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Quanto custa a arte contemporânea? Qual dos artistas vivos goza de maior reconhecimento, cuja medida são as notas? O site Artnet respondeu a esta questão analisando os resultados dos leilões de 2011 a 2015 e compilando uma lista artistas contemporâneos mais vendidos. Infelizmente, não havia criadores da Rússia na lista.

10. Ed Rusha

Na década de 60 do século passado, Ed, ao lado de artistas famosos como Andy Warhol e Jim Dine, participou do evento histórico “New Image itens comuns" Foi uma das primeiras exposições do estilo pop art emergente na América. Para os olhos não iluminados, as pinturas de Rushei lembram mais uma inscrição em estêncil contra o pano de fundo de paisagens ou um alegre toque de flores. No entanto, em 4 anos as suas criações foram vendidas por um total de US$ 129.030.255.

9. Ricardo Príncipe

Richard fez seu nome refotografando imagens de anúncios impressos, editando-as em ordem aleatória e embelezando-as com slogans contundentes. Cowboys de Marlboro, celebridades, estrelas pornôs, enfermeiras e namoradas motociclistas sofreram em suas mãos. Ele também pinta capôs ​​de carros. O público apreciou suas obras US$ 146.056.862– foi exatamente por esse valor que foram vendidas várias obras do artista.

8. Yayoi Kusama

O artista, que sofre de doença mental, gosta de cobrir superfícies com pontos de tinta – chamados de “redes infinitas”. Ela conseguiu transformar esta ervilha e sua própria doença em uma marca registrada e hoje é a artista contemporânea mais vendida no mundo ( US$ 152.768.689).

7. Peter Doig

Um dos representantes da tradição pintura de paisagem. Seu trabalho goza de popularidade constante entre os espectadores cansados ​​​​do pós-modernismo hiperirônico - afinal, depois das inscrições, colagens de fotografias e cadeiras de bolinhas, é tão agradável parar o olhar na paisagem noturna tropical. Ao longo de 4 anos, as pinturas foram vendidas por US$ 155.229.785.

6. Fan Zeng

Inscrições caligráficas, paisagens em aquarela transparentes e retratos em estilo tradicional chinês também estão vendendo bem - US$ 176.718.242 de 2011 a 2015.

5. Cui Ruzhou

Este artista chinês contemporâneo é famoso por suas pinturas a tinta de flores, pássaros e paisagens. No entanto pessoas comuns incapaz de compreender o poderoso poder da arte - e em 2012, uma faxineira do Grand Hayatt Hotel acidentalmente jogou no lixo uma de suas obras no valor de US$ 3,7 milhões. As obras de Cui Ruzhou foram vendidas nos últimos 4 anos US$ 223.551.382.

4. Zeng Fanzhi

Complexas obras multicoloridas de outro artista chinês, onde criaturas e objetos vivos estão emaranhados em uma teia ou perdidos em uma floresta de inverno, bem como pioneiros sinistros com mãos ensanguentadas, também venderam bem de 2011 a 2015 - por US$ 267.949.220.

3. Christopher Lã

A marca registrada de Christopher são enormes telas brancas com letras pretas. Quatro dessas letras com a palavra Riot foram vendidas na Sotheby's por US$ 29,9 milhões. E em apenas 4 anos, as obras do artista foram vendidas por uma quantia de US$ 323.997.854.

2. Jeff Koons

O ex-marido da atriz pornô Cicciolina prefere trabalhar no gênero neo-pop. Ele é especialmente famoso por suas esculturas de aço que imitam brinquedos feitos de balões oblongos. Por uma das obras (um cachorro de aço laranja) foram pagos US$ 58,4 milhões no leilão da Christie's. Jeff também planeja instalar um guindaste em frente ao Museu de Arte de Los Angeles, no qual uma locomotiva a vapor será pendurada para soprar e emitir nuvens de fumaça. De 2011 a 2015, Koons vendeu obras por um valor total de US$ 379.778.439.

1. Gerard Richter

Em primeiro lugar no ranking dos artistas com pinturas mais vendidas está um mestre que nem se considera tal. Segundo Gerard, durante muito tempo ele criou algo que não tinha nada a ver com arte, composição, cor, criatividade, etc. Ou seja, cobria telas com manchas de tinta com raspadores e espátulas. Uma dessas pinturas chamada “Imagem Abstrata”, que mais lembra uma melancia que morreu em agonia, foi avaliada em leilão da Sotheby’s por US$ 43,6 milhões, e as obras do artista foram vendidas por uma quantia modesta de US$ 1.165.527.419.

Nº 20. US$ 75.100.000. "Royal Red and Blue", de Mark Rothko, vendido em 2012.

A majestosa tela foi uma das oito obras escolhidas a dedo pelo artista para sua marcante exposição individual no Art Institute of Chicago.

Nº 19. US$ 76.700.000. “Massacre dos Inocentes”, Peter Paul Rubens, criado em 1610.

A pintura foi comprada por Kenneth Thompson na Sotheby's de Londres em julho de 2002. Brilhante e trabalho dramático Rubens pode disputar o título de “sucesso mais inesperado”. A Christie's avaliou esta pintura em apenas 5 milhões de euros.

Nº 18. US$ 78.100.000. "Bal no Moulin de la Galette", Pierre-Auguste Renoir, pintado em 1876.

A obra foi vendida em 1990, na época foi listada como a segunda pintura mais cara do mundo já vendida. O proprietário da obra-prima era Ryoei Saito, presidente da Daishowa Paper Manufacturing Co. Ele queria que a tela fosse cremada com ele após sua morte, mas a empresa enfrentou dificuldades financeiras com suas obrigações de empréstimo, então a pintura teve que ser usada como garantia.

Nº 17. 80 milhões de dólares. "Turquesa Marilyn", de Andy Warhol, pintada em 1964, vendida em 2007.

Comprado pelo Sr. Steve Cohen. O preço não foi confirmado, mas este valor é geralmente considerado verdadeiro.

Nº 16. 80 milhões de dólares. "False Start" de Jasper Johns, escrito em 1959

A pintura pertencia a David Geffen, que a vendeu ao CEO do grupo de investimentos Citadel, Kenneth S. Griffin. É reconhecida como a pintura mais cara vendida durante a vida do artista, o mestre cult Jasper Johns.

Nº 15. $ 82.500.000. "Retrato do Doutor Gachet", Vincent Van Gogh, 1890.

O empresário japonês Ryoei Saito comprou a pintura em leilão em 1990. Naquela época era a pintura mais cara do mundo. Em resposta ao clamor que surgiu na sociedade quanto ao desejo de Saito de cremar consigo a obra de arte após a morte, o empresário explicou que, desta forma, expressa o seu carinho altruísta pela pintura.

Nº 14. $ 86.300.000. "Tríptico", Francis Bacon, 1976.

Esta obra-prima de Bacon em três partes quebrou o recorde anterior de obras vendidas (US$ 52,68 milhões). A pintura foi comprada pelo bilionário russo Roman Abramovich.

Nº 13. US$ 87.900.000. “Retrato de Adele Bloch-Bauer II”, Gustav Klimt, 1912.

Único modelo retratado duas vezes por Klimt e vendido alguns meses após a primeira versão. Este é um retrato de Bloch-Bauer, uma das quatro pinturas que arrecadou um total de US$ 192 milhões em 2006. O comprador é desconhecido.

Nº 12. US$ 95.200.000. "Dora Maar com um gato", Pablo Picasso, 1941.

Outra pintura de Picasso que foi à venda por um preço fabuloso. Em 2006, foi adquirido por um misterioso anônimo russo, que ao mesmo tempo comprou obras de Monet e Chagall no valor total de US$ 100 milhões.

Nº 11. US$ 104.200.000. "Menino com Cachimbo", Pablo Picasso, 1905.

Esta é a primeira pintura a quebrar a barreira dos US$ 100 milhões em 2004. Curiosamente, o nome da pessoa que demonstrou tanto interesse pelo retrato de Picasso nunca foi divulgado.

Nº 10. US$ 105.400.000. "Silver Car Crash (Duplo Desastre)", Andy Warhol, 1932.

Esta é a obra mais cara da famosa lenda da pop art, Andy Warhol. A imagem virou uma estrela arte contemporânea, indo para o martelo na Sotheby's.

Nº 9. US$ 106.500.000. “Nu, folhas verdes e busto”, Pablo Picasso, 1932.

Esta obra-prima sensual e colorida tornou-se a obra de Picasso mais cara já vendida em leilão. A pintura estava na coleção da Sra. Sidney F. Brody e não é exibida ao público desde 1961.

Nº 8. US$ 110 milhões "Bandeira", Jasper Johns, 1958.

"Bandeira" é a mais trabalho famoso Jasper Johns. O artista pintou sua primeira bandeira americana em 1954-55.

Nº 7. US$ 119.900.000. "O Grito", Edvard Munch, 1895.

Esta é uma obra única e colorida das quatro versões da obra-prima de Edvard Munch, "O Grito". Apenas um deles permanece em mãos privadas.

Número 6. US$ 135 milhões. “Retrato de Adele Bloch-Bauer I”, Gustav Klimt.

Maria Altman buscou na Justiça o direito de propriedade da pintura, já que Adele Bloch-Bauer a legou galeria estadual A Áustria e seu marido cancelaram posteriormente a doação em meio aos acontecimentos da Segunda Guerra Mundial. Tendo assumido os direitos legais, Maria Altman vendeu o retrato a Ronald Lauder, que o expôs em sua galeria em Nova York.

Número 5. US$ 137.500.000. "Mulher III", Willem de Kooning.

Outra pintura vendida pela Geffen em 2006, mas desta vez o comprador foi o bilionário Stephen A. Cohen. Esta estranha abstração fazia parte de uma série de seis obras-primas de Kooning, pintadas entre 1951 e 1953.

Nº 4. US$ 140 milhões. "Nº 5, 1948", Jackson Pollock.

Conforme noticiado no New York Times, o produtor e colecionador de filmes David Geffen vendeu a pintura a David Martinez, sócio-gerente da FinTech Advisory, embora este último não tenha confirmado a informação. A verdade está envolta em mistério.

Todos os anos, o portal Artprice publica uma lista dos artistas mais caros do mundo, cujas obras são vendidas em leilão por quantias alucinantes. Via de regra, esta classificação inclui nomes de pintores e escultores famosos, cujos preços podem deixar você tonto. Os dez primeiros da classificação “Artprcie” incluíram mestres como: Claude Monet, Qi Baishi, Alberto Giacometti e Jeff Koons. Em 2014, obras de dez dos artistas e escultores mais caros foram vendidas em leilão por colossais 2,7 mil milhões de dólares. A obra mais cara, a escultura “Chariot” de Giacometti, foi leiloada por US$ 90 milhões. Quer saber quem está entre os cinco artistas mais caros do mundo? Leia nossa postagem.

10 FOTOS

O material foi elaborado com o apoio do hipermercado de criatividade online http://rosa.ua/catalog/s1161_molberti/, que oferece uma ampla seleção de cavaletes dos tipos mais populares.

1. O quinto lugar entre os artistas mais caros do mundo é ocupado por Mark Rothko, artista americano, representante do expressionismo abstrato, além de criador da “pintura de campo colorido”. No ano passado, suas obras foram vendidas em leilão por um total de US$ 249,2 milhões, e a mais cara delas foi a leilão por US$ 59 milhões. (Foto: Getty Images).
2. A pintura mais cara de Mark Rothko é “Orange, Red, Yellow” (foto), que foi vendida na Christie’s em maio de 2012 por US$ 77,5 milhões. (Foto: Jeremy Yoder/flickr.com). 3. Gerhard Richter ficou em quarto lugar no ranking - ele é o único artista vivo que está entre os cinco mestres mais caros do mundo. Ele surpreende não tanto pela posição elevada no ranking, mas pela criatividade, geralmente difícil de classificar. Portanto, não é de surpreender que suas obras sejam extremamente populares e sejam vendidas em leilões por valores cada vez mais elevados. (Foto: Getty Images).
4. Em 2014, um total de 258 obras de Gerhard Richter foram vendidas por um valor total de US$ 254,3 milhões. Seu trabalho mais caro foi a pintura “Abstraktes Bild” (foto), de 1989, que foi leilões A Christie's foi vendida por US$ 28,7 milhões.
5. O terceiro lugar entre os artistas mais caros do mundo ficou com Francis Bacon, um artista irlandês autodidata. No ano passado, 122 pinturas foram vendidas por US$ 270 milhões. (Foto: Getty Images).
6. A pintura mais cara de Francis Bacon foi o tríptico “Três esboços para um retrato de Lucian Freud” (1969), que foi leiloado em 2013 por US$ 142,4 milhões. Atualmente é a obra de arte mais cara da história do mercado de leilões. (Foto: Garrett Bithell/flickr.com).
7. Em segundo lugar no ranking dos artistas mais caros do mundo está Pablo Picasso, cujas obras foram vendidas no ano passado por US$ 375 milhões. (Foto: Getty Images).
8. A obra mais cara de Pablo Picasso e a terceira na lista das pinturas mais caras do mundo é “Nu, folhas verdes e busto" (foto) 1932, vendido em 2010 por US$ 106,5 milhões. (Foto: James R fauxtoes/flickr.com).
9. Com base nos resultados de 2014, Andy Warhol se tornou o artista mais caro do mundo. Suas pinturas foram vendidas por US$ 569,5 milhões. Para efeito de comparação, todo o mercado francês de leilões de arte não conseguiu atingir tal volume de vendas no ano passado. (Foto: Getty Images).
10. Em 2014, a pintura mais cara de Andy Warhol foi “Elvis Triple” (1963), que foi vendida em leilão por US$ 81,9 milhões. (Foto: lar3/flickr.com).

