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MSE „School of Arts of the Shemonaikha District Akimat“

Forschungsprojekt

Großartige Pianisten – Interpreten

19., 20., 21. Jahrhundert

Hergestellt von: Tayurskikh Daria 5. Klasse

Podfatilov Denis 3. Klasse

Teamleiter:

Kunstschullehrer

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Einleitung…………………………………………………………...2

XIX Jahrhundert…………………………………………………………..3

20. Jahrhundert……………………………………………………………………………..13

21. Jahrhundert…………………………………………………………………………….24

Abschluss…………………………………………………..............

... "Klavier - Es ist der Anfang und das Ende von allem, nicht so sehr ein Musikinstrument als vielmehr eine Lebensweise, und der Sinn liegt nicht in der Musik um der Musik willen, sondern in der Musik um des Klaviers willen.“

Herold Schönberg

Pianisten– Das Musiker, spezialisiert auf Klavierdarbietung Musikalische Werke.

Großartige Pianisten. Wie werden Menschen großartige Pianisten? Das ist immer ein riesiger Arbeitsaufwand. Und alles beginnt in der Kindheit. Viele Pianisten und Komponisten begannen im Alter von 4 oder sogar 3 Jahren mit dem Musikstudium.Dann entsteht eine „breite“ Handflächenform, die in Zukunft zum meisterhaften Spielen beiträgt.

Je nach Entwicklungsepoche der Klaviermusik wurden teilweise diametral entgegengesetzte Anforderungen an Pianisten gestellt. Darüber hinaus überschneidet sich der Beruf des Musikers zwangsläufig mit dem Beruf des Komponisten. Die meisten Pianisten komponieren ihre eigene Klaviermusik. Und nur seltene Virtuosen schafften es, berühmt zu werden, indem sie ausschließlich fremde Melodien spielten.
Auf jeden Fall ist es für einen Pianisten wie für jeden Musiker wichtig, aufrichtig und emotional zu sein und sich in der Musik, die er spielt, verlieren zu können.

Die Geschichte der Klaviermusik ist sehr interessant. Es gibt mehrere Phasen, von denen jede ihre eigenen Traditionen hat. Oft wurden die Kanons einer Epoche von einem (seltener mehreren) Komponisten festgelegt, der ein Instrument (zuerst das Cembalo, später das Klavier) meisterhaft spielte.

Sie markieren daher drei Epochen in der Geschichte des Pianismus und sind nach den berühmtesten Komponisten benannt – Mozart, Liszt und Rachmaninow. Wenn wir die traditionelle Terminologie der Historiker verwenden, waren dies die Epochen des Klassizismus, dann der Romantik und der frühen Moderne.

Jeder von ihnen blieb jahrhundertelang ein großer Komponist, aber jeder von ihnen prägte zu seiner Zeit auch Schlüsseltrends im Pianismus: Klassizismus, Romantik und frühe Moderne. Gleichzeitig traten mit jedem von ihnen gleichzeitig andere große Pianisten auf. Einige von ihnen waren auch großartige Komponisten. Dies waren: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann und andere.

Wer einen Ausflug in die Geschichte der Klavierwissenschaft macht, kann viel Interessantes lernen. Zum Beispiel das in andere Zeit Im Laufe der Jahrhunderte wurden die wichtigsten Traditionen des Klavierspiels von einem oder mehreren großen Komponisten bestimmt, die fließend Cembalo spielten und später, mit dem Aufkommen des Klaviers, hervorragende Pianisten waren.

Viele berühmte Pianisten haben im Laufe der Geschichte Zuhörer und Musikliebhaber unterhalten und begeistert. Das Klavier ist zu einem der beliebtesten geworden beliebte Instrumente seit seiner Erfindung für seine Vielseitigkeit und seinen angenehmen Klang bekannt. Obwohl die Geschichte mehrere Namen großartiger Pianisten bewahrt hat, ist jede Rezension der berühmtesten Pianisten sehr subjektiv und die Namen solcher Interpreten lassen sich nur schwer in eine Liste einordnen.

Dennoch gibt es immer noch Pianisten, die den Gipfel des weltweiten Ruhms und der Anerkennung erklimmen konnten.

XIXJahrhundert

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Musikleben neues Werkzeug enthalten Klavier. Der Erfinder dieses „Cembalos mit Piano und Forte“ war ein Meister aus Padua

Bartolomeo Cristofori.

Das Klavier verbesserte sich allmählich und nahm einen dominanten Platz in der Musikpraxis ein. Ein Instrument mit Hammermechanik ermöglichte es, Klänge unterschiedlicher Stärke zu erzeugen und stufenweise anzuwenden CrescendoUndDiminuendo. Diesen Eigenschaften des Klaviers entsprach der Wunsch nach emotionaler Ausdruckskraft des Klangs, nach der Übertragung von Bildern, Gedanken und Gefühlen, die die Menschen beunruhigten, in ihrer Bewegung und Entwicklung.

Mit dem Aufkommen des Klaviers und seiner Einführung in die Aufführungspraxis wurden neue Vertreter geboren.

19. Jahrhundert stellte eine Galaxie herausragender Komponisten vor, die die Grenzen der technischen und ausdrucksstarken Mittel des Klaviers erheblich erweiterten. In den größten Städten, europäischen Zentren der Musik- und Aufführungskultur, großen Klavierschulen, Das:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Wiener(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg usw.);

Pariser, später bekannt als Französisch(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer usw.);

Deutsch(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow usw.);

Russisch(Alexander Dubuk, Michail Glinka, Anton und Nikolai Rubinstein usw.).

Aufführungsstil des 19. Jahrhunderts

Die Geschichte der Entwicklung der pianistischen Technik ist die Geschichte der Kulturen und Stile. Zu den unverzichtbaren Fähigkeiten eines Pianisten des 18. und 19. Jahrhunderts gehörte die Improvisation, dann hatte sich der Pianist noch nicht vom Komponisten getrennt, und wenn er die Musik eines anderen aufführte, galt die Regel als sehr frei, individuell Bei der kreativen Bearbeitung des Notentextes kam es zu einer Farb- und Variationspraxis, die heute als inakzeptabel gilt.

Der Stil der Meister des 19. Jahrhunderts war von einer solchen künstlerischen Eigensinnigkeit erfüllt, dass wir ihn für völlig geschmacklos und inakzeptabel halten würden.

Eine herausragende Rolle in der Entwicklung der Klaviermusik und der pianistischen Kultur kommt ihr zu Schulen in London und Wien.

Der Gründer der London School war der berühmte Virtuose, Komponist und Lehrer

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzio Clementi und seine Schüler spielten auf dem englischen Klavier, das einen großartigen Klang hatte und einen klaren, kräftigen Tastendruck erforderte, da dieses Instrument eine sehr straffe Tastatur hatte. Das vom Meister Johann Stein entworfene und von Mozart bevorzugte Wiener Klavier hatte einen melodischeren, wenn auch nicht so kräftigen Klang und eine relativ leichte Tastatur. Daher erreichte Clementi, nachdem er Direktor und dann Miteigentümer einer der größten Klavierfirmen Englands geworden war, Verbesserungen an englischen Instrumenten, indem er ihnen größere Melodien verlieh und die Tastatur leichter machte. Den Anstoß dafür gab Clementis persönliche Begegnung mit Mozart im Jahr 1781 in Wien, wo am Hofe des österreichischen Kaisers ihre besondere Konkurrenz als Komponisten und Pianisten stattfand. Clementi war beeindruckt von der Aufrichtigkeit von Mozarts Spiel und seinem „Singen auf dem Klavier“.

Muzio Clementi - Autor zahlreicher Klavierwerke und bedeutender Lehrer, gründete seine eigene Klavierschule. Er war der Autor der ersten lehrreichen technischen Übungen und Etüden in der Geschichte des Klaviers und gab einen Einblick in seine methodischen Grundlagen.

Clementi selbst und seine Schüler (I. Kramer, D. Field – einer der begabtesten Schüler, E. Brekr) – bedeutende Virtuosen des frühen 19. Jahrhunderts – zeichneten sich durch eine hervorragende Fingertechnik aus. Clementi entwickelte zusammen mit seinen Schülern eine fortschrittliche Methodik, die sich auf die Entwicklung neuer Interpretationsweisen des Instruments, die Nutzung des vollständigen „Konzertklangs“ und die Reliefperspektive konzentrierte. Pädagogische Arbeit von M. Clementi „Schritt zum Parnassus oder die Kunst des Klavierspielens, verkörpert in 100 Übungen in einem strengen und eleganten Stil.“ Dieses Werk ist eine grundlegende Schule zur Entwicklung pianistischer Fähigkeiten; 100 Übungen verblüffen durch die Vielfalt der Inhalte und den Umfang der gestellten Aufführungsaufgaben. Viele Vertreter der Londoner Schule waren mutige Erneuerer auf dem Gebiet des Pianismus, die in ihren Kompositionen neben Fingerpassagen auch Doppelnoten, Oktaven, Akkordformationen, Proben und andere Techniken verwendeten, die dem Klang Brillanz und Vielfalt verliehen.

Die Clementi-Schule brachte bestimmte Traditionen in der Klavierpädagogik hervor:

das Prinzip vieler Stunden technischer Übungen;

Spielen mit „isolierten“, hammerförmigen Fingern bei stillstehender Hand;

Strenge des Rhythmus und kontrastierende Dynamik.

Die Gründer der Wiener Schule waren große pianistische Komponisten: Haydn, Mozart und Beethoven.

Ein prominenter Vertreter der fortschrittlichen Klavierpädagogik erfreute sich großer Berühmtheit

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czernys „Theoretische und Praktische Klavierschule“ weist viele Ähnlichkeiten mit Hummels „Handbuch“ auf. Indem er im dritten Teil seiner Arbeit ausführlich über die Technik des Spiels, über die Wege ihrer Entwicklung und den Erwerb der für einen Pianisten notwendigen Fähigkeiten spricht, betont er, dass dies alles nur „ein Mittel ist, um das wahre Ziel der Kunst zu erreichen“. , was zweifellos darin besteht, die Seele in die Aufführung und den Geist zu bringen und dadurch die Gefühle und Gedanken der Zuhörer zu beeinflussen.“

Daraus lässt sich schließen, dass die Lehrmethoden des 19. Jahrhunderts auf rein technische Aufgaben reduziert wurden, die auf dem Wunsch beruhten, durch stundenlanges Training Fingerkraft und Geläufigkeit zu entwickeln. Darüber hinaus entwickelten in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die begabtesten Interpreten, die meisten von ihnen Schüler von Clementi, Adam, Czerny, Field und anderen herausragenden Lehrern, die hohe Virtuosität erlangten, mutig neue Techniken des Klavierspiels und erreichten das Kraft des Klangs des Instruments, die Helligkeit und Brillanz komplexer Passagen. Von besonderer Bedeutung für die Struktur ihrer Werke waren Akkordstrukturen, Oktaven, Doppelnoten, Proben, Handwechseltechniken und andere Effekte, die die Beteiligung der gesamten Hand erforderten.

Paris 19. Jahrhundert - ist das Zentrum der Musikkultur und des virtuosen Könnens. Er gilt als Begründer der Pariser Klavierschule Komponist, Pianist, Lehrer

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Sein Werk „Methode zum Erlernen des Klaviers mit einem Handstück“ (1830) begründete den Einsatz technischer Geräte für die Entwicklung verschiedene Arten Techniken (Feinstreckung, Muskeldehnung usw.). Besonderheit Schulen dieser Art sind eine Gemeinschaft autoritärer Pädagogik Installationen. Die Ausbildung begann mit der Entwicklung der richtigen Haltung am Instrument und der Beherrschung einfachster motorisch-technischer Formeln, erst viel später begannen die Schüler mit dem Erlernen von Musikstücken.

Der Wunsch nach Virtuosität führte zu einer Beschleunigung des Unterrichtstempos, dem Missbrauch mechanischer Übungen, was zu Berufskrankheiten und einer Verschlechterung der Hörkontrolle führte.

Deutschland 19. Jahrhundert Der Einfluss literaturkritischer und pädagogischer Tätigkeit auf die romantische Ästhetik dieses Landes ist erheblich

Roberta Schumann (1810-1856)

Einen bedeutenden Platz im Werk Robert Schumanns nahm die Entwicklung von Fragen der Ausbildung eines Musikers ein – eines wahren Künstlers neuen Typs, der sich grundlegend von modischen Virtuosen unterscheidet. Der Komponist hält dies für eines der wirksamsten Mittel zur Förderung der Musikkultur.

