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Renaissancekunst in Italien (XIII-XVI Jahrhundert).

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Merkmale der Renaissancekunst in Italien.

Die Kunst der Renaissance entstand auf der Grundlage des Humanismus (vom lateinischen humanus – „human“) – einer Bewegung des sozialen Denkens, die im 14. Jahrhundert entstand. in Italien und dann in der zweiten Hälfte des 15. und 16. Jahrhunderts. Ausbreitung auf andere europäische Länder. Der Humanismus proklamierte den Menschen und sein Wohl als den höchsten Wert. Anhänger dieser Bewegung glaubten, dass jeder Mensch das Recht hat, sich als Individuum frei zu entfalten und seine Fähigkeiten zu verwirklichen. Die Ideen des Humanismus sind in der Kunst am umfassendsten und anschaulichsten verkörpert, Hauptthema der ein wunderbarer, harmonisch entwickelter Mensch mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten wurde. Die Humanisten ließen sich von der Antike inspirieren, die ihnen als Wissensquelle und Vorbild künstlerischen Schaffens diente. Die große Vergangenheit Italiens, die sich immer wieder in Erinnerung rief, wurde damals wahrgenommen höchste Vollkommenheit, während die Kunst des Mittelalters unfähig und barbarisch wirkte. Der Begriff „Renaissance“, der im 16. Jahrhundert aufkam, bedeutete die Geburt einer neuen Kunst, die die klassische antike Kultur wiederbelebte. Allerdings hat die Kunst der Renaissance viel mit der künstlerischen Tradition des Mittelalters zu tun. Altes und Neues standen in unauflöslicher Verbindung und Konfrontation. Bei aller widersprüchlichen Vielfalt ihrer Ursprünge ist die Kunst der Renaissance von tiefer und grundlegender Neuheit geprägt. Es legte den Grundstein für die europäische Kultur des New Age. Alle großen Kunstgattungen – Malerei und Grafik, Bildhauerei, Architektur – haben sich enorm verändert.
In der Architektur wurden gestalterisch überarbeitete Prinzipien der antiken Architektur etabliert. Bestellsystem , Es entstanden neue Typen öffentlicher Gebäude. Die Malerei wurde durch lineare und Luftperspektive, Kenntnisse der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte drangen in die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke ein. Das Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften und Porträts nahm zu. Zusammen mit den monumentalen Wandgemälden, die dekorierten architektonische Strukturen, ein Bild erschien; Es entstand die Ölmalerei.
Die Kunst hat noch nicht aufgehört, ein Handwerk zu sein, doch die schöpferische Individualität des Künstlers, dessen Tätigkeit damals sehr vielfältig war, ist bereits in den Vordergrund gerückt. Das universelle Talent der Renaissance-Meister ist erstaunlich – sie arbeiteten oft gleichzeitig in den Bereichen Architektur, Bildhauerei und Malerei und verbanden ihre Leidenschaft für Literatur, Poesie und Philosophie mit dem Studium der exakten Wissenschaften. Das Konzept einer kreativ reichen Persönlichkeit oder „Renaissance“-Persönlichkeit wurde später zu einem geflügelten Wort.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine kognitive Bedeutung war untrennbar mit der erhabenen poetischen Schönheit verbunden; in seinem Wunsch nach Natürlichkeit ließ es sich nicht auf die Kleinlichkeit des Alltags herab. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Entstehung der Renaissancekultur in Italien fand in wirtschaftlich unabhängigen Städten statt. Beim Aufstieg und der Blüte der Kunst der Renaissance spielten die Kirche und die prächtigen Höfe der ungekrönten Herrscher eine große Rolle – die herrschenden wohlhabenden Familien, die die größten Förderer und Kunden von Werken der Malerei, Bildhauerei und Architektur waren. Die Hauptzentren der Renaissancekultur waren zunächst die Städte Florenz, Siena, Pisa, dann Padua, Ferrara, Genua, Mailand und später, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, das wohlhabende Kaufmannsviertel Venedig. Im 16. Jahrhundert Rom wurde zur Hauptstadt der italienischen Renaissance. Von diesem Zeitpunkt an verloren alle anderen Kulturzentren außer Venedig ihre frühere Bedeutung.
In der Ära der italienischen Renaissance ist es üblich, mehrere Perioden zu unterscheiden:

Proto-Renaissance (zweite Hälfte des 13.-14. Jahrhunderts),

Frührenaissance (15. Jahrhundert),

Hochrenaissance (Ende 15. – erstes Drittel 16. Jahrhundert)

Spätrenaissance (letzte zwei Drittel des 16. Jahrhunderts).

Proto-Renaissance

In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen zeichneten sich Merkmale einer neuen Kunst ab, die später als Kunst der Renaissance bezeichnet wurde. Daher wurde dieser Zeitraum seiner Geschichte genannt Proto-Renaissance(vom griechischen „protos“ – „erster“, d. h. bereitete die Offensive der Renaissance vor). In keinem der europäischen Länder gab es eine vergleichbare Übergangszeit. In Italien selbst entstand und entwickelte sich die Kunst der Proto-Renaissance nur in der Toskana und in Rom.
Die italienische Kultur vereint Elemente aus Altem und Neuem. Der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit, Dante Alighieri (1265-1321), schuf die italienische Literatursprache. Was Dante begann, wurde von anderen großen Florentinern des 14. Jahrhunderts fortgeführt – Francesco Petrarca (1304-1374), dem Begründer des Europäischen Lyrik, und Giovanni Boccaccio (1313-1375), der Begründer des Novellengenres (Kurzgeschichte) in der Weltliteratur. Der Stolz der Epoche sind die Architekten und Bildhauer Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio und der Maler Giotto di Bondone .
Die Architektur
Die italienische Architektur orientierte sich lange Zeit an mittelalterlichen Traditionen, was sich vor allem in der Nutzung äußerte große Menge Gotische Motive. Gleichzeitig unterschied sich die italienische Gotik selbst stark von der gotischen Architektur Nordeuropas: Sie tendierte zur Ruhe große Formen, gleichmäßige helle, horizontale Unterteilungen, breite Wandflächen. Im Jahr 1296 wurde in Florenz mit dem Bau begonnen Kathedrale Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio wollte den Altarteil der Kathedrale mit einer riesigen Kuppel krönen. Nach dem Tod des Architekten im Jahr 1310 verzögerte sich der Bau jedoch; die Fertigstellung erfolgte bereits in der Frührenaissance. Im Jahr 1334 wurde nach Giottos Entwurf mit dem Bau des Glockenturms der Kathedrale begonnen, des sogenannten Campanile – eines schlanken rechteckigen Turms mit horizontalen Etagenteilungen und anmutigen gotischen Fenstern, dessen spitze Bogenform lange Zeit in der italienischen Architektur erhalten blieb eine lange Zeit.
Zu den berühmtesten Stadtpalästen gehört der Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) in Florenz. Es wird angenommen, dass es von Arnolfo di Cambio erbaut wurde. Es handelt sich um einen schweren Kubus mit hohem Turm, ausgekleidet mit rostigem Hartstein. Die dreigeschossige Fassade ist mit paarweise angeordneten Fenstern in Rundbögen geschmückt, was dem gesamten Gebäude einen Eindruck von zurückhaltender Strenge verleiht. Das Gebäude prägt das Erscheinungsbild der Altstadt und drängt sich mit seiner strengen Masse in den Platz ein.
Skulptur
Früher als in der Architektur und Malerei entstanden künstlerische Bestrebungen in der Bildhauerei und vor allem in der Pisaner Schule, deren Gründer Niccolò Pisano (um 1220 – zwischen 1278 und 1284) war. Niccolò Pisano wurde in Apulien, Süditalien, geboren. Es wird angenommen, dass er Bildhauerei an den südlichen Schulen studierte, wo der Geist der Wiederbelebung der klassischen Traditionen der Antike blühte. Ohne Zweifel studierte Niccolo die skulpturale Gestaltung spätrömischer und frühchristlicher Sarkophage. Das früheste bekannte Werk des Bildhauers ist ein Sechseck Marmorkanzel Das von ihm für das Baptisterium in Pisa (1260) angefertigte Werk wurde zu einem herausragenden Werk der Renaissance-Bildhauerei und hatte großen Einfluss auf deren weitere Entwicklung. Die Hauptleistung des Bildhauers besteht darin, dass er den Formen Volumen und Ausdruckskraft verleihen konnte und jedes Bild körperliche Kraft besitzt.
Aus der Werkstatt von Niccolò Pisano kamen bemerkenswerte Meister der Proto-Renaissance-Skulptur – sein Sohn Giovanni Pisano und Arnolfo di Cambio, auch als Architekt bekannt. Arnolfo di Cambio (ca. 1245 – nach 1310) widmete sich der monumentalen Bildhauerei, in der er seine Lebensbeobachtungen verarbeitete. Eines der besten Werke, das er gemeinsam mit Vater und Sohn Pisano vollendete, ist Brunnen auf der Piazza Perugia(1278). Der mit zahlreichen Statuen und Reliefs geschmückte Fonte Maggiore ist zum Stolz der Stadt geworden. Es war verboten, Tieren daraus Wasser zu geben, Wasser in Weinfässer oder in ungewaschenes Geschirr zu füllen. Das Stadtmuseum bewahrt Fragmente von Liegefiguren, die Arnolfo di Cambio für den Brunnen angefertigt hat. In diesen Figuren gelang es dem Bildhauer, den ganzen Reichtum der Bewegungen des menschlichen Körpers zu vermitteln.
Malerei
In der Kunst der italienischen Renaissance nahm die Wandmalerei einen dominanten Platz ein. Es wurde in Freskotechnik hergestellt. Mit in Wasser zubereiteten Farben malten sie entweder auf nassen Putz (das Fresko selbst) oder auf trockenen Putz – diese Technik wird „a secco“ (aus dem Italienischen übersetzt „auf trockenem“) genannt. Das Hauptbindemittel von Putz ist Kalk. Weil Es dauerte eine Weile, bis der Kalk trocknete; die Freskomalerei musste schnell ausgeführt werden, oft in Teilen, zwischen denen Verbindungsnähte blieben. Aus der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts. die Freskotechnik wurde durch eine Secco-Malerei ergänzt; Letzteres ermöglichte eine langsamere Arbeit und ermöglichte die Endbearbeitung von Teilen. Der Arbeit an den Gemälden ging die Anfertigung von Synopien voraus – Hilfszeichnungen, die unter dem Fresko auf der ersten Putzschicht angebracht wurden. Diese Zeichnungen wurden mit rotem Ocker angefertigt, der in der Nähe der Stadt Sinop an der Schwarzmeerküste aus Ton gewonnen wurde. In Anlehnung an den Namen der Stadt wurde die Farbe Sinope oder Sinopia genannt, und später wurden auch die Zeichnungen selbst so genannt. Synopien wurden verwendet Italienische Malerei vom 13. bis zur Mitte des 15. Jahrhunderts. Allerdings griffen nicht alle Maler auf die Synopie zurück – zum Beispiel Giotto di Bondone, der prominenteste Vertreter der Proto-Renaissance, verzichtete darauf. Nach und nach wurde die Synopie aufgegeben. Aus der Mitte des 15. Jahrhunderts. Kartons – vorbereitende Zeichnungen auf Papier oder Stoff in der Größe zukünftiger Werke – haben in der Malerei eine weite Verbreitung gefunden. Die Konturen des Entwurfs wurden mit Kohlenstaub auf nassen Putz übertragen. Es wurde durch in die Kontur gestochene Löcher geblasen und mit einem scharfen Instrument in den Gips gedrückt. Manchmal verwandelten sich Synopien aus einer Skizze in eine fertige monumentale Zeichnung, und Kartons erlangten die Bedeutung eigenständiger Gemäldewerke.

Cimabue (eigentlich Cenni di Pepo, ca. 1240 – ca. 1302) gilt als Begründer des neuen italienischen Malstils. Cimabue war in Florenz als Meister der feierlichen Altargemälde und Ikonen berühmt. Seine Bilder zeichnen sich durch Abstraktion und Statik aus. Und obwohl Cimabue in seinem Werk byzantinischen Traditionen folgte, versuchte er in seinen Werken, irdische Gefühle auszudrücken und die Starrheit des byzantinischen Kanons aufzuweichen.
Piero Cavallini (zwischen 1240 und 1250 – um 1330) lebte und arbeitete in Rom. Er ist der Autor der Mosaike der Kirche Santa Maria in Trastevere (1291) sowie der Fresken der Kirche Santa Cecilia in Trastevere (um 1293). In seinen Werken verlieh Cavallini den Formen Volumen und Greifbarkeit.
Cavallinis Errungenschaften wurden übernommen und fortgeführt Giotto di Bondone(1266 oder 1267 – 1337), der größte Künstler der Proto-Renaissance. Der Name Giotto ist mit einer Wende in der Entwicklung der italienischen Malerei, ihrem Bruch mit mittelalterlichen Kunstkanonen und Traditionen der italienisch-byzantinischen Kunst des 13. Jahrhunderts verbunden. Giottos bekannteste Werke sind die Gemälde der Arenakapelle in Padua (1304-06). Die Fresken zeichnen sich durch ihre Klarheit, unkomplizierte Erzählweise und das Vorhandensein alltäglicher Details aus, die den dargestellten Szenen Lebendigkeit und Natürlichkeit verleihen. Giotto lehnt den Kirchenkanon ab, der die damalige Kunst dominierte, und stellt seine Charaktere so dar, dass sie echten Menschen ähneln: mit proportionalen, gedrungenen Körpern, runden (statt länglichen) Gesichtern, regelmäßiger Augenform usw. Seine Heiligen schweben nicht über der Erde, sondern stehen mit beiden Füßen fest darauf. Sie denken mehr über irdische als über himmlische Dinge nach und erleben völlig menschliche Gefühle und Emotionen. Zum ersten Mal in der Geschichte der italienischen Malerei wird der Gemütszustand der Helden eines Gemäldes durch Mimik, Gestik und Körperhaltung vermittelt. Anstelle des traditionellen goldenen Hintergrunds zeigen Giottos Fresken eine Landschaft, ein Interieur oder Skulpturengruppen Basilikum an den Fassaden.
In der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts. An erster Stelle steht die Bildschule von Siena. Der größte und raffinierteste Meister der Siena-Malerei des 14. Jahrhunderts. war Simone Martini (ca. 1284-1344). Der Pinsel von Simone Martini ist der erste in der Kunstgeschichte, der einen Beton darstellt Historisches Ereignis mit einem Porträt eines Zeitgenossen. Dieses Bild " Condotiera Guidoriccio da Fogliano„im Saal des Mappamondo (Weltkarte) im Palazzo Publico (Siena), der zum Prototyp zahlreicher künftiger Reiterporträts wurde. Das Altarbild „Die Verkündigung“ von Simone Martini, das heute in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird, genießt wohlverdienten Ruhm.

Merkmale der Renaissance. Proto-Renaissance

Merkmale der Renaissance

Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert Die italienische Kunst nahm eine dominierende Stellung im künstlerischen Leben Europas ein. In Florenz wurden die Grundlagen der humanistischen säkularen (also nichtkirchlichen) Kultur gelegt, die Siena und Pisa in den Hintergrund drängte. Die politische Macht gehörte hier den Kaufleuten und Handwerkern; mehrere wohlhabende Familien, die ständig miteinander konkurrierten, hatten den stärksten Einfluss auf die Angelegenheiten der Stadt. Dieser Kampf endete Ende des 14. Jahrhunderts. Sieg des Medici-Bankhauses. Ihr Oberhaupt, Cosimo de' Medici, wurde zum inoffiziellen Herrscher von Florenz. Schriftsteller, Dichter, Wissenschaftler, Architekten und Künstler strömten an den Hof von Cosimo de' Medici. Die Renaissancekultur von Florenz erreichte ihren Höhepunkt unter Lorenzo de' Medici, der auch der Prächtige genannt wird. Lorenzo war ein großer Förderer der Künste und Wissenschaften, der Schöpfer der Platonischen Akademie, wo sich die herausragenden Köpfe Italiens, Dichter und Philosophen versammelten, wo raffinierte Debatten geführt wurden, die Geist und Seele erhoben.

Die Architektur

Unter Cosimo und Lorenzo de' Medici kam es zu einer wahren Revolution in der Architektur von Florenz: Hier fanden umfangreiche Bauarbeiten statt, die das Erscheinungsbild der Stadt erheblich veränderten. Der Begründer der Renaissance-Architektur in Italien war Filippo Brunelleschi(1377-1446) - Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Perspektiventheorie. Brunelleschis größte Ingenieursleistung war der Bau der Kuppel Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Dank seines mathematischen und technischen Genies gelang es Brunelleschi, das schwierigste Problem seiner Zeit zu lösen. Hauptschwierigkeit, das vor dem Meister stand, war auf die gigantische Spannweite des Mittelkreuzes (42 m) zurückzuführen, die besondere Anstrengungen erforderte, um den Ausbau zu ermöglichen. Brunelleschi löste das Problem mit einer genialen Konstruktion: einer leichten Hohlkuppel bestehend aus zwei Schalen, einem Rahmensystem aus acht tragenden Rippen, die durch umlaufende Ringe verbunden sind, einem Oberlicht, das das Gewölbe abschließt und belastet. Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi war einer der ersten in der italienischen Architektur, der das antike Ordnungssystem kreativ verstand und ursprünglich interpretierte ( Ospedale degli Innocenti (Findelheim), 1421-44), legte den Grundstein für die Errichtung von Kuppelkirchen nach dem Vorbild der antiken Ordnung ( Kirche San Lorenzo ). Eine wahre Perle der Frührenaissance wurde von Brunelleschi auf Wunsch einer wohlhabenden Florentiner Familie geschaffen. Pazzi-Kapelle(begonnen im Jahr 1429). Der Humanismus und die Poesie von Brunelleschis Kreativität, die harmonische Proportionalität, Leichtigkeit und Anmut seiner Gebäude, die Verbindungen zu den gotischen Traditionen bewahren, die schöpferische Freiheit und wissenschaftliche Gültigkeit seiner Pläne bestimmten Brunelleschis großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der Renaissance-Architektur.

Eine der wichtigsten Errungenschaften der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts. war die Schaffung eines neuen Typs von Stadtpalästen – Palazzi, die als Vorbild für öffentliche Gebäude späterer Zeit dienten. Merkmale des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert sind eine klare Aufteilung des geschlossenen Gebäudevolumens in drei Etagen, offen Hof mit sommerlichen Bodenarkaden, der Verwendung von Rustika (Stein mit grob gerundeter oder konvexer Vorderfläche) zur Fassadenverkleidung sowie einem stark verlängerten Ziergesims. Ein markantes Beispiel für diesen Stil ist der Kapitellbau von Brunelleschis Schüler Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), Hofarchitekt der Medici-Familie, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), das als Vorbild für den Bau vieler Florentiner Paläste diente. Nah an Michelozzos Schöpfung Palazzo Strozzi(gegründet 1481), das mit dem Namen des Architekten und Bildhauers Benedetto da Maiano (1442-97) verbunden ist.

Es nimmt einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur ein Leon Battista Alberti(1404-72). Als umfassend begabter und umfassend gebildeter Mann war er einer der brillantesten Humanisten seiner Zeit. Sein Interessenspektrum war ungewöhnlich vielfältig. Er befasste sich mit Moral und Recht, Mathematik, Mechanik, Wirtschaft, Philosophie, Poesie, Musik, Malerei, Bildhauerei und Architektur. Als brillanter Stilist hinterließ Alberti zahlreiche Werke in lateinischer und italienischer Sprache. Alberti erlangte in Italien und im Ausland Berühmtheit als herausragender Kunsttheoretiker. Aus seiner Feder stammen die berühmten Abhandlungen „Zehn Bücher über Architektur“ (1449-52), „Über die Malerei“ und „Über die Statue“ (1435-36). Aber Albertis Hauptberuf war die Architektur. In seiner architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen, experimentellen Lösungen und nutzte das antike künstlerische Erbe auf innovative Weise. Alberti erstellt neuer Typ Stadtpalast ( Palazzo Rucellai ). In der religiösen Architektur, die nach Größe und Einfachheit strebte, verwendete Alberti Motive römischer Triumphbögen und Arkaden für die Gestaltung von Fassaden ( Kirche Sant'Andrea in Mantua, 1472-94). Der Name Alberti gilt zu Recht als einer der ersten großen Kulturschaffenden der italienischen Renaissance.

