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OPER-COMIC, im ursprünglichen Sinne des Begriffs: eine Reihe nationaler Varianten des Operngenres, die in den 1730er Jahren entstanden und bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts existierten. In der Folge verlor der Begriff seine Eindeutigkeit; Heutzutage wird es häufig im Zusammenhang mit verschiedenen Arten von Musik- und Unterhaltungsdarbietungen mit komödiantischem Inhalt (Farce, Slapstick, Varieté, Operette, Musical usw.) verwendet.

Der Ursprung und die Merkmale des Genres.

Die komische Oper entwickelte sich in Ländern mit einer entwickelten Opernkultur als Alternative zur höfischen Opera seria (italienisch: opera seria – ernste Oper), deren Prinzipien im 17. Jahrhundert entwickelt wurden. Italienische Komponisten der neapolitanischen Schule (insbesondere A. Scarlatti). Bis zum 18. Jahrhundert Die italienische Hofoper geriet in ihrer Entwicklung in eine Krisenphase und verwandelte sich in „Kostümkonzerte“ – brillant, voller virtuoser Gesangseffekte, aber ein statisches Spektakel. Im Gegensatz dazu verfügte die komische Oper über eine größere Flexibilität, die für neue, junge Kunstformen charakteristisch ist, und verfügte daher über eine größere Dynamik und ein größeres Entwicklungspotenzial. Das neue Theatergenre verbreitete sich in ganz Europa und jedes Land entwickelte seine eigene Version der komischen Oper.

Trotz aller nationalen Besonderheiten waren die allgemeinen Entwicklungswege der komischen Oper jedoch ähnlich. Seine Entstehung wurde von den demokratischen Prinzipien der Aufklärung bestimmt. Dank ihnen entstanden in der komischen Oper neue Trends in der Musik und im Operndrama: Nähe zum Alltag, Volksmelodie (sowohl in Gesangs- als auch Tanzepisoden), Parodie und eigenartige „Masken“-Eigenschaften der Charaktere. In den Handlungskonstruktionen der komischen Oper wurden die feierlichen antiken und historisch-legendären Handlungsstränge nicht konsequent entwickelt, was auch blieb Genrezeichen Opernserie. Demokratische Tendenzen sind auch in den formalen Merkmalen der komischen Oper sichtbar: gesprochene Dialoge, Rezitative, dynamische Handlung.

Nationale Spielarten der komischen Oper.

Italien gilt als Geburtsort der komischen Oper, wo dieses Genre Opera buffa (italienisch: opera buffa – komische Oper) genannt wurde. Seine Quellen waren die komödiantischen Opern der römischen Schule des 17. Jahrhunderts. und Commedia dell'arte. Zunächst handelte es sich dabei um lustige Zwischenspiele, die zur emotionalen Entspannung zwischen den Akten der Opera seria eingefügt wurden. Die erste Opera Buffa war Dienstmädchen-Herrin G.B. Pergolesi, vom Komponisten als Zwischenspiel zu seiner eigenen Opera seria geschrieben Stolzer Gefangener(1733). Später begann man mit der eigenständigen Aufführung von Opera Buffas. Sie zeichneten sich durch einen kleinen Umfang, eine geringe Anzahl von Charakteren, Possenreißer-Arien, Geplapper in den Gesangspartien, Stärkung und Entwicklung von Ensembles aus (im Gegensatz zur Opera seria, wo Solostimmen die Grundlage bildeten und Ensembles und Chöre fast nicht verwendet wurden). ). In der Musikdramaturgie dienten volkstümliche Lied- und Tanzgenres als Grundlage. Später drangen lyrische und sentimentale Züge in die Opera buffa ein und verlagerten sie von der rauen Commedia dell'arte zu den skurrilen Themen und Handlungsprinzipien von C. Gozzi. Die Entwicklung der Opera Buffa ist mit den Namen der Komponisten N. Piccini, G. Paisiello, D. Cimarosa verbunden.

Die spanische Spielart der komischen Oper wurde Tonadilla(spanisch tonadilla – Lied, abgekürzt von tonada – Lied). Wie die Opera buffa entstand auch die Tonadilla aus einer Lied- und Tanznummer, die eine Theateraufführung eröffnete oder zwischen den Akten aufgeführt wurde. Später entwickelte sich daraus ein eigenes Genre. Erste Tonadilla - Gastwirt und Fahrer(Komponist L. Mison, 1757). Weitere Vertreter des Genres sind M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve y Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. In den meisten Fällen haben die Komponisten selbst Libretti für die Tonadilla geschrieben.

In Frankreich entwickelte sich das Genre unter dem Namen Opernkomödie(Französisch – komische Oper). Es entstand als satirische Parodie auf die „Große Oper“. Anders als in der italienischen Entwicklungslinie wurde das Genre in Frankreich zunächst von Dramatikern geprägt, was zu einer Kombination von Musiknummern mit gesprochenen Dialogen führte. So gilt als Autor der ersten französischen Opera Comique J. J. Rousseau ( Dorfzauberer, 1752). Musikalische Dramaturgie Opéra Comique wurde in den Werken der Komponisten E. Douni und F. Philidor entwickelt. In der vorrevolutionären Ära erlangte die Opéra comique eine romantische Ausrichtung, reich an ernsten Gefühlen und aktuellen Inhalten (Komponisten P. Monsigny, A. Grétry).

In England wurde die nationale Spielart der komischen Oper Balladenoper genannt und entwickelte sich hauptsächlich im Genre der Gesellschaftssatire. Klassisches Beispiel - Bettleroper(1728) des Komponisten J. Pepusha und des Dramatikers J. Gay, das zu einer witzigen Parodie auf die Moral der englischen Aristokratie wurde. Unter anderen englischen Komponisten, die im Genre der Balladenoper arbeiteten, ist Charles Coffey der bekannteste, dessen Werk einen großen Einfluss auf die Entwicklung des Genres in Deutschland hatte .

Die deutsche und die österreichische Spielart der komischen Oper hatten einen gemeinsamen Namen Singspiel(deutsch: Singspiel, von singen – singen und Spiel – spielen). Allerdings hatten die deutschen und österreichischen Singspiele ihre eigenen Besonderheiten. Wenn in Deutschland das Genre unter dem Einfluss der englischen Balladenoper entstanden ist, dann in Österreich - unter dem Einfluss Italienische Komödie del Arte und französische Opera Comique. Dies liegt an der kulturellen Einzigartigkeit der Hauptstadt Österreichs, Wien, die im 18. Jahrhundert zur Hauptstadt wurde. ein internationales Zentrum, in dem Musikkunst synthetisiert wurde verschiedene Nationen. Das österreichische Singspiel umfasst im Gegensatz zum deutschen neben Vers- und Balladennummern große Opernformen: Arien, Ensembles, gut ausgearbeitete Finale. Auch der Orchesterpart erfährt im österreichischen Singspiel eine stärkere Entwicklung. Die bekanntesten Singspielkomponisten sind I. Standfuß, I. A. Giller, W. Müller, K. Dietersdorf und andere.

Transformationen des Genres.

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Die Entwicklung nationaler Genres der komischen Oper in ihrer „reinen“ Form begann zu sinken. Auf ihrer Grundlage wurden jedoch neue Prinzipien verschiedener Arten von Musik- und Unterhaltungskunstformen gebildet. Und auch hier kommt der Wiener Musikschule die Hauptrolle zu.

Einerseits trugen die komische Oper im Allgemeinen und das Singspiel im Besonderen zur Reformation der klassischen Oper bei, an der W. A. ​​​​Mozart maßgeblich beteiligt war. Auf dem Weg der inneren Erneuerung und Synthese früherer Musikformen schuf Mozart sein eigenes Opernkonzept, das das eher einfache Schema von Singspiel und Opera buffa bereicherte, ihnen psychologische Überzeugungskraft und realistische Motive einbrachte und sie auch durch die musikalischen Formen von ergänzte ernste Oper. Also, Die Hochzeit des Figaro(1786) verbindet auf organische Weise die Form der Opera buffa mit realistischen Inhalten; Don Juan(1787) verbindet Komödie mit einem wirklich tragischen Klang; Die Zauberflöte(1791) umfasst eine Vielzahl musikalischer Genres im klassischen Singspiel: Extravaganz, Choral, Fuge usw.

Parallel zu Mozart und nach den gleichen Grundsätzen erfolgte in Österreich eine innovative Umarbeitung der Oper durch J. Haydn ( Wahre Beständigkeit, 1776; Mondwelt, 1977; Seele eines Philosophen, 1791). Anklänge an das Singspiel sind in L. van Beethovens einziger Oper deutlich zu hören Fidelio (1805).

Die Traditionen von Mozart und Haydn wurden im Werk des italienischen Komponisten G.A. Rossini aufgegriffen und fortgeführt Schuldscheine für die Ehe, 1810, vor Barbier von Sevilla, 1816, und Aschenputtel, 1817).

Ein weiterer Zweig der Entwicklung der komischen Oper ist mit der Entstehung und Bildung der Schule der Wiener klassischen Operette verbunden. Wenn im 18. Jahrhundert. Operette wurde damals im 19. Jahrhundert oft als eine Art komische Oper bezeichnet (italienische Operette, französisch opérette, wörtlich: kleine Oper). es hat sich als eigenständiges Genre herausgebildet. Seine Prinzipien wurden in Frankreich vom Komponisten J. Offenbach entwickelt und in seinem Bouffe-Parisienne-Theater umgesetzt.

Die Wiener klassische Operette ist vor allem mit dem Namen I. Strauss (Sohn) verbunden, der erst spät, im fünften Lebensjahrzehnt, zu dieser Gattung kam, als er bereits ein weltberühmter Autor zahlreicher klassischer Walzer war. Die Operetten von Strauss zeichnen sich durch melodischen Reichtum und Vielfalt musikalischer Formen, exquisite Orchestrierung, umfangreiche symphonische Motive von Tanzepisoden und eine starke Abhängigkeit von der österreichisch-ungarischen Volksmusik aus. Darin lassen sich zweifellos die Traditionen der komischen Oper ablesen. Bei der Entwicklung der Operette als Genre wurde jedoch der Schwerpunkt auf musikalische und darstellerische (sowohl Orchester- als auch gesanglich-choreografische) Fähigkeiten gelegt. Die Textrichtung der Dramaturgie, die sich in der englischen Balladenoper und der französischen Opéra comique erfolgreich entwickelte, scheiterte und verkam zu primitiven dramatischen Handwerken – Libretti. In diesem Zusammenhang sind von den 16 von Strauss geschriebenen Operetten nur drei im Repertoire nachfolgender Theater erhalten geblieben: Schläger, Nacht in Venedig Und Zigeunerbaron. Mit schematischen Libretti wird die traditionelle Einordnung der Operette als Genre der leichten Unterhaltung in Verbindung gebracht.

Der Wunsch, dem synthetischen musikalischen Unterhaltungstheater Tiefe und Volumen zurückzugeben, führte zur Weiterentwicklung des Musikgenres, in dem textliche, plastische und musikalische Dramaturgie in untrennbarer Einheit existieren, ohne dass einer von ihnen den vorherrschenden Druck ausübt.

Komische Oper in Russland.

Entwicklung Musiktheater in Russland bis zum letzten Drittel des 18. Jahrhunderts. basierte auf westeuropäischer Kunst. Dies wurde insbesondere durch die besondere Vorliebe Katharinas II. für „ausländische“ Künstler erleichtert. Wenn im russischen Schauspielhaus zu diesem Zeitpunkt die Namen der einheimischen Dramatiker A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyazhnin, D. Fonvizin und andere bereits bekannt waren, basierten die Aufführungen von Ballett- und Operntruppen nur auf den Werken ausländischer Autoren. Neben russischen Amateur- und Profigruppen wurden die französische Opera Comique und die italienische Opera Buffa vom Kabinettssekretär von Katharina II., Iwan Elagin, der für das Theaterpersonal zuständig war, zu einer Führung durch das Hoftheater eingeladen. Dies war größtenteils auf die außertheatralischen Interessen der einflussreichen Höflinge Katharinas II. (Fürst Potemkin, Graf Bezborodko usw.) zurückzuführen: Affären mit ausländischen Schauspielerinnen galten damals als gute Manieren.

Vor diesem Hintergrund begann mit der Entstehung der Nationalen Komischen Oper die Entstehung der Russischen Opernschule und der weltlichen Kompositionsschule. Dieser Weg ist durchaus logisch: Es ist die komische Oper, die aufgrund ihres grundsätzlich demokratischen Charakters maximale Möglichkeiten zur Manifestation des nationalen Selbstbewusstseins bietet.

Die Entstehung der komischen Oper in Russland ist mit den Namen des Komponisten V. Paschkewitsch verbunden ( Unglück aus der Kutsche, 1779; Geizig, 1782), E. Fomina ( Kutscher auf einer Tribüne, oder zufällig spielen, 1787; Amerikaner, 1788), M. Matinsky ( St. Petersburg Gostiny Dvor, 1782). Die Musik basierte auf der Melodie russischer Lieder; Die Bühneninterpretation zeichnet sich durch einen freien Wechsel von Rezitativ und melodischem Gesang, eine lebendige realistische Entwicklung volkstümlicher Charaktere und Lebensformen sowie Elemente der Gesellschaftssatire aus. Am beliebtesten war die komische Oper Miller – Zauberer, Betrüger und Heiratsvermittler nach einem Libretto des Dramatikers A. Ablesimov (Komponist - M. Sokolovsky, 1779; ab 1792 wurde es zur Musik von E. Fomin aufgeführt). Später wurde die russische komische Oper (wie auch ihre europäischen Varianten) durch lyrische und romantische Motive ergänzt (Komponisten K. Kavos - Ivan Susanin,Dobrynya Nikitich,Feuervogel usw.; A. Werstowski – Pan TVARDOVSKY,Askolds Grab usw.).

Die Entstehung der russischen komischen Oper begann im 19. Jahrhundert. zwei Richtungen des nationalen Musik- und Unterhaltungstheaters. Die erste ist die klassische russische Oper, deren rasante Entwicklung durch die Talente von M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tschaikowsky und anderen verursacht wurde Zweig Musikalische Kunst Nur einige reduzierte Merkmale des ursprünglichen Genres blieben bestehen: die Abhängigkeit von Volksmelodien und einzelnen Comedy-Episoden. Im Allgemeinen trat die russische Oper organisch in die allgemeine Welttradition der Opernklassiker ein.

Die zweite Richtung bewahrte die Besonderheiten der Komödie deutlicher. Hierbei handelt es sich um ein russisches Varieté, in dem Dialoge und unterhaltsame Aktionen, die auf amüsanten Intrigen basieren, mit Musik, Couplets und Tänzen kombiniert werden. In gewissem Sinne kann das russische Varieté als eine Art „leichtes Genre“ der europäischen Operette betrachtet werden, weist jedoch seine eigenen Besonderheiten auf. Die dramatische Grundlage des Varietés ist nicht das Libretto, sondern ein gut gemachtes Theaterstück. Einer der ersten russischen Varieté-Autoren war beispielsweise A. Griboyedov ( Ihre eigene Familie oder eine verheiratete Braut, in Zusammenarbeit mit A. Shakhovsky und N. Khmelnitsky, 1817; Wer ist Bruder, wer ist Schwester oder Täuschung nach Täuschung, gemeinsam mit P. Vyazemsky, 1923 verfasst). A. Pisarev arbeitete später im Varieté-Genre - F. Koni, D. Lensky (sein Varieté). Lev Gurych Sinichkin wird bis heute aufgeführt), V. Sollogub, P. Karatygin und andere Die Grundlage des russischen Varietés ist also nicht das musikalische, sondern das literarische Drama, und der Musik kommt in eingefügten Versnummern eine Nebenrolle zu. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. A. Tschechow leistete seinen Beitrag zur Entwicklung des Varietés ( Tragen,Angebot,Jubiläum,Hochzeit usw.), es aus dem statischen Rahmen des Genres herauszunehmen und die Charaktere der Charaktere zu bereichern.

Versuche, das Genre der komischen Oper auf der Grundlage einer Kombination von Operettentraditionen mit detaillierter psychologischer Charakterentwicklung zu entwickeln, wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Russland unternommen, unter anderem vom Moskauer Kunsttheater. So gründete V. Nemirovich-Danchenko 1919 ein Musikstudio (komische Oper) und inszenierte mit seinen Schauspielern das Moskauer Kunsttheater Angos Tochter Lecoq und Pericola Offenbach, aufgelöst als „Melodrama-Bouffe“. In den frühen 20er Jahren inszenierte Nemirovich-Danchenko hier komische Opern Lysistrata Aristophanes, 1923; Carmencita und der Soldat, 1924.

In der Sowjetzeit, die den sozialistischen Realismus als Hauptprinzip der Kunst proklamierte, wurde die frivole Gattungsdefinition „Operette“ zunehmend durch die neutrale „Musikkomödie“ maskiert. Tatsächlich darin allgemeiner Begriff es gab viele Spielarten – von der klassischen Operette bis zum nicht minder klassischen Varieté; von Jazz-Ansätzen über Musicals bis hin zu Brechtschen Zong-Opern; sogar „erbärmliche Komödie“ usw.

Das Interesse russischer Theaterkünstler am Musiktheater war schon immer sehr groß: Sie wurden von der Möglichkeit angezogen, sich in einem neuen Genre auszuprobieren und ihre stimmlichen und plastischen Fähigkeiten zu zeigen. Gleichzeitig war zweifellos das Genre der synthetischen Musik besonders attraktiv: Die traditionelle russische Schauspielschule pflegt konsequent den Psychologismus, der für Operette oder Varieté nicht unbedingt notwendig ist. Die Zerstörung des „Eisernen Vorhangs“ und der Anschluss an den globalen Kulturfluss gaben Russland neue Möglichkeiten, das synthetische Genre des Musicals zu entwickeln, das zu diesem Zeitpunkt die ganze Welt erobert hatte. Und heute erinnern sich nur noch wenige Menschen daran, dass die Geschichte der weltweit beliebtesten Musikrichtung in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts begann. aus einer komischen Oper.

Tatiana Shabalina

Italienisch Oper, lit. - Arbeit, Geschäft, Aufsatz

Eine Art musikalisches und dramatisches Werk. Die Oper basiert auf einer Synthese aus Wort, Bühnengeschehen und Musik. Im Gegensatz zu verschiedenen Arten des dramatischen Theaters, in denen die Musik unterstützende, angewandte Funktionen erfüllt, wird sie in der Oper zum Hauptträger und zur treibenden Kraft des Handelns. Eine Oper erfordert ein ganzheitliches, sich konsequent weiterentwickelndes musikalisches und darstellerisches Konzept (siehe). Fehlt sie und begleitet und illustriert die Musik lediglich den verbalen Text und das Bühnengeschehen, zerfällt die Opernform und die Besonderheit der Oper als besondere Form der Musik- und Schauspielkunst geht verloren.

Die Entstehung der Oper in Italien an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. wurde einerseits durch bestimmte Formen der Renaissance-Tradition vorbereitet, in denen der Musik Bedeutung beigemessen wurde. Ort (prächtiges Zwischenspiel, pastorales Drama, Tragödie mit Chören) und andererseits weit verbreitete Entwicklung in derselben Epoche Sologesang mit Instr. Begleitung. In O. fanden die Suchen und Experimente des 16. Jahrhunderts ihren vollständigsten Ausdruck. im Bereich des ausdrucksstarken Wok. Monodie, die in der Lage ist, die verschiedenen Nuancen der menschlichen Sprache zu vermitteln. B. V. Asafiev schrieb: „Die große Renaissance-Bewegung, die die Kunst des „neuen Menschen“ schuf, verkündete das Recht, Seelenfülle und Gefühle außerhalb des Jochs der Askese frei auszudrücken, und brachte einen neuen Gesang hervor, in dem der gesungene, gesungene Klang zum Ausdruck kam.“ ein Ausdruck des emotionalen Reichtums des menschlichen Herzens in seinen grenzenlosen Manifestationen. Diese tiefgreifende Revolution in der Geschichte der Musik, die die Qualität der Intonation, das heißt die Offenbarung des inneren Inhalts, der Seelenfülle und der emotionalen Stimmung in der menschlichen Stimme, veränderte Sprache, konnte die Kunst der Oper nur zum Leben erwecken“ (Asafiev B.V., Izbr. Werke, Bd. V, M., 1957, S. 63).

Das wichtigste und integrale Element eines Opernwerks ist der Gesang, der eine reiche Bandbreite menschlicher Erfahrungen in feinsten Nuancen vermittelt. Durch Taucher. einen Wok bauen. Die Intonation in O. offenbart die individuelle Psyche. Die Zusammensetzung jedes Charakters, seine Charaktereigenschaften und sein Temperament werden vermittelt. Aus der Kollision verschiedener Intonationen. Komplexe, deren Beziehung dem Kräftegleichgewicht in den Dramen entspricht. Aktionen, die „Intonationsdramaturgie“ von O. entsteht als Musikdrama. das Ganze.

Entwicklung der Symphonie im 18.-19. Jahrhundert. erweiterte und bereicherte die Möglichkeiten der Interpretation von Dramen durch Musik. Handlungen im O., die ihren Inhalt offenbaren, der im gesungenen Text und in den Handlungen der Charaktere nicht immer vollständig offenbart wird. Das Orchester spielt eine abwechslungsreiche kommentierende und verallgemeinernde Rolle im Orchester. Seine Funktionen beschränken sich nicht nur auf die Wok-Unterstützung. Parteien und ausdrucksstarke Betonung einzelner, am wichtigsten. Momente der Aktion. Es kann den „Unterton“ der Handlung vermitteln und so eine Art Drama bilden. ein Kontrapunkt zu dem, was auf der Bühne passiert und worüber die Sänger singen. Eine solche Kombination verschiedener Pläne ist einer der stärksten Ausdrucksformen. Techniken in O. Oft beendet das Orchester die Geschichte, vervollständigt die Situation und bringt sie auf den Höhepunkt des Dramas. Stromspannung. Das Orchester spielt auch eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des Hintergrunds der Handlung und der Darstellung der Situation, in der sie stattfindet. Orchestral-beschreibend. Episoden wachsen manchmal zu kompletten Sinfonien heran. Gemälde. Reiner Ork. Bestimmte Ereignisse, die Teil der Handlung selbst sind, können durch Mittel verkörpert werden (z. B. in symphonischen Pausen zwischen Szenen). Endlich der Ork. Entwicklung dient als eines der Geschöpfe. Faktoren bei der Schaffung einer kohärenten, vollständigen Opernform. All dies ist im Konzept der Opernsymphonie enthalten, die viele thematische Techniken verwendet. Entwicklung und Ausbildung, die sich in „reinen“ Instrumenten entwickelt haben. Musik. Diese Techniken finden jedoch eine flexiblere und freiere Anwendung im Theater, abhängig von den Bedingungen und Anforderungen des Theaters. Aktionen.

Gleichzeitig tritt die gegenteilige Wirkung von Sauerstoff auf das Instrument auf. Musik. Somit hatte O. zweifellos einen Einfluss auf die Entstehung der Klassik. Symphonie Orchester. Reihenork. Effekte, die im Zusammenhang mit bestimmten Aufgaben des Theaterdramas entstanden. Bestellung, ging dann in das Eigentum des Instruments über. Kreativität. Entwicklung der Opernmelodie im 17. und 18. Jahrhundert. bereitete bestimmte Arten von Klassikern zu. Instr. Thematik. Vertreter der programmatischen Romantik griffen häufig auf Techniken der opernhaften Ausdruckskraft zurück. Sinfoniker, der mit instrumentalen Mitteln malen wollte. Musik, konkrete Bilder und Abbildungen der Wirklichkeit, bis hin zur Wiedergabe von Gesten und Intonationen menschlicher Sprache.

In der Musik werden verschiedene Genres der Alltagsmusik verwendet – Gesang, Tanz, Marsch (in ihren vielen Spielarten). Diese Genres dienen nicht nur dazu, den Hintergrund zu skizzieren, vor dem sich die Handlung abspielt, die Schaffung von Nationalität. und Lokalkolorit, sondern auch zur Charakterisierung der Charaktere. Eine Technik namens „Generalisierung durch Genre“ (ein Begriff, der von A. A. Alshwang verwendet wird) ist in der Kunst weit verbreitet. Gesang oder Tanz werden zum Mittel des Realismus. Typisierung des Bildes, Identifizierung des Allgemeinen im Besonderen und Individuellen.

Differenzverhältnis Elemente, aus denen Kunst als Kunst geformt wird. insgesamt, variiert je nach der allgemeinen Ästhetik. Trends, die in einer bestimmten Zeit in der einen oder anderen Richtung vorherrschen, sowie von bestimmten kreativen Künstlern. Probleme, die der Komponist in diesem Werk gelöst hat. Es gibt in erster Linie Vokalorchester, bei denen dem Orchester eine untergeordnete Rolle zukommt. Gleichzeitig kann das Orchester ch sein. Träger von Dramen. Action und dominieren den Wok. in Chargen. Es sind O. bekannt, die auf dem Wechsel vollständiger oder relativ vollständiger Woks basieren. Formen (Arie, Arioso, Cavatina, verschiedene Arten von Ensembles, Chöre) und O. primär. Rezitativtyp, bei dem sich die Handlung kontinuierlich entwickelt, ohne Unterteilung in Abteilungen. Episoden (Nummern), Aufführungen mit überwiegend solistischem Anteil und Aufführungen mit entwickelten Ensembles oder Chören. Mittendrin. 19. Jahrhundert das Konzept des „musikalischen Dramas“ wurde vorgeschlagen (siehe Musikdrama). Musik Das Drama wurde der herkömmlichen O.-„Nummerierungs“-Struktur gegenübergestellt. Diese Definition bedeutete eine Produktion, bei der die Musik vollständig dem Drama untergeordnet ist. Action und folgt allen seinen Kurven. Diese Definition berücksichtigt jedoch keine spezifischen. die Gesetze der Operndramaturgie, die nicht ganz mit den Gesetzen des Dramas übereinstimmen. t-ra und unterscheidet O. nicht von bestimmten anderen Theaterarten. Auftritte mit Musik, bei denen sie keine Hauptrolle spielt.

Der Begriff „O.“ bedingt und entstand später als das von ihm bezeichnete Genre des Musikdramas. funktioniert. Dieser Name wurde erstmals 1639 in seiner ursprünglichen Bedeutung verwendet und gelangte im 18. Jahrhundert in den allgemeinen Gebrauch. 19. Jahrhundert Die Autoren der ersten Opern, die an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Florenz erschienen, nannten sie „Dramen über Musik“ (Drama per musica, wörtlich „Drama durch Musik“ oder „Drama für Musik“). Ihre Entstehung entstand aus dem Wunsch heraus, das antike Griechisch wiederzubeleben. Tragödie. Diese Idee entstand in einem Kreis humanistischer Wissenschaftler, Schriftsteller und Musiker um den Florentiner Adligen G. Bardi (siehe Florentiner Camerata). Als erste Beispiele von O. gelten „Daphne“ (1597-98, nicht erhalten) und „Eurydike“ (1600) von J. Peri auf der nächsten Seite. O. Rinuccini (die Musik zu „Eurydike“ wurde ebenfalls von G. Caccini geschrieben). Kap. Das von den Autoren der Musik vorgegebene Ziel war die Klarheit der Rezitation. Wok. Die Stimmen sind melodisch-rezitativ angelegt und enthalten nur einzelne, schwach ausgeprägte Koloraturelemente. Im Jahr 1607 gab es in Mantua ein Fasten. O. „Orpheus“ von C. Monteverdi, einem der größten Musiker-Dramatiker der Musikgeschichte. Er brachte echtes Drama, die Wahrheit der Leidenschaften in O., bereicherte es und drückte es aus. bedeutet.

