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KULTURREVOLUTION Ziel war: Die Kulturrevolution sorgte für: In der UdSSR im Jahr 2010. 20. Jahrhundert Es kam zur Kulturrevolution. Ziel war es: 1. die soziale Zusammensetzung der nachrevolutionären Intelligenz zu verändern, 2. mit den Traditionen des vorrevolutionären Kulturerbes zu brechen. Die Kulturrevolution sah Folgendes vor: 1. Beseitigung des Analphabetismus, 2. Schaffung eines sozialistischen Systems der öffentlichen Bildung und Aufklärung, 3. Entwicklung von Wissenschaft, Literatur und Kunst unter Parteikontrolle.

Bildende Kunst In den 1930er Jahren kam es in der bildenden Kunst zu bedeutenden Veränderungen. Obwohl im Land weiterhin die Partnerschaft der Wanderausstellungen und der Verband russischer Künstler bestehen, entstehen im Zeitgeist neue Verbände – der Verband der Künstler des Proletarischen Russlands, der Verband proletarischer Künstler, Künstler F. Shurpin 1930, Künstler G. Klutsis

Sozialistischer Realismus Bis Mitte 30. Die Methode des sozialistischen Realismus (die Darstellung der Realität nicht so, wie sie ist, sondern so, wie sie im Hinblick auf die Interessen des Kampfes für den Sozialismus sein sollte) wurde zur allgemein obligatorischen künstlerischen Methode der sowjetischen Kunst erklärt. Entscheidende Ereignisse in diesem Sinne waren die Gründung des Verbandes sowjetischer Schriftsteller im Jahr 1934 und eine Reihe ideologischer Kampagnen. Nikolaev K. „Verlegung einer Eisenbahnstrecke in Magnitogorsk“

M. Grekow. „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“, 1934 Tikhova M. „Skulpturenlabor der Porzellanfabrik Lomonossow“

PLAKATKUNST Während der Zeit des Bürgerkriegs und der Intervention wurde das politische Plakat vollständig von anderen Arten künstlerischer Grafik (Werbung, Plakate, politische Zeichnungen) getrennt. Das Poster zeichnet sich durch eine auffällige visuelle Darstellung, schnelle Reaktion und Zugänglichkeit des Inhalts aus. Dies war sehr wichtig für ein Land, in dem der Großteil der Bevölkerung Analphabeten war. KUKRYNIKSY Efimov B., Ioffe M., 1936

STAFFEILMALEREI Die sowjetische Staffeleimalerei hat ein Verlangen nach monumentalen, bedeutungsvollen Formen und Bildern. Die Malerei wird thematisch immer umfassender und stilistisch immer weniger skizzenhaft. „Eine heroische Allgemeinheit dringt in die Staffeleimalerei ein“ Einer der bedeutendsten Vertreter Staffelei-Malerei dieser Zeit Boris Ioganson. Er bringt „neue revolutionäre Inhalte im Einklang mit der Zeit“ in seine Werke ein. Besonders beliebt sind zwei seiner Gemälde: „Verhör der Kommunisten“ (1933) und „In der alten Ural-Fabrik“ (1937). „Verhör von Kommunisten“ „Im alten Ural-Werk“

MONUMENTALE MALEREI In den 1990er Jahren wurde die monumentale Malerei zum Pflichtbestandteil künstlerische Kultur. Sie hing von der Entwicklung der Architektur ab und war fest mit dieser verbunden. Vorrevolutionäre Traditionen wurden zu dieser Zeit von Evgeniy Lanceray fortgeführt, der die Restauranthalle des Kasaner Bahnhofs (1933) bemalte und damit seinen Wunsch nach einer flexiblen Barockform zum Ausdruck brachte. Auch zur Monumentalmalerei dieser Zeit leistete Deineka einen großen Beitrag. Seine Mosaike der Majakowskaja-Station (1938) wurden in einem modernen Stil geschaffen: Schärfe des Rhythmus, Dynamik lokaler Farbflecken, Energie der Winkel, konventionelle Darstellung von Figuren und Objekten. Auch der berühmte Grafiker Favorsky leistete einen Beitrag zur Monumentalmalerei: Er wandte sein 2000 entwickeltes System der Formenkonstruktion an Buchillustration, auf neue Herausforderungen. Seine Gemälde des Museums für schützende Mutterschaft und Kindheit (1933, zusammen mit Lev Bruni) zeigen sein Verständnis der Rolle des Flugzeugs, der Kombination von Fresken mit Architektur, basierend auf den Erfahrungen der alten russischen Malerei.

LANDSCHAFT Es werden vielfältige Stilrichtungen erreicht: In den 1960er Jahren begann in der UdSSR die Ära der fundierten Methode des sozialistischen Realismus in der Kunst im Allgemeinen und in der Malerei im Besonderen. Es werden verschiedene Stilrichtungen erreicht: 1. Lyrische Linie Landschaftsmalerei, 2. Industrielandschaft.

PORTRÄT-GENRE-Entwicklung malerisches Porträt im Stil der Avantgarde der „ersten Welle“ hatten sich in den 1930er Jahren erschöpft. IN Porträtgenre Die Techniken und Stilistiken einer realistischen Lösung des Bildes eines Zeitgenossen waren erneut gefragt, während die ideologische, propagandistische Funktion des Porträts zu einer der Hauptaufgaben erklärt wurde. M. Nesterov „Porträt des Akademikers I.P. Pavlov“ 1930 Nesterov M. „Porträt des Künstlers P.D. und A.D. Korinych“, 1930

ERGEBNIS: Ergebnisse der Transformationen der ersten Jahre Sowjetmacht im Bereich der Kultur waren alles andere als zweideutig. Einerseits wurden gewisse Erfolge bei der Beseitigung des Analphabetismus erzielt, die Aktivität der kreativen Intelligenz nahm zu, was sich in der Organisation neuer und der Wiederbelebung alter Gesellschaften und Vereine sowie der Schaffung von Werten auf diesem Gebiet äußerte von spirituellen und materielle Kultur. Andererseits wurde Kultur Teil der Staatspolitik und geriet unter die Kontrolle des Partei- und Regierungsapparats.

Auch das professionelle Komponieren in den Genres Konzert, Philharmonie und Musiktheater erfuhr in den 30er Jahren erhebliche Veränderungen. Natürlich konnten sie nicht umhin, mit jenen Veränderungen des gesellschaftlichen Lebens in Verbindung gebracht zu werden, die zur Errichtung eines neuen, zentralisierten Staatssystems führten. Am 23. April 1932 wurde eine Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ angenommen. In diesem Parteidokument wurde betont, dass der Rahmen der in den 1920er Jahren entstandenen literarischen und künstlerischen Organisationen „enger wurde und den ernsthaften Spielraum künstlerischer Kreativität behinderte“. Zu den Organisationen, die gemäß dem Beschluss des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki aufgelöst wurden, gehörte auch die RAPM, die sich längst zu einer Gruppe entwickelt hatte, die ihre „Clan“-Interessen über die Wahrheit stellte. Der Text des Parteidokuments wies auf die Gefahr hin, diese Art von Vereinigungen „von einem Mittel zur Maximierung der Mobilisierung sowjetischer Schriftsteller und Künstler für die Aufgaben des sozialistischen Aufbaus in ein Mittel zur Kultivierung der Isolation des Kreises, der Trennung von den politischen Aufgaben unseres Landes“ zu verwandeln Zeit und von bedeutenden Gruppen von Schriftstellern und Künstlern, die mit dem sozialistischen Aufbau sympathisieren.“

Obwohl das Dekret vom 23. April 1932 das Recht der Künstler, freie Vereinigungen und Vereinigungen zu gründen, tatsächlich abschaffte, wurde es von der überwältigenden Mehrheit von ihnen mit Begeisterung aufgenommen. Viele von ihnen hofften auf positive Veränderungen, auf die Abschaffung der bisherigen Diskriminierung sogenannter „Mitläufer“ und stimmten der Idee zu, sich aufgrund der Berufszugehörigkeit zu einheitlichen Kreativgewerkschaften zusammenzuschließen. Allein die Idee der Gleichberechtigung aller Meister der Kunst in solchen Gewerkschaften, unabhängig von ihren künstlerischen Positionen und stilistischen Vorlieben, schien in ihrer praktischen Umsetzung weitreichende Perspektiven für die freie Entfaltung kreativer Individuen unter einer unabdingbaren Bedingung zu eröffnen – ihrer Unterstützung des sozialistischen Aufbaus im Land. Ansonsten schien alles dem Ermessen der Künstler selbst überlassen zu sein, die frei wählten, auf welchen Wegen sie zur Wahrheit in der Kunst gelangen wollten und mit welchen Mitteln sie die von ihnen gestellten Probleme lösten.

