besondere Rolle. Die Kunst des Gravierens wurde wiederbelebt. Großes Verdienst dafür gebührt A.P. Ostroumova-Lebedeva. Als Meisterin der Stadtlandschaft hat sie viele europäische Städte (Rom, Paris, Amsterdam, Brügge) in ihren Stichen festgehalten. Im Zentrum ihrer Arbeit standen jedoch St. Petersburg und seine Palastvororte – Zarskoje Selo, Pawlowsk, Gatschina. Strenges und zurückhaltendes Auftreten nördliche Hauptstadt in ihren Gravuren spiegelte sich im intensiven Rhythmus der Silhouetten und Linien, in den Kontrasten der Farben Weiß, Schwarz und Grau wider.

Mit der Kreativität der „Welt der Künstler“ ist eine Wiederbelebung verbunden Buchgrafiken, Kunstbuch. Die Künstler beschränkten sich nicht nur auf Illustrationen, sondern führten auch Splash-Seiten, komplizierte Vignetten und Endungen im Jugendstil in ihre Bücher ein. Es wurde deutlich, dass die Gestaltung eines Buches eng mit seinem Inhalt verknüpft sein sollte. Der Grafikdesigner begann, auf Details wie Buchformat, Papierfarbe, Schriftart und Beschnitt zu achten. An der Gestaltung der Bücher waren viele Menschen beteiligt. herausragende Meister diese Zeit. Puschkinski“ Bronzener Reiter“ war eng mit den Zeichnungen von Benois und Tolstois „Hadschi Murat“ – mit den Illustrationen von Lanceray verbunden. Anfang des 20. Jahrhunderts zusammen mit vielen hochwertigen Beispielen der Buchkunst in den Regalen der Bibliotheken abgelegt.

Die Künstler der Welt der Kunst würdigten die Kunst, insbesondere die Musik, großzügig. Die Dekorationen der damaligen Künstler – mal exquisit raffiniert, mal lodernd wie ein Feuer – sorgten in Verbindung mit Musik, Tanz und Gesang für ein umwerfend luxuriöses Spektakel. L. S. Bakst trug maßgeblich zum Erfolg des Balletts „Scheherazade“ (zur Musik von Rimsky-Korsakov) bei. A. Ya. Golovin gestaltete das Ballett „Der Feuervogel“ (zur Musik von I. F. Strawinsky) gleichermaßen fröhlich und festlich. N.K. Roerichs Bühnenbild für die Oper „Prinz Igor“ ist dagegen sehr zurückhaltend und streng.

Auf dem Gebiet der Theatermalerei kamen die „Künstler der Welt“ ihrer Erfüllung am nächsten gehegter Traum- verschiedene Arten von Kunst in einem Werk kombinieren.

Das Schicksal des Vereins World of Art erwies sich als schwierig. Das Erscheinen der Zeitschrift wurde nach 1904 eingestellt. Zu diesem Zeitpunkt hatten viele Künstler den Verein verlassen und er schrumpfte auf die Größe des ursprünglichen Kreises zusammen. Die kreativen und persönlichen Verbindungen seiner Mitglieder hielten über viele Jahre hinweg an. „Welt der Kunst“ ist geworden künstlerisches Symbol Grenzen von zwei Jahrhunderten. Damit ist eine ganze Etappe in der Entwicklung der russischen Malerei verbunden. Einen besonderen Platz im Verein nahmen M. A. Vrubel, M. V. Nesterov und N. K. Roerich ein.

Michail Alexandrowitsch Wrubel (1856 – 1910) war ein vielseitiger Meister. Er arbeitete erfolgreich an monumentalen Wandgemälden, Gemälden, Dekorationen, Buchillustrationen und Zeichnungen für Glasmalereien. Und er blieb immer er selbst, leidenschaftlich, leidenschaftlich, verletzlich. Drei Hauptthemen, drei Motive ziehen sich durch sein Werk.

Das erste, spirituell Erhabene manifestierte sich vor allem im Bild der jungen Gottesmutter mit dem Kind, das für die Ikonostase der St.-Cyrill-Kirche in Kiew gemalt wurde.

Vrubels dämonische Motive wurden von Lermontovs Gedichten inspiriert. Aber Vrubels Dämon wurde zu einem eigenständigen künstlerischen Bild. Für Vrubel erwies sich der Dämon, ein gefallener und sündiger Engel, als ein zweites „Ich“ – eine Art lyrischer Held. Dieses Thema wurde im Film „The Seated Demon“ besonders deutlich zum Ausdruck gebracht. Die mächtige Gestalt des Dämons bedeckt fast die gesamte Leinwand. Es sieht so aus, als ob er aufstehen und sich aufrichten sollte. Aber deine Hände sind gesenkt, deine Finger sind schmerzhaft ineinander verschränkt und in deinen Augen liegt tiefe Melancholie. Das ist Vrubels Dämon: Im Gegensatz zu Lermontovs Dämon ist er weniger ein gnadenloser Zerstörer als vielmehr eine leidende Persönlichkeit.

Im Jahr 1896 malte Vrubel für die Allrussische Ausstellung in Nischni Nowgorod die Tafel „Mikula Selyaninovich“, auf der er dem Volkshelden-Pflüger eine solche Kraft verlieh, als ob er die Urkraft der Erde selbst in sich berge. So entstand in Vrubels Werk die dritte Richtung – die episch-volkstümliche Richtung. In diesem Sinne ist sein übertrieben kraftvoller „Bogatyr“ geschrieben, der auf einem riesigen Pferd sitzt. Das Gemälde „Pan“ grenzt an diese Serie. Die Waldgottheit wird als runzliger alter Mann mit blauen Augen und starken Händen dargestellt.