Die Probleme der Musikpädagogik werden in den Werken von R. Schumann „Haus- und Lebensregeln für Musiker“, „Anhang zum Album für die Jugend“, im Vorwort zu Etüden nach den Capricen von Paganini Or.Z. angesprochen Zu den wichtigsten musikalischen und pädagogischen Fragen gehören: das Zusammenspiel von ethischer und ästhetischer Bildung, der Erwerb von tiefem und vielseitigem Wissen, das die Grundlage jeder Ausbildung bildet, die Formulierung der Prinzipien ernsthafter Kunst und Kritik an Salontrend und Leidenschaft für „Technik um der Technik willen“ beim Komponieren und Aufführen von Kunst;

Schumanns musikalische und pädagogische Ansichten dienten und dienen als Grundlage fortschrittlicher moderner Methoden. Die Klaviermusik des Komponisten wird immer noch aktiv in Bildungsprogrammen auf allen Ebenen eingesetzt.

Es ist unmöglich, einen so großartigen Komponisten und virtuosen polnischen Pianisten nicht zu erwähnen

Frédéric Chopin (1810-1849)

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war Frédéric Chopin der erste Komponist, der Musik ausschließlich für das Klavier schrieb. Sein begabtes Kind Chopin hat viele schöne und komplexe Klavierstücke geschrieben, die seit vielen Jahren viele Klavierstudenten und Interpreten begeistern. Chopin eroberte schnell Paris. Mit seinem originellen und ungewöhnlichen Auftritt begeisterte er das Publikum sofort. Zu dieser Zeit wurde Paris von Musikern aus verschiedenen Ländern überschwemmt. Am beliebtesten waren virtuose Pianisten. Ihr Spiel zeichnete sich durch technische Perfektion und Brillanz aus und begeisterte das Publikum. Deshalb klang Chopins erster Konzertauftritt wie ein so scharfer Kontrast. Den Erinnerungen von Zeitgenossen zufolge war sein Auftritt überraschend spirituell und poetisch. Der berühmte ungarische Musiker Franz Liszt erinnert sich an Chopins erstes Konzert. Auch er begann seine brillante Karriere als Pianist und Komponist: „Wir erinnern uns an seinen ersten Auftritt in der Pleyel-Halle, als der Applaus, der mit doppelter Kraft zunahm, unsere Begeisterung angesichts des Talents, das uns gleichzeitig glücklich machte, nicht ausreichend zum Ausdruck bringen konnte.“ Innovationen auf dem Gebiet seiner Kunst eröffneten eine neue Phase in der Entwicklung des poetischen Gefühls. Chopin eroberte Paris, so wie einst Mozart und Beethoven Wien eroberten. Wie Liszt galt er als der beste Pianist der Welt.

Ungarischer Komponist, Pianist, Dirigent, Lehrer

Franz Liszt (1811-1886)

Zeitgenosse und Freund von F. Chopin. Ferencs Klavierlehrer war K. Czerny.

Liszt trat bereits im Alter von neun Jahren in Konzerten auf und erlangte zunächst als virtuoser Pianist Berühmtheit.

1823-1835. er lebte und gab Konzerte in Paris, wo auch seine Lehr- und Kompositionstätigkeit stattfand. Hier lernte der Musiker G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand und andere prominente Persönlichkeiten der Kunst und Literatur kennen und kam ihnen nahe.

1835-1839 Liszt reiste in die Schweiz und nach Italien und perfektionierte in dieser Zeit sein Können als Pianist.

In seinem kompositorischen Werk vertrat Liszt die Idee einer Synthese mehrerer Künste, vor allem der Musik und der Poesie. Daher ist ihr Hauptprinzip programmatisch (Musik wird für eine bestimmte Handlung oder ein bestimmtes Bild komponiert). Das Ergebnis der Reisen durch Italien und des Kennenlernens der Gemälde italienischer Meister war der Klavierzyklus „Jahre des Wanderns“ sowie die Fantasiesonate „After Reading Dante“.

Auch Franz Liszt leistete einen enormen Beitrag zur Entwicklung der Konzertklaviermusik.

Musikkultur Russlands im 19. Jahrhundert. scheint eine Art „Zeitmaschine“ zu sein. In hundert Jahren hat Russland eine Reise von drei Jahrhunderten hinter sich, die eine reibungslose und schrittweise Entwicklung der nationalen Entwicklung ermöglichte Komponistenschulen große Länder Westeuropas. Und erst zu dieser Zeit konnten russische Komponisten den angesammelten Reichtum im wahrsten Sinne des Wortes in Besitz nehmen Volkskunst und wiederbeleben Volksdumas in den schönen und perfekten Formen der klassischen Musik.

Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Die Musikpädagogik in Russland macht ihre ersten Schritte: Eine russische Klavierschule wird gegründet. Es zeichnet sich durch die aktive Entwicklung ausländischer Lehrmethoden aus und gleichzeitig der Wunsch fortgeschrittener russischer Lehrer, eine nationale Pianismusschule zu gründen.

Anders als Westeuropa kannte Russland keine hochentwickelte Klavierkultur, obwohl das Cembalo bereits seit dem 16. Jahrhundert bekannt war. Russische Zuhörer zeigten großes Interesse ausschließlich an Vokalmusik und zur Begleitung von Gesang und Tanz wurden in Russland vorhandene Tasteninstrumente eingesetzt. Erst Ende des 18. Jahrhunderts. Das Interesse, Klavier spielen zu lernen, wächst. Die Clavichord-Schule von Simon Lelein und Auszüge aus der „Clavier-Schule“ von Daniel Gottlieb Türk wurden auf Russisch veröffentlicht.

Der Beginn des 19. Jahrhunderts geht auf die Veröffentlichung von Vincenzo Manfredinis Abhandlung „Harmonische und melodische Regeln für den Unterricht aller Musik“ zurück. Daneben wurden in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts verschiedene Klavierschulen ausländischer Musiker auf Russisch veröffentlicht: „Schule des Klavierspiels“ von M. Clementi (1816), „Komplette praktische Schule für Klavier“ von D. Steibelt ( 1830), „Schule“ von F. Gunten (1838) usw.

Zu den herausragenden Musiker-Lehrern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. es gab I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

In diesen Jahren entstanden in Russland auch Schulen einheimischer Autoren, deren Ersteller versuchten, die Lehrmethoden näher an die Aufgaben der Ausbildung russischer Musiker heranzuführen. Repertoire der „Schule“ von I. Pracha (tschechisch, richtiger Name Jan Bohumir, Geburtsjahr unbekannt, gestorben 1818; Komponist, lange Zeit arbeitete in St. Petersburg in verschiedenen Bildungsinstitutionen Musiklehrer) umfasste beispielsweise viele Werke russischer Autoren.

Im Originalhandbuch I. Pracha„Die komplette Schule für Klavier...“ (1806) berücksichtigte die Besonderheiten der russischen Aufführungskultur; Fragen der musikalischen Bildung von Kindern wurden aufgeworfen. Prach leistete einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Klavierpädagogik. Es spezifiziert theoretische Positionen basierend auf methodische Hinweise und legt unterschiedliche Ausführungsmethoden fest (harmonische Figurationen, Arpeggios und Akkorde, gebrochene Oktaven usw.) mit Beispielen, die eine bestimmte Technik oder Bewegung veranschaulichen.

Aktivität J. Feld war als Musiker und Lehrer von großer Bedeutung für die russische Klavierpädagogik. Er bildete eine Vielzahl berühmter Musiker aus, darunter M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke und viele andere. Die Field School war natürlich von großer Bedeutung. Er kann als Begründer der führenden Klavierschule angesehen werden. In den 20-30er Jahren. 19. Jahrhundert In seinen Studien versuchte Field, die technische Arbeit den künstlerischen Zielen unterzuordnen: ausdrucksstarke Phrasierung, filigrane Ausarbeitung des Klangs jeder Note, Offenlegung des Inhalts der Arbeit.

A. HenseltUndA. Gehrke

Sie unterrichteten an allgemeinbildenden Einrichtungen und am St. Petersburger Konservatorium. Ihre pädagogische Methode spiegelte die fortschrittliche Richtung der russischen Klavierschule wider, nämlich: Entwicklung von Horizonten basierend auf der Nutzung eines umfangreichen Repertoires, der Wunsch, die Selbständigkeit der Studierenden zu fördern. Sie waren leidenschaftliche Gegner der „Trainings“- und „Drill“-Methoden.

A. Villuan war ein fortschrittlich denkender Lehrer. Seine historische Rolle besteht darin, dass er als Kind das musikalische Talent von A. Rubinstein entschlüsselte und es schaffte, seiner Entwicklung die richtige Richtung zu geben. Die besten Seiten Villouins pädagogische Methode, die sich in seiner praktischen Tätigkeit manifestierte, spiegelte sich in seiner „Schule“ (1863) wider. Die von ihm entdeckte Methode der Klangerzeugung – das „Singen“ auf dem Klavier – wurde zu einer der kraftvollsten künstlerische Mittel Spiele von A. Rubinstein. Abdeckungen „Schule“. eine große Menge Kenntnisse im Zusammenhang mit der technischen Ausbildung und der musikalischen Ausbildung eines Pianisten. Besonders wertvoll sind Villouins Ansichten zur Erzielung eines wohlklingenden, tiefen Klavierklangs, zur Entwicklung des Legato, wofür fundierte Techniken zum Einsatz kommen, die bis heute nicht an Bedeutung verloren haben.

In der Geschichte der russischen vor- und nachrevolutionären Kunst kommt ihr die führende Rolle zu Konservatorien St. Petersburg und Moskau

größten Zentren der Musikkultur des Landes. Die Aktivitäten beider Konservatorien entwickelten sich in engem Kontakt, der nicht nur durch die Gemeinsamkeit ihrer Aufgaben bestimmt wurde, sondern auch durch die Tatsache, dass Studenten des St. Petersburger Konservatoriums häufig in Moskau arbeiteten und Moskauer Lehrer des St. Petersburger Konservatoriums wurden .

So absolvierte P. I. Tschaikowsky das St. Petersburger Konservatorium und wurde dann einer der ersten Professoren am Moskauer Konservatorium; L. Nikolaev (ein Schüler von V. Safonov am Moskauer Konservatorium) – später einer der führenden Vertreter der Klavierschule in Leningrad; Nikolaevs Schüler V. Sofronitsky und M. Yudina arbeiteten mehrere Jahre in Moskau.

Gründer der Konservatorien St. Petersburg und Moskau, Brüder

Anton und Nikolai Rubinstein,

In den Jahren ihrer Leitung an den Konservatorien legten sie den Grundstein für die Ausbildung junger Musiker. Ihre Schüler (A. Siloti, E. Sauer – Schüler von Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman – Schüler von Anton) wurden die Erstgeborenen in einer Galaxie junger Künstler, die Anerkennung fanden die weltweite Musikgemeinschaft.

Durch die Bemühungen der Gebrüder Rubinstein entwickelte sich im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts die russische Klavierpädagogik. enorme Autorität und internationale Anerkennung. Ihnen verdankt Russland, dass es einen der ersten Plätze im Klavierunterricht einnahm.

Wir können daraus schließen, dass sowohl westeuropäische als auch russische fortgeschrittene Musiker-Lehrer des 19. Jahrhunderts nach vernünftigen, originellen Wegen suchten, den Schüler zu beeinflussen. Sie suchten nach effektiven Möglichkeiten, die technische Arbeit zu rationalisieren. Kreative Nutzung der Traditionen der Klaviermusik und der in früheren Jahrhunderten entwickelten Ideen über die Essenz des Prozesses der Bildung der Spieltechnik eines Pianisten, der Methodik des 19. Jahrhunderts. kam zur Begründung eines angemessenen Spielprinzips – dem ganzheitlichen Einsatz des pianistischen Apparats. Im 19. Jahrhundert entstand eine wahrlich grandiose Grundlage an Etüden und Übungen, die bis heute im Klavierunterricht unverzichtbar ist.

Die Analyse des Musikmaterials zeigt, dass seinen Schöpfern der Wunsch innewohnt, nach natürlichen Spielbewegungen und Griffprinzipien zu suchen, die mit den Strukturmerkmalen der menschlichen Hand verbunden sind.

