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Der zweite große Tragiker Athens im 5. Jahrhundert. - Sophokles (geboren um 496, gestorben 406).

Den mittleren Platz, den Sophokles in der dreisternigen attischen Tragödiengeschichte einnahm, markiert eine antike Geschichte, die die drei Dichter vergleicht, indem sie ihre Biografien mit der Schlacht von Salamis (480) in Verbindung bringt: Der 45-jährige Aischylos nahm persönlich an der entscheidenden Schlacht teil In der Schlacht mit den Persern, die die Seemacht Athen begründete, feierte Sophokles diesen Sieg im Knabenchor und Euripides wurde in diesem Jahr geboren. Das Altersverhältnis spiegelt das Verhältnis der Epochen wider. Wenn Aischylos der Dichter der Geburt der athenischen Demokratie ist, dann ist Euripides der Dichter ihrer Krise, und Sophokles blieb der Dichter der Blütezeit Athens, des „Zeitalters des Perikles“.

Der Geburtsort von Sophokles war Kolon, ein Vorort von Athen. Von seiner Herkunft her gehörte er wohlhabenden Kreisen an. Seine Arbeiten hatten außergewöhnlichen Erfolg: Er gewann 24 Mal den ersten Preis bei Wettbewerben und landete nie darin letzter Platz. Sophokles vollendete das von Aischylos begonnene Werk, die Tragödie von einer lyrischen Kantate in ein Drama umzuwandeln. Der Schwerpunkt der Tragödie verlagerte sich schließlich auf die Darstellung der Menschen, ihrer Entscheidungen, Handlungen und Kämpfe. Die Helden des Sophokles agieren größtenteils völlig unabhängig und bestimmen ihr eigenes Verhalten gegenüber anderen Menschen. Sophokles bringt die Götter selten auf die Bühne; der „Erbfluch“ spielt nicht mehr die Rolle, die ihm Aischylos zuschrieb.

Die Probleme, die Sophokles beschäftigen, beziehen sich auf das Schicksal des Einzelnen und nicht auf das Schicksal der Familie. Ablehnung des bei Aischylos vorherrschenden Prinzips einer handlungsbezogenen Trilogie. Er spricht von drei Tragödien und macht jede von ihnen zu einem eigenständigen künstlerischen Ganzen, das alle seine Probleme enthält.

Kein einziges Werk des antiken Dramas hat so bedeutende Spuren in der Geschichte des europäischen Dramas hinterlassen wie Ödipus der König. Sophokles betont weniger die Unvermeidlichkeit des Schicksals als vielmehr die Variabilität des Glücks und die Unzulänglichkeit der menschlichen Weisheit. Es ist interessant, dass Sophokles große Aufmerksamkeit schenkt weibliche Bilder. Für ihn ist eine Frau gleichberechtigt mit einem Mann eine Repräsentantin edler Menschlichkeit.

Die Tragödien des Sophokles zeichnen sich durch ihre Klarheit der dramatischen Komposition aus. Sie beginnen meist mit erläuternden Szenen, in denen die Ausgangslage erklärt und ein Plan entwickelt wird; .Verhalten der Helden. Bei der Umsetzung dieses Plans, der auf verschiedene Hindernisse stößt, nimmt die dramatische Handlung entweder zu oder verlangsamt sich, bis sie einen Wendepunkt erreicht, woraufhin nach einer leichten Verlangsamung eine Katastrophe eintritt, die rasch zur endgültigen Auflösung führt. Im natürlichen Ablauf der Ereignisse, streng motiviert und resultierend aus dem Charakter der Charaktere, sieht Sophokles das verborgene Wirken der göttlichen Kräfte, die die Welt regieren, bei Sophokles nur eine Nebenrolle. Seine Lieder sind wie eine lyrische Untermalung der Handlung des Dramas, an dem er selbst keinen wesentlichen Anteil mehr hat.

Sophokles war überzeugt, dass die Welt von intelligenten göttlichen Kräften kontrolliert wird, vor deren Hintergrund tragisches Leiden entsteht moralische Bedeutung. Gottheiten nahmen im Verlauf des Dramas eine offensichtliche oder verborgene Rolle ein.

In der Tragödie „König Ödipus“ entfaltet sich ein wahrhaft menschliches Drama voller psychologischer und gesellschaftspolitischer Konflikte. Sophokles erkennt die göttliche Vorherbestimmung, gegen die der Mensch machtlos ist, und zeigt einen Mann, der versucht, dem zu entgehen, was ihm vorherbestimmt war. Die schrecklichste und unerwartetste Wendung ereignet sich im Schicksal seines Helden: Ein Mann, der universellen Respekt genoss, berühmt für seine Weisheit und Heldentaten, entpuppt sich als schrecklicher Verbrecher, eine Quelle des Unglücks für seine Stadt und sein Volk Hervorzuheben ist die primäre Rolle des Motivs der moralischen Verantwortung, das das vom Dichter entlehnte Thema in den Hintergrund drängt alter Mythos. Sophokles betont, dass Ödipus kein Opfer ist, das passiv wartet und die Schicksalsschläge akzeptiert. Dies ist eine energische und aktive Person, die im Namen der Vernunft und Gerechtigkeit kämpft. Er geht aus diesem Kampf als Sieger hervor, indem er sich selbst die Strafe zuweist, die Strafe selbst ausführt und dadurch sein Leiden überwindet. Der Sinn ist nein negative Zeichen- Eine Person macht Fehler unbewusst. Diese Tragödie ist in sich geschlossen und geschlossen. Dies ist ein analytisches Drama, weil... Die gesamte Handlung basiert auf der Analyse von Ereignissen, die mit der Vergangenheit des Helden zusammenhängen und in direktem Zusammenhang mit seiner Gegenwart und Zukunft stehen.

Die Tragödie beginnt mit einer feierlichen Prozession. Thebanische Jugendliche und Älteste beten zu Ödipus, der durch seinen Sieg über die Sphinx verherrlicht wird, um die Stadt ein zweites Mal zu retten, um sie vor der wütenden Pest zu bewahren. Weiser König Es stellte sich heraus, dass er selbst bereits seinen Schwager Kreon mit einer Frage an das Orakel nach Delphi geschickt hatte. Die Götter sagen, dass der Mörder des ehemaligen Königs in dieser Stadt lebt. Ödipus macht sich energisch auf die Suche nach dem unbekannten Mörder und verrät ihn einem feierlichen Fluch, indem er den blinden alten Wahrsager Tiressius herbeiruft. Doch Tyressius wolle Ödipus das Geheimnis nicht verraten, beharrt er und T. sagt: „Du bist der Mörder.“ Ödipus glaubt es nicht und macht Kreon (den Bruder seiner Frau) dafür verantwortlich, dass Laios gestorben ist und ihm den alten Mann geschickt hat. Kreon ruft seine Schwester Iokaste (Ödipus‘ Frau) um Hilfe. Um Ödipus zu beruhigen, spricht sie ihrer Meinung nach über das unerfüllte Orakel, das Laios gegeben wurde, aber es ist diese Geschichte, die Ödipus Angst einflößt. (Vor langer Zeit ging Lai zum Orakel und sagte voraus, dass der ihm geborene Sohn ihn töten und seine Mutter heiraten würde; Lai befahl seinem Sklaven, das Kind in die Berge zu bringen und zu töten). Ödipus ist besorgt und fragt nach Laios. Doch er erkennt nicht, dass er es war, der Laios getötet hat, als ein Bote aus Korinth kommt und vom Tod von Ödipus‘ Vater Polybos berichtet. Er sagt, dass sie Ödipus auf den Thron setzen wollen. Ödipus triumphiert: Die Prophezeiung vom Vatermord hat sich nicht bewahrheitet. Ödipus hat Angst vor der Geschichte, die ihm das Orakel einst vorhergesagt hatte, dass er seine Mutter heiraten würde. Doch der Bote sagt ihm, dass er nicht der Sohn des Polybos sei und teilt ihm mit, wo er ihn gefunden hat. Jocasta, der alles klar geworden ist, verlässt die Bühne mit einem traurigen Ausruf. Ödipus macht sich auf die Suche nach dem zweiten Hirten, der ihn als Säugling diesem Boten gegeben hat. Der Hirte (der Zweite) kommt und will nicht die Wahrheit sagen, aber E und der Bote zwingen ihn. Als Zeuge der Ermordung von Laios stellt sich heraus, dass es sich um denselben Hirten handelt, der dem Korinther einst das Baby Ödipus gegeben hat. Der Hirte gesteht, dass das Baby der Sohn von Laios ist, Ödipus verflucht sich.

