Os retratos de Mussorgsky não eram feitos com frequência. Este não é Rembrandt, que todos os anos se olhava e observava como ele mudava. Os retratos de Mussorgsky, via de regra, refletem apenas o externo, mas estamos interessados ​​nele mundo interior, o que lhe permitiu criar grandes obras musicais.

primeiros anos

O modesto Petrovich Mussorgsky era filho de um proprietário de terras não rico, mas bem nascido. Ele nasceu na região norte de Pskov em 1839. Dois irmãos mais velhos morreram cedo, e a mãe Yulia Ivanovna deu toda a sua ternura e amor ao filho mais novo.

O modesto Petrovich manteve proximidade com ela durante toda a vida e, mais tarde, a morte dela foi um duro golpe para ele. Maman foi a primeira a ensiná-lo a tocar piano. Nenhum retrato de Mussorgsky sobreviveu dessa época. Mas seu futuro já foi decidido há muito tempo: o menino será militar.

Petersburgo

Depois de se formar na escola de alferes da guarda, Modest Mussorgsky começou a servir no Regimento de Guardas Preobrazhensky. Na foto à esquerda está um oficial da Guarda Vida. Estamos em 1856. Ele tem 17 anos. Era bonito e tinha excelente postura, modesto, quase uma criança, um jovem que ainda não tinha definido a sua vida. Ele sente vontade de servir, cumprir o dever, autocontrole e força de vontade.

Perto, à direita, está uma fotografia dele e de seu irmão em 1858. Liberdade interior, olhar severo, como se o futuro compositor decidisse algo por si mesmo. A razoabilidade e a auto-absorção estão presentes em todas as suas características.

Nessa época, Modest Mussorgsky era um músico talentoso. Ele também é uma pessoa muito educada: fala e escreve fluentemente em francês e Línguas alemãs, lê grego e latim. Ele já está familiarizado com A.S. Dargomyzhsky e M.A. Balakirev e escreveu dois scherzos. Um músico que não estudou no conservatório conseguiu orquestrar um deles com sucesso.

Sob a liderança de Balakirev, Mussorgsky trabalhou em partituras orquestrais, estudando-as cuidadosamente, e também analisou a harmonia, o contraponto e a forma das composições. compositores famosos, aprendi a criticá-los e avaliá-los profundamente. A essa altura, ele deixa o serviço militar, mas impõe a si mesmo as mais rigorosas exigências, não permitindo qualquer promiscuidade.

Socialite

Modest Petrovich cuidou de sua aparência.

O músico procurou dar às pessoas a impressão dele como uma pessoa próspera. Na verdade, desde a cabeça bem penteada até as pontas dos sapatos elegantes e polidos, um homem elegante e bem vestido olha através de nós com total serenidade no rosto.

Em vida, ele foi um homem com tantos modos, elegância, fala excelente, inteligência e educação que todas as mulheres se derreteram sob seu charme. Ele também tinha um amor secreto por uma mulher cujo nome não revelou a ninguém. Presumivelmente, este é N.P. Opochinina, a quem colocou no pedestal mais alto e a ela dedicou suas obras mais líricas.

Maturidade

Este é o início do período mais sombrio da vida do compositor. O retrato apresentado a seguir mostra que Modest Mussorgsky resiste apesar dos golpes que o destino lhe desfere: O Poderoso Punhado se separou, a imprensa atacou violentamente suas obras, a peça “Boris Godunov” quase deixou de ser encenada. A mulher que ele amava morreu e o compositor sofreu imensamente. Após a morte dela, ele escreveu o romance amargo “Tombstone Letter”.

Ele viveu apenas de criatividade, criando romances baseados nos poemas de seu novo amigo, o conde A.A. Golenishcheva-Kutuzova. Mas ele se casou e desferiu um golpe irreparável na amizade e na cooperação em Mussorgsky.

Decolagem criativa

Ainda na escola militar, surgiu um desejo por libações. Sob pesado experiências emocionais ela acordou novamente. Uma imaginação desenvolvida permitiu, juntamente com o vinho, escapar à triste realidade e criar. A impulsividade que lhe era característica obrigou-o a iniciar novos trabalhos sem terminá-los. Sublimando força interior, o individualista Modest Petrovich mergulhou na música. Foi nessa época que “Pictures at an Exhibition”, uma suíte para piano em memória de seu amigo artista Hartmann, foi escrita. Ele mesmo compôs o enredo de “Khovanshchina” e começou a escrevê-lo, assim como “ Feira Sorochinskaya"Baseado em Gógol. Ele já estava pensando em uma ópera sobre o tema do levante de Pugachev. Apesar de tudo, ele queria criar e aproveitar a vida.

Ilya Repin “Retrato de Mussorgsky”

O modesto Petrovich não serviu mais. Seus amigos malhavam e lhe pagavam uma pequena pensão. Em 1881 ele teve um ataque de delirium tremens. Ele foi internado no hospital. Ao longo de quatro sessões de 14 a 17 de março, I. Repin criou um retrato de M.P. Mussorgsky. E no dia 28 de março o compositor faleceu. Isso dá ao retrato profundidade e drama especiais.

A bata do hospital, o cabelo desgrenhado e a barba não nos distraem do rosto de uma pessoa completamente doente. Há um brilho em seus olhos e uma mente viva e brilha o pensamento de obras futuras que ele não poderá compor. Afinal, ele não pensava na morte. Repin não embelezou em nada o compositor e, portanto, ele se revelou uma pessoa viva e real.

A artista suavizou inchaços e rugas, criou as mais complexas nuances de luz no rosto e nos deixou uma imagem cheia de força criativa e nobreza interior. A cor é clara e transparente. Contra um fundo claro, o rosto e a figura parecem especialmente significativos.

Todos os retratos de Mussorgsky mostram sua mudança de oficial e socialite impecável para uma personalidade que perdeu força.

