Der Ehrenbürger der Region Swerdlowsk, Künstler Vitaly Volovich, ist verstorben. Zuletzt feierte der legendäre Künstler seinen 90. Geburtstag. Volovich war ein langjähriger Freund und Experte von UR, ein häufiger Gast thematischer Diskussionen und runder Tische. Dieses Interview wurde während eines der Treffen geführt.

Vitaly Volovich ist der Stolz von Jekaterinburg, talentiertester Künstler, Grafiker, ordentliches Mitglied der Russischen Akademie der Künste, dessen Werke in präsentiert werden Tretjakow-Galerie, das Puschkin-Museum, die größten Galerien und Museen in Europa. Er ist fast 90, aber jugendlich lustig und frech: „Ich bin ein ganz moderner Typ.“ Jeden Tag verbringt Vitaly Mikhailovich 10 Stunden in seiner Werkstatt. Sein Alter schämt ihn ein wenig: „Er hat bereits das Ende seines Lebens erreicht, es ist irgendwie seltsam.“ Das Gleiche wie beim Denkmal zu Lebzeiten. Es war einfach und angenehm, mit ihm zu reden. Selbst in traurigen Dingen findet Volovich immer einen Grund, Witze zu machen und eine lustige Geschichte zu erzählen.

Die Journalistin und Schriftstellerin Klavdiya Filippova brachte ihren vierjährigen Sohn Vitalik aus der fernen fernöstlichen Stadt Spassk nach Swerdlowsk.

„Vielleicht gehöre ich zu den wenigen, die absolut nichts über meine Vorfahren wissen.“ „Ich bezweifle sogar, dass ich sie hatte“, sagt Volovich. „Mama verlor sehr früh ihre Eltern, lebte bei ihrer Tante in Nerchinsk und zog dann nach Spassk, wo sie ihren zukünftigen Vater traf, der erklärte: „Entweder ich oder das Kind.“ Sie entschied sich für ein Kind und landete 1932 in Swerdlowsk. Meine Mutter fragte mich, ob ich etwas über meinen Vater wissen wollte. Ich sagte stolz nein.

1937 veröffentlichte Claudia Wladimirowna Filippowa ihr erstes Buch „Im Gymnasium“. Leonid Dikovsky inszenierte es in seinem Theater im Pionierpalast. Das nächste „Between People“ – über den einfachen Schriftsteller Reshetnikov – wurde in Moskau veröffentlicht. Der Stiefvater des Jungen war der Schriftsteller und Literaturkritiker Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow.

„Zu Hause gab es eine erstaunliche Bibliothek; im Flur standen Schränke mit matt glänzenden Goldeinbänden: Veröffentlichungen von Brockhaus und Efron, ein sechsbändiger Shakespeare-Band mit Illustrationen von Sir Gilbert, die Geschichte der Kreuzzüge“, erinnert sich Volovich. „Und alle diese Bücher waren wunderbar illustriert.“ Ich war sehr fasziniert von einem der Klassiker der Shakespeare-Illustration, Sir Gilbert, dem Federzeichner Doré und natürlich Picasso. Ich bin in dieser Atmosphäre aufgewachsen und habe mich später der Buchgrafik zugewandt. Die Geschichte ist wirklich tragisch. Bald begann der Krieg, meine Mutter hatte Militärdystrophie, sie war unglaublich schwer krank, dann entwickelte sich daraus eine schreckliche Form der Tuberkulose. Unsere Wohnung befand sich in einem Holzhaus unweit der heutigen Mamin-Sibiryak-Straße, die Fenster waren zu Beginn des Krieges mit Vorhängen versehen. Mama fror furchtbar, es gab kein Brennholz, und mein Stiefvater, ein Universitätsprofessor, und ich gingen zum Bahnhof Shartaschskaja, wo Kohle angeliefert wurde. Wir warteten auf die Dunkelheit und krochen zu einem großen Haufen, der Wachposten mit der Waffe ging in die andere Richtung, und während er weg war, schaufelten wir diesen Kohlenstaub in unsere Taschen, um nach Hause zu kommen und den Ofen anzuzünden. Dann kam ein Mann mit einem Gewehr zurück, wir erstarrten ... Eines Tages beschloss ich zu stehlen und nahm einen Baumstamm von einem Holzstapel im Hof. Mama, dünn und furchteinflößend, stützte sich auf dem Ellenbogen auf das Bett und lieferte mir eine unvorstellbare Showdown, weil ich etwas genommen hatte, das mir nicht gehörte. Als ich mit 12 Jahren gezwungen wurde, diesen Baumstamm mit nach Hause zu nehmen, war das eine wichtige Lektion fürs Leben. Dann kamen sehr schwierige Zeiten, die Kälte war verrückt. Die Kriegswinter waren sehr hart. Wir mussten die Veröffentlichungen von Brockhaus und Efron nutzen – es ist beängstigend zu sagen –, um den Dickbauchofen zum Schmelzen zu bringen. Und wir sahen, wie Blätter mit Illustrationen von Doré, Sir Gilbert und anderen im Ofen verschwanden. Dies ist eine der tragischsten Kindheitserfahrungen.

Vitaly Mikhailovichs Mutter arbeitete als Literaturberaterin beim Ural Worker und beantwortete Briefe und Gedichte, die ihr geschickt wurden. Eines Tages zeigte sie ihrem Sohn lachend ein Gedicht über den Flug zweier Hunde ins All. Das Gedicht begann mit den Worten: „Zwei sowjetische Hunde sind aus dem Weltraum zurückgekehrt“...

— Wir hatten einen Tag der offenen Tür. - erinnert sich der Künstler. — Die gesamte Schriftstellergemeinschaft versammelte sich, darunter Pawel Petrowitsch Baschow und Marietta Sergejewna Schaginjan, die hier in der Evakuierung lebten. Es herrschte Krieg, und alle Gäste brachten ein wenig Eipulver mit, meine Mutter warf alles in eine Pfanne, übergoss es mit Wasser und in der Pfanne landete ein riesiger gelber Pfannkuchen. Die Gäste brachten Alkohol und schrecklichen Mondschein mit. Alle hatten Hunger und betranken sich sofort... Ich, die Kleine, ging spazieren und lauschte. Später, als ich in einem Verlag arbeitete, entwarf ich Bücher für fast alle Ural-Autoren, darunter Bazhov, Bondin, Naiditsch ...

Veranlagt für Tragödien. ...Aber auch ein Witz!

— Sie haben einmal gesagt, dass ein Künstler sich selbst zum Verhängnis wird. Fast alle Ihrer Werke enthalten eine Art Tragödie. Auch in Landschaften. Können wir dies als Ihre Individualität betrachten?

- Vielleicht. Nehmen wir an, ein Mensch wird geboren und singt nur als Tenor und nur lyrische Stimmen oder umgekehrt als Bass. Es gibt Menschen, die zu Freundlichkeit, Selbstaufopferung und sogar einer laufenden Nase neigen. Ich bin für Tragödien anfällig. Wenn das Wetter im Freien schön ist, die Sonne scheint, der Himmel blau ist, male ich ohne jegliche Inspiration. Aber wenn ein Gewitter aufzieht, ein Sturm weht, der Wind weht, spüre ich eine wilde innere Erweckung, ich finde es interessant. Drama ist immer interessanter, weil es mit Grenzempfindungen verbunden ist. Mit Skizzen kann es lustig sein. Ich erinnere mich, dass ich einen verbrannten Hügel in der Nähe des Sees auf Tavatui gezeichnet habe. Darauf liegen weiße Baumstümpfe, die vor langer Zeit abgeholzt wurden und weiß wie Knochen sind. Ich erstelle ein Bild, male mit schwarzer, brauner und weißer Farbe. Ein Mann kommt auf mich zu und bleibt lange hinter mir stehen. Sein Schweigen ist schwer. Ich drehe mich um und er sagt zu mir: „Mensch, was machst du, der Himmel ist blau!“ Ich sage: „Ja, ich habe keine blaue Farbe…“. „Ahhh…“, antwortet er. So haben wir ein gegenseitiges Verständnis aufgebaut. Ich erklärte ihm die Seltsamkeit.

Wenn man in der Natur zeichnet, erhält man im Allgemeinen wunderbare Kommentare! Eines Tages kam in Kourovskaya Sloboda ein alter Mann mit einem Stock auf mich zu. Er blieb stehen und stand lange da: „Ich wünschte, ich könnte als alter Mann so etwas lernen: Wenn ich nur länger leben könnte... - Warum länger?“ - Ich frage. - Wie lange wird es dauern, mich niederzumähen? Und einfach so mit einem Pinsel, schirk-schirk, und du siehst, es funktioniert.“

Einmal schrieben meine Freundin Lesha Kazantsev und ich damals über Swerdlowsk. Zwei Mädchen, etwa 17 Jahre alt, kamen auf uns zu und dachten, ohne auf uns zu achten: „Wow, Männer in diesem Alter trinken Wodka und liegen herum wie Schweine.“ Und diese zeichnen. Immer noch besser.

Die Kommunikation mit dem Betrachter ist sehr interessant. Lesha war Akademikerin, ich zeichnete freier. Die Jungen kamen, einer von ihnen sagte und zeigte auf Lesha, dass dies richtiger sei, aber dieses (zeigte auf mich) interessanter sei.

— Brusilovsky hat einmal geschrieben, dass Sie es lieben, Frauen zu gefallen, und dass sie Sie vor allem mögen. Wie haben weibliche Zuschauer Ihre Folge „Women and Monsters“ bewertet?

— Im Gästebuch schrieb einer: „Ich verlasse die Ausstellung dreckig und schmutzig“, der zweite: „Der Künstler ist meiner Meinung nach einfach ein Sexwahnsinniger.“ Aber es gab eine Frau, die schrieb, dass ihr die Folge „Frauen und Monster“ am besten gefallen habe. „Was für ein Nervenkitzel, was für ein Mann!“ Ich war sehr stolz.

Vor vielen Jahren hatte ich eine Grafikausstellung in der Kasli-Casting-Halle der Tscheljabinsker Kunstgalerie. Und ein Zuschauer schrieb: „Lieber Genosse Wolowitsch, deine Grafik hat mir sehr gut gefallen, aber dein Kasli-Casting hat mir noch besser gefallen.“ (lacht - Yu.G.).

Eines Tages erschien folgender Eintrag: „Lieber Genosse Wolowitsch, ich habe Ihre Arbeit mit großem Interesse betrachtet und hatte den ernsthaften Wunsch, mit Ihnen zu sprechen. Ich lebe in Moskau, die Adresse und die Telefonnummer sind so und so.“ Unterschrift unten: Psychiater so und so. Oder jeden Tag: „Mascha und ich lieben uns, und deshalb hat uns Ihre Ausstellung sogar gefallen.“ Das Gästebuch ist absolut schön. Rückkopplung!

- Jetzt ist niemand mehr da. Früher wollte ich unbedingt Cyrano de Bergerac und Macbeth machen. In seiner Jugend - Grün. Aber es ist nicht passiert. Ich hatte Glück, „Das Märchen von Igors Feldzug“, „Der Roman über Tristan und Isolde“, „Richard III“ – alles waren kreative Anfragen und mit Zustimmung des Verlags. Früher war die Interpretation künstlerischen Materials eine Möglichkeit, die eigene Weltanschauung auszudrücken, all die „Kekse“ in der Tasche. Es ist klar, dass Richard III. ein Protest gegen die totalitäre Macht war. Über „Egmont“ gab es eine Rezension in der Zentralpresse, in der es hieß: „Der Künstler kümmert sich nicht viel um Goethe, er verwirklicht seine Vorstellungen von der Unfreiheit.“ Heutzutage interessieren sich nur wenige Menschen für die Interpretation eines literarischen Werkes. Es sind lebendige Bühneninterpretationen entstanden, die Künstler bei weitem nicht erreichen. Und so neuer Typ ein Buch, in dem ich auf einer Stufe mit einem literarischen Autor stehe. Das ist unglaublich spannend und geschieht erst, wenn ein gewisses Maß an Arbeit angesammelt wurde und umgesetzt werden muss.

Künstler und Alter

„Ich bin so an Bücher gewöhnt, dass ich mich einsam fühle, wenn keine Bücher herauskommen.“ - Er stimmt zu. —Die bösartige Angewohnheit, Bücher zu machen. Nun mache ich mir Sorgen, dass es nicht möglich ist, „Ship of Fools“ zu veröffentlichen... (das Buch erschien einige Monate nach dem Interview – im Herbst 2016 – Anmerkung der Redaktion). Die Orestie hat eine schwierige Geschichte. Ich habe es 1989 gemacht, es war eine Bestellung bei einem Verlag. Das Buch wurde nie veröffentlicht; es existiert als Staffeleiblatt. In der Zwischenzeit möchte ein Künstler, der ein bestimmtes Alter erreicht, sich wirklich bis an die Grenzen verwirklichen, was für eine Kuriosität! Die Geschichte der Beziehung des Künstlers zum Alter ist tragisch. In der Regel entstehen Arbeiten, für deren Fertigstellung der Künstler keine Zeit hat. Erinnern wir uns an die Geschichte von Korin, der sein ganzes Leben damit verbrachte, einen Sketch für „The Passing Rus“ zu schreiben, ihn aber nie fertigstellte. Gena Mosin, die „Das Märchen vom Ural“ gemacht hat, bereitete eine riesige Leinwand vor, die Zeichnung wurde in Zellen übersetzt, aber nicht fertiggestellt. Es gibt viele solcher Beispiele. Und da ich mir ein bisschen vorstellen kann, dass „Ship of Fools“ das wichtigste Buch für mich ist, möchte ich es unbedingt veröffentlichen. Für mich ist das die Umsetzung der wichtigsten Ideen. In gewisser Weise eine Synthese dessen, was ich im Laufe meines Lebens getan habe.Ich verstehe, dass sich die Situation geändert hat und dass das, was für mich interessant ist, für die meisten Zuschauer möglicherweise nicht sehr interessant ist. An ihre Stelle tritt eine völlig andere Generation von Künstlern mit anderen Ideen und Idealen. Die figurative Kunst weicht der situativen Kunst – Installationen, Artefakten.Es kommt zu einem Orientierungs- und Interessenwandel. Was zu aussagekräftigen Grafiken gehört, interessiert die wenigsten.

