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Bühne- eine Art Bühnenkunst, die sowohl ein eigenes Genre als auch eine Synthese von Genres impliziert: Gesang, Tanz, Originalaufführung, Zirkuskunst, Illusionen.

Popmusik- Art der Unterhaltung Musikalische Kunst, gerichtet an das breiteste Hörpublikum.

Ihre größte Entwicklung erlebte diese Musikrichtung im 20. Jahrhundert. Es umfasst in der Regel Tanzmusik, verschiedene Lieder, Werke für Pop-Sinfonieorchester und Vokal-Instrumentalensembles.

Popmusik wird oft mit dem bestehenden Konzept der „Unterhaltungsmusik“ gleichgesetzt, also leicht verständlich, für die Öffentlichkeit zugänglich. Historisch gesehen umfasst Unterhaltungsmusik Musik, die einen einfachen Inhalt hat und sich allgemeiner Beliebtheit erfreut. klassische Werke, zum Beispiel Stücke von F. Schubert und J. Brahms, F. Lehár und J. Offenbach, Walzer von J. Strauss und A. K. Glasunow, „Kleine Nachtserenade“ von W. A. ​​​​​​Mozart.

In diesem riesigen und auch in Charakter und ästhetischem Niveau äußerst vielfältigen Feld musikalischen Schaffens kommen einerseits die gleichen Ausdrucksmittel wie in der E-Musik zum Einsatz, andererseits aber auch eigene, spezifische.

Der Begriff „Poporchester“ wurde Ende der 40er Jahre von L. O. Utesov vorgeschlagen, was die Trennung zweier Konzepte ermöglichte:
Pop- und Jazzmusik selbst.

Moderne Popmusik und Jazz weisen eine Reihe gemeinsamer Merkmale auf: das Vorhandensein einer konstanten rhythmischen Pulsation, die von der Rhythmusgruppe ausgeführt wird; überwiegend tänzerische Figur, gespielt von Pop und Jazzbands funktioniert. Wenn sich Jazzmusik jedoch durch Improvisation auszeichnet, ist Swing und Formen eine besondere rhythmische Eigenschaft Moderner Jazz manchmal ziemlich schwer zu verstehen Popmusik unterscheidet sich in der Zugänglichkeit musikalische Sprache, Melodie und extreme rhythmische Einfachheit.

Eine der häufigsten Arten von Pop-Instrumentalkompositionen ist das Pop-Sinfonieorchester (ESO) oder Symphonic Jazz. In unserem Land ist die Gründung und Entwicklung der ESO mit den Namen V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu. V. Silantyev verbunden. Das Repertoire von Pop-Sinfonieorchestern ist äußerst umfangreich: von originalen Orchesterstücken und Fantasien bis hin zu berühmte Themen zur Begleitung von Liedern und Operetten.

Neben der unverzichtbaren Rhythmusgruppe und der vollständigen Blechbläserbesetzung der Big Band (Saxophongruppe und Blechbläsergruppe) umfasst die ESO traditionelle Gruppen von Sinfonieorchesterinstrumenten – Holzbläser, Hörner und Streicher (Violinen, Bratschen, Celli). Das Gruppenverhältnis im ESO nähert sich dem eines Sinfonieorchesters: String-Gruppe dominiert, was auf den überwiegend melodischen Charakter der Musik für ESO zurückzuführen ist; Holz spielt eine große Rolle Blasinstrumente; Das Prinzip der Orchestrierung selbst kommt dem eines Sinfonieorchesters sehr nahe, obwohl das Vorhandensein einer ständig pulsierenden Rhythmusgruppe und die aktivere Rolle der Blechbläser (und manchmal auch der Saxophone) manchmal dem Klang eines Jazzorchesters ähneln. Eine wichtige koloristische Rolle in ESO spielen Harfe, Vibraphon und Pauke.

ESOs erfreuen sich in unserem Land großer Beliebtheit. Ihre Auftritte werden im Radio und Fernsehen übertragen; am häufigsten spielen sie Filmmusik und nehmen an großen Popkonzerten und Festivals teil. Viele sowjetische Komponisten schreiben Musik speziell für die ESO. Dies sind A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky und andere.

Das Genre der Popmusik umfasst verschiedene Arten von Popsongs: traditionelle Romantik, moderne lyrische Lieder, Lieder in Tanzrhythmen mit entwickelter Instrumentalbegleitung. Das Wichtigste, was zahlreiche Arten von Popsongs vereint, ist der Wunsch ihrer Autoren nach größtmöglicher Zugänglichkeit und Einprägsamkeit der Melodie. Die Wurzeln einer solchen Demokratie liegen in alte Romanze und in der modernen urbanen Folklore.

Ein Popsong ist nicht auf reine Unterhaltung beschränkt. So enthalten sowjetische Popsongs Themen wie Staatsbürgerschaft, Patriotismus, Friedenskampf usw. Nicht umsonst sind die Lieder von I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov und anderen Sowjets Komponisten werden nicht nur in unserem Land, sondern auch weit über seine Grenzen hinaus geliebt. Solovyov-Sedoys Lied „ Moskauer Nächte" Im 20. Jahrhundert Verschiedene Arten von Tanzmusik ersetzten einander. So wurden Tango, Rumba und Foxtrott durch Rock'n'Roll ersetzt, sie wurden durch Twist and Shake ersetzt, Samba- und Bossa-Nova-Rhythmen waren sehr beliebt. Der Disco-Stil war einige Jahre lang in der Pop- und Tanzmusik weit verbreitet. Es entstand aus einer Verschmelzung von Neger-Instrumentalmusik mit Elementen des Gesangs und der Plastizität, die für Popsänger charakteristisch sind Lateinamerika, insbesondere von der Insel Jamaika. Eng verwandt mit Westeuropa und den Vereinigten Staaten mit der Plattenindustrie und dem Betrieb von Diskotheken entwickelte sich die Discomusik zu einem der schnelllebigen Trends in der Pop- und Tanzmusik der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Zu den sowjetischen Komponisten, die heimische Traditionen im Genre der Tanzmusik begründeten, gehören A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky und andere.

Moderne Rockmusik kann der Popmusik zugeordnet werden. In der Musikkultur Westeuropas und der USA handelt es sich um eine Bewegung, die hinsichtlich ihres ideologischen und künstlerischen Niveaus und ihrer ästhetischen Prinzipien sehr vielfältig ist. Sie wird sowohl durch Werke repräsentiert, die Protest gegen soziale Ungerechtigkeit, Militarismus und Krieg zum Ausdruck bringen, als auch durch Werke, die Anarchismus, Unmoral und Gewalt predigen. Ebenso heterogen ist der Musikstil der Ensembles, die diese Bewegung vertreten. Sie haben es jedoch getan allgemeine Grundlage, einige Besonderheiten.

Eines dieser Merkmale ist der Einsatz von Gesang, Solo und Ensemble und damit von Texten, die eigenständige Inhalte tragen, und der menschlichen Stimme als besondere Klangfarbe. Mitglieder von Ensembles oder Gruppen vereinen häufig die Funktionen von Instrumentalisten und Sängern. Die führenden Instrumente sind Gitarren sowie verschiedene Keyboards und seltener Blasinstrumente. Der Klang von Instrumenten wird durch verschiedene Schallwandler und elektronische Verstärker verstärkt. Rockmusik unterscheidet sich von Jazzmusik durch ihre stärker unterteilte metrorhythmische Struktur.

In unserem Land spiegeln sich Elemente der Rockmusik in der Arbeit von Vokal- und Instrumentalensembles (VIA) wider.

Aufgrund ihrer Massenattraktivität und großen Popularität spielte die sowjetische Popmusik eine bedeutende Rolle in der ästhetischen Bildung der jüngeren Generation.

Varieté ist eine Form der Unterhaltungskunst, bei der kurze Konzertauftritte eines oder mehrerer Künstler (Geschichtenerzähler, Sänger, Coupletisten, Tänzer, Akrobaten, Zauberer usw.) ein Gesamtprogramm bilden, das meist für die Massenwahrnehmung konzipiert ist. Die Bühne ist vielseitig und abwechslungsreich. Auch die Wahrnehmung dieser Kunst durch das Publikum ist unterschiedlich. Für manche ist die Bühne eine Aufführung von Liedern und Musikgruppen und Darsteller, für andere - eine Aufführung von Komikern, für andere - Clowns oder moderne Tanzkünstler. Auch die Existenzformen dieser Kunst sind unterschiedlich: ein Konzert im Club, ein Kino und Konzertsaal, ein studentischer Sketch Aula Institut, ein Theaterprogramm in einem Stadion oder im Sportpalast, eine Aufführung im Miniaturtheater, eine Aufführung im Varieté-Theater, ein Solokonzert usw. Und in jedem Fall bestimmen die Zusammensetzung des Publikums und seine Größe das Merkmale der Live-Varieté-Show.