Classificação dos resultados do leilão de obras de arte russa

1. Apenas os resultados do leilão público foram aceitos para participação.
2. Pertencer a artistas russos foi determinado pelo local de nascimento. Nascido no Império Russo ou na URSS - isso significa que ele é um artista russo, sem levar em conta a origem étnica ou descontos sobre como o destino se desenvolveu no futuro. Por exemplo, o fato de Kandinsky ter tido cidadania russa e alemã em épocas diferentes e ter morrido com cidadania francesa não é motivo para duvidar de que o artista seja russo.
3. Regra: um artista - uma pintura. Ou seja, a situação em que, a rigor, todos os primeiros lugares teriam que ser atribuídos às obras de Mark Rothko, resolve-se desta forma: deixamos apenas as obras mais caras, e ignoramos todos os outros resultados para as pinturas deste artista .

A classificação é baseada nos resultados tendo em conta o Prémio do Comprador, expresso em dólares (os valores apresentados nos leilões europeus, ou seja, em libras ou euros, são convertidos em dólares à taxa de câmbio do dia da negociação). Portanto, nem “A Gripe Espanhola” de Goncharova, vendida em 2 de fevereiro de 2010 por 6,43 milhões de libras, nem a pintura “Vista de Constantinopla e o Estreito de Bósforo” de Aivazovsky, pela qual foram pagas 3,23 milhões de libras em 24 de abril de 2012, não foram incluídos no rating na moeda da transação, ou seja, em libras, são mais caras que as pinturas que ocuparam lugar no ranking, mas não tiveram sorte com a cotação do dólar.

1. US$ 86,88 milhões Marcos Rothko. Laranja, Vermelho, Amarelo (1961)

Um dos mais artistas misteriosos modernidade. Dele caminho da vida como se fosse tecido a partir de contradições - nas buscas criativas, nas ações, nos gestos... Considerado um dos ideólogos e, claro, uma figura-chave do expressionismo abstrato americano, Rothko não suportava quando suas obras eram chamadas de abstratas. Tendo conhecido bem no passado o que era viver da mão à boca, certa vez devolveu aos seus clientes um avanço absolutamente fantástico em termos de dinheiro de hoje, ficando com uma obra quase completamente concluída. Há quase cinquenta anos que espera pelo seu sucesso e pela oportunidade de ganhar a vida da pintura, mais de uma vez recusou pessoas que poderiam destruir a sua carreira se quisessem. No mínimo, socialista de coração, que compartilhava das ideias de Marx e era hostil aos ricos e ricos, Rothko acabou se tornando o autor das pinturas mais caras do mundo, o que na verdade se transformou em um atributo do alto status de Seus donos. (Não é brincadeira, o recordista “White Center”, vendido por US$ 65 milhões, veio da família Rockefeller.) Sonhando com o reconhecimento do grande público, ele acabou se tornando o criador de pinturas que ainda são verdadeiramente compreensíveis apenas para um círculo. de intelectuais e conhecedores. Por fim, o artista, que buscou uma conversa com Deus através da música de suas telas, o artista, cujas obras se tornaram o elemento central no projeto da igreja de todas as religiões, encerrou sua vida com um ato completamente desesperado de luta contra Deus. ..

Rothko, que se lembrava do Pale of Settlement e dos cossacos, poderia ter ficado surpreso ao ver que eles também estão orgulhosos dele como artista russo. No entanto, havia muito anti-semitismo na América na década de 1930 - não foi por acaso que o artista “truncou” o sobrenome da família Rotkovich. Mas nós o chamamos de russo por um motivo. Para começar, com base no fato do nascimento. A Dvinsk letã, atual Daugavpils, na época do nascimento de Marcus Rotkovich, faz parte da Rússia e assim permanecerá até o colapso do império, até 1918. É verdade que Rothko não verá mais a revolução. Em 1913, o menino foi levado para os EUA, a família mudou-se para Portland, Oregon. Ou seja, passei minha infância e adolescência na Rússia, onde se formaram minha percepção e visão de vida. Além de ter nascido aqui, Rothko está associado à Rússia, notamos, tanto por temas ideológicos quanto por conflitos. Sabe-se que apreciou as obras de Dostoiévski. E mesmo os vícios aos quais Rothko se entregou estão, por algum motivo, associados no mundo aos russos. Por alguma razão, a depressão no Ocidente é chamada de “doença russa”. O que não é um argumento, claro, mas mais um toque à integridade da natureza do artista russo.

Rothko levou 15 longos anos para fazer descobertas inovadoras na pintura. Tendo passado por diversos hobbies figurativos, incluindo o surrealismo e o expressionismo figurativo, em meados da década de 1940 simplificou extremamente a estrutura de suas pinturas, limitando os meios de expressão a alguns blocos coloridos que formam a composição. A base intelectual do seu trabalho é quase sempre uma questão de interpretação. Rothko geralmente não dava respostas diretas, contando com a participação do espectador na compreensão da obra. A única coisa com que ele definitivamente contava era o trabalho emocional do espectador. As suas pinturas não são para descanso, nem para relaxamento e nem para “massagem visual”. Eles são projetados para empatia. Alguns os vêem como janelas que permitem olhar para a alma do espectador, enquanto outros os vêem como portas para outro mundo. Há uma opinião (talvez a mais próxima da verdade) de que seus campos coloridos são imagens metafóricas de Deus.

O poder decorativo dos “campos de cores” é explicado por uma série de técnicas especiais utilizadas por Rothko. Suas pinturas não toleram molduras maciças - no máximo bordas finas na cor da tela. O artista tingiu deliberadamente as bordas das pinturas em gradiente para que o campo pictórico perdesse suas fronteiras. Os limites difusos dos quadrados internos também são uma técnica, uma forma sem contraste de criar o efeito de tremor, a aparente sobreposição de blocos de cores, a pulsação de pontos, como o tremeluzir da luz de lâmpadas elétricas. Esta suave dissolução da cor dentro da cor foi particularmente conseguida em óleos, até a mudança de Rothko para o acrílico opaco no final dos anos sessenta. E o efeito de pulsação elétrica encontrado se intensifica se você olhar as pinturas de perto. De acordo com o plano do artista, é ideal que o espectador veja telas de três metros a uma distância não superior a meio metro.

Hoje, as pinturas de Rothko são o orgulho de qualquer museu famoso de arte moderna. Assim, na English Tate Gallery existe um salão Rothko, onde vivem nove pinturas daquelas que foram pintadas sob contrato com o restaurante Four Seasons. Há uma história ligada a este projeto que é bastante indicativa do caráter de Rothko. Em 1959, o artista foi contatado por recomendação dos proprietários do badalado restaurante “Seasons”, inaugurado no inusitado arranha-céu nova-iorquino Seagram Building (em homenagem à empresa produtora do álcool). O valor do contrato em dinheiro de hoje era de quase US$ 3 milhões – uma taxa muito significativa mesmo para um artista estabelecido e reconhecido, como Rothko era naquela época. No entanto, quando a obra estava quase concluída, Rothko devolveu inesperadamente o adiantamento e recusou-se a entregá-lo ao cliente. Entre os principais motivos do ato repentino, os biógrafos consideraram a relutância em agradar a classe dominante e entreter os ricos no jantar. Acredita-se também que Rothko ficou chateado ao saber que suas pinturas não seriam vistas pelos funcionários comuns que trabalhavam no prédio. No entanto, a versão mais recente parece muito romântica.

Quase 10 anos depois, Rothko doou algumas das telas preparadas para o Four Seasons para a Tate Gallery de Londres. Numa amarga ironia do destino, em 25 de fevereiro de 1970, dia em que as caixas com pinturas chegaram ao porto inglês, o artista foi encontrado morto em seu ateliê - com as veias cortadas e (aparentemente como garantia) uma enorme dose de soníferos em seu estômago.

Hoje, o trabalho de Rothko experimenta outra onda de interesse sincero. Realizam-se seminários, abrem-se exposições, publicam-se monografias. Nas margens do Daugava, na terra natal do artista, foi erguido um monumento.

As obras de Rothko não são excepcionalmente raras no mercado (como, por exemplo, as pinturas de Malevich). Todos os anos, aproximadamente 10 a 15 peças de suas pinturas são colocadas em leilão em leilões, sem contar os gráficos. Ou seja, não faltam, mas são pagos milhões e dezenas de milhões de dólares por eles. E esses preços não são acidentais. Pelo contrário, é uma homenagem à sua inovação, um desejo de abrir novas camadas de significado e juntar-se ao fenómeno criativo de um dos mais misteriosos artistas russos.

Em 8 de maio de 2012, no leilão de arte pós-guerra e contemporânea da Christie’s, a tela “Orange, Red, Yellow” de 1961 foi vendida por US$ 86,88 milhões, incluindo comissão. A obra vem da coleção do patrono da arte da Pensilvânia, David Pincus. David e sua esposa Gerry compraram a obra, medindo 2,4 × 2,1 metros, da Galeria Marlborough, e depois a emprestaram por um longo tempo ao Museu de Arte da Filadélfia. A pintura “Orange, Red, Yellow” tornou-se não apenas a obra mais cara de um artista de origem russa, mas também a obra mais cara do pós-guerra e da arte contemporânea vendida em leilão aberto.

2. US$ 60,00 milhões. Composição suprematista (1916)

Para o meu vida longa primeiro junto com Robert, e somente após sua morte em 1941, Sonya pôde experimentar muitos gêneros de arte. Ela estava envolvida em pintura, ilustração de livros, esquetes teatrais(em particular, ela desenhou o cenário do balé “Cleópatra” de Diaghilev), design de roupas, design de interiores, padrões têxteis e até afinação de carros.

Os primeiros retratos e abstrações de Sonia Delaunay dos anos 1900-10, bem como as obras da série Color Rhythms dos anos 1950-60, são muito populares em leilões franceses internacionais e nacionais. Seus preços costumam chegar a várias centenas de milhares de dólares. O principal recorde do artista foi estabelecido há mais de 10 anos - em 14 de junho de 2002 no leilão Calmels Cohen Paris. Depois a obra abstrata “Mercado no Minho”, escrita em 1915, durante a vida do casal Delaunay em Espanha (1914–1920), foi vendida por 4,6 milhões de euros.

32. US$ 4,30 milhões. Visão para o Jovem Bartolomeu (1922)

Se avaliarmos nossos artistas em uma escala peculiar de “russidade”, então Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862–1942) pode ser colocado com segurança em algum lugar no início da lista. Suas pinturas representando santos, monges e freiras em uma paisagem lírica “Nesterov”, completamente em sintonia com o humor altamente espiritual dos heróis, tornaram-se um fenômeno único na história da arte russa. Em suas telas, Nesterov falou sobre a Santa Rússia, sobre seu caminho espiritual especial. O artista, nas suas próprias palavras, “evitou retratar paixões fortes, preferindo-lhes uma paisagem modesta, uma pessoa vivendo uma vida espiritual interior nos braços da nossa Mãe Natureza”. E de acordo com Alexander Benois, Nesterov, junto com Surikov, foi o único artista russo que chegou pelo menos parcialmente perto das elevadas palavras divinas de “O Idiota” e “Karamazovs”.

O estilo especial e a religiosidade das pinturas de Nesterov foram formados por muitos fatores. Ele também foi influenciado por sua educação em uma família patriarcal e devota de comerciantes na cidade de Ufa, com suas paisagens tipicamente russas, e por seus anos de estudo com os itinerantes Perov, Savrasov e Pryanishnikov na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (de eles adotaram a ideia de arte que toca a mente e o coração) e de Pavel Chistyakov na Academia de Artes (aqui ele adotou a técnica do desenho acadêmico), e viagens à Europa em busca de inspiração, e um profundo drama pessoal ( a morte de sua amada esposa Maria um dia após o nascimento de sua filha Olga).

Como resultado, no final da década de 1880 - início da década de 1890, Nesterov já havia encontrado seu tema, e foi nessa época que escreveu “Visão ao Jovem Bartolomeu” (1889-1890). O enredo da imagem é retirado da Vida de São Sérgio. O jovem Bartolomeu (o futuro Sérgio de Radonej) conheceu um anjo disfarçado de monge e recebeu dele a bênção de Deus para compreender as Sagradas Escrituras e superar seus irmãos e pares. A imagem está imbuída de um sentido de milagroso - não só e nem tanto nas figuras de Bartolomeu e do Santo Ancião, mas também na paisagem envolvente, que é especialmente festiva e espiritual.

Em seus anos de declínio, o artista mais de uma vez chamou “Bartolomeu” de sua obra principal: “... se trinta, cinquenta anos depois da minha morte ele ainda diz algo às pessoas, isso significa que ele está vivo, isso significa que estou vivo”. A pintura virou sensação na 18ª exposição dos Itinerantes e instantaneamente tornou famoso o jovem artista de Ufa (Nesterov ainda não tinha trinta anos na época). P. M. Tretyakov adquiriu “Visão...” para sua coleção, apesar das tentativas de dissuadi-lo, como disse Nesterov, de “errantes ortodoxos”, que corretamente notaram no trabalho o enfraquecimento dos fundamentos “racionalistas” do movimento. Porém, o artista já havia feito seu próprio curso de arte, o que acabou o tornando famoso.

Com o advento do poder soviético, não chegaram os melhores tempos para Nesterov com sua pintura religiosa. O artista mudou para retratos (felizmente teve a oportunidade de pintar apenas pessoas de quem gostava profundamente), mas não se atreveu a pensar nos temas anteriores. No entanto, quando no início da década de 1920 surgiu um boato sobre a preparação de uma grande exposição de arte russa na América, Nesterov rapidamente decidiu participar na esperança de novo público. Escreveu diversas obras para a exposição, entre elas a repetição do autor de “Visão ao Jovem Bartolomeu” (1922), denominada “Visão a São Sérgio na adolescência” na imprensa americana. A nova versão tem formato menor (91 × 109) em comparação com a versão Tretyakov (160 × 211), a lua apareceu no céu, as cores da paisagem são um pouco mais escuras e há mais seriedade diante do jovem Bartolomeu. Nesterov, por assim dizer, resume com este quadro as grandes mudanças ocorridas desde a escrita da primeira “Visão...”.

As pinturas de Nesterov estavam entre as poucas que foram compradas na Exposição de Arte Russa de 1924, em Nova York. “Visão ao Jovem Bartolomeu” acabou na coleção dos famosos colecionadores e patronos de Nicholas Roerich - Louis e Nettie Horsch. Desde então até 2007, o trabalho foi transmitido nesta família por herança. E, finalmente, em 17 de abril de 2007, no leilão russo da Sotheby’s, a tela foi oferecida com uma estimativa de US$ 2 a 3 milhões e superou-a facilmente. O preço final do martelo, que se tornou recorde para Nesterov, foi de US$ 4,30 milhões. Com esse resultado, ele entrou em nossa classificação.

33. US$ 4,05 milhões. Jogadores (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) é outra maravilhosa artista da emigração russa, incluída em nossa classificação junto com Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya e Sonia Delaunay. As informações sobre a vida da artista são muito escassas; sua biografia ainda aguarda seu pesquisador. Sabe-se que Vera Shlesinger nasceu em 1896 em Moscou em uma família russa e uma francesa da Borgonha. Ela estudou em Moscou com Ilya Mashkov e foi quase sua aluna favorita, e depois teve aulas em Kiev com Alexandra Exter. Em 1918, ela se casou com o advogado S.Z. Rokhlin e foi com ele para Tiflis. A partir daí, no início da década de 1920, o casal mudou-se para França, onde Vera começou a expor ativamente no Salão de Outono, no Salão dos Independentes e no Salão das Tulherias. No seu estilo de pintura, inicialmente seguiu as ideias do Cubismo e do Pós-Impressionismo, mas no início da década de 1930 já tinha desenvolvido o seu próprio estilo, que uma revista francesa chamou de “um equilíbrio artístico entre Courbet e Renoir”. Naqueles anos Vera já morava separada do marido em Montparnasse e tinha entre seus fãs o costureiro Paul Poiret tema principal na pintura, ela escolheu retratos femininos e nus, o que pode ter sido facilitado por seu conhecimento de Zinaida Serebryakova (até mesmo um retrato de uma Serebryakova nua de Rokhlina sobreviveu), e as exposições pessoais da artista foram realizadas em galerias parisienses. Mas em abril de 1934, Vera Rokhlina, de 38 anos, cometeu suicídio. O que fez uma mulher no auge, que já havia conquistado muito no campo criativo, tirar a própria vida permanece um mistério. Sua morte prematura foi considerada a maior perda no cenário artístico parisiense naqueles anos.

O legado de Rokhlina está localizado principalmente no exterior, onde Vera passou os últimos 13 anos de sua vida e onde seu talento foi plenamente revelado. Na década de 1990 e no início de 2000, museus e galerias franceses começaram a realizar exposições individuais de Rokhlina e a incluir seu trabalho em exposições coletivas de artistas da Escola de Paris. Os colecionadores a conheceram, suas obras começaram a ser vendidas em leilões, e muito bem. O pico de vendas e preços ocorreu em 2007-2008, quando cerca de cem mil dólares por uma pintura de Rokhlina de bom formato se tornaram comuns. E assim, em 24 de junho de 2008, no leilão noturno de impressionistas e modernistas na Christie's em Londres, a pintura cubista "Jogadores" de Vera Rokhlina, pintada antes da emigração, em 1919, foi inesperadamente vendida por 8 vezes o valor estimado - por £ 2,057 milhões ( US$ 4,05 milhões) com uma estimativa de £ 250–350 mil.

34. US$ 4,02 milhões. Noite na Normandia (1861)

35. US$ 3,97 milhões. Cidade oriental. Bucara (1912)

Para Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968), filho de um pintor de ícones da cidade de Saratov, formado pela Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (onde estudou com Arkhipov, Serov e Korovin), um dos organizadores da associação Blue Rose, um dos principais e, certamente, o mais reconhecido tema de criatividade entre o público foi o Oriente. Quando o primeiro período simbolista de Pavel Kuznetsov dos anos 1900 com imagens semi-fantásticas de “Fontes”, “Despertares” e “Nascimentos” se esgotou, o artista foi para o Oriente em busca de inspiração. Ele se lembrou de como, quando criança, visitou seu avô nas estepes do Trans-Volga e observou a vida dos nômades. “De repente, lembrei-me das estepes e fui para o Quirguistão”, escreveu Kuznetsov. De 1909 a 1914, Kuznetsov passou vários meses nas estepes do Quirguistão, entre os nômades, imbuindo-se de seu modo de vida e aceitando-os como sua alma gêmea, “cita”. Em 1912-1913, o artista viajou pelas cidades da Ásia Central, viveu em Bukhara, Samarcanda e no sopé dos Pamirs. Na década de 1920, o estudo do Oriente continuou na Transcaucásia e na Crimeia.

O resultado dessas viagens ao leste foi uma série de pinturas impressionantes, nas quais se pode sentir o amor “Goluborozovsky” pela paleta azul, e o simbolismo de ícones e afrescos de templos próximos ao artista desde a infância, e a experiência percebida de tais artistas como Gauguin, Andre Derain e Georges Braque, e, bem, claro, toda a magia do Oriente. As pinturas orientais de Kuznetsov foram calorosamente recebidas não apenas na Rússia, mas também em exposições em Paris e Nova York.

Grande sorte criativa tornou-se o ciclo de pinturas “Cidade Oriental” escrito em Bukhara em 1912. Uma das maiores pinturas da série “Cidade Oriental”. Bukhara” foi leiloado na MacDougall’s em junho de 2014 com uma estimativa de £ 1,9–3 milhões. A obra tem proveniência e histórico de exposição impecáveis: foi comprada diretamente do artista; não mudou de residência desde meados da década de 1950; participou das exposições World of Art, da exposição de arte soviética no Japão, bem como de todas as principais retrospectivas vitalícias e póstumas do artista. Como resultado, um preço recorde foi pago a Kuznetsov pela pintura: £ 2,37 milhões (US$ 3,97 milhões).

36. $ 3,82 milhões. Heróis do Primeiro Plano Quinquenal (1936)

37. US$ 3,72 milhões. O Pastor das Colinas (1920)

Boris Dmitrievich Grigoriev (1886–1939) emigrou da Rússia em 1919. Tornou-se um dos artistas russos mais famosos no exterior, mas ao mesmo tempo foi esquecido em sua terra natal por muitas décadas, e suas primeiras exposições na URSS ocorreram apenas no final dos anos 1980. Mas hoje ele é um dos autores mais procurados e valorizados no mercado de arte russo; suas obras, tanto pinturas quanto gráficos, são vendidas por centenas de milhares e milhões de dólares.

O artista foi extremamente eficiente; em 1926 escreveu ao poeta Kamensky: “Agora sou o primeiro mestre do mundo.<…>Não peço desculpas por essas frases. Você precisa saber quem você é, caso contrário não saberá o que fazer. Sim, e minha vida é sagrada devido ao trabalho e aos sentimentos acima da média, e meus 40 anos provam isso. Não tenho medo de nenhuma competição, de qualquer ordem, de qualquer assunto, de qualquer tamanho e de qualquer velocidade.”

Provavelmente os mais famosos são os seus ciclos “Raça” e “Faces da Rússia” - muito próximos em espírito e diferindo apenas porque o primeiro foi criado antes da emigração e o segundo já em Paris. Nestes ciclos, somos apresentados a uma galeria de tipos (“rostos”) do campesinato russo: velhos, mulheres e crianças olham sombriamente diretamente para o espectador, atraem o olhar e ao mesmo tempo o repelem. Grigoriev não estava de forma alguma inclinado a idealizar ou embelezar aqueles que pintava, pelo contrário, às vezes leva as imagens ao grotesco; Entre os “rostos” pintados já na emigração, aos retratos camponeses somam-se retratos de contemporâneos de Grigoriev - poetas, atores - Teatro de Arte, bem como autorretratos. A imagem da “Raça” camponesa expandiu-se para uma imagem geral de uma Pátria abandonada, mas não esquecida.

Um desses retratos - o poeta Nikolai Klyuev na imagem de um pastor - tornou-se a pintura mais cara de Boris Grigoriev. No leilão da Sotheby's em 3 de novembro de 2008, a obra “O Pastor das Colinas” de 1920 foi vendida por US$ 3,72 milhões, com uma estimativa de US$ 2,5 a 3,5 milhões.

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O ranking das obras mais caras de artistas vivos é uma construção que diz muito menos sobre o papel e o lugar do artista na história da arte do que sobre idade e saúde

As regras para a elaboração da nossa classificação são simples: em primeiro lugar, apenas são consideradas as transações com obras de autores vivos; em segundo lugar, apenas são tidas em conta as vendas em hasta pública; e em terceiro lugar, observa-se a regra “um artista - uma obra” (se no ranking das obras dois registros pertencem a Jones, resta apenas o mais caro e os demais não são levados em consideração). A classificação é feita em dólares (ao câmbio da data da venda).

1. Coelho JEFF KOONS. 1986. $ 91,075 milhões

Quanto mais você assiste à carreira de Jeff Koons em leilões (1955), mais convencido você fica de que nada é impossível para a arte pop. Você pode admirar as esculturas de Koons em forma de brinquedos de balão, ou pode considerá-las kitsch e de mau gosto - você está certo. Uma coisa não pode ser negada: as instalações de Jeff Koons custaram quantias absurdas de dinheiro.