Die letzten Jahre von Vrubels Leben waren durch eine schwere psychische Erkrankung zum Scheitern verurteilt. In Momenten der Erleuchtung wurden ihm neue Ideen geboren – „Die Vision des Propheten Hesekiel“, „Der sechsflügelige Seraphim“. Vielleicht wollte er die drei Hauptrichtungen seiner Kreativität kombinieren, verschmelzen. Aber eine solche Synthese überstieg selbst die Macht Vrubels. Am Tag seiner Beerdigung sagte Benoit, dass künftige Generationen „auf die letzten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts zurückblicken werden.“ wie in der „Ära von Vrubel“... In ihm drückte sich unsere Zeit auf die schönste und traurigste Weise aus, zu der sie fähig war.“

Michail Wassiljewitsch Nesterow (1862-1942) schrieb seine frühen Werke im Geiste der Wanderer. Doch dann tauchten in seinem Werk religiöse Motive auf. Nesterov schrieb eine Reihe von Gemälden, die Sergej von Radonesch gewidmet waren. Das früheste davon war das Gemälde „Vision für den jungen Bartholomäus“ (1889-1890). Der weißhaarige Junge, der dazu bestimmt war, der spirituelle Mentor des alten Russland zu werden, lauscht ehrfürchtig den prophetischen Worten, und die ganze Natur, die einfache russische Landschaft am Ende des Sommers, schien von diesem Gefühl der Ehrfurcht erfüllt zu sein .

Die Natur spielt in Nesterovs Malerei eine besondere Rolle. In seinen Gemälden fungiert sie als „Charakter“, verstärkend Allgemeine Stimmung. Besonders erfolgreich war der Künstler mit den subtilen und transparenten Landschaften des nördlichen Sommers. Er liebte es, die Natur Zentralrusslands an der Schwelle zum Herbst zu malen, wenn die stillen Felder und Wälder darauf warteten. Nesterov hat fast keine „verlassenen“ Landschaften und Gemälde ohne Landschaften sind selten.

Religiöse Motive in Nesterovs Werk kamen in seiner Kirchenmalerei am deutlichsten zum Ausdruck. Basierend auf seinen Skizzen wurden einige Mosaikarbeiten an den Fassaden der Auferstehungskirche Christi ausgeführt, die in St. Petersburg am Ort der Ermordung Alexanders II. errichtet wurde.

Der Künstler schuf eine ganze Galerie mit Porträts prominenter Persönlichkeiten Russlands. Am häufigsten stellte er seine Helden im Freien dar und führte damit sein Lieblingsthema des „Dialogs“ zwischen Mensch und Natur fort. L. N. Tolstoi wurde in einer abgelegenen Ecke des Jasnaja-Poljana-Parks gefangen genommen, die Religionsphilosophen S. N. Bulgakov und P. A. Florensky – während eines Spaziergangs (das Gemälde „Philosophen“).

Die Porträtmalerei wurde im Laufe der Jahre zur Hauptrichtung von Nesterovs Schaffen Sowjetmacht. Er schrieb hauptsächlich an Menschen, die ihm im Geiste nahe standen, russische Intellektuelle. Seine besondere Leistung war das ausdrucksstarke Porträt des Akademiemitglieds I. P. Pawlow.

Nicholas Konstantinovich Roerich (1874 - 1947) schuf im Laufe seines Lebens mehr als siebentausend Gemälde. Sie schmückten die Museen vieler Städte in unserem Land und im Ausland. Der Künstler wurde Persönlichkeit des öffentlichen Lebens auf globaler Ebene. Aber die frühe Phase seiner Arbeit gehört Russland.

Roerich kam über die Archäologie zur Malerei. Schon während seiner Schulzeit beteiligte er sich an Ausgrabungen antiker Grabhügel. Die Fantasie des jungen Mannes malte lebendige Bilder ferner Epochen. Nach dem Abitur besuchte Roerich gleichzeitig die Universität und die Akademie der Künste. Der junge Künstler begann mit der Umsetzung seines ersten großen Plans – einer Gemäldeserie „Der Anfang Russlands“. Slawen“.

Das erste Bild dieser Serie, „Messenger. Generation um Generation erhob sich“, hieß es in der Manier der Wanderers. Anschließend begann die Farbe in Roerichs Malerei eine immer aktivere Rolle zu spielen – rein, intensiv, ungewöhnlich ausdrucksstark. So entstand das Gemälde „Gäste aus Übersee“. Mit der intensiven blaugrünen Farbe gelang es dem Künstler, die Reinheit und Kälte des Flusswassers zu vermitteln. Das gelb-purpurrote Segel eines Überseebootes plätschert im Wind. Sein Spiegelbild wird von den Wellen zerschmettert. Das Spiel dieser Farben wird von einer weißen gepunkteten Linie fliegender Möwen umgeben.

Bei all seinem Interesse an der Antike verließ Roerich das moderne Leben nicht, hörte auf seine Stimmen und konnte erfassen, was andere nicht hörten. Er war zutiefst besorgt über die Lage in Russland und in der Welt. Ab 1912 schuf Roerich eine Serie seltsame Gemälde, in dem es scheinbar nein gibt spezieller Ort Aktionen, Epochen gemischt. Dabei handelt es sich um eine Art „prophetische Träume“. Eines dieser Gemälde trägt den Titel „Der letzte Engel“. Ein Engel steigt in wirbelnden roten Wolken auf und hinterlässt das Land in Feuer gehüllt.