Entstanden aus einer aristokratischen Atmosphäre. Salon, O. wird im Laufe der Zeit demokratisiert und für breitere Bevölkerungsschichten zugänglich. In Venedig, das in der Mitte wurde. 17. Jahrhundert Kap. Als Zentrum für die Entwicklung des Operngenres wurde 1637 das erste öffentliche Theater eröffnet. Opernhaus („San Cassiano“). Die Veränderung der sozialen Basis von O. beeinflusste dessen Inhalt und Ausdruckscharakter. Mittel. Zusammen mit dem Mythologischen historische Handlungen erscheinen. Thema gibt es ein Verlangen nach scharfen, intensiven Dramen. Konflikte, eine Kombination aus Tragischem und Komischem, Erhabenem mit Komischem und Niedrigem. Wok. Die Teile melodisieren, nehmen Belcanto-Merkmale an und entstehen unabhängig voneinander. Soloepisoden vom Typ Arie. Monteverdis letzte Opern wurden für Venedig geschrieben, darunter Die Krönung der Poppea (1642), die im modernen Repertoire wiederbelebt wurde. Opernhäuser. Zu den größten Vertretern der venezianischen Opernschule (siehe Venedig-Schule) zählten F. Cavalli, M. A. Cesti, G. Legrenzi, A. Stradella.

Tendenz zur Steigerung der Melodie. Beginn und Kristallisation des fertigen Woks. Die bei den Komponisten der venezianischen Schule entstandenen Formen wurden von den Meistern der zu Beginn entwickelten neapolitanischen Opernschule weiterentwickelt. 18. Jahrhundert Erste Hauptvertreter Diese Schule war F. Provenzale, ihr Leiter war A. Scarlatti, zu den herausragenden Meistern gehörten L. Leo, L. Vinci, N. Porpora und andere. Libretti im Stil der neapolitanischen Schule wurden auch von Komponisten anderer Nationalitäten geschrieben, darunter I. Hase, G. F. Händel, M. S. Berezovsky, D. S. Bortnyansky. In der neapolitanischen Schule wurde schließlich die Form der Arie (insbesondere Da Capo) festgelegt, eine klare Grenze zwischen Arie und Rezitativ festgelegt und der dramaturgische Stil festgelegt. Funktionen Taucher. Elemente von O. als Ganzes. Die Stabilisierung der Opernform wurde durch die Arbeit der Librettisten A. Zeno und P. Metastasio erleichtert. Sie entwickelten einen harmonischen und vollständigen Typus der Opera seria („ernsthafte Oper“) auf der Grundlage mythologischer Erkenntnisse. oder historisch-heroisch. Handlung. Aber mit der Zeit wird es schlimmer. Der Inhalt dieses O. geriet immer mehr in den Hintergrund und wurde zur Unterhaltung. „Konzert in Kostümen“, das sich ganz den Launen virtuoser Sänger unterwirft. Schon Mitte. 17. Jahrhundert Italienisch O. verbreitete sich in einer Reihe von Europa. Länder Die Bekanntschaft damit diente in einigen dieser Länder als Anreiz für die Entstehung eines eigenen Nationalstaates. Opernhaus. In England schuf G. Purcell unter Nutzung der Errungenschaften der venezianischen Opernschule eine äußerst originelle Produktion. in der Muttersprache „Dido und Aeneas“ (1680). J. B. Lully war der Gründer der Franzosen. lyrische Tragödie - wie heroisch-tragisch. O., in vielerlei Hinsicht dem Klassiker nahe. Tragödien von P. Corneille und J. Racine. Wenn Purcells „Dido und Aeneas“ ein isoliertes Phänomen blieb, das im Englischen keine Fortsetzung fand. Boden, dann ist das Genre lyrisch. Die Tragödie wurde in Frankreich weit verbreitet. Sein Höhepunkt in der Mitte. 18. Jahrhundert wurde mit der Arbeit von J. F. Rameau in Verbindung gebracht. Gleichzeitig ital. Opera seria, die das 18. Jahrhundert dominierte. in Europa wurde oft zu einer Bremse für die Entwicklung nationaler UM.

In den 30er Jahren 18. Jahrhundert In Italien entstand ein neues Genre – die Opera buffa, die sich aus dem Comic entwickelte. Zwischenspiele, die üblicherweise zwischen den Akten einer Opera seria aufgeführt werden. Als erstes Beispiel dieses Genres gelten üblicherweise die Zwischenspiele von G. V. Pergolesi „Die Dienerin“ (1733, aufgeführt zwischen Akten seiner Opernreihe „Der stolze Gefangene“), die bald eine eigenständige Bedeutung erlangten. szenisch funktioniert. Die Weiterentwicklung des Genres ist mit der Kreativität des Komponisten verbunden. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. Der fortgeschrittene Realismus spiegelte sich in der Opera Buffa wider. Trends dieser Zeit. Bedingt heroisch gestelzt. Den Charakteren der Opera seria wurden Bilder gewöhnlicher Menschen aus dem wirklichen Leben gegenübergestellt, die Handlung entwickelte sich schnell und lebhaft, der melodische Ton wurde mit den Menschen in Verbindung gebracht. Ursprünge, kombiniert scharfe Charakteristik mit der Melodie eines weichen Gefühls. Lager

Zusammen mit Italienisch Opera Buffa im 18. Jahrhundert. andere Nationalitäten entstehen. Arten von Comics A. Die Aufführung von „The Maid-Madam“ in Paris im Jahr 1752 trug zur Stärkung der Position der Franzosen bei. Opernkomiker, in der Folklore verwurzelt. Messeauftritte, begleitet vom Singen einfacher Verslieder. Demokratisch Italienische Klage „Buffons“ wurde von französischen Führern unterstützt. Aufklärung von D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm und anderen. Die Opern von F. A. Philidor, P. A. Monsigny und A. E. M. Grétry zeichnen sich durch Realismus aus. Inhalt, entwickelte Skala, melodisch. Reichtum. In England entstand eine Balladenoper, deren Prototyp „The Beggars' Opera“ von J. Pepusch im Text war. J. Gaia (1728), eine sozial pointierte Satire auf den Adel. Opernserie. „The Beggar's Opera“ beeinflusste die Formation in der Mitte. 18. Jahrhundert Deutsch Singspiel, das sich später dem Französischen annähert. Opernkomiker, der das Nationale bewahrt Charakter in figurativer Struktur und Musik. Sprache. Die größten Vertreter des Norddeutschen. Singspiele waren I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, Österreicher - I. Umlauf und K. Dittersdorf. Das Genre des Singspiels wurde von W. A. ​​​​Mozart in „Die Entführung aus dem Serail“ (1782) und „Die Zauberflöte“ (1791) grundlegend neu durchdacht. Am Anfang 19. Jahrhundert In diesem Genre erscheint Romantik. Trends. Die Eigenschaften des Singspiels bleiben durch die „Software“-Produktion erhalten. Deutsch Musik Romantik „Free Shooter“ von K. M. Weber (1820). Basierend auf Nar. Es haben sich nationale Bräuche, Lieder und Tänze entwickelt. Spanische Genres Musik t-ra - Zarzuela und später (2. Hälfte des 18. Jahrhunderts) Tonadilla.

Im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts. Russisch entstand. komisch O., die Handlungsstränge aus ihrem Vaterland zog. Leben. Junger Russe O. übernahm bestimmte Elemente des Italienischen. Opera Buffa, Französisch Opernkomiker, Deutscher Singspiel, sondern durch die Art der Bilder und Intonation. es war zutiefst originell in der Struktur der Musik. Seine Charaktere waren größtenteils Menschen aus dem Volk; die Musik basierte darauf. am wenigsten (manchmal völlig) auf dem melodischen Narr. Lieder. O. nahm den wichtigsten Platz in der Arbeit talentierter Russen ein. Meister E. I. Fomin („Coachmen on a stand“, 1787 usw.), V. A. Pashkevich („Unglück aus der Kutsche“, 1779; „St. Petersburg Gostiny Dvor, oder Wie du lebst, so wirst du bekannt sein“, 2- Ich Hrsg. 1792 usw.). An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. national Art volkstümlicher Alltagscomic O. stammt ursprünglich aus Polen, der Tschechischen Republik und einigen anderen Ländern.

Diff. Operngattungen klar nach dem 1. Geschlecht differenziert. 18. Jahrhundert, während der historischen Entwicklungen rückten näher zusammen, die Grenzen zwischen ihnen wurden oft bedingt und relativ. Der Inhalt ist komisch. Das Bild vertiefte sich, Elemente der Sinne wurden hineingebracht. Pathos, Drama und manchmal Heldentum („Richard Löwenherz“ von Gretry, 1784). Andererseits „ernsthaft“ heroisch. O. erlangte eine größere Einfachheit und Natürlichkeit und befreite sich von der ihm innewohnenden pompösen Rhetorik. Die Tendenz besteht darin, Traditionen zu erneuern. In der Mitte erscheint eine Art Opernserie. 18. Jahrhundert in Italien komp. N. Yommelli, T. Traetta und andere. Die Reform wurde von K.V. Gluck durchgeführt. deren Prinzipien unter dem Einfluss deutscher Ideen entstanden sind. und Französisch Aufklärung. Er begann seine Reform in den 60er Jahren in Wien. 18. Jahrhundert („Orpheus und Eurydike“, 1762; „Alceste“, 1767) vollendete er es ein Jahrzehnt später unter vorrevolutionären Bedingungen. Paris (der Höhepunkt seiner Operninnovation ist Iphigenie in Tauris, 1779). Streben nach dem wahrheitsgetreuen Ausdruck großer Leidenschaften, nach Dramatik. Mit der Rechtfertigung aller Elemente einer Opernaufführung verzichtete Gluck auf alle vorgegebenen Schemata. Er benutzte Express. bedeutet als italienisch Oh, das gilt auch für die Franzosen. lyrisch Tragödie und ordnet sie einer einzigen Dramaturgik unter. planen.

Der Höhepunkt der Entwicklung von O. lag im 18. Jahrhundert. war das Werk Mozarts, der die Errungenschaften verschiedener Nationalitäten zusammenfasste. Schulen und brachten dieses Genre auf beispiellose Höhen. Mozart, der größte realistische Künstler, erweckte scharfsinnige und intensive Dramen mit großer Kraft zum Leben. Konflikte schufen helle, äußerst überzeugende menschliche Charaktere und offenbarten sie in komplexen Beziehungen, Verflechtungen und Kämpfen gegensätzlicher Interessen. Für jede Handlung fand er eine besondere Form des Musikdramas. Ausführungsbeispiele und entsprechende Ausführungen werden zum Ausdruck gebracht. bedeutet. In „Die Hochzeit des Figaro“ (1786) wird es in italienischen Formen offenbart. Opera Buffa ist tiefgründiger und innovativer Realismus. Inhaltlich verbindet sich in „Don Juan“ (1787) Komik mit hoher Tragödie (dramma giocosa – „lustiges Drama“, nach der eigenen Definition des Komponisten), in „Die Zauberflöte“ werden erhabene Moralvorstellungen in märchenhafter Form zum Ausdruck gebracht. Ideale von Güte, Freundschaft, Beharrlichkeit der Gefühle.

Tolles Französisch Die Revolution gab der Entwicklung von O. V. neue Impulse. 18. Jahrhundert In Frankreich entstand das Genre der „Rettungsoper“, bei dem die drohende Gefahr dank des Mutes, der Tapferkeit und der Furchtlosigkeit der Helden überwunden werden konnte. Dieser O. prangerte Tyrannei und Gewalt an und lobte den Mut der Kämpfer für Freiheit und Gerechtigkeit. Die Nähe der Handlung zur Neuzeit, die Dynamik und Schnelligkeit der Handlung brachten die „Heilsoper“ näher an die Opernkomik heran. Gleichzeitig zeichnete es sich durch die lebendige Dramatik der Musik und die verstärkte Rolle des Orchesters aus. Typische Beispiele dieses Genres sind „Lodoiska“ (1791), „Elise“ (1794) und das besonders beliebte O. „Two Days“ („Water Carrier“, 1800) von L. Cherubini sowie „The Cave“ von J. F. Lesueur (1793). In Handlung und Dramaturgie steht es der „Oper der Erlösung“ nahe. Struktur von „Fidelio“ von L. Beethoven (1805, 3. Auflage 1814). Doch Beethoven steigerte den Inhalt seines O. zu einer hohen ideologischen Verallgemeinerung, vertiefte die Bilder und symphonisierte die Opernform. „Fidelio“ zählt zu seinen größten Sinfonien. Kreationen, die einen besonderen Platz in der Welt der Opernkunst einnehmen.

Im 19. Jahrhundert Es gibt eine klare Unterscheidung zwischen verschiedenen national Opernschulen. Die Entstehung und das Wachstum dieser Schulen waren mit dem allgemeinen Prozess der Nationenbildung, mit dem Kampf der Völker um die Politik verbunden. und spirituelle Unabhängigkeit. Es entsteht eine neue Richtung in der Kunst – die kultivierte Romantik im Gegensatz zur kosmopolitischen. Tendenzen der Aufklärung, gesteigertes Interesse am Nationalen Lebensformen und alles, in dem sich der „Geist der Völker“ manifestierte. Der Kunst wurde in der Ästhetik der Romantik ein wichtiger Platz eingeräumt, zu deren Eckpfeilern die Idee der Kunstsynthese gehörte. Für Romantiker O. ist geprägt von Geschichten aus der Folklore. Märchen, Sagen und Überlieferungen oder aus dem Historischen. die Vergangenheit des Landes, farbenfroh dargestellte Bilder des Alltags und der Natur, die Verflechtung von Realem und Phantastischem. Romantische Komponisten strebten danach, starke, lebendige Gefühle und scharf kontrastierende Geisteszustände zu verkörpern; sie verbanden heftiges Pathos mit verträumter Lyrik.

Italien behielt einen der führenden Plätze in der Entwicklung von O. Schule, obwohl sie eine solche Ausnahme nicht mehr hatte. Bedeutungen, wie im 18. Jahrhundert, und löste bei Vertretern anderer Nationalitäten scharfe Kritik aus. Schulen Traditionell Italienische Genres O. wurden unter dem Einfluss der Anforderungen des Lebens aktualisiert und verändert. Wok. Der Anfang dominierte weiterhin die übrigen Elemente von O., aber die Melodie wurde flexibler, dramatisch bedeutungsvoller, eine scharfe Grenze zwischen Rezitativ und Melodie. Der Gesang wurde abgeschafft, dem Orchester als Musikmittel wurde mehr Aufmerksamkeit geschenkt. Eigenschaften von Bildern und Situationen.

Die Züge des Neuen waren bei G. Rossini deutlich zu erkennen, dessen Werk aus dem Italienischen hervorgegangen ist. Opernkultur des 18. Jahrhunderts. Sein „Der Barbier von Sevilla“ (1816), der den Höhepunkt der Entwicklung der Opera buffa darstellte, weicht deutlich von der Tradition ab. Beispiele dieses Genres. Die Situationskomödie, die nicht frei von Elementen oberflächlicher Possenreißer ist, schlägt bei Rossini in Realismus um. eine Charakterkomödie, die Lebendigkeit, Spaß und Witz mit pointierter Satire verbindet. Die Melodien dieser Musik, die oft volkstümlichen ähneln, haben einen scharfen Charakter und entsprechen sehr genau den Bildern der Charaktere. Im Comic „Cinderella“ (1817). O. wird lyrisch und romantisch. Farbgebung, und in „Die diebische Elster“ (1817) nähert er sich einem Alltagsdrama. In seiner ausgereiften Opera seria ist er vom Pathos des Patriotismus und der Befreiung des Volkes durchdrungen. Kampf ("Moses", 1818; "Mohammed", 1820), Rossini stärkte die Rolle des Chores, schuf große Leute. Szenen voller Dramatik und Erhabenheit. Menschen werden befreien Besonders lebendigen Ausdruck fanden Ideen in O. „Wilhelm Tell“ (1829), in dem Rossini über den Rahmen des Italienischen hinausging. Operntradition, die bestimmte Merkmale der Franzosen vorwegnimmt. toll romantisch UM.

In den 30-40er Jahren. 19. Jahrhundert die Werke von V. Bellini und G. Donizetti entwickelten sich, die ersten O. des jungen G. Verdi erschienen und dienten als leuchtende Beispiele des Italienischen. Romantik. Die Komponisten spiegelten den Patriotismus in ihrem O wider. Aufstieg im Zusammenhang mit der Bewegung von it. Risorgimento, Spannung der Erwartungen, Durst nach einem freien, großen Gefühl. Bei Bellini sind diese Stimmungen mit Tönen sanfter, verträumter Lyrik gefärbt. Eines seiner besten Werke ist O. über Geschichte. die Handlung von „Norma“ (1831), in der das persönliche Drama im Vordergrund steht. „Somnambulist“ (1831) – lyrisches Drama. O. aus dem Leben der einfachen Leute; O. „Puritaner“ (1835) vereint Lyrik. Drama mit volksreligiösem Thema. Kampf. Historisch-romantisch Drama mit starken Leidenschaften ist charakteristisch für Donizettis Werk (Lucia di Lammermoor, 1835; Lucrezia Borgia, 1833). Er schrieb auch Comics. O. (der beste davon ist „Don Pasquale“, 1843), der Traditionen verbindet. Possenreißer mit dem Einfachen und Unprätentiösen. Lyrik. Allerdings der Comic Das Genre zog keine romantischen Komponisten an. Anweisungen, und Donizetti war nach Rossini der einzige große Italiener. ein Meister, der seine Zeit diesem Genre gewidmet hat. Aufmerksamkeit in Ihrer Kreativität.

Der höchste Entwicklungspunkt Italiens. O. im 19. Jahrhundert. und eine der größten Bühnen der Weltopernkunst wird durch das Werk von Verdi repräsentiert. Sein erster O. „Nebukadnezar“ („Nabucco“, 1841), „Lombards in the First Crusade“ (1842), „Ernani“ (1844), fesselte das Publikum mit patriotischem Humor. Pathos und hochheroisch. Gefühle sind jedoch nicht ohne einen gewissen Schwarm Romantiker. Stelzhaftigkeit. In den 50er Jahren Er hat das Produkt geschaffen. Riesendram. Stärke. In O. „Rigoletto“ (1851) und „Troubadour“ (1853), die das Romantische bewahrten. Merkmale verkörperten tiefen Realismus. Inhalt. In La Traviata (1853) machte Verdi den nächsten Schritt in Richtung Realismus, indem er die Handlung aus dem Alltagsleben übernahm. In op. 60-70er Jahre – „Don Carlos“ (1867), „Aida“ (1870) – er verwendet monumentale Opernformen, bereichert die Mittel des Woks. und Ork. Ausdruckskraft. Eine vollständige Verschmelzung von Musik und Drama. von ihm erreichten Handeln. in O. „Othello“ (1886), das Shakespeares Kraft der Leidenschaften mit einer ungewöhnlich flexiblen und sensiblen Übertragung aller psychologischen Aspekte verbindet. Nuancen. Am Ende seines Schaffens. Verdis Weg wandte sich dem Genre der Komödie zu („Falstaff“, 1892), doch er entfernte sich von den Traditionen der Opera buffa und schuf eine Inszenierung. mit einer sich kontinuierlich weiterentwickelnden Durchwirkung und einer sehr charakteristischen Wok-Zunge. Partys basierend auf Rezitation. Prinzip.

In Deutschland vor Beginn. 19. Jahrhundert O existierte nicht. große Form. Abt. Versuche, eine große Dummheit zu schaffen. O. in der Geschichte. Thema im 18. Jahrhundert. waren nicht erfolgreich. National Deutsch O., das sich im Mainstream der Romantik entwickelte, entwickelte sich aus dem Singspiel. Unter dem Einfluss der Romantik Ideen wurden durch die figurative Sphäre bereichert und werden zum Ausdruck gebracht. Mittel dieses Genres hat sich sein Umfang erweitert. Einer der ersten Deutschen romantisch O. war „Ondine“ von E. T. A. Hoffmann (1813, nach 1816), aber die Blütezeit des Nationalen. Die Operntradition begann mit dem Erscheinen von „Free Shooter“ von K. M. Weber (1820). Die enorme Popularität dieses O. beruhte auf der Kombination von Realismus. Gemälde des Alltags und Poesie. Landschaften mit Sakramenten. dämonisch Fantasie. „Free Shooter“ diente als Quelle neuer figurativer Elemente und Farben. Techniken nicht nur für die Opernkreativität, viele. Komponisten, aber auch für Romantiker. Programm Symphonie. Stilistisch weniger integral, enthielt O. Webers große „ritterliche“ „Euryanthe“ (1823) jedoch wertvolle Erkenntnisse, die die weitere Entwicklung der Opernkunst in Deutschland beeinflussten. Von „Euryanthe“ gibt es einen direkten Faden zur Einheit. Opernproduktion R. Schumanns „Genoveva“ (1849) sowie Wagners „Tannhäuser“ (1845) und „Lohengrin“ (1848). In Oberon (1826) wandte sich Weber der Gattung des Märchensingspiels zu und verstärkte die Exotik der Musik. östlich Färbung Vertreter der Romantik Anweisungen darin. O. gab es auch L. Spohr und G. Marschner. Auf andere Weise wurden die Singspieltraditionen von A. Lortsing, O. Nikolai, F. Flotov entwickelt, deren Werke Züge oberflächlicher Unterhaltung aufwiesen.

In den 40er Jahren 19. Jahrhundert erstreckt sich als größter Meister Deutsch Opernkunst R. Wagner. Seine ersten sind reif und unabhängig. Nach O.s Stil sind „Der fliegende Holländer“ (1841), „Tannhäuser“ und „Lohengrin“ in vielerlei Hinsicht immer noch mit dem Romantischen verbunden. Traditionen des Anfangs des Jahrhunderts. Gleichzeitig bestimmen sie bereits die Richtung der Musik- und Schauspielkunst. Wagners Reformen, die er in den 50er und 60er Jahren vollständig umsetzte. Seine Prinzipien wurden von Wagner theoretisch und journalistisch dargelegt. Werke, entstanden aus der Erkenntnis der herausragenden Bedeutung des Dramas. begann in O.: „Drama ist das Ziel, Musik ist das Mittel zu seiner Umsetzung.“ Streben nach Kontinuität der Musik. In dieser Entwicklung gab Wagner die Tradition auf. Formen von O. „nummerierte“ Struktur (Arie, Ensemble usw.). Er stützte seine Operndramaturgie auf ein komplexes Leitmotivsystem, das Kap. arr. im Orchester, wodurch die Rolle der Sinfonien in seinem Orchester deutlich zunahm. begonnen. Clutch und alle Arten von Polyphonie. Kombinationen verschiedener Leitmotive formten eine ununterbrochen fließende Musik. Stoff - „endlose Melodie“. Diese Prinzipien fanden in „Tristan und Isolde“ (1859, nach 1865) ihren vollständigen Ausdruck – der größten Schöpfung romantischer Opernkunst, die das Weltbild der Romantik in größter Vollständigkeit widerspiegelte. Ein entwickeltes Leitmotivsystem zeichnet auch O. „Die Meistersinger von Nürnberg“ (1867) aus, ist aber realistisch. Die Handlung steht fest. die Rolle in diesem O. von Liedelementen und lebendigen, dynamischen Erzählungen. Szenen Center. Einen Platz in Wagners Werk nimmt eine grandiose Operntetralogie ein, die über fast ein Vierteljahrhundert entstanden ist – „Der Ring des Nibelungen“ („Das Rheingold“, „Walkyrie“, „Siegfried“ und „Götterdämmerung“). vollständig nach 1876). Die Anprangerung der Macht des Goldes als Quelle des Bösen verleiht dem Ring des Nibelungen seine antikapitalistische Note. Richtung, aber das allgemeine Konzept der Tetralogie ist widersprüchlich und nicht konsistent. O.-Krimi „Parsi-fal“ (1882) mit all seiner Kunstfertigkeit. Werte deuteten auf eine Krise der Romantik hin. Weltanschauung in Wagners Werken. Musikdrama Wagners Prinzipien und Kreativität waren höchst umstritten. Während sie bei vielen Musikern glühende Anhänger und Apologeten fanden, wurden sie von anderen entschieden abgelehnt. Eine Reihe von Kritikern, die reine Musen hoch schätzen. Wagners Leistungen glaubten, dass er von Natur aus ein Symphoniker und kein Theaterspieler war. Komponist, und ging auf dem falschen Weg zu O.. Trotz heftiger Meinungsverschiedenheiten in seiner Einschätzung ist Wagners Bedeutung groß: Er beeinflusste die Entwicklung der Betrügermusik. 19 - Anfang 20. Jahrhundert Die von Wagner vorgebrachten Probleme fanden bei Komponisten, die verschiedenen Gruppen angehörten, unterschiedliche Lösungen. national Schulen und Kunst. Richtungen, aber kein einziger denkender Musiker konnte anders, als seine Einstellung zu den Ansichten und der Kreativität zu definieren. Deutsche Praxis Opernreformer.

Die Romantik trug zur Erneuerung des Figurativen und Thematischen bei. der Bereich der Opernkunst, die Entstehung neuer Genres in Frankreich. Franz. romantisch O. nahm im Kampf mit dem Akademiker Gestalt an. Kunst aus dem Napoleonischen Reich und der Restaurationszeit. Ein typischer Vertreter dieses äußerlich spektakulären, aber kalten Akademismus in der Musik. T-re war G. Spontini. Seine O. „Vestal Virgin“ (1805), „Fernand Cortes, oder die Eroberung von Mexiko“ (1809) sind voller Anklänge an den Krieg. Prozessionen und Wanderungen. Heroisch die von Gluck ausgehende Tradition wird in ihnen völlig neu geboren und verliert ihre fortschrittliche Bedeutung. Das Comic-Genre war wichtiger. A. Äußerlich grenzt „Joseph“ von E. Megul (1807) an dieses Genre. Dieses O., geschrieben auf einer biblischen Geschichte, verbindet den Klassiker. Strenge und Einfachheit mit gewissen Merkmalen der Romantik. Romantisch Die Farbgebung ist typisch für Gemälde nach Märchenszenen von N. Izouard (Aschenputtel, 1810) und A. Boieldieu (Rotkäppchen, 1818). Der Aufstieg der Franzosen Opernromantik steht auf dem Spiel. 20er und 30er Jahre Im Bereich Comedy. O. spiegelte sich in Boieldieus „Die Weiße Dame“ (1825) mit seinem patriarchalisch-idyllischen Charakter wider. Farbe und Geheimnis. Fantasie. Im Jahr 1828 gab es in Paris ein Fasten. „Der Stumme von Portici“ von F. Ober, eines der ersten Beispiele großer Oper. Der berühmte Kap. arr. wie ein Meisterkomiker. Operngenre, Aubert schuf O. Drama. Plan mit einer Fülle akuter Konfliktsituationen und weit verbreiteter Dynamik. Adv. Szenen Dieser O.-Typ wurde in Rossinis Wilhelm Tell (1829) weiterentwickelt. Der prominenteste Vertreter des Historisch-Romantischen. Französisch Aus O. wurde J. Meyerbeer. Beherrschung großer Bühnenauftritte. Massen, geschickte Kontrastverteilung und leuchtend dekorative Art der Musen. Die Briefe ermöglichten es ihm, trotz des bekannten Eklektizismus seines Stils Inszenierungen zu schaffen, die Action mit intensiver Dramatik und rein spektakulärem Theater einfingen. Wirksamkeit. Meyerbeers erste Pariser Oper, „Robert der Teufel“ (1830), enthält Elemente von düster-dämonischem Charakter. Fiktion im Geiste der Dummheit. Frühromantik 19. Jahrhundert Das hellste Beispiel für Französisch. romantisch O. - „Hugenotten“ (1835) zur Geschichte. Handlung aus der Zeit der sozio-religiösen. Kämpfe in Frankreich im 16. Jahrhundert. Meyerbeers spätere Opern (The Prophet, 1849; The African Woman, 1864) zeigen Anzeichen des Niedergangs dieses Genres. Nah an Meyerbeers Geschichtsinterpretation. Themen von F. Halevi, das beste davon ist „Der Jude“ („Die Tochter des Kardinals“, 1835). Ein besonderer Ort in Frankreich. Musik Du bist grau 19. Jahrhundert beschäftigt sich mit dem Opernwerk von G. Berlioz. In O.s „Benvenuto Cellini“ (1837), das vom Geist der Renaissance durchdrungen ist, stützte er sich auf die Traditionen und Formen des Komischen. Operngenre. In der Opernduologie „Die Trojaner“ (1859) führt Berlioz Glucks Heldencharakter fort. Tradition, die es romantisch färbt. Töne.

