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Hoje na seção “Arte em Cinco Minutos” falaremos sobre o artista mais famoso do nosso tempo - Damien Stephen Hirst. Vamos lidar com um tubarão em formaldeído usando uma tira de Mobius, descubra como arte medieval ecoa a caveira de diamante e vamos embarcar numa transgressão para descobrir se há vida na morte.

Referência: Damien Hirst é um artista inglês, empresário, colecionador de arte e a figura mais célebre do grupo Young British Artists, dominando o cenário artístico desde a década de 1990. Nascido em 7 de junho de 1965 em Bristol, Reino Unido.

Qual tema central As obras de Hirst?

Curto: Morte.

Mais detalhes: O confronto fundamental entre a negação da morte e a consciência da sua inevitabilidade é o tema central do artista. Hirst não anda por aí, ele entra na própria morte. Para explorar a fundo o tema, na juventude o artista ia ao teatro anatômico para fazer esquetes e trabalhava meio período no necrotério.

Como Hirst possui muitas obras relacionadas à morte, analisaremos uma instalação específica “A Thousand Years” de 1990 – uma das obras mais significativas do autor. É uma caixa dupla combinada: no primeiro recinto há uma cabeça de vaca e um mata-moscas elétrico, no segundo há larvas e moscas. Existem 4 furos na partição entre esses cubos. As moscas, voando para o primeiro cubo, imediatamente se dividiram em 2 grupos diferentes: o primeiro voou direto para as lâmpadas e, ao tocá-las, morreu imediatamente, e a segunda parte das moscas tentou ocupar o lugar na cabeça da vaca morta.

O artista fala sobre isso: “Lembro-me de estar uma vez com Gary Hume quando estava trabalhando nesta instalação, ele perguntou: "No que você está trabalhando agora?" Eu respondi: "Bem, eu tenho uma caixa de vidro, uma cabeça de vaca, minhocas e moscas. Tudo o que preciso fazer é encontrar um mata-moscas que mate todos eles". Ele olhou para mim como se eu fosse louco. E eu pensei: "Ótimo. Esta é uma ótima maneira de explicar isso como algo maluco - você apenas explica para alguém para que ele já tenha uma opinião. E isso apesar do fato de eles não terem ideia do que realmente é, então que eles não podem estar preparados para o que vêem."

Esta instalação remete-nos a Donald Judd, o pai do minimalismo. O artista recusa a beleza tradicional, a figuratividade e qualquer conteúdo sentimental.
Neste trabalho, Hirst capturou vida útil, ele mostrou como é ordenado o caos da vida e da morte.

É preciso dizer que às vezes Hirst se deixa levar: o britânico certa vez chamou os ataques terroristas de 11 de setembro de 2001 em Nova York de uma obra de arte, pela qual posteriormente teve que se desculpar.

Eu morrerei - e quero viver para sempre. Não posso escapar da morte e não posso escapar do desejo de viver. Quero ver pelo menos um vislumbre de como é morrer.

Hirst é o artista mais rico do mundo?

Resumidamente: D A.

Leia mais:P pelo menos é o que dizem todas as publicações ocidentais. A fortuna total do artista é estimada em um bilhão de dólares. Hirst vendeu a coleção completa "Beautiful Inside My Head Forever" na Sotheby's por £ 111 milhões (US$ 198 milhões), quebrando o recorde de leilão de um único artista. Também na lista dos artistas mais ricos estão Takashi Murakami, Jeff Koons, Jasper Johns. A propósito, o salário aproximado dos assistentes de Hirst é de US$ 32 mil.

Qual é o nome do estilo em que o artista trabalha?

Curto: Neoconceitualismo.

Mais detalhes: Neoconceitualismo ou pós-conceitualismo é uma direção que representa palco moderno desenvolvimento do conceitualismo dos anos 60-70. O neoconceitualismo surgiu nos Estados Unidos e na Europa no final da década de 1970. O neoconceitualismo, como a arte conceitual, é antes de tudo uma arte de perguntas. A arte conceptual continua hoje a levantar questões fundamentais não só sobre a definição da arte em si, mas também sobre política, meios de comunicação e sociedade. O neoconceitualismo está principalmente associado às atividades dos Jovens Artistas Britânicos, que se declararam ruidosamente na década de 1990.

Eventos importantes

1991: Charles Saatchi financia Damien Hirst e Próximo ano A Galeria Saatchi está exibindo seu trabalho "A Impossibilidade Física da Morte na Mente de Alguém Vivo" - um tubarão em formaldeído.

1993: Vanessa Beecroft realiza sua primeira apresentação em Milão.

1999: Tracey Emin foi indicada para o Prêmio Turner. Faz parte de sua exposição a instalação “Minha Cama”.

2001: Martin Creed ganha o Prêmio Turner por "The Lights Going On and Off", uma sala vazia onde as luzes acendem e apagam.

2005: Simon Starling recebe o Prêmio Turner pelo Shedboatshed, uma estrutura de madeira que ele navegou no Reno.

Hirst tem pinturas?

Curto: Sim.