— Das Buch gehört der Vergangenheit an. Gibt es noch etwas aus der Vergangenheit, Gewohnheiten, Eigenschaften, was tut dir leid? Manche Menschen wünschen sich mehr handgeschriebene Briefe. Posner bedauert, dass die Intelligenz nicht mehr existiert, sie hat sich aufgelöst...

- Das ist alles wahr. Ich lebe länger als meine „Überlebenszeit“ (ungefähr 12 Jahre), ich habe den Staat stark getäuscht, ich bin in das Territorium eines anderen eingetreten. Ich empfinde eine gewisse Unangemessenheit und vertraue vor allem auf diejenigen, die ebenfalls ihre Überlebenszeit überschritten haben und meine Ansichten teilen. Ja, der Künstler ist sich selbst zum Verhängnis. Natürlich ist die einzige Voraussetzung für eine echte künstlerische Existenz Aufrichtigkeit. Wir haben in dem Sinne einen seltsamen Beruf in einem größeren Ausmaß Je egoistischer ein Künstler ist, desto wahrscheinlicher ist es, dass er für jemanden interessant ist. Soziologen sagen, dass ein Künstler Nachfrage und Trends studieren sollte, aber ich denke, das alles ist nicht nötig. Ein Künstler muss ein absoluter Egoist sein und auf allen ihm zur Verfügung stehenden Arten nur sich selbst ausdrücken und versuchen, sich selbst zu befriedigen. Das ist keine Arroganz, das geschieht aus Hoffnungslosigkeit. Wenn ich etwas berücksichtige und nach durchschnittlichen statistischen Möglichkeiten suche, um den Betrachter zufrieden zu stellen, bedeutet das, dass ich einfach für niemanden interessant sein werde.

-Sie sagten, dass es nichts gab Bessere Arbeit mit toten Autoren - Konflikte gab es weder mit Cervantes noch mit Shakespeare. Gab es irgendwelche Arbeiten zur Widerstandsfähigkeit des Materials, die Sie nicht durchführen wollten oder die Ihnen nicht gefielen?

— Nach dem Kunststudium hatte ich einen Ruf als Maler. Alle meine Kindheitseindrücke von Büchern waren vergessen, ich reiste mit einem Skizzenbuch und schrieb. Dann, im Alter von 48 Jahren, starb meine Mutter, sie hatte eine riesige Schuld, die ich abbezahlen musste. Muss mich zwingen. Der Freund meiner Mutter, Alexander Solomonovich Ass, Produktionsleiter im Swerdlowsk-Verlag, schlug mir vor, Illustrationen für den Text der Geschichte „Suworowez“ aus der Zeitschrift „Fighting Guys“ anzufertigen. Ich habe mich sehr bemüht, es war peinlich, dem Vertrauen nicht gerecht zu werden. Und ich habe diese Zeichnungen 13 Mal der freundlichsten Person zu mir gebracht! Und er klagte zum 13. Mal und sagte: Nun ja, es ist schlimm, aber es gibt keinen Ausweg. Also habe ich mir eine Geschichte ausgedacht. Es war schrecklich. Ich habe mir geschworen, nie wieder in die Nähe des Verlagshauses zu kommen. Irgendwo im Atelier gibt es diese Zeichnung: Partisanen sprengen einen Zug und Kinder formen eine Schneefrau. Es ist eine schreckliche Sache. Wenn ein junger Künstler mit diesem und Zeichnungen zu mir käme, würde ich ihm raten, sich beispielsweise mit der Bienenzucht zu beschäftigen ...

Jahre vergingen und ich verbrachte anderthalb Jahrzehnte als Tagelöhner in einem Verlag. Ich habe Reiseführer und Zeitschriften erstellt. Prishvins „Pantry of the Sun“ wurde schicksalhaft. Ich habe diese Zeichnungen mit wahnsinniger Liebe gemacht. Er zeichnete Krähen, Heuhaufen und die Natur aus dem Leben. Das Buch erschien und ganz unerwartet kam ein Dankesbrief von Prishvin. Er schrieb, dass meine Illustrationen für sein Buch die besten seien. Dann besuchte ich sogar sein Haus in der Lavrushinsky Lane. Viel später ging meine Enkelin in die 5. Klasse und sie gingen durch die „Speisekammer der Sonne“. Gerade kam ein Journalist aus dem Uralski zu mir und bat um Prishvins Brief. - Großvater, kannten Sie Prishvin?! - fragte die Enkelin. — Ich habe Illustrationen für sein Buch gemacht. - Ich antwortete. - Sie kannten ihn also persönlich? - Anyas Augen weiteten sich. - Großvater, kanntest du auch Puschkin?

Es gab auch eine lustige Geschichte mit „lebenden“ Autoren. Der Dichter Stepan Shchipachev kam hierher, und da ich beim Verlag bereits einen Ruf als Landschaftsmaler hatte, wurde mir angeboten, sein Buch „Birkensaft“ zu machen. Ich dachte, es geht um die Natur. Shchipachev lud mich ein, seine Verwandten zu besuchen, es gab Knödel und Wodka. Dann begann er, Kapitel aus Birch Sap zu lesen. Allmählich wurde ich nüchterner, denn es war ein Buch über revolutionäre 1. Mai-Treffen, über Steinzelte, in denen sich Revolutionäre versammelten. Und es war schrecklich. Auf dem Rückweg murmelte ich etwas, ich erklärte, warum ich nicht konnte...

ÜBER FORMALISMUS

- Sie nennen dich einen Sechziger-Jahre-Mann. Fühlen Sie sich wie einer?

— Natürlich ja, zumal es in den 60er Jahren war, als all diese Formalismusvorwürfe aufkamen. Alles begann mit Mischa Brusilovsky. Ich eilte ihm auf allen Ebenen zu Hilfe, Gena Mosin malte sogar ein romantisches Porträt von mir: Ich stehe in einem schwarzen Pullover, mit Wurzeln und einem Don-Quixote-Plakat rundherum. Während einer der Arbeitssitzungen stand der Herausgeber eines Buchverlags auf und sagte, man solle Brusilovsky in Ruhe lassen und sich um seine Anwälte kümmern. Und sie haben sich um mich gekümmert. Darüber machte ich mir große Sorgen... Gleichzeitig erhielten wir ab den 50er Jahren Diplome bei gewerkschaftsweiten Wettbewerben. Beim nächsten Wettbewerb zeichnete die Kommission mein Buch „The Defeated Whale“ aus. Maltesisches Märchen“-Diplom, das wegen Formalismus annulliert wurde. Im nächsten Jahr wurde das Diplom auch der neu verliehenen „Malachit-Box“ entzogen. Der Jury gehörte der Künstler Dementy Shmarinov an, der über diese Tatsache empört war. Später, bei einer Sitzung im Regionalkomitee, fragte der Vorsitzende Ermash immer wieder, ob es wahr sei, dass ich formalistische Künstler mochte. Ich gab zu, dass ja, und dass mir auch das polnische Poster gefiel. Sie gaben mir keine Arbeit mehr und ich wurde gezwungen, nach Moskau zu gehen. Dort erhielt ich sofort eine Bestellung für „Song of the Falcon“ und „Song of the Petrel“. Es war Zeit für eine Neubewertung revolutionäre Ideale. Stalin hatte bereits einen entsprechenden Ruf, aber Lenin, die Revolution und die Zeltspiele strahlten noch eine Aura der Heiligkeit aus. Später erhielt ich bei einem Wettbewerb in Leipzig eine Silbermedaille für die „Schottische Ballade“ und in Moskauer Verlagen veröffentlichte ich „Richard III“ und „Isländische Sagas“. Das Leben hat sich verändert. Kampagnen haben also eine Kehrseite, und das war ein Segen für mich.

ÜBER DIE PRIORITÄT KOMFORTABLER KUNST und die Fähigkeit zum „Waschen“

— Wie kann ein Künstler heute leben, wenn man einerseits mit sich selbst im Einklang sein und andererseits Geld verdienen muss? Wie vermeidet man den Abstieg in Konsumgüter?

„Heute herrscht absolute Freiheit; man kann schreiben, was man will. Eine andere Sache ist, dass es niemand braucht. Alle Kunstwerke wurden überarbeitet, vor allem aber die bildende Kunst. Die Welt ist voller visueller Bilder – Fernsehen, Presse, Hochglanzmagazine. Um seinen Platz zu finden, muss ein Künstler sich von der visuellen Wahrhaftigkeit lösen und seine eigene, komplexere Methode erfinden, um das, was er sieht und fühlt, wiederzugeben. Dies bringt eine Komplikation der Sprache mit sich. Und - völlige Gleichgültigkeit des Betrachters. Daher ist der Künstler nun sich selbst überlassen, der Staat beteiligt sich daran nicht. Es gibt eine Geschichte aus dieser Zeit Französische Revolution. Der Künstler Gustav Curbe war ein sehr gewalttätiger Mensch, beteiligte sich am Sturz der Vendôme-Säule, ließ sich dann aber nieder und wurde gegen Ende seines Lebens mit dem Orden der Ehrenlegion ausgezeichnet. Er verzichtete feierlich auf den Befehl und verfasste eine Notiz in der Zeitung, die insbesondere folgende Worte enthielt: „Der Staat wird seine Pflicht gegenüber der Kunst dann erfüllen, wenn er jede Sorge um sie aufgibt.“ Wir dachten: Herr, ohne Zensur... das ist Glück! Diese Zeiten sind gekommen, der Staat hat es aufgegeben, sich um uns zu kümmern, und wir werden nicht in die Hände der Elite, sondern in die Hände von Menschen gegeben, die plötzlich reich geworden sind. Sie haben ihre eigenen Geschmäcker und Vorlieben. Und die wirtschaftliche Abhängigkeit des Künstlers von der Existenz in dieser Schicht ist um ein Vielfaches demütigender und schlimmer als jede Zensur, weil die Zensur umgangen werden könnte. Es implizierte Metaphern, den Mangel an direkter Sprache und Umwege. Manchmal kam dies der Kunst zugute. Jetzt wählt ein Mensch, der die Mittel dazu hat, das, was ihm gefällt: Mach mich schön. Der Künstler wurde Polsterer und Innenarchitekt Seiner Majestät in den Häusern reicher Leute. Das Bedürfnis nach der Individualität des Künstlers ist verschwunden. Früher, selbst in den schrecklichsten Zeiten, galt ein Künstler als derjenige, der seine Einstellung zur Welt zum Ausdruck brachte. Das ist jetzt nicht nötig. Es muss schön und bequem gemacht werden. Ich erinnere mich, dass ein Galerist aus Toulouse hierher kam, ich begleitete ihn und kommentierte die Gemälde. Und im Atelier von Vitya Reutov, einem wunderbaren Meister eines hyperrealistischen Stils, sagt der Galerist: „Das ist alles wunderbar, aber warum ist es dort immer bewölkt?!“ Sonnige Landschaften sind gefragt, bequeme Kunst. Kunst ist degeneriert und dient nur noch der Dekoration von Innenräumen. Drama, Konfliktkunst, kreative Individualität jetzt nicht nötig. Junge talentierte Männer wachsen in einer Atmosphäre auf, in der sie darauf bedacht sind, einen Kunden zu haben und das zu tun, was in Mode und gefragt ist. Und das ist natürlich ein schwerer Schlag für die bildende Kunst; wird sie sich erholen? In unserem Land verdienen heute wie im Westen nur wenige Künstler Geld dank ihres Ruhms und Status, alle anderen – durch Design, Verlagswesen, Lehre oder angewandte Kunst. Um das tun zu können, was Ihnen Spaß macht, benötigen Sie ein zusätzliches Einkommen.

Warteschlangen für Kunst

— Das Phänomen der Warteschlangen für Kunst. Was denkst du darüber?

— Ich würde gerne darüber nachdenken, ein Interesse für Kunst zu entwickeln. Aber ich erinnere mich, dass die Warteschlange bei Glasunows Ausstellung nicht kleiner war, ganz im Gegenteil. Dabei handelt es sich um ein Interesse an klassischer Kunst, das durch einen Hunger entsteht, der im Betrachter entsteht, weil Künstler keine Objekte schaffen. Und sie schaffen Interpretationen. Es waren sehr viele junge Leute auf der Ausstellung im Iset Hotel, aber ich denke, die Erklärung dafür liegt in der Mode. Durch den Besuch der Ausstellung erlangen Sie den Status eines fortschrittlichen, modernen Menschen, Sie gehören zur Elite. Bei Serov besteht wahrscheinlich eine Sehnsucht nach echter Kunst. Natürlich gibt es hier eine Art Massenhypnose, aber es gibt einige Leute, die wirklich daran interessiert sind.

— Wo verläuft die Grenze zwischen moderner Kunst und der Substanz, die angeblich Künstler schaffen?

- Es ist gelöscht. Zeitgenössische Kunst erhebt weder den Anspruch, ein Objekt zu schaffen, noch ist sie ein Nachfolger der bildenden Kunst. Sie haben sogar eine Formulierung: „Jenseits der Handarbeit.“ Das sind intellektuelle Erfindungen, eine Art der Interpretation. Auf der Biennale gab es eine Nachbildung der Klagemauer, wo anstelle von Zetteln an den Herrn Geldscheine gestopft wurden. Es war aufrührerisch, aber merkwürdig: Die Verbindung mit Gott wurde durch Eigennutz ersetzt. Das ist Kunst, die in den Bereich des Intellektuellen vorgedrungen ist. Die figurative Kunst rückt zunehmend in den Bereich der klassischen Kunst. Und in geringerem Maße drückt es die Beziehungen und Probleme aus, die in der modernen Gesellschaft auftreten. Darüber hinaus erfolgt aufgrund des Verlusts seiner wahren Bedeutung der Übergang zu einer kommerziellen Form, die für niemanden außer den Eigentümern des Innenraums von Interesse ist. Es gibt immer talentierte Interpretationen und es gibt mittelmäßige. Dasselbe gilt auch für Theaterstücke. Neulich habe ich Wachtangows „Eugen Onegin“ gesehen. Eine sehr talentierte Regieinterpretation. Ich habe auch „König Lear“ von Regisseur Butusov gesehen. Die gesamte Aufführung besteht aus einer überspannten Reihe von Regie-Erfindungen; Shakespeare erleidet Verluste. Es gibt kein Wort der Einfachheit! Ständig gibt es Metaphern, Rätsel, die gelöst werden müssen. Wenn sie talentiert sind, ist es interessant, wenn nicht ... In unserer Oper kommt Onegin auf einem Motorroller zu den Larins. Ich habe eine gute Einstellung zum Opernhaus; es bedarf mehr als andere einer Reform. Und so singt Lensky „Ich liebe dich, Olga!“, und er, entschuldige, berührt sie wie einen Jungen in der letzten Reihe des Kinos. Ich habe kein Verständnis dafür. Ich habe mir auch „A Vain Precaution“ angesehen. Die Kulisse wurde von einem Künstler des Bolschoi-Theaters gemalt und es wurden Motive von Van Gogh verwendet. Ich war erstaunt. Der einzige Zusammenhang besteht darin, dass die Handlung in der Provence spielt, die Van Gogh gemalt hat. Er hat dieses Gefühl von Schmerz, Tragödie. Und dann öffnet sich im zweiten Akt der Vorhang und wir sehen Van Goghs „Billardzimmer“, den Ort, an dem Selbstmord begangen wird, das ekstatischste und unheimlichste Gemälde des Künstlers. Vor dem Hintergrund einer pastoralen Pastoral? Dem künstlerischen Eigenwillen sind Grenzen gesetzt. Die Vision des Regisseurs sollte einige Momente der Handlung beleuchten, aber nicht eine aufdringliche Demonstration der Präsenz des Regisseurs in jedem Teil der Aufführung sein. Obwohl ich ein völlig moderner Typ bin, weiß ich die Eigensinnigkeit des Regisseurs zu schätzen.

Über Familie und Alter

— Ist jemand aus Ihrer Familie in Ihre Fußstapfen getreten?

- Gott sei Dank, niemand. Die Enkelin ist Managerin und hat kürzlich einen Urenkel zur Welt gebracht. Enkel Zhenya arbeitete lange Zeit im Fernsehen, jetzt beschäftigt er sich mit Fotografie, er hatte eine Porträtausstellung im Haus des Kinos. Wer möchte seinen Beruf für seine Kinder oder Enkelkinder ausüben? Das ist ein zu schwieriger Beruf. Vielleicht ist es einfacher, als Sänger zu sein. Ein Künstler kann immer sagen: „So sehe ich das, ich werde nicht verstanden.“ Doch generell ist künstlerisches Arbeiten mit großer Geduld und Liebe verbunden. Um all diese Injektionen von Stolz, Ehrgeiz, Unzufriedenheit und Enttäuschung zu ertragen, müssen Sie Ihren Beruf nur sehr lieben. Meine Enkel sind gute Jungs. Mein Enkel hat mir eine Urenkelin geschenkt. Ich habe ein großes Set bekommen. Als Familie kommen wir selten zusammen. Ich hatte im Wesentlichen keine Verwandten, daher gibt es keine Tradition, sich am Familientisch zu versammeln. Aber der Enkel und die Enkelin kommen in die Werkstatt. Die Enkelin kocht Suppe, räumt auf... Wir sogar Neujahr Wir treffen jeden in unseren Unternehmen, das ist normal und selbstverständlich. Obwohl meine Beziehung zu Kindern am zärtlichsten ist, liegt das wahrscheinlich daran, dass ich weiß, wie ich mich nicht in ihr Leben einmischen darf. Im Allgemeinen denke ich, dass ein Großvater Kindern helfen, sie von Problemen befreien, alle möglichen Muscheln abkratzen sollte, die unwillkürlich kleben bleiben, und ihr Leben nicht beeinträchtigen sollte.

— Sie können in eine Ehrenreihe aufgenommen werden: Posner, Zhvanetsky, Shirvindt, Zeldin, endlich. Das sind jene Männer, die trotz ihres Alters ihre Attraktivität, auch für Frauen, einen gewissen Kern, nicht verloren haben. Wie machst Du das?

— Ich stelle mein Alter ein wenig zur Schau, ich behalte etwas Energie. Und ich habe mir einen Namen als örtlicher Stadtteil-Zeldin gemacht (lacht). Ich interessiere mich einfach sehr für die Arbeit. Das ist nicht mein Verdienst. Der Körper ist genetisch so aufgebaut, dass er vorerst durchhält. Aber manchmal kommt es vor, dass ein Mensch viel jünger aussieht, als er ist – was Energie und Intelligenz angeht – und dann kommt irgendwann die Zeit, in der er sich plötzlich und augenblicklich an sein Alter gewöhnt.Ich habe ein ziemlich kompliziertes Verhältnis zum Alter. Ich führe einen Lebensstil, der mit meinem Alter nicht vereinbar ist. Erinnern Sie sich an den Witz über zwei alte Männer, die über zwei Gefahren sprachen: Alzheimer und Parkinson. Parkinson ist vorzuziehen. Es ist besser, ein paar Tropfen aus einem Glas zu verschütten, als völlig zu vergessen, wo man die Wodkaflasche versteckt hat. Ich erinnere mich noch. Arbeit! Natürlich ist das eine Erlösung. Und der Workshop ist Wiederbelebung nicht im übertragenen Sinne, sondern im wahrsten Sinne des Wortes. Manchmal wacht man auf und denkt: Lasst alles vergeuden. Bald 90! Und dann kommt man zum Workshop, 10-15 Minuten, und das war's, ich arbeite 10 Stunden lang sehr aktiv. Die Arbeit hält mich am Laufen.

Vitaly Volovich wurde am 3. August 1928 in Spassk-Dalny, Region Primorje, in die Familie eines Schriftstellers geboren. Mutter, Claudia Vladimirovna Filippova (1902-1950) - Journalistin (zusammengearbeitet mit „Ural Worker“, „Ural Contemporary“, „Literary Almanac“), Schriftstellerin (Geschichten „In the Gymnasium“ (1938), „Between People“ (1940) ). Stiefvater Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow (1897–1975) – Schriftsteller, Literaturkritiker, Forscher der Ural-Literatur. 1932 zog die Familie nach Swerdlowsk.

Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 begann Wolowitsch mit dem Buchverlag Sredneuralsk zusammenzuarbeiten: Er entwarf die Cover der Bücher N. Kushtum „My Native Side“ (1953), B. Dizhur „Thoughts“ (1954), M . Pilipenko „Roads“ (1955) usw. Zu den auffälligsten Werken dieser Zeit gehören Illustrationen zu „The Pantry of the Sun“ von M. Prishvin, die der Autor selbst genehmigte: „The „Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male veröffentlicht verschiedene Länder, und in meinem Regal stehen „Pantries“ in allen Größen und Farben. Aber deines ist das Beste“

Die ersten Werke entstanden in der Technik der Federzeichnung, dann wandte sich der Künstler den Techniken des Linolschnitts, der Radierung, der Lithographie, der Buch- und Staffeleigrafik zu; In letzter Zeit verwendet sie Tempera, Aquarell und Gouache. Stilistische Originalität wird durch Ausdruckskraft, Ausdruckskraft der Linien und Schattierungen sowie den Wunsch nach Monumentalität bestimmt.

Wolowitsch wurde berühmt für seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur: „Das Märchen vom Feldzug Igors“, „Richard III.“, „Die Romanze von Tristan und Isolde“ und anderen Werken.

Seit 1952 nimmt Vitaly Volovich daran teil Kunstausstellungen Die ersten Werke wurden in Irbit (Gebiet Swerdlowsk) ausgestellt. 1956 wurde er in den Künstlerverband der UdSSR aufgenommen.

Die Werke von Vitaly Volovich befinden sich im Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin in Moskau, die Prager Nationalgalerie, die Mährische Galerie in Brünn, das Museum für moderne Kunst in Köln, das J. V. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg, Saratow, Nowosibirsk, Perm, die Staatliche Tretjakow-Galerie, das Staatliche Russische Museum von St. Petersburg usw.; in Privatsammlungen in Russland, Amerika, Deutschland, Frankreich, Israel, Österreich, Spanien usw.

Derzeit (2009) lebt und arbeitet Vitaly Volovich in Jekaterinburg.

Anerkennung und Auszeichnungen

• 1973 - Verdienter Künstler der RSFSR
• 1995 - Preisträger des G. S. Mosin-Preises
• 1999 – Gewinner des Gouverneurspreises Gebiet Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst
• 2005 - Goldene Medaille Russische Akademie der Künste für eine Reihe grafischer Blätter zur Tragödie des Aischylos „Orestie“
• 2007 - Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste
• 2007 - Ehrenbürger der Stadt Jekaterinburg
• 2008 - Die Skulpturengruppe „Bürger“ wurde in Jekaterinburg installiert. Gespräch“ mit Darstellung der drei berühmten Ural-Künstler Vitaly Volovich, Mikhail Brusilovsky und German Metelev
• 2008 - Ehrenbürger der Stadt Irbit

Sowie zahlreiche Medaillen und Diplome von Allrussischen, Allunions- und internationale Shows Buchkunst.

Schaffung

Fahrräder

• "Zirkus"
• „Frauen und Monster“
• „Mittelalterliche Geheimnisse“
• „Jerusalem“ (1995)
• „Jekaterinburg“ (1997)

Illustrationen

• „Die Geschichte von Igors Feldzug“
• „Orestie“ von Aischylos
• „Richard III“, „Othello“ von Shakespeare (1972. Radierung.)
• „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von J. Bedier (1972. Autolithographie)
• „Egmont“ von J. W. Goethe (1980)
• „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ von B. Brecht (1970. Radierung)
• Irische Sagen
• Geschichten von P. P. Bazhov

Literaturverzeichnis

Bücher und wissenschaftliche Sammlungen

• Butorina E. Vitaly Volovich // Buchkünstler: VAAP-Inform. M., 1981.
• Voronova O. Vitaly Volovich // Die Kunst der Bücher: 1972-1980. M., 1987. Ausgabe. 10. S. 169-181.
• Voronova O. Vitaly Volovich. Buchgrafiken. M.: Sov. Künstler, 1973. 140 Seiten, mit Abb.
• Golynets G., Golynets S. Vitaly Volovich // Sowjetische Grafiken, 78. M., 1980. S. 60-68.
• Gorbacheva N. „Oresteia“ von V. Volovich // Gorbacheva N. Auf der Palette der Erinnerung: Zeit. Künstler. Ausstellungen. Jekaterinburg, 1996. S. 42-43.
• Olshansky D.A. Jüdische Tradition in der Grafik von Vitaly Volovich // Ost – Russland – West. Weltreligionen und Kunst. St. Petersburg: Staatliche Eremitage, 2001. S. 131–134.
• Olshansky D.A. Bilder von Bertolt Brecht in der Grafik von Vitaly Volovich // Visuelle Kultur des 20. Jahrhunderts und Probleme moderner Bildung. Perm, 1999. S. 158–160.
• Sieben Jekaterinburger Künstler: Vitaly Volovich. Alexander Alekseev-Svinkin. Deutscher Metelev. Olga Shtukaturova. Wladimir Chursin. Michail Sazhajew. Yuri Filonenko / Comp., Design: V. V. Shtukaturov. Die Autoren werden teilnehmen. Kunst. G. S. Kholodova, A. V. Stepanov. Projektleiter Yu. A. Kukarskikh. Jekaterinburg: Promdesign, 1999. 127 S., mit Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: Probleme der Gestaltung der Weltbeziehungen (1950er – Mitte der 1960er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals: Sammlung. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1985. S. 107-121.
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: Phänomen kreative Reife(Mitte der 1960er – 1980er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals. Sa. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1988. S. 98-121.

Zeitschriftenveröffentlichungen

• Abelskaya R. Volovich // Vita. 1997. Nr. 10. S. 28-32.
• Volovich V. Mode und Freiheit // Ural. 1993. Nr. 5. S. 3-9.
• Voronova O. Ihre eigene Interpretation von Shakespeare // Kreativität. 1968. Nr. 8. S. 15-16.
• Golynets S. Vitaly Volovich // Literatur und Sie. M., 1977. Bd. 6. S. 213-216.
• Lebedeva V. Monumentalität der Grafik // Kunst. 1976. Nr. 6. S. 22-28.
• Neznansky L. Grafiken von Vitaly Volovich // Kunst. 1966. Nr. 7. S. 32-36.
• Tubin Ya. Es fliegen glühende Pfeile. Ural. 1984. Nr. 6.
• Tubin Ya. Serie von Staffeleistichen von V. Volovich basierend auf „The Tale of Igor’s Campaign“. Sowjetische Grafiken. Bd. 9. M., 1985. S.