In einem Excode voller tiefem Mitgefühl für den ehemaligen Retter von Theben fasst der Chor das Schicksal des Ödipus zusammen und reflektiert die Zerbrechlichkeit des menschlichen Glücks und das Urteil der allsehenden Zeit.

Im letzten Teil der Tragödie, nachdem der Bote den Selbstmord von Jocasta und die Selbstblendung von Ödipus berichtet (er nimmt die Brosche von Jocastas Schulter und sticht ihm die Augen aus. Ödipus selbst richtet sich wegen einer unwissentlich begangenen Straftat hin), erscheint Ödipus erneut Er verflucht sein unglückliches Leben, fordert für sich die Verbannung und verabschiedet sich von seinen Töchtern. Doch Kreon, in dessen Hände die Macht übergeht, hält Ödipus fest und wartet auf die Anweisungen des Orakels. Weiteres SchicksalÖdipa bleibt für den Betrachter unklar.

Bedeutung– es gibt keine negativen Charaktere – ein Mensch macht Fehler unbewusst. Diese Tragödie ist in sich geschlossen und geschlossen. Sophokles betont weniger die Unvermeidlichkeit des Schicksals als vielmehr die Variabilität des Glücks und die Unzulänglichkeit der menschlichen Weisheit

Doch noch nie und nirgendwo im Weltdrama wurde die Geschichte eines vom Unglück heimgesuchten Mannes so einfühlsam geschildert wie in König Ödipus. Der genaue Zeitpunkt, zu dem diese Tragödie stattfand, ist unbekannt. Es stammt ungefähr aus der Zeit zwischen 428 und 425. Bereits antike Kritiker, angefangen bei Aristoteles, betrachteten „König Ödipus“ als den Höhepunkt der tragischen Meisterschaft von Sophokles. Die gesamte Handlung der Tragödie dreht sich um die Hauptfigur Ödipus; Er definiert jede Szene und ist ihr Mittelpunkt. Aber in der Tragödie gibt es keine episodischen Charaktere; jede Figur in diesem Drama hat ihren eigenen klaren Platz. So begleitet der Sklave des Laios, der einst auf seinen Befehl hin das Kind hinauswarf, Laios anschließend auf seiner letzten verhängnisvollen Reise, und der Hirte, der einst Mitleid mit dem Kind hatte und es mit nach Korinth nahm, kommt nun in Theben an als Botschafter der Korinther, um Ödipus zu bitten, als König von Korinth zu regieren.

In der Tragödie „König Ödipus“ macht Sophokles eine wichtige Entdeckung, die es ihm ermöglichen wird, das Heldenbild anschließend zu vertiefen. Es zeigt, dass ein Mensch aus sich selbst Kraft schöpft, die ihm hilft zu leben, zu kämpfen und zu siegen. In den Tragödien „Electra“ und „Philoctetes“ treten die Götter in den Hintergrund, als ob sie den ersten Platz dem Menschen überlassen würden. „Electra“ steht in der Handlung in der Nähe von „Choephora“ von Aischylos. Aber Sophokles schuf ein äußerst wahrheitsgetreues Bild eines mutigen und ehrlichen Mädchens, das, ohne sich selbst zu schonen, mit seiner kriminellen Mutter und ihrem verabscheuungswürdigen Liebhaber kämpft – leidet, hofft und siegt. Auch im Vergleich zu Antigone erweitert und vertieft Sophokles die Gefühlswelt Elektras.

Mit Ziegenbärten und Hörnern, Darstellung der Gefährten des Dionysos – Satyrn (daher der Name – Satyr-Drama). Rituelle Darbietungen fanden während der Dionysia (Feste zu Ehren des Dionysos) im Frühling und Herbst statt. Es gab „große“ Dionysien – in der Stadt, sehr prächtig, und „kleine“ – ländlich, bescheidener. Diese rituellen Aufführungen sind der Ursprung des griechischen Theaters.

Das griechische Theater war ein offenes Gebäude von enormer Größe. Die Bühne bestand aus einer langen, schmalen Plattform und war an drei Seiten von Mauern umgeben, von denen die hintere (mit Baldachin) Skene, die seitlichen Paraskenionen und das, was wir Bühne nennen, Proskenion genannt wurden.

Der in Simsen aufsteigende Halbkreis aus Sitzplätzen für Zuschauer wurde Amphitheater genannt, der Ort zwischen Bühne und Amphitheater - Orchester; Hier befand sich ein Chor, der von einer Koryphäe (Chorleiter) gesteuert wurde. Mit der Entwicklung der dramatischen Handlung wurde dem Orchester ein Zelt (Skene) hinzugefügt, in dem sich die Schauspieler anzogen und umzogen (jeder der Schauspieler spielte mehrere Rollen).

Von mimischen Lobpreisungen über die Leiden des Dionysos gingen sie nach und nach dazu über, diese in Aktion zu zeigen. Thespis (ein Zeitgenosse von Peisistratus) und Phrynichus gelten als die ersten Dramatiker. Sie stellten einen Schauspieler vor (der zweite und dritte wurden dann von Aischylos und Sophokles vorgestellt). Dramatische Werke wurden meist von Autoren als Wettbewerbe vergeben. Die Autoren spielten die Hauptrollen (sowohl Aischylos als auch Sophokles waren Hauptdarsteller), schrieben selbst die Musik für die Tragödien und dirigierten die Tänze.

Veranstalter der Theaterwettbewerbe war der Staat. In der Person eines eigens dafür eingesetzten Mitglieds des Areopags – des Archonten – lehnte es die Darstellung bestimmter Tragödien ab oder ließ sie zu. Hier kommt bei der Beurteilung meist der Klassenansatz ins Spiel dramatische Werke. Letzteres musste im Einklang mit den Gefühlen und Interessen der Oberschicht stehen. Zu diesem Zweck war das Recht, dem Dramatiker einen Chor zur Verfügung zu stellen, den sogenannten Choregs, Großgrundbesitzern, Sondermäzenen vorbehalten Theaterkunst. Sie versuchten, das Theater als Instrument zur Agitation und Propaganda ihrer Ideologie zu nutzen. Und um ihren Einfluss auf alle freien Bürger auszuüben (Sklaven war der Besuch des Theaters verboten), richteten sie eine spezielle Theatergeldverteilung für die Armen ein (Theorie – unter Perikles).

