Pinturas de Edward Hopper. Edward Hopper - poeta dos espaços vazios

Há uma pintura tão cativante que captura instantaneamente o espectador. Não há espanto ou cautela, tudo parece ficar claro na hora, como no amor à primeira vista. Não é de surpreender que olhar, pensar e sentir com cuidado possam prejudicar esse amor. É possível encontrar ali, por trás do brilho externo, algo profundo e fundamental? Não é um fato.

Tomemos, por exemplo, o impressionismo, que está na moda desde o segundo século. Provavelmente não existe mais movimento popular na história da pintura para o público de massa de hoje. No entanto, como movimento artístico, o impressionismo revelou-se surpreendentemente passageiro, existindo em sua forma pura por apenas vinte anos. Os seus fundadores acabaram por abandonar a sua criação, sentindo o esgotamento de ideias e métodos. Renoir voltou às formas clássicas de Ingres e Monet avançou para o abstracionismo.

O oposto também acontece. As pinturas são modestas e despretensiosas, os motivos são comuns e as técnicas são tradicionais. Aqui está uma casa à beira da estrada, aqui está uma garota na janela e aqui está um posto de gasolina geralmente banal. Sem atmosfera, sem efeitos de iluminação, sem paixões românticas. Se você encolher os ombros e seguir em frente, tudo permanecerá assim. E se você parar e olhar atentamente, descobrirá um abismo.

Esta é a pintura de Edward Hopper, um dos mais famosos artistas americanos do século XX.

Sem perceber a Europa

A biografia de Hopper quase não contém eventos brilhantes ou reviravoltas inesperadas. Estudou, foi para Paris, trabalhou, casou-se, continuou trabalhando, recebeu reconhecimento... Nada de brincadeiras, escândalos, divórcios, alcoolismo, travessuras chocantes - nada de “frito” para a imprensa amarela. Nisso, a história de vida de Hopper é semelhante às suas pinturas: exteriormente tudo é simples, até calmo, mas no fundo reside uma tensão dramática.

Já na infância descobriu a habilidade para desenhar, na qual seus pais o apoiaram de todas as formas possíveis. Depois da escola, ele estudou ilustração por correspondência por um ano e depois ingressou na prestigiada New York Art School. Fontes americanas fornecem uma lista completa de seus colegas estudantes famosos, mas para o espectador russo seus nomes não significam quase nada. Com exceção de Rockwell Kent, todos permaneceram artistas de importância nacional.

Em 1906, Hopper completou seus estudos e começou a trabalhar como ilustrador em uma agência de publicidade, mas no outono foi para a Europa.

Devo dizer que a viagem à Europa foi quase uma parte obrigatória Educação vocacional para artistas americanos. Naquela época, a estrela de Paris brilhava intensamente, e pessoas jovens e ambiciosas de todo o mundo afluíam para lá para se juntarem às últimas conquistas e tendências da pintura mundial.

É incrível como foram diferentes as consequências deste cozimento num caldeirão internacional. Alguns, como o espanhol Picasso, rapidamente passaram de estudantes a líderes e tornaram-se eles próprios criadores de tendências na moda artística. Outros permaneceram para sempre como epígonos, embora talentosos, como Mary Cassatt e James Abbott McNeil Whistler. Outros ainda, por exemplo, artistas russos, regressaram à sua terra natal, infectados e carregados de espírito nova arte, e já em casa abriram caminho dos quintais da pintura mundial à sua vanguarda.

Hopper acabou sendo o mais original de todos. Viajou pela Europa, esteve em Paris, Londres, Amsterdã, voltou a Nova York, foi novamente a Paris e Espanha, passou por museus europeus e conheceu artistas europeus... Mas, além das influências de curto prazo, sua pintura não revelar conhecimento das tendências modernas. De jeito nenhum, até a paleta mal iluminou!