In während des Krieges gemalten Gemälden versucht Roerich, die Werte von Religion und friedlicher Arbeit wiederherzustellen. Er wendet sich den Motiven der Volksorthodoxie zu. Auf seinen Leinwänden steigen Heilige auf die Erde herab, nehmen den Menschen Ärger und beschützen sie vor Gefahren. Roerich fertigte die letzten Gemälde dieser Serie in einem fremden Land an. In einem von ihnen („Zvenigorod“) kommen Heilige in weißen Gewändern und mit goldenen Heiligenscheinen aus einem alten Tempel und segnen die Erde. In Sowjetrussland kam es zu dieser Zeit zu Kirchenverfolgungen, Kirchen wurden zerstört und geschändet. Die Heiligen gingen zu den Menschen.

BeitragVLiteratur"GoldenJahrhundert"

Das 19. Jahrhundert wird als „Goldenes Zeitalter“ der russischen Poesie und weltweit als Jahrhundert der russischen Literatur bezeichnet. Zu Beginn des Jahrhunderts wurde die Kunst endgültig von der Hofdichtung und den „Album“-Gedichten getrennt; die Merkmale eines professionellen Dichters traten natürlicher, einfacher und menschlicher hervor; Dieses Jahrhundert hat uns solche Meister beschert. Wir sollten nicht vergessen, dass der literarische Sprung, der im 19. Jahrhundert stattfand, in vollem Gange war Literarischer Prozess 17.-18. Jahrhundert. Das 19. Jahrhundert ist die Zeit der Entstehung der russischen Literatursprache.

Das 19. Jahrhundert begann mit der Blütezeit des Sentimentalismus und dem Aufkommen der Romantik. Diese literarischen Tendenzen fanden vor allem in der Poesie ihren Ausdruck.

Sentimentalismus: Der Sentimentalismus erklärte das Gefühl und nicht die Vernunft zur Dominante der „menschlichen Natur“, was ihn vom Klassizismus unterschied. Sentimentalismus ist ein Ideal Menschliche Aktivität glaubte nicht an eine „vernünftige“ Neuordnung der Welt, sondern an die Freisetzung und Verbesserung „natürlicher“ Gefühle. Sein Held ist individualisierter, seine innere Welt wird durch die Fähigkeit bereichert, sich in das einzufühlen, was um ihn herum geschieht, und sensibel darauf zu reagieren. Der sentimentalistische Held ist seiner Herkunft und Überzeugung nach ein Demokrat; Die reiche spirituelle Welt des einfachen Volkes ist eine der wichtigsten Entdeckungen und Errungenschaften des Sentimentalismus.

Karamzin: Die Ära des Sentimentalismus in Russland wurde durch Karamzins Veröffentlichung der „Briefe eines russischen Reisenden“ und der Geschichte „Die arme Lisa“ eröffnet. (damals Ende des 18. Jahrhunderts)

Karamzins Poesie, die sich im Mainstream des europäischen Sentimentalismus entwickelte, unterschied sich radikal von der traditionellen Poesie seiner Zeit, die auf den Oden von Lomonossow und Derzhavin beruhte. Die bedeutendsten Unterschiede waren die folgenden: 1) Karamzin interessiert sich nicht für die äußere, physische Welt, sondern für die innere, spirituelle Welt des Menschen. Seine Gedichte sprechen „die Sprache des Herzens“, nicht des Geistes. 2) Der Gegenstand von Karamzins Gedichten ist „ einfaches Leben", und um es zu beschreiben, verwendet er einfache poetische Formen -- dürftige Reime, vermeidet die Fülle an Metaphern und anderen Tropen, die in den Gedichten seiner Vorgänger beliebt waren. 3) Ein weiterer Unterschied zwischen Karamzins Poetik besteht darin, dass die Welt für ihn grundsätzlich unerkennbar ist, der Dichter erkennt die Existenz an verschiedene Punkte Blick auf dasselbe Objekt.

Reform Karamzins Sprache: Karamzins Prosa und Poesie hatten entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatursprache. 1) Karamzin verzichtete bewusst auf die Verwendung des kirchenslawischen Vokabulars und der kirchenslawischen Grammatik, indem er die Sprache seiner Werke in die Alltagssprache seiner Zeit überführte und die Grammatik und Syntax der französischen Sprache als Vorbild verwendete. 2) Karamzin führte viele neue Wörter in die russische Sprache ein -- sowohl Neologismen („Nächstenliebe“, „sich verlieben“, „Freidenken“, „Anziehung“, „erstklassig“, „human“) als auch Barbarei („Bürgersteig“, „Kutscher“). 3). Er war auch einer der ersten, der den Buchstaben E verwendete. Der literarische Sieg von „Arzamas“ über „Beseda“ stärkte den Sieg der sprachlichen Veränderungen, die Karamzin einführte.

Sentimentalismus Karamzin hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatur: Auf ihm basierten unter anderem die Romantik Schukowskis und das Werk Puschkins.

Romantik: ideologische und künstlerische Richtung in der Kultur des späten 18. Jahrhunderts – die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert. Es zeichnet sich durch eine Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker (oft rebellischer) Leidenschaften und Charaktere sowie einer vergeistigten und heilenden Natur aus. Als romantisch bezeichnete man im 18. Jahrhundert alles Seltsame, Fantastische, Malerische und in Büchern Vorhandene, das nicht in der Realität existierte. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde die Romantik zur Bezeichnung einer neuen Richtung im Gegensatz zum Klassizismus und der Aufklärung. Die Romantik bekräftigt den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. Das Bild eines „edlen Wilden“, bewaffnet mit „Volksweisheit“ und nicht von der Zivilisation verdorben, ist gefragt.