Der organisatorische Zusammenschluss der Kreativschaffenden wurde durch die Gründung einheitlicher Kreativgewerkschaften gefestigt. Unter ihnen war der Verband der sowjetischen Komponisten (später der Komponistenverband der UdSSR) – ein auf einer gemeinsamen Basis gegründeter Verband von Komponisten und Musikwissenschaftlern ideologische Grundlage, dann von allen kreativen Gewerkschaften anerkannt. Eine entscheidende Rolle bei seiner Verabschiedung spielte der Erste All-Union-Kongress der Schriftsteller, der 1934 unter der Leitung und aktiven Beteiligung von A. M. Gorki stattfand. Die Methode des sozialistischen Realismus wurde zur theoretischen Grundlage für die Konsolidierung der kreativen Persönlichkeiten des Landes.
Das Wesentliche der Methode wurde 1934 in der Charta des Schriftstellerverbandes der UdSSR formuliert: „Der sozialistische Realismus verlangt vom Künstler eine wahrheitsgetreue, historisch konkrete Darstellung.“ künstlerisches Bild Realität in ihrer revolutionären Entwicklung.“ Diese Formel beinhaltete in der Tat keine Widerspiegelung des Lebens in der Kunst, wie es ist, in seinen komplexen Widersprüchen, sondern die Konstruktion eines idealen Modells, eines Vorbilds, die Wiederherstellung der Realität, wie sie sein sollte, um dem stalinistischen Ideal zu entsprechen des Sozialismus.“

Schon bei den ersten Versuchen, den künstlerischen Prozess vom Standpunkt des sozialistischen Realismus aus zu begreifen, traten erhebliche Schwierigkeiten auf. Die lebendige Praxis passte nicht in das prokrusteische Bett der Methode, daher war es notwendig, die Werke entweder künstlich an Kriterien anzupassen, die Gesetzeskraft erlangt hatten, oder diese Werke und ihre Schöpfer vollständig von der sowjetischen Kunst im Allgemeinen zu trennen. Der irreparable Schaden, der durch die erzwungene Einführung dieser Methode verursacht wurde, resultierte aus den Monopolansprüchen ihrer Anhänger. Darüber hinaus fand eine bedeutende Substitution statt: Das Prinzip des Realismus wurde in Worten verkündet, während die Anhänger der neuen Methode tatsächlich einen romantischen Mythos mit der für romantische Künstler charakteristischen Doppelwelt schufen. Den Schrecken der alten Welt, die der Mittelpunkt aller erdenklichen Laster und Unterdrückungen der Machthaber zu sein schien, stand die erhabene Harmonie der neuen Gesellschaft der Bauherren und Kämpfer gegenüber – Ritter ohne Furcht und Vorwurf. Natürlich wurde dieses Modell in den talentiertesten Kreationen nie in seiner ungetrübten Reinheit dargestellt, aber es diente als eine Art Richtlinie, ein Ideal, nach dem man streben sollte. Daher die eindringliche Forderung nach Optimismus, Optimismus auf Befehl, sobald die sowjetische Realität zum Gegenstand künstlerischer Darstellung wurde; daher die misstrauische Haltung gegenüber dem tragischen Thema und gegenüber Künstlern mit einer tragischen Weltanschauung.

In der Musik stieß die Vermittlung des sozialistischen Realismus sofort auf erhebliche Schwierigkeiten. „Der sozialistische Realismus ist keine fertige Standardform musikalischen Schaffens“, schrieb der prominente sowjetische Kritiker W. Gorodinsky, „der ihm dicht auf den Fersen ist“. Diese Methode, so der Kritiker, schränkt die Initiative des Künstlers keineswegs ein und ist keineswegs etwas, das ein für alle Mal festgelegt, unfähig zur Entwicklung, immer und überall gleich ist. Doch was genau die Musik enthalten musste, um die Kriterien der Methode zu erfüllen, blieb unklar. Es ist kein Zufall, dass die Gespräche über das Wesen des sozialistischen Realismus in der Musik bald verstummten und die Sache sich darauf beschränkte, die Ritualformel einfach zu wiederholen, ohne ernsthaft herauszufinden, ob sie allgemein auf die Kunst der intonierten Klangbilder anwendbar sei.

Wenn wir uns dem tatsächlichen Stand der Dinge zuwenden, der sich entwickelt hat verschiedene Typen Kunst in den 30er Jahren ist hervorzuheben, dass sich in der Literatur, der bildenden Kunst, dem Theater, dem Kino – überall ein Prozess der relativen Stabilisierung abgezeichnet hat. Damit verbunden war eine Abkehr von der Ästhetik der 20er Jahre, von den extremen Tendenzen der damaligen künstlerischen Avantgarde. Vorbei sind die Plakatsymbole, die schlichte Propaganda von Reden, die dazu gedacht sind, rednerisch vor Publikum gehalten zu werden Freiflächen, gerade als die Praxis der Massentheateraufführungen ausstarb. Sogar Führer proletarischer Organisationen vertraten den Slogan „lebendiger Mensch“ und lehnten Aufrufe zur „Dämonisierung“ ab. Fiktion. Experimentelle Bewegungen, die nun als Ausdruck linker Extreme und bürgerlich-ästhetischer Exzesse verstanden wurden, scheiterten. Sie waren Gegenstand der Kritik an der formalen Schule in der Literaturkritik – die Bezeichnung „Formalismus“ wurde lange Zeit zu einem gängigen Repressalienmittel gegen jene Bereiche, in denen die Aufgabe der Aktualisierung sprachlicher Mittel gestellt wurde. Die Orientierung an den Klassikern begann die Entwicklung fast aller Erscheinungsformen künstlerischen Schaffens zu bestimmen.

Es wäre jedoch ein Fehler zu behaupten, dass die sowjetische Kunst der 30er Jahre völlig auf die Suche nach neuen künstlerischen Aufgaben verzichtet hätte. In einer Reihe von Werken verschmolzen beide bisherigen Strömungen harmonisch – die Weiterentwicklung der klassischen Tradition und die Suche nach einer neuen Sprache im Einklang mit der Moderne. Vielleicht hat sich diese Kombination nirgendwo so klar und künstlerisch perfekt manifestiert wie in der Musik. Aber es hat auch die Entwicklung der Theaterkunst deutlich und spürbar beeinflusst. In den 30er Jahren nahm das Ansehen der akademischen Theater erheblich zu, wobei das Moskauer Kunsttheater in den Vordergrund rückte: Unter der Leitung von K. Stanislavsky und V. Nemirowitsch-Dantschenko präsentierte es eine Reihe herausragender Aufführungen, die sich durch eine innovative Interpretation der Klassiker auszeichneten („Anna Karenina“ von L. Tolstoi, „The School of Scandal“ von R. Sheridan und anderen). Aber der ehemalige Antipode des Moskauer Kunsttheaters, wie lange Jahre Das Theater von V. Meyerhold proklamierte sich selbst, wandte sich auch den Klassikern zu und trug zur Renaissance von A. Ostrovsky bei, mit der die 30er Jahre verbunden waren (die Inszenierung des Stücks „Der Wald“).

1) Resolution des XVI. Kongresses der Allunionskommunistischen Partei /b/ „Über die Einführung der allgemeinen Grundschulpflicht für alle Kinder in der UdSSR“ (1930); 2) Die von I. Stalin in den dreißiger Jahren vorgebrachte Idee, das „Wirtschaftspersonal“ auf allen Ebenen zu erneuern, was die Gründung von Industrieakademien und Ingenieuruniversitäten im ganzen Land sowie die Einführung von Bedingungen zur Förderung der Bildung von Arbeitnehmern beinhaltete bei Abend- und Fernkursen an Universitäten „ohne Trennung von der Produktion“.

Die ersten Bauprojekte des Fünfjahresplans, Kollektivierung der Landwirtschaft, die Stachanow-Bewegung, historische Errungenschaften Sowjetische Wissenschaft und Techniken wurden in der Einheit ihrer rationalen und emotionalen Strukturen im öffentlichen Bewusstsein wahrgenommen, erlebt und reflektiert. Daher konnte die künstlerische Kultur nur eine äußerst wichtige Rolle in der spirituellen Entwicklung der sozialistischen Gesellschaft spielen. Nie zuvor und nirgendwo auf der Welt hatten Kunstwerke ein so breites, so großes und wirklich beliebtes Publikum wie in unserem Land. Dies belegen eindrucksvoll die Besucherzahlen des Theaters, Konzerthallen, Kunstmuseen und Ausstellungen, der Aufbau eines Kinonetzwerks, Buchveröffentlichungen und die Verwendung von Bibliotheksmitteln.

Die offizielle Kunst der 30er und 40er Jahre war optimistisch und bejahend, ja sogar euphorisch. Der Haupttyp der Kunst, den Platon für sein Ideal „Staat“ empfahl, war in der realen sowjetischen totalitären Gesellschaft verkörpert. Dabei sollten wir uns die tragische Inkonsistenz vor Augen halten, die sich in der Vorkriegszeit im Land entwickelte. Im öffentlichen Bewusstsein der 30er Jahre begann sich der Glaube an sozialistische Ideale und die enorme Autorität der Partei mit „Führung“ zu verbinden. Soziale Feigheit und die Angst, aus dem Mainstream auszubrechen, haben sich in weiten Teilen der Gesellschaft ausgebreitet. Das Wesen der klassenmäßigen Herangehensweise an gesellschaftliche Phänomene wurde durch den Personenkult um Stalin gestärkt. Die Prinzipien des Klassenkampfes spiegeln sich auch im künstlerischen Leben des Landes wider.

Im Jahr 1932 wurden nach dem Beschluss des XVI. Kongresses der Allunionskommunistischen Partei /b/ eine Reihe kreativer Vereinigungen im Land aufgelöst – Proletkult, RAPP, VOAPP. Und im April 1934 wurde der Erste Allunionskongress sowjetischer Schriftsteller eröffnet. Auf dem Kongress hielt der Sekretär des Zentralkomitees für Ideologie A.A. einen Bericht. Schdanow, der die bolschewistische Vision einer künstlerischen Kultur in einer sozialistischen Gesellschaft skizzierte. Als „hauptsächliche kreative Methode“ der sowjetischen Kultur wurde der „Sozialistische Realismus“ empfohlen. Die neue Methode schrieb den Künstlern sowohl den Inhalt als auch die Strukturprinzipien des Werks vor und deutete auf die Existenz eines „neuen Bewusstseinstyps“ hin, der als Ergebnis der Etablierung des Marxismus-Leninismus entstand. Der sozialistische Realismus wurde ein für alle Mal als gegeben anerkannt, als die einzig wahre und vollkommenste kreative Methode ... Schdanows Definition des sozialistischen Realismus basierte auf Stalins Definition von Schriftstellern als „Ingenieuren“ im Interesse des technischen Denkens der Zeit. menschliche Seelen" Somit waren künstlerische Kultur und Kunst gegeben instrumentalen Charakter oder ihm wurde die Rolle eines Instruments zur Bildung eines „neuen Menschen“ zugeschrieben.

Allerdings erwies sich die künstlerische Praxis der 30er und 40er Jahre als weitaus reicher als die empfohlenen Parteirichtlinien. In der Vorkriegszeit war die Rolle von historischer Roman, zeigt ein tiefes Interesse an der Geschichte des Vaterlandes und den markantesten historischen Persönlichkeiten. Daher eine ganze Reihe ernsthafter historischer Werke: „Kyukhlya“ von Yu. Tynyanov, „Radishchev“ von O. Forsh, „Emelyan Pugachev“ von V. Shishkov, „Dschingis Khan“ von V. Yan, „Peter der Große“ von A . Tolstoi.

In denselben Jahren blühte die sowjetische Kinderliteratur auf. Ihre großen Erfolge waren Gedichte für Kinder von V. Mayakovsky, S. Marshak, K. Chukovsky, S. Mikhalkov, Geschichten von A. Gaidar, L. Kassil, V. Kaverin, Märchen von A. Tolstoi, Yu.

Am Vorabend des Krieges im Februar 1937, dem 100. Todestag von A. S. Puschkin, feierte das Land im Mai 1938 nicht weniger feierlich den 750. Jahrestag der Gründung des Nationalheiligtums „The Tale“. von Igors Feldzug“ und im März 1940 der letzte Teil von M. Scholochows Roman „ Ruhiger Don».

Von den ersten Tagen des Großen Vaterländischen Krieges an widmete sich die sowjetische Kunst ganz der Rettung des Vaterlandes. Kulturschaffende kämpften mit Waffen in der Hand an den Kriegsfronten, arbeiteten in den Presse- und Propagandabrigaden an vorderster Front.

Die sowjetische Poesie und das Lied erlangten in dieser Zeit einen außergewöhnlichen Klang. Das Lied „Holy War“ von V. Lebedev, Kumach und A. Alexandrov wurde zu einer wahren Hymne des Volkskrieges. Militärtexte von M. Isakovsky, S. Shchipachev, A. Tvardovsky, A. Akhmatova, A. Cyrikov, N. Tikhonov, O. Berggolts, B. Pasternak, K. Simonov wurden in Form eines Eids, einer Klage und eines Fluches verfasst und direkte Berufung.

In den Kriegsjahren entstand eines der größten Werke des 20. Jahrhunderts – die 7. Symphonie von D. Schostakowitsch. L. Beethoven wiederholte einst gerne die Idee, dass Musik das Feuer des mutigen menschlichen Herzens entfachen sollte. Es waren diese Gedanken, die D. Schostakowitsch in seinem bedeutendsten Werk verkörperte. D. Schostakowitsch begann einen Monat nach Beginn des Großen Vaterländischen Krieges mit dem Schreiben der 7. Symphonie und setzte seine Arbeit im von den Nazis belagerten Leningrad fort. Zusammen mit Professoren und Studenten des Leningrader Konservatoriums ging er zum Ausheben von Schützengräben und wohnte als Mitglied der Feuerwehr in einer Kaserne im Gebäude des Konservatoriums. Auf der Originalpartitur der Symphonie sind die Komponistenzeichen „VT“ zu sehen – was „Luftangriffswarnung“ bedeutet. Als es soweit war, unterbrach D. Schostakowitsch seine Arbeit an der Symphonie und ging, um Brandbomben vom Dach des Wintergartens abzuwerfen.

Die ersten drei Sätze der Symphonie wurden Ende September 1941 fertiggestellt, als Leningrad bereits umzingelt und brutalem Artilleriebeschuss und Luftangriffen ausgesetzt war. Das siegreiche Finale der Symphonie wurde im Dezember abgeschlossen, als die faschistischen Horden am Stadtrand von Moskau standen. „Ich widme diese Symphonie meiner Heimatstadt Leningrad, unserem Kampf gegen den Faschismus, unserem bevorstehenden Sieg“ – so lautete das Epigraph dieses Werks.

1942 wurde die Symphonie in den USA und anderen Ländern der antifaschistischen Koalition aufgeführt. Musikalische Kunst Die ganze Welt kennt kein anderes Werk, das eine so starke öffentliche Resonanz erhalten würde. „Wir verteidigen die Freiheit, Ehre und Unabhängigkeit unseres Vaterlandes. Wir kämpfen für unsere Kultur, für die Wissenschaft, für die Kunst, für alles, was wir gebaut und geschaffen haben“, schrieb damals D. Schostakowitsch.

Während der Kriegsjahre schuf das sowjetische Drama wahre Meisterwerke Theaterkunst. Es geht umüber die Stücke von L. Leonov „Invasion“, K. Simonov „Russisches Volk“, A. Korneychuk „Front“.