Diese Ansichten brachten die protektionistischen Tendenzen der herrschenden Klasse zum Ausdruck – der Aristokratie, deren Ideologie vom Bewusstsein der Notwendigkeit einer bedingungslosen Unterwerfung unter eine bestimmte Gesellschaftsordnung bestimmt war. Die Tragödien des Sophokles spiegeln die Ära des siegreichen Krieges zwischen den Griechen und den Persern wider, der große Möglichkeiten für den Kapitalhandel eröffnete.

In dieser Hinsicht schwankt die Autorität der Aristokratie im Land, was sich entsprechend auf die Werke von Sophokles auswirkt. Im Zentrum seiner Tragödien steht der Konflikt zwischen Familien tradition und staatliche Autorität. Sophokles hielt es für möglich, gesellschaftliche Widersprüche in Einklang zu bringen – einen Kompromiss zwischen Handelselite und Aristokratie.

Und schließlich leugnet Euripides – ein Befürworter des Sieges der Handelsschicht über die Grundbesitzeraristokratie – bereits die Religion. Sein „Bellerophon“ stellt einen Kämpfer dar, der sich gegen die Götter auflehnte, weil diese verräterische Herrscher aus der Aristokratie unterstützten. „Sie (die Götter) sind nicht da (im Himmel)“, sagt er, „es sei denn, die Menschen wollen wahnsinnig alte Märchen glauben.“ In den Werken des atheistisch veranlagten Euripides sind die Figuren des Dramas ausschließlich Menschen. Wenn er die Götter vorstellt, dann nur in den Fällen, in denen es darum geht, eine komplexe Intrige zu lösen. Sein dramatisches Handeln ist durch die wahren Eigenschaften der menschlichen Psyche motiviert. Die majestätischen, aber spirituell vereinfachten Helden von Aischylos und Sophokles werden in den Werken des jüngeren Tragikers durch zwar prosaischere, dann aber komplizierte Charaktere ersetzt. Sophokles sprach über Euripides folgendermaßen: „Ich habe die Menschen so dargestellt, wie sie sein sollten; Euripides stellt sie so dar, wie sie wirklich sind.“

Antike griechische Komödie

Antike Tragödien überleben
Aischylos	Sieben gegen Theben | Gebete | Perser | Prometheus angekettet Orestie: Agamemnon | Höfors | Eumeniden
Sophokles	Ödipus der König | Ödipus am Kolonos | Antigone | Ajax | Philoktetes | Elektra | Verdammte Frauen | Pathfinders (Satyrdrama) ( teilweise erhalten)
Euripides	Alceste | Medea | Herakleides | Hippolyt | Andromache | Plädoyer | Hekabe | Herkules | Trojanische Frauen | Iphigenie auf Tauris | Elektra | Elena | Phönizier | Ion | Orestes | Bacchae | Iphigenie in Aulis | Cyclops (Satiredrama)
Seneca	Medea | Phädra | Ödipus | Phönizier | Herkules im Wahnsinn | Herkules auf Eta | Fiesta | Trojanische Frauen | Agamemnon
Unbekannt Autoren

Die Tragödie der Klassik entlehnte fast immer Handlungsstränge aus der Mythologie, was ihrer Relevanz und engen Verbindung zu den drängenden Problemen unserer Zeit keinen Abbruch tat. Als „Arsenal und Boden“ der Tragödie wurde die Mythologie darin einer besonderen Bearbeitung unterzogen, die je nach den Anforderungen der Realität den Schwerpunkt von der Handlung des Mythos auf seine Interpretation verlagerte.

Zu den Features Ästhetik antike Tragödie Dazu gehört auch eine chronologisch konsistente Haltung gegenüber dem Mythos und seiner Kritik. Von seinen Eigenschaften Poetik es ist notwendig zu benennen: ein Minimum an Schauspielern, ein Chor, eine Koryphäe, Boten, eine äußere Struktur (Prolog, Sketch, Episode, Stasim, Exodus).

Die antike Tragödie weist viele künstlerische Merkmale auf

• - erste Orientierung an der Theaterproduktion,
• - Grundlage der Handlung ist der Mythos (zum Beispiel die Tragödie des Aischylos „Ödipus“),
• - die Hauptfigur gerät in Konflikt mit den Göttern und dem Schicksal,
• - die Anwesenheit von Heldengöttern (z. B. Artemis und Aphrodite in Euripides‘ Tragödie „Hippolytus“),
• - die Anwesenheit eines Chores (als Kommentator und Erzähler),
• - die Idee der Allmacht der Götter und des Schicksals, die Sinnlosigkeit des Kampfes gegen das Schicksal,
• - Der Zweck der Tragödie besteht darin, beim Betrachter Schock und Empathie und infolgedessen Katharsis hervorzurufen - Reinigung durch Konfliktlösung und Harmonie.

Aristoteles gibt in „Poetik“ die folgende Definition der Tragödie: „Eine Tragödie ist also die Nachahmung einer Handlung, die wichtig und vollständig ist, einen bestimmten Umfang hat, [Nachahmung] mit Hilfe der Sprache, in jedem ihrer Teile unterschiedlich dekoriert; Durch Taten und nicht durch Geschichten wird durch Mitgefühl und Angst die Reinigung solcher Affekte erreicht.“ Nachahmung von Taten... Läuterung durch Mitgefühl und Angst...“ – das ist die Essenz der Tragödie: eine Art „Schocktherapie“. Platon schreibt in seinen „Gesetzen“ über das, was sich darin verbirgt menschliche Seele und das ihm von Geburt an innewohnende orgie-chaotische Prinzip, das sich äußerlich als destruktiv manifestiert, daher ist ein äußerer Kontrolleinfluss notwendig, damit dieses Prinzip, leicht und freudig befreit, in die Harmonie der Weltordnung eintritt. Ein Tragiker, der das Spielleben des Zuschauers kontrolliert, kann dies tun; ein Politiker sollte dies tun. Im Allgemeinen ist dies die Art und Weise, ein neues Spiel zu etablieren und zu verwalten, über die wir oben gesprochen haben.

Über die Entstehung der Tragödie als Form, in die sich das dionysische Prinzip ausgießt, schreibt Aristoteles Folgendes („Poetik“, 4): „Von Anfang an durch Improvisation entstanden, sowohl sie als auch die Komödie (die erste – von den Gründern). des Dithyrambus und der zweite – von den Begründern der phallischen Lieder, die noch heute in vielen Städten verwendet werden) sind nach und nach gewachsen allmähliche Entwicklung was sie besonders macht.

Was die Anzahl der Schauspieler angeht, führte Aischylos als erster zwei statt einem ein; Er reduzierte auch die Chorpartien und stellte den Dialog an die erste Stelle, und Sophokles führte drei Schauspieler und Bühnenbilder ein. Was den Inhalt betrifft, erlangte die Tragödie aus unbedeutenden Mythen und einer spöttischen Ausdrucksweise – da sie durch Veränderungen aus einer satirischen Darstellung entstand – nachträglich ihre verherrlichte Größe; und seine Größe wurde vom Tetrameter zum Jambischen [Trimeter].

