Primitivism - isang istilo ng pagpipinta na nagmula noong ika-19 na siglo, kung saan kasama ang sinadyang pagpapasimple ng larawan, na ginagawang primitive ang mga anyo nito, tulad ng gawa ng primitive na panahon.

primitivism: primitivism painting primitivism in art primitivism paintings anarcho primitivism style primitivism Russian primitivism primitivism artists features of primitive primitivism primitivism Wikipedia in paintings primitivism in Russia paintings paintings in the style of primitivism primitivism primitivism at painting primitivism primitivism

Ang pagpipinta, bilang isang indibidwal na bagay, na ganap na isinagawa ng may-akda mismo, ay ang unang nagsamantala sa estadong ito, lumalabag sa nakagawiang, mas tiyak at higit pa kaysa sa iba, lumalayo sa mga tinatanggap na aesthetic stereotypes.

Ang direksyon ng kilusang ito - ang paglipat mula sa naturalismo tungo sa kombensiyon, mula sa pagiging sopistikado tungo sa pagpapasimple, mula sa modernistang pagiging sopistikado tungo sa primitivism - ay kapareho ng sa sining ng Europa. Ang pagsusuri ay nagpapakita na ang mga pinagmulan ng trend na ito ay matatagpuan sa labas ng artistikong tradisyon ng Russia.

Gayunpaman, sa pagliko sa primitivism, dalawang magkasalungat na tendensya ay higit pa o hindi gaanong nakikilala mula pa sa simula. Ang una ay tahasang nagdadala ng ideya ng pagpapasimple (sa kahulugan ng Rousseauian) at tumutugma sa konsepto ng "primitive". Ang pangalawa, na hindi makilala sa isang maagang yugto, ay nagpapahayag din ng sarili sa pangkalahatan, maginoo na mga anyo, ngunit ang layunin nito ay isang laconic na anyo tulad nito, ang universalization ng form, ang pagpapasimple nito. Sa unang kahulugan, ang primitivism ng ating avant-garde ay may mga pundasyon sa kaisipang Ruso, sa mga detalye ng paraan ng pamumuhay ng mga magsasaka, sa mythologization ng sarili nitong mga tao, sa mga sermon ng pagpapasimple ni Tolstoy.

Ang hindi pagkakatulad sa parehong Aleman at Pranses na mga bersyon ay halata. Doon ito nagsisimula sa isang apela sa Oceanic at African "primitive" na sining. Dito - mula sa isang apela sa iba't ibang anyo ng tradisyonal na Ruso masining na kultura: sa urban folklore, ritwal, pambansang kasuotan, arkitektura, sikat na mga kopya, katutubong laruan, atbp. Ang mga elementong ito ay ginagamit sa iba't ibang paraan ng mga artista tulad ng Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova at iba pa. Ang mga larawan ng mga magsasaka sa Goncharova at Malevich ay may isang karaniwang panimulang punto . Sa mga gawa ni K. Malevich, na ipinakita sa eksibisyon na "Jack of Diamonds" noong 1910, ang impluwensya ng kakaibang primitivism ng Fauvist coloring, na katangian ng gawa ni N. Goncharova ng 1900s, ay kapansin-pansin. Ang ilang mga gawa (halimbawa, Walking, 1910) ay nagpapahintulot sa amin na pag-usapan ang tungkol sa impluwensya ni Goncharova kay Malevich dito. maagang panahon. Gayunpaman, ang karagdagang kapalaran ng mga uso kung saan nabuo ang gawa ng mga artistang ito ay nagpapahintulot sa amin na makita na ang pagkakapareho ng kanilang mga unang gawa ay mapanlinlang. Ang embryonic na pagkakatulad na ito ay bahagyang napanatili lamang sa mga nabuong anyo.

primitivism:
primitivism painting
primitivism sa sining
primitivism paintings
anarcho-primitivism
estilong primitivism
primitivism ng Russia
primitivism artists
katangian ng primitive primitivism
primitivism Wikipedia sa mga pagpipinta
primitivism sa Russia paintings
mga kuwadro na gawa sa istilong primitivism
primitivism sa panitikan at pagpipinta
primitivism sa pilosopiya at repleksyon sa mga painting

Ang terminong "primitivism" sa pagpipinta ay hindi gaanong simple. Una, ang mga art historian ay hindi palaging sumasang-ayon sa pag-decipher ng kahulugan nito. Bilang karagdagan, ang lahat ay nabibigatan sa pagkakaroon ng mga kasingkahulugan na maaaring magamit upang italaga ito. O hindi magkasingkahulugan - depende sa kung aling pananaw ang iyong sinusunod.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Leon at araw

Unawain natin ang mga konsepto

Sa huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ang ilan ay progresibo Mga artistang Europeo nagsisimula silang mabaliw sa pagpapahayag at kaiklian ng mga artifact ng primitive na kultura. Ang simple at magaspang na kawalang-muwang ng African ritual mask at mga pigurin na gawa sa kahoy ay tila sa kanila ay isang simple at halatang sagot sa paghahanap ng mga paraan upang madaig ang kawalang-galang at pagwawalang-kilos sa akademikong pagpipinta. Sa oras na iyon, nawala na ang dating pagiging bago at pagiging iskandalo ng impresyonismo, kaya hindi nito maangkin ang papel ng pagyanig sa mga pundasyon.