Die Wurzeln der Bühne reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück, lassen sich in der Kunst der Antike zurückverfolgen – Ägypten, Griechenland, Rom, ihre Elemente liegen in den Auftritten reisender Komiker – Possenreißer, Shpilmans, Jongleure, Dandys usw. moderne Formen Die Varietékunst entwickelte sich im Laufe des 19. Jahrhunderts in Westeuropa. So wurden die Besucher der Pariser Cafés von Musikern, Sängern und Sängern unterhalten, deren Repertoire scharfsinnige und aktuelle Dinge umfasste. Der Erfolg solcher Cafés führte zur Entstehung größerer Unterhaltungsunternehmen – Café-Konzerte („Ambassador“, „Eldorado“ usw.). In England entstanden Gasthöfe (Hotels). Musikhallen- Musiksäle, in denen Tänze, komische Lieder und Zirkusvorstellungen aufgeführt wurden; Als erstes gilt die 1832 gegründete Star Music Hall.

Nach dem Vorbild der Londoner Musikhalle Alhambra wurde 1869 in Paris das Folies Bergère eröffnet, zwei Jahrzehnte später das Moulin Rouge, das den Namen „Varietéhalle“ (von französisch variété – Varieté) erhielt. Nach und nach wurde das Wort „Varieté“ nicht nur auf bestimmte Theater, sondern auf eine ganze Kunstform angewendet, die aus verschiedenen Genres besteht und aus der letztendlich eine ganzheitliche Aufführung entsteht.

Im Jahr 1881 wurde in Paris ein künstlerisches Kabarett (vom französischen Kabarett - Zucchini) „Cha Noir“ („Schwarze Katze“) eröffnet, in dem sich junge Künstler, Schauspieler und Schriftsteller versammelten. Dabei wurden oft akute soziale und politische Probleme angesprochen. Kabaretts waren in Deutschland, Österreich und anderen Ländern sehr berühmt. In unserer Zeit begann diese Form, nachdem sie sich vom Café getrennt hatte, als politisches und satirisches Theater kleiner Formen (Deutschland) mit einem leicht geänderten Namen – Kabarette – zu existieren.

Varietés kamen um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert nach Russland. Im Anschluss an die Varieté-Show zog auch das Kabarett die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich. Sie hatten in Russland ihre eigenen Vorgänger, die die Einzigartigkeit der russischen Bühne maßgeblich bestimmten. Hierbei handelt es sich um Stände, die an Feiertagen und bei kleinen Unterhaltungsveranstaltungen ein vielfältiges gesellschaftliches Publikum unterhielten Konzertprogramme, die vor und nach dem Ende des Hauptstücks in den Kinos aufgeführt wurden. Zu den Divertissement-Programmen gehörten russische Lieder und Arien aus Opern, klassische Tänze und Volkstänze, Verse aus dem Varieté, Gedichte und Geschichten, vorgetragen von Theaterschauspielern. Im Allgemeinen hatte das Theater einen erheblichen Einfluss auf die russische Bühne, was ihre Originalität bestimmte.

Nach Oktoberrevolution Künstler kamen aus den kleinen, engen Sälen der Kabaretts, Varietés und Miniaturtheater auf die Straßen und Plätze, zu den Menschen. Sie ersetzten bei zahlreichen Konzerten und Kundgebungen die Lautsprecher und gingen mit Konzerten an die Front. Bürgerkrieg, aufgeführt in Rekrutierungsstationen, Kasernen und Arbeiterclubs. Damals verbreitete sich der Begriff „Varieté“ (von französisch estrade – Bühne) auf den gesamten Kunstbereich.

Die Basis Pop-Art- eine Nummer, eine kurzfristige, vollständige Aufführung (eines oder mehrerer Künstler) mit eigener Dramaturgie, in der, wie in große Leistung, es muss eine Exposition, einen Höhepunkt und einen Abschluss geben. Kurzfilme erfordern höchste Konzentration Ausdrucksmittel. Daher sind Übertreibungen, Grotesken, Possenreißer und Exzentrizität auf der Bühne weit verbreitet; daher die Helligkeit, die Übertreibung der Details und die Augenblicklichkeit der Verwandlung des Schauspielers. Die Nummer behält ihre Bedeutung in einer Varieté-Aufführung (Show, Revue usw.), die auf der Grundlage eines Theaterstücks (einer Rezension) erstellt wird. Bei einer solchen Aufführung werden die Zahlen durch die Figur eines Beobachters oder eine einfache Handlung vereint.

Künstler, die auf der Bühne auftreten, verwenden häufig die sogenannte Maske. ein bestimmtes Bild, zeichnet sich durch die Konstanz nicht nur des äußeren Erscheinungsbildes, sondern auch der Charaktereigenschaften und der Biografie aus. Dieses aus künstlerischer Fantasie entstandene Bild hat möglicherweise nichts mit der Persönlichkeit des Künstlers selbst zu tun.

Oftmals wird die Maske eines Pop-Art-Künstlers jedoch sozusagen zum konzentrierten Ausdruck seiner eigenen Persönlichkeit. Doch egal, hinter welcher Maske sich der Künstler verbirgt, er wendet sich direkt an das Publikum, ist bestrebt, es in das Geschehen einzubeziehen, es zu seinen „Gesprächspartnern“ zu machen.

Auf ihrem Weg löste die russische Popmusik verschiedene Probleme: Sie bewegte, rief, inspirierte, bildete, klärte auf und natürlich unterhielt sie. Unterhaltung ist wie keine andere Kunst charakteristisch für die Bühne. Aber es ist nicht gleichbedeutend mit Leere. Hinter der äußeren Leichtigkeit und Fröhlichkeit verbergen sich oft ernste Inhalte, und je talentierter der Künstler, je höher sein Können, desto besser gelingt es ihm, einen ernsthaften Gedanken zum Abschluss zu bringen leichte Form. Ein Beispiel für Staatsbürgerschaft, Gespür für soziale Inhalte und Exzellenz künstlerische Form dient der satirischen Kunst von A.I. Raikin.

Traditionell guter Platz auf unserer Bühne gehört zu den Genres, die mit Worten verbunden sind. Dies ist eine Geschichte, ein Monolog, ein kleiner Sketch, ein Feuilleton, ein Couplet, eine Parodie, eine Show. Die Aufgabe, die breite Masse an die Kultur der 20er–30er Jahre heranzuführen. 20. Jahrhundert erweckte die Form zum Leben künstlerische Lektüre aus den Bühnenwerken der modernen und klassischen Literatur. Künstler-Leser sind bestrebt, dem Publikum die Welt des Autors so umfassend wie möglich zu offenbaren. künstlerische Originalität Seine Arbeiten.

Auf der Bühne standen Musik- und Gesangsgenres im Vordergrund: Romantik, Barden- und Volkslieder, Pop- und Rockmusik, Jazz usw. Solokonzerte berühmter Popsänger locken ein großes Publikum an. Im Laufe der Entwicklung entstehen neue Formen und Stilrichtungen, sie bereichern musikalische Bühne frische künstlerische Ideen, spiegeln den Rhythmus der Zeit wider. Auf der Bühne sind choreografische Stücke, sowohl im Ensemble als auch im Solo, weit verbreitet: Volkstänze, Plastikduette, Theaterstückminiaturen, Tänze in modernen Rhythmen.

Das Spektakel der Zirkusvorstellungen lockt Besucher an: Jongleure, Illusionisten, Manipulatoren, Akrobaten, Seiltänzer, Pantomimen. An der Schnittstelle der Genres entstehen viele spannende Dinge: Pantomime und Akrobatik, Pantomime und Jonglieren usw. Viele Künstler nutzen die Exzentrizität, die der Pop-Art innewohnt.