Gleichzeitig ist zu beachten, dass das 19. Jahrhundert. gab der Musikpädagogik und -pädagogik ein System brillanter, vielversprechender Ideen und vor allem den Wunsch, einen gut ausgebildeten Musiker durch die zweckmäßige Entwicklung seiner kreativen Individualität auszubilden.

XXJahrhundert

20 Jahrhundert - die Blütezeit der Klavierkunst. Diese Zeit ist ungewöhnlich reich an außergewöhnlich talentierten, herausragenden Pianisten.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlangten sie Berühmtheit Hoffmann Und Cortot, Schnabel Und Paderewski. Und natürlich, MIT. Rachmaninow, Genius Silbernes Zeitalter, das eine neue Ära nicht nur in der Klaviermusik, sondern in der Weltkultur insgesamt markierte.

Die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts ist die Ära so berühmter Pianisten wie Swjatoslaw Richter, Emil Gilels, Wladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Die Liste geht weiter...

Aufführungsstil des 20. Jahrhunderts

***

Dabei handelt es sich um den Wunsch nach einem tiefen Verständnis des Notentextes und nach einer genauen Übertragung der Intention des Komponisten sowie nach einem Verständnis des Stils und Charakters der Musik als Grundlage für eine realistische Interpretation der im Werk eingebetteten künstlerischen Bilder.

***

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. - eine äußerst ereignisreiche Zeit in der Geschichte der künstlerischen Weltkultur. Die Konfrontation zwischen der demokratischen Kultur der Massen, die zunehmend in den Kampf um ihre sozialen Rechte eintraten, und Elitekultur Bourgeoisie.

Die größten Künstler dieser Zeit erkannten die Merkmale einer Krise in der Evolution neue Musik: „Wir leben in einer Zeit, in der die Grundlagen der menschlichen Existenz einen Schock erleiden“, argumentierte I. F. Strawinsky, der moderne Mensch verliere seinen Sinn für Wert und Stabilität.... Da der Geist selbst krank ist, ist auch die Musik unserer Zeit krank und vor allem das, was er für wahr hält, trägt Anzeichen pathologischer Unzulänglichkeit in sich.“ Ähnliche Geständnisse waren mehr als einmal aus dem Mund anderer bedeutender Musiker zu hören.

Doch trotz der krisenhaften Auswirkungen dieser Ära erreichte die Musik neue brillante Höhen. Die Klavierpädagogik wurde um viele interessante Werke bereichert. Die Aufmerksamkeit der Autoren veröffentlichter Werke richtete sich auf Fragen der künstlerischen Fähigkeiten der Studierenden.

Die bekanntesten Pianistenlehrer G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan entwickelte Methoden für erfolgreiches Lernen der Schüler.

Heinrich Gustavowitsch Neuhaus (1888-1964) - Pianist, Lehrer, Musikautor. Gründer der größten sowjetischen Pianistenschule. Alles, worüber er schreibt, ist von einer leidenschaftlichen Liebe zur Kunst, zur Klaviermusik und zur Darbietung geprägt.

Das meiste Interesse präsentiert uns ein Buch mit dem Titel „Über die Kunst des Klavierspiels“.

Das Buch ist in einer lebendigen, bildlichen Sprache geschrieben und voller Urteile über viele Komponisten, Interpreten und Lehrer. Es wirft neue Probleme und Fragen auf, die jeden Pianisten beschäftigen. Es gibt viele Seiten darin, die den Charakter einer musikalischen Autobiografie haben und den Erinnerungen an den eigenen kreativen Weg gewidmet sind. Allerdings kommen in dieser Improvisation deutlich die Ansichten des Autors zur Klavierkunst und den Aufgaben eines Lehrers zum Vorschein. In seinen Werken schreibt Neuhaus über das künstlerische Bild, den Rhythmus, den Klang, die Arbeit an Technik, Fingersatz und Pedal, die Aufgaben des Lehrers und Schülers und die Konzerttätigkeit eines Musikers.

Mit großer Überzeugungskraft zeigt er, dass die sogenannte „Lehrbuch“-Methode, die hauptsächlich ein Rezept gibt – „harte Regeln“, auch wenn sie wahr und bewährt ist, immer nur eine anfängliche, vereinfachte Methode sein wird, die ständig weiterentwickelt und geklärt werden muss , wenn er mit dem wirklichen Leben konfrontiert wird, oder, wie er selbst sagt, „in einer dialektischen Transformation“. Er wendet sich scharf und temperamentvoll gegen die „Coaching-Methode“ und das „endlose Aussaugen der gleichen Werke“ in der pädagogischen Arbeit, gegen die falsche Position, dass „Regie mit Schülern alles machen kann“. Er ist bestrebt, nicht nur allgemeine musikalische und darstellerische Probleme, sondern auch spezifischere technische Probleme dialektisch zu lösen.

Neuhaus definiert die Rolle des Lehrers und ist der Ansicht, dass der Lehrer danach streben sollte, weniger ein Klavierlehrer als vielmehr ein Musiklehrer zu sein.

In seiner pädagogischen Arbeit legte Neuhaus besonderes Augenmerk auf das Verhältnis von „Musikalisch“ und „Technisch“. Daher suchte er zunächst nach einer Überwindung der technischen Unsicherheit und Steifheit der Bewegungen des Schülers im Einflussbereich auf die Psyche des Schülers, auf den Wegen der Musik selbst. Das Gleiche tat er, als er seinen Schülern Methoden für die Arbeit an „schwierigen Stellen“ empfahl. Seiner Meinung nach sollte alles „Schwierige“, „Komplexe“, „Unbekannte“ nach Möglichkeit auf etwas „Leichteres“, „Einfacheres“, „Vertrauteres“ reduziert werden; Gleichzeitig riet er dringend dazu, die Methode der Schwierigkeitssteigerung nicht aufzugeben, da der Spieler mit Hilfe dieser Methode die Fähigkeiten und Erfahrungen erwirbt, die es ihm ermöglichen, das Problem vollständig zu lösen.

Schließlich war Neuhaus in allem bestrebt, dem Schüler die Musik näher zu bringen, ihm den Inhalt des gezeigten Werkes zu offenbaren und ihn nicht nur mit einem lebendigen poetischen Bild zu inspirieren, sondern ihm auch eine detaillierte Analyse der Form und Form zu geben Struktur des Werkes – Melodie, Harmonie, Rhythmus, Polyphonie, Textur – mit einem Wort, offenbaren Sie dem Schüler die Gesetze der Musik und Möglichkeiten ihrer Umsetzung.

Sprechen über Rhythmus Als eines der wichtigsten Elemente, die den Aufführungsprozess ausmachen, betont Neuhaus die enorme Bedeutung des „Gefühls für das Ganze“, der Fähigkeit zum „langen Nachdenken“, ohne die der Pianist kein großes Werk zufriedenstellend spielen kann Ansicht der Form.

Großer Fehler Der Autor hält den Pianisten für eine Unterschätzung Klang (unzureichendes Hören auf den Klang) und seine Neubewertung, das heißt, „seine sinnliche Schönheit genießen“. Indem Neuhaus diese Frage auf diese Weise stellt, definiert er den Begriff der Klangschönheit neu – nicht abstrakt, ohne Bezug zu Stil und Inhalt, sondern abgeleitet aus einem Verständnis des Stils und Charakters der gespielten Musik.

Gleichzeitig betont er, dass musikalische Arbeit und „musikalisches Selbstvertrauen“ allein die Frage der Beherrschung der Klaviertechnik nicht lösen. Auch körperliches Training ist notwendig, einschließlich langsamem und kräftigem Spielen. „Bei dieser Art von Arbeit“, fügt er hinzu, „sind folgende Regeln zu beachten: Achten Sie darauf, dass der Arm, der gesamte Arm, von der Hand bis zum Schultergelenk, völlig frei ist, nirgendwo „einfriert“. zwickt nicht, „verhärtet“ sich nicht, verliert nicht seine potenzielle (!) Flexibilität und behält dabei völlige Ruhe und führt nur die Bewegungen aus, die unbedingt „notwendig“ sind.

Bestimmen Sie Ihre Sicht auf Fingersatz, Neuhaus schreibt, dass der beste Fingersatz derjenige ist, der es ermöglicht, die Bedeutung der gegebenen Musik genauer zu vermitteln. Den mit dem Geist, Charakter und Musikstil des Autors verbundenen Fingersatz bezeichnet er als den schönsten und ästhetisch gerechtfertigten.

Neuhaus definiert das Problem auf ähnliche Weise Pedalisierung. Er sagt zu Recht, dass die allgemeinen Regeln, wie man in die Pedale tritt, sich auf das künstlerische Treten beziehen, so wie sich ein Teil der Syntax auf die Sprache eines Dichters bezieht. Grundsätzlich gibt es seiner Meinung nach kein richtiges Pedal. Das künstlerische Pedal ist untrennbar mit dem Klangbild verbunden. Diese Gedanken werden im Buch durch eine Reihe interessanter Beispiele untermauert, aus denen deutlich wird, welche Bedeutung der Autor den verschiedenen Trettechniken beimisst.

Man kann nur sagen, dass Neuhaus die Technik des Pianisten als etwas ansah, das organisch mit dem Musikverständnis und dem künstlerischen Anspruch verbunden war. Dies ist in der Tat die Grundlage der sowjetischen Schauspielschule im Allgemeinen und der Neuhaus-Schule im Besonderen, die so wunderbare Interpreten wie S. Richter, E. Gilels, J. Zak und viele andere herausragende Pianisten ausgebildet hat.

Artikel und Bücher stellen einen einzigartigen Beitrag zur sowjetischen Klavierschule dar

Grigori Michailowitsch Kogan (1901-1979)

Im Buch „At the Gates of Mastery“ spricht der Autor über die psychologischen Voraussetzungen für den Erfolg pianistischer Arbeit. In dieser Arbeit identifiziert er „drei Hauptverbindungen“: eine klare Vision des Ziels, die Fokussierung auf dieses Ziel und einen beharrlichen Willen, es zu erreichen. Er stellt zu Recht fest, dass diese Schlussfolgerung nicht neu ist und nicht nur für Pianisten, sondern für alle Bereiche der Kunst und menschlichen Arbeitstätigkeit gilt.

Im Vorwort des Buches spricht er über die Bedeutung der Psyche des Pianisten und über die Rolle der richtigen psychologischen Abstimmung in seiner Arbeit, die eine notwendige Voraussetzung für eine erfolgreiche Praxis ist. Dieses Thema ist nicht nur für Künstler von großem Interesse, sondern auch für Lehrer, von denen viel bei der Bildung der Psyche des Schülers und seiner psychologischen Einstimmung abhängt.

Kogan spricht über Ziel, Wille, Aufmerksamkeit, Konzentration, Selbstbeherrschung, Vorstellungskraft und andere Elemente, die den Erfolg in der Arbeit eines Pianisten bestimmen, und fügt ihnen das Bedürfnis nach einem leidenschaftlichen Wunsch hinzu, sich darin auszudrücken Perfekte Form gezeugt und geliebt Musikalische Bilder. Besonderes Augenmerk legt er auf das Thema „kreative Ruhe“ und die Spannung des Interpreten vor einem Auftritt und während des Konzerts.

Unter Berücksichtigung der verschiedenen Phasen der Arbeit eines Pianisten an einem Stück charakterisiert Kogan im Detail drei Phasen dieses Prozesses: 1) Besichtigung und vorläufige Wiedergabe, 2) Lernen in Stücken, 3) „Zusammensetzen“ des Werks als Die letzte Etappe .

Kogan ging besonders ausführlich auf Fragen der Phrasierung, des Fingersatzes, der technischen Umgruppierung und der mentalen Darstellung von Schwierigkeiten ein. Fast alles, was er analysierte, basiert auf Busonis pianistischen Prinzipien.

Das Buch enthält auch eine Analyse einiger Aspekte der darstellenden Künste, die in der methodischen Literatur relativ wenig Beachtung gefunden haben. Dazu gehört beispielsweise die Frage nach dem verbalen Subtext verschiedener Episoden in Klavierwerken, der als „Hilfsintonationshilfe“ dienen kann und es ermöglicht, „die natürliche Atemverteilung, eine überzeugende „Aussprache“ von leichter zu finden individuelle Intonationen.“

Nachdem wir Kogans pädagogisches Erbe studiert haben, können wir zu dem Schluss kommen, dass Kogans Werke weitgehend die grundlegenden methodischen Richtlinien der modernen sowjetischen Pianistenschule in der Klavierkunst charakterisieren.

