Ang plauta ay isa sa mga pinaka sinaunang instrumentong pangmusika. Ang mga ito ay transverse at longitudinal. Ang mga pahaba ay nakahawak nang diretso sa harap mo, na nagbubuga ng hangin sa butas sa itaas na dulo ng plauta. Ang mga nakahalang ay gaganapin sa isang pahalang na direksyon, humihip ng hangin sa gilid ng butas ng plauta.

Ang pinakaunang pagbanggit ng longitudinal flute ay umiiral sa Greek mythology at Egyptian history (ikatlong milenyo BC).

Sa Tsina, ang unang pagbanggit ng transverse flute na may lima hanggang anim na butas sa daliri ay nagsimula noong unang milenyo BC, gayundin sa Japan at India. Ang mga rebolusyonaryong pagbabago sa disenyo ng plauta ay naganap noong kalagitnaan ng ikalabinsiyam na siglo sa tulong ni Theobald Boehm.

Ang mga modernong plauta, bagama't ang mga ito ay mga instrumento ng hangin na gawa sa kahoy, ay kadalasang ginawa mula sa mga haluang metal gamit ang ginto, pilak at kahit platinum. Nagbibigay ito sa kanila ng mas maliwanag na tunog at mas madaling paggawa kaysa sa mga flute na gawa sa kahoy na nauna sa mga flute na metal noong nakaraang mga siglo.

Ang plauta ay isa sa mga pinaka-virtuosic na instrumento ng isang symphony orchestra. Ang kanyang mga pariah ay puno ng mga arpeggio at mga sipi.

Mga instrumentong pangmusika ng tanso

Mga instrumentong tanso - pangkat mga instrumentong pangmusika ng hangin , ang prinsipyo ng paglalaro na kung saan ay upang makakuha ng mga harmonic consonance sa pamamagitan ng pagbabago ng puwersa ng tinatangay na daloy ng hangin o ang posisyon ng mga labi.

Ang pangalang "tanso" sa kasaysayan ay bumalik sa materyal na kung saan ginawa ang mga instrumentong ito sa ating panahon, bilang karagdagan sa tanso, ang tanso ay kadalasang ginagamit para sa kanilang paggawa. tanso, mas karaniwang pilak , at ilan sa mga instrumento ng Middle Ages at Baroque na panahon na may katulad na paraan ng paggawa ng tunog (halimbawa, ahas ) ay gawa sa kahoy.

Kasama sa mga instrumentong tanso ang moderno sungay, trumpeta, cornet, flugelhorn, trombone, tuba . Ang isang hiwalay na grupo ay binubuo mga saxhorn . Mga kasangkapang antigong tanso - sakbut (hinalinhan ng modernong trombone), ahas atbp. Ang ilang mga katutubong instrumento ay gawa rin sa tanso, halimbawa, Central Asian karnai.

Kasaysayan ng mga instrumentong tanso

Ang sining ng paghihip ng guwang sungay hayop o shell ay kilala na noong unang panahon. Kasunod nito, natutunan ng mga tao na gumawa ng mga espesyal na tool mula sa metal, katulad ng mga sungay at nilayon para sa militar, pangangaso at mga layuning pangrelihiyon.

Ang mga ninuno ng modernong mga instrumentong tanso ay mga sungay sa pangangaso, mga trumpeta ng signal ng militar, at mga sungay ng postal. Ang mga instrumentong ito, na walang mekanismo mga balbula , gumawa ng ilang tunognatural na sukat , nakuha lamang sa tulong ng mga labi ng tagapalabas. Mula rito ay nagmula ang mga militar at pangangaso at mga senyales batay sa mga tunog ng isang natural na sukat, na naging matatag sa pagsasanay sa musika.

Sa pagsulong ng pagpoproseso ng metal at teknolohiya ng produksyon mga produktong metal Naging posible na gumawa ng mga tubo para sa mga instrumento ng hangin ng ilang mga sukat at ang kinakailangang antas ng pagtatapos. Habang ang mga tansong wind trumpet ay bumuti at ang sining ng paggawa ng malaking bilang ng natural na sukat na tunog sa mga ito ay nabuo, ang konsepto ngmga likas na instrumento , iyon ay, mga instrumento na walang mekanismo, na may kakayahang gumawa lamang ng natural na sukat.

Sa simula ng ika-19 na siglo, isang mekanismo ng balbula ang naimbento, na kapansin-pansing nagbago sa pamamaraan ng pagganap at nadagdagan ang mga kakayahan ng mga instrumentong tanso.

Pag-uuri ng mga instrumentong tanso

Ang mga instrumento ng hanging tanso ay nahahati sa ilang mga pamilya:

• Mga tool sa balbula may ilang mga balbula (karaniwan ay tatlo o apat), na kinokontrol ng mga daliri ng tagapalabas. Ang prinsipyo ng balbula ay upang agad na magpasok ng karagdagang korona sa pangunahing tubo, dagdagan ang haba ng instrumento at ibababa ang buong pag-tune nito. Ang ilang mga balbula na nagkokonekta sa mga tubo na may iba't ibang haba ay ginagawang posible na makakuha ng chromatic scale. Karamihan sa mga modernong instrumentong tanso ay may balbula - mga sungay, trumpeta, tubas, saxhorn, atbp. Mayroong dalawang disenyo ng balbula - "swivel" at "standing" (piston).
• Mga tool na may pamatok Gumagamit sila ng isang espesyal na U-shaped na maaaring iurong na tubo - isang slide, ang paggalaw nito ay nagbabago sa haba ng hangin sa channel, kaya nagpapababa o nagpapataas ng mga tunog na ginawa. Ang pangunahing instrumentong rocker na ginagamit sa musika ay ang trombone.
• Mga likas na kasangkapan walang karagdagang mga tubo at may kakayahang gumawa lamang ng mga tunog ng natural na sukat. Noong ika-18 siglo, espesyalmga orkestra na gawa sa natural na mga sungay . Hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ang mga likas na instrumento ay malawakang ginagamit sa musika, pagkatapos, sa pag-imbento ng mekanismo ng balbula, sila ay nawala sa paggamit. Matatagpuan din minsan ang mga likas na instrumento sa mga marka ng mga kompositor noong ika-19–20 siglo (Wagner, R. Strauss, Ligeti) para sa mga espesyal na sound effect. Kasama sa mga likas na instrumento ang mga antigong trumpeta at sungay, pati na rinsungay ng alpine , fanfare, bugle, signal horns (pangangaso, postal) at iba pa.
• Mga instrumento ng balbula may mga butas sa katawan na maaaring buksan at sarado ng mga daliri ng performer, tulad ng sawoodwind . Ang ganitong mga instrumento ay laganap hanggang sa ika-18 siglo, ngunit dahil sa ilang abala sa pagtugtog ay nawalan din sila ng gamit. Basic Valve Copper Tools - kornet (sink), ahas , ophicleides, tubo ng balbula . Kasama rin dito ang post horn.

Sa ngayon, sa muling pagkabuhay ng interes sa sinaunang musika, ang pagtatanghal sa natural at balbula na mga instrumento ay muling nagiging isang kasanayan.

Ang mga instrumentong tanso ay maaari ding uriin ayon sa kanilang mga katangian ng tunog:

• Puno- mga instrumento kung saan maaari mong kunin ang pangunahing tono ng harmonic scale.
• kalahati- mga instrumento kung saan ang pangunahing tono ay hindi maaaring makuha, at ang sukat ay nagsisimula sa pangalawang harmonic consonance.

Ang paggamit ng mga instrumentong tanso sa musika

Ang mga instrumentong tanso ay malawakang ginagamit sa iba't ibang genre at komposisyon ng musika. Kasamaorkestra ng symphony bumubuo sila ng isa sa mga pangunahing grupo nito. Ang karaniwang komposisyon ng isang symphony orchestra ay kinabibilangan ng:

• Mga sungay (isang pantay na numero mula dalawa hanggang walo, kadalasang apat)
• Mga tubo (mula dalawa hanggang lima, madalas dalawa o tatlo)
• Trombones (karaniwang tatlo: dalawang tenor at isang bass)
• Tuba (karaniwan ay isa)

Sa mga marka ng ika-19 na siglo, madalas ding kasama ang symphony orchestra mga kornet , gayunpaman, sa pag-unlad ng mga diskarte sa pagganap, ang kanilang mga bahagi ay nagsimulang gumanap sa mga trumpeta. Ang iba pang mga instrumentong tanso ay lumilitaw sa orkestra nang paminsan-minsan.

Mga kasangkapang tanso ang batayanbrass band , na bilang karagdagan sa mga tool sa itaas ay kasama rin mga saxhorn iba't ibang laki.

Ang solong panitikan para sa tanso ay medyo marami - ang mga birtuoso na gumaganap sa mga natural na trumpeta at sungay ay umiral na sa unang bahagi ng panahon ng Baroque, at kusang-loob na nilikha ng mga kompositor ang kanilang mga gawa para sa kanila. Pagkatapos ng bahagyang pagbaba ng interes sa mga instrumento ng hangin sa panahon ng romantikismo, nakita ng ika-20 siglo ang pagtuklas ng mga bagong kakayahan sa pagganap ng mga instrumentong tanso at isang makabuluhang pagpapalawak ng kanilang repertoire.

Sa mga ensemble ng kamara, ang mga instrumentong tanso ay bihirang ginagamit, ngunit maaari silang pagsamahin sa kanilang sarili sa mga ensemble, kung saan ang pinakakaraniwan ay tansong quintet (dalawang trumpeta, sungay, trombone, tuba).

Ang mga trumpeta at trombone ay may mahalagang papel sa jazz at ilang iba pang genre ng modernong musika.

Xylophone

Xylophone(mula sa Greek ξύλον - puno + φωνή - tunog) -percussion na instrumentong pangmusika na may isang tiyak na pitch. Ito ay isang serye ng mga kahoy na bloke na may iba't ibang laki, na nakatutok sa ilang mga tala. Ang mga bar ay hinampas ng mga stick na may mga spherical na tip o mga espesyal na martilyo na mukhang maliliit na kutsara (sa jargon ng mga musikero, ang mga martilyo na ito ay tinatawag na "mga binti ng kambing").

Timbre ang xylophone ay matalas, nag-click sa forte at malambot, sa piano.

Kasaysayan ng instrumento

Ang xylophone ay may mga sinaunang pinagmulan - ang pinakasimpleng mga instrumento ng ganitong uri ay at matatagpuan pa rin sa mga ito iba't ibang bansa Africa, Timog-silangang Asya , Latin America .

Sa Europa, ang unang pagbanggit ng xylophone ay nagsimula noong simula ng ika-16 na siglo: Si Arnolt Schlick, sa kanyang treatise sa mga instrumentong pangmusika, ay nagbanggit ng katulad na instrumento na tinatawag na hueltze glechter. Hanggang sa ika-19 na siglo, ang European xylophone ay isang medyo primitive na instrumento, na binubuo ng mga dalawang dosenang mga bloke ng kahoy, na nakatali sa isang kadena at inilatag sa isang patag na ibabaw upang tumugtog. Ang kadalian ng pagdadala ng naturang instrumento ay nakakuha ng atensyon ng mga gumagala na musikero.

Ang Xylophone ay pinahusay ni Guzikov

Ang mga pagpapabuti sa xylophone ay may petsa noong 1830s. Belarusian na musikero Mikhoel Guzikov pinalawak ang saklaw nito sa dalawa at kalahating octaves, at binago din ang disenyo, na nag-aayos ng mga bar sa isang espesyal na paraan sa apat na hanay. Ang modelong ito ng xylophone ay ginamit nang higit sa isang daang taon.

Sa isang modernong xylophone, ang mga bar ay nakaayos sa dalawang hanay tulad ng mga piano key, nilagyan ng mga resonator sa anyo ng mga tubo ng lata at inilagay sa isang espesyal na table-stand para sa kadalian ng paggalaw.

Ang papel ng xylophone sa musika

Ang unang kilalang paggamit ng xylophone sa isang orkestra - Seven VariationsFerdinand Cauer isinulat noong 1810 taon. Ang Pranses na kompositor na si Kastner ay isinama ang kanyang mga bahagi sa kanyang mga gawa. Isa sa pinaka mga tanyag na gawa, kung saan ginagamit ang xylophone - isang symphonic na tulaCamille Saint-Saens "Sayaw ng kamatayan" ( 1872 ).

Sa kasalukuyan, ang xylophone ay ginagamit saorkestra ng symphony , sa entablado, napakabihirang - bilang solong instrumento (“Fantasy on Themes of Japanese Prints” para sa xylophone at orchestra, Op. 211, ( 1964) Alan Hovaness).

Domra

Ang Domra ay isang sinaunang instrumentong pangmusika na may kuwerdas na Ruso. Ang kanyang kapalaran ay kamangha-mangha at kakaiba sa uri nito.

Saan ito nanggaling, paano at kailan lumitaw ang domra sa Rus' ay nananatiling misteryo sa mga mananaliksik. Ang mga makasaysayang mapagkukunan ay naglalaman ng kaunting impormasyon tungkol sa domra, at mas kaunting mga larawan ng sinaunang Russian domra ang nakarating sa amin. At kung ang mga domras ay itinatanghal sa mga dokumento na napunta sa amin, o ilang iba pang mga napuputol na instrumento na karaniwan noong mga panahong iyon, ay hindi rin alam. Ang mga unang pagbanggit ng domra ay natagpuan sa mga mapagkukunan ng ika-16 na siglo. Sinasabi nila ang domra bilang isang medyo laganap na instrumento sa Rus' noong panahong iyon.

SA kasalukuyan Mayroong dalawang pinaka-malamang na bersyon ng pinagmulan ng domra. Ang una at pinakalaganap ay ang bersyon tungkol sa silangang mga ugat ng Russian domra. Sa katunayan, ang mga instrumento na katulad sa disenyo at paraan ng paggawa ng tunog ay umiral at umiiral pa rin sa mga musikal na kultura ng mga bansa sa Silangan. Kung nakita o narinig mo na Kazakh dombra, Turkish baglama o Tajik rubab, pagkatapos ay maaaring napansin mo na lahat sila ay may bilog o hugis-itlog na hugis, isang flat soundboard, ang tunog ay ginawa sa pamamagitan ng mga plectrum strike ng iba't ibang frequency at intensity. Karaniwang tinatanggap na ang lahat ng mga instrumentong ito ay may isang ninuno - ang silangang tanbur. Ito ay ang tanbur na may hugis-itlog na hugis at isang patag na soundboard na nilalaro ng isang espesyal na piraso ng kahoy, na inukit mula sa mga scrap na materyales - isang plectrum. Marahil, ang instrumento, na kalaunan ay naging isang domra, ay dinala alinman sa panahon ng Tatar-Mongol na pamatok, o sa panahon ng pakikipag-ugnayan sa kalakalan sa mga bansa sa Silangan. At ang pangalang "domra" mismo ay walang alinlangan na may ugat ng Turkic.

Ang isa pang bersyon ay batay sa pag-aakalang ang domra ay sumusubaybay sa mga ninuno nito sa European lute. Sa prinsipyo, sa Middle Ages, ang anumang instrumentong may kuwerdas ay tinatawag na lute. nabunot na instrumento, na may katawan, leeg at mga string. Ang lute, naman, ay nagmula rin sa isang silangang instrumento - ang Arabic na al-ud. Marahil ang hitsura at disenyo ng domra ay naiimpluwensyahan ng mga instrumentong Kanluranin, European, at Slavic, halimbawa, ang Polish-Ukrainian kobza at ang pinahusay na bersyon nito, ang bandura. Ang bandura lang ay nanghiram ng maraming direkta sa lute. Isinasaalang-alang na ang mga Slav sa Middle Ages ay patuloy na nasa kumplikadong makasaysayang at kultural na relasyon, siyempre, ang domra ay maaari ding ituring na nauugnay sa lahat ng European plucked string instruments noong panahong iyon.

Kaya, batay sa kaalaman at pananaliksik na naipon hanggang sa kasalukuyan, maaari nating tapusin na ang domra ay isang karaniwang instrumentong Ruso na, tulad ng karamihan sa kultura at kasaysayan ng ating estado, pinagsama ang parehong mga tampok na European at Asian.

Gayunpaman, anuman ang tunay na pinagmulan ng domra, tiyak na itinatag na ang isang instrumento na may ganoong pangalan ay umiral sa Rus' at naging mahalagang bahagi ng kulturang Ruso noong ika-16-17 siglo. Ang mga musikero-buffoon ay nilalaro dito, na pinatunayan ng salawikain na "natutuwa ang mga skomorokh sa kanilang mga domras", na kilala rin ng mga mananaliksik. Bukod dito, sa palasyo ng hari ay mayroong isang buong "Amusement Chamber", isang uri ng musikal at entertainment group, ang batayan nito ay ang mga buffoon kasama ang kanilang mga domras, alpa, whistles at iba pang sinaunang instrumento sa musika ng Russia. Bilang karagdagan, ayon sa ilang mga mananaliksik, ang domra noong panahong iyon ay nakabuo na ng isang pamilya ng mga ensemble varieties. Ang pinakamaliit at squeaky ay tinawag na "domrishka", ang pinakamalaki at pinakamababang tunog ay tinawag na "basistaya domra".

Alam din na ang mga domras at domra performers - buffoons at "domrachei" - ay nagkaroon ng malaking katanyagan sa mga tao. Ang lahat ng uri ng pagdiriwang, kasiyahan at mga katutubong pagdiriwang sa lahat ng oras at sa lahat ng mga tao ay sinasaliwan ng mga awit at pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika. Sa Rus' sa Middle Ages, ang nakakaaliw sa mga tao ay ang pulutong ng "mga doktor sa bahay", "guselniks", "skrypotchikov" at iba pang mga musikero. Sa domra, tulad ng isang gusli, sinamahan nila ang mga epiko, epiko, at alamat ng bayan, at sa mga awiting bayan, sinusuportahan ng domra ang melodic na linya. Ito ay mapagkakatiwalaan na kilala na ang paggawa ng handicraft ng mga domras at pagsukat ng mga string ay itinatag, ang mga talaan ng supply kung saan sa korte at sa Siberia ay napanatili sa mga makasaysayang dokumento...

Malamang, ang teknolohiya para sa paggawa ng domra ay ang mga sumusunod: ang isang katawan ay hinubad mula sa isang piraso ng kahoy, isang stick-leeg ay nakakabit dito, at ang mga string o mga ugat ng hayop ay hinila. Naglaro sila ng isang piraso ng kahoy, isang balahibo, isang buto ng isda. Ang medyo simpleng teknolohiya ay tila pinahintulutan ang instrumento na maging lubos na kalat sa Rus'.

Ngunit narito ang pinaka-dramatikong sandali sa kasaysayan ng domra. Dahil sa pag-aalala tungkol sa pag-unlad ng sekular na kultura, ang mga ministro ng simbahan ay humawak ng sandata laban sa mga musikero at idineklara ang mga pagtatanghal ng mga buffoon na "mga laro ng demonyo." Bilang resulta, noong 1648, naglabas si Tsar Alexei Mikhailovich ng isang utos sa malawakang pagpuksa ng mga inosenteng instrumento - mga instrumento ng "mga larong demonyo". Ang tanyag na utos ay mababasa: “At kung saan lumilitaw ang mga domras, at surnas, at mga sipol, at haris, at haris, at lahat ng uri ng mga sisidlan ng panghuhula... inutusan niyang kumpiskahin ang mga ito at, nang masira ang mga larong iyon ng demonyo, inutusan niya sila ay sunugin.” Ayon sa patotoo ng ika-17 siglong manlalakbay na Aleman na si Adam Olearius, ang mga Ruso ay pinagbawalan mula sa instrumental na musika sa pangkalahatan, at isang araw ilang mga cart na puno ng mga instrumento na kinuha mula sa populasyon ay dinala sa Ilog ng Moscow at sinunog doon. Parehong mga musikero at buffooner sa pangkalahatan ay inuusig.

Marahil ang isang tunay na kalunos-lunos na pagliko ng kapalaran ay hindi pa nangyari sa anumang instrumentong pangmusika sa mundo. Kaya, kung bilang isang resulta ng barbaric na pagpuksa at pagbabawal, o para sa iba pang mga kadahilanan, pagkatapos ng ika-17 siglo, ang mga mananaliksik ay hindi nakahanap ng anumang makabuluhang mga sanggunian sa sinaunang domra. Ang kasaysayan ng sinaunang instrumentong Ruso ay nagtatapos dito, at maaaring wakasan ito ng isa, ngunit... Ang Domra ay nakatadhana na literal na muling ipanganak mula sa abo!

Nangyari ito salamat sa mga aktibidad ng isang natitirang mananaliksik at musikero, isang napakatalino at hindi pangkaraniwang tao - Vasily Vasilievich Andreev. Noong 1896, sa lalawigan ng Vyatka, natuklasan niya ang isang hindi kilalang instrumento na may hemispherical na katawan. Sa pag-aakalang mula sa hitsura nito na ito ang domra, pumunta siya sa sikat na master na si Semyon Ivanovich Nalimov. Sama-sama nilang binuo ang disenyo ng isang bagong instrumento, batay sa hugis at disenyo ng kanilang natagpuan. Pinagtatalunan pa rin ng mga mananalaysay kung ang instrumentong natagpuan ni Andreev ay talagang sinaunang domra. Gayunpaman, ang instrumento, na muling itinayo noong 1896, ay pinangalanang "domra". Bilog na katawan, katamtamang haba ng leeg, tatlong string, quart tuning - ito ang hitsura ng muling itinayong domra.

Sa oras na iyon, mayroon nang balalaika orkestra si Andreev. Ngunit upang mapagtanto ang kanyang napakatalino na ideya, ang Great Russian Orchestra ay nangangailangan ng isang nangungunang melodic group ng mga instrumento, at ang naibalik na domra na may mga bagong kakayahan ay perpekto para sa papel na ito. May kaugnayan sa kasaysayan ng paglikha ng Great Russian Orchestra, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit ng isa pang bagay: natatanging tao, kung wala ito, marahil, hindi kailanman makikita ng ideya ang pagpapatupad nito. Ito ang pianista at propesyonal na kompositor na si Nikolai Petrovich Fomin, ang pinakamalapit na kasama ni Andreev. Salamat kay propesyonal na diskarte Ang bilog ni Fomina Andreev, sa unang amateur, ay nag-aral notasyong pangmusika, tumayo sa isang propesyonal na batayan at pagkatapos ay nasakop ang mga tagapakinig sa kanyang mga pagtatanghal kapwa sa Russia at sa ibang bansa. At kung si Andreev ay pangunahing isang generator ng mga ideya, kung gayon si Fomin ay naging isang tao salamat sa kanino, sa katunayan, ang domras at balalaikas ay nagsimula sa landas ng pag-unlad bilang ganap na mga instrumento sa akademiko.

Pero balik tayo sa domra. Sa panahon ng 1896-1890. Idinisenyo nina V. Andreev at S. Nalimov ang mga ensemble varieties ng domra. At sa unang ilang dekada pagkatapos ng muling pagsilang nito, nabuo ang domra alinsunod sa pagtatanghal ng orkestra at ensemble.

Gayunpaman, halos kaagad ang ilang mga limitasyon sa mga kakayahan ng Andreevskaya domra ay lumitaw, at samakatuwid ay ginawa ang mga pagtatangka upang mapabuti ito nang nakabubuo. Ang pangunahing gawain ay upang palawakin ang saklaw ng instrumento. Noong 1908, sa mungkahi ng konduktor na si G. Lyubimov, si master S. Burov ay lumikha ng isang four-string domra na may ikalimang sukat. Ang "four-string" ay nakatanggap ng isang hanay ng violin, ngunit, sa kasamaang-palad, ay mas mababa sa "three-string" sa mga tuntunin ng timbre at kulay. Kasunod nito, lumitaw din ang mga ensemble varieties nito at isang orkestra ng four-string domras.

Ang interes sa domra ay lumago taun-taon, lumawak ang musikal at teknikal na abot-tanaw, at lumitaw ang mga birtuoso na musikero. Sa wakas, noong 1945, nilikha ang unang instrumental na konsiyerto para sa domra na may orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso. Ang sikat na G-moll concerto ni Nikolai Budashkin ay isinulat sa kahilingan ng concertmaster ng orkestra. Osipov Alexey Simonenkov. Ang kaganapang ito ay nagbukas ng bagong panahon sa kasaysayan ng domra. Sa pagdating ng una instrumental na konsiyerto Ang domra ay nagiging solo, birtuoso na instrumento.

Noong 1948, ang unang departamento ng mga instrumentong katutubong sa Russia ay binuksan sa Moscow sa State Musical-Pedagogical Institute na pinangalanan. Gnesin. Ang unang guro ng domra ay ang natitirang kompositor na si Yu Shishakov, at pagkatapos ay ang mga batang soloista ng orkestra. Osipova V. Miromanov at A. Alexandrov - ang lumikha ng unang paaralan ng paglalaro ng three-string domra. Salamat sa mas mataas na propesyonal na edukasyon, ang orihinal na katutubong instrumentong domra sa maikling panahon ay naglakbay sa akademikong yugto ng isang landas na tumagal ng maraming siglo para sa mga instrumento ng isang symphony orchestra (pagkatapos ng lahat, ang biyolin ay dating isang katutubong instrumento!).

Ang paglalaro ng Domra ay umuusad sa napakalaking bilis. Noong 1974, ginanap ang Unang All-Russian na kumpetisyon ng mga performer sa mga katutubong instrumento, ang mga nanalo sa kumpetisyon ay mga natitirang virtuoso domra na manlalaro - sina Alexander Tsygankov at Tamara Volskaya (tingnan ang seksyon, na ang malikhaing aktibidad para sa mga darating na dekada ay tinutukoy ang direksyon ng pag-unlad. ng domra art kapwa sa mismong larangan ng performance at domra repertoire.

Ngayon, ang domra ay isang bata, maaasahang instrumento na may napakalaking, higit sa lahat, musikal at nagpapahayag na potensyal, na may tunay na mga ugat ng Ruso at, gayunpaman, umaangat sa taas ng akademikong genre. Ano ang magiging kapalaran niya sa hinaharap? Ang sahig ay sa iyo, mahal na mga domrist!

Balalaika

Paglalarawan
Ang katawan ay nakadikit mula sa magkahiwalay na (6-7) na mga segment, ang ulo ng mahabang leeg ay bahagyang baluktot pabalik. Ang mga string ay metal (Noong ika-18 siglo, dalawa sa kanila ay mga string ng gat; ang mga modernong balalaikas ay may naylon o carbon). Sa leeg ng isang modernong balalaika mayroong 16-31 metal frets (hanggang sa huli XIX siglo - 5-7 ipinataw na frets).

Ang tunog ay malinaw, ngunit malambot. Ang pinakakaraniwang pamamaraan para sa paggawa ng tunog: rattling, pizzicato, double pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, rolls, guitar techniques.

Bumuo

Bago ang pagbabago ng balalaika sa isang instrumento ng konsiyerto sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ni Vasily Andreev, wala itong pare-pareho, malawak na sistema. Ang bawat tagapalabas ay nakatutok sa instrumento ayon sa kanyang istilo ng pagganap, pangkalahatang kalooban mga piyesang tinutugtog at mga lokal na tradisyon.

Ang sistemang ipinakilala ni Andreev (dalawang string na magkasabay - ang tala na "E", isa - isang quart na mas mataas - ang tala na "A" (parehong "E" at "A" ng unang oktaba) ay naging laganap sa mga manlalaro ng balalaika ng konsiyerto at nagsimula na tinatawag na "akademiko". Mayroon ding "folk" tuning - ang unang string ay "G", ang pangalawa ay "E", ang pangatlo ay "C". ang kahirapan ng paglalaro sa bukas na mga string Bilang karagdagan sa mga nasa itaas, mayroon ding mga rehiyonal na tradisyon ng pag-tune ng instrumento na umabot sa dalawang dosenang.

Mga uri

Sa modernong orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso, limang uri ng balalaikas ang ginagamit: prima, pangalawa, viola, bass at double bass. Sa mga ito, tanging ang prima ay isang solo, birtuoso na instrumento, habang ang natitira ay itinalagang puro orkestra na mga function: ang pangalawa at viola ay nagpapatupad ng chord accompaniment, at ang bass at double bass ay gumaganap ng bass function.

Paglaganap

Ang balalaika ay isang pangkaraniwang instrumentong pangmusika na pinag-aaralan sa mga paaralang pang-akademikong musika sa Russia, Belarus, Ukraine at Kazakhstan.

Ang tagal ng pagsasanay sa balalaika sa isang paaralan ng musika ng mga bata ay 5 - 7 taon (depende sa edad ng mag-aaral), at sa isang pangalawang institusyong pang-edukasyon - 4 na taon, sa isang mas mataas na institusyong pang-edukasyon - 4-5 taon. Repertoire: pag-aayos ng mga katutubong kanta, mga transkripsyon ng mga klasikal na gawa, orihinal na musika.

Kwento
Walang malinaw na pananaw sa pinagmulan ng balalaika. Ito ay pinaniniwalaan na ang balalaika ay naging laganap mula noong katapusan ng ika-17 siglo. Pinahusay na salamat kay V. Andreev kasama ang mga masters Paserbsky at Nalimov. Isang pamilya ng modernized na balalaikas ang nalikha: piccolo, prima, second, viola, bass, double bass. Ang balalaika ay ginagamit bilang solong konsiyerto, ensemble at instrumentong orkestra.

Etimolohiya
Ang mismong pangalan ng instrumento ay mausisa, karaniwang katutubong, ang tunog ng mga kumbinasyon ng pantig na naghahatid ng katangian ng pagtugtog nito. Ang ugat ng mga salitang "balalaika", o, kung tawagin din, "balabaika", ay matagal nang nakakuha ng atensyon ng mga mananaliksik dahil sa kaugnayan nito sa mga salitang Ruso tulad ng balakat, balabonit, balabolit, balagurit, na nangangahulugang makipag-chat, idle talk (bumalik sa karaniwang Slavic *bolbol ng parehong kahulugan). Ang lahat ng mga konsepto na ito, na umaakma sa bawat isa, ay naghahatid ng kakanyahan ng balalaika - isang magaan, nakakatawa, "strumming", hindi masyadong seryosong instrumento.

Ang salitang "balalaika" ay unang natagpuan sa mga nakasulat na monumento mula pa noong paghahari ni Peter I.

Ang unang nakasulat na pagbanggit ng balalaika ay nakapaloob sa isang dokumento na may petsang Hunyo 13, 1688 - "Memorya mula sa Streletsky Prikaz hanggang sa Little Russian Prikaz" (RGADA), kung saan, bukod sa iba pang mga bagay, iniulat na sa Moscow, ang Streletsky Dinala si Prikaz "<...>taong bayan Savka Fedorov<...>Oo<...>magsasaka na si Ivashko Dmitriev, at kasama nila ang isang balalaika upang sumakay sila sa isang kabayo ng pagmamaneho sa isang kariton patungo sa Yau Gate, kumanta ng mga kanta at tumugtog ng balalaika, at pinagalitan ang mga bantay na mamamana na nagbabantay sa Yau Gate<...>».

Ang susunod na nakasulat na mapagkukunan na nagbabanggit ng balalaika ay ang "Register" na nilagdaan ni Peter I, mula noong 1715: sa St. Petersburg, sa panahon ng pagdiriwang ng clownish na kasal ng "prinsipe-papa" N. M. Zotov, bilang karagdagan sa iba pang mga instrumento dala ng mga mummers, apat na balalaikas ang pinangalanan.

Ang salita ay unang pinatunayan sa wikang Ukrainian noong unang bahagi ng ika-18 siglo (sa mga dokumento ng 1717-1732) sa anyong "balalabayka" (malinaw naman, ito ang mas lumang anyo nito, na napanatili din sa mga diyalektong Kursk at Karachev). Sa Russian sa unang pagkakataon sa tula ni V. I. Maykov "Elisha", 1771, kanta 1: "tune me to a whistle or a balalaika."

Cello (Italian violoncello, pinaikling cello, German Violoncello, French violoncelle, English cello)

Isang nakayukong string na instrumentong pangmusika ng bass at tenor register, na kilala mula pa noong unang kalahati ng ika-16 na siglo, na may katulad na istraktura tulad ng violin o viola, ngunit mas malaki ang sukat. Ang cello ay may malawak na mga kakayahan sa pagpapahayag at isang maingat na binuo na diskarte sa pagganap ito ay ginagamit bilang isang solo, ensemble at orkestra na instrumento.

Kasaysayan ng pinagmulan at pag-unlad ng instrumento

Ang hitsura ng cello ay nagsimula noong simula ng ika-16 na siglo. Ito ay orihinal na ginamit bilang isang instrumento ng bass upang samahan ang pag-awit o pagtugtog ng isang instrumento ng isang mas mataas na rehistro. Mayroong maraming mga uri ng mga cello, na naiiba sa bawat isa sa laki, bilang ng mga string, at pag-tune (madalas na sila ay nakatutok sa isang tono na mas mababa kaysa sa modernong isa).
SA XVII-XVIII na siglo Sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng mga natitirang musical masters ng mga paaralang Italyano (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, atbp.), Nalikha ang isang klasikong modelo ng cello na may matatag na sukat ng katawan. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, lumitaw ang unang solong gawa para sa cello - sonatas at ricercars ni Giovanni Gabrieli. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, nagsimulang gamitin ang cello bilang instrumento ng konsiyerto, salamat sa mas maliwanag, buong tunog at pagpapabuti ng diskarte sa pagganap, sa wakas ay inialis ang viola da gamba mula sa pagsasanay sa musika. Ang cello ay bahagi rin ng symphony orchestra at chamber ensembles. Ang huling pagtatatag ng cello bilang isa sa mga nangungunang instrumento sa musika ay naganap noong ika-20 siglo sa pamamagitan ng pagsisikap ng namumukod-tanging musikero na si Pablo Casals. Ang pagbuo ng mga paaralan para sa pagganap ng instrumentong ito ay humantong sa paglitaw ng maraming virtuoso cellist na regular na gumaganap sa mga recital.
Napakalawak ng repertoire ng cello at may kasamang maraming concerto, sonata, at walang kasamang mga gawa.


] Teknik ng pagtugtog ng cello

Mstislav Rostropovich kasama ang cello ni Duport ni Stradivarius.
Ang mga prinsipyo ng pagtugtog at paghampas kapag gumaganap sa cello ay kapareho ng sa biyolin, gayunpaman, dahil sa mas malaking sukat ng instrumento at iba't ibang posisyon ng manlalaro, ang pamamaraan ng pagtugtog ng cello ay medyo limitado. Harmonics, pizzicato, thumb bet at iba pang diskarte sa paglalaro ay ginagamit. Ang tunog ng cello ay makatas, malambing at matindi, bahagyang naka-compress sa itaas na rehistro.
Ang istraktura ng mga string ng cello: C, G, d, a (C, G ng malaking octave, D, A ng maliit na octave), iyon ay, isang octave sa ibaba ng alto. Ang hanay ng cello, salamat sa binuong pamamaraan ng pagtugtog ng string, ay napakalawak - mula C (hanggang sa pangunahing oktaba) hanggang A4 (A ng ikaapat na oktaba) at mas mataas. Ang mga tala ay nakasulat sa bass, tenor at treble clefs ayon sa kanilang aktwal na tunog.


ang instrumento ay hinawakan sa mga binti ng mga binti
Kapag naglalaro, inilalagay ng tagapalabas ang cello sa sahig gamit ang isang pin, na naging laganap lamang sa pagtatapos ng ika-19 na siglo (bago iyon, ang instrumento ay hinawakan sa mga binti ng mga binti). Sa modernong mga cello, ang isang hubog na spire, na imbento ng French cellist na si P. Tortelier, ay malawakang ginagamit, na nagbibigay sa instrumento ng isang patag na posisyon, na medyo nagpapadali sa pamamaraan ng paglalaro.
Ang cello ay malawakang ginagamit bilang solong instrumento, isang grupo ng mga cello ang ginagamit sa mga string at symphony orchestra, ang cello ay isang obligadong kalahok sa isang string quartet, kung saan ito ang pinakamababa (maliban sa double bass, na kung minsan ay ginagamit sa loob nito) ng mga instrumento sa tunog, at madalas ding ginagamit sa iba pang mga ensemble ng silid. Sa isang orkestra na marka, ang bahagi ng cello ay nakasulat sa pagitan ng mga bahagi ng viola at double bass.