Die Varietékunst entwickelte sich in der UdSSR weit verbreitet. Unionsweite Olympiade der Theater und Künste der Völker der UdSSR 1930, Unionsweites Volkstanzfestival 1936, Jahrzehnte nationale Kunst Unionsrepubliken trugen durch die Berichterstattung über Konzerte zur Entwicklung dieser Art von Kreativität bei Völkern bei, die sie bis auf Folkloreformen bisher nicht kannten. Regelmäßig fanden gesamtrussische und gesamtgewerkschaftliche Wettbewerbe für kreative Jugendliche statt. Popmusik ist synthetischer Natur und wurde schon immer mit Theater, Kino, Literatur und Musik in Verbindung gebracht. Verschiedene Formen Die Interaktion zwischen Pop-Art und anderen Künsten lässt sich im Laufe ihrer Geschichte beobachten. Jazz- und Rockmusik sind in der symphonischen Musik enthalten; Pop-Tanz, Akrobatik-Einfluss klassische Choreographie; wendet sich ständig der Kinobühne zu; Kritiker schreiben über die Vielfalt des Theaters. Die Bühne wiederum wird vom Prozess der Theatralisierung erfasst, er betrifft alle ihre Genres, die allgemeine Tendenz zu Theaterprogrammen, zur Schaffung von Aufführungen und Varietétheatern.

Jeder kennt das bemerkenswerte Können von K.I. Shulzhenko, der gefühlvoll lyrische Lieder vortrug.



Auftritt von Tarapunka (Yuri Timoshenko) und Shtepsel (Efim Berezin, links)./



Der Illusionist Harutyun Hakobyan steht auf der Bühne.



Berühmt Englische Gruppe"Die Beatles".

Die Wurzeln der Pop-Art reichen bis in die ferne Vergangenheit zurück und finden sich in der Kunst Ägyptens, Griechenlands und Roms; Seine Elemente sind in den Auftritten von reisenden Possenreißern (Russland), Shpilmanov (Deutschland), Jongleuren (Frankreich), Dandys (Polen) und Maskeradern ( Mittelasien) usw.

Satire auf städtisches Leben und Moral, scharfe Witze zu politischen Themen, eine kritische Einstellung zur Macht, Couplets, komische Szenen, Witze, Spiele, Clown-Pantomime, Jonglieren und musikalische Exzentrizitäten waren die Anfänge zukünftiger Pop-Genres, geboren im Lärm des Karnevals und quadratische Vergnügungen.

Marktschreier, die mit Hilfe von Witzen, Witzen und lustigen Sprüchen jedes Produkt auf Plätzen und Märkten verkauften, wurden später zu den Vorläufern der Entertainer. All dies war massiver und verständlicher Natur, was eine unabdingbare Voraussetzung für die Existenz aller Pop-Genres war. Alle mittelalterlichen Karnevalskünstler traten nicht auf.

In Russland manifestierten sich die Ursprünge des Pop-Genres in Possenspaß, Spaß und Massenkreativität sowie Volksfesten. Ihre Vertreter sind die Raus-Joker mit dem obligatorischen Bart, die das Publikum von der oberen Plattform der Raus-Kabine aus amüsierten und einluden, darunter Petersilienspieler, Raeshniks, Anführer der „wissenschaftlichen“ Bären, Possenreißer, die „Sketche“ und „Reprisen“ vorführten die Menge, spielte Pfeifen, Harfe, schnüffelte und amüsierte die Leute.

Varietékunst zeichnet sich durch Qualitäten wie Offenheit, Lakonizität, Improvisation, Festlichkeit, Originalität und Unterhaltung aus.

Popmusik entwickelte sich als eine Kunst der festlichen Freizeitbeschäftigung und strebte immer nach Ungewöhnlichkeit und Vielfalt. Das eigentliche Festgefühl entstand durch äußere Unterhaltung, Lichtspiele, malerische Landschaftswechsel, veränderte Form des Bühnenbereichs usw. Obwohl die Bühne durch eine Vielfalt an Formen und Genres gekennzeichnet ist, lässt sie sich in drei Gruppen einteilen:

• - Konzertbühne (früher „Divertissement“ genannt) vereint alle Arten von Aufführungen in Varietékonzerten;
• - Theaterbühne (Kammeraufführungen von Miniaturtheatern, Kabaretttheatern, Café-Theatern oder großen Konzertrevuen, Musiksäle mit großer Besetzung und erstklassiger Bühnentechnik);
• - festliche Bühne (Volksfeste, Feiertage in Stadien, voller Sport- und Konzertaufführungen sowie Bälle, Karneval, Maskeraden, Festivals usw.).

Es gibt auch diese:

• 1. Varietétheater
• 2. Musikhallen

Wenn die Grundlage einer Varieté-Show eine fertige Nummer ist, dann eine Rezension, wie jede andere auch dramatische Aktion, erforderte die Unterordnung aller Ereignisse auf der Bühne unter die Handlung. Dies fügte sich in der Regel nicht organisch zusammen und führte zu einer Schwächung einer der Komponenten der Aufführung: entweder der Nummer, der Charaktere oder der Handlung. Dies geschah während der Produktion von „Wunder des 20. Jahrhunderts“ – das Stück zerfiel in mehrere unabhängige, lose zusammenhängende Episoden. Erfolgreich beim Publikum waren lediglich das Ballettensemble und mehrere erstklassige Varieté-Shows. Zirkusvorstellungen. Das von Goleizovsky inszenierte Ballettensemble führte drei Nummern auf: „Hey, lasst uns schreien!“, „Moskau im Regen“ und „30 englische Mädchen“. Besonders beeindruckend war der Auftritt von „Snake“. Unter den Zirkusdarstellern waren die besten: Tea Alba und die „Australian Lumberjacks“ Jackson und Laurer. Alba schrieb mit der rechten und der linken Hand gleichzeitig verschiedene Wörter mit Kreide auf zwei Tafeln. Am Ende des Raumes rannten die Holzfäller los, um zwei dicke Baumstämme zu fällen. Der deutsche Strodi zeigte einen hervorragenden Balanceakt auf dem Drahtseil. Er schlug Saltos auf einem Drahtseil. Von den sowjetischen Künstlern hatten wie immer Smirnov-Sokolsky und die Lieder V. Glebova und M. Darskaya großen Erfolg. Unter den Zirkusdarbietungen stach die Darbietung von Zoe und Martha Koch auf zwei parallelen Drähten hervor.

Im September 1928 fand die Eröffnung der Leningrader Musikhalle statt.

• 3. Theater der Miniaturen – eine Theatergruppe, die hauptsächlich an kleinen Formen arbeitet: kleine Theaterstücke, Skizzen, Opern, Operetten sowie Varieténummern (Monologe, Couplets, Parodien, Tänze, Lieder). Humor, Satire und Ironie dominieren das Repertoire, auch Lyrik ist nicht ausgeschlossen. Die Truppe ist klein, ein Theater mit einem oder zwei Schauspielern ist möglich. Die Aufführungen sind lakonisch gestaltet, richten sich an ein relativ kleines Publikum und präsentieren eine Art Mosaik-Leinwand.
• 4. Konversationsgenres auf der Bühne – ein Symbol für Genres, die hauptsächlich mit dem Wort verbunden sind: Entertainer, Nebenschauplatz, Sketch, Sketch, Geschichte, Monolog, Feuilleton, Mikrominiatur (inszenierter Witz), Burime.

Entertainer – Entertainer können zu zweit, einzeln oder in der Masse auftreten. Ein Konversationsgenre, das nach den Gesetzen der „Einheit und des Kampfes der Gegensätze“ aufgebaut ist, also dem Übergang von Quantität zu Qualität nach dem satirischen Prinzip.

Ein Pop-Monolog kann satirisch, lyrisch oder humorvoll sein.

Zwischenspiel ist eine komische Szene oder ein Musikstück mit humorvollem Inhalt, das als eigenständige Nummer aufgeführt wird.

Ein Sketch ist eine kleine Szene, in der sich schnell Intrigen entwickeln, in der die einfachste Handlung auf unerwarteten lustigen, ergreifenden Situationen und Wendungen aufbaut und während der Handlung eine ganze Reihe von Absurditäten entstehen lässt, in der aber in der Regel alles glücklich endet Auflösung. 1-2 Zeichen (jedoch nicht mehr als drei).

Miniatur ist das beliebteste gesprochene Genre auf der Bühne. Auf der heutigen Bühne ist ein beliebter Witz (nicht veröffentlicht, nicht gedruckt – aus dem Griechischen) eine kurze aktuelle mündliche Geschichte mit einem unerwarteten witzigen Ende.

Ein Wortspiel ist ein Witz, der auf der komischen Verwendung ähnlich klingender, aber unterschiedlich klingender Wörter basiert, um die Klangähnlichkeit äquivalenter Wörter oder Kombinationen auszuspielen.

Reprise ist das am weitesten verbreitete Genre für kurze Konversationen.

Couplets sind eine der verständlichsten und beliebtesten Varianten des Konversationsgenres. Der Coupletist versucht, dieses oder jenes Phänomen lächerlich zu machen und seine Einstellung dazu zum Ausdruck zu bringen. Muss Sinn für Humor haben

Zu den Musik- und Konversationsgenres gehören Couplet, Liedchen, Chansonette und musikalisches Feuilleton.