In der russischen Romantik zeigt sich die Freiheit von klassischen Konventionen, es entstehen eine Ballade und ein romantisches Drama. Es entsteht eine neue Vorstellung über das Wesen und die Bedeutung der Poesie, die als eigenständiger Lebensbereich, als Ausdruck der höchsten, idealen Bestrebungen des Menschen anerkannt wird; die alte Ansicht, wonach Poesie als leerer Spaß, als etwas völlig Brauchbares erschien, erweist sich als nicht mehr möglich.

Der Begründer der russischen Romantik ist Schukowski: russischer Dichter, Übersetzer, Kritiker. Zunächst schrieb er Sentimentalismus aufgrund seiner engen Bekanntschaft mit Karamzin, doch 1808 betrat die russische Literatur zusammen mit der Ballade „Lyudmila“ (eine Adaption von „Lenora“ von G. A. Burger), die aus seiner Feder stammte, eine neue, ganz besondere Inhalt - Romantik. Teilnahme an der Miliz. 1816 wurde er Lektor unter der Kaiserinwitwe Maria Fjodorowna. Im Jahr 1817 wurde er Russischlehrer von Prinzessin Charlotte, der späteren Kaiserin Alexandra Fjodorowna, und im Herbst 1826 wurde er zum „Mentor“ des Thronfolgers, des späteren Kaisers Alexander II., ernannt.

Die Poesie von Michail Jurjewitsch kann als Höhepunkt der russischen Romantik angesehen werden Lermontow. Nach Ansicht des fortschrittlichen Teils der russischen Gesellschaft in den 1930er Jahren. 19. Jahrhundert Es traten Merkmale einer romantischen Weltanschauung auf, die durch die Unzufriedenheit mit der modernen Realität verursacht wurden. Diese Weltanschauung war geprägt von tiefer Enttäuschung, Ablehnung der Realität und Unglauben an die Möglichkeit des Fortschritts. Andererseits zeichneten sich die Romantiker durch den Wunsch nach hohen Idealen, den Wunsch nach einer vollständigen Auflösung der Widersprüche des Daseins und das Verständnis der Unmöglichkeit davon (der Kluft zwischen Ideal und Realität) aus.

Lermontovs Werk spiegelt am besten die romantische Weltanschauung wider, die in der Nikolaus-Ära entstand. In seiner Poesie erreicht der Hauptkonflikt der Romantik – der Widerspruch zwischen Ideal und Wirklichkeit – eine extreme Spannung, die ihn deutlich von den romantischen Dichtern des frühen 19. Jahrhunderts unterscheidet. Das Hauptthema von Lermontovs Texten ist die innere Welt des Menschen – tiefgründig und widersprüchlich, unserer Zeit.“ Das zentrale Thema in Lermontovs Werk ist die tragische Einsamkeit des Einzelnen in einer feindseligen und ungerechten Welt. Die gesamte Fülle poetischer Bilder, Motive, künstlerischer Mittel, die ganze Vielfalt der Gedanken, Erfahrungen und Gefühle des lyrischen Helden sind der Erschließung dieses Themas untergeordnet.

Ein wichtiges Motiv in Lermontovs Werken ist einerseits das Gefühl „immenser Kräfte“ menschliche Seele, und andererseits - Nutzlosigkeit, Sinnlosigkeit aktive Arbeit, Hingabe.

In seinen verschiedenen Werken sind Themen wie Heimat, Liebe, Dichter und Poesie sichtbar, die die Merkmale der hellen Individualität und Weltanschauung des Dichters widerspiegeln.

Tjutschew: Die philosophischen Texte von F. I. Tyutchev sind sowohl die Vollendung als auch die Überwindung der Romantik in Russland. Ausgehend von odischen Werken fand er nach und nach seinen eigenen Stil. Es war so etwas wie eine Fusion russischer Odik Poesie XVIII Jahrhunderte und Traditionen der europäischen Romantik. Darüber hinaus wollte er sich nie in der Rolle eines professionellen Schriftstellers sehen und vernachlässigte sogar die Ergebnisse seiner eigenen Kreativität.

Zusammen mit der Poesie begann sich zu entwickeln Prosa. Prosaautoren zu Beginn des Jahrhunderts wurden von den englischen historischen Romanen von W. Scott beeinflusst, deren Übersetzungen äußerst beliebt waren. Die Entwicklung der russischen Prosa des 19. Jahrhunderts begann mit Prosawerke ALS. Puschkin und N.V. Gogol.

Frühe Poesie von A.S. Puschkin auch im Rahmen der Romantik entwickelt. Sein südliches Exil fiel mit einer Reihe historischer Ereignisse zusammen und in Puschkin reifte die Hoffnung auf die Erreichbarkeit der Ideale von Freiheit und Freiheit (die Heldentaten der modernen Geschichte der 1820er Jahre spiegelten sich in Puschkins Texten wider), allerdings nach mehreren Jahren der Kälte Als er seine Werke empfing, erkannte er bald, dass die Welt nicht von Meinungen, sondern von Mächten regiert wurde. In den Werken von Puschkin romantische Periode Es ist die Überzeugung gereift, dass in der Welt objektive Gesetze gelten, die der Mensch nicht erschüttern kann, egal wie mutig und schön seine Gedanken sind. Dies bestimmte den tragischen Ton von Puschkins Muse.