Jeff Koons começou seu caminho para a fama como o artista vivo de maior sucesso do mundo em 2007, quando sua gigante instalação de metal "Hanging Heart" foi comprada por US$ 23,6 milhões na Sotheby's. A obra foi comprada pela galeria de Larry Gagosian, que representa Koons. escreveu que no interesse do bilionário ucraniano Victor Pinchuk), a Galeria adquiriu não apenas uma instalação, mas, na verdade, uma obra de joalheria, embora a obra não fosse feita de ouro (o material era aço inoxidável) e fosse claramente maior em tamanho que um pingente comum (a escultura tinha 2,7 m de altura e pesava 1.600 kg), mas tem uma finalidade semelhante. Mais de seis mil e quinhentas horas foram gastas na produção da composição com um coração coberto de dez. Como resultado, uma enorme quantia de dinheiro foi paga pela espetacular “decoração”.

Em seguida foi a venda de “Balloon Flower” em roxo por £ 12,92 milhões (US$ 25,8 milhões) no leilão da Christie’s em Londres, em 30 de junho de 2008. Curiosamente, sete anos antes, os proprietários anteriores de “Flower” compraram a obra por US$ 1,1 milhão. É fácil calcular que durante esse período ela foi comprada. preço de mercado aumentou quase 25 vezes.

O declínio no mercado de arte de 2008-2009 deu aos céticos motivos para reclamar que a moda Koons havia passado. Mas eles estavam errados: junto com o mercado de arte, o interesse pelas obras de Koons foi reavivado. O sucessor de Andy Warhol como rei da pop art atualizou seu recorde pessoal em novembro de 2012 com a venda na Christie's de uma escultura multicolorida “Tulipas” da série “Celebration” por US$ 33,7 milhões, incluindo comissão.

Mas "Tulipas" eram "flores" literalmente e figurativamente. Apenas um ano depois, em novembro de 2013, ocorreu a venda da escultura em aço inoxidável “Balloon Dog (Orange)”: o preço do martelo chegou a US$ 58,4 milhões! Uma soma fabulosa para um artista vivo. Uma obra de um autor contemporâneo foi vendida pelo preço de uma pintura de Van Gogh ou de Picasso. Estas já eram bagas...

Com este resultado, Koons reinou durante vários anos no topo do ranking dos artistas vivos. Em novembro de 2018, foi brevemente superado por David Hockney (veja o segundo lugar em nosso ranking). Mas apenas seis meses depois, tudo voltou ao normal: em 15 de maio de 2019, em Nova York, no leilão de arte contemporânea e do pós-guerra da Christie's, foi colocada à venda uma escultura de livro didático de Koons de 1986 - uma prata “ Coelho” feito de aço inoxidável, imitando um balão de formato semelhante.

No total, Koons criou 3 dessas piadas mais uma cópia original. O leilão incluiu um exemplar de “Rabbit” número 2 - do acervo da cultuada editora Cy Newhouse, coproprietária da editora Conde Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). O “Coelho” prateado foi comprado pelo “pai do glamour” Cy Newhouse em 1992 por uma quantia impressionante para os padrões da época - US$ 1 milhão. Após 27 anos de briga entre 10 licitantes, o preço do martelo da escultura foi 80 vezes maior que o preço de venda anterior. E levando em conta a comissão do Buyer’s Premium, o resultado final foi de US$ 91,075 milhões, um recorde para todos os artistas vivos.

2. DAVID HOCKNEY Retrato do Artista. Piscina com duas figuras. 1972. $ 90.312.500

David Hockney (1937) é um dos artistas britânicos mais importantes do século XX. Em 2011, de acordo com uma pesquisa realizada com milhares de artistas e escultores profissionais britânicos, David Hockney foi eleito o artista britânico mais influente de todos os tempos. Ao mesmo tempo, Hockney venceu mestres como William Turner e Francis Bacon. Seu trabalho é geralmente classificado como pop art, embora em seus primeiros trabalhos ele tenha gravitado mais para o expressionismo no espírito de Francis Bacon.

David Hockney nasceu e foi criado na Inglaterra, no condado de Yorkshire. A mãe do futuro artista mantinha a família em um rigor puritano, e seu pai, um simples contador que fazia um pequeno desenho amador, incentivou o filho a se dedicar à pintura. Aos vinte anos, David mudou-se para a Califórnia, onde viveu por um total de cerca de três décadas. Ele ainda tem duas oficinas lá. Hockney fez dos heróis de suas obras pessoas ricas locais, suas vilas, piscinas e gramados banhados pelo sol da Califórnia. Uma de suas obras mais famosas do período americano - a pintura "Splash" - é a imagem de um feixe de respingos subindo de uma piscina depois que um homem pulou na água. Para representar esse feixe, que “vive” por não mais que dois segundos, Hockney trabalhou por duas semanas. Aliás, essa pintura foi vendida na Sotheby’s em 2006 por US$ 5,4 milhões e por algum tempo foi considerada sua obra mais cara.

Hockney (1937) já tem mais de oitenta anos, mas ainda trabalha e até inventa novas técnicas artísticas a partir de inovações técnicas. Era uma vez ele teve a ideia de fazer enormes colagens a partir de Polaroids, imprimiu seus trabalhos em aparelhos de fax e hoje o artista domina com entusiasmo o desenho no iPad. As pinturas desenhadas em tablet ocupam lugar de destaque em suas exposições.

Em 2005, Hockney finalmente retornou dos Estados Unidos para a Inglaterra. Agora ele pinta ao ar livre e em estúdio enormes (muitas vezes consistindo de várias partes) paisagens de florestas e charnecas locais. Segundo Hockney, durante os 30 anos que passou na Califórnia, ele ficou tão desacostumado com a simples mudança das estações que isso o fascina e fascina verdadeiramente. Ciclos inteiros das suas obras recentes são dedicados, por exemplo, à mesma paisagem em diferentes épocas do ano.

Em 2018, os preços das pinturas de Hockney ultrapassaram a marca dos US$ 10 milhões várias vezes. E em 15 de novembro de 2018, a Christie’s registrou um novo recorde absoluto para o trabalho de um artista vivo – US$ 90.312.500 pela pintura “Retrato de um Artista (Piscina com Duas Figuras)”.

3. GERHARD RICHTER Pintura abstrata. 1986. US$ 46,3 milhões

Clássico vivo Gerhard Richter (1932) ocupa o segundo lugar em nosso ranking. O artista alemão era o líder entre seus colegas vivos até que o recorde de 58 milhões de Jeff Koons fosse quebrado. Mas é pouco provável que esta circunstância abale a já férrea autoridade de Richter no mercado da arte. No final de 2012, o volume anual de leilões do artista alemão perde apenas para Andy Warhol e Pablo Picasso.

Por muitos anos, nada prenunciou o sucesso que agora se abateu sobre Richter. Durante décadas, o artista ocupou um lugar modesto no mercado de arte contemporânea e não almejou de forma alguma a fama. Podemos dizer que a fama o alcançou por conta própria. Muitos consideram o ponto de partida a compra pelo Museu do MoMA de Nova York, em 1995, de uma série de obras de Richter “18 de outubro de 1977”. O museu americano pagou US$ 3 milhões por 15 pinturas em tons de cinza e logo começou a pensar em realizar uma retrospectiva completa do artista alemão. A grandiosa exposição foi inaugurada seis anos depois, em 2001, e desde então o interesse pelo trabalho de Richter cresceu a passos largos. De 2004 a 2008, os preços de suas pinturas triplicaram. Em 2010, as obras de Richter já arrecadaram US$ 76,9 milhões; em 2011, segundo o site Artnet, as obras de Richter em leilões arrecadaram um total de US$ 200 milhões, e em 2012 (de acordo com Artprice) - US$ 262,7 milhões - mais do que o trabalho de qualquer outro. artista vivo.

Embora, por exemplo, o sucesso esmagador de Jasper Johns em leilões seja acompanhado principalmente por trabalhos iniciais, uma divisão tão nítida não é típica das obras de Richter: a demanda é igualmente estável para coisas de diferentes períodos criativos, dos quais houve muitos na carreira de Richter. Nos últimos sessenta anos, este artista experimentou quase todos os gêneros tradicionais de pintura - retrato, paisagem, marinho, nu, natureza morta e, claro, abstração.

A história dos discos de leilão de Richter começou com uma série de naturezas mortas “Velas”. 27 imagens fotorrealistas de velas no início da década de 1980, durante o período de sua pintura, custavam apenas 15 mil marcos alemães (US$ 5.800) por obra. Mas ainda ninguém comprou “Velas” na sua primeira exposição na Galeria Max Hetzler em Estugarda. Então o tema das pinturas foi chamado de antiquado; hoje “Velas” é considerada uma obra para todos os tempos. E custaram milhões de dólares.

Em fevereiro de 2008, "Vela", escrito em 1983, foi comprado inesperadamente por £ 7,97 milhões (US$ 16 milhões). Esse recorde pessoal durou três anos e meio. Então em outubro de 2011 outro "Vela" (1982) foi à falência na Christie's por £ 10,46 milhões (US$ 16,48 milhões). Com este disco, Gerhard Richter entrou pela primeira vez entre os três artistas vivos de maior sucesso, ficando atrás de Jasper Johns e Jeff Koons.

Então começou a marcha vitoriosa das “Pinturas Abstratas” de Richter. O artista pinta obras semelhantes usando uma técnica proprietária única: aplica uma mistura de cores simples e, em seguida, usa um raspador longo do tamanho de um pára-choque de carro para espalhá-los na tela. Isso produz transições de cores complexas, manchas e listras. Examinar a superfície de suas “Pinturas Abstratas” é como uma escavação: nelas são visíveis vestígios de várias “figuras” através das lacunas de inúmeras camadas coloridas.

9 de novembro de 2011 no leilão de arte contemporânea e do pós-guerra da Sotheby's, um grande "Pintura abstrata (849-3)" 1997 foi sob o martelo por US$ 20,8 milhões (£ 13,2 milhões). E seis meses depois, 8 de maio de 2012 no leilão de arte pós-guerra e contemporânea na Christie's em Nova York "Pintura abstrata (798-3)" 1993 foi recorde US$ 21,8 milhões(incluindo comissão). Cinco meses depois - outro recorde: "Pintura abstrata (809-4)" da coleção do músico de rock Eric Clapton em 12 de outubro de 2012 na Sotheby's em Londres foi leiloada por £ 21,3 milhões (US$ 34,2 milhões). A barreira dos 30 milhões foi ultrapassada por Richter com tanta facilidade, como se não estivéssemos falando de pintura moderna, mas de obras-primas com pelo menos cem anos. Embora no caso de Richter pareça que a inclusão no panteão dos “grandes” ocorreu durante a vida do artista. Os preços do trabalho do alemão continuam a subir.

O próximo disco de Richter pertenceu a uma obra fotorrealista - paisagem "Praça da Catedral, Milão (Domplatz, Mailand)" 1968. A obra foi vendida por 37,1 milhões no leilão da Sotheby's 14 de maio de 2013. A vista da mais bela praça foi pintada por um artista alemão em 1968, encomendada pela Siemens Electro, especialmente para o escritório da empresa em Milão. No momento em que foi escrito, era a maior obra figurativa de Richter (medindo quase três por três metros).

O recorde da Praça da Catedral durou quase dois anos, até 10 de fevereiro de 2015 não o interrompi "Pintura abstrata" ( 1986): O preço do martelo atinge £ 30,389 milhões ($ 46,3 milhões). A “Pintura Abstrata”, medindo 300,5 × 250,5 cm, colocada em leilão na Sotheby’s é uma das primeiras obras em grande escala de Richter na sua técnica especial de autor de raspar camadas de tinta. EM última vez em 1999, esta “Pintura Abstrata” foi adquirida em leilão por US$ 607 mil (desde este ano até a venda atual, a obra foi exposta no Museu Ludwig em Colônia). No leilão de 10 de fevereiro de 2015, um cliente americano, em etapas de leilão de £ 2 milhões, atingiu o preço de martelo de US$ 46,3 milhões. Ou seja, desde 1999, o preço da obra aumentou mais de 76 vezes!

4. CUI ZHUZHO “Grandes Montanhas Nevadas”. 2013. $ 39,577 milhões.

Durante muito tempo, não acompanhámos de perto a evolução da situação no mercado de arte chinês, não querendo sobrecarregar os nossos leitores com demasiada informação sobre arte “não nossa”. Com exceção do dissidente Ai Weiwei, que nem é tão caro quanto é um artista ressonante, os autores chineses pareciam demasiado numerosos e distantes de nós para se aprofundarem no que estava a acontecer no seu mercado. Mas as estatísticas, como dizem, são sérias, e se falamos dos autores vivos de maior sucesso no mundo, ainda não podemos prescindir de uma história sobre os destacados representantes da arte contemporânea no Império Celestial.