Broschüren und Kataloge zu Ausstellungen

• Vitaly Mikhailovich Volovich: Sechzehn Reproduktionen / Enter. Kunst. L. Dyakonitsyna. L.: Künstler der RSFSR, 1975.
• Verdienter Künstler der RSFSR Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog [in Moskau] / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. S. V. Golynets. L. Künstler der RSFSR, 1977. 32 S., mit Abb.
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog / [Eintreten. Kunst. S.V. Golynets]. Kunstgalerie. Karlsbad, 1977. 25 S., mit Abb. (auf Tschechisch)
• Vitaly Volovich. Alexey Kazantsev Künstler reisen. Einfügungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Artikel von N. F. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1982. S., Abb.
• Vitaly Volovich: Grafiken. Broschüre / Komp. und der Autor wird eintreten. Artikel. S. V. Golynets. Swerdlowsk, 1984. 16 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich. Buch- und Staffeleigrafiken. Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. N. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1985. S., Abb.
• Vitaly Volovich. Buchstaffeleigrafiken: Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. A. I. Korczak. Magnitogorsk, 1988.
• Galerie „Autograph“: Gemälde, Grafiken aus der Sammlung von T. F. Nabrosova-Brusilovskaya / Comp. Katalog T. F. Nabrosova-Brusilovskaya. Der Autor wird eintreten. Artikel von V. M. Volovich und G. S. Metelev. Ed. E. V. Roizman. Jekaterinburg: Ural University Publishing House, 2000. 166 S., Abb. (Mit Übersetzung ins Englische.)
• Vitaly Volovich: Buch- und Staffeleigrafiken. Sammlungskatalog / Rep. für Ausgabe, comp. vyst. und Katalog, Autor des Layouts und Herausgeber. V. Karpow. [Vorwort von V. Volovich, Nachwort von N. Gorbacheva]. Staatliches Museum der Schönen Künste Irbit. Irbit, 1998. 80 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich: Das alte Jekaterinburg. [Album] / Artikel von A. Mosin, V. Volovich, S. Golynets. Projektkoordinatorin S. Prudkova. Jekaterinburg: Promdesign 1998. S. 119, Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)

Vitaly Mikhailovich Volovich (03.08.1928 - 20.08.2018) - sowjetischer und russischer Künstler, Grafiker. Volkskünstler Russlands.

Biografie

Vitaly Volovich wurde am 3. August 1928 in Spassk-Dalny, Region Primorje, in die Familie eines Schriftstellers geboren. Mutter Claudia Filippova ist Journalistin (zusammengearbeitet mit „Ural Worker“, „Ural Contemporary“, „Literary Almanac“), Schriftstellerin (Geschichten „In the Gymnasium“ (1938), „Between People“ (1940)). 1932 zogen sie und ihr Sohn nach Swerdlowsk (heute Jekaterinburg).

Kurz nachdem Vitaly zehn Jahre alt geworden war, heiratete seine Mutter (eine Schriftstellerin, Literaturkritikerin, Forscherin der Ural-Literatur) und die Familie wuchs um drei weitere Personen – sein Stiefvater hatte einen Sohn und eine Tochter.

Als Kind träumte Wolowitsch davon, in der Oper zu singen und probte Arien im Pawlik-Morosow-Park. Doch er erkältete sich und bekam Halsschmerzen, und während er krank war, griff er zum Bleistift. Zeichnen war neben dem Lesen eine seiner Lieblingsbeschäftigungen zu Hause. Wolowitsch liebte es, über Ritter zu lesen Runder Tisch. Meine Mutter, eine Schriftstellerin, hatte viele Bücher im Haus, veröffentlichte aktiv selbst und im Opernhaus wurden Theaterstücke aufgeführt, die auf ihren Drehbüchern basierten. Der Gast in ihrem Haus war der Schriftsteller Pawel Petrowitsch Baschow. So wurden Literatur und Malerei in Zukunft untrennbar miteinander verbunden und Wolowitsch wurde ein grafischer Illustrator.

Als er dreizehn war, kam der Krieg. Es war schwierig, Nahrung zu finden, geschweige denn Farbe. Der Künstler erinnerte sich, wie er Eierpulver mit nach Hause brachte und seine Mutter es mit Wasser verdünnte und einen großen Kuchen backte. So lebten sie vier lange Jahre. Und am Ende des Krieges geschah etwas Wichtiges – Vitaly machte den ersten Schritt in Richtung seiner Berufung, indem er die Kunstschule Swerdlowsk betrat.

„1945 wurden Kunstschüler geschickt, um Gemälde aus der Eremitage zu „verschiffen“ – Meisterwerke, die den Krieg überstanden hatten, kehrten von hinten nach Leningrad zurück. Der Junge hob geschickt eine weitere Kiste auf, als plötzlich ein Eremitage-Mitarbeiter ausrief: „Um Gottes willen, seien Sie vorsichtig, junger Mann! Hier " Verlorene Sohn„Rembrandt!“ schreibt Anna Matveeva im Buch „Citizens“.

Wie alle Studenten dieser Jahre aß Wolowitsch schlecht. „Ich kam zu Beginn des Abendunterrichts in die Schule, kaufte achtzehn Kuchen mit Marmelade, aß sie und spülte sie mit Wasser aus einer Karaffe herunter“, schreibt Matveeva laut den Erinnerungen der Künstlerin. Und ein Jahr nach ihrem College-Abschluss starb Claudia Filippovas Mutter, und lange Zeit schaute niemand beim Mittag- und Abendessen zu.

Wolowitsch V.M. Othello. Von einer Illustrationsserie zur Tragödie von W. Shakespeare. „Othello. Das venezianische Moor. 1966. EMII

Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 begann Vitaly Volovich mit dem Buchverlag Sredneuralsk zusammenzuarbeiten: Er entwarf die Cover der Bücher N. Kushtum „My Native Side“ (1953), B. Dizhur „Thoughts“ (1954), M. Pilipenko „Roads“ (1955) usw. Zu den auffälligsten Werken dieser Zeit gehören Illustrationen für „Pantry of the Sun“ von M. Prishvin, die der Autor selbst genehmigte: „„Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male von veröffentlicht verschiedene Länder, und in meinem Regal gibt es „Pantries“ in allen Größen und Farben. Aber deines ist das Beste.“

Die ersten Werke entstanden in der Technik der Federzeichnung, dann wandte sich der Künstler den Techniken des Linolschnitts, der Radierung, der Lithographie, der Buch- und Staffeleigrafik zu; In letzter Zeit verwendet sie Tempera, Aquarell und Gouache. Stilistische Originalität wird durch Ausdruckskraft, Ausdruckskraft der Linien und Schattierungen sowie den Wunsch nach Monumentalität bestimmt.

Vitaly Volovich wurde berühmt für seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur: „Das Märchen vom Feldzug Igors“, „Richard III“, „Die Romanze von Tristan und Isolde“ und anderen Werken.

Wolowitsch V.M. Richard III. mit Krone. Blatt aus einer Illustrationsserie zu W. Shakespeares Tragödie „Richard III“. 1967. EMII

Seit 1952 nimmt er an Kunstausstellungen teil; seine ersten Werke wurden in Irbit (Gebiet Swerdlowsk) ausgestellt. 1956 wurde er in den Künstlerverband der UdSSR aufgenommen.

Total kreativ Uraler Künstler Mehrere große Serien stechen hervor – „Medieval Mysteries“, „Women and Monsters“, „Workshop“, „Jerusalem“ sowie „Parade, Halle!“ und „Altstadt“.

„Zirkus ist eine weitere Leidenschaft von ihm. Der Künstler liebte es wirklich, den alten hölzernen Zirkus an der Ecke Kuibyshev- und Rosa-Luxemburg-Straße zu besuchen“, sagt Irina Riznychok. „Im alten Zirkus gab es keine separaten Räume für Tiere oder Umkleidekabinen, und er sah gern zu, wie der Clown den Turnern Witze erzählte, hier bereiten sich die Künstler auf ihren Auftritt vor, es sind Tiere in der Nähe und alles ist so lebendig.“ Zunächst handelte es sich um Skizzen, dann erschien eine Reihe von Stichen.

Wolowitsch V.M. „Parade, Alle!“ Der zentrale Teil des Triptychons. 1979. EMII

Jetzt sind die Werke des Ural-Künstlers im Museum der Schönen Künste zu sehen. A. S. Puschkin in Moskau, die Prager Nationalgalerie, die Mährische Galerie in Brünn, das Museum für moderne Kunst in Köln, das J. V. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg, Saratow, Nowosibirsk, Perm, die Staatliche Tretjakow-Galerie, das Staatliche Russische Museum von St. Petersburg, Jekaterinburg Gallery of Modern Art usw.; in Privatsammlungen in Russland, Amerika, Deutschland, Frankreich, Israel, Österreich, Spanien usw.

Tod

Anerkennungen und Auszeichnungen

1973 - Verdienter Künstler der RSFSR
1995 - Preisträger des G. S. Mosin-Preises
1999 - Preisträger des Gouverneurspreises des Gebiets Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst
2005 – Goldmedaille der Russischen Akademie der Künste für eine Reihe grafischer Blätter zur Tragödie des Aischylos „Orestie“
2007 - Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste
2007 - Ehrenbürger der Stadt Jekaterinburg
2008 - Die Skulpturengruppe „Bürger“ wurde in Jekaterinburg installiert. Gespräch“ mit Darstellung der drei berühmten Ural-Künstler Vitaly Volovich, Misha Brusilovsky und German Metelev
2008 - Ehrenbürger der Stadt Irbit
2012 - Akademiker der Russischen Akademie der Künste.
2016 - Volkskünstler Russlands.
Sowie zahlreiche Medaillen und Diplome von gesamtrussischen, gesamtunionischen und internationalen Ausstellungen der Buchkunst.

Erinnerung

In Jekaterinburg, wo Wolowitsch sein ganzes Erwachsenenleben verbrachte, wurde ihm eine Gedenkskulptur errichtet. Das Denkmal „Bürger“ für Vitaly Volovich, Misha Brusilovsky und German Metelev steht in der Lenin Avenue 81.

Schaffung

Fahrräder

• "Zirkus"
• „Frauen und Monster“
• „Mittelalterliche Geheimnisse“
• „Jerusalem“ (1995)
• „Jekaterinburg“ (1997)

Illustrationen

• „Die Geschichte von Igors Feldzug“
• „Orestie“ von Aischylos
• „Richard III“, „Othello“ von Shakespeare (1972. Radierung.)
• „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von J. Bedier (1972. Autolithographie)
• „Egmont“ von J. W. Goethe (1980)
• „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ von B. Brecht (1970. Radierung)
• Irische Sagen
• Geschichten von P. P. Bazhov

