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Beschreibung

Das Staatliche Russische Museum ist eines der meistbesuchten Museen in St. Petersburg, dessen Sammlung mehr als 400.000 Exponate umfasst. In Russland ist dies das größte Museum mit einer nationalen Sammlung Schöne Künste.

Die Entstehungsgeschichte des Museums reicht bis zurück 19. Jahrhundert. Gebäude Michailowski-Palast, in dem später das Russische Museum gegründet wurde, wurde 1819-1825 nach dem Entwurf des Architekten Carl Rossi erbaut, dessen architektonisches Erscheinungsbild als herausragendes Beispiel gilt Schlossensemble mit Stil hoher Klassizismus. Der erste Besitzer des Palastes war Großherzog Michail Pawlowitsch ist der vierte Sohn von Kaiser Paul I.

IN Europa XIX Jahrhunderte gab es bereits öffentlich zugängliche Museen für bildende Kunst, die Idee, ein staatliches Museum für nationale Kunst zu eröffnen, wird auch in der gebildeten Elite der russischen Gesellschaft diskutiert.

Im Jahr 1889 erwarb Kaiser Alexander III. das Gemälde von I. Repin „Nikolaus von Myra erlöst drei unschuldig Verurteilte vom Tod“ – dieses Ereignis ist mit der Idee des Herrschers verbunden, die er über die Gründung eines nationalen Nationalmuseums zum Ausdruck brachte.
Der Plan Alexanders III. wurde von seinem Nachfolger, Kaiser Nikolaus II., ausgeführt und 1895 wurde das Russische Museum Kaiser Alexanders III. gegründet. Im selben Jahr begann unter der Leitung des Architekten V. F. Svinin der Umbau der Säle des Michailowski-Palastes für Museumsausstellungen.

Die feierliche Eröffnung des „Russischen Museums Kaiser Alexanders III.“ fand am 7. (19.) März 1898 statt.
Die Sammlung des Museums bestand aus Kunstwerken, die von der Eremitage, der Akademie der Künste, den Alexanderpalästen Gatschina und Zarskoje Selo gespendet wurden, sowie aus Schenkungen privater Sammler.

Dem Plan zufolge sollte die Ausstellung des Museums in drei Abteilungen präsentiert werden:
- Gedenkabteilung, der Erinnerung gewidmet Kaiser Alexander III.;
- ethnografische und künstlerisch-industrielle Abteilung;
- Kunstabteilung.
Der Bau der Räumlichkeiten der Gedenkstätte verzögerte sich und sie wurden nie eröffnet.

Die Sammlung der ethnographischen Abteilung wurde im Russischen Museum ausgestellt, 1934 jedoch in das neu eröffnete Museum überführt Landesmuseum Ethnographie der Völker der UdSSR.
Die Sammlung der Kunstabteilung wurde aktiv ergänzt und weiterentwickelt, wodurch das Russische Museum zur größten Sammlung nationaler bildender Kunst wurde.

Bis 1914 konnten die Säle des Mekhailovsky-Palastes nicht mehr die gesamte Sammlung des Russischen Museums aufnehmen, und 1914-1919 wurde nach dem Entwurf der Architekten L. Benois und S. Ovsyannikov ein neues Ausstellungsgebäude errichtet, das nach ihm benannt wurde der Name des Autors – das Benois-Gebäude.
In den Sälen des Staatlichen Russischen Museums gibt es eine große Auswahl nationale Kunst, beginnend mit Altes Russland und bis in unsere Zeit.

Altrussische Ikonen aus der Sammlung des Russischen Museums, deren Ausstellung mit der Gründung des Museums begann und im Laufe des 20. Jahrhunderts ergänzt wurde, sind nicht nur Denkmäler antiker russischer Kunst, sondern Meisterwerke von weltweiter Bedeutung.

Bei der Bildung einer Sammlung Staffelei-Malerei diente als Grundlage beste Werke Künstler des 18. – 19. Jahrhunderts. Das sind Leinwände Porträtmalerei I. Vishnyakov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, Gemälde antiker Themen von F. Bruni, G. Ugryumov, das weltberühmte Meisterwerk von K. Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ und seine anderen großartigen Gemälde, Gemälde von unübertroffener Marinemaler I. Aivazovsky und seine berühmte „Neunte Welle“. Ein besonderer Ort Die Sammlung des Russischen Museums ist dicht mit Künstlern der zweiten Generation besetzt Hälfte des 19. Jahrhunderts Anfang des 20. Jahrhunderts - A. Ivanov, V. Vasnetsov, K. Makovsky, I. Repin, K. Savitsky, V. Polenov, V. Vereshchagin, V. Surikov, M. Vrubel. Herausragende russische Landschaftsmaler sind im Museum weit verbreitet – der bekannte I. Shishkin, I. Levitan, A. Kuindzhi. Von besonderem Interesse sind die Werke von Künstlern des Vereins World of Art, die nicht nur in der Richtung der Staffeleikunst, sondern auch der Theaterkunst arbeiteten und Bühnenbilder und Theaterkostüme schufen.

In der Zeit nach der Revolution wurde die Sammlung des Russischen Museums durch verstaatlichte Privatsammlungen und Werke von Künstlern „neuer Bewegungen“ ergänzt.

Im Erdgeschoss Benoit-Korps ausgestellt große Sammlung funktioniert Sowjetzeit und es finden thematische Ausstellungen statt.
Heutzutage wird die Museumssammlung nicht nur durch staatliche Ankäufe, sondern auch durch die kostenlose Schenkung privater Sammlungen an das Museum ständig ergänzt.

Heute ist das Staatliche Russische Museum Museumskomplex und umfasst die Paläste Mikhailavsky, Marmor und Stroganovsky, das Schloss Mikhailovsky (Ingenieure), das Haus von Peter I., Garten- und Parkensembles - Sommergarten mit dem Sommerpalast von Peter I. und dem Michailowski-Garten.

Der höchste Erlass zur Gründung des „Russischen Museums Kaiser Alexanders III.“ im Michailowski-Palast von St. Petersburg wurde vor 120 Jahren, am 13. April 1895, unterzeichnet.

Derzeit ist das Staatliche Russische Museum größtes Museum Russische Kunst in der Welt. Seine Sammlung umfasst 407,5 sogenannte Lagereinheiten. In Vorfreude unvergessliches Datum Die Stätte erinnert an 10 Meisterwerke der Malerei, die im Russischen Museum zu sehen sind.

Arkhip Kuindzhi. „Mondnacht am Dnjepr.“ 1880

Flussufer. Die Horizontlinie verläuft nach unten. Das silbrig-grüne Licht des Mondes spiegelt sich im Wasser. " mondhelle Nacht„Am Dnjepr“ ist eines der berühmtesten Gemälde von Arkhip Kuindzhi.

Der Zauber der Landschaft faszinierte Großherzog Konstantin Konstantinowitsch, der es für viel Geld direkt in der Werkstatt des Künstlers kaufte. Auch während seiner Weltreise wollte sich der Prinz nicht von seinem Lieblingsgemälde trennen. Infolgedessen hätte seine Laune Kuindzhis Meisterwerk beinahe ruiniert – durch die Seeluft veränderte sich die Zusammensetzung der Farbe und die Landschaft begann sich zu verdunkeln. Dennoch hat das Bild bis heute eine magische Anziehungskraft, die den Betrachter dazu zwingt, es lange zu betrachten.

Der Zauber der Landschaft faszinierte Großherzog Konstantin Konstantinowitsch. Foto: www.russianlook.com

Karl Brüllow. „Der letzte Tag von Pompeji“. 1830–1833

„Der letzte Tag von Pompeji wurde zum ersten Tag für die russische Bürste!“ - das hat der Dichter Evgeny Baratynsky über dieses Bild geschrieben. A Britischer Schriftsteller Walter Scott nannte das Gemälde „ungewöhnlich, episch“.

Die 465,5 x 651 cm große Leinwand wurde in Rom und Paris ausgestellt. Dank Nikolaus I. stand es der Akademie der Künste zur Verfügung. Das Gemälde wurde ihm vom berühmten Philanthropen Anatoly Demidov als Geschenk überreicht, und der Kaiser beschloss, es in der Akademie auszustellen, wo es als Leitfaden dienen konnte angehende Maler.

Es ist erwähnenswert, dass Karl Bryullov sich selbst vor dem Hintergrund einer einstürzenden Stadt darstellte. In der linken Ecke des Gemäldes ist das Selbstporträt des Künstlers zu sehen.

Karl Bryullov stellte sich selbst vor dem Hintergrund einer einstürzenden Stadt dar. In der linken Ecke des Gemäldes ist das Selbstporträt des Künstlers zu sehen. Foto: Commons.wikimedia.org

Ilja Repin. „Lastkahntransporter auf der Wolga“. 1870-1873

Den Sommer 1870 verbrachte der Künstler an der Wolga, 15 Werst von Samara entfernt großen Einfluss basierend auf der Arbeit von Ilja Repin. Er beginnt mit der Arbeit an der Leinwand, die viele später sahen philosophische Bedeutung, die Verkörperung der Unterwerfung unter das Schicksal und der Stärke des einfachen Volkes.

Unter den Lastkahntransportern trifft Ilja Jefimowitsch Repin den ehemaligen Priester Kanin, von dem er später viele Skizzen für das Gemälde anfertigte.

„Er hatte etwas Orientalisches und Altes an sich. Aber die Augen, die Augen! Was für eine Tiefe des Blicks, erhoben zu den Augenbrauen, die auch zur Stirn tendieren... Und die Stirn ist eine große, kluge, intelligente Stirn; „Er ist kein Einfaltspinsel“, sagte der Meister über ihn.

„Er hatte etwas Orientalisches, Altes an sich.“ Foto: Commons.wikimedia.org

Ilja Repin. „Die Kosaken schreiben einen Brief an den türkischen Sultan.“ 1880-1891

„Du bist der türkische Teufel, der Bruder und Kamerad des verdammten Teufels und der Sekretär von Luciper selbst!“ Der Legende nach begann so der Brief, den die Saporoschje-Kosaken 1675 als Antwort auf das Angebot von Sultan Mahmud IV. schrieben, sich ihm unterzuordnen. Berühmte Geschichte bildete die Grundlage berühmtes Gemälde Ilja Repin.