Gênero: suíte para piano.

Ano de criação: Junho de 1874.

Primeira edição: 1886, revisado por NA Rimsky-Korsakov.

Dedicado à: V. V. Stasov.

História de criação e publicação

O motivo da criação de “Quadros em uma Exposição” foi uma exposição de pinturas e desenhos do famoso artista e arquiteto russo Viktor Hartmann (1834 - 1873), organizada na Academia de Artes por iniciativa de V. V. Stasov em conexão com a morte repentina do artista. Nesta exposição foram vendidas pinturas de Hartmann. Das obras do artista sobre as quais foram escritas as “Quadros” de Mussorgsky, apenas seis sobreviveram em nosso tempo.

Victor Aleksandrovich Hartman (1834 - 1873) foi um notável arquiteto e artista russo. Concluiu o curso na Academia de Artes, depois de estudar construção prática, principalmente sob a orientação de seu tio P. Gemilien, passou vários anos no exterior, desenhando monumentos arquitetônicos por toda parte, registrando-os a lápis e aquarelas tipos folclóricos e cenas da vida nas ruas. Convidado então a participar da organização da Exposição de Manufatura de Toda a Rússia de 1870 em São Petersburgo, ele fez cerca de 600 desenhos, segundo os quais foram construídos vários pavilhões de exposições. Esses desenhos demonstram a imaginação inesgotável, o gosto sutil e a grande originalidade do artista. Foi por este trabalho que em 1872 foi digno do título de acadêmico. Depois disso, realizou vários projetos arquitetônicos (um portão destinado à construção em Kiev, em memória do acontecimento de 4 de abril de 1866, Teatro Popular em São Petersburgo e outros), fez desenhos de cenários e figurinos para a ópera “Ruslan e Lyudmila” de M. Glinka, participou da organização da Exposição Politécnica de Moscou de 1872. De acordo com seus projetos, foi construída uma casa para a gráfica de Mamontov and Co., uma casa de campo para Mamontov e várias casas particulares.

Mussorgsky, que conhecia bem o artista, ficou chocado com a sua morte. Ele escreveu a V. Stasov (2 de agosto de 1873): “Nós, tolos, geralmente somos consolados nesses casos pelos sábios: “ele” não existe, mas o que ele conseguiu fazer existe e existirá; e eles dizem, quantas pessoas têm um destino tão feliz - para não ser esquecido. Novamente uma bola branca (com raiz-forte para lágrimas) do orgulho humano. Para o inferno com sua sabedoria! Se “ele” não viveu em vão, mas criada, então que tipo de canalha você tem que ser para conciliar com o prazer do “consolo” o fato de que “ele” parou de criar. Não há e não pode haver paz, não há e não deveria haver consolo – é flácido”.

Alguns anos depois, em 1887, quando se tentou publicar a segunda edição de “Pictures from an Exhibition” (a primeira, editada por N. A. Rimsky-Korsakov, foi censurada por se afastar da intenção do autor; notamos alguns dos esses desvios em nossos comentários), V. Stasov escreveu no prefácio: ... esboços vivos e graciosos de um pintor de gênero, muitas cenas, tipos, figuras da vida cotidiana, capturadas na esfera do que corria e girava ao seu redor - em nas ruas e nas igrejas, nas catacumbas parisienses e nos mosteiros polacos, nas vielas romanas e nas aldeias de Limoges, carnavalescos à la Gavarni, trabalhadores de blusa e padres montados num burro com um guarda-chuva debaixo do braço, velhas francesas a rezar, judeus a sorrir debaixo de um quipá, catadores de trapos parisienses, lindos burros se esfregando em uma árvore, paisagens com ruínas pitorescas, distâncias maravilhosas com um panorama da cidade..."

Mussorgsky trabalhou em “Pictures” com extraordinário entusiasmo. Em uma de suas cartas (também para V. Stasov) ele escreveu: “Hartmann está fervendo, assim como Boris estava fervendo - sons e pensamentos pairavam no ar, eu engulo e como demais, mal tenho tempo de riscar o papel (.. .). Quero fazer isso de forma mais rápida e confiável. Meu rosto fica visível nos interlúdios... Que bom trabalho.” Enquanto Mussorgsky trabalhava neste ciclo, a obra foi referida como "Hartmann"; o título “Quadros de uma Exposição” apareceu mais tarde.

Muitos contemporâneos consideraram a versão para piano do autor de “Pictures” uma obra que não era para piano, não conveniente para execução. Há alguma verdade nisso. No “Dicionário Enciclopédico” de Brockhaus e Efron lemos: “Vamos apontar uma série de esquetes musicais intitulado "Pictures at an Exhibition", escrito para piano em 1874, na forma ilustrações musicaisàs aquarelas de V. A. Hartmann." Não é por acaso que existem muitas orquestrações desta obra. A orquestração de M. Ravel, feita em 1922, é a mais famosa, e foi nesta orquestração que “Pictures at an Exhibition” recebeu reconhecimento no Ocidente. Além disso, mesmo entre os pianistas não há unidade de opinião: alguns executam a obra na versão do autor, outros, em particular V. Horowitz, transcrevem-na. Na nossa coleção “Quadros de uma Exposição” são apresentados em duas versões – a versão original para piano (S. Richter) e orquestrada por M. Ravel, o que permite compará-los.

Histórias e música

Quadros de uma Exposição é um conjunto de dez peças, cada uma inspirada em um dos temas de Hartmann. Mussorgsky “inventou” uma maneira absolutamente maravilhosa de combinar essas suas imagens musicais em um único todo artístico: para isso ele usou material musical introdução, e como as pessoas costumam caminhar pela exposição, ele chamou essa introdução de “Caminhada”.

Então, estamos convidados para a exposição...