Literaturverzeichnis

• Orlova E. Wenn ein Buch zum Leben erwacht // Abend Swerdlowsk. 1965. 11. Okt.
• Neznansky L. Grafiken von Vitaly Volovich // Kunst. 1966. Nr. 7. S. 32-36.
• Voronova O. Ihre eigene Interpretation von Shakespeare // Kreativität. 1968. Nr. 8. S. 15-16.
• Pavlovsky B. Volovich illustriert Shakespeare // Ural Worker. 1969. 20. Februar
• Hubsher A. Figura – Bilder zur Literatur // Bildende Kunst. 1971. Nr. 10. S. 520-523.
• Volovich Vitaly Mikhailovich // Künstler der Völker der UdSSR: Biobibliographisches Wörterbuch. M., 1972. T. 2. S. 328.
• Voronova O. Vitaly Volovich. Buchgrafiken. M.: Sov. Künstler, 1973. 140 Seiten, mit Abb.
• Voronova O. Tiefe des Denkens und Fühlens // Buchrezension. 1974. Nr. 24.
• Vladimirova G. Grafiken von Vitaly Volovich // Sowjetische Kultur. 1974. 29. November
• Sbyrchog V. Künstler und sozialhumanistische Wahrheit // Kultur (Chisinau). 1974. 29. November (Auf Moldauisch)
• Golynets S. Verwebung von Realität und Fiktion: Ausstellung von Werken von V. Volovich in Moskau // Abend Swerdlowsk. 1975. 29. Dezember
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Sechzehn Reproduktionen / Enter. Kunst. L.
• Dyakonitsyna. L.: Künstler der RSFSR, 1975.
• Voronova O. Stvaralastvo Vitalia Valovica // Knjiga i svet. Belgrad, 1975.
• Bisti D. Romanze alter Legenden // Sov. Kultur. 1976. 16. Januar.
• Lebedeva V. Monumentalität der Grafik // Kunst. 1976. Nr. 6. S. 22-28.
• Shatskikh A. Meister der Buchillustration // Moskauer Künstler. 1976. 29. Januar.
• Verdienter Künstler der RSFSR Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog [in Moskau] / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. S. V. Golynets. L. Künstler der RSFSR, 1977. 32 S., mit Abb.
• Vitaly Mikhailovich Volovich: Ausstellungskatalog / [Eintreten. Kunst. S.V. Golynets].
• Kunstgalerie. Karlsbad, 1977. 25 S., mit Abb. (auf Tschechisch)
• Golynets S. Vitaly Volovich // Literatur und Sie. M., 1977. Bd. 6. S. 213-216.
• Golynets S. Vergangenheit und Gegenwart // Ural-Arbeiter. 1978. 30. Dez.
• Golynets G., Golynets S. Vitaly Volovich // Sowjetische Grafiken, 78. M., 1980. S. 60-68.
• Butorina E. Vitaly Volovich // Buchkünstler: VAAP-Inform. M., 1981.
• Vitaly Volovich. Alexey Kazantsev Künstler reisen. Einfügungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Artikel von N. F. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1982. S., Abb.
• Gerd G. Witali Wolowitch // Ausstellung Haus der Kultur und Bildung. Neu Brandenburg, 1982. 20.07 - 15.O8.
• Vitaly Volovich: Grafiken. Broschüre / Komp. und der Autor wird eintreten. Artikel. S. V. Golynets. Swerdlowsk, 1984. 16 S., mit Abb.
• Tubin Ya. Es fliegen glühende Pfeile. Ural. 1984. Nr. 6. S. Gleich: Woche. 1985. Nr. 19.
• Tubin Ya. Serie von Staffeleistichen von V. Volovich basierend auf „The Tale of Igor’s Campaign“. Sowjetische Grafiken. Bd. 9. M., 1985. S.
• Vitaly Volovich. Buch- und Staffeleigrafiken. Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. N. Gorbatschow. Swerdlowsk, 1985. S., Abb.
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: Probleme der Gestaltung der Weltbeziehungen (1950er – Mitte der 1960er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals: Sammlung. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1985. S. 107-121.
• Petrova N. In der gegenwärtigen komplexen Welt // Ural-Arbeiter. 1986. 22. Jan.
• Galeeva T. Grafische Polyphonie // Abend Swerdlowsk. 1986. 24. Februar
• Nazarova M. Vitaly Volovich // Ural-Arbeiter. 1986. 20. April
• Voronova O. Vitaly Volovich // Die Kunst der Bücher: 1972-1980. M., 1987. Ausgabe. 10. S. 169-181.
• Vitaly Volovich. Buchstaffeleigrafiken: Ausstellungskatalog / Comp. und der Autor wird eintreten. Kunst. A. I. Korczak. Magnitogorsk, 1988.
• Krichovets A. Warnung // Ural-Arbeiter. 1988. 29. Jan.
• Panfilova O., Urozhenko O. Lektionen des Mutes // Uralarbeiter. 1988. 3. August
• Urozhenko O. Vitaly Volovich: das Phänomen der kreativen Reife (Mitte der 1960er – 1980er Jahre) // Aus der Geschichte der künstlerischen Kultur des Urals. Sa. wissenschaftlich tr. Swerdlowsk, 1988. S. 98-121.
• Volovich V. Mode und Freiheit // Ural. 1993. Nr. 5. S. 3-9.
• Abelskaya R. Volovich // Vita. 1997. Nr. 10. S. 28-32.
• Gorbacheva N. „Oresteia“ von V. Volovich // Gorbacheva N. Auf der Palette der Erinnerung: Zeit. Künstler. Ausstellungen. Jekaterinburg, 1996. S. 42-43.
• Matafonova Yu. Es ist nicht schwer, vom Pegasus zu fallen, es ist schwieriger, im Sattel zu bleiben: Neue Werke von Vitaly Volovich // Ural Worker. 1997. 14. Januar
• Klepikov V. Volovich ist ein Name, nicht nur ein Nachname // Regionalzeitung. 1998. 1. August
• Vitaly Volovich: Buch- und Staffeleigrafiken. Sammlungskatalog / Rep. für Ausgabe, comp. vyst. und Katalog, Autor des Layouts und Herausgeber. V. Karpow. [Vorwort von V. Volovich, Nachwort von N. Gorbacheva]. Staatliches Museum der Schönen Künste Irbit. Irbit, 1998. 80 S., mit Abb.
• Vitaly Volovich: Das alte Jekaterinburg. [Album] / Artikel von A. Mosin, V. Volovich, S. Golynets. Projektkoordinatorin S. Prudkova. Jekaterinburg: Promdesign 1998. S. 119, Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Sieben Jekaterinburger Künstler: Vitaly Volovich. Alexander Alekseev-Svinkin. Deutscher Metelev. Olga Shtukaturova. Wladimir Chursin. Michail Sazhajew. Yuri Filonenko / Comp., Design: V.V. Gipser. Die Autoren werden teilnehmen. Kunst. G.S. Kholodova, A.V. Stepanow. Projektmanager Yu.A. Kukarskikh. Jekaterinburg: Promdesign, 1999. 127 S., mit Abb. (Mit teilweiser Übersetzung ins Englische.)
• Galerie „Autograph“: Gemälde, Grafiken aus der Sammlung von T.F. Nabrosova-Brusilovskaya / Comp. Katalog T.F. Nabrosova-Brusilovskaya. Der Autor wird eintreten. Artikel von V.M. Volovich und G.S. Metelev. Ed. E.V. Roizman. Jekaterinburg: Ural University Publishing House, 2000. 166 S., Abb. (Mit Übersetzung ins Englische.)

Verdienter Künstler der Russischen Föderation. Geboren 1928 in Spassk, Region Primorje. 1948 schloss er sein Studium an der Kunstschule Swerdlowsk ab. Seit 1950 nimmt er an städtischen, regionalen, zonalen, republikanischen, gewerkschaftlichen und internationalen Ausstellungen teil und ist mehrfacher Gewinner in- und ausländischer Buchwettbewerbe. Seit 1956 Mitglied des Künstlerverbandes der UdSSR. 1973 wurde ihm der Ehrentitel „Verdienter Künstler der RSFSR“ verliehen. 1995 wurde ihnen der Preis verliehen. G. S. Mosin. 1998 wurde ihm der Preis des Gouverneurs der Region Swerdlowsk für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Literatur und Kunst verliehen. 2005 wurde ihm die Goldmedaille mit dem Motto „Würdig“ der Russischen Akademie der Künste verliehen. 2007 wurde ihm der akademische Titel Korrespondierendes Mitglied der Russischen Akademie der Künste verliehen. 2007 wurde ihm der Titel „Ehrenbürger von Jekaterinburg“ verliehen. Im Jahr 2008 wurde ihm zum zweiten Mal der Gouverneurspreis der Region Swerdlowsk für seinen großen persönlichen Beitrag zur Entwicklung der bildenden Künste und seine langjährige fruchtbare Tätigkeit verliehen. Arbeitet in Buch- und Staffeleigrafiken. Lieblingstechniken sind Radierung, Weichlack, Lithographie sowie Aquarell, Gouache, Tempera... Lebt und arbeitet in Jekaterinburg. Die Werke befinden sich im Staatlichen Museum der Schönen Künste, benannt nach A.S. Puschkin, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum, Kunstmuseen von Jekaterinburg, Iwanowo, Magnitogorsk, Nischni Tagil, Nowosibirsk, Perm, Saratow, Tscheljabinsk, Jaroslawl. Prager Nationalgalerie, Mährische Galerie in Brünn, Museum für moderne Kunst in Köln, J.V. Goethe und F. Schiller Museum in Weimar, Shakespeare Center in Stratfort-upon-Avon sowie andere öffentliche und private Sammlungen in Russland, Österreich, Deutschland, Israel, Spanien, Italien, USA und Frankreich. Die Sammlung des Irbit-Puschkin-Museums ist die größte und vollständigste Sammlung der Werke des Künstlers.

Vitaly Volovich

G. Golynets, S. Golynets

Der beste Beweis für Wolowitsch sind die Porträts seiner Freunde und Gleichgesinnten Gennady Mosin und Misha Brusilovsky. Das erste zeigt einen protestierenden jungen Mann voller Energie, bereit, wie Don Quijote, die Mächte des Bösen abzuwehren, das zweite zeigt einen müden, aber nicht gebrochenen Meisterphilosophen. Schon in Wolowitschs Erscheinung liegt etwas Abstoßendes für den „Menschen der Massen“. Da er schon früh spirituell gereift war, strebte er stets danach, sowohl von den Machthabern als auch von modischen gesellschaftlichen Modeerscheinungen und gesellschaftlichen Illusionen unabhängig zu sein. Dennoch war der Künstler von der Zeit geprägt. Seine Kindheit und Jugend fielen in die 30er und 40er Jahre, mit ihren politischen Tragödien und Heldentaten des Großen Vaterländischen Krieges, den Schwierigkeiten des Alltags und der völligen Unterdrückung der Individualität. Die Leidenschaft für das Zeichnen lebte in Vitaly Lovich zunächst zusammen mit einer Leidenschaft für Geschichte und Literatur. Zukünftiger Künstler wuchs in einem literarischen Umfeld auf1. Die Welt der literarischen Bilder war für ihn immer sozusagen eine zweite Realität, sowohl im Gegensatz zum wirklichen Leben als auch innerlich mit ihm verglichen. Nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule im Jahr 1948 widmete sich der zwanzigjährige Wolowitsch sofort dem Buchwesen2. In gewissenhaften Federzeichnungen, in intimen Landschafts- und Tiermotiven lässt sich leicht der zukünftige Schöpfer monumentaler Bilder vorhersagen, ein Künstler mit sozialer und philosophischer Ausrichtung. Aber es ist die Kammer, lyrisches Thema durfte sich in diesen Jahren vor dem Ansturm der offiziellen Ideologie schützen.

„Pantry of the Sun“ wurde unzählige Male veröffentlicht und ich habe „Pantries“ in allen Größen und Farben, aber Ihres ist das Beste.“ Diese von Mikhail Prishvin im Jahr 1953 verfassten Worte unterstützten den aufstrebenden Illustrator, der damals noch nach seinem eigenen Weg suchen musste, der zeitlich mit dem Herannahen einer neuen Etappe in unserer Geschichte zusammenfiel – der Tauwetter-Periode. Von nun an wollten sich die Menschen nicht mehr wie ein Rädchen im Staatsapparat fühlen. Doch dadurch wurden die bürgerschaftlichen Bestrebungen nicht geschwächt, sondern im Gegenteil gestärkt. Die Bejahung des Individuums und zugleich das Pathos des Kollektivismus fanden in der Kunst der Wende der 50er und 60er Jahre ihren Ausdruck im sogenannten harten Stil, der auf neue Weise versuchte, die Wahrheit des Lebens mit hohen Idealen zu verbinden . Der harte Stil kontrastierte die äußere Ähnlichkeit von Bildern einer verschönerten Realität mit dem Ausdruck und der Aktivität einer verallgemeinerten künstlerische Form, was dem für diese Jahre charakteristischen entscheidenden Wunsch nach einer raschen Umgestaltung der Welt entsprach. Der strenge Stil zeigte sich deutlich in Swerdlowsk, der Stadt, mit der alles verbunden ist bewusstes Leben Volovich und in dem sich seit Ende der 50er Jahre ein wahrhaft kreatives Umfeld entwickelt hat. Wolowitsch sollte in diesem Umfeld einen besonderen Platz einnehmen und ein Beispiel für eine asketische Haltung gegenüber seiner Arbeit geben. Er verbesserte unermüdlich seine Fähigkeiten, arbeitete jeden Tag zehn oder mehr Stunden, schöpfte viel aus dem Leben, insbesondere auf Reisen durch das Land, Reisen in die Tschechoslowakei, nach Deutschland, China, Korea und studierte in Museen und Bibliotheken. Die Zeit selbst rückte auf den Künstler zu: Ganze Schichten der russischen und ausländischen Kultur wurden aufgewertet, vergessene Namen Es fanden bisher undenkbare Ausstellungen statt. Sowohl das Erbe der alten Meister als auch die Errungenschaften der modernen Kunst von den monumentalen Verallgemeinerungen von Rockwell Kent bis zum Kubismus von Picasso wurden von Wolowitschs Generation nicht abstrakt, von außen wahrgenommen, sondern als Quelle ihrer eigenen Suche. In den späten 50er und frühen 60er Jahren illustrierte Wolowitsch mit Begeisterung Sagen und Märchen verschiedene Nationen: Chinesisches Märchen „Der Affe und die Schildkröte“3, Arabisch „Kalif der Storch“, Tschechisch „Hirte und Ritter“, Nenzen „Der besiegte Wal“, „Mansi Tales“. Werke der Volkskunst faszinierten den jungen Künstler durch die Integrität seiner Weltanschauung und die Klarheit seiner ästhetischen Ideen. Märchen und Legenden ermöglichten es ihm, seiner Fantasie freien Lauf zu lassen und die Atmosphäre zu spüren verschiedene Länder und Epochen und vermitteln sie, indem sie in Illustrationen unaufdringlich Techniken der Kunst der Vergangenheit nutzen. Von nun an überträgt Volovich keine Skizzen aus der Natur in das Buch, sondern transformiert sie, ordnet sie der Ebene der Buchseite unter und strebt nach einer stilistischen Einheit von Bild, Ornament und Schrift. Die Suche nach Ausdruckskraft veranlasste ihn, mit verschiedenen Techniken zu experimentieren: Von Federzeichnung und Aquarell gelangte der Künstler zum Linolstich, dessen lapidare Sprache die Merkmale eines harten Stils deutlich erkennen ließ. Die Märchenausgaben mit Wolowitschs Illustrationen richteten sich an Kinder, ein Kinderkünstler wurde er jedoch nicht. Diese dünnen Notizbücher spiegelten die stilistischen Trends ihrer Zeit wider und erwiesen sich für Wolowitsch als Schule der Professionalität und bereiteten ihn auf die Arbeit an anderen Publikationen vor. Zum ersten Mal stieß der Künstler auf das Problem eines großen Buchensembles, als er Pavel Bazhovs „Malachite Box“ (1963), eine Publikation mit neun Erzählungen, illustrierte und gestaltete. Einmal beschwerte sich der Autor über Illustratoren, weil sie „nicht in die fantastische Richtung schauten“. In Wolowitschs Linolschnitten, die nicht ohne den Einfluss moderner litauischer Grafiken entstanden sind, magische Bilder Ural-Legenden stehen über dem Alltag. Durch die Verwendung einer dynamischen Komposition und sich verändernder Raumdimensionen verstärkte der Künstler, ohne das Design eines Steins zu imitieren, die Assoziation zwischen dem Farbdruck und einem Schliff aus Malachit oder Jaspis.

