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Begriff (Französisch Renaissance – „Wiedergeburt“).

Kunst Französische Renaissance weist wesentliche Merkmale auf, die es von anderen unterscheidenähnlichTendenzen in der Kunst anderer Länder, vor allemItalien. Die Aktivitäten französischer Künstler waren nicht eng mit den Freiheitsidealen der Stadtrepubliken verbunden, sondern mit den Interessen des königlichen Hofes undkatholischKirchen.

Das nächste Feature ist das Französische Renaissance später entwickelt als die Renaissance-Trends indie Niederlandeund Italien und war daher weitgehend zweitrangiger Natur. Die Ideen der Renaissance reiften im mittelalterlichen Frankreich, aber neu künstlerischFormenvon italienischen Meistern nach Frankreich gebracht.

ItalienischKünstlerberuhte aufAntiquitätTraditionen ihrer Heimat, für die Franzosen nationale Tradition - gotischKunst . Und obwohl die AltenRömerauf dem Territorium Frankreichs, insbesondere im Süden, zurückgelassenArle, Marseille, Nîmes, Exe, Avignon, eine beträchtliche MengearchitektonischDenkmäler, die die Grundlage für die Entwicklung des Mittelalters bildeten romanische Kunst klassizistische Formen blieben den Franzosen fremd.

Deshalb in der Kunst Französische Renaissance XV-XVI Jahrhunderte. und auch später blieben die gotischen Traditionen erhalten. Darüber hinaus in der Architektur Französische Renaissance KompositionGebäude undPlanungDie Lösungen blieben traditionell mittelalterlich und der Renaissancestil schien sich auf der Oberfläche der Wände zu überlagernDekor. Auf die gleiche Weise trennen „Italianismen“ erschien im DesignInnenräume.

Unter den französischen Königen Karl VII. 1422-1461 ) und Karl VIII. ( 1483-1498 ) war der Einfluss der italienischen Kunst oberflächlich. Wann arbeiteten italienische Meister direkt und aktiv am französischen Hof ( Mitte und zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts.) kam es in Italien zu einem Rückgang der künstlerischen Aktivitäten und Ideale Hochrenaissance wich der KunstManierismus. Daher war es der manieristische Stil in Kombination mit lokalen gotischen Traditionen, der das Charakteristikum bestimmte „Fontainebleau-Schulstil“, oder " Französische Arbeit" (Italienisch Oper Frankreich).

Zusammen mit Französische Renaissance hat ein besonderes "Lebensfreude" (Französisch: „Lebensfreude“) – ein Ausdruck, der oft verwendet wird, um eine charakteristische gallische Haltung zu bezeichnen, Stimmungen der Höflichkeit undritterlichTraditionen der Spätgotik.

Im Jahr 1542 erschien eine Abhandlung über die antike römischeArchitektVitruv . 1541-1543 im Dienste von König Franz I. stand der italienische Architekt G. Vignola, der Autor der Abhandlung „ Regel der fünf Ordnungen der Architektur" (1562 ). Seit 1541 auf Einladung von König Franz IFontainebleauDer italienische Architekt Sebastiano Serlio ( 1475-1554 ), in seiner Heimat, der einbaute"ländlicher Stil". In Paris veröffentlichte er zwei Bücher über Geometrie undPerspektive (1545 ), Abhandlungen " Über Tempel“ (1577), „Über Portale“ (1551). Im Jahr 1559 J.-A. Ducersault der Erste, der Serlios Abhandlungen studierte, veröffentlichte seine eigenen „ Ein Buch über Architektur".

MittelalterlichSchlösserentlang des Flusses Loire "gekleidet in Renaissancekostümen". Renaissance in der Stimmung, aber Gotik in der Form sind französischHotels, berühmte Krankenhausgebäude inMotorhaube (1443-1448 ) und das Haus des Bankiers J. Coeur inBourget (1445-1451 ). Architekt P. Lescot und Bildhauer J. Goujon in den Jahren 1546-1555. errichtete eine neue Renaissance-Westfassade des Louvre in Paris.

Das Werk von Jean Goujon ( 1510-1570 ) repräsentiert lebendige Verkörperung Geist der Antike. Berühmt" Nymphe von Fontainebleau", die Kreation des Italieners B. Cellini ( jetzt im Louvre), schmückte die Fassade des Schlosses in Anet, das 1548 von Philibert Delorme für Diane de Poitiers erbaut wurde ( Fassade im Innenhof der Schule der Schönen Künste in Paris nachgebildet).

Die Arbeit anderer Künstler zeigt ein Bekenntnis zur gotischen Mystik und darüber hinaus Klassizismus der Renaissance, verwandelt sich in die düstere Erhebung, die für den katholischen Barock charakteristisch ist. Dies sind die Werke von Ligier Richier ( OK. 1500 - ca. 1567) und Germain Pilon ( 1535-1590 ).

Im Grabstein von Heinrich II. und Katharina von Medici in der Abteikirche Saint-Denis ( 1563-1570 ) Der architektonische Teil wurde vom Italiener F. Primaticcio geschaffen, und in den Skulpturen von Pilon kann man die Verschmelzung der gotischen Tradition mit dem Manierismus der Italiener der Fontainebleau-Schule und sogar den indirekten Einfluss des brillanten Michelangelo spüren.