Einer der größten Pianisten zu Beginn unseres Jahrhunderts, der Ruhm der darstellenden Künste des 20. Jahrhunderts

Joseph Hoffmann (1876-1957)

Das Schicksal des Wanderkünstlers – ein Phänomen, das in zivilisierter Form die Traditionen wandernder Musiker bewahrt – blieb für lange Zeit Hoffmanns Schicksal. Hoffman war auch mit Lehrtätigkeiten beschäftigt, diese waren jedoch nicht so klug wie die darstellenden Künste.

Hoffmann legte großen Wert auf die Ausbildungszeit. Das Bedürfnis nach einem Lehrer, die Forderung, ihm zu vertrauen, seine Bedeutung für die Ausbildung eines Künstlers – das sind die Motive, die immer wieder auf den Seiten von Hoffmanns Büchern auftauchen. Hoffmann selbst hatte Glück mit seinen Lehrern – es waren der berühmte Pianist und Komponist Moritz Moszkowski (Autor brillanter virtuoser Etüden und Salonstücke) und der berühmte Anton Rubinstein, dessen Begegnung zu einem der wichtigsten Ereignisse in Hoffmanns Schaffensleben wurde.

Ein weiteres wichtiges Ereignis in Hoffmanns Leben, das sein Leben radikal beeinflusste kreatives Schicksal, Denkweise, Lebensweise, wurde der Umzug nach Amerika (und später die Annahme der amerikanischen Staatsbürgerschaft). Daher - eine nüchterne, praktische Lebenseinstellung, eine sachliche Herangehensweise an alle, auch kreativen Probleme; Diese rein amerikanische Praktikabilität macht sich sowohl in Büchern als auch in Artikeln bemerkbar.

In seinem 1914 veröffentlichten Buch mit dem Titel „Klavierspiel – Antworten auf Fragen zum Klavierspiel“ betonte Hoffmann die Wichtigkeit allgemeine Bestimmungen, Förderung des guten Klavierspiels. Er betont den Vorteil, morgens zu üben. Es wird empfohlen, nicht länger als eine Stunde und höchstens zwei Stunden am Stück zu lernen. Alles sollte von Ihrer körperlichen Verfassung abhängen. Er empfiehlt außerdem, den Zeitpunkt und die Reihenfolge der untersuchten Werke zu ändern. Im Mittelpunkt des Pianisten stehen Diskussionen über die „Technik“ des Klavierspiels, die er hervorragend verstand. Hoffmann hält die Arbeit ohne Instrument (auch mit und ohne Noten) für wichtig.

Besonders wichtig sind Hoffmanns Gedanken zur „mentalen Technik“ – der Notwendigkeit, die Analyse eines Stücks mit einer Analyse von Form und Textur zu beginnen; Darüber hinaus muss im Prozess der Analyse jede Passage „mental vollständig vorbereitet werden, bevor sie auf dem Klavier ausprobiert wird“.

Hoffman ist in vielen Merkmalen seines Stils sehr modern. Es liegt uns in seiner Praktikabilität nahe – alles ist im Wesentlichen, nichts überflüssig.

Genie des Silbernen Zeitalters, großer Pianist, Komponist, Dirigent

Sergej Rachmaninow (1873-1943)

Begann im Alter von fünf Jahren mit dem systematischen Musikstudium Alter. Im Jahr 1882 betrat Sergej St. Petersburg Wintergarten 1885 zog er nach Moskau und wurde Student am Moskauer Konservatorium, wo er zunächst beim berühmten Pianisten-Lehrer N. S. Zverev (dessen Schüler auch der russische Komponist und Pianist Alexander Nikolajewitsch Skrjabin war) und ab 1888 beim Pianisten und Dirigenten studierte Alexander Iljitsch Ziloti (Klavier); Komponist, Pianist und Dirigent Anton Stepanovich Arensky (Komposition, Instrumentierung, Harmonie); Komponist, Pianist und Musiker und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens Sergei Ivanovich Taneyev (Kontrapunkt zum strengen Schreiben).

Rachmaninow ist einer der größten Musiker der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Seine Kunst zeichnet sich durch lebenswichtige Wahrhaftigkeit, demokratische Ausrichtung, Aufrichtigkeit und emotionale Fülle des künstlerischen Ausdrucks aus. Rachmaninow folgte den besten Traditionen der Musikklassiker, vor allem der russischen. Er war ein gefühlvoller Sänger russischer Natur.

In seinen Werken koexistieren leidenschaftliche Impulse unversöhnlichen Protests und stiller Kontemplation, zitternde Wachsamkeit und willensstarke Entschlossenheit, düstere Tragödie und enthusiastische Hymne. Rachmaninows Musik, die über einen unerschöpflichen melodischen und subvokalen polyphonen Reichtum verfügt, nahm die Ursprünge russischer Volkslieder und einige Merkmale des Znamenny-Gesangs auf. Eine der ursprünglichen Grundlagen von Rachmaninows Musikstil ist die organische Verbindung von Breite und Freiheit melodischer Atmung mit rhythmischer Energie. Das Thema Heimat steht im Mittelpunkt reife Kreativität Rachmaninow. Der Name Rachmaninow als Pianist steht auf Augenhöhe mit den Namen von F. Liszt und A. G. Rubinstein. Phänomenale Technik, melodiöse Tontiefe, flexibler und gebieterischer Rhythmus wurden Rachmaninows Spiel völlig untergeordnet.

Der Ruhm Rachmaninows als Pianist war ziemlich groß und wurde bald zu einer wahren Legende. Ein besonderer Erfolg genoss seine Interpretationen seiner eigenen Musik und Werke romantischer Komponisten – Frédéric Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt. Rachmaninows Konzerttätigkeit als reisender virtuoser Pianist in Städten und Ländern dauerte fast 25 Jahre ohne Unterbrechung.

In Amerika, wo er zufällig lebte, erzielte er einen überwältigenden Erfolg, der noch nie einen ausländischen Künstler hierher begleitet hat. Die Zuhörer waren nicht nur von Rachmaninows herausragendem Spielkönnen angezogen, sondern auch von seinem Spielstil und seiner äußeren Askese, hinter denen sich die helle Natur eines brillanten Musikers verbarg. „Ein Mensch, der in der Lage ist, seine Gefühle auf solche Weise und mit solcher Kraft auszudrücken, muss zunächst einmal lernen, sie perfekt zu beherrschen, ihr Meister zu sein ...“, heißt es in einer der Rezensionen.

Grammophonaufnahmen von Rachmaninows Spiel vermitteln einen Eindruck von seiner phänomenalen Technik, seinem Sinn für Form und seinem außergewöhnlich verantwortungsvollen Umgang mit Details. Rachmaninows Pianismus beeinflusste so herausragende Meister des Klavierspiels wie Wladimir Wladimirowitsch Sofronizki, Wladimir Samoilowitsch Horowitz, Swjatoslaw Teofilowitsch Richter und Emil Grigorjewitsch Gilels.

Amerikanischer Pianist – Virtuose ukrainisch-jüdischer Herkunft, einer der größten Pianisten des 20. Jahrhunderts

Wladimir Samoilowitsch Horowitz

(1903-1989)

Geboren in Russland seit 1928 in den USA. Vertreter romantischer Stil Aufführungen (Werke von F. Liszt, auch in seinen eigenen Transkriptionen, Fryderyk Chopin, russischen Komponisten usw.).

Vladimir Horowitz studierte bei V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky und F. M. Blumenfeld an der Kiewer Musikschule, die im September 1913 in das Kiewer Konservatorium umgewandelt wurde. Bei seinem Abschluss im Jahr 1920 erhielt V. Horowitz nie ein Diplom, da er kein Abschlusszeugnis des Gymnasiums besaß. Sein erstes Solokonzert gab er 1920 in Charkow (das erste dokumentierte öffentliche Konzert fand jedoch im Dezember 1921 in Kiew statt). Anschließend gab er zusammen mit einem jungen Geiger aus Odessa, Nathan Milstein, Konzerte in verschiedenen Städten Russlands, für die er aufgrund der schwierigen wirtschaftlichen Lage des Landes oft mit Brot statt mit Geld bezahlt wurde.

Seit 1922 hat Horowitz mit Konzerten in den Städten Russlands, der Ukraine, Georgiens und Armeniens ein gigantisches Repertoire aufgebaut. Beispielsweise führte er innerhalb von drei Monaten (November 1924 – Januar 1925) mehr als 150 Werke in der berühmten „Leningrader Reihe“ auf, bestehend aus 20 Konzerten. Trotz seines frühen Erfolgs als Pianist beharrte Horowitz darauf, Komponist zu werden, entschied sich jedoch für eine Karriere als Pianist, um seiner Familie zu helfen, die in der Revolution von 1917 ihr gesamtes Vermögen verloren hatte. Der Erfolg der „Kinder der Revolution“ (wie Lunatscharski sie in einem seiner Artikel nannte) war überwältigend. In vielen Städten entstanden Clubs von Fans dieser jungen Musiker.

Im September 1925 hatte Wladimir Horowitz die Möglichkeit, nach Deutschland zu gehen (offiziell reiste er zum Studium ab). Bevor er ging, lernte und spielte er das 1. Konzert von P. I. Tschaikowsky in Leningrad. Dank dieser Komposition wurde er in Europa berühmt. Dieses Konzert spielte eine „verhängnisvolle“ Rolle im Leben des Pianisten: Jedes Mal, wenn Horowitz in Europa und Amerika Triumphe feierte, spielte er Tschaikowskys 1. Konzert. Dem Pianisten folgend reiste auch Milstein im Dezember 1925 nach Deutschland ab. In Europa erlangten beide Musiker schnell Berühmtheit als brillante Virtuosen. Horowitz wurde ausgewählt Sowjetische Behörden vertrat die Ukraine beim ersten Internationalen Chopin-Wettbewerb im Jahr 1927, doch der Pianist beschloss, im Westen zu bleiben und nahm daher nicht am Wettbewerb teil. Bis 1940 tourte er mit Konzerten durch fast alle europäischen Länder und hatte überall einen überwältigenden Erfolg. Als V. Horowitz in Paris spielte, wurden die Gendarmen gerufen, um das Publikum zu beruhigen, das in Ekstase Stühle zerbrach. Im Jahr 1928 gab Vladimir Horowitz einen brillanten Auftritt in der Carnegie Hall in New York und tourte mit durchschlagendem Erfolg durch viele amerikanische Städte.

Russischer Pianist mit deutschen Wurzeln

Swjatoslaw Theofilowitsch Richter

(1915 – 1997)

Seine Kindheit und Jugend verbrachte er in Odessa, wo er bei seinem Vater, einem in Wien ausgebildeten Pianisten und Organisten, studierte und als Korrepetitor am Opernhaus arbeitete. Sein erstes Konzert gab er 1934. Im Alter von 22 Jahren trat er als Autodidakt in das Moskauer Konservatorium ein, wo er bei Heinrich Neuhaus studierte. 1940 trat er zum ersten Mal öffentlich in Moskau auf und spielte Prokofjews 6. Sonate; wurde anschließend der erste Interpret seiner 7. und 9. Sonate (letztere ist Richter gewidmet). 1945 gewann er den All-Union Competition of Performing Musicians.

Von seinen ersten Schritten im professionellen Bereich an wurde er als Virtuose und Musiker von außergewöhnlichem Kaliber wahrgenommen.

Seit mehreren Generationen sowjetischer und Russische Musiker und Musikliebhaber war Richter nicht nur ein herausragender Pianist, sondern auch ein Träger höchster künstlerischer und moralischer Autorität, die Personifizierung des modernen universellen Musikerpädagogen. Richters riesiges Repertoire erweitert sich bis hin zu den letzten Jahren sein aktives Leben, schaltete die Musik ein verschiedene Epochen, von Bachs Wohltemperiertem Klavier und Händels Suiten bis hin zu Gershwins Konzert, Weberns Variationen und Strawinskys Sätzen.