Skulptur

Im 15. Jahrhundert Die italienische Bildhauerei, die unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangte, blüht. Die Ausübung des künstlerischen Lebens beginnt, Aufträge für die Dekoration öffentlicher Gebäude einzuschließen; Es finden Kunstwettbewerbe statt. Einer dieser Wettbewerbe – für die Herstellung von Bronze der zweiten Nordtür des Florentiner Baptisteriums (1401) – gilt als bedeutendes Ereignis, das eine neue Seite in der Geschichte der italienischen Renaissance-Skulptur aufschlug. Den Sieg errang Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Als einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst und ein brillanter Zeichner widmete Ghiberti sein Leben einer Art von Skulptur – dem Relief. Ghiberti betrachtete das Gleichgewicht und die Harmonie aller Bildelemente als Hauptprinzip seiner Kunst. Der Höhepunkt von Ghibertis Kreativität war Osttüren des Florentiner Baptisteriums (1425-52), das den Namen des Meisters verewigt. Die Dekoration der Türen umfasst zehn quadratische Kompositionen aus vergoldeter Bronze („ Erschaffung von Adam und Eva") mit ihrer außergewöhnlichen Ausdruckskraft, die an Gemälde erinnert. Dem Künstler gelang es, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, gesättigt mit Bildern der Natur, menschlichen Figuren und architektonischen Strukturen. Mit der leichten Hand Michelangelos begann man, die Osttüren des Florentiner Baptisteriums zu benennen „Die Tore des Himmels“

Ghibertis Werkstatt wurde zur Schule einer ganzen Generation von Künstlern, insbesondere der berühmte Donatello, der große Reformator der italienischen Bildhauerei, arbeitete dort. Das Werk von Donatello (ca. 1386-1466), das im 14. Jahrhundert die demokratischen Traditionen der Kultur von Florenz aufnahm, stellt einen der Höhepunkte in der Entwicklung der Kunst der Frührenaissance dar. Es verkörperte die Suche nach neuen, realistischen Mitteln zur Darstellung der Realität, die für die Kunst der Renaissance charakteristisch sind, und eine große Aufmerksamkeit für den Menschen und seine spirituelle Welt. Der Einfluss von Donatellos Werk auf die Entwicklung der italienischen Renaissancekunst war enorm.

Die zweite Generation florentinischer Bildhauer tendierte zu einer lyrischeren, friedlicheren und weltlicheren Kunst. Die führende Rolle spielte dabei die Bildhauerfamilie della Robbia. Das Oberhaupt der Familie, Lucca della Robbia (1399/1400 – 1482), wurde berühmt für seinen Einsatz von Glasurtechniken bei kreisförmigen Skulpturen und Reliefs. Die Technik der Glasur (Majolika), die den Völkern Westasiens seit der Antike bekannt ist, wurde im Mittelalter auf die Iberische Halbinsel und die Insel Mallorca (woher ihr Name stammt) gebracht und dann in Italien weit verbreitet. Lucca della Robbia schuf Medaillons mit Reliefs auf tiefblauem Hintergrund für Gebäude und Altäre, Girlanden aus Blumen und Früchten, Majolikabüsten der Madonna, Christi und Heiliger. Die fröhliche, elegante und freundliche Kunst dieses Meisters erhielt von seinen Zeitgenossen wohlverdiente Anerkennung. Auch sein Neffe Andrea della Robbia (1435-1525) erreichte große Perfektion in der Majolika-Technik ( Reliefs an der Fassade des Ospedale degli Innocenti).

Malerei

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielten, kam in der Malerei Masaccio (1401-1428) zu. Masaccio starb jung, wurde noch nicht einmal 27 Jahre alt und schaffte es dennoch, in der Malerei viel zu erreichen. Berühmter Historiker Art Whipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und beständigsten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer des neuen Realismus …“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht mutig mit mittelalterlichen Kunsttraditionen. In Fresko „Dreifaltigkeit“(1426-27), geschaffen für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz, verwendete Masaccio zum ersten Mal die volle Perspektive in der Wandmalerei. In den Gemälden der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose lebensnahe Überzeugungskraft, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt meisterhaft den emotionalen Zustand und die psychologische Tiefe der Bilder. In Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ Der Künstler löst die schwierigste Aufgabe seiner Zeit: die Darstellung einer nackten menschlichen Figur. Die strenge und mutige Kunst von Masaccio hatte großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance.

Die Entwicklung der Malerei der Frührenaissance verlief zweideutig: Die Künstler gingen ihre eigenen, manchmal unterschiedlichen Wege. Das weltliche Prinzip, der Wunsch nach einer faszinierenden Erzählung und ein lyrisches Erdengefühl fanden in den Werken von Fra Filippo Lippi (1406-69), einem Mönch des Karmeliterordens, lebendigen Ausdruck. Ein charmanter Meister, Autor zahlreicher Altarkompositionen, unter denen das Gemälde als das beste gilt « Anbetung des Kindes » , geschaffen für die Kapelle in Palazzo Medici - Riccardi Filippo Lippi gelang es, in ihnen menschliche Wärme und poetische Liebe zur Natur zu vermitteln.

Mitte des 15. Jahrhunderts. Die Malerei in Mittelitalien erlebte einen rasanten Aufschwung, ein eindrucksvolles Beispiel dafür ist die Kreativität Piero della Francesca(1420-92), der größte Künstler und Kunsttheoretiker der Renaissance. Die wunderbarste Kreation von Piero della Francesca - Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo, die auf der Legende vom lebensspendenden Baum des Kreuzes basieren. Die in drei Ebenen angeordneten Fresken zeichnen die Geschichte nach lebensspendendes Kreuz Von Anfang an, als aus dem Samen des Baumes des Paradieses der Erkenntnis von Gut und Böse ein heiliger Baum auf dem Grab Adams wächst („Tod Adams“)) und bis zum Ende, als der byzantinische Kaiser Heraklius die christliche Reliquie feierlich nach Jerusalem zurückbringt (« Kampf zwischen Heraklius und Khosroes » ). Das Werk von Piero della Francesca ging über die örtlichen Malschulen hinaus und bestimmte die Entwicklung der gesamten italienischen Kunst.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele talentierte Handwerker in Norditalien in den Städten Verona, Ferrara und Venedig. Unter den Malern dieser Zeit ist Andrea Mantegna (1431-1506), ein Meister der Staffelei- und Monumentalmalerei, Zeichner und Kupferstecher, Bildhauer und Architekt, der berühmteste. Der Bildstil des Künstlers zeichnet sich durch das Streben nach Formen und Designs, die Strenge und Wahrhaftigkeit verallgemeinerter Bilder aus. Durch die räumliche Tiefe und den skulpturalen Charakter der Figuren erreicht Mantegna den Eindruck einer für einen Moment eingefrorenen realen Szene – seine Figuren wirken so dreidimensional und natürlich. Mantegna verbrachte den größten Teil seines Lebens in Mantua, wo er sein berühmtestes Werk schuf – Gemälde „Camera degli Sposi“. im Landschloss des Marquis L. Gonzaga. Nur mit den Mitteln der Malerei schuf er hier ein luxuriöses Renaissance-Interieur, einen Ort für feierliche Empfänge und Feiertage. Mantegnas äußerst berühmte Kunst beeinflusste die gesamte norditalienische Malerei.

Einen besonderen Platz nimmt in der Malerei die Frührenaissance ein Sandro Botticelli(eigentlich Alessandro di Mariano Filipepi), der 1445 in Florenz in der Familie eines wohlhabenden Ledergerbers geboren wurde. 1459-64. Der junge Mann studiert Malerei beim berühmten Florentiner Meister Filippo Lippi. 1470 eröffnete er seine eigene Werkstatt in Florenz und wurde 1472 Mitglied der Lukasgilde.

Botticellis erste Schöpfung war die Komposition „Force“, die er für das Handelsgericht von Florenz fertigstellte. Der junge Künstler gewann schnell das Vertrauen der Kunden und erlangte Ruhm, der die Aufmerksamkeit von Lorenzo dem Prächtigen, dem neuen Herrscher von Florenz, auf sich zog und zu seinem Hofmeister und Günstling wurde. Botticelli fertigte die meisten seiner Gemälde für die Häuser des Herzogs und anderer florentinischer Adelsfamilien sowie für Kirchen, Klöster und öffentliche Gebäude in Florenz an.

Zweite Hälfte der 1470er und 1480er Jahre. wurde für Botticelli zu einer Zeit der kreativen Blüte. Für die Hauptfassade der Kirche Santa Maria Novella schreibt er die Komposition „ Anbetung der Heiligen Drei Könige" - eine Art mythologisiertes Gruppenporträt der Medici-Familie. Einige Jahre später schafft der Künstler seine berühmte mythologische Allegorie „Frühling“.

Im Jahr 1481 befahl Papst Sixtus IV. einer Gruppe von Malern, darunter Botticelli, seine Kapelle mit Fresken zu schmücken, die später den Namen „Sixtiner“ erhielten. Botticelli malte Fresken in der Sixtinischen Kapelle. Versuchung Christi », « Szenen aus dem Leben Moses », « Bestrafung von Korah, Dathan und Abiron" In den nächsten Jahren vollendete Botticelli eine Reihe von vier Fresken, die auf Kurzgeschichten aus Boccaccios Decameron basierten, und schuf seine berühmtesten mythologischen Werke („Geburt der Venus“, „ Pallas und Zentaur"), sowie mehrere Altarkompositionen für Florentiner Kirchen (" Krönung der Jungfrau Maria », « Altar von San Barnaba"). Oftmals wandte er sich dem Bild der Madonna zu („ Madonna del Magnificat », « Madonna mit Granatapfel », « Madonna mit einem Buch"), arbeitete auch im Porträtgenre (" Porträt von Giuliano Medici„, „Porträt einer jungen Frau“, „Porträt eines jungen Mannes“).

In den 1490er Jahren, während der Zeit der sozialen Bewegungen und mystischen Predigten des Mönchs Savonarola, die Florenz erschütterten, tauchten moralisierende Töne und Dramen in Botticellis Kunst auf („Verleumdung“, „ Beweinung Christi », « Mystisches Weihnachten"). Unter dem Einfluss von Savonarola zerstörte der Künstler in einem Anfall religiöser Begeisterung sogar einige seiner Werke. Mitte der 1490er Jahre, mit dem Tod von Lorenzo dem Prächtigen und der Vertreibung seines Sohnes Pietro aus Florenz, verlor Botticelli seinen Ruhm als großer Künstler. Vergessen, lebt er ruhig sein Leben im Haus seines Bruders Simon. 1510 starb der Künstler.

Botticellis exquisite Kunst mit Stilisierungselementen (d. h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) gilt als einer der Höhepunkte der Entwicklung der Malerei. Botticellis Kunst basierte im Gegensatz zu den meisten Meistern der Frührenaissance auf persönlichen Erfahrungen. Botticelli war außergewöhnlich sensibel und aufrichtig und durchlief einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche – von einer poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis hin zu Mystik und religiöser Erhebung im Erwachsenenalter.

FRÜHE RENAISSANCE

FRÜHE RENAISSANCE

Hochrenaissance

Die Hochrenaissance, die der Menschheit so große Meister bescherte wie Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Giorgione, Tizian, Bramante, deckt einen relativ kurzen Zeitraum ab – das Ende des 15. und das erste Drittel des 16. Jahrhunderts. Nur in Venedig dauerte die Blüte der Kunst bis zur Mitte des Jahrhunderts.

Grundlegende Veränderungen im Zusammenhang mit den entscheidenden Ereignissen der Weltgeschichte und die Erfolge des fortgeschrittenen wissenschaftlichen Denkens haben die Vorstellungen der Menschen über die Welt – nicht nur über die Erde, sondern auch über den Weltraum – unendlich erweitert. Die Wahrnehmung der Welt und der menschlichen Persönlichkeit scheint größer geworden zu sein; Im künstlerischen Schaffen spiegelte sich dies nicht nur in der majestätischen Größe architektonischer Bauwerke, Denkmäler, feierlicher Freskenzyklen und Gemälde wider, sondern auch in deren Inhalt und Ausdruckskraft der Bilder. Die Kunst der Hochrenaissance ist lebendig und komplex künstlerischer Prozess mit blendend hellen Höhen und anschließenden Krisen.

Donato Bramante.

Zentrum für Architektur Hochrenaissance wurde zu Rom, wo auf der Grundlage früherer Entdeckungen und Erfolge ein einziger klassischer Stil entstand. Die Meister nutzten das antike Ordnungssystem kreativ und schufen Bauwerke, deren majestätische Monumentalität im Einklang mit der Zeit stand. Der größte Vertreter der Architektur der Hochrenaissance war Donato Bramante (1444-1514). Bramantes Gebäude zeichnen sich durch Monumentalität und Erhabenheit, harmonische Perfektion der Proportionen, Integrität und Klarheit kompositorischer und räumlicher Lösungen sowie den freien, kreativen Einsatz klassischer Formen aus. Bramantes höchste schöpferische Leistung ist der Wiederaufbau des Vatikans (der Architekt schuf tatsächlich ein neues Gebäude, in das er verstreute alte Gebäude organisch einbezog). Bramante ist auch der Autor des Entwurfs für den Petersdom in Rom. Mit seinem Werk bestimmte Bramante die Entwicklung der Architektur im 16. Jahrhundert.

Leonardo da Vinci.

In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, eine andere Person zu finden, die so brillant ist wie der Begründer der Kunst der Hochrenaissance Leonardo da Vinci(1452-1519). Der umfassende Charakter der Tätigkeit dieses großen Künstlers, Bildhauers, Architekten, Wissenschaftlers und Ingenieurs wurde erst deutlich, als man die verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass untersuchte, die über siebentausend Blätter mit wissenschaftlichen und architektonischen Projekten, Erfindungen und Skizzen umfassten. Es ist schwierig, ein Wissensgebiet zu nennen, das sein Genie nicht berühren würde. Leonardos Universalismus ist so unverständlich, dass der berühmte Biograph der Renaissance-Figuren Giorgio Vasari dieses Phänomen nur durch das Eingreifen des Himmels erklären konnte: „Was auch immer sich dieser Mann zuwandte, jede seiner Handlungen trug den Stempel der Göttlichkeit.“

In seiner berühmten „Abhandlung über die Malerei“ (1498) und anderen Notizen widmete Leonardo der Erforschung des menschlichen Körpers, Informationen über Anatomie, Proportionen, die Beziehung zwischen Bewegungen, Mimik und dem emotionalen Zustand eines Menschen große Aufmerksamkeit. Leonardo interessierte sich auch für die Probleme des Helldunkels, der volumetrischen Modellierung sowie der linearen und Luftperspektive. Leonardo würdigte nicht nur die Kunsttheorie. Er schuf eine Reihe prächtiger Altarbilder und Porträts. Leonardos Pinsel gehört zu einem der berühmtesten Werke der Weltmalerei – „Mona Lisa“ („La Gioconda“). Leonardo schuf monumentale Skulpturenbilder, entwarf und baute architektonische Bauwerke. Leonardo ist bis heute eine der charismatischsten Persönlichkeiten der Renaissance. Ihm sind zahlreiche Bücher gewidmet, im Detail Sein Leben wurde untersucht. Und doch bleibt vieles in seinem Werk ein Rätsel und erregt weiterhin die Gemüter der Menschen.

Rafael Santi.

Auch die Kunst von Raffael Santi (1483-1520) gehört zu den Höhepunkten der italienischen Renaissance. In der Geschichte der Weltkunst ist das Werk Raffaels mit der Idee erhabener Schönheit und Harmonie verbunden. Es ist allgemein anerkannt, dass in der Konstellation der brillanten Meister der Hochrenaissance Raffael der Hauptträger der Harmonie war. Das unermüdliche Streben nach einem strahlenden, vollkommenen Anfang durchdringt das gesamte Werk Raffaels und macht dessen inneren Sinn aus. Seine Werke bestechen durch ihre natürliche Anmut („ Sixtinische Madonna"). Vielleicht erlangte der Meister deshalb eine so außerordentliche Popularität beim Publikum und hatte zu allen Zeiten viele Anhänger unter den Künstlern. Raffael war nicht nur ein großartiger Maler und Porträtmaler, sondern auch ein Monumentalist, der sich mit Freskentechniken beschäftigte, ein Architekt und ein Meister der Dekoration. All diese Talente kamen in seinen Gemälden der Gemächer von Papst Julius II. im Vatikan („Schule von Athen“) besonders deutlich zum Ausdruck. In der Kunst des brillanten Künstlers entstand ein neues Bild des Renaissance-Menschen – schön, harmonisch, körperlich und geistig perfekt.

Michelangelo Buonarotti.

Zeitgenössisch Leonardo da Vinci und Raphael war ihr ewiger Rivale – Michelangelo Buonarroti, der größte Meister der Hochrenaissance – Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Dieser Titan der Renaissance begann seinen kreativen Weg mit der Bildhauerei. Seine kolossalen Statuen wurden zum Symbol eines neuen Menschen – eines Helden und Kämpfers („David“). Der Meister errichtete viele architektonische und skulpturale Bauwerke, von denen das berühmteste die Medici-Kapelle in Florenz ist. Die Pracht dieser Werke beruht auf der kolossalen Spannung der Gefühle der Charaktere ( Sarkophag von Giuliano Medici). Besonders berühmt sind jedoch Michelangelos Gemälde im Vatikan, in der Sixtinischen Kapelle, in denen er sich als brillanter Maler erwies. Vielleicht hat niemand in der Weltkunst, weder vor noch nach Michelangelo, Charaktere geschaffen, die körperlich und geistig so stark sind („ Erschaffung Adams"). Das riesige, unglaublich komplexe Fresko an der Decke wurde vom Künstler allein und ohne Assistenten gemalt; Es ist bis heute ein unübertroffenes Monumentalwerk der italienischen Malerei. Doch zusätzlich zur Bemalung der Decke der Sixtinischen Kapelle schuf der Meister bereits im hohen Alter das heftig inspirierte „Jüngste Gericht“ – ein Symbol für den Zusammenbruch der Ideale seiner großen Ära.

Michelangelo arbeitete viel und erfolgreich in der Architektur, insbesondere überwachte er den Bau des Petersdoms und des Ensembles Kapitolplatz in Rom. Das Werk des großen Michelangelo prägte eine ganze Ära und war seiner Zeit weit voraus; es spielte eine kolossale Rolle in der Weltkunst und beeinflusste insbesondere die Bildung der Prinzipien des Barock.

Giorgione und Tizian.

Venedig, wo die Malerei ihre Blütezeit erlebte, fügte der Geschichte der Kunst der Hochrenaissance ein leuchtendes Kapitel hinzu. Giorgione gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Kunst ist etwas ganz Besonderes. In ihm herrscht der Geist klarer Harmonie und einer besonderen intimen Kontemplation und Verträumtheit. Er malte oft entzückende Schönheiten, echte Göttinnen. Normalerweise handelt es sich dabei um eine poetische Fiktion – die Verkörperung eines unerfüllbaren Traums, Bewunderung für ein romantisches Gefühl und eine schöne Frau. Seine Bilder enthalten einen Hauch von sinnlicher Leidenschaft, süßem Vergnügen und überirdischem Glück. Mit der Kunst Giorgiones erlangte die venezianische Malerei gesamtitalienische Bedeutung und begründete ihre künstlerischen Merkmale.

Tizian herein ging als Titan und Oberhaupt der venezianischen Schule als Symbol ihrer Blütezeit in die Geschichte der italienischen Kunst ein. Der Hauch einer neuen Ära – stürmisch, tragisch, sinnlich – manifestierte sich mit besonderer Kraft im Werk dieses Künstlers. Tizians Werk zeichnet sich durch eine außergewöhnlich breite und vielfältige Abdeckung der Arten und Genres der Malerei aus. Tizian war einer der Begründer der monumentalen Altarmalerei, der Landschaft als eigenständiges Genre und verschiedener Arten von Porträts, darunter auch zeremonielle. In seinem Werk koexistieren Idealbilder mit strahlenden Charakteren, tragische Konflikte mit Szenen jubelnder Freude, religiöse Kompositionen mit mythologischen und historischen Gemälden.

Tizian entwickelte eine neue Maltechnik, die die weitere Entwicklung der Weltkunst bis zum 20. Jahrhundert maßgeblich beeinflusste. Tizian gehört zu den größten Koloristen der Weltmalerei. Seine Bilder erstrahlen in Gold und einer komplexen Palette vibrierender, leuchtender Farbuntertöne. Tizian, der fast ein Jahrhundert lebte, erlebte den Zusammenbruch der Renaissance-Ideale; die Hälfte seines Werkes gehört zur Spätrenaissance. Sein Held, der in den Kampf gegen feindliche Kräfte eintritt, stirbt, behält aber seine Größe. Der Einfluss von Tizians großer Werkstatt beeinflusste die gesamte venezianische Kunst.

HOHE RENAISSANCE

HOHE RENAISSANCE

Spätrenaissance

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. In Italien nahm der Niedergang der Wirtschaft und des Handels zu, der Katholizismus trat in den Kampf dagegen ein Humanistische Kultur Die Kunst befand sich in einer tiefen Krise. Es verstärkte Anti-Renaissance-Tendenzen, die sich im Manierismus verkörperten. Der Manierismus hatte jedoch kaum Auswirkungen auf Venedig, das in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zum Hauptzentrum der Kunst der Spätrenaissance wurde. Im Einklang mit der hohen humanistischen Renaissance-Tradition entwickelte sich in Venedig unter neuen historischen Bedingungen das Werk der großen Meister der Spätrenaissance, angereichert mit neuen Formen – Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Das Werk des norditalienischen Architekten Andrea Palladio (1508-80), das auf einer eingehenden Auseinandersetzung mit der Architektur der Antike und der Renaissance basiert, stellt einen der Höhepunkte der Kunst der Spätrenaissance dar. Palladio entwickelte die Prinzipien der Architektur, die in der Architektur des europäischen Klassizismus des 17.-18. Jahrhunderts entwickelt wurden. und erhielt den Namen Palladianismus. Der Architekt legte seine Ideen im theoretischen Werk „Vier Bücher über Architektur“ (1570) dar. Palladios Gebäude (hauptsächlich Stadtpaläste und Villen) sind voller anmutiger Schönheit und Natürlichkeit, harmonischer Vollständigkeit und strenger Ordnung, zeichnen sich durch Klarheit und Zweckmäßigkeit der Planung und organische Verbindung mit der Umwelt aus ( Palazzo Chiericati). Die Fähigkeit, Architektur harmonisch mit der umgebenden Landschaft zu verbinden, zeigte sich besonders deutlich in Palladios Villen, die von einem elegisch aufgeklärten Naturgefühl durchdrungen und von klassischer Klarheit und Einfachheit in Form und Komposition geprägt sind ( Villa Capra (Rotunde)). Palladio schuf das erste Monumentalwerk Theatergebäude in Italien - Teatro Olimpico. Palladios Einfluss auf die Entwicklung der Architektur in den folgenden Jahrhunderten war enorm.

Veronese und Tintoretto...

Der festliche, lebensbejahende Charakter der venezianischen Renaissance kam am deutlichsten im Werk von Paolo Veronese zum Ausdruck. Als Wandmaler schuf er prächtige dekorative Ensembles aus Wand- und Deckengemälden mit vielen Charakteren und interessanten Details. Veronese schuf seinen eigenen Stil: Seine spektakulären, spektakulären Gemälde sind voller Emotionen, Leidenschaft und Leben, und die Helden, der venezianische Adel, befinden sich meist in Patrizierpalästen oder vor der Kulisse luxuriöser Natur. Sie lassen sich von grandiosen Festen oder bezaubernden Feiern („Hochzeit zu Kana“) mitreißen. Veronese war der Herr des fröhlichen Venedigs, seiner Triumphe, der Dichter seines goldenen Glanzes. Veronese hatte eine außergewöhnliche Begabung als Koloristin. Seine Farben sind lichtdurchflutet, intensiv und verleihen Objekten nicht nur Farbe, sondern verwandeln sich selbst in ein Objekt, verwandeln sich in Wolken, Stoff, einen menschlichen Körper. Dadurch wird die wahre Schönheit von Figuren und Objekten durch die Schönheit von Farbe und Textur vervielfacht, was beim Betrachter eine starke emotionale Wirkung hervorruft.

Das komplette Gegenteil von Veronese war sein Zeitgenosse Tintoretto (1518-94), der letzte große Meister der italienischen Renaissance. Die Fülle äußerer künstlerischer Einflüsse löste sich in der einzigartigen kreativen Individualität Tintorettos auf. In seinem Werk war er eine gigantische Figur, der Schöpfer eines vulkanischen Temperaments, heftiger Leidenschaften und heroischer Intensität. Sein Werk war bei seinen Zeitgenossen und nachfolgenden Generationen ein großer Erfolg. Tintoretto zeichnete sich durch eine wahrhaft unmenschliche Arbeitsfähigkeit und unermüdliche Suche aus. Er empfand die Tragödie seiner Zeit deutlicher und tiefer als die meisten seiner Zeitgenossen. Der Meister lehnte sich gegen etablierte Traditionen in der bildenden Kunst auf – das Festhalten an Symmetrie, striktem Gleichgewicht, Statik; erweiterte die Grenzen des Raumes, füllte ihn mit Dynamik, dramatischer Handlung und begann, menschliche Gefühle klarer auszudrücken. 1590 g . Die Kunst des Manierismus weicht von den Idealen der Renaissance einer harmonischen Wahrnehmung der Welt ab. Ein Mensch ist übernatürlichen Kräften ausgeliefert. Die Welt erscheint instabil, wackelig, im Verfall. Manieristische Bilder sind voller Angst, Unruhe und Anspannung. Der Künstler entfernt sich von der Natur, strebt danach, sie zu übertreffen und folgt in seinem Werk einer subjektiven „inneren Idee“, deren Grundlage nicht die reale Welt, sondern die schöpferische Vorstellungskraft ist; Das Mittel zur Ausführung ist „schöne Art“ als Summe bestimmter Techniken. Darunter sind die willkürliche Dehnung von Figuren, ein komplexer Serpentinenrhythmus, die Unwirklichkeit fantastischer Räume und Lichter und manchmal kalte, durchdringende Farben.

Der größte und begabteste Meister des Manierismus, ein Maler mit komplexem kreativen Schicksal, war Jacopo Pontormo (1494-1556). In seinem berühmten Gemälde „ Abstieg vom Kreuz» die Komposition ist instabil, die Figuren sind prätentiös gebrochen, helle Farben Schneiden. Francesco Mazzola, mit dem Spitznamen Parmigianino (1503-40), liebte es, den Betrachter in Erstaunen zu versetzen: So schrieb er zum Beispiel sein „ Selbstporträt in einem konvexen Spiegel" Bewusste Absichtlichkeit zeichnet sein berühmtes Gemälde aus „ Madonna mit langem Hals ».

Der Medici-Hofmaler Agnolo Bronzino (1503-72) ist berühmt für seine zeremoniellen Porträts. Sie spiegelten die Ära der blutigen Gräueltaten und des moralischen Verfalls wider, die über uns herrschte hohe Kreise Italienische Gesellschaft. Bronzinos edle Kunden scheinen durch eine unsichtbare Distanz vom Betrachter getrennt zu sein; die Starrheit ihrer Posen, die Gleichgültigkeit ihrer Gesichter, der Reichtum ihrer Kleidung, die Gesten ihrer wunderschönen zeremoniellen Hände – all das ist wie eine äußere Hülle, die ein inneres fehlerhaftes Leben verbirgt. Im Porträt von Eleonore von Toledo mit ihrem Sohn (um 1545) wird die Unzugänglichkeit des kalten, distanzierten Bildes dadurch verstärkt, dass die Aufmerksamkeit des Betrachters vollständig von dem flachen, großen Muster der prächtigen Brokatkleidung der Herzogin absorbiert wird. Der von den Manieristen geschaffene Typus des Hofporträts beeinflusste die Porträtkunst des 16.-17. Jahrhunderts. in vielen anderen europäischen Ländern.

Die Kunst des Manierismus war eine Übergangskunst: Die Renaissance ging zu Ende, die Zeit für eine neue gesamteuropäische Kunst war gekommen künstlerischer Stil- Barock.

Kunst Nördliche Renaissance.

Die Länder Nordeuropas hatten keine eigene antike Vergangenheit, aber die Renaissance sticht in ihrer Geschichte hervor: von der Wende anXV – XVIdurch die zweite HälfteXVIIJahrhundert. Diese Zeit zeichnet sich durch das Eindringen der Renaissance-Ideale in verschiedene Kulturbereiche und den allmählichen Wandel ihres Stils aus. Wie in der Geburtsstätte der Renaissance veränderte auch in der Kunst der nördlichen Renaissance das Interesse an der realen Welt die Formen des künstlerischen Schaffens. Die Kunst der nördlichen Länder war jedoch nicht vom Pathos der italienischen Malerei geprägt, die die Macht des titanischen Menschen verherrlichte. Die Bürger (wie wohlhabende Bürger genannt wurden) legten Wert auf Integrität, Treue zu Pflicht und Wort sowie die Heiligkeit des Ehegelübdes und der Familie. In bürgerlichen Kreisen bildete sich ein eigenes Menschenbild heraus – klar, nüchtern, fromm und sachlich. Die Kunst der Bürger verdichtet den einfachen Durchschnittsmenschen und seine Welt – die Welt des Alltags und der einfachen Dinge.

Meister der Renaissance in den Niederlanden.

Neue Aspekte der Renaissancekunst traten vor allem in den Niederlanden auf, einem der reichsten und am stärksten industrialisierten Länder Europas. Aufgrund ihrer umfassenden internationalen Verbindungen nahmen die Niederlande neue Entdeckungen viel schneller auf als andere nordische Länder.

Der Renaissance-Stil wurde in den Niederlanden eröffnet Jan Van Eyck(1390-1441). Sein bekanntestes Werk ist Genter Altar, an dem der Künstler gemeinsam mit seinem Bruder zu arbeiten begann und nach dessen Tod noch weitere 6 Jahre selbstständig weiterarbeitete. Der für die Stadtkathedrale geschaffene Genter Altar ist eine zweistufige Falte, auf deren 12 Tafeln Bilder des alltäglichen, alltäglichen Lebens (auf den äußeren Tafeln, die bei geschlossener Falte sichtbar waren) und festlicher, jubelnder, verwandeltes Leben (an den Innentüren, die währenddessen im Freien erschienen kirchliche Feiertage). Dies ist ein Kunstdenkmal, das die Schönheit des irdischen Lebens verherrlicht. Van Eycks emotionales Gefühl – „Die Welt ist wie das Paradies“, von dem jedes Teilchen schön ist – kommt klar und deutlich zum Ausdruck. Der Künstler stützte sich auf viele Beobachtungen aus der Natur. Alle Figuren und Objekte haben dreidimensionales Volumen und Gewicht. Die Brüder Van Eyck gehörten zu den ersten, die die Möglichkeiten der Ölmalerei entdeckten; Von diesem Zeitpunkt an beginnt es allmählich die Tempera zu ersetzen.

In der zweiten Hälfte von XVJahrhundert, voller politischer und religiöser Konflikte, sticht komplexe, einzigartige Kunst in der Kunst der Niederlande hervor Hieronymus Bosch(1450?-1516). Dies ist ein sehr neugieriger Künstler mit einer außergewöhnlichen Fantasie. Er lebte in seiner eigenen und schrecklichen Welt. In Boschs Gemälden verdichten sich mittelalterliche Folkloreideen, groteske Montagen des Lebendigen und des Mechanischen, des Schrecklichen und des Komischen. In seinen Kompositionen, die kein Zentrum hatten, gibt es keine Hauptfigur. Der Raum ist in mehreren Schichten mit zahlreichen Figuren- und Objektgruppen gefüllt: monströs überdimensionierte Reptilien, Kröten, Spinnen, schreckliche Kreaturen, in denen Teile verschiedener Kreaturen und Objekte vereint sind. Der Zweck von Boschs Kompositionen ist die moralische Erbauung. Bosch findet keine Harmonie und Vollkommenheit in der Natur; seine dämonischen Bilder erinnern an die Vitalität und Allgegenwart des Weltübels, den Kreislauf von Leben und Tod.

Der Mann auf Boschs Gemälden ist erbärmlich und schwach. So heißt es im Triptychon „ Wagenladung Heu„Der Künstler enthüllt die Geschichte der Menschheit. Der linke Flügel erzählt die Geschichte vom Fall Adams und Evas, der rechte zeigt die Hölle und all die Schrecken, die hier auf Sünder warten. Der mittlere Teil des Bildes illustriert das beliebte Sprichwort „Die Welt ist ein Heuhaufen, jeder nimmt daraus, was er ergattern kann.“ Bosch zeigt, wie Menschen um ein Stück Heu streiten, unter den Rädern eines Karrens sterben und versuchen, darauf zu klettern. Oben auf dem Karren singen und küssen sich Liebende, nachdem sie der Welt entsagt haben. Auf der einen Seite ist ein Engel und auf der anderen ein Teufel: Wer wird gewinnen? Gruselige Kreaturen ziehen den Karren in die Unterwelt. Gott betrachtet alle Handlungen der Menschen mit Verwirrung. Das Gemälde ist von einer noch düstereren Stimmung durchdrungen. Das Kreuz tragen„: Christus trägt sein schweres Kreuz umgeben von abscheulichen Menschen mit großen Augen und aufgerissenen Mündern. Für sie opfert sich der Herr, aber sein Tod am Kreuz lässt sie gleichgültig.

Bosch war bereits gestorben, als ein weiterer berühmter niederländischer Künstler geboren wurde – Pieter Bruegel der Ältere(1525-1569), der wegen seiner zahlreichen Gemälde, die das Leben der Bauern darstellen, den Spitznamen Muzhitsky erhielt. Bruegel nahm für viele seiner Sujets Volkssprichwörter und die Alltagssorgen der einfachen Leute als Grundlage. Die Vollständigkeit der Bilder der Gemälde“ Bauernhochzeit" Und " Bauerntanz„trägt die Kraft des Volkselements in sich. Sogar die Gemälde auf biblische Geschichten In Bruegels Werken werden die Niederlande bewohnt, und die Ereignisse im fernen Judäa spielen sich vor dem Hintergrund schneebedeckter Straßen unter dem trüben Himmel seines Heimatlandes ab („ Predigt von Johannes dem Täufer"). Der Künstler zeigt das scheinbar Unwichtige, Zweitrangige, spricht über die Hauptsache im Leben der Menschen und erschafft den Geist seiner Zeit.

Kleine Leinwand " Jäger im Schnee„(Januar) aus der Serie „Jahreszeiten“ gilt als eines der unübertroffenen Meisterwerke der Weltmalerei. Müde Jäger mit Hunden kehren nach Hause zurück. Gemeinsam mit ihnen betritt der Betrachter den Hügel, von dem sich ein Panorama einer Kleinstadt öffnet. Schneebedeckte Flussufer, dornige Bäume, die in der klaren, frostigen Luft erstarren, Vögel fliegen, sitzen auf Ästen und Hausdächern, die Menschen sind mit ihren täglichen Angelegenheiten beschäftigt. All diese scheinbar kleinen Dinge ergeben zusammen mit dem blauen Himmel, den schwarzen Bäumen und dem weißen Schnee auf dem Bild ein Weltpanorama, das der Künstler leidenschaftlich liebt.

Bruegels tragischstes Gemälde“ Gleichnis vom Blinden„Vom Künstler kurz vor seinem Tod geschrieben. Es veranschaulicht die Geschichte des Evangeliums: „Wenn ein Blinder einen Blinden führt, werden beide in eine Grube fallen.“ Vielleicht ist dies ein Bild der von ihren Wünschen geblendeten Menschheit, die auf ihre Zerstörung zusteuert. Bruegel urteilt jedoch nicht, sondern begreift die Gesetze der Beziehungen zwischen Menschen untereinander Umfeld, das in das Wesen der menschlichen Natur eindringt, offenbart den Menschen selbst ihren Platz in der Welt.

Malerei von Deutschland während der Renaissance.

Die Merkmale der Renaissance treten in der Kunst Deutschlands später auf als in den Niederlanden. Die Blüte des deutschen Humanismus, der säkularen Wissenschaften und der Kultur fällt in die frühen JahreXVIV. Das war kurzer Zeitraum, während der Deutsche Kultur gab der Welt die höchsten künstlerischen Werte. Dazu gehört zunächst einmal die Arbeit Albrecht Dürer(1471-1528) – der bedeutendste Künstler der deutschen Renaissance.

Dürer ist ein typischer Vertreter der Renaissance; er war Maler, Kupferstecher, Mathematiker und Ingenieur und verfasste Abhandlungen über Befestigungsanlagen und Kunsttheorie. An Selbstporträts er wirkt intelligent, edel, konzentriert, voller tiefer philosophischer Gedanken. In seinen Gemälden begnügt sich Dürer nicht mit formaler Schönheit, sondern versucht, abstrakten Gedanken einen symbolischen Ausdruck zu verleihen.

Einen besonderen Platz im Schaffenserbe Dürers nimmt die Serie „Apokalypse“ ein, die 15 große Holzschnitte umfasst. Dürer illustriert Vorhersagen aus der „Offenbarung des Evangelisten Johannes“, zum Beispiel das Blatt „ Vier Reiter„symbolisiert schreckliche Katastrophen – Krieg, Pest, Hungersnot, ungerechtes Urteil.“ Die in den Stichen zum Ausdruck gebrachte Vorahnung von Veränderungen, schwierigen Prüfungen und Katastrophen erwies sich als prophetisch (die Reformation und die darauf folgenden Bauern- und Religionskriege begannen bald).

Ein weiterer bemerkenswerter Künstler dieser Zeit war Lucas Cranach der Ältere(1472-1553). Seine Gemälde werden in der Eremitage aufbewahrt. Madonna und Kind unter dem Apfelbaum" Und " Frauenporträt" Auf ihnen sehen wir das Gesicht einer Frau, das auf vielen Gemälden des Meisters abgebildet ist (es wird sogar „Cranachs“ genannt): ein kleines Kinn, schmale Augen, goldenes Haar. Der Künstler entwirft sorgfältig Schmuck und Kleidung, seine Gemälde sind eine Augenweide. Die Reinheit und Naivität der Bilder verleitet einen erneut zum Betrachten dieser Gemälde. Cranach war ein wunderbarer Porträtmaler; er schuf Bilder vieler berühmter Zeitgenossen – Martin Luther (der sein Freund war), Herzog Heinrich von Sachsen und viele andere.

Aber der berühmteste Porträtmaler der nördlichen Renaissance kann ohne Zweifel als ein anderer deutscher Maler anerkannt werden Hans Holbein der Jüngere (1497-1543). Lange Zeit er war der Hofkünstler des englischen Königs HeinrichVIII. In seinem Porträt vermittelt Holbein perfekt die herrische Natur des Königs, der mit Zweifeln nicht vertraut ist. Kleine, intelligente Augen auf einem fleischigen Gesicht verraten ihn als Tyrannen. Porträt von Heinrich VIII war so zuverlässig, dass es Menschen, die den König kannten, Angst machte. Holbein malte Porträts von vielen berühmte Menschen der damaligen Zeit, insbesondere der Staatsmann und Schriftsteller Thomas Morus, der Philosoph Erasmus von Rotterdam und viele andere.

Die Entwicklung der Renaissancekultur in Deutschland, den Niederlanden und einigen anderen europäischen Ländern wurde durch die Reformation und die darauf folgenden Religionskriege unterbrochen. Danach kam die Zeit für die Bildung neuer Prinzipien in der Kunst, die in die nächste Stufe ihrer Entwicklung eintrat.

Stadtplanung und die Stadt als Gegenstand besonderer Forschung weckten das Interesse vieler führender Architekten. Als weniger bedeutsam gilt der Beitrag Italiens im Bereich der praktischen Stadtplanung. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Die Stadtgemeinden Mittel- und Norditaliens waren seit langem etablierte architektonische Organismen. Darüber hinaus Republiken und Tyrannenherrschaften des 15. und 16. Jahrhunderts. (mit Ausnahme der größten – wie Florenz, Mailand, Venedig und natürlich das päpstliche Rom) verfügten nicht über ausreichende Mittel, um neue große Ensembles zu schaffen, zumal weiterhin alle Aufmerksamkeit auf den Bau oder die Fertigstellung von Kathedralen als wichtigster Ordensgemeinschaft gelegt wurde Zentrum der Stadt. Nur wenige ganzheitliche Stadtentwicklungsinitiativen wie das Stadtzentrum von Pienza verbinden neue Trends mit mittelalterlichen Bautraditionen.