Kasaysayan ng biyolin

Ang kasaysayan ng musika ay naniniwala na ang biyolin sa pinakaperpektong anyo nito ay lumitaw noong ika-16 na siglo. Sa oras na iyon, ang lahat ng nakayukong instrumento na ginagamit sa buong Middle Ages ay kilala na. Inayos ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod at alam ng mga siyentipiko noong panahong iyon, na may higit o mas kaunting posibilidad, ang kanilang buong talaangkanan. Ang kanilang bilang ay napakalaki at ngayon ay hindi na kailangang bungkalin pa ang lalim ng bagay na ito.

Napagpasyahan ng mga kamakailang mananaliksik na ang biyolin ay hindi isang pinababang “viola da gamba.” Bukod dito, ito ay naitatag na may sapat na katumpakan na ang parehong mga uri ng mga instrumento ay may iba't ibang katangian sa kanilang disenyo. Ang lahat ng mga instrumento na may kaugnayan sa "viola da gamba" ay may patag na likod, patag na mga gilid, isang leeg na hinati ng mga frets, isang ulo, bihira sa anyo ng isang trefoil at mas madalas na may larawan ng isang hayop o isang ulo ng tao, mga ginupit sa ang itaas na ibabaw ng instrumento sa balangkas ng Latin na titik na "C", at sa wakas , pag-tune ng mga string sa ikaapat at pangatlo. Sa kabaligtaran, ang viola da bracio, bilang agarang hinalinhan ng modernong biyolin, ay may mga kuwerdas na nakatutok sa ikalima, isang matambok na likod, bahagyang nakataas ang mga gilid, isang fingerboard na walang anumang frets, isang hugis-scroll na ulo at mga ginupit o "f-hole" , sa balangkas ng maliliit na titik na magkaharap sa Latin f, na isinagawa sa italics.
Ang sitwasyong ito ay humantong sa katotohanan na ang pamilya ng viol ay binubuo ng sunud-sunod na pagbaba ng gamba. Sa gayon ay bumangon buong komposisyon isang sinaunang "quartet" o "quintet", na binubuo lamang ng mga viols na may iba't ibang laki. Ngunit, kasabay ng paglitaw ng kumpletong pamilya ng mga violin, isang instrumento ang binuo at pinahusay na mayroong lahat ng natatanging at pinaka-katangiang katangian ng modernong biyolin. At ang instrumento na ito, sa katunayan, ay hindi kahit isang "hand viol" sa direktang kahulugan mga salita, ngunit ang tinatawag na "hand lyre", na, bilang isang katutubong instrumento ng mga lupain ng Slavic, ay naging batayan ng modernong pamilya ng mga biyolin. Ang dakilang Raphael (1483-1520), sa isa sa kanyang mga kuwadro na itinayo noong 1503, ay nagbibigay ng mahusay na paglalarawan ng instrumentong ito. Kung pag-isipan ito, wala ni katiting na pag-aalinlangan na kakaunti na lang ang natitira para ganap na mabago ang “hand lyre” sa perpektong biyolin ng ating panahon. Ang tanging pagkakaiba na nagpapaiba sa imahe ni Raphael mula sa isang modernong biyolin ay nasa bilang lamang ng mga kuwerdas - mayroong lima sa kanila na may dalawang bass - at sa balangkas ng mga peg, na lubos ding nakapagpapaalaala sa kanilang hitsura ng mga peg ng isang sinaunang violin.
Simula noon, dumami ang ebidensya na may hindi kapani-paniwalang bilis. Ang pinakamaliit na pagwawasto na maaaring gawin sa imahe ng sinaunang "lyra da bracio" ay magbibigay dito ng pinaka walang kamali-mali na pagkakahawig sa isang modernong biyolin. Ang katibayan na ito, sa anyo ng isang imahe ng isang lumang biyolin, ay nagsimula noong 1516 at 1530, nang ang isang Basel na nagbebenta ng libro ay pumili ng isang lumang biyolin bilang kanyang trademark. Kasabay nito, ang salitang "violin", sa French form na violon, ay unang lumitaw sa mga diksyunaryo ng Pranses noong unang bahagi ng ika-16 na siglo. Sinasabi ni Henri Prunier (1886-1942) na noong 1529 na ang salitang ito ay nakapaloob sa ilang mga papeles ng negosyo noong panahong iyon. Gayunpaman, ang mga indikasyon na ang konsepto ng "violon" ay lumitaw noong mga 1490 ay dapat ituring na kahina-hinala. Sa Italya, nagsimulang lumitaw ang salitang violonista, na nangangahulugang manlalaro ng violin, noong 1462, habang ang salitang violino mismo, na nangangahulugang "violin," ay ginamit lamang makalipas ang isang daang taon, nang ito ay lumaganap. Noong 1555 lamang na pinagtibay ng Ingles ang pagbaybay ng Pranses ng salita, na, gayunpaman, pagkalipas ng tatlong taon ay pinalitan ng ganap na Ingles na "violin".
Sa Rus', ayon sa patotoo sinaunang monumento, ang mga nakayukong instrumento ay kilala sa napakatagal na panahon, ngunit wala sa mga ito ang nakabuo nang labis na naging instrumento ng isang orkestra ng symphony. Ang pinakalumang sinaunang Russian bowed instrument ay ang gudok. Sa pinakamarami purong anyo mayroon itong hugis-itlog, medyo hugis-peras na kahoy na katawan, na may tatlong string na nakaunat sa ibabaw nito. Tinugtog nila ang sipol gamit ang isang arched bow, na walang pagkakatulad sa modernong isa. Ang oras kung kailan nagmula ang gudok ay hindi alam nang eksakto, ngunit mayroong isang pag-aakala na ang "beep" ay lumitaw sa Rus 'kasabay ng pagtagos ng "silangang" mga instrumento - domra, surna at smyk. Ang oras na ito ay karaniwang tinutukoy ng ikalawang kalahati ng XIV at simula ng XV na siglo. Mahirap sabihin kung kailan lumitaw ang "violin" sa literal na kahulugan ng salita. Malalaman lamang nang may katiyakan na ang mga unang pagbanggit ng biyolin sa mga aklat ng alpabeto noong ika-16-17 na siglo ay "parehong nagpapakita na ang mga interpreter ay walang ideya tungkol dito." Sa anumang kaso, ayon kay P.F. Findeisen (1868-1928), ang instrumento na ito ay hindi pa kilala sa tahanan at pampublikong buhay ng Moscow Rus ', at ang mga unang biyolin sa kanilang ganap na nakumpletong anyo ay lumitaw sa Moscow, tila, sa simula lamang siglo XVIII. Gayunpaman, ang mga compiler ng mga libro ng ABC, na hindi pa nakakita ng isang tunay na biyolin sa kanilang panahon, ay naunawaan lamang na ang instrumento na ito ay dapat na isang string, at samakatuwid ay nagkakamali na inihalintulad ito sa "harp" at "Little Russian lyre," na, siyempre, ay ganap na hindi totoo.
Ang higit pa o hindi gaanong detalyadong mga paglalarawan ng bagong biyolin sa Kanluran ay nagsisimulang lumitaw lamang mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Kaya, ang Philibert Jambe de Fair (1526 -1572), na binabalangkas ang mga tampok at natatanging katangian ng kontemporaryong violin, ay nagbibigay ng ilang mga pangalan kung saan maaari nating tapusin na ang "pamilya ng mga violin" ay itinayo sa modelo at pagkakahawig ng mga violin. Ito ay mula sa oras na ito, mula 1556, na ang biyolin ay umiral hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo sa ilang mga uri, na kilala sa ilalim ng mga pangalang Pranses na dessus, quinte, haute-contre, tailee at basse. Sa form na ito, ang komposisyon ng pamilya ng violin ay itinatag sa oras na si Peer Mareen (1588-1648) ay nagsimulang magsulat tungkol dito. "The Gang of Twenty-Four" - bilang Les vingt-quatre ay tinawag sa isang pagkakataon - ay binubuo ng parehong mga instrumento, ngunit may mga pangalan na inilipat na. Kasunod ng dessus ay dumating ang haute-contre, at ang quinte ay matatagpuan sa pagitan ng tailee at basse, ngunit ang kanilang mga volume ay eksaktong tumutugma sa naunang data na nabanggit lamang. Kasunod nito, nagkaroon ng isa pang pagbabago sa komposisyon ng mga biyolin, dahil sa kung saan ang haute-contre ay ganap na nawala, na nagbigay daan sa dessus, at ang tailee ay nakipag-isa sa quinte, na pinagtibay ang pag-tune ng huli na ito. Kaya, ang isang bagong uri ng apat na boses na nakayuko na kumbinasyon ay itinatag, kung saan ang dessus ay tumutugma sa una at pangalawang violin, tailee o quinte violas at basse cellos.
Ngayon ay mahirap itatag nang may katumpakan kung kailan naganap ang pangwakas na pagkumpleto ng instrumento na ngayon ay kilala bilang "violin". Malamang, ang pagpapabuti na ito ay naganap sa isang tuluy-tuloy na pagkakasunud-sunod, at ang bawat master ay nag-ambag ng kanyang sarili. Gayunpaman, masasabi nang may kumpletong kalinawan na ang ika-17 siglo ay ang "ginintuang panahon" para sa biyolin, nang ang pangwakas na pagkumpleto ng mga ugnayan sa istruktura ng instrumento ay naganap at nang maabot ang pagiging perpekto na walang pagtatangkang "pabutihin. ” maaaring malampasan ito. Napanatili ng kasaysayan sa memorya nito ang mga pangalan ng mahusay na mga transformer ng biyolin at iniugnay ang pagbuo ng instrumento na ito sa mga pangalan ng tatlong pamilya ng mga gumagawa ng biyolin. Pangunahing ito ang pamilyang Amati ng mga Cremonese masters, na naging mga guro ni Andrea Guarneri (1626?-1698) at Antonio Stradivari (1644-1736). Gayunpaman, utang ng biyolin ang huling pagkumpleto nito higit sa lahat kay Giuseppe Antonio Guarneri (1687-1745) at lalo na kay Antonio Stradivari, na iginagalang. ang pinakadakilang manlilikha modernong biyolin.
Ngunit hindi lahat ay nagustuhan ang lahat tungkol sa biyolin na naitatag na noong panahong iyon ng dakilang Cremonese. Maraming sinubukang baguhin ang mga ratios na pinagtibay ni Stradivari, at walang sinuman, siyempre, ang nagtagumpay. Ang pinaka-curious na bagay, gayunpaman, ay ang pagnanais ng ilan sa mga pinaka-paatras na master na ibalik ang biyolin sa kamakailang nakaraan at ipataw dito ang hindi napapanahong mga katangian ng biyolin. Tulad ng alam mo, ang biyolin ay walang frets. Ginawa nitong posible na palawakin ang volume ng tunog nito at gawing perpekto ang pamamaraan ng pagtugtog ng violin. Gayunpaman, sa England ang mga katangiang ito ng biyolin ay tila "kaduda-dudang", at ang "intonasyon" ng instrumento ay hindi sapat na tumpak. Samakatuwid, ang mga fret ay ipinakilala doon sa fretboard ng violin upang maalis ang posibleng "pagkakamali" sa sound extraction, at ang publishing house, sa pangunguna ni John Playford (1623-1686?), mula 1654 hanggang 1730 ay muling naglathala ng manual na pinagsama-sama sa " fret tablature” . Gayunpaman, hinihiling ng hustisya na ito ang tanging kaso na kilala sa kasaysayan ng pagtugtog ng biyolin. Ang iba pang mga pagtatangka upang mapabuti at gawing mas madali ang pagtugtog ng instrumentong ito ay dumating sa muling pagsasaayos ng mga string o ang tinatawag na "scordatura". Ito ay may katuturan, at maraming mga natitirang biyolinista, tulad ng Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) at ilang iba pa, ang bawat isa ay nag-tune ng kanilang instrumento sa kanilang sariling paraan. Minsan ang pamamaraang ito ng muling pagsasaayos ng mga string ay ginagamit pa rin ngayon, na hinahabol ang mga espesyal, masining na layunin.
Stradivarius violin. Larawan mula sa gruhn.com Kaya, natanggap ng violin ang pinakaperpektong embodiment nito sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Si Antonio Stradivari ang huling nagdala nito sa modernong estado nito, at si François Tourte, isang master noong ika-18 siglo, ay iginagalang bilang lumikha ng modernong busog. Ngunit sa pagbuo ng biyolin at ang pagpapatupad nito sa totoong buhay, ang mga bagay ay hindi gaanong paborable. Napakahirap ihatid sa ilang salita ang buong mahaba at iba't ibang kasaysayan ng pag-unlad at pagpapabuti ng pamamaraan ng violin. Ito ay sapat lamang na tandaan na ang hitsura ng biyolin ay nagdulot ng maraming mga kalaban. Marami lamang ang nanghinayang sa nawala na kagandahan ng viola, habang ang iba ay lumabas na may buong "treatises" na itinuro laban sa hindi inanyayahang estranghero. Salamat lamang sa mga mahuhusay na violinists, na inilipat ang pamamaraan ng pagtugtog ng biyolin nang tiyak pasulong, kinuha ng biyolin ang lugar na nararapat na nararapat. Noong ika-17 siglo, ang mga birtuoso na biyolinistang ito ay sina Giuseppe Torelli at Arcangelo Corelli. Kasunod nito, si Antonio Vivaldi (1675-1743) at, sa wakas, ang isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang biyolinista, na pinamumunuan ni Niccolo Paganini, ay naglagay ng maraming trabaho sa kabutihan ng biyolin. Modernong biyolin ay may apat na string na nakatutok sa fifths. Ang itaas na string ay kung minsan ay tinatawag na "ikalima", at ang ilalim na string ay kung minsan ay tinatawag na "basque". Ang lahat ng mga kuwerdas ng biyolin ay gat o gat, at tanging ang "bass" lamang ang pinagdugtong ng manipis na pilak na sinulid o "gimp" para sa higit na kapunuan at kagandahan ng tunog. Sa kasalukuyan, ang lahat ng mga violinist ay gumagamit ng isang metal na string para sa "ikalima" at eksaktong pareho, ngunit lamang entwined sa isang manipis na aluminyo thread para sa lambot, ang A string, bagaman ang ilang mga musikero ay gumagamit din ng isang purong aluminyo A string na walang anumang "gimmickry". Sa pagsasaalang-alang na ito, ang metal na string para sa E at ang aluminyo na string para sa A ay ginawang kinakailangan upang mapahusay ang sonority ng D string, na kung saan ay veiny pa rin sa oras na iyon, na nakamit sa tulong ng isang aluminyo "gimp", kung saan, tulad ng isang "basque", balot sa paligid ng huli at, sa pamamagitan ng paraan, ito ay nagsilbi sa kanya ng mabuti. Gayunpaman, ang lahat ng mga kaganapang ito ay lubos na nakakainis sa mga tunay na connoisseurs, dahil ang sonority at kalupitan ng tunog ng mga metal string sa ibang mga kaso ay maaaring maging lubhang kapansin-pansin at hindi kasiya-siya, ngunit walang dapat gawin at ang isa ay kailangang magtiis sa mga pangyayari.
Ang mga kuwerdas ng biyolin, na nakatutok upang umangkop sa mga kinakailangan ng instrumento, ay tinatawag na bukas o guwang, at tunog sa pagkakasunud-sunod ng pagbaba ng mga perpektong ikalimang mula sa E ng ikalawang oktaba hanggang sa G minor. Ang pagkakasunud-sunod ng mga string ay palaging isinasaalang-alang mula sa itaas hanggang sa ibaba, at ang kaugalian na ito ay napanatili mula noong sinaunang panahon na may kaugnayan sa lahat ng yumuko at mga instrumentong kuwerdas"may hawakan" o "leeg". Ang mga tala para sa biyolin ay nakasulat lamang sa "treble clef" o clef ng G.
Ang konsepto ng "bukas" o sa paggamit ng orkestra - isang walang laman na string, ay nagpapahiwatig ng tunog ng string sa buong haba nito mula sa tulay hanggang sa saddle, iyon ay, sa pagitan ng dalawang puntong iyon na tumutukoy sa aktwal na taas nito kapag nag-tune. Ang haba ng string ay karaniwang tinutukoy ng parehong mga puntong ito, dahil sa orkestra ito ay ang tumutunog na bahagi ng string na isinasaalang-alang, at hindi ang "ganap na halaga" nito na nasa pagitan ng leeg at mga peg. Sa sheet music, ang bukas na string ay ipinapahiwatig ng isang maliit na bilog o zero na nakalagay sa itaas o ibaba ng note.
Sa ilang mga kaso, kapag kailangan ito ng musikal na tela ng trabaho, maaari mong ibagay ang string sa isang semitone upang makakuha ng F-sharp ng maliit na octave para sa "basque" o isang D-sharp ng pangalawa para sa " panglima”.
Pinagmulan ng music-instrument.ru

Kasaysayan kasama ang electric guitar (electric guitar) mga gusali

Ang pag-unlad ng teknolohiya noong ika-20 siglo ay hindi binalewala ang kultural na bahagi ng pagkakaroon ng tao. Ang paglitaw ng mga elektronikong aparato para sa pagpaparami at, pinaka-mahalaga, ang pagproseso ng tunog, sa huli, ay hindi makakaapekto sa mga instrumentong pangmusika mismo. Bilang karagdagan sa mga pagtatangka na lumikha ng panimula ng mga bagong instrumentong pangmusika, ang mga pagtatangka ay ginawa din upang "i-modernize" ang mga kilalang luma. Kaya't idinisenyo ni Lloyd Loehr ang unang magnetic pickup noong 1924, isang device na nagko-convert ng mga vibrations ng isang metal string sa isang electrical signal. Ang mahuhusay na inhinyero na ito ay nagtatrabaho noong panahong iyon, sa palagay mo? - sa Gibson! Ngunit tulad ng naiintindihan mo, ang paglikha ng Les Paul ay medyo malayo pa - isang mahabang 28 taon, kaya ang unang mass-produced electric guitar ay hindi inilabas ni Gibson. At ito ay ginawa ng isang kumpanya na tinatawag na "Electro String Company", isa sa mga nagtatag kung saan ay si Adolph Rickenbacker, na kalaunan ay nagtatag, tulad ng nahulaan mo na, ang napaka sikat na kumpanya na "Rickenbacker", na gumawa ng isang signature guitar para kay John Lennon - 325JL. Ang mga katawan ng mga unang gitara na ito ay gawa sa aluminyo, kaya naman natanggap nila ang madamdaming pangalan na "frying pan". Ang kaganapang ito ay naganap noong 1931. Hindi ko alam kung may iba pang mga pagtatangka na mag-attach ng pickup sa isang gitara, malamang na mayroon, ngunit noong 1951 lamang nila nakuha ang mga klasiko at nakikilalang mga anyo. At ginawa ito ni Leo Fender sa pamamagitan ng pagpapalabas ng kanyang sikat na Telecaster at isa na itong tagumpay, tulad ng paglalagay ng spaceship sa orbit kasama ang isang tao, siyempre, sakay. Ang katawan ay gawa sa kahoy, bagaman ang disenyo nito ay walang pagkakatulad sa isang klasikal na gitara. Sa ilang kadahilanan, iniisip ng maraming tao na ang mga de-kuryenteng gitara ay ginawa mula sa nakakaalam kung ano: metal, plastik, at ilang iba pang mga ultra-modernong materyales, hindi - ang mga gitara ay gawa at ginawa hanggang ngayon higit sa lahat mula sa kahoy, tulad ng 70% ng isang tao binubuo ng tubig.
Mula noon, ang electric guitar ay masasabing umusbong bilang isang instrumentong pangmusika at kultural na kababalaghan. Si Gibson, siyempre, ay hindi nagpahuli at noong 1952 ay inilabas ang kanilang maalamat na Les Paul. At ang test shot ay naganap noong 1954, nang ilunsad ni Fender ang Stratocaster sa orbit. Ang mga blues, rock at country musician ay nagsimulang tumugtog ng mga gitara mula sa mga modelo at manufacturer na ito. Simula noon, siyempre, mayroong maraming iba't ibang maganda at hindi masyadong, sikat at hindi sikat na mga gitara, ngunit hanggang sa araw na ito ay malamang na walang sinuman ang nakabuo ng isang bagay na mas makabuluhan, kung hindi mo isinasaalang-alang ang pagproseso ng tunog. Mayroong, siyempre, iba't ibang mga inobasyon, tulad ng pagdaragdag ng ikapito at maging ikawalong string (bilang panuntunan, ito ay mga gitara na inilaan para sa mga grupo at musikero ng matinding estilo at uso), ngunit ang lahat ng ito ay mga phenomena na hindi "malapit. ” sa kahalagahan sa mga nakalista sa itaas na "mga pagtuklas".
Ngunit ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay ang gitara ay nanatiling isang gitara. Sa ilang kadahilanan, maraming tao na malayo sa musika ang nag-iisip na ang electric guitar ay isang instrumentong pangmusika na walang pagkakatulad sa classical na gitara. Siyempre, malaki ang pagkakaiba, mula sa hitsura hanggang sa mga diskarte sa paglalaro, ngunit ito pa rin ang parehong instrumento na may parehong (na may ilang mga pagbubukod) pag-tune at chord fingerings, na nangangahulugan na, alam ang mga chord ng mga kanta, maaari silang gumanap nang may pantay na tagumpay sa parehong electric at sa acoustic guitars.

ISANG MAIKLING KASAYSAYAN NG GITARA AT ANG KASALUKUYANG KONDISYON NITO

Ang gitara ay, tulad ng alam mo, ang pambansang instrumento ng Espanyol. Hanggang ngayon, ang eksaktong pinagmulan ng gitara ay hindi pa naitatag. Dapat ipagpalagay na ang prototype nito ay ang Assyro-Babylonian kephara o ang Egyptian kiphara. Maaaring dinala ito ng mga Romano sa Iberian Peninsula ( gitara ng latin) o mga Arabo (Moorish guitar). Ang una ay nilalaro gamit ang "punteado" na pamamaraan, iyon ay, plucking; ang pangalawa, na may mas matalas na sonority, ay nilalaro gamit ang "rasgueado" na pamamaraan, iyon ay, pag-rattle ng mga string gamit ang lahat ng mga daliri ng kanang kamay.

Gitara modernong uri, o hindi bababa sa malapit dito, nagmula, dapat isipin ng isa, mula sa pagsasama ng dalawang uri ng sinaunang cithara na hindi mas maaga kaysa sa ika-16 na siglo. Mayroon kaming hindi direktang indikasyon ng dalawahang pinagmulan ng gitara sa iba't ibang paraan ng pagtugtog nito hanggang ngayon: folk - "rasgueado", na nagmumula sa pagtugtog ng Moorish na gitara, at propesyonal - "punteado", na nagmula sa Latin na gitara. .

Sa oras na tumagos ito sa ibang mga bansa sa Europa (XVI-XVII na siglo), ang gitara ay may limang string na nakatutok sa isang quart ratio, tulad ng kaugnay nitong lute. Ito ay hindi tiyak na itinatag kung ang pagdaragdag ng ikaanim na string ay naganap sa Alemanya o Italya. Sa wakas na nabuong pormang ito, nakuha ng gitara ang mga karapatan ng isang seryosong instrumento. Batay sa pagtaas na ito ng mga kakayahan sa musika, naranasan ng anim na string na gitara ang unang kasaganaan nito (mula sa katapusan ng ika-18 hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo). Sa panahong ito, ang gitara ay gumawa ng maraming makikinang na birtuoso at kompositor, tulad ng mga Espanyol na Aguado at Sor at ang mga Italyano na sina Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti at iba pa. Ang mga aktibidad sa konsiyerto ng mga gitaristang ito sa mga bansang Europeo ay nagtaas ng gitara sa isang mataas na antas ng propesyonal at nanalo ito ng maraming tagasunod mula sa mga pinakamalaking musikero, makata at manunulat. Ang ilan sa kanila - mga kompositor na sina Monteverdi, Rossini, Grétry, Aubert, Donizetti, Verdi, Massenet - ginamit ang gitara sa kanilang mga opera; iba pa - mga kompositor na sina Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - nilalaro mismo ang gitara; ang iba pa - Glinka, Tchaikovsky - mahilig makinig sa gitara. Dapat pansinin na ang sikat na biyolinistang Paganini ay kasabay ng isang mahusay na gitarista at nagsulat ng maraming mga gawa para sa gitara. Mga makata at manunulat: Gustung-gusto ni Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire at marami pang iba ang gitara at naglaan ng higit sa isang pahina dito sa kanilang mga gawa.

Ang kasagsagan ng gitara, na tumagal halos hanggang dulo XIX na siglo, nagbigay daan sa pagbaba nito, pangunahin dahil sa pagdating ng piano. Gayunpaman, mula noong simula ng ika-20 siglo, napagmasdan natin ang isang panahon ng bagong kapanahunan para sa gitara, na tila sanhi ng pagbabago sa saloobin ng pangkalahatang publiko patungo dito bilang isang sinaunang at isa sa mga pinaka-nagpapahayag na mga instrumentong katutubong. Ang resulta ay isang bilang ng mga pambihirang talento sa gitara, karamihan ay Espanyol: Tárrega, Llobet, Segovia, Pujol at iba pa, na naging perpekto sa sining ng pagtugtog ng gitara at inilagay ang gitara sa par sa iba pang tradisyonal na solong instrumento. At muli, tulad ng sa panahon ng unang kasaganaan nito, ang gitara ay umaakit ng maraming kaibigan mula sa mga pinakakilalang kompositor, tulad ng Turina, de Falla, Pons, Roussel at iba pa.

Sa ating bansa ito ay laganap kasama ng anim na string na gitara ang iba't-ibang nito ay isang pitong-kuwerdas na gitara, higit sa lahat ay may ikatlong tuning.

Akordyon, pindutan ng akurdyon

Kasaysayan at uri ng mga instrumentong tambo (accordion, button accordion, atbp.)

Ang accordion ay isang instrumentong pangmusika kung saan ang mga tunog ay nalilikha ng malayang pag-slide ng mga tambo ng metal - mga manipis na plato na nag-vibrate sa ilalim ng impluwensya ng isang stream ng hangin na binomba ng mga bellow. Ang performer ay nagpapatakbo ng bellow sa kanyang kaliwang kamay, at pinindot din ang bass at chord buttons upang samahan ang melody, na nilalaro gamit ang kanang kamay.

Sa Russia, sa Moscow, mayroong pinakamahusay at pinakamalawak na Harmonica Museum sa mundo (mayroong 4 na museo sa mundo: mayroon ding National Harmonica Museum sa Germany sa Klingenthal, Harmonica Museum sa Italy sa Castelfidardo at Accordion Museum sa ang USA sa Super Ior-Delusi).

Pangkalahatang kasaysayan ng pag-unlad ng mga instrumento ng tambo

Ang unang kilalang instrumento na may prinsipyong tambo ng paggawa ng tunog ay ang sinaunang Eastern Sheng (na nagmula sa Burma, Tibet, Laos at China). Eksaktong petsa Kailan nilikha ang instrumento na ito ay hindi alam, ngunit ito ay pinaniniwalaan na higit sa 2,000 taong gulang. Ito ay itinuturing na isang "dalisay" na instrumento, iyon ay, angkop para sa pagsasagawa ng sagradong musika. Mga 700 AD. Ang sheng ay isang pinahusay na sikat na instrumento na maaaring i-play sa 12 key, at isang harmony textbook ang ginawa para sa mga instrumentong ito.



Ang hitsura ng harmonicas, button accordions at accordions sa Russia

Ang hitsura ng mga harmonika sa Russia ay nagsimula noong unang bahagi ng 40s ng ika-19 na siglo. Ang mga may pribilehiyong seksyon ng populasyon, tulad ng ipinahiwatig sa mga mapagkukunang pampanitikan, ay bumili ng mga hand-held harmonicas sa ibang bansa, at sa pamamagitan ng mga serf servant, lumitaw ang mga harmonicas at naging tanyag sa mga nayon. May pagpapalagay na ang mga harmonica ay maaaring na-import ng mga dayuhang manggagawa na nakatalaga sa mga pabrika ng armas ng Tula.
Sa mga artisan ng Tula, mayroong isang opinyon na ang mga gunsmith na sina Sizov at Shkunaev ay nag-imbento ng mga harmonicas. Ayon sa ilang impormasyon, ginawa ang mga ito noong 30s ng ika-19 na siglo. Sa lalawigan ng Tula, gayunpaman, hindi alam kung aling mga harmonicas ang pinag-uusapan natin - labial o manual.



Pangkalahatang Impormasyon tungkol sa istruktura ng harmonika

Ang mga harmonika ay maaaring tawaging lahat ng mga instrumentong pangmusika kung saan ang tunog ay ginawa sa pamamagitan ng isang malayang gumagalaw na metal na tambo (boses) na nanginginig sa ilalim ng impluwensya ng isang daloy ng hangin. Ang hangin sa harmonicas ay ibinibigay sa pamamagitan ng kamay o paa bellows (kamay harmonicas, harmoniums), isang fan (organols, organets) o exhaled at inhaled sa pamamagitan ng mga tagapalabas ng baga (harmonicas). Sa lahat ng modernong harmonicas, ang tambo ay naka-riveted sa isang dulo sa isang metal na base na tinatawag na isang frame (chassis). Ang frame kasama ang riveted na dila ay tinatawag na strip.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Ang Sheng ay isa sa mga pinakalumang instrumento ng harmonic family, na nagmula sa Burma, Tibet, Laos at China. Ayon sa mga sinaunang manuskrito ng Tsino (2-3 libong taon BC), itinatag ng mga siyentipiko ang pinakamaagang pangalan ng instrumento - yu. Pagkatapos ay nagsimula itong tawaging chao, ho, sheng - depende sa hugis at materyal na ginamit para sa paggawa nito. Ang iba pang uri ng shen ay kilala rin - chonofui, o gonofui (Japan), ken (Laos), lusheng at hulusheng (Southwestern China). Sa Russia at iba pang mga bansa sa Europa, ang mga sheng ay kung minsan ay tinatawag na Chinese labial organs.



Bibelharmonica, orkestrasyon, elodicon

Nang lumitaw ang unang mga instrumentong pangmusika sa Europa, na binuo sa isang bagong prinsipyo ng paggawa ng tunog (isang lumalaktaw na tambo ng metal), ang mga gumagawa ng organ ay gumamit ng mga lumang anyo ng mga instrumentong pangmusika: portable organ, regal, positive (portable) organ, atbp. Ito ay malinaw na nakikita sa halimbawa ng mga unang instrumento ng ganitong uri.

Synthesizer

Isang elektronikong instrumentong pangmusika na nag-synthesize ng tunog gamit ang isa o higit pang mga sound wave generator. Ang kinakailangang tunog ay nakakamit sa pamamagitan ng pagbabago ng mga katangian ng electrical signal (sa analog synthesizer) o sa pamamagitan ng pagsasaayos ng mga parameter ng central processor (sa digital synthesizers).

Ang isang synthesizer na ginawa sa anyo ng isang case na may keyboard ay tinatawag na keyboard synthesizer.
Ang isang synthesizer na ginawa sa anyo ng isang case na walang keyboard ay tinatawag na synthesizer module at kinokontrol mula sa isang MIDI keyboard.
Kung ang isang keyboard synthesizer ay nilagyan ng built-in na sequencer, ito ay tinatawag na workstation.
Mga uri ng synthesizer:

Depende sa teknolohiyang ginamit, mayroong ilang mga uri ng mga synthesizer:

Ang mga analog synthesizer ay nagpapatupad ng mga additive at subtractive na uri ng synthesis. Ang pangunahing tampok ng mga analog synthesizer ay ang tunog ay nabuo at naproseso gamit ang mga tunay na electrical circuit. Kadalasan, ang koneksyon ng iba't ibang mga module ng synthesis ay ginawa gamit ang mga espesyal na cable - patch wires, kaya ang "patch" ay ang karaniwang pangalan para sa isang tiyak na synthesizer timbre sa mga musikero.

Ang mga pangunahing bentahe ng mga analog synthesizer ay ang lahat ng mga pagbabago sa likas na katangian ng tunog sa paglipas ng panahon, halimbawa ang paggalaw ng frequency cutoff ng filter, ay nagaganap nang lubos na maayos (patuloy). Kabilang sa mga disadvantage ang mataas na antas ng ingay ang problema ng kawalang-tatag ng pag-tune ay nalampasan na ngayon. Ang pinakasikat na analog synthesizer na ginagamit ngayon ay kinabibilangan ng: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Propeta '08, Andromeda A6.

Ang mga virtual analogue synthesizer ay isang hybrid sa pagitan ng isang analogue at isang digital synthesizer, na naglalaman ng isang bahagi ng software sa kanilang katawan. Ang pinakasikat sa kanila: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Kasama sa mga digital synthesizer ang mga digital synthesizer mismo, pati na rin ang kanilang mga variation: virtual plug-in/standalone synthesizer at interactive synthesizer. Nagpapatupad sila ng iba't ibang uri ng synthesis. Upang gumawa at magparami ng mga orihinal na waveform, baguhin ang tunog gamit ang mga filter, sobre, atbp. ginagamit ang mga digital na device batay sa isang sentral na processor at ilang coprocessor.

Mahalaga, ang digital synthesizer ay isang mataas na dalubhasang computer. Ang pinaka-advanced na mga modelo ng modernong digital synthesizer (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), tulad ng mga personal na computer, ay nagbibigay-daan sa iyo na i-update ang operating system, naglalaman ng mga menu ng page, mga built-in na help file, screensaver, atbp.

Ang mga virtual synthesizer ay isang uri ng digital synthesizer, ngunit ang mga ito ay isang espesyal na uri ng software. Ang gitnang processor at RAM ng isang personal na computer ay ginagamit upang lumikha ng tunog, at isang PC sound card ay ginagamit upang mag-output ng tunog sa isang playback device.

Ang mga virtual synthesizer ay maaaring maging independent (stand-alone) na mga produkto ng software o mga plug-in ng isang partikular na format (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, atbp.), na idinisenyo upang ilunsad sa loob ng isang host program, karaniwang isang multi-channel recorder (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, atbp.). Tinutukoy ng mataas na availability ang lumalagong katanyagan ng mga virtual synthesizer, kabilang ang mga modelo ng totoong buhay na mga instrumento (halimbawa, Native Pro53 - Prophet synthesizer emulator, Novation V-Station - Novation K-Station synthesizer emulator, Korg Legacy - Korg M1, Wavestation, PolySix, MS20 synthesizer emulators atbp.).

>Ang mga interactive o home synthesizer ay isa ring uri ng mga digital synthesizer na partikular na idinisenyo para sa amateur na paggawa ng musika sa bahay at salon, gayundin para sa interactive na pagtuturo ng musika. Karaniwan, ang mga naturang synthesizer ay walang mga advanced na kakayahan sa pag-edit ng tunog, kabilang ang mga real-time na kontrol. Ang diin ay sa makatotohanang imitasyon ng iba't ibang instrumentong orkestra at ang paggamit ng awtomatikong saliw. Sa kasong ito, upang tumugtog ng anumang piraso ng musika, ang tagapalabas ay hindi kailangang mag-program ng mga timbre o mag-record ng mga bahagi sa sequencer - pumili lamang ng isang handa na timbre para sa melody at isang estilo para sa saliw ng sasakyan.

Siyempre, ang kontrol ng naturang mga synthesizer ay mas simple kaysa sa mga propesyonal na modelo ng pagganap at kadalasang naa-access kahit sa isang bata. Kasama sa maraming mga synthesizer ng ganitong uri ang mga larong pang-edukasyon tulad ng "hulaan ang tala" o "hulaan ang chord", mga koleksyon ng mga handa na gawang musikal para sa pakikinig at pag-aaral, isang karaoke function na may pagpapakita ng mga lyrics ng kanta, atbp. Kasama sa kategoryang ito ng mga synthesizer ang mga pamilyang Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR, atbp.

Mga uri ng sound synthesis:

Depende sa paraan ng pagbuo ng mga sound wave at ang kanilang pagbabago, ang sound synthesis ay maaaring uriin bilang mga sumusunod:

Summative (additive) synthesis, na gumagamit ng prinsipyo ng superposition (superposition) ng ilang wave ng isang simple (karaniwang sinusoidal) na hugis na may iba't ibang frequency at amplitudes. Sa pamamagitan ng pagkakatulad sa mga organo ng kuryente, ang mga alon na ito ay tinatawag na mga register at itinalaga bilang 16′ (isang tono na isang oktaba na mas mababa kaysa sa kinuha), 8′ (ang orihinal na tono), 4′ (isang tono na isang oktaba na mas mataas kaysa sa kinuha) , atbp. (ang figure ay kumakatawan sa haba ng tubo ng kaukulang organ register sa talampakan). Sa dalisay nitong anyo ito ay matatagpuan sa mga de-koryenteng organo (Hammond, Farfisa) at sa kanilang mga digital emulator (Korg CX-3, Roland VK-8, atbp.). Kung mas malaki ang bilang ng mga rehistro na ginamit sa disenyo, mas mayaman ang tunog ng instrumento.

Subtractive (subtractive) synthesis, kung saan ang orihinal na wave ng isang arbitrary na hugis ay nagbabago ng kulay ng timbre nito kapag dumadaan sa iba't ibang mga filter, mga generator ng sobre, mga processor ng epekto, atbp. Bilang isang subset, ang ganitong uri ng synthesis ay malawakang ginagamit sa halos lahat ng modernong modelo ng synthesizer.

Operator (FM, mula sa English Frequency Modulation) synthesis, kung saan nangyayari ang interaksyon (frequency modulation at summation) ng ilang wave ng isang simpleng anyo. Ang bawat alon, kasama ang mga katangian nito, ay tinatawag na isang operator ng isang tiyak na pagsasaayos ng mga operator ay bumubuo ng isang algorithm. Kung mas maraming operator ang ginagamit sa disenyo ng synthesizer, nagiging mas mayaman ang tunog ng instrumento. Halimbawa, ang Yamaha DX-7 synthesizer (1984), na sikat pa rin ngayon, ay may 6 na operator, na na-configure gamit ang 36 na magkakaibang mga algorithm.

Pisikal na synthesis, kung saan, sa pamamagitan ng paggamit ng makapangyarihang mga processor, ang mga tunay na pisikal na proseso na nagaganap sa mga instrumentong pangmusika ng isang uri o iba pa ay ginagaya. Halimbawa, para sa mga instrumento ng wind whistle tulad ng plauta, ang mga parameter ay ang haba, profile at diameter ng pipe, bilis ng daloy ng hangin, materyal ng katawan; para sa mga instrumentong may kuwerdas – laki ng katawan, materyal, haba at pag-igting ng mga kuwerdas, atbp. Ang pisikal na synthesis ay ginagamit ng mga instrumento tulad ng Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, atbp.

Wavetable (PCM) synthesis, kung saan nalilikha ang tunog sa pamamagitan ng paggawa ng mga fragment ng tunog ng mga tunay na instrumentong pangmusika (mga sample at multisample) na dati nang naitala sa memorya ng instrumento. Ang pinakasikat na synthesizer sa grupong ito ay ang Waldorf Wave, sikat din bilang pinakamahal na synthesizer sa mundo.

Hybrid synthesis, kung saan ginagamit ang isa o isa pang kumbinasyon ng iba't ibang paraan ng sound synthesis, halimbawa, "summing + subtracting", "wave + subtracting", "operator + subtracting", atbp. Karamihan sa mga modernong instrumento ay nilikha batay sa hybrid synthesis, dahil mayroon itong napakalakas na paraan para sa iba't ibang timbre sa loob ng pinakamalawak na limitasyon.

Mga kontrol ng isang modernong synthesizer:

Ang kontrol ng isang modernong propesyonal na synthesizer ay isang kumplikadong proseso na nauugnay sa kontrol ng ilang daan-daan, o kahit libu-libo, ng iba't ibang mga parameter na responsable para sa ilang mga aspeto ng tunog. Ang ilang mga parameter ay maaaring kontrolin sa real time gamit ang mga rotary na kontrol, gulong, pedal, mga pindutan; ang iba pang mga parameter ay nagsisilbi para sa mga paunang na-program na pagbabago sa oras ng ilang partikular na katangian. Kaugnay nito, ang mga tunog (patches) ng mga digital synthesizer ay madalas ding tinatawag na mga programa.

Ang keyboard at dynamic na pagsubaybay ay ginagamit upang subaybayan ang posisyon at bilis ng isang key na pinindot. Halimbawa, kapag lumilipat mula sa mas mababang mga key patungo sa itaas, ang timbre ay maaaring maayos na magbago mula sa cello hanggang sa flute, at sa mas masiglang pagpindot sa key, ang timpani ay idinagdag sa pangkalahatang tunog.

Ang sobre ay ginagamit upang hindi pana-panahong baguhin ang isang tiyak na parameter ng tunog. Karaniwan, ang graph ng envelope ay isang putol na linya na binubuo ng mga seksyong Attack, Decay, Sustain at Release (tingnan din ang ADSR envelope), ngunit sa iba't ibang mga modelo ng synthesizer, makikita ang mga ito bilang mga mas simple ( ADR) at mas kumplikadong mga multi-stage na sobre. Ang kabuuang bilang ng mga sobre ay isang mahalagang katangian ng isang synthesizer.

Ang isang filter ay ginagamit upang putulin ang isang partikular na frequency band mula sa pangkalahatang spectrum ng isang signal. Kadalasan ang filter ay nilagyan din ng resonance, na ginagawang posible na mapahusay ang frequency band sa hangganan ng cutoff. Ang pagbabago sa mga katangian ng filter gamit ang mga real-time na kontrol, pagsubaybay sa keyboard, at/o mga sobre ay nagbibigay-daan para sa iba't ibang mga opsyon sa tonal. Ang kabuuang bilang ng mga filter ay isang mahalagang katangian ng isang synthesizer.

Ang isang modulator ng singsing ay nagpapahintulot sa iyo na baguhin ang orihinal na signal gamit ang isa pang signal na may isang tiyak (naayos o lumulutang) dalas, dahil kung saan ang isang makabuluhang pagpapayaman ng mga harmonika ay nangyayari. Ang pangalang "Ring" ay dahil sa ang katunayan na ang yunit na ito ay madalas na ginagamit upang makabuo ng isang "kampanilya" na tunog ng instrumento.

Ang Low Frequency Oscillator ay ginagamit upang pana-panahong baguhin ang ilang partikular na parameter ng tunog, tulad ng pitch, volume, filter cutoff frequency, atbp. Sa kaso ng isang paikot na pagbabago sa volume, ang isang tremolo effect ay nilikha, isang pagbabago sa pitch ay lumilikha ng isang vibrato effect, at isang panaka-nakang pagbabago sa filter cutoff frequency ay tinatawag na "wah-wah" effect.

Ginagamit ang pagpoproseso ng mga epekto upang i-finalize ang tunog. Ang mga modernong synthesizer ay karaniwang nilagyan ng medyo malaking bilang ng mga processor ng epekto (halimbawa, Korg Karma - 8 processor, Roland Fantom - 6 processor, atbp.). Ang mga processor ay gumagana nang hiwalay sa isa't isa, bagaman maaari silang pagsamahin sa mga daisy chain kung nais. Ipinapatupad ng mga modernong effect processor malaking bilang ng spatial (reverb, delay, echo), modulation (flanger, chorus, phaser) at iba pang (overamplification, frequency shift, harmonic enrichment) effect algorithm.

Ang mga pinaka-advanced na modelo ay may mga tool para sa pagkontrol ng mga parameter ng effect mula sa mga real-time na kontrol, sobre, LFO, atbp.

Ang mekanika ng modernong piano ay naimbento ng Italian master na si Cristofori sa pagtatapos ng ika-17 siglo (opisyal na petsa - ca. 1709), sa kanyang disenyo ang mga martilyo ay matatagpuan sa ilalim ng mga string. Ang instrumento ay tinawag na gravicembalo col piano e forte - pianoforte - at pagkatapos ay itinatag ang pangalang piano.

Ang imbensyon ni Cristofori ay minarkahan ang simula ng pag-unlad ng mekanika sa sistemang Ingles. Ang iba pang uri ng mekanika ay binuo ni Marius sa France (1716) at Schröter sa Germany (1717-21). Inimbento ni Sébastien Erard ang double-rehearsal mechanics, na naging posible upang makabuo ng tunog sa pamamagitan ng mabilis na pagpindot sa isang key sa kalahati. Sa mekanika ng sistemang Ingles, ang gayong pag-uulit ay posible lamang kapag ang susi ay ganap na nakataas.

Sa Russia, ang paggawa ng piano ay pangunahing nauugnay sa St. Petersburg. Noong ika-18 siglo lamang, mahigit 50 tagagawa ng piano ang nagtrabaho doon. Ang pag-unlad ng produksyon ng pabrika ng mga piano sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay naiimpluwensyahan ng mga aktibidad ng unang tagagawa ng piano ng Russia, tagapagtustos sa Imperial Court ng English master na si G. Faverier, mga master ng Aleman na si I.-A .-I. Wirth, A.-H. Schröder, I. -F. Sa ngayon, ang mga pangalan ng higit sa 600 piano masters na nagtrabaho sa Russia bago ang rebolusyon ng 1917 ay kilala Ang mga pag-aaral na ito ay isinasagawa ng piano master ng St. Petersburg Conservatory, kandidato ng philological sciences M. V. Sergeev.
Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nagbukas ang mga pabrika ng J. Blüthner at K. Bechstein sa Germany, sa USA - Steinway and Sons, mahabang taon walang kapantay.
Noong ika-20 siglo, sa panimula ay lumitaw ang mga bagong instrumento - mga elektronikong piano at synthesizer, pati na rin ang isang espesyal na anyo ng paggawa ng tunog - ang inihandang piano.

Ang unang piraso ng musika na partikular na isinulat para sa piano ay lumitaw noong 1732 (Sonata ni Lodovico Giustini). Gayunpaman, ang mga kompositor nang marami ay nagsimulang tumuon sa piano kaysa sa harpsichord pagkaraan ng apatnapu hanggang limampung taon, noong panahon nina Haydn at Mozart.

Ang mga piano ay nahahati sa mga grand piano - mga instrumentong may pahalang na mga string - at mga patayong piano. Ang unang kilalang vertical na piano ay iniuugnay kay C.-E Friederici (Gera, Germany), na lumikha nito noong 1745. Gayunpaman, noong 1742, isang katulad na instrumento ang lumabas sa workshop ni Johann Söcher sa Zanthofen (Bavaria), at noong 1748 ginawa rin ni G. Silbermann ang mga instrumento. Mga uri ng patayong piano - pyramidal, piano-lyre, piano bureau, piano-harp, atbp. Mula noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo, mga piano at grand piano lamang ang nagawa.

Ang tunog sa isang piano ay ginawa sa pamamagitan ng pagpindot sa mga string gamit ang martilyo. Ang mga string ay nakaunat sa isang cast-iron frame sa tulong ng mga whirbels (pegs), na dumadaan sa treble at bass stems na nakadikit sa resonant soundboard (sa mga piano ang soundboard ay nasa patayong posisyon, sa mga grand piano - sa isang pahalang na posisyon) . Para sa bawat tunog mayroong isang koro ng mga string: tatlo para sa gitna at mataas na hanay, dalawa o isa para sa mas mababa. Ang hanay ng karamihan sa mga piano ay 88 semitones mula A hanggang 5th octave (mas lumang mga instrumento ay maaaring limitado sa A mula sa 4th octave sa itaas; mga instrumento na may mas malawak na hanay ay maaaring matagpuan). Sa neutral na posisyon, ang mga string, maliban sa huling isa at kalahati hanggang dalawang octaves, ay nakikipag-ugnayan sa mga damper (silencer). Kapag pinindot ang mga key, isang aparato ng mga lever, strap, at martilyo na tinatawag na piano action ay naisaaktibo. Pagkatapos ng pagpindot, ang isang damper ay lumalayo mula sa kaukulang koro ng mga kuwerdas upang ang string ay malayang tumunog, at ito ay hinampas ng martilyo na natatakpan ng nadama.
Mga pedal ng piano
Ang mga modernong piano ay may dalawa o tatlo (ang mga pinakabagong modelo ay may apat) na pedal. Ang mga naunang instrumento ay gumamit ng mga maaaring iurong na mga pingga para sa parehong layunin, na kailangang pinindot ng piyanista gamit ang kanyang mga tuhod.
Ang tamang pedal (kung minsan ay tinatawag na simpleng "pedal", dahil ito ang madalas na ginagamit) ay itinataas ang lahat ng mga damper nang sabay-sabay, upang pagkatapos na mailabas ang susi ay patuloy na tumunog ang kaukulang mga string. Bilang karagdagan, ang lahat ng iba pang mga string ng instrumento ay nagsisimula ring mag-vibrate, na nagiging pangalawang mapagkukunan ng tunog. Ang tamang pedal ay ginagamit para sa dalawang layunin: upang gawing hindi naputol ang pagkakasunod-sunod ng mga tunog na ginawa (naglalaro ng legato) kung saan hindi ito magagawa gamit ang mga daliri dahil sa mga teknikal na kahirapan, at upang pagyamanin ang tunog gamit ang mga bagong tono. Mayroong dalawang paraan upang gamitin ang pedal: isang direktang pedal - pagpindot sa pedal bago pindutin ang mga key na gusto mong hawakan, at isang naantala na pedal, kapag ang pedal ay pinindot kaagad pagkatapos pindutin ang isang key at bago ito bitawan. Sa sheet music, ang pedal na ito ay itinalaga ng titik P (o ang pagdadaglat na Ped.), at ang pag-alis nito sa pamamagitan ng asterisk. Sa musika ng mga kompositor ng mga panahon ng Romantisismo at Impresyonismo, ang mga pagtatalagang ito ay kadalasang ginagamit, kadalasan upang bigyan ang tunog ng isang espesyal na lasa.
Ang kaliwang pedal ay ginagamit upang basain ang tunog. Sa mga piano, ito ay nakakamit sa pamamagitan ng paglipat ng mga martilyo sa kanan, upang sa halip na tatlong mga kuwerdas ng koro, dalawa lamang ang kanilang hinampas (noong nakaraan, minsan isa lamang). Sa isang piano, ang mga martilyo ay lumalapit sa mga kuwerdas. Ang pedal na ito ay hindi gaanong ginagamit. Sa mga tala ito ay ipinahiwatig ng mark una corda, ang pagtanggal nito sa pamamagitan ng mark tre corde o tutte le corde. Bilang karagdagan sa pagpapahina ng tunog, ang paggamit ng kaliwang pedal kapag tumutugtog ng piano ay nagbibigay-daan sa iyo upang mapahina ang tunog, na ginagawa itong mas mainit at mas maganda dahil sa panginginig ng boses ng mga pinalayang string ng koro.
Ang gitnang (o pangatlo, gaya ng kasaysayan na ito ang huling idinagdag) na pedal, o sostenuto pedal, ay nagsisilbing piling itaas ang mga damper. Kapag pinindot ang gitnang pedal, ang mga damper na nakataas kapag pinindot ang mga key ay mananatiling nakataas hanggang sa maalis ang pedal. Ito, tulad ng tamang pedal, ay maaaring gamitin para sa paglalaro ng legato, ngunit hindi magpapayaman sa tunog na may vibration ng natitirang mga string. Ang pedal na ito ay nawawala sa karamihan ng mga piano ngayon at naroroon sa karamihan ng mga grand piano. Mayroong mga piano kung saan ang gitnang pedal ay "itinulak" sa kaliwa at sa gayon ay naayos, habang ang isang espesyal na tela ay inilalagay sa pagitan ng mga martilyo at mga string, dahil sa kung saan ang tunog ay nagiging napakatahimik, na nagpapahintulot sa musikero na maglaro, halimbawa, sa gabi.
Maaaring gamitin ang piano bilang solong instrumento at kasama ng isang orkestra (halimbawa, sa mga piano concerto). Ang pagtugtog ng piano ay isang aktibidad na nangangailangan ng mahusay na pamamaraan, atensyon at dedikasyon. Maipapayo na simulan ang pagsasanay sa pagkabata. Sa mga paaralan ng musika ng mga bata (CMS) sa Russia, ang pagsasanay ay tumatagal ng 5 o 7 taon, depende sa programa, ang ilang mga mag-aaral ay mananatili ng karagdagang isa o dalawang taon pagkatapos ng graduation bago pumasok sa isang paaralan ng musika. Pagkatapos ng music school o katumbas na pagsasanay, maaari mong ipagpatuloy ang iyong pag-aaral sa isang music school o kolehiyo, at pagkatapos ay sa isang conservatory o unibersidad, maging isang propesyonal na pianist. Sa mga paaralan ng musika ng mga bata, ang pangkalahatang piano ay isang sapilitang paksa para sa halos lahat ng mga espesyalidad. Mga natitirang pianista ng ika-20 siglo - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould at iba pa.
Ang piano ay nangangailangan ng tamang kondisyon sa pagpapanatili, pati na rin ang regular na pag-tune, dahil ang pag-igting ng mga string ng instrumento ay humihina sa paglipas ng panahon. Ang dalas ng pagsasaayos ay depende sa klase ng instrumento, ang kalidad ng paggawa nito, edad nito, mga kondisyon ng pagpapanatili at pagpapatakbo. Ang pag-tune, bilang panuntunan, ay isinasagawa hindi ng mismong tagapalabas, ngunit ng isang espesyalista - isang master piano tuner, bagaman, sa teorya, ang pagkakaroon ng isang elektronikong tuner sa kamay at alam ang eksaktong dalas ng mga katangian ng bawat isa sa mga string, sinuman ay maaaring magdala out tuning, kahit na wala siyang tainga para sa musika.
Isa ito sa mga kategorya ng Delphic Games.