Während der Kriegsjahre gab es Konzerte des Leningrader Philharmonischen Symphonieorchesters unter der Leitung von E. Mravinsky, des Gesangs- und Tanzensembles der Sowjetarmee unter der Leitung von A. Alexandrov, dem Russen Volkschor ihnen. M. Pyatnitsky, Solisten K. Shulzhenko, L. Ruslanova, A. Raikin, L. Utesov, I. Kozlovsky, S. Lemeshev und viele andere.

In der Nachkriegszeit setzte die russische Kultur ihre künstlerische Auseinandersetzung mit militärischen Themen fort. A. Fadeevs Roman „The Young Guard“ und „The Tale of a Real Man“ von B. Polevoy entstanden auf dokumentarischer Basis.

Im Sowjet Geisteswissenschaften In dieser Zeit begannen sich neue Forschungsansätze zu entwickeln. öffentliches Bewusstsein. Dies liegt daran, dass das sowjetische Volk beginnt, sich mit der Kultur anderer Länder vertraut zu machen und spirituelle Kontakte mit allen Kontinenten zu knüpfen.

4. Soziokulturelle Situation der 60-70er Jahre des 20. Jahrhunderts in Russland Künstlerischer Prozess Die 60er und 70er Jahre zeichneten sich durch die Intensität und Dynamik ihrer Entwicklung aus. Er war eng mit bekannten gesellschaftspolitischen Prozessen im Land verbunden. Nicht umsonst wird diese Zeit als politisches und kulturelles „Tauwetter“ bezeichnet. Auch die Entstehung der Kultur des „Tauwetters“ wurde stark von der rasanten Entwicklung beeinflusst wissenschaftlich-technisch Fortschritt, der viele sozioökonomische Prozesse dieser Zeit bestimmte. Ökologische Veränderungen in der Natur, Abwanderung einer großen Zahl von Menschen aus Dörfern in Städte, Verkomplizierung des Lebens und des Alltags in moderne Städte führte zu gravierenden Veränderungen im Bewusstsein und der Moral der Menschen, die Gegenstand der Darstellung in der künstlerischen Kultur wurden. In der Prosa von V. Shukshin, Y. Trifonov, V. Rasputin, Ch. Aitmatov, in der Dramaturgie von A. Vampilov, V. Rozov, A. Volodin, in der Poesie von V. Vysotsky kann man den Wunsch nachverfolgen komplexe Zeitprobleme in Alltagsgeschichten erkennen.

In den 60er und 70er Jahren begann das Thema des Großen Vaterländischen Krieges in Prosa und Kino auf neue Weise zu klingen. Kunstwerke In diesen Jahren wurden Konflikte und Ereignisse nicht nur kühner ans Licht gebracht letzter Krieg, sondern richteten ihre Aufmerksamkeit auch auf das Schicksal einer einzelnen Person im Krieg. Die wahrsten Romane und Filme wurden von Autoren und Regisseuren geschrieben und inszeniert diejenigen, die den Krieg kennen aus persönlicher Erfahrung. Dies sind Prosaautoren – V. Astafiev, V. Bykov, G. Baklanov, V. Kondratiev, Filmregisseure G. Chukhrai, S. Rostotsky.

Ein wahres Phänomen der sowjetischen Kultur war die Geburt des sogenannten „Tauwetters“ während des „Tauwetters“. Dorfprosa" Seine Ausprägung deutet keineswegs darauf hin, dass es in der Bauernschaft besondere künstlerische Bedürfnisse gab, die sich deutlich von den Bedürfnissen anderer Schichten der sowjetischen Gesellschaft unterschieden. Der Inhalt der meisten Werke von V. Astafiev, V. Belov, F. Abramov, V. Rasputin und anderen „Dorfarbeitern“ ließ niemanden gleichgültig, denn die Rede in

Sie sprachen über universelle menschliche Probleme.

Die „Dorfschreiber“ zeichneten nicht nur tiefgreifende Veränderungen im Bewusstsein und in der Moral der Dorfbewohner auf, sondern zeigten auch die dramatischere Seite dieser Veränderungen, die sich auf die Veränderung der Generationenverbindung und die Übertragung spiritueller Erfahrungen älterer Generationen auswirkten Jüngere. Die Verletzung der Kontinuität der Traditionen führte zum Aussterben der alten russischen Dörfer mit ihrer über Jahrhunderte gewachsenen Lebensweise, Sprache und Moral. Eine neue Lebensweise auf dem Land, ähnlich der städtischen, wird ersetzt. Dadurch verändert sich das Grundkonzept des Dorflebens – das Konzept der „Heimat“, in das die Russen seit der Antike auch das Konzept des „Vaterlandes“ einbeziehen. Heimatland", "Familien". Durch das Verständnis des Konzepts „Heimat“ wurde eine tiefe Verbindung zwischen den Kolonien realisiert. F. Abramov schrieb darüber mit Schmerz in seinem Roman „Home“; auch V. Rasputins Geschichten „Farewell to Matera“ und „Fire“ sind diesem Problem gewidmet.

Das Problem der Beziehung zwischen Mensch und Natur ist eines der akutesten globale Probleme 20. Jahrhundert, erhielt seine besondere künstlerische Bedeutung auch in den 60-70er Jahren. Die irrationale Nutzung natürlicher Ressourcen, die Verschmutzung von Flüssen und Seen sowie die Zerstörung von Wäldern waren die schwerwiegendsten Folgen des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts. Die Ungelöstheit dieser Probleme konnte nur Auswirkungen haben Spirituelle Welt eine Person, die eine Verletzung des ökologischen Gleichgewichts in der Natur beobachtet und oft auch direkt verursacht hat. Die grausame, konsumistische Haltung gegenüber der Natur führte bei den Menschen zu Herzlosigkeit und mangelnder Spiritualität. genau moralische Probleme Zunächst wurde der Panoramafilm jener Jahre „Am See“ des Filmregisseurs S. Gerasimov gewidmet. Die sechziger Jahre offenbarten der sowjetischen Gesellschaft das Phänomen der Prosa von A. Solschenizyn. In dieser Zeit erschienen seine Erzählungen „Ein Tag im Leben des Iwan Denisowitsch“ und „Matrenins Hof“, die zu Klassikern des Dissidenten dieser Jahre wurden. Eine wahre Entdeckung der damaligen Theaterkultur war die Gründung der jungen Theaterstudios „Sovremennik“ und „Taganka“. Ein bemerkenswertes Phänomen im künstlerischen Leben dieser Jahre war die Tätigkeit der Zeitschrift „New World“ unter der Leitung von A. Tvardovsky.

Im Allgemeinen konnte die künstlerische Kultur des „Tauwetters“ die sowjetische Gesellschaft vor eine Reihe drängender Probleme stellen und versuchte, diese Probleme in ihren Werken zu lösen.

5. Sowjetische Kultur 80er Jahre des 20. Jahrhunderts Die achtziger Jahre waren eine Zeit, in der sich die künstlerische Kultur auf die Idee der Reue konzentrierte. Das Motiv der universellen Sünde, das Gerüst, zwingt Künstler dazu, auf Formen des künstlerischen Denkens wie Gleichnisse, Mythen und Symbole zurückzugreifen. Nachdem er wiederum den Roman „Das Gerüst“ von Ch. Aitmatov und den Film „Repentance“ von T. Abuladze kennengelernt hatte, überlegten, argumentierten und entwickelten sie ihre eigene bürgerliche Position.

Das wichtigste Merkmal der künstlerischen Situation der achtziger Jahre ist die Entstehung eines kraftvollen Stroms „zurückgekehrter“ künstlerischer Kultur. Diese Kultur wurde aus den gleichen Positionen wie die moderne verstanden und verstanden, das heißt für den Betrachter, Zuhörer, geschaffen. Leser dieser Jahre.

Die Kultur der achtziger Jahre ist durch eine aufkommende Tendenz zum Geben gekennzeichnet neues Konzept Mensch und Welt, wobei das Universelle Humanistische wichtiger ist als das Sozialhistorische. Entsprechend der Vielfalt der kreativen Stile, ästhetischen Konzepte und Vorlieben für das eine oder andere künstlerische Tradition Die Kultur der späten 80er und frühen 90er Jahre erinnert an den Beginn des 20. Jahrhunderts in der russischen Kultur. Häusliche Kultur als würde es einen gescheiterten natürlichen Moment seiner Entwicklung erreichen (der von der westeuropäischen Kultur des 20. Jahrhunderts ruhig überstanden wurde) und durch bekannte gesellschaftspolitische Ereignisse in unserem Land gewaltsam gestoppt werden.