Apreciou Rembrandt e Hals, mais tarde El Greco, e mestres próximos - Edouard Manet e Edgar Degas, que naquela época já haviam se tornado clássicos. Quanto a Picasso, Hopper afirmou seriamente que não tinha ouvido seu nome enquanto estava em Paris.

É difícil de acreditar, mas o fato permanece. Os Pós-Impressionistas tinham acabado de falecer, os Fauvistas e Cubistas já quebravam as suas lanças, o Futurismo assomava no horizonte, a pintura rompia com a imagem do visível e concentrava-se nos problemas e limitações do plano pictórico, Picasso e Matisse estava brilhando. Mas Hopper, estando no meio da situação, não pareceu perceber isso.

E depois de 1910 nunca mais atravessou o Atlântico, mesmo quando as suas pinturas foram expostas no pavilhão americano da prestigiada Bienal de Veneza.

Artista para ganhar

Em 1913, Hopper se estabeleceu em Nova York, na Washington Square, onde viveu e trabalhou por mais de cinquenta anos - até o fim de seus dias. Nesse mesmo ano vendeu seu primeiro quadro, exposto no famoso Armory Show de Nova York. Parecia que a carreira teve um início promissor e o sucesso estava chegando.

Acabou longe de ser tão otimista. “Armory Show” foi concebida como a primeira exposição nos EUA arte contemporânea e nesta capacidade obteve grande sucesso. Desviou os olhos de amadores, críticos e artistas do realismo para a vanguarda, embora tenha sido acompanhado de ridículo e escândalos. Tendo como pano de fundo Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, o realismo de Hopper parecia provinciano e ultrapassado. A América decidiu que era necessário alcançar a Europa, colecionadores ricos interessaram-se pela arte no exterior e pelas vendas individuais obras domésticas Nós não fizemos o clima.

Hopper trabalhou por muitos anos como ilustrador comercial. Ele até abandonou a pintura e se dedicou à água-forte - técnica na época mais adequada para impressão. Ele não estava no serviço, trabalhava meio período com encomendas de revistas e viveu todas as dificuldades dessa situação, às vezes até caindo em depressão.

Porém, na então Nova York houve uma mecenas das artes que decidiu colecionar obras de artistas americanos - Gertrude Whitney, filha do milionário Vanderbilt; aliás, aquele com quem o canibal Ellochka competiu sem sucesso, trocando um coador de chá de Ostap Bender por uma das doze cadeiras.

Sombras noturnas.

Posteriormente, Whitney tentou doar sua coleção de artistas americanos contemporâneos ao Metropolitan Museum of Art, mas sua administração não considerou o presente digno. A colecionadora rejeitada, como vingança, fundou nas proximidades seu próprio museu, que ainda é considerado o melhor museu Arte americana.

Vento noturno. 1921. Museu de Arte Americana, Nova York

Mas isso é no futuro. Enquanto Hopper visitou o estúdio Whitney, onde em 1920 foi realizada sua primeira exposição pessoal - 16 pinturas. Algumas de suas gravuras também atraíram a atenção do público, em particular “Night Shadows” e “Evening Wind”. Mas ele ainda não conseguiu se tornar um artista livre e continuou a ganhar dinheiro como ilustração.

Família e reconhecimento

Em 1923, Hopper conheceu sua futura esposa Josephine. A família deles acabou sendo forte, mas a vida familiar não foi fácil. Jo proibiu o marido de pintar nus e, se necessário, posou para si mesma. Edward estava até com ciúmes do gato dela. Tudo foi agravado por sua taciturnidade e caráter sombrio. “Às vezes, conversar com Eddie era como jogar uma pedra em um poço. Com uma exceção: não se ouvia o som da queda na água”, admitiu.

Edward e Joe Hopper. 1933

Porém, foi Jo quem lembrou Hopper das possibilidades da aquarela, e ele voltou a essa técnica. Ele logo expôs seis obras no Museu do Brooklyn, e uma delas foi comprada pelo museu por US$ 100. Os críticos reagiram favoravelmente à exposição e notaram a vitalidade e expressividade das aquarelas de Hopper, mesmo nos temas mais modestos. Esta combinação de restrição externa e profundidade expressiva se tornará marca Hopper por todos os anos restantes.