Mais detalhes: Hirst nunca se concentrou na pintura, mesmo quando frequentava o pioneiro Goldsmiths College na década de 1980. Ao contrário de outras escolas, que atraíam alunos que não conseguiam ingressar em uma faculdade de verdade, a Goldsmith School atraiu muitos alunos talentosos e professores criativos. Goldsmith introduziu um programa inovador que não exigia que os alunos desenhassem ou pintassem.
Mas Hirst ainda tem três usos para tinta.
Primeiro- são pinturas pontuais, círculos coloridos que crescem de Jeff Koons. Este projeto ainda está em andamento. Um dia, um artista abriu exatamente as mesmas exposições em várias cidades do mundo, cujo espaço inteiro estava repleto de pinturas com círculos multicoloridos.
Segundo- esta é uma pintura giratória, que envolve um círculo giratório sobre o qual a tinta é derramada, de modo que a própria tinta pinta uma tela dinâmica. A criação mais famosa nesse estilo foi todo o Estádio Olímpico. Hirst foi contratado para decorar a arena e despejou tinta no formato da bandeira britânica para comemorar a abertura das Olimpíadas. Mas como vemos, nem o primeiro nem o segundo é pintura, é uso de tintas sem desenho.

As pessoas que criticam a arte moderna esquecem que toda arte já foi moderna.

Terceiro- são obras no estilo de Francis Bacon. No início, o próprio Hirst disse que não pintaria, pois suas pinturas seriam absolutamente secundárias; ele tinha consciência de seu próprio epigonismo; Mas, por alguma razão, mudou de ideias e trouxe a sua pintura para a exposição pessoal “Requiem”, que foi apresentada aqui no Pinchuk Art Center em 2009. Além de obras antigas, o artista expôs uma nova série de pinturas denominada “Pinturas de Caveira”. Eles se tornaram o principal alvo de invectivas sarcásticas dos críticos. “Parece que o que o espectador está vendo é um pastiche de Bacon, feito por um estudante”,- comentou um deles. Muitos dos críticos arte contemporânea Acredita-se que uma vez, no início dos anos 90, Hirst foi o líder indiscutível da Nova Arte Britânica e geralmente esteve na vanguarda da arte moderna, mas esses tempos já se foram, e agora o artista de vanguarda de ontem se tornou um fornecedor de kitsch ultra-caro - apenas para o gosto e gosto das mentes dos oligarcas da Europa Oriental e da Ásia, e as pinturas de Hirst são simplesmente indefesas.

Hirst também tem uma pintura “For Mom”. Retrata frutas e flores, sem alusões, reminiscências ou enigmas. Apenas frutas e flores. Porque desde que se tornou artista, sua mãe sempre o repreendeu porque seu filho não conseguia desenhar nada “normal”. Então ele escreveu, sério, o que poderia ser mais normal do que frutas e flores?

Descobriu-se recentemente que Hirst se tranca em seu galpão de jardim e pinta lá secretamente. "Animais em formaldeído não chocam mais o público; eles ficam muito mais surpresos quando você pega seus pincéis e tela e volta ao básico."- ele comentou sobre seu vergonhoso artista contemporâneo Aulas.

Gênio ou ficção?

Resumidamente: K Como foi dito nas sagradas escrituras, “se ele morrer, descobriremos”.

Mais detalhes: Hirst é inimaginavelmente rico e bem-sucedido, e também contemporâneo - esta é uma fórmula ideal que gera muitas discussões em torno da obra do britânico.

Alguns críticos consideram o artista um fenômeno criado artificialmente com um saco de dinheiro em vez de uma cabeça. Outros, como já dissemos, insultam a sua pintura, apontando para a sua imitação de Bacon. Mas Julian Spalding foi mais longe, considera Hirst uma ficção e simplesmente um não-artista, chamando-o ironicamente de vigarista, o que por um lado fala de engano, já que “con” em inglês significa “enganar”, e por outro por outro lado, é uma abreviatura da palavra “conceitualismo”, o que é engraçado. A propósito, "con" em língua Inglesa significa outro significado obsceno, algo como “membro”, era como Bill Gates era chamado na escola, então se você tentar criar uma pasta em sua área de trabalho com esse nome, não terá sucesso. Tente agora.
Os críticos da costa onde a grama é mais verde consideram Hirst um gênio que destila o puro espírito da arte da mistura da vida cotidiana com a ajuda da engenhosidade e da tecnologia avançada. Existem muitos argumentos apresentados para isso, o mais significativo dos quais (referindo-se ao discurso histórico) é que ele conseguiu desde o início tema antigo"morte" para criar uma arte completamente nova. Por outro lado, durante a exposição retrospectiva de Hirst no MOMA, o público aumentou 20 por cento, que outros argumentos são necessários?

O britânico é tão popular e controverso que outros artistas criam arte a partir dele. O escultor espanhol Eugenio Merino fez um objeto que retrata o suicídio de Damien Hirst: em uma caixa de vidro, um boneco semelhante ao artista britânico está ajoelhado com uma pistola encostada na têmpora ensanguentada. O objeto, como escreve o Daily Telegraph, é chamado de "4 the Love of Go(l)d". Assim, joga com o nome de um dos mais trabalho famoso Hirst - uma caveira incrustada de diamantes ("Pelo Amor de Deus"), e a palavra "ouro" - "ouro": o britânico é considerado um dos mais queridos artistas paz. Merino afirma ser fã do trabalho de Hirst. Ele diz o seguinte sobre seu objeto: “Claro, isso é uma piada, mas este é o paradoxo: se ele [Hirst] cometer suicídio, suas obras ficarão ainda mais caras.”

O que quer que os críticos deste mundo possam dizer, o correspondente do The Guardian disse melhor: “Numa era de criação, num mundo governado pelo ecletismo e pelo dinheiro, Hirst é “o artista que merecemos”.

Pergunta da gerente de relações públicas Anastasia Kosyreva

Qual é a diferença entre um tubarão no formaldeído de Hurst e um animal no formaldeído nas aulas de biologia? Por que a primeira é arte e a segunda não?