Damit wurde das Kernproblem der künstlerischen Kultur der achtziger Jahre, verbunden mit dem Selbstbewusstsein des Einzelnen in seiner Beziehung zur Naturwelt und der Welt der Menschen im stilistischen Ausdruck, durch eine Bewegung vom Psychologismus zum Journalismus und dann aufgezeigt zum Mythos, indem er die Stile unterschiedlicher ästhetischer Ausrichtungen synthetisiert.

Aufgrund der Besonderheiten Russische Geschichte und insbesondere das Vorhandensein grundlegend unterschiedlicher sozioökonomischer Strukturen und soziokultureller Schichten in der Gesellschaft ist das Bewusstsein für die Notwendigkeit einer Transformation in der Regel sehr schwierig. Kljutschewski betonte, dass die Besonderheit von Ländern, die hinter den fortgeschrittenen Mächten zurückbleiben, darin bestehe, dass „der Bedarf an Reformen reift, bevor die Menschen reif für Reformen sind“. In Russland waren die ersten, die die Notwendigkeit einer Reform erkannten, die Intelligenz oder einzelne Vertreter der herrschenden Elite, die einen gewissen Einfluss der westlichen Kultur erfahren hatten. Aufgrund der Trägheit der überwiegenden Mehrheit der Gesellschaft und der Entfremdung der Staatsmacht verbreiten sich Reformideen jedoch in der Regel äußerst langsam. Dies wiederum provozierte ihre radikalen Anhänger oft zu Protesten gegen die Regierung oder zumindest zu Propaganda. Die Unterdrückung dieser Bewegungen (zum Beispiel der Dekabristen und Volkstümler im 19. Jahrhundert, der Dissidenten in den vergangenen Jahrzehnten) verursachte nur eine Gegenreaktion und verzögerte Reformen.

Gleichzeitig drang die Idee der Notwendigkeit von Reformen nach und nach in die Köpfe der Regierungsbeamten ein, und es war der Staat, der mit den Reformen begann. Daher war die Position der höchsten Macht: Könige, Kaiser, Generalsekretäre und jetzt Präsidenten, von enormer und entscheidender Bedeutung für das Schicksal der Transformationen. Einige von ihnen gehörten zu den ersten, die Reformen realisierten und begannen. Dies ist natürlich Peter der Große und teilweise Alexander I. Letzterer wagte jedoch vielleicht, wie seine Großmutter Katharina II., nicht wie Peter I., sein eigenes Schicksal aufs Spiel zu setzen und radikale Reformen zu beginnen und zu brechen der Widerstand und die Apathie der herrschenden Elite, ja und größtenteils des Volkes.

„Musikunterricht“ – Einsatz von IKT im Musikunterricht. Programme zum Arbeiten mit Musik auf einem Computer. Probleme: Interesse an Musikkultur fördern. Moderne technische Mittel. Enzyklopädie „Musikinstrumente“. Der Rock-, Jazz- und Popmusik gewidmet. Sie tragen dazu bei, die Kontrolle der Aktivitäten der Studierenden qualitativ zu verändern.

„Musikalisches Bild“ – Jean Sibelius. V.A. Mozart. Welches Bild offenbart sich in Chopins Walzer Nr. 47? Text und Musik von O. Mityaev. 6 Musikalisches Bild. Selbstachtung. Das Hauptlied des Staates. Gründer Polnische Musik. Musikalische Einleitung zum Großen Musikstück. Wie heißt das Werk von J. Sibelius? Welche Kunstwerke passen zum „Traurigen Walzer“ von J. Sibelius?

„Musikkultur des Barock“ – Edvard Grieg. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91). Letztes Stück Mozarts „Requiem“ blieb unvollendet. Familie von W. A. ​​​​Mozart. Österreichischer Komponist. Das Erbe Mozarts. „Ornamentik stößt an die Grenzen des Möglichen“ T. Vladysheskaya. Der Geburtsort von W.A. Mozart ist Salzburg. Opern „Orpheus“ (1607), „Ariadne“ (1608) usw.

„Musikkomponisten“ – Preisträger des Lenin- und Staatliche Auszeichnungen DIE UDSSR. „Warum lebt Genie ewig? Nationaler Künstler DIE UDSSR. Warum verschwindet die Mode schnell?... Andre?y Yakovlevich Eshpa?y (15. Mai 1925) – sowjetischer und russischer Komponist. Mitglied des Komponistenverbandes der UdSSR seit 1952. Demonstrationsmaterial für einen Musikunterricht (Musikprogramm, hrsg.

„Kasachische Musikinstrumente“ – Der Sherter war jedoch viel kleiner und hatte einen stärkeren Klang. Uranus. Unter jede Saite wurden auf beiden Seiten Asyks gelegt. In der Antike waren Schlaginstrumente im Leben der Kasachen weit verbreitet. Scherter. Neben Schilfsybyzgs gab es auch Holzsybyzgs. Die Saiten werden mit Wirbeln und durch Verschieben der Ständer gestimmt.

„Musikalische Spiele“ - . Er erlaubte mir nicht, von Zeile zu Zeile zu springen, er sagte: „Die Harmonie wird gebrochen.“ Alexander Sergejewitsch Puschkin. Der Lehrer führt die Kinder in das Spiel ein und erklärt die Aufgabe. Klassifizierung von Spielen. Auf Löffeln: KNOCK – KNOCK – KNOCK. Der Winter ist auf der Erde angekommen! Wenn ein gutes Lied erklang, wurden sowohl der Komponist als auch der Dichter gelobt. Komponist Johann Sebastian Bach.

Im Jahr 1934 formulierte Maxim Gorki auf dem Ersten Allunionskongress sowjetischer Schriftsteller die Grundprinzipien des sozialistischen Realismus als Methode der sowjetischen Literatur und Kunst. Dieser Moment markiert den Anfang neue Ära Sowjetische Kunst mit strengeren ideologischen Kontroll- und Propagandasystemen.

Grundprinzipien:

• - Staatsangehörigkeit. Die Helden sozialistisch-realistischer Werke waren in der Regel Stadt- und Landarbeiter, Arbeiter und Bauern, Vertreter der technischen Intelligenz und des Militärpersonals, Bolschewiki und Parteilose.
• - Ideologie. Zeigen Sie das friedliche Leben der Menschen, die Suche nach Wegen zu einem neuen, besseren Leben, Heldentaten, um etwas zu erreichen glückliches Leben Für alle Leute.
• - Spezifität. Zeigen Sie den Prozess in der Realität historische Entwicklung, was wiederum dem materialistischen Geschichtsverständnis entsprechen muss (im Prozess der Veränderung seiner Existenzbedingungen ändern Menschen auch ihr Bewusstsein und ihre Einstellung gegenüber der umgebenden Realität).

In den Jahren nach diesem Beschluss des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki zur Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen wurden eine Reihe wichtiger Veranstaltungen durchgeführt, die darauf abzielten, die Kunst in die vom Staat geforderte Richtung zu entwickeln. Die Praxis wird erweitert staatliche Anordnungen, kreative Geschäftsreisen, Organisation großer Themen- und Jubiläumsausstellungen. Sowjetische Künstler schaffen viele Werke (Tafeltafeln, monumentale, dekorative) für den zukünftigen VDNH. Dies bedeutete eine wichtige Etappe in der Wiederbelebung der Monumentalkunst als eigenständige Kunst. In diesen Werken wurde deutlich, dass der Wunsch der sowjetischen Kunst nach Monumentalität kein Zufall ist, sondern „große Aussichten für die Entwicklung der sozialistischen Gesellschaft“ widerspiegelt.