Gleichzeitig berühmte Gruppe J. Pilona „Drei Grazien“, geschaffen als Sockel für „ Urnen des Herzens Heinrichs II» ( jetzt im Louvre in Paris), zeichnet sich durch seine Leichtigkeit und fast antike Anmut aus. Diese Gruppe mit einer charakteristischen Technik“ eng anliegender Vorhang" (Französisch Draperie mouillée – „nasse Falten“) verursachte viele Nachbildungen und Imitationen, obwohl es selbst auf antike Prototypen zurückgeht.

Die Gründer der FranzosenPorträtGemälde waren Jean und Francois Clouet, Corneille de Lyon, Jean Cousin der Ältere. Französische Bildporträts entwickelten sich unterflämischbeeinflussen.

Ein herausragender Meister – Maler, Architekt, Bildhauer, Schriftsteller und Mathematiker, typisch für die Renaissance kreative Persönlichkeit Jean Perreal zeigte sich, oder „ Jean von Paris“ (ca. 1455-1530). Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er inLyonund wurde der Leiter der örtlichen KunstSchulen .

Der berühmte Maler Jean Fouquet ( 1420-1481 ), Hofmeister von Karl VII., war der erste französische Künstler, der ihn zwischen 1445 und 1447 besuchte. Italien. Danach arbeitete er beiTour

Noch während des Hundertjährigen Krieges begann der Prozess der Bildung der französischen Nation und die Entstehung des französischen Nationalstaates. Die politische Einigung des Landes wurde vor allem unter Ludwig XI. vollzogen. Bis zur Mitte des 15. Jahrhunderts. Dazu gehört auch der Beginn der französischen Renaissance, die in ihren Anfängen noch eng mit der Gotik verbunden war. Die Feldzüge der französischen Könige in Italien führten französische Künstler ab Ende des 15. Jahrhunderts in die italienische Kunst ein. Es beginnt ein entscheidender Bruch mit der gotischen Tradition, die italienische Kunst wird im Zusammenhang mit ihren eigenen nationalen Aufgaben neu gedacht. Die französische Renaissance hatte den Charakter einer höfischen Kultur. (Der Volkscharakter kam am stärksten in der französischen Renaissanceliteratur zum Ausdruck, vor allem im Werk von François Rabelais mit seiner vollblütigen Bildsprache, seinem typisch gallischen Witz und seiner Fröhlichkeit.)

Wie in der niederländischen Kunst sind realistische Tendenzen vor allem in der Miniatur sowohl theologischer als auch weltlicher Bücher zu beobachten. Erste bedeutender Künstler Französischer Renaissance-Jean Fouquet (ca. 1420–1481), Hofmaler von Karl VII. und Ludwig XI. Sowohl in Porträts (Porträt Karls VII., um 1445) als auch in religiösen Kompositionen (Diptychon aus Melun) verbindet sich sorgfältige Schrift mit Monumentalität in der Interpretation des Bildes. Diese Monumentalität entsteht durch das Streben nach Formen, die Geschlossenheit und Integrität der Silhouette, die Statik der Pose und die Lakonizität der Farbe. Tatsächlich wurde das Diptychon der Madonna von Melun nur in zwei Farben bemalt – leuchtendes Rot und Blau (das Vorbild für sie war die Geliebte Karls VII. – eine Tatsache, die in der mittelalterlichen Kunst unmöglich ist). Die gleiche kompositorische Klarheit und Präzision der Zeichnung, Klangfülle der Farben sind charakteristisch für zahlreiche Miniaturen von Fouquet (Boccaccio. „Leben J. Fouquet. Porträt von Karl VII. Fragment, berühmte Männer Und Frauen“, Paris, Louvre um 1458). Die Ränder der Manuskripte sind mit Bildern von Fouquets zeitgenössischem Publikum und Landschaften seiner Heimat Touraine gefüllt.

J. Fouquet. Porträt von Karl VII. Fragment. Paris, Louvre

Die ersten Phasen der plastischen Kunst der Renaissance sind auch mit Fouquets Heimat, der Stadt Tours, verbunden. In den Reliefs von Michel Colombe (1430/31-1512) finden sich Motive der Antike und der Renaissance wieder. Seine Grabsteine ​​zeichnen sich durch eine weise Akzeptanz des Todes aus, im Einklang mit der Stimmung archaischer und klassischer antiker Stelen (das Grab des Herzogs Franz II. von der Bretagne und seiner Frau Marguerite de Foix, 1502-1507, Nantes, Kathedrale).

MIT Anfang des XVI Jahrhunderte lang war Frankreich der größte absolutistische Staat Westeuropas. Vor allem unter Franz I., einem Kunstkenner und Förderer Leonardos, wird der Innenhof zum Zentrum der Kultur. Auf Einladung der Schwester des Königs, Margarete von Navarra, wurden die italienischen Manieristen Rosso und Primaticcio die Gründer der Fontainebleau-Schule („Fontainebleau ist das neue Rom“, schrieb Vasari). Das Schloss in Fontainebleau, zahlreiche Schlösser entlang der Flüsse Loire und Cher (Blois, Chambord, Chenonceau), der Wiederaufbau des alten Louvre-Palastes (Architekt Pierre Lescaut und Bildhauer Jean Goujon) sind die ersten Zeugnisse der Befreiung von der gotischen Tradition und deren Nutzung von Formen der Renaissance in der Architektur (erstmals im antiken Ordnungssystem des Louvre verwendet). Und obwohl die Burgen an der Loire äußerlich in ihren Details (Gräben, Donjons, Zugbrücken), ihre Inneneinrichtung ist Renaissance, sogar eher manieristisch. Das Schloss von Fontainebleau mit seinen Gemälden, ornamentalen Modellen und runden Skulpturen zeugt vom Sieg einer Kultur, die in ihrer Form italienisch, in ihrer Thematik antik und im Geiste rein gallisch war.