In den 50-60er Jahren. 19. Jahrhundert Es entsteht eine lyrische Oper. Im Vergleich zum großen Romantiker. O. sein Umfang ist bescheidener, die Handlung konzentriert sich auf die Beziehung mehrerer. Charaktere, denen die Aura des Heldentums und der Romantik entzogen ist. Exklusivität. Vertreter der Lyrik O. wandte sich oft Szenen aus Werken zu. Weltliteratur und Drama (W. Shakespeare, J. V. Goethe), interpretierten sie jedoch in alltäglichen Begriffen. Komponisten sind weniger kreativ. Individualität, dies führte manchmal zu Banalität und einem scharfen Widerspruch zwischen der süßlich-sentimentalen Natur der Musik und der Struktur der Dramen. Bilder (zum Beispiel „Hamlet“ von A. Thoma, 1868). Gleichzeitig zeigen die besten Beispiele dieses Genres die Aufmerksamkeit für das Innere. die menschliche Welt, subtiler Psychologismus, der von der Stärkung des Realismus zeugt. Elemente in der Opernkunst. Das Werk, das das lyrische Genre begründete. O. auf Französisch Musik Das Werk, das seine charakteristischen Merkmale am besten verkörperte, war „Faust“ von C. Gounod (1859). Unter anderen Werken dieses Komponisten sticht „Romeo und Julia“ (1865) hervor. In einer Reihe von lyrischen O. wird das persönliche Drama der Charaktere vor einem exotischen Hintergrund gezeigt. Leben und Natur im Osten. Länder („Lakmé“ von L. Delibes, 1883; „The Pearl Fishers“, 1863, und „Djamile“, 1871, J. Bizet). 1875 erschien Bizets „Carmen“ – ein Realist. ein Drama aus dem Leben gewöhnlicher Menschen, in dem die Wahrheit menschlicher Leidenschaften auf faszinierende Weise zum Ausdruck kommt. Die Kraft und Schnelligkeit der Handlung wird mit einer ungewöhnlich hellen und satten Folk-Genre-Färbung kombiniert. In dieser Produktion Bizet überwand die Grenzen der Lyrik. O. und stieg zu den Höhen des Opernrealismus auf. An die bedeutendsten Meister der Lyrik. O. gehörte auch zu J. Massenet, der die intimen Erfahrungen seiner Figuren mit subtiler Einsicht und Anmut zum Ausdruck brachte (Manon, 1884; Werther, 1886).

Unter jungen Nationalen Von den Schulen, die im 19. Jahrhundert ihre Reife und Unabhängigkeit erreichten, ist die russische die größte. Vertreter der Russen Opernromantik, die sich durch ihren ausgeprägten Nationalismus auszeichnet. Charakter war A.N. Verstovsky. Zu seinen O. höchsten Wert hatte „Askolds Grab“ (1835). Mit dem Aufkommen des Klassikers Meisterwerke von M.I. Glinka Rus. Die Opernschule erlebte ihre Blütezeit. Die wichtigsten Errungenschaften Westeuropas gemeistert. Musik von Gluck und Mozart bis hin zu ihrem Italienischen, Deutschen. und Französisch Zeitgenossen, Glinka ging auf eigene Faust. Wege. Die Originalität seiner Opernwerke. verwurzelt in einer tiefen Verbundenheit mit den Menschen. Boden, mit fortgeschrittenen russischen Strömungen. Gesellschaft Leben und Kultur der Puschkin-Ära. In „Ivan Susanin“ (1836) schuf er ein nationales rus. Typ historisch Oh, der Held ist ein Mann des Volkes. Die Bild- und Handlungsdramatik verbindet sich in diesem O. mit der monumentalen Erhabenheit des Oratorienstils. Das Epos ist genauso originell. Dramaturgie von O. „Ruslan und Ljudmila“ (1842) mit einer Galerie verschiedener Bilder vor dem Hintergrund majestätischer Gemälde von Dr. Rus' und bezaubernd malerisch, magisch fantastisch. Szenen Rus. Komponisten der 2. Hälfte. Das 19. Jahrhundert erweiterte, aufbauend auf den Traditionen Glinkas, die Themen und die figurative Struktur des Opernschaffens, stellte sich neue Aufgaben und fand geeignete Mittel zu deren Lösung. A. S. Dargomyzhsky hat eine Haushaltskoje geschaffen. Drama „Meerjungfrau“ (1855), geschnitten und fantastisch. Episoden dienen dazu, den Realismus im Leben zu verkörpern. Inhalt. In O. „Der steinerne Gast“ (basierend auf dem unveränderten Text von A. S. Puschkins „Kleiner Tragödie“, 1866-69, fertiggestellt von T. A. Cui, instrumentiert von N. A. Rimsky-Korsakov, 1872) stellte er eine reformistische Aufgabe – zu schaffen Inszenierung, frei von Opernkonventionen, bei der eine vollständige Verschmelzung von Musik und Schauspiel erreicht werden würde. Aktionen. Im Gegensatz zu Wagner, der den Schwerpunkt auf die Orchesterentwicklung verlagerte, strebte Dargomyzhsky vor allem nach der wahrheitsgetreuen Verkörperung der Intonationen lebendiger menschlicher Sprache in der Gesangsmelodie.

Weltbedeutung Russisch. Die Opernschule wurde von A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tschaikowsky genehmigt. Trotz aller Unterschiede Kreativität. Ihre Individualitäten wurden durch eine Gemeinsamkeit von Traditionen und Grundlagen vereint. ideologisch und ästhetisch Prinzipien. Typisch für sie waren fortschrittliche Demokraten. Fokus, Realismus der Bilder, ausgeprägter Nationalismus. die Natur der Musik, der Wunsch, hohe humanistische Prinzipien zu etablieren. Ideale. Der Reichtum und die Vielseitigkeit des im Werk dieser Komponisten verkörperten Lebensinhalts entsprachen der Vielfalt der Opernwerktypen. und Mittel der Musik. Dramaturgie. Mussorgskys enorme Macht spiegelte sich in „Boris Godunow“ (1872) und „Khowanschtschina“ (1872-80, vollendet von Rimski-Korsakow, 1883) wider, den schärfsten sozialgeschichtlichen Werken. Konflikte, der Kampf des Volkes gegen Unterdrückung und Gesetzlosigkeit. Gleichzeitig sind die hellen Umrisse des Nar zu erkennen. Massen verbinden sich mit tiefem Eindringen in die geistige Welt der menschlichen Persönlichkeit. Borodin war Autor historischer und patriotischer Werke. O. „Fürst Igor“ (1869-87, fertiggestellt von Rimsky-Korsakov und A.K. Glasunow, 1890) mit seinen konvexen und integralen Bildern der Charaktere, monumentales Epos. Gemälde von Dr. Russland und die Krim sind gegen den Osten. Szenen im Polovtsian-Lager. Rimsky-Korsakov, der sich an die Preem wandte. in die Sphäre des Menschen Leben und Rituale, zu verschiedenen Formen von Menschen poetisch Kreativität, schuf das Opernmärchen „Das Schneewittchen“ (1881), das Opernepos „Sadko“ (1896), die Opernlegende „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ (1904), das satirisch zugespitzte Märchen O. „Der goldene Hahn“ ( 1907) usw. Es zeichnet sich durch die weit verbreitete Verwendung volkstümlicher Liedmelodien gepaart mit dem Reichtum der Orkmusik aus. Farbe, eine Fülle symphonisch-beschreibender Episoden, durchdrungen von einem subtilen Sinn für die Natur und manchmal intensivem Drama („Die Schlacht von Kerschenez“ aus „Das Märchen von der unsichtbaren Stadt Kitesch...“). Tschaikowsky interessierte sich für Kap. arr. Probleme im Zusammenhang mit dem Seelenleben, den persönlichen Beziehungen usw. einer Person Umfeld. Im Vordergrund steht in seinem O. das Psychologische. Konflikt. Gleichzeitig legte er Wert auf die Darstellung des Alltags, der konkreten Lebenssituation, in der sich die Handlung abspielt. Russische Probe lyrisch O. ist „Eugen Onegin“ (1878) – Prod. sowohl in der Art der Bilder als auch in der Musik zutiefst national. Sprache, die mit der russischen Kultur verbunden ist. Gebirge Liebeslieder. In „Die Pique Dame“ (1890) lyrisch. Drama steigert sich zur Tragödie. Die Musik dieses O. ist von einem kontinuierlichen intensiven Strom der Symphonie durchdrungen. Entwicklung, Musik informieren. Dramaturgie, Konzentration und Zielstrebigkeit. Akute psychologische Der Konflikt stand im Mittelpunkt von Tschaikowskys Aufmerksamkeit, selbst als er sich der Geschichte zuwandte. Geschichten („Die Jungfrau von Orleans“, 1879; „Mazeppa“, 1883). Rus. Komponisten schufen auch eine Reihe von Comics. O. über Geschichten aus der Folklore. Leben, in dem der komödiantische Anfang mit dem Lyrischen und Elementen der Märchenfiktion kombiniert wird („Sorochinskaya Fair“ von Mussorgsky, 1874-80, vollendet von Cui, 1916; „Cherevichki“ von Tschaikowsky, 1880; „May Night“, 1878 und „Die Nacht vor Weihnachten“, 1895, Rimsky-Korsakow).

Im Sinne des Vorbringens neuer Aufgaben und Abt. wertvoller Dramaturg. Von Interesse an den Funden sind die Opern von A. N. Serov – „Judith“ (1862) über eine biblische Geschichte, interpretiert in einem Oratorienplan, „Rogneda“ (1865) über eine Geschichte aus der Geschichte von Dr. Rus' und „Enemy Power“ (1871, fertiggestellt von B.S. Serova und H.P. Solovyov), basierend auf modernen. häusliches Drama. Der Eklektizismus des Stils schmälert jedoch ihre Kunstfertigkeit. Wert. Auch die Bedeutung von C. A. Cuis Opern „William Ratcliffe“ (1868), „Angelo“ (1875) und anderen erwies sich als vergänglich. Zu den Opernklassikern zählt S. I. Tanejews „Orestie“ (1894), dessen Handlung antik ist. Die Tragödie dient dem Komponisten zur Inszenierung großer und allgemein bedeutsamer Moralvorstellungen. Probleme. S. V. Rachmaninow erwies in „Aleko“ (1892) eine gewisse Hommage an veristische Tendenzen. In „The Miserly Knight“ (1904) führte er die Traditionen der Rezitation fort. O., abgeleitet vom „Steingast“ (diese Art von O. wurde an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert durch Werke wie „Mozart und Salieri“ von Rimsky-Korsakov, 1897; „Ein Fest während der Pest“ repräsentiert) von Cui, 1900), stärkte aber die Rolle der Symphonie. begonnen. Der Wunsch, die Opernform zu symphonisieren, zeigte sich auch in seinem O. „Francesca da Rimini“ (1904).

Mittendrin. 19. Jahrhundert Polnisch und Tschechisch kommen nach vorne. Opernschulen. Der Schöpfer des polnischen Staatsbürgers O. war S. Monyushko. Die beliebtesten seiner O. „Pebbles“ (1847) und „The Enchanted Castle“ (1865) mit ihrem hellen Nationalcharakter. die Farbe der Musik, der Realismus der Bilder. Moniuszko drückte in seinem Opernwerk Patriotismus aus. die Stimmung der fortgeschrittenen polnischen Gesellschaft, Liebe und Mitgefühl für das einfache Volk. Aber er hatte keine Nachfolger Polnische Musik 19. Jahrhundert Die Blütezeit des tschechischen Operntheaters war mit den Aktivitäten von B. Smetana verbunden, der historisch-heroische, legendäre („Die Brandenburger in Tschechien“, 1863; „Dalibor“, 1867; „Libuše“, 1872) und Komödien schuf -alltäglich („Die verkaufte Braut“, 1866) O. Sie spiegelten das Pathos der nationalen Befreiung wider. Kämpfe werden realistisch dargestellt. Gemälde von Menschen Leben. Smetanas Errungenschaften wurden von A. Dvorak entwickelt. Seine Märchen O. „Der Teufel und Kacha“ (1899) und „Die Meerjungfrau“ (1900) sind durchdrungen von der Poetik der Natur und der Menschen. Fiktion. National O., basierend auf Geschichten aus der Folklore. Leben und geprägt von der Nähe der Musen. Sprache bis hin zu folkloristischen Intonationen entsteht unter den Völkern Jugoslawiens. O. Kroatische Computer erlangten Berühmtheit. V. Lisinski („Porin“, 1851), I. Zayc („Nikola Shubich Zrinski“, 1876). F. Erkel war der Schöpfer eines großen historisch-romantischen Buches. Aufgehängt. O. „Bankverbot“ (1852, post. 1861).

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Es entstehen neue Operntrends, die mit allgemeinen Trends in der Kunst zusammenhängen. Kultur dieser Zeit. Einer davon war der Verismus, der in Italien am weitesten verbreitet war. Wie Vertreter dieser Literaturrichtung suchten auch veristische Komponisten nach Stoff für ergreifende Dramen. Bestimmungen in der alltäglichen Realität, die Helden ihrer Werke. Sie wählten gewöhnliche Menschen, die sich nicht durch besondere Eigenschaften auszeichneten, aber in der Lage waren, tiefe und starke Gefühle zu empfinden. Typische Beispiele Veristische Operndramaturgie ist „Honor Rusticana“ von P. Mascagni (1889) und „Pagliacci“ von R. Leoncavallo (1892). Merkmale des Verismus sind auch charakteristisch für das Opernwerk von G. Puccini. Gleichzeitig überwindet er das bekannte Naturalistische. die Grenzen veristischer Ästhetik in den besten Episoden seiner Werke. wirklich realistisch erreicht. Tiefe und Ausdruckskraft menschlicher Erfahrungen. In seinem O. „La Boheme“ (1895) wird das Drama der einfachen Leute poetisiert, die Helden sind mit spirituellem Adel und Subtilität des Gefühls ausgestattet. In „Tosca“ (1899) sind die dramatischen Kontraste verschärft und lyrisch. Das Drama nimmt einen tragischen Unterton an. Im Laufe der Entwicklung erweiterten sich die figurative Struktur und Stilistik von Puccinis Werk und wurden um neue Elemente bereichert. Hinwendung zu Geschichten aus dem außereuropäischen Leben. Völker ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), studierte er ihre Folklore und verwendete sie in seiner Musik. In seinem letzten Werk ist „Turandot“ (1924, fertiggestellt von F. Alfano) sagenhaft exotisch. Die Handlung wird im Geiste der Psychologie interpretiert. Drama, das einen tragischen Anfang mit einer grotesken Komödie verbindet. In der Musik Puccinis Sprache spiegelte einige der Errungenschaften des Impressionismus auf dem Gebiet der Harmonie und Ork wider. Färbung Allerdings der Wok. Der Anfang behält seine dominierende Rolle. Italienischer Erbe. Er wurde in der Operntradition des 19. Jahrhunderts wahrgenommen. Meister des Belcanto. Einer der stärksten Aspekte seiner Arbeit sind die ausdrucksstarken, emotionalen Melodien mit weitem Atem. Damit einhergehend nimmt die Rolle der Rezitativ-Deklamation in seinem O zu. und verschiedene Formen, Wok. Die Intonation wird flexibler und freier.

E. Wolf-Ferrari ging in seinem Opernwerk einen besonderen Weg und strebte danach, italienische Traditionen zu verbinden. Opera buffa mit gewissen Elementen veristischer Operndramaturgie. Zu seinen O. zählen „Aschenputtel“ (1900), „Vier Tyrannen“ (1906), „Halskette der Madonna“ (1911) usw.

Ähnliche Trends wie in Italien. Der Verismus existierte auch in der Opernkunst anderer Länder. In Frankreich waren sie mit einer Reaktion gegen Wagners Einfluss verbunden, die in O. „Fervaal“ von V. d'Andy (1895) besonders ausgeprägt war. Die direkte Quelle dieser Tendenzen war die kreative Erfahrung von Bizet („Carmen“). , sowie literarische Tätigkeit E. Zola. A. Bruno, der die Anforderungen der Lebenswahrheit in der Musik und die Nähe zu den Interessen des modernen Menschen erklärte, schuf eine Reihe von O. basierend auf Zolas Romanen und Erzählungen (teilweise basierend auf seiner Libr.). .), darunter: „Die Belagerung der Mühle“ (1893, die Handlung spiegelt die Ereignisse des Deutsch-Französischen Krieges von 1870 wider), „Messidor“ (1897), „Hurricane“ (1901). gesprochene Sprache, schrieb er O. in Prosa. Texte. Es ist jedoch realistisch. Die Prinzipien waren nicht konsistent genug und die Dramatik des Lebens war oft mit einer vagen Symbolik verbunden. Ein vollständigeres Werk ist O. „Louise“ von G. Charpentier (1900), das durch seinen Ausdruck berühmt wurde. Bilder von gewöhnlichen Menschen und hell, malerische Gemälde Pariser Leben.

In Deutschland spiegelten sich veristische Tendenzen in O. „The Valley“ von E. d’Albert (1903) wider, doch verbreitete sich dieser Trend nicht.

Kommt teilweise mit dem Verismus von L. Janacek in O. „Jenufa“ („Ihre Stieftochter“, 1903) in Berührung. Gleichzeitig auf der Suche nach dem Wahrhaftigen und Willensausdrücken. Musik Deklamation, die auf den Intonationen der lebendigen menschlichen Sprache basierte, näherte sich der Komponist Mussorgsky. Verbunden mit dem Leben und der Kultur seines Volkes schuf Janacek ein Produkt. großartig realistisch. Die Kräfte, Bilder und die gesamte Atmosphäre ihres Handelns sind zutiefst national. Charakter. Sein Werk markierte eine neue Etappe in der Entwicklung der Tschechischen Republik. O. nach Smetana und Dvorak. Er ignorierte die Errungenschaften des Impressionismus und anderer Künste nicht. Strömungen beginnen 20. Jahrhundert, blieb aber den Traditionen seines Landes treu. Kultur. In O. „Die Reisen des Pan Brouchka“ (1917) heroisch. Bilder der Tschechischen Republik während der Zeit der Hussitenkriege, die an bestimmte Seiten von Smetanas Werk erinnern, werden einer ironisch gefärbten, bizarren Phantasmagorie gegenübergestellt. Subtiles Gefühl der Tschechen. Natur und Alltag sind von O. „Die Abenteuer eines Tricksterfuchses“ (1923) durchdrungen. Charakteristisch für Janáček war seine Anziehungskraft auf russische Untertanen. Klassiker Literatur und Theater: „Katya Kabanova“ (nach „Das Gewitter“ von A. N. Ostrovsky, 1921), „Aus einem Totenhaus“ (nach dem Roman „Notizen aus einem Totenhaus“ von F. M. Dostojewski, 1928) . Wenn im ersten dieser O. der Schwerpunkt auf Lyrik liegt. Drama, dann versuchte der Komponist im zweiten, ein komplexes Bild der Beziehung zwischen verschiedenen zu vermitteln. menschliche Charaktere, griffen auf äußerst ausdrucksstarke Mittel der Musik zurück. Ausdrücke.

Für Impressionismus, Abt. Elemente davon wurden von vielen frühen Komponisten in Opernwerken verwendet. Im 20. Jahrhundert gibt es im Allgemeinen keine Tendenz zum Drama. Genres. Ein nahezu einzigartiges Beispiel für ein Opernwerk, das die Ästhetik des Impressionismus konsequent verkörpert, ist „Pelléas et Mélisande“ von C. Debussy (1902). O.s Handlung ist in eine Atmosphäre vager Vorahnungen, Sehnsüchte und Erwartungen gehüllt, alle Gegensätze sind gedämpft und abgeschwächt. Mit dem Ziel, in den Wok zu wechseln. Teile der Intonation der Rede der Charaktere folgte Debussy den Prinzipien Mussorgskys. Aber die Bilder seines O. und all die Geheimnisse des Zwielichts. Die Welt, in der die Handlung stattfindet, trägt einen symbolischen Stempel. Geheimnis. Die außergewöhnliche Subtilität farbenfroher und ausdrucksstarker Nuancen, die sensible Reaktion der Musik auf kleinste Stimmungsschwankungen der Charaktere verbinden sich mit einer gewissen Eindimensionalität der Gesamtfarbe.

Die von Debussy geschaffene Art der impressionistischen Malerei wurde in seinen eigenen Werken nicht weiterentwickelt. Kreativität, noch auf Französisch. Opernkunst des 20. Jahrhunderts. „Ariana und Blaubart“ von P. Duke (1907) ähnelt im Aussehen zwar etwas O. „Pelleas und Melisande“, ist aber rationalistischer. die Art der Musik und das Vorherrschen farbenfroher Beschreibungen. Elemente gegenüber psychologisch ausdrucksstarken. Einen anderen Weg wählte M. Ravel in seinem Einakter. O. „Spanish Hour“ (1907), in dem die scharf-charakteristische Musik. Die aus Mussorgskys „Die Hochzeit“ stammende Deklamation wird mit der farbenfrohen Verwendung spanischer Elemente kombiniert. Adv. Musik. Die dem Komponisten innewohnende Gabe zur Charakterisierung. Die Darstellung von Bildern fand auch im O.-Ballett „Das Kind und die Magie“ (1925) ihren Niederschlag.

Darin. O. con. 19 - Anfang 20. Jahrhundert Der Einfluss Wagners war spürbar. Allerdings Wagners musikalische und dramatische Werke. Die Prinzipien und der Stil wurden von den meisten seiner Anhänger epigonal übernommen. Auf sagenhaft romantische Art und Weise. In den Opern von E. Humperdinck (die beste davon ist „Hans und Gretel“ von 1893) verbinden sich Wagners üppige Harmonie und Orchestrierung mit der einfachen melodiösen Melodie der Erzählung. Lager X. Pfitzner führte Elemente religiöser und philosophischer Symbolik in die Interpretation märchenhafter und sagenumwobener Handlungsstränge ein („Rose aus dem Garten der Liebe“, 1900). Geistlicher Katholik Tendenzen spiegelten sich in seinem O. „Palestrina“ (1915) wider.

Als einer von Wagners Anhängern begann R. Strauss sein Opernwerk („Guntram“, 1893; „Ohne Feuer“, 1901), das jedoch später litt. Evolution. In „Salome“ (1905) und „Electra“ (1908) zeigten sich expressionistische Tendenzen, wenn auch vom Komponisten eher oberflächlich wahrgenommen. Die Handlung in diesen O. entwickelt sich mit kontinuierlich steigenden Emotionen. Spannung, Intensität der Leidenschaften grenzt manchmal an einen pathologischen Zustand. Besessenheit. Die Atmosphäre fieberhafter Aufregung wird von einem riesigen und farbenprächtigen Orchester unterstützt, das eine kolossale Klangkraft erreicht. O.s lyrische Komödie „Der Rosenkavalier“ aus dem Jahr 1910 markierte in seinem Werk eine Wende von expressionistischen zu neoklassizistischen (siehe Neoklassizismus) Tendenzen. Elemente des Mozartschen Stils vereinen sich in diesem O. mit der sinnlichen Schönheit und dem Charme des Wiener Walzers; die Textur wird leichter und transparenter, ohne sich jedoch völlig von Wagners stimmgewaltigem Luxus zu lösen. In den folgenden Opern wandte sich Strauss Stilisierungen im Geiste barocker Musen zu. t-ra („Ariadne auf Naxos“, 1912), zu den Formen des Wiener Klassikers. Operetten (Arabella, 1932) oder Opera buffa des 18. Jahrhunderts. („The Silent Woman“, 1934) bis zur antiken Pastoral in der Renaissance-Brechung („Daphne“, 1937). Trotz des bekannten Eklektizismus des Stils erfreuten sich Strauss‘ Opern aufgrund der Zugänglichkeit der Musik und der Ausdruckskraft der Melodien großer Beliebtheit beim Publikum. Sprache, die poetische Verkörperung einfacher Lebenskonflikte.

Vom Ende 19. Jahrhundert Wunsch, eine nationale zu schaffen Operntradition und die Wiederbelebung vergessener und verlorener Traditionen in diesem Bereich manifestiert sich in Großbritannien, Belgien, Spanien, Dänemark und Norwegen. Zu den Produktionen, die international rezipiert wurden Anerkennung - „Rural Romeo and Julia“ von F. Dilius (1901, England), „Life is Short“ von M. de Falla (1905, Spanien).

20. Jahrhundert beigetragene Mittel. Veränderungen im Verständnis des Operngenres. Bereits im 1. Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Es wurde die Meinung geäußert, dass sich O. in einer Krise befinde und keine Perspektive für eine weitere Entwicklung habe. V. G. Karatygin schrieb 1911: „Oper ist die Kunst der Vergangenheit, teilweise der Gegenwart.“ Als Epigraph seines Artikels „Drama und Musik“ nahm er die Aussage von V.F. Komissarzhevskaya: „Wir bewegen uns mit Musik von der Oper zum Drama“ (Sammlung „Alkonost“, 1911, S. 142). Einige moderne zarub. Die Autoren schlagen vor, auf den Begriff „O“ zu verzichten. und ersetzen Sie es durch den umfassenderen Begriff „Musiktheater“, weil Plural. Prod. 20. Jahrhundert, definiert als O., erfüllen nicht die etablierten Genrekriterien. Der Prozess der Interaktion und Durchdringung verschiedener. Genres, die eines der Zeichen für die Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts sind, führen zur Entstehung der Produktion. gemischter Typ, für den es schwierig ist, eine eindeutige Definition zu finden. O. steht dem Oratorium und der Kantate nahe; es verwendet Elemente der Pantomime und der Bühne. Rezensionen, sogar ein Zirkus. Zusammen mit Techniken neuestes Theater. Die Technologie in der Kinematographie nutzt die Mittel der Kinematographie und der Radiotechnik (die Möglichkeiten der visuellen und auditiven Wahrnehmung werden mit Hilfe von Filmprojektions- und Radiogeräten erweitert) usw. Gleichzeitig. Damit einher geht die Tendenz, zwischen den Funktionen von Musik und Schauspiel zu unterscheiden. Aktionen und die Konstruktion von Opernformen basierend auf Strukturdiagrammen und Prinzipien des „reinen“ Instruments. Musik.

In Westeuropa O. 20. Jahrhundert verschiedene beeinflusst Künste Bewegungen, unter denen der Expressionismus und der Neoklassizismus die wichtigsten waren. Diese beiden gegensätzlichen, wenn auch manchmal miteinander verflochtenen Strömungen waren gleichermaßen gegensätzlich zum Wagnerismus und zum Realismus. Opernästhetik, die eine wahrheitsgetreue Reflexion der Lebenskonflikte und konkreter Bilder erfordert. Die Prinzipien der expressionistischen Operndramaturgie kamen in A. Schönbergs Monodrama „Warten“ (1909) zum Ausdruck. Fast ohne äußere Elemente. Aktionen, das ist ein Produkt. basiert auf dem kontinuierlichen Aufbau einer vagen, ängstlichen Vorahnung, die in einer Explosion von Verzweiflung und Entsetzen endet. Geheimnisvolle Symbolik gepaart mit Groteske prägt die Musen. Schönbergs Drama „Die glückliche Hand“ (1913). Ein weiterentwickelter Dramaturg. Der Plan ist das Herzstück seines Neo-Finishs. O. „Moses und Aaron“ (1932), aber seine Bilder sind weit hergeholt und nur Symbole religiöser Moral. Darstellungen. Anders als Schönberg orientierte sich sein Schüler A. Berg in seinem Opernwerk an Handlungssträngen aus dem wirklichen Leben und strebte eine ergreifende Inszenierung an soziale Probleme. Große Kraft der Dramen. Ausdrücke zeichnen O. „Wozzeck“ (1921) aus, die von tiefem Mitgefühl für die Machtlosen, vom Leben über Bord geworfenen Armen und einer Verurteilung der wohlgenährten Selbstgefälligkeit der „Mächtigen“ geprägt sind. Gleichzeitig mangelt es „Wozzeck“ an vollwertigem Realismus. O.s Charaktere handeln unbewusst, aufgrund unerklärlicher instinktiver Impulse und Obsessionen. Unvollendet Bergs Oper „Lulu“ (1928-35) ist trotz der Fülle dramatisch beeindruckender Momente und der Ausdruckskraft der Musik frei von ideologischer Bedeutung und enthält Elemente des Naturalismus und der schmerzhaften Erotik.