Im Jahr 1918 definierte Lenin in einem Gespräch mit K. Zetkin die Aufgaben der Kunst in der sowjetischen Gesellschaft: „Kunst gehört dem Volk.“ Sie muss ihre tiefsten Wurzeln in den Tiefen der breiten arbeitenden Massen haben. Es muss für diese Massen verständlich und von ihnen geliebt werden. Es muss das Gefühl, das Denken und den Willen dieser Massen vereinen, sie erheben. Es soll die Künstler in ihnen wecken und entwickeln.“

Im Berichtszeitraum entstanden neben bereits bestehenden Kunstrichtungen auch einige grundlegend neue, beispielsweise die Avantgarde.

Im Rahmen des Monumentalismus-Stils größtes Interesse stellt die Skulptur dar. Wie alle anderen Strömungen in der sowjetischen Kunst hatte auch die Bildhauerei dieser Zeit eine propagandistische Ausrichtung und patriotische Themeninhalte. Sehr wichtig Lenins Plan zur Monumentalpropaganda aus dem Jahr 1918 spielte eine Rolle bei der Entwicklung der Bildhauerei. Nach diesem Plan sollten im ganzen Land Denkmäler errichtet werden, die neue revolutionäre Werte fördern. Für die Arbeit wurden bedeutende Bildhauer hinzugezogen: N.A. Andreev (der später der Schöpfer der skulpturalen Leniniana wurde). Ein weiterer bekannter Bildhauer dieser Zeit ist Ivan Shadr. 1922 schuf er die Statuen „Arbeiter“, „Sämann“, „Bauer“ und „Soldat der Roten Armee“. Die Einzigartigkeit seiner Methode liegt in der Verallgemeinerung eines Bildes auf der Grundlage einer bestimmten Genrehandlung, kraftvoller Volumenformung, Ausdruckskraft der Bewegung und romantischem Pathos. Sein auffälligstes Werk ist „Kopfsteinpflaster ist ein Werkzeug des Proletariats.“ 1905“ (1927). Im selben Jahr errichtete er auf dem Gelände des Wasserkraftwerks ZAGES im Kaukasus ein Denkmal für Lenin – „eines der besten“. Auch in den 20er Jahren entwickelte sich Vera Mukhina zur Meisterin. In dieser Zeit schuf sie ein Projekt für das Denkmal „Befreite Arbeit“ (1920, nicht erhalten), „Bauernfrau“ (1927). Von mehr reife Meister Feiern Sie die Arbeit von Sarra Lebedeva, die Porträts schuf. In ihrem Formverständnis berücksichtigt sie die Traditionen und Erfahrungen des Impressionismus. Alexander Matveev zeichnet sich durch klassische Klarheit im Verständnis der konstruktiven Grundlagen der bildenden Kunst, der Harmonie skulpturaler Massen und des Verhältnisses der Volumina im Raum („Ausziehende Frau“, „Frau zieht einen Schuh an“) sowie dem berühmten „Oktober“ aus “ (1927), wo die Komposition drei nackte Männer umfasst, sind die Figuren eine Kombination aus klassischen Traditionen und dem Ideal des „Mannes der Revolution“ (Attribute – Hammer, Sichel, Budenovka).

Kunstformen, die auf der Straße „leben“ konnten, spielten in den ersten Jahren nach der Revolution eine entscheidende Rolle bei „der Bildung des sozialen und ästhetischen Bewusstseins des revolutionären Volkes“. Daher erfuhr das politische Plakat neben der monumentalen Skulptur die aktivste Entwicklung. Es erwies sich als die mobilste und operativste Kunstform. In der Zeit des Bürgerkriegs zeichnete sich dieses Genre durch folgende Eigenschaften aus: „Schärfe in der Darstellung des Materials, sofortige Reaktion auf sich schnell ändernde Ereignisse, Propagandaorientierung, wodurch die Hauptmerkmale der plastischen Sprache des Plakats entstanden.“ . Sie erwiesen sich als Lakonismus, konventionelle Bildsprache, Klarheit der Silhouette und Gestik. Plakate waren weit verbreitet und wurden gedruckt große Auflagen und befanden sich überall. Einen besonderen Platz in der Entwicklung des Plakats nehmen ROSTAs Windows of Satire ein, in dem Cheremnykh, Michail Michailowitsch und Wladimir Majakowski eine herausragende Rolle spielten. Dabei handelt es sich um Schablonenplakate, handgemalt und mit poetischen Inschriften zum Thema des Tages. Sie spielten eine große Rolle in der politischen Propaganda und wurden zu einer neuen bildlichen Form. Die künstlerische Dekoration von Festen ist ein weiteres neues Phänomen der sowjetischen Kunst, das keine Tradition hatte. Zu den Feiertagen gehörten die Jahrestage der Oktoberrevolution, der 1. Mai, der 8. März und andere sowjetische Feiertage. Dadurch entstand eine neue unkonventionelle Kunstform, durch die die Malerei neuen Raum und neue Funktionen erhielt. Für die Feiertage entstanden monumentale Tafeln, die von enormem monumentalem Propagandapathos geprägt waren. Künstler erstellten Skizzen zur Gestaltung von Plätzen und Straßen.

An der Gestaltung dieser Feiertage waren folgende Personen beteiligt: ​​Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lanceray, S.V.

Die sowjetische Kunstkritik teilte die Meister der sowjetischen Malerei dieser Zeit in zwei Gruppen ein:

• - Künstler, die versuchten, Themen auf vertraute Weise einzufangen bildliche Sprache sachliche Darstellung;
• - Künstler, die eine komplexere, figurativere Wahrnehmung der Moderne verwendeten.

Sie schufen symbolische Bilder, in denen sie versuchten, ihre „poetische, inspirierte“ Wahrnehmung der Zeit in ihrem neuen Zustand auszudrücken. Konstantin Yuon schuf eines der ersten Werke, das sich dem Bild der Revolution widmete („Neuer Planet“, 1920, Tretjakow-Galerie), in dem das Ereignis im universellen, kosmischen Maßstab interpretiert wird. Petrov-Vodkin schuf 1920 das Gemälde „1918 in Petrograd (Petrograder Madonna)“ und löste darin die ethischen und philosophischen Probleme der Zeit. Arkady Rylov, so glaubte man, denkt in seiner Landschaft „In the Blue Expanse“ (1918) auch symbolisch und drückt „den freien Atem der Menschheit aus, der in die Weiten der Welt einbricht, zu romantischen Entdeckungen, zu freien und starken Erfahrungen.“ .“

Auch in den Grafiken sind neue Bilder zu sehen. Nikolai Kupreyanov „versucht, seine Eindrücke von der Revolution mit der komplexen Technik des Holzstichs auszudrücken“ („Armored Cars“, 1918; „Aurora Volley“, 1920). In den 1930er Jahren wurde die Monumentalmalerei zu einem unverzichtbaren Bestandteil der gesamten Kunstkultur. Sie hing von der Entwicklung der Architektur ab und war fest mit dieser verbunden. Vorrevolutionäre Traditionen wurden zu dieser Zeit vom ehemaligen Studenten der Welt der Künste, Evgeniy Lansere, fortgeführt – das Gemälde der Restauranthalle des Kasaner Bahnhofs (1933) zeigt seinen Wunsch nach einer flexiblen Barockform. Es durchbricht die Deckenebene und erweitert den Raum nach außen. Anders geht Deineka vor, der zu dieser Zeit auch maßgeblich zur Monumentalmalerei beigetragen hat. Seine Mosaike der Majakowskaja-Station (1938) wurden in einem modernen Stil geschaffen: scharfer Rhythmus, Dynamik lokaler Farbflecken, Energie der Winkel, konventionelle Darstellung von Figuren und Objekten. Die Themen sind hauptsächlich Sport. Auch der berühmte Grafiker Favorsky leistete einen Beitrag zur Monumentalmalerei: Er wandte sein in der Buchillustration entwickeltes System der Formenkonstruktion auf neue Aufgaben an. Seine Wandgemälde im Museum für Mutterschaft und Kindheit (1933, zusammen mit Lev Bruni) und im Haus der Modelle (1935) zeigen sein Verständnis der Rolle des Flugzeugs, der Kombination von Fresken mit Architektur, basierend auf den Erfahrungen der alten russischen Malerei. (Beide Werke sind nicht erhalten).

Der Konstruktivismus wurde zum dominierenden Stil in der Architektur der 20er Jahre.