Die bekannte Handlung bildete die Grundlage des berühmten Gemäldes von Ilja Repin. Foto: Commons.wikimedia.org

Viktor Wasnezow. „Der Ritter am Scheideweg.“ 1878

Der poetische Geist der Volkslegenden wird im Werk von Viktor Vasnetsov meisterhaft vermittelt. Das Gemälde wurde erstmals 1878 im Rahmen einer Wanderausstellung dem Publikum präsentiert.

Der Künstler arbeitete mehrere Jahre an dem Gemälde. In den ersten Fassungen stand der Held dem Betrachter gegenüber, später wurde die Komposition jedoch geändert. Das Russische Museum beherbergt eine spätere Version des Gemäldes – 1882. Die erste Version aus dem Jahr 1878 befindet sich im Geschichts- und Kunstmuseum Serpuchow.

Es ist erwähnenswert, dass die Handlung von „Der Ritter am Scheideweg“ auf dem Grabstein des Künstlers wiedergegeben ist, der auf dem Vvedensky-Friedhof begraben liegt.

Der Künstler arbeitete mehrere Jahre an dem Gemälde. Foto: Commons.wikimedia.org

Iwan Aiwasowski. „Die neunte Welle“ 1850

Das 1850 entstandene Gemälde „Die neunte Welle“ wurde von Nikolaus I. erworben.

Die neunte Welle ist in den Augen der Seeleute die zerstörerischste. Das müssen die schiffbrüchigen Helden ertragen.

Das 1850 entstandene Gemälde „Die neunte Welle“ wurde von Nikolaus I. erworben. Foto: Commons.wikimedia.org

Walentin Serow. Porträt von Ida Rubinstein. 1910

Die berühmte Tänzerin und Schauspielerin Ida Rubinstein inspirierte viele Künstler: Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst und Valentin Serov.

Der russische Maler, der als Meister der Porträtmalerei gilt, sah sie zum ersten Mal auf der Pariser Bühne. 1910 schafft er ihr Porträt.

„In jeder ihrer Bewegungen liegt Monumentalität, nur ein wiederbelebtes archaisches Flachrelief“, bewunderte die Künstlerin ihre Anmut.

Die berühmte Tänzerin und Schauspielerin Ida Rubenstein inspirierte viele Künstler. Foto: Commons.wikimedia.org

Walentin Serow. Die Vergewaltigung Europas. 1910

Die Idee, „The Rape of Europa“ zu schreiben, kam Valentin Serov während einer Reise nach Griechenland. Ein Besuch im Palast von Knossos auf der Insel Kreta hinterließ bei ihm großen Eindruck. Im Jahr 1910 wurde das Gemälde fertiggestellt, das auf der Legende der Entführung Europas, der Tochter des phönizischen Königs Agenor, durch Zeus basiert.

Einigen Beweisen zufolge schuf Serov sechs Versionen des Gemäldes.

Die Idee, „The Rape of Europa“ zu schreiben, kam Valentin Serov während einer Reise nach Griechenland. Foto: Commons.wikimedia.org

Boris Kustodiew. Porträt von F.I. Schaljapin. 1922

„Ich kannte viele interessante, talentierte und gute Leute. Aber wenn ich jemals einen wirklich großen Geist in einem Menschen gesehen habe, dann in Kustodijew“, schrieb er in seinem autobiografischen Buch „Maske und Seele“ über den Künstler. berühmter Sänger Fjodor Schaljapin.

Die Arbeiten am Gemälde fanden in der Wohnung des Künstlers statt. Der Raum, in dem Schaljapin für Kustodijew posierte, war so klein, dass das Bild in Teilen gemalt werden musste.

Der Sohn des Künstlers erinnerte sich später an einen lustigen Moment des Werks. Um den geliebten Hund von Fjodor Iwanowitsch auf der Leinwand festzuhalten, musste er seiner Meinung nach auf einen Trick zurückgreifen: „Damit der Mops mit erhobenem Kopf dastand, wurde eine Katze auf den Schrank gelegt, und Schaljapin tat alles, was möglich war Lass den Hund es ansehen.“

Die Werkstatt, in der Schaljapin für Kustodijew posierte, war so klein, dass das Bild in Teilen gemalt werden musste. Foto: Commons.wikimedia.org

Kasimir Malewitsch. Schwarzer Kreis. 1923

Für eines der berühmtesten Gemälde des Begründers des Suprematismus, Kasimir Malewitsch, gibt es mehrere Möglichkeiten. Das erste davon wurde 1915 geschaffen und befindet sich heute in einer Privatsammlung. Das zweite – von Malewitschs Schülern unter seiner Leitung geschaffene Werk – ist im Russischen Museum St. Petersburg ausgestellt.

Experten weisen darauf hin, dass der „Schwarze Kreis“ für Kasimir Malewitsch einer davon war drei Haupt Module des neuen Kunststoffsystems, das stilbildende Potenzial der neuen Kunststoffidee - Suprematismus.

Gemälde der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts - Anfang des XXI Jahrhundert

Unter Gemälde, zum Zeitpunkt seiner Gründung in das Russische Museum überführt, bestand ein bemerkenswerter und künstlerisch bedeutender Teil aus Werken führender Meister der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. (I.K. Aivazovsky, V.M. Vasnetsov, K.E. Makovsky, I.E. Repin, V.D. Polenov, V.I. Surikov). Obwohl die Auswahl der Gemälde für das Museum in den ersten zwei Jahrzehnten seines Bestehens durch den konservativen Geschmack des Rates der Akademie der Künste etwas eingeschränkt war, wurde das Spektrum der in der Sammlung vertretenen Gemälde ständig erweitert. Dies ist ein großer Verdienst der Museumsmitarbeiter, wie Albert Benois und Alexander Benois, I.E. Grabar, P.I. Neradovsky und andere. Wichtige Schritte wurden unternommen, um die Gemäldesammlung zu vervollständigen zeitgenössische Künstler. Einzelne Gemälde und ganze Werkgruppen stammen aus den Ausstellungen von I.I. Levitan (1901 – posthum), V.V. Vereshchagin (1914 – posthum), Mobile Associations Kunstausstellungen(S.Yu. Zhukovsky, N.A. Kasatkin, I.I. Levitan, V.E. Makovsky), New Society of Artists (B.M. Kustodiev, N.M. Fokina), von den Autoren (A.Ya. Golovin, V.A. Serov, M.V. Nesterov), von zufälligen Besitzern ( „Mahlzeit“ von V.G. Perov, „Porträt von O.K. Orlova“ von V.A.

Ein bemerkenswerter Beitrag zur Gemäldesammlung waren die Skizzen von M.A. Vrubel und Gemälde von K.A. Somov aus der umfangreichen Sammlung von V.N. Argutinsky-Dolgorukov, die 1918 in das Museum überführt wurden. Bald erhielt das Museum die Sammlung von N.I. zur Aufbewahrung. und E.M. Tereshchenko, hauptsächlich bestehend aus Werken von Künstlern Ende des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts (einschließlich „Der Held“ und „Der sechsflügelige Seraph“ von M.A. Korovin, die Gemälde von V.A. Serov, F.A. Malyavin, M.V Künstlervereinigungen „World of Art“, „Blue Rose“ und „Jack of Diamonds“.

Auffüllung der Gemäldesammlung der zweiten Hälfte des 19. – frühen 20. Jahrhunderts. hörte in den 1930er Jahren nicht auf. Zu dieser Zeit wurde aus dem Museum der Revolution unter anderem „Die feierliche Sitzung des Staatsrates“ von I.E. Repin übertragen. Vom Staat Tretjakow-Galerie Das Russische Museum erhielt Gemälde von Meistern, die in dessen Sammlung kaum vertreten waren („Gitarrenspieler“ und „Porträt von Ivan Sergeevich Turgenev“ von V. G. Perov, „Selbstporträt“ von N. V. Nevrev, „Student Student“ von N. A. Yaroshenko, „Fliegender Dämon“. " von M.A. Vrubel und "Baba" von F.A. Malyavin).

In den letzten zwanzig Jahren hat das Museum etwa zweihundert Gemälde aus der zweiten Hälfte des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts erhalten. Die meisten dieser Werke wurden 1998 von den Brüdern I.A. gestiftet. und Y.A.Rzhevsky. Eine umfangreiche Sammlung von Gemälden russischer Künstler, darunter Gemälde von I.K. Aivazovsky, N.N. Kustodiev, K.Ya Es ist auch notwendig, einige Skizzen und Gemälde zu beachten einheimische Künstler Ende des 19. – 20. Jahrhunderts (S.Yu. Zhukovsky, E.I. Stolitsa, A.B. Lakhovsky und andere), gespendet 2009 von N.P. Bemerkenswerte Akquisition letzten Jahren wurde I.E. Repins Gemälde „Porträt eines Militärmannes“, das zuvor einer der nordamerikanischen Firmen gehörte.

Im Jahr 1926 wurde zusätzlich zur Kunstabteilung des Russischen Museums eine Abteilung geschaffen die neuesten Trends. Seine Mittel wurden gezielt mit Werken der Avantgarde aufgefüllt künstlerische Richtungen Und kreative Assoziationen the first quarter of the twentieth century, including the works of N.S. Goncharova, V.V. Kandinsky, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, M.F. Larionov, A.V. Lentulov, K.S. Malevich, L.S. Popova, V.E. Tatlin, R.R. Falk, P.N. Filonov, M.Z. Chagall and many others .

Bis 1927 präsentierte die Ausstellung des Russischen Museums regelmäßig zahlreiche neue Tendenzen vom Postimpressionismus bis zur gegenstandslosen Kunst. Die Abteilung für moderne Trends bestand nur drei Jahre, legte aber im Wesentlichen den Grundstein für die Abteilung für sowjetische Malerei des Staatlichen Russischen Museums (1932-1991), die im Moment(als Teil der Abteilung für Malerei der 2. Hälfte des 19.-21. Jahrhunderts) hat die Mittel ständig aufgefüllt. Diese Fonds, die mehr als 6.000 Lagereinheiten umfassen, decken fast alle Bereiche, Schulen, Trends, Hauptarten und Genres der Entwicklung der russischen Kunst des 20. bis frühen 21. Jahrhunderts ab.

Das Russische Museum verfügt über eine der größten Sammlungen von Werken der frühen russischen Avantgarde und ihrer führenden Meister. Die Gemäldesammlung präsentiert die wichtigsten innovativen Bewegungen der Mitte der 1910er Jahre: Abstraktionismus (V. V. Kandinsky) und seinen rein russischen Zweig – Rayonismus (M. F. Larionov, N. S. Goncharova), Neoprimitivismus (M. F. Larionov, N. S. Goncharova, A. V. Shevchenko, K. S. Malevich). ), Kubofuturismus (D.D. Burlyuk, K.S. Malevich, I.A. Puni, L.S. Popova, N.A. Udaltsova, A.A. Exter und andere), Suprematismus (K.S. Malevich, I.A. Puni, O.V. Rozanova, I.V. Klyun), Konstruktivismus (V.E. Tatlin, A.M. .Rodchenko , A.A.Exter, L.V.Popova), analytische Kunst (P.N. Filonov). Einzigartig in ihrer Vollständigkeit sind die Sammlungen von Werken innovativer Meister Kunstsysteme(K.S. Malevich, P.N. Filonov, K.S. Petrov-Vodkin) sowie individuell bedeutende Maler, einschließlich derjenigen, deren kreativer Weg schon angefangen Sowjetzeit(S.V. Gerasimov, P.P. Konchalovsky, P.V. Kuznetsov, B.M. Kustodiev, V.V. Lebedev, A.A. Rylov, A.V. Shevchenko, N.M. Romadin). In der Sammlung des Museums befinden sich auch Werke von Künstlern – Vertretern bedeutender Schulen, die zu Sowjetzeiten existierten (z. B. Leningrader Schule Landschaftsmalerei 1930er – 1950er Jahre).

Kunst Sozialistischer Realismus, zeigt hoch künstlerischer Wert, Handlungsklarheit, programmatische Neigung zum „großen Stil“, widergespiegelt in den Gemälden von A.A. Samokhvalov, A.A. Plastov und vielen anderen Sowjetische Künstler der während der Großen Zeit weiter arbeitete Vaterländischer Krieg und in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zum Goldfonds Sowjetische Kunst Zur Sammlung des Russischen Museums gehören auch Werke von Vertretern des „strengen Stils“ und damit verbundenen Suchgebieten sowjetische Malerei 1960er-1970er Jahre Die Sammlung des Museums enthält Werke von Meistern der Nachkriegskunst wie N.I. und S.P. Tkachevs, B.S. Ugarov, P.T. Fomin und andere, geschaffen in einem breiten Genrespektrum - von historische Malerei zum Stillleben.

Fand in den 1970–1980er Jahren statt. Die Aktualisierung zuvor abgelehnter künstlerischer Erfahrungen ließ in den Tiefen der offiziellen Kunst eine Galaxie von Meistern entstehen, die im Einklang mit dem „Bild der Ideen“ arbeiteten, das mit einem metaphorischen, vielschichtigen Verständnis der umgebenden Welt verbunden war menschliches Leben(O.V. Bulgakova, T.G. Nazarenko, N.I. Nesterova, I.V. Pravdin, A.A. Sundukov usw.). Während der „Perestroika“ (1985-1991) wurde die Sammlung des Russischen Museums mit einer Reihe von Namen von Künstlern des Untergrunds ergänzt. Heutzutage die Sammlung moderne Malerei- ein sehr mobiler und schnell wachsender Teil der Bestände des 20. - frühen 21. Jahrhunderts, aber die umfassende Bildung der gesamten Bildsammlung geht weiter.

Jaroschenko N.A.

Porträt des Künstlers Nikolai Ge.

1890. Öl auf Leinwand.

Roerich N.K.

Gäste aus dem Ausland.

1902. Öl auf Karton.

Wer russische Malerei liebt, war wahrscheinlich schon im Russischen Museum in St. Petersburg (eröffnet 1897). Natürlich gibt es das. Aber im Russischen Museum werden die wichtigsten Meisterwerke von Künstlern wie Repin, Bryullov und Aivazovsky aufbewahrt.

Wenn wir uns an Bryullov erinnern, denken wir sofort an sein Meisterwerk „Der letzte Tag von Pompeji“. Wenn Sie über Repin sprechen, erscheint in Ihrem Kopf das Bild „Lastkähne auf der Wolga“. Wenn wir uns an Aivazovsky erinnern, werden wir uns auch an „Die neunte Welle“ erinnern.

Und das ist nicht die Grenze. „Nacht am Dnjepr“ und „Die Frau des Kaufmanns“. Diese ikonischen Gemälde von Kuindzhi und Kustodijew befinden sich auch im Russischen Museum.

Jeder Reiseführer wird Ihnen diese Werke zeigen. Und Sie selbst werden wahrscheinlich nicht an ihnen vorbeikommen. Deshalb muss ich Ihnen einfach von diesen Meisterwerken erzählen.

Ich füge ein paar meiner Favoriten hinzu, wenn auch nicht die am meisten „beworbenen“ („Akhmatova“ von Altman und „The Last Supper“ von Ge).

1. Brjullow. Letzter Tag von Pompeji. 1833 Karl Brüllow. Letzter Tag von Pompeji. 1833 Staatliches Russisches Museum).

4 Jahre Vorbereitung. Ein weiteres Jahr ununterbrochener Arbeit mit Farben und Pinseln. Mehrere Ohnmachtsanfälle in der Werkstatt. Und hier ist das Ergebnis – 30 Quadratmeter, die die letzten Lebensminuten der Einwohner von Pompeji darstellen (im 19. Jahrhundert hieß die Stadt).

feminin

Für Bryullov war nicht alles umsonst. Ich glaube, es gab keinen Künstler auf der Welt, dessen Gemälde, nur ein einziges Gemälde, eine solche Sensation hervorgerufen hätte.

Die Menschen strömten in Scharen zur Ausstellung, um das Meisterwerk zu sehen. Bryullov wurde buchstäblich in ihren Armen getragen. Er wurde der Wiederbelebte genannt. Und Nikolaus I. ehrte den Künstler mit einer persönlichen Audienz.

Was beeindruckte Brjullows Zeitgenossen so sehr? Und auch jetzt wird es den Betrachter nicht gleichgültig lassen.

Wir erleben einen sehr tragischen Moment. In wenigen Minuten werden alle diese Menschen sterben. Aber das schreckt uns nicht ab. Weil wir fasziniert sind von... Schönheit.

Einerseits handelt das Bild von einer echten Katastrophe. Bryullov kopierte die Posen der Menschen von denen, die in Pompeji starben. Auch die Straße ist real; sie ist noch immer in der von Asche befreiten Stadt zu sehen.

Aber die Schönheit der Charaktere lässt das Geschehene so aussehen alter Mythos. Als ob die schönen Götter wütend wären schöne Menschen. Und wir sind nicht so traurig.

2. Aivazovsky. Die neunte Welle. 1850

Iwan Aiwasowski. Die neunte Welle. 221 x 332 cm. 1850 Russisches Museum, St. Petersburg. Wikipedia.org

Das ist das Meiste berühmtes Gemälde Aivazovsky. Was auch kunstferne Menschen wissen. Warum ist sie so berühmt?

Der Kampf zwischen dem Menschen und den Elementen fasziniert die Menschen schon immer. Am liebsten mit Happy End.

Davon gibt es im Film mehr als genug. Actionreicher geht es nicht. Sechs Überlebende klammern sich verzweifelt am Mast fest. Rollen in der Nähe große Welle, neunte Welle. Ein anderer folgt ihr. Den Menschen steht ein langer und schrecklicher Kampf ums Leben bevor.

Aber es dämmert schon. Die Sonne, die durch die zerrissenen Wolken bricht, ist Hoffnung auf Erlösung.

Aivazovskys Gedichte sind, genau wie die von Bryullov, atemberaubend schön. Natürlich haben es die Segler schwer. Aber wir können nicht anders, als die transparenten Wellen zu bewundern, Sonnenblendung und lila Himmel.

Daher erzeugt dieses Gemälde die gleiche Wirkung wie das vorherige Meisterwerk. Schönheit und Drama in einer Flasche.

3. Ge. Letztes Abendmahl. 1863

Nikolay Ge. letztes Abendmahl. 283 x 382 cm. 1863 Staatliches Russisches Museum. Tanais.info

Die beiden vorherigen Meisterwerke von Bryullov und Aivazovsky wurden vom Publikum mit Freude aufgenommen. Aber bei Ges Meisterwerk war alles komplizierter. Dostojewski zum Beispiel mochte sie nicht. Sie kam ihm zu bodenständig vor.

Am unzufriedensten waren jedoch die Kirchenmänner. Sie konnten sogar ein Verbot der Veröffentlichung von Reproduktionen erreichen. Das heißt, die breite Öffentlichkeit konnte es nicht sehen. Bis 1916!

Warum so eine gemischte Reaktion auf das Bild?

Denken Sie daran, wie das letzte Abendmahl vor Ge dargestellt wurde. Mindestens . Ein Tisch, an dem Christus und die 12 Apostel sitzen und essen. Judas ist unter ihnen.

Für Nikolai Ge ist alles anders. Jesus lehnt sich zurück. Was genau mit der Bibel übereinstimmte. Genau so aßen die Juden vor 2000 Jahren auf östliche Art und Weise.

Christus hat bereits seine schreckliche Vorhersage gemacht, dass einer seiner Jünger ihn verraten wird. Er weiß bereits, dass es Judas sein wird. Und bittet ihn, unverzüglich zu tun, was er vorhat. Judas geht.