Curto:“Porque o primeiro está na galeria e o segundo não” (c) Hirst

Mais detalhes: Hirst, claro, brinca, geralmente é uma pessoa muito engraçada, isso pode ser visto em todas as suas entrevistas. Mas vamos conversar sério.
A instalação “Tubarão Tigre em Fomaldeído” é chamada “A Impossibilidade Física da Morte na Mente dos Vivos”. O tubarão foi capturado por um pescador australiano e vendido ao artista por US$ 9.500. E a instalação foi vendida em 2004 ao colecionador Steve Cohen por US$ 12 milhões. Estando perto deste tubarão, lembro-me do título do romance de Jonathan Foer, “Extremely Close, Incredably Loud”. A boca feia do tubarão está bem aberta, isso cria o efeito de um rosnado, um grito, como símbolo da dor de morrer. A boca aberta do tubarão refere-se às pinturas do artista favorito de Hirst, Francis Bacon. Em geral, Hirst poderia ter levado qualquer animal, mas escolheu um tubarão para não chocar a sociedade; um tubarão é uma fonte de perigo e um símbolo de morte; O tubarão duplica a morte: ele próprio está morto e, ao mesmo tempo, é portador da morte. O fenômeno mais incomum entre os tubarões é o canibalismo intrauterino. Cerca de 70% dos tubarões morrem em batalhas brutais ainda no útero.

Mas o mais importante neste trabalho não é o tubarão nem o formaldeído. O importante é que esta instalação esteja localizada num espaço estéril e minimalista, continuando novamente a tradição Judd. Um esquema construído de contraste entre a forma abstrata e durável de demonstração e seu conteúdo objetivo transitório. A arte, “por conta” da qual atua a forma da vitrine, cumpre aqui a sua função tradicional - parar o tempo.

Há também um jogo conceitual neste trabalho, em que o objeto da imagem é igual à própria imagem. Simplificando, a morte representa a morte. Tal faixa semântica de Mobius, quando o sentido de uma obra se fecha sobre si mesmo, quando a obra fala de si mesma.

Hirst diz sobre seu trabalho: "Estou tentando desvendar a morte. É difícil para as pessoas entenderem sua própria mortalidade, e muitos dos meus trabalhos são sobre isso. Meu tubarão é uma tentativa de descrever esse sentimento, o sentimento de medo irracional da morte. É por isso que usei um verdadeiro tubarão, tão grande que poderia engolir uma pessoa inteira E coloquei-o em um recipiente com um líquido de um tamanho que daria arrepios ao espectador. E esta não é uma visão sombria do mundo. , esperava que a morte servisse de inspiração e fonte de energia para o público.

Pergunta da editora-chefe Evgenia Lipskaya:

Por que ele escolheu as borboletas como material principal? Ele os matou ou os recolheu mortos?

Curto: 1. Ligado vida curtaÉ mais fácil mostrar o ciclo de vida de uma borboleta, e a morte de uma borboleta é uma demonstração muito clara do que é belo e do que é terrível.

2. Ele não os matou com as próprias mãos, mas também não os coletou. Borboletas foram trazidas de “berçários especiais” e depois morreram própria morte na galeria.

Mais detalhes: A instalação mais famosa do artista, onde os personagens principais são borboletas, chama-se “Falling in and Falling Out of Love”. Borboletas voavam livremente pela galeria, que também continha pratos com flores e frutas. Como as borboletas são criaturas de vida curta, elas caíram mortas bem no meio da exposição. Eles bateram nas pinturas e borraram, criando assim obras abstratas. As fotos ficaram lindas e ameaçadoras, porque estamos falando sobre sobre criaturas mortas. Depois chegou ao ponto de usar asas reais de borboletas mortas para fazer vitrais para catedrais góticas. Inicialmente, os visitantes não sabiam que as borboletas estavam morrendo ao longo da exposição; 400 novas criaturas eram apresentadas a cada semana. Quando o público soube que 9 mil borboletas morreram durante a exposição, começaram a atacar Hirst. Os adversários do artista enfatizaram particularmente o facto de que no seu habitat natural as borboletas poderiam viver muito mais tempo, até nove meses. No entanto, os representantes da Tate tiveram uma resposta para todas as censuras: foram criadas condições para as borboletas o mais próximo possível do seu habitat. Aliás, as borboletas foram trazidas em casulos; nasceram na exposição e morreram lá.

Inicialmente eram pupas espalhadas pela sala, mas depois de concluído o processo de metamorfose, as borboletas exóticas que nasceram voaram direto para as enormes telas com flores frescas. As borboletas grudaram nas telas pegajosas e depois de um tempo morreram, passando a fazer parte do quadro. Além disso, em verso Presos às telas gigantes havia cinzeiros enormes cheios até a borda de pontas de cigarro.

Há também as séries “Borboletas” e “Caleidoscópios”, onde, no primeiro caso, as borboletas mortas são coladas em uma tela recém-pintada sem o uso de cola e, no segundo, ficam bem coladas umas às outras, criando padrões que lembram um caleidoscópio.

É preciso dizer que as borboletas não são o único inseto que Hirst transforma em arte. Ele tem um trabalho feito inteiramente de moscas. Ou seja, a tela está coberta o mais densamente possível por moscas, por isso o artista criou seu próprio “quadrado preto”.

Pergunta da editora de beleza Christina Kilinskaya:

Quem comprou esta caveira e por quanto?

Curto: Um consórcio que inclui o próprio Hirst, seu empresário Frank Dunphy, o chefe da galeria White Cube e o famoso filantropo ucraniano Victor Pinchuk por US$ 100 milhões.

Mais detalhes: A instalação se chama “Pelo Amor de Deus” e representa um crânio humano feito de platina e incrustado de diamantes. Segundo Hirst, o nome foi inspirado nas palavras de sua mãe quando ela se dirigiu a ele com as palavras: “Pelo amor de Deus, o que você vai fazer a seguir?” (“Diga-me, o que você fará a seguir?” Pelo amor de Deus - literalmente, uma citação da Primeira Epístola de João: “Porque este é o amor de Deus” (1 João 5:3)). O crânio é feito de platina, como uma versão ligeiramente reduzida do crânio de um europeu de 35 anos que viveu entre 1720 e 1810. Toda a área do crânio, com exceção dos dentes originais, é cravejada com 8.601 diamantes pesando um total de 1.106,18 quilates. No centro da testa está o elemento principal da composição - um diamante rosa em forma de pêra. A obra custou a Hirst £ 14 milhões.

Em 2007, para fins de investimento, um grupo de investidores, que incluía o próprio Hirst, seu gerente Frank Dunphy, o chefe da galeria White Cube e o famoso filantropo ucraniano Victor Pinchuk, comprou a caveira por 50 milhões de libras (100 milhões de dólares americanos). . Este é um preço recorde pago por uma obra de um artista vivo.

"For the Love of the Lord" - uma síntese de kitsch, pop art, clássicos e tema eterno de morte. O crânio é uma implementação extremamente visual tema clássico Arte ocidental Vanitas vanitatum, - o artista demonstra que tanto dinheiro quanto luxo são decadência e vaidade.

Em essência, esta obra é uma réplica bastante espirituosa de Hirst sobre seu próprio sucesso comercial: em vez de disfarçá-lo timidamente, o artista o exibe - investindo na criação de um objeto ao custo de 15 milhões de libras. E o fato de esse objeto ser uma caveira apenas enfatiza o triunfo da religião do bezerro de ouro no mundo moderno.

No entanto, a comunidade artística não apreciou o aspecto auto-revelador das novas obras do artista inglês. Numa era de arte ética e politicamente preocupada, Damien Hirst tornou-se uma figura odiosa, e a reacção interna adequada à menção do seu nome é uma careta de ironia, irritação e tédio.

O próprio Hirst diz que “este objeto simboliza a riqueza e o valor da vida” e adiciona “A propósito, as caveiras de diamante também mostram como decorar a morte é uma ótima maneira de aceitar essa ideia.”

Minha fé na arte não é muito diferente do fanatismo religioso. Todos nós precisamos de algo para navegar no escuro.

Uma estátua de 16,5 metros de altura de um demônio sem cabeça ocupa o átrio do Palazzo Grassi

Pela primeira vez na história, ambos os espaços expositivos venezianos do colecionador François Pinault são dedicados a uma exposição. E eles foram ocupados por ninguém menos que Damien Hirst, um dos mais artista famoso modernidade. Os detalhes da exposição foram mantidos em segredo até a inauguração: só se sabia que novo projeto O autor cozinha há 10 anos.

Damien Hirst, "Hydra e Kali" (duas versões) e "Hydra e Kali debaixo d'água (fotografia subaquática de Christoph Gehrigk)." Foto: rudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

No domingo, 9 de abril, o público finalmente teve a oportunidade de assistir à exposição em Veneza do britânico Damien Hirst. Ele criou exposições para ela sob o manto do sigilo durante a última década.

"Cronos Devorando Seus Filhos"
Foto: Andrea Merola / ANSA / AP / Scanpix / LETA

“Os tesouros dos destroços do Incrível estão localizados em ambos os palácios da Fundação Pino - Palazzo Grassi e Punta della Dogana. Esta é a primeira vez na história que ambos os centros cederam espaço a um único artista.

A exposição é apresentada como um labirinto de múltiplas camadas de tesouros de um navio que afundou há 2.000 anos e só foi descoberto em 2008 (coincidentemente, o ano anterior ao auge da carreira de Hirst).

Damien Hirst, “Hydra e Kali” (fragmento). Foto: Andrea Merola/AP

Damien Hirst

Damien Hirst, de 51 anos, é considerado o artista vivo mais rico do mundo. Ele também é o representante mais proeminente do grupo Young British Artists (Britart), que domina a arte Albion Enevoado o último quarto de século.

A obra de Hirst "A Impossibilidade Física da Morte na Mente dos Vivos" (1991), representando um tubarão tigre em um aquário com formaldeído, é um símbolo dessa unificação.

Tesouros do Naufrágio do Incrível: Exposição Damien Hirst no Palazzo Grassi e Centro de Arte Contemporânea Punta della Dogana, Veneza. Foto: Damien Hirst e Science Ltd

“Tesouros dos destroços do Incrível é um labirinto de múltiplas camadas de esculturas, objetos históricos, fotografias e vídeos da “descoberta” e “resgate” da carga inestimável.

"Dois Garudas"

Segundo a lenda, o navio afundou na costa da África Oriental.

"Demônio com uma Taça"
Foto: Andrea Merola/EPA/Scanpix/LETA

A bordo estava uma extensa coleção de arte pertencente a um escravo liberto chamado Sif Amotan II.

O acervo incluía artefatos de todas as civilizações conhecidas da época e foi encaminhado para a ilha dos museus, onde seria exposto. O navio afundou e todos os seus objetos de valor repousaram serenamente nas profundezas do mar até 2008. Agora esses tesouros aparecem diante de nós.

Damien Hirst, “Cinco Mulheres Gregas Nuas”, “Cinco Torsos Antigos”, “Mulher Grega Nua” (três versões).

Cada exposição da exposição foi feita em triplicado. Na primeira versão, parece um tesouro levantado de dia do mar(“Coral” na linguagem de Hirst); no segundo - como uma relíquia resgatada e restaurada por restauradores modernos (“Tesouro”); e na terceira - como reprodução de um objeto pseudo-histórico (“Cópia”).

Damien Hirst, "Crânio de Ciclope" e "Mergulhadores estudam Crânio de Ciclope (fotografia subaquática)."
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damient Hirst, Caveira do Ciclope.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd

Damien Hirst, "Vista de Katya Ishtar Yo-landi."
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Existem enormes deusas guerreiras de bronze, bustos de mármore e crânios de ciclopes exclusivos, estatuetas de oração, tumbas, mesas, urnas, vitrines com escudos, joias preciosas e moedas.

Escultura na exposição “Tesouros do Incrível Naufrágio”
Foto: Despertar/Getty Images

Hirst usou uma variedade de materiais caros - malaquita, ouro, lápis-lazúli e jade - para criar uma coleção de artefatos com qualidade de museu que evoca o mundo antigo.

Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, A Cabeça Decepada da Medusa.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, "Tristeza".
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Para maior verossimilhança, muitas obras são decoradas com minhocas brancas e “corais” de cores incríveis. O tema do naufrágio é complementado por fotografias de grande formato e vídeos muito realistas de mergulhadores trabalhando na costa do arquipélago de Zanzibar.

De acordo com Artnet.com, navios de resgate especiais foram contratados para baixar as gigantescas estátuas de bronze até o fundo do Oceano Índico e depois levantá-las.

Damien Hirst, Hydra e Kali descobertos por quatro mergulhadores.
Foto: Christoph Gerigk © Damien Hirst e Science Ltd.

Damien Hirst, "O Calendário de Pedra".
Foto: Miguel Medina/AFP/Getty Images

Damien Hirst, "O Faraó Desconhecido" (fragmento). O modelo para este trabalho foi claramente o cantor, rapper, produtor, músico e estilista norte-americano Pharrell Williams. Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

É importante destacar que em todo esse ambiente cuidadosamente desenhado os rostos do músico Pharrell Williams, da modelo Kate Moss, das cantoras Rihanna e Yolandi Visser brilham...

Busto de Tadukheppa, esposa mais nova Faraó egípcio Amenhotep III
Foto: Miguel Medina/AFP/Scanpix/LETA

Sem falar na estátua do Mickey Mouse em Punta della Dogana. O próprio Damien Hirst aparece na obra de bronze "Busto do Colecionador Sif Amotan II", sugerindo que ele não é apenas um criador, mas também um colecionador de obras de arte.

Damien Hirst, “Esfinge” (versão “Coral”); abaixo - Damien Hirst, “Sphinx” (versão “Treasure”).
Ambas as fotos: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Segundo o New York Times, grandes negociantes – como a Gagosian Gallery ou a White Cube – já compraram algumas das obras a preços que variam entre os 500 mil e os 5 milhões de dólares por exemplar. Porém, como a maioria dos fatos expostos na exposição, esta informação está escondida sob um véu de sigilo.

Damien Hirst, Proteus.
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

Damien Hirst, "Buda de Jade".
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

A exposição de Damien Hirst “Tesouros dos Naufrágios do Incrível” será um dos eventos centrais da Bienal de Veneza e durará até 3 de dezembro de 2017.

Damien Hirst, "Os Restos de Apolo".
Foto: Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd.

A Galeria Gary Tatintsian inaugurou uma exposição de Damien Hirst, um dos artistas contemporâneos mais caros e famosos. Esta não é a primeira vez que Hirst é trazido à Rússia: antes houve uma retrospectiva no Museu Russo, uma pequena exposição na Galeria Triumph, além de uma coleção do próprio artista no MAMM. Desta vez, os visitantes serão presenteados com as obras mais significativas de 2008, vendidas pelo próprio artista no leilão pessoal da Sotheby's no mesmo ano. O Buro 24/7 conta porque borboletas, círculos multicoloridos e tabletes são tão importantes para a compreensão da obra de Hirst. .

Como Hirst se tornou um artista

Damien Hirst pode ser plenamente considerado a personificação dos Jovens Artistas Britânicos - uma geração de artistas não mais jovens, mas de muito sucesso, cujo auge de prosperidade ocorreu nos anos 90. Entre eles estão Tracey Emin com inscrições em neon, Jake e Dinos Chapman com uma paixão por pequenas figuras e uma dúzia de outros artistas.

YBA une não apenas estudo em faculdade de prestígio Goldsmiths, mas também a primeira exposição conjunta Freeze, que teve lugar em 1988 num edifício administrativo vazio nas docas de Londres. O próprio Hirst atuou como curador - selecionou as obras, encomendou o catálogo e planejou a abertura da exposição. Freeze atraiu a atenção de Charles Saatchi - magnata da publicidade, colecionador e futuro patrono da Young British Artists. Dois anos depois, Saatchi adquiriu a primeira instalação de Hirst em sua coleção, A Thousand Years, e também lhe ofereceu patrocínio para suas futuras criações.

Damien Hirst, 1996. Foto: Catherine McGann/Getty Images

O tema da morte, que mais tarde se tornou central na obra de Hirst, já aparece em Mil Anos. A essência da instalação era um ciclo constante: moscas emergiam dos ovos das larvas e rastejavam em direção ao apodrecimento cabeça de vaca e morreu nos fios de um mata-moscas eletrônico. Um ano depois, Saatchi emprestou dinheiro a Hirst para criar outra obra sobre o círculo da vida - o famoso tubarão empalhado colocado em formaldeído.