Andar

Esta introdução não constitui a parte principal – substantiva – da exposição, mas é um elemento essencial de toda a composição musical. Pela primeira vez, o material musical desta introdução é apresentado na íntegra; no futuro, o motivo “Caminhada” em diferentes versões - ora calmo, ora mais animado - é utilizado como interlúdio entre as peças, o que expressa maravilhosamente condição psicológica espectador em uma exposição enquanto ele passa de uma pintura para outra. Ao mesmo tempo, Mussorgsky alcança um sentimento de unidade de toda a obra com máximo contraste musical- e sentimos claramente que visual também (pinturas de W. Hartmann) - o conteúdo das peças. A respeito de sua descoberta de como conectar peças, Mussorgsky disse (na carta a V. Stasov citada acima): “as conexões são boas (no “promenade” [é isso que é em francês - andar]) (...) Meu rosto fica visível nos interlúdios.”

A cor de “The Walk” atrai imediatamente a atenção - seu caráter russo claramente perceptível. O compositor dá instruções em sua observação: nelmodorusso[itálico. - em estilo russo]. Mas esta observação por si só não seria suficiente para criar tal sentimento. Mussorgsky consegue isso por vários meios: primeiro, através de modos musicais: "The Promenade", pelo menos a princípio, é escrito no chamado modo pentatônico, ou seja, usando apenas cinco sons (daí o termo, que se baseia no palavra "penta"), então há “cinco”) - sons que formam os chamados semitom. Os demais e os utilizados no tópico são separados entre si por tom inteiro. Os sons excluídos neste caso são la E Mi bemol. Além disso, quando o personagem é delineado, o compositor utiliza todos os sons da escala. A escala pentatônica por si só dá à música um aspecto distinto personagem folclórico(Não é possível aqui explicar as razões deste sentimento, mas elas existem e são bem conhecidas). Em segundo lugar, a estrutura rítmica: a princípio, a métrica ímpar (5/4) e a métrica par (6/4; a segunda metade da peça já está inteiramente nesta métrica par). Essa aparente imprecisão da estrutura rítmica, ou melhor, a falta de quadratura nela, é também uma das características da estrutura da música folclórica russa.

Mussorgsky forneceu a este trabalho notas bastante detalhadas sobre a natureza da execução - andamentos, humores, etc. Para isso, utilizou, como é habitual na música, a língua italiana. As indicações para a primeira “Caminhada” são as seguintes: Alegrofeliz,nelmodorusso,senzaalergia,mãepoucosostenuto. Em publicações que fornecem traduções de comentários italianos semelhantes, você pode ver a seguinte tradução: “Em breve, no estilo russo, sem pressa, um tanto contido”. Este conjunto de palavras faz pouco sentido. Como jogar: “em breve”, “sem pressa” ou “um tanto contido”? O fato é que, em primeiro lugar, em tal tradução uma palavra importante foi deixada de lado feliz, que significa literalmente “corretamente”, “proporcionalmente” “precisamente”; na interpretação, “um andamento apropriado ao caráter da peça”. O caráter desta peça é determinado pela primeira palavra das instruções de palco - Alegro, e neste caso deve ser entendido no sentido de “alegremente” (e não “rapidamente”). Então tudo se encaixa e toda a observação é traduzida: toque “alegremente em um ritmo apropriado para isso, no espírito russo, vagarosamente, um tanto contido”. Provavelmente todos concordarão que este é o estado de espírito que normalmente nos possui quando entramos numa exposição pela primeira vez. Outra coisa são os nossos sentimentos a partir de novas impressões do que vimos...

Em alguns casos, o motivo da “Caminhada” acaba por ser encadernador para peças vizinhas (isso acontece ao passar do nº 1 “Gnomo” para o nº 2 “O Castelo Velho” ou do nº 2 para o nº 3 “Jardim das Tulherias”; esta série é fácil de continuar - durante o curso do trabalhar essas transições, de forma direta e figurativamente, são inequivocamente reconhecíveis), em outros - pelo contrário - nitidamente dividindo(nestes casos, “A Caminhada” é designada como uma secção mais ou menos independente, como, por exemplo, entre o nº 6 “Dois judeus, ricos e pobres” e o nº 7 “Limoges. Mercado”). Cada vez, dependendo do contexto em que o motivo “Caminhada” aparece, Mussorgsky encontra especial meio de expressão: ora o motivo aproxima-se da sua versão original, como ouvimos depois do nº 1 (não avançamos muito no nosso passeio pela exposição), ora não soa tão moderado e até pesado (depois de “O Velho Castelo ”; observação nas notas: pesante[de Mussorgsky - pesamento- uma espécie de híbrido de francês e italiano] -Ital. duro).

M. Mussorgsky estrutura todo o ciclo de tal forma que evita completamente qualquer indício de simetria e previsibilidade. Isso também caracteriza a interpretação do material musical de “The Walk”: o ouvinte (também conhecido como espectador) ou fica com a impressão do que ouviu (= viu), ou, ao contrário, parece se livrar dos pensamentos e sensações de a foto que ele viu. E em nenhum lugar o mesmo clima se repete exatamente. E tudo isso com unidade material temático"Anda em"! Mussorgsky neste ciclo parece ser um psicólogo extremamente sutil.

O desenho de Hartmann representava uma decoração de árvore de Natal: quebra-nozes no formato de um pequeno gnomo. Para Mussorgsky, esta peça dá a impressão de algo mais sinistro do que apenas uma decoração de árvore de Natal: a analogia com os Nibelungos (uma raça de anões que vivem nas profundezas das cavernas das montanhas - personagens de “O Anel do Nibelungo” de R. Wagner) não parece tão absurdo. De qualquer forma, o anão de Mussorgsky é mais feroz que os anões de Liszt ou Grieg. Existem contrastes nítidos na música: fortíssimo[itálico. – muito alto] é substituído por piano [ital. - calmamente], frases animadas (interpretadas por S. Richter - rápidas) alternam-se com paradas de movimento, melodias em uníssono contrastam com episódios dispostos em acordes. Se você não sabe o título do autor desta peça, então na orquestração extremamente inventiva de M. Ravel ela parece mais um retrato de um gigante de conto de fadas (em vez de um gnomo) e, em qualquer caso, não uma personificação musical de a imagem decorações de Natal(como em Hartmann).