Eine auf der Bühne übliche Parodie kann „konversational“, gesanglich, musikalisch oder tänzerisch sein. Zu den Sprachgenres gehörten einst Rezitationen, melodische Rezitationen, literarische Montagen und „künstlerische Lesung“.

Es ist unmöglich, eine genau aufgezeichnete Liste von Sprachgattungen anzugeben: Unerwartete Synthesen von Wörtern mit Musik, Tanz, ursprünglichen Gattungen (Transformation, Ventrologie usw.) bringen neue hervor Genreformationen. Die lebendige Praxis liefert ständig alle möglichen Varianten; es ist kein Zufall, dass es auf alten Plakaten üblich war, den Namen des Schauspielers mit „in seinem Genre“ zu versehen.

Jede der oben genannten Sprachgattungen hat ihre eigenen Merkmale, ihre eigene Geschichte und Struktur. Die Entwicklung der Gesellschaft und der sozialen Bedingungen diktierten die Entstehung des einen oder anderen Genres. Tatsächlich kann nur der im Kabarett geborene Entertainer als „Varieté“-Genre bezeichnet werden. Der Rest kam aus Kabinen, Theatern und von den Seiten humoristischer und satirischer Zeitschriften. Sprachgenres entwickelten sich im Gegensatz zu anderen, die dazu neigen, ausländische Innovationen zu berücksichtigen, im Einklang mit der heimischen Tradition, in enger Verbindung mit Theater und humorvoller Literatur.

Die Entwicklung von Sprachgenres hängt mit dem Niveau der Literatur zusammen. Hinter dem Schauspieler steht der Autor, der im Darsteller „stirbt“. Und doch schmälert der Eigenwert der Schauspielerei nicht die Bedeutung des Autors, der maßgeblich über den Erfolg der Handlung entscheidet. Oftmals wurden die Künstler selbst zu Autoren. Die Traditionen von I. Gorbunov wurden von Pop-Geschichtenerzählern aufgegriffen – Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov und andere schufen ihr eigenes Repertoire. Schauspieler, die kein literarisches Talent hatten, wandten sich um Hilfe an Autoren, die mit der Erwartung einer mündlichen Aufführung schrieben Berücksichtigen Sie die Maske des Darstellers. Diese Autoren blieben in der Regel „namenlos“. Seit vielen Jahren wird in der Presse die Frage diskutiert, ob ein für die Aufführung auf der Bühne geschriebenes Werk als Literatur gelten kann. In den frühen 80er Jahren wurden die Allunions- und dann die Allrussischen Verbände der Popautoren gegründet, die zur Legitimierung dieses Typs beitrugen literarische Tätigkeit. Die „Anonymität“ des Autors gehört der Vergangenheit an; zudem betraten die Autoren selbst die Bühne. Ende der 70er Jahre erschien das Programm „Hinter den Kulissen des Lachens“, komponiert wie ein Konzert, jedoch ausschließlich aus Auftritten von Pop-Autoren. Präsentierten in den vergangenen Jahren nur einzelne Autoren (Averchenko, Ardov, Laskin) ihre eigenen Programme, ist dieses Phänomen mittlerweile weit verbreitet. Das Phänomen M. Zhvanetsky trug wesentlich zum Erfolg bei. Nachdem er in den 60er Jahren als Autor des Leningrader Miniaturtheaters begonnen hatte, begann er unter Umgehung der Zensur an geschlossenen Abenden in den Häusern der kreativen Intelligenz, seine kurzen Monologe und Dialoge zu lesen, die sich wie Wyssozkis Lieder im ganzen Land verbreiteten.

5. Jazz auf der Bühne

Der Begriff „Jazz“ wird allgemein verstanden als: 1) eine Art Musikkunst, die auf Improvisation und besonderer rhythmischer Intensität basiert, 2) Orchester und Ensembles, die diese Musik aufführen. Zur Bezeichnung von Gruppen werden auch die Begriffe „Jazzband“, „Jazzensemble“ (manchmal mit Angabe der Anzahl der Interpreten – Jazztrio, Jazzquartett, „Jazzorchester“, „Big Band“) verwendet.

6. Lied auf der Bühne

Vokale (vokal-instrumentale) Miniatur, weit verbreitet in der Konzertpraxis. Auf der Bühne wird es oft als Bühnen-„Spiel“-Miniatur mit Hilfe von Plastik, Kostüm, Licht, Inszenierung („Liedtheater“) gelöst; sehr wichtig erwirbt die Persönlichkeit, Talentmerkmale und Fähigkeiten des Interpreten, der in manchen Fällen zum „Mitautor“ des Komponisten wird.

Die Genres und Formen des Liedes sind vielfältig: Romantik, Ballade, Volkslied, Couplet, Liedchen, Chansonette usw.; Auch die Aufführungsmethoden sind vielfältig: Solo, Ensemble (Duette, Chöre, Vokal-Instrumentalensemble).

Auch unter Popmusikern gibt es eine Komponistengruppe. Dies sind Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk usw. Das vorherige Lied war hauptsächlich ein Lied eines Komponisten, das aktuelle ist ein Lied eines „Interpreten“.

Viele Stile, Umgangsformen und Trends existieren nebeneinander – von sentimentalem Kitsch und urbaner Romantik bis hin zu Punkrock und Rap. Somit ist das heutige Lied ein vielfarbiges und stilistisches Panel, das Dutzende von Richtungen umfasst, von heimischen Folklore-Imitationen bis hin zu Aufgüssen afroamerikanischer, europäischer und asiatischer Kulturen.

7. Tanzen Sie auf der Bühne

Dabei handelt es sich um eine kurze Solo- oder Gruppentanznummer, die in landesweiten Popkonzerten, Varietés, Musikhallen und Miniaturtheatern aufgeführt wird. begleitet und ergänzt das Programm von Sängern, zahlreichen Original- und sogar Sprachgenres. Es entstand auf der Grundlage von Volks-, Alltags- (Gesellschafts-)Tänzen, klassisches Ballett, moderner Tanz, Gymnastik, Akrobatik, an der Schnittstelle aller möglichen ausländischen Einflüsse und nationale Traditionen. Die Art der Tanzplastizität wird durch moderne Rhythmen bestimmt und entsteht unter dem Einfluss verwandter Künste: Musik, Theater, Malerei, Zirkus, Pantomime.

Volkstänze gehörten zunächst zu den Aufführungen der Hauptstadttruppen. Das Repertoire umfasste theatralische Divertissement-Aufführungen des Dorf-, Stadt- und Militärlebens sowie Gesangs- und Tanzsuiten aus dem Russischen Volkslieder und tanzen.

In den 90er Jahren polarisierte der Tanz auf der Bühne stark, als würde er zur Situation der 20er Jahre zurückkehren. Tanzgruppen Wer im Showbusiness tätig ist, etwa bei „Erotic Dance“ und anderen, setzt auf Erotik – Auftritte in Nachtclubs diktieren ihre eigenen Gesetze.

8. Puppen auf der Bühne

Seit jeher wird in Russland Kunsthandwerk geschätzt, Spielzeug geliebt und lustiges Spiel mit einer Puppe. Petruschka beschäftigte sich mit einem Soldaten, einem Polizisten, einem Priester und sogar mit dem Tod selbst, schwang tapfer eine Keule, tötete diejenigen, die das Volk nicht mochte, stürzte das Böse und bekräftigte die Moral des Volkes.

Die Petersilienspieler wanderten allein, manchmal zusammen: ein Puppenspieler und ein Musiker, sie selbst komponierten Theaterstücke, sie waren selbst Schauspieler, sie waren selbst Regisseure – sie versuchten, die Bewegungen der Puppen, der Inszenierung und der Puppe zu bewahren Tricks. Puppenspieler wurden verfolgt.

Es gab andere Shows, in denen Puppen auftraten. Auf den Straßen Russlands konnte man Lieferwagen sehen, die mit Puppen an Schnüren beladen waren – Marionetten. Und manchmal mit Kisten mit Schlitzen im Inneren, durch die die Puppen von unten bewegt wurden. Solche Kisten wurden Krippen genannt. Puppen beherrschten die Kunst der Nachahmung. Sie liebten es, Sänger zu verkörpern, sie ahmten Akrobaten, Turner und Clowns nach.