Ang mga gawa ng primitive na kultura - ang mga ninuno ng modernong primitivist na mga obra maestra - kasama ang parehong sinaunang-panahong mga pagpipinta ng bato o mga idolo ng bato, at mga kultural na tradisyon modernong mga tribo na naninirahan sa Africa, Oceania at iba pa. Ang mga maskarang Aprikano na tulad nito ay isang mapagpasyang salik sa paglitaw ng maraming kilusang avant-garde noong unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Pinagmulan ng larawan: newpackfon.ru

Sa isa sa mga sistema ng coordinate ay pinaniniwalaan na ito ay pagkamalikhain mga propesyonal na artista Ang mga may edukasyong pang-akademiko sa sining at lahat ng kinakailangang mga kasanayan, ngunit sinasadyang pumunta upang pasimplehin ang mga estilista at teknikal na pamamaraan upang gayahin ang primitive na sining, ay nabibilang sa primitivism. Ang pamana ng mga self-taught na artist, na nagpinta ng mga larawan sa isang hindi maayos, parang bata, sa kasong ito ay tinutukoy bilang walang muwang na sining.

Sa isa pang sansinukob ng kasaysayan ng sining, ang primitivism at walang muwang na sining ay mga kumpletong kasingkahulugan at mapagpapalit na mga konsepto. Mula sa puntong ito, ang terminong "naive art" ay isang uri ng euphemism, na kinakailangan para sa higit na euphony, sa kaibahan sa konsepto ng "primitivism," na sa maraming mga wika ay may medyo mapanlinlang na konotasyon.

Ating gagawin ang pangalawang bersyon bilang isang axiom at isaisip na ang primitivism, gayundin ang walang muwang na sining, ay mga istilo na kinabibilangan ng mga gawa ng mga di-propesyonal na artista, na ang laki ng talento ay sumasaklaw sa kakulangan ng ilang mga kasanayan, tulad ng kakayahan. upang wastong bumuo ng pananaw o maghatid ng chiaroscuro.

Para sa pamana ng mga sopistikadong masters na may kakayahang lumapit sa stylization ng isa o ibang uri ng primitive na sining (halimbawa ng sinaunang icon na pagpipinta, etnikong motif o tanyag na mga kopya), gagamitin namin ang terminong "neo-primitivism". Ito mismo ang ginawa ng mga miyembro ng Russian art associations na "Jack of Diamonds" at "Donkey's Tail" sa simula ng huling siglo.

Kazimir Severinovich Malevich. Mga bata
1908, 30.2×23.8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Pagpaputi ng flax. Mula sa "Serye ng Magsasaka"

Ang mga avant-garde artist tulad nina Kazimir Malevich, Mikhail Larionov at Natalya Goncharova ay nakakuha ng inspirasyon mula sa katutubong sining, na nauuri rin bilang primitive art. At ang terminong neo-primitivism ay unang ginamit sa isang polyeto ni Alexander Shevchenko, na inilathala ng artist noong 1913: "Neo-primitivism. Ang kanyang teorya. Ang mga kakayahan nito. Ang kanyang mga nagawa."

Kung sa Kanlurang Europa ang mga artista ay bahagyang gumamit ng mga musmos na diskarte sa sining sa kanilang mga gawa, na umuunlad sa kanilang batayan tulad ng mga paggalaw tulad ng Fauvism, Cubism o Expressionism, kung gayon sa Russia ang neo-primitivism ay naging isang makabuluhang kilusan, kung saan ang Suprematism sa huli ay lumago at nagkaroon ng hugis. Samakatuwid, kung minsan ang mga kritiko ng sining sa Kanluran ay gumagamit ng terminong neo-primitivism partikular na may kaugnayan sa mga tagasunod ng Russia ng mga mithiin ng walang muwang na sining, na masigasig na itinaguyod at inilapat ang mga ito sa pagsasanay.

Mikhail Fedorovich Larionov. Venus at Mikhail
1912, 85.5×68 cm

Ayon kay Alexandre Benois, "Ang kakaiba ng neo-primitivism ay ang mga kinatawan nito ay hindi nagsusumikap para sa stylization, hindi para sa imitasyon. katutubong master, ngunit sa pagpapahayag ng mahahalagang aspeto ng katutubong aesthetics. Dito, ang pinaka-naglalarawang halimbawa ay ang gawain ni Larionov, na - alinsunod sa katutubong aesthetics - ay katumbas ng mahalaga at hindi mahalaga, ang mataas at mababa, na napupunta sa sukdulan - nililinang ang mga prinsipyo ng pagguhit ng bakod at "pagpinta ng mga kuwartel.".