Und schon an der Tür scheinen wir ihm zu begegnen. Er wirft seinen Umhang über sich und geht in die Dunkelheit. Sowohl direkt als auch im übertragenen Sinne. Sein Gesicht ist fast unsichtbar. Und sein unheilvoller Schatten fällt auf diejenigen, die noch übrig sind.

Im Gegensatz zu Bryullov und Aivazovsky gibt es hier komplexere Emotionen. Jesus spürt zutiefst, aber demütig den Verrat seines Jüngers.

Peter ist empört. Er hat einen heißen Charakter, er sprang auf und blickte verwirrt nach Judas. John kann nicht glauben, was passiert. Er ist wie ein Kind, das zum ersten Mal Unrecht erlebt.

Und es gibt weniger als zwölf Apostel. Für Ge war es offenbar nicht so wichtig, alle unterzubringen. Für die Kirche war dies von grundlegender Bedeutung. Daher die Zensurverbote.

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4. Repin. Lastkähne auf der Wolga. 1870-1873

Iwan Repin. Lastkähne auf der Wolga. 131,5 x 281 cm. Staatliches Russisches Museum. Wikipedia.org

Ilya Repin sah auf der Niva zum ersten Mal Lastkähne. Und ich war so beeindruckt von ihrem erbärmlichen Aussehen, insbesondere im Gegensatz zu den Sommerbewohnern, die in der Nähe Urlaub machten, dass der Entschluss, das Bild zu malen, sofort reifte.

Repin malte keine eleganten Sommerbewohner. Aber es gibt immer noch einen Kontrast im Bild. Die schmutzigen Lumpen der Lastkähne stehen im Kontrast zur idyllischen Landschaft.

Vielleicht sah es für das 19. Jahrhundert nicht so provokativ aus. Aber für moderner Mann Diese Art von Mitarbeiter wirkt deprimierend.

Darüber hinaus stellte Repin im Hintergrund ein Dampfschiff dar. Was als Schlepper genutzt werden könnte, um Menschen nicht zu quälen.

In Wirklichkeit waren die Binnenschifffahrtsunternehmen nicht so benachteiligt. Sie wurden gut ernährt und durften nach dem Mittagessen immer schlafen. Und während der Saison verdienten sie so viel, dass sie sich im Winter ohne Arbeit ernähren konnten.

Repin nahm für das Gemälde eine stark horizontal ausgedehnte Leinwand. Und er hat den Blickwinkel gut gewählt. Die Lastkähne kommen auf uns zu, blockieren sich aber nicht gegenseitig. Wir können jeden von ihnen leicht berücksichtigen.

Und der wichtigste Frachtkahn mit dem Gesicht eines Weisen. Und ein junger Kerl, der sich nicht an den Riemen gewöhnen kann. Und der vorletzte Grieche, der auf den Verstorbenen zurückblickt.

Repin kannte jeden im Geschirr persönlich. Er führte lange Gespräche mit ihnen über das Leben. Deshalb erwiesen sie sich als so unterschiedlich, jeder mit seinem eigenen Charakter.

5. Kuindzhi. Mondnacht am Dnjepr. 1880

Arkhip Kuindzhi. Mondnacht am Dnjepr. 105 x 144 cm. 1880. Staatliches Russisches Museum. Rusmuseum.ru

„Mondnacht am Dnjepr“ ist das Beste berühmtes Werk Kuindzhi. Und kein Wunder. Der Künstler selbst stellte sie der Öffentlichkeit sehr wirkungsvoll vor.

Er organisierte eine persönliche Ausstellung. IN Ausstellungshalle es war dunkel. Nur eine Lampe war auf das einzige Gemälde der Ausstellung, „Mondnacht am Dnjepr“, gerichtet.

Die Menschen betrachteten das Bild fasziniert. Das helle grünliche Licht des Mondes und der Mondbahn waren hypnotisierend. Die Umrisse eines ukrainischen Dorfes sind zu erkennen. Nur ein Teil der vom Mond beleuchteten Mauern ragt aus der Dunkelheit hervor. Silhouette einer Mühle vor dem Hintergrund eines beleuchteten Flusses.

Die Wirkung von Realismus und Fantasie zugleich. Wie hat der Künstler solche „Spezialeffekte“ erzielt?

Neben der Meisterschaft war hier auch Mendelejew beteiligt. Er half Kuindzhi dabei, eine Farbkomposition zu schaffen, die besonders in der Dämmerung schimmerte.

Es scheint, dass der Künstler eine erstaunliche Qualität hat. Seien Sie in der Lage, Ihre eigene Arbeit zu fördern. Aber er tat es unerwartet. Fast unmittelbar nach dieser Ausstellung verbrachte Kuindzhi 20 Jahre als Einsiedler. Er malte weiter, zeigte seine Bilder aber niemandem.

Noch vor der Ausstellung wurde das Gemälde von Großherzog Konstantin Konstantinowitsch (Enkel von Nikolaus I.) erworben. Er hing so sehr an dem Gemälde, dass er es auf eine Weltreise mitnahm. Die salzige, feuchte Luft trug zur Verdunkelung der Leinwand bei. Leider kann dieser hypnotische Effekt nicht zurückgegeben werden.