9. Parodie auf der Bühne

Dies ist eine Nummer oder Darbietung, die auf ironischer Nachahmung (Nachahmung) eines individuellen Verhaltens, Stils, Charakteristische Eigenschaften sowohl Stereotypen des Originals als auch ganzer Bewegungen und Genres in der Kunst. Die Bandbreite des Komischen: von scharf satirisch (abwertend) bis humorvoll (freundlicher Cartoon) wird durch die Haltung des Parodisten zum Original bestimmt. Die Parodie hat ihre Wurzeln in antike Kunst, in Russland ist es schon lange in Possenspielen und Possenaufführungen präsent.

10. Kleine Theater

Gründung von Kabaretttheatern in Russland „The Bat“, „Curved Mirror“ usw.

Sowohl „Curves Mirror“ als auch „The Bat“ waren professionell starke Schauspielteams, die das Niveau erreichten Theaterkultur was zweifellos höher war als in zahlreichen Miniaturtheatern (von den Moskauer Theatern stach Petrovsky, dessen Direktor D.G. Gutman war, mehr als andere hervor, Mamonovsky, der dekadente Kunst kultivierte, wo Alexander Vertinsky während des Ersten Weltkriegs sein Debüt gab, Nikolsky - Künstler und Regisseur A.P. Petrovsky - Troitsky A.M. Fokina - Regisseur V.O. Toporkov.

Unter den spezifischen Merkmalen der Pop-Art sind für den Betrachter die Einfachheit und Zugänglichkeit sowie die künstlerische Klarheit die wichtigsten. Ein häufiger Besucher von Varieté-Programmen neigt immer dazu, zu erwarten, dass der Darsteller von den ersten Minuten an einen starken und natürlichen Kontakt zu ihm aufbaut.

Ein Pianist, Geiger oder Sänger kann sich darauf verlassen, dass er mit der Aufführung seiner Werke von Passage zu Passage das Publikum für sich gewinnen kann. „Der Entertainer stellt einen unmittelbaren, aufrichtigen und offenen Kontakt her. Die höfliche Beobachtung des Bühnengeschehens durch den Zuschauer kommt einem Scheitern gleich.“ 34

In der Entwicklungsgeschichte der Pop-Art gibt es viele Beispiele für den Verlust der Einfachheit der Wahrnehmung, der zum Zusammenbruch des offenen und aufrichtigen Kontakts mit dem Publikum führte, was ganze Genres teuer zu stehen kam. Dies gilt vor allem für diese Art von Pop-Art, nämlich Jazzmusik. In den Vorkriegsjahrzehnten war der Jazz in unserem Land (und nicht nur hier – ähnliche Prozesse lassen sich auch im Ausland, in seiner Heimat USA, beobachten) sehr eng mit der Unterhaltungsmusik, mit dem Massengesang verbunden. Unsere beliebten Sänger, darunter Leonid Utesov, führten ihre berühmten Lieder begleitet von Jazz-Ensembles auf. Jazz-Instrumentalmusik (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) basierte ebenfalls auf Melodien und Rhythmen, die für den Durchschnittshörer zugänglich waren.

Allmählich wurde die Jazzmusik komplexer und orientierte sich an den Errungenschaften des modernen Symphonismus in Bezug auf Harmonie und melodisch-rhythmische Strukturen. Ausgehend vom „Be-Bop“-Stil in den Nachkriegsjahren bis hin zur modernen „Fusion“ entwickelt sich Jazz tatsächlich im Einklang mit der „ernsthaften“ Musik, wobei der Fokus auf einem vorbereiteten Zuhörer liegt, der das Verständnis und die Liebe nicht jedermanns genießt. wie es vorher war. Ein besonderes Merkmal der Jazzkunst ist heute, dass die enge Verbindung des Jazz mit Gesang und „leichter“ Musik schwächer, wenn nicht sogar gebrochen ist.

Die spezifischen Merkmale der Pop-Art – Zugänglichkeit und Einfachheit – stehen in engem Zusammenhang mit einem weiteren spezifischen Merkmal – ihrer Massenattraktivität 35 . Es ist heute nicht mehr zu übersehen, dass die überwiegende Mehrheit der Zuschauer das Werk seiner besten Meister nur durch „Abwesenheits“-Treffen kennt. „Auch ohne genaue soziologische Daten können wir mit Sicherheit sagen, dass mindestens 90 Prozent des Publikums, das das Repertoire von Alla Pugacheva oder Valery Leontyev liebt und kennt, noch nie bei ihren Auftritten in einem Konzertsaal war. Für sie ist der in seiner Größe unbegrenzte Zuschauerraum der Fernsehbildschirm“ 36.

Fernsehvielfalt Kunst- ein besonderes Studienfach, das besondere Aufmerksamkeit verdient. Der Prozess der sozialen Regulierung des modernen Publikums kann nicht vollständig verstanden werden, ohne die Prozesse zu berücksichtigen, die bei der Ausstrahlung von Fernsehunterhaltung ablaufen 37 .

Viele Autoren, die über die Probleme von Fernsehunterhaltungsprogrammen schreiben, beklagen die unzureichende Anzahl solcher Programme. Literaturnaya Gazeta, die eine Umfrage unter jungen Menschen zu ihrer Einstellung zum Fernsehen durchführte, stellte fest, dass „die Vorschläge der Zuschauer („Welche Programme für junge Leute könnten Ihrer Meinung nach im Fernsehen erscheinen?“) eindeutig zwei Geistern untergeordnet sind – dem Geist von Unterhaltung und Wissensgeist“ Gleichzeitig fordern 91 Prozent (!!) des Publikums die Bühne! Und selbst diejenigen, denen die aktuellen Sortenprogramme gefallen: Sie haben einfach nicht genug – sie brauchen mehr“ 38 .

Es muss gesagt werden, dass quantitative Schätzungen der Fernseh-Varieté-Kunst nicht ganz korrekt sind. Forscher berücksichtigen nur spezielle Varieté-Programme, während in vielen anderen Programmen alle künstlerischen „Einlagen“ (und davon gibt es viele) tatsächlich musikalische Varieté-Nummern sind. Heute sind in der Pop-Art zwei Trends zu erkennen: das Aufkommen spezieller Unterhaltungsprogramme – wie „The Last Hero“, an denen neben einem engen Kreis von Pop-„Stars“ auch unbekannte Künstler aus der „Star Factory“ teilnehmen die Programme. Unter den Besonderheiten der Pop-Art ist die Mode hervorzuheben. Mode kann für ein bestimmtes Genre, für einen Darsteller, sogar für äußere Techniken der Präsentation einer Aufführung, für den Auftritt eines Künstlers in abwechslungsreiches Programm. Es ist sehr schwierig, die Muster der Modeentwicklung festzulegen, und noch schwieriger ist es, ein „maßgeschneidertes“ Stück vorzubereiten, das allgemeine Popularität erlangt und „den Ton angibt“.

Der ästhetischen Bildung der Bevölkerung (insbesondere junger Menschen) wird durch die gedankenlose Ausnutzung der Popularität einiger Varietéprogramme durch die Leitung von Konzertorganisationen erheblich geschadet. In der Presse wurden zahlreiche Fakten darüber zitiert, wie einzelne Direktoren philharmonischer Gesellschaften Showprogramme zum Nachteil von Symphonie- oder Kammerkonzerten „fördern“. Infolgedessen sind in vielen Städten, die früher für ihre Konzerttradition bekannt waren, inzwischen alle Veranstaltungsorte vollständig der Macht des Showbusiness ausgeliefert 39 .

Allerdings ist deutlich zu erkennen, dass dieser Kreis um junge talentierte Musiker und Sänger erweitert wurde, die die unterschiedlichsten Geschmäcker eines breiten Publikums bedienen.

Als Beispiel können wir uns an die Arbeit des hervorragenden Jazz-Ensembles „Arsenal“ unter der Leitung von A. Kozlov erinnern: Auf der Suche nach einem stärkeren Kontakt mit dem Publikum entschieden sich diese Künstler für eine mutige und unerwartete Theatralisierung ihrer Auftritte und schufen so etwas Neues Genrestruktur in der Pop-Art, die die Fantasie des Betrachters und Zuhörers anregt. Zu Beginn des Experiments gingen die Musiker natürlich das Risiko ein, dass Fans der Jazzimprovisation ihren Auftritt ablehnen würden. Alles wurde durch die ästhetische Kategorie des Maßes und den künstlerischen Geschmack bestimmt – solche scheinbar vergänglichen, schwer messbaren Konzepte.