Konstruktivisten versuchten, neue technische Möglichkeiten zu nutzen, um einfache, logische, funktional begründete Formen und zweckmäßige Designs zu schaffen. Architekturbeispiel Sowjetischer Konstruktivismus Die Projekte der Vesnin-Brüder können dienen. Der prunkvollste von ihnen, der Palast der Arbeit, wurde nie zum Leben erweckt, hatte aber einen erheblichen Einfluss auf die Entwicklung der Wohnarchitektur. Leider wurden auch Baudenkmäler zerstört: erst in den 30er Jahren. In Moskau wurden der Sucharew-Turm, die Christ-Erlöser-Kathedrale, das Wunderkloster im Kreml, das Rote Tor und Hunderte unbekannter städtischer und ländlicher Kirchen, von denen viele von historischem und künstlerischem Wert waren, zerstört.

Aufgrund des politischen Charakters der sowjetischen Kunst entstehen viele künstlerische Vereinigungen und Gruppen mit eigenen Plattformen und Manifesten. Kunst war gesucht und vielfältig. Die Hauptgruppen waren AHRR, OST und „4 Arts“. Der Verband der Künstler des revolutionären Russland wurde 1922 gegründet. Ihr Kern bestand aus ehemaligen Itineranten, deren Stil großen Einfluss auf die Herangehensweise der Gruppe hatte – die realistische Alltagsschriftsprache der verstorbenen Itineranten, „Unter die Leute gehen“ und thematische Ausstellungen. Neben den (von der Revolution diktierten) Themen der Gemälde zeichnete sich das AHRR durch die Organisation thematischer Ausstellungen wie „Leben und Leben der Arbeiter“, „Leben und Leben der Roten Armee“ aus.

Die wichtigsten Meister und Werke der Gruppe: Isaac Brodsky („Lenins Rede in der Putilov-Fabrik“, „Lenin im Smolny“), Georgy Ryazhsky („Delegierter“, 1927; „Vorsitzende“, 1928), Porträtist Sergei Malyutin („Porträt von Furmanov“, 1922), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov („Treffen der Dorfzelle“, 1924), Wassili Jakowlew („Der Verkehr wird besser“, 1923), Mitrofan Grekow („Tachanka“, 1925, später „Zur Kuban“ und „Trompeter des ersten Pferdes“, 1934). Der 1925 gegründeten Society of Easel Painters gehörten Künstler mit weniger konservativen Ansichten in Bezug auf die Malerei an, hauptsächlich Studenten von VKHUTEMAS. Dies waren: Williams „Der Hamburger Aufstand“, Deineka („Über den Bau neuer Werkstätten“, 1925; „Vor dem Abstieg in die Mine“, 1924; „Verteidigung von Petrograd“, 1928), Labas Luchishkin („Der Ball flog weg“, „Ich liebe das Leben“), Pimenov („Schwerindustrie“), Tyshler, Shterenberg und andere. Sie unterstützten den Slogan der Wiederbelebung und Entwicklung der Staffeleimalerei, ließen sich jedoch nicht vom Realismus, sondern von der Erfahrung zeitgenössischer Expressionisten leiten. Zu den Themen, die ihnen nahe standen, gehörten Industrialisierung, Stadtleben und Sport. Die Four Arts Society wurde von Künstlern gegründet, die ehemalige Mitglieder der World of Art und der Blue Rose waren und einen großen Wert auf die Kultur und Sprache der Malerei legten. Die prominentesten Mitglieder des Vereins: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky und viele andere herausragende Meister. Die Gesellschaft zeichnete sich durch einen philosophischen Hintergrund mit angemessenem plastischem Ausdruck aus. Zur Gesellschaft Moskauer Künstler gehören ehemalige Mitglieder der Vereine „Moskauer Maler“, „Makowez“ und „Being“ sowie Mitglieder des „Jack of Diamonds“. Die aktivsten Künstler: Pjotr ​​​​Kontschalowski, Ilja Maschkow, Lentulow, Alexander Kuprin, Robert Falk, Wassili Roschdestwenski, Osmerkin, Sergej Gerassimow, Nikolai Tschernyschew, Igor Grabar. Künstler schufen „thematische“ Gemälde mit dem entwickelten „Bubnovo-Jack“ und so weiter. Trends der Avantgarde-Schule. Die Kreativität dieser Gruppen war ein Symptom dafür, dass das Bewusstsein der älteren Meistergeneration versuchte, sich an neue Realitäten anzupassen. In den 1920er Jahren fanden zwei große Ausstellungen statt, die die Trends festigten – zum 10. Jahrestag der Oktoberrevolution und der Roten Armee sowie die „Kunstausstellung der Völker der UdSSR“ (1927).

Der führende Bereich der Literaturentwicklung in den 20er Jahren. ist zweifellos Poesie. Formal ist das literarische Leben weitgehend gleich geblieben. Wie zu Beginn des Jahrhunderts gaben literarische Kreise den Ton an, von denen viele die blutigen Zeiten überlebten und in den 20er Jahren weiterwirkten: Symbolisten, Futuristen, Akmeisten usw. Es entstehen neue Kreise und Vereinigungen, aber die Rivalität zwischen ihnen Sie gehen mittlerweile über die Grenzen der künstlerischen Sphären hinaus und erhalten oft einen politischen Unterton. Höchster Wert Für die Entwicklung der Literatur gab es die Vereine RAPP, „Pereval“, „Serapion Brothers“ und LEF.

RAPP (Russischer Verband proletarischer Schriftsteller) nahm 1925 auf der ersten Allunionskonferenz proletarischer Schriftsteller Gestalt an. Zu seinen Mitgliedern gehörten Schriftsteller (die berühmtesten A. Fadeev und D. Furmanov) und Literaturkritiker. Der Vorgänger von RAPP war Proletkult, eine der größten Organisationen, die 1917 gegründet wurde. Sie behandelten fast alle Schriftsteller, die nicht Mitglieder ihrer Organisation waren, als „Klassenfeinde“. Zu den Autoren, die von RAPP-Mitgliedern angegriffen wurden, gehörten nicht nur A. Achmatowa, Z. Gippius, I. Bunin, sondern sogar so anerkannte „Sänger der Revolution“ wie M. Gorki und W. Majakowski. Die ideologische Opposition von RAPP war Literaturgruppe"Passieren".

Die Gruppe „Serapion Brothers“ wurde 1921 im Petrograder Haus der Künste gegründet. Zu der Gruppe gehörten so berühmte Schriftsteller wie V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin und andere.

LEF – linke Vorderseite der Künste. Die Positionen der Mitglieder dieser Organisation (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein usw.) sind sehr widersprüchlich. Indem sie Futurismus mit Innovation im Geiste des Proletkults verbanden, kamen sie auf die fantastische Idee, eine Art „industrielle“ Kunst zu schaffen, die in der Gesellschaft eine nützliche Funktion erfüllen und eine günstige Atmosphäre für die materielle Produktion schaffen sollte . Kunst wurde als Element der technischen Konstruktion betrachtet, ohne Subtext, psychologische Fiktion usw.

Von großer Bedeutung für die Entwicklung der russischen Literatur des 20. Jahrhunderts. gespielt poetische Kreativität V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Bedny, „Bauern“-Dichter, der hellste Vertreter mit wem Yesenin ein Freund war N.A. Klyuev. Eine besondere Seite in der Geschichte Russische Literatur stellt das Werk von Dichtern und Schriftstellern dar, die die Revolution nicht akzeptierten und gezwungen waren, das Land zu verlassen. Unter ihnen sind Namen wie M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoi, V. V. Nabokov. Einige von ihnen erkannten, dass es unmöglich war, außerhalb ihrer Heimat zu leben, und kehrten anschließend zurück (Zwetajewa, Tolstoi). Modernistische Tendenzen in der Literatur manifestierten sich im Werk von E. I. Zamyatin, dem Autor des dystopischen Science-Fiction-Romans „We“ (1924). Satireliteratur der 20er Jahre. präsentiert von M. Zoshchenkos Geschichten; Romane der Co-Autoren I. Ilf (I. A. Fainzilberg) und E. Petrov (E. P. Kataev) „Die zwölf Stühle“ (1928), „Das goldene Kalb“ (1931) usw.