Die Besonderheit der antiken Tragödie als Gattung liegt vor allem darin, dass sie funktional zunächst einmal ein Dienst an Gott war, „eine Nachahmung einer vollständigen und wichtigen Handlung“, d.h. göttlich. Daher sind alle ihre Helden keine Menschen, sondern Masken-Symbole, und was sie im Prozess der Aufführung tun, hat für das Publikum eine andere Bedeutung als für uns, wenn wir diese Texte zweieinhalbtausend Jahre später lesen. Die Tragödie war, wie jeder Mythos, nicht nur eine Geschichte und eine Erzählung, sie war die Realität selbst und diejenigen, die auf der Tribüne saßen, waren genauso viele (wenn nicht mehr) Teilnehmer an der Aufführung als diejenigen, die die Masken animierten. Ohne dies zu erkennen, ist es unmöglich, hellenische Symbole in den Kontext der Kultur des 20. Jahrhunderts zu übertragen.

Die Tragödie ist geworden neues Konzept Spiele, ein neuer Mythos, den wir einen Klassiker nennen. Warum denke ich, dass es neu ist? Da uns die „alten“ Mythen größtenteils in einer späteren, klassischen Interpretation bekannt sind, scheint es für eine solche Aussage keine ausreichenden Anhaltspunkte zu geben. Viele bekannte Quellen sprechen jedoch dafür, dass die Tragödie ein neuer Mythos ist. Dies sind zunächst einmal Hinweise auf die „Obsoleszenz“ der einst von Homer verherrlichten Spielrealität.

„Der Saiyajin trägt jetzt stolz meinen makellosen Schild.

Will oder übel musste ich es mir ins Gebüsch werfen.

Ich selbst habe jedoch den Tod vermieden. Und lass es verschwinden

Mein Schild. Ich kann genauso gut ein neues bekommen.

Einer der „homerischen“ Hymnen („An Hermes“) ist eine offene Verhöhnung der Götter:

„Ein listiger Kletterer, ein Stierdieb, ein Traumberater, ein Räuber,

An der Tür steht ein Spion, ein Nachtspion, der es bald tun wird

Viele glorreiche Taten sollten den Göttern offenbart werden.

Am Morgen, kurz vor Tagesanbruch, wurde er geboren, mittags spielte er Leier,

Am Abend habe ich dem Pfeilwerfer Apollo Kühe gestohlen.

Das kreative Erbe von Aischylos, Sophokles und Euripides . Sie gelten als die größten Dichter-Dramatiker der Menschheit, deren Tragödien heute auf der Weltbühne aufgeführt werden.

„Vater der Tragödie“ Aischylos (525-456 v. Chr.) schuf mehr als 90 Werke, aber die Zeit hat nur sieben erhalten. Seine anderen Stücke sind in kleineren Fragmenten oder nur dem Titel nach bekannt. Das Weltbild von Aischylos wird bestimmt von der schwierigen Ära der griechisch-persischen Kriege, der heroischen Spannung der schöpferischen Kräfte des Volkes im Kampf um Freiheit und die Schaffung eines demokratischen athenischen Staates. Aischylos glaubte an die göttliche Weisheit und die höchste Gerechtigkeit der Götter, hielt fest an den religiösen und mythologischen Grundlagen der traditionellen Polis-Moral fest und war misstrauisch gegenüber politischen und philosophischen Neuerungen. Sein Ideal blieb eine demokratische Sklavenrepublik.

In seinen Tragödien stellte und löste Aischylos die grundlegenden Probleme der Zeit: das Schicksal des Clans im Kontext des Zusammenbruchs des Clansystems; Entwicklung historische Formen Familie und Ehe; historische Schicksale des Staates und der Menschheit. Ausgehend von der Idee der völligen Abhängigkeit des Menschen vom Willen der Götter verstand es Aischylos zugleich, die Konflikte seiner Tragödien mit konkreten historischen Lebensinhalten zu füllen. Aischylos selbst behauptete bescheiden, seine Werke seien „Krümel von Homers Fest“, tatsächlich tat er es jedoch wichtiger Schritt V künstlerische Entwicklung Menschheit - schuf das Genre der monumentalen weltgeschichtlichen Tragödie, in der sich die Bedeutung der Problematik und die Höhe des ideologischen Inhalts mit der feierlichen Majestät der Form verbinden. Aus den überlieferten Tragödien des Aischylos größtes Interesse präsentiert „Die Perser“, „Der gefesselte Prometheus“ und die „Orestie“-Trilogie. Seine Arbeit ebnete den Weg für die Entstehung klassische Tragödie Zukunft und hatte einen starken Einfluss auf die europäische Dramatik, Poesie und Prosa.

Sophokles (496-406 v. Chr.) entnahm wie Aischylos die Handlung seiner Tragödien der Mythologie, stattete die antiken Helden jedoch mit den Qualitäten und Bestrebungen seiner Zeitgenossen aus. Basierend auf der Überzeugung vom Großen pädagogische Rolle Um dem Publikum Beispiele für wahren Adel und Menschlichkeit zu vermitteln, erklärte Sophokles laut Aristoteles offen, dass „er selbst die Menschen so darstellt, wie sie sein sollten“. Deshalb schuf er mit erstaunlichem Geschick eine Galerie lebendiger Charaktere – ideal, normativ, künstlerisch perfekt, skulptural integral und klar. Sophokles besang die Größe, den Adel und die Vernunft des Menschen und glaubte an den endgültigen Triumph der Gerechtigkeit. Er glaubte jedoch immer noch, dass die Fähigkeiten des Menschen durch die Macht des Schicksals begrenzt seien, das niemand vorhersagen und verhindern könne, und dass das Leben und der Wille der Menschen unterworfen seien nach dem Willen der Götter, dass „ohne Zeus“ („Ajax“) „nichts geht“. Der Wille der Götter manifestiert sich in der ständigen Variabilität des menschlichen Lebens, im Spiel des Zufalls, das den Menschen entweder auf die Höhen des Wohlbefindens und des Glücks erhebt oder ihn in den Abgrund des Unglücks stürzt („Antigone“).

Sophokles vollendete die von Aischylos begonnene Reform der klassischen griechischen Tragödie. Der traditionellen Methode folgend, eine mythologische Handlung in einer zusammenhängenden Trilogie zu entwickeln, gelang es Sophokles, jedem Teil Vollständigkeit und Eigenständigkeit zu verleihen, die Rolle des Chors in der Tragödie deutlich abzuschwächen, einen dritten Schauspieler einzuführen und eine spürbare Individualisierung der Charaktere zu erreichen. Jeder seiner Charaktere ist mit widersprüchlichen Charaktereigenschaften und komplexen emotionalen Erfahrungen ausgestattet. Zu den berühmtesten und vollkommensten Werken des Sophokles gehören „König Ödipus“ und „Antigone“, geschrieben auf dem Stoff des Populären Thebanischer Zyklus Mythen. Seine Schöpfungen hatten einen erheblichen Einfluss auf die europäische Literatur der Neuzeit, besonders spürbar im 18. Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte Goethe und Schiller bewunderten die Komposition der Tragödien des Sophokles.

Euripides(480-406 v. Chr.), der die Entwicklung der Klassik vollendete antike griechische Tragödie, arbeitete während der Zeit der Krise und des Niedergangs der athenischen Demokratie. Er wurde auf der Insel Salamis geboren und erhielt für die damalige Zeit eine hervorragende Schulausbildung. berühmte Philosophen Anaxagoras und Protagoras. Im Gegensatz zu Aischylos und Sophokles ist er ein Humanist und Demokrat, der die Teilnahme daran ignoriert öffentliches Leben, bevorzugt Privatsphäre. Er musste sein Lebensende in Mazedonien verbringen und starb dort am Hofe von König Archelaos.