J. Clouet. Porträt von Franz I. Paris, Louvre

Das 16. Jahrhundert war die Zeit der glänzenden Blütezeit der französischen Porträtmalerei, sowohl der Malerei als auch des Bleistifts (italienischer Bleistift, Rötel, Aquarell). Besondere Berühmtheit erlangte in diesem Genre der Maler Jean Clouet (um 1485/88–1541), der Hofmaler Franz I., dessen Gefolge, aber auch den König selbst, in seiner Porträtgalerie verewigte. Clouets Porträts sind kleinformatig und sorgfältig gemalt und wirken dennoch facettenreich in ihren Merkmalen und zeremoniell in ihrer Form. Sein Sohn François Clouet (ca. 1516-1572), der bedeutendste Künstler Frankreichs im 16. Jahrhundert, ging in der Fähigkeit, das Wichtigste in einem Modell zu erkennen, ohne es zu verarmen und seine Komplexität zu bewahren, noch weiter. Clouets Farben erinnern in ihrer Intensität und Reinheit an kostbare Emails (Porträt Elisabeths von Österreich, um 1571). Mit seiner außergewöhnlichen Beherrschung der Bleistift-, Rötel- und Aquarellporträts erfasste Clouet den gesamten französischen Hof der Mitte des 16. Jahrhunderts. (Porträt von Heinrich II., Maria Stuart usw.).

Der Sieg der Renaissance-Weltanschauung in der französischen Bildhauerei ist mit dem Namen Jean Goujon (ca. 1510-1566/68) verbunden, dessen berühmtestes Werk die Reliefs des Brunnens der Unschuldigen in Paris sind (architektonischer Teil - Pierre Lescaut; 1547- 1549). Leichte, schlanke Figuren, deren Falten von den Wasserstrahlen aus Krügen widergespiegelt werden, werden mit erstaunlicher Musikalität interpretiert, durchdrungen von Poesie, geprägt und poliert und lakonisch und zurückhaltend in der Form. Ein Sinn für Proportionen, Anmut, Harmonie und subtiler Geschmack werden fortan unweigerlich mit der französischen Kunst assoziiert.

Im Werk von Goujons jüngerem Zeitgenossen Germain Pilon (1535-1590) erscheinen statt ideal schöner, harmonisch klarer Bilder konkrete, lebensnahe, dramatische, düster erhabene Bilder (siehe seine Grabsteine). Der Reichtum seiner plastischen Sprache dient einer kalten Analyse und erreicht den Punkt der Gnadenlosigkeit in der Charakterisierung, der nur bei Holbein ein Gegenstück findet. Die Ausdruckskraft von Pilons dramatischer Kunst ist typisch für die Spätrenaissance und weist auf das bevorstehende Ende der Renaissance in Frankreich hin.

J. Goujon. Nymphen. Relief des Brunnens der Unschuldigen in Paris. Stein

Die Merkmale der Krise der künstlerischen Ideale der Renaissance zeigten sich besonders deutlich im Manierismus, der am Ende der Renaissance entstand (von Maniera – Technik, oder genauer Manierismo – Anmaßung, Manierismus), – offensichtliche Nachahmung, wie wenn sekundärer Stil mit aller Virtuosität der Technik und Raffinesse der Formen, Ästhetisierung des Bildes, Übertreibung einzelner Details, manchmal sogar ausgedrückt im Titel des Werkes, wie etwa in Parmigianinos „Madonna mit dem langen Hals“, Übertreibung der Gefühle, Verletzung von die Harmonie der Proportionen, das Gleichgewicht der Formen – Disharmonie, Deformation, die an sich der Natur der Kunst der italienischen Renaissance fremd ist.

Der Manierismus wird üblicherweise in früh und reif unterteilt. Früher Manierismus – zentriert in Florenz. Dies ist das Werk von Meistern wie J. Pontormo, D. Rosso, A. de Volterra und G. Romano. Dessen Gemälde im Palazzo del Te in Mantua sind voller unerwarteter, fast beängstigender Effekte, die Komposition ist überladen, das Gleichgewicht ist gestört, die Bewegungen sind übertrieben und krampfhaft – aber alles ist theatralisch oberflächlich, kalt pathetisch und geht nicht ans Herz (siehe zum Beispiel das Fresko „Der Tod der Riesen“).

Reifer Manierismus ist anmutiger, raffinierter und aristokratischer. Seine Zentren sind Parma und Bologna (Primaticcio, ab 1531 Leiter der Fontainebleau-Schule in Frankreich), Rom und Florenz (Bronzino, ein Schüler von Pontormo; D. Vasari; Bildhauer und Juwelier B. Cellini) sowie Parma (Der bereits erwähnte Parmigianino, seine Madonnen werden immer mit länglichen Körpern und kleinen Köpfen, mit zerbrechlichen, dünnen Fingern, mit manierierten, prätentiösen Bewegungen dargestellt, immer kalt in der Farbe und kalt im Bild).