Dennoch unterschätzt die allgemein akzeptierte Sichtweise die Veränderungen, die im 15.-16. Jahrhundert stattfanden, etwas. in italienischen Städten. Neben Versuchen, theoretisch zu verstehen, was auf dem Gebiet der Stadtplanung bereits praktisch getan wurde, sind auch Versuche zu beobachten, bestehende theoretische Stadtplanungsvorstellungen in die Praxis umzusetzen. Es wurde zum Beispiel in Ferrara gebaut neues Gebiet mit einem regelmäßigen Straßennetz; In den Städten Bari, Terra del Sole, Castro und einigen anderen wurde versucht, gleichzeitig einen ganzheitlichen städtischen Organismus zu schaffen.

Entstand im Mittelalter das architektonische Erscheinungsbild der Stadt im Prozess der Kreativität und Bautätigkeit der gesamten Stadtbevölkerung, so spiegelte der Städtebau in der Renaissance immer mehr die Wünsche einzelner Auftraggeber und Architekten wider.

Mit dem wachsenden Einfluss der reichsten Familien beeinflussten deren persönliche Ansprüche und Vorlieben zunehmend das architektonische Erscheinungsbild der gesamten Stadt. Von großer Bedeutung beim Bau von Palästen, Villen, Kirchen, Gräbern und Loggien war der Wunsch, sich selbst zu verewigen und zu verherrlichen, oder der Wettbewerb um Reichtum und Pracht mit den Nachbarn (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza usw.). und der ständige Wunsch, luxuriös zu leben. Gleichzeitig zeigten die Kunden ein gewisses Interesse an der Verbesserung der Stadt und stellten Mittel für den Wiederaufbau ihrer Ensembles, für den Bau öffentlicher Gebäude, Brunnen usw. bereit.

Ein erheblicher Teil des Palast- und Tempelbaus fiel in die Jahre der Wirtschaftskrise, die mit dem Verlust der östlichen Märkte verbunden war, und wurde auf Kosten des bereits gesammelten Reichtums durchgeführt, der in der Zeit des Niedergangs von Handwerk und Handel unproduktives Kapital darstellte. An dem Bau waren die bekanntesten und renommiertesten Architekten, Künstler und Bildhauer beteiligt, die für die Ausführung der ihnen übertragenen Arbeiten große Mittel erhielten und durch die Befriedigung der persönlichen Wünsche der Kunden ihre schöpferische Individualität noch stärker zur Geltung bringen konnten .

Deshalb sind die italienischen Städte der Renaissance reich an originellen, unterschiedlichen Architekturensembles. Da es sich jedoch um Werke derselben Epoche mit etablierten ästhetischen Ansichten handelte, basierten diese Ensembles auf gemeinsamen Kompositionsprinzipien.

Die neuen Anforderungen an die volumetrisch-räumliche Organisation der Stadt und ihrer Elemente basierten auf einer sinnvollen, kritischen Wahrnehmung mittelalterlicher Traditionen, auf dem Studium von Denkmälern und Kompositionen der Antike. Die Hauptkriterien waren die Klarheit der räumlichen Organisation, die logische Verbindung von Haupt- und Nebenraum, die proportionale Einheit der sie umgebenden Strukturen und Räume, die Verbindung der einzelnen Räume und das alles in einem menschengerechten Maßstab. Die neue Kultur der Renaissance drang zunächst geringfügig, dann immer aktiver in die Stadtplanung ein. Die mittelalterliche Stadt, die die Grundlage der Städte der Renaissance bildete, konnte nicht wesentlich verändert werden, daher wurden auf ihrem Territorium nur Wiederaufbauarbeiten durchgeführt, einzelne öffentliche und private Gebäude errichtet, was teilweise einige Planungsarbeiten erforderte; Das Wachstum der Stadt, das sich im 16. Jahrhundert etwas verlangsamte, erfolgte meist aufgrund der Erweiterung ihres Territoriums.

Die Renaissance veränderte den Grundriss der Städte nicht offensichtlich, veränderte jedoch ihr volumetrisch-räumliches Erscheinungsbild erheblich und löste eine Reihe städtebaulicher Probleme auf neue Weise.

Abb.1. Ferrara. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Schloss d'Este; 2 - Ariosto-Platz; 3 - Kartäuserkloster; 4 – Kirche Santa Maria Nuova degli Aldighieri; 5 - Kirche San Giuliano; c – Kirche San Benedetto; 7 - Kirche San Francesco; 8 – Palazzo dei Diamanti; 9 - Kathedrale

Abb.2. Verona. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Kirche San Zeno; 2 – Kirche San Bernardino; 3 – Bereich der Krankenhäuser und Fort San Spirito; 4 – Gran Guardia Vecchia; 5 - Castello Vecchio; 6 - Palazzo Malfatti; 7 - Piazza delle Erbe; 8 - Piazza dei Signori; 9 – Santa-Anastasia-Platz; 10 - Kathedrale; 11 - Bischofspalast; 12 - antikes Amphitheater; 13 – Palazzo Pompeji; 14 – Palazzo Bevilacqua

Eines der ersten Beispiele einer neuen Anlage an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert. kann Ferrara sein (Abb. 1). Sein nördlicher Teil wurde nach dem Entwurf von Biagio Rossetti (erwähnt 1465-1516) erbaut. Die Hauptlinien des neuen Straßennetzes verbanden die Eingangstore der von ihm errichteten Befestigungsanlagen. Straßenkreuzungen wurden durch Paläste (Palazzo dei Diamanti usw.) und Kirchen hervorgehoben, die vom selben Architekten oder unter seiner direkten Aufsicht erbaut wurden. Der mittelalterliche Stadtkern mit dem Wasserschloss Castle d'Este, dem Palazzo del Comune und weiteren Gebäuden des 12.-15. Jahrhunderts sowie der angrenzende Handwerks- und Handelsteil der Stadt blieben unberührt. Der neue Teil der Stadt, der in Richtung d'Este mit Häusern mit einer bestimmten Anzahl von Stockwerken bebaut wurde, erhielt einen weltlicheren, aristokratischeren Charakter und seine geraden, breiten Straßen mit Renaissancepalästen und -kirchen gaben Ferrara ein anderes Aussehen als das mittelalterliche Stadt. Kein Wunder, dass Burckhardt schrieb, Ferrara sei die erste moderne Stadt Europas.

Aber auch ohne die Planung neuer Gebiete nutzten die Baumeister der Renaissance mit größtem Geschick alle Elemente der Verbesserung und kleinen architektonischen Formen der Stadt, von Kanälen über Arkaden, Brunnen bis hin zu Pflastersteinen ( Ein typisches Beispiel aus dem 15. Jahrhundert ist der Brunnen auf dem Domplatz in Pienza; Im 16. Jahrhundert Die Rolle des Brunnens in Ensembles wird komplexer (z. B. die von Vignola in Rom, Viterbo und in den umliegenden Villen installierten Brunnen). ) – zur allgemeinen Verbesserung und ästhetischen Bereicherung des architektonischen Erscheinungsbildes auch kleiner Städte oder einzelner Ensembles. In einer Reihe von Städten wie Mailand und Rom wurden Straßen begradigt und verbreitert.

Kanäle wurden nicht nur zur Bewässerung von Feldern gebaut, sondern auch in Städten (zur Verteidigung, Transport, Wasserversorgung, Hochwasserschutz, für die Produktion – Wollwäsche usw.), wo sie ein gut geplantes System bildeten (Mailand), oft auch mit Dämmen und Schleusen und mit städtischen Verteidigungsanlagen verbunden (Verona, Mantua, Bologna, Livorno usw., Abb. 2, 3, 5, 21).

Auch im Mittelalter anzutreffende Straßenarkaden erstreckten sich teilweise über ganze Straßenzüge (Bologna, Abb. 4) oder entlang der Platzränder (Florenz, Vigevano, Abb. 7).

Die Renaissance hat uns wunderbare städtische Komplexe und Ensembles hinterlassen, die sich in zwei Hauptgruppen einteilen lassen: Ensembles, die sich historisch entwickelt haben (sie beziehen sich hauptsächlich auf das 15. Jahrhundert) und Ensembles, die gleichzeitig oder über mehrere Bauperioden hinweg entstanden sind, aber nach den Plänen eines Architekten, teilweise in der Renaissance (hauptsächlich im 16. Jahrhundert) vollständig fertiggestellt.

Ein bemerkenswertes Beispiel für Ensembles der ersten Gruppe ist das Ensemble der Plätze San Marco und Piazzetta in Venedig.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Es wurden Teile des Dogenpalastes mit Blick auf die Piazzetta und den San Marco-Kanal erbaut. Das Marmorpflaster des Markusplatzes, der ihn später mit der Piazzetta verband, stammt aus dem Anfang desselben Jahrhunderts. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. Die Umbauarbeiten am zentralen Platz der Stadt ziehen die bedeutendsten Architekten an: Bartolomeo Bon erhöht die Höhe des Campanile von 60 auf 100 m und krönt ihn mit einem Zeltdach; Pietro Lombardo und andere bauen die Alte Prokura und den Glockenturm; 1529 wurden die Stände von der Piazzetta entfernt und gaben den Blick auf die Lagune und das Kloster San Giorgio Maggiore frei. Als räumlicher Übergang von der Weite der Lagune zum zentralen Platz spielt die Piazzetta eine wichtige Rolle und unterstreicht deren Größe und kompositorische Bedeutung im Stadtgefüge. Dann erweitert Sansovino den Platz nach Süden, indem er das Gebäude der von ihm errichteten Bibliothek auf der Piazzetta, 10 m vom Glockenturm entfernt, platziert und am Fuße des Turms den Loggetta-Turm errichtet. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. Scamozzi baut New Procurations auf. Allerdings wurde die Westseite des Platzes erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts fertiggestellt.

Die Entwicklung des Markusplatzes am Ufer der Lagune an der Mündung des Canal Grande wird sowohl funktional bestimmt – der Bequemlichkeit, Waren an den Ort der wichtigsten venezianischen Messen zu liefern und Ehrengäste vor dem Palast und der Kathedrale auszusteigen – als auch künstlerisch: Der Hauptplatz vor der Stadt offenbart sich feierlich denjenigen, die sich vom Meer aus nähern, und ist wie eine Empfangshalle für die Stadt; Wie das Platzensemble des antiken Milet zeigte der Markusplatz den Besuchern, wie reich und schön die Hauptstadt der Republik Venedig war.

Eine neue Haltung gegenüber einem Gebäude als Teil eines Ganzen, die Fähigkeit, Gebäude mit dem sie umgebenden Raum zu verbinden und eine kontrastierende, für beide Seiten vorteilhafte Kombination verschiedener Strukturen zu finden, führten zur Schaffung eines der besten Ensembles nicht nur der Renaissance, sondern auch auch der Weltarchitektur.

Die hohe Architekturkultur Venedigs zeigte sich auch in den nach und nach entstehenden Ensembles der Piazza Santi Giovanni e Paolo (mit dem Colleoni-Denkmal von Verrocchio) und dem Einkaufszentrum der Stadt.

Ein Beispiel für die sequentielle Entwicklung eines Ensembles ist die Piazza della Signoria in Florenz sowie der Komplex zentraler Plätze in Bologna, wo sich zu dieser Zeit interessante städtebauliche Traditionen entwickelt hatten.

Abb.5. Bologna. Schematischer Plan der Stadt: 1 - Malpighi-Gebiet; 2 - Ravenna-Platz; 3 - Piazza Maggiore; 4 - Neptungebiet; 5 - Arkiginnasio-Platz; 6 - Kirche San Petronio; 7 - Palazzo Publico; 8 - Palazzo Legata; 9 – Palazzo del Podesta; 10 - Portikus dei Banchi; 11 – Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Archiginnasio; 13 – Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - isolanische Paläste; 16 – Kirche San Giacomo; 17 - Casa Grassi; 18- Palazzo Fava; 19 – Palazzo Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 – Palazzo Bevilacqua; 22 – Palazzo Tanari

Der Grundriss von Bologna hat die Spuren seiner jahrhundertealten Geschichte bewahrt (Abb. 5). Das Stadtzentrum stammt aus der Zeit des römischen Militärlagers. Im Mittelalter wuchsen die strahlenförmig verlaufenden Straßen der östlichen und westlichen Regionen und verbanden die alten Tore (nicht erhalten) mit den Toren der neuen Befestigungsanlagen (14. Jahrhundert).

Die frühe Entwicklung der Zunftproduktion aus feinen dunkelroten Ziegeln und Terrakotta-Gebäudeteilen sowie die zunehmende Verbreitung von Arkaden an den Seiten vieler Straßen (sie wurden vor dem 15. Jahrhundert erbaut) verliehen der Stadtentwicklung einen spürbaren gemeinschaftlichen Charakter. Diese Merkmale entwickelten sich auch während der Renaissance, als der Stadtrat dem Bauwesen große Aufmerksamkeit schenkte (siehe die auf Beschluss des Rates entwickelten Standardentwürfe von Häusern für die Vororte mit primitiven Portiken, die Straßenarkaden bilden sollten – Abb. 6). .

Piazza Maggiore, im Herzen der Altstadt gelegen, überragt vom riesigen schlossähnlichen Palazzo Publico, der im 15. und 16. Jahrhundert eine Reihe öffentlicher Gebäude der mittelalterlichen Gemeinde und die Kathedrale vereinte. erhielt eine organische Verbindung mit Hauptstraße durch den Neptunplatz (der Brunnen, der ihm seinen Namen gab, wurde im 16. Jahrhundert von G. da Bologna erbaut) und veränderte sein Aussehen im Geiste des neuen Stils erheblich: im 15. Jahrhundert. Fioravante arbeitete hier beim Wiederaufbau des Palazzo del Podesta und im 16. Jahrhundert. - Vignola, der die Gebäude auf der Ostseite des Platzes durch eine gemeinsame Fassade mit einem monumentalen Arkadengang (Portico dei Banchi) vereinte.

Die zweite Gruppe von Ensembles, die vollständig einem einzigen Kompositionsplan untergeordnet sind, umfasst hauptsächlich architektonische Komplexe des 16. und der folgenden Jahrhunderte.

Die Piazza Santissima Annunziata in Florenz ist trotz ihrer einheitlichen Entwicklung ein Beispiel für ein Ensemble mittleren Typs, da sie nicht von einem Meister konzipiert wurde. Allerdings bestimmte der schlichte, helle und zugleich monumentale Arkadengang des Brunellesco-Waisenhauses (1419–1444) das Erscheinungsbild des Platzes; Eine ähnliche Arkade wiederholte sich auf der Westseite vor dem Kloster Servi di Maria (Sangallo der Ältere und Baccio d'Agnolo, 1517-1525). Der spätere Portikus vor der Kirche Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) ist höher als die beiden seitlichen und zusammen mit dem Reiterdenkmal für Ferdinand I. (G. da Bologna, 1608) und Brunnen (1629) zeugt von einem neuen Trend bei Bauensembles: Betonen Sie die Rolle der Kirche und identifizieren Sie die dominierende kompositorische Achse.

Mit der Anhäufung von Reichtum versuchten die einflussreichsten Vertreter des jungen Bürgertums, sich die Anerkennung ihrer Mitbürger zu verdienen, indem sie ihre Heimatstadt schmückten und gleichzeitig ihre Macht durch Architektur zum Ausdruck brachten, indem sie sich prächtige Paläste bauten, aber auch Geld spendeten den Wiederaufbau und sogar die vollständige Rekonstruktion ihrer Pfarrkirche und anschließend die Errichtung weiterer Gebäude in seiner Pfarrei. So entstanden beispielsweise rund um die Medici- und Rucellai-Paläste in Florenz einzigartige Gebäudegruppen; der erste umfasste neben dem Palast die Kirche San Lorenzo mit einer Kapelle – das Medici-Grab und die Laurenziana-Bibliothek, der zweite bestand aus dem Rucellai-Palast mit einer Loggia gegenüber und der Rucellai-Kapelle in der Kirche San Pancrazio.

Vom Bau einer solchen Gebäudegruppe blieb nur noch ein Schritt bis zur Schaffung eines Gesamtensembles, das seine Heimatstadt schmücken sollte, auf Kosten des „Vaters der Stadt“.

Ein Beispiel für einen solchen Wiederaufbau ist das Fabriano Center, wohin Papst Nikolaus V. und sein Gefolge während der Pestepidemie in Rom zogen. Der Wiederaufbau von Fabriano wurde 1451 Bernardo Rossellino anvertraut. Ohne die Konfiguration des zentralen Platzes zu verändern, der im mittelalterlichen Stil immer noch geschlossen blieb, versucht Rosselino, seine Entwicklung etwas zu rationalisieren, indem er die Seiten mit Portiken umschließt. Die Umrahmung des Platzes mit Galerien, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den strengen, mit Zinnen gekrönten Palazzo Podesta lenken, weist darauf hin, dass trotz der Ankunft des Papstes in der Stadt das wichtigste Gebäude auf ihm immer noch dieses alte Zivilgebäude ist. Der Wiederaufbau des Zentrums von Fabriano ist einer der ersten städtebaulichen Versuche der Renaissance, den Platzraum nach dem Prinzip der Regelmäßigkeit zu ordnen.

Ein weiteres Beispiel für eine einmalige Rekonstruktion des zentralen Platzes und der gesamten Stadt ist Pienza, wo nur ein Teil der von Bernardo Rossellino vorgesehenen Arbeiten ausgeführt wurde.

Piazza Pienza, mit klarer Aufteilung der dort befindlichen Gebäude in Haupt- und Nebengebäude, mit regelmäßigem Grundriss und bewusster Erweiterung des Platzgebiets in Richtung der Kathedrale, um um ihn herum Freiraum zu schaffen, mit gemusterter Pflasterung, die den trapezförmigen Platz selbst vom Platz trennt Die entlang des Platzes verlaufende Straße mit der sorgfältig durchdachten Farbgestaltung aller den Platz umrahmenden Gebäude ist eines der charakteristischsten und bekanntesten Ensembles des 15. Jahrhunderts.

Ein interessantes Beispiel ist die regelmäßige Bebauung eines Platzes in Vigevano (1493-1494). Der Platz, auf dem sich die Kathedrale und der Haupteingang zum Schloss Sforzesco befanden, war von einem durchgehenden Arkadengang umgeben, über dem sich eine einzige Fassade erstreckte, die mit Gemälden und farbiger Terrakotta verziert war (Abb. 7).

Die weitere Entwicklung der Ensembles ging in die Richtung einer zunehmenden Isolation vom öffentlichen Leben der Stadt, da jedem von ihnen eine private Aufgabe untergeordnet und mit klar ausgeprägter Individualität gelöst und von seiner Umgebung isoliert wurde. Plätze des 16. Jahrhunderts. waren keine öffentlichen Plätze mehr der Kommunalstädte Frührenaissance, gedacht für feierliche Prozessionen und Feiertage. Trotz der Komplexität der Raumkompositionen und der weit offenen Perspektiven spielten sie vor allem die Rolle eines offenen Vestibüls vor dem Hauptbaukörper. Wie im Mittelalter, wenn auch mit einer anderen räumlichen Organisation und kompositorischen Bautechnik, wurde der Platz wieder dem Baukörper untergeordnet – dem Leitgebäude des Ensembles.

Zu den ersten Ensembles des 16. Jahrhunderts, in denen zuvor skizzierte Kompositionstechniken bewusst in einem einzigen Plan angewendet wurden, gehörten der Belvedere-Komplex im Päpstlichen Vatikan, dann der Platz vor dem Farnese-Palast in Rom (der Ensemble-Plan umfasste auch die (nicht realisierte Brücke über den Tiber), das römische Kapitol und der Komplex des erweiterten Pitti-Palazzo mit Boboli-Garten in Florenz.

Die Mitte des 16. Jahrhunderts fertiggestellte rechteckige Piazza Farnese sowie der von Antonio de Sangallo d Santissima Annunziata.