Sabe-se que Hartmann viajou pela Europa e um de seus desenhos representava um antigo castelo. Para transmitir sua escala, o artista retratou ao fundo um cantor - um trovador com alaúde. É assim que V. Stasov explica este desenho (este desenho não consta do catálogo da exposição póstuma do artista). Não decorre da imagem que o trovador cante uma canção cheia de tristeza e desesperança. Mas é precisamente este o estado de espírito que a música de Mussorgsky transmite.

A composição da peça é incrível: todos os seus 107 compassos são construídos um inalterado som baixo – Sol sustenido! Essa técnica na música é chamada de ponto de órgão e é usada com bastante frequência; via de regra, antecede o início de uma reprise, ou seja, aquele trecho da obra em que, após certo desenvolvimento, o material musical original retorna. Mas é difícil encontrar outro clássico repertório musical, no qual Todos trabalhar do início ao fim teria sido construído em uma estação de órgão. E não é fácil experimento técnico Mussorgsky - o compositor criou uma verdadeira obra-prima. Essa técnica é altamente apropriada em uma peça com determinado enredo, ou seja, para personificação musical imagem de um trovador medieval: os instrumentos com que os músicos da época se acompanhavam tinham uma corda baixo (se estamos falando sobreÓ instrumento de cordas, por exemplo, fidele) ou um cachimbo (se for um instrumento de sopro - por exemplo, uma gaita de foles), que produzia apenas um som - um baixo grosso e profundo. Seu som por muito tempo criou um clima de algum tipo de congelamento. Foi precisamente esta desesperança – a desesperança do apelo do trovador – que Mussorgsky pintou com sons.

As leis da psicologia exigem contraste para que a impressão artística e emocional seja vívida. E essa peça traz esse contraste. O Jardim das Tulherias, ou mais precisamente o Jardim das Tulherias (aliás, esta é a versão francesa do nome) é um local no centro de Paris. Estende-se aproximadamente um quilômetro da Place de la Carousel até a Place de la Concorde. Este jardim (agora deveria ser chamado de jardim público) é um dos locais preferidos para passeios dos parisienses com crianças. A pintura de Hartmann retratava este jardim com muitas crianças e babás. O Jardim das Tulherias, capturado por Hartmann-Mussorgsky, é aproximadamente o mesmo que a Avenida Nevsky, capturada por Gogol: “Às doze horas, tutores de todas as nações fazem incursões na Avenida Nevsky com seus animais de estimação em coleiras de cambraia. Os Joneses Ingleses e os Galos Franceses andam de braços dados com os animais de estimação confiados aos seus cuidados parentais e com a devida seriedade explicam-lhes que as placas acima das lojas são feitas para que através delas se possa saber o que há nas próprias lojas. Governantas, senhoritas pálidas e eslavos rosados ​​caminham majestosamente atrás de suas meninas leves e ágeis, ordenando-lhes que levantem um pouco mais os ombros e fiquem mais eretos; em suma, neste momento a Nevsky Prospect é uma Nevsky Prospect pedagógica.”

Esta peça transmite com muita precisão o clima daquela hora do dia em que este jardim era ocupado por crianças e, curiosamente, a “inquietação” (das meninas) notada por Gogol se refletiu na observação de Mussorgsky: capriccioso (italiano - caprichosamente).

Vale ressaltar que esta peça é escrita em três partes e, como é de se esperar dessa forma, a parte intermediária forma um certo contraste com as extremas. A consciência deste fato geralmente simples é importante não por si só, mas pelas conclusões que dele decorrem: uma comparação da versão para piano (executada por S. Richter) com a versão orquestral (instrumentação de M. Ravel) sugere que Richter, que isso o contraste suaviza em vez de enfatizar; os participantes da cena são apenas crianças, talvez meninos (seu retrato coletivo é desenhado nas partes extremas) e meninas (a parte intermediária, mais graciosa em ritmo e padrão melódico). Quanto à versão orquestral, no meio da peça surge na mente a imagem de uma babá, ou seja, alguém de um adulto que tenta resolver delicadamente uma briga entre crianças (exortando as entonações das cordas).

V. Stasov, apresentando “Quadros” ao público e explicando as peças desta suite, esclareceu que o gado é uma carroça polaca sobre rodas enormes, puxada por bois. A monótona monotonia do trabalho dos bois é transmitida por um ostinato, ou seja, um ritmo elementar invariavelmente repetido - quatro batidas pares por batida. E assim por diante ao longo da peça. Os próprios acordes são colocados no registro mais grave e soam fortíssimo(Italiano - muito alto). Assim, no manuscrito original de Mussorgsky; na edição de Rimsky-Korsakov - piano. Contra o fundo dos acordes, soa uma melodia triste, representando um motorista. O movimento é bastante lento e pesado. Nota do autor: sempremoderado,pesante(Italiano - o tempo todo moderadamente, difícil). O som invariavelmente monótono transmite desesperança. E os bois são apenas uma “figura alegórica” - nós, os ouvintes, sentimos claramente o impacto devastador na alma de qualquer trabalho monótono, exaustivo e sem sentido (Sísifo).

O condutor parte montado nos bois: o som diminui (até ppp), os acordes são carregados, “secando” em intervalos (ou seja, dois sons que soam simultaneamente) e, ao final, em um som - o mesmo do início da peça; o movimento também fica mais lento - dois (em vez de quatro) batimentos por batimento. Nota do autor aqui - perdendosi(Italiano - congelando).

Atenção! Três peças - “O Castelo Velho”, “Jardim das Tulherias”, “O Gado” - representam um pequeno tríptico dentro de toda a suíte. Nas suas partes extremas o total chave - sal sustenido menor; na parte do meio - paralelo maior(Si maior). Além disso, essas tonalidades, por serem de natureza relacionada, expressam, graças à imaginação e ao talento do compositor, polaridades estados emocionais: desespero e desesperança nas partes extremas (na esfera do silêncio e na esfera do som alto) e excitação elevada na peça intermediária.

Passamos para outra foto... (O tema “Caminhar” soa calmo).

O título está inscrito no autógrafo a lápis de M. Mussorgsky.

Novamente o contraste: os bois são substituídos por pintinhos. Outro tudo: em vez disso moderado,pesante – vivoleggiero(Italiano - animado e fácil), em vez de acordes massivos fortíssimo no registro inferior - notas graciosas lúdicas (notas pequenas, como se estivessem clicando junto com os acordes principais) no registro superior em piano(quieto). Tudo isso pretende dar uma ideia das criaturas pequenas e ágeis, que, aliás, ainda não nasceram. Devemos prestar homenagem à engenhosidade de Hartmann, que conseguiu encontrar uma forma para não hachurado pintinhos; este seu desenho, representando um esboço dos figurinos dos personagens do balé “Trilby” de G. Gerber encenado por Petipa em Teatro Bolshoi em 1871.)

E novamente, contraste máximo com a peça anterior.

Sabe-se que durante sua vida Hartmann deu ao compositor dois de seus desenhos, feitos quando o artista estava na Polônia - “Judeu com Chapéu de Pele” e “Pobre Judeu. Sandomierz." Stasov relembrou: “Mussorgsky admirava muito a expressividade dessas imagens”. Portanto, esta peça, a rigor, não é um quadro “em exposição” (mas sim da coleção pessoal de Mussorgsky). Mas, claro, esta circunstância não afeta de forma alguma a nossa percepção do conteúdo musical de “Imagens”. Nesta peça, Mussorgsky quase oscila à beira da caricatura. E aqui essa habilidade dele - de transmitir a própria essência do personagem - se manifestou de maneira incomumente clara, quase mais visível do que nas melhores criações grandes artistas(Andarilhos). Sabe-se que os contemporâneos dizem que ele tinha a capacidade de representar qualquer coisa com sons.

Mussorgsky contribuiu para o desenvolvimento de um dos temas mais antigos da arte e da literatura, bem como da vida, que recebeu diferentes desenhos: seja na forma de um enredo de “felizes e azarados”, ou “gordo e magro”, ou “ príncipe e indigente” ", ou "a cozinha dos gordos e a cozinha dos magros".

Para caracterizar o som do judeu rico, Mussorgsky usa o registro de barítono, e a melodia soa em duplicação de oitava. O sabor nacional é conseguido através de uma escala especial. Notas para esta imagem: Andante.Covaenergético(Italiano - vagaroso; importante, enérgico). A fala do personagem é veiculada por indicações de diversas articulações (essas instruções são extremamente importantes para o intérprete). O som é alto. Tudo dá a impressão de impressionante: máximas rico não tolere objeções.

O pobre judeu é retratado na segunda parte da peça. Ele literalmente se comporta como Porfiry (de Chekhov afinar) com seus “hee-hee-s” (quão maravilhosamente essa bajulação é transmitida por uma nota que se repete rapidamente com notas graciosas “presas” a ela), quando de repente ele percebe que “alturas”, ao que parece, seu ex-amigo do ginásio alcançou. Na terceira parte da peça, ambos imagens musicais conectar - os monólogos dos personagens aqui se transformam em diálogo, ou, talvez, mais precisamente, são os mesmos monólogos pronunciados ao mesmo tempo: cada um afirma o seu. De repente, os dois ficam em silêncio, percebendo de repente que não estou ouvindo um ao outro (pausa geral). E assim, última frase pobre: um motivo cheio de melancolia e desesperança (observação: vigaristadolore[itálico. – com saudade; tristemente]) - e a resposta rico: alto ( fortíssimo), decisiva e categoricamente.

A peça produz uma impressão comovente, talvez até deprimente, como sempre acontece quando você se depara com uma flagrante injustiça social.

Chegámos a meio do ciclo - não tanto em termos aritméticos (em termos do número de números já executados e ainda restantes), mas em termos da impressão artística que esta obra nos transmite no seu conjunto. E Mussorgsky, percebendo isso claramente, permite ao ouvinte um descanso mais longo: aqui o “Walk” é ouvido quase exatamente na versão em que soava no início da obra (o último som é prolongado por um compasso “extra”: um uma espécie de gesto teatral - levantado dedo indicador: “Algo mais vai acontecer!”).

O autógrafo contém uma observação (em francês, posteriormente riscada por Mussorgsky): “Grandes notícias: o Sr. Pimpan de Ponta Pontaleon acaba de encontrar sua vaca: Runaway. “Sim, senhora, foi ontem. - Não, senhora, foi ontem. Bem, sim, senhora, uma vaca estava vagando na casa ao lado. - Bem, não, senhora, a vaca não vagou nada. Etc."".

O enredo da peça é comicamente simples. Uma olhada nas partituras sugere involuntariamente que Hartmann-Mussorgsky viu os “franceses” neste ciclo – o Jardim das Tulherias e o mercado de Limoges – na mesma tonalidade emocional. As leituras dos performers destacam essas peças de diferentes maneiras. Esta peça, que retrata “mulheres do bazar” e suas brigas, parece mais enérgica do que uma briga de criança. Ao mesmo tempo, deve-se notar que os intérpretes, querendo realçar o efeito e aguçar os contrastes, em certo sentido ignore as instruções do compositor: tanto na de S. Richter quanto na execução da Orquestra Estadual sob a direção de E. Svetlanov, o andamento é muito rápido, em essência é Presto. Cria uma sensação de movimento rápido em algum lugar. Mussorgsky é prescrito Alegreto. Ele pinta com sons cena animada acontecendo em um lugar cercado por multidões de “movimento browniano”, como pode ser observado em qualquer mercado lotado e movimentado. Ouvimos um fluxo de fala rápida, aumentos acentuados na sonoridade ( crescendo), acentos agudos ( Sforzandi). No final da execução desta peça, o movimento acelera ainda mais, e na crista deste turbilhão “caímos” em...

...Como não lembrar das falas de A. Maykov!

Ex tenebris lux

Antes deste número no autógrafo há uma observação de Mussorgsky em russo: “NB: Texto em latim: com os mortos em língua morta. Seria bom ter um texto em latim: o espírito criativo do falecido Hartmann me leva até as caveiras, chama-as, as caveiras vangloriam-se silenciosamente.”

O desenho de Hartmann é um dos poucos sobreviventes a partir dos quais Mussorgsky escreveu suas “Quadros”. Retrata o próprio artista com seu companheiro e outra pessoa que os acompanha, iluminando o caminho com uma lanterna. Existem prateleiras com caveiras por toda parte.

V. Stasov descreveu esta peça em uma carta a N. Rimsky-Korsakov: “Na mesma segunda parte [“Pictures at an Exhibition”. – SOU.] existem vários versos que são extraordinariamente poéticos. Esta é a música do filme "As Catacumbas de Paris" de Hartmann, toda composta por caveiras. No Musoryanin (como Stasov chamava carinhosamente de Mussorgsky. - SOU.) primeiro é retratada uma masmorra sombria (com acordes longos e prolongados, muitas vezes orquestrais, com grandes fermatas). Em seguida, o tema do primeiro passeio é tocado em tremolando em tom menor - as luzes nos crânios se acenderam e, de repente, o chamado mágico e poético de Hartmann para Mussorgsky é ouvido.

O desenho de Hartmann representava um relógio na forma da cabana de Baba Yaga sobre pernas de frango, Mussorgsky acrescentou o trem de Baba Yaga em um pilão.

Se considerarmos “Quadros de uma Exposição” não apenas como trabalho separado, mas no contexto de toda a obra de Mussorgsky, pode-se notar que as forças destrutivas e criativas na sua música existem inseparavelmente, embora em cada momento uma delas prevaleça. Portanto, nesta peça encontraremos uma combinação de cores negras sinistras e místicas, por um lado, e cores claras, por outro. E as entonações aqui são de dois tipos: por um lado, maliciosamente divertidas, assustadoras, penetrantes e cortantes, por outro lado, alegres, alegremente convidativas. Um grupo de entonações parece deprimir, o segundo, ao contrário, inspira e ativa. A imagem de Baba Yaga, segundo crenças populares, é o foco de tudo que é cruel, destruindo bons motivos, interferindo na implementação de boas, boas ações. Porém, o compositor, mostrando Baba Yaga deste lado (observação no início da peça: feroz[itálico. - ferozmente]), levou a história para um plano diferente, contrastando a ideia de destruição com a ideia de crescimento e vitória de bons princípios. No final da peça, a música torna-se cada vez mais impulsiva, o toque alegre aumenta e, no final, das profundezas dos registos sombrios do piano nasce uma enorme onda sonora, dissolvendo finalmente todos os impulsos sombrios e altruístas. preparando a vinda da imagem mais vitoriosa e jubilosa do ciclo - o hino da “Porta Bogatyr”.

Esta peça abre uma série de imagens e obras que retratam todos os tipos de diabruras, espíritos malignos e obsessão - “Night on Bald Mountain” do próprio M. Mussorgsky, “Baba Yaga” e “Kikimora” de A. Lyadov, Leshy em “The Snow Maiden” de N. Rimsky-Korsakov, “Obsession” de S. Prokofiev. ..

A razão para escrever esta peça foi o esboço de Hartmann para os portões da cidade de Kiev, que seriam instalados para comemorar o fato de o imperador Alexandre II ter conseguido evitar a morte durante a tentativa de assassinato contra ele em 4 de abril de 1866.

A tradição de tais cenas festivas finais nas óperas russas encontrou expressão vívida na música de M. Mussorgsky. A peça é percebida precisamente como esse tipo de final operístico. Você pode até apontar para um protótipo específico - o refrão “Glory”, que termina com “A Life for the Tsar” (“Ivan Susanin”) de M. Glinka. A peça final do ciclo de Mussorgsky é a culminação entoacional, dinâmica e textural de toda a obra. O próprio compositor delineou a natureza da música com as palavras: Maestoso.Vigaristagrandeza(Italiano - solenemente, majestosamente). O tema da peça nada mais é do que uma versão jubilosa da melodia de “The Walk”. Toda a obra termina com um som festivo e alegre, com o poderoso toque dos sinos. Mussorgsky lançou as bases para a tradição de toques de sinos semelhantes, recriados não por meios de sino - o Primeiro Concerto para Piano em Si bemol menor de P. Tchaikovsky, o Segundo concerto de piano, Dó menor de S. Rachmaninov, seu primeiro Prelúdio em Dó menor para piano...

“Pictures at an Exhibition” de M. Mussorgsky é uma obra totalmente inovadora. Tudo nele é novo – a linguagem musical, a forma, as técnicas de gravação sonora. Maravilhoso como uma peça piano repertório (embora por muito tempo tenha sido considerado “não pianístico” pelos pianistas - novamente, devido à novidade de muitas técnicas, por exemplo, o tremolo na 2ª metade da peça “With the Dead in a Dead Language”) , aparece em todo o seu esplendor em arranjos orquestrais. São muitos, além do de M. Ravel, e entre eles o mais executado é S. P. Gorchakova (1954). As transcrições de "Imagens" foram feitas para instrumentos diferentes e para diferentes composições de intérpretes. Uma das mais brilhantes é a transcrição para órgão do destacado organista francês Jean Guillou. Peças individuais desta suíte são bem conhecidas por muitos, mesmo fora do contexto desta criação de M. Mussorgsky. Assim, o tema do “Bogatyr Gate” serve de indicativo da estação de rádio “Voice of Russia”.

© Alexander MAYKAPAR

Capa da primeira edição de “Pictures at an Exhibition” de M. P. Mussorgsky (editado por N. A. Rimsky-Korsakov) 1886

O ciclo “Quadros de uma Exposição”, composto por 10 esquetes musicais e o interlúdio “Caminhada”, foi criado pelo compositor russo Modest Petrovich Mussorgsky de 2 a 22 de junho de 1874, mas a ideia de sua criação surgiu antes - na primavera do mesmo ano. Nesse período, o compositor visitou uma exposição de obras, dedicado à criatividade talentoso arquiteto e designer Viktor Aleksandrovich Hartman. Apresentou mais de 400 obras, entre elas criações famosas do autor e pequenos esboços, alguns dos quais inspiraram o compositor a criar o ciclo.

Falando sobre a história da escrita de “Quadros de uma Exposição”, não se pode deixar de mencionar que durante a vida de V.A. Hartmann era amigo de M.P. Mussorgsky, e a morte de um camarada e criador próximo das ideias" Bando poderoso", foi um duro golpe para o compositor.

Descrição das obras

“Pictures at an Exhibition” abre com um interlúdio “ Andar", segundo ideia do autor, esta peça retrata um compositor caminhando por uma exposição de pintura; é repetida diversas vezes durante o ciclo.

Esboço " Anão"é executada em mi bemol menor, distingue-se pela dinâmica, linhas quebradas, momentos alternados de tensão e calma. O esboço de Hartmann, que serviu de base para esta melodia, não sobreviveu, mas sabe-se que representava um quebra-nozes de árvore de Natal.

A melodia lenta, poética e profunda da peça " fechadura antiga"na tonalidade de sol sustenido menor, uma reminiscência de canto ao vivo com acompanhamento instrumento antigo, convida-nos a um passeio pelo castelo italiano retratado na aguarela do artista. Esta pintura de Hartmann não constava do catálogo da exposição.

“The Old Castle” é substituída por uma melodia leve, ensolarada, comovente e brilhante” Jardim das Tulherias"na tonalidade de Si maior. No meio ela fica mais calma, como se aparecessem babás entre as crianças brincando. A composição termina com uma mistura de dois temas. Segundo as lembranças dos associados do artista, o desenho representava o Palácio Tugliiri, repleto de crianças ambulantes.

« Gado"é uma melodia sombria e pesada que transmite o lento progresso de uma carroça puxada por bois; melodias folclóricas eslavas estão entrelaçadas em seu contorno musical. O esboço desenha brilhantemente meios musicais vida sem alegria pessoas comuns, executado na tonalidade de sol sustenido menor.

No centro da peça " Balé dos pintinhos não nascidos» há esboços dos figurinos que Hartmann desenvolveu para produção no Teatro Bolshoi. A peça está escrita na tonalidade de Fá maior, é uma melodia leve e extremamente dinâmica que retrata uma dança divertida e caótica, que se torna mais ordenada no final da peça.

Esboço musical " Dois judeus, ricos e pobres"é baseado em desenhos dados ao compositor por Hartmann. A composição é em si bemol menor, lembra uma conversa animada entre dois personagens, um dos quais é retratado com a ajuda de sons pesados ​​​​e confiantes, complementados por uma escala cigana, e o outro com melodias sutis e queixosas.

A próxima peça barulhenta e dinâmica, exigente e leve" Limoges. Mercado"executado em mi bemol maior, transmite vividamente a atmosfera de um mercado cheio de fofocas e rebuliço, cuja vida, congelada por um segundo, recomeça. Quase nada se sabe sobre o desenho que inspirou o compositor.

« Catacumbas. Com os mortos em uma língua morta" é uma obra lenta e sombria, cuja frieza e mistério são percebidos ainda mais agudamente após a leveza da composição anterior. Tons monótonos sem vida, às vezes nítidos, às vezes silenciosos pairam no silêncio da masmorra. Esta peça é dedicada à pintura "Catacumbas Parisienses".

Composição " Baba Yaga"é uma peça dinâmica e expressiva que faz jus ao seu nome. Às vezes é preenchido pelo frenesi dos acordes completos, às vezes torna-se ansioso e instável, a peça se distingue por dissonâncias e acentos irregulares. É baseado em um esboço que representa um relógio no formato da casa de um personagem mítico.

O ciclo termina com um ritmo poderoso e lento, com longas durações de peça” Portão Bogatyrsky. Na capital Kiev" Esta é uma música cerimonial alta baseada em russo motivos folclóricos, dando lugar a uma melodia tranquila. Termina com um piano habilmente recriado sinos tocando e coda. A peça é dedicada ao esboço de um portão arquitetônico em Kiev, desenvolvido por Hartmann.

Modesto Petrovich Mussorgsky nascido em 9 de março de 1839. Sua mãe foi a primeira a lhe ensinar música. Aos sete anos, Modest Petrovich já tocava piano muito bem. Aos dez anos, seguindo tradição familiar, o pai enviou o menino a São Petersburgo para a Escola de Alferes da Guarda.

Paralelamente aos estudos na escola, continuaram as aulas de música: M. Mussorgsky compôs bem e muito. O compositor foi ensinado por A. Gerke nesse período.

Depois da escola, como um dos melhores alunos, foi enviado para servir no Regimento Preobrazhensky. Mas o serviço religioso parecia vazio e enfadonho para Modest Petrovich: ele realmente viu sua vocação na música, nomeadamente na música russa. Graças ao seu interesse, conheceu A. S. Dargomyzhsky, em cuja casa se reuniam músicos interessantes. Aqui ele encontrou seu futuro mentor, Balakiev.

Cativado pela criatividade, Mussorgsky deixa de servir no regimento e se aposenta. Amigos e conhecidos dissuadiram Modest Petrovich de tal decisão, porque ser oficial da guarda promete coisas simples e Vida bem-sucedida. Mas ele finalmente decidiu o que decidiu, explicando isso como a necessidade de servir ao seu povo. Tornou-se um Itinerante (a chamada “comuna” formada por jovens pintores), um daqueles que tratavam com desprezo a vida da maioria dos jovens, cheia de vazio, de sibaritismo e de nada fazer.

De 15 de agosto de 1868 a 15 de agosto de 1869, o compositor trabalhou extensivamente em libreto de ópera chamado "Boris Godunov". Ele queria não apenas “musicalizar” o texto de Pushkin, mas criar sua própria interpretação que correspondesse à escala da obra.

Mas a ópera "Boris Godunov" em sua versão original não foi aceita pela diretoria dos teatros imperiais e Mussorgsky foi recusada. Logo após a edição e somente graças à intervenção de amigos, o libreto do artista foi encenado em 1974 Teatro Mariinsky sob a gestão de E.F.Napravnik. A estreia foi um sucesso, mas não foi aceita pela família real. Portanto, ela logo foi retirada do palco.
Em geral, muitas das obras de Modest Petrovich não foram aceitas pelo público; ele compôs porque não era aceito naquela época e, portanto, não poderia se tornar popular.

Modest Petrovich Mussorgsky - "Quadros de uma Exposição"

A Suíte "" foi escrita por Mussorgsky em 1874 como uma homenagem à sua amizade com o artista e arquiteto Victor Hartmann (que morreu antes dos quarenta anos). Foi a exposição póstuma das pinturas do amigo que deu a Mussorgsky a ideia de criar a composição.

O ciclo começa com a peça “Caminhada”, que personifica o próprio passeio do compositor pela galeria de pintura em pintura, portanto Este tópico repetido entre descrições de pinturas. A obra é composta por dez partes, cada uma das quais transmite a imagem de uma pintura.

A primeira imagem - “Gnomo” - aparece ao ouvinte como uma criatura engraçada dotada de sentimentos humanos.

O segundo esboço pretende transmitir a atmosfera de um castelo medieval e a única coisa que o anima é a imagem de um trovador cantando nas proximidades.

Esboço três - "Jardim Thuile. Briga de crianças depois de brincar. Descreve crianças tendo como pano de fundo um parque da cidade parisiense.

“Gado” - na música de Mussorgsky sente-se não só o peso da enorme carroça de duas rodas puxada por bois, retratada na imagem, mas também o peso da vida forçada dos camponeses, a sua monotonia.

“Ballet of the Unhatched Chicks” é um scherzo semi-cômico, cujo protótipo é a tela de Hartmann para o balé “Triliby” (o balé foi baseado no tema de um conto de fadas de Charles Nodier). A tela retrata fantasias em forma de casca de ovo.

“Dois Judeus, Ricos e Pobres” é o título da sexta parte da série “Quadros de uma Exposição”. O artista apresentou dois esboços de retratos da natureza. Usando o contraste como técnica, Mussorgsky retratou dois personagens completamente opostos na música.

"Limoges. Mercado" - Esboço número sete - retrata a agitação diária de uma das cidades provinciais da França, em particular as fofocas locais.

A obra número oito - "Catacumbas. Tumba Romana" transmite mais as reflexões filosóficas do compositor, reforçadas pela sensação de perda de um amigo, do que uma tentativa de transmitir a atmosfera mística que uma pessoa sente ao examinar uma antiga tumba romana com uma lanterna em seu mãos. EM Este trabalho pode-se discernir uma tentativa de comunicação com uma pessoa que já morreu através da música; a dor é sentida no som.

"Uma cabana com pernas de frango" - Este trabalho personifica o vôo de Baba Yaga em uma vassoura, batendo ameaçadoramente em sua bengala.

A composição final é "O Portão Bogatyr. Na capital, Kiev". Esta peça transmite o poder épico da cidade antiga e a sua grandiosidade, com o toque dos sinos e um coral sublime. A peça conduz dignamente ao final da suíte "".

Lista de obras

Óperas:
"Casamento" (1868).
"Boris Godunov" (1874).
"Khovanshchina" (concluído por Rimsky-Korsakov 1886).
"Noite de verão na montanha calva" Imagem musical (1867).
Peças e suíte para piano "Quadros de uma Exposição" (1874).

“Pássaros na Música” - A.A. Alyabyev - “Dois Corvos”. Mikhail Ivanovich Glinka. MI. Glinka - “Cotovia”. Pais. Alexander Alexandrovich Alyabyev. Peter Ilitch Tchaikovsky. russo canção popular- “Os patos estão voando.” Marchar. Temporadas. Um símbolo de paz. Canção folclórica russa - “Black Raven”. Infantil e adolescência compositor. Preparando as primeiras peças para publicação.

“Música baseada nos contos de fadas de Pushkin” - Ópera. Imagens Os contos de fadas de Pushkin. Ilustrações para um conto de fadas. MI. Glinka. Cano. Flauta. Ruslan. Um abeto cresce em frente ao palácio. Violino. Ferramentas. Boa música. Estrelas. Bons contos de fadas. Princesa. Celeste. Trombone. Mar. Contos de fadas. Mês.

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