Allmählich, in den 30er Jahren, zeigten sich bei Puschkin die ersten „Anzeichen“ des Realismus.

Seit Mitte des 19. Jahrhunderts findet die Entstehung der russischen realistischen Literatur statt, die vor dem Hintergrund der angespannten gesellschaftspolitischen Lage in Russland während der Regierungszeit von Nikolaus I. entstand. Eine Krise des Leibeigenschaftssystems braut sich zusammen , und es gibt starke Widersprüche zwischen den Behörden und dem einfachen Volk. Es besteht ein dringender Bedarf, realistische Literatur zu schaffen, die genau auf die gesellschaftspolitische Situation im Land eingeht. Schriftsteller wenden sich gesellschaftspolitischen Problemen der russischen Realität zu. Im Vordergrund stehen gesellschaftspolitische und philosophische Themen. Literatur zeichnet sich durch einen besonderen Psychologismus aus.

Realismus in der Kunst 1) die Wahrheit des Lebens, verkörpert durch spezifische Mittel der Kunst. 2) Eine historisch spezifische Form des künstlerischen Bewusstseins der Neuzeit, deren Anfänge entweder in der Renaissance („Renaissance-Realismus“), oder in der Aufklärung („Aufklärungs-Realismus“) oder in den 30er Jahren liegen. 19. Jahrhundert („eigentlich Realismus“). Die Leitprinzipien des Realismus des 19.-20. Jahrhunderts: objektive Reflexion der wesentlichen Aspekte des Lebens in Kombination mit der Höhe des Ideals des Autors; Reproduktion typischer Charaktere, Konflikte, Situationen mit der Vollständigkeit ihrer künstlerischen Individualisierung (d. h. Konkretisierung sowohl nationaler, historischer, sozialer Zeichen als auch physischer, intellektueller und spiritueller Merkmale); Bevorzugung von Methoden zur Darstellung von „Formen des Lebens selbst“, aber auch die Verwendung konventioneller Formen (Mythos, Symbol, Gleichnis, Groteske), insbesondere im 20. Jahrhundert; vorherrschendes Interesse am Problem „Persönlichkeit und Gesellschaft“

Gogol war kein Denker, aber er war es großartiger Künstler. Er selbst sagte über die Eigenschaften seines Talents: „Ich habe nur das gut gemacht, was ich aus der Realität, aus den mir bekannten Daten entnommen habe.“ Es hätte nicht einfacher und stärker sein können, die tiefe Grundlage des Realismus zu verdeutlichen, die in seinem Talent lag.

Kritischer Realismus -- künstlerische Methode und eine literarische Bewegung, die sich im 19. Jahrhundert entwickelte. Sein Hauptmerkmal ist die Darstellung des menschlichen Charakters in organischer Verbindung mit sozialen Umständen sowie eine tiefgreifende soziale Analyse der inneren Welt des Menschen.

ALS. Puschkin und N.V. Gogol skizzierte die wichtigsten künstlerischen Typen, die im Laufe des 19. Jahrhunderts von Schriftstellern entwickelt wurden. Dies ist der künstlerische Typus des „überflüssigen Menschen“, ein Beispiel dafür ist Eugen Onegin im Roman von A.S. Puschkin und der sogenannte Typ „ kleiner Mann", was von N.V. gezeigt wird. Gogol in seiner Geschichte „Der Mantel“ sowie A.S. Puschkin in der Geschichte „The Station Agent“.

Die Literatur hat ihren journalistischen und satirischen Charakter aus dem 18. Jahrhundert geerbt. Im Prosagedicht von N.V. Gogols „Dead Souls“ zeigt der Autor in scharfer satirischer Manier einen Betrüger, der kauft tote Seelen, verschiedene Arten von Landbesitzern, die die Verkörperung verschiedener menschlicher Laster sind. Die Komödie „Der Generalinspekteur“ basiert auf dem gleichen Plan. Auch die Werke von A. S. Puschkin sind voller satirischer Bilder. Die Literatur stellt die russische Realität weiterhin satirisch dar. TrendBilderLasterUndMängelRussischGesellschaft-charakteristischEigenschaftalleRussischklassischLiteratur. Es lässt sich in den Werken fast aller Schriftsteller des 19. Jahrhunderts nachweisen. Gleichzeitig setzen viele Schriftsteller die satirische Tendenz in grotesker (skurriler, komischer, tragikomischer) Form um.

Das Genre des realistischen Romans entwickelt sich. Seine Werke wurden von I.S. geschaffen. Turgenev, F.M. Dostojewski, L. N. Tolstoi, I.A. Goncharov. Die Entwicklung der Poesie lässt etwas nach.

Erwähnenswert sind die poetischen Werke von Nekrasov, der als erster in die Poesie einführte soziale Fragen. Sein Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ ist bekannt, ebenso wie viele Gedichte, die über das schwierige und hoffnungslose Leben der Menschen reflektieren.

Der literarische Prozess des späten 19. Jahrhunderts enthüllte die Namen von N.S. Leskov, A.N. Ostrovsky A.P. Tschechow. Letzterer erwies sich als Meister der kleinen Dinge Literarisches Genre- ein Geschichtenerzähler sowie ein ausgezeichneter Dramatiker. Konkurrent A.P. Tschechow war Maxim Gorki.