Em 1927, Hopper vendeu o quadro “Two in auditório” por US$ 1.500, e com esse dinheiro o casal comprou seu primeiro carro. O artista teve a oportunidade de viajar em busca de esboços, e a América rural provinciana tornou-se por muito tempo um dos principais motivos de sua pintura.

Duas pessoas no auditório. 1927. Museu de Arte de Toledo

Em 1930, outro acontecimento importante ocorreu na vida do artista. O filantropo Stephen Clark doou sua pintura “The House estrada de ferro”Para o Museu de Arte Moderna de Nova York, e tem estado lá com destaque desde então.

Assim, pouco antes de seu quinquagésimo aniversário, Hopper entrou em uma época de reconhecimento. Em 1931 vendeu 30 obras, incluindo 13 aquarelas. Em 1932, participou na primeira exposição regular do Whitney Museum e não perdeu as subsequentes até à sua morte. Em 1933, em homenagem ao aniversário do artista, o Museu de Arte Moderna apresentou uma retrospectiva de suas obras.

Nos trinta anos seguintes de sua vida, Hopper trabalhou de forma produtiva, apesar dos problemas de saúde que surgiram na velhice. Jo sobreviveu dez meses e legou toda a coleção de obras da família ao Museu Whitney.

Corujas noturnas. 1942. Instituto de Arte,Chicago

Na sua maturidade, o artista criou muitas obras-primas reconhecidas, por exemplo “Early Sunday Morning”, “Night Owls”, “The Office in New York”, “Men in the Sun”. Durante esse período, recebeu diversos prêmios, viajou para o Canadá e o México e foi apresentado em diversas retrospectivas e exposições individuais.

Proteção contra vigilância

Não se pode dizer que durante todos esses anos sua pintura não se desenvolveu. Mesmo assim, Hopper encontrou cedo seus temas e imagens favoritos e, se alguma coisa mudou, foi a convicção de sua incorporação.

Se alguém encontrasse uma fórmula curta para o trabalho de Hopper, seria “alienação e isolamento”. Para onde estão olhando seus heróis? Por que eles congelaram no meio do dia? O que os impede de iniciar um diálogo, de se aproximar, de chamar e de responder? Não há resposta e, para ser sincero, quase não surgem perguntas, pelo menos para eles. É assim que eles são, é assim que a vida é, é assim que o mundo divide as pessoas com barreiras invisíveis.

Essa invisibilidade das barreiras preocupou seriamente Hopper, por isso há tantas janelas em suas pinturas. O vidro é uma conexão visual, mas uma barreira física. Os seus heróis e heroínas, visíveis da rua, parecem abertos ao mundo, mas na verdade estão fechados, imersos em si mesmos - veja-se “Night Owls” ou “The Office in New York”. Essa dualidade dá origem a uma combinação pungente de vulnerabilidade frágil e inacessibilidade obstinada, e até inacessibilidade.

Se, pelo contrário, nós, juntamente com as personagens, olhamos através do vidro, então a janela volta a enganar, apenas nos provocando com a oportunidade de ver algo. EM Melhor cenário possível mundo externo apenas indicado por um conjunto de árvores ou edifícios, e muitas vezes nada é visível na janela, como, por exemplo, em “Vento da Noite” ou na pintura “Automático”.

Automático. 1927. Centro de Artes, Des Moines. EUA

E, em geral, as janelas e portas de Hopper são caracterizadas pela mesma combinação de abertura e fechamento dos personagens animados. Portas ligeiramente abertas, cortinas esvoaçantes, persianas fechadas e portas que não estão completamente fechadas passam de uma imagem para outra.