: Kanlurang European na musika noong ika-17 siglo

Ang instrumental na musika ay nabuo nang mas huli kaysa sa vocal na musika at hindi agad na nakakuha ng isang malayang lugar sa mga genre ng musika. Una, sa loob ng mahabang panahon ay pinanatili nito ang isang inilapat, iyon ay, opisyal, purong praktikal na karakter, na sinasamahan ng iba't ibang sandali sa buhay ng mga tao (mga prusisyon ng seremonyal at libing, mga bola sa korte, mga paglalakbay sa pangangaso, atbp.) Pangalawa, sa mahabang panahon na instrumental na musika ay nasa direktang pag-asa sa vocal, sinasabayan ang pag-awit at pagsunod dito. Halimbawa, ang tanging instrumento ng pagsamba sa Katoliko - ang organ - sa loob ng maraming siglo ay walang sariling "mukha", na nagdodoble ng pagsulat ng choral.

Sa panahon ng Renaissance (XV-XVI siglo) ang sitwasyon ay nagbago: instrumental art stepped malayo pasulong. Isang malawak na instrumental repertoire ang nilikha. Gayunpaman, karamihan sa mga instrumental na komposisyon noong panahong iyon ay hindi naiiba mula sa vocal: pinalitan lamang ng mga instrumento ang mga tinig ng boses nang hindi isinasaalang-alang ang mga detalye ng mga timbre. Ang mga piyesang ito ay maaaring gumanap sa anuman mga instrumento, hangga't pinapayagan ang hanay (sa biyolin katulad ng sa trombone). Gayunpaman, sa paglipas ng mga taon, ang instrumental na musika ay lalong nagsusumikap na lumayo sa pagkopya ng mga vocal sample. At sa wakas, noong ika-17 siglo, nagkaroon ng kumpletong pagpapalaya ng instrumental na musika - ang katotohanang ito ay itinuturing na isa sa mga pangunahing tagumpay ng makasaysayang panahon na ito. Ang musikang instrumental ay nagiging isang independiyenteng larangan ng pagkamalikhain ng kompositor, at lumalawak ang saklaw ng nilalaman nito. Wala nang isang genre ng propesyonal na musika ang magagawa na ngayon nang walang paglahok ng mga instrumentong pangmusika. Halimbawa, ang opera mula sa mga unang araw ng pagkakaroon nito ay umasa sa tunog ng orkestra.

Mayroong matinding interes sa iba-iba musikal na tono . Nagsisimulang matanto ng mga kompositor ang masining at teknikal na kakayahan ng isang partikular na instrumento at mag-compose para sa biyolin nang iba kaysa sa organ o plauta.

Iba-iba mga istilong instrumental- , violin, - kasama ang kanilang mga tiyak na paraan ng pagpapahayag at mga diskarte sa pagganap.

Magkakaibang pambansa instrumental mga paaralan- German organists, English virginists, Spanish vihuelist, Italian violinists, atbp.

Iba-iba mga instrumental na genre sa kanilang natatanging pagtitiyak: concerto grosso, solo concert, suite, sonata, polyphonic genre (tulad ng para sa mga genre ng mga naunang panahon, wala silang malinaw na pagkakaiba: marami silang pagkakatulad, ang mga pagkakaiba sa isa't isa ay napaka kamag-anak).

organ

Isang kumplikadong instrumentong pangmusika na binubuo ng isang mekanismo ng air-pressure, isang hanay ng mga kahoy at metal na tubo na may iba't ibang laki at isang gumaganap na console (lectern), kung saan matatagpuan ang mga register knobs, ilang mga keyboard at pedal.

Harpsichord

Virginel

Spinet

Ang spinet ay isang maliit na harpsichord ng parisukat, hugis-parihaba o pentagonal na hugis.

Clavicytherium

Ang Claviciterium ay isang harpsichord na may patayong katawan.

Clavichord

Nakayukong mga string

Baroque violin

Pangunahing artikulo: Baroque violin

Dobleng bass

Ang pinakamalaki at pinakamababang tunog na nakayuko na instrumento sa orkestra. Nilalaro nila ito ng nakatayo o nakaupo sa mataas na stool.

Pinutol na mga string

Baroque lute

Noong ika-16 na siglo, ang pinakakaraniwan ay ang anim na kuwerdas na lute (mga instrumentong may limang kuwerdas ay kilala noong ika-15 siglo sa panahon ng paglipat sa ika-17 siglo (ang huling panahon ng Baroque), ang bilang ng mga kuwerdas ay umabot sa dalawampu't apat. Kadalasan mayroong mula 11 hanggang 13 string (9-11 doubles at 2 singles). Ang sukat ay D minor (minsan major).

Theorbo

Ang Theorbo ay isang uri ng bass ng lute. Ang bilang ng mga string ay mula 14 hanggang 19 (karamihan ay iisa, ngunit mayroon ding mga instrumento na may dobleng mga string).

Quitarrone

Ang Quitarrone ay isang bass variety ng tinatawag na. Italian guitar (isang instrumento na may hugis-itlog na katawan, hindi katulad ng Espanyol). Ang bilang ng mga string ay 14 na solong. Ang Quitarrone ay halos hindi naiiba sa theorbo, ngunit may ibang pinagmulan mula dito.

Archlute

Mas maliit sa sukat kaysa theorb. Kadalasan mayroon itong 14 na mga string, ang unang anim sa isang tuning na tipikal ng Renaissance - (hindi tulad ng Baroque lute, kung saan ang unang anim na string ay nagbigay ng isang D minor chord) ay binuo sa isang perpektong ikaapat, maliban sa ika-3 at ika-4, na itinayo sa major third.

Angelica

Mandora

Gallichon

Zither

Archicitra

Mandolin

Baroque na gitara

Pangunahing artikulo: Baroque na gitara

Ang Baroque na gitara ay karaniwang may limang pares (choirs) ng gut strings. Ang unang baroque o five-choir guitars ay kilala mula noong katapusan ng ika-16 na siglo. Noon ay idinagdag ang ikalimang koro sa gitara (bago ito ay nilagyan ng apat na magkapares na kuwerdas). Ang istilong rasgeado ay ginagawang napakapopular ang instrumentong ito.

Iba pang mga string

hurdy-gurdy

Ang hurdy-gurdy ay may anim hanggang walong kuwerdas, karamihan sa mga ito ay sabay-sabay na tumutunog, na nag-vibrate bilang resulta ng alitan sa gulong na pinihit ng kanang kamay. Ang isa o dalawang magkahiwalay na mga kuwerdas, ang tumutunog na bahagi nito ay pinaikli o pinahaba sa tulong ng mga tungkod gamit ang kaliwang kamay, ay nagpaparami ng himig, at ang natitirang mga kuwerdas ay naglalabas ng isang walang pagbabagong ugong.

tanso

sungay ng Pranses

Ang baroque horn ay walang mekanika at ginawang posible na kunin lamang ang mga tono ng natural na sukat; Para tumugtog sa bawat susi, gumamit ng hiwalay na instrumento.

sungay

Wind brass musical instrument na walang balbula, na may conical barrel.

Trombone

Ang trombone ay mukhang isang malaking metal pipe na nakabaluktot sa isang hugis-itlog. Ang isang mouthpiece ay inilalagay sa itaas na bahagi nito. Ang ibabang liko ng trombone ay nagagalaw at tinatawag na slide. Kapag nabunot ang slide, bumababa ang tunog, at kapag pumapasok ito, tumataas ito.

Woodwinds

Nakahalang plauta

Block flute

Chalumeau

Oboe

Bassoon

Quartbassoon

Quartbassoon - pinalaki na bassoon. Sa pagsulat, ang bahagi ng bassoon ay nakasulat sa parehong paraan tulad ng bassoon, ngunit ang tunog ay isang perpektong pang-apat na mas mababa kaysa sa nakasulat na nota.

kontrabassoon

Ang contrabassoon ay isang uri ng bass ng bassoon.

Mga tambol

Timpani

Ang Timpani ay isang percussion musical instrument na may tiyak na pitch. Ang pitch ay nababagay gamit ang mga turnilyo o isang espesyal na mekanismo, kadalasan sa anyo ng isang foot pedal.

LECTURES

SA BANYAGANG LITERATURA NG MUSIKA

PARA SA MGA MAG-AARAL NG 1st COURSE OPERA ART NG 17TH CENTURY.

Malaki ang ginagampanan ng ika-17 siglo sa pag-unlad ng sining ng musika: sa isang banda, ibinubuod nito ang lahat ng nakaraang mga nagawa, at sa kabilang banda, binuksan nito ang daan tungo sa karagdagang pag-unlad ng musika. Noong ika-17 siglo na ang isa sa mga nangungunang genre ng musika, ang opera, ay lumitaw.

Ang Opera ay isang sintetikong genre na pinagsasama ang iba't ibang uri ng sining: musika, tula, teatro, sayaw. Salamat sa mga unibersal na katangian nito, ang opera ay mabilis na kumalat sa mga bansang Europa at nakakuha ng isang malakas na posisyon sa iba pang mga sining. Sa lahat ng oras, ang opera ay tumugon sa pinaka-advanced, progresibong adhikain ng sangkatauhan. Maraming mga musikal na genre ang inilatag sa kalaliman nito, halimbawa, overture, suite. Naimpluwensyahan ng Opera ang paglikha at pagbuo ng mga symphony, oratorio, cantatas, atbp.

Italian opera.

Ang lugar ng kapanganakan ng opera ay Italya. Ang Italian opera ay may ilang mga paaralan: Florentine, Roman, Venetian, Neapolitan, bawat isa ay nag-ambag sa pag-unlad ng opera sa Italya.

paaralan ng Florence. Ang mga nagtatag nito ay sina Ottavio Rinuccini (makata), Jacopo Peri at Giulio Caccini (mga musikero). Sinunod nila ang mga ideyang inihain ng mga miyembro ng camerata - isang bilog ng mga progresibong pigura ng sining at agham na naghahangad na buhayin ang sinaunang sining at ang pinakamataas na anyo nito - ang trahedya ng Griyego, kung saan natagpuan ang pagsasanib ng tula, musika at pagbigkas. Ang mga unang opera ng mga Florentine ay "Daphne" at "Euredice" ni Peri, "Euredice" ni Caccini. Ang Florentine opera ay lumikha ng isang bagong single-voice vocal style batay sa recitative declamation, nagpasimula ng isang prologue, na madaling ihatid ang nilalaman ng opera, at isang koro.

paaralang Romano. Ito ay nilikha sa inisyatiba ng pamilyang Barberini. Ang mga plot ay sumasalamin sa mga ideya sa relihiyon at pagpapatibay, ngunit sa kabila nito, ang opera ng Roma ay kumakatawan sa isang mas mataas na yugto sa pagbuo ng genre ng opera kumpara sa paaralan ng Florentine. Ang mahahalagang katangian nito ay ang pagpapakilala ng mga elemento ng komedya at ang paggamit ng katutubong musika.

paaralan ng Venice. Mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang Venice ay naging sentro ng Italyano na opera. Kung sa Florence at Rome ay ginanap ang opera sa mga palasyo ng mga aristokrata, kung gayon sa Venice ang mga teatro ng lungsod ay nilikha, bukas sa mga ordinaryong mamamayan. Ang pagkakaroon ng iba't ibang mga opera house ay nagbunga ng kanilang kumpetisyon, na siya namang humantong sa paglikha ng lalong sopistikadong mga pagtatanghal. Ang mga plot ay batay sa pag-iibigan at naglalaman ng mga eksena ng "katakutan", away, tunggalian, prusisyon, atbp. Sa purong musikal na mga termino, ang diin ay ang solo na pag-awit, na kung saan ay hahantong sa pagkabulok ng opera sa isang makinang na "konsiyerto sa mga kasuotan". Sa mga Venetian composers, namumukod-tangi sina Francesco Cavalli at Marco Cesti. Ang pangalan ng natitirang Italyano na kompositor na si Claudio Monteverdi, na may malaking impluwensya sa mga kompositor, ay nauugnay din sa Venice mga susunod na henerasyon.

Neapolitan na paaralan. Pinalitan nito ang Venetian. Matagal nang naging sentro ang Naples kultura ng musika. Mayroong 4 na conservatories dito, at hindi nagkataon na sa Naples nagmula ang dalawang pangunahing genre ng opera: "seria", i.e. seryoso at "buff", i.e. komiks, at binuo din ang sikat na vocal style na bel canto, na nangangahulugang "magandang pag-awit." Ang mga natatanging kinatawan ng Neapolitan opera ay sina Alessandro Scarlatti at Nicolo Porpora.

Nagmula sa Italya, ang opera ay mabilis na kumalat sa ibang mga bansa sa Europa.

French opera.

Ang mga unang produksyon ng Italian opera sa France ay nagdulot ng makabuluhang tagumpay at nakakaakit ng malapit na pansin sa bagong genre para sa Pranses. Ang mga progresibong Pranses na musikero at makata ay nagpasya na tutulan ang Italian opera gamit ang kanilang sariling pambansang opera. Ang mga nagpasimula ay ang makata na si Pierre Perrin at ang musikero na si Robert Cambert. Bilang resulta, noong 1669 lumitaw ang Royal Academy of Music at ang Grand Opera. Ngunit ang mga unang French opera ay malakas pa rin ang impluwensya ng mga Italyano. At tanging ang natitirang Pranses na kompositor na si Lully ang nakagawa ng isang tunay na pambansang opera. Ang bansa noong panahong iyon ay nakararanas ng kasagsagan ng isang absolutistang monarkiya. Ang pinuno ng estado ay si Louis XIV, kung saan ang lahat ay nasasakop sa pagluwalhati ng maharlikang korte, kabilang ang sining.

Ang French opera ay isang malaking limang-aktong pagtatanghal na may paunang salita, kahanga-hanga, marangya, solemne, na nagsasalaysay ng buhay ng mga hari at ng kanilang hukuman. Batay sa mga tradisyon ng French theater at klasikal na trahedya, malaki ang pagkakaiba ng French opera sa Italyano:

1) ang estilo ng boses ay nailalarawan sa pamamagitan ng trahedya na pagbigkas;

2) recitative ang naging batayan, ang pag-awit ay hindi mapaghihiwalay sa pag-arte;

3) isang malaking papel ang ibinigay sa ballet, na kadalasang hindi nauugnay sa aksyon, ngunit nagbigay ng pagiging makulay at pagiging epektibo ng pagganap;

4) isang bagong uri ng overture ang lumitaw sa French opera, na binubuo ng 3 bahagi: bahagi 1 - mabagal, solemne, bahagi 2 - mabilis, magaan, bahagi 3 - katulad ng una.

German opera.

Alemanya 17-18 siglo. ay isang mahina, atrasado, pira-pirasong estado, kung saan ang impluwensiya ng relihiyon ay di-pangkaraniwang malakas. Mabubuhay lang si Art sa korte o sa simbahan. Nag-iwan ito ng tiyak na bakas sa kanya. Lahat ng pambansa ay tinanggihan at may ganap na paghanga sa dayuhan. Sa larangan ng opera, ito ay isang paggalang sa French at, lalo na, Italian opera.

Ang mga pagtatangka na lumikha ng isang pambansang opera ng Aleman ay natapos sa kabiguan. Ang unang kompositor na nagpasya na lumikha ng isang Aleman na opera ay si Heinrich Schütz, na sumulat ng opera na Daphne. Ang pinakamahalagang kompositor ng Aleman ay si Reinhard Keyser, na ang pangalan ay nauugnay sa Hamburg. Ang Hamburg ay isang mayaman, maunlad na lungsod na tinawag na Venice of the North. Isa ito sa mga sentrong pangkultura ng bansa. Ito ay dito na ang pambansang German opera. Ngunit hindi ito nagtagal. Iba-iba ang nilalaman nito, mula sa mga sinaunang alamat hanggang sa mga modernong pang-araw-araw na kwento. Ang kahinaan ng Hamburg opera ay ang kakulangan ng mga propesyonal na mang-aawit. Ang mga pangunahing tungkulin ay ginampanan ng mga babaeng bulaklak, tindera, at kung minsan ay mga lalaki sa falsetto. Ang orkestra, na nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kasanayan nito sa pagganap, ay may pinakamalaking halaga.

English opera.

Sa England, isang kontradiksyon na kababalaghan ang naobserbahan. Ang isang advanced na bansa na may isang maunlad na ekonomiya, ang unang naglagay ng mga ideya ng Enlightenment, sa musika ay hindi maaaring makipagkumpitensya sa ibang mga estado sa Europa. Ang musika ay itinuturing na hindi karapat-dapat na libangan at inuusig sa pang-araw-araw na buhay. Lamang sa dramatikong pagganap binigyan siya ng isang lugar ng karangalan. Ito ay hindi nagkataon na si Shakespeare ay nagbigay ng malaking pansin sa musika.