Vamos começar com o artista chinês Cui Ruzhuo. A artista nasceu em 1944 em Pequim e viveu nos EUA de 1981 a 1996. Depois de retornar à China, ele começou a lecionar na Academia Nacional artes Cui Ruzhuo reinterpreta o estilo tradicional chinês de pintura a tinta e cria enormes pinturas em pergaminho que os empresários e funcionários chineses adoram dar uns aos outros como presentes. No Ocidente, sabe-se muito pouco sobre ele, embora muitos devam se lembrar da história do pergaminho de US$ 3,7 milhões, que foi jogado fora por engano pelos faxineiros de um hotel de Hong Kong, confundindo-o com lixo. Então, foi precisamente o pergaminho de Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo já tem mais de 70 anos e o mercado para seu trabalho está prosperando. Mais de 60 obras deste artista ultrapassaram a marca de 1 milhão de dólares. No entanto, até agora, as suas obras só alcançaram sucesso em leilões chineses. Os registros de Cui Ruzhuo são verdadeiramente impressionantes. Primeiro ele "paisagem no neve" no leilão da Poly em Hong Kong 7 de abril de 2014 alcançou um preço de martelo de HK $ 184 milhões ( US$ 23,7 milhões).

Exatamente um ano depois 6 de abril de 2015, em um leilão especial da Poly em Hong Kong dedicado exclusivamente às obras de Cui Ruzhuo, série "A Grande Paisagem Nevada da Montanha Jiangnan"(Jiangnan é uma região histórica da China, ocupando a margem direita do curso inferior do Yangtze) de oito paisagens em tinta sobre papel atingiu um preço de martelo de HK $ 236 milhões ( US$ 30,444 milhões nos EUA).

Um ano depois, a história se repetiu novamente no leilão solo de Cui Ruzhuo realizado pela Poly Auctions em Hong Kong. 4 de abril de 2016 políptico de seis partes "Grandes Montanhas Nevadas" 2013 atingiu um preço de martelo (incluindo comissão da casa de leilões) de HKD 306 milhões (US$ 39,577 milhões)). Até agora, este é um recorde absoluto entre os artistas vivos asiáticos.

Segundo o negociante de arte Johnson Chan, que trabalha com arte contemporânea chinesa há 30 anos, existe um desejo incondicional de aumentar os preços da obra deste autor, mas tudo isto acontece a um nível de preços que dificilmente os colecionadores experientes irão querer. para comprar qualquer coisa. “Os chineses querem aumentar as classificações dos seus artistas inflacionando os preços das suas obras em grandes leilões internacionais como o organizado pela Poly em Hong Kong, mas não há dúvida de que essas classificações são completamente fabricadas”, comenta Johnson Chan no Cui. O último disco de Ruzhuo.

É claro que esta é apenas a opinião de um revendedor individual, mas temos um registo real registado em todas as bases de dados. Então vamos levá-lo em consideração. O próprio Cui Ruzhuo, a julgar por suas declarações, está longe da modéstia de Gerhard Richter no que diz respeito aos seus sucessos em leilões. Parece que esta corrida pelos recordes o fascina seriamente. “Espero que nos próximos 5 a 10 anos os preços das minhas obras excedam os preços das obras de mestres ocidentais como Picasso e Van Gogh. Este é o sonho chinês”, diz Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Bandeira. 1983. US$ 36 milhões

O terceiro lugar no ranking dos artistas vivos pertence a um americano Jasper Johns (1930). O preço recorde atual para o trabalho de Jones é de US$ 36 milhões. Eles pagaram tanto por seu famoso "Bandeira" no leilão da Christie's 12 de novembro de 2014.

A série de pinturas de “bandeiras”, iniciada por Jones em meados da década de 1950, logo após o retorno do artista do exército, tornou-se uma das centrais em sua obra. Ainda na juventude, o artista se interessou pela ideia do readymade, a transformação de um objeto do cotidiano em uma obra de arte. No entanto, as bandeiras de Jones não eram reais, foram pintadas em óleo sobre tela. Assim, a obra de arte adquiriu da vida cotidiana as propriedades de uma coisa; era ao mesmo tempo uma imagem da bandeira e da própria bandeira. Uma série de trabalhos com bandeiras trouxe fama mundial a Jasper Johns. Mas suas obras abstratas não são menos populares. Por muitos anos, a lista das obras mais caras, compilada de acordo com as regras acima, foi encabeçada por seu resumo "Falso começo". Até 2007, esta tela muito brilhante e decorativa, pintada por Jones em 1959, era considerada como tendo um preço quase inacessível para um artista vivo (até mesmo um clássico para toda a vida) - $ 17 milhões. Foi quanto pagaram em ouro para o mercado de arte 1988.

Curiosamente, o mandato de Jasper Johns como recordista não foi contínuo. Em 1989, ele foi interrompido pelo trabalho de seu colega Willem de Kooning: a abstração de dois metros “Blending” foi vendida na Sotheby's por US$ 20,7 milhões. Mas 8 anos depois, em 1997, de Kooning morreu, e “False Start de Jones novamente ficou em primeiro lugar no ranking de leilões de artistas vivos por quase 10 anos.

Mas em 2007 tudo mudou. O álbum False Start foi eclipsado pela primeira vez pelos trabalhos dos jovens e ambiciosos Damien Hirst e Jeff Koons. Em seguida, houve uma venda recorde por US$ 33,6 milhões da pintura “O Inspetor de Benefícios para Dormir”, de Lucien Freud (já falecido e, portanto, não participando desta classificação). Então começaram os registros de Gerhard Richter. No geral, até agora, com um recorde atual de 36 milhões, Jasper Johns, um dos mestres da arte americana do pós-guerra, trabalhando na intersecção do neodadaísmo, do expressionismo abstrato e da pop art, está no honroso terceiro lugar.

6. Ed Rushey Esmagar. 1963. US$ 30,4 milhões

O repentino sucesso da pintura “Smash” de um artista americano Edward Rushay (n. 1937) em leilão Christie's 12 de novembro de 2014 trouxe este autor ao número dos artistas vivos mais caros. O preço recorde anterior para o trabalho de Ed Rusha (o sobrenome Ruscha é frequentemente pronunciado em russo como “Rusha”, mas a pronúncia correta é Rusha) foi de “apenas” US$ 6,98 milhões: esse valor foi pago por sua tela “The Burning Gas Estação” em 2007. Sete anos depois "Esmagar" com uma estimativa de US$ 15 a 20 milhões atingiu o preço de martelo US$ 30,4 milhões. É óbvio que o mercado das obras deste autor atingiu um novo patamar - não é à toa que Barack Obama decora a Casa Branca com as suas obras e o próprio Larry Gagosian as expõe nas suas galerias.

Ed Ruscha nunca gravitou para a Nova York do pós-guerra com sua mania pelo expressionismo abstrato. Em vez disso, por mais de 40 anos, ele buscou inspiração na Califórnia, para onde se mudou de Nebraska aos 18 anos. O artista esteve nas origens de um novo movimento artístico, denominado pop art. Juntamente com Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud e outros cantores cultura popular Edward Rushey em 1962 participou da exposição “Nova Imagem das Coisas Comuns” no Museu de Pasadena, que se tornou a primeira exposição do museu Arte pop americana. No entanto, o próprio Ed Rusha não gosta quando seu trabalho é classificado como pop art, conceitualismo ou algum outro movimento artístico.

Seu estilo único é chamado de “pintura de texto”. A partir do final da década de 1950, Ed Ruscha começou a pintar palavras. Assim como para Warhol uma lata de sopa se tornou uma obra de arte, para Ed Rushay essas eram palavras e frases comuns, tiradas de um outdoor ou de uma embalagem de supermercado, ou dos créditos de um filme (Hollywood sempre esteve “perto” por muito tempo). Rushay, e ao contrário de muitos colegas artistas, Rusche respeitava a “fábrica de sonhos”). As palavras em suas telas adquirem propriedades de objetos tridimensionais; são verdadeiras naturezas mortas de palavras; Ao olhar para suas telas, a primeira coisa que vem à mente é a percepção visual e sonora da palavra pintada, e só depois o significado semântico. Este último, via de regra, não pode ser decifrado de forma inequívoca; A escolha de palavras e frases de Rushay pode ser interpretada de diferentes maneiras. A mesma palavra amarela brilhante “Smash” em um fundo azul profundo pode ser percebida como um chamado agressivo para quebrar algo ou alguém em pedaços; como um adjetivo solitário retirado do contexto (parte de alguma manchete de jornal, por exemplo), ou simplesmente como uma palavra separada capturada no fluxo urbano de imagens visuais. Ed Ruscha gosta dessa incerteza. “Sempre tive um profundo respeito por coisas estranhas e inexplicáveis... As explicações, de certa forma, matam as coisas”, disse ele em uma entrevista.

7. LÃ DE CHRISTOPHER Sem título (RIOT). 1990. $ 29,93 milhões

Artista americano Christopher Lã(1955) entrou pela primeira vez no ranking de artistas vivos em 2013 - depois de vender a obra “Apocalypse Now” por US$ 26,5 milhões. Este disco imediatamente o colocou no mesmo nível de Jasper Johns e Gerhard Richter. O valor desta transação histórica - mais de US$ 20 milhões - surpreendeu muitos, pois antes dela os preços das obras do artista não ultrapassavam US$ 8 milhões. No entanto, o rápido crescimento do mercado para as obras de Christopher Wool já era evidente naquela época: as do artista. o histórico incluiu 48 transações de leilão por valores acima de US$ 1 milhão, e 22 delas (quase metade) ocorreram em 2013. Dois anos depois, o número de obras de Chris Wool vendidas por mais de US$ 1 milhão chegou a 70, e um novo recorde pessoal não demorou a chegar. No leilão Obra da Sotheby’s de 12 de maio de 2015 “Untitled (RIOT)” foi vendido por $ 29,93 milhões incluindo o Prêmio do Comprador.

Christopher Wool é conhecido principalmente por seus trabalhos em grande escala com letras pretas em folhas de alumínio brancas. São eles que, via de regra, batem recordes nos leilões. Todas essas coisas são do final da década de 1980 - início da década de 1990. Segundo a lenda, um dia Wool estava andando por Nova York à noite e de repente viu grafites em letras pretas em um novo caminhão branco - as palavras sexo e amor. Essa visão o impressionou tanto que ele voltou imediatamente à oficina e escreveu sua própria versão com as mesmas palavras. Era 1987, e a busca adicional do artista por palavras e frases para suas obras de “letras” reflete o espírito contraditório dessa época. Este é o slogan “vender a casa, vender o carro, vender os filhos”, tirado por Wool do filme “Apocalypse Now”, e a palavra “FOOL” (“tolo”) em letras maiúsculas, e a palavra “RIOT” (“rebelião”), frequentemente encontrada nas manchetes dos jornais da época.

Wool aplicou palavras e frases em folhas de alumínio usando estênceis com tintas alquídicas ou esmalte, deixando deliberadamente respingos, marcas de estêncil e outras evidências do processo criativo. O artista dividiu as palavras de tal forma que o espectador não entendeu imediatamente o significado. A princípio você vê apenas um aglomerado de letras, ou seja, percebe a palavra como um objeto visual, e só então lê e decifra o significado da frase ou palavra. A lã utilizou uma fonte que foi utilizada pelos militares americanos após a Segunda Guerra Mundial, o que aumenta a impressão de uma ordem, uma diretriz, um slogan. Essas obras de “letras” são percebidas como parte da paisagem urbana, como grafites ilegais que violaram a limpeza da superfície de algum objeto de rua. Esta série de obras de Christopher Wool é reconhecida como um dos pináculos da abstração linguística e, portanto, muito valorizada pelos amantes da arte contemporânea.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. $ 28,81 milhões

Britânico Peter Doig(1959), embora pertença à geração dos pós-modernistas Koons e Hirst, escolheu para si um gênero de paisagem totalmente tradicional, que por muito tempo não foi apreciado pelos artistas avançados. Com o seu trabalho, Peter Doig reaviva o interesse cada vez menor do público pela pintura figurativa. Suas obras são muito apreciadas tanto por críticos quanto por não especialistas, e prova disso é o rápido aumento dos preços de suas obras. Se no início da década de 1990 as suas paisagens custavam vários milhares de dólares, agora custam milhões.