Vom Campo di Fiori führen drei kurze Parallelstraßen zur Piazza Farnese, deren mittlere breiter ist als die seitlichen, was die Symmetrie des Ensembles vorzugeben scheint. Das Portal des Farnese-Palastes fällt mit der Achse des Gartenportals und der Mitte der hinteren Loggia zusammen. Die Zusammenstellung des Ensembles wurde durch die Installation von zwei Brunnen (Vignola übernahm dafür Bronzebäder aus den Caracalla-Thermen) vervollständigt, die symmetrisch zum Haupteingang platziert und leicht zur Ostseite des Platzes verschoben waren. Diese Anordnung der Brunnen scheint Platz vor dem Palast zu schaffen und den Stadtplatz in eine Art Atrium vor der Residenz einer mächtigen Familie zu verwandeln (vgl. den zentralen Platz in Vigevano).

Eines der bemerkenswertesten Beispiele eines architektonischen Ensembles nicht nur des 16. Jahrhunderts. In Italien, aber in der gesamten Weltarchitektur ist der Kapitolinische Platz in Rom nach Michelangelos Plan entstanden und drückt die soziohistorische Bedeutung dieses Ortes aus (Abb. 9).

Die zentrale Lage des Senatorenpalastes mit Turm und Doppeltreppe, die trapezförmige Form des Platzes und der Treppenrampe, die dorthin führt, die Symmetrie der Seitenpaläste, schließlich das Pflastermuster des Platzes und die zentrale Lage von die Reiterskulptur - all dies verstärkte die Bedeutung des Hauptbauwerks und der dominierenden Achse des Ensembles und betonte die Bedeutung und die eigenständige Lage dieses Platzes in der Stadt, von dem aus sich ein weiter Blick auf Rom bot Fuß des Hügels. Die Öffnung einer Seite des Platzes, seine klare Ausrichtung zur Stadt hin bei gleichzeitiger Unterordnung des Platzraumes unter das Hauptgebäude – das ist ein von Michelangelo eingeführtes Novum in der Architektur städtischer Ensembles.

Die Werke, die Rom erheblich veränderten und es aus den Ruinen des Mittelalters wiederauferstanden, hatten einen erheblichen Einfluss auf die Architektur Italiens und ganz Europas. Die über das gesamte Gebiet der antiken Hauptstadt verstreuten Renaissance-Ensembles wurden viel später von der Stadt übernommen und als ihre Elemente in ein einziges System integriert, bildeten jedoch das Rückgrat, das die weitere architektonische und räumliche Organisation Roms als Ganzes bestimmte.

Die Ruinen der antiken Stadt gaben den Maßstab und die Monumentalität der Straßen und Gebäude der führenden Ensembles vor. Architekten studierten und beherrschten die Prinzipien regelmäßiger antiker Stadtplanungskompositionen. Neue Wege in der Stadtplanung basierten auf einer bewussten Suche nach besseren, bequemeren und rationelleren Grundrissen, auf sinnvollen Rekonstruktionen alter Gebäude, auf einer durchdachten Synthese von bildender Kunst und Architektur (Abb. 9, 10).

Herausragende Architekten der Renaissance – Brunellesco, Alberti, Rossellino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo – konzipierten eine Reihe grandioser Stadtumgestaltungen. Hier sind einige dieser Projekte.

Im Jahr 1445, zum Jahrestag von 1450, waren in Rom bedeutende Umbauarbeiten für den Stadtteil Borgo geplant. Die Autoren des Projekts (Rosselino und möglicherweise Alberti) sahen offenbar Verteidigungsstrukturen und eine Verbesserung der Stadt sowie den Wiederaufbau des Borgo-Viertels und einer Reihe von Kirchen vor. Das Projekt war jedoch mit hohen Kosten verbunden und blieb unerfüllt.

Leonardo da Vinci war Zeuge des Unglücks, das Mailand ereilte – der Pestepidemie von 1484-1485, bei der mehr als 50.000 Einwohner ums Leben kamen. Die Ausbreitung der Krankheit wurde durch Überfüllung, Überbelegung und unhygienische Bedingungen in der Stadt begünstigt. Der Architekt schlug einen neuen Grundriss Mailands innerhalb der wachsenden Stadtmauern vor, in dem nur wichtige Bürger verbleiben und gezwungen wären, ihre Besitztümer wieder aufzubauen. Gleichzeitig hätten laut Leonardo in der Nähe von Mailand zwanzig kleinere Städte mit jeweils 30.000 Einwohnern und 5.000 Häusern gegründet werden sollen. Leonardo hielt es für notwendig: „Diese riesige Menschenmenge zu spalten, die wie Schafe in einer Herde einen üblen Geruch verbreitet und einen fruchtbaren Boden für Epidemien und Tod darstellt.“ Leonardos Skizzen enthielten Straßen auf zwei Ebenen und Viadukte auf den Zufahrten ländliche Gebiete, ein ausgedehntes Kanalnetz, das die Städte ständig mit Frischwasser versorgt und vieles mehr (Abb. 11).

In denselben Jahren arbeitete Leonardo da Vinci an einem Plan für den Wiederaufbau bzw. die radikale Umstrukturierung von Florenz, indem er es in ein regelmäßiges Zehneder von Mauern einschloss und entlang seines Durchmessers unter Nutzung des Flusses einen grandiosen Kanal von gleicher Breite anlegte der Arno (Abb. 12). Das Projekt dieses Kanals, das eine Reihe von Dämmen und kleineren Umleitungskanälen umfasste, die dazu dienten, alle Straßen der Stadt zu spülen, war eindeutig utopischer Natur. Trotz der von Leonardo vorgeschlagenen sozialen (Klassen-)Regelung in der Stadt wollte der Architekt gesunde und komfortable Lebensbedingungen für alle Einwohner von Florenz schaffen.

Nach dem Brand, der 1514 den Markt in der Nähe der Rialtobrücke in Venedig zerstörte, erstellte Fra Giocondo ein Projekt zum Wiederaufbau dieses Gebiets. Die von Kanälen eingerahmte viereckige Insel hatte eine viereckige Form und sollte umlaufend mit zweistöckigen Geschäften bebaut werden. In der Mitte befand sich ein Platz mit vier gewölbten Toren an den Seiten. Die Zentralität der Komposition wurde durch die in der Mitte liegende Kirche San Matteo betont.

Die Vorschläge von Fra Giocondo waren aus städtebaulicher Sicht interessant und neu, blieben jedoch unerfüllt.

Michelangelo, der die Freiheit seines geliebten Florenz verteidigte und offenbar den Geist der Demokratie bewahren wollte, der ihm früher so innewohnte, schlug ein Projekt zum Wiederaufbau seines Zentrums vor. Der Prototyp des neuen Platzes waren aller Wahrscheinlichkeit nach die öffentlichen Zentren der Antike, die Peristile der Polis.

Michelangelo beabsichtigte, die Piazza della Signoria mit Galerien zu umgeben, alle zuvor errichteten Paläste, Handelskammern, Zunft- und Zunfthäuser zu verbergen und mit ihrer Einheitlichkeit die Erhabenheit des Palastes der Signoria zu betonen. Die gigantische Größe der Loggia dei Lanzi, die als Motiv für die Arkaden dieser Galerien dienen sollte, und die monumentalen gewölbten Decken der zum Platz hin offenen Straßen entsprachen der Größe der römischen Foren. Die Herzöge von Florenz brauchten eine solche Umstrukturierung nicht; wichtiger war der Bau der Uffizien mit Übergängen von der Verwaltung des Herzogtums – dem Palazzo Vecchio – zu den persönlichen Gemächern der Herrscher – dem Palazzo Pitti. Auch das große Meisterprojekt wurde nicht verwirklicht.

Die angeführten Projektbeispiele sowie die durchgeführten Arbeiten deuten darauf hin, dass nach und nach eine neue Idee der Gesamtstadt heranreifte: ein Ganzes, in dem alle Teile miteinander verbunden sind. Die Idee der Stadt entwickelte sich parallel zur Entstehung der Idee eines Zentralstaates, einer Autokratie, die unter neuen historischen Bedingungen eine sinnvolle Neuentwicklung der Städte umsetzen könnte. Die Entwicklung der Stadtplanung brachte deutlich die Besonderheit der Renaissancekultur zum Ausdruck, in der Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden waren, was den Realismus der Kunst der neuen Ära vorgab. Als eine der wichtigsten Formen sozialer Aktivität erforderte die Stadtplanung von den Architekten der Renaissance erhebliche wissenschaftliche, technische und spezifische künstlerische Kenntnisse. Die Neugestaltung der Städte war größtenteils mit veränderten Kampftechniken, der Einführung von Schusswaffen und Artillerie verbunden, die den Wiederaufbau der Verteidigungsstrukturen fast aller mittelalterlichen Städte erzwangen. Ein einfacher Mauergürtel, der meist dem Gelände folgte, wurde durch Mauern mit Bastionen ersetzt, die den sternförmigen Umfang der Stadtmauer bestimmten.

Städte dieser Art entstanden ab dem zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts und zeugen von der erfolgreichen Entwicklung des theoretischen Denkens.

Der Beitrag der Meister der italienischen Renaissance zur Theorie der Stadtplanung ist sehr bedeutsam. Trotz des unvermeidlichen Utopismus in der Formulierung dieser Probleme unter den damaligen Bedingungen wurden sie dennoch mit großem Mut und Vollständigkeit in allen Abhandlungen und theoretischen Dokumenten des 15. Jahrhunderts entwickelt, ganz zu schweigen von städtebaulichen Fantasien in der bildenden Kunst. Dazu gehören die Abhandlungen von Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini und sogar Polifilos fantastischer Roman „Hypnerotomachia“ (veröffentlicht 1499) mit ihren Diagrammen einer idealen Stadt sowie zahlreichen Notizen und Zeichnungen von Leonardo da Vinci.

Die Abhandlungen der Renaissance über Architektur und Stadtplanung basierten auf der Notwendigkeit, den Bedürfnissen der Stadtsanierung gerecht zu werden und basierten auf wissenschaftlichen und technischen Errungenschaften und Ästhetische Ansichten seiner Zeit sowie das Studium neu entdeckter Werke antike Denker, insbesondere Vitruv.

Vitruv betrachtete die Fragen der Stadtplanung und -entwicklung unter dem Gesichtspunkt der Bequemlichkeit, Gesundheit und Schönheit, was durchaus mit den neuen Ansichten der Renaissance übereinstimmte.

Auch abgeschlossene Umbauten und nicht realisierte Stadtumgestaltungsprojekte stimulierten die Entwicklung der Stadtplanungswissenschaft. Die Schwierigkeiten radikaler Transformationen in den bereits etablierten Städten Italiens verliehen den Stadtplanungstheorien jedoch einen utopischen Charakter.

Urbane Theorien und Projekte idealer Städte der Renaissance lassen sich in zwei Hauptphasen einteilen: von 1450 bis 1550 (von Alberti bis Pietro Cataneo), als die Probleme der Stadtplanung sehr breit und umfassend betrachtet wurden, und von 1550 bis 1615 (von Bartolomeo Ammanati bis Vincenzo Scamozzi), als sich Fragen der Verteidigung und gleichzeitig der Ästhetik durchzusetzen begannen.

In den Abhandlungen und Projekten der Städte der ersten Periode wurde den Fragen der Wahl des Geländes für den Standort der Städte und den Aufgaben ihrer allgemeinen Neuordnung große Aufmerksamkeit gewidmet: Umsiedlung der Bewohner nach beruflichen und sozialen Merkmalen, Planung, Verbesserung und Entwicklung. Von nicht geringerer Bedeutung war in dieser Zeit die Lösung ästhetischer Probleme sowie die architektonische und räumliche Organisation sowohl der Stadt als Ganzes als auch ihrer Elemente. Allmählich, gegen Ende des 15. Jahrhunderts, wurde den Fragen der allgemeinen Verteidigung und dem Bau von Befestigungsanlagen immer mehr Bedeutung beigemessen.

Vernünftige und überzeugende Urteile über die Standortwahl von Städten waren in der Praxis völlig unbrauchbar, da neue Städte selten an Orten errichtet wurden, die durch die wirtschaftliche Entwicklung oder Strategie vorgegeben waren.

Die Abhandlungen der Architekten und ihre Projekte drücken die neue Weltanschauung der Ära aus, in der sie geboren wurden, in der es vor allem um die Fürsorge für einen Menschen geht, aber um einen auserwählten, edlen und reichen Menschen. Die Klassenschichtung der Renaissance-Gesellschaft führte dementsprechend zur Entstehung der Wissenschaft, die der besitzenden Klasse zugute kam. Die besten Gebiete der idealen Stadt wurden für die Ansiedlung der „Adligen“ reserviert.

Das zweite Organisationsprinzip des Stadtgebiets ist die Berufsgruppenansiedlung der übrigen Bevölkerung, was auf den erheblichen Einfluss mittelalterlicher Traditionen auf die Urteile der Architekten des 15. Jahrhunderts hinweist. Handwerker verwandter Berufe mussten in unmittelbarer Nähe zueinander wohnen und ihr Wohnort richtete sich nach dem „Adel“ ihres Handwerks oder Berufs. Händler, Geldwechsler, Juweliere und Geldverleiher konnten im zentralen Bereich in der Nähe des Hauptplatzes wohnen; Schiffbauer und Seiler hatten das Recht, sich nur in den Außenbezirken der Stadt hinter der Ringstraße niederzulassen; Maurer, Schmiede, Sattler usw. mussten in der Nähe des Eingangstors zur Stadt bauen. Handwerker, die für alle Bevölkerungsschichten notwendig waren, wie Friseure, Apotheker, Schneider, mussten gleichmäßig über die Stadt verteilt werden.

Das dritte Prinzip der Stadtorganisation war die Aufteilung des Territoriums in Wohn-, Industrie-, Gewerbe- und öffentliche Komplexe. Sie sorgten für eine sinnvolle Verbindung untereinander und manchmal auch für eine Kombination, um die umfassendste Versorgung der Stadt als Ganzes und die Nutzung ihrer Wirtschafts- und Naturdaten zu gewährleisten. Dies ist das Projekt der idealen Stadt Filarete – „Sforzinda“.

Stadtplanungstheoretikern zufolge musste der Grundriss der Städte regelmäßig sein. Manchmal wählten die Autoren einen radialen Ring (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Abb. 13), manchmal einen orthogonalen Ring (Martini, Marchi, Abb. 14), und eine Reihe von Autoren schlugen Projekte vor, die beide Systeme kombinierten (Peruzzi, Pietro Cataneo). Die Wahl des Grundrisses war jedoch in der Regel kein rein formaler, mechanischer Vorgang, da die meisten Autoren ihn in erster Linie durch natürliche Bedingungen bestimmten: Gelände, Vorhandensein von Stauseen, Flüssen, vorherrschende Winde usw. (Abb. 15).

Normalerweise gab es im Zentrum der Stadt einen öffentlichen Hauptplatz, zunächst mit einer Burg und dann mit dem Rathaus und der Kathedrale in der Mitte. Handels- und Religionsgebiete von regionaler Bedeutung in Radialstädten befanden sich an der Kreuzung von Radialstraßen mit einer der Ring- oder Umgehungsstraßen der Stadt (Abb. 16).

Nach Ansicht der Architekten, die diese Projekte erstellt haben, hätte das Stadtgebiet landschaftlich gestaltet werden sollen. Die Überfüllung und die unhygienischen Bedingungen mittelalterlicher Städte sowie die Ausbreitung von Epidemien, die Tausende von Bürgern töteten, zwangen uns, über die Neuordnung der Entwicklung, über die grundlegende Wasserversorgung und die Aufrechterhaltung der Sauberkeit in der Stadt sowie über deren maximale Verbesserung, zumindest innerhalb der Stadt, nachzudenken Wände. Die Autoren von Theorien und Projekten schlugen vor, die Bebauung zu entschärfen, die Straßen zu begradigen, Kanäle entlang der Hauptstraßen zu verlegen und empfahlen, alles zu tun, um die Straßen, Plätze und Böschungen zu begrünen.

So sollten in der imaginären „Sforzinda“ von Filaret die Straßen zum Stadtrand hin abfallen, um Regenwasser abzuleiten und mit Wasser aus einem Reservoir im Stadtzentrum zu spülen. Entlang der acht Hauptsternstraßen und rund um die Plätze wurden Schifffahrtskanäle angelegt, die für Ruhe im zentralen Teil der Stadt sorgten, wo die Einfahrt von Radfahrzeugen verboten werden sollte. Die radialen Straßen sollten landschaftlich gestaltet werden, während die Hauptstraßen (25 m breit) durch Galerien entlang der Kanäle eingerahmt wurden.

Leonardo da Vincis städtebauliche Ideen, die in seinen zahlreichen Skizzen zum Ausdruck kommen, sprechen von einer außergewöhnlich breiten und mutigen Herangehensweise an die Probleme der Stadt und weisen gleichzeitig auf konkrete technische Lösungen für diese Probleme hin. So legte er das Verhältnis der Gebäudehöhen und der Abstände zwischen ihnen für die beste Sonneneinstrahlung und Belüftung fest, entwickelte Straßen mit Verkehr auf unterschiedlichen Ebenen (die oberen – von der Sonne beleuchtet und verkehrsfrei – waren für die „Reichen“ gedacht “).

Antonio da Sangallo der Jüngere schlug in seinem Projekt eine Randbebauung der Stadtviertel mit einem gut belüfteten, grünen Innenraum vor. Hier wurden offenbar die von Leonardo da Vinci geäußerten Ideen zur Verbesserung und Verbesserung des Stadtgebiets entwickelt.

Die Hausskizzen in der idealen Stadt von Francesco de Marchi weisen einen deutlichen Einfluss früherer Epochen auf, oder besser gesagt, sie behalten den Charakter der in Renaissance-Städten vorherrschenden Entwicklung bei, die aus dem Mittelalter stammt – schmale, mehrstöckige Häuser mit Obergeschoss Etagen vorverlegt (siehe Abb. 16).

Neben den aufgezeigten funktionalen und utilitaristischen Problemen nimmt es in den Entwürfen idealer Städte der Architekten des 15. und frühen 16. Jahrhunderts einen bedeutenden Platz ein. Auch ästhetische Fragen der volumenräumlichen Organisation der Stadt werden behandelt. In den Abhandlungen kommen die Autoren immer wieder darauf zurück, dass die Stadt mit schönen Straßen, Plätzen und einzelnen Gebäuden geschmückt werden sollte.

Als er über Häuser, Straßen und Plätze sprach, erwähnte Alberti mehr als einmal, dass sie sowohl in ihrer Größe als auch in ihrem Charakter sein sollten. Aussehen miteinander vereinbart. F. di Giorgio Martini schrieb, dass alle Teile der Stadt weise organisiert sein sollten und dass sie im Verhältnis zueinander in Proportionen stehen sollten, die den Teilen des menschlichen Körpers ähneln.

Die Straßen idealer Städte waren oft von Arkaden mit komplexen gewölbten Durchgängen an ihren Kreuzungen eingerahmt, was nicht nur funktional (Schutz vor Regen und sengender Sonne), sondern auch rein war künstlerischer Wert. Dies belegen die Vorschläge von Alberti, das Projekt einer ovalen Stadt und des zentralen rechteckigen Stadtplatzes von F. de Marchi und anderen (siehe Abb. 14).

Seit dem Ende des 15. Jahrhunderts erlangte die Methode der zentrischen Städtekomposition (Fra Giocondo) nach und nach zunehmende Bedeutung in der Arbeit von Architekten, die an den Entwürfen idealer Städte arbeiteten. Die Idee der Stadt als ein einziger Organismus, der einem gemeinsamen Plan untergeordnet ist, entstand im 16. Jahrhundert. dominiert die Theorie der Stadtplanung.

Ein Beispiel für eine solche Lösung ist die ideale Stadt Peruzzi, die von zwei Mauern umgeben und nach einem radialen Schema gebaut ist, mit einer einzigartig gestalteten Umgehungsstraße in Form eines Quadrats. Wehrtürme, die sich sowohl in den Ecken als auch in der Mitte der Komposition befinden, verstärken die Zentralität der Lage nicht nur des Hauptgebäudes selbst, sondern der gesamten Stadt als Ganzes.

Die Zeichnung der idealen Stadt von Antonio da Sangallo dem Jüngeren ähnelt mit ihren sternförmigen Mauern und radialen Straßen mit einer gemeinsamen ringförmigen Autobahn der Stadt Filarete. Allerdings ist der runde Platz mit einem runden Gebäude in der Mitte eine Weiterentwicklung der Pläne der Vorgänger von Antonio da Sangallo Jr. und führt sozusagen die Idee der zentrischen Komposition in Bezug auf die Stadt fort. Dies war weder in der Radialstadt Filaret (das Zentrum ist ein Komplex asymmetrisch angeordneter rechteckiger Quadrate) noch in den Radial- und Serpentinenstädten Francesco di Giorgio Martini der Fall.

Der letzte Vertreter der Renaissance-Theoretiker, der alle Fragen der Stadtplanung umfassend behandelte, war Pietro Cataneo, ein berühmter Festungsbauer, der 1554 begann, seine Abhandlung über die Architektur in Teilen zu veröffentlichen. Cataneo nennt fünf Hauptbedingungen, die seiner Meinung nach beim Entwurf und Bau einer Stadt berücksichtigt werden müssen: Klima, Fruchtbarkeit, Bequemlichkeit, Wachstumschancen und die beste Verteidigung. Unter dem Gesichtspunkt der Verteidigung hält der Autor der Abhandlung vieleckige Städte für am geeignetsten und argumentiert, dass die Form der Stadt eine Ableitung der Größe des von ihnen besetzten Territoriums sei (welches kleinere Stadt, desto einfacher ist die Konfiguration). Cataneo komponiert jedoch den Innenraum der Stadt, unabhängig von seiner äußeren Konfiguration, aus rechteckigen und quadratischen Wohnblöcken. Auch bei ihm dominiert die Idee der Autokratie: Für den Herrscher der Stadt sah Cataneo die Schaffung einer ruhigen und gut geschützten Burg vor, sowohl vor inneren als auch äußeren Feinden.

Seit der Mitte des 16. Jahrhunderts. Fragen der Stadtplanung und idealer Städte waren nicht mehr Gegenstand spezieller Arbeiten, sondern wurden in Abhandlungen zu allgemeinen Fragen der Architektur behandelt. Diese Abhandlungen variieren bereits bekannte Techniken der Planung und volumetrischen Komposition. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die rein äußere Seite des Entwurfs des Projekts und die Zeichnung von Details werden fast zum Selbstzweck (Buonaiuto Lorini, Vasari). Manchmal wurden nur einzelne Elemente der Stadt entwickelt, ohne deren Gesamtkonzept zu berücksichtigen (Ammanati). Die gleichen Trends zeichnen sich bereits Mitte des 16. Jahrhunderts ab. und in der Praxis der Stadtplanung.

Palladios Abhandlung über die Architektur (1570) ist das letzte theoretische Werk des 15. Jahrhunderts, das viele interessante und tiefgreifende Urteile auch zur Stadtplanung enthält. Ebenso wie Alberti hinterließ Palladio kein Projekt einer idealen Stadt und äußerte in seiner Abhandlung lediglich Wünsche darüber, wie die Straßen geplant und bebaut werden sollten, wie die Plätze der Stadt aussehen sollten und welchen Eindruck ihre einzelnen Gebäude und Ensembles haben sollten machen.

Die letzten Vertreter italienischer Stadtplanungstheoretiker waren Vasari der Jüngere und Scamozzi.

Giorgio Vasari der Jüngere stellte bei der Gestaltung seines Stadtprojekts (1598) ästhetische Ziele in den Vordergrund. In seinem Grundriss stechen die Prinzipien der Regelmäßigkeit und der strengen Symmetrie hervor (Abb. 17).

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts. (1615) Vincenzo Scamozzi wandte sich der Gestaltung idealer Städte zu. Es ist davon auszugehen, dass er bei der Gestaltung der Stadt im Gegensatz zu Vasari von Befestigungsüberlegungen ausging. Der Autor regelt in gewissem Umfang sowohl die Besiedlung der Stadt als auch ihre Handels- und Handwerksorganisation. Allerdings ist Scamozzis Anlage immer noch mechanistisch und weder mit der Form des zwölfeckigen Grundrisses noch mit dem Schema der Verteidigungsanlagen organisch verbunden. Dies ist nur ein wunderschön gezeichnetes Diagramm des Masterplans. Das Verhältnis der Flächengrößen einzeln und im Vergleich zueinander konnte nicht ermittelt werden. Der Zeichnung fehlen die subtilen Proportionen, die in Vasaris Projekt zu finden sind. Die Plätze der Stadt Scamozzi sind zu groß, wodurch das gesamte Projekt an Maßstab verliert, wovor Palladio warnte und sagte, dass der Platz in der Stadt nicht zu geräumig sein dürfe. Es ist anzumerken, dass in der Stadt Sabbioneta, an deren Planung und Entwicklung Scamozzi im Auftrag von Gonzago aktiv beteiligt war, der Maßstab der Straßen und Plätze sehr überzeugend gewählt wurde. Scamozzi folgt der gleichen Kompositionstechnik des zentralen Platzes, die von Lupicini und Lorini entworfen wurde. Er baut es nicht auf, sondern platziert die Hauptgebäude auf dem Territorium der an den Platz angrenzenden Blöcke, so dass ihre Hauptfassaden zum Platz zeigen. Diese Technik ist typisch für die Renaissance und wird von Stadtplanungstheoretikern und in den Plänen idealer Städte legitimiert.

In der Zeit des allgemeinen wirtschaftlichen Niedergangs und der sozialen Krise Mitte des 16. Jahrhunderts. In der Stadtplanungstheorie beginnen sich sekundäre Themen durchzusetzen. Eine umfassende Betrachtung der Probleme der Stadt verschwindet nach und nach aus dem Blickfeld der Meister. Sie lösten besondere Probleme: die Zusammensetzung der Randgebiete (Ammanati), ein neues System zur Entwicklung des Zentrums (Lupicini, Lorini), sorgfältige Entwicklung des Entwurfs der Verteidigungsstrukturen und des Gesamtplans (Maggi, Lorini, Vasari) usw. Allmählich, mit dem Verlust eines breiten Entwicklungsansatzes, bahnt sich mit zunehmenden funktionalen und künstlerischen Aufgaben in der Stadtplanungswissenschaft und -praxis auch ein beruflicher Niedergang an, der sich im ästhetischen Formalismus und der Willkür mancher Planungsentscheidungen widerspiegelt.

Die theoretischen Lehren der Renaissance zur Stadtplanung hatten trotz ihres utopischen Charakters dennoch einen gewissen Einfluss auf die Praxis der Stadtplanung. Dies machte sich besonders beim Bau von Befestigungsanlagen in kleinen Hafen- und Grenzstädten bemerkbar, die im 16. und sogar 17. Jahrhundert in Italien errichtet wurden. in einem extrem kurzen Zeitrahmen.

Am Bau dieser Festungen waren fast alle bedeutendsten Architekten dieser Zeit beteiligt: ​​Giuliano und Antonio da Sangallo der Ältere, Sanmicheli, Michelangelo und viele andere. Unter den zahlreichen Festungen, die Antonio da Sangallo der Jüngere errichtete, ist die zwischen 1534 und 1546 erbaute Stadt Castro in der Nähe des Bolsenasees hervorzuheben. im Auftrag von Papst Paul III. (Alessandro Farnese). Sangallo entwarf und realisierte die gesamte Stadt, wobei er insbesondere die Paläste des Papstes und seines Gefolges, öffentliche Gebäude mit großzügigen Galerien, eine Kirche und eine Münzstätte hervorhob und platzierte. Auch im Übrigen gelang es ihm laut Vasari, ausreichende Annehmlichkeiten zu schaffen. Castro wurde 1649 zerstört und ist hauptsächlich aus den Skizzen des Meisters bekannt.

Der zentrische Aufbau idealer Städte wurde von den Architekten nicht ignoriert, die große architektonische Komplexe schufen, in denen die Residenz des Feudalherrn dominieren sollte. So entstand die Stadt Caprarola von Vignola tatsächlich – nur die Annäherung an den Farnese-Palast. Enge Gassen, niedrige Häuser, kleine Kirchen – wie die Ausläufer des prächtigen Schlosses Farnese. Die beengte und bescheidene Natur der Stadt unterstreicht die Erhabenheit und Monumentalität des Palastes. Dieses logisch einfache Schema bringt mit größter Klarheit die Absicht des Autors zum Ausdruck, der die in der Architektur der Renaissance so übliche Kontrastkombination nutzen konnte, um das Haupt- und das Nebengebäude darzustellen.

Fast gleichzeitig errichteten die Italiener auf Malta, das seit 1530 zum Malteserorden gehörte, die befestigte Stadt La Valletta, die zu Ehren des Sieges über die Türken (1566) gegründet wurde. Die Stadt wurde auf einem Kap gegründet, umspült von tief in die Insel eingeschnittenen Buchten und geschützt durch Festungen, die die Hafeneingänge umrahmten. Aus verteidigungstechnischer Sicht wurde das Stadtgebiet äußerst klug gewählt. Der Befestigungsgürtel bestand aus mächtigen Mauern und hohen Bastionen, umgeben von tiefen, in den Felsen gehauenen Gräben, auf denen die Stadt ruhte. Die Verteidigungsanlagen hatten Ausgänge direkt zum Meer, und im nordöstlichen Teil wurde ein künstlicher Innenhafen angelegt, der von einem Ring aus Stadtmauern umgeben war. Der ursprünglich geplante rechteckige Grundriss wurde nicht vollständig umgesetzt, da die Stadt ein felsiges Fundament hatte, was es schwierig machte, die Straßen zu verfolgen und die Häuser selbst zu bauen (Abb. 18).

Von Nordosten nach Südwesten wurde die Stadt von einer Hauptlängsstraße durchzogen, die vom Haupttor auf dem Festland bis zum Platz vor der Zitadelle von Valletta verlief. Parallel zu dieser Hauptstraße wurden auf beiden Seiten symmetrisch drei weitere Längsstraßen angelegt, die von senkrecht zu den Hauptstraßen verlaufenden Querstraßen gekreuzt wurden; Sie waren nicht begehbar, da es sich um in den Fels gehauene Treppen handelte. Die Anordnung der Straßen erfolgte so, dass man von den Längsstraßen aus von jeder Kreuzung entlang der vier sich rechtwinklig kreuzenden Straßen das Erscheinungsbild des Feindes beobachten konnte, d. h. hier eines der Grundprinzipien, die der Gestaltung zugrunde liegen Ideale Städte wurden insbesondere von Alberti geäußert.

Die geometrische Starrheit des Plans wurde gemildert Komplexe Form Verteidigungsanlagen und die Platzierung einer Reihe kleiner Blöcke, deren Größe aufgrund der Komplexität des Küstengeländes und der Lage der Stadtmauern vom freien Raum in den Randgebieten der Stadt abhing. Valletta wurde fast gleichzeitig mit sehr ähnlichen Wohngebäuden gleicher Höhe und einer geringen Anzahl von Fenstern in Form von Schießscharten bebaut. Die Bauarbeiten erfolgten entlang der Blockgrenzen, die restlichen Wohnblöcke wurden begrünt. Zu den Eckhäusern gehörten zwangsläufig Wohntürme mit Verteidigungsplattformen, auf denen ein Vorrat an Steinen und anderen Verteidigungsmitteln gegen einen in die Stadt eingebrochenen Feind aufbewahrt wurde.

Tatsächlich war Valletta eine der ersten, fast vollständig verwirklichten Idealstädte der Renaissance. Sein allgemeines Erscheinungsbild weist darauf hin, dass bestimmte natürliche Bedingungen, die Ziele einer bestimmten Strategie, eine bequeme Kommunikation mit Häfen und viele andere direkt vom Leben diktierte Bedingungen dazu führten, dass die Stadt nicht in Form eines abstrakten Schemas mit einem bizarren Quadratmuster gebaut werden musste Kreuzungen, sondern in Form eines rationalen, wirtschaftlichen Schemas, das sich während des Bauprozesses deutlich an die Anforderungen der Realität anpasst.

Im Jahr 1564 errichtete Bernardo Buontalenti an der Nordgrenze der Romagna (in der Nähe von Forli) die befestigte Stadt Terra del Sole, ein Beispiel für die Umsetzung einer idealen Renaissancestadt mit regelmäßigem Grundriss. Die Umrisse der Befestigungsanlagen, der Grundriss der Stadt selbst und die Lage des Zentrums ähneln den Zeichnungen von Cataneo (Abb. 19).

Bernardo Buontalenti war einer der bedeutendsten Stadtplaner und Festungsbauer seiner Zeit, dem es gelang, das Problem des Baus einer befestigten Stadt umfassend zu lösen. Diese umfassende Sicht auf die Stadt als einen einzigen Organismus wird auch durch sein Wirken in Livorno bestätigt.

Die sternförmige Form der Festung, die Umgehungskanäle, der orthogonale Grundriss, die axiale Konstruktion des Hauptplatzes, eingerahmt von Galerien und die Schwelle der Kathedrale – all dies lässt darauf schließen, dass Livorno die Verwirklichung der idealen Stadt der Renaissance ist. Lediglich das Vorhandensein einer gewundenen Küstenlinie und die Struktur des Hafens verstoßen etwas gegen die geometrische Richtigkeit des Idealschemas (Abb. 20, 21).

Abb.22. Auf der linken Seite ist Palma Nuova, 1595; rechts - Grammichele (Luftbild)

Eine der letzten realen Idealstädte der Renaissance ist die nordöstliche venezianische Festungsstadt Palma Nuova. Der Autor des Projekts ist unbekannt (vermutlich Lo Rini oder Scamozzi). Laut Merian, einem deutschen Geographen des 17. Jahrhunderts, wurde Palma Nuova 1593 von den Venezianern gegründet und 1595 fertiggestellt.

Der Gesamtplan der Stadt, umgeben von mächtigen Verteidigungsanlagen, zeigt das Radialdiagramm idealer Städte der Renaissance (Abb. 22) und kommt im Design dem Lorini-Projekt von 1592 am nächsten.

Der Grundriss von Palma Nuova ist ein Sechseck mit achtzehn radialen Straßen, die zu einer Ringstraße führen, die ganz in der Nähe des Zentrums liegt. Sechs davon blicken auf den sechseckigen Hauptplatz. Das Können des Autors des Projekts spiegelt sich in der Anordnung der Straßen wider, wodurch die Kombination aus dem Fünfeck des Außenumfangs der Mauern und dem Sechseck des zentralen Platzes der Stadt völlig organisch wirkt.

Vor jeder Bastion und jedem Eingangstor wurden zwölf Plätze angelegt, und an der Kreuzung der dritten Ringautobahn mit radialen Straßen, die nicht zum zentralen Platz führen, wurden sechs zusätzliche bezirksinterne Plätze geschaffen.

Wenn die Anordnung der Straßen von Palma Nuova fast genau nach dem Projekt ausgeführt wurde, wurden die Verteidigungsanlagen viel mächtiger errichtet als vorgesehen. Die Entwicklung der Stadt verläuft nicht ganz regelmäßig und ist sehr vielfältig, was jedoch nicht gegen die inhärente innere Ordnung von Palma Nuova verstößt.

Die Zentralität der Komposition wird durch einfachste Mittel betont: Der sechseckige Platz ist begrünt und hatte in der Mitte anstelle des unbebauten Hauptgebäudes einen Fahnenmast, an dem sich die Achsen aller dem Platz zugewandten radialen Straßen orientierten.

Unter dem Einfluss der städtebaulichen Theorien der Renaissance entstand 1693 der Grundriss von Grammichele auf Sizilien, angelegt in Form eines Sechsecks (Abb. 22).

Im Allgemeinen bietet die Geschichte der italienischen Stadtplanung des 15.-16. Jahrhunderts, die uns eine Reihe architektonischer Ensembles von Weltrang und viele kleinere Komplexe und städtische Zentren voller einzigartigem Charme hinterlassen hat, immer noch ein eher buntes Bild.

Bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Städte noch eine gewisse Unabhängigkeit genossen, waren die Traditionen des Mittelalters in der Stadtplanung stark vertreten, obwohl Architekten versuchten, etablierten Städten ein neues, meist regelmäßigeres Aussehen zu verleihen.

Aus der Mitte des 15. Jahrhunderts. Neben dem öffentlichen Kunden in der Person der Stadt wird der einzelne Kunde, der über die Mittel, die Macht, den individuellen Geschmack und die Bedürfnisse verfügt, immer wichtiger. Der Ausführende war nicht mehr die Werkstatt, sondern der Architekt. Er hatte, noch stärker als der Kunde, eine eigene Individualität, ein einzigartiges Talent, ein bestimmtes kreatives Credo und bedeutende Kräfte des Kunden. Daher sind die Städte Italiens dieser Zeit trotz größerer wirtschaftlicher, sozialer und kultureller Einheit als im Mittelalter sehr individuell und unterschiedlich.

Aus dem zweiten Viertel des 16. Jahrhunderts. Mit der Entwicklung zentralisierter Staaten, mit der Straffung des Autokratiegedankens werden die Anforderungen an die Stadt als ganzheitlichen Organismus immer klarer umrissen.

Während dieser ganzen Zeit entwickelte sich parallel zur praktischen Tätigkeit der Architekten, die nur im Auftrag der Herren bauten, die Wissenschaft der Stadtplanung, die in der Regel in Abhandlungen über ideale Städte, ihre Befestigungen und ihre Schönheit zum Ausdruck kam Komposition und viele andere verwandte Themen. Diese Ideen wurden jedoch nicht immer in die Realität umgesetzt, sodass sich die Stadtplanung praktisch in zwei Richtungen entwickelte: den Bau einer Reihe großer Ensembles in bereits bestehenden Städten und den Bau befestigter Städte in den am stärksten gefährdeten Gebieten einzelner Staaten und Herzogtümer Italiens .

Von Beginn der Renaissance an wurde jedes Element der Stadt und des Ensembles umfassend durchdacht, nicht nur von der funktionalen, sondern auch von der künstlerischen Seite.

Einfachheit und Klarheit der räumlichen Organisation – rechteckige Bereiche mit oft mehreren Verhältnissen, eingerahmt von Galerien (Carpi, Vigevano, Florenz – Piazza Santissima Annunziata); logische Auswahl der Hauptsache, wenn alle Gebäude des Ensembles, ohne ihre Individualität zu verlieren, zu einer integralen Komposition geformt wurden (Pienza, Bologna, Venedig); proportionale und großräumige Einheitlichkeit der Strukturen und der sie umgebenden Räume, die die Bedeutung einer bestimmten Struktur hervorheben (die Umgebung der Kathedrale in Pienza, der trapezförmige Platz vor der Kathedrale in Venedig); Trennung und Kombination einzelner Räume, die miteinander verbunden und einander untergeordnet sind (die zentralen Plätze von Bologna, Piazza della Signoria in Florenz, Piazzetta, Piazza San Marco in Venedig); umfangreiche Nutzung von Brunnen, Skulpturen und Kleinformen (Säulen auf der Piazzetta, Masten vor der Kathedrale und das Colleoni-Denkmal in Venedig, das Gattamelata-Denkmal in Padua, der Neptunbrunnen in Bologna, das Marcus Aurelius-Denkmal auf dem Kapitol in Rom) - Dies sind die wichtigsten Techniken für die Zusammenstellung eines architektonischen Ensembles, die während der Renaissance in Italien weit verbreitet waren. Und obwohl das Leben keine radikale Sanierung und Umstrukturierung bestehender Städte zuließ, erhielten die zentralen Ensembles vieler von ihnen ein neues, wahrhaft Renaissance-Gesicht.

Nach und nach strebten die Meister der Renaissance nach Einheitlichkeit bei der Entwicklung ganzer Komplexe (Florenz, Vigevano, Carpi, Venedig, Rom) und gingen noch weiter, indem sie die architektonische und räumliche Komposition verkomplizierten und die komplexen Probleme der Einbeziehung neuer repräsentativer Ensembles lösten die Entwicklung der Stadt (Kapitol, Petersdom).