Der Manierismus war auf Italien beschränkt, er breitete sich nach Spanien, Deutschland, den Niederlanden und Frankreich aus und beeinflusste deren Malerei und insbesondere deren Malerei angewandte Künste, in dem die ungezügelte Fantasie der Manieristen günstigen Boden und ein weites Betätigungsfeld fand.

Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhunderte. Früher Kapitalismus. Das Land wird von reichen Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Mächtigen versammeln die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Künstler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Irgendwann schien es, als würden die Menschen von weisen Männern regiert, wie Platon es wollte.

Wir erinnerten uns an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der Hauptwert- eine Person (Sklaven natürlich nicht mitgerechnet).

Renaissance kopiert nicht nur die Kunst antiker Zivilisationen. Das ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche und spirituelle Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Die Zeit der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er Jahren bis 1527 Von Beginn der Blütezeit von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Fata Morgana ideale Welt schnell verblasst. Italien erwies sich als zu fragil. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre haben jedoch die Grundzüge bestimmt Europäische Malerei 500 Jahre voraus! Bis zu .

Realismus des Bildes. Anthropozentrismus (wenn der Mensch der Mittelpunkt der Welt ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Unglaublicherweise haben in diesen 30 Jahren mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre einmal geboren.

Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber wir können nicht umhin, ihre beiden Vorgänger zu erwähnen: Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance gäbe.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister“ Florentiner Renaissance" Anfang des 16. Jahrhunderts. .

XIV. Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der im Alleingang die Kunst revolutionierte. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. Flache Figuren. Nichteinhaltung der Proportionen. Anstelle einer Landschaft gibt es einen goldenen Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.

Und plötzlich tauchen Fresken von Giotto auf. Auf sie volumetrische Figuren. Personen edle Leute. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Anders.

Fresken von Giotto in der Kirche Scrovegni in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Fragment). Rechts: Verkündigung der Heiligen Anna (Mutter Maria), Fragment.

Giottos Hauptwerk ist der Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Scharen von Menschen hinein. So etwas hatten sie noch nie gesehen.

Schließlich hat Giotto etwas Beispielloses getan. Er übersetzte biblische Geschichten zu einem einfachen, klare Sprache. Und sie sind viel zugänglicher geworden gewöhnliche Menschen.

Giotto. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Genau das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonische Bilder. Lebhafte Emotionen der Charaktere. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Doch seine Innovation wurde nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.

Erst nach 100 Jahren wird ein würdiger Nachfolger für Giotto erscheinen.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Der heilige Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Szene.

Masaccio war der erste Künstler, der die lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Jetzt ist die dargestellte Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm den Realismus Giottos. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger beherrschte er die Anatomie jedoch bereits gut.

Statt klotziger Charaktere hat Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe von Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.
Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte nicht langes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister nachfolgender Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um seine Fresken zu studieren.

So wurde Masaccios Innovation von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selbstporträt. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei.

Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufsstandes nicht mehr nur Handwerker. Dies sind Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Den Durchbruch schaffte Leonardo vor allem in Porträtgemälde.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Der Blick sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Lakonisch. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Czertoryski-Museum, Krakau.

Leonardos wichtigste Innovation besteht darin, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.

Vor ihm sahen Porträtfiguren wie Schaufensterpuppen aus. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Die gemalte Zeichnung konnte unmöglich lebendig sein.

Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er schattierte die Linien. Der Übergang von Licht zu Schatten wurde sehr weich gestaltet. Seine Figuren scheinen von einem kaum wahrnehmbaren Dunst bedeckt zu sein. Die Charaktere wurden lebendig.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato wird in den aktiven Wortschatz aller großen Künstler der Zukunft aufgenommen.

Es gibt oft die Meinung, dass Leonardo zwar ein Genie sei, aber nicht wusste, wie man etwas vollendet. Und ich habe meine Bilder oft nicht fertiggestellt. Und viele seiner Projekte blieben auf dem Papier (übrigens in 24 Bänden). Und im Allgemeinen wurde er entweder in die Medizin oder in die Musik geworfen. Eine Zeit lang interessierte ich mich sogar für die Kunst des Servierens.

Denken Sie jedoch selbst. 19 Gemälde – und er – größter Künstler aller Zeiten und Völker. Und jemand kommt an Größe nicht einmal annähernd heran, hat aber in seinem Leben 6.000 Leinwände gemalt. Es ist offensichtlich, wer die höhere Effizienz hat.

Über sie selbst berühmtes Gemälde Lesen Sie den Master im Artikel.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (Fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber da war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein malerisches Erbe nicht weniger grandios.

Man erkennt ihn vor allem an seinen körperlich entwickelten Charakteren. Er porträtierte einen perfekten Mann, bei dem körperliche Schönheit auch spirituelle Schönheit bedeutet.

Deshalb sind alle seine Helden so muskulös und belastbar. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos „Das Jüngste Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.

Michelangelo malte die Figur oft nackt. Und dann fügte er noch Kleidung hinzu. Damit der Körper so geformt wie möglich ist.

Er bemalte allein die Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl es mehrere Hundert Zahlen sind! Er erlaubte niemandem, Farbe zu reiben. Ja, er war ungesellig. Er hatte einen harten und streitsüchtigen Charakter. Vor allem aber war er unzufrieden mit... sich selbst.

Michelangelo. Fragment des Freskos „Die Erschaffung Adams“. 1511 Die Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte den Niedergang der Renaissance. Für ihn war es eine persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Leid.