Ang English opera ay kinakatawan ng iisang gawa - "Dido and Aeneas" at isang solong may-akda - Henry Purcell. Sa pagkamatay ng kompositor na ito, namatay din ang English opera.

INSTRUMENTAL MUSIC NG 17TH CENTURY.

Instrumental musika XVII siglo na binuo sa ilang mga direksyon: bilang organ, keyboard at musika para sa mga instrumentong string.

Musika ng organ. Mula noong ika-16 na siglo, ang organ ay ang pinaka-maunlad at nagpapahayag na instrumento sa musika. Ito ay tinawag na "hari ng lahat ng mga instrumento." Para sa musika ng organ ay tipikal polyphony . Ang polyphony ay isang polyphonic structure, kung saan ang bawat melodic line ay may independiyenteng kahulugan. Ang pangunahing katangian ng polyphony ay panggagaya, ibig sabihin. "imitasyon", pag-uulit ng isang melody sa iba't ibang boses na may ilang pagkaantala.

Ang polyphony sa una ay binuo lamang sa mga vocal form at genre, pagkatapos, sa pag-unlad ng organ music, matatag itong pumasok sa mga instrumental na genre.

Ang mga pangunahing genre ay binuo sa dalawang direksyon: 1) improvisational sa kalikasan; 2) ng isang mahigpit na kalikasan, kung saan ang prinsipyo ng imitasyon ay pinananatili nang mas pare-pareho. Ito ay humantong sa paglikha ng isang maliit na cycle na binubuo ng dalawang dula ng magkaibang kalikasan. Ang unang piraso ay isang prelude, fantasy, toccata, ang pangalawa ay isang fugue. Ang pangunahing papel ay ibinigay sa fugue - ang pinakamataas at pinaka kumplikadong anyo sa polyphonic music.

Ang pinakamalaking organista noong ika-17 siglo ay ang Italian Frescobaldi, ang Germans Pachelbel, Buxtehude, Boehm, Reincken at iba pa.

Musika sa keyboard. Noong ika-17 siglo Ang mga instrumento sa keyboard ay naging laganap. Iba ang tawag sa kanila: cymbal, virginal, spinet, atbp. Ngunit sa paglipas ng panahon, dalawang magkakaugnay na instrumento ang lumitaw - ang harpsichord at ang clavichord. Ang clavichord ay mas malambing na musika ng isang malambot, makinis na kalikasan ay ginanap dito. Maaaring baguhin ng performer ang lakas ng tunog. Ang tunog mismo ay muling ginawa sa pamamagitan ng paghampas ng isang string. Sa harpsichord ang tunog ay nakamit sa pamamagitan ng plucking. Samakatuwid, ang tunog ay biglang, maliit na malambing, ang lakas ng tunog ay nanatiling hindi nagbabago.

Sa kabila ng maraming mga pagkukulang, ang harpsichord at clavichord ay nakakuha ng napakalaking katanyagan at naging matatag sa pang-araw-araw na buhay. Ang paggamit ng mga instrumentong ito sa paggawa ng musika sa tahanan ay nagpasiya sa nilalaman ng musikang itinatanghal sa kanila. Ito ay malapit na konektado sa katutubong buhay at isa pang istrukturang musikal - homophony , kung saan ang isang boses ang pinuno, ang iba pang mga tinig ay gumaganap ng papel ng saliw.

Ang mga binuo na bansa sa Europa ay bumuo ng kanilang sariling mga paaralan ng mga clavicinist, at sa England - mga virginist. Ang isa sa pinakatanyag ay ang paaralang Pranses, na ang mga natatanging kinatawan ay sina Rameau at Couperin. Ang kanilang mga gawa ay puno ng iba't ibang melismas: mordents, gruppettos, grace notes, atbp. Samakatuwid, ang istilo ng mga French harpsichordist ay tinawag na "rococo," na isinalin ay nangangahulugang mga dekorasyon na gawa sa mga bato at shell. Sa paaralang Pranses Nabuo ang genre ng keyboard suite. Ang salitang "suite" mismo ay nangangahulugang "sumusunod". Ito ay isang paikot na gawain, na binubuo ng maraming iba't ibang mga sayaw, na pinagsama ng isang karaniwang tonality. Ang batayan ng suite ay binubuo ng 4 na sayaw:

1) allemande – German 4-beat dance, katamtaman, seryoso, nailalarawan sa pamamagitan ng polyphonic presentation;

2) chime – nagmula sa Italyano na "corente", pinakalat sa France, 3-beat, masigla;

3) sarabande – isang Espanyol na sayaw na nauugnay sa mga seremonya ng pagluluksa, 3-beat, napakabagal, malungkot, na may napapanatiling bass at isang ornamental melody;

4) giga - English comic sailor dance on heels, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliit na three-beats (3/8, 6/8, 12/16) at fugue presentation.

Musika para sa mga instrumentong kuwerdas. Ang mga musikero na Italyano, parehong kompositor at performer, ay may malaking papel sa pagbuo ng musikang ito. Bilang karagdagan, ang Italya ay sikat sa mga gumagawa ng biyolin: Stradivari, Guarneri, Amati, atbp.

Ang mga musikero ng Italyano ay naghangad hindi lamang upang ipakita ang virtuoso na kasanayan, kundi pati na rin upang ipahayag ang malalim na damdamin at kaisipan. Isa sa mga nangungunang genre string na musika nagkaroon ng concerto grosso (malaking konsiyerto). Ang mga solong instrumento ay ang violin at cello (concertino), ang iba pang mga instrumento ay tinatawag na grosso. Ang pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito ay ipinakita sa mga gawa ni Arcangelo Corelli. Sumulat din siya ng mga sonata ng violin. Iba pang natitirang Italyano na kompositor, nagtatrabaho sa genre ng violin music ay si Antonio Vivaldi, na ang merito ay nakasalalay sa pagbuo ng solo violin concerto .

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685 – 1750).

Si Bach ay isang napakatalino na kompositor ng Aleman, na ang gawa ay humanga sa lalim, kayamanan, at monumentalidad nito. Hindi sinasadya na sinabi ni Beethoven tungkol sa kanya: "Hindi ito isang batis - ang pangalan nito ay karagatan."

Naging posible na tunay na pahalagahan ang kahalagahan ni Bach 100 taon lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan, ngunit ang kanyang trabaho ay paksa pa rin ng pananaliksik. Sa buhay ng kompositor, 5 lamang sa kanyang mga gawa ang nai-publish, ang iba ay nakalimutan o nawala. Noong 1850, sa inisyatiba ni Schumann, nilikha ang Bach Society, na naghanap at naglathala ng mga gawa ni Bach. Noong 1895, nai-publish ang huling ika-45 na tomo. Gayunpaman, kahit ngayon ay hindi natin masasabing lubos nating kilala ang kompositor na ito.

Ang makasaysayang kahalagahan ng Bach ay nakasalalay sa katotohanan na, sa isang banda, siya ay nagbuod ng isang malaking panahon sa pag-unlad ng musika - ang panahon ng polyphony, at sa kabilang banda, inihanda niya ang sining ng kasunod na mga panahon ng musikal.

Ang gawain ni Bach ay maaaring hatiin sa tatlong panahon: 1) Weimar (1708 - 1717);

2) Ketensky (1717 – 1723); 3) Leipzig (1723 – 1750).

Sa panahon ng Weimar at Köthen, humawak siya ng mga katulad na posisyon bilang isang musikero ng silid, na nangangailangan ng kakayahang makabisado ang iba't ibang mga instrumento, pangunahin ang biyolin, harpsichord, at organ. Sa Leipzig, si Bach ay isang cantor, isang choir director. Sa gawain ng isang cantor, mahirap ihiwalay ang gumaganap na bahagi ng aktibidad mula sa komposisyonal o pedagogical na bahagi, samakatuwid ang karamihan sa mga gawa ng panahong ito ay isinulat para sa koro, na pinamunuan niya. SA Panahon ng Weimar Ang mga gawa ng organ ay nangingibabaw (toccata at fugue sa D minor, prelude at fugue sa A minor, atbp.). Sa Köten - mga keyboard, halimbawa, H.T.K., vol 1, "Brandenburg Concertos", mga suite. Sa Leipzig - vocal at choral. Bilang karagdagan, sa panahon ng Leipzig, isinulat ni Bach ang volume 2 ng H.T.K., mga teoretikal na gawa - "The Art of Fugue" at "Musical Offering".

Style ni Bach.

Ang pinakamahalagang katangian ng gawain ni Bach ay ang kanyang rasyonalismo. Ang proseso ng pag-iisip, pati na rin ang proseso ng karanasan, ay unang pumasok sa musika na may ganoong lalim at pagkakapare-pareho nang tumpak sa musika ni Bach. Ito ay hindi nagkataon na siya ay inihambing sa mga natitirang pilosopo na sina Kant at Ficht. Naipapakita ang rasyonalismo sa kahusayan ng polyphonic writing at, higit sa lahat, sa paggamit ng fugue. Ang Fugue para kay Bach ay ang sentral na genre kung saan nakamit niya ang pinakadakilang pagiging perpekto. Lumikha siya ng humigit-kumulang 400 fugues para sa iba't ibang instrumento at mga komposisyon. Ang hugis ng fugues ay lubhang magkakaibang. Nagsusulat si Bach ng 3-4 na voice fugues, fugues na may double exposition, sa ilang mga tema, atbp.

Ang isa pang mahalagang polyphonic form sa gawa ni Bach ay ang canon, kung saan ang mga tema ay isinasagawa sa iba't ibang intervallic na proporsyon, at kung saan ginamit ng kompositor sa iba't ibang genre.

Ang contrasting polyphony ay sumasakop sa isang malaking lugar, lalo na sa mga konsyerto.

Pinatunayan ni Bach ang kanyang sarili bilang ang pinakamaliwanag na innovator sa lahat ng paraan ng musikal na wika.

Melody . Iba-iba ang melodicism ni Bach. May mga vocalise na nagmumula sa mga Italyano, at mga tema ng koro na nauugnay sa alamat ng Aleman. Ang mga melodies ni Bach ay palaging partikular sa genre, nauugnay sa mga partikular na genre, pangunahin ang mga genre ng sayaw: siciliana, gigue, minuet, polonaise, atbp. Ang kompositor ay lumikha ng bagong polyphonic na tema, na nahahati sa dalawang elemento na magkasalungat sa isa't isa - ang core at ang pangkalahatan paggalaw. Maraming single-voice melodies ang naglalaman ng nakatagong polyphony, i.e. pagkakaroon ng mga nakatagong boses.

Harmony . Ang pagkakaisa ni Bach ay humanga sa katapangan nito. Sa kanyang trabaho ay may mga gawa ng isang homophonic na kalikasan, kung saan ang pagkakaisa ay gumaganap ng isang malayang papel. Ngunit maraming mga harmonies ang ipinanganak mula sa isang polyphonic interweaving ng mga boses, at dito lumitaw ang mga kumplikadong harmonies na magiging laganap lamang sa ika-19 at ika-20 siglo. Hindi nakakagulat na itinuturing ni Beethoven si Bach bilang ama ng pagkakaisa. Ang pinakamayamang kumbinasyon ay ibinibigay ng mga kumbinasyon ng diatonic at chromatic.

Gumagana ang organ ni Bach.

Ang kasaysayan ng organ ay bumalik sa dalawang libong taon. Ang organ ay unang tumunog sa Alexandria ng Egypt noong ika-2 siglo BC. e.

Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang sining ng organ ay umabot sa isang hindi pa naganap na pamumulaklak, lalo na sa Alemanya. Ang pamumulaklak na ito ay nauugnay sa gawain nina Bach at Handel.

Ang organ ay ang paboritong instrumento ni Bach, at naipakita ng kompositor ang lahat ng mga katangiang nagpapahayag nito. Isang araw, isang lokal na organista, na nakarinig kay Bach na tumutugtog ng organ, ay bumulalas: “Diyos ko! Si Mr. Bach o ang demonyo mismo!" At ang patriarch ng mga organistang Aleman, ang 97-taong-gulang na si Reincken, na nasasabik sa improvisasyon ni Bach, ay nagsabi: "Akala ko patay na ang sining na ito, ngunit ngayon ay nakikita ko na nabubuhay pa rin ito sa iyo."

Nagsimulang tumugtog ng organ si Bach sa Ohrdruf, noong nakatira siya kasama ang kanyang nakatatandang kapatid. Dito nakikilala niya ang mga gawa ng mga master ng South German. Sa pagkopya ng mga gawa nina Pachelbel at Floberger, hinihigop niya ang kahulugan ng anyo at istilo ng mga kompositor na ito. Sa Lüneburg, nakilala ng kompositor ang gawain ng organist ng Central German na si Georg Böhm. Sa panahong ito, binubuo ni Bach ang mga gawa ng organ, na ginagaya ang kanyang mga nauna. Ang isa sa mga pangunahing genre ng panahong ito ay ang chorale, na pinoproseso niya nang may kamangha-manghang talino.

Noong 1704, naging organista si Bach sa Arndstadt, na nagbukas ng napakalaking prospect para sa kanyang pagkamalikhain sa organ. Mula dito naglalakbay siya sa Lubeck upang marinig ang paglalaro ni Buxtehude, isang kinatawan ng organ school ng northern masters.

Istilo ng pagganap Ang mga organista sa Hilagang Aleman ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang likas na improvisasyon, kabaligtaran sa "pinakintab", maingat na kinokontrol na mga gawa ng mga organista ng South German.

Sumulat si Bach ng mga gawa ng iba't ibang genre para sa organ: chorale preludes, fugues, small cycles (prelude and fugue, toccata and fugue), concertos, Passacaglia in C minor, atbp.

Karamihan sa mga gawa ng organ ay nilikha sa Weimar. At ito ay naiintindihan, si Bach ay gumugol ng 9 na taon doon, na naglalaan ng karamihan sa kanyang oras sa kanyang paboritong instrumento. Gumagana ang organ ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang monumentalidad at saklaw. Ang mga organ fugue ay mas malaki at mas binuo kaysa sa mga keyboard fugue.

Pagkamalikhain sa keyboard.

Noong ika-16-17 siglo. May tendensiya sa pagpapalaya mula sa kapangyarihan ng simbahan. Lumilitaw ang opera at sekular na instrumental na musika. Isang kapansin-pansing pagtaas ng keyboard music noong ika-18 siglo. nauugnay sa mga gawa ng Couperin, Dominico Scarlatti, Handel at Bach. Isa sa mga nagtatag ng keyboard music sa Germany ay si Kuhnau, ang hinalinhan ni Bach bilang cantor ng St. Thomas. Isa siya sa mga unang gumamit ng cyclic sonata ("Biblical Sonatas").

Pinatunayan ni Bach ang kanyang sarili bilang isang malalim na innovator sa larangan ng keyboard music. Para sa kanya, ang clavier ay isang laboratoryo kung saan maaari siyang mag-eksperimento sa larangan ng melody, harmony, at anyo. Pinayaman niya ang keyboard music gamit ang mga teknik ng organ, vocal, at violin music. Mga Tampok na Katangian ang kanyang keyboard works ay:

1) estilo ng paglalaro ng cantilena, na malinaw na ipinakita sa mga imbensyon at symphony;

2) isang kasaganaan ng mga harmonic figurations, lalo na sa toccatas, preludes, fantasies;

3) nababaluktot, detalyadong pagbigkas.

Ang di-kasakdalan ng instrumento noong panahong iyon ay hindi nagpahintulot sa amin na ihayag ang totoo

merito ng keyboard music ni Bach. Ito ay posible lamang sa pagdating ng piano.

Sumulat si Bach ng mga gawa ng iba't ibang genre para sa clavier, mula sa mga maliliit na piraso hanggang sa mga monumental na komposisyon. Gumawa siya ng dalawang volume ng H.T.K., English at French suite, partitas, atbp. Ang mga suite at partitas ay kinabibilangan ng anim na piraso bawat isa, kung saan mayroong mga tradisyonal: allemande, courante, sarabande at gigue. Ang mga French suite ay pinakamalapit sa uri sa mga suite ng French clavicinist; Nagsisimula ang mga English suite at partita sa ilang uri ng panimulang piyesa - isang prelude, fantasy, symphony, toccata - at mas virtuosic at parang konsiyerto ang kalikasan.

Maayos na keyboard . Ang mas matapang na mga plano ni Bach ay naging, mas naranasan niya ang mga di-kasakdalan ng mga instrumento. Sa tunog fine tuning Ang ikalima at ikatlo ay naging imposible na gumamit ng mga susi na may 5 o higit pang mga palatandaan, modulasyon, transposisyon, atbp. Sa loob ng ilang siglo, sinubukan ng mga musikero na lutasin ang problema ng ugali. (Temperament (lat.) – tamang ratio, proporsyonalidad). Nagawa ito nina Werkmeister at Neidhardt. Ang tempered system ay nagbukas ng napakalaking prospect. Upang patunayan ang mga pakinabang ng bagong sistema, nilikha ni Bach ang H.T.K. Ang unang volume ay isinulat sa Köthen noong 1722, ang pangalawa sa Leipzig noong unang bahagi ng 40s. Kasama sa bawat volume ang 24 na prelude at fugues, na binuo ayon sa chromaticism ng parehong mga key (C major - C minor, C sharp major - C sharp minor, atbp.) at naglalaman ng contrast sa pagitan ng mga cycle at sa loob nito, i.e. .e. . sa pagitan ng single-tone preludes at fugues.