Euripides schrieb über 90 Tragödien, von denen 17 überliefert sind. Zu seinen Lebzeiten hatte er keinen so großen Erfolg (vier Siege bei der Großen Dionysien) wie Aischylos und Sophokles, galt aber in der hellenistischen Ära als vorbildlicher Dramatiker.

Euripides war ein mutiger Denker, während Mythen über die Götter für ihn die Frucht müßiger Fantasie sind („Herkules“, „Iphigenie in Aulis“). Die Mythologie behält in den Tragödien des Euripides eine rein äußere Bedeutung, und seine Konflikte werden fast immer durch das Aufeinandertreffen schädlicher Kräfte bestimmt menschliche Leidenschaften. Kein Wunder, dass die Alten ihn „einen Philosophen auf der Bühne“ und „den tragischsten aller Dichter“ nannten. Er stellte die Menschen so dar, wie sie sind, und schrieb natürlich und einfach. Als Künstler interessierte sich Euripides vor allem für Innere Mann, sein Seelengefühle, daher ist er der Begründer des psychologischen Trends in der europäischen Literatur.

Euripides ist ein Reformator der klassischen antiken griechischen Tragödie und legte tatsächlich den Grundstein für das Genre des europäischen Dramas.

Zu den berühmtesten Werken des Euripides zählen „Medea“, „Hippolytus“, „Alkestes“ und „Iphigenie in Aulis“, die traditionell auf mythologischen Legenden basieren. Den Weg zur Schöpfung ebnen Familiendrama, gleichzeitig erreicht er das hohe tragische Pathos der Heldengefühle.

REFERENZLISTE

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Bedier J. Ein Roman über Tristan und Isolde.

Dante A. Die Göttliche Komödie. ("Hölle").

Boccaccio J. Decameron. (Mehrere Kurzgeschichten aus verschiedenen Tagen).

Gedichte von Petrarca, Villon, Shakespeare, Camoes usw. – optional (je nach Anthologie).

Rabelais F. Gargantua und Pantagruel.

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Shakespeare B. Romeo und Julia. Weiler.

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Text

Cornel P. Sid. Racine J. Phädra. – 1 Tragödie Ihrer Wahl.

Moliere J.B. Ein Händler unter dem Adel. Tartuffe. – 1 Komödie Ihrer Wahl.

Lope de Vega Hund in der Krippe.

Walter F. Candide.

Diderot D. Nonne.

Defoe D. Robinson Crusoe.

Swift J. Gullivers Reisen.

Fielding G. Die Geschichte von Tom Jones, einem Findelkind.

Stern L.Sentimentale Reise. Stern L. Das Leben und die Meinungen von Tristram Shandy, Gentleman. Rousseau J.J. Neue Eloise. Goethe I.V.. Die Leiden des jungen Werther. – 1 Roman Ihrer Wahl.

Beaumarchais P. Der Barbier von Sevilla. Hochzeit des Figaro. – 1 Stück Ihrer Wahl.

Sheridan R. Schule der Verleumdung.

Schiller F. Räuber. Betrug und Liebe. Lessing G. Emilia Galotti – 1 Stück Ihrer Wahl.

Goethe I.V. Faust.

Burns R. Poesie.

FRAGEN ZUM SELBSTTEST

1. Epos als kulturelles Phänomen. Heldenepos von Homer. Götter und Menschen in Gedichten, epischer Held Homer, Stil und Sprache der Gedichte.

2. Die Originalität der antiken griechischen Lyrik (am Beispiel der Werke von Alcaios, Sappho, Anakreon – optional).

3. Aischylos – „Vater der Tragödie“, Dichter und Ideologe der Entstehungszeit der athenischen Demokratie.

4. Sophokles ist ein Tragiker aus der Zeit des Aufbruchs der athenischen Demokratie und des Beginns ihrer Krise. Seine Helden seien „Menschen, wie sie sein sollten“.

5. Euripides – Philosoph auf der Bühne. Seine Helden sind „Menschen wie sie sind“.

6. Künstlerische Originalität der Komödie des Aristophanes.

7. „Komödie vom Topf“ von Plautus. Die künstlerische Meisterschaft von Terence. (optional)

8. Römische Lyrik der augusteischen Ära. Die Stellung von Horaz in der antiken römischen Literatur (Die Werke von Vergil. Die Werke von Ovid. (optional)).

9. Das Genre des antiken Romans.

10. Künstlerische Originalität Heldenepos die Ära des Feudalismus („Das Lied von Roland“, „Das Lied von Sid“, „Das Gedicht der Nibelungen“ – optional).

11. Ritterliche Literatur und urbane Literatur des Mittelalters.

12. Humanismus der Renaissance-Literatur.

13. Die Originalität nationaler Versionen der Renaissance (Italienisch, Französisch, Englisch, Spanisch – am Beispiel der gelesenen Werke).

14. Die Entwicklung des Tragödiengenres in den Werken Shakespeares.

15. Klassizismus und Barock: Ästhetik und Praxis.

16. Die Originalität des Genres der klassischen Tragödie (am Beispiel der Werke von Corneille oder Racine).

17. Die Originalität des Genres der klassischen Komödie.

18. Aufklärung – ideologische Bewegung des 18. Jahrhunderts. Basic literarische Tendenzen und führende Genres.

19. Nationale Versionen der Literatur der Aufklärung.

20. Englischer Roman Zeitalter der Aufklärung. (Bild von Robinson Crusoe als positiver Held Epoche. Englischer Gesellschafts- und Alltagsroman (basierend auf den Werken von G. Fielding). Politische und soziale Satire in J. Swifts Roman „Gullivers Reisen“) – optional.

21. Die Originalität des Genres der philosophischen Geschichte.

22. Sentimentalismus als künstlerische Leitung in der Literatur des 18. Jahrhunderts. Sentimentaler Roman (Rousseaus „Die neue Heloise“, Goethes „Die Leiden des jungen Werther“, Stern „Eine sentimentale Reise“, „Das Leben und die Meinungen des Tristram Shandy, Gentleman“ – optional).

23. Goethes Tragödie „Faust“ ist der Höhepunkt der deutschen Aufklärung. Das Problem der Suche nach Wahrheit und Sinn des Lebens in Goethes Tragödie „Faust“. Bilder von Faust und Mephistopheles in Goethes Tragödie „Faust“.

24. Reflexion der Merkmale der späten französischen Aufklärung in den Werken von D. Diderot.

25. Lope de Vega – Dramatiker.

26. Reflexion der Ära in den Komödien von J.-B. Moliere und P. Beaumarchais vergleichen ihre Helden.

27. Reflexion der Ideale von „Sturm und Drang“ in der Dramaturgie von Schiller und Lessing.

Sowie Fragen aus den Vorbereitungsplänen für die Seminare.

THEMEN DER KONTROLLARBEITEN

1. Epos als kulturelles Phänomen (am Beispiel von Homers Gedichten „Ilias“ oder „Odyssee“).

2. Altgriechische Texte (am Beispiel der Werke von Sappho, Alcaeus, Anacreon).

3. Die künstlerische Originalität der politischen Komödie des Aristophanes (am Beispiel von 2-3 Komödien).

4. Iranisch-tadschikische Poesie des Mittelalters (am Beispiel des Rubai-Genres).

5. Japanische klassische Poesie (am Beispiel der Genres Tanka oder Haiku).

6. Die Originalität des Genres des antiken Romans (am Beispiel von Longs Romanen „Daphnis und Chloe“, Achilles Tatius‘ „Leucippe und Clitophon“, Apuleius‘ „Der goldene Esel“, Petronius‘ „Satyricon“ – optional).