In allen Bereichen des Repertoires erwies sich Richter als einzigartiger Künstler, der absolute Objektivität in der Herangehensweise an den Notentext (sorgfältige Befolgung der Anweisungen des Autors, souveräne Kontrolle über Details, Vermeidung rhetorischer Übertreibungen) mit einem ungewöhnlich hohen dramatischen Ton und Spiritualität verband Schwerpunkt der Interpretation

Richters ausgeprägtes Verantwortungsbewusstsein gegenüber der Kunst und die Fähigkeit zur Hingabe manifestierten sich in seinem besonderen Engagement für das Ensemblespiel. Zu Beginn von Richters Karriere waren seine wichtigsten Ensemblepartner der Pianist, Neuhaus-Schüler Anatoly Vedernikov, die Sängerin Nina Dorliak (Sopran, Richters Frau), die Geigerin Galina Barinova, der Cellist Daniil Shafran und Mstislav Rostropovich (ihre perfekte, wahrhaft klassische Zusammenarbeit). übrigens alle Cellosonaten Beethovens). 1966 begann die Partnerschaft zwischen Richter und David Oistrach; 1969 wurde Schostakowitschs Violinsonate uraufgeführt. Richter war ein häufiger Partner des Quartetts. Borodin und arbeitete bereitwillig mit Musikern der jüngeren Generation zusammen, darunter Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kocsis, den Pianisten Vasily Lobanov und Andrei Gavrilov. Richters Kunst als Solist und Ensemblespieler ist in einer Vielzahl von Studio- und Konzertaufnahmen verewigt.

Sowjetischer Pianist, Volkskünstler der UdSSR

Emil Grigorjewitsch Gilels (1916-1985)

Emil begann im Alter von fünfeinhalb Jahren Klavier zu spielen; sein erster Lehrer war Yakov Tkach. Nachdem Gilels schnell bedeutende Erfolge erzielt hatte, trat er im Mai 1929 zum ersten Mal öffentlich auf und spielte Werke von Liszt, Chopin, Scarlatti und anderen Komponisten. 1930 trat Gilels in das Odessaer Musikinstitut (heute Odessaer Konservatorium) ein.

Und im nächsten Jahr gewinnt er den Allukrainischen Klavierwettbewerb und ein Jahr später trifft er Arthur Rubinstein, der anerkennend über seine Leistung spricht.

Berühmtheit erlangte der Musiker nach seinem Sieg im Jahr 1933 beim Ersten All-Union-Wettbewerb darstellender Musiker, dem zahlreiche Konzerte in der gesamten UdSSR folgten. Nach seinem Abschluss am Odessaer Konservatorium im Jahr 1935 trat Gilels in die Graduiertenschule des Moskauer Konservatoriums in der Klasse von Heinrich Neuhaus ein.

In der zweiten Hälfte der 1930er Jahre erzielte der Pianist große internationale Erfolge: Beim internationalen Wettbewerb in Wien (1936) belegte er den zweiten Platz und verlor nur gegen Yakov Flier. Zwei Jahre später rächte er sich an ihm und gewann den Ysaïe-Wettbewerb Brüssel, wo Flier auf dem dritten Platz blieb. Nach seiner Rückkehr nach Moskau begann Gilels als Assistent von Neuhaus am Konservatorium zu unterrichten.

Während des Krieges beteiligte sich Gilels an der militärischen Schirmherrschaft; im Herbst 1943 gab er Konzerte belagerte Leningrad Nach Kriegsende nahm er wieder eine aktive Konzert- und Lehrtätigkeit auf. Er trat oft mit seiner jüngeren Schwester, der Geigerin Elizaveta Gilels, sowie mit Yakov Zak auf. 1950 gründete er zusammen mit Leonid Kogan (Violine) und Mstislaw Rostropowitsch (Cello) ein Klaviertrio, 1945 gab er erstmals Konzerte im Ausland (als einer der ersten sowjetischen Musiker, denen dies gestattet wurde) und tourte in Italien, der Schweiz, Frankreich und den skandinavischen Ländern. 1954 war er der erste sowjetische Musiker, der in der Pleyel-Halle in Paris auftrat. 1955 kam der Pianist als erster sowjetischer Musiker zu Konzerten in die USA, wo er die Erste aufführte Klavierkonzert Tschaikowsky und Rachmaninows Drittes Konzert mit dem Philadelphia Orchestra unter der Leitung von Eugene Ormandy und gab bald darauf ein Solokonzert in der Carnegie Hall, das ein großer Erfolg war. In den 1960er und 1970er Jahren war Gilels einer der gefragtesten sowjetischen Musiker der Welt und verbrachte etwa neun Monate im Jahr auf Konzerten und auf Auslandstourneen.

Zusammenfassend möchte ich anmerken, dass die methodischen Prinzipien und Bücher der prominentesten Vertreter des sowjetischen Pianismus zeigen, dass die Ansichten dieser Musiker trotz der Individualität ihrer Herangehensweise an das Klavierspiel und die Klavierpädagogik viele Gemeinsamkeiten hatten. Dabei handelt es sich um den Wunsch nach einem tiefen Verständnis des Notentextes und nach einer genauen Übertragung der Intention des Komponisten sowie nach einem Verständnis des Stils und Charakters der Musik als Grundlage für eine realistische Interpretation der im Werk eingebetteten künstlerischen Bilder.

Eine typische Aussage hierzu ist G. G. Neuhaus: „Wir reden alle über dasselbe, aber mit unterschiedlichen Worten.“ Diese Allgemeingültigkeit bestimmt die Prinzipien der sowjetischen Pianistenschule, die wunderbare Pianisten und hervorragende Lehrer hervorbrachte.

XXIJahrhundert

Wie war und wie war die Klavierkunst im 20. Jahrhundert?

Was ist neu in Anfang XXI Jahrhundert?

Wie ist es heute, im zweiten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts, üblich, Klavier zu spielen?

Performance-Stil des 21. Jahrhunderts

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Zu Beginn des 21. Jahrhunderts existieren weiterhin zwei Hauptrichtungen der musikalischen Darbietungskunst – transzendentale Virtuosität und sinnvolle Interpretation. Am Ende des 20. Jahrhunderts konzentrierten sich diese Richtungen zunehmend und isolierten sich voneinander. Ein neues Phänomen entstand jedoch, als Pianisten gleichzeitig beide Strömungen der darstellenden Kunst bedienen konnten.

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An Traditionen aufführen Einflüsse totaler Konkurrenzwahn, in In diesem Fall wird das außergewöhnliche Wettbewerbsniveau bei der Aufführung musikalischer Werke zu einem immer häufigeren Muster, dem auch auf der Konzertbühne gefolgt werden muss.

Die Ideale der Tonaufnahme und das wettbewerbsorientierte Leistungsniveau, die die Konzerttraditionen beeinflussten, erforderten eine deutliche Steigerung der Qualität des Klavierspiels. Jedes Stück des Programms und nicht nur die Zugaben sollten auf dem Niveau eines Meisterwerks der darstellenden Kunst klingen. Was im Studio dank Tontechnik und Computerbearbeitung aus mehreren Aufführungsmöglichkeiten möglich war, sollte auf der Bühne genau in diesem Moment, hier und jetzt, geschehen.

Internationale Wettbewerbe und Festivals tragen zur Globalisierung der Klavierkunst bei.

Ihre Namen erfahren wir am häufigsten nach dem Tschaikowsky-Wettbewerb. Dieser Wettbewerb machte solche Pianisten berühmt wie: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Amerikanischer Pianist, der russische Herzen eroberte

Erster Gewinner des Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerbs (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Der amerikanische Pianist Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) ist vielleicht der beliebteste ausländische Musiker in unserem Land. Es war das russische Publikum, das Van Cliburns schauspielerische Fähigkeiten als erstes zu schätzen wusste; erst nach seinem Besuch in Russland wurde er zu einem weltberühmten Musiker.

Im Alter von erhielt er seinen ersten Klavierunterricht 3 Jahre bei seiner Mutter. Als Cliburn sechs Jahre alt war, zog die Familie nach Texas, wo er mit dreizehn Jahren einen Wettbewerb gewann und bald sein Debüt in der Carnegie Hall gab.

1951 trat er in die Klasse von Rosina Levina in die Juilliard School ein und erhielt in den folgenden Jahren zahlreiche Auszeichnungen bei renommierten amerikanischen und internationalen Wettbewerben.

Weltweite Bekanntheit erlangte Cliburns Name durch seinen sensationellen Sieg beim ersten Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau im Jahr 1958. Der junge Pianist gewann die Sympathie sowohl der Jurymitglieder als auch des Publikums. Dies war umso überraschender, als die Aktion auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges stattfand. Bei seiner Rückkehr in seine Heimat wurde Cliburn ein großartiger und enthusiastischer Empfang bereitet. Der Musiker war von Liebe und Respekt für die UdSSR erfüllt und nach dem Wettbewerb kam er mehr als einmal, um Konzerte zu geben.

Van Cliburn tourte sowohl in seinem Heimatland als auch im Ausland. Er trat vor Königen und Staatsoberhäuptern sowie vor allen US-Präsidenten auf. Er war der erste Künstler klassischer Musik, der ein Platinalbum hatte. Seine Aufführung von Tschaikowskys erstem Klavierkonzert wurde über eine Million Mal verkauft.

Seit 1962 findet der Van Cliburn Piano Competition in Fort Worth, Texas, statt.

Russischer Pianist, Musiklehrer, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens

Wladimir Wsewolodowitsch Krainew

(1944-2011)

Das musikalische Talent von Vladimir Krainev manifestierte sich in der weiterführenden Musikfachschule in Charkow, die er im Alter von 5 Jahren besuchte. Zwei Jahre später fand sein erster Auftritt statt große Bühne- gemeinsam mit dem Orchester führte er Haydns Konzert und Beethovens Erstes Konzert auf.

Mit der Unterstützung der Charkower Lehrer betrat Krainev die Moskauer Zentrale Musikschule am Konservatorium. Tschaikowsky in die Klasse von Anaida Sumbatyan. 1962 trat er ins Konservatorium ein. Tschaikowsky in der Klasse von Heinrich Neuhaus, und nach seinem Tod studierte er bei seinem Sohn Stanislav Neuhaus, bei dem er 1969 sein Graduiertenstudium abschloss.

Weltweite Anerkennung erlangte Vladimir Krainev Anfang der 1960er Jahre, als er Hauptpreise bei großen internationalen Wettbewerben in Leeds (Großbritannien, 1963) und Lissabon (Portugal, 1964) gewann. Nach einem Auftritt in Leeds erhielt der junge Pianist eine Einladung zu einer Tournee in die USA. 1970 errang er einen glänzenden Sieg beim IV. Internationalen Wettbewerb, benannt nach P.I. Tschaikowsky in Moskau.

Seit 1966 ist Vladimir Krainev Solist der Moskauer Staatsphilharmonie. Seit 1987 - Professor am Moskauer Konservatorium. Seit 1992 - Professor Weiterführende Schule Musik und Theater in Hannover (Deutschland).

Vladimir Krainev tourte intensiv durch Europa und die USA und trat mit so herausragenden Dirigenten wie Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko und Saulius Sondeckis auf.

Krainev war Organisator des Festivals „Vladimir Krainev Invites“ in der Ukraine und des nach ihm benannten Internationalen Wettbewerbs für junge Pianisten in Charkow (seit 1992).

1994 gründete der Pianist die International Charitable Foundation for Young Pianists. Die Stiftung leistete Hilfe und Unterstützung für zukünftige Berufsmusiker, schuf Bedingungen für ihre Kreativität in Russland und im Ausland, organisierte Tourneen und Konzerte junger Musiker und unterstützte sie Bildungsinstitutionen Kultur und Kunst.

Berühmter Dirigent und Pianist, Volkskünstler der RSFSR, Gründer und Leiter des Russischen Nationalorchesters von 1990 bis 1999 und von 2003 bis heute. Gewinner der Goldmedaille beim Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb 1978 und des Grammy Award 2004.

Michail Wassiljewitsch Pletnew wurde in geboren1957

Pletnev verbrachte seine Kindheit in Saratow und Kasan und begann im Alter von sieben Jahren, die Musikschule am Kasaner Konservatorium zu besuchen, um Klavier zu studieren. Ab seinem 13. Lebensjahr studierte er an der Zentralen Musikschule des Moskauer Tschaikowsky-Konservatoriums. 1973 gewann der 16-jährige Pletnev den Grand Prix beim International Jugendwettbewerb in Paris und im folgenden Jahr trat er in das Moskauer Konservatorium ein und studierte bei den Professoren Yakov Flier und Lev Vlasenko.