All dies deutet darauf hin, dass Pop-Art trotz ihrer weiten Verbreitung ihre eigenen Besonderheiten aufweist. Ein theoretisches Verständnis dieser Kunst zeigt, dass in jeder Kreativität eine unvermeidliche Kluft zwischen Ideal und Realität, Wunsch und Tatsache, Absicht und Umsetzung besteht, und die Analyse dieses Umstands ist von grundlegender Bedeutung für das Verständnis der Perspektiven für die künstlerische Entwicklung der Realität. Wie von I.G. Sharoev: „Das Zusammenspiel verschiedener Kunstgattungen in unserer Zeit nimmt einen mehrwertigen Charakter an und die Dynamik der Grenzverletzungen nimmt zu.“ Heutzutage wird die Klassifizierung von Typen und Genres zu einer äußerst schwierigen Angelegenheit, da Typen und Genres so eng miteinander verbunden und verflochten sind, dass die Festlegung ihrer Grenzen oft recht willkürlich ist“40.

Ein ähnlicher Prozess führt zur Entstehung und Anerkennung neuer Genres verschiedene Arten In der Kunst macht sich das vor allem auf der Bühne bemerkbar, die immer sehr sensibel auf neue Trends reagiert. So wurden neue Genres und Formen etabliert, die ungewöhnlich vielfältig und flexibel sind: Rockoper, Zong-Oper, Rockmesse, Rocksuite und andere, in denen Elemente aus Oper und Ballett, Schauspiel und Pop-Art vorhanden sind.

Eine der Besonderheiten der von uns analysierten Kunstgattung ist die Vereinheitlichung verschiedener Genres, ihre Vielseitigkeit.

„Varieté-Kunst vereint ihrem Wesen nach vielfältige Gattungsmerkmale anderer Kunstgattungen, deren Gemeinsamkeit in der leichten Anpassungsfähigkeit an verschiedene Bedingungen der öffentlichen Vorführung, in der kurzen Wirkungsdauer, in der Konzentration ihrer künstlerischen Ausdrucksmittel liegt, was dazu beiträgt.“ zur anschaulichen Identifizierung der kreativen Individualität des Interpreten und im damit verbundenen Genrebereich lebendiges Wort, – in der Aktualität, der akuten gesellschaftspolitischen Relevanz der angesprochenen Themen, im Überwiegen humorvoller, satirischer und journalistischer Elemente“ 41.

Die nächste Besonderheit der Pop-Art besteht darin, dass die Vielfalt der Genres und Hintergründe sowohl die zeitliche als auch räumliche Verkörperung der Idee und Bedeutung in einer eigenen Nummer vorgibt, die die Grundlage der Pop-Performance bildet.

Es umfasst einzelne abgeschlossene Auftritte eines oder mehrerer Künstler und dauert nur 3-5 Minuten.

Bei der Erstellung einer Aufführung können die Darsteller die Hilfe eines Regisseurs, Dramatikers, Künstler, Komponist, Choreograf, während sie selbst über den Inhalt entscheiden. Die Ausdrucksmittel der Handlung sind ihrer Idee untergeordnet, und in dieser Hinsicht sollte alles in völliger Harmonie sein: Kostüm, Make-up, Bühnenbild, Bühnenpräsenz.

Die Kombination verschiedener Zahlen ergibt ein Vielfaltsprogramm, bei dem alle Arten von darstellende Künste: Darsteller: Sänger, Jongleure, Feuilletonisten, Sketchkünstler, Tiertrainer, Zauberer, Sänger, Akrobaten, Tänzer, Musiker, Demonstratoren psychologischer Experimente, Luftakrobaten und Reiter. Diese Vielfalt an Möglichkeiten macht die Pop-Art vielfältig, lebendig, originell und mit ihren ganz eigenen Besonderheiten.

Normalerweise werden die Nummern in einem Popkonzert durch den Moderator oder die Handlungsbasis vereint. Anschließend gibt es auf der Bühne einen Varieté-Review, der sowohl thematisch als auch strukturell vielfältig ist.

Eine weitere Besonderheit der Pop-Art besteht darin, dass ihre Künstler fast immer direkt mit dem Publikum kommunizieren. K.S. Stanislavski formulierte das Gesetz der Bühne, nach dem der Schauspieler unter Bedingungen „öffentlicher Einsamkeit“ agiert. „Wenn der Schauspieler in einem Theaterstück spielt und merkt, dass ihn Hunderte von Zuschauern anschauen, muss er sie gleichzeitig vergessen können. Ein Schauspieler sollte die Person, die er darstellt, nicht nachahmen, sondern zu einer werden, das fast reale Leben einer Bühnenperson unter den Umständen führen, die das Stück und die Aufführung bieten“ 42.

Der Entertainer, Verssänger oder Sänger wendet sich also direkt an das Publikum. Das Publikum erweist sich als Partner der Künstler und reagiert lebhaft auf das Bühnengeschehen, indem es den Darstellern Hinweise und Notizen gibt. Auch im Dialog sprechen die Künstler nicht nur einander, sondern auch das Publikum an.

Wie von A.V. Lunacharsky: „...in ihrer Lebendigkeit, in ihrer Fähigkeit, unmittelbar auf aktuelle Ereignisse zu reagieren, in ihrer politischen Schärfe hat die Bühne große Vorteile gegenüber Theater, Kino, ernsthafter Literatur“, denn „... letztere erfordert viel Zeit, seine Produkte zuzubereiten, ist in seiner Grundform deutlich schwerer als eine leichtflügelige und stechende, wie eine Wespe, ein Schlager oder eine Couplet-Chronik“ 43 .

Die oben aufgeführten qualitativen Merkmale der Pop-Art dienten als Kriterium für die Auswahl verschiedener Phänomene, die sein kreatives Erleben charakterisieren.

Im Laufe seiner Entwicklung haben sich die Pop-Stile mehrfach verändert. Stil zu verstehen bedeutet, in die verborgenen Mechanismen der Technik einzudringen. Schließlich ist hier nicht nur jedes Pop-Genre wichtig, sondern auch eine eigene Intonation, eine zufällige Geste. Es sind Metaphern, die die im Alltag verwobenen Lebensfäden zu einem komplexen künstlerischen Knoten verknüpfen. Nur sind Pop-Metaphern im Gegensatz zu anderen Künsten keine Abbilder langer, nicht ausgedehnter Zeiträume; hier erfolgt die Zählung nicht in Jahren, sondern in Monaten, Tagen und sogar Minuten. Variety ist eine Chronik zeitgenössischer Ereignisse.

Natürlich ist ein historischer Zeitraum von einem Vierteljahrhundert für jede Kunst ein riesiger Zeitraum. Aber weder in der Literatur noch im Theater und Kino hat die Zeit so dramatische Veränderungen hervorgebracht wie in der Pop-Art. Und es geht nicht darum, dass die neuen Idole die alten sowohl von der Bühne als auch aus der Erinnerung des Publikums verdrängt haben, sondern um etwas anderes, Wichtigeres. Veränderungen haben das Wesen dieses Typs, die innere Struktur seiner Formen und Gattungen, beeinflusst.

Selbst in den 60er Jahren kannte die Pop-Art beispielsweise keine Galaaufführungen einer Art „Liedertheater“ rund um einen „Stern“ mit einem Corps de Ballet und einem prächtigen spektakulären Gefolge, das nun von A. Pugacheva geschaffen wurde. V. Leontyev, S. Rotaru, L. Vaikule, noch Vokal- und Instrumentalensembles der 70er Jahre oder Rockbands der 80er Jahre.

Von der Bühne moderne Bühne Die Programme der Jazzorchester verschwanden nicht, weil die Gründer und Idole starben – L. Utesov, B. Rensky, E. Rosner. Ihren Nachfolgern gelang es nicht, das Leben des Jazz zu verlängern. Das Genre selbst ist ausgestorben – theatralisches Divertissement, das unter Begleitung und Beteiligung von Jazzmusikern neu geschaffen wurde.

Zahlreiche Spielarten von Miniaturtheatern – vom „Theater der zwei Schauspieler“ – M. Mironova und A. Menaker, L. Mirov und M. Novitsky oder dem Theater von A. Raikin bis hin zu einer Vielzahl studentischer Popgruppen der späten 50er Jahre – Anfang der 60er Jahre – eines nach dem anderen verschwanden sie aus verschiedenen Gründen oder wurden bis zur Unkenntlichkeit verändert, wie zum Beispiel das Hermitage Theatre – die Idee von Vl. Poljakowa. Mit dem Tod von A. Raikin starb das letzte Miniaturtheater aus. An ihre Stelle traten R. Kartsev und V. Ilchenko, M. Zhvanetsky sowie „Ein-Mann-Theater“ – G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur...

Theater-Varieté-Programme haben bis heute in irgendeiner Form überlebt, unterscheiden sich jedoch stark von früheren Programmen.