7. Die Welt der irischen Sagen ( künstlerische Besonderheiten und Analyse mehrerer Sagen).

8. Isländisches Epos (künstlerische Merkmale und Textanalyse).

9. Die künstlerische Originalität des Heldenepos der Zeit des Feudalismus („Das Lied von Roland“, „Das Lied von Sid“, „Das Gedicht der Nibelungen“ – optional).

10. Poesie von Francois Villon.

11. Die Welt und der Mensch in der Poesie der Vagants.

12. Innovation in den Texten der provenzalischen Troubadours.

13. „Die Göttliche Komödie“ von Dante – philosophische und künstlerische Synthese mittelalterliche Kultur Und Humanistische Kultur Renaissance.

14. Die Originalität nationaler Versionen der Renaissance (Italienisch, Französisch, Englisch, Spanisch – optional).

15. Renaissance-Humanismus in Boccaccios „Decameron“.

16. Shakespeare ist ein Komiker (am Beispiel von 2 Komödien).

17. Künstlerische Innovation der Sonette von W. Shakespeare.

18. Englisches Drama aus der Ära Shakespeares.

19. Klassizismus: Ästhetik und Praxis (Racine, Corneille, Moliere – optional).

20. Aufklärung – ideologische Bewegung des 18. Jahrhunderts. Wichtigste literarische Trends und führende Genres.

21. Nationale Versionen der Aufklärung (Englisch, Französisch, Deutsch – optional).

22. Englischer Aufklärungsroman (Defoe, Swift, Fielding usw. – optional).

23. Der pädagogische Charakter von R. Sheridans Komödie „School of Scandal“.

25. Schillers Dramen „List und Liebe“ und „Räuber“: antifeudaler Charakter, das Bild eines Rebellen.

26. Inkarnation Ästhetische Ansichten Lessing im Drama „Emilia Galotti“.

WERKSTATTPLÄNE

Seminar Nr. 1

Mensch und Fels in der antiken Tragödie

Vorbereitungsplan für das Seminar

1. Der Platz des Theaters im Leben Athens.

2. Die Helden des Sophokles sind „Menschen, wie sie sein sollten“. Sophokles' Innovation bei der Charaktererschaffung.
- Kämpft Ödipus gegen das Schicksal? Wozu führt der Versuch, dem Schicksal zu widerstehen?
- Ist Ödipus persönlich für das Unglück verantwortlich, das ihm widerfährt?
- Welche moralische Lektion wollte Aischylos seinen Mitbürgern erteilen?

3. Die Helden von Euripides sind „Menschen, wie sie wirklich sind“ (Interessen, Lebenseinstellung, Charaktere, Haltung des Autors und Verkörperung auf der Bühne).
- Warum wird Euripides der „Philosoph von der Bühne“ genannt?
- Wie motiviert der Autor Medeas Verhalten?
- Warum verändert Euripides die Umrisse des Mythos?
- Wird Medea für ihre Taten bestraft? Wenn ja, was ist diese Strafe?

Sophokles Ödipus der König.

Euripides. Medea.

Aristoteles. Zur Kunst der Poesie // Antike Literatur. Griechenland. Anthologie. – Teil 2. – M., 1989. – S. 347 – 364.

Boyadzhiev, G. N. Von Sophokles bis Brecht in vierzig Theaterabenden / G. N. Boyadzhiev. – M., 1981.

Kallistov, D. P. Antikes Theater / D. P. Kallistov. – L., 1970.

Losev A.F. Antike Literatur / A.F. Losev. – M., 2001.

Nikola, M.I. Sophokles // Ausländische Schriftsteller. Biobibliographisches Wörterbuch. Teil 2. - M., 1997. - S. 265-269 (verfügbar auf der Website www.philology.ru)

Nicolas, M.I. Euripides // Ausländische Schriftsteller. Biobibliographisches Wörterbuch. Teil 1. - M., 1997. - S. 310-313)

Yarkho, V.N. Dramaturgie des Euripides und das Ende der antiken Heldentragödie / V.N. Yarho. - Zugriffsmodus http://philology.ru/literature3/yarkho-99.htm

Yarkho, V. N. Dramaturgie von Aischylos und einige Probleme der antiken griechischen Tragödie / V. N. Yarkho. – M., 1978.

Yarkho, V. N. Die Tragödie des Sophokles „Antigone“ / V. N. Yarkho. – M., 1986.

Seminar Nr. 2

Was bedeutete der Begriff Fels für die alten Griechen? Schicksal oder Schicksal (moira, aisa, tyche, ananke) – hat in der antiken griechischen Literatur eine doppelte Bedeutung: das ursprüngliche, allgemeine Substantiv, Passiv – das jedem Sterblichen und teilweise der Gottheit vorgegebene Schicksal, und das abgeleitete, persönliche, aktive – eines persönlichen Wesens, das jedem sein Schicksal zuordnet und äußert, insbesondere den Zeitpunkt und die Art des Todes.

Anthropomorphe Götter und Göttinnen erwiesen sich als unzureichend, um in jedem einzelnen Fall die Ursache der Katastrophe zu erklären, die den einen oder anderen Sterblichen oft völlig unerwartet und unverdient traf. Viele Ereignisse im Leben von Einzelpersonen und ganzen Nationen geschehen im Widerspruch zu allen menschlichen Berechnungen und Überlegungen, allen Vorstellungen über die Beteiligung humanoider Gottheiten an menschlichen Angelegenheiten. Dies zwang die alten Griechen, die Existenz und das Eingreifen eines besonderen Wesens anzuerkennen, dessen Wille und Handeln oft unergründlich sind und das daher in den Köpfen der Griechen nie eine klar definierte, eindeutige Erscheinung erhielt.

Aber der Begriff Schicksal oder Schicksal enthält weit mehr als nur ein Merkmal des Zufalls. Unveränderlichkeit und Notwendigkeit sind die charakteristischsten Merkmale dieses Konzepts. Das dringendste und unwiderstehlichste Bedürfnis, sich Schicksal oder Schicksal vorzustellen, entsteht, wenn eine Person einer mysteriösen Tatsache gegenübersteht, die bereits geschehen ist und den Geist und die Vorstellungskraft durch ihre Widersprüchlichkeit mit vertrauten Konzepten und gewöhnlichen Bedingungen in Erstaunen versetzt.

Allerdings gab sich der Geist des alten Griechen selten mit der Antwort zufrieden: „Wenn etwas entgegen seinen Erwartungen passiert ist, dann hätte es passieren müssen.“ Ein Sinn für Gerechtigkeit, verstanden im Sinne der Belohnung aller entsprechend seiner Taten, ermutigte ihn, nach den Ursachen der unglaublichen Katastrophe zu suchen, und er fand sie normalerweise entweder in außergewöhnlichen Umständen im Privatleben des Opfers oder in vielen anderen öfter und bereitwilliger in den Sünden seiner Vorfahren. Im letzten Fall kommt die enge gegenseitige Verbundenheit aller Clanmitglieder und nicht nur der Familie besonders deutlich zum Vorschein. Da die Griechen in den Beziehungen ihrer Vorfahren aufwuchsen, waren sie zutiefst davon überzeugt, dass die Nachkommen die Schuld ihrer Vorfahren büßen mussten. Die griechische Tragödie entwickelte dieses Motiv sorgfältig weiter, eingebettet in Volksmärchen und Mythen. Ein markantes Beispiel dafür ist „Orestie“ von Aischylos.