Ohnehin kreativer Weg Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind eine Hommage an den menschlichen Helden. Frei und mutig. In bester Tradition Antikes Griechenland. Wie ist sein Name, David?

IN letzten Jahren Leben ist tragische Bilder. Absichtlich grob behauener Stein. Es ist, als ob wir vor Denkmälern für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts sähen. Schauen Sie sich seine Pietà an.

Michelangelos Skulpturen in der Akademie Bildende Kunst in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Palestrinas Pietà. 1555

Wie ist das möglich? Ein Künstler durchlief in einem Leben alle Phasen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert. Was zu tun zukünftige Generationen? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Mir ist bewusst, dass die Messlatte sehr hoch liegt.

5. Raffael (1483-1520)

. 1506 Uffizien, Florenz, Italien.

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt: sowohl zu Lebzeiten als auch nach dem Tod.

Seine Charaktere sind von sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Er gilt zu Recht als der Schönste weibliche Bilder jemals geschaffen. Äußere Schönheit spiegelt auch die spirituelle Schönheit der Heldinnen wider. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Raphael. . 1513 Galerie Alte Meister, Dresden, Deutschland.

Berühmte Worte„Schönheit wird die Welt retten“, hat Fjodor Dostojewski genau gesagt. Dies war sein Lieblingsgemälde.

Sinnesbilder sind jedoch nicht die einzigen starker Punkt Raphael. Er hat die Kompositionen seiner Bilder sehr sorgfältig durchdacht. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Darüber hinaus fand er bei der Raumorganisation stets die einfachste und harmonischste Lösung. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Raphael. Athener Schule. 1509-1511 Fresko in den Strophen des Apostolischen Palastes, Vatikan.

Raphael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Von Erkältungen und medizinischen Fehlern. Aber sein Erbe ist schwer zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Und sie vervielfachten seine sinnlichen Bilder in Tausenden ihrer Leinwände.

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein mutiger Erneuerer.

Alle liebten ihn für sein brillantes Talent. Wird „der König der Maler und der Maler der Könige“ genannt.

Apropos Tizian, nach jedem Satz möchte ich sagen Ausrufezeichen. Schließlich war er es, der der Malerei Dynamik verlieh. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Die Strahlkraft der Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Am Ende seines Lebens hatte er sich weiterentwickelt ungewöhnliche Technik Briefe. Die Striche sind schnell und dick. Ich habe die Farbe entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmender. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinia und Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Erinnert Sie das an irgendetwas? Natürlich ist das Technologie. Und Technologie Künstler des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte: Barbizonier und. Tizian durchlief wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei. Deshalb ist er ein Genie.

Lesen Sie im Artikel über das berühmte Meisterwerk des Meisters.

Künstler der Renaissance verfügen über großes Wissen. Um ein solches Erbe zu hinterlassen, musste man viel lernen. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik usw.

Deshalb regt uns jedes Bild von ihnen zum Nachdenken an. Warum wird das dargestellt? Was ist hier die verschlüsselte Nachricht?

Sie lagen fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Wir haben unser gesamtes Wissen genutzt.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie erklärten uns die Welt durch Malerei.

Deshalb werden sie für uns immer von großem Interesse sein.

Auf den Seiten des „Prächtigen Stundenbuchs“ aus dem frühen 15. Jahrhundert ist ein Bild der Pariser Residenz der französischen Könige – dem Louvre-Schloss – erhalten geblieben. Hinter den uneinnehmbaren, kahlen Mauern erhebt sich eine mächtige Gebäudemasse mit gezackten Türmen an den Ecken und schmalen Fenstern, die die Dicke des Steins sparsam durchschneiden. Es ist eher eine Festung als ein Palast. Es würde vergeblich sein, dass wir dort nach dem Schloss suchen würden modernes Paris. Der mittelalterliche Louvre wurde im 16. Jahrhundert abgerissen und an seiner Stelle begann man mit dem Bau eines neuen Gebäudes. Der erste Teil wurde 1555 fertiggestellt. Das Erscheinungsbild des Gebäudes weist mehr Gemeinsamkeiten mit der Architektur nachfolgender Jahrhunderte auf als mit seinen unmittelbaren Vorgängern. In mittelalterlichen Gebäuden erzeugte jedes dekorative Detail ein Gefühl der Aufwärtsbewegung; In der Fassade des neuen Louvre gibt es gleichmäßige Fensterreihen, bodentiefe Gesimsstangen und die Dachlinie betont beharrlich seine horizontale Teilung. Dekor – Giebel über den Fenstern, Säulen und Pilaster, Stuckornamente – zeigt gute Bekanntschaft mit der antiken und Renaissance-Architektur Italiens. Doch die Vergangenheit ist nicht spurlos verschwunden; es wurde nur nach neuen ästhetischen Maßstäben umgestaltet. An den Seiten und in der Mitte der Fassade, wo sich in Burgen normalerweise Türme befanden, bildeten die Wände Lichtvorsprünge – Risalite; das Dach blieb steil – praktisch für das lokale Klima; und der Sinn für die organische Verschmelzung von skulpturaler Dekoration und Architektur wird zweifellos von der Gotik hervorgebracht.

Der Louvre, ein Werk des Architekten Pierre Lescaut und des Bildhauers Jean Goujon, ist eines der vollkommensten Denkmäler der französischen Architektur der Renaissance. Fast anderthalb Jahrhunderte trennen es von der Miniatur mit der Louvre-Festung – die Zeit, die die Kultur Frankreichs brauchte, um einen schwierigen Weg von der asketischen Leugnung des Wertes der irdischen Existenz bis zur Verherrlichung ihrer Schönheit zu gehen. Wie ist das passiert?

Die Sprossen des Neuen bahnten sich hier ihren Weg durch Böden, die viel rauer waren als die Böden der Stadtrepubliken Italiens und der Niederlande: Frankreich war ein Land klassischer Formen des Feudalismus und des Heimatlandes Gothic Style(In Europa nannte man es so – „ französische Art"). Seine Städte genossen nie die Unabhängigkeit ihrer nördlichen und südlichen Nachbarn. Und die gotischen Traditionen, insbesondere in der Architektur, blieben bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts unerschütterlich.

Und doch waren bereits an der Schwelle des 14. und 15. Jahrhunderts radikale Veränderungen im spirituellen Leben der französischen Gesellschaft spürbar. In der bildenden Kunst kommen sie besonders deutlich in den „Illuminationen“ (wie Miniaturen damals genannt wurden) zum Ausdruck, die handgeschriebene Bücher schmückten. Das Hauptzentrum für die Herstellung von Manuskripten war Paris – eine der größten Hauptstädte kulturelles Europa. Schriftgelehrte, Buchbinder, Pergamentmacher und Maler besetzten einen ganzen Häuserblock in der Stadt neben der Sorbonne – der Universität von Paris. Ihre Veröffentlichungen wurden genutzt sehr gefragt. Es wurden wissenschaftliche Abhandlungen in Auftrag gegeben Ritterromane, poetische Werke, Übersetzungen antiker Autoren, Bibeln, Stundenbücher. Alle Bücher wurden mit eleganten Ornamenten und farbenfrohen Miniaturen verziert. Die Dekorationskultur war auf einem hohen Niveau. Auch Dante und Petrarca sprachen voller Bewunderung über die Pariser Manuskripte.

J. Sourdeau, D. Sourdeau, J. Goberot, P. Neveu. Schloss Chambord. 1519-1559. (Hoch) Brüder Limburg. "Oktober". Miniatur aus „Das prächtige Stundenbuch des Herzogs von Berry“. Wasserfarben. 1411 - 1416. Im Hintergrund ist der Louvre aus dem frühen 15. Jahrhundert zu sehen. (Rechts) A. Karton. Krönung der Jungfrau. Öl. 1453.

Die Renaissance ist ein phänomenales Phänomen in der Geschichte der Menschheit. Noch nie hat es auf dem Gebiet der Kunst einen so fulminanten Aufschwung gegeben. Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (ihre Liste ist lang, aber wir werden auf die berühmtesten eingehen), deren Namen jedem bekannt sind, schenkten der Welt unbezahlbare einzigartige und außergewöhnliche Menschen, die sich nicht in einem Bereich, sondern in mehreren zeigten auf einmal.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance hat einen relativen Zeitrahmen. Zunächst begann es in Italien - 1420-1500. Die Malerei und die gesamte Kunst im Allgemeinen unterscheiden sich derzeit nicht wesentlich von der jüngeren Vergangenheit. Allerdings tauchen erstmals Elemente auf, die der klassischen Antike entlehnt sind. Und erst in den Folgejahren wurden Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (deren Liste sehr lang ist) beeinflusst moderne Verhältnisse Leben und fortschrittliche Strömungen verlassen endgültig die mittelalterlichen Grundlagen. Sie übernehmen mutig die besten Beispiele Antike Kunst für seine Werke, sowohl im Ganzen als auch in einzelnen Details. Ihre Namen sind vielen bekannt; konzentrieren wir uns auf die prominentesten Persönlichkeiten.

Masaccio – das Genie der europäischen Malerei

Er leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung der Malerei und wurde zu einem großen Reformator. Der Florentiner Meister wurde 1401 in eine Familie von Kunsthandwerkern hineingeboren, daher lagen ihm Geschmackssinn und die Lust am Schaffen im Blut. Im Alter von 16-17 Jahren zog er nach Florenz, wo er in Werkstätten arbeitete. Donatello und Brunelleschi, große Bildhauer und Architekten, gelten zu Recht als seine Lehrer. Die Kommunikation mit ihnen und die erworbenen Fähigkeiten konnten nur Auswirkungen haben junger Maler. Von Anfang an übernahm Masaccio ein neues Verständnis menschliche Persönlichkeit, charakteristisch für die Skulptur. Der zweite Meister verfügt über die Grundlagen. Das „Triptychon von San Giovenale“ (im ersten Foto), das in einer kleinen Kirche in der Nähe der Stadt, in der Masaccio geboren wurde, entdeckt wurde, gilt als das erste verlässliche Werk. Das Hauptwerk sind die Fresken, die der Lebensgeschichte des Heiligen Petrus gewidmet sind. Der Künstler war an der Entstehung von sechs davon beteiligt, nämlich: „Das Wunder des Statir“, „Vertreibung aus dem Paradies“, „Taufe der Neophyten“, „Verteilung des Eigentums und Tod des Ananias“, „Auferstehung des Sohnes des Theophilus“. “, „Der heilige Petrus heilt die Kranken mit seinem Schatten“ und „Der heilige Petrus auf der Kanzel“.

Italienische Künstler der Renaissance waren Menschen, die sich ganz der Kunst widmeten und sich nicht um gewöhnliche Alltagsprobleme kümmerten, was ihnen manchmal ein schlechtes Dasein bescherte. Masaccio ist keine Ausnahme: Der brillante Meister starb sehr früh, im Alter von 27 bis 28 Jahren, und hinterließ großartige Werke und große Menge Schulden

Andrea Mantegna (1431-1506)

Dies ist ein Vertreter der Paduaner Malerschule. Die Grundlagen seines Handwerks erhielt er von seinem Adoptivvater. Der Stil entstand unter dem Einfluss der Werke von Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello und Venezianische Malerei. Dies bestimmte das im Vergleich zu den Florentinern etwas harsche und harsche Auftreten von Andrea Mantegna. Er war ein Sammler und Kenner kultureller Werke antike Zeit. Dank seines einzigartigen Stils wurde er als Innovator berühmt. Seine meisten Berühmte Werke: „Toter Christus“, „Triumph des Cäsar“, „Judith“, „Schlacht der Meeresgottheiten“, „Parnassus“ (im Bild) usw. Von 1460 bis zu seinem Tod arbeitete er als Hofmaler für die Herzöge von Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli ist ein Pseudonym echter Name- Filipepi. Er entschied sich nicht gleich für den Weg eines Künstlers, sondern studierte zunächst Schmuckhandwerk. zuerst unabhängige Arbeit(mehrere Madonnen) ist der Einfluss von Masaccio und Lippi spürbar. Später machte er sich auch als Porträtmaler einen Namen; die meisten Aufträge kamen aus Florenz. Der raffinierte und raffinierte Charakter seiner Werke mit Stilisierungselementen (Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Einfachheit von Form, Farbe, Volumen) unterscheidet ihn von anderen Meistern dieser Zeit. Als Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und dem jungen Michelangelo hinterließ er leuchtende Spuren in der Weltkunst („Die Geburt der Venus“ (Foto), „Frühling“, „Anbetung der Könige“, „Venus und Mars“, „Weihnachten“ , usw.). Seine Malerei ist aufrichtig und einfühlsam, und Lebensweg komplex und tragisch. Die romantische Wahrnehmung der Welt in jungen Jahren wich im Erwachsenenalter Mystik und religiöser Überhöhung. Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte Sandro Botticelli in Armut und Vergessenheit.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Italienischer Maler und ein weiterer Vertreter dieser Zeit Frührenaissance ursprünglich aus der Toskana. Der Stil des Autors entstand unter dem Einfluss der Florentiner Malschule. Zusätzlich zu seinem Talent als Künstler verfügte Piero della Francesca über herausragende Fähigkeiten auf dem Gebiet der Mathematik und widmete die letzten Jahre seines Lebens dieser Mathematik und versuchte, sie damit zu verbinden hohe Kunst. Das Ergebnis waren zwei wissenschaftliche Abhandlungen: „Über die Perspektive in der Malerei“ und „Das Buch der fünf regelmäßigen Körper“. Sein Stil zeichnet sich durch Feierlichkeit, Harmonie und Noblesse der Bilder, kompositorische Ausgewogenheit, präzise Linien und Konstruktion sowie eine sanfte Farbpalette aus. Piero della Francesca verfügte für die damalige Zeit über ein erstaunliches Wissen technische Seite Malerei und perspektivische Merkmale, die ihm bei seinen Zeitgenossen hohes Ansehen einbrachten. Die berühmtesten Werke: „Die Geschichte der Königin von Saba“, „Die Geißelung Christi“ (im Bild), „Altar von Montefeltro“ usw.

Gemälde der Hochrenaissance

Wenn die Proto-Renaissance und frühe Ära dauerte jeweils fast anderthalb Jahrhunderte, dann umfasst dieser Zeitraum nur wenige Jahrzehnte (in Italien von 1500 bis 1527). Es war ein heller, blendender Blitz, der der Welt eine ganze Galaxie großartiger, vielseitiger und brillanter Menschen bescherte. Alle Zweige der Kunst gingen Hand in Hand, so dass viele Meister auch Wissenschaftler, Bildhauer, Erfinder und nicht nur Künstler der Renaissance waren. Die Liste ist lang, aber den Höhepunkt der Renaissance markierten die Werke von L. da Vinci, M. Buanarotti und R. Santi.

Das außergewöhnliche Genie von Da Vinci

Vielleicht ist dies das Außergewöhnlichste und herausragende Persönlichkeit in der Weltgeschichte künstlerische Kultur. Er war im wahrsten Sinne des Wortes ein universeller Mann und verfügte über vielseitigste Kenntnisse und Talente. Künstler, Bildhauer, Kunsttheoretiker, Mathematiker, Architekt, Anatom, Astronom, Physiker und Ingenieur – all das dreht sich um ihn. Darüber hinaus erwies sich Leonardo da Vinci (1452-1519) in jedem dieser Bereiche als Innovator. Bis heute sind nur 15 seiner Gemälde sowie viele Skizzen erhalten. Er besaß eine erstaunliche Lebensenergie und einen Wissensdurst und war ungeduldig und fasziniert vom Lernprozess selbst. Schon in sehr jungem Alter (20 Jahre alt) erlangte er die Meisterprüfung der Lukasgilde. Seine bedeutendsten Werke waren das Fresko „ das letzte Abendmahl", Gemälde „Mona Lisa“, „ Madonna Benedikt„(Bild oben), „Dame mit Hermelin“ usw.