Die Opernästhetik des Neoklassizismus basiert auf der Anerkennung der „Autonomie“ der Musik und ihrer Unabhängigkeit von der Handlung auf der Bühne. F. Busoni schuf eine Art neoklassizistische „Spieloper“, die sich durch bewusste Konventionalität und Unplausibilität der Handlung auszeichnete. Er wollte sicherstellen, dass sich O.s Figuren „bewusst anders verhielten als im Leben“. In seinen O. „Turandot“ (1917) und „Harlequin, or Windows“ (1916) versuchte er, die Kursivschrift in modernisierter Form nachzubilden. Commedia dell'arte. Die Musik beider O., die auf dem Wechsel kurzer geschlossener Episoden basiert, verbindet Stilisierung mit Elementen des Grotesken. Strenge, strukturell vollständige Werkzeugformen. Musik sind die Grundlage seines O. „Doktor Faust“ (vollendet von F. Jarnach, 1925), in dem der Komponist tiefe philosophische Probleme aufwirft.

I. F. Strawinsky steht Busoni in seinen Ansichten über das Wesen der Opernkunst nahe. Beide Komponisten hegten die gleiche Feindseligkeit gegenüber dem, was sie „Verismus“ nannten, und meinten mit diesem Wort den Wunsch nach lebensechter Wahrhaftigkeit von Bildern und Situationen in der Opernmusik. Strawinsky argumentierte, dass Musik nicht in der Lage sei, die Bedeutung von Worten zu vermitteln; Übernimmt der Gesang eine solche Aufgabe, dann überschreitet er damit „die Grenzen der Musik“. Sein erster O. „Die Nachtigall“ (1909-14), stilistisch widersprüchlich, verbindet Elemente impressionistisch gefärbter Exotik mit einem strengeren konstruktiven Schreibstil. Eine besondere Art von Russisch. Opera Buffa ist „Der Mohr“ (1922), Vok. Die Teile basieren auf einer ironischen und grotesken Interpretation der Intonation Alltagsromantik 19. Jahrhundert Der dem Neoklassizismus innewohnende Wunsch nach Universalität, nach der Verkörperung „universeller“, „transpersonaler“ Ideen und Ideen in Formen ohne nationale. und zeitliche Gewissheit, die sich am deutlichsten in Strawinskys Oratorium „Oedipus Rex“ (nach der Tragödie des Sophokles, 1927) manifestiert. Der Eindruck der Distanziertheit wird durch die in einer unverständlichen modernen Sprache verfasste Libr. verstärkt. Zuhörer lat. Sprache. Indem er Formen der antiken Barockmusik in Kombination mit Elementen der Gattung Oratorium nutzte, strebte der Komponist bewusst eine Bühnenaufführung an. Unbeweglichkeit, Statuenhaftigkeit. Von ähnlicher Natur ist sein Melodram „Persephone“ (1934), in dem sich Opernformen mit Rezitation und Tanz verbinden. Pantomime. In O. „The Rake's Progress“ (1951) greift Strawinsky zur Verkörperung der satirisch-moralisierenden Handlung auf komische Formen zurück. Oper des 18. Jahrhunderts, führt aber gewisse romantische Züge ein. Fantasie und Allegorie.

Charakteristisch für P. Hindemith war auch die neoklassizistische Interpretation des Operngenres. Nachdem ich es O. 20s gegeben habe. Als bekannte Hommage an modische dekadente Trends wandte er sich in seiner reifen Schaffensperiode groß angelegten Plänen eines intellektualisierten Plans zu. Im monumentalen O. zu einem Thema aus der Zeit der Bauernkriege in Deutschland, „Der Künstler Mathis“ (1935), vor dem Hintergrund von Gemälden von Menschen. Die Bewegung zeigt die Tragödie eines Künstlers, der einsam und unerkannt bleibt. O. „Harmony of the World“ (1957), dessen Held der Astronom Kepler ist, zeichnet sich durch die Komplexität und Vielschichtigkeit der Komposition aus. Überladung des abstrakten Rationalismus. Symbolik macht dieses Produkt aus. für den Zuhörer schwer wahrnehmbar und dramaturgisch wirkungslos.

Auf Italienisch O. 20. Jahrhundert Eine der Erscheinungsformen des Neoklassizismus war die Berufung der Komponisten auf die Formen und typischen Bilder der Opernkunst des 17. und 18. Jahrhunderts. Diese Tendenz fand insbesondere im Werk von J. F. Malipiero ihren Ausdruck. Zu seinen Werken für Musik t-ra - Zyklen von Opernminiaturen „Orpheiden“ („Tod der Masken“, „Sieben Lieder“, „Orpheus oder das achte Lied“, 1919-22), „Drei Komödien von Goldoni“ („Kaffeehaus“, „ Signor Todero the Grouch“, „Kyojin-Gefechte“, 1926) sowie große historische und tragische Ereignisse. O. „Julius Caesar“ (1935), „Antonius und Kleopatra“ (1938).

Neoklassizistische Tendenzen manifestierten sich teilweise im Französischen. Opernstil der 20er und 30er Jahre, aber hier erhielten sie keine Konstanz und endeten. Ausdrücke. Für A. Honegger drückte sich dies in seiner Anziehungskraft auf antike und biblische Themen als Quelle „ewiger“ universeller moralischer Werte aus. Im Bemühen, die Bilder zu verallgemeinern und ihnen einen „transtemporalen“ Charakter zu verleihen, brachte er O. dem Oratorium näher und führte sie manchmal in seine Werke ein. liturgische Elemente. Gleichzeitig Musik seine Sprache op. Der Komponist zeichnete sich durch eine lebendige und lebendige Ausdruckskraft aus und schreckte auch vor den einfachsten Liedwendungen nicht zurück. Einheit Prod. Honegger (mit Ausnahme des O. „Eaglet“, gemeinsam mit J. Ibert geschrieben und nicht von großem Wert, 1935), das eigenständig O. genannt werden kann. Sinn des Wortes ist „Antigone“ (1927). Werke wie „König David“ (1921, 3. Auflage 1924) und „Judith“ (1925) werden genauer als Dramen klassifiziert. Oratorium waren sie am Ende etablierter. Repertoire als auf der Opernbühne. Diese Definition hat der Komponist selbst einem seiner bedeutendsten Werke gegeben. „Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“ (1935), von ihm als Massenvolksaufführung unter freiem Himmel konzipiert, spiegelte in der heterogenen Komposition, etwas eklektischen Opernarbeit von D. Milhaud, auch antike und biblische Themen wider („Eumenides ", 1922; „Medea“, 1938; „David“, 1953). . O., verwendet jedoch moderne musikalische Ausdrucksmittel. Das erste dieser O. zeichnet sich durch die gleichzeitige Darstellung verschiedener Aktionspläne aus. Filmprojektion. Sein O. „Der arme Seemann“ (1926) war eine Hommage an veristische Tendenzen. Der größte Erfolg war Milhauds Zyklus von Opernminiaturen („Minutenopern“), der auf einer parodistischen Brechung mythologischer Handlungsstränge basiert: „Der Raub Europas“. , „Die verlassene Ariadne“ und „Die Befreiung des Theseus“ (1927).

Zusammen mit dem Appell an die Majestäten. Bilder der Antike, der halblegendären biblischen Welt oder des Mittelalters im Opernwerk der 20er Jahre. Es besteht eine Tendenz zu akuter inhaltlicher Aktualität und Unmittelbarkeit. Reaktion auf moderne Phänomene. Wirklichkeit. Manchmal beschränkte sich dies auf das Streben nach billiger Sensationslust und führte zur Schaffung von Produktion. leichter, halbskurriler Charakter. In O. „Jumping Over the Shadow“ (1924) und „Johnny Plays“ (1927) von E. Kshenek entsteht ein ironisch gefärbtes Bild der Moderne. Bourgeois Moral wird in Form exzentrischer Unterhaltung präsentiert. Theater. Action mit vielseitiger Musik, die urban verbindet. Rhythmen und Elemente des Jazz mit banaler Lyrik. Melodie. Auch der satirische Ausdruck ist oberflächlich. Element in O. „Von heute nach morgen“ von Schönberg (1928) und „Neuigkeiten des Tages“ von Hindemith (1929), episodisch besetzt. Platz in den Werken dieser Komponisten. Gesellschaftskritisch wird deutlicher verkörpert. Thema im Musiktheater Prod. K. Weil schrieb in Zusammenarbeit mit B. Brecht „Die Dreigroschenoper“ (1928) und „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagoni“ (1930), in denen sie kritisiert und satirisch dargestellt werden. Die Grundlagen des Kapitalismus aufdecken. Gebäude. Diese Produkte stellen eine neue Art von Liedmusik mit hoher inhaltlicher Relevanz dar, die sich an eine breite Demokratie richtet. Publikum. Die Grundlagen ihrer einfachen, klaren und verständlichen Musik sind vielfältig. moderne Genres Massenmusik Alltag

Verstößt kühn gegen die üblichen Opernkanons von P. Dessau in seinem O. zu Brechts Texten – „Die Verurteilung des Lucullus“ (1949), „Puntila“ (1960), gekennzeichnet durch die Schärfe und Härte der Musen. Mittel, eine Fülle unerwarteter Theatereffekte und die Verwendung exzentrischer Elemente.

Deine eigene Musik t-r, basierend auf den Prinzipien der Demokratie und Zugänglichkeit, wurde von K. Orff erstellt. Die Ursprünge seiner Musik sind vielfältig: Der Komponist wandte sich dem Altgriechischen zu. Tragödie bis ins Mittelalter. Geheimnisse, für Menschen Theaterspiele und Possenaufführungen, verbundenes Drama. Action mit Epos Geschichtenerzählen, freie Kombination von Gesang mit Konversation und rhythmischer Rezitation. Keines der landschaftlich reizvollsten Prod. Orpha ist nicht O. im üblichen Sinne. Aber jeder von ihnen hat eine Definition. musikalisch und dramatisch Konzept, und Musik ist nicht auf rein angewandte Funktionen beschränkt. Die Beziehung zwischen Musik und Bühne. Die Aktionen variieren je nach dem jeweiligen Creative. Aufgaben. Zu seinen Werken Bühnenauftritte zeichnen sich aus. Kantate „Carmina Burana“ (1936), märchenhaft allegorisch. Musik Stücke, die Elemente von Kunst und Drama verbinden. Aufführungen, „Moon“ (1938) und „Clever Girl“ (1942), Musik. Drama „Bernauerin“ (1945), eine Art Musik. Restaurierung von Antiquitäten Tragödien - „Antigone“ (1949) und „König Ödipus“ (1959).

Gleichzeitig haben einige bedeutende Komponisten von Ser. Das 20. Jahrhundert modernisierte zwar die Formen und Mittel des Opernausdrucks, wich jedoch nicht von der Tradition ab. die Grundlagen des Genres. Somit behielt B. Britten die Rechte an dem wohlklingenden Wok. Melodien wie Kap. Mittel, um den Geisteszustand der Charaktere zu vermitteln. In den meisten seiner Opern wird eine intensive, durchgängige Entwicklung mit abwechslungsreichen Episoden, Ensembles und ausgedehnten Chören kombiniert. Szenen. Zu den meisten Mitteln. Prod. Britten - expressionistisch gefärbtes Inlandsdrama „Peter Grimes“ (1945), Kammer-O. „The Rape of Lucretia“ (1946), „Albert Herring“ (1947) und „The Turn of the Screw“ (1954), märchenhaft romantisch. O. „Ein Sommernachtstraum“ (1960). Im Opernwerk von G. Menotti erhielten die veristischen Traditionen in Kombination mit bestimmten Merkmalen des Expressionismus („Medium“, 1946; „Consul“, 1950 usw.) eine modernisierte Brechung. F. Poulenc betonte seine Loyalität gegenüber den Klassikern. Traditionen, wobei in der Widmung an O. „Dialoge der Karmeliter“ (1956) die Namen von C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky und C. Debussy genannt werden. Flexibler Einsatz von Wok-Werkzeugen. Ausdruckskraft ist die stärkste Seite des Monodramas „The Human Voice“ (1958). Der Comic zeichnet sich auch durch seine helle Melodie aus. Poulencs Oper „Breasts of Tiresia“ (1944) trotz ihres Surrealismus. Absurdität und Exzentrizität der Bühne. Aktionen. Unterstützer von O. preem. wok Typ ist H. V. Henze („Der Hirschkönig“, 1955; „Prinz von Homburg“, 1960; „Bassariden“, 1966 usw.).

Zusammen mit der Vielfalt an Formen und Stilistiken. Trends des 20. Jahrhunderts. geprägt durch eine große Vielfalt an Nationalitäten. Schulen Einige von ihnen erreichen erstmals die internationale Ebene. Anerkennung und behaupten ihre Unabhängigkeit. Platz in der Entwicklung der Weltoper. B. Bartok („Herzog Blaubarts Schloss“, 1911) und Z. Kodaly („Hari Janos“, 1926; „Székely Spinning Mill“, 1924, 2. Auflage 1932) führten neue Bilder und Mittel des Musikdramas ein. Ausdruckskraft auf Ungarisch O., Kontaktpflege mit dem Inland Traditionen und basierend auf der Intonation. Weng bauen. Adv. Musik. Das erste ausgereifte Beispiel der bulgarischen Sprache. national O. war „Zar Kaloyan“ von P. Vladigerov (1936). Für die Opernkunst der Völker Jugoslawiens war das Werk von J. Gotovac besonders wichtig (am beliebtesten war sein O. „Ero from the Other World“, 1935).

Ein zutiefst origineller Typ Amerikaner. national O. wurde von J. Gershwin basierend auf Afroamerikanern geschaffen. Musik Folklore und Traditionen des Negers. „Minstrel-Theater“ Eine spannende Geschichte aus dem Leben eines schwarzen Mannes. die Armen in Verbindung mit Express. und zugängliche Musik mit Elementen aus Blues, Spirituals und Jazz Dance. Rhythmen brachten ihm O. „Porgy and Bess“ (1935) weltweite Popularität. National O. entwickelt sich in einer Reihe von Lat.-Amerikanern. Länder Einer der Gründer von Argent. Der Opernlehrer F. Boero schuf Werke voller folkloristischer Elemente. über Szenen aus dem Leben von Gauchos und Bauern („Rakela“, 1923; „Robbers“, 1929).

In con. 60er Jahre Im Westen entstand mit modernen Mitteln ein besonderes Genre der „Rockoper“. Pop und Alltagsmusik. Ein beliebtes Beispiel für dieses Genre ist E. L. Webbers Christ Superstar (1970).

Ereignisse des 20. Jahrhunderts. - der Beginn des Faschismus in einer Reihe von Ländern, der Zweite Weltkrieg von 1939-45 und der stark verschärfte Kampf der Ideologien - führten dazu, dass viele Künstler ihre Position klarer definieren mussten. In der Kunst tauchten neue Themen auf, die O. nicht ignorieren konnte. In O. „Krieg“ von R. Rossellini (1956) entlarvt „Antigone 43“ von L. Pipkov (1963) den Krieg, der dem Gewöhnlichen schweres Leid und Tod bringt an Menschen. Konventionell „O“ genannt. Prod. L. Nonos „Intoleranz 1960“ (in der Neuauflage „Intoleranz 1970“) bringt den wütenden Protest des kommunistischen Komponisten gegen Kolonialkriege, Angriffe auf Arbeitnehmerrechte und die Verfolgung von Kämpfern für Frieden und Gerechtigkeit in der kapitalistischen Gesellschaft zum Ausdruck. Länder. Direkte und offensichtliche Assoziationen mit der Moderne wecken auch Werke wie „The Prisoner“ („Prisoner“) von L. Dallapiccola (1948), „Simplicius Simplicissimus“ von K. A. Hartman (1948), „Soldiers“ von B. A. Zimmerman (1960). , obwohl sie auf klassischen Handlungssträngen basieren. Liter. K. Penderecki in O. „Devils from Loudin“ (1969), das das Mittelalter zeigt. Fanatismus und Fanatismus entlarven indirekt den faschistischen Obskurantismus. Diese op. unterschiedlich im Stil. Orientierung und ein modernes oder modernes Thema werden in ihnen nicht immer aus einer klar realisierten ideologischen Position interpretiert, sondern sie spiegeln die allgemeine Tendenz zu einer engeren Verbindung mit dem Leben, einem aktiven Eingriff in seine Prozesse, wider, die im Werk des progressiven Zarub beobachtet wird . Künstler. Gleichzeitig im Opernkunst-Zap. Länder zeigen destruktive Anti-Kunst. moderne Trends "Avantgarde", was zum völligen Zusammenbruch von O. als Musikdramatiker führte. Genre. Dies ist die „Anti-Oper“ „Staatstheater“ von M. Kagel (1971).

In der UdSSR war die Entwicklung der Kleidung untrennbar mit dem Leben des Landes und der Entstehung der Sowjetunion verbunden. Musik und Theater. Kultur. K ser. 20er Jahre Dazu gehören die ersten, in vielerlei Hinsicht noch unvollkommenen Versuche, ein O. basierend auf einer Handlung aus der Moderne oder Folklore zu schaffen. revolutionär Bewegungen der Vergangenheit. Abt. Zu den interessanten Funden zählen Werke wie „Ice and Steel“ von V.V. Deshevov, „North Wind“ von L.K. Knipper und einige andere. Im Allgemeinen handelt es sich jedoch um die Erstgeborenen der Eulen. O. leiden unter Schematismus, Leblosigkeit der Bilder, Eklektizismus der Musen. Sprache. Das große Ereignis war das Fasten. 1926 O. „Liebe zu drei Orangen“ von S. S. Prokofjew (op. 1919), das den Eulen nahe stand. Künste Kultur mit ihrem lebensbejahenden Humor, ihrer Dynamik und ihrer lebendigen Theatralik. Dr. Seiten von Prokofjews Talent als Dramatiker manifestierten sich in O. „Der Spieler“ (2. Auflage 1927) und „Feuerengel“ (1927), die sich durch intensives Drama, die Beherrschung scharfer und gezielter psychologischer Aspekte auszeichneten. Charakteristik, sensibles Eindringen in die Intonation. Struktur der menschlichen Sprache. Aber diese Produkte Der damals im Ausland lebende Komponist erregte die Aufmerksamkeit der Eulen. öffentlich. Die innovative Bedeutung von Prokofjews Operndramaturgie wurde später voll gewürdigt, als Sov. O. stieg auf ein höheres Niveau und überwand den bekannten Primitivismus und die Unreife der ersten Experimente.

Heftige Diskussionen begleiteten das Erscheinen von O. „Die Nase“ (1929) und „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Izmailova“, 1932, Neuauflage 1962) von D. D. Schostakowitsch, die den Sowjets vorgelegt wurden. Musiktheater Der Anspruch besteht in einer Reihe großer und ernsthafter innovativer Aufgaben. Diese beiden O. sind von unterschiedlicher Bedeutung. Ob „The Nose“ mit seinem außergewöhnlichen Erfindungsreichtum, seiner Handlungsschnelligkeit und seinem Kaleidoskop. Flackernde grotesk spitze Maskenbilder waren ein kühnes, manchmal trotzig gewagtes Experiment eines jungen Komponisten, damals „Katerina Izmailova“ – Prod. Meister, der die Tiefe des Konzepts mit der Harmonie und Nachdenklichkeit des Musikalischen und Dramatischen verbindet. Inkarnationen. Die grausame, gnadenlose Wahrheit der Darstellung der schrecklichen Seiten des alten Kaufmanns. Der Alltag, der die menschliche Natur entstellt und verzerrt, stellt dieses O. auf eine Stufe mit den großen Schöpfungen des Russischen. Realismus. Schostakowitsch nähert sich hier in vielerlei Hinsicht Mussorgski an und verleiht ihnen durch die Weiterentwicklung seiner Traditionen etwas Neues, Modernes. Klang.

Erste Erfolge bei der Umsetzung von Eulen. Themen im Operngenre gehören zur ser. 30er Jahre Melodisch. die Frische der Musik, basierend auf der Intonation. Eulen bauen Massenlied, erregte die Aufmerksamkeit von O. „Quiet Don“ von I. I. Dzerzhinsky (1935). Dies ist ein Produkt. diente als Prototyp für das, was sich in der 2. Hälfte entwickelte. 30er Jahre „Liedoper“, in der das Lied das Hauptelement der Musen war. Dramaturgie. Das Lied wurde erfolgreich als Mittel für Dramen eingesetzt. Merkmale der Bilder in O. „Into the Storm“ von T. N. Khrennikov (1939, Neuauflage 1952). Aber konsequent. Die Umsetzung der Prinzipien dieser Richtung führte zu einer Vereinfachung und Ablehnung der Vielfalt und des Reichtums der Mittel von Oper und Schauspiel. über Jahrhunderte angesammelte Ausdruckskraft. Unter O. 30er Jahren. auf Eulen Thema als Produktion großes Drama Kraft und hohe Künste. Prokofjews Semjon Kotko (1940) sticht heraus. Dem Komponisten gelang es, aus dem Volk ein authentisches und äußerst wahrheitsgetreues Bild des einfachen Volkes zu schaffen, um das Wachstum und die Neugestaltung seines Bewusstseins während der Revolution zu zeigen. Kampf.

Sov. Das Opernwerk dieser Zeit war sowohl inhaltlich als auch genremäßig vielfältig. Modern Das Thema wurde von Kap. bestimmt. Richtung seiner Entwicklung. Gleichzeitig wandten sich Komponisten Handlungssträngen und Bildern aus dem Leben verschiedener Völker und historischer Epochen zu. Epochen. Zu den besten Eulen. O. 30er Jahre - „Cola Brugnon“ („Meister aus Clamcy“) von D. B. Kabalevsky (1938, 2. Aufl. 1968), bekannt für seine hohe Symphonie. Geschick und subtile Einsicht in den Charakter der Franzosen. Adv. Musik. Prokofjew schrieb einen Comic nach Semjon Kotko. O. „Verlobung im Kloster“ („Dueña“, 1940) auf einem Grundstück in der Nähe der Opera Buffa des 18. Jahrhunderts. Im Gegensatz zu seinem frühen O. „The Love for Three Oranges“ gibt es keine konventionelles Theater. Masken und lebende Menschen mit echten, wahrhaftigen Gefühlen, komödiantische Brillanz und Humor werden mit leichter Lyrik kombiniert.

Während des Großen Vaterländischen Krieges. Besonders der Krieg von 1941–45 verstärkte die Bedeutung des Patriotismus. Themen. Verkörpere das Heldenhafte Kunststück der Eulen Menschen im Kampf gegen den Faschismus war ch. die Aufgabe aller Arten von Klagen. Die Ereignisse der Kriegsjahre spiegelten sich auch im Opernwerk der Eulen wider. Komponisten. Allerdings erwiesen sich die während des Krieges und unter seinem unmittelbaren Einfluss entstandenen Werke als überwiegend künstlerisch mangelhaft und behandelten das Thema oberflächlich. Mehr Mittel. O. für das Militär. Das Thema entstand etwas später, als sich die bereits bekannte „zeitliche Distanz“ herausbildete. Unter ihnen stechen „Die Familie von Taras“ von Kabalevsky (1947, 2. Auflage 1950) und „Das Märchen eines echten Mannes“ von Prokofjew (1948) hervor.

Unter dem Einfluss von Patriotismus Mit dem Aufkommen der Kriegsjahre entstand die Idee von O. „Krieg und Frieden“ von Prokofjew (1943, 2. Auflage 1946, letzte Auflage 1952). Es ist komplex und vielschichtig in seiner Dramaturgie. Produktionskonzepte verbindet heroisch Adv. Epos mit inniger Lyrik. Drama. O.s Komposition basiert auf dem Wechsel von monumentalen, in großen Strichen gemalten Massenszenen mit subtilen und detaillierten Szenen mit Kammercharakter. Prokofjew manifestiert sich in Krieg und Frieden zugleich. sowohl als profunder Dramatiker-Psychologe als auch als Künstler eines mächtigen Epos. Lager Historisch Das Thema erhielt einen hohen künstlerischen Wert. Inkarnation in O. „Decembrists“ von Yu. A. Shaporin (nach 1953): trotz des bekannten Mangels an Dramaturgie. Effektivität gelang es dem Komponisten, das Heroische zu vermitteln. das Pathos der Leistung von Kämpfern gegen die Autokratie.

Endzeitraum 40er Jahre - früh 50er Jahre in der Entwicklung von Eulen. O. war komplex und widersprüchlich. Zusammen mit den Mitteln. Die Errungenschaften dieser Jahre waren besonders stark von dogmatischem Druck geprägt. Einstellungen, die zu einer Unterschätzung der größten Errungenschaften des Opernschaffens führten, Einschränkung der Kreativität. Suchvorgänge, manchmal zur Unterstützung von minderwertigen Künsten. bezüglich vereinfachter Werke. Bei einer Diskussion über Fragen des Operntheaters im Jahr 1951 wurden solche „Eintagesopern“, „Opern der kleinen Gedanken und kleinen Gefühle“ scharf kritisiert und die Notwendigkeit, „die Beherrschung der Operndramaturgie als Ganzes zu beherrschen, all seiner Bestandteile“, wurde betont. In der 2. Hälfte. 50er Jahre Im Leben der Eulen ist ein neuer Aufschwung gekommen. Das Operntheater, das zuvor zu Unrecht verurteilte O. von Meistern wie Prokofjew und Schostakowitsch, wurde wiederhergestellt und die Arbeit der Komponisten an der Schaffung neuer Opernwerke intensiviert. Eine wichtige positive Rolle bei der Entwicklung dieser Prozesse spielte der Beschluss des ZK der KPdSU vom 28. Mai 1958 „Über die Korrektur von Fehlern bei der Bewertung der Opern „Die große Freundschaft“, „Bogdan Chmelnizki“ und „Mit allem“. Herz"".

60-70er Jahre geprägt von einer intensiven Suche nach neuen Wegen im Opernschaffen. Das Aufgabenspektrum erweitert sich, neue Themen tauchen auf, einige der Themen, mit denen sich Komponisten bereits zuvor befasst haben, finden eine andere Verkörperung und verschiedene Typen beginnen, mutiger anzuwenden. wird zum Ausdruck bringen. Mittel und Formen der Operndramaturgie. Eines der wichtigsten bleibt das Thema vom Oktober. Revolution und der Kampf um die Gründung der Sowjetunion. Behörden. In „Optimistische Tragödie“ von A. N. Kholminov (1965) werden bestimmte Aspekte der „Liedoper“ und der Musik bereichert. Formen sind vergrößert, wichtig dramatisch. Der Refrain gewinnt an Bedeutung. Szenen. Der Chor ist weit verbreitet. Element in O. „Virineya“ von S. M. Slonimsky (1967), ist der bemerkenswerteste Aspekt des Schnitts die originelle Interpretation des Volksliedmaterials. Liedformen wurden zur Grundlage von O. „Oktober“ von V. I. Muradeli (1964), wo insbesondere versucht wurde, das Bild von W. I. Lenin durch Lieder zu charakterisieren. Allerdings der Schematismus der Bilder, die Inkonsistenz der Musik. Sprache zum Plan eines monumentalen Volksheldentums. O. mindern den Wert dieser Arbeit. Einige Leute haben interessante Experimente durchgeführt, um monumentale Darbietungen im Geiste der Volkskunst zu schaffen. Massenaktionen, die auf der Theatralisierung von Inszenierungen basieren. Oratoriengenre („Pathetisches Oratorium“ von G. V. Sviridov, „Julisonntag“ von V. I. Rubin).

