Kunstgeschichte Band 1 gelesen. Aus der Redaktion

Kopf eines delphischen Wagenlenkers. Anfang 5. Jahrhundert Chr e. Delphi, Museum.

M.V. Alpatow

Allgemeine Geschichte Künste Kunst der Antike und des Mittelalters

Band 1

VORWORT

Bei der Zusammenstellung einer allgemeinen Kunstgeschichte musste der Autor umfangreiches historisches und künstlerisches Material abdecken, angefangen von der Antike bis hin zur Neuzeit. Er gab sich alle Mühe, nichts Wesentliches auszulassen. Dennoch wollte er sein Buch nicht zu einer Liste von Fakten, Denkmälern, Namen machen und der Vollständigkeit halber die Charakteristika der Kunst einzelner Epochen selbst reduzieren. Er stand vor der Aufgabe, eine Kunstgeschichte zu erstellen, die auch als Einführung in das Kunststudium dienen konnte.

Die pädagogische Erfahrung des Autors überzeugte ihn davon, dass das Studium der Kunstgeschichte nur dann fruchtbar ist, wenn die Vertrautheit mit Denkmälern und Meistern, das Auswendiglernen von Namen und Daten mit Erfolg im Kunstverständnis und der Entwicklung des künstlerischen Geschmacks einhergeht. Dieses Selbstvertrauen des Autors bestimmte die Struktur seines Buches. Sie appelliert nicht nur an die geistigen Fähigkeiten und das Gedächtnis des Lesers, sondern auch an seinen ästhetischen Sinn, an seinen kritischen Instinkt. Es sollte nicht nur gelesen werden, um die darin zum Ausdruck gebrachten allgemeinen Bestimmungen zu verarbeiten und sich die darin vermittelten Informationen einzuprägen, sondern vor allem, um die Hauptpfade der historischen Entwicklung zu verstehen künstlerische Kultur Menschlichkeit und lernen, das Alte zu verstehen und zu schätzen moderne Kunst. Dies zwang den Autor, etwas von der allgemein anerkannten Art der Kunstgeschichte mit ihrer Fülle an Informationen aller Art abzuweichen, die oft nur das Gedächtnis überlastet, aber die Augen und die kritischen Fähigkeiten nicht entwickelt.

Dieses Buch kann von Anfängern zum Studium der Kunst verwendet werden. Es ist möglich, dass es in manchen Fällen das erste Buch über Kunst in den Händen des Lesers sein wird. Im Interesse eines solchen Lesers hat sich der Autor um größtmögliche Klarheit der Darstellung bemüht. Er vermied wenig bekannte Begriffe und verwendete viele kunsthistorische Konzepte, deren Inhalt von Fachleuten noch nicht vollständig verstanden wurde, nicht. Gleichzeitig nennt das Buch die Namen von Künstlern und Schriftstellern, historische Ereignisse, geografische Namen und wissenschaftliche Begriffe was dem Leser vielleicht unbekannt ist. Der Autor verzichtete auf Erläuterungen, in der Hoffnung, dass der Leser sie selbst in jedem enzyklopädischen Wörterbuch finden würde und dass die Gewohnheit, ein Nachschlagewerk zu verwenden, der erste Schritt auf dem Weg zur eigenständigen Arbeit an einem wissenschaftlichen Buch sei.

Dieses vierbändige Werk ist als Überblick über die Hauptabschnitte der allgemeinen Kunstgeschichte konzipiert (die letzten beiden Bände sind der russischen Kunst gewidmet). Der Autor hielt es in seiner Arbeit nicht für möglich, sich auf die Nacherzählung allgemein anerkannter Meinungen und bekannter Tatsachen zu beschränken. In vielen Abschnitten des Buches bietet er dem Leser neue historische und künstlerische Sichtweisen und Einschätzungen. Manchmal musste er in wenigen Worten die Schlussfolgerungen bereits durchgeführter Forschungen darlegen, manchmal hielt er es für möglich, den Leser mit Annahmen vertraut zu machen, die einer weiteren wissenschaftlichen Begründung bedurften. In einigen Fällen verwandelte sich seine Präsentation entweder in eine Zusammenfassung der bereits geleisteten Arbeit oder in einen Plan für bevorstehende Forschungsarbeiten.

Natürlich steht die historische Erzählung über die Entwicklung der Kunst im Mittelpunkt des Buches. Allerdings bietet dieses Buch keine vollständige Zusammenfassung des gesamten Materials. Fachleuten wird auffallen, dass viele bekannte Fakten darin weggelassen werden; viele Denkmäler und Namen von Künstlern werden nicht erwähnt. Der Autor war bestrebt, im engen Rahmen des Buches nur die wichtigsten Phänomene einzubeziehen, um sie hinreichend vollständig charakterisieren zu können. Aus diesem Grund hat er seine Darstellung nicht mit Daten und Namenslisten überfrachtet (die Daten der abgebildeten Denkmäler sind lediglich im Abbildungsverzeichnis aufgeführt). Er beschränkte sich auf die Geburts- und Sterbedaten der bedeutendsten Meister und nannte nur die Namen derjenigen Künstler, deren Persönlichkeit in ihren Schöpfungen deutlich zum Ausdruck kam. Er ging davon aus, dass die erste Aufgabe eines Kunstgeschichtsstudenten darin besteht, zu lernen, einzelne Sachverhalte miteinander und mit dem Gesamtverlauf der Geschichte in Verbindung zu bringen und sich so vorzustellen großes Bild Entwicklung der Kunst.

Der Autor des Buches legte großen Wert auf Illustrationen. Ihn trieb der Wunsch, das Bedeutendste wiederzugeben historische Entwicklung und die künstlerisch wertvollsten Denkmäler. Er versuchte, viele zu Unrecht verherrlichte Denkmäler wie den Apollo von Belvedere oder den Kölner Dom zu meiden und zitierte im Gegenteil einige Meisterwerke, die nur einem engen Fachkreis bekannt waren. Die Aufgabe des Autors bestand darin, seine Präsentation mit Illustrationen zu verbinden, und deshalb reproduzierte er hauptsächlich solche Denkmäler, über die im Text gesprochen werden konnte. In den Fällen, in denen er nicht auf eine detaillierte Betrachtung eingehen konnte, ordnete er die Abbildungen so an, dass sie den Leser zum Vergleich anregten. Epigraphen zu einzelnen Kapiteln dienen der Illustration des Textes. Sie werden ohne große Erklärung präsentiert, in der Hoffnung, dass ein aufmerksamer Leser ihren inneren Zusammenhang mit den entsprechenden Kapiteln des Buches erfassen kann.

Bei der Ausführung der Arbeit stieß der Autor auf viele Schwierigkeiten. Natürlich fühlte er sich nicht in allen Bereichen der allgemeinen Kunstgeschichte gleichermaßen sicher. Wenn viele der Fehler und Ungenauigkeiten seiner Arbeit im Manuskript beseitigt wurden, dann verdankt er dies der kameradschaftlichen Unterstützung von V. F. Asmus, V. D. Blavatsky, B. V. Weymarn, S. V. Kiselev, V. F. Levinson-Lessing, V. V. Pavlova, A. A. Sidorova. B.I. Tyulyaev und insbesondere I.I. Romanov, die sich die Mühe machten, das gesamte Manuskript zu lesen.

Moskau, 1941–1942

EINFÜHRUNG

Die Künste wurden in der Antike in Form schöner Schwestern dargestellt, die eine einzige Familie bildeten. Als dieses poetische Bild die Theoretiker nicht mehr zufriedenstellte, entstand die Notwendigkeit einer strengeren Klassifizierung einzelner Kunstarten, wie sie Linné als Grundlage für das Studium der Natur legte. Das Hauptaugenmerk wurde weniger auf die innere Verwandtschaft gelegt verschiedene Arten Künste, soviel zu ihren Unterschieden. Ihre Differenzierung wurde als Grundlage für eine korrekte Klassifizierung angesehen. Wesentliche Meinungsverschiedenheiten konnten bei der Lösung dieses Problems jedoch nicht gelöst werden. Dies lag vor allem daran, dass die Klassifikationen auf unterschiedlichen Grundlagen basierten.

Die gebräuchlichste Einteilung erfolgte nach den Ausdrucksmitteln: Die Künste wurden in räumliche und zeitliche unterteilt. Der erste von ihnen wendet sich der visuellen Wahrnehmung zu, nutzt Lautstärke, Raum, Linie, Farbe, der zweite wendet sich dem Hören zu und verwendet Klang und Worte. Diese Aufteilung der Künste wurde durch eine lange Tradition ihrer Entwicklung gefestigt. Architektur, Bildhauerei und Malerei gingen oft eine direkte Zusammenarbeit ein, da Maler und Bildhauer Gebäude mit Wandgemälden und Skulpturen schmücken mussten. Darüber hinaus wurden alle drei Künste in der Neuzeit in den sogenannten Akademien organisiert Bildende Kunst. Im Gegenteil, die Musik behielt ihre ursprüngliche Verbindung mit Poesie und Worten. Der Vers hat eine deutlich ausgeprägte Musikalität; in einer Romanze drückt sich der Sänger sowohl in Klängen als auch in Worten aus. An dieser allgemein akzeptierten Klassifizierung konnte auch die Existenz von Künsten, in denen das visuelle Prinzip mit dem Zeitlichen verbunden ist, wie Schauspiel und Tanz, oder von Künsten, in denen Malerei, Architektur, Poesie und Musik miteinander verschmelzen, wie in der Oper, nicht erschüttert werden.

Dieses Buch behält diese konventionelle Einteilung bei. Es ist der Architektur, Bildhauerei und Malerei gewidmet. Dennoch ist es notwendig, die Fließfähigkeit der Grenzen zwischen den Künsten und damit verbunden die Konventionalität dieser Trennung zu beachten.

Zusammen mit der Unterteilung nach Ausdrucksmitteln, Unterteilung nach der Art des übersetzten Materials künstlerisches Bild. In diesem Fall wird das Verhältnis der Kunstarten unterschiedlich sein. Dann müssen wir die Künste in schöne und nicht-schöne Künste unterteilen. Zu den bildenden Künsten zählen Malerei, Bildhauerei und Literatur, zu den nicht-bildenden Künsten zählen Architektur und Musik. Wenn man in der Kunst über das Bild einer Person oder Landschaft spricht, muss man Malerei und Skulptur mit zeitgenössischer Poesie und Prosa vergleichen. Andererseits manifestiert sich ein Verständnis von Schönheit und Frieden in den Rhythmen sowohl der Musik als auch der Architektur derselben oder benachbarter Epochen, wenn ein Typ dem anderen in seiner Entwicklung voraus ist. In diesem Zusammenhang müssen wir uns an die bekannte Definition von Architektur als eingefrorene Musik erinnern.

Je nachdem, welche Aspekte der Kunst berücksichtigt werden sollen, haben Theoretiker die Kunstarten unterschiedlich klassifiziert.