Porträts von Künstlern der Renaissance sind selten. Sie hinterließen ihre Bilder lieber in Gemälden mit vielen Gesichtern. Daher hält die Kontroverse um da Vincis Selbstporträt (im Bild) bis heute an. Es gibt Versionen, die er im Alter von 60 Jahren gemacht hat. Laut dem Biographen, Künstler und Schriftsteller Vasari starb der große Meister in seinen Armen enger Freund König Franz I. auf seinem Schloss Clos-Lucé.

Raffael Santi (1483-1520)

Ursprünglich aus Urbino stammender Künstler und Architekt. Sein Name ist in der Kunst unweigerlich mit der Idee erhabener Schönheit und natürlicher Harmonie verbunden. Für genug kurzes Leben(37 Jahre alt) schuf er viele weltberühmte Gemälde, Fresken und Porträts. Die von ihm dargestellten Motive waren sehr vielfältig, doch das Bild der Muttergottes zog ihn stets an. Völlig zu Recht wird Raffael als „Meister der Madonnen“ bezeichnet, insbesondere der von ihm in Rom gemalten. Von 1508 bis zu seinem Lebensende arbeitete er im Vatikan als offizieller Künstler am päpstlichen Hof.

Raffael war, wie viele andere große Künstler der Renaissance, überaus begabt, aber auch Architekt und arbeitete auch archäologische Ausgrabungen. Einer Version zufolge steht das neueste Hobby in direktem Zusammenhang mit einem vorzeitigen Tod. Vermutlich erkrankte er bei den Ausgrabungen an der Römerfieber. Der große Meister wurde im Pantheon begraben. Das Foto ist sein Selbstporträt.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Der lange 70-jährige Mann war klug; er hinterließ seinen Nachkommen unvergängliche Schöpfungen nicht nur der Malerei, sondern auch der Bildhauerei. Wie andere große Künstler der Renaissance lebte Michelangelo in einer Zeit voller historische Ereignisse und Erschütterungen. Seine Kunst ist ein wunderbarer Abschluss der gesamten Renaissance.

Der Meister stellte die Bildhauerei über alle anderen Künste, wurde aber durch den Willen des Schicksals ein herausragender Maler und Architekt. Sein ehrgeizigstes und außergewöhnlichstes Werk ist das Gemälde (im Bild) im Palast im Vatikan. Die Fläche des Freskos beträgt mehr als 600 Quadratmeter und enthält 300 menschliche Figuren. Am beeindruckendsten und bekanntesten ist die Szene des Jüngsten Gerichts.

Italienische Renaissance-Künstler verfügten über vielfältige Talente. Daher wissen nur wenige Menschen, dass Michelangelo auch ein ausgezeichneter Dichter war. Diese Facette seines Genies kam gegen Ende seines Lebens voll zum Ausdruck. Bis heute sind etwa 300 Gedichte erhalten.

Malerei der Spätrenaissance

Die letzte Periode umfasst den Zeitraum von 1530 bis 1590–1620. Laut der Encyclopedia Britannica endete die Renaissance als historische Periode mit dem Fall Roms im Jahr 1527. Etwa zur gleichen Zeit triumphierte die Gegenreformation in Südeuropa. Die katholische Bewegung betrachtete jegliches Freidenken, einschließlich der Feier der Schönheit, mit Vorsicht menschlicher Körper und die Wiederauferstehung der Kunst der Antike – also alles, was die Säulen der Renaissance waren. Daraus entstand eine besondere Bewegung – der Manierismus, der durch den Verlust der Harmonie von Geistigem und Körperlichem, Mensch und Natur gekennzeichnet ist. Aber auch in dieser schwierigen Zeit schufen einige berühmte Künstler der Renaissance ihre Meisterwerke. Unter ihnen sind Antonio da Correggio (gilt als Begründer des Klassizismus und Palladianismus) und Tizian.

Tizian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Er gilt neben Michelangelo, Raffael und da Vinci zu Recht als Titan der Renaissance. Noch vor seinem 30. Lebensjahr erlangte Tizian den Ruf eines „Königs der Maler und Maler der Könige“. Im Wesentlichen malte der Künstler Gemälde, die auf mythologischen und mythologischen Themen basierten biblische Themen Darüber hinaus wurde er als großartiger Porträtmaler berühmt. Zeitgenossen glaubten, dass die Gefangennahme durch den Pinsel eines großen Meisters Unsterblichkeit bedeutete. Und das ist es tatsächlich. Befehle an Tizian kamen von den am meisten verehrten und edelsten Personen: Päpsten, Königen, Kardinälen und Herzögen. Hier sind nur einige seiner berühmtesten Werke: „Venus von Urbino“, „Der Raub Europas“ (im Bild), „Die Kreuztragung“, „Dornenkrone“, „Madonna von Pesaro“, „Frau mit Spiegel“. ", usw.

Nichts wird zweimal wiederholt. Die Renaissance bescherte der Menschheit brillante, außergewöhnliche Persönlichkeiten. Ihre Namen sind darin enthalten Weltgeschichte Kunst in goldenen Buchstaben. Architekten und Bildhauer, Schriftsteller und Künstler der Renaissance – die Liste ist sehr lang. Wir haben nur die Titanen angesprochen, die Geschichte geschrieben und der Welt die Ideen der Aufklärung und des Humanismus gebracht haben.