In der Interpretation des Militärs. Themen gibt es einerseits eine Tendenz zu einem generalisierten Oratorienplan, andererseits zu einem psychologischen. Vertiefung, Enthüllung der Ereignisse des Nationalen Bedeutungen, die durch die Wahrnehmung des Einzelnen gebrochen werden. Persönlichkeit. In O. „Der unbekannte Soldat“ von K. V. Molchanov (1967) gibt es keine konkreten lebenden Charaktere; seine Charaktere sind lediglich Träger der Ideen des Volkes. feat. Dr. Die Herangehensweise an das Thema ist typisch für Dzerzhinskys „Das Schicksal des Menschen“ (1961), wo direkt. Die Handlung ist eine menschliche Biographie. Dies ist ein Produkt. gehört jedoch nicht zur kreativen Gruppe. Viel Glück, Eulen Oh, das Thema ist nicht vollständig erforscht, die Musik leidet unter oberflächlichem Melodrama.

Eine interessante moderne Erfahrung. lyrisch O., gewidmet Probleme persönlicher Beziehungen, Arbeit und Leben unter den Bedingungen von Eulen. in Wirklichkeit handelt es sich um „Not Only Love“ von R. K. Shchedrin (1961). Der Komponist verwendet subtil verschiedene Arten von Liedern und Volksliedern. Instr. Melodien, die das Leben und die Charaktere eines Kollektivbauerndorfes charakterisieren. O. „Dead Souls“ desselben Komponisten (nach N.V. Gogol, 1977) zeichnet sich durch seine scharfe, charakteristische Musik, die genaue Wiedergabe der Sprachintonation in Kombination mit Volksliedern aus. Lager

Eine neue, originelle Lösung des Historischen Die Themen sind in O. „Peter I“ von A. P. Petrov (1975) angegeben. Die Tätigkeit des großen Transformators wird in einer Reihe großflächiger Freskengemälde deutlich. In der Musik von O. gibt es eine Verbindung zum Russischen. Opernklassiker, gleichzeitig bedient sich der Komponist moderner bedeutet, lebendiges Theater zu schaffen. Effekte.

Im Comic-Genre. O. sticht „Der Widerspenstigen Zähmung“ von V. Ya. hervor. In Fortsetzung der Linie Prokofjews verbindet der Autor den komödiantischen Anfang mit dem lyrischen und lässt sozusagen die Formen und den allgemeinen Geist des alten Klassikers wieder auferstehen. O. im Neuen, Modernen. Aussehen. Melodisch. Die Helligkeit der Musik zeichnet das Komische aus. O. „Der mutterlose Schwiegersohn“ von Khrennikov (1967; in der 1. Auflage „Frol Skobeev“, 1950) auf Russisch. historische und alltägliche Handlung.

Einer der neuen Trends im Opernschaffen der 60er-70er Jahre. ist das zunehmende Interesse am Genre der Kammeroper für eine kleine Anzahl von Charakteren oder der Monooper, in der alle Ereignisse durch das Prisma des individuellen Bewusstseins eines Charakters gezeigt werden. Zu diesem Typ gehören „Notizen eines Verrückten“ (1967) und „Weiße Nächte“ (1970) von Yu M. Butsko, „Der Mantel“ und „Der Kinderwagen“ von Kholminov (1971), „Das Tagebuch der Anne Frank“ von G. S. Fried (1969) usw.

Sov. O. zeichnet sich durch seinen Reichtum und seine Vielfalt an Nationalitäten aus. Schulen, die gemeinsame ideologische und ästhetische Grundprinzipien haben. Jedes Prinzip hat seine eigenen Besonderheiten. Nach dem Sieg im Oktober Die Revolution ist in der Ukraine in eine neue Phase ihrer Entwicklung eingetreten. A. Wichtig für das Wachstum der Nation. Opernlehrer in der Ukraine hatte eine Stelle. herausragende Produktion ukrainisch Opernklassiker „Taras Bulba“ von N. V. Lysenko (1890), erstmals 1924 veröffentlicht (herausgegeben von L. V. Revutsky und B. N. Lyatoshinsky). In den 20-30er Jahren. Es erscheinen eine Reihe neuer O. Ukrainischer. Komponisten für Eulen und historisch (aus der Geschichte der revolutionären Volksbewegungen) Themen. Eine der besten Eulen. O. dieser Zeit über die Ereignisse von Civil. Krieg war O. „Shchors“ Lyatoshinsky (1938). Yu. S. Meitus setzt sich in seinem Opernwerk verschiedene Ziele. Seine O. „The Young Guard“ (1947, 2. Auflage 1950), „Dawn over the Dvina“ („Northern Dawns“, 1955), „Stolen Happiness“ (1960), „The Ulyanov Brothers“ (1967) wurden berühmt. Liederchor. Episoden bilden die Stärke des Heroisch-Historischen. O. „Bogdan Khmelnitsky“ von K. F. Dankevich (1951, 2. Aufl. 1953). O. „Milan“ (1957), „Arsenal“ (1960) von G. I. Mayboroda sind voller Liedmelodien. Auf dem Weg zur Erneuerung des Operngenres und einer Vielfalt der Dramaturgie. V. S. Gubarenko, der 1967 in „Death of the Squadron“ debütierte, strebt nach Lösungen.

Viele Völker der UdSSR haben nationale Opernschulen entstanden oder erreichten ihre volle Entwicklung erst nach Oktober. Revolution, die sie politisch brachte und spirituelle Befreiung. In den 20er Jahren Ladung bestätigt. Opernschule, Klassik Die Schnittbeispiele waren „Abesalom und Eteri“ (fertiggestellt 1918) und „Daisi“ (1923) von Z. P. Paliashvili. 1926 wurde die Stelle fertiggestellt. O. „Tamar Tsbieri“ („Insidious Tamara“, 3. Aufl. unter dem Titel „Darejan Tsbieri“, 1936) M. A. Balanchivadze. Das erste große armenische O. - „Almast“ von A. A. Spendiarov (post. 1930, Moskau, 1933, Eriwan). U. Hajibeyov, der bereits im 20. Jahrhundert begann. der Kampf um die Schaffung von Aserbaidschanisch Musik t-ra(Mugham O. „Leili and Majnun“, 1908; Musikkomödie „Arshin Mal Alan“, 1913 usw.), schrieb 1936 ein großes Heldenepos. O. „Kor-ogly“, das zusammen mit „Nergiz“ von A. M. M. Magomayev (1935) zur Grundlage des Nationalen wurde. Opernrepertoire in Aserbaidschan. Bedeutet. Rolle bei der Bildung Aserbaidschans. O. spielte auch „Shahsenem“ von R. M. Gliere (1925, 2. Aufl. 1934). Junger Staatsangehöriger Die Kunst in den transkaukasischen Republiken basierte auf folkloristischen Quellen und Volksthemen. episch und heroisch Seiten Ihres Landes Vergangenheit. Diese Linie ist national. Epos O. wurde zu einem anderen, moderneren weitergeführt. stilistisch basierend auf Werken wie „David Bek“ von A. T. Tigranyan (post. 1950, 2. Auflage 1952), „Sayat-Nova“ von A. G. Harutyunyan (1967) – in Armenien „Hand of the Great Masters“ von Sh. M. Mshvelidze und „Mindia“ von O. V. Taktakishvili (beide 1961) – in Georgien. Einer der beliebtesten Aserbaidschaner. Aus O. wurde „Sevilla“ von F. Amirov (1952, Neuauflage 1964), in dem persönliches Drama mit nationalen Ereignissen verflochten ist. Bedeutungen. Das Thema der Entstehung der Sowjetunion. Behörden in Georgia gewidmet. O. „Die Entführung des Mondes“ von Taktakishvili (1976).

In den 30er Jahren Der Grundstein für das Nationale war gelegt. Opernhaus in den Republiken Mi. Asien und Kasachstan, bei bestimmten Völkern der Wolgaregion und Sibirien. Kreaturen Unterstützung bei der Gründung Ihres eigenen Staatsangehörigen O. versorgte diese Völker mit Russisch. Komponisten. Erster Usbek O. „Farhad und Shirin“ (1936) wurde von V. A. Uspensky nach dem gleichen Namen geschaffen. Theater. Stücke, die Nar enthielten. Lieder und Teile von Mugams. Der Weg vom Schauspiel mit Musik zum künstlerischen Ausdruck war typisch für eine Reihe von Völkern, die in der Vergangenheit keinen entwickelten Beruf hatten. Musik Kultur. Nar. Musik Das Drama „Leili und Majnun“ diente als Grundlage für das gleichnamige O., das Gliere 1940 gemeinsam schrieb. aus Usbekisch Komponist-Melodist T. Jalilov. Er verband seine Aktivitäten fest mit Usbekisch. Musik Kultur A.F. Kozlovsky, der das Nationale geschaffen hat Das Material hat eine große Geschichte. O. „Ulugbek“ (1942, 2. Auflage 1958). S. A. Balasanyan ist der Autor des ersten Taj. O. „The Vose Uprising“ (1939, 2. Aufl. 1959) und „Blacksmith Kova“ (zusammen mit Sh. N. Bobokalonov, 1941). Erstes Kirgisistan O. „Aichurek“ (1939) wurde von V. A. Vlasov und V. G. Fere gemeinsam geschaffen. mit A. Maldybaev; später schrieben sie auch „Manas“ (1944), „Toktogul“ (1958). Musik Dramen und Opern von E. G. Brusilovsky „Kyz-Zhybek“ (1934), „Zhalbyr“ (1935, 2. Auflage 1946), „Er-Targyn“ (1936) markierten den Beginn des Kasachischen. Musiktheater Gründung Turkmenistans. Musik Die Ursprünge des Theaters gehen auf die Inszenierung von A. G. Shaposhnikovs Oper „Zohre und Tahir“ (1941, Neuauflage gemeinsam mit V. Mukhatov, 1953) zurück. Anschließend schrieb derselbe Autor eine weitere Serie von O. in Turkmenistan. national Material, einschließlich Gelenk mit D. Ovezov „Shasenem und Gharib“ (1944, 2. Aufl. 1955). Der erste Burjate erschien 1940. O. – „Enkhe – bulat-baatar“ von M. P. Frolov. In der Entwicklung der Musik. t-ra unter den Völkern der Wolga-Region und Fernost L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi und andere trugen ebenfalls dazu bei.

Gleichzeitig schon vom Ende an. 30er Jahre Diese Republiken bringen ihre eigenen talentierten Komponisten aus Vertretern indigener Nationalitäten hervor. N. G. Zhiganov, der Autor der ersten Tataren, arbeitet fruchtbar auf dem Gebiet der Opernkreativität. O. „Kachkyn“ (1939) und „Altynchach“ (1941). Einer seiner besten O. - „Jalil“ (1957) erhielt Anerkennung außerhalb der Tat. SSR. K bedeutet. Errungenschaften des Landes Musik Zur Kultur gehören „Birzhan und Sara“ von M. T. Tulebaev (1946, Kasachische SSR), „Hamza“ von S. B. Babaev und „Die Tricks von Maysary“ von S. A. Yudakov (beide 1961, Usbekische SSR), „Pulat und Gulru“ (1955) und „Rudaki“ (1976) von Sh. S. Sayfiddinov (Tadschikische SSR), „Brothers“ von D. D. Ayusheev (1962, Burjatische Autonome Sozialistische Sowjetrepublik), „Highlanders“ von Sh. R. Cha-laev (1971, Dag. ASSR) usw.

Weißrussisch in der Opernarbeit. Unter den Komponisten nahm Sov den Spitzenplatz ein. Thema. Revolutionen und Bürger dem Krieg gewidmet O. „Mikhas Podgorny“ von E. K. Tikotsky (1939), „In den Wäldern von Polesie“ von A. V. Bogatyrev (1939). Weißrussisches Ringen. Partisanen während des Großen Vaterländischen Krieges. Der Krieg spiegelte sich in O. „Alesya“ von Tikotsky (1944, in der Neuausgabe „Girl from Polesie“, 1953) wider. In diesen Produktionen. Weißrussisch ist weit verbreitet. Folklore. O. „Blume des Glücks“ von A. E. Turenkov (1939) basiert ebenfalls auf Liedmaterial.

Während des Kampfes um den Sov. Die Macht in den baltischen Republiken wurde ausgeübt. die ersten Letten. O. – „Banyuta“ von A. J. Kalnin (1919) und die Opernduologie „Feuer und Schwert“ von Janis Medin (1. Teil 1916, 2. Teil 1919). Zusammen mit O. „On Fire“ von Kalnina (1937) sind diese Werke. wurde zur Grundlage des Nationalen Opernrepertoire in Lettland. Nach dem Eintrag von Latv. Republiken in der UdSSR im lettischen Opernwerk. Komponisten reflektieren neue Themen, Stil und Musik werden aktualisiert. Sprache O. Unter modern Eulen Lettisch. O. sind berühmt für „To the New Shore“ (1955), „The Green Mill“ (1958) von M. O. Zarina und „The Golden Horse“ von A. Zilinskis (1965). In Litauen sind die Grundlagen des Nationalen Opern-T-RA wurden am Anfang festgelegt. 20. Jahrhundert Werke von M. Petrauskas – „Birutė“ (1906) und „Eglė – Königin der Schlangen“ (1918). Erste Eule Lit. O. – „Dorf in der Nähe des Anwesens“ („Paginerai“) von S. Shimkus (1941). In den 50er Jahren O. erscheinen auf historischen. ("Pilenai" von V. Yu. Klovy, 1956) und modern. („Marite“ von A.I. Raciunas, 1954) Themen. Eine neue Etappe in der Entwicklung von Litas. O. wird vertreten durch „Lost Birds“ von V. A. Laurusas, „At the Crossroads“ von V. S. Paltanavičius (beide 1967). In Estland wurde bereits 1906 gefastet. O. „Sabina“ von A. G. Lemba (1906, 2. Aufl. „Daughter of Lembitu“, 1908) im National. Handlung mit Musik basierend auf Est. Adv. Melodien. In con. 20er Jahre weitere Opernproduktionen erschienen. vom selben Komponisten (darunter „Maiden of the Hill“, 1928), sowie „Vickerians“ von E. Aava (1928), „Kaupo“ von A. Vedro (1932) usw. Eine solide und breite Basis für die Entwicklung der nationalen. O. wurde nach dem Beitritt Estlands zur UdSSR gegründet. Einer der ersten Est. Eulen O. ist „Pyhajärv“ von G. G. Ernesaks (1946). Modern Das Thema spiegelte sich in O. „The Fires of Vengeance“ (1945) und „The Singer of Freedom“ (1950, 2. Aufl. 1952) von E. A. Kapp wider. Neue Suchanfragen markiert „The Iron House“ von E. M. Tamberg (1965), „Swan Flight“ von V. R. Tormis.

Später begann sich in Moldawien die Opernkultur zu entwickeln. Das erste O. zum Thema Schimmel. Sprache und Nationalität Handlungsstränge erscheinen erst in der 2. Hälfte. 50er Jahre „Domnika“ von A. G. Styrchi (1950, 2. Aufl. 1964) ist beliebt.

Aufgrund der weit verbreiteten Entwicklung der Massenmedien im 20. Jahrhundert. Es entstanden spezielle Arten von Radioopern und Fernsehopern, die unter Berücksichtigung spezifischer Aspekte erstellt wurden. Wahrnehmungsbedingungen beim Hören im Radio oder auf einem Fernsehbildschirm. Im Ausland Länder wurden eine Reihe von O. speziell für das Radio geschrieben, darunter „Columbus“ von V. Egk (1933), „Die alte Jungfer und der Dieb“ von Menotti (1939), „Der Landarzt“ von Henze (1951, neu). Hrsg. 1965), „Don Quijote“ von Iber (1947). Einige dieser O. wurden auch auf der Bühne aufgeführt (zum Beispiel „Columbus“). Fernsehopern wurden geschrieben von Strawinsky („Die Sintflut“, 1962), B. Martin („Die Ehe“ und „Wie die Menschen leben“, beide 1952), Kschenek („Berechnet und gespielt“, 1962), Menotti („Amal und die …“) Night Guests“, 1951; „Labyrinth“, 1963) und anderen bedeutenden Komponisten. In der UdSSR sind Radio- und Fernsehopern besondere Produktionsarten. sind nicht weit verbreitet. Die speziell für das Fernsehen geschriebenen Opern von V. A. Vlasov und V. G. Fere („The Witch“, 1961) und V. G. Agafonnikov („Anna Snegina“, 1970) haben den Charakter individueller Experimente. Sov. Radio und Fernsehen gehen den Weg der Montage und literarischen Musik. Kompositionen oder Verfilmungen berühmter Opernwerke. Klassiker und modern Autoren.

Literatur: Serov A.N., Das Schicksal der Oper in Russland, „Russische Bühne“, 1864, Nr. 2 und 7, dasselbe, in seinem Buch: Ausgewählte Artikel, Bd. 1, M.-L., 1950; sein, Oper in Russland und russische Oper, „Musical Light“, 1870, Nr. 9, das gleiche, in seinem Buch: Critical Articles, Bd. 4, St. Petersburg, 1895; Cheshikhin V., Geschichte der russischen Oper, St. Petersburg, 1902, 1905; Engel Yu.. In der Oper, M., 1911; Igor Glebov (Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970; seine Briefe über russische Oper und Ballett, „Woche der Petrograder Staatlichen Akademischen Theater“, 1922, Nr. 3-7, 9-10, 12-13; seine, Oper, im Buch: Essays über sowjetisches Musikschaffen, Bd. 1, M.-L., 1947; Bogdanov-Berezovsky V. M., Sowjetische Oper, L.-M., 1940; Druskin M., Fragen der musikalischen Dramaturgie der Oper, Leningrad, 1952; Yarustovsky B., Dramaturgie russischer Opernklassiker, M., 1953; von ihm, Essays zur Dramaturgie der Oper des 20. Jahrhunderts, Buch. 1, M., 1971; Sowjetische Oper. Sammlung kritischer Artikel, M., 1953; Tigranov G., Armenisches Musiktheater. Essays und Materialien, Bd. 1-3, E., 1956-75; sein, Oper und Ballett Armeniens, M., 1966; Arkhimovich L., Ukrainische klassische Oper, K., 1957; Gozenpud A., Musiktheater in Russland. Von den Ursprüngen bis Glinka, L., 1959; von ihm, Russisches Sowjetisches Operntheater, L., 1963; sein, Russisches Operntheater des 19. Jahrhunderts, Bd. 1-3, L., 1969-73; sein, Russisches Operntheater an der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts und F. I. Schaljapin, L., 1974; sein, Russisches Opernhaus zwischen zwei Revolutionen, 1905-1917, L., 1975; Ferman V. E., Opera House, M., 1961; Bernandt G., Wörterbuch der erstmals im vorrevolutionären Russland und der UdSSR (1736-1959) aufgeführten oder veröffentlichten Opern, M., 1962; Khokhlovkina A., Westeuropäische Oper. Ende des 18. – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Essays, M., 1962; Smolsky B. S., Weißrussisches Musiktheater, Minsk, 1963; Livanova T.N., Opernkritik in Russland, Bd. 1-2, Nr. 1-4 (Ausgabe 1 gemeinsam mit V.V. Protopopov), M., 1966-73; Konen V., Theater und Symphonie, M., 1968, 1975; Fragen der Operndramaturgie, (Sammlung), Herausgeber-Compiler. Yu. Tyulin, M., 1975; Danko L., Komische Oper im 20. Jahrhundert, L.-M., 1976.

Jede der Künste hat bestimmte Genres, in dem Schöpfer ihre künstlerischen Ideen kleiden. Einige von ihnen eignen sich am besten für die Umsetzung grandioser, wie man heute sagt, Projekte, für große Maßstäbe und monumentale Formen, andere – um intime Gefühle auszudrücken. Die falsche Wahl des Genres oder der Form, in der er seine Idee umsetzen möchte, kann für den Schöpfer zu Enttäuschungen führen. Natürlich ist es wunderbar, wenn ein kleines Formular großen Inhalt enthält. In solchen Fällen ist es üblich zu sagen: Kürze ist die Schwester des Talents, oder – wie Shakespeare in Hamlet sagt – „Kürze ist die Seele des Geistes“, aber es ist schlecht, wenn im Gegenteil nicht genug Inhalt vorhanden ist für die gewählte Großform...

Alexander Maikapar

Musikrichtungen: Oper

Jede der Künste hat spezifische Genres, in denen Schöpfer ihre künstlerischen Ideen zum Ausdruck bringen. Einige von ihnen eignen sich am besten für die Umsetzung grandioser, wie man heute sagt, Projekte, für große Maßstäbe und monumentale Formen, andere – um intime Gefühle auszudrücken. Die falsche Wahl des Genres oder der Form, in der er seine Idee umsetzen möchte, kann für den Schöpfer zu Enttäuschungen führen. Natürlich ist es wunderbar, wenn ein kleines Formular großen Inhalt enthält. In solchen Fällen ist es üblich zu sagen: Kürze ist die Schwester des Talents, oder – wie Shakespeare in Hamlet sagt – „Kürze ist die Seele des Geistes“, aber es ist schlecht, wenn im Gegenteil nicht genug Inhalt vorhanden ist für die gewählte Großform.

Zwischen einzelnen Genres unterschiedlicher Kunstgattungen lassen sich Parallelen ziehen. Die Oper ähnelt also in gewissem Sinne einem Roman oder dramatisches Werk(häufiger - Tragödien; und Sie können Beispiele für Opern nennen, die auf den Texten berühmter Tragödien basieren - „Othello“ von Shakespeare und Verdi). Eine weitere Parallele ist das musikalische Genre des Präludiums und des lyrischen Gedichts sowie in der bildenden Kunst die Zeichnung. Vergleiche können problemlos fortgesetzt werden.

Es ist uns wichtig, hier darauf zu achten, dass solche Parallelen Ähnlichkeiten in Formen und sogar technischen Techniken, der Identität der Arbeit mit Volumina und Massen enthalten: für einen Komponisten – Klänge, für einen Künstler – Farben. In der vorgeschlagenen Reihe von Aufsätzen zu Musikgenres werden wir versuchen, komplexe musikalische Konzepte und Begriffe zu vermeiden, ohne jedoch einige Spezifika preiszugeben musikalische Besonderheiten wir kommen nicht durch.

Viele klassische und romantische Opern seit der Zeit Lullys enthielten eingefügte Ballettszenen. Eine dieser Episoden wurde in seinem Gemälde von E. Degas dargestellt. Die ephemeren Tänzer auf der Bühne stehen in scharfem Kontrast zu den Orchestermusikern und Zuschauern im Parkett, darunter auch die Freunde des Künstlers – der Sammler Albert Hesht und der Amateurkünstler Viscount Lepic, den der Künstler mit nahezu fotografischer Präzision porträtierte. Impressionismus und Realismus waren eng miteinander verbunden. Bei all ihren Unterschieden könnten sie in einem Bild vereint werden.

Das ägyptische Thema von Verdis Oper Aida ist auf der Titelseite der Erstausgabe der Oper, herausgegeben von G., anschaulich dargestellt. Ricordi e C.“ in Mailand. Die Publikationen des Unternehmens wurden in ganz Europa verbreitet. Aus den Erinnerungen von Professor S. Maykapar über seine musikalische Jugend in Taganrog (Anfang der 80er Jahre des 19. Jahrhunderts): G. Molla, ein italienischer Lehrer, „außerhalb des Unterrichts kam er sehr gerne zu mir oder lud mich zu sich nach Hause ein.“ Ich wollte mit mir nur lernen, dass neue Opern von Verdi herauskamen. Die Clavierauszugi (Klavierbearbeitungen) dieser Opern bestellte er direkt aus Mailand beim Ricordi-Verlag. So gingen wir mit ihm die Opern „Aida“, „Othello“, „Falstaff“ eingehend durch.

Die erste Produktion von Carmen war kein Erfolg. Dem Autor wurde Unmoral vorgeworfen. Tschaikowsky war einer der ersten, der die Musik von „Carmen“ zu schätzen wusste. „Bizets Oper“, schrieb er, „ist ein Meisterwerk, eines der wenigen Dinge, die dazu bestimmt sind, die musikalischen Bestrebungen einer ganzen Ära am besten widerzuspiegeln.“ In zehn Jahren wird „Carmen“ die beliebteste Oper der Welt sein.“ Tschaikowskys Worte erwiesen sich als prophetisch.

Die Werke des berühmten italienischen Komponisten Giacomo Puccini wurden von dem bereits erwähnten G. Ricordi veröffentlicht. „Tosca“ (1900) ist eine der Repertoireopern in Theatern auf der ganzen Welt. Das Erstellen von Medleys, Paraphrasen oder Fantasien zu den Themen Ihrer Lieblingsopern hat eine Tradition, die bis ins 18. Jahrhundert zurückreicht.

„Wolfsschlucht“. Während Kaspar auf Max wartet, schließt er eine Vereinbarung mit dem dämonischen Jäger Samiel, an den er sein Leben verkauft. Doch dann bietet er stattdessen Max an. Der Geist antwortet geheimnisvoll: „Er oder du.“ Zu diesem Zeitpunkt steigt Max vom Gipfel in die Schlucht hinab, wird vom Schatten seiner Mutter festgehalten, doch Samiel ruft den Geist von Agatha herbei und Max steigt nach einigem Zögern hinab. Max macht sich daran, aus dem von Kaspar gelieferten Material sieben Zauberkugeln herzustellen. Sie sind von höllischen Visionen umgeben. Bei der letzten, tödlichen Kugel erscheint der Geist von Samiel und beide Jäger fallen vor Entsetzen halbtot zu Boden.

A. Borodin hatte keine Zeit, die Arbeit an der Oper abzuschließen.

Dieses Meisterwerk der Opernkunst wurde von den Freunden des Komponisten – N. Rimsky-Korsakov und A. Glasunow – zur Aufführung und Veröffentlichung vorbereitet. Letzterer zeichnete die Ouvertüre der Oper auswendig auf.

Die Oper wurde vom russischen Philanthrop M.P. herausgegeben. Belyaev, Gründer des Musikverlags Edition M.P. BELAFF, Leipzig.“

Aus den Memoiren von N. Rimsky-Korsakov: M. P. Belyaev „war ein Philanthrop, aber kein Philanthrop-Herr, der nach Lust und Laune Geld in die Kunst warf und im Wesentlichen nichts dafür tat.“ Natürlich hätte er, wenn er nicht reich gewesen wäre, das, was er tat, nicht für die Kunst tun können, aber in dieser Angelegenheit stand er sofort auf edlem, festem Boden. Er wurde Konzertunternehmer und Verleger russischer Musik, ohne sich einen Nutzen für sich selbst zu versprechen, sondern spendete im Gegenteil riesige Summen dafür und verheimlichte seinen Namen bis zur letzten Gelegenheit.“

Kurze Definition

Die Welt der Oper...

Wie viele Komponisten, wie viele Generationen von Zuhörern, in wie vielen Ländern hat diese Welt mit ihren Reizen fasziniert! Wie viele größte Meisterwerke gibt es auf dieser Welt! Welche Vielfalt an Handlungssträngen, Formen und Methoden der szenischen Verkörperung der eigenen Bilder bietet diese Welt der Menschheit!

Oper ist mit Abstand das schwierigste Musikgenre. In der Regel nimmt es einen kompletten Theaterabend in Anspruch (obwohl es sogenannte einaktige Opern gibt, die meist zu zweit in einer Theateraufführung aufgeführt werden). Teilweise wird das gesamte Opernkonzept des Komponisten an mehreren Abenden umgesetzt, die jeweils über den traditionellen Rahmen einer Opernaufführung hinausgehen. Gemeint ist die Tetralogie (also eine Aufführung von vier Opern) von Richard Wagner „Der Ring des Nibelungen“ mit ihren vier eigenständigen Opernaufführungen: der Prolog – „Das Rheingold“, der erste Tag – „Die Walküre“, der zweite Tag – „Siegfried“, der dritte Tag – „Tod der Götter“. Es ist nicht verwunderlich, dass eine solche Schöpfung in ihrem Ausmaß zu Schöpfungen des menschlichen Geistes wie Michelangelos Gemälde der Decke der Sixtinischen Kapelle oder Balzacs „Menschlicher Komödie“ (98 Romane und Kurzgeschichten – „Studien zur Moral“) gezählt wird. ).