Die Zahl als Maßeinheit ist in einigen Sendungen auf die Größe einer Episode angewachsen, was ganz natürlich ist, da die Pop-Art neue Veranstaltungsorte erobert hat – die Arenen von Sportpalästen und Stadien. Große Räume erforderten die Konsolidierung aller Elemente der Pop-Art und der Technologie zur Erstellung und Reproduktion neuer Formen von Pop-Programmen.

In den letzten Jahren haben groß angelegte Varieté-Programme zunehmend Kammeraufführungen ersetzt. Das Varieté-Konzert, das bis vor Kurzem wie eine Aufführung im Theater oder ein Film im Kino die Hauptform der Pop-Art darstellte, wurde an den Rand der Unterhaltungspraxis gedrängt. Und das Popkonzert selbst hat sich bis zur Unkenntlichkeit verändert.

Im historischen Rückblick wurde die Grundlage des Konzerts durch das Prinzip der Vielfalt bestimmt, nach dem die Aufführung eines Genres durch ein anderes ersetzt wurde: ein Vorleser – ein Jongleur, ein Illusionist – ein Akkordeonspieler, ein Gitarrist usw.

Im Laufe des letzten Vierteljahrhunderts sind Interpreten von musikalischen Feuilletons, Couplets, Skizzen, Zwischenspielen, Miniaturen, Vorlesern, Geschichtenerzählern, Instrumentalisten usw. irgendwie unmerklich aus der nationalen Popkonzertszene verschwunden.

Der individuelle Auftritt auf der Bühne erfordert eine hohe Selbstbeherrschung. Um ein hohes Maß an Aktivität für einen Drehbuchautor, Regisseur oder Darsteller sicherzustellen, ist ein detailliertes System der alltäglichen kreativen Kontrolle wichtig, denn Unterhaltung kann man nur betreiben, wenn man die philosophische Kategorie „Maß“ beherrscht.

Stanislavsky schrieb: „Sagen wir nicht, dass das Theater eine Schule ist. Nein, Theater ist Unterhaltung. Es lohnt sich für uns nicht, dieses wichtige Element aus unseren Händen zu verlieren. Lassen Sie die Leute immer ins Theater gehen, um sich unterhalten zu lassen. Aber hier kommen sie, wir haben die Türen hinter ihnen geschlossen (...) und wir können in ihre Seelen gießen, was wir wollen“ 44. Dies hängt ausschließlich mit der Funktionsweise der Pop-Art zusammen. Bei einem Popkonzert, wenn es ein wunderbares Bühnenbild, tolle Interpreten, eine brillante, funkelnde Beleuchtung gibt, aktiviert und verblüfft alles den Zuschauer.

Dabei ist zu beachten, dass ein besonderes Merkmal der Pop-Art die Offenheit der Darbietung ist. Der Bühnenkünstler ist weder durch einen Vorhang noch durch eine Bühne vom Publikum getrennt; er ist sozusagen „ein Einheimischer“ und eng mit dem Publikum verbunden. Er macht alles offen vor dem Publikum, alles ist nah am Publikum, wo die Darsteller das Publikum sehen und hören können und in direkten Kontakt mit ihm kommen.

Das Ergebnis der oben diskutierten Besonderheiten der Pop-Art ist der nur ihr innewohnende wahrnehmungskommunikative Prozess, bei dem durch die enge Annäherung des Darstellers an das Publikum ein ganz besonderes System der Kommunikation, genauer gesagt der Kommunikation, entsteht. Während eines Auftritts macht ein Pop-Künstler aufmerksame Zuschauer und Zuhörer zu aktiven Partnern und lässt ihnen viel an Reaktionen zu. Ein Popkünstler selbst kann viel mehr, als in einem klassischen Konzert oder einer Theateraufführung vorgesehen ist. Dieser Künstler nimmt gegenüber der Öffentlichkeit eine Position maximalen Vertrauens und Offenheit ein.

Kurz gesagt, der Hauptunterschied zwischen Pop-Art ist die Spezifität des wahrnehmungskommunikativen Prozesses, der vom Publikum leicht wahrgenommen wird und zur Schaffung einzigartiger Werke beiträgt.

Der wahrnehmungskommunikative Prozess in der Pop-Art zeichnet sich trotz der Breite seiner Genrepalette und des Einflusses vieler sozialer und kultureller Faktoren durch die innere Dynamik der Kreativität aus.

Zu den Kunstgattungen zählen viele musikalische und poetische Werke der sogenannten Liebestexte, die berührende Einsichten auf die Bühne bringen: Sie zeichnen sich durch Unterhaltung und Humor aus.

Die Antwort ist dort zu suchen, also im Beziehungssystem der beiden Parteien – Darsteller und Zuschauer – sowie in der eigenen Lebensposition des Darstellers, im wahrnehmungskommunikativen Prozess. Liebestexte, verkörpert in einem Varieté-Programm, suggerieren eine sehr höheren Grad das Vertrauen des Darstellers in das Publikum, das eine Art Geständnis entstehen lässt, wenn jemand jemandem etwas ganz Intimes erzählen muss – über sein Glück oder seine Sorgen.

Eine Besonderheit der Pop-Art ist Effizienz, die Fähigkeit, auf die „heißen“ Themen des Tages zu reagieren, den positiven emotionalen Ton des Betrachters nach dem Prinzip zu formen und zu stärken: morgens – in der Zeitung, abends - in einem Vers.

Es ist kein Zufall, dass alle gesellschaftlich akuten Situationen zunächst die Entstehung neuer Werke kleinerer Formen anregten, die wiederum dem Publikum als Kraft- und Inspirationsquelle dienten.

Daher ist das wichtigste Merkmal der Pop-Art ihre soziale Ausrichtung. Damit einhergehend entwickelte sich die Popmusik als Kunst der festlichen Freizeitgestaltung, die zu einer Vielzahl von Popgenres, zur Ungewöhnlichkeit ihrer Wahrnehmung führte und den Wunsch der Menschen erfüllte, ihre Urlaubsfreizeit, ihre Ruhe mit neuen Eindrücken, künstlerischen Entdeckungen zu füllen und positive Emotionen. Es sind diese Eigenschaften, die einen Urlaub vom Alltag unterscheiden. Helligkeit und Originalität dienten und dienen dazu, die Aufmerksamkeit des Publikums auf jede Nummer zu lenken, da ein Varietéprogramm, auch von kurzer Dauer, zwangsläufig einen Moment der Konkurrenz der Nummern enthält, da jeder von ihnen sein Recht auf einen verteidigen muss freundliche Haltung des Publikums.

Das Publikum eines Popkonzerts oder Theaterstücks erwartet von jeder Nummer, von jeder Episode eine Art Neuheit, eine unerwartete Wendung in der Handlung, in der Aufführungstechnik. „Zuschauer, die zu einer Varieté-Show kommen, denken normalerweise, dass sie alles im Voraus wissen – jetzt wird der Prolog gespielt, dann wird der Moderator auf der Bühne erscheinen, aber wir müssen uns bemühen, sie im guten Sinne zu „enttäuschen“, ihnen zu gefallen ( mehr als einmal) eine fröhliche Überraschung, um den gemessenen Ablauf des Programms „in die Luft zu jagen“ 45.

Auf der Bühne vor einem Publikum, das auf ein festliches Spektakel eingestellt ist, muss der Künstler, während er seine Wünsche befriedigt, alle seine individuellen Fähigkeiten offenbaren und sich als „Alleskönner“ erweisen. Dazu sollten Sie Ihr Repertoire ständig aktualisieren, eine neue Wendung in der Lösung des Aktes finden, die Besonderheiten des wahrnehmungskommunikativen Prozesses der Pop-Art berücksichtigen und einen witzigen Anfang, Höhepunkt und Ende der Aufführung erfinden. Daher erfolgt die Erneuerung bekannter Genres aufgrund der Schaffung eines unerwarteten künstlerischen Bildes und der Art seiner Ausführung.

Die produktivsten und künstlerisch überzeugendsten Versuche bestanden immer darin, das Varieté-Genre, in dem der Interpret normalerweise auftritt, zu verkomplizieren. Einst erschien auf der Bühne ein theatralisches Jazzorchester unter der Leitung von Leonid Utesov. Die Aufführungen der Leser begannen sich in „Ein-Mann-Theater“ zu verwandeln, Solosänger begannen zu tanzen und es wurde die Geburt völlig neuer, bisher unbekannter Genres beobachtet.

Ein besonderes Merkmal der Pop-Art ist eine festliche Atmosphäre, die der Natur des kreativen Prozesses selbst entspricht. Gesang und Schauspielkunst brachten den Theatergesang hervor, der die Kunst der Begleittänzer (Tanzen mit kleinen Bewegungsamplituden) ergänzte, und der moderne Popgesang ist zu einer noch komplexeren Kunst in seiner Struktur geworden.