Gegen die sogenannte deskriptive Poesie, die jede Poesie ihrer Eigenart zu berauben drohte, lehnte sich Lessing gegen die Annäherung von Malerei und Literatur auf; Er war es, der Zeit und Raum als Kriterien für die Einteilung der Künste anführte. Viele Jahrhunderte vor Lessing beschäftigte sich der alte chinesische Künstler Wang Wei mit diesem Thema und vertrat dabei gegensätzliche Ansichten. „Malerei“, sagt Van Wei, „ist ein Gedicht in Farben, Poesie ist ein Bild in Worten.“

Echos dieser Diskrepanzen finden sich in der Neuzeit. Sie werden jedoch nicht so unüberwindbar erscheinen, wenn wir die Gründe für den Meinungswandel zu diesem Thema berücksichtigen. IN Anfang des 19. Jahrhunderts Aus der jahrhundertelangen Suche nach großer, ganzheitlicher Kunst entstand der Wunsch, über die künstlerischen Mittel einzelner Kunstgattungen hinauszugehen. Musik wurde zum Anziehungspunkt aller Künste. Viele Autoren, angefangen bei den Romantikern, haben über die Musikalität der Poesie gesprochen. Das musikalische Prinzip in der Malerei wurde von Delacroix und Fromentin proklamiert. Als Antwort darauf in Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert entstand eine Bewegung, die die Grenzen der Kunst respektierte; es wurde der Wunsch geäußert, dass jeder Künstler zunächst danach streben würde, sich mit den für seine Kunst charakteristischen Mitteln auszudrücken. Doch dieser Wunsch wurde bald von Pedanterie durchdrungen, die echte künstlerische Kreativität beeinträchtigte.

Die Unterstützung der Befürworter der Trennung der Kunstformen und der Befürworter ihrer Verschmelzung lässt uns eine Schlussfolgerung ziehen.

„Reinheit der künstlerischen Mittel“ ist bei weitem nicht das Hauptkriterium für den künstlerischen Wert eines Werkes. Es kommt nicht auf die Beachtung oder Nichtbeachtung der Grenzen zwischen den Künsten an: Entscheidend ist, welche Aufgaben den Künstler über die Grenzen seiner Kunst hinausdrängen und inwieweit sie fortgeschrittenen Bedürfnissen gerecht werden. künstlerische Entwicklung. Wenn die Überschreitung der Grenzen der Kunst durch diese Bedürfnisse gerechtfertigt wird, bereichert es die Künstler, und sie schaffen Werke von höherem Wert als solche Künstler, die diese Gesetze strikt befolgen, aber den wahren kreativen Impuls nicht kennen. Der Bildhauer Pavel Trubetskoy ist mit seiner „lockeren Form“ immer noch Gegenstand von Angriffen von Anhängern der „reinen Plastizität“. Doch in seiner Bildskulptur steckt, wie auch bei Rodin, noch viel mehr Vitalität, Poesie und...

Allgemeine Kunstgeschichte

Band eins

Aus der Redaktion

B.V. Weimarn, A.A. Guber, M.V. Kolpinsky, A.N. Tikhomirov

„Allgemeine Kunstgeschichte“ wurde vom Institut für Theorie und Geschichte der Schönen Künste der Akademie der Künste der UdSSR unter Beteiligung von Wissenschaftlern – Kunsthistorikern anderer wissenschaftlicher Institutionen und Museen – der Staatlichen Eremitage, dem Staatlichen Museum der Schönen Künste, erstellt nach A. S. Puschkin usw.

„Allgemeine Kunstgeschichte“ ist eine Geschichte der Malerei, Zeichnung, Skulptur, Architektur und angewandte Künste aller Jahrhunderte und Völker von der primitiven Kunst bis zur Kunst unserer Tage. Dieses Material ist wie folgt in sechs Bände (sieben Bücher) gegliedert:

Band eins. Kunst der Antike: primitive Kunst, Kunst Westasiens, altes Ägypten, ägäische Kunst, Kunst Antikes Griechenland, hellenistische Kunst, die Kunst des antiken Roms, der nördlichen Schwarzmeerregion, Transkaukasiens, Irans, des antiken Zentralasiens, die antike Kunst Indiens und Chinas.

Band zwei. Kunst des Mittelalters. Buch 1: Kunst von Byzanz, mittelalterlicher Balkan, Antike Russische Kunst(bis einschließlich 17. Jahrhundert), Kunst Armeniens, Georgiens, arabischer Länder, der Türkei, merowingische und karolingische Kunst Westeuropa, romanische und gotische Kunst aus Frankreich, England, den Niederlanden, Deutschland, der Tschechischen Republik, Polen, Estland, Lettland, Italien und Spanien. Buch 2: Kunst Zentralasiens vom 6. bis 18. Jahrhundert, Aserbaidschan, Iran, Afghanistan; Indien vom 7. bis 18. Jahrhundert, Ceylon, Burma, Thailand, Kambodscha, Laos, Vietnam, Indonesien; China vom 3. bis 18. Jahrhundert, Korea, Japan. Im selben Buch - die Kunst der Völker Altes Amerika und das alte Afrika.

Band drei. Kunst der Renaissance: Kunst Italiens vom 13. bis 16. Jahrhundert, der Niederlande, Deutschlands, Frankreichs, Englands, Spaniens, der Tschechischen Republik, Polens vom 15. bis 16. Jahrhundert.

Band vier. Kunst des 17. – 18. Jahrhunderts in Europa und Amerika: Kunst aus Italien 17. – 18. Jahrhundert, Spanien, Flandern, Holland 17. Jahrhundert, Frankreich 17. – 18. Jahrhundert, Russland 18. Jahrhundert, England 17. – 18. Jahrhundert, USA 18. Jahrhundert, Lateinamerika 17. – 18. Jahrhundert und andere Länder.

Band fünf. Kunst des 19. Jahrhunderts: Kunst der Völker Russlands, Frankreichs, Englands, Spaniens, USA, Deutschlands, Italiens, Schwedens, Norwegens, Dänemarks, Finnlands, Belgiens, Hollands, Österreichs, der Tschechischen Republik, Polens, Rumäniens, Ungarns, Bulgariens, Serbien und Kroatien, Lateinamerika, Indien, China und andere Länder.

Band sechs. Kunst des späten 19. – 20. Jahrhunderts: Russische Kunst von 1890–1917, Kunst Frankreichs, Englands, der USA, Deutschlands und anderer Länder Westeuropas und Amerikas des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts, sowjetische Kunst, zeitgenössische Kunst aus Westeuropa und Amerika, Volksdemokratien, China, Indien und anderen Ländern des Ostens.

Der sechste Band wird eine ausführliche konsolidierte Bibliographie zur gesamten Weltgeschichte der Kunst enthalten.

Neben Abbildungen auf Tabellen und Zeichnungen im Text werden zu jedem Kapitel Karten mit Ortsangabe gegeben archäologische Funde, Kunstzentren, Standorte architektonischer Strukturen.

Die Allgemeine Kunstgeschichte versucht, die Kunst aller Völker der Erde, die dazu beigetragen haben, zu charakterisieren und zu bewerten Weltgeschichte Kunst. Daher wird in dem Buch neben der Kunst der Völker und Länder Europas auch guter Platz Kunst der Völker Asiens, Afrikas und Amerikas. Das Hauptaugenmerk bei der Arbeit an der „Allgemeinen Kunstgeschichte“ galt jenen Epochen der Kunstgeschichte, in denen die realistische Kunst eine besonders hohe Blüte erlebte – die Kunst des antiken Griechenlands. chinesische Kunst 10. – 13. Jahrhundert, Renaissancekunst, realistische Meister Europas 17. – 19. Jahrhundert usw.

Die Allgemeine Kunstgeschichte soll einen Überblick geben aktuellen Zustand Weltwissenschaft der Kunst. Es enthält auch eine Reihe von Originalstudien sowjetischer Kunsthistoriker in verschiedenen Bereichen der Kunstgeschichte.

Der Ursprung der Kunst - N. A. Dmitrieva.

Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung der primitiven Kunst - V.V. Shleev.

Kunst Westasiens - I. M. Loseva.

Die Kunst des alten Ägypten - M.E-Mathieu.

Ägäische Kunst - N. N. Britova.

Die Kunst des antiken Griechenlands - Yu. D. Kolpinsky.

Die Kunst der hellenistischen Ära - E. I. Rotenberg.

Die Kunst des antiken Roms – N. N. Britova.

Kunst der nördlichen Schwarzmeerküste – N. N. Britova.

Die Kunst Transkaukasiens in der Antike - V.V. Shleev.

Die Kunst des alten Iran – I. M. Loseva (achämenidischer Iran) und M. M. Dyakonov (sassanidischer Iran).

Kunst des alten Zentralasien - M. M. Dyakonov.

Kunst Altes Indien- N. A. Vinogradova und O. S. Prokofjew.

Kunst Antikes China- N. A. Vinogradova.

An der Herausgabe einiger Kapitel des ersten Bandes waren B.V. Weimarn (Kunst Westasiens, Irans, Zentralasiens, Chinas) und E.I. Rotenberg (Römische Kunst) beteiligt.

Die Auswahl der Illustrationen und das Layout des Bandes wurden von A. D. Chegodaev und R. B. Klimov unter Beteiligung von T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky und E. I. Rotenberg getroffen.

Die Karten wurden vom Künstler G. G. Fedorov angefertigt, die Zeichnungen im Text stammen von den Künstlern A. Vasilyev und M. N. Mashkovtsev.

Der Index wurde von N. I. Bespalova und A. G. Podolsky zusammengestellt, Erläuterungen zu den Abbildungen von E. I. Rotenberg.

Konsultationen und Überprüfungen wurden vom Institut für Kunstgeschichte der Akademie der Wissenschaften der UdSSR, dem Institut für Geschichte der materiellen Kultur der Akademie der Wissenschaften der UdSSR und dem Alten Orientbereich des Instituts für Orientalistik der UdSSR durchgeführt Akademie der Wissenschaften der UdSSR, das Institut für Geschichte der georgischen Kunst der Akademie der Wissenschaften der Georgischen SSR, das Institut für Architektur und Kunst der Akademie der Wissenschaften der Aserbaidschanischen SSR, der Bereich für Kunstgeschichte der Akademiewissenschaften der Armenischen SSR, Institut für Theorie und Geschichte der Architektur der Architekturakademie der UdSSR, Abteilung für Kunstgeschichte Moskau Staatliche Universität ihnen. M. V. Lomonosov, Moskauer Staatliches Kunstinstitut. V.I. Surikov und das nach ihm benannte Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I. E. Repin, Staatliche Eremitage, Staatliches Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin, Museum orientalische Kulturen, Staatliches Kunstmuseum von Georgia.

Die Redaktion dankt den Wissenschaftlern, die uns bei der Erstellung des ersten Bandes mit Rat und Tat zur Seite standen: M. V. Alpatov, B. N. Arakelyan, M. I. Artamonov, A. V. Bank, V. D. Blavatsky, A. Ya. Bryusov, Wang P. Okladnikov, V. V. Pavlov, A. A. Peredolskaya, B. B. Piotrovsky, V. V. Struve, Xia Nai, Tang Lan, S. P. Tolstov, K. V. Trever, S. I. Tyulyaev, N. D. Flittner, Han Shou-xuan, Chen Meng-chia.

Primitive Kunst

Ursprung der Kunst

N. Dmitriev

Kunst als besonderer Bereich menschlichen Handelns mit eigenständigen Aufgaben, besonderen Qualitäten, bedient von professionellen Künstlern, wurde nur auf der Grundlage der Arbeitsteilung möglich. Engels sagt dazu: „... die Schaffung von Künsten und Wissenschaften – all dies war nur mit Hilfe einer verstärkten Arbeitsteilung möglich, die auf einer großen Arbeitsteilung zwischen den Massen, die einfache körperliche Arbeit verrichteten, und den.“ Privilegierte wenige, die die Arbeit verwalten, sich im Handel, in Staatsangelegenheiten und später auch in Wissenschaft und Kunst engagieren. Die einfachste, völlig spontan entstandene Form dieser Arbeitsteilung war genau die Sklaverei. F. Engels, Anti-Dühring, 1951, S. 170).