O trabalho de Doig é frequentemente chamado de realismo mágico. Baseado paisagens reais ele cria imagens fantásticas, misteriosas e muitas vezes sombrias. O artista adora retratar abandonado por pessoas objetos: um prédio em ruínas construído por Le Corbusier no meio da floresta ou uma canoa branca vazia na superfície de um lago na floresta. Além da natureza e da imaginação, Doig se inspira em filmes de terror, cartões postais antigos, fotografias, vídeos amadores, etc. As pinturas de Doig são coloridas, complexas, decorativas e não provocativas. É um prazer possuir essa pintura. O interesse dos colecionadores também é alimentado pela baixa produtividade do autor: o artista radicado em Trinidad não cria mais do que uma dezena de pinturas por ano.

No início dos anos 2000, paisagens individuais do artista foram vendidas por várias centenas de milhares de dólares. Ao mesmo tempo, as obras de Doig foram incluídas na Saatchi Gallery, na Whitney Museum Biennial e na coleção do MoMA. Em 2006, o nível do leilão de US$ 1 milhão foi superado. E no ano seguinte, ocorreu um avanço inesperado: a obra “White Canoe”, oferecida na Sotheby's em 7 de fevereiro de 2007 com uma estimativa de US$ 0,8 a 1,2 milhão, foi cinco vezes maior. do que a estimativa preliminar e foi vendido por £ 5,7 milhões (US$ 11,3 milhões). Naquela época, este era um preço recorde para obras de um artista europeu vivo.

Em 2008, Doig fez exposições individuais na Tate Gallery e no Museu de Arte Moderna de Paris. Os preços multimilionários do trabalho de Doig tornaram-se a norma. O recorde pessoal de Peter Doig Ultimamente começou a ser atualizado várias vezes ao ano - basta mudar a imagem e o lugar deste artista em nossa classificação de autores vivos.

Até o momento, a obra mais cara de Peter Doig é a paisagem nevada “Rosedale” de 1991. Curiosamente, o recorde não foi estabelecido na Sotheby’s ou na Christie’s, mas no leilão de arte contemporânea da casa de leilões Phillips. Isso aconteceu em 18 de maio de 2017. Uma vista do bairro nevado de Toronto, Rosedale, foi vendida a um comprador de telefone por US$ 28,81 milhões, cerca de US$ 3 milhões acima do recorde anterior (US$ 25,9 milhões para “Swallowed by the Mire”). "Rosedale" participou da principal exposição de Doig na Whitechapel Gallery em Londres em 1998 e, em geral, este trabalho era novo para o mercado e, portanto, o preço recorde é bem merecido.

9. FRANK STELLA Cabo dos Pinheiros. 1959. US$ 28 milhões

Frank Stella é um representante proeminente da abstração pós-pintura e do minimalismo na arte. A certa altura, ele é classificado como representante do estilo de pintura hard edge. A princípio, Stella contrastou a geométrica estrita, o monocromático ascético e a estrutura de suas pinturas com a espontaneidade e o caos das pinturas de expressionistas abstratos como Jackson Pollock.

No final da década de 1950, o artista foi notado pelo famoso galerista Leo Castelli e ganhou pela primeira vez uma exposição. Nele apresentou as chamadas “Pinturas Negras” - telas pintadas com linhas pretas paralelas com finos espaços de tela sem pintura entre elas. As linhas formam formas geométricas, que lembram um pouco ilusões de ótica, aquelas mesmas imagens que tremeluzem, se movem, se torcem, criam uma sensação de espaço profundo se você olhar para elas por muito tempo. Stella deu continuidade ao tema das linhas paralelas com finas listras divisórias em seus trabalhos sobre alumínio e cobre. As cores, a base pictórica e até a forma das pinturas mudaram (entre outras, destacam-se as obras no formato das letras U, T, L). Mas o princípio principal de sua pintura ainda era clareza de contorno, monumentalidade, forma simples e monocromática. Nas décadas seguintes, Stella afastou-se dessa pintura geométrica para formas e linhas suaves e naturais, e das pinturas monocromáticas para transições de cores brilhantes e variadas. Na década de 1970, Stella ficou cativada pelos enormes padrões usados ​​para pintar navios. O artista os utilizou para enormes pinturas com elementos de montagem - incluiu nas obras pedaços de tubos de aço ou telas de arame.

Em suas primeiras entrevistas, Frank Stella discute abertamente os significados colocados em suas obras, ou melhor, a falta deles: “O que você vê é o que você vê”. Uma pintura é um objeto em si e não uma reprodução de algo. “É uma superfície plana com tinta e nada mais”, disse Stella.

Bem, assinada por Frank Stella, esta “superfície pintada” pode valer milhões de dólares hoje. Pela primeira vez, Frank Stella entrou no ranking dos artistas vivos em 2015 com a venda da obra “Crossing the Delaware” (1961) por US$ 13,69 milhões, incluindo comissão.

Quatro anos depois, 15 de maio de 2019 novo recorde O trabalho inicial (1959) “Cape of Pines” estabeleceu: o preço do martelo era superior a US$ 28 milhões, incluindo comissão. Esta é uma das 29 “pinturas negras” – as mesmas com que Stella estreou em sua primeira exposição em Nova York. O graduado da Universidade de Princeton, Frank Stella, tinha 23 anos na época. Muitas vezes ele não tinha dinheiro suficiente para comprar tintas a óleo para artistas. O jovem artista ganhava dinheiro fazendo reparos, gostava muito das cores puras da tinta, e então surgiu a ideia de trabalhar com essa tinta sobre tela. Usando tinta esmalte preta, Stella pinta listras paralelas, deixando linhas finas de tela sem primer entre elas. Além disso, ele escreve sem réguas, a olho nu, sem esboço preliminar. Stella nunca sabia exatamente quantas linhas pretas haveria em uma determinada pintura. Por exemplo, na pintura “Cape of Pines” havia 35 deles. O título da obra refere-se ao nome do cabo na Baía de Massachusetts - Point of Pines. No início do século XX era um grande parque de diversões e hoje é um dos bairros da cidade de Revere.

10. YOSHITOMO NARA Faca nas costas. 2000. $ 24,95 milhões

Yoshitomo Nara (1959) é uma das figuras-chave da neo-pop art japonesa. Japonês - porque, apesar da fama mundial e de muitos anos de trabalho no exterior, seu trabalho ainda se distingue por uma identidade nacional pronunciada. Os personagens favoritos de Nara são meninas e cachorros no estilo dos mangás japoneses e dos quadrinhos de anime. As imagens que ele inventou já “vão para o povo” há muitos anos: são impressas em camisetas, souvenirs e com elas são feitos diversos “mercadorias”. Nascido em uma família pobre, longe da capital, ele não é apenas amado por seu talento, mas também valorizado como um self-made man. O artista trabalha de forma rápida e expressiva. Sabe-se que algumas de suas obras-primas foram concluídas literalmente da noite para o dia. As pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara, via de regra, são muito lacônicas, senão mesquinhas nos meios de expressão, mas sempre carregam uma forte carga emocional. As adolescentes de Nara costumam olhar para o espectador com um olhar cruel. Aos seus olhos há audácia, desafio e agressividade. Em suas mãos está uma faca ou um cigarro. Há uma opinião de que as perversões de comportamento retratadas são uma reação à moralidade social opressiva, a vários tabus e aos princípios de educação adotados pelos japoneses. A severidade e a vergonha quase medievais empurram os problemas para dentro e criam o terreno para uma explosão emocional retardada. “The Knife Behind Your Back” reflete sucintamente uma das ideias principais do artista. Nesta obra há o olhar odioso de uma menina e uma mão ameaçadoramente colocada nas costas. Até 2019, as pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara já haviam atingido a marca do milhão, ou mesmo vários milhões, mais de uma vez. Mas vinte milhões é a primeira vez. Nara é uma das artistas japonesas mais famosas do mundo. E agora o mais caro do mundo. Em 6 de outubro de 2109, na Sotheby’s em Hong Kong, ele recebeu este título de Takashi Murakami e derrotou visivelmente a artista de vanguarda Yayoi Kusama, de 90 anos (os preços máximos de leilão para suas pinturas já estão se aproximando de US$ 9 milhões).

11. ZENG FANZHI Última Ceia. 2001. US$ 23,3 milhões

No leilão da Sotheby's em Hong Kong 5 de outubro de 2013 tela em grande escala do ano "Última Ceia" Artista de Pequim Zeng Fanzhi (1964) foi vendido por um valor recorde de HK$ 160 milhões - US$ 23,3 milhões EUA. O custo final do trabalho de Fanzhi, escrito, é claro, sob a influência do trabalho de Leonardo da Vinci, acabou sendo duas vezes maior que a estimativa preliminar de cerca de US$ 10 milhões. O preço recorde anterior de Zeng Fanzhi era de US$ 10 milhões. 9,6 milhões, pago no leilão da Christie's Hong Kong em maio de 2008 pela obra "Série de máscaras. 1996. Não. 6".

“A Última Ceia” é a maior pintura (2,2 × 4 metros) de Fanzhi da série “Máscaras”, cobrindo o período de 1994 a 2001. O ciclo é dedicado à evolução da sociedade chinesa sob a influência Reformas econômicas. Introdução de elementos pelo governo chinês economia de mercado levou à urbanização e à desunião dos chineses. Fanzhi retrata moradores de cidades chinesas modernas que precisam lutar por um lugar ao sol. A conhecida composição do afresco de Leonardo na leitura de Fanzhi assume um significado completamente diferente: a cena de ação é transferida de Jerusalém para uma sala de aula de uma escola chinesa com típicos quadros de hieróglifos nas paredes. “Cristo” e os “apóstolos” transformaram-se em pioneiros com gravatas escarlates, e apenas “Judas” usa gravata dourada - esta é uma metáfora para o capitalismo ocidental penetrando e destruindo o modo de vida habitual num país socialista.

As obras de Zeng Fanzhi são estilisticamente próximas do expressionismo europeu e igualmente dramáticas. Mas, ao mesmo tempo, estão cheios de simbolismo e especificidade chineses. Esta versatilidade atrai colecionadores chineses e ocidentais para o trabalho do artista. Uma confirmação direta disso é a procedência de “A Última Ceia”: a obra foi colocada em leilão colecionador famoso Vanguarda chinesa da década de 1980 - início da década de 1990 - do barão belga Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Ponte. 1980. US$ 20,6 milhões

Em leilão Christie's 13 de maio de 2015 trabalho abstrato "Ponte" Artista americano de 85 anos Robert Ryman(Robert Ryman) foi vendido por US$ 20,6 milhões levando em consideração a comissão - duas vezes mais cara que a estimativa mais baixa.

Robert Ryman(1930) não percebeu imediatamente que queria se tornar um artista. Aos 23 anos, mudou-se de Nashville, Tennessee, para Nova York, com o desejo de se tornar saxofonista de jazz. Até se tornar um músico famoso, teve que trabalhar meio período como segurança no MoMA, onde conheceu Sol LeWitt e Dan Flavin. O primeiro trabalhava no museu como secretário noturno e o segundo como segurança e ascensorista. Impressionado com as obras de expressionistas abstratos que viu no MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock e Newman - Robert Ryman começou a pintar sozinho em 1955.

Ryman é muitas vezes considerado um minimalista, mas prefere ser chamado de “realista” porque não está interessado em criar ilusões, está apenas demonstrando as qualidades dos materiais que utiliza. A maioria de suas obras são pintadas com tintas de todos os tons possíveis. branco(do acinzentado ou amarelado ao branco deslumbrante) baseado em uma forma quadrada lacônica. Durante sua carreira, Robert Ryman experimentou diversos materiais e técnicas: pintou a óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, guache, etc. sobre tela, aço, plexiglass, alumínio, papel, papelão ondulado, vinil, papel de parede, etc. amigo, o restaurador profissional Orrin Riley o aconselhou sobre a corrosividade dos materiais que ele pensava em usar. Como o artista disse uma vez: “Nunca tenho dúvidas O que escreva, o principal é Como escrever". É tudo uma questão de textura, da natureza dos traços, do limite entre a superfície da pintura e as bordas da base, bem como da relação entre a obra e a parede. Desde 1975, um elemento especial do seu trabalho tem sido as montagens, que Ryman desenha e deixa deliberadamente visíveis, enfatizando que o seu trabalho é “tão real quanto as paredes nas quais estão penduradas”. Ryman prefere dar "nomes" às suas obras em vez de "títulos". O “nome” é o que ajuda a distinguir uma obra da outra, e Ryman muitas vezes nomeia suas obras por marcas de tintas, empresas, etc., e o “título” reivindica algum tipo de alusões e significados profundos e ocultos, cuja presença em suas obras o artista nega regularmente. Nada importa exceto material e técnica.