In den 30er Jahren Es erscheinen mehrere bedeutende Werke, die in die Geschichte der russischen Kultur eingegangen sind. Sholokhov schreibt die Romane „Quiet Don“ und „Virgin Soil Upturned“. Scholochows Werk erlangte weltweite Anerkennung: Für seine schriftstellerischen Leistungen erhielt er den Nobelpreis. In den dreißiger Jahren vollendete M. Gorki seinen letzten epischen Roman „Das Leben des Klim Samgin“. Das Werk von N. A. Ostrovsky, dem Autor des Romans „How the Steel Was Tempered“ (1934), erfreute sich großer Beliebtheit. A. N. Tolstoi („Peter I.“ 1929-1945) wurde zu einem Klassiker des sowjetischen historischen Romans. Die zwanziger und dreißiger Jahre waren die Blütezeit der Kinderliteratur. Mehrere Generationen Sowjetisches Volk wuchs mit den Büchern von K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V. P. Kataev auf.

Im Jahr 1928 begann M. A. Bulgakow, verfolgt von der sowjetischen Kritik, ohne Hoffnung auf eine Veröffentlichung, seinen besten Roman „Der Meister und Margarita“ zu schreiben. Die Arbeit an dem Roman dauerte bis zum Tod des Schriftstellers im Jahr 1940. Dieses Werk wurde erst 1966 veröffentlicht. Ende der 80er Jahre wurden die Werke von A.P. Platonov (Klimentov) „Chevengur“, „Pit Pit“, „Juvenile Sea“ veröffentlicht . . Am Tisch arbeiteten die Dichter A. A. Akhmatova und B. L. Pasternak. Das Schicksal von Mandelstam (1891-1938) ist tragisch. Als Dichter von außergewöhnlicher Kraft und großer visueller Präzision gehörte er zu den Schriftstellern, die sich seinerzeit angenommen hatten Oktoberrevolution Er kam in der stalinistischen Gesellschaft nicht zurecht. 1938 wurde er unterdrückt.

In den 30er Jahren Die Sowjetunion beginnt allmählich, sich vom Rest der Welt zu isolieren. Hinter dem Eisernen Vorhang gibt es viele russische Schriftsteller, die trotz allem weiterarbeiten. Ein Schriftsteller ersten Ranges war der Dichter und Prosaschriftsteller Iwan Alexejewitsch Bunin (1870-1953). Bunin akzeptierte die Revolution von Anfang an nicht und emigrierte nach Frankreich (die Erzählung „Mitjas Liebe“, der Roman „Das Leben des Arsenjew“, die Kurzgeschichtensammlung „ Dunkle Gassen"). 1933 wurde ihm der Nobelpreis verliehen.

In den frühen 30er Jahren. Die Existenz freier kreativer Kreise und Gruppen ging zu Ende. Im Jahr 1934 wurde auf dem Ersten Allunionskongress sowjetischer Schriftsteller die „Union der Schriftsteller“ gegründet, in der sich alle beteiligten Personen zusammenschlossen Literarische Arbeit. Der Schriftstellerverband ist zu einem Instrument der totalen staatlichen Kontrolle über den kreativen Prozess geworden. Es war unmöglich, nicht Mitglied der Union zu sein, denn in diesem Fall würde dem Schriftsteller die Möglichkeit genommen, seine Werke zu veröffentlichen, und außerdem könnte er wegen „Parasitismus“ strafrechtlich verfolgt werden. M. Gorki stand an den Ursprüngen dieser Organisation, doch sein Vorsitz währte nicht lange. Nach seinem Tod im Jahr 1936 wurde A. A. Fadeev Vorsitzender. Neben der „Union der Schriftsteller“ wurden weitere „kreative“ Gewerkschaften gegründet: „Union der Künstler“, „Union der Architekten“, „Union der Komponisten“. In der sowjetischen Kunst begann eine Zeit der Einheitlichkeit.

Die Revolution setzte mächtige kreative Kräfte frei. Dies wirkte sich auch auf die Entwicklung der heimischen Theaterkunst aus. Es entstanden viele Theatergruppen. Eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Theaterkunst spielte das Bolschoi-Dramatheater in Leningrad, dessen erster künstlerischer Leiter das nach ihm benannte Theater A. Blok war. V. Meyerhold, nach ihm benanntes Theater. E. Vakhtangov, Moskauer Theater, benannt nach. Mossowet.

Mitte der 20er Jahre entstand das sowjetische Drama, das großen Einfluss auf die Entwicklung der Theaterkunst hatte. Die größten Ereignisse der Theatersaison 1925-1927. Stahl „Storm“ von V. Bill-Belotserkovsky im Theater. MGSPS, „Yarovaya Love“ von K. Trenev im Maly Theatre, „Fracture“ von B. Lavrenev im Theater. E. Vakhtangov und am Bolschoi-Dramatheater, „Panzerzug 14-69“ von V. Ivanov am Moskauer Kunsttheater. Klassiker nahmen einen festen Platz im Theaterrepertoire ein. Es wurden Versuche einer neuen Lesart unternommen akademische Theater(„Warm Heart“ von A. Ostrovsky am Moskauer Kunsttheater) und „links“ („The Forest“ von A. Ostrovsky und „The Inspector General“ von N. Gogol am V. Meyerhold Theater).

Wenn Schauspieltheater Bis zum Ende des ersten sowjetischen Jahrzehnts hatten sie ihr Repertoire umstrukturiert, doch die Klassiker nahmen weiterhin den Hauptplatz in den Aktivitäten der Opern- und Ballettgruppen ein. Der einzige große Erfolg bei der Umsetzung eines modernen Themas war die Inszenierung von R. Gliers Ballett „Red Poppy“ („Rote Blume“). L.V. trat in Westeuropa und Amerika auf. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, Moskauer Kunsttheatertruppe, Kammertheater, Studios benannt nach. E. Vakhtangov, Quartett alter russischer Instrumente

Das Musikleben des Landes in diesen Jahren ist mit den Namen S. Prokofjew, D. Schostakowitsch, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky und anderen jungen Dirigenten E. Mravinsky, B. Khaikin verbunden trat in den Vordergrund. Es entstanden Musikensembles, die später das Nationale verherrlichten Musikkultur: Quartett benannt nach. Beethoven, Großer Staat Symphonieorchester, Staatsphilharmonie usw. 1932 wurde der Komponistenverband der UdSSR gegründet.

Zusammen mit den Schauspielern der älteren Generation (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova) entsteht ein neues revolutionäres Theater. Die Suche nach neuen Formen des Bühnenausdrucks ist charakteristisch für das Theater unter der Leitung von V. E. Meyerhold (heute Meyerhold Theater). Auf der Bühne dieses Theaters wurden die Stücke von V. Mayakovsky „Mystery-bouffe“ (1921), „The Bedbug“ (1929) usw. aufgeführt. Ein wesentlicher Beitrag zur Entwicklung des Theaters wurde vom Direktor des Theaters geleistet 3. Studio des Moskauer Kunsttheaters E. B. Wachtangow; Organisator und Direktor des Kammertheaters, Reformator der darstellenden Künste A. Ya.

Eines der wichtigsten und interessantesten Phänomene in der Kulturgeschichte der 20er Jahre. war der Beginn der Entwicklung des sowjetischen Kinos. Der Dokumentarfilm entwickelt sich weiter und wird neben Plakaten zu einem der wirksamsten Instrumente des ideologischen Kampfes und der Agitation. Ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung des Spielfilms war der Film von Sergej Michailowitsch Eisenstein (1898 - 1948) „Panzerkreuzer Potemkin“ (1925), der als eines der Meisterwerke der Welt galt. Symbolisten, Futuristen, Impressionisten, Imagisten usw. wurden heftig kritisiert. Ihnen wurden „formalistische Macken“ vorgeworfen, dass ihre Kunst vom sowjetischen Volk nicht gebraucht werde und dem Sozialismus feindlich gesinnt sei. Zu den „Aliens“ gehörten der Komponist D. Schostakowitsch, der Regisseur S. Eisenstein, die Schriftsteller B. Pasternak, Y. Olesha und andere. Viele Künstler wurden unterdrückt.

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