“A impossibilidade física da morte na consciência de uma pessoa viva”

Em 1991, Charles Saatchi comprou um tubarão australiano para Hirst por seis mil libras. Hoje o tubarão simboliza a bolha de sabão da arte moderna. Para os jornalistas, tornou-se um produto básico comum (por exemplo, o artigo da Sun intitulado “£ 50.000 por peixe e batatas fritas”) e também se tornou um dos principais tópicos do livro do economista Don Thompson “Como vender um tubarão empalhado por 12 milhões: a verdade escandalosa sobre a arte moderna e as casas de leilão."

Apesar do barulho, o chefe do fundo de hedge, Steve Cohen, comprou a obra em 2006 por oito milhões de dólares. Entre os compradores interessados ​​estava Nicholas Serota diretor da galeria Tate Modern maior museu Sovriska juntamente com o MoMA de Nova York e o Centro Pompidou de Paris. A atenção para a instalação foi atraída não só pela lista de nomes-chave da arte contemporânea, mas também pela duração da sua existência - 15 anos. Com o passar dos anos, o corpo do tubarão apodreceu e Hirst teve que substituí-lo e esticá-lo sobre uma moldura de plástico. “A Impossibilidade Física da Morte na Mente dos Vivos” foi o primeiro trabalho da série “História Natural” - posteriormente Hirst também colocou uma ovelha e carcaças de vaca desmembradas em formaldeído.

A impossibilidade física da morte na mente de alguém vivo, 1991

Ovelha Negra, 2007

O Paradoxo do Amor (Entrega ou Autonomia, Separação como Pré-Condição para Conexão.), 2007

A Tranquilidade da Solidão (para George Dyer), 2006

Rotações e caleidoscópios

As obras de Hirst podem ser divididas em vários gêneros. Além dos já citados aquários com formol, há “rotações” e “spots” – estes últimos são realizados pelos assistentes do artista em seu ateliê. As borboletas continuam o tema da vida e da morte. Aqui está um caleidoscópio, como um vitral em uma catedral gótica, e uma grandiosa instalação “Falling in or Falling Out of Love” - salas completamente cheias desses insetos. Para criar este último, Hirst sacrificou cerca de nove mil borboletas: 400 novos insetos eram trazidos diariamente para a Tate Gallery, onde foi realizada a retrospectiva, para substituir os mortos.

A retrospectiva tornou-se a mais visitada da história do museu: em cinco meses foi vista por quase meio milhão de espectadores. Ao lado do tema da vida e da morte, existe também uma “farmácia” lógica - ao olhar para as pinturas pontilhadas do artista, surgem associações especificamente com medicamentos. Em 1997, Damien Hirst abriu o restaurante Farmácia. Fechou em 2003, e a venda de itens decorativos e de interiores em leilão rendeu surpreendentes US$ 11,1 milhões. Hirst também desenvolveu o tema dos medicamentos de uma forma mais visual - uma série separada do artista é dedicada a armários com comprimidos dispostos à mão. O trabalho de maior sucesso financeiro foi “Spring Lullaby” - uma prateleira de comprimidos rendeu ao artista US$ 19 milhões.

Damien Hirst, Sem título, 1992; Em Busca do Nirvana, 2007 (fragmento da instalação)

"Pelo amor de Deus"

Outro trabalho famoso Hirst (e também caro em todos os sentidos) - uma caveira cravejada com mais de oito mil diamantes. A obra recebeu o nome da Primeira Epístola de João - “Porque este é o amor de Deus”. Isto novamente nos remete ao tema da fragilidade da vida, da inevitabilidade da morte e das discussões sobre a essência da existência. Na testa do crânio há um diamante no valor de quatro milhões de libras. A produção em si custou a Hirst 12 milhões, e o preço da obra chegou a cerca de 50 milhões de libras (cerca de 100 milhões de dólares). O crânio foi mostrado em Amsterdã museu estadual e depois vendido a um grupo de investidores por meio da galeria White Cube de Jay Jopling, outro grande negociante que colaborou com Hirst.

Damien Hirst, "Pois este é o amor de Deus", 2007

Discos, falsificações e o fenômeno da fama

Embora Hirst não estabeleça recordes absolutos, ele é considerado um dos mais caros entre os artistas vivos. A alta dos preços de suas obras atingiu o ápice no final dos anos 2000, com a venda de um tubarão, uma caveira e outras obras. Um episódio separado pode ser chamado de leilão da Sotheby's no auge de crise econômica 2008: rendeu-lhe 111 milhões de libras, o que é 10 vezes mais que o recorde anterior - um leilão semelhante de Picasso em 1993. O lote mais caro foi o "Bezerro de Ouro" - uma carcaça de touro em formol, vendida por 10,3 milhões de libras.

A história do desenvolvimento de Hirst é um exemplo de cenário ideal para qualquer artista moderno, no qual o marketing competente desempenhou um papel quase fundamental. Até histórias ridículas como a do limpador de galeria Eyestorm, que colocou a instalação do artista em um saco de lixo, ou o pastor da Flórida, condenado por tentar vender falsificações de Hirst em 2014, parecem incompreensíveis tendo como pano de fundo as travessuras barulhentas do próprio artista. O declínio no interesse em Hirst tornou-se mais óbvio nos últimos cinco anos após a próxima exposição no White Cube- a pressão dos críticos tornou-se mais perceptível, a engenhosidade de Hirst não surpreendeu mais o público cansado e os registros do leilão foram transferidos para outros jogadores - Richter, Koons e Kapoor. De uma forma ou de outra, o halo de fama de Hirst continua a se espalhar por suas obras antigas, que hoje podem ser vistas na Galeria Tatintsyan. Hirst também tem novos projetos pela frente – às vésperas da Bienal de Veneza, o artista inaugura uma grande exposição no Palazzo Grassi e em Punta della Dogana. Segundo o comunicado, eles são “fruto de uma década de trabalho” – é provável que todos voltem a falar de Damien Hirst.