Da wir schon so weit gekommen sind, reden wir doch mal über Wagner. Im Buch des amerikanischen Musikwissenschaftlers Henry Simon „One Hundred Great Operas“, das wir für Opernliebhaber in unserem Land übersetzen und veröffentlichen durften, heißt es diese Tetralogie scharf und aphoristisch: „Der Ring des Nibelungen“ – größte Arbeit Kunst, die jemals von einer Person geschaffen wurde, oder – andernfalls – die kolossalste Langweile, oder – dennoch – die Frucht extremer Gigantomanie. Genau so wird diese Tetralogie immer wieder charakterisiert, und diese Beinamen schließen sich keineswegs gegenseitig aus. Die Entstehung dieser Kreation – Text, Musik und Vorbereitung der Uraufführung – dauerte 28 Jahre. Zwar legte Wagner in dieser Zeit eine Pause von der Arbeit an „Der Ring“ ein, teilweise zeitgleich mit der Entstehung von „Siegfried“. Um sich ein wenig abzulenken und durchzuatmen, komponierte er in dieser Zeit auch zwei seiner Meisterwerke – „Tristan“ und „Die Meistersinger“.

Bevor wir auch nur kurz den historischen Weg der Oper beschreiben – eine ausführliche Geschichte über die Oper würde einen großen Buchband oder sogar mehr als einen beanspruchen – versuchen wir, eine kurze Definition dessen zu geben, was die Oper als Musical ist bzw. was sie geworden ist Genre.

Italienisches Wort Oper kommt aus dem Lateinischen und bedeutet im weitesten Sinne „Werk“, also „Schöpfung“, im literarischen und musikalischen Sinne bedeutet es „Komposition“. Lange vor der Oper, einem Musikgenre, wurde dieses Wort verwendet, um ein literarisches Werk, vor allem philosophischer und theologischer Natur, zu bezeichnen, als es vollständig veröffentlicht wurde – Opera Omnia. Solche Werke stellten das komplexeste literarische Genre dar (zum Beispiel die Summa Theologica von Thomas von Aquin). Das komplexeste Werk in der Musik ist genau die Oper – ein Bühnenwerk, das Musik (Gesang und Instrumental), Poesie, Drama, Szenografie (bildende Kunst) vereint. Somit trägt die Oper ihren Namen zu Recht.

Start

Wenn wir zumindest in gepunkteten Linien die Entwicklungsstadien der Oper als Musikgenre skizzieren würden, würde unser Aufsatz zu einer bloßen Auflistung der Namen der Komponisten, der Namen ihrer Opernschöpfungen und der Theater werden, in denen diese Meisterwerke aufgeführt wurden erblickte zum ersten Mal das Licht der Bühne. Darüber hinaus wären von den Namen, wie man leicht erraten kann, die Größten zu nennen: Monteverdi, Pergolesi, Lully, Gluck, Mozart, Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Wagner, Verdi, Puccini, Richard Strauss... Das sind nur westliche Komponisten . Und die Russen! Wir werden jedoch später darüber sprechen.

Aber es ist immer noch notwendig, etwas über die erste Oper und den ersten Opernkomponisten zu sagen, der sich zufällig als solcher herausstellte. Dazu müssen wir uns gedanklich in die Heimat dieser Musikrichtung versetzen – nach Italien, genauer gesagt nach Florenz am Ende des 16. Jahrhunderts. Die Oper wurde hier und zu dieser Zeit geboren.

Zu dieser Zeit herrschte in Italien eine außergewöhnliche Leidenschaft für Akademien, also freie (von Stadt- und Kirchenbehörden) Gesellschaften, die Philosophen, Wissenschaftler, Dichter, Musiker, Adlige und aufgeklärte Amateure vereinten. Der Zweck solcher Gesellschaften bestand darin, die Wissenschaften und Künste zu fördern und weiterzuentwickeln. Die Akademien genossen die finanzielle Unterstützung ihrer Mitglieder (von denen die meisten aristokratischen Kreisen angehörten) und standen unter der Schirmherrschaft der fürstlichen und herzoglichen Höfe. Im XVI–XVII Jahrhundert. In Italien gab es über tausend Akademien. Eine davon war die sogenannte Florentiner Camerata. Es entstand 1580 auf Initiative von Giovanni Bardi, Graf von Vernio. Zu seinen Mitgliedern zählen Vincenzo Galilei (Vater des berühmten Astronomen), Giulio Caccini, Jacopo Peri, Pietro Strozzi, Girolamo Mei, Ottavio Rinuccini, Jacopo Corea und Cristofano Malvezzi. Sie interessierten sich besonders für die Kultur der Antike und die Probleme des Stils der antiken Musik. Auf dieser Grundlage entstand die Oper, die noch nicht Oper genannt wurde (der Begriff „Oper“ in unserem Verständnis tauchte erstmals 1639 auf), sondern definiert wurde als Drama pro Musik(wörtl.: „Drama durch Musik“, genauer gesagt „Drama (vertont) mit Musik“). Mit anderen Worten: Die Komponisten der Florentiner Camerata waren von der Idee, antike griechische Musik und Drama zu rekonstruieren, fasziniert und dachten überhaupt nicht an das, was wir heute Oper nennen. Doch aus Versuchen, ein solches (pseudo-)antikes Drama zu schaffen, entstand 1597 oder 1600 die Oper.

Unterschiedliche Daten – denn alles hängt davon ab, was als erste Oper gilt: das Jahr, in dem die erste entstand, aber verloren, oder Jahr eins erreicht aus der Oper. Es ist bekannt, dass die Verlorene „Daphne“ war und diejenige, die uns überliefert ist, „Eurydike“ war. Es wurde am 6. Oktober 1600 anlässlich der Hochzeit von Marie de Medici und dem französischen König Heinrich IV. im Palazzo Pitti prächtig inszeniert. Die Weltmusikgemeinschaft feierte im Jahr 2000 das vierhundertjährige Jubiläum der Oper. Schöne Zahlen! Diese Entscheidung ist wahrscheinlich gerechtfertigt. Darüber hinaus gehören beide Opern – „Daphne“ und „Euridice“ – demselben Komponisten Jacopo Peri (die zweite schrieb er in Zusammenarbeit mit Giulio Caccini).

Ebenso wie bei der Auflistung der Namen von Opernkomponisten erwartet uns grenzenloses Material, wenn wir die verschiedenen Arten und Richtungen des Opernschaffens beschreiben wollen, um alle Innovationen zu charakterisieren, die jeder der großen Opernschöpfer mit sich brachte. Wir müssen zumindest die Hauptarten der Oper erwähnen – die sogenannte „ernsthafte“ Oper ( Opernreihe) und komische Oper ( Opera Buffa). Dies sind die ersten Operngattungen, die im 17.–18. Jahrhundert entstanden; aus ihnen entstand später (im 19. Jahrhundert) das „Operendrama“ ( große Oper) und komische Oper der Romantik (die sich dann nahtlos in eine Operette verwandelte).

Wie offensichtlich und klar diese Entwicklung der Operngattungen für Musiker ist, zeigt die witzige Bemerkung eines geistreichen Musikers: „Wenn „Der Barbier von Sevilla“ [Rossini] im Theater gezeigt wird drei Bitte beachten Sie, dass dies zum Zweck des Theaterbuffets geschah.“ Um diesen Witz zu verstehen, müssen Sie wissen, dass „Der Barbier von Sevilla“ eine komische Oper ist, die Erbin der Traditionen Opera Buffa. A Opera Buffa Zunächst (in Italien im 18. Jahrhundert) war es als unterhaltsame Aufführung für die Zuhörer zur Entspannung in den Pausen gedacht Opernreihe, welche es bestand damals immer aus drei Akten. Daher ist es leicht zu verstehen, dass es in einer Aufführung in drei Akten zwei Pausen gab.

Die Geschichte der Musik hat uns die Umstände der Geburt des Ersten bewahrt Opera Buffa. Sein Autor war der sehr junge Giovanni Battista Pergolesi. 1733 schuf der Komponist seine nächste „ernsthafte Oper“ – „Der stolze Gefangene“. Wie die anderen fünf Opern Serie, das er in den vier Jahren seiner Karriere als Opernkomponist komponierte, war kein Erfolg, sondern ein Misserfolg.

Als zwei Intermezzo Pergolesi habe, wie man sagt, unbedacht eine lustige Geschichte geschrieben, für die man nur eine Sopranistin, einen Bass und einen Pantomimen brauchte (eine solche Besetzung ist für solche Zwischenspiele zur Tradition geworden). So entstand die Musikform, die als bekannt wurde Opera Buffa, das eine lange und ehrenvolle Geschichte hatte, und sein klassisches Beispiel – „The Maid-Mistress“ – hatte ein ehrenvolles und ebenso langes Bühnenleben.

Pergolesi starb 1736 im Alter von 26 Jahren. Er erfuhr nie, dass zehn Jahre später, als eine italienische Firma sein kleines Werk in Paris aufführte, es einen Opernkrieg auslöste, der als „Buffon-Krieg“ bekannt wurde. Rameau und Lully wurden weithin verehrt und komponierten dann majestätische und pathetische Werke, die von Intellektuellen wie Rousseau und Diderot kritische Kritiken erhielten. Die „Dienerin“ gab ihnen eine Waffe, um die vom König bevorzugte formelle Musikunterhaltung anzugreifen. Übrigens bevorzugte die Königin damals musikalische Rebellen. Das Ergebnis dieses Krieges waren mindestens sechzig Broschüren zu diesem Thema, die ein Erfolg wurden Opera Buffa Rousseau selbst, genannt „Der Dorfzauberer“ (es wurde zum Vorbild für Mozarts „Bastien et Bastienne“), und fast zweihundert Aufführungen von Pergolesius‘ Meisterwerk.

Glucks Grundprinzipien

Betrachtet man die Oper aus der Sicht des Repertoires, das als traditionell für die klassischen Opernhäuser der Welt gelten kann, dann werden in ihren ersten Zeilen nicht die Werke der Klassiker des 18. Jahrhunderts wie Händel, Alessandro Scarlatti enthalten sein und ihre zahlreichen, aktiv arbeitenden Zeitgenossen und Anhänger, sondern ein Komponist, der seinen Blick konsequent auf die dramatische Wahrhaftigkeit des Bühnengeschehens richtete. Dieser Komponist war Gluck.

Es ist anzumerken, dass man bei der Charakterisierung nationaler Opernschulen natürlich auch über Deutschland in der Mitte des 18. Jahrhunderts sprechen sollte, aber hier wird sich herausstellen, welches Werk auch immer erwähnenswert ist, es wird sich mit Sicherheit als solches herausstellen entweder ein italienischer Komponist, der in Deutschland arbeitete, oder ein Deutscher, der in Italien studierte und in der italienischen Tradition und in der italienischen Sprache schrieb. Darüber hinaus waren die ersten Werke von Gluck selbst genau das: Er studierte in Italien und seine frühen Opern wurden für italienische Opernhäuser geschrieben. Doch irgendwann änderte Gluck seine Meinung schlagartig und betrat die Oper mit einem hochgehaltenen Banner, auf dem stand: „Zurück ins Jahr 1600!“ Mit anderen Worten: Nach vielen Jahren der Pflege aller möglichen Konventionen sollte die Oper wieder einmal zu „ Drama pro Musik».

Glucks Grundprinzipien lassen sich (basierend auf dem Vorwort des Autors zu Alceste) wie folgt zusammenfassen:

a) Musik sollte der Poesie und dem Drama untergeordnet sein und sie nicht durch unnötige Ausschmückungen schwächen; Es sollte in Bezug auf ein poetisches Werk die gleiche Rolle spielen wie die Helligkeit der Farben und die gute Verteilung von Licht und Schatten in Bezug auf eine gute und genaue Zeichnung und dazu dienen, die Figuren zu beleben, ohne ihre Konturen zu verändern.

b) all jene Exzesse, gegen die der gesunde Menschenverstand und die Gerechtigkeit protestieren sollten, beseitigt werden; Der Schauspieler sollte seinen leidenschaftlichen Monolog nicht unterbrechen und darauf warten, dass das absurde Ritornell erklingt, oder ein Wort unterbrechen, um seine schöne Stimme auf einem geeigneten Vokal zu demonstrieren;

c) die Ouvertüre soll dem Publikum die Handlung erläutern und als einführender Überblick über den Inhalt dienen;

d) die Orchestrierung sollte sich entsprechend dem Interesse und der Leidenschaft der vom Schauspieler gesprochenen Worte ändern;

e) Unangemessene Zäsuren zwischen Rezitativen und Arien sollten vermieden werden, da sie die Periode lahmlegen und der Handlung ihre Kraft und Helligkeit nehmen.

Gluck erscheint also als großer Reformator der Oper. Er war ein Deutscher, und von ihm geht die Entwicklungslinie der Oper aus, die über Mozart zu Weber und dann zu Wagner führt.

Doppeltalent

Die vielleicht beste Charakterisierung Wagners bleiben die Worte von Franz Liszt über ihn (die wir in der Übersetzung des bemerkenswerten russischen Komponisten und Musikkritikers Alexander Serov präsentieren): „Als äußerst seltene Ausnahme auf dem Gebiet der musikalischen Figuren vereint Wagner in sich.“ ein Doppeltalent: ein Dichter der Töne und ein Dichter der Worte, Autor Musik in Oper und Autor Libretto, was gibt Außergewöhnliches Einheit seine dramatischen und musikalischen Erfindungen.<...>Alle Künste, so Wagners Theorie, sollten im Theater vereint sein und in solch künstlerisch ausgewogener Übereinstimmung ein Ziel anstreben – einen gemeinsamen bezaubernden Eindruck. Es ist unmöglich, Wagners Musik zu diskutieren, wenn man in ihr nach der gewöhnlichen Operntextur, der gewöhnlichen Verteilung von Arien, Duetten, Romanzen und Ensembles suchen möchte. Hier ist alles untrennbar miteinander verbunden, vereint durch den Organismus des Dramas. Der Gesangsstil in den meisten Szenen ist ebenso weit vom routinemäßigen Rezitativ entfernt wie von den gemessenen Phrasen italienischer Arien. Das Singen wird bei Wagner zur natürlichen Sprache im dichterischen Bereich, die die dramatische Handlung nicht (wie in anderen Opern) stört, sondern im Gegenteil unvergleichlich steigert. Aber während die Charaktere ihre Gefühle in einer majestätisch einfachen Deklamation zum Ausdruck bringen, dient Wagners reiches Orchester als Echo der Seele dieser Charaktere, ergänzt und vervollständigt das, was wir sagen wir hören Und wir sehen auf der Bühne."

Russische Schule

Im 19. Jahrhundert erlangte die russische Opernschule Reife und Unabhängigkeit. Zu dieser Zeit wurde ein wunderbarer Boden für sein Gedeihen vorbereitet. Die ersten russischen Opern, die Ende des 18. Jahrhunderts erschienen, waren in erster Linie dramatische Stücke mit musikalischen Episoden während der Handlung. Russische Komponisten jener Zeit haben vieles von den Italienern und Franzosen übernommen. Aber sie wiederum haben nach ihrem Besuch in Russland einen Großteil des russischen Musiklebens in ihrer Arbeit wahrgenommen und aufgenommen.

Der Begründer der russischen Opernklassiker war M.I. Glinka. Seine beiden Opern – das historisch-tragische „Leben für den Zaren“ (Iwan Susanin, 1836) und das Märchenepos „Ruslan und Ljudmila“ (1842) – legten den Grundstein für zwei wichtigste Strömungen im russischen Musiktheater: das historische Oper und magisch-epische Oper.

Nach Glinka betrat Alexander Dargomyzhsky das Opernfeld. Sein Weg als Opernkomponist begann mit der Oper „Esmeralda“ von V. Hugo (inszeniert 1847). Seine künstlerischen Hauptleistungen waren jedoch die Opern „Rusalka“ (1855) und „Der steinerne Gast“ (1866–1869). „Rusalka“ ist die erste russische alltägliche lyrische und psychologische Oper. Dargomyzhsky verspürte wie Wagner das Bedürfnis, die Oper zu reformieren, um sich von Konventionen zu befreien und eine vollständige Verschmelzung von Musik und dramatischer Handlung zu erreichen. Aber im Gegensatz zum großen Deutschen konzentrierte er seine Bemühungen auf die Suche nach der wahrhaftigsten Verkörperung der Intonationen der lebendigen menschlichen Sprache in der Stimmmelodie.

Eine neue Etappe in der Geschichte der russischen Oper – die 60er Jahre des 19. Jahrhunderts. Dies ist die Zeit, in der Werke von Komponisten aus dem Balakirev-Kreis, der sogenannten „Mächtigen Handvoll“, und Tschaikowsky auf der russischen Bühne erscheinen. Mitglieder des Balakirev-Kreises waren A.P. Borodin, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakow. Die Opernschöpfungen dieser Komponisten bilden den goldenen Fundus der russischen und weltweiten Opernkunst.

Das 20. Jahrhundert brachte – sowohl in Russland als auch im Westen – eine erhebliche Vielfalt in die Operngattungen ein, aber wir müssen zugeben, dass das vierte Jahrhundert der Operngeschichte nicht mit so großartigen und zahllosen Werken aufwarten kann wie in den Jahrhunderten zuvor. Mal sehen, was im fünften Jahrhundert passiert ...

Wie die Oper beginnt...

Ganz gleich, welcher künstlerischen Strömung eine bestimmte Oper angehört, sie beginnt immer mit einer Ouvertüre. Letzteres enthält in der Regel den Schlüssel musikalische Ideen Die Oper, ihre Hauptmotive, charakterisiert ihre Charaktere durch rein Orchestermittel. Die Ouvertüre ist die „Visitenkarte“ der Oper. Wir schließen unser Gespräch über die Oper mit einer Diskussion darüber ab, wie die Oper beginnt. Und wir erteilen dem geistreichsten aller Komponisten das Wort – Gioachino Rossini.

Als ihn ein junger Komponist fragte, ob es besser sei, eine Ouvertüre zu schreiben, bevor man eine Oper komponierte oder nachdem man sie fertiggestellt hatte, nannte Rossini sechs Möglichkeiten, wie er Ouvertüren schrieb:

1. Ich schrieb die Ouvertüre zu „Othello“ in einem kleinen Raum, in dem mich eine der grausamsten Theaterregisseure, Barbaria, mit einem Teller Nudeln einsperrte; er sagte, dass er mich erst rauslassen würde, wenn die letzte Note der Ouvertüre geschrieben sei.

2. Die Ouvertüre zu „Die diebische Elster“ habe ich direkt am Tag der Opernpremiere hinter den Kulissen der Mailänder Scala geschrieben. Der Regisseur stellte mich unter die Obhut von vier Bühnenarbeitern, denen befohlen wurde, die Manuskriptblätter einzeln den Kopisten unten im Orchestergraben zuzuwerfen. Als das Manuskript Seite für Seite umgeschrieben wurde, wurde es an den Dirigenten geschickt, der die Musik einstudierte. Wenn es mir nicht gelungen wäre, die Musik bis zur festgesetzten Stunde zu komponieren, hätten meine Wachen mich anstelle der Blätter den Schreibern vorgeworfen.

3. Im Fall der Ouvertüre zum Barbier von Sevilla, die ich überhaupt nicht geschrieben habe, kam ich leichter aus der Situation heraus; Stattdessen habe ich die Ouvertüre zu meiner Oper „Elizabeth“ verwendet, die eine sehr ernste Oper ist, während „Der Barbier von Sevilla“ eine komische Oper ist.

4. Ich habe die Ouvertüre zu „Graf Ory“ komponiert, als ich mit einem Musiker, einem Spanier, beim Angeln war, der ständig über die politische Situation in seinem Land plauderte.

5. Ich komponierte die Ouvertüre zu Wilhelm Tell in einer Wohnung am Boulevard Montmartre, wo Tag und Nacht Menschenmassen rauchten, tranken, redeten, sangen und mir in den Ohren klingelten, während ich an der Musik arbeitete.

6. Ich habe nie eine Ouvertüre zu meiner Oper „Moses“ komponiert; und das ist die einfachste aller Methoden.

Diese witzige Aussage des berühmten Opernkomponisten führte uns natürlich zu mehr ausführliche Geschichteüber die Ouvertüre - ein Musikgenre, das wunderbare Beispiele geliefert hat. Die Geschichte dazu finden Sie im nächsten Aufsatz der Reihe.

Basierend auf Materialien aus der Zeitschrift „Art“ Nr. 02/2009

Auf dem Plakat: Boris Godunov – Ferruccio Furlanetto. Foto von Damir Yusupov

Oper(italienische Oper – Geschäft, Arbeit, Arbeit; von lateinisch Oper – Werk, Produkt, Werk) – eine Gattung der Musik- und Theaterkunst, in der der Inhalt durch musikalische Dramaturgie, hauptsächlich durch Vokalmusik, verkörpert wird. Die literarische Grundlage der Oper ist das Libretto.

Geschichte des Genres

Die Oper erschien in Italien in Mysterien, also geistlichen Darbietungen, bei denen gelegentlich Musik eingeführt wurde, auf einem niedrigen Niveau. Spirituelle Komödie: „Bekehrung des Hl. Paul“ (1480) von Beverini stellt ein ernsteres Werk dar, in dem Musik die Handlung vom Anfang bis zum Ende begleitet. In der Mitte des 16. Jahrhunderts erfreuten sich Hirten- oder Hirtenspiele großer Beliebtheit, bei denen die Musik auf Chöre beschränkt war und den Charakter einer Motette oder eines Madrigals hatte. In Orazio Vecchis Amfiparnasso diente der Chorgesang hinter der Bühne in Form eines fünfstimmigen Madrigals dazu, die Auftritte der Schauspieler auf der Bühne zu begleiten. Diese Commedia armonica wurde erstmals 1597 am Hof ​​von Modena aufgeführt.

Ende des 16. Jahrhunderts brachten Versuche, in solchen Werken monophonen Gesang (Monodie) einzuführen, die Oper auf den Weg, auf dem ihre Entwicklung schnell voranschritt. Die Autoren dieser Versuche nannten ihre musikalischen und dramatischen Werke Drama in Musica oder Drama per Musica; Der Name „Oper“ wurde für sie in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts verwendet. Später griffen einige Opernkomponisten, zum Beispiel Richard Wagner, wieder auf die Bezeichnung „Musikdrama“ zurück.

Das erste Opernhaus für öffentliche Aufführungen wurde 1637 in Venedig eröffnet; zuvor diente die Oper nur der höfischen Unterhaltung. Die erste große Oper kann als „Daphne“ von Jacopo Peri angesehen werden, die 1597 aufgeführt wurde. Die Oper verbreitete sich bald nach Italien und dann im übrigen Europa. In Venedig sind seit der Eröffnung der öffentlichen Aufführungen innerhalb von 65 Jahren 7 Theater entstanden; 357 Opern wurden für sie von verschiedenen Komponisten geschrieben (bis zu 40). Die Pioniere der Oper waren: in Deutschland – Heinrich Schütz (Daphne, 1627), in Frankreich – Camber (La pastorale, 1647), in England – Purcell; in Spanien erschienen die ersten Opern zu Beginn des 18. Jahrhunderts; In Russland schrieb Araya als erster eine Oper („Mullet and Procris“) auf der Grundlage eines unabhängigen russischen Textes (1755). Die erste russische Oper, die in russischer Manier geschrieben wurde, ist „Tanyusha oder Happy Meeting“, Musik von F. G. Volkov (1756).

Varietés der Oper

Historisch gesehen haben sich bestimmte Formen der Opernmusik entwickelt. Zwar gibt es einige allgemeine Muster der Operndramaturgie, doch werden alle ihre Bestandteile je nach Operngattung unterschiedlich interpretiert.

Grand Opera (Opera Seria – Italienisch, Trag „Edie Lyrique, später Grand-Op“-Ära – Französisch),

halbkomisch (semiserie),

komische Oper (Opera-Buffa - Italienisch, Op"era-Comique - Französisch, Spieloper - Deutsch),

romantische Oper mit romantischer Handlung.

In der komischen Oper, deutsch und französisch, ist der Dialog zwischen Musiknummern erlaubt. Es gibt auch ernste Opern, in die beispielsweise Dialoge eingefügt werden. „Fidelio“ von Beethoven, „Medea“ von Cherubini, „The Magic Shooter“ von Weber.

Opern für Leistung der Kinder(zum Beispiel die Opern von Benjamin Britten – „Der kleine Schornsteinfeger“, „Die Arche Noah“, die Opern von Lev Konov – „König Matt der Erste“, „Asgard“, „Das hässliche Entlein“, „Kokinwakashu“).

Elemente der Oper

Oper ist ein synthetisches Genre, das in einer einzigen Theaterhandlung vereint ist verschiedene Arten Künste: Theater, Musik, Bildende Kunst (Bühnenbild, Kostüme), Choreografie (Ballett).

Das Opernensemble besteht aus: Solist, Chor, Orchester, Militärkapelle, Orgel. Opernstimmen: (weiblich: Sopran, Mezzosopran, Alt; männlich: Countertenor, Tenor, Bariton, Bass).

Ein Opernwerk ist in Akte, Bilder, Szenen und Nummern unterteilt. Vor den Akten gibt es einen Prolog, am Ende der Oper gibt es einen Epilog.

Teile eines Opernwerks – Rezitative, Arioso, Lieder, Arien, Duette, Trios, Quartette, Ensembles usw. Von symphonischen Formen – Ouvertüre, Einleitung, Pausen, Pantomime, Melodram, Prozessionen, Ballettmusik.

Die Charaktere der Charaktere kommen in Solonummern (Arie, Arioso, Arietta, Cavatina, Monolog, Ballade, Lied) am deutlichsten zum Ausdruck. Das Rezitativ hat in der Oper verschiedene Funktionen – Musik, Intonation und rhythmische Wiedergabe der menschlichen Sprache. Oft verbindet er (handlungstechnisch und musikalisch) einzelne abgeschlossene Nummern; ist oft ein wirksamer Faktor in der musikalischen Dramaturgie. In einigen Genres der Oper, hauptsächlich komödiantischen Genres, wird Umgangssprache anstelle von Rezitativ verwendet, normalerweise in Dialogen.

Der Bühnendialog, der Schauplatz einer dramatischen Aufführung in einer Oper, entspricht einem musikalischen Ensemble (Duett, Trio, Quartett, Quintett etc.), dessen Besonderheiten es ermöglichen, Konfliktsituationen zu schaffen, nicht nur deren Entwicklung zu zeigen Action, aber auch das Aufeinandertreffen von Charakteren und Ideen. Daher treten Ensembles häufig in den Höhepunkt- oder Schlussmomenten einer Opernhandlung auf.

Der Chor in der Oper wird unterschiedlich interpretiert. Es kann sich um einen Hintergrund handeln, der nichts mit der Haupthandlung zu tun hat; manchmal eine Art Kommentator des Geschehens; Seine künstlerischen Fähigkeiten ermöglichen es, monumentale Bilder des Volkslebens zu zeigen und die Beziehung zwischen dem Helden und den Massen aufzuzeigen (zum Beispiel die Rolle des Chors in den Volksmusikdramen von M. P. Mussorgsky „Boris Godunow“ und „Khovanshchina“). .

In der musikalischen Dramaturgie der Oper kommt dem Orchester eine große Rolle zu; symphonische Ausdrucksmittel dienen der besseren Darstellung der Bilder. Die Oper enthält auch eigenständige Orchesterepisoden – Ouvertüre, Pause (Einleitung in einzelne Akte). Ein weiterer Bestandteil einer Opernaufführung sind Ballett, choreografische Szenen, in denen plastische Bilder mit musikalischen kombiniert werden.