13. DAMIEN HURST Primavera sonolenta. 2002. US$ 19,2 milhões

Para o artista inglês Damien Hirst (1965) estava destinado a ser o primeiro a ocupar o primeiro lugar nesta classificação na disputa com o clássico vivo Jasper Johns. A já mencionada obra “False Start” poderia ter permanecido um líder inafundável por muito tempo se 21 de junho de 2007 instalação por Hirst, então com 42 anos "Primavera Sonolenta"(2002) não foi vendido na Sotheby's por £ 9,76 milhões, ou seja, por US$ 19,2 milhões. A obra, aliás, tem um formato bastante inusitado. Por um lado, existe uma vitrine com bonecos de comprimidos (6.136 comprimidos), uma instalação essencialmente clássica. Por outro lado, esta vitrine é plana (10 cm de profundidade), colocada numa moldura e pendurada na parede como um painel de plasma, garantindo assim o conforto de propriedade típico das pinturas. Em 2002, a irmã desta instalação, Sleepy Winter, foi vendida por US$ 7,4 milhões, mais da metade do preço. Alguém “explicou” a diferença de preço dizendo que os comprimidos ficam mais desbotados no inverno. Mas é claro que esta explicação é absolutamente infundada, porque o mecanismo de fixação de preços para tais coisas já não está relacionado com a sua natureza decorativa.

Em 2007, muitos reconheceram Hirst como o autor da obra mais cara entre os artistas vivos. A questão, porém, é da categoria “dependendo de como você conta”. O fato é que Hirst foi vendido por libras caras e Jones por dólares agora mais baratos, e até vinte anos atrás. Mas mesmo se contarmos pelo valor nominal, sem levar em conta a inflação de 20 anos, então o trabalho de Hirst era mais caro em dólares, e o de Jones em libras. A situação era limítrofe e todos tinham liberdade para decidir quem era considerado o mais querido. Mas Hearst não durou muito em primeiro lugar. No mesmo 2007, foi desbancado do primeiro lugar por Koons com seu “Hanging Heart”.

Justamente às vésperas do declínio global dos preços da arte contemporânea, Hirst empreendeu um esforço sem precedentes jovem artista empreendimento - leilão individual de suas obras, realizado no dia 15 de setembro de 2008 em Londres. A notícia da falência do banco Lehman Brothers anunciada na véspera não estragou em nada o apetite dos amantes da arte contemporânea: das 223 obras oferecidas pela Sotheby's, apenas cinco não encontraram novos donos (um dos compradores, aliás, foi Victor Pinchuk). Trabalhar "Touro Dourado"- um enorme touro de pelúcia em formol, coroado com um disco de ouro - trouxe tanto £ 10,3 milhões (US$ 18,6 milhões). Este é o melhor resultado de Hirst se calculado em libras (moeda em que a transação foi realizada). No entanto, estamos classificando em termos de dólares, então (que o Bezerro de Ouro nos perdoe) ainda consideraremos “Sleepy Spring” a melhor venda de Hirst.

Desde 2008, Hirst não registra vendas no nível de “Sleepy Spring” e “The Golden Calf”. Os novos registros da década de 2010 - para as obras de Richter, Jones, Fanzhi, Wool e Koons - colocaram Damien em sexto lugar em nosso ranking. Mas não façamos um julgamento categórico sobre o fim da era Hearst. Segundo analistas, Hirst como “superstar” já entrou para a história, o que significa que as pessoas vão comprá-lo por muito tempo; No entanto, o maior valor no futuro está previsto para obras criadas durante o período mais inovador da sua carreira, ou seja, na década de 1990.

14. MAURIZIO CATTELAN Ele. 2001. $ 17,19 milhões

O italiano Maurizio Cattelan (1960) chegou à arte depois de trabalhar como segurança, cozinheiro, jardineiro e designer de móveis. O artista autodidata tornou-se mundialmente famoso por suas esculturas e instalações irônicas. Ele jogou um meteorito sobre o Papa, transformou a esposa de um cliente em um troféu de caça, fez buracos no chão do Museu dos Velhos Mestres, mostrou um dedo médio gigante para a Bolsa de Valores de Milão e trouxe um burro vivo para a feira Frieze. Num futuro próximo, Cattelan promete instalar um vaso sanitário dourado no Museu Guggenheim. No final das contas, as travessuras de Maurizio Cattelan receberam amplo reconhecimento no mundo da arte: ele foi convidado para a Bienal de Veneza (a instalação “Outros” em 2011 - um bando de dois mil pombos que olham ameaçadoramente de todos os canos e vigas para a multidão de visitantes que passavam abaixo), ele recebeu uma retrospectiva no Museu Guggenheim de Nova York (novembro de 2011) e finalmente recebeu muito dinheiro por suas esculturas.

Desde 2010, a obra mais cara de Maurizio Cattelan é uma escultura em cera de um homem olhando por um buraco no chão, de aparência semelhante à do próprio artista (Sem título, 2001). Esta escultura-instalação, que existe em três exemplares mais o exemplar do autor, foi exposta pela primeira vez no Museu Boijmans van Beuningen, em Roterdão. Então esse personagem travesso apareceu de um buraco no chão do salão com pinturas de pintores holandeses dos séculos XVIII a XIX. Nesta obra, Maurizio Cattellan se associa a um ousado criminoso que invade o espaço sagrado de uma sala de museu com pinturas de grandes mestres. Assim, ele quer privar a arte do halo de santidade que as paredes dos museus lhe conferem. A obra, que exige que buracos no chão sejam exibidos a cada vez, foi vendida por US$ 7,922 milhões na Sotheby’s.

O recorde durou até 8 de maio de 2016, quando o trabalho ainda mais provocativo de Cattelan, “Him”, que retrata um Hitler ajoelhado, foi leiloado por US$ 17,189 milhões. O nome é estranho. Escolher um personagem é arriscado. Como tudo de Cattelan. O que Ele quer dizer? “Sua” ou “Sua majestade infernal”? É claro que definitivamente não estamos falando em glorificar a imagem do Führer. Nesta obra, Hitler aparece de uma forma bastante desamparada e lamentável. E um absurdo - a encarnação de Satanás é feita da altura de uma criança, vestida com uma fantasia de colegial e ajoelhada com uma expressão humilde no rosto. Para Cattelan, esta imagem é um convite a pensar sobre a natureza do mal absoluto e uma forma de se livrar dos medos. Aliás, a escultura “Him” é bem conhecida do público ocidental. Seus irmãos da série foram exibidos mais de 10 vezes nos principais museus do mundo, incluindo o Centro Pompidou e o Museu Solomon Guggenheim.

15. MARK GROTJAN Sem título (S III lançado na França Face 43.14). 2011. US$ 16,8 milhões

Em 17 de maio de 2017, uma das pinturas mais poderosas de Mark Grotjahn já colocadas em leilão apareceu no leilão noturno da Christie's em Nova York. A pintura “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” foi exibida pelo colecionador parisiense Patrick Seguin com uma estimativa de US$ 13-16 milhões, e como a venda do lote foi garantida por terceiros, ninguém ficou particularmente surpreso pelo estabelecimento de um novo recorde pessoal de leilões do artista de 49 anos. O preço de martelo de US$ 14,75 milhões (incluindo o prêmio do comprador de US$ 16,8 milhões) excedeu o recorde anterior do leilão de Grotjahn em mais de US$ 10 milhões, colocando-o no clube dos artistas vivos cujas obras são vendidas por somas de oito dígitos. Já existem cerca de trinta resultados de sete dígitos (vendas acima de US$ 1 milhão, mas não mais que US$ 10 milhões) na tesouraria de leilões de Mark Grotjahn.

Mark Grotjahn (1968), em cujo trabalho os especialistas veem a influência do modernismo, do minimalismo abstrato, da pop e da op art, chegou ao seu estilo característico em meados da década de 1990, depois de se mudar com seu amigo Brent Peterson para Los Angeles e abrir uma galeria lá "Quarto 702" Como lembra o próprio artista, nessa época ele começou a pensar no que veio primeiro para ele na arte. Ele estava procurando um motivo para experimentar. E percebi que ele sempre se interessou por linha e cor. Experimentos no espírito do raionismo e do minimalismo com perspectiva linear, numerosos pontos de fuga e formas triangulares abstratas multicoloridas trouxeram fama mundial a Grotjahn.

A partir de paisagens coloridas abstratas com múltiplas linhas de horizonte e pontos de perspectiva de fuga, ele finalmente chegou a formas triangulares que lembram asas de borboleta. Pinturas de Grotjahn 2001–2007 Isso é o que eles chamam de “Borboletas”. Hoje, mover o ponto de fuga ou utilizar vários pontos de fuga ao mesmo tempo, espaçados no espaço, é considerada uma das técnicas mais poderosas do artista.

A próxima grande série de trabalhos foi chamada de “Faces”; nas linhas abstratas desta série podem-se discernir os traços de um rosto humano, simplificado ao estado de uma máscara no espírito de Matisse, Jawlensky ou Brancusi. Falando da extrema simplificação e estilização das formas, da solução composicional das pinturas, quando os contornos dispersos dos olhos e da boca parecem olhar-nos do matagal, os investigadores notam a ligação entre os “Faces” de Grotjan e a arte de as tribos primitivas da África e da Oceania, enquanto o próprio artista simplesmente “gosta da imagem dos olhos olhando da selva. Às vezes eu imaginava rostos de babuínos ou macacos. Não posso dizer que fui influenciado consciente ou inconscientemente pela arte africana primitiva; pelo contrário, fui influenciado por artistas que foram influenciados por ela; Picasso é o exemplo mais óbvio."

As obras da série “Faces” são chamadas de brutais e elegantes, agradáveis ​​aos olhos e agradáveis ​​à mente. Com o tempo, a textura dessas obras também muda: para criar o efeito de espaço interno, o artista usa pinceladas largas de tinta grossa, até respingos no estilo Pollock, mas a superfície da pintura é nivelada para que, ao examiná-la mais de perto, parece absolutamente plano. A pintura “Untitled (S III Released to France Face 43.14)”, que bateu recorde em leilão, pertence justamente a esta famosa série de Mark Grotjahn.

16. TAKASHI MURAKAMI Meu cowboy solitário. US$ 15,16 milhões

japonês Takashi Murakami (1962) entrou em nossa classificação com escultura "Meu Cowboy Solitário", vendido na Sotheby's em maio de 2008 por US$ 15,16 milhões. Com esta venda, Takashi Murakami foi considerado por muito tempo o artista asiático vivo de maior sucesso - até ser eclipsado pela venda de A Última Ceia, de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami trabalha como pintor, escultor, designer de moda e animador. Murakami queria tomar algo verdadeiramente japonês como base para seu trabalho, sem empréstimos ocidentais ou quaisquer outros empréstimos. Durante seus anos de estudante, ele ficou fascinado pelas tradições pintura japonesa Nihonga, posteriormente substituído pela arte popular de anime e mangá. Foi assim que nasceram o psicodélico Mr DOB, padrões de flores sorridentes e esculturas de fibra de vidro brilhantes e brilhantes, como se saíssem direto das páginas dos quadrinhos japoneses. Alguns consideram a arte de Murakami um fast food e a personificação da vulgaridade, outros chamam o artista de japonês Andy Warhol - e nas fileiras deste último, como vemos, há muitas pessoas muito ricas.

Murakami pegou emprestado o nome de sua escultura do filme “Lonely Cowboys” (1968), de Andy Warhol, que os japoneses, como ele mesmo admitiu, nunca haviam assistido, mas gostou muito da combinação de palavras. Murakami agradou os fãs de quadrinhos eróticos japoneses e riu deles com uma escultura. Aumentado em tamanho, e também tridimensional, o herói do anime se transforma em um fetiche da cultura de massa. Esta afirmação artística segue o espírito da arte pop ocidental clássica (lembre-se do conjunto de móveis de Allen Jones ou “A Pantera Cor de Rosa” de Koons), mas com um toque nacional.

17. KAWS. Álbum de KAWS. 2005. $ 14.784.505

KAWS é o pseudônimo do artista americano Brian Donnelly, de Nova Jersey. Ele é o participante mais jovem do nosso ranking, nascido em 1974. Donelly começou como animador na Disney (pintou cenários para o desenho animado “101 Dálmatas” e outros). Desde jovem se interessou por graffiti. Seu design característico inicialmente era uma caveira com “X” no lugar das órbitas oculares. As obras do jovem escritor foram apreciadas por figuras do show business e pessoas da indústria da moda: ele criou a capa do álbum de Kanye West e lançou colaborações com Nike, Comme des Garçons e Uniqlo. Com o tempo, KAWS tornou-se uma figura conhecida no mundo da arte contemporânea. A sua figura característica, que lembra o Mickey Mouse, enraizou-se em museus, espaços públicos e coleções privadas. Era uma vez, a KAWS lançou uma edição limitada de brinquedos de vinil junto com a marca My Plastic Heart, e eles inesperadamente se tornaram objeto de grande interesse colecionável. Um dos colecionadores apaixonados desses “brinquedos” é o fundador Estrela Negra rapper Timati: ele colecionou quase completamente toda a série “Cavs Companions”.