O que é transparente é impenetrável, mas o que deveria conectar divide. Daí a constante sensação de mistério, eufemismo, contato fracassado.

A solidão entre as pessoas, numa cidade grande, à vista de todos, tornou-se um tema transversal da arte do século XX, só que aqui, em Hopper, não é a solidão da qual as pessoas fogem, mas a solidão da qual elas fogem. são salvos. A reticência de seus personagens parece uma forma natural de autodefesa, não um capricho ou traço de personalidade. A luz que se derrama sobre eles é muito impiedosa e eles são expostos abertamente a todos, e no mundo ao seu redor espreita algum tipo de ameaça indiferente. Portanto, em vez de barreiras externas, devem ser erguidas barreiras internas.

Claro, se você destruir as paredes do escritório, a eficiência do trabalho aumentará, porque na frente umas das outras, e principalmente do chefe, as pessoas ficam menos distraídas e tagarelas. Mas quando todos estão sob vigilância, a comunicação é interrompida e o silêncio torna-se a única forma de defesa. Os heróis são contidos, os instintos são suprimidos, as paixões são aprofundadas - pessoas civilizadas e cultas na armadura protetora da decência externa.

Atenção além

Muitas vezes as pinturas de Hopper criam a impressão de um momento congelado. E isso apesar do fato de que na própria imagem o movimento não é indicado de forma alguma. Mas é percebido como se fosse um quadro de filme que acaba de substituir o anterior e está pronto para dar lugar ao próximo. Não é por acaso que Hopper foi tão valorizado pelos diretores de cinema americanos, em particular Hitchcock, e os padrões de enquadramento de Hollywood foram em grande parte moldados por sua influência.

O artista tendia a direcionar a atenção do espectador não tanto para o momento retratado, mas para os acontecimentos imaginários que o precederam ou se seguiram. Esta habilidade, rara na história da pintura, combinou paradoxalmente as conquistas do impressionismo, com a sua grande atenção ao momento, e do pós-impressionismo, que pretendia comprimir a passagem do tempo numa imagem artística momentânea.

Hopper realmente conseguiu fixar firmemente um momento indescritível de existência na tela e ao mesmo tempo sugerir o fluxo incessante do tempo, trazendo-o à superfície e imediatamente transportando-o para as profundezas escuras do passado. Se o futurismo tentou retratar o movimento diretamente no plano pictórico, então Hopper o leva além dos limites da pintura, mas o deixa dentro dos limites de nossa percepção. Não vemos, mas sentimos.

O artista também consegue redirecionar a nossa atenção para além dos limites da imagem, não só no tempo, mas também no espaço. Os personagens olham para algum lugar lá fora, o olhar do espectador é atraído para lá pela rodovia que passa pelo posto de gasolina, e na ferrovia o olhar consegue pegar apenas o último vagão do trem. E na maioria das vezes ele não está mais lá, o trem passou correndo e nós, involuntariamente e sem sucesso, olhamos para ele ao longo dos trilhos.

Esta é a América como ela é – sem saudade do que foi perdido, sem celebração do progresso. Mas se fosse apenas a América, Hopper não teria recebido fama mundial, assim como muitos de seus contemporâneos não menos habilidosos a receberam. Na verdade, Hopper conseguiu tocar sentimentos universais usando material nacional. Ele abriu o caminho para reconhecimento internacional A pintura americana, embora tenha sido levada a papéis de destaque na arte mundial por artistas do pós-guerra não reconhecidos pelo próprio Hopper.

Seu caminho é único. No mundo turbulento de movimentos artísticos vibrantes, ele conseguiu não sucumbir à influência de ninguém e caminhar pelo caminho estreito entre o romantismo e o romantismo. crítica social, entre a obsessão vanguardista pelos conceitos e o naturalismo deliberado do precisão e do hiperrealismo, mantendo-se completamente fiel a si mesmo.

(1967-05-15 ) (84 anos) Um lugar de morte: Origem: Nacionalidade: