Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Pessoal, colocamos nossa alma no site. Obrigado por isso
que você está descobrindo essa beleza. Obrigado pela inspiração e pelos arrepios.
Junte-se a nós em Facebook E Em contato com

Alta arte- algo complexo e incompreensível para muitos. A pintura renascentista com a sua imagem perfeita atrai muitos admiradores, mas não é fácil para todos acreditar que as obras de Picasso e Kandinsky possam realmente custar um dinheiro fabuloso. A abundância de pessoas nuas na fotografia é outro mistério, assim como o paradoxo do facto de boas pinturas não precisa ser bonito.

local na rede Internet Aprendi as respostas para diversas questões interessantes sobre pintura observando as obras de historiadores da arte e especialistas culturais.

1. Pintar é tão caro assim?

De vez em quando ouvimos falar de quantias exorbitantes pagas por esta ou aquela pintura. Mas, na realidade, esse tipo de dinheiro representa muito poucos empregos. A maioria dos artistas nunca viu grandes somas de dinheiro. O crítico de arte Jonathan Binstock acredita que existem apenas cerca de 40 autores no mundo cujas pinturas são avaliadas como uma soma com muitos zeros.

Marcas dominam a arte

Deixe-nos dar talvez o exemplo mais marcante. Você provavelmente já ouviu falar do grafiteiro Banksy. A aguda orientação social das obras e a biografia, coberta por uma aura de sigilo, cumpriram sua função. Hoje Banksy é um artista cujas obras são avaliadas em somas de vários dígitos. Sua pintura "Menina com balão"foi vendido por £ 1,042 milhão. E o mundo inteiro começou a falar sobre o desempenho de sua destruição imediatamente após a venda.

Banksy é uma marca e marcas vendem bem. Por isso, o custo de uma pintura é em grande parte determinado pela fama de seu autor.

A venda bem-sucedida de uma pintura é a chave para o sucesso de outras

O artista pode ter azar por muito tempo; vegetará na pobreza e na obscuridade, incapaz de vender suas obras com lucro. Mas assim que ele conseguir vender uma de suas pinturas por muito dinheiro, você pode ter certeza que o preço de suas outras obras disparará.

Raridade, escassez, singularidade

O artista holandês Jan Vermeer é hoje considerado inestimável. Não há muitas pinturas de seu pincel - apenas 36. O artista pintou bastante devagar. A pintura do holandês “O Concerto”, que desapareceu em 1990, está agora avaliada em aproximadamente 200 milhões de dólares. Raridade e escassez pinturas afeta o fato de que seus preços são simplesmente altíssimos.

O lendário Van Gogh é uma supermarca. São poucas as pinturas do artista, e é óbvio que ele não vai criar mais nada. Suas obras são únicas.

Há 10 anos, a “Composição Suprematista” de Malevich foi vendida por 60 milhões de dólares.Talvez, se não fosse a crise, teria sido vendida por 100 milhões de dólares. As pinturas de Malevich estão em abundância em coleções particulares, e não se sabe quando será a próxima vez que algo dessa classe aparecerá no mercado. Talvez em 10 anos, ou talvez em 100.

Em geral, é óbvio: os compradores estão dispostos a pagar quantias exorbitantes de dinheiro para itens extremamente raros.

A inovação é cara

Uma das obras de Richard Prince na direção do "empréstimo artístico".

A pintura assume função de atração

Hoje o nível do turismo cultural está crescendo e a pintura cumpre a função atrações. EM museus famosos Os turistas fazem fila por horas. E para se declarar e reivindicar fama mundial, a galeria certamente deve possuir os originais de pintores famosos e populares.

Os centros de turismo cultural criados artificialmente também estão a crescer, por exemplo no Médio Oriente e na China. Recentemente a família real Catar firmou um acordo privado no valor $ 250 milhões- tudo pelo bem do país ter uma foto Cézanne "Os jogadores de cartas".

Quando você tem tudo, você começa a se sentir atraído pela arte.

Em 2017, o bilionário Dmitry Rybolovlev vendeu esta pintura a Leonardo da Vinci por US$ 450 milhões. Agora, este é o negócio mais caro do mundo da pintura.

Quando você tem 4 casas e um avião G5, o que mais há para fazer? Resta investir dinheiro na pintura, porque uma das "moedas" mais duráveis».

Segundo dados de 2015, existem 34 milhões de milionários de dólares no mundo. E mesmo se imaginarmos que apenas 1% deles se interessa por arte, verifica-se que só existem 340 mil pessoas dispostas a desembolsar grandes somas em pinturas. E as próprias pinturas autores famosos, como escrevemos acima, bastante, principalmente se comparado ao número de milionários. Além disso, mesmo quem não se interessa pela pintura está disposto a investir nela em prol do prestígio ou da estabilidade desse investimento.

Acontece que o alto custo da pintura se deve em grande parte ao fato de que demais um grande número de dinheiro caça uma pequena quantidade de bens.

2. Todas as pinturas precisam de molduras?

Pintura de Georges Seurat "Canal em Gravelines, Great Fort Philip".

O livro de Susie Hodge, Por que há tantas pessoas nuas na arte, fala sobre o propósito das molduras. Sim eles proteja as bordas da imagem e chame a atenção para ela. Algumas molduras são elaboradas, outras são muito simples, não distraem a contemplação. O objetivo da moldura é complementar a imagem e exibi-la da melhor maneira possível.

Aqui está um artista abstrato Piet Mondrian comparou os quadros com a parede que fica entre o observador e a pintura. Ele queria remover essa sensação de distância. E o artista escreveu nas bordas das telas e até nas paredes laterais.

Georges Seurat não gostava de sombras, que é lançado pelas molduras na imagem. E ele próprio frequentemente representava molduras de pequenos pontos de cores diferentes. A propósito, daqui a meio século a televisão em cores funcionará de acordo com um princípio semelhante nas pinturas de Seurat.

3. Por que há tantas pessoas nuas nas pinturas?

Fragmento do afresco de Michelangelo "A Criação de Adão".

Até os antigos gregos acreditavam que o corpo nu era incrivelmente bonito.

Na arte, na maioria das vezes a nudez - isso é um símbolo. Um símbolo de vida nova, de sinceridade, do desamparo de um ser vivo, assim como da vida e da morte.

Além disso, nada causa emoções tão fortes no espectador, como nudez. Pode ser interesse, constrangimento, vergonha ou admiração.

4. Por que tudo é tão plano e geralmente irreal?

Pintura Artista tcheco Bogumil Kubishty "O Hipnotizador".

Talvez uma das acusações mais comuns contra mestres modernos soa assim: os artistas parecem ter esquecido como transmitir a realidade. Daí o equívoco de que os objetos parecem planos.

Mas vejamos, por exemplo, as telas cubistas. Eles quebram a perspectiva, mas retratam objetos simultaneamente de diferentes ângulos e mesmo em momentos diferentes. Portanto, não se pode dizer que a imagem na tela seja bidimensional.

Não há mais necessidade de desenhar “parece” – a fotografia pode fazer isso. Portanto, para buscar uma resposta à questão de por que o artista retratou a realidade como plana nesta ou naquela imagem, é preciso procurar a ideia do autor. Ao retirar alguns detalhes da imagem, o artista concentra a atenção em outros. Ao simplificar a imagem, ele

Mas os profissionais artistas de vanguarda dos séculos 19 a 20 tinha por trás deles Educação Artistica e uma base forte. Eles poderiam escrever do jeito que quisessem, mas em algum momento decidi fazer assim, imitando os primitivistas. Como se costuma dizer, isto foi intencional, porque se trata de uma forma completamente nova (e portanto interessante para quem está cansado do antigo) de influenciar o espectador.

Os artistas teriam feito um ótimo trabalho com uma pintura no espírito do classicismo acadêmico, e é por isso que era entediante para eles. O jovem Picasso pintou retratos comoventes e bastante realistas. Mas o artista maduro escolheu um caminho que choca, revigora o olhar, o que ajuda a demonstrar um sentido de cor fresco e um sentido de forma.

6. As pinturas têm que ser bonitas?

Bonito não significa arte, e a própria arte nem sempre retrata a beleza. A ideia de beleza de cada pessoa é diferente e a opinião de um indivíduo não pode ser considerada um padrão.

Vamos fazer uma pausa na pintura e traçar um paralelo com o cinema. Entre os críticos de arte deparamo-nos com a seguinte opinião: dizer que as pinturas devem certamente ser belas é o mesmo que dizer que o verdadeiro cinema só é comédia romântica ou um melodrama com final feliz. E dramas psicológicos, filmes de ação, thrillers não são cinema. Concordo, há lógica nisso.

A arte (incluindo a pintura) deve falar a linguagem do seu tempo. E para curtir qualquer imagem, mesmo que realista, você precisa saber o que está retratado nela. Nas exposições, costumamos ler as legendas das pinturas e até usar um audioguia.

Que tipo de pintura está perto de você?

OLÁ A TODOS! Como sempre, a alegre Dreamy está com você! Este post foi criado com o intuito de responder algumas dúvidas de todos aqueles que se interessam por Artistas. No mesmo sentido, quero dizer que existem questões, bem, não muito estranhas que podem ofender artistas humanos/monstros

Repito mais uma vez este post irá apenas responder algumas perguntas: por que um artista.....?

Se você é escritor ou cantor, não se ofenda!

Uma pergunta provavelmente unirá alguns!

Vamos à questão!)

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

(Alguns pontos da minha experiência serão retirados)

1. Por que os artistas estão tristes?

Hum. Bem, a primeira coisa que posso dizer é uma crítica porque alguns membros da comunidade URA não fazem essa mesma crítica de forma branda, o que fere os sentimentos do artista.

Falta de compreensão de amigos/parentes

Os artistas veem este mundo de maneira completamente diferente, e nem todos conseguem entender o que e como veem o nosso mundo.

E você também pode dizer sentimentos comuns que se manifestam da mesma forma que nós Vida cotidiana.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

2. Por que os Artistas trabalham à noite?

Artistas podem pintar a noite toda

Deixe-me acordar às sete da manhã amanhã,

Banindo os sonhos.

Afinal, a noite é a hora da inspiração!

E a noite não é hora para sonhos.

Os artistas podem.

Pintar.

Acho que a resposta é clara, mas se não, então...

A noite é um momento calmo em que chega a inspiração e, por assim dizer, a paz, onde ninguém te incomoda ou te puxa.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

3. Por que acho os artistas estranhos?

Terei duas respostas para esta pergunta.

1. Pessoas criativas são indivíduos talentosos que adoram ser úteis e fazer o bem aos outros. Gostam da liberdade, por isso quaisquer restrições serão percebidas por eles como uma violação de direitos. Muitas pessoas acreditam que pessoas criativas solitário, infeliz e não vive muito. Felizmente, este não é o caso. O talento é dado a uma pessoa por Deus, basta aproveitar o momento e começar a desenvolver suas habilidades a tempo.

É importante destacar que entre as crianças prodígios existem de fato muitas pessoas infelizes, pois sua criatividade nem sempre é compreensível para os outros. Via de regra, a atividade cerebral de uma pessoa comum ocorre dentro de certos limites, e tudo que ultrapassa esses limites é percebido como algo antinatural e anormal. Por esta razão, é muito difícil para as pessoas criativas sobreviverem nesta mundo cruel, em que existem tantos estereótipos persistentes e falta de vontade de evoluir.

A neurociência confirma que indivíduos talentosos pensam e agem de maneira diferente. As mentes das pessoas criativas são literalmente projetadas para pensar de forma única, diferente da maioria. No entanto, tal presente da natureza pode complicar significativamente a vida e prejudicar o relacionamento com outras pessoas. Se você conhece uma pessoa criativa, provavelmente já teve a ideia mais de uma vez de que ela vive em um mundo completamente diferente. Na maioria dos casos, tentar compreender tal personalidade é tão inútil quanto tentar mudá-la. Para poder se adaptar a essa pessoa, você precisa aprender a ver o mundo através dos olhos dela.

2. Basicamente, os artistas são pessoas pragmáticas comuns com uma percepção visual desenvolvida do mundo, que veem a vida em fotos e imagens. A história sobre a loucura deles é uma mentira.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

4. Por que os artistas estão sozinhos?

Bom, a primeira coisa é que nem todo mundo é Artista.

Na verdade, todas as pessoas criativas se sentem solitárias por vários motivos. antes de tudo, gênios. uma pessoa verdadeiramente criativa pode ver algo belo em tudo, mas muitas pessoas não entendem. esse mal-entendido gera desconfiança. em segundo lugar, as pessoas criativas pensam e veem o mundo à sua maneira, de forma diferente. em terceiro lugar, sua intuição está muito mais desenvolvida e eles sentem os sentimentos e veem os pensamentos dos outros. uma pessoa criativa é uma nova etapa na perfeição do mundo. quanto mais pessoas assim existirem, melhor pessoas comuns pode ver os problemas do mundo inteiro. o que significa que há mais chances de consertar. Portanto, pessoas criativas são guias para os outros, direcionamos o pensamento das pessoas na direção certa.

Espero que esteja claro.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

5. Por que alguns artistas pedem demissão e fazem outra coisa?

vou te dar um exemplo meu bom amigo(saia da depressão;-; por favor.)

Infelizmente, não se sabe exatamente por que ele removeu tudo, mas alguns pontos ainda podem levar a isso.

1. Esta é a mesma crítica, feita não de forma branda, mas de forma cruel e imprecisa.

2. São os mesmos críticos, mas de uma forma que diz como fazer, ou como alguns os chamam de “Falsos professores” ou “ChSV não são artistas”

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

Bem, esta questão não é por que, mas como este pequeno excepcional

6. Como acalmar um artista?

Estudante russo primavera de 2017

Direção: jornalismo

Indicação: Melhor Material Editorial

Por que as pessoas criativas são um pouco estranhas?

“Dificilmente existe o prazer mais elevado do que o prazer de criar.”

N. V. Gógol

Você provavelmente já ouviu a frase “pessoa criativa” pelo menos uma vez na vida e geralmente ela tem uma conotação levemente irônica com o significado de “incomum, maravilhoso”. Indivíduos criativos pensam, agem e às vezes até falam de maneira diferente das pessoas comuns. Eles têm hábitos e rotinas diárias estranhos e incompreensíveis. Eles podem se vestir de maneira ridícula e ser excessivamente emocionais, infantis e excêntricos. Mas o mais surpreendente é que eles não se consideram nada estranhos. Eles simplesmente não têm tempo para prestar atenção a essas ninharias, porque estão completamente absortos em sua criatividade, e mesmo que aos olhos do público um indivíduo seja geralmente desprovido de talento, então ele mesmo realmente ama seu trabalho, não importa o que aconteça.

Por que as pessoas criativas são estranhas? Costuma-se dizer que eles estão “voando nas nuvens” ou “não são deste mundo”. E isso é absolutamente verdade. A criatividade de uma pessoa se manifesta, antes de tudo, por meio de sua imaginação. A imaginação está no cerne da música de Bach, dos poemas de Pushkin e das pinturas de Picasso. Graças ao aumento da sensibilidade, o criador em sua vida cotidiana encontra constantemente as imperfeições do mundo, a desarmonia, o caos e as contradições, portanto, com a ajuda de sua imaginação, ele se move para um maravilhoso mundo imaginário no qual não há lugar para problemas cotidianos e adversidades. É muito legal lá, e é para lá que o criador vai toda vez que pega uma escova/calça sapatilhas de ponta/senta ao piano (sublinhe conforme apropriado). O próprio processo criativo lhe traz muito prazer, por isso ele trabalha dia e noite, esquecendo-se do sono e da alimentação. E ele se esforça para mostrar os resultados de seus impulsos criativos aos outros, a fim de dar-lhes uma parte de seu mundo ideal para tornar sua vida mais harmoniosa, mais perfeita e mais bonita. Existe um romântico dentro de cada criador que sonha em mudar a realidade para melhor.

Outra qualidade dos indivíduos criativos é a capacidade de ver o incomum no comum. Os criadores, assim como as crianças, estão prontos para se surpreender com tudo! Eles são muito observadores, curiosos e adoram aprender. O desejo constante de experimentar coisas novas distingue pessoa criativa do habitual. Uma pessoa criativa deve desenvolver-se e crescer constantemente, melhorando suas habilidades.

Às vezes, os indivíduos criativos são percebidos de forma inadequada na sociedade devido à sua independência de julgamento e coragem criativa. O criador sempre tem sua própria opinião, e as opiniões dos outros o influenciam muito menos do que a média das pessoas. O criador não se importa com o que os outros pensam dele, e não se importar com a opinião pública muitas vezes causa julgamentos negativos vindos de fora. A criatividade em si vai além dos estereótipos e modelos, e tal comportamento, como você sabe, não é bem recebido pela multidão. A multidão tem suas próprias regras e os criativos definitivamente não se enquadram nelas.

Os psicólogos consideram outra característica das pessoas criativas uma atitude positiva em relação tarefas complexas. As dificuldades apenas os motivam a trabalhar cada vez mais. Aliás, vale destacar a eficiência dos criadores. Eles certamente não sairão correndo do trabalho assim que chegarem as seis da tarde. Em termos de vida pessoal, podem parecer pessoas preguiçosas e descuidadas, mas no trabalho são muito disciplinados, comprometidos e trabalhadores.

E por último, provavelmente a qualidade mais importante de um criador é o talento. O talento é inerente a uma pessoa por natureza em suas habilidades mentais e propriedades anatômicas. “O talento é como uma verruga - ou existe ou não”, disse Faina Ranevskaya. Já na infância, os pais percebem que seu filho faz algo melhor que as outras crianças. Provavelmente agora direi um truísmo, mas o talento pode desaparecer para sempre se não for adquirido a tempo e desenvolvido através de muito trabalho. Além do talento, os criativos costumam ter um desejo crescente pela beleza, por assim dizer, um senso estético desenvolvido.

Para resumir, gostaria de dizer que afinal personalidades criativas não nascemos, mas nos tornamos. Há um grande número de exemplos em que a autodisciplina e o trabalho árduo criaram verdadeiros gênios, não piores do que aqueles que eram inicialmente talentosos. Agora existem muitos treinamentos sobre o desenvolvimento da criatividade e testes para reconhecer suas inclinações criativas. Mas, em geral, tudo isso não importa se o trabalho que você faz lhe traz prazer. E, mesmo que você não saiba dançar, mas ame, ninguém se atreve a te impedir!

Fonte da foto: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/

Todas as pinturas são emolduradas?

Piet Mondrian. Composição com amarelo, vermelho, azul, preto e cinza. 1920

Georges Seurat. Tarde de domingo no Lago La Grande Jatte. 1884

Citação do livro

“Normalmente as pinturas são colocadas em molduras para serem expostas. As molduras chamam a atenção para a pintura e protegem suas bordas. Algumas molduras são ornamentadas, especialmente obras antigas que antes ficavam penduradas em mansões. Outras molduras são muito simples, não distraem a contemplação da arte. O objetivo das molduras é complementar as pinturas contidas no seu interior, para mostrá-las do melhor lado.

Piet Mondrian acreditava que as molduras são como paredes. Às vezes parece que se colocam entre o público e a arte, como se criassem um obstáculo, separando a pintura do resto do mundo. Mondrian queria que todos gostassem do seu trabalho e que ninguém se sentisse separado dele. Ele escreveu nas bordas da tela. E às vezes até nas laterais.

Ele derrubou essas paredes!

Georges Seurat não gostou do fato de as molduras projetarem sombras nas bordas da pintura. E ele mesmo desenhou a moldura. Consiste em milhares de pequenos pontos em mais de 25 cores diferentes.

Você sabia que a imagem na tela da televisão é composta de pontos chamados pixels? Esta pintura foi pintada mais de 50 anos antes da invenção da televisão em cores!”

Um comentário

Pode parecer ridículo dedicar um capítulo inteiro aos frames, muito menos começar um livro praticamente com isso. Mas há razões para isso. Em primeiro lugar, nunca olhamos para uma imagem no vazio. A luz, a altura em que está localizada, as obras vizinhas, as anotações - tudo isso cria espaço ao seu redor. Falando sobre escultura moderna, certamente falam do “espaço poético” que a rodeia: o significado de alguma escultura abstrata só nasce quando o espectador a olha. Em segundo lugar, de fato, a moldura muitas vezes se torna o enredo da própria pintura - como comprovado nos exemplos engraçados acima. Por fim, o enquadramento é um elo essencial na cadeia de perguntas e respostas, que ajudará a compreender melhor o trabalho. Depois de descobrir quem é o autor e se ele influenciou a história da arte, você pode dar uma rápida olhada no quadro. Aliás, em 1990, o New York Metropolitan fez uma espécie de exposição ao contrário: o museu exibiu muitas molduras vazias para chamar a atenção para uma realidade muitas vezes ignorada.

Por que tudo é plano?

Nebamon caça nos pântanos. Tumba de Nebamon, ca. 1350 a.C. e.

Jean Metzinger. Mesa perto da janela. 1917

Citação do livro

“Nem todos os objetos de arte parecem tridimensionais.

As imagens bidimensionais ou 2D são planas, como esta página. Tridimensional, ou 3D, - tem altura, largura e profundidade, como uma bola.

EM tempos diferentes a arte era tão plana quanto a superfície sobre a qual os artistas pintavam, ou tridimensional, como as coisas reais.

Muito Arte antiga, como as pinturas murais egípcias, parecem planas. Parece mais diagramas e é completamente diferente da vida.

Mesmo nos tempos antigos, os artistas sabiam transmitir volume e pintavam imagens planas propositalmente.

EM Antigo Egito pessoas nobres foram enterradas em tumbas pintadas junto com seus tesouros. As paredes do túmulo foram decoradas com desenhos que não eram destinados aos vivos. Eles mostraram aos deuses o que as pessoas faziam durante sua vida.

A imagem parece plana para torná-la mais clara para os deuses.

<…>O que está na mesa? Você vê um vaso de flores, um copo, carta de baralho e a janela ao lado?

Jean Metzinger não segue as leis da perspectiva, mas ainda quer mostrar que os objetos da pintura são tridimensionais. Portanto, ele os retrata simultaneamente de diferentes ângulos. Essa técnica é chamada de cubismo."

Um comentário

Este ponto reflete o ceticismo geral de que os artistas se esqueceram de como representar de forma confiável a realidade tridimensional - grosso modo, “parece um desenho”. A autora de Naked People, Susie Hodge, conta com a ajuda de antigos mestres, artistas abstratos e cubistas. Coletá-los sob o marcador “plano” é muito engraçado - os cubistas criam pelo menos mais de três planos em sua pintura e, às vezes, até retratam o mesmo objeto em diferentes momentos, de modo que seu trabalho não pode ser chamado de plano. Porém, não há uma resposta clara para essa pergunta infantil, e toda vez é preciso pensar por que o artista decidiu deixar tudo plano. Hodge esquece as especificidades culturais: a perspectiva é uma invenção europeia e na arte de muitos países pode, em princípio, não ser encontrada. O raciocínio de que uma imagem plana se torna mais decorativa e abstrata é bastante razoável – assim como a associação entre “plano” e “antigo”. Mas, ao mesmo tempo, Hodge, por algum motivo, evita uma conclusão muito simples e óbvia: ao remover alguns detalhes da imagem, o autor foca em outros. Grosso modo, ao simplificar (e achatar) uma imagem, um artista pode torná-la mais expressiva e, em muitos casos, ao simplificar será mais fácil para ele controlar essa expressividade.

Por que existem tantas pessoas nuas na arte?

Sandro Botticelli. Nascimento de Vênus. 1486

Yves Klein. Antropometria sem nome. 1960

Citação do livro

“Na pintura, na escultura e na fotografia, as pessoas nuas são muito comuns.

Tudo vem dos antigos gregos, que acreditavam que o corpo nu era belo e digno de estudo. Ainda hoje, os artistas aprendem a desenhar pessoas nuas para compreender melhor a forma do corpo. Isso é chamado de desenho da vida.

Vênus nua, a deusa romana do amor e da beleza, flutua parada na concha de uma concha. De acordo com lenda antiga, Vênus nasceu adulta e atravessou o mar. Botticelli pintou sua pintura muitos anos depois do surgimento dessa lenda.

Na arte, a nudez muitas vezes significa vida nova. Na época de Botticelli, as mulheres cobriam cuidadosamente o corpo. Mas Vênus está nua porque é uma deusa, não uma mulher comum!

Muitos artistas acreditam que o corpo feminino é mais bonito que o masculino, razão pela qual as mulheres nuas são mais comuns na arte do que os homens nus.

Em 1960, Yves Klein criou nova maneira retratar corpos de mulheres. Ele cobriu mulheres nuas com tinta azul e as colocou sobre uma tela gigante no chão. Eles serviram como “pincéis vivos”.

Um comentário

O capítulo mais intrigante do livro está no título – que, em geral, é bastante compreensível. Mas também não encontraremos aqui uma resposta clara à questão - entre as opções propostas estão reunidas várias ao mesmo tempo: o estudo da plasticidade do corpo e da sua beleza, símbolo da vida e um tapa na cara opinião pública. No entanto, não há mistério aqui: poucas coisas no mundo evocam uma reação tão forte em uma pessoa - interesse e constrangimento, vergonha e desejo, admiração ou, pelo contrário, repulsa - como a nudez. Nu corpo humano na arte - e, por diversas razões, é o feminino o símbolo mais poderoso da vida e da morte. Nesse sentido corpo nu- esta é uma ferramenta de artista, que ele pode retratar em uma imagem ou mostrar em vida. No último caso estamos falando sobre sobre desempenho. Uma performance nua será mais emocionante, às vezes frágil, às vezes desagradável. Além disso, o corpo nu também é um símbolo obrigatório de sinceridade, que Lucian Freud gostava de usar, mostrando o desamparo do ser humano. Ao mesmo tempo, o corpo nu na tradição europeia está tão intimamente ligado à ideia de beleza que a demonstração de um corpo excessivamente desagradável, como Freud adorava fazer, não é menos chocante e faz pensar no envelhecimento e no desbotamento. . Com o argumento da predominância das mulheres nuas sobre os homens, nem tudo é tão simples: em Rússia czarista, por exemplo, era possível pintar apenas nus masculinos e, para os femininos, os artistas tradicionalmente iam para a Itália.

Você precisa conhecer o enredo das pinturas?

John Everett Millais. Ofélia. 1851–1852

Cornélia Parker. Matéria escura fria: observando perturbações. 1991

Citação do livro

“As histórias são contadas em todas as formas de arte – da pintura e escultura ao cinema.

Uma obra de arte é uma janela para a imaginação de outra pessoa. Vemos fatos e histórias através dos olhos de outra pessoa.

Há cerca de 160 anos existia um movimento chamado Irmandade Pré-Rafaelita. Os artistas desse movimento pintaram temas, muitas vezes extraídos da história. Suas pinturas eram às vezes chamadas de "romances emoldurados". Millais era um pré-rafaelita.

<…>A bela Ofélia se afogou e a artista imagina como isso poderia ter acontecido. Para tornar a imagem mais interessante, ele a decora com vários símbolos. Por exemplo, papoulas vermelhas e miosótis azuis significam lembrança ou lembrança dos mortos.

Isso é bom história famosa, e as pessoas migraram para a Royal Academy de Londres, onde a pintura foi exibida pela primeira vez em 1852.

Há uma história por trás desta obra de arte. Cornelia Parker queria criar um clima, uma atmosfera, para nos fazer pensar sobre nossas vidas e o que deixaremos para trás.

Não pensamos muito em um galpão de jardim. Armazenamos nele coisas desnecessárias das quais rapidamente esquecemos. Parker decidiu explodir tudo!

Depois recolheu pedaços de madeira carbonizada e metal empenado e pendurou-os no teto com linha de pesca. Ela colocou uma lâmpada no meio para lançar sombras ameaçadoras nas paredes.”

Um comentário

Neste capítulo, o autor faz um movimento astuto e tenta equiparar a história da criação do quadro ao seu enredo. Por que isso é necessário? No século 20, a arte tornou-se em grande parte sem enredo, e se antes era impossível compreender a arte sem compreender a história (por exemplo, ler os enredos clássicos da pintura de ícones - e graças a isso compreender se o artista fez ou não uma revolução em uma determinada obra), agora adquiriram muito maior importância a história do artista e a história da criação de uma determinada pintura. Acompanhar a biografia do autor tornou-se tão emocionante quanto acompanhar temporadas de séries de TV de longa duração: ele se mudou para a Europa, começou a se preocupar mais com os migrantes, mas por causa disso de repente se tornou menos interessante, ou, digamos, Cai Guoqiang - ele se retreinou como um mestre dos grandes fogos de artifício tecnológicos e perdeu todo o seu charme conceitual. Mas Richard Long: durante toda a sua vida percorreu caminhos por todo o mundo, não traiu as suas ideias, pelas quais foi incluído em todos os livros didáticos de land art.

Quem são todas essas pessoas?

Eduardo Hopper. Chop Suey. 1929

Marco Quinn. Y. 2006

Citação do livro

“Muitas pinturas estão cheias de pessoas, mas quem são elas?