1977 gewann Pletnev den ersten Preis beim All-Union-Klavierwettbewerb in Leningrad und 1978 gewann er eine Goldmedaille und den ersten Preis beim Moskauer Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb. 1979 schloss Pletnev sein Studium am Konservatorium und 1981 an der Graduiertenschule ab, woraufhin er Wlasenkos Assistent wurde und anschließend in seiner eigenen Klavierklasse zu unterrichten begann.

Nachdem er 1981 Solist des Staatskonzerts geworden war, erlangte Pletnev als virtuoser Pianist Berühmtheit; die Presse nahm seine Interpretationen von Tschaikowskys Werken, aber auch seine Aufführungen von Bach, Beethoven, Rachmaninow und anderen Komponisten zur Kenntnis. Pletnev hat mit so berühmten Dirigenten wie Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai und den berühmtesten Symphonieorchestern der Welt zusammengearbeitet, darunter dem London Symphony und dem Los Angeles Philharmonic.

1980 gab Pletnev sein Debüt als Dirigent und zehn Jahre später, 1990, gründete er mit Hilfe ausländischer Spenden das unabhängige Russische Nationale Symphonieorchester (später umbenannt in Russisches Nationalorchester, RNO) und war bis 1999 dessen Künstler Direktor, Chefdirigent und Präsidentenfonds. Im Jahr 2008 wurde Pletnev Gastdirigent beim Sinfonieorchester der italienischen Schweiz (Orchestra della Svizzera Italiana). Im Jahr 2006 gründete Pletnev den Unterstützungsfonds Nationalkultur. Von 2006 bis 2010 war Pletnev Mitglied des Präsidialrats der Russischen Föderation für Kultur und Kunst und von 2007 bis 2009 Mitglied der UNESCO-Kommission der Russischen Föderation.

Kasachischer Pianist, Lehrer, Professor und Rektor des nach Kurmangazy benannten kasachischen Nationalkonservatoriums,

Volkskünstler Kasachstans, Preisträger internationaler Wettbewerbe, Professor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova wurde 1957 geboren

Absolvent des nach ihm benannten Alma-Ata State Conservatory. Kurmangazy, Moskauer Staatliches Konservatorium. P. I. Tschaikowsky und Graduiertenschule (mit Professor L. N. Vlasenko).

Seit 1979 - Staatskonzertmeister akademisches Theater Oper und Ballett benannt nach. Abai und Assistenzpraktikant am Moskauer Staatlichen Konservatorium. P. I. Tschaikowsky. 1981 - Oberlehrer, außerordentlicher Professor, Leiter der Abteilung für Spezialklavier am nach ihm benannten Alma-Ata-Staatskonservatorium. Kurmangazy. Seit 1983 - Solist der nach ihm benannten Kasachischen Staatsphilharmonie. Dzhambula. Seit 1993 - Professor am nach ihm benannten Staatlichen Konservatorium Almaty. Kurmangazy. 1994 – Die „Autorenschule von Zhania Aubakirova“ wurde gegründet und arbeitet mit modernen pädagogischen Methoden und Technologien. Seit 1997 - Rektor des nach Kurmangazy benannten kasachischen Nationalkonservatoriums. Unter ihrer Leitung wurde das Konservatorium zur führenden Musikuniversität des Landes und zum Kultur- und Bildungszentrum der Republik; 2001 wurde ihm der nationale Status verliehen.

1998 – Auf Initiative von Zhania Aubakirova wurde die Musikagentur „Classics“ gegründet, die mit großem Erfolg die „Kasachischen Jahreszeiten in Frankreich“ veranstaltete, Konzerte in mehr als 18 Ländern organisierte, mehr als 30 CDs und mehr als 20 Musicals aufnahm Filme über kasachische Künstler. 2009 – im November das Studentensinfonieorchester des Kasachischen Nationalkonservatoriums. Kurmangazy machte eine Tour zu fünft größten Städte USA: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston und New York. Junge Musiker traten zusammen mit ihrer Rektorin, der Volkskünstlerin der Republik Kasachstan Zhaniya Aubakirova, in den berühmtesten Hallen der Welt auf – dem Kennedy Center und der Carnegie Hall.

Solokonzerte und Auftritte von Zhania Aubakirova mit berühmten Orchestern, die Weltmusikklassiker und die Werke kasachischer Komponisten fördern, finden regelmäßig in Kasachstan, den größten Konzertsälen in Frankreich, England, Deutschland, Japan, Russland, Polen, Italien und den USA statt. Israel, Griechenland und Ungarn. Die großen Säle des Moskauer Tschaikowsky-Konservatoriums und der St. Petersburger Philharmonie, dem Moskauer Haus der Musik.

Herausragender Pianist unserer Zeit

Boris Beresowskigeboren 1969

Er tritt in die Klasse des herausragenden Pianisten Eliso Virsaladze am Moskauer Konservatorium ein. Nach einiger Zeit fühlt sich Berezovsky in der Klasse von Eliso Virsaladze, in der nur traditionelles Repertoire gespielt wird, „überfüllt“, und so beginnt er, Privatunterricht bei Alexander Sats zu nehmen. Sats eröffnet Boris Berezovsky neue Horizonte der russischen klassischen Musik. Mit ihm beginnt Beresowski, Medtner, viel Rachmaninow und viele andere zu spielen. Doch Boris Berezovsky konnte sein Studium am Moskauer Konservatorium nie abschließen; er wurde wegen der Teilnahme am Tschaikowsky-Wettbewerb trotz bestandener Abschlussprüfungen ausgeschlossen. Doch dieser Umstand hinderte ihn keineswegs daran, der virtuoseste und gefragteste Interpret unserer Zeit zu werden.

Seit mehr als zehn Jahren tritt Boris Berezovsky mit den berühmtesten Orchestern der Welt auf: dem BBC Orchestra, den London and New York Philharmonics, dem New Japan Philharmonic Orchestra, den Birmingham und Philadelphia Symphony Orchestras. Berezovsky nimmt ständig an verschiedenen Kammermusikfestivals teil Solokonzerte ist in Berlin und New York, Amsterdam und London zu hören. Spricht fließend Englisch und Französisch.

Der Pianist verfügt über eine recht umfangreiche Diskographie. Die letzten Notizen Seine Konzerte erhielten von der Kritik die höchsten Bewertungen. Auszeichnungen des Deutschen Tonträgerverbandes hohe Belohnung Rachmaninows Sonaten, interpretiert von Boris Beresowski. Aufnahmen von Ravels Werken wurden in die Klassik-Charts von Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine und Independent aufgenommen.

Boris Berezovsky ist der Gewinner der Goldmedaille beim 9. Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb, er wird der „neue Richter“ genannt, Berezovskys Klang, mit transparentem Pianissimo und einem reichen Spektrum dynamische Farbtöne Er gilt als der versierteste Pianist seiner Generation. Heute ist Boris Berezovsky zunehmend auf den großen Konzertbühnen Russlands zu hören.

Einer der inspirierten, intelligenten Künstler, Russisch Pianist , Lehrer, Solist Moskauer Staatsphilharmonie , Volkskünstler Russlands

NikolaThLöwé HIVWieseń Englisch wurde geboren in1972

Sein Spiel schaffte es, das Beste aufzunehmen, was die zentrale Musikschule und das Konservatorium in Moskau zu bieten hatten.

Dieser inspirierte Interpret, der über eine brillante Spieltechnik verfügt, verfügt nun über eine seltene Gabe für einen kreativen Umgang mit dem Material. Er ist einer der wenigen, denen es gelingt, den Funken Gottes in den Werken Beethovens ans Licht zu bringen und das seltene „Inferal“ zu offenbaren Klang“ von Mozart, jedes würdige Material spielen, so dass der abgestumpfte Betrachter tausendfach gespielte Melodien in einer völlig anderen Ausführungsform wiederentdeckt.

Mittlerweile gibt es in Russland viele Profis, die Spitzenleistungen vorweisen können. Allerdings steht Lugansky seinen bedeutenden Kollegen in nichts nach und bleibt ein einzigartiges Phänomen in russische Musik.

Sie können die Klassiker auf unterschiedliche Weise spielen: Jede Schule – Französisch, Deutsch, Italienisch – bietet ihre eigene Lösung für hohe Probleme mit einem einzigartigen Klang.

Aber jeder wirklich virtuose Pianist „kreiert seine eigenen Klassiker“, was ein Beweis für sein Genie ist. Schon zu Beginn seiner musikalischen Karriere wurde Nikolai Lugansky als „Richters Pianist“ bezeichnet, dann wurde er auch mit Alfred Cortot verglichen.

Nikolai Lugansky bleibt ein einzigartiges Phänomen in der russischen Musik.

Berühmter russischer Pianist, klassischer Musiker

Evgeniy Igrevich Kissin wurde 1971 geboren

Im Alter von 6 Jahren trat er in die Gnessin-Musikschule ein. Die erste und einzige Lehrerin ist Anna Pawlowna Kantor.

Als Wunderkind trat er zunächst unter dem Namen Zhenya Kissin auf. Im Alter von 10 Jahren trat er erstmals mit einem Orchester auf und spielte Mozarts 20. Konzert. Ein Jahr später gab er sein erstes Solokonzert. 1984 (im Alter von 12 Jahren) führte er Chopins 1. und 2. Konzert für Klavier und Orchester auf Große Halle Moskauer Konservatorium.

1985 ging Evgeny Kisin zum ersten Mal für Konzerte ins Ausland und 1987 debütierte er dort Westeuropa bei den Berliner Festspielen. 1988 trat er mit Herbert von Karajan auf Neujahrskonzert Berliner Philharmoniker spielen Tschaikowskys 1. Konzert.

Im September 1990 gab Kissin sein Debüt in den USA, wo er mit dem New Yorker Orchester Chopins 1. und 2. Konzert aufführte Philharmonisches Orchester Regie: Zubin Mehta. Eine Woche später gibt der Musiker ein Solokonzert in der Carnegie Hall. Im Februar 1992 nimmt Kissin an der Zeremonie teil Grammy Awards in New York, ausgestrahlt im Fernsehen vor einem geschätzten Publikum von einer Milliarde sechshundert Millionen Zuschauern. Im August 1997 gab er beim Proms-Festival in der Londoner Albert Hall ein Rezital – den ersten Klavierabend in der über 100-jährigen Geschichte des Festivals.

Kissin führt intensive Konzertaktivitäten in Europa, Amerika und Asien durch und lockt ständig ausverkaufte Menschenmengen an; Aufgeführt mit den weltweit führenden Orchestern unter der Leitung von Dirigenten wie Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Yuri Temirkanov, Georg Solti und Maris Jansons; Zu Kissins Kammermusikpartnern zählen Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern und andere.

Evgeny Kissin gibt auch Poesieabende auf Jiddisch und Russisch. Im Jahr 2010 erschien eine CD mit Aufnahmen von Werken moderner Poesie auf Jiddisch, vorgetragen von E. Kissin „Af di klavn fun yidisher Poetry“ (Über die Tasten jüdischer Poesie). Laut Kissin selbst hat er seit seiner Kindheit eine starke jüdische Identität und veröffentlicht pro-israelische Materialien auf seiner persönlichen Website.

Russischer Pianist, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Volkskünstler Russlands

Denis Leonidovich Matsuev wurde 1975 geboren

Denis Matsuev verbrachte seine Kindheit in seiner Heimat Irkutsk. In eine kreative Familie hineingeboren, ein Junge mit frühe Jahre studierte Musik. Zunächst besuchte er die nach V. V. Mayakovsky benannte städtische Sekundarschule Nr. 11 und begann gleichzeitig, die örtliche Kunstschule zu besuchen. Im Alter von sechzehn Jahren trat Denis Matsuev in die Musikhochschule Irkutsk ein. Allerdings erkannte er schnell, dass sein Talent noch gründlicher verfeinert werden musste. Im Familienrat wurde beschlossen, in die Hauptstadt zu ziehen. Die Eltern verstanden, dass ihr talentierter Sohn sehr erfolgreich sein könnte kreative Biografie. Denis Matsuev zog 1990 nach Moskau.

1991 wurde er Preisträger der International Public Charitable Foundation namens „New Names“. Dank diesem Umstand bereiste er bereits in seiner Jugend mehr als vierzig Länder der Welt mit Konzertauftritten. Die wichtigsten Persönlichkeiten kamen, um seinem virtuosen Spiel zuzuhören: die Königin von England, der Papst und andere. 1993 gelang Denis Matsuev der Eintritt in das Moskauer Staatskonservatorium. Gleichzeitig trat er in Programmen der öffentlichen Stiftung „Neue Namen“ auf, die unter der Leitung von Denis‘ Förderer Svyatoslav Belz stattfanden. 1995 wurde der Künstler als Solist am Moskauer Orchester aufgenommen Staatsphilharmonie. Dadurch konnte Denis Leonidovich den Umfang seiner Konzerttätigkeit erweitern.