Da es sich bei künstlerischer Tätigkeit jedoch um eine einzigartige Form des Wissens und der kreativen Arbeit handelt, sind ihre Ursprünge viel älter, da die Menschen lange vor der Klassenteilung der Gesellschaft gearbeitet und dabei etwas über die Welt um sie herum gelernt haben. Archäologische Entdeckungen der letzten hundert Jahre haben zahlreiche Werke der visuellen Kreativität des Urmenschen enthüllt, deren Alter auf Zehntausende von Jahren geschätzt wird. Das sind Felsmalereien; Figuren aus Stein und Knochen; Bilder und ornamentale Muster, die in Hirschgeweihstücke oder auf Steinplatten geschnitzt sind. Sie kommen in Europa, Asien und Afrika vor. Dabei handelt es sich um Werke, die entstanden, lange bevor eine bewusste Vorstellung künstlerischen Schaffens entstehen konnte. Viele von ihnen stellen hauptsächlich Tierfiguren dar – Hirsche, Bisons, Wildpferde, Mammuts – und sind so lebendig, so ausdrucksstark und naturgetreu, dass sie nicht nur wertvoll sind Historische Monumente, sondern behalten auch bis heute ihre künstlerische Kraft.

„Allgemeine Kunstgeschichte“ ist eine Geschichte der Malerei, Grafik, Skulptur, Architektur und angewandten Kunst aller Jahrhunderte und Völker, von der primitiven Kunst bis zur Kunst unserer Tage. Dieses Material ist wie folgt in sechs Bände (sieben Bücher) gegliedert:
Band eins. Kunst der Antike: primitive Kunst, Kunst Westasiens, altes Ägypten, ägäische Kunst, Kunst des antiken Griechenlands, hellenistische Kunst, Kunst des antiken Roms, nördliche Schwarzmeerregion, Transkaukasien, Iran, altes Zentralasien, die alte Kunst Indiens und Chinas.

Kunst als besonderer Bereich menschlichen Handelns mit eigenständigen Aufgaben, besonderen Qualitäten, bedient von professionellen Künstlern, wurde nur auf der Grundlage der Arbeitsteilung möglich. Engels sagt dazu: „... die Schaffung von Künsten und Wissenschaften – all dies war nur mit Hilfe einer verstärkten Arbeitsteilung möglich, die auf einer großen Arbeitsteilung zwischen den Massen, die einfache körperliche Arbeit verrichteten, und den.“ Privilegierte wenige, die die Arbeit leiten, sich im Handel, in Staatsgeschäften und später auch in Wissenschaft und Kunst engagieren. Die einfachste, völlig spontan entstandene Form dieser Arbeitsteilung war gerade die Sklaverei“ (F. Engels, Anti-Dühring, 1951, S. 170).

Da es sich bei künstlerischer Tätigkeit jedoch um eine einzigartige Form des Wissens und der kreativen Arbeit handelt, sind ihre Ursprünge viel älter, da die Menschen lange vor der Klassenteilung der Gesellschaft gearbeitet und dabei etwas über die Welt um sie herum gelernt haben. Archäologische Entdeckungen der letzten hundert Jahre haben zahlreiche Werke der visuellen Kreativität des Urmenschen enthüllt, deren Alter auf Zehntausende von Jahren geschätzt wird. Das sind Felsmalereien; Figuren aus Stein und Knochen; Bilder und ornamentale Muster, die in Hirschgeweihstücke oder auf Steinplatten geschnitzt sind. Sie kommen in Europa, Asien und Afrika vor. Dabei handelt es sich um Werke, die entstanden, lange bevor eine bewusste Vorstellung künstlerischen Schaffens entstehen konnte. Viele von ihnen stellen hauptsächlich Tierfiguren dar – Hirsche, Bisons, Wildpferde, Mammuts – und sind so lebendig, so ausdrucksstark und naturgetreu, dass sie nicht nur wertvolle historische Denkmäler sind, sondern auch bis heute ihre künstlerische Kraft bewahren.

Inhaltsverzeichnis
Über das Buch
Aus der Redaktion
Primitive Kunst
Ursprung der Kunst
Die Hauptstadien in der Entwicklung der primitiven Kunst
Kunst Westasiens (I. Loseva)
Einführung
Antike Kultur Stämme und Völker Mesopotamiens (4. – frühes 3. Jahrtausend v. Chr.)
Kunst von Sumer (27.-25. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst von Akkad (24.–23. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst von Sumer (23. – 21. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst Babylons (19. – 12. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst der Hethiter und Mitanni (18. – 8. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst Assyriens (9.–7. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst des neubabylonischen Königreichs (7.–6. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst antikes Ägypten(M. Mathieu)
Einführung
Die Zusammensetzung der altägyptischen Kunst (4. Jahrtausend v. Chr.)
Kunst des Alten Reiches (3200 – 2400 v. Chr.)
Kunst des Reichs der Mitte (21. Jahrhundert – frühes 19. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst der ersten Hälfte des Neuen Reiches (16. – 15. Jahrhundert v. Chr.)
Die Kunst der Zeit Echnatons und seiner Nachfolger (spätes 15. – frühes 14. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst der zweiten Hälfte des Neuen Reiches (14. – 2. Jahrhundert v. Chr.)
Späte Kunst (11. Jahrhundert – 332 v. Chr.)
Ägäische Kunst
Kunst des antiken Griechenlands (Yu. Kolpinsky)
Allgemeine Merkmale der Kultur und Kunst des antiken Griechenlands
Kunst Homerisches Griechenland
Griechische archaische Kunst
Griechische klassische Kunst (Anfang 5.–Mitte 4. Jahrhundert v. Chr.)
Kunst frühe Klassiker(Die sogenannte „strenge Ruhe“ 490 – 450 v. Chr.)
Hochklassische Kunst (450 – 410 v. Chr.)
Kunst später Klassiker(Vom Ende der Peloponnesischen Kriege bis zur Entstehung des Mazedonischen Reiches)
Hellenistische Kunst (E. Rotenberg)
Hellenistische Kunst
Kunst antikes Rom(N. Britova)
Kunst des antiken Roms
Etruskische Kunst
Kunst der Römischen Republik
Kunst des Römischen Reiches 1. Jahrhundert. N. e.
Kunst des Römischen Reiches 2. Jahrhundert. ANZEIGE
Kunst der römischen Provinzen des 2.–3. Jahrhunderts. ANZEIGE
Kunst des Römischen Reiches 3. – 4. Jahrhundert
Kunst der nördlichen Schwarzmeerküste
Kunst des alten Transkaukasiens
Kunst des alten Iran (I. Loseva, M. Dyakonov)
Kunst Zentralasiens
Kunst des alten Indien
Kunst des alten China.

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Allgemeine Kunstgeschichte

Aus der Redaktion

Primitive Kunst

Ursprung der Kunst

Die Hauptstadien in der Entwicklung der primitiven Kunst

Kunst Westasiens (I. Loseva)

Einführung

Die älteste Kultur der Stämme und Völker Mesopotamiens (4. – frühes 3. Jahrtausend v. Chr.)

Kunst von Sumer (27.-25. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst von Akkad (24. – 23. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst von Sumer (23. – 21. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst Babylons (19. – 12. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst der Hethiter und Mitanni (18.–8. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst Assyriens (9.–7. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst des neubabylonischen Königreichs (7.–6. Jahrhundert v. Chr.)

Die Kunst des alten Ägypten (M. Mathieu)

Einführung

Die Zusammensetzung der altägyptischen Kunst (4. Jahrtausend v. Chr.)

Kunst des Alten Reiches (3200 – 2400 v. Chr.)

Kunst des Reichs der Mitte (21. Jahrhundert – frühes 19. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst der ersten Hälfte des Neuen Reiches (16.–15. Jahrhundert v. Chr.)

Die Kunst der Zeit Echnatons und seiner Nachfolger (spätes 15. – frühes 14. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst der zweiten Hälfte des Neuen Reiches (14.–2. Jahrhundert v. Chr.)

Späte Kunst (11. Jahrhundert – 332 v. Chr.)

Kunst des antiken Griechenlands (Yu. Kolpinsky)

Allgemeine Merkmale der Kultur und Kunst des antiken Griechenlands

Kunst des homerischen Griechenlands

Griechische archaische Kunst

Griechische klassische Kunst (Anfang 5. – Mitte 4. Jahrhundert v. Chr.)

Kunst der frühen Klassik (Die sogenannte „strenge Ruhe“ 490 – 450 v. Chr.)

Hochklassische Kunst (450 – 410 v. Chr.)

Spätklassische Kunst (Vom Ende der Peloponnesischen Kriege bis zum Aufstieg des Makedonischen Reiches)

Hellenistische Kunst (E. Rotenberg)

Hellenistische Kunst

Die Kunst des antiken Roms (N. Britova)

Kunst des antiken Roms

Etruskische Kunst

Kunst der Römischen Republik

Kunst des Römischen Reiches 1. Jahrhundert. N. e.

Kunst des Römischen Reiches 2. Jahrhundert. ANZEIGE

Kunst der römischen Provinzen des 2.–3. Jahrhunderts. ANZEIGE

Kunst des Römischen Reiches 3.–4. Jahrhundert

Kunst der nördlichen Schwarzmeerküste

Kunst des alten Transkaukasiens

Kunst des alten Iran (I. Loseva, M. Dyakonov)

Kunst Zentralasiens

Kunst des alten Indien

Kunst des alten China

Allgemeine Kunstgeschichte

Band eins

Aus der Redaktion

B.V. Weimarn, A.A. Guber, M.V. Kolpinsky, A.N. Tikhomirov

Band eins. Kunst der Antike: primitive Kunst, Kunst Westasiens, altes Ägypten, ägäische Kunst, Kunst des antiken Griechenlands, hellenistische Kunst, Kunst des antiken Roms, nördliche Schwarzmeerregion, Transkaukasien, Iran, altes Zentralasien, die alte Kunst Indiens und Chinas.

Band zwei. Kunst des Mittelalters. Buch 1: Die Kunst von Byzanz, der mittelalterliche Balkan, antike russische Kunst (bis einschließlich 17. Jahrhundert), die Kunst Armeniens, Georgiens, arabischer Länder, der Türkei, merowingische und karolingische Kunst Westeuropas, romanische und gotische Kunst Frankreichs , England, die Niederlande, Deutschland, die Tschechische Republik, Polen, Estland, Lettland, Italien und Spanien. Buch 2: Kunst Zentralasiens vom 6. bis 18. Jahrhundert, Aserbaidschan, Iran, Afghanistan; Indien vom 7. bis 18. Jahrhundert, Ceylon, Burma, Thailand, Kambodscha, Laos, Vietnam, Indonesien; China vom 3. bis 18. Jahrhundert, Korea, Japan. Das gleiche Buch enthält die Kunst der Völker des alten Amerikas und des alten Afrikas.

Band sechs. Kunst des späten 19. – 20. Jahrhunderts: Russische Kunst von 1890–1917, Kunst Frankreichs, Englands, der USA, Deutschlands und anderer Länder Westeuropas und Amerikas des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts, sowjetische Kunst, zeitgenössische Kunst Westeuropas und Amerika, Volksdemokratien, China, Indien und andere östliche Länder.

Der sechste Band wird eine ausführliche konsolidierte Bibliographie zur gesamten Weltgeschichte der Kunst enthalten.

Neben Abbildungen auf Tabellen und Zeichnungen im Text jedes Kapitels werden Karten mit den Orten archäologischer Funde, künstlerischen Zentren und Standorten architektonischer Strukturen bereitgestellt.