Trotz Wolowitschs wiederholter Siege auf republikanischen und unionsweiten Buchkunstausstellungen örtlichen Behörden Sie waren den Suchen und Experimenten des Künstlers gegenüber misstrauisch. Die Unzufriedenheit verschärfte sich, nachdem Parteiführer Ende 1962 eine Ausstellung in der Moskauer Manege besuchten: Sie begannen, in Swerdlowsk nach ihren Formalisten zu suchen. Es kam so weit, dass Wolowitsch auf Antrag der ideologischen Abteilung des regionalen Parteikomitees das Diplom entzogen wurde, das er beim Saison-Gewerkschaftswettbewerb für die 50 besten Bücher für Illustrationen zu „Der besiegte Wal“ erhalten hatte. Die erfolgreich begonnene Zusammenarbeit mit dem Buchverlag Swerdlowsk wurde für mehrere Jahre unterbrochen. Aber Wolowitsch war bereits außerhalb des Urals bekannt. Im Jahr 1965 veröffentlichte der Verlag „Khudozhestvennaya Literatura“ Gorkis „Lied vom Falken“ und „Lied vom Sturmvogel“ als separates Buch mit seinen Illustrationen. Romantische Interpretation revolutionärer Ereignisse, Plakatmontage allegorischer und echte Bilder, die Ausdruckskraft der Silhouettenform machen diese Gravuren auf Karton zu einem typischen Beispiel eines harten Stils. Anschließend schuf der Künstler mit der gleichen Technik Illustrationen für Robert Stevensons Ballade „Bather Honey“ (1965), die speziell für diesen Zweck gedacht waren Internationale Ausstellung Kunstbücher in Leipzig und wurde dort mit einer Silbermedaille ausgezeichnet. Das dünne, betont vertikal gestreckte Buch enthielt eine Reihe von Doppelseiten, in denen zwei Welten kontrastierend gegenübergestellt werden: naive, rührende Met-Zwerge, deren scharlachrote Figuren wie Heideblüten ein lebendiges, bewegtes Ornament auf schneeweißen Seiten bilden, und rücksichtslose Eroberer, wird als schlecht artikulierte schwarze und graue Masse wahrgenommen. Die Illustrationen zu „Heather Honey“ scheinen die gesamte bisherige Erfahrung des jungen Künstlers gebündelt zu haben: seine jugendliche Leidenschaft für Romantik Literatur des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, durch das ihm die europäische Antike und das Mittelalter näher gebracht wurden, Arbeit an einem Kinderbuch, Kontakt mit Beispielen der Volksphantasie. Gleichzeitig sprachen neue Stiche vom Herannahen der Reife, in ihnen fand der Künstler sein Thema, sie zeigten die Hauptrichtung des Schaffens an: Anprangerung von Gewalt, Grausamkeit, Verherrlichung spiritueller Beharrlichkeit. Wir nennen Volovich einen Sechzigerjahre-Mann. Das ist wahr. Es muss jedoch berücksichtigt werden, dass es erst in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts vollständig zum Vorschein kam, als sich die soziale Situation im Land bereits in vielerlei Hinsicht verändert hatte. In gewisser Weise begann sich die Position des Künstlers zu verbessern: Streitereien über formale Suchen und Innovationen wurden sogar in der Provinz abgemildert, es schien, dass die Sicht auf die Kunst breiter wurde, aber gleichzeitig verschwanden die romantischen Stimmungen, die aus dem Tauwetter entstanden waren, und wurden politisch Die Diktatur verschärfte sich. In dieser Zeit manifestierte sich Wolowitschs soziale Sensibilität: Er gab die hohen Ideale seiner Jugend nicht auf, sondern bekräftigte sie fortan durch tragische Zusammenstöße. Im Spiegel der Geschichte, im Spiegel der Welt literarische Klassiker Der Künstler sieht die brennenden Probleme unseres Lebens. „Für mich ist das Prinzip wichtig, in zwei Dimensionen zu arbeiten – der Zeit der Ereignisse des Buches und der, in der ich lebe.“ Vorstellungen von Zeit, die als persönlich empfunden werden, geben meiner Meinung nach die Möglichkeit, die Vergangenheit mit frischen, gegenwärtigen Augen zu betrachten“, erklärt Volovich. Nein, der Illustrator greift nicht auf äußere Modernisierungen zurück. Als großer Kenner der Geschichte der materiellen Kultur, der Waffen und der Architektur versteht er es, mit ausgewählten, charakteristischen Details den Geschmack der dargestellten Epoche zu vermitteln und gleichzeitig Gedanken hervorzuheben, die heute in den Tragödien von Shakespeare, Goethe und Aischylos relevant klingen , im mittelalterlichen Epos und in der Ritterpoesie. Für den Künstler treten die Wendungen der Handlung in den Hintergrund und die Details der Porträtcharakteristika erhalten einen persönlichen Charakter und werden zu Trägern ewiger Ideen. Symbole menschliche Leidenschaften und Leid werden in Wolowitschs Interpretation von den Helden von Othello wahrgenommen, einer Tragödie der Liebe angesichts von Neid, Verleumdung und Gnadenlosigkeit. In dieser Serie verdeutlichte der Künstler seine zuvor gewählte Methode zur Stilisierung von Hell-Dunkel. Weithin bekannt in mittelalterliche Kunst- Fresko, Ikone - diese von Wolowitsch kreativ verstandene Technik ist vielleicht zum wichtigsten Ausdrucksmittel des Meisters geworden: Das Bild wird durch eine wundersame Linie nachgebildet - die Grenze zwischen Licht und Dunkelheit, es vibriert, mal in die Dunkelheit eintauchend, mal aufflammend mit einem scharfen Blick auf. Die Formen des harten Stils blieben für Wolowitsch organisch, doch seine mutige Kunst wurde mit neuen Zügen bereichert. Nachdem der Meister die Flächigkeit des Bildes und das Gefühl einer Buchseite bewahrt hatte, ging er zu komplexeren räumlichen und plastischen Lösungen über, was mit einer Änderung der Ausführungstechnik verbunden ist. Nachdem Wolowitsch in den Illustrationen zu Othello (1966) noch einmal die Möglichkeiten der Gravur auf Karton demonstriert hatte, wandte er sich dann der klassischen Radierung und wenig später der Lithographie zu. In seinen Illustrationen zu Shakespeares Tragödie „Richard III“ (1966) zeigt sich der Künstler äußerlich zurückhaltend und sogar rational. Die Radiernadel verdichtet die Striche zu einem schwarzen Schattenraster, zeichnet einen schachbrettartigen Boden, der einen Durchbruch der Fläche in die Tiefe andeutet, und der horizontale Himmel verfestigt diese Fläche im Gegenteil. In solch einem bedingten, luftleeren Raum gewinnen groteske, theatralische Charaktere aus historischen Chroniken und symbolische Objekte an Substanz: die Königskrone, die Dolche von Mördern, die Waage der Gerechtigkeit, die Axt des Henkers. Wolowitsch interpretierte „Richard III“ als politische Tragödie und entlarvte sie konsequent blutiger Weg ihr Held zu
Behörden.

Radierungen zu Shakespeares Tragödie erinnern uns daran, dass neben der Literatur auch das Theater eine Inspirationsquelle für Wolowitsch war. Der Künstler fühlt sich zu dramatischen Werken hingezogen. Und nicht nur in den Illustrationen dazu, sondern auch in den meisten Kompositionen werden die Konventionalität des Bühnenpodests und die Theatralik der Inszenierung durchbrochen. „Die ganze Welt spielt“ – mit den Worten von Terenz, eingraviert in Shakespeares „Globus“, könnte Wolowitsch sein Werk zum Motto machen. Da er dieses Merkmal des Talents des Künstlers zu schätzen wusste, wurde er wiederholt eingeladen, Aufführungen in Theatern zu entwerfen – volkstümlich und wissenschaftlich, dramatisch und musikalisch, lokal und großstädtisch. Doch trotz seiner Liebe zur Bühne, zum Theaterumfeld, trotz der Tatsache, dass er selbst einmal Schauspieler werden wollte, lehnte er diese Angebote ab. Offensichtlich braucht Volovich keine Co-Autoren. In Büchern und Staffeleikompositionen kreiert er seine eigenen Aufführungen im Einklang mit den Suchen des modernen Theaters4. Die Tragödie von Wolowitschs Weltanschauung nahm von Jahr zu Jahr zu. Das unaufhaltsame Schicksal, das einen Menschen verfolgt, wird zum Hauptthema der Illustrationen für Isländer und Irische Sagen(1968), in dem Menschen im Weltraum dargestellt werden, die zu einem engen Ball mit bedrohlichen Chimären verschlungen sind. Allerdings behielt der Künstler auch hier seine ethische Position bei und kontroverse mit den Texten der Sagen, die die Ansichten der Stammesgesellschaft widerspiegelten, und stellte dem Kult der rohen Gewalt helle menschliche Gefühle gegenüber. Das Prinzip der aktiven Interpretation der Klassiker wird auch in den Illustrationen zu „Die Romanze von Tristan und Isolde“ von Joseph Bedier (1972) umgesetzt, die 1976 auf der Internationalen Ausstellung in Brünn mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet wurden. In diesem Fall wurde dies durch das literarische Material selbst erleichtert: Der Originaltext aus dem 12. Jahrhundert ist nicht erhalten, die uns überlieferten Versionen spiegelten die Ideen und Geschmäcker der Zeit wider, in der sie entstanden, einige waren eher mit dem alten Kelten verbunden episch, andere mit höfisch-ritterlicher Poesie. Wolowitsch folgte Wagners Lesart des Romans und steigerte die düsteren, tragischen Töne. Die Uneinigkeit der Helden, ihre Unfähigkeit, sich zu vereinen und der selbstlose Traum vom Glück – das ist die Leitidee der grafischen Serie des Künstlers des 20. Jahrhunderts. Um es plastisch auszudrücken, greift Wolowitsch auf seine Lieblingstechnik zurück – die Wiederholung eines einzigen Bauschemas in allen Abbildungen: Die Helden werden durch frontal angeordnete Steinmauern und Bögen gefesselt und voneinander entfremdet, hinter denen sich eine menschenleere Ferne öffnet. Das lithografische Sfumato, die Rundheit der Formen, die die für frühere Arbeiten charakteristische Starrheit der Kanten ersetzte, machte die Blätter räumlicher, die Details voluminöser und gleichzeitig wurde eine noch größere Monumentalität erreicht. In Wolowitschs Lithographien fehlt die bestechende Unbefangenheit der Legende. Während der Roman voller farbenfroher Beschreibungen von Schlachten, Duellen, Festen und Jagden ist, als ob er zur bildlichen Verkörperung gedacht wäre, vermitteln die Grafiken das Gefühl frühes Mittelalter und der rauen kornischen Landschaft beschränkt sich auf geizige Mittel. Bei der Auswahl der Themen hielt sich Wolowitsch nicht strikt an die Logik der Handlungsentwicklung, ließ wichtige Episoden aus und ignorierte viele Charaktere. Die eigentliche illustrative Funktion wird größtenteils von Bildschirmschonern übernommen, und Seitenillustrationen dienen als metaphorischer Ausdruck laufender Ereignisse. Ihr Inhalt offenbart sich weniger beim Lesen als vielmehr beim Nachdenken über das Gelesene und beim Erinnern daran. Einstieg in die Kunst zu einer Zeit, in der Aktuelle Probleme Ensemblelösung des Buches, Wolowitsch strebte in seinen Werken an der Wende der 50er und 60er Jahre nach der dekorativen Einheit seiner Elemente. Er behielt stets eine aufmerksame Haltung gegenüber Layout und Gestaltung der Publikation bei, bestimmte Fragen der Buchkunst rücken für ihn jedoch in den Hintergrund. Bereits Ende der 60er Jahre zeichnete sich im Werk Wolowitschs eine Tendenz ab, die damals als „Enteignung“ der Buchgrafik bezeichnet wurde.

Der Künstler fühlte sich in dem Buch wohl: Lithografien und Radierungen der 70er Jahre, inspiriert von heidnischer Mythologie, mittelalterlicher Poesie und moderner Literatur, werden als eigenständige Werke wahrgenommen. Mitunter nahmen sie für die Grafik ungewöhnliche Ausmaße an und wurden nach den Gesetzen der Monumentalkunst zu Triptychen und Polyptychen geformt („Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“ nach den Zongs zum Theaterstück von Bertolt Brecht, 1970; „Theater des Absurden“, oder Metamorphosen des Faschismus“ nach der tragischen Farce von Eugene Ionesco „Rhino“, 1974; „Conquerors“, 1975). Aber häufiger wurden sie zu Staffelei-Themenserien mit mehreren Blättern zusammengefasst, an denen in den folgenden Jahrzehnten weitergearbeitet wurde. Für viele Künstler der Generation Wolowitschs erwies sich die Sprache der Allegorie als die einzige Möglichkeit, über die brennenden Probleme unserer Zeit zu sprechen. So wurde das Mittelalter mit leeren Ritterrüstungen, brennenden Büchern, sterbenden Dichtern und Wissenschaftlern zu Wolowitschs erweitertem Symbol des menschenfeindlichen Regimes.