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Es hat sich ein neues Verständnis des Ensembles herausgebildet: Es entsteht um eine Struktur herum, meist mit symmetrischem Aufbau. Die Einfachheit und Klarheit der bisherigen Kompositionen wird nach und nach durch ausgefeilte Techniken der architektonischen und räumlichen Organisation ersetzt. Der Platz wird zunehmend als offenes Vestibül interpretiert, als untergeordneter Raum, der sich zu den repräsentativen Gebäuden des feudalen Adels oder der Kirche hin öffnet. Schließlich besteht der Wunsch, die Bewegung des Betrachters zu berücksichtigen und dementsprechend neue Elemente der dynamischen Entwicklung in das Ensemble (Kapitol in Rom) einzuführen – eine Technik, die bereits in der nächsten Ära entwickelt wurde.

Auch in den von Renaissance-Architekten entwickelten Stadtplanungstheorien kommt es zu Veränderungen. Wenn im XV. und in der ersten Hälfte des XVI. Jahrhunderts. Diese Theorien erfassten das Problem der Stadt umfassend, damals in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Autoren konzentrieren sich in erster Linie auf private Themen, ohne jedoch die Idee der Stadt als einen einzigen Organismus zu verlieren.

Wir sehen, dass die Renaissance nicht nur der Entwicklung städtebaulicher Ideen, sondern auch dem praktischen Bau komfortablerer und gesünderer Städte Impulse gab und Städte auf eine neue Existenzperiode, auf die Periode der kapitalistischen Entwicklung, vorbereitete. Doch die kurze Dauer dieser Ära, der rasche wirtschaftliche Niedergang und die Stärkung der feudalen Reaktion, die Errichtung eines monarchischen Regimes in einer Reihe von Gebieten und ausländische Eroberungen unterbrachen diese Entwicklung.

Kapitel „Ergebnisse der Entwicklung der italienischen Architektur im XV.-XVI. Jahrhundert“, Abschnitt „Renaissance-Architektur in Italien“, Enzyklopädie „ Allgemeine Geschichte die Architektur. Band V. Architektur Westeuropas des XV.-XVI. Jahrhunderts. Renaissance". Chefredakteur: V.F. Marcuson. Autoren: V.F. Marcuzon (Ergebnisse der Architekturentwicklung), T.N. Kozina (Stadtplanung, ideale Städte), A.I. Opochinskaya (Villen und Gärten). Moskau, Stroyizdat, 1967

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens führten seit dem 12. Jahrhundert einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter nach und nach reicher, stürzten die Macht der Feudalherren und organisierten freie Stadtstaaten. Diese freien italienischen Städte wurden sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte war der Grund für ihren rasanten Wohlstand. Die italienische Bourgeoisie betrachtete die Welt mit anderen Augen, sie glaubte fest an sich selbst, an ihre Stärke. Der Wunsch nach Leiden, Demut und der Verzicht auf alle irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, das Leben aktiv anzugehen, die Welt eifrig zu studieren und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit wurden verschiedene Wissenschaften geboren und die Kunst entwickelt.

Italien hat viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten Antike Sie wurden wieder als Vorbild verehrt, antike Kunst wurde zum Gegenstand der Verehrung. Die Nachahmung der Antike führte dazu, diese Epoche in der Kunst zu nennen - Renaissance, was auf Französisch bedeutet "Renaissance". Natürlich handelte es sich hierbei nicht um eine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es handelte sich bereits um neue Kunst, die jedoch auf antiken Vorbildern basierte. Italienische Renaissance unterteilt in 3 Phasen: VIII. - XIV. Jahrhundert - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento)-sitzen.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts – Hochrenaissance.

In ganz Italien wurden archäologische Ausgrabungen auf der Suche nach antiken Denkmälern durchgeführt. Neu entdeckte Statuen, Münzen, Geschirr und Waffen wurden sorgfältig konserviert und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler lernten von diesen Beispielen der Antike und malten sie nach dem Leben.

Trecento (Vorrenaissance)

Mit dem Namen ist der wahre Beginn der Renaissance verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissance-Malerei. Der Florentiner Giotto hat sich große Verdienste um die Kunstgeschichte erworben. Er war ein Erneuerer, der Urvater der gesamten europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hauchte den Szenen des Evangeliums Leben ein, schuf Bilder von echten Menschen, vergeistigt, aber irdisch.

Giotto erstellt zunächst Volumina mit Hell-Dunkel. Er liebt klare, helle Farben in kühlen Farbtönen: Rosa, Perlgrau, Blassviolett und Hellflieder. Die Menschen auf Giottos Fresken sind untersetzt und gehen schwerfällig. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Seine Person ist freundlich, aufmerksam und seriös.

Von Giottos Werken sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Evangeliumsgeschichten er stellte sich hier als existierend, irdisch, real vor. In diesen Werken spricht er über Probleme, die Menschen zu allen Zeiten beschäftigen: über Freundlichkeit und gegenseitiges Verständnis, Betrug und Verrat, über Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und die ewige, alles verzehrende mütterliche Liebe.

Statt getrennter Einzelfiguren, wie in mittelalterliche Malerei Giotto gelang es, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Helden. Anstelle des herkömmlichen goldenen Hintergrunds byzantinischer Mosaike führt Giotto einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren im Raum zu schweben und zu hängen schienen, dann fanden die Helden von Giottos Fresken festen Boden unter ihren Füßen. Giottos Suche nach der Übertragung von Raum, der Plastizität der Figuren und der Ausdruckskraft der Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Etappe der Renaissance.

Einer der berühmtesten Meister der Vorrenaissance -

Simone Martini (1284 - 1344).

Seine Gemälde behielten die Merkmale der Nordgotik bei: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf einem goldenen Hintergrund. Aber Martini schafft Bilder mit Hell-Dunkel, verleiht ihnen natürliche Bewegung und versucht, einen bestimmten psychologischen Zustand zu vermitteln.

Quattrocento (Frührenaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Entstehung der säkularen Kultur der Frührenaissance. Die Platonische Akademie wird in Florenz eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält eine reiche Sammlung antiker Manuskripte. Es entstanden die ersten Kunstmuseen, gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen und Keramik. Während der Renaissance entstanden die wichtigsten Zentren des künstlerischen Lebens in Italien – Florenz, Rom, Venedig.

Florenz war eines der größten Zentren, der Geburtsort der neuen, realistischen Kunst. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz verfügten über eine hohe künstlerische Kultur, sie beteiligten sich aktiv an der Schaffung von Stadtdenkmälern und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Die Architekten verzichteten auf alles, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten Gebäude mit einer Kuppel als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, eine Museumsstadt. Die Architektur aus der Antike ist nahezu vollständig erhalten geblieben, die schönsten Gebäude stammen überwiegend aus der Renaissance. Über den roten Ziegeldächern der antiken Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Stadtkathedrale. Santa Maria del Fiore, die oft einfach die Kathedrale von Florenz genannt wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel ist erstaunlich groß (ihr Durchmesser beträgt 43 m) und krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und zeichnet sich deutlich als Silhouette gegen den Himmel ab. Dieses prächtige Bauwerk wurde von einem Architekten erbaut

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Der Bau dauerte mehr als 100 Jahre. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen usw. geschmückt „Putten“(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Beispiele in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Kam wieder in Mode Halbkreisbogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Anstelle eng aneinander gedrängter Häuser entstanden luxuriöse Häuser Paläste - Palazzos.

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert gab es in Florenz zwei berühmter Bildhauer -Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrungen der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance – die Davidstatue.

Entsprechend biblische Legende Als einfacher Hirte besiegte der junge Mann David den Riesen Goliath und rettete so die Bewohner Judäas vor der Versklavung und wurde später König. David war einer von Lieblingsbilder Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als bescheidener Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. Donatello verherrlicht in seiner Skulptur den Menschen als Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello scheute sich nicht, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen – ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung des nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der mutig gegen dieses Verbot verstieß. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Davidstatue ist die erste runde Skulptur dieser Zeit.

Eine weitere schöne Skulptur von Donatello ist ebenfalls bekannt – die Statue eines Kriegers , General von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren errichtete Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt einen Platz in der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde in der Skulptur kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mensch verewigt, sondern ein edler, mutiger und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der durch große Taten Ruhm erlangte. In einer antiken Rüstung sitzt Gattemelata (das ist sein Spitzname, der „gefleckte Katze“ bedeutet) in ruhiger, majestätischer Pose auf einem kräftigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers betonen einen entschlossenen, festen Charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler Donatellos, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni errichtet wurde. Das Besondere an dem Denkmal ist die gemeinsame energische Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd scheint über den Marmorsockel hinauszurennen, auf dem das Denkmal steht. Colleoni, in seinen Steigbügeln stehend, blickt ausgestreckt und mit erhobenem Kopf in die Ferne. Eine Grimasse voller Wut und Anspannung war auf seinem Gesicht erstarrt. Seine Körperhaltung zeugt von großem Willen, sein Gesicht ähnelt einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Stärke, Energie und strenger Autorität.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance erneuerte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen und verschiedene menschliche Gefühle genau wiederzugeben. Die Zeit der Anhäufung dieser Kenntnisse und Fähigkeiten war die Frührenaissance. Die Gemälde dieser Zeit sind von einer hellen und fröhlichen Stimmung geprägt. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben bemalt, Gebäude und Naturmotive werden mit scharfen Linien umrissen, reine Farben überwiegen. Alle Details des Ereignisses werden mit naiver Sorgfalt dargestellt; die Charaktere sind meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund getrennt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt aber dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt als Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Anhänger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber in seinem kurzen Leben hinterließ er kaum zu überschätzende Spuren in der Kunst. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Bilder zeichnen sich durch dunkle und tiefe Farben aus. Die Menschen in Masaccios Fresken sind viel dichter und kraftvoller als in den Gemälden der Gotik.

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive richtig anordnete; Er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft zu einer einzigen Handlung zu verbinden, dramatisch und zugleich ganz natürlich das Leben von Natur und Menschen zu vermitteln – und darin liegt das große Verdienst des Malers.

Dies ist eines der wenigen Staffeleiwerke von Masaccio, das er 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach Giottos Perspektivengesetzen gebaut ist. Ihre Figur ist mit souveränen und klaren Strichen gemalt, was den Eindruck von skulpturalem Volumen erweckt. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist ins Nichts gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind in ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich deutlich von einem dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Spiel mit Hell-Dunkel, was auch einen besonderen visuellen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Weintrauben – ein Symbol der Gemeinschaft. Makellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie sehr gut), die die Madonna umgeben, verleihen dem Bild eine zusätzliche emotionale Resonanz.

Die einzige von Masaccio gemalte Tafel für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino fertiggestellt. Dargestellt sind zwei strenge, monumental ausgeführte Heiligenfiguren, ganz in Rot gekleidet. Hieronymus hält ein offenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer wird in seiner üblichen Form dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren verblüffen durch ihre anatomische Präzision und ihr fast skulpturales Volumengefühl.

Das Interesse am Menschen und die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass daraus eine neue Gattung der Malerei entstand – die Gattung des Porträts.

Pinturicchio (Version von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Heimisch in Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen und half Pietro Perugino bei der Ausschmückung mit Fresken Sixtinische Kapelle in Rom. Sammelte Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Innerhalb weniger Jahre wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Apartments im Vatikan. Er malte Wandgemälde in der Bibliothek der Kathedrale von Siena.

Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern ist bestrebt, den inneren Zustand eines Menschen zu offenbaren. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein formelles rosa Stadtkleid und mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar reicht bis zu den Schultern und umrahmt ein sanftes Gesicht, der aufmerksame Blick der braunen Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen liegt eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbernen Fluss und einem rosafarbenen Himmel am Horizont. Die frühlingshafte Zärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund dargestellt, groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund gemalt und sehr klein. Dies erweckt den Eindruck der Bedeutung des Menschen, seiner Dominanz über die umgebende Natur und bestätigt, dass der Mensch die schönste Schöpfung der Erde ist.

Hier ist der feierliche Abschied von Kardinal Capranica zum Konzil von Basel, das fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zunächst in Basel und dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini befand sich im Gefolge des Kardinals. Eine Gruppe von Reitern, begleitet von Pagen und Dienern, wird in einem eleganten Rahmen eines Halbkreisbogens präsentiert. Das Ereignis ist nicht so real und zuverlässig, sondern ritterlich raffiniert, fast fantastisch. Im Vordergrund dreht ein hübscher Reiter auf einem weißen Pferd in luxuriösem Kleid und Hut den Kopf und blickt den Betrachter an – das ist Aeneas Silvio. Der Künstler hat Freude daran, prächtige Kleidung und wunderschöne Pferde in Samtdecken zu malen. Die gestreckten Proportionen der Figuren, die leicht manierierten Bewegungen und die leichten Neigungen des Kopfes kommen dem Hofideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller glanzvoller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland und Kaiser Friedrich III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Über Lippis Leben entstanden Legenden. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde Wanderkünstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb, vergiftet von den Verwandten einer jungen Frau, in die er sich im Alter verliebte.

Er malte Bilder der Madonna mit Kind, erfüllt von lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Alltagsgegenstände, Umgebungen, sodass seine religiösen Motive weltlichen Gemälden ähnelten.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinem Reichtum und Luxus sowie Porträts von Adligen.

Vor uns steht die Frau eines reichen Florentiners, einer Freundin des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und Stille. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, als würde sie ihren bevorstehenden Tod vorhersehen: Bald nach dem Malen des Porträts wird sie sterben. Die Darstellung der Frau erfolgt im Profil, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er vollzog zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive des Bildraums.

Das Gemälde wurde mit Eitempera auf eine Pappelplatte gemalt – offensichtlich beherrschte der Künstler zu diesem Zeitpunkt die Geheimnisse der Ölmalerei, der Technik, in der seine späteren Werke gemalt werden sollten, noch nicht.

Der Künstler hat das Erscheinen des Geheimnisses der Heiligen Dreifaltigkeit im Moment der Taufe Christi eingefangen. Die weiße Taube, die ihre Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erlöser. Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und in der Nähe stehen bei ihnen sind die Engel in zurückhaltenden Farben bemalt.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbringen die Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (unter freiem Himmel) malte.

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Kunst der Renaissance

Renaissance- Dies war die Blütezeit aller Künste, einschließlich des Theaters, der Literatur und der Musik, aber zweifellos war die bildende Kunst die wichtigste davon, die den Geist ihrer Zeit am besten zum Ausdruck brachte.

Es ist kein Zufall, dass es eine Theorie gibt, dass die Renaissance damit begann, dass Künstler sich nicht mehr mit dem Rahmen des vorherrschenden „byzantinischen“ Stils zufrieden gaben und sich auf der Suche nach Vorbildern für ihre Kreativität als erste zuwandten zur Antike. Der Begriff „Renaissance“ wurde vom Denker und Künstler dieser Epoche selbst, Giorgio Vasari („Biografien berühmter Maler, Bildhauer und Architekten“), eingeführt. So nannte er die Zeit von 1250 bis 1550. Aus seiner Sicht war dies die Zeit der Wiederbelebung der Antike. Für Vasari erscheint die Antike als Idealbild.

Anschließend entwickelte sich der Inhalt des Begriffs weiter. Die Wiederbelebung bedeutete zunächst die Emanzipation von Wissenschaft und Kunst von der Theologie, eine Abkühlung gegenüber der christlichen Ethik, die Entstehung nationaler Literaturen und den Wunsch des Menschen nach Freiheit von den Beschränkungen der katholischen Kirche. Das heißt, die Renaissance begann im Wesentlichen zu bedeuten Humanismus.

WIEDERBELEBUNG, RENAISSANCE(französisch renaissance – Renaissance) – eine der größten Epochen, Wendepunkt in der Entwicklung der Weltkunst zwischen Mittelalter und Neuzeit. Die Renaissance umfasst das XIV.-XVI. Jahrhundert. in Italien, XV-XVI Jahrhundert. in anderen europäischen Ländern. Dieser Zeitraum in der Kulturentwicklung erhielt seinen Namen - Renaissance (oder Renaissance) im Zusammenhang mit der Wiederbelebung des Interesses an Antike Kunst. Die Künstler dieser Zeit kopierten jedoch nicht nur alte Vorbilder, sondern fügten ihnen auch qualitativ neue Inhalte hinzu. Die Renaissance sollte nicht als künstlerischer Stil oder künstlerische Bewegung betrachtet werden, da es in dieser Zeit verschiedene künstlerische Stile, Richtungen und Trends gab. Das ästhetische Ideal der Renaissance entstand auf der Grundlage einer neuen fortschrittlichen Weltanschauung – des Humanismus. Die reale Welt und der Mensch wurden zum höchsten Wert erklärt: Der Mensch ist das Maß aller Dinge. Besonders die Rolle der kreativen Persönlichkeit hat zugenommen.

Das humanistische Pathos dieser Zeit kam am besten in der Kunst zum Ausdruck, die wie in den vergangenen Jahrhunderten darauf abzielte, ein Bild des Universums zu vermitteln. Neu war, dass man versuchte, Materielles und Geistiges zu einem Ganzen zu verbinden. Es war schwierig, jemanden zu finden, der der Kunst gleichgültig war, aber die bildende Kunst und die Architektur wurden bevorzugt.

Italienische Malerei des 15. Jahrhunderts. meist monumental (Fresken). Unter den bildenden Künsten nimmt die Malerei einen Spitzenplatz ein. Es entspricht am besten dem Renaissance-Prinzip der „Nachahmung der Natur“. Basierend auf dem Studium der Natur wird ein neues Bildsystem entwickelt. Der Künstler Masaccio leistete einen würdigen Beitrag zur Entwicklung des Verständnisses von Volumen und seiner Übertragung mit Hilfe von Hell-Dunkel. Die Entdeckung und wissenschaftliche Begründung der Gesetze der Linear- und Luftperspektive beeinflusste maßgeblich das weitere Schicksal der europäischen Malerei. Es entsteht eine neue plastische Bildsprache, deren Begründer Donatello war. Er belebte die freistehende Rundstatue wieder. Sein bestes Werk ist die Skulptur des David (Florenz).

In der Architektur werden die Prinzipien des antiken Ordnungssystems wiederbelebt, die Bedeutung der Proportionen erhöht, neue Gebäudetypen gebildet (Stadtpalast, Landvilla usw.), die Architekturtheorie und das Konzept einer idealen Stadt entwickelt . Der Architekt Brunelleschi baute Gebäude, in denen er das antike Architekturverständnis mit den Traditionen der Spätgotik verband und so eine neue, im Altertum unbekannte fantasievolle Spiritualität der Architektur erreichte. Während der Hochrenaissance wurde die neue Weltanschauung am besten in den Werken von Künstlern verkörpert, die zu Recht als Genies bezeichnet werden: Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo, Giorgione und Tizian. Die letzten zwei Drittel des 16. Jahrhunderts. wird als Spätrenaissance bezeichnet. Die Kunst wird derzeit von einer Krise erfasst. Es wird reglementiert, höfisch und verliert seine Wärme und Natürlichkeit. Einige große Künstler – Tizian, Tintoretto – schaffen jedoch auch in dieser Zeit weiterhin Meisterwerke.

Die italienische Renaissance hatte großen Einfluss auf die Kunst Frankreichs, Spaniens, Deutschlands, Englands und Russlands.

Der Aufstieg der Kunstentwicklung in den Niederlanden, Frankreich und Deutschland (15.-16. Jahrhundert) wird als nördliche Renaissance bezeichnet. Die Werke der Maler Jan van Eyck und P. Bruegel d.Ä. sind die Höhepunkte dieser Kunstentwicklungsperiode. In Deutschland war A. Dürer der größte Künstler der deutschen Renaissance.

Die während der Renaissance gemachten Entdeckungen auf dem Gebiet der spirituellen Kultur und Kunst waren von großer historischer Bedeutung für die Entwicklung der europäischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten. Das Interesse an ihnen hält auch in unserer Zeit an.

Die Renaissance in Italien durchlief mehrere Phasen: Frührenaissance, Hochrenaissance, Spätrenaissance. Florenz wurde zur Wiege der Renaissance. Die Grundlagen der neuen Kunst wurden vom Maler Masaccio, dem Bildhauer Donatello und dem Architekten F. Brunelleschi entwickelt.

Der Erste, der Gemälde statt Ikonen schuf größter Meister Proto-Renaissance Giotto. Er war der Erste, der sich bemühte, christliche ethische Ideen durch die Darstellung realer menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln und die Symbolik durch die Darstellung realer Räume und spezifischer Objekte zu ersetzen. In Giottos berühmten Fresken Kapelle del Arena in Padua Neben den Heiligen sind sehr ungewöhnliche Charaktere zu sehen: Hirten oder ein Spinner. Jeder einzelne Mensch in Giotto drückt ganz spezifische Erfahrungen, einen spezifischen Charakter aus.