Zusammen mit seinem Sieg beim Elften Internationalen Pjotr-Iljitsch-Tschaikowsky-Wettbewerb erlangte der Musiker Weltruhm. Seine Biografie wurde mit diesem schicksalhaften Ereignis im Jahr 1998 geschmückt. Denis Matsuev hat sich zu einem der beliebtesten Pianisten der Welt entwickelt. Seine meisterhaften Darbietungen lösten weltweit große Resonanz aus. Der Künstler wurde zu den prestigeträchtigsten Veranstaltungen eingeladen. So trat er beispielsweise bei der Abschlusszeremonie der Olympischen Spiele in Sotschi auf.

Seit 2004 präsentiert Denis Matsuev jährlich sein persönliches Abonnement. Die besten Symphonieorchester Russlands und des Auslands treten gemeinsam mit dem dortigen Musiker auf.

Er tut viel für sein Land. Um den Menschen die Liebe zur Musik zu vermitteln, organisiert der Künstler Festivals und Wettbewerbe aller Art. Darüber hinaus ist er bestrebt, sie in verschiedenen Regionen Russlands abzuhalten, damit alle Einwohner des Landes hohe Kunst berühren und brillante Darbietungen der besten Musikwerke hören können.

Abschließend fassen wir die wichtigsten Richtungen und Trends in der Entwicklung der Klavierkunst im 21. Jahrhundert zusammen. In den virtuosen und bedeutungsvollen Richtungen der Klavierkunst finden sich folgende entwicklungsbegleitende Faktoren: Fokus auf die Qualität und Ästhetik der Tonaufnahme, gesteigerte Ausdruckskraft der Tonkonjugation, erweiterte Möglichkeiten im Bereich der Agogie und Klangfarbe, Verlangsamung der Tempo und Senkung des durchschnittlichen dynamischen Leistungsniveaus, Polyphonisierung der Textur. Diese Faktoren tragen zur Steigerung der Tiefe und zur modernen Erneuerung des Aufführungsinhalts bei. Gleichzeitig wird das Klavierkonzertrepertoire durch die Entdeckung neuer, hochkünstlerischer Werke aktualisiert, die bisher nicht geschätzt wurden.

Dennoch sind es die Verallgemeinerung und Sinnhaftigkeit der Intonation, die die Haupttrends in der Entwicklung der Klavierkunst des 21. Jahrhunderts sind.

Diese Liste auftretender Pianisten zeigt, dass das Klavier nahezu unbegrenzte Inspiration bietet. Seit drei Jahrhunderten begeistern Interpreten der Klaviermusik ihre Zuhörer und inspirieren sie zu ihren eigenen Heldentaten in der Welt der Musik.

Egal zu welcher Zeit der Musiker gehörte, was ihn großartig machte, war nicht nur sein Talent, sondern auch seine völlige Hingabe an die Musik!!!

PSNachdem wir die Literatur zu diesem Thema studiert hatten, kamen wir zu dem Schluss, dass die Entwicklung der Klavierschulen vom Moment ihrer Gründung bis zu unserer Zeit von der spirituellen Vielseitigkeit der Persönlichkeit des Meisters bestimmt wurde und pädagogische Bestrebungen als kreative Grundlage dienten Tatsächlich ein Anreiz zur Kreativität. Fortschrittlich ausgebildete Musiker unterstützten alles, was sie in der Kunst für wertvoll hielten; hohe bürgerliche Ideale, missionarischer Zweck der Kreativität.

Die Überlegungen bedeutender ausübender Musiker und Lehrer zielen seit jeher darauf ab, Lehrprinzipien zu entwickeln, die den Vorstellungen über die Aufgaben der Aufführung gerecht werden. Dies bestimmte maßgeblich den Inhalt wissenschaftlicher Arbeiten, die sich dem Spielen des Instruments widmeten.

In den alten Abhandlungen aus der Ära des Klavierbaus ging es um das Komponieren von Musik, Improvisationstechniken und Arrangements Musikalische Kompositionen, Sitzen hinter dem Instrument, Fingersatz und Spielregeln. All dies erklärt sich aus der Tatsache, dass der Interpret in der Zeit vor dem Klavierspiel ein Komponist war, der den Zuhörern seine eigenen Werke und seine Improvisationsfähigkeiten vorstellte. Der Beruf des Interpreten und Interpreten (jedoch nicht des Komponisten) hatte sich in jenen Jahren noch nicht als Sonderform herausgebildet Kreative Aktivitäten Musiker. Erst im 19. Jahrhundert kam es zusammen mit dem Aufkommen eines neuen Instruments auf der Konzertbühne – dem Klavier – und der Leidenschaft für Virtuosität im Spiel zu einer allmählichen Differenzierung von Musikern, Komponisten, Interpreten und Lehrern, die das Spielen dieses Instruments unterrichten.

Auch der Inhalt wissenschaftlicher Arbeiten zur Musikkunst hat sich in vielerlei Hinsicht verändert. Verschiedene Studien, Lehrbücher und Arbeiten zu Lehrmethoden berücksichtigten nicht mehr alle Fragen der musikalischen Kreativität, Darbietung und Pädagogik. Das Thema jeder Arbeit war nur ein bestimmter Bereich der Musikwissenschaft. Die Autoren von Büchern über Klavierkunst interessierten sich hauptsächlich für die Beherrschung der pianistischen Technik und die meisten von ihnen widmeten sich diesen Themen. methodische Arbeiten und Lehrmittel. So wurden theoretische Arbeiten zum Klavierspiel viele Jahre lang auf die Probleme reduziert, rationale Spieltechniken zu etablieren, die es ermöglichen, eine virtuose Technik zu erreichen. Erst Ende des 19. und 20. Jahrhunderts wandten sich herausragende Musiker den künstlerischen Fragen der darstellenden Kunst zu, die die Aufgaben der Interpretation, des Stil- und Inhaltsverständnisses musikalischer Werke bestimmten. Diese Probleme hingen auch mit Fragen der Klavierspieltechnik zusammen. Das wichtigste Ziel des Lehrers bestand darin, einen Musiker auszubilden, dessen darstellende Kunst keine Demonstration technischer Fähigkeiten ist, sondern die Fähigkeit, die innerste Bedeutung eines Kunstwerks in lebendigen, figurativen Ausdrucksformen zu vermitteln.

Spezialisiert auf Klavieraufführungen von Musikwerken.

Eine interessante Tatsache ist, dass es für den Beruf eines Pianisten besonders wichtig ist, bereits in einem sehr frühen Alter, etwa drei oder vier Jahren, mit dem Musizieren zu beginnen. Dann entsteht eine „breite“ Handflächenform, die in Zukunft dabei hilft, meisterhaft zu spielen.

Je nach Entwicklungsepoche der Klaviermusik wurden teilweise diametral entgegengesetzte Anforderungen an Pianisten gestellt. Darüber hinaus überschneidet sich der Beruf des Musikers zwangsläufig mit. Die meisten Pianisten komponieren ihre eigene Klaviermusik. Und nur seltene Virtuosen schafften es, berühmt zu werden, indem sie ausschließlich fremde Melodien spielten.

Auf jeden Fall ist es für einen Pianisten wie für jeden Musiker wichtig, aufrichtig und emotional zu sein und sich in der Musik, die er spielt, verlieren zu können. Laut Harold Schonberg, einem berühmten Musikkritiker, ist es nicht nur ein Instrument, es ist eine Lebenseinstellung, was bedeutet, dass der Sinn des Lebens eines Pianisten nicht nur in der Musik liegt, sondern in der Musik um des Klaviers willen.

Mozart, Liszt und Rachmaninow – Klassiker der Klavierkunst

Die Geschichte der Klaviermusik ist sehr interessant. Es gibt mehrere Phasen, von denen jede ihre eigenen Traditionen hat. Oft wurden die Kanons der Epoche von einem (seltener von mehreren) festgelegt, der ein Instrument meisterhaft spielte (zuerst war es das Cembalo, später das Klavier).

Sie markieren daher drei Epochen in der Geschichte des Pianismus und sind nach den berühmtesten Komponisten benannt – Mozart, Liszt und Rachmaninow. Wenn wir die traditionelle Terminologie der Historiker verwenden, waren dies die Epochen des Klassizismus, dann der Romantik und der frühen Moderne.

Berühmte Pianisten des 18. und 19. Jahrhunderts

In jeder dieser Perioden wirkten auch andere Pianisten, von denen viele gleichzeitig Komponisten musikalischer Werke waren und die Geschichte der Klaviermusik unauslöschlich prägten. Das sind zwei von drei“ Wiener Klassiker» Schubert und Beethoven, die Deutschen Brahms und Schumann, der Pole Chopin und der Franzose Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

Von Pianisten wurde in dieser Zeit vor allem die Fähigkeit zum Improvisieren verlangt. Der Beruf des Pianisten war eng mit dem Komponieren verbunden. Und auch bei der Aufführung fremder Werke galt seine eigene Interpretation, eine freie Interpretation, als richtig. Heutzutage würde eine solche Leistung als geschmacklos, falsch oder sogar ungeeignet gelten.

Berühmte Pianisten des 20. und 21. Jahrhunderts

Das 20. Jahrhundert ist die Blütezeit der Klavierkunst. Diese Zeit ist ungewöhnlich reich an außergewöhnlich talentierten, herausragenden Pianisten.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Hoffmann und Cortot, Schnabel und Paderewski berühmt. Und natürlich Rachmaninow, das Genie des Silbernen Zeitalters, das nicht nur in der Klaviermusik, sondern in der gesamten Weltkultur eine neue Ära markierte.

Die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts ist die Ära so berühmter Pianisten wie Swjatoslaw Richter, Emil Gilels, Wladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Swjatoslaw Richter

So herausragende Pianisten wie der Amerikaner Van Cliburn, der 1958 erster Preisträger des Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerbs wurde, setzen ihr musikalisches Schaffen zu Beginn des 21. Jahrhunderts fort. Erwähnenswert ist der Musiker, der im nächsten Jahr denselben Wettbewerb gewann – der beliebteste Pop-Pianist Vladimir Ashkenazy.

Jeder Liebhaber klassischer Musik kann seinen Favoriten nennen.

Alfred Brendel war kein Wunderkind und seine Eltern hatten nichts mit Musik zu tun. Seine Karriere begann ohne viel Aufsehen und entwickelte sich langsam. Vielleicht ist das das Geheimnis seiner Langlebigkeit? Anfang dieses Jahres wurde Brendel jedoch 77 Jahre alt Konzertplan umfasst manchmal 8-10 Vorstellungen pro Monat.

Für den 30. Juni ist ein Soloauftritt von Alfred Brendel im Konzertsaal angekündigt Mariinski-Theater. Der Pianist für dieses Konzert konnte auf der offiziellen Website nicht gefunden werden. Es gibt jedoch einen Termin für das bevorstehende Moskauer Konzert, das am 14. November stattfinden wird. Gergiev zeichnet sich jedoch durch seine Fähigkeit aus, unlösbare Probleme zu lösen.

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Ein weiterer Anwärter auf den ersten Platz in der improvisierten Rangliste ist Grigory Sokolov. Zumindest wird man das in St. Petersburg sagen. In der Regel kommt Sokolov einmal im Jahr in seine Heimatstadt und gibt ein Konzert im Großen Saal der St. Petersburger Philharmonie (das letzte war im März dieses Jahres), aber Moskau ignoriert er ebenso regelmäßig. Diesen Sommer spielt Sokolov in Italien, Deutschland, der Schweiz, Österreich, Frankreich, Portugal und Polen. Auf dem Programm stehen Sonaten von Mozart und Präludien von Chopin. Die Routenpunkte, die Russland am nächsten liegen, werden Krakau und Warschau sein, wo Sokolov im August ankommen wird.
Wenn man Martha Argerich die beste Pianistin unter den Frauen nennt, wird sicherlich jemand Einwände erheben: auch unter den Männern. Den Fans des temperamentvollen Chilenen sind die plötzlichen Stimmungsschwankungen des Pianisten oder die häufigen Konzertabsagen nicht peinlich. Der Satz „Das Konzert ist geplant, aber nicht garantiert“ ist genau das, was er bedeutet.