6. Altmann. Porträt von Achmatowa. 1914

Nathan Altman. Porträt von Anna Achmatowa. 123 x 103 cm. 1914 Staatliches Russisches Museum. Rusmuseum.ru

Altmans „Akhmatova“ ist sehr hell und einprägsam. Wenn es um die Dichterin geht, werden sich viele an dieses besondere Porträt von ihr erinnern. Überraschenderweise mochte sie ihn selbst nicht. Ihren Gedichten nach zu urteilen kam ihr das Porträt seltsam und „bitter“ vor.

Tatsächlich gab sogar die Schwester der Dichterin zu, dass Achmatowa in jenen vorrevolutionären Jahren so war. Ein wahrer Vertreter der Moderne.

Jung, schlank, groß. Ihre kantige Figur wird von den „Sträuchern“ im kubistischen Stil perfekt widergespiegelt. Und ein leuchtend blaues Kleid passt gut zu einem scharfen Knie und einer hervorstehenden Schulter.

Es gelang ihm, den Auftritt einer stilvollen und außergewöhnlichen Frau zu vermitteln. Allerdings war er selbst so.

Altman verstand kein Verständnis für Künstler, die in einem schmutzigen Studio arbeiten konnten und die Krümel in ihrem Bart nicht bemerkten. Er selbst war immer top gekleidet. Und er nähte sogar Unterwäsche auf Bestellung nach seinen eigenen Skizzen.

Es war auch schwierig, ihm seine Originalität abzusprechen. Als er in seiner Wohnung Kakerlaken fing, bemalte er sie in verschiedenen Farben. Er bemalte einen mit Gold, nannte ihn einen „Preisträger“ und ließ ihn mit den Worten „Diese Kakerlake wird überrascht sein!“ frei.

7. Kustodijew. Die Frau des Kaufmanns trinkt Tee. 1918

Boris Kustodiew. Die Frau des Kaufmanns trinkt Tee. 120 x 120 cm. 1918. Staatliches Russisches Museum. Artchive.ru

„Die Frau des Kaufmanns“ von Kustodiev ist ein fröhliches Bild. Darauf sehen wir eine gute, wohlgenährte Kaufmannswelt. Eine Heldin mit einer Haut, die heller als der Himmel ist. Eine Katze mit einem Gesicht, das dem Gesicht ihres Besitzers ähnelt. Ein dickbäuchiger, polierter Samowar. Wassermelone auf einem reichhaltigen Teller.

Was könnten wir von einem Künstler denken, der ein solches Bild gemalt hat? Dass der Künstler viel über ein wohlgenährtes Leben weiß. Dass er kurvige Frauen liebt. Und dass er eindeutig ein Liebhaber des Lebens ist.

Und so ist es wirklich passiert.

Wie Sie bemerkt haben, wurde das Bild während der Revolutionsjahre gemalt. Der Künstler und seine Familie lebten äußerst arm. Gedanken nur an Brot. Hartes Leben.

Warum solch ein Überfluss, wenn überall Verwüstung und Hunger herrschen? Also versuchte Kustodiev, das unwiederbringlich Vergangene einzufangen schönes Leben.

Was ist mit dem Ideal? weibliche Schönheit? Ja, das hat der Künstler gesagt dünne Frauen er ist nicht zum Schaffen inspiriert. Dennoch bevorzugte er im Leben genau solche Menschen. Auch seine Frau war schlank.

Kustodiev war lebenslustig. Das ist erstaunlich, denn als das Bild gemalt wurde, war er bereits an ihn gekettet Rollstuhl. Bereits 1911 wurde bei ihm Knochentuberkulose diagnostiziert.

Kustodijews Liebe zum Detail ist für die Zeit der Blütezeit der Avantgarde sehr ungewöhnlich. Wir sehen jedes Trockengut auf dem Tisch. Zu Fuß Gostiny Dvor. Und ein guter Kerl, der versucht, sein Pferd am Laufen zu halten. Das alles sieht aus wie ein Märchen, eine Fabel. Was einmal existierte, aber endete.

Fassen wir zusammen:

Wenn Sie die wichtigsten Meisterwerke von Repin, Kuindzhi, Bryullov oder Aivazovsky sehen möchten, besuchen Sie das Russische Museum.

„Der letzte Tag von Pompeji“ von Bryullov handelt von der Schönheit der Katastrophe.

In „The Ninth Wave“ von Aivazovsky geht es um das Ausmaß der Elemente.

„Das letzte Abendmahl“ von Ge handelt vom Bewusstsein eines drohenden Verrats.

„Barge Haulers“ von Repin handelt von einem Lohnarbeiter im 19. Jahrhundert.

„Mondnacht am Dnjepr“ handelt von der Seele des Lichts.

„Portrait of Akhmatova“ von Altman handelt vom Ideal einer modernen Frau.

„Die Frau des Kaufmanns“ von Kustodiev handelt von einer Ära, die nicht zurückgegeben werden kann.

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