Heutzutage findet man häufig Varieté-Aufführungen, bei denen ein Darsteller singt, tanzt, einen Monolog hält und als Parodist auftritt. Pop-Instrumentalisten sind in der Lage, mehrere verschiedene Instrumente zu spielen und wecken dadurch zusätzliches Interesse an ihrem Auftritt.

Folglich kann ein Popkünstler im Gegensatz zu einem akademischen Künstler viele berufliche Fähigkeiten, die „an der Schnittstelle“ mehrerer Kunstarten liegen, perfekt beherrschen, diesen Zustand jedoch nicht vergessen. In diesem Fall unterhält und fesselt der Darsteller das Publikum und ruft bei ihm nicht nur mit dem Inhalt des Werks, sondern auch mit seiner „Festlichkeit“ positive Emotionen hervor, wobei die Besonderheiten des wahrnehmungskommunikativen Prozesses der Pop-Art berücksichtigt werden.

Auch durch rein äußerliche Unterhaltung lässt sich ein festliches Gefühl erzeugen. Am häufigsten bei Revue-Aufführungen in Varietés anzutreffen sind die Lichtspiele, der Wechsel malerischer Kulissen, die Veränderung der Form des Bühnenraums vor den Augen des Publikums, die beim Publikum für freudige Aufregung und gute Laune sorgen.

Ja, viele Genres der Pop-Art bestechen durch Leichtigkeit und Prägnanz der Wahrnehmung aufgrund einer gewissen Vereinfachung der Struktur des Werks, die seinen Inhalt und seine Form aufhellt. Dies kann jedoch nicht als Rückzug in kleinliche Themen angesehen werden. Das gewählte (abgedeckte) Thema kann sehr umfangreich und bedeutsam sein. Aber weil es im Werk frei von der komplexen Verflechtung mit anderen Themen erscheint, wird das Werk leichter wahrzunehmen sein. Eine andere Möglichkeit, den Inhalt zu verarbeiten, besteht darin, Themen auszuwählen, die nicht den Anspruch erheben, groß zu sein und in die Tiefe zu gehen, sondern persönlich und unternehmensorientiert sind und für einen bestimmten Personenkreis von Interesse sein können.

Daher wird der Begriff „Varietät“ als eine spezifische Sprache der Ausdrucksmittel interpretiert, die nur zu dieser Art von Kunst gehört.

Vielfalt ist ein Merkmal der Technik und Kunstfertigkeit eines Künstlers, der auf einer Popbühne auftritt.

Ein Pop-Künstler ist zunächst ein Meister in einem der Genres und kann erst dann sein Talent in den verschiedenen Genres der Pop-Art unter Beweis stellen.

Ein besonderes Merkmal der Pop-Art ist daher ihr genreübergreifender Charakter, der Musik, Tanz, Gesang, Konversation, Zirkus usw. vereint. Trotz der Multigenre hat jeder Künstler sein eigenes künstlerische Besonderheiten und Ausdrucksmittel diktiert die offene Bühne (Bühne), auf der der Schauspieler auftritt, seine eigenen Bedingungen: direkter Kontakt mit dem Publikum, „Offenheit“ des Könnens, die Fähigkeit zur sofortigen Transformation usw. Der wichtigste „Baustein“ eines Varietéprogramms , oder Konzert, ist eine Nummer – eine kurze, einmalige Aufführung (von einem oder mehreren Interpreten), die nach den Gesetzen der Dramaturgie strukturiert ist. Kurzfilme setzen eine extreme Konzentration der Ausdrucksmittel, „Anziehung“, den Einsatz von Groteske, Possenreißern und Exzentrizität voraus. Von besonderer Bedeutung sind das Vorhandensein einer hellen Individualität, ein vom Schauspieler erfolgreich gefundenes Bild (manchmal eine Maske) und innere Energie.

Dies sind unserer Meinung nach die wesentlichen Besonderheiten der modernen Pop-Art.

Seite 1

Wort "Vielfalt" (

aus dem Lateinischen Schichten

Mittel – Bodenbelag, Plattform, Hügel, Plattform.

Die genaueste Definition von Pop-Art als einer Kunst, die verschiedene Genres vereint, findet sich im Wörterbuch von D. N. Ushakov: „ Bühne

Das ist die Kunst der kleinen Formen, der Bereich der spektakulären und musikalischen Darbietungen auf offener Bühne. Seine Besonderheit liegt in seiner leichten Anpassungsfähigkeit an verschiedene Bedingungen der öffentlichen Demonstration und der kurzen Aktionsdauer, in künstlerischen und ausdrucksstarken Mitteln, in der Kunst, die zur lebendigen Identifizierung der schöpferischen Individualität des Darstellers beiträgt, in der Aktualität, der akuten gesellschaftspolitischen Relevanz von Die behandelten Themen dominieren Elemente des Humors, der Satire und des Journalismus.

Die sowjetische Enzyklopädie definiert Popmusik als aus Frankreich stammend estrade

eine Kunstform, die kleine Formen dramatischer und dramatischer Kunst umfasst Gesangskunst, Musik, Choreographie, Zirkus, Pantomime usw. In Konzerten gibt es separate abgeschlossene Nummern, verbunden durch Unterhaltung und eine Handlung. Wie unabhängige Kunst entstand Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert.

Es gibt auch die folgende Definition der Bühne:

Ein dauerhafter oder temporärer Bühnenbereich für Konzertauftritte eines Künstlers.

Pop-Art hat seine Wurzeln in der fernen Vergangenheit und lässt sich in der Kunst nachweisen Antikes Ägypten Und Antikes Griechenland. Obwohl Varieté-Kunst eng mit anderen Künsten wie Musik, Schauspiel, Choreografie, Literatur, Kino, Zirkus und Pantomime interagiert, handelt es sich um eine eigenständige und spezifische Kunstform. Die Grundlage der Pop-Art ist „Die Nummer Seiner Majestät“ – wie N. Smirnov-Sokolsky sagte1.

Nummer

Eine kleine Aufführung eines oder mehrerer Künstler mit eigener Handlung, eigenem Höhepunkt und eigenem Abschluss. Die Besonderheit der Aufführung liegt in der direkten Kommunikation des Künstlers mit dem Publikum, im eigenen Namen oder von einer Figur aus.

IN mittelalterliche Kunst reisende Künstler, Possentheater in Deutschland, Possenreißer in Russland, Maskentheater in Italien usw. Es erfolgte bereits eine direkte Ansprache des Künstlers an das Publikum, die es dem späteren Künstler ermöglichte, direkter Teilnehmer der Aktion zu werden. Die kurze Dauer der Aufführung (nicht mehr als 15–20 Minuten) erfordert höchste Konzentration der Ausdrucksmittel, Lakonizität und Dynamik. Sortennummern werden nach Merkmalen in vier Gruppen eingeteilt. Die erste Typgruppe umfasst Konversations- (oder Sprach-) Nummern. Dann gibt es musikalische, plastisch-choreografische, gemischte, „originelle“ Nummern.

Die Kunst der Commedia del-arte (Maskentheater) des 16.-17. Jahrhunderts basierte auf dem offenen Kontakt mit dem Publikum.

Aufführungen wurden normalerweise auf der Grundlage von Standard-Handlungsszenen improvisiert. Musikalischer Klang als Zwischenspiele (Einlagen): Lieder, Tänze, Instrumental- oder Gesangseinlagen – war die direkte Quelle des Varieté-Acts.

Im 18. Jahrhundert erschienen sie komische Oper und Varieté. Vaudevilles waren spannende Darbietungen mit Musik und Witzen. Ihre Hauptfiguren sind einfache Leute- immer besiegte dumme und bösartige Aristokraten.

Ein bis Mitte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde das Genre der Operette (wörtlich: kleine Oper) geboren: ein Typus Theaterkunst, das Gesang und kombinierte Instrumentalmusik, Tanz, Ballett, Elemente der Pop-Art, Dialoge. Wie unabhängiges Genre Die Operette erschien 1850 in Frankreich. Der „Vater“ der französischen Operette und der Operette im Allgemeinen war Jacques Offenbach(1819-1880). Später entwickelte sich das Genre in der italienischen „Maskenkomödie“.

Die Bühne ist eng mit dem Alltag, mit Folklore, mit Traditionen verbunden. Darüber hinaus werden sie neu gedacht, modernisiert, „ausgeliefert“. Als unterhaltsamer Zeitvertreib werden verschiedene Formen der Pop-Kreativität genutzt.