Texto: Ksyusha Petrova

Hoje na Galeria de Moscou de Gary Tatintsyan abre a primeira exposição desde 2006 de Damien Hirst, um artista britânico que não é em vão chamado de “o grande e terrível”, comparando-o aos gênios da Renascença ou aos tubarões de Wall Street. Hirst é considerado o autor vivo mais rico, o que só alimenta a polêmica em torno de sua obra. Já que Charles Saatchi literalmente olhou de boca aberta para a instalação “A Thousand Years” - uma ilustração espetacular e sombria de tudo caminho da vida desde o nascimento até a morte, o ruído em torno dos métodos criativos e do valor estético das obras de Hirst não diminui, o que deixa o próprio artista, é claro, apenas feliz. Contamos por que as obras de Hirst são realmente dignas da enorme atenção que recebem e tentamos entender mundo interior artista - muito mais ambíguo e sutil do que pode parecer visto de fora.

"Longe do Rebanho", 1994

Hirst está agora com cinquenta e um anos e, há dez anos, abandonou completamente o fumo, as drogas e o álcool - há boas chances de que sua carreira dure várias décadas. Ao mesmo tempo, é difícil imaginar qual seria o próximo passo para um artista dessa envergadura - Hirst já representou seu país na cerimônia de abertura das Olimpíadas de Londres, gravou um vídeo para o grupo Blur, fez o máximo obra de arte mais cara do mundo (uma caveira de platina incrustada com diamantes), em oficinas emprega mais de cento e sessenta funcionários (Andy Warhol nunca sonhou com isso com sua “Fábrica”), e sua fortuna ultrapassa um bilhão de dólares. A imagem de um brigão, que tornou Hirst famoso junto com sua série de animais preservados em álcool na década de 1990, aos poucos deu lugar a uma outra mais calma: embora o artista ainda adore calças de couro e anéis com caveiras, ele não mostrou seu pênis para estranhos há muito tempo, como fez em seus “anos de glória militar”, e parece cada vez mais um empresário de sucesso do que uma estrela do rock, embora em essência ele seja ambos.

Hirst explica seu extraordinário sucesso comercial pelo fato de ter mais motivação para ganhar dinheiro do que os outros membros da associação de Jovens Artistas Britânicos que chefiava (enquanto ainda estudava na Goldsmiths, Hirst organizou exposição lendária“Freeze”, que atraiu a atenção de eminentes galeristas para jovens artistas). A infância de Hirst não pode ser chamada de próspera e feliz: ele nunca viu seu pai biológico, seu padrasto deixou a família quando o menino tinha doze anos e sua mãe católica resistiu desesperadamente às tentativas do filho de se tornar parte da então muito jovem subcultura punk.

Mesmo assim, ela apoiou suas atividades artísticas - talvez por desespero, porque Hirst era um adolescente difícil e todas as matérias, exceto desenho, eram difíceis para ele. Damien era regularmente pego com pequenos furtos em lojas e outras histórias desagradáveis, mas ao mesmo tempo conseguia fazer esboços no necrotério local e estudar atlas médicos, que foram a fonte de inspiração para seu autor favorito, o obscuro expressionista Francis Bacon. As pinturas de Bacon influenciaram muito Hirst: o sorriso do famoso tubarão preservado em álcool lembra o motivo recorrente de Bacon de sua boca aberta em um grito, aquários retangulares são as gaiolas e pedestais que são constantemente encontrados nas telas de Bacon.

Há alguns anos, Hirst, que nunca havia jogado em campo pintura tradicional, apresentou ao público uma série de suas próprias pinturas, claramente inspiradas nas obras de Bacon, e falhou miseravelmente: os críticos chamaram as novas obras de Hirst de uma paródia patética das pinturas do mestre e as compararam com “a pintura de um calouro que não mostra muita promessa.” Essas críticas contundentes podem ter ferido os sentimentos do artista, mas claramente não afetaram sua produtividade: com a ajuda de assistentes que fazem todo o trabalho rotineiro, Hirst continua sua interminável série de telas com pontos multicoloridos, pinturas "rotativas" criadas girando latas de tinta em centrífuga, instalações com pastilhas e em escala industrial produz obras bem vendidas.

← “AAA sem título”, 1992

Embora Hirst sempre tenha dito que o dinheiro era principalmente um meio de produzir arte em grande escala, não se pode negar que ele tinha um talento extraordinário para o empreendedorismo - igual, se não superior em escala, ao talento artístico. O britânico, que não é conhecido por sua modéstia, acredita que tudo que toca vira ouro – e isso parece ser verdade: mesmo no ano deprimente de 2008, um leilão de dois dias de suas obras na Sotheby's organizado pelo próprio Hirst superou todas as expectativas e quebrou o recorde de leilão de Picasso. Hirst, que parece um cara simples de Leeds, não tem vergonha de ganhar dinheiro com objetos que parecem estranhos à arte erudita - sejam skates de souvenir por seis mil dólares ou o elegante restaurante londrino Pharmacy, decorado no espírito da “farmácia” do artista. " Series. Os compradores das obras de Hirst não são apenas graduados em Oxford boas famílias, mas também uma nova camada de colecionadores – aqueles que vieram de baixo e ganharam fortuna do zero, como o próprio artista.

O status de estrela de Hirst e o custo vertiginoso de seu trabalho muitas vezes tornam difícil discernir sua essência - o que é uma pena, porque as ideias neles contidas não são menos impressionantes do que carcaças de vaca serradas em formaldeído. Mesmo no que parece ser cem por cento kitsch, Hirst tem uma ironia: sua famosa caveira cravejada de diamantes, vendida por cem milhões de dólares, é chamada de “Pelo Amor de Deus” (expressão que pode ser traduzida literalmente como “Em o nome do amor de Deus” é usado como a maldição de uma pessoa cansada: “Pois, pelo amor de Deus!”). Segundo o artista, ele foi inspirado a criar esta obra pelas palavras de sua mãe, que certa vez perguntou: “Deus tenha piedade, o que você fará a seguir?” (“Pelo amor de Deus, o que você vai fazer a seguir?”). As pontas de cigarro, expostas numa vitrine com pedantismo maníaco, são uma forma de calcular o tempo de vida: como animais em formaldeído, e uma caveira de diamante, referindo-se a enredo clássico memento mori, os cigarros fumados nos lembram da fragilidade da existência, que nossas mentes são incapazes de compreender, por mais que tentemos. E canecas multicoloridas, bitucas de cigarro e prateleiras com remédios são uma tentativa de organizar o que nos separa da morte, de expressar a agudeza de estar neste corpo e nesta consciência, que pode acabar a qualquer momento.

"Claustrofobia/Agorafobia", 2008

Em suas entrevistas, Hirst diz cada vez mais que na juventude se sentiu eterno, mas agora o tema da morte para ele tem muitas outras nuances. “Cara, meu filho mais velho, Connor, tem dezesseis anos. Vários amigos meus já morreram e estou envelhecendo”, explica o artista. “Não sou mais o mesmo bastardo que tentou gritar com o mundo inteiro.” Ateu convicto, Hirst volta regularmente a assuntos religiosos, dissecando-os impiedosamente e afirmando repetidamente que a existência de Deus é tão impossível quanto “a morte na mente dos vivos”.

Uma série de obras com borboletas vivas e mortas encarnam o pensamento do artista sobre a beleza e sua fragilidade. Esta ideia é mais claramente expressa na instalação “Falling in and Out of Love” (“In and Out of Love”): vários milhares de borboletas eclodem de casulos, vivem e morrem no espaço da galeria, e seus corpos colados às telas permanecem como um lembrete da fragilidade da beleza. Assim como as obras dos antigos mestres, é aconselhável ver pessoalmente as obras de Hirst pelo menos uma vez: tanto a memética “A Impossibilidade Física da Morte na Mente dos Vivos” quanto “Mãe e Filho Separados” produzem uma impressão completamente diferente se você fica ao lado deles. Estas e outras obras da série História Natural não são provocações por provocação, mas declarações ponderadas e líricas sobre as questões fundamentais da existência humana.

Como diz o próprio Hirst, na arte, como em tudo o que fazemos, só existe uma ideia - a procura de uma resposta às principais questões da filosofia: de onde viemos, para onde vamos e isto faz sentido? Um tubarão preservado em álcool, inspirado nas memórias de infância de Hirst do filme de terror “Tubarão”, confronta a nossa consciência com um paradoxo: porque é que nos sentimos desconfortáveis ​​ao lado da carcaça de um animal mortal, porque sabemos que ele não nos pode fazer mal? Será que o que sentimos faz parte do medo irracional da morte que sempre paira em algum lugar no limite da consciência - e, em caso afirmativo, como isso afeta as nossas ações e a vida diária?

Hirst tem sido repetidamente criticado pelos seus métodos criativos e declarações duras: por exemplo, em 2002, o artista teve de fazer um pedido público de desculpas por comparar o ataque terrorista de 11 de setembro ao processo artístico. O clássico vivo condenou Hirst por não fazer seu trabalho com as próprias mãos, mas por usar o trabalho de assistentes, e o crítico Julian Spalding até cunhou o termo paródico “Con Art”, que pode ser traduzido como “conceitualismo para otários”. Não se pode dizer que todos os gritos indignados contra Hirst fossem infundados: o artista foi repetidamente acusado de plágio, e também foi acusado de inflacionar artificialmente os preços de suas obras, sem falar nas declarações da Sociedade para a Proteção dos Direitos dos Animais, que foi preocupado com as condições de manutenção das borboletas no museu. Talvez o conflito mais absurdo associado ao nome do escandaloso britânico seja o seu confronto com o artista Cartrain, de dezasseis anos, que vendia colagens com fotografias da obra de Hirst “Em Nome do Amor de Deus”. O artista multimilionário processou o adolescente em duzentas libras, que ganhou com suas colagens, o que causou violenta indignação entre os representantes do mercado de arte.

← “Encantado”, 2008

O conceitualismo de Hirst não é tão sem alma quanto pode parecer: na verdade, o artista dá origem a um plano e dezenas de seus assistentes anônimos estão envolvidos em sua implementação - no entanto, a prática mostra que Hirst realmente se preocupa com o destino de suas obras. O caso daquele mesmo tubarão conservado em álcool, que começou a se decompor, tornou-se uma das piadas preferidas do mundo da arte. Charles Saatchi decidiu salvar o trabalho esticando a pele do peixe sofredor em uma moldura artificial, mas Hirst rejeitou o trabalho refeito, dizendo que não causava mais uma impressão tão terrível. Como resultado, a instalação já danificada foi vendida por doze milhões de dólares, mas por insistência do artista o tubarão foi substituído.

Matt Collishaw, amigo de Hirst e colega da YBA, o descreve como “um hooligan e um esteta” e, embora a parte do hooligan seja clara, o lado estético é frequentemente esquecido: talvez o extraordinário talento artístico de Hirst só possa ser apreciado em exposições de obras de sua extensa obra.