Das Ende des 19. Jahrhunderts war geprägt vom Aufkommen vorrevolutionärer Gefühle. Die realistische Tradition begann zu verschwinden. Sie wurde durch sogenannte dekadente Literatur ersetzt, Unterscheidungsmerkmale Dazu gehörten Mystik, Religiosität sowie eine Vorahnung von Veränderungen im gesellschaftspolitischen Leben des Landes. Anschließend entwickelte sich die Dekadenz zur Symbolik. Dies eröffnet eine neue Seite in der Geschichte der russischen Literatur.

Literarische Bewegungen des Silbernen Zeitalters

Russische Symbolik

Der Symbolismus war die erste Bewegung der Moderne, die auf russischem Boden entstand. Die Symbolisten stellten dem traditionellen Wissen über die Welt die Idee gegenüber, die Welt im Prozess der Kreativität zu konstruieren. Kreativität im Verständnis der Symbolisten ist eine unbewusst-intuitive Betrachtung geheimer Bedeutungen, die nur dem Künstler – dem Schöpfer – zugänglich sind. „Understatement“, „Bedeutungsgeheimnis“ – ein Symbol ist das wichtigste Mittel, um die beabsichtigte geheime Bedeutung zu vermitteln. Das Symbol ist die zentrale ästhetische Kategorie der neuen Bewegung. „Ein Symbol ist nur dann ein wahres Symbol, wenn seine Bedeutung unerschöpflich ist“, meinte der Theoretiker des Symbolismus Wjatscheslaw Iwanow. „Das Symbol ist ein Fenster zur Unendlichkeit“, wiederholte Fjodor Sologub.

Einer der Begründer der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts war Innokenty Annensky. Zu Lebzeiten wenig bekannt, in einem relativ kleinen Kreis von Dichtern hochgeschätzt, geriet er dann in Vergessenheit. Sogar die weit verbreiteten Zeilen „Unter den Welten, im Funkeln der Sterne ...“ wurden öffentlich für anonym erklärt. Doch seine Poesie, seine Klangsymbolik erwies sich als unerschöpflicher Schatz.

Die Welt der Poesie von Innokenty Annensky schenkte Literatur Nikolai Gumilyov, Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam, Boris Pasternak, Welimir Chlebnikow und Wladimir Majakowski. Nicht weil Annensky nachgeahmt wurde, sondern weil sie in ihm enthalten waren. Sein Wort war unmittelbar – scharf, aber vorsätzlich und abgewogen; es offenbarte nicht den Prozess des Denkens, sondern das bildliche Ergebnis des Denkens. Sein Gedanke klang wie gute Musik. Innokenty Annensky, der in seiner spirituellen Erscheinung den Neunzigerjahren angehört, eröffnet das 20. Jahrhundert, in dem die Sterne der Poesie aufflammen, sich verschieben, verschwinden und wieder den Himmel erleuchten ...

Zu den meistgelesenen Dichtern zählen Konstantin Balmont – „das Genie eines melodiösen Traums“; Ivan Bunin, dessen Talent mit mattem Silber verglichen wurde – sein brillantes Können schien kalt, aber zu seinen Lebzeiten wurde er „der letzte Klassiker der russischen Literatur“ genannt; Valery Bryusov, der als Meister galt; Dmitry Merezhkovsky – der erste europäische Schriftsteller in Russland; der philosophischste Dichter des Silbernen Zeitalters – Wjatscheslaw Iwanow...

Die Dichter des Silbernen Zeitalters waren bedeutende Persönlichkeiten, auch wenn sie nicht den ersten Rang einnahmen. Um die modisch-bohemische Frage zu beantworten: Genie oder verrückt? - In der Regel wurde die Antwort gegeben: sowohl ein Genie als auch ein Verrückter.

Andrei Bely beeindruckte seine Umgebung als Prophet... Sie alle wurden, von der Symbolik mitgerissen, zu prominenten Vertretern dieser einflussreichsten Schule. Um die Jahrhundertwende verstärkte sich insbesondere das nationale Denken. Das Interesse an Geschichte, Mythologie und Folklore wurde von Philosophen (V. Solovyov, N. Berdyaev, P. Florensky usw.), Musikern (S. Rachmaninov, V. Kalinnikov, A. Skrjabin), Malern (M. Nesterov, V. M. Vasnetsov) erfasst , A.M. Vasnetsov, N.K. Roerich), Schriftsteller und Dichter. „Zurück zu den nationalen Ursprüngen!“ - war der Schrei dieser Jahre.

Aus alten Zeiten Heimat Ihre Nöte und Siege, Sorgen und Freuden waren das Hauptthema Nationalkultur. Künstler widmeten ihre Kreativität der Rus und Russland. Die erste Pflicht für uns ist die Pflicht zur Selbsterkenntnis – harte Arbeit, um unsere Vergangenheit zu studieren und zu verstehen. Die Vergangenheit, die Geschichte Russlands, seine Moral und Bräuche – das sind die wahren Schlüssel, um den Durst nach Kreativität zu stillen. Reflexionen über die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Landes werden zum Hauptmotiv der Aktivitäten von Dichtern, Schriftstellern, Musikern und Künstlern. „Vor mir steht mein Thema, das Thema Russland. Ich widme mein Leben bewusst und unwiderruflich diesem Thema“, schrieb Alexander Blok.

„Kunst außerhalb der Symbolik gibt es heutzutage nicht mehr. „Symbolik ist gleichbedeutend mit dem Künstler“, sagte damals Alexander Blok, der zu seinen Lebzeiten für viele in Russland bereits mehr als ein Dichter war.