Vocal na pagkamalikhain

Ang vocal creativity ni Bach ay kinakatawan ng mga cantata at oratorio. Una siyang bumaling sa genre na ito sa Arndstadt at Mühlhausen (“Easter”, “Election” cantatas), ngunit pinakamalaking bilang Gumawa siya ng mga vocal at choral na gawa sa panahon ng Leipzig. Itinuring ni Bach ang pag-compose ng cantatas bilang kanyang tungkulin at nag-time sa kanila na tumutugma sa mga serbisyo ng Linggo at holiday sa mga simbahan ng St. Thomas at St. Nicholas. Mayroong isang palagay na lumikha si Bach ng 295 na mga gawa ng genre na ito, kung saan 260 ay nasa Leipzig, ngunit halos 200 ang nakarating sa amin.

Sumulat si Bach ng mga espiritwal at sekular na cantatas, ngunit walang matalim na pagkakaiba sa pagitan nila, dahil ginamit niya ang parehong mga pamamaraan. Binubuo ang mga cantata na may pag-asa ng magkakaibang komposisyon ng mga tagapakinig, at upang maunawaan ang nilalaman, gumamit ang kompositor ng isang sistema mga simbolo ng musika. Para sa ilang mga natural na phenomena at estado ng pag-iisip, mayroong isang tiyak na "code" ng mga simbolo. Dahil dito, naunawaan ng mga tagapakinig ang dose-dosenang mga motibo sa buhay - alon, hamog na ulap, paglubog ng araw, pagtakbo, paglalakad, pagtawa, kaligayahan, pagkabalisa, atbp. Napakalakas ng koleksyon ng imahe sa mga vocal at choral na gawa ni Bach, ngunit nalampasan ito ng mas matingkad na imahe ng mga kasunod na henerasyon ng mga kompositor.

Ang nilalaman ng mga cantata at oratorio ay nakumpleto ang isang buong panahon ng sining ng relihiyon. Sa mga kuwento ng ebanghelyo, nakita ni Bach totoong pangyayari, samakatuwid ang kanyang mga vocal works ay humanga sa kanilang hindi pangkaraniwang katapatan at lalim ng pagpapahayag. Kabilang sa mga gawa ng genre na ito ay may mga monumental na may malaking cast ng mga performer, at may mga kamara - para sa isang solong boses at ilang mga instrumento. Nangibabaw ang polyphony sa mga cantata at oratorio. Ang mga pamagat ay kinuha mula sa mga unang salita ng teksto. Maraming mga gawa ang naglalaman ng mga motif ng kalungkutan at pagdurusa. Ang mga obra maestra ng genre na ito ay ang St. Matthew Passion at ang High Mass sa B minor.

REPORMA NG OPERA NI GLUCK

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, bumagsak ang opera house. Dahil dati ay napaka-progresibo, ang opera buff at opera seria sa panahong ito ay nagsimulang makaranas ng krisis. Kaya naman, ang opera seria, na nagbigay sa mundo ng kahanga-hangang vocal style ng bel canto, ay naging isang “concert in costumes.” Ang aksyon sa entablado ay isinailalim sa kulto ng mang-aawit. Ang pangunahing bagay ay hindi ang nilalaman, ngunit ang vocal skill ng mga performers. Ang buff opera, ang pinaka-progresibo at demokratiko sa mga genre ng opera, ay nagsimulang dumagsa sa intriga, naging malito at kumplikado ang aksyon. Kailangan ng reporma. At ang gayong repormador, na nagtatag ng isang bagong direksyon sa sining ng opera, ay naging si Christoph Willibald Gluck.

Ang mga pangunahing tampok ng reporma sa opera ni Gluck ay ang mga sumusunod:

1) naging pangunahing bagay sa opera musikal na dramaturhiya , aksyon. Ang musika ay nasa ilalim ng pagkilos. Sa bagay na ito, ang mga pangunahing elemento ng pagganap ng opera ay muling pinag-isipan;

2) aria nawala ang puro kahulugan ng konsiyerto, naging mas simple, nang walang labis na birtuosidad. Sinunod din nito ang pangkalahatang nilalaman at inihayag ang emosyonal na kalagayan ng mga karakter;

3) recitative mas lumapit sa pag-awit ng aria, naging mas nagpapahayag at nag-ambag sa pag-unlad ng aksyon. Walang matalim na linya sa pagitan ng arias at recitatives magkasama sila nabuo malalaking dramatikong mga eksena;

4) naging iba na ang papel koro At balete. Sila, tulad ng iba pang mga numero ng opera, ay organikong hinabi sa pangkalahatang aksyon at tumulong na ibunyag ang nilalaman;

5) Kumuha ng bagong diskarte si Gluck overture. Sinikap niyang ilapit ang overture sa nilalaman ng opera. Marami sa kanyang mga overture ay nagpapakita ng pangunahing ideya ng opera. Ang rapprochement ng overture sa opera ay pinadali din ng katotohanan na ang mga overture ay madalas na walang kumpletong konklusyon at direktang isinama sa unang aksyon. At ang overture sa opera na "Iphigenia sa Aulis" ay may temang konektado sa opera;

Malaki ang kahalagahan ng reporma sa opera ni Gluck sa panahon nito, gayunpaman, mayroon itong ilang mga kombensiyon:

1) ang mga bayani sa opera ay hindi mga taong nabubuhay na may mga indibidwal na karakter, ngunit pangkalahatan na nagdadala ng ilang mga damdamin at hilig;

2) dahil sa mga kumbensyon ng operatic art, lahat ng opera ay natapos sa isang masayang pagtatapos;

3) mayroong ilang kontradiksyon sa pagitan ng musika at mga salita sa mga indibidwal na numero ng opera.

VIENNA CLASSICAL SCHOOL

Klasisismo ng Vienna nabuo sa Panahon ng Enlightenment, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga ideya ng unibersal na hustisya, mga pangarap ng isang magandang kinabukasan, at isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan.

Ang Vienna, ang pinakamalaking sentro ng musika sa mundo, ay ang kabisera ng isang multinasyunal na estado, kaya ang musika ng iba't ibang bansa ay tumunog sa Vienna: Hungarian, Austrian, Czech, Slovak, German, atbp. Sa mga katutubong genre, ang Ländler ang pinakasikat. Ang mga pangalan ng Haydn, Mozart at Beethoven ay nauugnay sa Vienna, kaya ang mga kompositor na ito ay nagsimulang tawaging "Viennese classics".

Ang sining ng mga klasikong Viennese ay nakikilala sa pamamagitan ng humanismo at optimismo, na tumutukoy sa kalinawan, pagiging simple, integridad at pagkakaisa ng kanilang istilo ng musika. Sa kanilang mga gawa ay sinasalamin nila ang mga damdamin at kaisipan ng buong mga tao, dahil hinarap ang kanilang sining sa mga tao sa paraang naa-access sa kanila.

Ang nilalaman ay higit sa lahat ay hindi programmatic, ngunit pangkalahatan. Ang mga malalaking ideya ay nangangailangan ng mga monumental na anyo at genre, kaya ang mga pangunahing genre ay naging symphony, sonata, concerto, quartet, quintet, atbp. Ang nangungunang uri ng musika ay homophonic-harmonic. Kung sa panahon ng Bach, ang mga musikero ay nauugnay sa simbahan, at ang musika sa mga paksa ng relihiyon ay nanaig, na nangangailangan ng polyphonic na pagsulat, kung gayon sa panahon ng klasisismo, sa paglago ng demokrasya at pagkalat ng musika sa pang-araw-araw na buhay, ang homophonic na istraktura ay naging ang pangunahing isa, kung saan ang isang boses ang pinuno, at ang iba pang mga tinig ay gumaganap ng escort role.

Ang harmonic na wika ng mga classic ay simple, malinaw, batay sa T, S at D. Ang hugis ay malinaw, simetriko, parisukat (4, 8, 16 bar).

Ang mga klasikong Viennese ay lumikha ng isang mataas na uri ng symphony. Sa kanilang trabaho, ang sonata-symphonic cycle at sonata form ay nakatanggap ng kumpletong pagpapahayag.

KABANATA 2. Sinakop ng gitara ang Europa

Noong ika-17 siglo, patuloy na sinakop ng gitara ang Europa.
Ang isa sa mga gitara mula noon ay kabilang sa museo ng Royal College of Music sa London. Nilikha sa Lisbon noong 1581 ng isang partikular na Melchior Diaz.
Ang istraktura ng gitara na ito ay may mga tampok na uulitin sa kanilang mga gawa ng mga masters ng mga instrumentong pangmusika sa loob ng higit sa dalawang siglo.

Italian battente guitar ika-17 siglo mula sa koleksyon ng Sforza Castle, Milan.

Lahat ng mga gitara noong panahong iyon ay mayaman sa dekorasyon. Upang makagawa ng gayong katangi-tanging bagay, ang mga manggagawa ay gumagamit ng mahahalagang materyales: mga bihirang uri ng kahoy (lalo na, itim - ebony), garing, kabibi. Ang ibabang deck at mga gilid ay pinalamutian ng inlay. Ang tuktok, sa kabaligtaran, ay nananatiling simple at gawa sa koniperus na kahoy (madalas na spruce). Upang hindi mapigilan ang panginginig ng boses, tanging ang butas ng resonator at ang mga gilid ng katawan sa buong circumference nito ay pinutol ng mga kahoy na mosaic.
Ang pangunahing elemento ng pandekorasyon ay isang rosette na gawa sa embossed leather. Ang socket na ito ay hindi lamang karibal sa kagandahan ng buong cabinet sa kabuuan, ngunit pinapalambot din ang mga tunog na ginawa. Malinaw na ang mga may-ari ng mga mararangyang instrumento ay interesado hindi sa lakas at kapangyarihan, ngunit sa pagiging sopistikado ng tunog.
Ang isa sa mga unang nakaligtas na halimbawa ng mga gitara mula sa ika-17 siglo ay nasa koleksyon ng Museum of Musical Instruments ng Paris Conservatoire. Taglay nito ang pangalan ng master - ang Venetian Cristofo Coco, gayundin ang petsa - 1602. Ang patag na katawan ay ganap na gawa sa mga plato ng garing, na pinagtibay ng makitid na piraso ng kayumangging kahoy.

Augustine Quesnel Guitarist 1610

Noong ika-17 siglo, ang istilong razgueado, na dinala mula sa Espanya, kung saan ito sikat, ay kumalat sa halos buong Europa. Ang gitara ay agad na nawawala ang kahalagahan na mayroon ito dati para sa mga seryosong musikero. Mula ngayon, ito ay ginagamit na lamang para sa saliw, upang “kumanta, tumugtog, sumayaw, tumalon... magtatak,” gaya ng isinulat ni Louis de Bricenot sa paunang salita sa kanyang “Paraan” (Paris, 1626).
Ang teorista ng Bordeaux na si Pierre Trichet ay nagsabi rin nang may panghihinayang (c. 1640): “Ang gitara, o guiterna, ay malawakang ginagamit na instrumento sa mga Pranses at Italyano, ngunit lalo na sa mga Kastila, na gumagamit nito nang walang pigil gaya ng ibang bansa.” Ito ay nagsisilbing saliw ng musika para sa mga sayaw, na isinasayaw na "kinakibot ang buong katawan, kumikilos nang walang katotohanan at nakakatawa, kaya't ang pagtugtog ng instrumento ay nagiging malabo at nakakalito." At galit na galit sa kung ano ang dapat niyang obserbahan, si Pierre Trichet ay nagpatuloy: “Sa France, sinisikap ng mga babae at courtesan na pamilyar sa fashion ng Espanyol na gayahin ito. Sa ito sila ay kahawig ng mga na, sa halip na kumain ng mabuti sa kanilang sariling tahanan, pumupunta sa kapitbahay upang kumain ng mantika, sibuyas at itim na tinapay.”

David Teniers Junior Guitarist

Mattia Pretty Concert 1630s

Sa kabila nito, nananatiling popular ang gitara sa France. Ang gitara ay madaling gamitin sa mga ballet. Sa "The Fairy of Saint-Germain Forest" (1625) at sa "The Rich Widow" (1626), para sa mas malaking verisimilitude, ang mga musikero na nakasuot ng Spanish costume ay tumutugtog ng gitara. Sa unang ballet, ang mga manlalaro ng chaconne ay "iniangkop ang mga tunog ng kanilang mga gitara sa maliksi na paggalaw ng kanilang mga paa." Sa pangalawa, inilagay ng Kanyang Kamahalan sa Malaking bulwagan Louvre, ang mga entre grenadiers ay nagbubukas din sa saliw ng isang gitara. Ayon sa Mercure de France, sa pagtatanghal na ito ang dalawang mananayaw ng saraband ay sinamahan ng gitara ni Louis XIII mismo.

Gerrit van Honthorst Tumugtog ng Gitara 1624

Jan Vermeer Guitarist 1672

Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, nagsimula ang isang bagong panahon ng kasaganaan para sa gitara. At sa pagkakataong ito ang update ay mula sa France. Ang sikat na guro at musikero na si Francesco Corbetta (1656) ay tinawag sa korte upang magturo ng gitara sa batang Pranses na hari. Nang walang lakas ng loob na igiit (hindi tulad ng ilang mga courtier) na sa labingwalong buwan ay nalampasan ni Louis XIV ang kanyang guro, gayunpaman, ang isang tao ay maaaring walang pag-aalinlangan tungkol sa tunay na pagnanasa ng hari para sa instrumento. Sa panahon ng kanyang paghahari, ang gitara ay muling naging paborito ng mga aristokrasya at mga kompositor. Muli, sinakop ng fashion ng gitara ang buong Europa.

Pag-ukit mula sa pabalat ng isang sinaunang edisyon ng Pieces for Guitar. 1676

Sayaw ni Francisco Goya sa Pampang ng Ilog 1777

Francisco Goya Ang Blind Guitarist 1788

Ramon Bayeux Binata na may hawak na gitara. 1789 Prado Museum. Madrid

Sa pagtatapos ng paghahari ni Louis XIV (d. 1715), dumating ang isang pagbabago sa kasaysayan ng gitara - ang korte ng hari ay naging walang malasakit dito.
Gayunpaman, sikat pa rin ito sa mga tao. Sa larawang itinalaga niya, ipinakita si Mademoiselle de Charolais na may hawak na gitara, na bahagyang pinuputol ang mga string nito. Ipinakilala nina Watteau at Lancret ang gitara sa paglalarawan ng mga eksena sa pag-ibig. At the same time, isa itong instrumento ng mga farce actors at travelling comedians!
Ang gawa ng Watteau at Lancret at ang gitara ay isang hiwalay na pahina ng French painting, kaya nagpasya akong maglaan ng hiwalay na mga gallery sa mga artist na ito sa materyal na ito.

Jean-Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriera Portrait ni Jean-Antoine Watteau 1721

Pranses na pintor at draftsman, tagapagtatag at pinakadakilang master ng istilong Rococo. Noong 1698–1701, nag-aral si Watteau sa lokal na pintor na si Gerin, kung saan pinilit niyang kinopya ang mga gawa nina Rubens, Van Dyck at iba pang mga pintor ng Flemish. Noong 1702, nagpunta si Watteau sa Paris at sa lalong madaling panahon nakahanap ng isang guro at patron sa Claude Gillot, isang artista sa teatro at dekorador na nagpinta ng mga eksena mula sa buhay ng modernong teatro. Mabilis na nalampasan ni Watteau ang kanyang guro sa husay at approx. 1708 ay pumasok sa workshop ng dekorador na si Claude Audran. Noong 1709, hindi matagumpay na sinubukan ni Watteau na manalo sa Grand Prix ng Academy of Arts, ngunit ang kanyang mga gawa ay nakakaakit ng pansin ng ilang maimpluwensyang tao, na kung saan ay ang pilantropo at art connoisseur na si Jean de Julienne, ang art dealer na si Edmond Francois Gersin, ang banker at kolektor na si Pierre Crozat, kung saan nakatira ang artist sa loob ng ilang oras, atbp. Noong 1712, hinirang si Watteau para sa pamagat ng akademiko at noong 1717 ay naging miyembro ng Royal Academy of Painting and Sculpture. Namatay si Watteau sa Nogent-sur-Marne noong Hulyo 18, 1721.

Jean-Antoine Watteau Italian Comedy 1714

Jean-Antoine Watteau View Through the Trees in the Park of Pierre Crozat 1714-16

Si Jean-Antoine Watteau Gilles kasama ang kanyang pamilya noong 1716

Kuwento ni Jean-Antoine Watteau ni Pierrot

Jean-Antoine Watteau Awit ng Pag-ibig 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancret
Nicolas Lancret

Nicolas Lancret Self-Portrait 1720

Pranses na artista, ipinanganak sa Paris. Nag-aral muna siya kay Pierre Dulin, at pagkatapos noong mga 1712 ay nagtrabaho siya nang ilang taon sa ilalim ng patnubay ni Claude Gillot, kung saan nakilala niya si Jean Antoine Watteau, na may malaking impluwensya sa kanyang trabaho. Si Lancret ay bumaling sa parehong mga paksa bilang Watteau: sumulat siya ng mga karakter mula sa Italian commedia dell'arte at mga eksena ng "magiting na kasiyahan." Bilang karagdagan, inilarawan niya ang mga pabula ni La Fontaine at lumikha ng mga pagpipinta ng genre. Namatay si Lancret sa Paris noong 1743.

Nicolas Lancret Concert sa Park 1720

Nicola Lancret Garden Party

Nicola Lancret Concert sa parke

Nicola Lancret Gallant na pag-uusap

Ang bagong pagtaas ng gitara, ayon kay Michel Brenet, ay nauugnay sa paglitaw ng dalawang mahuhusay na mang-aawit na gumaganap sa mga salon. Gumaganap sila ng mga duet, sinasamahan ang kanilang sarili. Ito ang mga sikat na Pierre Geliot at Pierre de la Garde.
Ang sikat na pagpipinta ni Michel Bartolomeo Olivier na "Tea sa Ingles at isang konsiyerto sa bahay ng Princesse de Conti" ay naghahatid ng kapaligiran ng mga panlipunang pagtitipon na ito.