Die Allgemeine Kunstgeschichte versucht, die Kunst aller Völker der Erde zu charakterisieren und zu bewerten, die zur Weltgeschichte der Kunst beigetragen haben. Daher wird in dem Buch neben der Kunst der Völker und Länder Europas auch der Kunst der Völker Asiens, Afrikas und Amerikas ein großer Platz eingeräumt. Das Hauptaugenmerk bei der Arbeit an der „Allgemeinen Kunstgeschichte“ lag auf jenen Epochen der Kunstgeschichte, in denen die realistische Kunst eine besonders hohe Blüte erlebte – der Kunst des antiken Griechenlands, der chinesischen Kunst des 10. – 13. Jahrhunderts, die Kunst der Renaissance, realistische Meister Europas des 17.-19. Jahrhunderts usw. .

Ziel von „Allgemeine Kunstgeschichte“ ist es, einen Überblick über den aktuellen Stand der weltweiten Kunstwissenschaft zu geben. Es enthält auch eine Reihe von Originalstudien sowjetischer Kunsthistoriker in verschiedenen Bereichen der Kunstgeschichte.

Der Ursprung der Kunst - N. A. Dmitrieva.

Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung der primitiven Kunst - V.V. Shleev.

Kunst Westasiens - I. M. Loseva.

Die Kunst des alten Ägypten – M.E-Mathieu.

Ägäische Kunst - N. N. Britova.

Die Kunst des antiken Griechenlands - Yu. D. Kolpinsky.

Die Kunst der hellenistischen Ära - E. I. Rotenberg.

Die Kunst des antiken Roms – N. N. Britova.

Kunst der nördlichen Schwarzmeerküste – N. N. Britova.

Die Kunst Transkaukasiens in der Antike - V.V. Shleev.

Die Kunst des alten Iran – I. M. Loseva (achämenidischer Iran) und M. M. Dyakonov (sassanidischer Iran).

Kunst des alten Zentralasien - M. M. Dyakonov.

Die Kunst des alten Indien – N. A. Vinogradova und O. S. Prokofjew.

Die Kunst des alten China - N. A. Vinogradova.

An der Herausgabe einiger Kapitel des ersten Bandes waren B.V. Weimarn (Kunst Westasiens, Irans, Zentralasiens, Chinas) und E.I. Rotenberg (Römische Kunst) beteiligt.

Die Auswahl der Illustrationen und das Layout des Bandes wurden von A. D. Chegodaev und R. B. Klimov unter Beteiligung von T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky und E. I. Rotenberg getroffen.

Die Karten wurden vom Künstler G. G. Fedorov angefertigt, die Zeichnungen im Text stammen von den Künstlern A. Vasilyev und M. N. Mashkovtsev.

Der Index wurde von N. I. Bespalova und A. G. Podolsky zusammengestellt, Erläuterungen zu den Abbildungen von E. I. Rotenberg.

Konsultationen und Überprüfungen wurden vom Institut für Kunstgeschichte der Akademie der Wissenschaften der UdSSR, dem Institut für Geschichte der materiellen Kultur der Akademie der Wissenschaften der UdSSR und dem Alten Orientbereich des Instituts für Orientalistik der UdSSR durchgeführt Akademie der Wissenschaften der UdSSR, das Institut für Geschichte der georgischen Kunst der Akademie der Wissenschaften der Georgischen SSR, das Institut für Architektur und Kunst der Akademie der Wissenschaften der Aserbaidschanischen SSR, der Bereich für Kunstgeschichte der Akademiewissenschaften der Armenischen SSR, Institut für Theorie und Geschichte der Architektur der Architekturakademie der UdSSR, Abteilung für Kunstgeschichte der Moskauer Staatlichen Universität. M. V. Lomonosov, Moskauer Staatliches Kunstinstitut. V.I. Surikov und das nach ihm benannte Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I. E. Repin, Staatliche Eremitage, Staatliches Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin, Museum für orientalische Kulturen, Staatliches Kunstmuseum von Georgia.

Primitive Kunst

Ursprung der Kunst

N. Dmitriev

Da es sich bei künstlerischer Tätigkeit jedoch um eine einzigartige Form des Wissens und der kreativen Arbeit handelt, sind ihre Ursprünge viel älter, da die Menschen lange vor der Klassenteilung der Gesellschaft gearbeitet und dabei etwas über die Welt um sie herum gelernt haben. Archäologische Entdeckungen der letzten hundert Jahre haben zahlreiche Werke der visuellen Kreativität des Urmenschen enthüllt, deren Alter auf Zehntausende von Jahren geschätzt wird. Das sind Felsmalereien; Figuren aus Stein und Knochen; Bilder und ornamentale Muster, die in Hirschgeweihstücke oder auf Steinplatten geschnitzt sind. Sie kommen in Europa, Asien und Afrika vor. Dabei handelt es sich um Werke, die entstanden, lange bevor eine bewusste Vorstellung künstlerischen Schaffens entstehen konnte. Viele von ihnen stellen hauptsächlich Tierfiguren dar – Hirsche, Bisons, Wildpferde, Mammuts – und sind so lebendig, so ausdrucksstark und naturgetreu, dass sie nicht nur wertvolle historische Denkmäler sind, sondern auch bis heute ihre künstlerische Kraft bewahren.

Der materielle, objektive Charakter von Werken der bildenden Kunst schafft besonders günstige Bedingungen für Forscher, die sich mit den Ursprüngen der bildenden Künste befassen, im Vergleich zu Historikern, die sich mit den Ursprüngen anderer Kunstgattungen befassen. Wenn die Anfangsstadien von Epos, Musik und Tanz hauptsächlich anhand indirekter Daten und in Analogie zur Kreativität moderner Stämme in den Frühstadien beurteilt werden gesellschaftliche Entwicklung(Die Analogie ist sehr relativ, worauf man sich nur mit großer Vorsicht verlassen kann), dann erscheint uns die Kindheit der Malerei, Bildhauerei und Grafik mit eigenen Augen vor Augen.

Es passt nicht zu meiner Kindheit menschliche Gesellschaft, also Antike Epochen seine Ausbildung. Der modernen Wissenschaft zufolge begann der Prozess der Humanisierung der affenähnlichen Vorfahren des Menschen bereits vor der ersten Eiszeit des Quartärs, und daher beträgt das „Alter“ der Menschheit etwa eine Million Jahre. Die ersten Spuren primitiver Kunst reichen bis in das Jungpaläolithikum zurück, das etwa mehrere Zehntausend Jahre vor Christus begann. sogenannte Aurignacien-Zeit( Die chellesischen, acheulischen, mousterianischen, aurignacischen, soluträischen und magdalenischen Stadien der Altsteinzeit (Paläolithikum) sind nach den Orten der ersten Funde benannt.) Dies war eine Zeit relativer Reife des primitiven Gemeinschaftssystems: Der Mann dieser Zeit unterschied sich in seiner körperlichen Konstitution nicht davon moderner Mann, er sprach bereits und wusste, wie man recht komplexe Werkzeuge aus Stein, Knochen und Horn herstellt. Er führte eine gemeinsame Jagd auf große Tiere mit Hilfe von Speer und Pfeilen durch. Die Clans schlossen sich zu Stämmen zusammen und es entstand das Matriarchat.

Dazwischen müssen mehr als 900.000 Jahre vergangen sein antike Menschen von einer Person moderner Typ, bevor Hand und Gehirn reif für künstlerisches Schaffen waren.

Mittlerweile reicht die Herstellung primitiver Steinwerkzeuge bis in viel ältere Zeiten des Unter- und Mittelpaläolithikums zurück. Sinanthropus (dessen Überreste in der Nähe von Peking gefunden wurden) hatte bereits ein ziemlich hohes Niveau in der Herstellung von Steinwerkzeugen erreicht und wusste, wie man mit Feuer umgeht. Menschen des späteren Typs Neandertaler verarbeiteten Werkzeuge sorgfältiger und passten sie an spezielle Zwecke an. Nur dank einer solchen „Schule“, die viele Jahrtausende überdauerte, entwickelten sie die notwendige Flexibilität der Hand, die Treue des Auges und die Fähigkeit, das Sichtbare zu verallgemeinern und seine bedeutendsten und charakteristischsten Merkmale – also alle diese – hervorzuheben Eigenschaften, die in den wunderbaren Zeichnungen der Altamira-Höhle auftauchten. Wenn ein Mensch seine Hand nicht geübt und verfeinert hätte, indem er ein so schwer zu verarbeitendes Material wie Stein verarbeitete, um Nahrung zu gewinnen, wäre er nicht in der Lage gewesen, das Zeichnen zu erlernen: Ohne die Schaffung nützlicher Formen zu beherrschen, würde er es tun nicht in der Lage gewesen, eine künstlerische Form zu schaffen. Hätten viele, viele Generationen ihr Denkvermögen nicht darauf konzentriert, das Tier einzufangen – die Hauptlebensquelle des Urmenschen –, wäre es ihnen nicht in den Sinn gekommen, dieses Tier darzustellen.

Also erstens: „Arbeit ist älter als die Kunst„(Diese Idee wurde von G. Plechanow in seinen „Briefen ohne Adresse“ brillant argumentiert) und zweitens verdankt die Kunst ihre Entstehung der Arbeit. Doch was bewirkte den Übergang von der Produktion ausschließlich nützlicher, praktisch notwendiger Werkzeuge zur gleichzeitigen Produktion „nutzloser“ Bilder? Es war diese Frage, die von bürgerlichen Wissenschaftlern, die um jeden Preis I. Kants These über „Zwecklosigkeit“, „Desinteresse“ und „Selbstwertgefühl“ über „Zwecklosigkeit“, „Uninteresse“ und „Selbstwertgefühl“ um jeden Preis anwenden wollten, am meisten diskutiert und am meisten verwirrt wurde. ästhetische Haltung zur Welt. Diejenigen, die über primitive Kunst schrieben, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Vreul, V. Gausenstein und andere, argumentierten, dass primitive Menschen sich mit „Kunst um der Kunst willen“ beschäftigten, was der erste und entscheidende Anreiz dafür sei Künstlerische Kreativität war die angeborene menschliche Lust zu spielen.

Die Theorien des „Spiels“ in ihren verschiedenen Spielarten basierten auf der Ästhetik von Kant und Schiller, wonach das Hauptmerkmal ästhetischer, künstlerischer Erfahrung gerade der Wunsch nach „freiem Spiel mit dem Schein“ ist – frei von jedem praktischen Ziel, von logische und moralische Bewertung.

„Der ästhetische Schaffenstrieb“, schrieb Friedrich Schiller, „baut unmerklich inmitten des schrecklichen Reiches der Kräfte und inmitten des heiligen Reiches der Gesetze ein drittes, heiteres Reich des Spiels und der Erscheinung auf, in das er sich entzieht.“ den Menschen von den Fesseln aller Beziehungen und befreit ihn von allem, was Zwang genannt wird, sowohl körperlich als auch moralisch“( F. Schiller, Artikel zur Ästhetik, S. 291.).