No passado, mesmo antes da invenção da fotografia, pessoas nobres encomendavam os seus retratos. Os artistas tinham que mostrar o quão poderosos, bonitos e ricos eram os clientes. Freqüentemente, famílias inteiras posavam para retratos de grupo para o artista.

<…>O retrato de Edward Hopper mostra duas mulheres elegantes à mesa de um restaurante. Ao contrário dos retratos do passado, estas mulheres não são pessoas importantes. Eles são os mais comuns e não diferem dos visitantes aleatórios. Na multidão vemos muitas pessoas desconhecidas para nós, e é exatamente isso que Hopper queria retratar.

E embora ele mostre dois estranhos, ambos foram inspirados na esposa de Hopper!

<…>Marc Quinn usou seu próprio sangue para fazer o molde da cabeça. A escultura é mantida fria, caso contrário derreterá.

É um lembrete de como a vida é frágil, disse Quinn. A cada cinco anos o escultor faz uma nova cabeça, para que você possa ver como ela envelhece.”

Um comentário

Na verdade, ao pensar em quem está retratado na foto, é preciso pensar antes de tudo em quem encomendou a obra. Comparando a época da escrita e o personagem principal, pode-se até levantar uma hipótese sobre o sucesso do artista. Histórias da Bíblia Freqüentemente, eram escritos por ordem da igreja, embora houvesse, é claro, encomendas privadas. Antes dos impressionistas, os retratos eram pintados principalmente sob encomenda para pessoas ricas, então Artistas franceses Eles fizeram uma revolução quando começaram a pintar pessoas comuns, mas depois tiveram que pensar em como vender todas essas pinturas. E da obra de Marc Quinn é fácil concluir que o artista não passa fome e não vivencia os problemas dos impressionistas: seu trabalho não exige tanta coragem, mas sim orçamentos sólidos.

Por que há frutas nas pinturas?

Paulo Cézanne. Maçãs e laranjas. 1899

Jan van Kessel. Natureza morta "Vanitas". 1665-1670

John Lorbeer. Tarzan/Perna em pé. 2002

Citação do livro

“Os artistas costumam pintar maçãs e laranjas, mas por quê?

Em primeiro lugar, a fruta é confiável. Ao contrário dos modelos humanos, eles não piscam, não se contorcem nem exigem chá.

A representação de frutas ajuda os artistas a explorar as formas, cores e tons da natureza.

Essas pinturas são chamadas de naturezas mortas. Antes da invenção da fotografia, os artistas demonstravam seus talentos criando naturezas mortas realistas. Mas então tudo mudou...

Paul Cézanne pintou este quadro após a invenção da câmera e não sentiu que sua tarefa fosse copiar a realidade. Um fotógrafo também poderia fazer isso!

Ele pintou frutas redondas em uma tela plana, mas de uma maneira nova. Para mostrar o formato da fruta, ele retratou cada maçã simultaneamente de vários ângulos, de diferentes perspectivas. Parece que as maçãs estão prestes a cair da mesa.

<…>Esta imagem tem um duplo significado. Ao lado das flores, Jan van Kessel retratou uma caveira - um símbolo da morte. Este é um aviso que nos lembra da fragilidade da vida. Não devemos esquecer que eventualmente morreremos!

Ainda a vida é Palavra francesa, que significa "natureza morta". Na tela, as flores parecem vivas, mas em Vida real eles se transformam em pus.

<…>John Lorbeer é um ilusionista óptico famoso por suas figuras congeladas.

Tudo é bastante confuso aqui. É o mesmo objeto que uma fruta capturada em uma natureza morta, mas ao mesmo tempo está vivo e não pintado. O tempo passa, mas ele permanece imóvel e pendurado na parede como uma pintura.

Um comentário

Boa resposta para a pergunta, mas falta um ponto importante. A natureza morta é principalmente um estudo da forma pura. E se um artista raramente pinta uma natureza morta - como fizeram, por exemplo, muitos impressionistas - isso significa que ele não está preocupado com as qualidades formais do quadro, mas com a sensação momentânea que ele transmite. As naturezas mortas realmente transmitem a ideia da fragilidade da existência - mas não se pode tomá-la como absoluta: afinal, muitos heróis nos retratos também são mortais. A ideia de que uma peça performática às vezes pode se transformar em uma natureza morta também é bastante divertida - mas é preciso lembrar que isso é muito raro.