O trabalho de KAWS estabeleceu um recorde para o trabalho do artista - US$ 14,7 milhões - no leilão da Sotheby's em Hong Kong em 1º de abril de 2019. Anteriormente, ela fazia parte da coleção do estilista japonês Nigo. Tela do medidor The KAWS Album - homenagem à capa do famoso álbum Os Beatles"Banda do Clube dos Corações Solitários do Sargento Pepper" 1967. Só que em vez de pessoas, há Kimpsons - personagens estilizados da série animada Os Simpsons com "X" em vez de olhos.

18. JIN SHANI Noiva tadjique. 1983. $ 13,89 milhões

Entre os artistas chineses relativamente jovens e contemporâneos, todos pertencentes à chamada “nova onda” do final da década de 1980 na arte chinesa, a nossa classificação incluiu, de forma bastante inesperada, um representante de uma geração completamente diferente e de uma escola diferente. Jin Shangyi, hoje com mais de 80 anos, é um dos representantes proeminentes da primeira geração de artistas na China comunista. As opiniões deste grupo de artistas foram formadas em grande parte sob a influência do seu aliado comunista mais próximo - a URSS.

A arte oficial soviética, o realismo socialista e a pintura a óleo, que então era incomum na China (em oposição à tradicional pintura a tinta chinesa), estavam no auge da popularidade na década de 1950, e o artista soviético Konstantin veio lecionar na Universidade de Arte de Pequim. por três anos (de 1954 a 1957). Jin Shani, que na época era o mais novo do grupo, acabou na sua turma. O artista sempre se lembrou de seu professor com muito carinho, dizendo que foi Maksimov quem o ensinou a compreender e representar corretamente um modelo. K. M. Maksimov treinou toda uma galáxia de realistas chineses, agora clássicos.

Na obra de Jin Shan pode-se sentir a influência tanto da União Soviética " estilo severo", e a escola europeia de pintura. O artista dedicou muito tempo ao estudo da herança do Renascimento e do classicismo, ao mesmo tempo que considerava necessário preservar o espírito chinês nas suas obras. A pintura “Noiva Tadjique”, pintada em 1983, é considerada uma obra-prima universalmente reconhecida, um novo marco na obra de Jin Shan. Foi colocado em leilão pelo China Guardian em novembro de 2013 e vendido várias vezes mais do que a estimativa – por US$ 13,89 milhões, incluindo comissão.

19. BANKSY Parlamento decomposto. 2008. US$ 12,14 milhões

Os murais marcados com Banksy começaram a aparecer nas muralhas das cidades (primeiro na Grã-Bretanha e depois em todo o mundo) no final da década de 1990. Os seus grafites filosóficos e ao mesmo tempo comoventes foram dedicados aos problemas do ataque do Estado às liberdades dos cidadãos, aos crimes contra o ambiente, ao consumo irresponsável e à desumanidade do sistema de migração ilegal. Com o tempo, as “recriminações” de Banksy ganharam popularidade sem precedentes na mídia. Na verdade, tornou-se um dos principais expoentes da opinião pública condenando a hipocrisia dos Estados e das corporações, produzindo injustiças crescentes no sistema capitalista.

A importância de Banksy, o sentido da “coragem do tempo” e a precisão das suas metáforas foram apreciados não apenas pelos telespectadores, mas também pelos colecionadores. Na década de 2010, centenas de milhares, ou até mais de um milhão de dólares, foram doados por suas obras. Chegou ao ponto em que o grafite de Banksy foi quebrado e roubado junto com pedaços das paredes.

Numa era de vigilância digital avançada, Banksy ainda consegue manter o anonimato. Existe uma versão de que não se trata mais de uma pessoa, mas de um grupo de vários artistas, liderado por uma mulher talentosa. Isso explicaria muita coisa. E a dessemelhança externa dos escritores, captada nas lentes das câmeras das testemunhas, e o método impessoal de aplicação do estêncil (oferece alta velocidade e não requer a participação direta do autor), e o comovente romance dos temas das pinturas ( bolas, flocos de neve, etc.). Seja como for, as pessoas do projeto Banksy, incluindo os seus assistentes, sabem manter a boca fechada.

Em 2019, a obra mais cara de Banksy tornou-se inesperadamente a tela de quatro metros Devolved Parliament (parlamento “degradado”, “decadente” ou “descentralizado”). Os chimpanzés que discutem na Câmara dos Comuns parecem zombar do público no ano do escandaloso Brexit. É surpreendente que a pintura tenha sido pintada 10 anos antes dessa virada histórica e, portanto, alguém a considere profética. Num leilão da Sotheby's em 3 de outubro de 2019, durante uma licitação feroz, um comprador desconhecido comprou este petróleo por 12.143.000 dólares - seis vezes mais caro do que a estimativa preliminar.

20. JOHN CURREN “Doce e simples.” 1999. $ 12,007 milhões

Artista americano John Curran (1962) conhecido por suas pinturas figurativas satíricas de cenas sexuais e provocativas tópicos sociais. As obras de Curren conseguem combinar as técnicas de pintura dos antigos mestres (especialmente Lucas Cranach, o Velho e os Maneiristas) e fotografias de moda de revistas de destaque. Alcançando maior grotesco, Curren muitas vezes distorce as proporções do corpo humano, amplia ou reduz suas partes individuais e retrata heróis em poses quebradas e educadas.

Curren começou em 1989 com retratos de meninas redesenhados a partir de um álbum escolar; continuou no início da década de 1990 com pinturas de belezas peitudas, inspiradas em fotos da Cosmopolitan e da Playboy; em 1992, apareceram retratos de idosas ricas; e em 1994, Curren casou-se com a escultora Rachel Feinstein, que se tornou sua principal musa e modelo por muitos anos. No final da década de 1990, o domínio técnico de Curren, combinado com o kitsch e o grotesco de suas pinturas, trouxe-lhe popularidade. Em 2003, Larry Gagosian assumiu a tarefa de promover o artista, e se um marchand como Gagosian contratar o artista, o sucesso está garantido. Em 2004, uma retrospectiva de John Curran foi realizada no Whitney Museum.

Nessa época, suas obras começaram a ser vendidas por valores de seis dígitos. O recorde atual para uma pintura de John Curren pertence à obra “Sweet and Simple”, vendida em 15 de novembro de 2016 na Christie's por US$ 12 milhões. A pintura com dois nus mal ultrapassou a estimativa inferior de US$ 12 a 18 milhões. para John Curran, que agora tem mais de 50 anos, este é definitivamente um avanço na minha carreira. Seu recorde anterior, em 2008, foi de US$ 5,5 milhões (pagos, aliás, pela mesma obra, “Sweet and Simple”).

21. BRYCE MARDEN O assistido. 1996–1999 US$ 10,917 milhões

Outro artista abstrato americano vivo em nosso ranking é Brice Marden (1938). As obras de Marden no estilo minimalista, e desde o final da década de 1980 - pintura gestual, destacam-se por sua paleta única e levemente suave. As combinações de cores nas obras de Marden são inspiradas em suas viagens ao redor do mundo - Grécia, Índia, Tailândia, Sri Lanka. Entre os autores que influenciaram o desenvolvimento de Marden estão Jackson Pollock (no início dos anos 1960, Marden trabalhava como segurança no Museu Judaico, onde testemunhou o “pingo” de Pollock com seus próprios olhos), Alberto Giacometti (familiarizado com suas obras em Paris) e Robert Rauschenberg (alguns Marden trabalharam como seu assistente por um tempo). A primeira etapa do trabalho de Marden foi dedicada às telas minimalistas clássicas constituídas por blocos retangulares coloridos (horizontais ou verticais). Ao contrário de muitos outros minimalistas, que procuravam a qualidade ideal de obras que parecessem impressas por uma máquina e não desenhadas por uma pessoa, Marden preservou vestígios da obra do artista e combinou diferentes materiais (cera e tintas a óleo). Desde meados da década de 1980, sob a influência da caligrafia oriental, a abstração geométrica foi substituída por linhas sinuosas e sinuosas, cujo fundo eram os mesmos campos de cores monocromáticas. Uma dessas obras “meandros”, “The Attended”, foi vendida na Sotheby’s em novembro de 2013 por US$ 10,917 milhões, incluindo comissão.

22. Pierre Soulages Pintura 186 x 143 cm, 23 de dezembro de 1959. US$ 10,6 milhões

23. ZHANG XIAOGAN Amor eterno. US$ 10,2 milhões

Outro representante da arte moderna chinesa - simbolista e surrealista Zhang Xiaogang (1958). No leilão da Sotheby's em Hong Kong 3 de abril de 2011, onde foi vendida arte de vanguarda chinesa da coleção do barão belga Guy Ullens, um tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" foi vendido por $ 10,2 milhões. Naquela época, este era um recorde não só para o artista, mas para toda a arte contemporânea chinesa. Dizem que a obra de Xiaogang foi comprada pela esposa bilionária Wang Wei, que planeja abrir seu próprio museu.

Zhang Xiaogang, interessado em misticismo e filosofia oriental, escreveu a história do “Amor Eterno” em três partes - vida, morte e renascimento. Este tríptico foi incluído na icónica exposição "China/Avant-garde" de 1989, no National Museu de Arte. Também em 1989, as manifestações estudantis foram brutalmente reprimidas pelos militares na Praça Tiananmen. Após este trágico acontecimento, iniciou-se o aperto dos parafusos - uma exposição em Museu Nacional foi disperso, muitos artistas emigraram. Em resposta ao realismo socialista imposto de cima, surgiu a direção do realismo cínico, um dos principais representantes do qual foi Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN O indefeso Henry Moore. 1967. US$ 9,9 milhões

americano Bruce Nauman (1941), vencedor do prêmio principal da 48ª Bienal de Veneza (1999), demorou a atingir seu recorde. Nauman iniciou sua carreira nos anos sessenta. Os conhecedores o chamam, junto com Andy Warhol e Joseph Beuys, de uma das figuras mais influentes da arte da segunda metade do século XX. No entanto, a intensa intelectualidade e a absoluta falta de decoratividade de algumas das suas obras impediram obviamente o seu rápido reconhecimento e sucesso junto do grande público. Nauman frequentemente faz experiências com a linguagem, descobrindo significados inesperados em frases familiares. As palavras se tornam personagens centrais muitas de suas obras, incluindo pseudo-sinais e painéis de néon. O próprio Nauman se autodenomina escultor, embora nos últimos quarenta anos tenha experimentado gêneros completamente diferentes - escultura, fotografia, videoarte, performances, gráficos. No início dos anos noventa, Larry Gagosian proferiu palavras proféticas: “Ainda não percebemos o verdadeiro valor do trabalho de Nauman”. Foi assim que aconteceu: 17 de maio de 2001 na Christie's, obra de Nauman de 1967 "Indefeso Henry Moore (visão traseira)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estabeleceu um novo recorde no segmento de arte do pós-guerra. Um molde das mãos de Nauman amarradas nas costas, feito de gesso e cera, foi a martelo por US$ 9,9 milhõesà coleção do magnata francês François Pinault (segundo outras fontes, da americana Phyllis Wattis). A estimativa para a obra foi de apenas US$ 2 a 3 milhões, então o resultado foi uma verdadeira surpresa para todos.

Antes desta venda lendária, apenas duas obras de Nauman ultrapassaram a marca de um milhão de dólares. E em toda a sua carreira em leilões, até agora apenas seis obras, além de “Henry Moore...”, foram vendidas por somas de sete dígitos, mas os seus resultados ainda não podem ser comparados com nove milhões.

"Helpless Henry Moore" faz parte de uma série de obras polêmicas de Nauman sobre a figura de Henry Moore (1898–1986), artista britânico que nos anos sessenta foi considerado um dos maiores escultores do século XX. Jovens autores, que se encontravam à sombra do reconhecido mestre, atacaram-no então com críticas ardentes. A obra de Nauman é uma resposta a esta crítica e ao mesmo tempo uma reflexão sobre o tema da criatividade. O título da obra vira um trocadilho, pois combina dois significados da palavra inglesa vinculado - vinculado (no sentido literal) e condenado a um determinado destino.

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