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Bildungsministerium der Russischen Föderation

Staatliche Universität Magnitogorsk

Fakultät für Vorschulpädagogik

Prüfen

in der Disziplin „Musikalische Kunst“

Oper als Genre der Musikkunst

Vollendet:

Manannikova Yu.A.

Magnitogorsk 2002

1. DIE ENTSTEHUNG DES GENRE

Die Oper als Musikgenre entstand dank der Fusion zweier großer und alte Künste- Theater und Musik.

„...Oper ist eine Kunst, die aus der gegenseitigen Liebe zwischen Musik und Theater entsteht“, schreibt einer der herausragenden Opernregisseure unserer Zeit, B.A. Pokrowski. – Es ähnelt auch dem Theater, das sich in der Musik ausdrückt.“

Obwohl Musik seit der Antike im Theater verwendet wird, erschien die Oper als eigenständiges Genre erst an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Der eigentliche Name des Genres – Oper – entstand um 1605 und ersetzte schnell die früheren Namen dieses Genres: „Drama durch Musik“, „Tragödie durch Musik“, „Melodrama“, „Tragikomödie“ und andere.

Es war in diesem historischen Moment Sonderkonditionen, der der Oper Leben einhauchte. Zunächst einmal war es die belebende Atmosphäre der Renaissance.

Florenz, wo die Kultur und Kunst der Renaissance im Apennin ihre erste Blüte erlebte und wo Dante, Michelangelo und Benvenuto Cellini ihre Reise begannen, wurde zum Geburtsort der Oper.

Die Entstehung eines neuen Genres steht in direktem Zusammenhang mit der buchstäblichen Wiederbelebung des antiken griechischen Dramas. Es ist kein Zufall, dass die ersten Opernwerke Musikdramen genannt wurden.

Als sich Ende des 16. Jahrhunderts um den aufgeklärten Philanthropen Graf Bardi ein Kreis talentierter Dichter, Schauspieler, Wissenschaftler und Musiker bildete, dachte keiner von ihnen an eine Entdeckung in der Kunst, geschweige denn in der Musik. Das Hauptziel der Florentiner Enthusiasten war es, die Dramen von Aischylos, Euripides und Sophokles wieder zum Leben zu erwecken. Allerdings erforderte die Aufführung der Werke antiker griechischer Dramatiker eine musikalische Begleitung, und Beispiele dieser Musik sind nicht erhalten. Damals wurde beschlossen, eine eigene Musik zu komponieren, die (wie sich der Autor vorstellte) dem Geist des antiken griechischen Dramas entsprach. Bei dem Versuch, antike Kunst nachzubilden, entdeckten sie ein neues Musikgenre, das eine entscheidende Rolle in der Kunstgeschichte spielen sollte – die Oper.

Der erste Schritt der Florentiner bestand darin, kleine dramatische Passagen zu vertonen. Als Ergebnis wurde es geboren Monodie(jede monophone Melodie, die auf einem monophonen Bereich der Musikkultur basiert), einer der Schöpfer davon war Vincenzo Galilei, ein subtiler Experte der antiken griechischen Kultur, Komponist, Lautenist und Mathematiker, Vater des brillanten Astronomen Galileo Galilei.

Bereits die ersten Versuche der Florentiner waren von einem wiedererwachenden Interesse an den persönlichen Erlebnissen der Helden geprägt. Daher begann sich in ihren Werken anstelle der Polyphonie ein homophonisch-harmonischer Stil durchzusetzen, bei dem der Hauptträger des musikalischen Bildes eine Melodie ist, die sich in einer Stimme entwickelt und von einer harmonischen (Akkord-)Begleitung begleitet wird.

Es ist sehr charakteristisch, dass von den ersten Opernexemplaren verschiedener Komponisten drei auf derselben Handlung basieren: Sie basieren auf dem griechischen Mythos von Orpheus und Eurydike. Die ersten beiden Opern (beide Euridice genannt) gehörten den Komponisten Peri und Caccini. Allerdings erwiesen sich beide Musikdramen im Vergleich zu Claudio Monteverdis Oper Orpheus, die 1607 in Mantua erschien, als sehr bescheidene Experimente. Als Zeitgenosse von Rubens und Caravaggio, Shakespeare und Tasso schuf Monteverdi ein Werk, mit dem eigentlich die Geschichte der Opernkunst beginnt.

Monteverdi hat vieles von dem, was die Florentiner nur skizzierten, vollständig, gestalterisch überzeugend und umsetzbar gemacht. Dies war beispielsweise bei den Rezitativen der Fall, die erstmals von Peri eingeführt wurden. Diese besondere Art des musikalischen Ausdrucks der Helden sollte nach Ansicht ihres Schöpfers der Umgangssprache möglichst nahe kommen. Doch erst mit Monteverdi erlangten die Rezitative psychologische Kraft, lebendige Bilder und begannen wirklich, der lebendigen menschlichen Sprache zu ähneln.

Monteverdi schuf eine Art Arie - lamento -(Klagelied), ein brillantes Beispiel dafür war die Klage der verlassenen Ariadne aus der gleichnamigen Oper. „Ariadnes Beschwerde“ ist das einzige Fragment, das bis heute von diesem Gesamtwerk erhalten ist.

„Ariadne berührte mich, weil sie eine Frau war, Orpheus, weil er ein einfacher Mann war... Ariadne erregte wahres Leid in mir, zusammen mit Orpheus flehte ich um Mitleid...“ Mit diesen Worten brachte Monteverdi nicht nur sein schöpferisches Credo zum Ausdruck, sondern vermittelte auch die Essenz seiner Entdeckungen in der Musikkunst. Wie der Autor von Orpheus zu Recht betonte, versuchten Komponisten vor ihm, „sanfte“, „gemäßigte“ Musik zu komponieren; Er versuchte zunächst einmal, „aufgeregt“ Musik zu machen. Daher sah er seine Hauptaufgabe darin, den figurativen Bereich und die Ausdrucksmöglichkeiten der Musik maximal zu erweitern.

Das neue Genre – die Oper – musste sich erst noch etablieren. Doch von nun an wird die Entwicklung der Gesangs- und Instrumentalmusik untrennbar mit den Errungenschaften des Opernhauses verbunden sein.

2. OPERGENRES: OPERA SERIA UND OPERA BUFFA

Ursprünglich im italienischen Adelsumfeld entstanden, verbreitete sich die Oper bald in allen großen europäischen Ländern. Es wurde zu einem festen Bestandteil höfischer Feste und zu einer beliebten Unterhaltung an den Höfen des französischen Königs, des österreichischen Kaisers, der deutschen Kurfürsten, anderer Monarchen und ihrer Adligen.

Die helle Unterhaltung, die besondere Festlichkeit der Opernaufführung, beeindruckend durch die Kombination fast aller damals existierenden Künste in der Oper, fügten sich perfekt in das komplexe Zeremoniell und Leben des Hofes und der Elite der Gesellschaft ein.

Und obwohl die Oper im 18. Jahrhundert zu einer zunehmend demokratischen Kunst wurde und in Großstädten neben den Höflingen auch öffentliche Opern eröffnet wurden Opernhäuser Für das breite Publikum war es der Geschmack der Aristokratie, der mehr als ein Jahrhundert lang den Inhalt von Opernwerken bestimmte.

Das festliche Leben des Hofes und der Aristokratie zwang die Komponisten zu einer sehr intensiven Arbeit: Jede Feier und manchmal auch nur ein weiterer Empfang hochrangiger Gäste wurde sicherlich von begleitet Opernpremiere. „In Italien“, sagt der Musikhistoriker Charles Burney, „wird eine Oper, die schon einmal gehört wurde, betrachtet, als wäre sie der Kalender des letzten Jahres.“ Unter solchen Bedingungen wurden Opern eine nach der anderen „gebacken“ und erwiesen sich meist als ähnlich, zumindest was die Handlung anging.

So schrieb der italienische Komponist Alessandro Scarlatti etwa 200 Opern. Das Verdienst dieses Musikers liegt jedoch natürlich nicht in der Zahl der geschaffenen Werke, sondern vor allem darin, dass sich in seinem Werk schließlich die führende Gattung und Formen der Opernkunst des 17. – frühen 18. Jahrhunderts herauskristallisierten – ernste Oper(Opera seria).

Bedeutung des Namens Opernserie Es wird leicht klar, wenn wir uns die gewöhnliche italienische Oper dieser Zeit vorstellen. Es war eine pompöse, außerordentlich aufwändig inszenierte Aufführung mit vielfältigen beeindruckenden Effekten. Auf der Bühne wurden „echte“ Kampfszenen dargestellt, Naturkatastrophen oder außergewöhnliche Verwandlungen mythischer Helden. Und die Helden selbst – Götter, Kaiser, Generäle – verhielten sich so, dass die gesamte Aufführung beim Publikum das Gefühl wichtiger, feierlicher, sehr ernster Ereignisse hinterließ. Opernfiguren vollbrachten außergewöhnliche Leistungen, besiegten Feinde in tödlichen Schlachten und verblüfften mit ihrem außergewöhnlichen Mut, ihrer Würde und Größe. Gleichzeitig war der allegorische Vergleich der auf der Bühne so vorteilhaft präsentierten Hauptfigur der Oper mit einem hochrangigen Adligen, in dessen Auftrag die Oper geschrieben wurde, so offensichtlich, dass jede Aufführung zu einer Lobrede auf den Adligen wurde Kunde.

Oftmals wurden in verschiedenen Opern die gleichen Handlungsstränge verwendet. Beispielsweise wurden Dutzende von Opern allein zu den Themen zweier Werke geschaffen – Ariosts „Der wütende Roland“ und Tassos „Das befreite Jerusalem“.

Beliebte literarische Quellen waren die Werke von Homer und Vergil.

In der Blütezeit der Opera seria entstand ein besonderer Stil der Gesangsdarbietung – der Belcanto, der auf der Schönheit des Klangs und der virtuosen Beherrschung der Stimme basiert. Die Leblosigkeit der Handlung dieser Opern und das künstliche Verhalten der Charaktere lösten jedoch bei Musikliebhabern viele Beschwerden aus.

Die statische Struktur der Aufführung ohne dramatische Handlung machte dieses Operngenre besonders anfällig. Daher lauschte das Publikum mit großer Freude und Interesse den Arien, in denen die Sänger die Schönheit ihrer Stimmen und ihr virtuoses Können unter Beweis stellten. Auf ihren Wunsch hin wurden die Arien, die ihr gefielen, mehrmals als Zugabe wiederholt, doch die als „Last“ empfundenen Rezitative waren für die Zuhörer so uninteressant, dass sie während der Aufführung der Rezitative anfingen, laut zu sprechen. Es wurden auch andere Möglichkeiten erfunden, „die Zeit totzuschlagen“. Einer der „aufgeklärten“ Musikliebhaber des 18. Jahrhunderts riet: „Schach eignet sich sehr gut, um die Leere langer Rezitative zu füllen.“

Die Oper erlebte die erste Krise ihrer Geschichte. Doch genau in diesem Moment entstand eine neue Operngattung, die nicht weniger (wenn nicht sogar noch beliebter!) werden sollte als die Opera seria. Dies ist eine komische Oper (Buffa-Oper).

Es ist charakteristisch, dass es genau in Neapel, dem Geburtsort der Opera seria, entstand; außerdem entstand es tatsächlich in den Eingeweiden der ernstesten Oper. Sein Ursprung waren komische Zwischenspiele, die in den Pausen zwischen den Akten des Stücks gespielt wurden. Oft waren diese komischen Zwischenspiele Parodien auf die Ereignisse der Oper.

Die formale Geburtsstunde der Opera buffa erfolgte im Jahr 1733, als Giovanni Battista Pergolesis Oper „Die Magd und Herrin“ in Neapel uraufgeführt wurde.

Die Opera buffa hat alle wesentlichen Ausdrucksmittel von der Opera seria geerbt. Sie unterschied sich von der „ernsthaften“ Oper dadurch, dass statt legendärer, unnatürlicher Helden Charaktere auf die Opernbühne kamen, deren Prototypen im wirklichen Leben existierten – gierige Kaufleute, kokette Dienstmädchen, mutige, einfallsreiche Militärs usw. Deshalb wurde Opera Buffa rezipiert mit Bewunderung der breitesten demokratischen Öffentlichkeit in allen Teilen Europas. Darüber hinaus hatte das neue Genre keineswegs eine lähmende Wirkung auf heimische Kunst wie die Opera seria. Im Gegenteil erweckte er auf der Grundlage einheimischer Traditionen einzigartige Spielarten der nationalen komischen Oper zum Leben. In Frankreich war es eine komische Oper, in England eine Balladenoper, in Deutschland und Österreich ein Singspiel (wörtlich: „Spiel mit dem Gesang“).

Jede dieser nationalen Schulen brachte bemerkenswerte Vertreter des Genres der Komödienoper hervor: Pergolesi und Piccini in Italien, Grétry und Rousseau in Frankreich, Haydn und Dittersdorf in Österreich.

Hier ist insbesondere Wolfgang Amadeus Mozart zu gedenken. Schon sein erstes Singspiel „Bastien und Bastien“ und noch mehr „Die Entführung aus dem Serail“ zeigten, dass der brillante Komponist, der die Techniken der Opera buffa mühelos beherrschte, Beispiele wahrhaft nationaler österreichischer Musikdramaturgie schuf. Die Entführung aus dem Serail gilt als die erste klassische österreichische Oper.

Mozarts reife Opern „Die Hochzeit des Figaro“ und „Don Giovanni“, geschrieben nach italienischen Texten, nehmen in der Operngeschichte einen ganz besonderen Platz ein. Die Helligkeit und Ausdruckskraft der Musik, die den höchsten Beispielen italienischer Musik in nichts nachsteht, wird mit einer Tiefe an Ideen und Dramatik kombiniert, die das Operntheater noch nie zuvor gekannt hat.

In „Die Hochzeit des Figaro“ war Mozart erfolgreich Musikalische Mittel Erschaffen Sie individuelle und sehr lebendige Charaktere, vermitteln Sie die Vielfalt und Komplexität ihrer Geisteszustände. Und das alles, so scheint es, ohne über das Comedy-Genre hinauszugehen. In der Oper Don Giovanni ging der Komponist sogar noch weiter. Unter Verwendung einer alten spanischen Legende als Libretto schafft Mozart ein Werk, in dem komödiantische Elemente untrennbar mit den Merkmalen einer ernsthaften Oper verknüpft sind.

Der glänzende Erfolg der komischen Oper, die ihren Siegeszug durch europäische Hauptstädte machte, und vor allem Mozarts Schöpfungen zeigten, dass die Oper eine organisch mit der Realität verbundene Kunst sein kann und sollte, dass sie in der Lage ist, sehr reale Charaktere und Situationen wahrheitsgetreu darzustellen , sie nicht nur in komischer, sondern auch in ernster Hinsicht nachzubilden.

Natürlich träumten führende Künstler aus verschiedenen Ländern, vor allem Komponisten und Dramatiker, davon, die Heldenoper zu aktualisieren. Sie träumten davon, Werke zu schaffen, die erstens den Wunsch der Epoche nach hohen moralischen Zielen widerspiegeln und zweitens eine organische Verschmelzung von Musik und dramatischer Handlung auf der Bühne behaupten würden. Diese schwierige Aufgabe wurde im heroischen Genre von Mozarts Landsmann Christoph Gluck erfolgreich gelöst. Seine Reform wurde zu einer wahren Revolution in der Weltoper, deren endgültige Bedeutung nach der Aufführung seiner Opern Alceste, Iphigenie in Aulis und Iphigenie in Tauris in Paris klar wurde.

„Als ich anfing, Musik für Alceste zu komponieren“, schrieb der Komponist und erläuterte das Wesentliche seiner Reform, „habe ich mir zum Ziel gesetzt, die Musik zu ihrem wahren Ziel zu bringen, nämlich der Poesie mehr neue Ausdruckskraft zu verleihen, bestimmte Momente hervorzuheben.“ Handlungsstränge verwirrender, ohne die Handlung zu unterbrechen und ohne sie durch unnötige Dekorationen zu dämpfen.“

Im Gegensatz zu Mozart, der sich die Reform der Oper nicht als besonderes Ziel gesetzt hatte, ging Gluck bei seiner Opernreform bewusst vor. Darüber hinaus konzentriert er seine ganze Aufmerksamkeit darauf, die innere Welt der Helden zu enthüllen. Der Komponist machte keine Kompromisse mit der aristokratischen Kunst. Dies geschah zu einer Zeit, als die Rivalität zwischen ernster und komischer Oper ihren Höhepunkt erreichte und klar war, dass die Opera buffa siegte.

Nachdem er das Beste, was die Genres der ernsthaften Oper enthielten, kritisch überdacht und zusammengefasst hatte, lyrische Tragödien Mit Lully und Rameau erschafft Gluck das Genre der musikalischen Tragödie.

Die historische Bedeutung von Glucks Opernreform war enorm. Aber auch seine Opern erwiesen sich zu Beginn des turbulenten 19. Jahrhunderts als Anachronismus – einer der fruchtbarsten Perioden der Weltoper.

3. WESTEUROPÄISCHE OPER DES 19. JAHRHUNDERTS

Kriege, Revolutionen, Veränderungen in den gesellschaftlichen Verhältnissen – all diese zentralen Probleme des 19. Jahrhunderts spiegeln sich in Opernthemen wider.

Komponisten, die im Operngenre arbeiten, versuchen, noch tiefer in die innere Welt ihrer Helden einzudringen, um auf der Opernbühne solche Beziehungen zwischen Charakteren nachzubilden, die komplexen, vielschichtigen Lebenskollisionen voll und ganz entsprechen würden.

Dieser figurative und thematische Umfang führte unweigerlich zu weiteren Reformen in der Opernkunst. Die im 18. Jahrhundert entwickelten Operngenres wurden auf ihre Modernität geprüft. Im 19. Jahrhundert verschwand die Opera seria praktisch vollständig. Die komische Oper erfreute sich weiterhin eines konstanten Erfolgs.

Die Vitalität dieses Genres wurde von Gioachino Rossini hervorragend bestätigt. Sein „Der Barbier von Sevilla“ wurde zu einem wahren Meisterwerk der komödiantischen Kunst des 19. Jahrhunderts.

Die helle Melodie, die Natürlichkeit und Lebendigkeit der vom Komponisten dargestellten Charaktere, die Einfachheit und Harmonie der Handlung – all dies bescherte der Oper einen echten Triumph und machte ihren Autor für lange Zeit zum „musikalischen Diktator Europas“. Als Autor der Opera buffa setzt Rossini auf seine Weise Akzente in „ Barbier von Sevilla" Ihn interessierte die innere Bedeutung des Inhalts viel weniger als beispielsweise Mozart. Und Rossini war sehr weit von Gluck entfernt, der glaubte, dass das Hauptziel der Musik in der Oper darin bestehe, die dramatische Idee des Werkes zu offenbaren.

Mit jeder Arie, jeder Phrase in „Der Barbier von Sevilla“ scheint uns der Komponist daran zu erinnern, dass Musik der Freude und dem Genuss der Schönheit dient und dass das Wertvollste an ihr die bezaubernde Melodie ist.

Dennoch hatte „Europas Liebling Orpheus“, wie Puschkin Rossini nannte, das Gefühl, dass die Ereignisse in der Welt und vor allem der Unabhängigkeitskampf seines Heimatlandes Italien (unterdrückt von Spanien, Frankreich und Österreich) dies von ihm verlangten zu einem ernsten Thema konvertieren. So entstand die Idee der Oper „Wilhelm Tell“ – eines der ersten Werke der Operngattung zu einem heroisch-patriotischen Thema (in der Handlung rebellieren Schweizer Bauern gegen ihre Unterdrücker – die Österreicher).

Die lebendige, realistische Charakterisierung der Hauptfiguren, beeindruckende Massenszenen, in denen die Menschen mit Hilfe von Chor und Ensembles dargestellt werden, und vor allem die ungewöhnlich ausdrucksstarke Musik brachten „Wilhelm Tell“ den Ruhm eines der besten Werke des Operndramas ein das 19. Jahrhundert.

Die Popularität des „Welhelm Tell“ erklärt sich unter anderem dadurch, dass die Oper auf einer historischen Handlung basiert. Und historische Opern verbreiteten sich zu dieser Zeit auf der europäischen Opernbühne. So wurde sechs Jahre nach der Uraufführung von Wilhelm Tell die Inszenierung von Giacomo Meyerbeers Oper „Die Hugenotten“, die vom Kampf zwischen Katholiken und Hugenotten am Ende des 16. Jahrhunderts erzählt, zu einer Sensation.

Ein weiterer von der Oper eroberter Bereich Kunst des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte lang gab es sagenhafte und sagenumwobene Geschichten. Besonders verbreitet waren sie in den Werken deutscher Komponisten. In Anlehnung an Mozarts Opernmärchen „Die Zauberflöte“ schuf Carl Maria Weber die Opern „Freeshot“, „Euryanthe“ und „Oberon“. Das erste davon war das bedeutendste Werk, ja die erste deutsche Volksoper. Die vollständigste und umfangreichste Verkörperung des legendären Themas, des Volksepos, fand sich jedoch im Werk eines der größten Opernkomponisten – Richard Wagner.

Wagner ist eine ganze Ära in der Musikkunst. Die Oper wurde für ihn zum einzigen Genre, durch das der Komponist mit der Welt sprach. Wagner blieb auch der literarischen Quelle treu, die ihm Handlungsstränge für seine Opern lieferte, bei denen es sich um das altdeutsche Epos handelte. Legenden über den zu ewigen Irrfahrten verdammten Fliegenden Holländer, über den rebellischen Sänger Tangeyser, der die Heuchelei in der Kunst herausforderte und dafür auf den Clan der Hofdichter und Musiker verzichtete, über den legendären Ritter Lohengrin, der einem unschuldigen, verurteilten Mädchen zu Hilfe eilte Ausführung - diese legendären, hellen, kühnen Charaktere wurden zu den Helden von Wagners ersten Opern „Der wandernde Seemann“, „Tannhäuser“ und „Lohengrin“.

Richard Wagner träumte davon, in der Operngattung nicht einzelne Handlungsstränge, sondern ein ganzes Epos zu verkörpern, das den Hauptproblemen der Menschheit gewidmet ist. Dies versuchte der Komponist in dem grandiosen Konzept von „Der Ring des Nibelungen“ – einem Zyklus bestehend aus vier Opern – widerzuspiegeln. Auch diese Tetralogie basierte auf Sagen aus dem altgermanischen Epos.

Eine so ungewöhnliche und grandiose Idee (der Komponist verbrachte etwa zwanzig Jahre seines Lebens mit der Umsetzung) musste natürlich mit besonderen, neuen Mitteln gelöst werden. Und Wagner, der versucht, den Gesetzen der natürlichen menschlichen Sprache zu folgen, lehnt solche notwendigen Elemente eines Opernwerks wie Arie, Duett, Rezitativ, Chor, Ensemble ab. Er schafft eine einzige musikalische Handlungserzählung, die nicht durch Zahlengrenzen unterbrochen wird und von Sängern und einem Orchester geleitet wird.

Wagners Reform als Opernkomponist wirkte sich auch auf andere Weise auf ihn aus: Seine Opern basieren auf einem System von Leitmotiven – leuchtenden Melodiebildern, die bestimmten Charakteren oder deren Beziehungen entsprechen. Und jedes seiner Musikdramen – und so nannte er, wie Monteverdi und Gluck, seine Opern – ist nichts anderes als die Entwicklung und das Zusammenspiel mehrerer Leitmotive.

Eine andere Richtung, das sogenannte „Lyrische Theater“, war nicht weniger wichtig. Der Geburtsort des „lyrischen Theaters“ war Frankreich. Auch die Komponisten, die diese Bewegung prägten – Gounod, Thomas, Delibes, Massenet, Bizet – griffen sowohl auf sagenhaft exotische als auch alltägliche Themen zurück; aber das war für sie nicht die Hauptsache. Jeder dieser Komponisten war auf seine Weise bestrebt, seine Helden so darzustellen, dass sie natürlich, lebendig und mit den für ihre Zeitgenossen charakteristischen Qualitäten ausgestattet waren.

Ein geniales Beispiel für diesen Operntrend war Georges Bizets „Carmen“, basierend auf einer Kurzgeschichte von Prosper Mérimée.

Dem Komponisten gelang es, eine einzigartige Methode zur Charakterisierung der Charaktere zu finden, was am deutlichsten am Beispiel des Bildes von Carmen zu sehen ist. Bizet offenbart die innere Welt seiner Heldin nicht wie üblich in einer Arie, sondern in Gesang und Tanz.

Das Schicksal dieser Oper, die die ganze Welt eroberte, war zunächst sehr dramatisch. Seine Premiere endete mit einem Misserfolg. Einer der Hauptgründe für eine solche Haltung gegenüber Bizets Oper war, dass er gewöhnliche Menschen als Helden auf die Bühne brachte (Carmen ist Arbeiterin einer Tabakfabrik, Jose ist Soldat). Das aristokratische Pariser Publikum von 1875 konnte solche Charaktere nicht akzeptieren (damals wurde Carmen uraufgeführt). Sie war vom Realismus der Oper abgestoßen, der angeblich mit den „Gesetzen der Gattung“ unvereinbar war. In Pujins damals maßgeblichem Dictionary of Opera heißt es, dass Carmen neu gemacht werden müsse, „um den für die Oper ungeeigneten Realismus abzuschwächen“. Natürlich war dies der Standpunkt von Menschen, die diese realistische Kunst voller Kunst nicht verstanden Lebenswahrheit, Naturhelden, kamen ganz natürlich und nicht nach Lust und Laune eines Komponisten auf die Opernbühne.

Es war genau der realistische Weg, den Giuseppe Verdi, einer der größten Komponisten, die jemals im Operngenre gearbeitet haben, eingeschlagen hat.

Verdi begann seine lange Reise im Opernschaffen mit heroischen und patriotischen Opern. Die in den 40er Jahren entstandenen „Lombarden“, „Ernani“ und „Attila“ wurden in Italien als Aufruf zur nationalen Einheit wahrgenommen. Die Uraufführungen seiner Opern wurden zu großen öffentlichen Demonstrationen.

Eine ganz andere Resonanz hatten Verdis Opern, die er Anfang der 50er Jahre schrieb. „Rigoletto“, „Il Trovatore“ und „La Traviata“ sind drei Operngemälde von Verdi, in denen seine herausragende melodische Begabung glücklich mit der Begabung eines brillanten Komponisten und Dramatikers kombiniert wurde.

Basierend auf Victor Hugos Theaterstück „Der König amüsiert sich“ schildert die Oper Rigoletto die Ereignisse des 16. Jahrhunderts. Schauplatz der Oper ist der Hof des Herzogs von Mantua, für den Menschenwürde und Ehre nichts bedeuten im Vergleich zu seiner Laune, dem Verlangen nach endlosen Genüssen (Gilda, die Tochter des Hofnarren Rigoletto, wird sein Opfer). Es scheint eine weitere Oper aus dem Hofleben zu sein, von der es Hunderte gab. Aber Verdi schafft ein äußerst wahrheitsgetreues psychologisches Drama, in dem die Tiefe der Musik vollständig der Tiefe und Wahrhaftigkeit der Gefühle seiner Charaktere entspricht.

La Traviata löste bei seinen Zeitgenossen einen echten Schock aus. Das venezianische Publikum, für das die Uraufführung der Oper gedacht war, buhte sie aus. Oben haben wir über das Scheitern von Bizets „Carmen“ gesprochen, aber die Uraufführung von „La Traviata“ fand fast ein Vierteljahrhundert früher (1853) statt, und der Grund war derselbe: der Realismus des Dargestellten.