LiterarischfließenAkmeismus(entstandenVRusslandVAnfang1910er JahreJahre)

Eine Gruppe junger Dichter, die sich den Symbolisten widersetzten, versuchte, den Utopismus der Symboltheorie zu überwinden. Der Anführer dieser Gruppe war Sergei Gorodetsky, ihm schlossen sich Nikolai Gumilyov und Alexander Tolstoi an. Der Literaturunterricht wurde von Vyacheslav Ivanov, Innokenty Annensky und Maximilian Voloshin geleitet. Dichter, die sich mit der Verskunst beschäftigten, begannen, sich „Akademie der Poesie“ zu nennen. Im Oktober 1911 wurde die „Akademie der Poesie“ nach dem Vorbild mittelalterlicher Handwerksvereinsnamen in die „Werkstatt der Dichter“ umgewandelt. Die Leiter der „Werkstatt“ waren Dichter der nächsten Generation – Nikolai Gumilyov und Sergei Gorodetsky. Es wurde die Frage nach der Schaffung einer neuen poetischen Bewegung aufgeworfen und gelöst – dem Akmeismus (aus dem Griechischen – der höchste Grad von etwas, blühende Kraft). Anna Achmatowa, Ossip Mandelstam, Michail Kusmin und andere wurden Akmeisten.

Das erste Zeichen des Akmeismus, seine ästhetische Grundlage, war M. Kuzmins Artikel „Über schöne Klarheit“. Der Artikel diktierte die Prinzipien „hervorragender Klarheit“: logisches Design, harmonische Komposition; „Klarismus“ wurde im Wesentlichen zu einem Aufruf zur Wiederherstellung der Ästhetik von Vernunft und Harmonie und widersetzte sich dem Globalismus der Symbolisten.

Die maßgeblichsten Lehrer der Akmeisten waren Dichter, die einst eine bedeutende Rolle in der Symbolik spielten – M. Kuzmin, I. Annensky, A. Blok. Mit dem Namen Gumilyov erinnern wir uns jetzt daran, dass er der Begründer des Akmeismus war. Und er war vor allem ein seltenes Beispiel für die Einheit von Poesie und Leben. Alle seine Jahre wurden in seinen Gedichten verkörpert. Sein Leben – das Leben eines romantischen russischen Dichters – wird in seinen Werken wiedergegeben. Gumilyov hat uns eine mutige Vorhersage hinterlassen:

Die Erde wird die Beschwerden vergessen

Alle Krieger, alle Händler,

Und es wird wie immer Druiden geben

Lehren Sie von den grünen Hügeln aus.

Und es wird wie früher Dichter geben

Führe Herzen in die Höhe.

Wie ein Engel Kometen leitet

Zu einem ihnen unbekannten Traum.

Seine Rhythmen haben Gewicht. Seine Linien leuchten und duften duftend. Seine Intonation führte die Armee der Dichter an, die sich als unbesiegbare Armee herausstellte. Talent, pure Inspiration müssen seiner Meinung nach perfekt sein, und er brachte jungen Dichtern beharrlich und streng das Handwerk bei. Die Ergebnisse übertrafen alle Erwartungen: Fünf Jahre später entstanden in Russland in Großstädten Dichterwerkstätten nach dem Vorbild von St. Petersburg – von nun an war es nicht mehr möglich, schlechte Gedichte zu schreiben, das Niveau der Meister stieg ungewöhnlich an und Wer Talent hatte, konnte es in perfekter Form zeigen.

Er war streng und unversöhnlich gegenüber jungen Dichtern und sich selbst; er war der erste, der das Versieren zu einer Wissenschaft und einem Handwerk erklärte, das erlernt werden muss, so wie man Musik und Malerei lernt. Er war mutig und stur, er war verträumt und mutig. Er verband die Knabenhaftigkeit und die guten Manieren eines jungen Absolventen des Zarskoje-Selo-Gymnasiums mit einer Medaille, einem Wandergeist und dem unnachgiebigen Fanatismus eines Dichters. Er schrieb Gedichte voller herbem Charme, erfüllt vom Duft hoher Berge, heißer Wüsten und ferner Meere. Als fahrender Ritter, einem aristokratischen Orden, war er in alle Zeiten, Länder und Epochen verliebt.

Als der Weltkrieg begann, ging Gumilyov an die Front. Es gab Legenden über seine Abenteuer. Er erhielt drei „Georges“, wurde schwer verwundet, aber seine Seele erblühte in kühner heroischer Schönheit.

Wie ein wahres russisches Genie hatte er die Gabe der Weitsicht und sagte sich in dem atemberaubenden Gedicht „Arbeiter“ Folgendes voraus:

Er steht über einer glühenden Schmiede,

Ein kleiner alter Mann

Ein ruhiger Blick wirkt unterwürfig

Vom Blinzeln rötlicher Augenlider

Alle seine Kameraden schliefen ein

Er ist der Einzige, der noch nicht schläft,

Er ist ganz damit beschäftigt, eine Kugel abzuwerfen,

Was wird mich von der Erde trennen?

Ich werde fallen, ich werde mich zu Tode langweilen,

Ich werde die Vergangenheit in der Realität sehen,

Das Blut wird wie eine Quelle ins Trockene fließen,

Staubiges und zerknittertes Gras.

Und der Herr wird es mir in vollem Umfang vergelten

Für mein kurzes und bitteres Leben ...

Wir kennen die Einzelheiten seines Mordes nicht (das Land tötete, erschoss seinen Helden!), aber wir wissen, dass er, als er an der Mauer stand, dem Henker nicht einmal einen verwirrten und ängstlichen Blick zuwarf.