Seit den 70er Jahren nehmen Zirkusmotive einen besonderen Platz im Werk des Meisters ein. Die Liebe zu dieser Art spektakulärer Kunst, die sich als nicht weniger stark erwies als die Liebe zum Theater, führte zu einer Reihe von Radierungen und später zu Gouachen und Tempera. Der Künstler, der sich von den üblichen Themen und kompositorischen Lösungen lösen wollte, war fasziniert von der Farbigkeit und dem karnevalistischen Charakter einer Zirkusvorstellung, in der „alles möglich ist“, wo die Arbeit von Künstlern am gefährlichen Rand einem das Herz zum Frieren bringt Angst, wo in Clowneinlagen ein Witz unter Tränen stattfindet, wo Selbstdarstellung und Schwindel, Leben und Kreativität untrennbar miteinander verbunden sind. Zunächst kam Wolowitsch mit Lautrecs Tradition des grotesken, aber dennoch unmittelbar natürlichen Erlebens einer Aufführung in Berührung, doch bald begann das Thema des Zirkus wie eine Allegorie zu klingen. Das Notenblatt „The Musical Eccentric“ (1974) wurde zu einer Art Ouvertüre zur Serie. Vor einem grau-schwarzen, schwankenden Hintergrund erhebt sich eine Figur im Clownskostüm, zwischen deren Tanzschuhen eine schachbrettartige Bahn schnell auf die niedrige Horizontlinie zuläuft. In den Doppelhänden befinden sich eine Mundharmonika, eine Klarinette und eine Laute. Die weiße Maske folgt der Bewegung einer anderen Hand, die über der rechten Schulter erschien, dreht sich horizontal und scheint ein Horn zu blasen. Die Komposition verschmolz die Leere des Bühnenraums von „Richard“ und das kosmische Element von „Sag“. Der Boden ist hier sowohl Erde als auch Arena, der vibrierende Dunst des Hintergrunds ist der Himmel und die Unendlichkeit, absorbierend Theatervorhang. In der plastischen Lösung von „The Musical Eccentric“ wird etwas Universelles bekräftigt und gleichzeitig erklingt zum ersten Mal eine lyrische, persönliche Note so deutlich. Die Schwärze dringt vom Hintergrund in die Figur ein, entmaterialisiert sie, zerreißt die Formen und ist bereit, in einen Puppentanz zu zerfallen. Scharfe Verbindungslinien zwischen Dunkelheit und Licht, wie beleuchtete Kanten einer Struktur, stoppen den Zerfall der ätherischen Figur. Als ob vor uns kein Clown stünde, sondern seine Seele, nicht seine Hände und Musikinstrumente und ihre Bewegungen und Geräusche. In den folgenden Blättern, Zeichnungen mit der Radiernadel, teilweise ohne Vorskizze, ist Wolowitsch entspannter. Variieren, Aquatinta, Reserve, Softfirnis, Kombinieren verschiedene Techniken Durch die Radierung mit einer Collage aus Papier und Stoffen erreicht er eine einzigartige Vielfalt und Fülle an Texturen sowie die malerische Ausdruckskraft einer monochromen Palette. Die Radierungen folgen wie Nummern aus einem großen Programm einer nach dem anderen. Aber das sind nicht nur Zirkusattraktionen: traurige verliebte Clowns, arrogante, selbstgefällige Esel, seelenlose Schaufensterpuppen, königliche, aber gedemütigte Löwen und weise Affen wurden zu Helden von Gleichnissen über die umgebende Realität. Ohne einen direkten Einfluss anzudeuten, kommt man nicht umhin, sich an die Radierungen von Francisco Goya zu erinnern. Wenn wir uns die eigentlichen Zirkusmotive vor Augen halten, die so viele Meister des 20. Jahrhunderts durch ihre Vieldeutigkeit faszinierten, dann weckt Wolowitsch Analogien nicht zur Malerei und Grafik, sondern zum Kino, zu Chaplins „Zirkus“, zu Federico Fellinis „Clowns“. Zusammenfassung des Themas im Polyptychon „Parade-alle!“ (1978) unterwirft sich Wolowitsch erneut der strengen Strukturorganisation stereometrischer Formen, der Bestimmtheit der Konturen und der Klarheit der Strichführung. Das Polyptychon ist eine fünfteilige symmetrische Komposition mit einer zeremoniellen Parade in der Mitte und schmalen vertikalen Streifen, die antipodische Esel darstellen, die wackelige Tier- und Vogelpyramiden auf ihren Hufen halten. Das Motiv der Rotation (und „Kreis“ ist die ursprüngliche Bedeutung des Wortes „Zirkus“), der kaleidoskopische Wechsel der Ereignisse bestimmten die Konstruktion der Blätter, die Kombination unterschiedlicher Zeit und unterschiedlicher räumlicher Episoden in ihnen. Auf der zweiten und vierten Seite ist die Arena, in der die Haupthandlung stattfindet, von Leinwänden umgeben, auf denen Ereignisse aus dem Zirkusleben dargestellt sind, und von schwarzen Lücken in den Ausgängen.

Von einzelnen Gleichnissen und Fabeln gelangte Wolowitsch zu einem verallgemeinerten Weltbild, dessen naives Vorbild der Zirkus mit seiner runden Arena und der darüber gestürzten Kuppel ist. Die Konflikte hier sind offensichtlich absurd: Ein dummer Esel jongliert mühelos mit majestätischen Löwen, ein zerbrechlicher weißer Clown jagt mächtige, schwere Nashörner im Kreis und es scheint, als würden die Nashörner ihn selbst jagen, ein anderer Clown tritt beim Fangen eines Schmetterlings auf eine Boa Würgeschlange, Musiker singen sorglos und legen Noten auf die Zähne ihres offenen Krokodils Die Paradoxität und Absurdität der Welt offenbart sich nicht nur in zahlreichen Handlungssträngen, sondern auch in der Verletzung gewohnter Raumkonzepte und der Schärfe plastischer Vergleiche. Die Probleme, die Wolowitsch anhand literarischer und historischer Materialien löst, nehmen in „Circus“ einen exzentrischen und damit persönlicheren Klang mit einem Hauch von Selbstironie an: Es sind Gedanken über die Welt und den Platz des Künstlers darin.

In dem Bemühen, die Bandbreite seines Schaffens zu erweitern und seine Ausdrucksmittel zu diversifizieren, begann der Künstler in den 70er Jahren, systematisch nach dem Leben zu arbeiten. Früher nur als Zeichnung bezeichnet Vorbereitungsmaterial Jetzt, auf Reisen durch den Ural, Zentralasien, den Pamir, Dagestan, Pskow und Wladimir Rus, schafft er eigenständige Staffeleilandschaften in Bleistift und Aquarell. Eine ähnliche Hinwendung zur Zeichnung zeichnete sich in unserer Kunst bereits Ende der 60er Jahre ab. Allerdings haben Wolowitschs Blätter wenig Ähnlichkeit mit den seitdem weit verbreiteten „stillen“, intimen Grafiken, die liebevoll in die Einzigartigkeit eines bestimmten Objekts eintauchen und den Prozess der Wahrnehmung und des Verständnisses der Natur selbst einfangen. Bei Volovich geriet der Wunsch, einen direkten Eindruck zu vermitteln, manchmal in Konflikt mit der internen Programmierung der Komposition; ein freier Strich oder Pinselstrich widersprach der rationalen Logik der grafischen Konstruktion. Der Künstler erlangte Integrität, indem er alles Flüchtige und Flüchtige ablehnte. Darstellung altes Land mit scheinbar damit verschmolzenen architektonischen Strukturen, Zeugen der jahrhundertealten Geschichte der Menschheit, sah er bereits das fertige Werk in der Natur und verwarf sofort das Zufällige, indem er die notwendigen Bewegungen ausführte. Die von Wolowitsch in den 70er Jahren angefertigten Zeichnungen weisen mit ihrer großen räumlichen Abdeckung, der Strenge der Konturen und der sorgfältigen Schattierung, die an Lithographie erinnern, deutliche Spuren seiner früheren Arbeit in der Buchgrafik und in den Drucktechniken des Autors auf. Nachdem er 1980 Illustrationen zu Goethes Tragödie „Egmont“ fertiggestellt hatte, die bald in Leipzig mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet wurden, kehrte Wolowitsch nach achtjähriger Pause zum Schreiben zurück. Mittlerweile überlässt er Layout und Design aber lieber professionellen Designern und Schriftgestaltern. In dem Buch sind auf speziellen Beilagen zehn Diptychen platziert, von denen Teile schmale vertikale Türen sind, die Strukturen von riesigen Kreuzen und Galgen darstellen, die an Stabilität verlieren und bereit sind, Menschen zu begraben, die wie Puppen aussehen. Motive, die von Bruegels Gemälden und Dürers Stichen inspiriert sind, machen die Zeit der Niederländischen Revolution und der Kirchenkriege erlebbar. Aber für Wolowitsch ist es auch hier wieder wichtig, seine eigenen Worte zu wiederholen, nicht nur die Zeit der Ereignisse des Buches, sondern auch die Zeit, in der er lebt. Wenn der Künstler von der Inquisition des 16. Jahrhunderts erzählt, vergisst er nicht die Schrecken des Faschismus im Westen und die Verbrechen des totalitären Systems im eigenen Vaterland. Die beengten Räume und das flackernde „Zink“-Licht werden mit einer Atmosphäre der Stagnation und Unfreiheit assoziiert. In den frühen 80er Jahren sah der Illustrator zum ersten Mal ein Meisterwerk der russischen Literatur – „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Anlass für die Arbeit war der bevorstehende 800. Jahrestag der Laien, die Vorbereitung einer Veröffentlichung, die das Ergebnis der Arbeit von Ural-Historikern, Literaturwissenschaftlern und Übersetzern war und sechzehn Radierungen von Wolowitsch (1982) enthielt. Sie hielten Szenen von Invasionen, Schlachten und Massakern fest und betonten den Antikriegsklang des Gedichts. Der Künstler, der sich an das Leid der Menschen im Großen Vaterländischen Krieg erinnerte und die „kleinen“ sinnlosen Kriege hasste, deren Zeitgenosse er sein musste, zeigte hier seine bürgerliche Position. Die Kollision altrussischer Motive, ausgehend von den Umrissen des Bogens, die die kompositorische Lösung der Blätter bestimmten, mit der ausdrucksstarken Sprache der Grafik des 20. Jahrhunderts erhöht die dramatische Spannung der Serie. Illustrationen zu Aischylos‘ Tragödie „Orestie“ (1987) sind das Ergebnis von Wolowitschs Verständnis von Weltliteraturklassikern. Wenn wir uns dem Werk des großen griechischen Dramatikers zuwenden, können wir ganz allgemein darüber sprechen, wozu moralische Blindheit und die Zerstörung natürlicher menschlicher Verbindungen führen. So wie Wolowitschs weitläufiges Bild eines unpersönlichen Mensch-Roboters einst durch die in der Eremitage ausgestellte Ritterrüstung nahegelegt wurde, so haben nun die Fragmente von Antiquitäten mit metonymischen Mitteln dazu beigetragen, das Bild einer zusammenbrechenden Welt zu vermitteln. Die Illustrationen zu „The Oresteia“, die den Betrachter mit der Schönheit und Logik der grafischen Konstruktion begeisterten, drängten den Meister selbst zur Aktualisierung.

In den Jahren der Perestroika und der Fastenzeit kamen die traditionellen Reisen durch unser Land hinzu. Sowjetzeit Reisen nach Frankreich, Westdeutschland, Österreich, Italien, Palästina, bei denen der Künstler, soweit es die Umstände erlaubten, aus dem Leben arbeitete. In neuen Aquarellen und Temperabildern, die die Städte des Ostens mit aufgetürmten Flachdächern, Kuppeln und Minaretten, russische Hügellandschaften unter wirbelnden Wolken, gotische Straßen, Tavatuya-Felsbrocken und Tschusowaja-Kämpfer darstellen, demonstrierte Wolowitsch seine Fähigkeit, die metaphysische Einzigartigkeit verschiedener Regionen zu verbinden und landet mit bildlicher Freiheit und Kunstfertigkeit ... Der Gedanke an das Buch ließ Wolowitsch unterdessen nie los. Er kombinierte Staffeleiblätter zu den Zyklen „Zirkus“, „Mittelalterliche Mysterien“, „Frauen und Monster“ und träumte von Buchalben, in denen seine Kompositionen nach dem Prinzip der freien Assoziation mit Auszügen aus Prosa und anderen Werken durchsetzt sein könnten Poetische Texte. Aber unabhängig von solchen Plänen stehen Wolowitschs Staffeleiblätter seinen Buchgrafiken nahe. Wie Illustrationen entwickeln sie im Laufe der Zeit ein Thema und basieren auf historischen Parallelen und Allegorien. Während der sowjetischen äsopischen Zeit wurde die Sprache des Künstlers durch Zensurverbote stimuliert, obwohl sie natürlich nicht nur durch sie verursacht wurden. Schließlich trennt sich Wolowitsch auch heute noch nicht von Allegorien, Theater- und Zirkusmetaphern. Sie ermöglichen es ihm, ein verallgemeinertes Bild der Welt zu erstellen, das berührt werden kann ewige Themen menschliche Leidenschaften, Laster und Schwächen.