Schiller wandte diesen Grundgedanken seiner Ästhetik auf die Frage der Entstehung der Kunst an (lange vor der Entdeckung echter Denkmäler paläolithischer Kreativität) und glaubte, dass das „fröhliche Reich des Spiels“ bereits zu Beginn der menschlichen Gesellschaft errichtet wurde: „ ...jetzt ist der alte Germane auf der Suche nach glänzenderen Tierhäuten, prächtigeren Hörnern, anmutigeren Gefäßen und der Kaledonier sucht nach den schönsten Muscheln für seine Festlichkeiten. Der freie Spieltrieb begnügt sich nicht damit, dem Notwendigen einen Überschuss an Ästhetik zu verleihen, sondern sprengt schließlich völlig die Fesseln der Notwendigkeit, und die Schönheit selbst wird zum Gegenstand menschlicher Bestrebungen. Er schmückt sich. Zu seinen Bedürfnissen zählt das freie Vergnügen, und das Unnütze wird bald zum größten Teil seiner Freude.“ F. Schiller, Artikel zur Ästhetik, S. 289, 290.). Dieser Standpunkt wird jedoch durch Fakten widerlegt.

Erstens ist es absolut unglaublich, dass sich Höhlenmenschen, die ihre Tage in einem erbitterten Kampf ums Dasein verbrachten, hilflos gegenüber den Naturkräften, die ihnen als etwas Fremdes und Unverständliches gegenüberstanden, und die ständig unter einem Mangel an Nahrungsquellen litten, widmen konnten so viel Aufmerksamkeit und Energie für „kostenlose Freuden“. Darüber hinaus waren diese „Vergnügungen“ sehr arbeitsintensiv: Es erforderte viel Arbeit, große Reliefbilder in Stein zu meißeln, wie zum Beispiel den Skulpturenfries im Schutzraum unter dem Felsen von Le Roc de Ser (in der Nähe von Angoulême, Frankreich). Schließlich weisen zahlreiche Daten, darunter auch ethnografische Daten, direkt darauf hin, dass Bilder (sowie Tänze und verschiedene Arten von dramatische Aktionen) wurden einige außerordentlich wichtige und reine gegeben praktische Bedeutung. Wurden mit ihnen in Verbindung gebracht rituelle Zeremonien, mit dem Ziel, den Erfolg der Jagd sicherzustellen; Es ist möglich, dass sie Opfer brachten, die mit dem Kult des Totems, also des Tieres, des Schutzpatrons des Stammes, verbunden waren. Es sind Zeichnungen erhalten geblieben, die eine Nachstellung einer Jagd darstellen, Bilder von Menschen mit Tiermasken, von Pfeilen durchbohrten Tieren und blutenden Tieren.

Selbst Tätowierungen und der Brauch, Schmuck aller Art zu tragen, waren nicht auf den Wunsch zurückzuführen, „frei mit dem Schein zu spielen“ – sie wurden entweder durch die Notwendigkeit diktiert, Feinde einzuschüchtern, oder sie schützten die Haut vor Insektenstichen oder spielten erneut die Rolle von Während heilige Amulette oder die Taten eines Jägers zeugten, könnte beispielsweise eine Halskette aus Bärenzähnen darauf hindeuten, dass der Träger an einer Bärenjagd teilgenommen hat. Darüber hinaus sind in den Bildern auf Hirschgeweihstücken auf kleinen Kacheln die Anfänge der Piktographie zu erkennen ( Die Piktographie ist die primäre Form des Schreibens in Form von Abbildungen einzelner Gegenstände.), also ein Kommunikationsmittel. Plechanow zitiert in „Briefe ohne Adresse“ die Geschichte eines Reisenden, der „einst im Küstensand eines der brasilianischen Flüsse, von den Eingeborenen gezeichnet, ein Bild eines Fisches fand, der zu einer der lokalen Rassen gehörte.“ Er befahl den ihn begleitenden Indianern, ein Netz auszuwerfen, und sie zogen mehrere Fischstücke derselben Art heraus, die im Sand abgebildet sind. Es ist klar, dass der Eingeborene mit diesem Bild seine Kameraden darauf aufmerksam machen wollte, dass an diesem Ort der eine oder andere Fisch gefunden wurde“( G. V. Plechanow. Kunst und Literatur, 1948, S. 148.). Es ist offensichtlich, dass die Menschen des Paläolithikums Buchstaben und Zeichnungen auf die gleiche Weise verwendeten.

Es gibt viele Augenzeugenberichte über Jagdtänze australischer, afrikanischer und anderer Stämme und über Rituale des „Tötens“ gemalter Tierbilder, und diese Tänze und Rituale verbinden Elemente eines magischen Rituals mit der Übung in den entsprechenden Handlungen, also mit a Art Probe, praktische Vorbereitung auf die Jagd. Eine Reihe von Fakten deuten darauf hin, dass paläolithische Bilder ähnlichen Zwecken dienten. In der Montespan-Höhle in Frankreich, in der Region der nördlichen Pyrenäen, wurden zahlreiche Tonskulpturen von Tieren – Löwen, Bären, Pferde – gefunden, die mit Spuren von Speerschlägen bedeckt waren, die offenbar während einer magischen Zeremonie zugefügt wurden ( Siehe die Beschreibung laut Beguin im Buch von A. S. Gushchin „The Origin of Art“, L.-M., 1937, S. 88.).

Die Unbestreitbarkeit und Zahl solcher Tatsachen zwang spätere bürgerliche Forscher dazu, die „Spieltheorie“ zu überdenken und als Ergänzung eine „Zaubertheorie“ aufzustellen. Gleichzeitig wurde die Spieltheorie nicht verworfen: Die meisten bürgerlichen Wissenschaftler argumentierten weiterhin, dass Kunstwerke zwar als Objekte magischer Wirkung verwendet würden, der Impuls für ihre Entstehung jedoch in der angeborenen Tendenz zum Spielen, zur Nachahmung, zum Spielen liege schmücken.

Es ist notwendig, auf eine andere Version dieser Theorie hinzuweisen, die die biologische Angeborenheit des Schönheitssinns behauptet, der angeblich nicht nur für Menschen, sondern auch für Tiere charakteristisch ist. Wenn Schillers Idealismus „freies Spiel“ als eine göttliche Eigenschaft des menschlichen Geistes – nämlich des menschlichen Geistes – interpretierte, dann sahen Wissenschaftler, die zum vulgären Positivismus neigten, dieselbe Eigenschaft in der Tierwelt und verknüpften dementsprechend die Ursprünge der Kunst mit den biologischen Instinkten der Selbstdekoration. Grundlage für diese Aussage waren einige Beobachtungen und Aussagen Darwins zu den Phänomenen der sexuellen Selektion bei Tieren. Darwin stellte fest, dass bei einigen Vogelrassen Männchen Weibchen mit der Helligkeit ihres Gefieders anlocken, dass beispielsweise Kolibris ihre Nester mit bunten und glänzenden Gegenständen schmücken usw., und deutete an, dass ästhetische Emotionen den Tieren nicht fremd sind.

Die von Darwin und anderen Naturforschern festgestellten Tatsachen sind an sich nicht zweifelhaft. Aber es besteht kein Zweifel daran, dass es ebenso illegitim ist, daraus auf den Ursprung der Kunst der menschlichen Gesellschaft zu schließen, wie beispielsweise die Gründe für Reisen zu erklären geographische Entdeckungen, ausgeführt von Menschen, durch jenen Instinkt, der Vögel zu ihren saisonalen Wanderungen veranlasst. Bewusste menschliche Aktivität ist das Gegenteil der instinktiven, unbewussten Aktivität von Tieren. Bekannte Farben, Geräusche und andere Reize haben tatsächlich einen gewissen Einfluss auf die biologische Sphäre von Tieren und erhalten durch die Konsolidierung im Laufe der Evolution die Bedeutung unbedingter Reflexe (und nur in einigen, relativ seltenen Fällen deren Natur). Reize fallen mit menschlichen Vorstellungen vom Schönen, Harmonischen zusammen).

Es lässt sich nicht leugnen, dass Farben, Linien sowie Geräusche und Gerüche auf den menschlichen Körper wirken – einige auf irritierende, abstoßende Weise, andere im Gegenteil, indem sie dessen korrektes und aktives Funktionieren stärken und fördern. Dies wird von einem Menschen in seiner künstlerischen Tätigkeit auf die eine oder andere Weise berücksichtigt, liegt ihm aber keineswegs zugrunde. Die Motive, die den paläolithischen Menschen dazu zwangen, Tierfiguren an Höhlenwänden zu zeichnen und zu schnitzen, haben natürlich nichts mit instinktiven Impulsen zu tun: Dies ist ein bewusster und zielgerichteter kreativer Akt eines Geschöpfs, das die Ketten der Blinden längst gebrochen hat Instinkt und hat den Weg eingeschlagen, die Kräfte der Natur zu beherrschen – und damit auch diese Kräfte zu verstehen.

Marx schrieb: „Die Spinne führt Operationen aus, die an die des Webers erinnern, und die Biene stellt mit der Konstruktion ihrer Wachszellen einige menschliche Architekten in den Schatten.“ Aber selbst der schlechteste Architekt unterscheidet sich von der besten Biene von Anfang an dadurch, dass er, bevor er eine Zelle aus Wachs baut, sie bereits in seinem Kopf gebaut hat. Am Ende des Arbeitsprozesses steht ein Ergebnis, das der Arbeiter bereits zu Beginn dieses Prozesses im Kopf hatte, also ideal. Der Arbeiter unterscheidet sich von der Biene nicht nur dadurch, dass er die Form des Naturgegebenen verändert: Im Naturgegebenen verwirklicht er zugleich sein bewusstes Ziel, das wie ein Gesetz die Methode und den Charakter des Naturgegebenen bestimmt sein Handeln und dem er seinen Willen unterordnen muss“( ).

Um ein bewusstes Ziel verwirklichen zu können, muss ein Mensch es wissen natürliches Objekt, mit dem er sich beschäftigt, muss seine natürlichen Eigenschaften verstehen. Auch die Erkenntnisfähigkeit stellt sich nicht sofort ein: Sie gehört zu den „schlummernden Kräften“, die sich im Menschen im Zuge seiner Einflussnahme auf die Natur entwickeln. Als Manifestation dieser Fähigkeit entsteht auch die Kunst – sie entsteht gerade dann, wenn die Arbeit selbst sich bereits von den „ersten tierischen Triebformen der Arbeit“ entfernt hat, „von ihrer primitiven, instinktiven Form befreit“( K. Marx, Capital, Bd. I, 1951, S. 185.). Kunst und insbesondere bildende Kunst waren in ihren Anfängen einer der Aspekte der Arbeit, die sich zu einem bestimmten Bewusstseinsniveau entwickelten.

Ein Mann zeichnet ein Tier: Dadurch fasst er seine Beobachtungen zusammen; er gibt seine Figur, seine Gewohnheiten, Bewegungen und seine verschiedenen Zustände immer sicherer wieder. In dieser Zeichnung formuliert er sein Wissen und festigt es. Gleichzeitig lernt er zu verallgemeinern: Ein Bild eines Hirsches vermittelt Merkmale, die bei mehreren Hirschen beobachtet wurden. Dies allein gibt der Entwicklung des Denkens enorme Impulse. Es ist schwer, die fortschrittliche Rolle der künstlerischen Kreativität bei der Veränderung des menschlichen Bewusstseins und seiner Beziehung zur Natur zu überschätzen. Letzteres ist für ihn nun nicht mehr so dunkel, nicht so verschlüsselt – nach und nach, immer noch durch Berührung, studiert er es.

Somit ist die primitive bildende Kunst zugleich der Embryo der Wissenschaft, genauer gesagt des primitiven Wissens. Es ist klar, dass diese Wissensformen in diesem frühen, primitiven Stadium der sozialen Entwicklung noch nicht zerstückelt werden konnten, wie dies in späteren Zeiten der Fall war; Zunächst traten sie gemeinsam auf. Es handelte sich noch nicht um Kunst im vollen Umfang dieses Begriffs und es handelte sich nicht um Wissen im eigentlichen Sinne des Wortes, sondern um etwas, in dem die Grundelemente beider untrennbar miteinander verbunden waren.

In diesem Zusammenhang wird verständlich, warum die paläolithische Kunst dem Tier so viel Aufmerksamkeit schenkt und dem Menschen relativ wenig. Es zielt in erster Linie darauf ab, die äußere Natur zu verstehen. Gerade als sie bereits gelernt hatten, Tiere bemerkenswert realistisch und anschaulich darzustellen, menschliche Figuren Sie sind fast immer sehr primitiv dargestellt, einfach unpassend, mit Ausnahme einiger seltener Ausnahmen, wie etwa der Reliefs von Lossel.

1 6. Frau mit Horn. Jäger. Reliefs aus Loselle (Frankreich, Département Dordogne). Kalkstein. Höhe ca. 0,5 m. Jungpaläolithikum, Aurignacische Zeit.

In der paläolithischen Kunst gibt es noch nicht das primäre Interesse an der Welt der menschlichen Beziehungen, das die Kunst auszeichnet und ihre Sphäre von der Sphäre der Wissenschaft abgrenzt. Aus den Denkmälern der primitiven Kunst (zumindest der bildenden Kunst) ist es schwierig, etwas über das Leben einer Stammesgemeinschaft außer der Jagd und den damit verbundenen magischen Ritualen zu erfahren; Den wichtigsten Platz nimmt das Jagdobjekt ein – das Tier. Es war ihr Studium, das von größtem praktischem Interesse war, da es die Hauptquelle der Existenz war und der utilitaristisch-kognitive Ansatz in der Malerei und Bildhauerei sich darin widerspiegelte, dass sie hauptsächlich Tiere und solche Arten darstellten, deren Gewinnung war besonders wichtig und zugleich schwierig und gefährlich und erforderte daher ein besonders sorgfältiges Studium. Vögel und Pflanzen wurden selten dargestellt.

Natürlich konnten die Menschen der Altsteinzeit sowohl die Muster der sie umgebenden Natur als auch die Muster ihres eigenen Handelns noch nicht richtig verstehen. Es gab immer noch kein klares Bewusstsein für den Unterschied zwischen dem Realen und dem Scheinbaren: Was in einem Traum gesehen wurde, schien wahrscheinlich dieselbe Realität zu sein wie das, was in der Realität gesehen wurde. Aus all diesem Chaos märchenhafter Ideen entstand die primitive Magie, die eine direkte Folge der extremen Unterentwicklung, extremen Naivität und Inkonsistenz des Bewusstseins des primitiven Menschen war, der das Materielle mit dem Geistigen vermischte, der aus Unwissenheit materielle Existenz zuschrieb zu immateriellen Tatsachen des Bewusstseins.

Indem der Mensch die Figur eines Tieres zeichnete, „beherrschte“ er das Tier gewissermaßen wirklich, da er es kannte, und Wissen ist die Quelle der Beherrschung der Natur. Die lebenswichtige Notwendigkeit figurativen Wissens war der Grund für die Entstehung der Kunst. Aber unser Vorfahre verstand diese „Meisterschaft“ im wahrsten Sinne des Wortes und orientierte sich an der von ihm angefertigten Zeichnung magische Rituale um den Erfolg der Jagd sicherzustellen. Er dachte auf fantastische Weise über die wahren, rationalen Motive seines Handelns nach. Es ist zwar sehr wahrscheinlich, dass visuelle Kreativität nicht immer einen rituellen Zweck hatte; Hier spielten natürlich auch andere Motive eine Rolle, die oben bereits erwähnt wurden: die Notwendigkeit des Informationsaustauschs usw. Aber auf jeden Fall lässt sich kaum leugnen, dass die Mehrheit der malerischen und skulpturale Werke diente auch magischen Zwecken.

Die Menschen begannen viel früher, sich mit Kunst zu beschäftigen, als sie einen Begriff von Kunst hatten und viel früher, als sie ihre wahre Bedeutung und ihren wahren Nutzen verstehen konnten.

Die Fähigkeit zur Darstellung beherrschen sichtbare Welt Auch die wahre gesellschaftliche Bedeutung dieser Fähigkeit war den Menschen nicht bewusst. Ähnliches geschah mit der späteren Entwicklung der Wissenschaften, die sich ebenfalls nach und nach aus der Gefangenschaft naiver fantastischer Ideen befreiten: Mittelalterliche Alchemisten suchten nach dem „Stein der Weisen“ und verbrachten jahrelange harte Arbeit damit. Sie haben den Stein der Weisen nie gefunden, aber sie haben ihn erworben wertvollste Erfahrung in der Untersuchung der Eigenschaften von Metallen, Säuren, Salzen usw., die die spätere Entwicklung der Chemie vorbereiteten.

Wenn wir sagen, dass die primitive Kunst eine der ursprünglichen Formen des Wissens war, das Studium der umgebenden Welt, sollten wir nicht annehmen, dass sie daher nichts Ästhetisches im eigentlichen Sinne des Wortes enthielt. Das Ästhetische ist nicht das völlige Gegenteil des Nützlichen.

Bereits die Arbeitsprozesse, die mit der Herstellung von Werkzeugen verbunden sind und die, wie wir wissen, viele Jahrtausende früher als die Berufe des Zeichnens und Modellierens begannen, haben das ästhetische Urteilsvermögen des Menschen gewissermaßen vorbereitet, ihn das Prinzip der Zweckmäßigkeit und Übereinstimmung gelehrt Form zum Inhalt. Die ältesten Werkzeuge sind nahezu formlos: Es handelt sich um einseitig und später beidseitig behauene Steinstücke: Sie dienten unterschiedlichen Zwecken: zum Graben, zum Schneiden usw. Mit der Zeit wurden die Werkzeuge je nach Funktion immer spezialisierter (spitze Spitzen). (Schaber, Messer, Nadeln) erhalten sie eine definiertere und einheitlichere und damit elegantere Form: In diesem Prozess wird die Bedeutung von Symmetrie und Proportionen erkannt und der Sinn für die richtigen Proportionen entwickelt, der in der Kunst so wichtig ist . Und wenn Menschen, die die Effizienz ihrer Arbeit steigern wollten und die lebenswichtige Bedeutung einer zielgerichteten Form schätzen und spüren lernten, sich dem Transfer näherten komplexe Formen In der lebendigen Welt konnten sie Werke schaffen, die bereits ästhetisch sehr bedeutsam und wirkungsvoll waren.

Sparsame, kräftige Striche und große rote, gelbe und schwarze Farbflecken vermittelten den monolithischen, kraftvollen Kadaver des Bisons. Das Bild war voller Leben: Man konnte das Zittern der angespannten Muskeln spüren, die Elastizität der kurzen, starken Beine, man konnte die Bereitschaft des Tieres spüren, vorwärtszustürmen, seinen massiven Kopf zu neigen, seine Hörner hervorzustrecken und unter seinen Brauen hervorzuschauen mit blutunterlaufenen Augen. Wahrscheinlich hat der Maler seinen schweren Lauf durch das Dickicht, sein wütendes Gebrüll und die kriegerischen Schreie der ihn verfolgenden Jägerschar in seiner Fantasie lebhaft nachgebildet.

In zahlreichen Bildern von Hirschen und Damhirschen haben primitive Künstler die schlanken Figuren dieser Tiere, die nervöse Anmut ihrer Silhouette und die sensible Wachsamkeit, die sich in der Drehung des Kopfes, in den gespitzten Ohren und in den Biegungen widerspiegelt, sehr gut zum Ausdruck gebracht den Körper, wenn sie zuhören, um zu sehen, ob sie in Gefahr sind. Da die Menschen mit erstaunlicher Genauigkeit sowohl den beeindruckenden, mächtigen Bison als auch die anmutige Hirschkuh darstellten, konnten sie nicht umhin, genau diese Konzepte zu assimilieren – Stärke und Anmut, Rauheit und Anmut – obwohl sie vielleicht immer noch nicht wussten, wie sie sie formulieren sollten. Und ein etwas späteres Bild einer Elefantenmutter, die ihr Elefantenbaby mit dem Rüssel vor einem Angriff eines Tigers schützt – deutet das nicht darauf hin, dass der Künstler begann, sich für mehr als nur etwas zu interessieren? Aussehen Dass er das Leben der Tiere und ihre verschiedenen Erscheinungsformen genau betrachtete, erschien ihm interessant und lehrreich. Er bemerkte berührende und ausdrucksstarke Momente in der Tierwelt, Manifestationen des mütterlichen Instinkts. Mit einem Wort, die emotionalen Erfahrungen eines Menschen wurden zweifellos bereits in diesen Phasen seiner Entwicklung mit Hilfe seiner künstlerischen Tätigkeit verfeinert und bereichert.

Über das Buch

„Allgemeine Kunstgeschichte“ in sechs Bänden

Redaktion

Akademie der Künste der UdSSR, Institut für Theorie und Geschichte der bildenden Künste

„Allgemeine Kunstgeschichte“, Band eins

Kunst der Antike unter der allgemeinen Herausgeberschaft von A.D. Chegodaev

Staatsverlag„Kunst“ Moskau 1956

VII Band 1

„Allgemeine Kunstgeschichte“ Band I

Herausgeber R. B. Klimov

Design vom Künstler I. F. Rerberg

Kunstredakteur V. D. Karandashov

Technischer Redakteur A. A. Sidorova

Korrektoren N. Ya. Korneeva und A. A. Pozin

Geliefert am 15. November 1955. Sub. zum Herd 25/IX 1956 Formular, Papier 84x108 1/16

Pech. l. 58 (bedingt 95,12). Akademische Hrsg. l. 77.848. Auflage 75000. III 11453.

„Kunst“, Moskau, I-51,

Tsvetnoy Boulevard, 25. Verlag. Nr. 13524. Zak. Typ. Nummer 4.

Kulturministerium der UdSSR. Hauptdirektion der Druckindustrie.

21. Druckerei benannt nach. Ivan Fedorov, Leningrad, Zvenigorodskaya Str., 11

Preis 70 Rubel.

„Die Allgemeine Kunstgeschichte“ wurde vom Institut für Theorie und Geschichte der Schönen Künste der Akademie der Künste der UdSSR unter Beteiligung von Wissenschaftlern – Kunsthistorikern anderer wissenschaftlicher Institutionen und Museen: der Staatlichen Eremitage, dem Staatlichen Museum der Schönen Künste – erstellt benannt nach A. S. Puschkin usw. „Die allgemeine Geschichte der Künste“ ist die Geschichte der Malerei, Grafik, Skulptur, Architektur und angewandten Kunst aller Jahrhunderte und Völker von der primitiven Kunst bis zur Kunst unserer Tage. Band eins. Kunst der Antike: primitive Kunst, Kunst Westasiens, altes Ägypten, ägäische Kunst, Kunst des antiken Griechenlands, hellenistische Kunst, Kunst des antiken Roms, nördliche Schwarzmeerregion, Transkaukasien, Iran, altes Zentralasien, die alte Kunst Indiens und Chinas.

Aus der Redaktion

B.V. Weimarn, A.A. Guber, M.V. Kolpinsky, A.N. Tikhomirov

Band sechs. Kunst des späten 19. – 20. Jahrhunderts: Russische Kunst von 1890–1917, Kunst Frankreichs, Englands, der USA, Deutschlands und anderer Länder Westeuropas und Amerikas des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts, sowjetische Kunst, zeitgenössische Kunst Westeuropas und Amerika, Volksdemokratien, China, Indien und andere östliche Länder.