Für die Geschichte des Schicksalsbegriffs sind die Tragödien von Aischylos und Sophokles, Dichtern, die an Hausgötter glaubten, das größte Interesse und das umfangreichste Material; Ihre Tragödien waren für das Volk bestimmt und entsprachen daher viel genauer als philosophische oder ethische Schriften derselben Zeit dem Verständnisniveau und den moralischen Bedürfnissen der Massen. Die Handlungen der Tragödien gehörten zu Mythen und alte Legendenüber Götter und Helden, die vor langer Zeit durch den Glauben geheiligt wurden, und wenn sich der Dichter in Bezug auf sie erlaubte, von etablierten Konzepten abzuweichen, dann war seine Rechtfertigung die Veränderung der populären Ansichten über die Gottheit. Die Verschmelzung des Schicksals mit Zeus, wobei der Vorteil auf dessen Seite ging, kommt in den Tragödien des Aischylos deutlich zum Ausdruck. Nach dem Gesetz der Antike lenkt Zeus die Geschicke der Welt: „Alles geschieht so, wie es das Schicksal bestimmt, und man kann sich der ewigen, unantastbaren Bestimmung des Zeus nicht entziehen“ („Die Bittsteller“). „Großer Moirai, möge der Wille des Zeus erreichen, was die Wahrheit verlangt“ („Libation Bearers“, 298). Besonders lehrreich ist der Wandel im Bild des Zeus, der das menschliche Schicksal abwägt und bestimmt: Bei Homer (VIII und XXII) fragt Zeus auf diese Weise nach dem ihm unbekannten Willen des Schicksals; In Aischylos ist Zeus in einer ähnlichen Szene der Herr der Waage, und laut Refrain ist ein Mensch ohne Zeus nicht in der Lage, etwas zu tun („Der Bittsteller“, 809). Dieser Vorstellung des Dichters über Zeus widerspricht die Position, die er in „Prometheus“ einnimmt: Hier trägt das Bild des Zeus alle Merkmale einer mythologischen Gottheit mit ihren ihm unbekannten Beschränkungen und der Unterwerfung unter das Schicksal, wie Menschen, in seinen Entscheidungen; er versucht vergeblich, Prometheus mit Gewalt das Geheimnis seines Schicksals zu entreißen; Das Ruder der Notwendigkeit wird von den drei Moirai und Erinyes beherrscht, und Zeus selbst kann dem ihm zugedachten Schicksal nicht entkommen (Prometheus, 511 ff.).

Obwohl die Bemühungen von Aischylos zweifellos sind, die Handlungen übernatürlicher Wesen in Bezug auf Menschen zu vereinen und sie zum Willen von Zeus als der höchsten Gottheit zu erheben, lässt er dennoch in den Reden einzelner Charaktere und Chöre Raum für den Glauben an eine unveränderlicher Fels oder Schicksal, das unsichtbar über die Götter herrscht, weshalb es in den Tragödien des Aischylos so häufig Ausdrücke gibt, die das Diktat des Schicksals oder Schicksals bezeichnen. Ebenso bestreitet Aischylos nicht die Schuld des Verbrechens; Die Strafe trifft nicht nur den Täter, sondern auch seine Nachkommen.

Aber das Wissen um sein Schicksal schränkt den Helden nicht in seinen Handlungen ein; Das gesamte Verhalten des Helden wird durch seine persönlichen Qualitäten, Beziehungen zu anderen Personen und äußere Zufälle bestimmt. Dennoch stellt sich jedes Mal am Ende der Tragödie nach Überzeugung des Helden und der Zeugen aus dem Volk heraus, dass die Katastrophe, die ihm widerfuhr, das Werk des Schicksals oder Schicksals ist; In den Reden der Charaktere und insbesondere der Chöre wird oft die Idee zum Ausdruck gebracht, dass das Schicksal oder Schicksal einen Sterblichen auf seinen Fersen verfolgt und jeden seiner Schritte leitet; im Gegenteil, die Handlungen dieser Personen offenbaren ihren Charakter, die natürliche Abfolge der Ereignisse und die natürliche Unvermeidlichkeit des Ergebnisses. Wie Barthelemy zu Recht bemerkt, Figuren In der Tragödie argumentieren sie, als könnten sie nichts tun, tun aber so, als könnten sie alles tun. Der Glaube an das Schicksal nahm den Helden daher nicht die Wahl- und Handlungsfreiheit.

In seinem Werk „Zwölf Thesen über antike Kultur„Der russische Denker A.F. Losev schrieb: „Notwendigkeit ist Schicksal, und man kann ihre Grenzen nicht überschreiten.“ Die Antike kann nicht ohne Schicksal auskommen.

Aber hier ist die Sache. Der neue europäische Mensch zieht aus dem Fatalismus sehr seltsame Schlussfolgerungen. Viele Leute denken so. Ja, da alles vom Schicksal abhängt, muss ich nichts tun. Trotzdem wird das Schicksal alles tun, was es will. Der alte Mensch war zu einer solchen Demenz nicht fähig. Er denkt anders. Ist alles vom Schicksal bestimmt? Wunderbar. Das Schicksal liegt also über mir? Höher. Und ich weiß nicht, was sie tun wird? Wenn ich wüsste, wie das Schicksal mich behandeln würde, würde ich nach seinen Gesetzen handeln. Aber das ist unbekannt. Ich kann also immer noch tun, was ich will. Ich bin ein Held.

Die Antike basiert auf einer Kombination aus Fatalismus und Heldentum. Achilleus weiß, dass vorhergesagt wurde, dass er an den Mauern Trojas sterben muss. Als er in eine gefährliche Schlacht gerät, sagen ihm seine eigenen Pferde: „Wohin gehst du?“ Aber was macht Achilles? Beachtet Warnungen nicht. Warum? Er ist ein Held. Er ist aus einem bestimmten Grund hierher gekommen und wird danach streben. Ob er stirbt oder nicht, ist eine Frage des Schicksals, und seine Absicht ist es, ein Held zu sein. Eine solche Dialektik zwischen Fatalismus und Heldentum ist selten. Das passiert nicht immer, aber in der Antike existierte es.“

Wogegen kämpft der tragische Held? Er kämpft mit verschiedenen Hindernissen, die ihm im Weg stehen Menschliche Aktivität und die freie Entfaltung seiner Persönlichkeit beeinträchtigen. Er kämpft dafür, dass Unrecht nicht geschieht, dass das Verbrechen bestraft wird, dass die Entscheidung eines Gerichts über willkürliche Repressalien triumphiert, damit das Mysterium der Götter aufhört, es zu sein, und dass es zur Gerechtigkeit wird. Der tragische Held kämpft dafür, die Welt zu einem besseren Ort zu machen und dafür zu sorgen, dass sie so bleibt, wie sie ist, damit die Menschen mehr Mut und Klarheit im Geiste haben, um ihnen beim Leben zu helfen.

Und außerdem: Der tragische Held kämpft, erfüllt von dem paradoxen Gefühl, dass die Hindernisse, die ihm im Weg stehen, unüberwindbar sind und gleichzeitig um jeden Preis überwunden werden müssen, wenn er die Fülle seines „Ichs“ erreichen und es nicht verändern will mit großen Gefahren verbunden, der Wunsch nach Größe, den er in sich trägt, ohne alles zu beleidigen, was in der Welt der Götter noch übrig ist, und ohne einen Fehler zu machen.

Der berühmte Schweizer hellenistische Philologe A. Bonnard in seinem Buch „ Alte Zivilisation" schreibt: " Tragischer Konflikt- das ist ein Kampf gegen das Tödliche: Die Aufgabe des Helden, der den Kampf dagegen begonnen hat, besteht darin, in der Praxis zu beweisen, dass es nicht tödlich ist oder nicht immer so bleiben wird. Das zu überwindende Hindernis wird ihm von einer unbekannten Macht in den Weg gelegt, der er hilflos gegenübersteht und die er seitdem göttlich nennt. Der schrecklichste Name, den er dieser Macht gibt, ist Rock.“

Die Tragödie bedient sich der Sprache des Mythos nicht im symbolischen Sinne. Die gesamte Ära der ersten beiden Tragödiendichter – Aischylos und Sophokles – ist zutiefst von Religiosität durchdrungen. Damals glaubten sie an die Wahrheit der Mythen. Sie glaubten, dass es in der Welt der Götter, die den Menschen offenbart wurde, unterdrückende Kräfte gab, als ob sie versuchten, menschliches Leben zu zerstören. Diese Kräfte werden Schicksal oder Schicksal genannt. Aber in anderen Mythen ist es Zeus selbst, dargestellt als brutaler Tyrann, Despot, feindlich gegenüber der Menschheit und darauf bedacht, die Menschheit zu zerstören.

Die Aufgabe des Dichters besteht darin, Mythen, die weit von der Entstehungszeit der Tragödie entfernt sind, zu interpretieren und sie im Rahmen der menschlichen Moral zu erklären. Dies ist die gesellschaftliche Funktion des Dichters, der sich beim Dionysosfest an das athenische Volk wendet. Aristophanes bestätigt dies auf seine Weise im Gespräch zwischen den beiden großen Tragikern Euripides und Aischylos, die er auf die Bühne bringt. Welche Rivalen sie auch in der Komödie haben mögen, zumindest in der Definition sind sich beide einig tragischer Dichter und das Ziel, das er verfolgen sollte. Was sollten wir an einem Dichter bewundern? Die Tatsache, dass wir die Menschen in unseren Städten besser machen. (Das Wort „besser“ natürlich: stärker, besser an den Kampf des Lebens angepasst.) Mit diesen Worten bekräftigt die Tragödie ihre erzieherische Mission.

Wenn poetische Kreativität, Literatur ist nichts anderes als ein Spiegelbild der gesellschaftlichen Realität, also des Kampfes tragischer Held gegen das Schicksal, ausgedrückt in der Sprache der Mythen, ist nichts anderes als der Kampf des Volkes im 7.-5. Jahrhundert v. Chr. e. für die Befreiung von gesellschaftlichen Zwängen, die seine Freiheit im Zeitalter des Aufkommens der Tragödie einschränkten, in dem Moment, als Aischylos ihr zweiter und wahrer Gründer wurde.

Es war mitten in diesem ewigen Kampf des athenischen Volkes um politische Gleichheit und soziale Gerechtigkeit und an den Tagen des beliebtesten Feiertags in Athen begannen Ideen über einen anderen Kampf Wurzeln zu schlagen – den Kampf des Helden mit dem Schicksal, der den Inhalt der tragischen Aufführung darstellt.

Im ersten Kampf gibt es einerseits die Stärke der reichen und edlen Klasse, die Land und Geld besitzt und Kleinbauern, Handwerker und Arbeiter zur Armut verdammt; Diese Klasse bedrohte die Existenz der gesamten Gemeinschaft. Dem steht die enorme Vitalität des Volkes entgegen, das sein Recht auf Leben und gleiche Gerechtigkeit für alle fordert; Diese Menschen wollen, dass das Gesetz zu dem neuen Bindeglied wird, das das Leben jedes Menschen und die Existenz der Polis sichert.

Der zweite Kampf – der Prototyp des ersten – findet zwischen Rock, unhöflich, tödlich und autokratisch, und dem Helden statt, der für mehr Gerechtigkeit und Menschenfreundlichkeit zwischen den Menschen kämpft und nach Ruhm für sich selbst strebt. So stärkt die Tragödie in jedem Menschen die Entschlossenheit, sich nicht mit der Ungerechtigkeit abzufinden, und seinen Willen, dagegen anzukämpfen.

Der hohe, heroische Charakter der Tragödie des Aischylos wurde durch die sehr harte Zeit des Widerstands gegen die persische Invasion und den Kampf um die Einheit der griechischen Stadtstaaten bestimmt. In seinen Dramen verteidigte Aischylos die Ideen eines demokratischen Staates, zivilisierte Formen der Konfliktlösung, die Idee der Militär- und Bürgerpflicht, die persönliche Verantwortung eines Menschen für sein Handeln usw. Das Pathos der Dramen des Aischylos erwies sich als äußerst wichtig für die Epoche der aufsteigenden Entwicklung der demokratischen athenischen Polis, doch die nachfolgenden Epochen bewahrten eine dankbare Erinnerung an ihn als ersten „Sänger der Demokratie“ in der europäischen Literatur.

Bei Aischylos sind Elemente der traditionellen Weltanschauung eng mit den Einstellungen demokratischer Staatlichkeit verknüpft. Er glaubt daran reale Existenz göttliche Kräfte, die auf den Menschen einwirken und ihm oft heimtückisch Fallen legen. Aischylos hält sogar an der antiken Idee der erblichen Sippenverantwortung fest: Die Schuld des Vorfahren fällt auf die Nachkommen, verstrickt sie mit ihren fatalen Folgen und führt zum unausweichlichen Tod. Andererseits werden die Götter des Aischylos zu Hütern der rechtlichen Grundlagen des neuen Staatssystems, und er vertritt nachdrücklich die persönliche Verantwortung des Menschen für sein frei gewähltes Verhalten. In dieser Hinsicht werden traditionelle religiöse Vorstellungen modernisiert.

Bekannter Spezialist für antike Literatur I. M. Tronsky schreibt: „Die Beziehung zwischen göttlichem Einfluss und dem bewussten Verhalten der Menschen, die Bedeutung der Wege und Ziele dieses Einflusses, die Frage nach seiner Gerechtigkeit und Güte bilden die Hauptproblematik von Aischylos, die er im Bild entfaltet.“ menschliches Schicksal und menschliches Leid.

Heldengeschichten dienen Aischylos als Stoff. Er selbst nannte seine Tragödien „Krümel aus den großen Festen Homers“ und meinte damit natürlich nicht nur die Ilias und die Odyssee, sondern die gesamte Reihe epischer Gedichte, die „Homer“ zugeschrieben werden, also den „Zyklus“. Aischylos schildert am häufigsten das Schicksal eines Helden oder einer Heldenfamilie in drei aufeinanderfolgenden Tragödien, die eine handlungsbezogene und ideologisch ganzheitliche Trilogie bilden; Es folgt ein Satyr-Drama, das auf einer Handlung aus demselben mythologischen Zyklus basiert, zu dem auch die Trilogie gehörte. Indem Aischylos jedoch Handlungsstränge aus dem Epos übernimmt, dramatisiert er die Legenden nicht nur, sondern überdenkt sie auch neu und durchdringt sie mit seinen eigenen Problemen.“

In den Tragödien des Aischylos spielen sie mit mythologische Helden, majestätisch und monumental, zeigen Konflikte mächtiger Leidenschaften. Dies ist eine der berühmtesten Kreationen des Dramatikers, die Tragödie „Der gefesselte Prometheus“.