Die über mehrere Jahrzehnte entstandenen thematischen Zyklen überzeugen uns, dass Wolowitsch trotz aller Treue zu seinen Lieblingsbildern und plastischen Techniken nicht unverändert bleibt. Und der Punkt ist natürlich nicht nur, dass Schwarz-Weiß-Radierungen durch Monotypie und dann Gouache und Aquarell ersetzt wurden, sondern dass, wie in Landschaften, die Rolle der Farbe in thematischen Kompositionen zunimmt, sondern vor allem, dass die Kunst des Meisters zunimmt erfüllte neue Gedanken und Stimmungen. So ermöglichte das in den 80er Jahren entstandene Bild einer gotischen Kathedrale, einem Modell des Universums, den Ausdruck von Gefühlen, die sich von denen unterschieden, die normalerweise in Wolowitschs mittelalterlichen Motiven zu finden waren. In einer der Kompositionen, die in der Technik des Gravierens auf Karton und Pauspapier hergestellt wurden, durch ausgefallene Formen Aus dem Tempel erhebt sich die Gestalt eines in tiefe Gedanken versunkenen Bischofs. Drucke, die für eine sequentielle Wahrnehmung konzipiert sind, unterscheiden sich farblich voneinander. Das Bild erscheint entweder in einem goldenen oder silbernen Schimmer oder verschwindet fast und löst sich in einer Reihe gedämpfter Farben auf. Die Blätter bilden eine traurige, aber majestätische Bild- und Grafikfolge, die vom Leben des menschlichen Geistes und von der schmerzhaften Suche nach Wahrheit erzählt. Wolowitschs Problem von Gut und Böse erhält eine immer komplexere Lösung. Mit der Auseinandersetzung mit der heidnischen Welt in den Blättern der 90er Jahre aus der Serie „Women and Monsters“ unternimmt der Künstler den Versuch, sich allgemein über diese Kategorien, über die einengenden Haltungen zu erheben. Aber das ist nur ein Spiel: Wolowitsch kann sich ethischen Einschätzungen nicht völlig entziehen und will es offensichtlich auch nicht; Indem er ins Unbewusste blickt, schützt er sich nur vor Moralisierungen. Volovich ist vor allem sich selbst gegenüber ironisch und manchmal gnadenlos. Die kürzlich fertiggestellte farbenfrohe Serie „Meine Werkstatt“ erzählt von ihm, vom Künstler, von seiner Welt, über die Volovich selbst überzeugend spricht: „Die Werkstatt ist ein Lebensraum, ihre Bühne.“ In diesem Raum verflechten sich das wirkliche Leben mit der Fiktion. Das Erhabene – mit dem Unbedeutenden. Tief – mit dem Augenblick. Das Leben ist untrennbar mit dem Spiel verbunden, und das Spiel ist tatsächlich das Leben. Alle. Von tief intim bis exponiert. Von „Alles für sich selbst“ bis „Alles zum Verkauf“. Es sind Gleichnisse aus dem Leben eines Künstlers. Die wichtigsten Szenen daraus: Reflexionen. Kreatives Scheitern. Durst nach Perfektion. Ehrgeiz... Dies ist ein Zyklus, in den immer mehr neue Geschichten aufgenommen werden können. Dies ist ein Roman in Bildern. Ein Roman mit Fortsetzung. Volovichs gesamtes Werk erscheint als ein solcher Roman oder eine mehraktige, fortlaufende Aufführung. Die „Werkstatt“ ist gerade fertig und schon stehen gigantische „Tragische Farcen“ auf der Staffelei...

Anmerkungen
1. Die Mutter des Künstlers, Claudia Vladimirovna Filippova (1902-1950), ist Journalistin und Schriftstellerin, Autorin von Artikeln, Dramatisierungen, Geschichten und Novellen. Am beliebtesten waren die immer wieder neu aufgelegten Erzählungen „Im Gymnasium“ (1938) und „Zwischen Menschen“ (1940). Sie arbeitete in der Swerdlowsker Presse mit: in der Zeitung „Uralsky Rabochiy“, der Zeitschrift „Uralsky Contemporary“ und im „Literarischen Almanach“. Stiefvater Konstantin Wassiljewitsch Bogoljubow (1897–1975) ist Schriftsteller und Literaturkritiker sowie Forscher der Ural-Literatur.

2. An der Swerdlowsker Kunstschule studierte V. M. Volovich in der Malereiabteilung. Seine Lehrer waren A.A. Schukow (1901-1978) und O.D. Korowin, der als erfahrener Buchgrafiker Wolowitsch in seinen Nachschuljahren beeinflusste. Von großer Bedeutung für Volovich war seine Kommunikation in seiner Jugend mit dem Maler S.A. Mikhailov (1905-1985), der nebenan in der Mamin-Sibiryak-Straße wohnte.

3 Design und Illustrationen für das Buch „Der Affe und die Schildkröte“, ausgezeichnet mit einem Diplom
beim All-Union-Wettbewerb „Beste Bücher der UdSSR 1959“ und eine große Silbermedaille bei der Ausstellung der Errungenschaften der Volkswirtschaft wurden von V. M. Volovich zusammen mit seiner Frau, der Künstlerin Tamara Sergeevna Volovich (1928-1999), fertiggestellt der in der Buch- und angewandten Grafik tätig war.

4. Die Idee eines „Wolowitsch-Theaters“ wurde wiederholt vom Swerdlowsker Theaterexperten Jakow Solomonowitsch Tubin (1925-1989) geäußert, dessen freundschaftliche Kommunikation dem Künstler – Interpret der Weltliteratur – viel bedeutete.

https://www.site/2018-08-20/chem_proslavilsya_na_ves_mir_vitaliy_volovich_ego_raboty_i_dostizheniya

„Legendäre Persönlichkeit, voller Ruhm und Mythen“

Werke und Errungenschaften, die den Künstler Vitaly Volovich weltweit berühmt gemacht haben

Vitaly Volovich Jaromir Romanov

In Jekaterinburg ist heute Morgen der Künstler Vitaly Volovich gestorben. Er stammte aus Jekaterinburg, lebte 85 von 90 Jahren in der Hauptstadt des Urals und wurde gleichzeitig auf der ganzen Welt berühmt. Es ist allgemein anerkannt, dass er durch seine Illustrationen mittelalterlicher Literatur berühmt wurde, seine Werke sind jedoch auch als völlig eigenständige Werke zu betrachten. Wolowitschs Zeichnungen werden im Staatlichen Museum der Schönen Künste aufbewahrt. A. S. Puschkin in Moskau, Staatliche Tretjakow-Galerie, Staatliches Russisches Museum in St. Petersburg, Prager Nationalgalerie, Mährische Galerie in Brünn, Museum für Moderne Kunst in Köln, J. W. Goethe-Museum in Weimar, Galerien in Jekaterinburg und anderen russischen Städten. Wolowitsch reiste viel und malte bis zu seinem Lebensende.

Die Mutter von Vitaly Volovich, Klavdia Filippova, war Schriftstellerin. Als Kind mochte der zukünftige Künstler Musik mehr; er träumte davon, in der Oper zu singen, schreibt itsmycity.ru. Als Wolowitsch als Kind im nach Pawlik Morosow benannten Park „Arien probte“, erkältete er sich und bekam Halsschmerzen, und während er krank war, griff er zum Bleistift. „Shakespeare hat mich als Kind völlig in Erstaunen versetzt, denn neben den Werken selbst gab es erstaunliche Zeichnungen von Sir Gilbert ... Genau unter dem Eindruck dieser Veröffentlichungen begann ich zu zeichnen – und ich malte eifrig“, sagte der Künstler später selbst sagte in seinen von Anna Matveeva aufgezeichneten Memoiren.

Volovich V. M. Aus einer Reihe von Illustrationen zur Tragödie von W. Shakespeare. „Othello. Venezianisches Moor»EMMI

Weltruhm erlangten ihn übrigens seine Illustrationen zur Literatur des Mittelalters und der Renaissance („Der Roman von Tristan und Isolde“, „Richard III“). Er schuf auch Illustrationen für das Meisterwerk der altrussischen Literatur „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Der Erfolg gelang ihm nach der Internationalen Buchausstellung 1965 in Leipzig, wo er Stevensons schottische Ballade präsentierte, die er entworfen und illustriert hatte.

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Vitaly Volovich begann unmittelbar nach seinem Abschluss an der Swerdlowsker Kunstschule mit der Illustration von Büchern. In den frühen 50er Jahren begann er mit dem Buchverlag „Mittlerer Ural“ zusammenzuarbeiten.

Regionale Kunstgalerie Pensa

Einer der ersten großen Aufträge Wolowitschs waren Illustrationen zu den Erzählungen von Pawel Baschow, mit dem seine Mutter befreundet war. Fügen wir hinzu, dass sie auch mit ihrer Mutter befreundet war berühmter Bildhauer Ernst Neizvestny.

„Ich habe „The Box“ mit Leidenschaft gemacht, alles war für mich sehr interessant, ich habe nur versucht, meinen Geschmack und meine Ansichten zu finden und zu rechtfertigen. Und dann stellte sich heraus, dass ich als Formalist aus dem örtlichen Verlagshaus ausschied und Moskau eroberte, mit einer Mappe voller Zeichnungen statt mit drei Kronen. Dort wurde ich ironisch und liebevoll begrüßt und mir wurde angeboten, Illustrationen für Gorkis Gedichte „Lied vom Falken“ und „Lied vom Sturmvogel“ anzufertigen, sagte Wolowitsch. Dann wurde ihm angeboten, Corneilles Lied vom Cid und Shakespeares Richard den Dritten zu illustrieren. „Und mir wurde klar: Das ist es, was wir brauchen. Und schließlich war ich überzeugt, als ich an einem Wettbewerb in Leipzig teilnahm beste Zeichnungen zu Stevensons Gedicht „Heather Honey“. Ich schloss mich anderthalb Monate lang in meinem Atelier ein, malte ununterbrochen und erhielt schließlich eine Silbermedaille für diese Serie. Natürlich hat mir die Auszeichnung ein gewisses Gewicht gegeben, ich bin schließlich ins Mittelalter „übergewechselt“ und arbeite seitdem nicht mehr im Rahmen von Verlagsverträgen – nur noch auf kreativen Anfragen“, erinnerte sich Volovich in einem Interview mit Art-Friday.

vol-art.ru

Zunächst malte Vitaly Volovich mit Tusche, dann begann er mit den Techniken Linolschnitt, Radierung und Lithographie zu arbeiten. Unter ihm Berühmte Werke- ein Triptychon nach dem Theaterstück von Bertolt Brecht „Angst und Verzweiflung im Dritten Reich“.

„Die Geschichte mit den Verlagen“, so Volovich, endete 1987. „Dieses ganze Ordnungssystem, die Verbindung zwischen Künstler und Schriftsteller, war kaputt. Aber ohne Bücher fiel es mir schwer. Und ich habe mir das Bild des Buches ausgedacht. Die Idee entstand vor langer Zeit – als ich Illustrationen machte, saß ich tagelang in Bibliotheken, in Theaterworkshops und sammelte Materialien. Und natürlich hat er weitergemacht allgemeines Thema, nicht auf Bestellung. So entstanden die Serien „Empty Shells“ und „Circus“. Natürlich war es unmöglich, sie einzeln auszustellen; alles wurde an der Wurzel gekürzt. Aber Zeichnungen für Bücher fehlten. Und ich nannte meine „Rüstungen“ so: „Illustrationen basierend auf mittelalterlicher Literatur aus den Werken von Chrétien de Troyes und Gottfried von Straßburg.“ Und er bezeichnete die Zirkusreihe als „Illustrationen basierend auf dem Werk von Eduard Bass „Umbertos Zirkus“. Soweit ich weiß, wurde das Buch noch nicht ins Russische übersetzt. Aber das hat mich nicht aufgehalten.

www.culture.ru

Insgesamt stechen im Werk des Ural-Künstlers mehrere große Serien hervor – „Medieval Mysteries“, „Women and Monsters“, „Workshop“, „Jerusalem“ sowie „Parade-alle!“ und „Altstadt“.

Vitaly Volovich ist Volkskünstler Russlands, Verdienter Künstler der RSFSR und Vollmitglied der Russischen Akademie der Künste. Im Jahr 2008 wurde in Jekaterinburg ein Denkmal für Wolowitsch und seine Freunde, die Künstler Misha Brusilovsky und German Metelev, errichtet. Eine skulpturale Komposition, die Künstler im Gespräch zeigt – „Bürger. Conversation“ befindet sich im Park an der Lenin Avenue. Wolowitsch ist Ehrenbürger von Jekaterinburg, Irbit und der Region Swerdlowsk.

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Letzten Herbst, im Alter von 89 Jahren, rutschte Vitaly Volovich aus, stürzte und brach sich die Hüfte. Als Wolowitsch im Krankenhaus mit dem Journalisten der Website über seinen Gesundheitszustand sprach, beschwerte er sich nicht über seinen Gesundheitszustand, sondern beschwerte sich: „Ich hatte so viel Arbeit und es war sehr traurig, mit der Arbeit aufhören zu müssen.“

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„Vitaly Volovich ist eine legendäre Persönlichkeit voller Ruhm, Mythen und Anbetung. „Wir können mit Sicherheit sagen, dass die Stadt eine Zukunft hat, solange Wolowitsch in Jekaterinburg lebt“, sagte sein Freund, ein weiterer berühmter Einwohner Jekaterinburgs, Misha Brusilovsky, der 2016 starb, über Wolowitsch.