Der sechste Band wird eine ausführliche konsolidierte Bibliographie zur gesamten Weltgeschichte der Kunst enthalten.

Der Ursprung der Kunst - N. A. Dmitrieva.

Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung der primitiven Kunst - V.V. Shleev.

Kunst Westasiens - I. M. Loseva.

Die Kunst des alten Ägypten - M.E-Mathieu.

Ägäische Kunst - N. N. Britova.

Die Kunst des antiken Griechenlands - Yu. D. Kolpinsky.

Die Kunst der hellenistischen Ära - E. I. Rotenberg.

Die Kunst des antiken Roms – N. N. Britova.

Kunst der nördlichen Schwarzmeerküste – N. N. Britova.

Die Kunst Transkaukasiens in der Antike - V.V. Shleev.

Die Kunst des alten Iran – I. M. Loseva (achämenidischer Iran) und M. M. Dyakonov (sassanidischer Iran).

Kunst des alten Zentralasien - M. M. Dyakonov.

Die Kunst des alten Indien – N. A. Vinogradova und O. S. Prokofjew.

Die Kunst des alten China - N. A. Vinogradova.

An der Herausgabe einiger Kapitel des ersten Bandes waren B.V. Weimarn (Kunst Westasiens, Irans, Zentralasiens, Chinas) und E.I. Rotenberg (Römische Kunst) beteiligt.

Die Auswahl der Illustrationen und das Layout des Bandes wurden von A. D. Chegodaev und R. B. Klimov unter Beteiligung von T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky und E. I. Rotenberg getroffen.

Die Karten wurden vom Künstler G. G. Fedorov angefertigt, die Zeichnungen im Text stammen von den Künstlern A. Vasilyev und M. N. Mashkovtsev.

Der Index wurde von N. I. Bespalova und A. G. Podolsky zusammengestellt, Erläuterungen zu den Abbildungen von E. I. Rotenberg.

Konsultationen und Überprüfungen wurden vom Institut für Kunstgeschichte der Akademie der Wissenschaften der UdSSR, dem Institut für Geschichte der materiellen Kultur der Akademie der Wissenschaften der UdSSR und dem Alten Orientbereich des Instituts für Orientalistik der UdSSR durchgeführt Akademie der Wissenschaften der UdSSR, das Institut für Geschichte der georgischen Kunst der Akademie der Wissenschaften der Georgischen SSR, das Institut für Architektur und Kunst der Akademie der Wissenschaften der Aserbaidschanischen SSR, der Bereich für Kunstgeschichte der Akademiewissenschaften der Armenischen SSR, Institut für Theorie und Geschichte der Architektur der Architekturakademie der UdSSR, Abteilung für Kunstgeschichte der Moskauer Staatlichen Universität. M. V. Lomonosov, Moskauer Staatliches Kunstinstitut. V.I. Surikov und das nach ihm benannte Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur. I. E. Repin, Staatliche Eremitage, Staatliches Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin, Museum für orientalische Kulturen, Staatliches Kunstmuseum von Georgia.

Allgemeine Kunstgeschichte. Band 1

Kunst der Antike: primitive Kunst, Kunst Westasiens, altes Ägypten, ägäische Kunst, Kunst des antiken Griechenlands, hellenistische Kunst, Kunst des antiken Roms, nördliche Schwarzmeerregion, Transkaukasien, Iran, altes Zentralasien, die alte Kunst Indiens und Chinas.

*Von der Redaktion

*Primitive Kunst

o Ursprung der Kunst

o Die Hauptstadien in der Entwicklung der primitiven Kunst

* Kunst Westasiens (I. Loseva)

o Einführung

o Die älteste Kultur der Stämme und Völker Mesopotamiens (4. – frühes 3. Jahrtausend v. Chr.)

o Kunst von Sumer (27.-25. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst von Akkad (24.-23. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst von Sumer (23. – 21. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst Babylons (19. – 12. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst der Hethiter und Mitanni (18. – 8. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst Assyriens (9.-7. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst des neubabylonischen Königreichs (7.-6. Jahrhundert v. Chr.)

* Die Kunst des alten Ägypten (M. Mathieu)

o Einführung

o Entstehung der altägyptischen Kunst (4. Jahrtausend v. Chr.)

o Kunst des Alten Reiches (3200 – 2400 v. Chr.)

o Kunst des Reichs der Mitte (21. Jahrhundert – frühes 19. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst der ersten Hälfte des Neuen Reiches (16. – 15. Jahrhundert v. Chr.)

o Die Kunst der Zeit Echnatons und seiner Nachfolger (spätes 15. – frühes 14. Jahrhundert v. Chr.)

o Kunst der zweiten Hälfte des Neuen Reiches (14. – 2. Jahrhundert v. Chr.)

o Späte Kunst (11. Jahrhundert – 332 v. Chr.)

* Ägäische Kunst

* Kunst des antiken Griechenlands (Yu. Kolpinsky)

o Allgemeine Merkmale der Kultur und Kunst des antiken Griechenlands

o Kunst des homerischen Griechenlands

o Griechische archaische Kunst

o Die Kunst der griechischen Klassiker (Anfang 5. – Mitte 4. Jahrhundert v. Chr.)

o Die Kunst der frühen Klassiker (die sogenannte „strenge Ruhe“ 490 – 450 v. Chr.)

o Hochklassische Kunst (450 – 410 v. Chr.)

o Spätklassische Kunst (vom Ende der Peloponnesischen Kriege bis zum Aufstieg des Makedonischen Reiches)

* Hellenistische Kunst (E. Rotenberg)

o Hellenistische Kunst

* Die Kunst des antiken Roms (N. Britova)

o Die Kunst des antiken Roms

o Etruskische Kunst

o Kunst der Römischen Republik

o Kunst des Römischen Reiches 1. Jahrhundert. N. e.

o Kunst des Römischen Reiches 2. Jahrhundert. ANZEIGE

o Kunst der römischen Provinzen 2 – 3 Jahrhunderte. ANZEIGE

o Kunst des Römischen Reiches 3. – 4. Jahrhundert

* Kunst der nördlichen Schwarzmeerregion

* Kunst des alten Transkaukasiens

* Kunst des alten Iran (I. Loseva, M. Dyakonov)

* Kunst Zentralasiens

* Kunst des alten Indien

* Kunst des alten China

Primitive Kunst

Ursprung der Kunst

N. Dmitriev

Da es sich bei künstlerischer Tätigkeit jedoch um eine einzigartige Form des Wissens und der kreativen Arbeit handelt, sind ihre Ursprünge viel älter, da die Menschen lange vor der Klassenteilung der Gesellschaft gearbeitet und dabei etwas über die Welt um sie herum gelernt haben. Archäologische Entdeckungen der letzten hundert Jahre haben zahlreiche Werke der visuellen Kreativität des Urmenschen enthüllt, deren Alter auf Zehntausende von Jahren geschätzt wird. Das sind Felsmalereien; Figuren aus Stein und Knochen; Bilder und ornamentale Muster, die in Hirschgeweihstücke oder auf Steinplatten geschnitzt sind. Sie kommen in Europa, Asien und Afrika vor. Dabei handelt es sich um Werke, die entstanden, lange bevor eine bewusste Vorstellung künstlerischen Schaffens entstehen konnte. Viele von ihnen stellen hauptsächlich Tierfiguren dar – Hirsche, Bisons, Wildpferde, Mammuts – und sind so lebendig, so ausdrucksstark und naturgetreu, dass sie nicht nur wertvolle historische Denkmäler sind, sondern auch bis heute ihre künstlerische Kraft bewahren.

Der materielle, objektive Charakter von Werken der bildenden Kunst schafft besonders günstige Bedingungen für Forscher, die sich mit den Ursprüngen der bildenden Künste befassen, im Vergleich zu Historikern, die sich mit den Ursprüngen anderer Kunstgattungen befassen. Wenn die Anfangsstadien von Epos, Musik und Tanz hauptsächlich anhand indirekter Daten und anhand von Analogien zur Kreativität moderner Stämme in den frühen Stadien der sozialen Entwicklung beurteilt werden müssen (die Analogie ist sehr relativ, auf die man sich nur mit großer Vorsicht verlassen kann). ), dann konfrontiert uns die Kindheit der Malerei, Bildhauerei und Grafik mit unseren eigenen Augen.

Es fällt nicht mit der Kindheit der menschlichen Gesellschaft zusammen, also mit den ältesten Epochen ihrer Entstehung. Der modernen Wissenschaft zufolge begann der Prozess der Humanisierung der affenähnlichen Vorfahren des Menschen bereits vor der ersten Eiszeit des Quartärs, und daher beträgt das „Alter“ der Menschheit etwa eine Million Jahre. Die ersten Spuren primitiver Kunst reichen bis in das Jungpaläolithikum zurück, das etwa mehrere Zehntausend Jahre vor Christus begann. sogenannte Aurignacien-Zeit( Die chellesischen, acheulischen, mousterianischen, aurignacischen, soluträischen und magdalenischen Stadien der Altsteinzeit (Paläolithikum) sind nach den Orten der ersten Funde benannt.) Dies war eine Zeit relativer Reife des primitiven Gemeinschaftssystems: Der Mensch dieser Ära unterschied sich in seiner körperlichen Konstitution nicht vom modernen Menschen, er sprach bereits und war in der Lage, recht komplexe Werkzeuge aus Stein, Knochen und Horn herzustellen. Er führte eine gemeinsame Jagd auf große Tiere mit Hilfe von Speer und Pfeilen durch. Die Clans schlossen sich zu Stämmen zusammen und es entstand das Matriarchat.

Es mussten mehr als 900.000 Jahre vergehen, die die ältesten Menschen vom modernen Menschen trennten, bevor Hand und Gehirn reif für künstlerisches Schaffen waren.

Erstens ist also „die Arbeit älter als die Kunst“ (diese Idee wurde von G. Plechanow in seinen „Briefen ohne Adresse“ brillant dargelegt), und zweitens verdankt die Kunst ihre Entstehung der Arbeit. Doch was bewirkte den Übergang von der Produktion ausschließlich nützlicher, praktisch notwendiger Werkzeuge zur gleichzeitigen Produktion „nutzloser“ Bilder? Es war diese Frage, die von bürgerlichen Wissenschaftlern am meisten diskutiert und verwirrt wurde, die um jeden Preis versuchten, Immanuel Kants These von der „Zwecklosigkeit“, „Desinteresse“ und „Eigenwert“ der ästhetischen Einstellung zur Welt auf die primitive Kunst anzuwenden. Diejenigen, die über primitive Kunst schrieben, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Vreul, V. Gausenstein und andere, argumentierten, dass primitive Menschen sich mit „Kunst um der Kunst willen“ beschäftigten, was der erste und entscheidende Anreiz dafür sei Künstlerische Kreativität war die angeborene menschliche Lust zu spielen.

Theorien des „Spiels“ in ihren verschiedenen Spielarten basierten auf der Ästhetik von Kant und Schiller, wonach das Hauptmerkmal ästhetischer, künstlerischer Erfahrung gerade der Wunsch nach „freiem Spiel mit dem Schein“ ist – frei von jedem praktischen Ziel, von logischem und moralische Bewertung.

Erstens ist es absolut unglaublich, dass sich Höhlenmenschen, die ihre Tage in einem erbitterten Kampf ums Dasein verbrachten, hilflos gegenüber den Naturkräften, die ihnen als etwas Fremdes und Unverständliches gegenüberstanden, und die ständig unter einem Mangel an Nahrungsquellen litten, widmen konnten so viel Aufmerksamkeit und Energie für „kostenlose Freuden“. Darüber hinaus waren diese „Vergnügungen“ sehr arbeitsintensiv: Es erforderte viel Arbeit, große Reliefbilder in Stein zu meißeln, wie zum Beispiel den Skulpturenfries im Schutzraum unter dem Felsen von Le Roc de Ser (in der Nähe von Angoulême, Frankreich). Schließlich weisen zahlreiche Daten, darunter auch ethnografische Daten, direkt darauf hin, dass Bildern (sowie Tänzen und verschiedenen Arten dramatischer Handlungen) eine äußerst wichtige und rein praktische Bedeutung beigemessen wurde. Mit ihnen waren rituelle Zeremonien verbunden, die den Erfolg der Jagd sicherstellen sollten; Es ist möglich, dass sie Opfer brachten, die mit dem Kult des Totems, also des Tieres, des Schutzpatrons des Stammes, verbunden waren. Es sind Zeichnungen erhalten geblieben, die eine Nachstellung einer Jagd darstellen, Bilder von Menschen mit Tiermasken, von Pfeilen durchbohrten Tieren und blutenden Tieren.

Es ist notwendig, auf eine andere Version dieser Theorie hinzuweisen, die die biologische Angeborenheit des Schönheitssinns behauptet, der angeblich nicht nur für Menschen, sondern auch für Tiere charakteristisch ist. Wenn Schillers Idealismus das „freie Spiel“ als eine göttliche Eigenschaft des menschlichen Geistes – nämlich des menschlichen Geistes – interpretierte, dann sahen zum Vulgärpositivismus geneigte Wissenschaftler dieselbe Eigenschaft in der Tierwelt und verknüpften dementsprechend die Ursprünge der Kunst mit den biologischen Instinkten des Selbst. Dekoration. Grundlage für diese Aussage waren einige Beobachtungen und Aussagen Darwins zu den Phänomenen der sexuellen Selektion bei Tieren. Darwin stellte fest, dass bei einigen Vogelrassen Männchen Weibchen mit der Helligkeit ihres Gefieders anlocken, dass beispielsweise Kolibris ihre Nester mit bunten und glänzenden Gegenständen schmücken usw., und deutete an, dass ästhetische Emotionen den Tieren nicht fremd sind.

Die von Darwin und anderen Naturforschern festgestellten Tatsachen sind an sich nicht zweifelhaft. Aber es besteht kein Zweifel daran, dass es genauso illegitim ist, daraus auf den Ursprung der Kunst der menschlichen Gesellschaft zu schließen, wie beispielsweise die Gründe für Reisen und geografische Entdeckungen zu erklären, die Menschen durch den Instinkt machen, der Vögel zu ihren Jahreszeiten veranlasst Migrationen. Bewusste menschliche Aktivität ist das Gegenteil der instinktiven, unbewussten Aktivität von Tieren. Bekannte Farben, Geräusche und andere Reize haben tatsächlich einen gewissen Einfluss auf die biologische Sphäre von Tieren und erhalten durch die Konsolidierung im Laufe der Evolution die Bedeutung unbedingter Reflexe (und nur in einigen, relativ seltenen Fällen deren Natur). Reize fallen mit menschlichen Vorstellungen vom Schönen, Harmonischen zusammen).

Um ein bewusstes Ziel verwirklichen zu können, muss ein Mensch das natürliche Objekt kennen, mit dem er es zu tun hat, und seine natürlichen Eigenschaften verstehen. Auch die Erkenntnisfähigkeit stellt sich nicht sofort ein: Sie gehört zu den „schlummernden Kräften“, die sich im Menschen im Zuge seiner Einflussnahme auf die Natur entwickeln. Als Manifestation dieser Fähigkeit entsteht auch die Kunst – sie entsteht gerade dann, wenn sich die Arbeit selbst bereits von den „ersten tierischen Triebformen der Arbeit“ entfernt hat, „von ihrer primitiven, instinktiven Form befreit“ ( K. Marx, Capital, Bd. I, 1951, S. 185.). Kunst und insbesondere bildende Kunst waren in ihren Anfängen einer der Aspekte der Arbeit, die sich zu einem bestimmten Bewusstseinsniveau entwickelten.

In diesem Zusammenhang wird verständlich, warum die paläolithische Kunst dem Tier so viel Aufmerksamkeit schenkt und dem Menschen relativ wenig. Es zielt in erster Linie darauf ab, die äußere Natur zu verstehen. Während Tiere bereits gelernt haben, bemerkenswert realistisch und anschaulich darzustellen, werden menschliche Figuren fast immer in einer sehr primitiven, einfach ungeschickten Weise dargestellt – mit Ausnahme einiger seltener Ausnahmen, wie den Reliefs von Lossel.

1 6. Frau mit Horn. Jäger. Reliefs aus Loselle (Frankreich, Département Dordogne). Kalkstein. Höhe ca. 0,5 m. Jungpaläolithikum, Aurignacium-Zeit.

Indem der Mensch die Figur eines Tieres zeichnete, „beherrschte“ er das Tier gewissermaßen wirklich, da er es kannte, und Wissen ist die Quelle der Beherrschung der Natur. Die lebenswichtige Notwendigkeit figurativen Wissens war der Grund für die Entstehung der Kunst. Aber unser Vorfahre verstand diese „Meisterschaft“ im wahrsten Sinne des Wortes und führte magische Rituale rund um die von ihm angefertigte Zeichnung durch, um den Erfolg der Jagd sicherzustellen. Er dachte auf fantastische Weise über die wahren, rationalen Motive seines Handelns nach. Es ist zwar sehr wahrscheinlich, dass visuelle Kreativität nicht immer einen rituellen Zweck hatte; Hier spielten natürlich auch andere Motive eine Rolle, die oben bereits erwähnt wurden: die Notwendigkeit des Informationsaustauschs usw. Es lässt sich jedoch kaum leugnen, dass die meisten Gemälde und Skulpturen auch magischen Zwecken dienten.

Die Menschen begannen viel früher, sich mit Kunst zu beschäftigen, als sie einen Begriff von Kunst hatten und viel früher, als sie ihre wahre Bedeutung und ihren wahren Nutzen verstehen konnten.

Während die Menschen die Fähigkeit beherrschten, die sichtbare Welt darzustellen, erkannten sie auch nicht die wahre soziale Bedeutung dieser Fähigkeit. Ähnliches geschah mit der späteren Entwicklung der Wissenschaften, die sich ebenfalls nach und nach aus der Gefangenschaft naiver fantastischer Ideen befreiten: Mittelalterliche Alchemisten suchten nach dem „Stein der Weisen“ und verbrachten jahrelange harte Arbeit damit. Sie fanden nie den Stein der Weisen, sammelten aber wertvolle Erfahrungen bei der Untersuchung der Eigenschaften von Metallen, Säuren, Salzen usw., die den Weg für die spätere Entwicklung der Chemie bereiteten.

Bereits die Arbeitsprozesse, die mit der Herstellung von Werkzeugen verbunden sind und die, wie wir wissen, viele Jahrtausende früher als die Berufe des Zeichnens und Modellierens begannen, haben das ästhetische Urteilsvermögen des Menschen gewissermaßen vorbereitet, ihn das Prinzip der Zweckmäßigkeit und Übereinstimmung gelehrt Form zum Inhalt. Die ältesten Werkzeuge sind nahezu formlos: Es handelt sich um einseitig und später beidseitig behauene Steinstücke: Sie dienten unterschiedlichen Zwecken: zum Graben, zum Schneiden usw. Mit der Zeit wurden die Werkzeuge je nach Funktion immer spezialisierter (spitze Spitzen). (Schaber, Messer, Nadeln) erhalten sie eine definiertere und einheitlichere und damit elegantere Form: In diesem Prozess wird die Bedeutung von Symmetrie und Proportionen erkannt und der Sinn für die richtigen Proportionen entwickelt, der in der Kunst so wichtig ist . Und als Menschen, die die Effizienz ihrer Arbeit steigern wollten und die lebenswichtige Bedeutung einer zielgerichteten Form schätzen und spüren lernten, sich der Übertragung komplexer Formen der Lebenswelt näherten, konnten sie Werke schaffen, die bereits ästhetisch von großer Bedeutung waren und effektiv.

In zahlreichen Bildern von Hirschen und Damhirschen haben primitive Künstler die schlanken Figuren dieser Tiere, die nervöse Anmut ihrer Silhouette und die sensible Wachsamkeit, die sich in der Drehung des Kopfes, in den gespitzten Ohren und in den Biegungen widerspiegelt, sehr gut zum Ausdruck gebracht den Körper, wenn sie zuhören, um zu sehen, ob sie in Gefahr sind. Da die Menschen mit erstaunlicher Genauigkeit sowohl den beeindruckenden, mächtigen Bison als auch die anmutige Hirschkuh darstellten, konnten sie nicht umhin, genau diese Konzepte zu assimilieren – Stärke und Anmut, Rauheit und Anmut – obwohl sie vielleicht immer noch nicht wussten, wie sie sie formulieren sollten. Und ein etwas späteres Bild einer Elefantenmutter, die ihr Elefantenbaby mit dem Rüssel vor einem Angriff eines Tigers schützt – deutet das nicht darauf hin, dass der Künstler begann, sich für etwas mehr als nur das Aussehen des Tieres zu interessieren, was er war? Die genaue Betrachtung des Lebens der Tiere und ihrer verschiedenen Erscheinungsformen erschien ihm interessant und lehrreich. Er bemerkte berührende und ausdrucksstarke Momente in der Tierwelt, Manifestationen des mütterlichen Instinkts. Mit einem Wort, die emotionalen Erfahrungen eines Menschen wurden zweifellos bereits in diesen Phasen seiner Entwicklung mit Hilfe seiner künstlerischen Tätigkeit verfeinert und bereichert.

4. Malerische Bilder an der Decke der Altamira-Höhle (Spanien, Provinz Santander). Generelle Form. Jungpaläolithikum, Magdalénienzeit.

Wir können das Paläolithikum nicht ablehnen Bildende Kunst und in der entstehenden Fähigkeit des Layouts. Zwar sind die Bilder an den Wänden der Höhlen größtenteils zufällig angeordnet, ohne richtige Korrelation zueinander und ohne den Versuch, den Hintergrund oder die Umgebung wiederzugeben (zum Beispiel das Gemälde an der Decke der Altamira-Höhle. Aber wo? Die Zeichnungen wurden in eine Art natürlichen Rahmen gelegt (z. B. auf Hirschgeweihen, auf Knochenwerkzeugen, auf den sogenannten „Führerstäben“ usw.), sie passen recht geschickt in diesen Rahmen Sie haben eine längliche Form, sind aber ziemlich breit. Auf schmaleren sind oft skulpturale Bilder von Tieren oder Tieren angebracht einige Werkzeuge, und in diesen Fällen erhalten sie Posen, die für das jeweilige Tier charakteristisch sind und gleichzeitig in der Form an den Zweck des Griffs angepasst sind. Hier werden also die Elemente der zukünftigen „angewandten Kunst“ geboren unvermeidliche Unterordnung feiner Prinzipien unter den praktischen Zweck des Gegenstandes (Abb. 2 a).

2 6. Eine Herde Hirsche. Schnitzerei eines Adlerknochens aus der Grotte des Rathauses in Tayges (Frankreich, Département Dordogne). Jungpaläolithikum.