Ein Träumer, ein Romantiker, ein Patriot, ein strenger Lehrer, ein Dichter ... Sein düsterer Schatten flog empört aus dem entstellten, blutigen, leidenschaftlich geliebten Mutterland ...

Er schrieb Gedichtbände: „Der Weg des Eroberers“, „Romantische Blumen“, „Perlen“, „Alien Sky“, „Köcher“, „Bonfire“, „Zelt“, Theaterstücke in Versen; Ein Buch mit chinesischen Gedichten „Porzellanpavillon“, Gedichtbände „Feuersäule“, „Mitten auf der irdischen Reise“ und „Drachengedicht“ wurden zur Veröffentlichung vorbereitet ...

Imagismus. In den ersten nachrevolutionären Jahren entstand in Russland eine neue literarische und künstlerische Bewegung, der Imagismus (aus dem französischen Bild). - Bild), basierend auf den Recherchen der russischen Avantgarde, insbesondere des Futurismus.

Poetisch Die Gruppe der Imagisten wurde 1918 von Sergei Aleksandrovich Yesenin, Vadim Gabrielevich Shershenevich und Anatoly Borisovich Mariengof gegründet. Zur Gruppe gehörten auch Ivan Gruzinov, Alexander Kusikov (Kusikyan) und Rurik Ivnev (Mikhail Kovalev). Organisatorisch schlossen sie sich einst um den Verlag „Imaginists“ und das bekannte Literaturcafé „Stable of Pegasus“ zusammen. Die Imagisten gaben die Zeitschrift „Hotel for Travelers in Beauty“ heraus, deren vierte Ausgabe 1924 endete.

...

Ähnliche Dokumente

Merkmale der Entwicklung der russischen Kultur im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, die unter dem Namen „Silberzeitalter“ in die Geschichte der russischen Kultur einging. Trends in der Entwicklung von Wissenschaft, Literatur, Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik, Ballett, Theater, Kino.

Test, hinzugefügt am 02.12.2010


Merkmale des Silbernen Zeitalters der russischen Kultur, die Besonderheiten ihrer Literatur und Musik, die Hauptmotive und Ideen dieser kulturellen Trends in Russland. Analyse der Merkmale der Kreativität von A.A Blok und A.N. Skrjabin als größten Schöpfer Silbernes Zeitalter.

Kursarbeit, hinzugefügt am 30.05.2010


allgemeine Charakteristiken sozialer und kultureller Bereich Russlands zu Beginn des 20. Jahrhunderts, Veränderungen im Lebensstil der Mittelschichten und Arbeiter, Erneuerung des Erscheinungsbildes der Stadt. Merkmale der russischen Kultur und Kunst des „Silbernen Zeitalters“: Ballett, Malerei, Theater, Musik.

Präsentation, hinzugefügt am 15.05.2011


Silhouette des „Silbernen Zeitalters“. Hauptmerkmale und Vielfalt künstlerisches Leben die Zeit des „Silbernen Zeitalters“: Symbolik, Akmeismus, Futurismus. Die Bedeutung des Silbernen Zeitalters für die russische Kultur. Historische Merkmale der Kulturentwicklung am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 25.12.2007


Allgemeine Merkmale und wichtigste Merkmale der Kultur Russlands im 18. Jahrhundert. Die Hauptmerkmale der russischen Kultur des 19. – frühen 20. Jahrhunderts: das „goldene“ und das „silberne“ Zeitalter. Bedeutende Erfolge und Probleme in der Entwicklung des Weißrussischen XVIII Kultur Jahrhundert - Anfang 20. Jahrhundert.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 24.12.2010


Die Intensität des Silbernen Zeitalters in kreativen Inhalten, die Suche nach neuen Ausdrucksformen. Die wichtigsten künstlerischen Bewegungen des „Silbernen Zeitalters“. Die Entstehung von Symbolik, Akmeismus, Futurismus in der Literatur, Kubismus und Abstraktionismus in der Malerei, Symbolik in der Musik.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 18.03.2010


Bildung und Aufklärung, Kinoentwicklung. Synthese von Religion, Philosophie und Wissenschaft nach V.S. Solowjow. Symbolik: Konzept, Vertreter. Akmeismus als literarische Bewegung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Russland entstand. V.A. Korovin als prominenter Vertreter des Impressionismus.

Präsentation, hinzugefügt am 05.11.2013


„Silberzeitalter“ als Zeitalter der Entdeckungen und Experimente. Das Aufblühen von Philosophie, Kunst, Literatur und Poesie. Die Originalität der Ära und der bedeutende Beitrag Russlands zur Weltkultur. Traditionen der westeuropäischen Renaissance in der Entwicklung der russischen Kultur, des russischen Humanismus.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 17.05.2011


Der Fortschritt der russischen Kultur, begleitet von der Entwicklung von Bildung, Wissenschaft, Literatur und Kunst, in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Prominente Vertreter Kultur dieser Zeit in den Bereichen Architektur, Malerei, Theater und Musik sowie russischer Journalismus.

Präsentation, hinzugefügt am 03.12.2012


Merkmale und Blüte der künstlerischen Kultur des 19. Jahrhunderts: Schukowski, Puschkin, Lermontow, Gogol, Turgenjew, Dostojewski, Tolstoi. Merkmale der Literatur des „goldenen“ und „silbernen“ Zeitalters. Geschichte der Theaterbildung in Russland im 19. Jahrhundert, kaiserliche Theater.