Verdi war über das Scheitern seiner Oper sehr bestürzt. „Es war ein entscheidendes Fiasko“, schrieb er nach der Premiere. „Denken wir nicht mehr an La Traviata.“

Verdi, ein Mann von enormer Vitalität, ein Komponist mit seltenem kreativem Potenzial, war nicht wie Bizet daran gebrochen, dass die Öffentlichkeit sein Werk nicht akzeptierte. Er schuf viele weitere Opern, die später eine Schatzkammer der Opernkunst bilden sollten. Darunter sind Meisterwerke wie „Don Carlos“, „Aida“, „Falstaff“. Eine der höchsten Errungenschaften des reifen Verdi war die Oper Othello.

Die grandiosen Errungenschaften der führenden Länder der Opernkunst – Italien, Deutschland, Österreich, Frankreich – inspirierten Komponisten anderer europäischer Länder – Tschechien, Polen, Ungarn – zur Schaffung ihrer eigenen nationalen Opernkunst. So entstanden „Pebble“ des polnischen Komponisten Stanislav Moniuszko, die Opern der Tschechen Berdzhich Smetana und Antonin Dvorak sowie des Ungarns Ferenc Erkel.

Aber Russland nahm im 19. Jahrhundert zu Recht den Spitzenplatz unter den jungen nationalen Opernschulen ein.

4. RUSSISCHE OPER

Auf der Bühne des St. Petersburger Bolschoi-Theaters fand am 27. November 1836 die Uraufführung von „Iwan Susanin“ von Michail Iwanowitsch Glinka, der ersten klassischen russischen Oper, statt.

Um den Platz dieses Werkes in der Musikgeschichte besser zu verstehen, versuchen wir, kurz die Situation zu skizzieren, die sich zu diesem Zeitpunkt im westeuropäischen und russischen Musiktheater entwickelte.

Wagner, Bizet, Verdi haben ihr Wort noch nicht gesagt. Mit seltenen Ausnahmen (zum Beispiel dem Erfolg von Meyerbeer in Paris) sind überall in der europäischen Oper die Italiener die Trendsetter – sowohl in der Kreativität als auch in der Art der Aufführung. Die Hauptoper „Diktator“ ist Rossini. Es gibt einen intensiven „Export“ der italienischen Oper. Komponisten aus Venedig, Neapel und Rom reisen in alle Ecken des Kontinents und arbeiten über längere Zeiträume in verschiedenen Ländern. Indem sie mit ihrer Kunst die unschätzbaren Erfahrungen der italienischen Oper einbrachten, unterdrückten sie gleichzeitig die Entwicklung der Nationaloper.

Dies war auch in Russland der Fall. Hier blieben italienische Komponisten wie Cimarosa, Paisiello, Galuppi und Francesco Araya, der als erster versuchte, eine Oper auf der Grundlage russischer Melodien mit dem russischen Originaltext von Sumarokov zu schaffen. Später ein auffälliges Zeichen auf dem St. Petersburg Musikleben verließ die Aktivitäten des aus Venedig stammenden Caterino Cavos, der unter dem gleichen Namen wie Glinka eine Oper schrieb – „Ein Leben für den Zaren“ („Ivan Susanin“).

Der russische Hof und die Aristokratie, auf deren Einladung italienische Musiker nach Russland kamen, unterstützten sie auf jede erdenkliche Weise. Daher mussten mehrere Generationen russischer Komponisten, Kritiker und anderer Kulturschaffender für ihre eigene nationale Kunst kämpfen.

Versuche, eine russische Oper zu schaffen, reichen bis ins 18. Jahrhundert zurück. Talentierte Musiker Fomin, Matinsky und Paschkewitsch (die beiden letzteren waren Mitautoren der Oper „St. Petersburg Gostiny Dvor“) und später der wunderbare Komponist Werstowski (heute ist sein „Askolds Grab“ weithin bekannt) – jeder versuchte, dieses Problem zu lösen ihren eigenen Weg. Allerdings brauchte es ein starkes Talent wie das von Glinka, damit diese Idee verwirklicht werden konnte.

Glinkas herausragende melodische Begabung, die Nähe seiner Melodie zum russischen Lied, die Einfachheit in der Charakterisierung der Hauptfiguren und vor allem sein Appell an eine heroisch-patriotische Handlung ermöglichten es dem Komponisten, ein Werk von großer künstlerischer Wahrheit und Kraft zu schaffen.

Glinkas Genie zeigte sich im Opernmärchen „Ruslan und Lyudmila“ anders. Hier kombiniert der Komponist meisterhaft das Heroische (das Bild von Ruslan), das Fantastische (das Königreich von Chernomor) und das Komische (das Bild von Farlaf). So gelangten dank Glinka zum ersten Mal die von Puschkin geborenen Bilder auf die Opernbühne.

Trotz der enthusiastischen Bewertung von Glinkas Werk durch den führenden Teil der russischen Gesellschaft wurden seine Innovation und sein herausragender Beitrag zur Geschichte der russischen Musik in seinem Heimatland nicht wirklich gewürdigt. Der Zar und sein Gefolge bevorzugten seine Musik gegenüber der italienischen. Der Besuch von Glinkas Opern wurde zu einer Strafe für beleidigende Offiziere, zu einer Art Wachhaus. Opern-Musical-Gesangslibretto

Glinka tat sich mit dieser Einstellung von Hof, Presse und Theaterleitung zu seiner Arbeit schwer. Aber er war sich bewusst, dass die russische Nationaloper ihren eigenen Weg gehen und sich aus ihren eigenen volksmusikalischen Quellen ernähren musste.

Dies wurde durch die gesamte weitere Entwicklung der russischen Opernkunst bestätigt.

Alexander Dargomyzhsky war der erste, der Glinkas Staffelstab übernahm. In Anlehnung an den Autor von Ivan Susanin entwickelt er das Gebiet der Opernmusik weiter. Er hat mehrere Opern auf dem Konto, und das glücklichste Schicksal ereilte „Die Meerjungfrau“. Puschkins Werk erwies sich als hervorragender Stoff für eine Oper. Die Geschichte des vom Prinzen getäuschten Bauernmädchens Natasha enthält sehr dramatische Ereignisse – den Selbstmord der Heldin, den Wahnsinn ihres Müllervaters. Alle komplexesten psychologischen Erfahrungen der Charaktere wurden vom Komponisten mit Hilfe von Arien und Ensembles gelöst, die nicht eingeschrieben waren Italienischer Stil, aber im Geiste russischer Lieder und Romantik.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hatte das Opernwerk von A. Serov, dem Autor der Opern „Judith“, „Rogneda“ und „Enemy Power“, großen Erfolg, wovon letzteres (basierend auf dem Text des Theaterstück von A. N. Ostrovsky) entsprach der Entwicklung der russischen Nationalkunst.

Glinka wurde für die in einem Kreis vereinten Komponisten M. Balakirev, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov und Ts. Cui zu einem echten ideologischen Führer im Kampf um die nationale russische Kunst „Ein mächtiger Haufen.“ In der Arbeit aller Mitglieder des Kreises, mit Ausnahme seines Leiters M. Balakirev, nahm die Oper den wichtigsten Platz ein.

Die Zeit, in der die „Mächtige Handvoll“ gegründet wurde, fiel mit äußerst wichtigen Ereignissen in der Geschichte Russlands zusammen. 1861 wurde die Leibeigenschaft abgeschafft. In den nächsten zwei Jahrzehnten ließ sich die russische Intelligenz von den Ideen des Populismus mitreißen, der den Sturz der Autokratie durch die Kräfte der Bauernrevolution forderte. Schriftsteller, Künstler und Komponisten interessieren sich zunehmend für Themen im Zusammenhang mit der Geschichte des russischen Staates und insbesondere für die Beziehung zwischen dem Zaren und dem Volk. All dies bestimmte das Thema der meisten Opernwerke, die aus der Feder der „Kuchkisten“ stammten.

M. P. Mussorgsky nannte seine Oper „Boris Godunow“ „Volksmusikdrama“. In der Tat, obwohl sich die Handlung der Oper um … dreht menschliche Tragödie Zar Boris, das Volk wurde zum wahren Helden der Oper.

Mussorgsky war im Wesentlichen ein autodidaktischer Komponist. Dies erschwerte den Prozess des Musikkomponierens erheblich, beschränkte ihn aber gleichzeitig nicht auf irgendwelche musikalischen Regeln. Alles in diesem Prozess war dem Hauptmotto seines Werkes untergeordnet, das der Komponist selbst mit einem kurzen Satz ausdrückte: „Ich will die Wahrheit!“

Mussorgsky suchte auch in seiner anderen Oper, Chowanschtschina, für deren Vollendung er keine Zeit hatte, nach Wahrheit in der Kunst und extremem Realismus in allem, was auf der Bühne passiert. Es wurde von Mussorgskys Kollegen in „Das große Häufchen“, Rimski-Korsakow, einem der größten russischen Opernkomponisten, vollendet.

Die Oper bildet die Grundlage des kreativen Erbes von Rimsky-Korsakov. Wie Mussorgski eröffnete er die Horizonte der russischen Oper, allerdings in ganz anderen Bereichen. Mit opernhaften Mitteln wollte der Komponist den Charme russischer Fabelhaftigkeit, die Originalität altrussischer Rituale vermitteln. Dies lässt sich deutlich an den Untertiteln ablesen, die der Komponist seinen Werken das Genre der Oper verdeutlichte. Er nannte „Das Schneewittchen“ ein „Frühlingsmärchen“, „Die Nacht vor Weihnachten“ – ein „wahres Weihnachtslied“, „Sadko“ – ein „Opern-Epos“; Zu den Märchenopern gehören auch „Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Kashchei der Unsterbliche“, „Das Märchen von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ und „Der goldene Hahn“. Rimsky-Korsakovs epische und märchenhafte Opern haben eine erstaunliche Besonderheit: Sie verbinden Elemente des Märchens und der Fantasie mit lebendigem Realismus.

Rimsky-Korsakov erreichte diesen Realismus, der in jedem Werk so deutlich zu spüren ist, mit direkten und sehr effektiven Mitteln: Er entwickelte Volksmelodien in seinem Opernwerk umfassend und verwob geschickt echte altslawische Rituale, „die Traditionen der tiefen Antike“, in das Gefüge des Werks .“

Wie andere „Kuchkisten“ wandte sich auch Rimski-Korsakow dem Genre der historischen Oper zu und schuf zwei herausragende Werke zur Darstellung der Ära Iwans des Schrecklichen – „Die Pskowerin“ und „Die Zarenbraut“. Der Komponist schildert meisterhaft die schwierige Atmosphäre des russischen Lebens dieser fernen Zeit, Bilder der grausamen Vergeltung des Zaren gegen die Pskower Freien, die umstrittene Persönlichkeit Iwans des Schrecklichen selbst („Die Pskower Frau“) und die Atmosphäre des allgemeinen Despotismus und Unterdrückung des Einzelnen („Die Zarenbraut“, „Der goldene Hahn“);

Auf Anraten von V.V. Stasov, der ideologische Inspirator der „Mächtigen Handvoll“, eines der begabtesten Mitglieder dieses Kreises, Borodin, kreiert eine Oper aus dem Leben der fürstlichen Rus. Dieses Werk war „Prinz Igor“.

„Prinz Igor“ wurde zum Vorbild der russischen epischen Oper. Wie in einem alten russischen Epos entfaltet sich in der Oper langsam und allmählich die Handlung, die die Geschichte der Vereinigung russischer Länder und verstreuter Fürstentümer erzählt, um gemeinsam den Feind – die Polowzianer – abzuwehren. Borodins Werk ist nicht so tragischer Natur wie Mussorgskis „Boris Godunow“ oder Rimski-Korsakows „Pskower Frau“, aber im Zentrum der Handlung der Oper steht auch das komplexe Bild des Staatsoberhauptes – Prinz Igor, der seine Niederlage erlebt Sie beschließen, aus der Gefangenschaft zu fliehen und stellen schließlich eine Truppe zusammen, um den Feind im Namen ihres Heimatlandes zu vernichten.

Eine weitere Richtung der russischen Musikkunst wird durch das Opernwerk Tschaikowskys repräsentiert. Der Komponist begann seine Reise in die Opernkunst mit Werken zu historischen Themen.

In Anlehnung an Rimski-Korsakow wendet sich Tschaikowsky in Oprichnik der Ära Iwans des Schrecklichen zu. Historische Ereignisse in Frankreich, beschrieben in Schillers Tragödie, dienten als Grundlage für das Libretto der Jungfrau von Orleans. Aus Puschkins Poltawa, das die Zeit Peters I. beschreibt, übernahm Tschaikowsky die Handlung für seine Oper Mazepa.

Gleichzeitig kreiert der Komponist lyrisch-komische Opern („Blacksmith Vakula“) und romantische Opern („The Enchantress“).

Doch der Höhepunkt des Opernschaffens – nicht nur für Tschaikowsky selbst, sondern für die gesamte russische Oper des 19. Jahrhunderts – waren seine lyrischen Opern „Eugen Onegin“ und „Die Pique Dame“.

Nachdem Tschaikowsky beschlossen hatte, Puschkins Meisterwerk im Operngenre zu verkörpern, stand er vor einem ernsten Problem: Welches der verschiedenen Ereignisse des „Romans in Versen“ könnte das Libretto der Oper darstellen? Der Komponist blieb bei der Show stehen spirituelles Drama Helden von „Eugen Onegin“, die er mit seltener Überzeugungskraft und beeindruckender Einfachheit zu vermitteln vermochte.

Wie der französische Komponist Bizet versuchte Tschaikowsky in Onegin, die Welt der einfachen Menschen und ihre Beziehungen zu zeigen. Die seltene melodische Begabung des Komponisten, der subtile Einsatz russischer Romantik-Intonationen, die für den in Puschkins Werk beschriebenen Alltag charakteristisch sind – all dies ermöglichte es Tschaikowsky, ein Werk zu schaffen, das äußerst zugänglich ist und gleichzeitig die komplexen psychologischen Zustände der Charaktere darstellt.

In „Die Pique Dame“ tritt Tschaikowsky nicht nur als brillanter Dramatiker mit einem ausgeprägten Gespür für die Gesetze der Bühne auf, sondern auch als großer Symphoniker, der die Handlung nach den Gesetzen der symphonischen Entwicklung aufbaut. Die Oper ist sehr vielfältig. Aber seine psychologische Komplexität wird durch fesselnde Arien, durchdrungen von hellen Melodien, verschiedenen Ensembles und Chören völlig ausgeglichen.

Fast zeitgleich mit dieser Oper schrieb Tschaikowsky das Opernmärchen „Iolanta“, das durch seinen Charme verblüfft. Dennoch bleiben „Die Pique Dame“ und „Eugen Onegin“ unübertroffene Meisterwerke der russischen Oper des 19. Jahrhunderts.

5. ZEITGENÖSSISCHE OPER

Bereits das erste Jahrzehnt des neuen 20. Jahrhunderts zeigte, welch einschneidender Epochenwechsel in der Opernkunst stattfand, wie unterschiedlich die Oper des letzten Jahrhunderts und die des zukünftigen Jahrhunderts sind.

1902 präsentierte der französische Komponist Claude Debussy dem Publikum die Oper „Pelléas et Mélisande“ (nach Maeterlincks Drama). Dieses Werk ist ungewöhnlich subtil und elegant. Und genau zur gleichen Zeit schrieb Giacomo Puccini seine letzte Oper „Madama Butterfly“ (die Uraufführung fand zwei Jahre später statt) im Geiste der besten italienischen Opern des 19. Jahrhunderts.

Damit endet eine Opernperiode und beginnt eine andere. Komponisten, die Opernschulen in fast allen großen europäischen Ländern repräsentieren, versuchen, in ihrem Werk die Ideen und die Sprache der Neuzeit mit zuvor entwickelten nationalen Traditionen zu verbinden.

Nach C. Debussy und M. Ravel tritt der Autor so brillanter Werke wie der Opera buffa „Die spanische Stunde“ und der fantastischen Oper „Das Kind und der Zauber“ in Frankreich auf neue Welle in der Musikkunst. In den 20er Jahren trat hier eine Gruppe von Komponisten auf, die als „ Sechs" Darunter waren L. Durey, D. Milhaud, A. Honegger, J. Auric, F. Poulenc und J. Taillefer. Alle diese Musiker einte das wichtigste schöpferische Prinzip: Werke ohne falsches Pathos zu schaffen, die nah am Alltag sind, ihn nicht ausschmücken, sondern ihn so widerspiegeln, wie er ist, mit all seiner Prosa und dem Alltag. Dieses schöpferische Prinzip wurde von einem der führenden Komponisten der Sechs, A. Honegger, klar zum Ausdruck gebracht. „Musik“, sagte er, „muss ihren Charakter ändern, wahrhaftig, einfach werden, Musik mit weitem Gang.“

Gleichgesinnte kreative Komponisten der „Sechs“ gingen unterschiedliche Wege. Darüber hinaus arbeiteten drei von ihnen – Honegger, Milhaud und Poulenc – erfolgreich im Genre der Oper.

Ein ungewöhnliches Werk, anders als die grandiosen Mysterienopern, war Poulencs Monooper „The Human Voice“. Bei dem etwa halbstündigen Werk handelt es sich um ein Telefongespräch zwischen einer Frau, die von ihrem Geliebten verlassen wurde. Somit gibt es in der Oper nur eine Figur. Könnten sich Opernautoren vergangener Jahrhunderte so etwas vorstellen?

In den 30er Jahren wurde die amerikanische Nationaloper geboren, ein Beispiel dafür ist „Porgy and Bess“ von D. Gershwin. Das Hauptmerkmal dieser Oper sowie von Gershwins gesamtem Stil insgesamt war die weit verbreitete Verwendung von Elementen der schwarzen Folklore und Ausdrucksmitteln des Jazz.

Inländische Komponisten haben viele wunderbare Seiten in die Geschichte der Weltoper geschrieben.

So löste Schostakowitschs Oper „Lady Macbeth von Mzensk“ („Katerina Ismailowa“), die auf der gleichnamigen Erzählung von N. Leskow basiert, heftige Debatten aus. Die Oper hat keine „süßen“ italienischen Melodien, es gibt keine üppigen, spektakulären Ensembles und andere Farben, die aus der Oper vergangener Jahrhunderte bekannt sind. Aber wenn wir die Geschichte der Weltoper als einen Kampf um Realismus, um eine wahrheitsgetreue Darstellung der Realität auf der Bühne betrachten, dann ist „Katerina Izmailova“ zweifellos einer der Höhepunkte der Opernkunst.

Das heimische Opernschaffen ist sehr vielfältig. Bedeutende Werke wurden von Y. Shaporin („Decembrists“), D. Kabalevsky („Cola Brugnon“, „The Family of Taras“) und T. Khrennikov („Into the Storm“, „Mother“) geschaffen. Ein wichtiger Beitrag zur Weltopernkunst war das Werk von S. Prokofjew.

Sein Debüt als Opernkomponist gab Prokofjew bereits 1916 mit der Oper „Der Spieler“ (nach Dostojewski). Schon in diesem Frühwerk war seine Handschrift deutlich zu spüren, so auch in der etwas später erschienenen Oper „Die Liebe zu den drei Orangen“, die ein großer Erfolg war.

Prokofjews herausragendes Talent als Operndramatiker kam jedoch in den Opern „Semyon Kotko“, die auf der Erzählung „Ich bin der Sohn der Werktätigen“ von V. Kataev basieren, und insbesondere in „Krieg und Frieden“ voll zur Geltung Die Handlung war das gleichnamige Epos von L. Tolstoi.

Anschließend schrieb Prokofjew zwei weitere Opernwerke – „Das Märchen eines echten Mannes“ (nach der Erzählung von B. Polevoy) und die bezaubernde komische Oper „Verlobung im Kloster“ im Geiste der Opera Buffa des 18. Jahrhunderts.

Die meisten Werke Prokofjews hatten ein schwieriges Schicksal. Die auffallende Originalität der musikalischen Sprache machte es in vielen Fällen schwierig, sie sofort zu würdigen. Die Anerkennung kam spät. Dies war sowohl bei seinem Klavier als auch bei einigen seiner Orchesterwerke der Fall. Ein ähnliches Schicksal erwartete die Oper „Krieg und Frieden“. Erst nach dem Tod des Autors wurde es wirklich geschätzt. Doch je mehr Jahre seit der Entstehung dieses Werkes vergangen sind, desto tiefer offenbart sich das Ausmaß und die Erhabenheit dieser herausragenden Schöpfung der Weltopernkunst.

Am beliebtesten sind in den letzten Jahrzehnten Rockopern, die auf moderner Instrumentalmusik basieren. Darunter sind „Juno und Avos“ von N. Rybnikov, „Jesus Christ Superstar“.

In den letzten zwei, drei Jahren sind so herausragende Rockopern wie „Cathedral“ entstanden Notre Dame von Paris„Luc Rlamon und Richard Cochinte über das unsterbliche Werk von Victor Hugo. Diese Oper wurde bereits vielfach im Bereich der Musikkunst ausgezeichnet und ins Englische übersetzt. Diesen Sommer wurde die Oper in Moskau in russischer Sprache uraufgeführt. Die Oper kombinierte erstaunlich schöne Charaktermusik, Ballettaufführungen und Chorgesang.

Meiner Meinung nach hat mich diese Oper dazu gebracht, die Opernkunst aus einer neuen Perspektive zu betrachten.

6. STRUKTUR EINES OPERWERKS

Es ist die Idee, die den Ausgangspunkt bei der Schaffung eines jeden Kunstwerks bildet. Aber im Fall der Oper hat die Geburt eines Konzepts eine besondere Bedeutung. Erstens gibt es das Genre der Oper vor; Zweitens schlägt es vor, was als literarischer Entwurf für eine zukünftige Oper dienen könnte.

Die Hauptquelle, von der der Komponist ausgeht, ist normalerweise ein literarisches Werk.

Gleichzeitig gibt es Opern, beispielsweise Verdis Il Trovatore, die keine spezifischen literarischen Quellen haben.

Aber in beiden Fällen beginnt die Arbeit an der Oper mit dem Komponieren Libretto.

Es ist keine leichte Aufgabe, ein Opernlibretto so zu gestalten, dass es wirklich wirkungsvoll ist, den Bühnengesetzen entspricht und, was am wichtigsten ist, es dem Komponisten ermöglicht, eine Aufführung so aufzubauen, wie er sie intern hört, und jede Opernfigur zu „formen“.

Seit der Geburt der Oper sind Dichter fast zwei Jahrhunderte lang die Autoren des Librettos. Dies bedeutete keineswegs, dass der Text des Opernlibrettos in Versen vorgetragen wurde. Wichtig ist hier noch etwas anderes: Das Libretto muss poetisch sein und die zukünftige Musik muss bereits im Text erklingen – die literarische Grundlage von Arien, Rezitativen, Ensembles.

Im 19. Jahrhundert schrieben Komponisten, die spätere Opern schrieben, das Libretto oft selbst. Das markanteste Beispiel ist Richard Wagner. Für ihn, den Künstler-Reformer, der seine grandiosen Gemälde schuf – Musikdramen, Wort und Ton waren untrennbar miteinander verbunden. Aus Wagners Fantasie entstanden Bühnenbilder, die im Schaffensprozess mit literarischem und musikalischem Fleisch „überwuchert“ wurden.

Und selbst wenn in den Fällen, in denen sich der Komponist selbst als Librettist herausstellte, das Libretto zwar literarisch verloren ging, der Autor jedoch in keiner Weise von seinem eigenen Gesamtplan, seiner Vorstellung vom Werk als ganz.

Wenn der Komponist also über ein Libretto verfügt, kann er sich die zukünftige Oper als Ganzes vorstellen. Dann kommt der nächste Schritt: Der Autor entscheidet, mit welchen Opernformen er bestimmte Wendungen in der Opernhandlung umsetzen soll.

Die emotionalen Erfahrungen der Charaktere, ihre Gefühle, Gedanken – all das wird in die Form gebracht Arien. In dem Moment, in dem in der Oper eine Arie zu erklingen beginnt, scheint die Handlung einzufrieren und die Arie selbst wird zu einer Art „Momentaufnahme“ des Zustands des Helden, seines Geständnisses.

Ein ähnlicher Zweck – die Vermittlung des inneren Zustands einer Opernfigur – kann in der Oper erfüllt werden Ballade, Romantik oder arioso. Allerdings nimmt das Arioso eine Zwischenstellung zwischen der Arie und der anderen wichtigsten Opernform ein – Rezitativ.

Wenden wir uns Rousseaus „Musikalischem Wörterbuch“ zu. „Das Rezitativ“, argumentierte der große französische Denker, „sollte nur dazu dienen, die Position des Dramas zu verbinden, die Bedeutung der Arie zu gliedern und hervorzuheben und einer Ermüdung des Gehörs vorzubeugen …“

Im 19. Jahrhundert verschwand das Rezitativ aufgrund der Bemühungen verschiedener Komponisten, die nach Einheit und Integrität der Opernaufführung strebten, praktisch und machte großen melodischen Episoden Platz, deren Zweck dem Rezitativ ähnelte, deren musikalische Verkörperung jedoch Arien ähnelte.

Wie bereits erwähnt, weigern sich Komponisten seit Wagner, die Oper in Arien und Rezitative zu unterteilen und so eine einzige, integrale musikalische Rede zu schaffen.

Neben Arien und Rezitativen spielen in der Oper auch Arien eine wichtige konstruktive Rolle Ensembles. Sie erscheinen während der Handlung, meist an den Stellen, an denen die Figuren der Oper aktiv zu interagieren beginnen. Eine besonders wichtige Rolle spielen sie in den Fragmenten, in denen es zu Konflikten und Schlüsselsituationen kommt.

Oft verwendet der Komponist es als wichtig Ausdrucksmittel Und Chor-- in den Schlussszenen oder, wenn es die Handlung erfordert, um Volksszenen zu zeigen.

Daher sind Arien, Rezitative, Ensembles, Chöre und in manchen Fällen auch Ballettepisoden die wichtigsten Elemente einer Opernaufführung. Aber normalerweise beginnt es mit Ouvertüren.

Die Ouvertüre mobilisiert das Publikum, bindet es in den Kreis der musikalischen Bilder und Charaktere ein, die auf der Bühne agieren. Oft baut die Ouvertüre auf Themen auf, die dann durch die Oper getragen werden.

Und nun liegt endlich eine riesige Menge Arbeit hinter uns – der Komponist hat die Oper geschaffen, oder besser gesagt, ihre Partitur bzw. ihr Klavier geschaffen. Zwischen der Festlegung von Musik in Noten und der Aufführung liegt jedoch ein großer Unterschied. Damit aus einer Oper – auch wenn es sich um ein herausragendes Musikstück handelt – eine interessante, helle, spannende Aufführung wird, bedarf es der Arbeit eines riesigen Teams.

Die Inszenierung der Oper wird von einem Dirigenten geleitet, der von einem Regisseur unterstützt wird. Obwohl es vorkam, dass große Regisseure des Schauspielhauses eine Oper inszenierten und die Dirigenten ihnen halfen. Alles, was mit der musikalischen Interpretation zu tun hat – die Lesung der Partitur durch das Orchester, die Arbeit mit Sängern – ist der Tätigkeitsbereich des Dirigenten. Es liegt in der Verantwortung des Regisseurs, das Bühnenbild des Stücks umzusetzen – die Inszenierung aufzubauen und jede Rolle als Schauspieler zu spielen.

Der Erfolg einer Produktion hängt zu einem großen Teil vom Künstler ab, der die Bühnenbilder und Kostüme entwirft. Fügen Sie dazu noch die Arbeit eines Chorleiters, eines Choreografen und natürlich der Sänger hinzu, und Sie werden verstehen, was für ein komplexes Unterfangen, das die kreative Arbeit vieler Dutzend Menschen vereint, die Inszenierung einer Oper auf der Bühne ist, wie viel Aufwand, kreative Vorstellungskraft, Um dies zu erreichen, müssen Ausdauer und Talent eingesetzt werden tollster Feiertag Musik, ein Theaterfestival, ein Kunstfestival namens Oper.

REFERENZEN

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4. Enzyklopädie für Kinder. Band 7. Kunst. Teil 3. Musik. Theater. Kino./Ch. Hrsg. V.A. Wolodin. - M.: Avanta+, 2000.

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