Martha Argerich wird diesen Juni wie üblich in der Schweizer Stadt Lugano verbringen, wo sie lebt Musikfestival. Programme und Teilnehmer ändern sich, aber eines bleibt unverändert: Jeden Abend beteiligt sich Argerich selbst an der Aufführung eines der Werke. Im Juli tritt Argerich auch in Europa auf: in Zypern, Deutschland und der Schweiz.

Der Kanadier Marc-Andre Hamelin wird oft als Erbe von Glen Gould bezeichnet. Der Vergleich ist in beide Richtungen hinfällig: Gould war ein Einsiedler, Hamelin ist aktiv auf Tournee, Gould ist berühmt für seine mathematisch berechneten Interpretationen von Bach, Hamelin markiert die Rückkehr des romantischen Virtuosenstils.

Marc-Andre Hamelin trat erst im März dieses Jahres im Rahmen desselben Abonnements wie Maurizio Pollini in Moskau auf. Hamelin tourt im Juni durch Europa. Zu seinem Terminkalender gehören Solokonzerte in Kopenhagen und Bonn sowie ein Festivalauftritt in Norwegen.

Wenn jemand Mikhail Pletnev Klavier spielen sieht, benachrichtigen Sie ihn sofort Nachrichtenagenturen, und Sie werden zum Autor einer Weltsensation. Der Grund, warum einer von die besten Pianisten Russland beendete seine Karriere als Musiker, was für den Durchschnittsmenschen unverständlich ist – seine letzten Konzerte waren so großartig wie immer. Heute ist Pletnevs Name nur noch als Dirigent auf Plakaten zu finden. Aber wir werden trotzdem hoffen.
Ein ernsthafter Junge, der über seine Jahre hinaus in einer Pionierkrawatte steckt – so ist Evgeny Kissin noch immer in Erinnerung, obwohl weder die Pioniere noch dieser Junge schon lange gesehen wurden. Heute ist er einer der beliebtesten klassischen Musiker der Welt. Pollini bezeichnete ihn einst als den klügsten Musiker der neuen Generation. Seine Technik ist großartig, aber oft kalt – als ob der Musiker mit seiner Kindheit etwas sehr Wichtiges verloren hätte und es nie wiederfinden würde.

Im Juni tourt Evgeny Kissin mit dem Orchester Kremerata Baltica durch die Schweiz, Österreich und Deutschland und spielt Mozarts 20. und 27. Konzert. Die nächste Tour ist für Oktober geplant: Kissin wird Dmitry Hvorostovsky in Frankfurt, München, Paris und London begleiten.

Arkady Volodos ist ein weiterer „wütender junger Mensch“ des aktuellen Pianismus, der Wettbewerbe grundsätzlich ablehnt. Er ist ein wahrer Weltbürger: Er wurde in St. Petersburg geboren, studierte in seiner Heimatstadt, dann in Moskau, Paris und Madrid. Zunächst kamen die Aufnahmen in Moskau an junger Pianist, veröffentlicht von Sony, und erst dann erschien er selbst. Es scheint, dass seine jährlichen Konzerte in der Hauptstadt zur Regel werden.

Arkady Volodos begann den Juni mit einem Auftritt in Paris; im Sommer ist er in Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen und Oslo sowie in der polnischen Kleinstadt Duszniki beim traditionellen Chopin-Festival zu hören.

Ivo Pogorelich gewann internationale Wettbewerbe, doch seine Niederlage brachte ihm Weltruhm: 1980 wurde ein Pianist aus Jugoslawien nicht in die dritte Runde des Chopin-Wettbewerbs in Warschau aufgenommen. Infolgedessen schied Martha Argerich aus der Jury aus und die junge Pianistin wurde berühmt.

1999 hörte Pogorelich auf, aufzutreten. Sie sagen, dass der Grund dafür die Behinderung war, der der Pianist in Philadelphia und London durch verärgerte Zuhörer ausgesetzt war. Einer anderen Version zufolge war der Tod seiner Frau die Ursache für die Depression des Musikers. Pogorelich ist kürzlich auf die Konzertbühne zurückgekehrt, tritt aber kaum auf.

Die letzte Position auf der Liste ist am schwierigsten zu besetzen. Schließlich gibt es noch so viele hervorragende Pianisten: den in Polen geborenen Christian Zimmerman, den Amerikaner Murray Perahia, den Japaner Mitsuko Ushida, den Koreaner Kun Woo Peck oder den Chinesen Lang Lang. Vladimir Ashkenazy und Daniel Barenboim setzen ihre Karrieren fort. Jeder Musikliebhaber wird seinen Favoriten nennen. Lassen Sie also einen Platz in den Top Ten frei.

Klavier und ähnliches Musikinstrumente gibt es schon seit mehr als einem Jahrhundert, aber der Pianismus – die Kunst, sie zu spielen – als eigenständige Wissenschaft ist erst etwas mehr als zwei Jahrhunderte alt. Und in all den langen Jahren, die seit seiner Entstehung vergangen sind, haben die besten Pianisten, von denen viele auch Komponisten waren, die theoretischen Grundlagen und Grundtechniken dieser Kunst geschaffen, sie verbessert und ihre Mitmenschen mit ihrem unvergleichlichen Spiel begeistert.

Wenn wir darüber sprechen, wer die besten Pianisten der Welt seit der Geburt der Kunst des Klavierspiels waren, dann ist Platz für mehr als ein Dutzend Namen aus verschiedenen Ländern und Schulen. Zum jetzigen Zeitpunkt ist es aus objektiven Gründen nicht möglich, den Grad der Beherrschung des Instruments durch viele von ihnen zu beurteilen: zu der Zeit, als einige von ihnen herausragende Musiker, Komponisten und Interpreten, Tonaufnahmen gab es einfach noch nicht. Dies bedeutet jedoch nicht, dass die Verdienste solcher Menschen im Vergleich zu denen, die viel später geboren wurden und ebenso meisterhaft im Umgang mit Tasteninstrumenten waren, gleichgestellt werden sollten – schließlich kann man sich auf die Aussagen ihrer Zeitgenossen verlassen.

Unter den großen Pianisten vergangener Jahrhunderte ist zweifellos der brillante Österreicher Wolfgang Amadeus Mozart zu erwähnen, der schon in jungen Jahren Wunder an Spielkunst bewies und schon damals, im Alter von vier oder fünf Jahren, als Genie galt. Nicht weniger herausragend war sein Landsmann, aber ungarischer Herkunft, der etwas später – bereits im 19. Jahrhundert – lebende und wirkende Franz Liszt, der laut Experten der Begründer der Meisterklasse zur Verbesserung der eigenen Fähigkeiten ist.

Etwa zur gleichen Zeit, am Ende des 18. und in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, trat in verschiedenen europäischen Ländern, vor allem im österreichischen Kaiserreich und in Deutschland, eine ganze Galaxie wirklich herausragender Pianisten auf, die auch Komponisten waren. Die Deutschen Johannes Brahms und Robert Schumann, der Pole Frederic Chopin, die Österreicher Ludwig van Beethoven und Franz Schubert, der Franzose Charles Valentin Alkan – jeder von ihnen schuf viele brillante Werke und blieb für seinen einzigartigen Spielstil in Erinnerung. Übrigens herrschte damals im Pianismus eine vorherrschende Tendenz zur Improvisation, zur Schaffung von Eigenem und zur zwangsläufigen Einführung interessanter Arrangements und origineller Interpretationen auch in die Werke früherer Jahrhunderte und Epochen.

Zu den herausragendsten Meistern des Pianismus gehört natürlich Sergej Rachmaninow, dessen einzigartige, unvergleichliche Spielfähigkeiten und erkennbaren Werke viele seiner Zeitgenossen und diejenigen, die später lebten und nachhallten, beeinflussten.

Auch die besten Pianisten unserer Zeit und diejenigen, die im frühen bis mittleren 20. Jahrhundert lebten, verdienen Beachtung: Ignacy Paderewski, Joseph Hoffmann, Svyatoslav Richter, Alfred Cortot, Arthur Rubinstein, Harvey Lieven Van Cliburn, Wilhelm Kempff, Emil Gilels, Vladimir Ashkenazy usw.

Es gab also wirklich einige wirklich herausragende Meister des Klavierspiels, und sicherlich werden in den kommenden Jahren diejenigen geboren, die Musikkritiker und Zeitgenossen mit ihrem unglaublichen Spiel in Erstaunen versetzen werden.

Der berühmteste Pianist ist nicht Mozart

Wenn Sie eine Umfrage darüber durchführen, wer der berühmteste Pianist der Geschichte ist, werden die meisten Menschen wahrscheinlich mit „Mozart“ antworten. Doch Wolfgang Amadeus beherrschte das Instrument nicht nur perfekt, sondern war auch ein begnadeter Komponist.

Es ist bekannt, dass sich das einzigartige Gedächtnis, die unglaubliche Improvisationsfähigkeit und das Talent eines großen Pianisten nur dank des Vaters des kleinen Genies entwickelten. Durch tägliche Übungen unter der Androhung, in einem Schrank eingesperrt zu werden, konnte ein Kind bereits im Alter von 4 Jahren problemlos genug leisten komplexe Werke, andere überraschen. Nicht weniger berühmt ist Salieri, dem ein Funke Genie fehlt, Mozarts ewiger Gegner, der von seinen Nachkommen zu Unrecht des vorsätzlichen Mordes beschuldigt wird.

Übrigens wird ein Musiker in den meisten Fällen zum Komponisten und erlangt so Ruhm. Deshalb sollten Sie sich nicht wundern, dass praktisch jeder brillante Musiker zu einem ebenso berühmten Komponisten wird. Es kommt sehr selten vor, dass es jemandem gelingt, nur als Künstler Berühmtheit zu erlangen.

Inländische Pianisten

Die Musikgeschichte kennt viele Beispiele eines berühmten Pianisten in einem größeren Ausmaß wurde aufgrund des unglaublichen Erfolgs seiner Kreationen populär. Es ist schön zu wissen, dass viele dieser Genies in Russland geboren wurden. Rimski-Korsakow, Mussorgski, Tschaikowsky, Strawinsky, Schostakowitsch sind nur ein kleiner Teil der Galaxie großer russischer Musiker. Unter modern berühmte Künstler Besonders hervorzuheben ist Denis Matsuev, ein würdiger Nachfolger der Traditionen der russischen Musikschule.

Jeder, der in der Sowjetunion geboren wurde, erinnert sich wahrscheinlich an die Erfolge, die er im Laufe der Jahre erlangte Kalter Krieg berühmten und virtuosen Interpreten Van Cliburn. Als Gewinner des ersten Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerbs hatte der junge amerikanische Pianist keine Angst davor, in ein für die westliche Gesellschaft verschlossenes Land zu kommen. Tschaikowskys erstes von ihm aufgeführtes Klavierkonzert wurde auch das erste Platin-Album unter klassischen Musikern.

In der Geschichte des Pianismus gibt es übrigens drei Epochen, die nach den großen Pianisten benannt sind: Mozart, Liszt und Rachmaninow. Mozarts Ära steht für den Klassizismus, Liszts Ära ist geprägt von anspruchsvoller Romantik und Rachmaninows Ära markierte dementsprechend den Beginn der Moderne. Wir sollten nicht vergessen, dass zur gleichen Zeit wie diese berühmten Musiker so große Pianisten wie Schubert, Bach, Beethoven, Brahms und Chopin wirkten.

Moderne Pianisten

Manche Leute glauben, dass die Blütezeit des Pianismus bereits vorbei ist, und moderne Künstler und Komponisten haben dem verwöhnten Publikum praktisch nichts zu präsentieren. Das Genie Svyatoslav Richter wurde jedoch Ende des letzten Jahrhunderts geschaffen. Generell gilt das 20. Jahrhundert unter Fachleuten als die Blütezeit der Klavierkunst. Der Beginn des Jahrhunderts war geprägt vom Auftreten so großartiger Pianisten wie Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Carto und natürlich Rachmaninow. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts tauchten Namen wie Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein auf.

Vladimir Ashkenazy und Denis Matsuev, Klaviervirtuosen, begeistern auch heute noch die Fans mit ihrem Talent. Es ist unwahrscheinlich, dass das 21. Jahrhundert arm sein wird musikalische Talente und in der Zukunft.