Während der frühen Renaissance in der Kunst wurde das alte künstlerische Erbe gemeistert, neue ethische Ideale gebildet, Künstler wandten sich den Errungenschaften der Wissenschaft (Mathematik, Geometrie, Optik, Anatomie) zu. Die führende Rolle bei der Bildung ideologischer und stilistischer Prinzipien der Kunst der Frührenaissance spielen Florenz. In den Bildern von Meistern wie Donatello, Verrocchio und der Reiterstatue des Condottieres David von Gattamelata dominieren Donatellos heroische und patriotische Prinzipien („St. Georg“ und „David“ von Donatello und „David“ von Verrocchio).

Der Begründer der Renaissance-Malerei ist Masaccio(Gemälde der Brancacci-Kapelle, „Dreifaltigkeit“) verstand es Masaccio, die Tiefe des Raumes zu vermitteln, verband Figur und Landschaft mit einem einzigen kompositorischen Konzept und verlieh dem Porträt des Einzelnen Ausdruckskraft.

Aber die Entstehung und Entwicklung des Bildporträts, das das Interesse der Renaissancekultur am Menschen widerspiegelte, ist mit den Namen der Künstler der Umrbi-Schule verbunden: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Das Werk des Künstlers sticht in der Frührenaissance heraus Sandro Botticelli. Die von ihm geschaffenen Bilder sind spirituell und poetisch. Forscher bemerken die Abstraktion und den raffinierten Intellektualismus in den Werken des Künstlers, seinen Wunsch, mythologische Kompositionen mit komplizierten und verschlüsselten Inhalten zu schaffen („Frühling“, „Geburt der Venus“), sagte einer von Botticellis Lebenswerken, dass seine Madonnen und Venus den Eindruck erwecken Verlust, der in uns ein Gefühl unauslöschlicher Traurigkeit hervorruft... Einige von ihnen haben den Himmel verloren, andere die Erde.

„Frühling“ „Geburt der Venus“

Der Höhepunkt in der Entwicklung der ideologischen und künstlerischen Prinzipien der italienischen Renaissance wird Hochrenaissance. Leonardo da Vinci gilt als Begründer der Kunst der Hochrenaissance. großartiger Künstler und Wissenschaftler.

Er schuf eine Reihe von Meisterwerken: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Streng genommen zeichnet sich das Gesicht von Gioconda durch Zurückhaltung und Ruhe aus, das Lächeln, das ihren Weltruhm begründete und später zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Werke von wurde Leonardos Schule ist darin kaum zu erkennen. Doch in dem sanft schmelzenden Dunst, der Gesicht und Figur umhüllt, gelingt es Leonardo, die grenzenlose Variabilität menschlicher Gesichtsausdrücke spürbar zu machen. Obwohl Giocondas Augen den Betrachter aufmerksam und ruhig anschauen, könnte man aufgrund der Schattierung ihrer Augenhöhlen meinen, dass sie leicht die Stirn runzeln; Ihre Lippen sind zusammengepresst, aber in den Mundwinkeln sind subtile Schatten zu sehen, die einen glauben machen, dass sie sich jede Minute öffnen, lächeln und sprechen werden. Der Kontrast zwischen ihrem Blick und dem halben Lächeln auf ihren Lippen lässt die Widersprüchlichkeit ihrer Erfahrungen erahnen. Nicht umsonst quälte Leonardo sein Modell mit langen Sitzungen. Wie kein anderer ist es ihm gelungen, in diesem Bild Schatten, Schattierungen und Halbtöne zu vermitteln, die ein Gefühl lebendigen Lebens entstehen lassen. Nicht umsonst glaubte Vasari, dass an Giocondas Hals eine Ader schlug.

Im Porträt von Gioconda hat Leonardo nicht nur den Körper und die Umhüllung perfekt vermittelt Luftumgebung. Er brachte auch ein Verständnis dafür mit, was das Auge braucht, damit ein Bild einen harmonischen Eindruck erzeugt, weshalb alles so aussieht, als ob die Formen auf natürliche Weise aus einander entstanden wären, wie es in der Musik geschieht, wenn angespannte Dissonanzen durch einen wohlklingenden Akkord aufgelöst werden . Gioconda ist perfekt in ein streng proportionales Rechteck eingeschrieben, ihre Halbfigur bildet ein Ganzes, ihre gefalteten Hände verleihen ihrem Bild Vollständigkeit. Von den fantasievollen Locken der frühen „Verkündigung“ konnte nun natürlich keine Rede mehr sein. Doch so weich alle Konturen auch sein mögen, die wellige Haarsträhne von Mona Lisa harmoniert mit dem transparenten Schleier, und der hängende Stoff, der über ihre Schulter geworfen wird, findet ein Echo in den sanften Kurven der fernen Straße. Dabei beweist Leonardo seine Fähigkeit, nach den Gesetzen von Rhythmus und Harmonie zu schaffen. „Aus ausführungstechnischer Sicht galt die Mona Lisa schon immer als etwas Unerklärliches. Jetzt denke ich, dass ich dieses Rätsel lösen kann“, sagt Frank. Ihm zufolge nutzte Leonardo die von ihm entwickelte „Sfumato“-Technik (italienisch „sfumato“, wörtlich „verschwand wie Rauch“). Die Technik besteht darin, dass die Objekte in den Gemälden keine klaren Grenzen haben sollten, alles sollte sich fließend ineinander verwandeln, die Umrisse der Objekte sollten mit Hilfe des sie umgebenden Licht-Luft-Dunstes weicher gemacht werden. Die Hauptschwierigkeit dieser Technik liegt in kleinsten Abstrichen (ca. einem Viertelmillimeter), die weder unter dem Mikroskop noch mit Röntgenstrahlen erkennbar sind. Daher dauerte es mehrere hundert Sitzungen, um Da Vincis Gemälde zu malen. Das Bild der Mona Lisa besteht aus etwa 30 Schichten flüssiger, fast transparenter Ölfarbe. Für solche Schmuckarbeiten musste der Künstler offenbar eine Lupe verwenden. Vielleicht erklärt der Einsatz einer so arbeitsintensiven Technik die lange Arbeit an dem Porträt – fast vier Jahre.

, "Das letzte Abendmahl" hinterlässt einen bleibenden Eindruck. An der Wand entfaltet sich, als würde es diese überwinden und den Betrachter in eine Welt voller Harmonie und majestätischer Visionen entführen, das uralte Gospeldrama um verratenes Vertrauen. Und dieses Drama findet seine Auflösung in einem allgemeinen Impuls, der sich an die Hauptfigur richtet – einen Ehemann mit traurigem Gesicht, der das Geschehen als unvermeidlich akzeptiert. Christus sagte seinen Jüngern gerade: „Einer von euch wird mich verraten.“ Der Verräter sitzt mit anderen zusammen; Die alten Meister stellten Judas getrennt sitzend dar, aber Leonardo brachte seine düstere Isolation viel überzeugender zum Ausdruck, indem er seine Gesichtszüge in Schatten hüllte. Christus ist seinem Schicksal unterworfen, erfüllt vom Bewusstsein der Aufopferung seiner Leistung. Sein gesenkter Kopf mit den gesenkten Augen und die Gesten seiner Hände sind unendlich schön und majestätisch. Durch das Fenster hinter seiner Figur öffnet sich eine liebliche Landschaft. Christus ist das Zentrum der gesamten Komposition, des ganzen Strudels der Leidenschaften, der um ihn herum tobt. Seine Traurigkeit und Ruhe scheinen ewig und natürlich zu sein – und das ist die tiefe Bedeutung des gezeigten Dramas. Er suchte in der Natur nach Quellen perfekter Kunstformen, aber er war es, den N. Berdyaev für den kommenden Prozess der Mechanisierung verantwortlich macht und die Mechanisierung des menschlichen Lebens, die den Menschen von der Natur trennte.

Die Malerei erreicht klassische Harmonie in der Kreativität Raphael. Seine Kunst entwickelt sich von den frühen, kühl-distanzierten umbrischen Madonnenbildern („Madonna Conestabile“) bis hin zur Welt des „glücklichen Christentums“ florentinischer und römischer Werke. „Madonna mit dem Distelfink“ und „Madonna im Sessel“ sind sanft, menschlich und in ihrer Menschlichkeit sogar gewöhnlich.

Aber das Bild der „Sixtinischen Madonna“ ist majestätisch und verbindet symbolisch die himmlische und die irdische Welt. Raffael ist vor allem als Schöpfer sanfter Madonnenbilder bekannt. Aber in der Malerei verkörperte er sowohl das Ideal des universellen Menschen der Renaissance (Porträt von Castiglione) als auch die Dramatik historischer Ereignisse. „Die Sixtinische Madonna“ (um 1513, Dresden, Gemäldegalerie) ist eines der inspiriertesten Werke des Künstlers. Gemalt als Altarbild für die Kirche des Klosters St. Sixta in Piacenza, dieses Gemälde unterscheidet sich in Konzeption, Komposition und Bildinterpretation deutlich von den „Madonnen“ der Florentiner Zeit. Anstelle des intimen und irdischen Bildes eines schönen jungen Mädchens, das herablassend den Vergnügungen zweier Kinder zuschaut, sehen wir hier eine wunderbare Vision, die plötzlich am Himmel hinter einem Vorhang auftaucht, den jemand zurückgezogen hat. Umgeben von einem goldenen Schein geht Maria feierlich und majestätisch durch die Wolken und hält das Christuskind vor sich. Links und rechts kniet der Hl. vor ihr. Sixtus und St. Warwara. Die symmetrische, streng ausgewogene Komposition, die Klarheit der Silhouette und die monumentale Verallgemeinerung der Formen verleihen der „Sixtinischen Madonna“ eine besondere Erhabenheit.

In diesem Gemälde gelang es Raffael vielleicht mehr als jedem anderen, die lebenswichtige Wahrhaftigkeit des Bildes mit den Merkmalen idealer Perfektion zu verbinden. Das Bild der Madonna ist komplex. Die rührende Reinheit und Naivität einer sehr jungen Frau verbinden sich in ihm mit fester Entschlossenheit und heroischer Opferbereitschaft. Dieses Heldentum verbindet das Bild der Madonna mit den besten Traditionen des italienischen Humanismus. Die Kombination von Ideal und Realität in diesem Bild erinnert uns an die berühmten Worte Raffaels aus einem Brief an seinen Freund B. Castiglione. „Und ich sage Ihnen“, schrieb Raphael, „dass ich, um eine Schönheit zu malen, viele Schönheiten sehen muss ... aber aufgrund des Mangels ... an schönen Frauen verwende ich eine Idee, die mir in den Sinn kommt.“ . Ich weiß nicht, ob es Perfektion hat, aber ich bemühe mich sehr, es zu erreichen.“ Diese Worte geben Aufschluss über die kreative Methode des Künstlers. Ausgehend von der Realität und im Vertrauen auf sie strebt er gleichzeitig danach, das Bild über alles Zufällige und Vergängliche zu erheben.

Michelangelo(1475-1564) ist zweifellos einer der inspiriertesten Künstler der Kunstgeschichte und neben Leonardo Da Vinci die mächtigste Figur der italienischen Hochrenaissance. Als Bildhauer, Architekt, Maler und Dichter hatte Michelangelo großen Einfluss auf seine Zeitgenossen und auf die spätere westliche Kunst im Allgemeinen.

Er betrachtete sich als Florentiner – obwohl er am 6. März 1475 in dem kleinen Dorf Caprese nahe der Stadt Arezzo geboren wurde. Michelangelo liebte seine Stadt, ihre Kunst und Kultur zutiefst und trug diese Liebe bis ans Ende seiner Tage. Die meiste Zeit seines Erwachsenenlebens verbrachte er in Rom, wo er im Auftrag der Päpste arbeitete; Er hinterließ jedoch ein Testament, wonach sein Leichnam in Florenz in einem wunderschönen Grab in der Kirche Santa Croce beigesetzt wurde.

Michelangelo schuf eine Marmorskulptur Pieta(Beweinung Christi) (1498-1500), das sich noch immer an seinem ursprünglichen Standort befindet – dem Petersdom. Dies ist eines der berühmtesten Werke in der Geschichte der Weltkunst. Die Pieta wurde wahrscheinlich von Michelangelo fertiggestellt, bevor er 25 Jahre alt war. Dies ist das einzige Werk, das er signiert hat. Die junge Maria wird mit dem toten Christus auf den Knien dargestellt, ein Bild, das der nordeuropäischen Kunst entlehnt ist. Marias Blick ist nicht so traurig, sondern feierlich. Das höchster Punkt das Werk des jungen Michelangelo.

Nicht weniger bedeutendes Werk des jungen Michelangelo war ein riesiges (4,34 m) Marmorbild David(Accademia, Florenz), ausgeführt zwischen 1501 und 1504, nach der Rückkehr nach Florenz. Der Held des Alten Testaments wird von Michelangelo als gutaussehender, muskulöser, nackter junger Mann dargestellt, der ängstlich in die Ferne blickt, als würde er seinen Feind einschätzen – Goliath, mit dem er kämpfen muss. Der lebendige, intensive Gesichtsausdruck Davids ist charakteristisch für viele Werke Michelangelos – ein Zeichen seines individuellen bildhauerischen Stils. Der David, Michelangelos berühmteste Skulptur, wurde zum Symbol von Florenz und wurde ursprünglich auf der Piazza della Signoria vor dem Palazzo Vecchio, dem Rathaus von Florenz, aufgestellt. Mit dieser Statue bewies Michelangelo seinen Zeitgenossen, dass er nicht nur alle zeitgenössischen Künstler, sondern auch die Meister der Antike übertraf.

Bemalung des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle Im Jahr 1505 wurde Michelangelo von Papst Julius II. nach Rom gerufen, um zwei Befehle auszuführen. Am bedeutendsten war die Freskenmalerei im Gewölbe der Sixtinischen Kapelle. Michelangelo arbeitete zwischen 1508 und 1512 auf einem hohen Gerüst direkt unter der Decke und schuf die schönsten Illustrationen für einige biblische Geschichten. Auf dem Gewölbe der päpstlichen Kapelle stellte er neun Szenen aus dem Buch Genesis dar, beginnend mit der Trennung des Lichts von der Dunkelheit, einschließlich der Erschaffung Adams, der Erschaffung Evas, der Versuchung und des Falls Adams und Evas und der Sintflut. Rund um die Hauptgemälde wechseln sich Bilder von Propheten und Sibyllen auf Marmorthronen, anderen alttestamentlichen Figuren und den Vorvätern Christi ab.

Um dieses großartige Werk vorzubereiten, fertigte Michelangelo zahlreiche Skizzen und Kartons an, auf denen er die Figuren der Dargestellten in verschiedenen Posen darstellte. Diese majestätischen, kraftvollen Bilder zeigen das meisterhafte Verständnis des Künstlers für die menschliche Anatomie und Bewegung, das einer neuen Bewegung in der westeuropäischen Kunst den Anstoß gab.

Zwei weitere hervorragende Statuen, Der gefesselte Gefangene und der Tod eines Sklaven(beide um 1510-13) befinden sich im Louvre in Paris. Sie verdeutlichen Michelangelos Herangehensweise an die Skulptur. Seiner Meinung nach sind die Figuren einfach in einem Marmorblock gefangen und die Aufgabe des Künstlers besteht darin, sie durch Entfernen überschüssiger Steine ​​zu befreien. Michelangelo ließ Skulpturen oft unvollendet – entweder weil sie unnötig wurden oder weil sie einfach ihr Interesse für den Künstler verloren.

Bibliothek von San Lorenzo Das Projekt für das Grab von Julius II. erforderte architektonische Ausarbeitung, aber Michelangelos ernsthafte Arbeit auf dem Gebiet der Architektur begann erst 1519, als er mit der Fassade der Bibliothek von St. Lawrence in Florenz beauftragt wurde, wohin der Künstler zurückkehrte wieder (dieses Projekt wurde nie realisiert). In den 1520er Jahren entwarf er auch die elegante Eingangshalle der Bibliothek neben der Kirche San Lorenzo. Diese Bauwerke wurden erst einige Jahrzehnte nach dem Tod des Autors fertiggestellt.

Michelangelo, ein Anhänger der republikanischen Fraktion, nahm 1527–29 am Krieg gegen die Medici teil. Zu seinen Aufgaben gehörte der Bau und Wiederaufbau von Befestigungsanlagen in Florenz.

Medici-Kapellen. Nachdem Michelangelo längere Zeit in Florenz gelebt hatte, führte er zwischen 1519 und 1534 einen Auftrag der Familie Medici aus, in der neuen Sakristei der Kirche San Lorenzo zwei Gräber zu errichten. In einem Saal mit hohem Kuppelgewölbe errichtete der Künstler an den Wänden zwei prächtige Gräber, die für Lorenzo De' Medici, Herzog von Urbino, und für Giuliano De' Medici, Herzog von Nemours, bestimmt waren. Die beiden komplexen Gräber sollten gegensätzliche Typen repräsentieren: Lorenzo ist ein in sich geschlossener Mensch, ein grüblerischer, zurückgezogener Mensch; Giuliano hingegen ist aktiv und offen. Der Bildhauer platzierte allegorische Skulpturen von Morgen und Abend über Lorenzos Grab und Allegorien von Tag und Nacht über Giulianos Grab. Die Arbeiten an den Medici-Gräbern wurden fortgesetzt, nachdem Michelangelo 1534 nach Rom zurückgekehrt war. Er besuchte seine geliebte Stadt nie wieder.

Jüngstes Gericht

Von 1536 bis 1541 arbeitete Michelangelo in Rom an der Bemalung der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan. Das größte Fresko der Renaissance zeigt den Tag des Jüngsten Gerichts. Christus teilt mit einem feurigen Blitz in seiner Hand unaufhaltsam alle Bewohner der Erde in die geretteten Gerechten, die auf der linken Seite der Komposition dargestellt sind, und in die Sünder, die zu Dante hinabsteigen Hölle (die linke Seite des Freskos). Streng seiner eigenen Tradition folgend, malte Michelangelo zunächst alle Figuren nackt, doch ein Jahrzehnt später „kleidete“ ein puritanischer Künstler sie, als das kulturelle Klima konservativer wurde. Michelangelo hinterließ auf dem Fresko sein eigenes Selbstporträt – sein Gesicht ist auf der vom Heiligen Märtyrer-Apostel Bartholomäus abgerissenen Haut gut zu erkennen.

Obwohl Michelangelo in dieser Zeit weitere Malaufträge erhielt, wie zum Beispiel das Gemälde der Kapelle des Apostels Paulus (1940), versuchte er zunächst, seine ganze Energie der Architektur zu widmen.

Kuppel des Petersdoms. Im Jahr 1546 wurde Michelangelo zum Chefarchitekten des Baus des Petersdoms im Vatikan ernannt. Das Gebäude wurde nach den Plänen von Donato Bramante erbaut, Michelangelo wurde jedoch letztendlich für den Bau der Altarapsis und für die Entwicklung der technischen und künstlerischen Gestaltung der Kuppel der Kathedrale verantwortlich. Die Fertigstellung des Baus des Petersdoms war die höchste Errungenschaft des Florentiner Meisters auf dem Gebiet der Architektur. Während seines langen Lebens war Michelangelo ein enger Freund von Fürsten und Päpsten, von Lorenzo De' Medici bis zu Leo X., Clemens VIII. und Pius III., sowie vielen Kardinälen, Malern und Dichtern. Der Charakter des Künstlers, seine Stellung im Leben ist anhand seiner Werke schwer zu verstehen – sie sind so vielfältig. Nur in der Poesie, in seinen eigenen Gedichten, befasste sich Michelangelo häufiger und eingehender mit Fragen der Kreativität und seinem Platz in der Kunst. Ein großer Raum in seinen Gedichten ist den Problemen und Schwierigkeiten gewidmet, mit denen er in seinem Werk konfrontiert war, sowie den persönlichen Beziehungen zu den bedeutendsten Vertretern dieser Zeit. Einer der berühmtesten Dichter der Renaissance, Lodovico Ariosto, schrieb ein Epitaph dafür berühmter Künstler: „Michele ist mehr als sterblich, er ist ein göttlicher Engel.“