Balik sa simula

Ang landas sa pamamagitan ng mga tinik patungo sa mga bituin ng mga primitivist ay naalis ng mga kinikilalang tagalikha gaya nina Gauguin, Picasso at Matisse. Matapos humingi ng kagalingan mula sa malubhang sakit, kung saan isinama ni Gauguin ang mga pakinabang ng sibilisasyon, ang artista ay nagpunta sa Tahiti at doon ay sumanib siya sa kalikasan sa lahat ng posibleng paraan, sabay-sabay na pinayaman ang kanyang estilo sa mga maliliwanag na kulay ng isang kakaibang isla at walang muwang na mga imahe ng lokal na kultura, at sinundan siya ng iba.

Paul Gauguin. Tahitian pastoral
1898, 87.5×113.7 cm

Sinubukan din ng mga German expressionist na sina Emil Nolde at Max Pechstein ang kanilang swerte sa kalawakan ng Oceania, ngunit ang kanilang mga kasama na sina Ernst Ludwig Kirchner at Erich Heckel ay muling nagtayo ng mga primitive na tanawin sa kanilang mga workshop. Ang mga Pranses na artista ay hindi kailangang maglakbay nang malayo para sa inspirasyon; hindi na nila kailangang umalis sa Paris. Mula sa mga kolonya ng Pransya sa Kanlurang Aprika, dinala ng mga mangangalakal ang lahat ng uri ng mga gawaing etniko sa kabisera, na pagkatapos ay ipinamahagi sa mga museo at maliliit na tindahan.

Will Gompertz sa aklat na “Incomprehensible Art. Mula sa Monet hanggang Banksy" ay nagsasabi kung paano ang artist na si Maurice de Vlaminck ay hindi sinasadyang naging dahilan para sa pagsiklab ng interes sa primitive na sining at, bilang isang resulta, ang paglitaw ng naturang kilusan bilang Fauvism. Noong 1905, nakakita siya ng tatlong inukit na African mask sa isang Parisian cafe. Naimpluwensyahan ng pagpapahayag ng "katutubo na sining," tulad ng tawag niya dito, binili ni Vlaminck ang mga maskara mula sa may-ari ng establisimyento at nagmadaling ipakita ang nadambong sa kanyang mga kaibigang artista.

Henri Matisse. Babae na may sumbrero
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Restawran

Andre Derain. Port of Colliour
1905, 72×91 cm

Ibinahagi nina Henri Matisse at Andre Derain ang pagkahumaling ni Vlaminck sa nagpapahayag na palette ni Van Gogh at sa kakaibang pakikipagsapalaran ni Gauguin. Ang kanyang kalkulasyon ay makatwiran: ang kanyang mga kaibigan ay itinuturing ang mga nakuha na artifact bilang isang manipestasyon ng kalayaan ng pag-iisip, hindi barado sa materyalistang mga mithiin ng sibilisasyon, ngunit pinapanatili ang pagiging bata at walang muwang. Ang resulta ng pagpupulong ng tatlong artista ay ang konklusyon na ang kulay at emosyon sa canvas ay may nangingibabaw na kahulugan, taliwas sa pagiging totoo at pagiging tunay ng imahe.

Bilang isang resulta, ang mga pagpipinta ay ipinanganak kung saan sinubukan nilang dalhin ang kanilang mga bagong artistikong prinsipyo sa buhay hangga't maaari. May kulay na may mga kumbinasyon ng dalisay, walang halong mga kulay, inilapat sa matalim, hiwalay na mga stroke, nakakabaliw para sa oras na iyon, ang mga canvases ay napaka-provocative na ang mga organizer ng 1905 Salon sa una ay tumanggi na tumanggap ng mga gawa para sa display. Salamat lamang sa personal na awtoridad ni Matisse na posible na itulak ang pakikilahok ng mga eksperimento ng trio sa Salon.

Pagkatapos ay magkakaroon ng mabagyo at nagagalit na mga pagsusuri mula sa mga kritiko ng sining, kung saan ang isa, tulad ng madalas na nangyayari (tingnan ang impresyonismo), ay magbibigay ng pangalan sa bagong kilusang avant-garde - Fauvism: sasabihin ng kagalang-galang na kritiko na si Louis Vaucelle na ang mga kuwadro na gawa sa splashing. kulay ay ipininta ng mga ligaw na hayop - "les fauves" sa Pranses Ngunit ito ay isang bahagyang naiibang kuwento.

Paano natuklasan ni Picasso si Rousseau

Ang pagpipinta ng promising na batang Kastila ay gumawa din ng isang kapansin-pansing pagbagsak sa ilalim ng direktang impluwensya ng primitive na sining at mga confessor nito. Nang makita ni Picasso ang huling langitngit ng pagiging may-akda ni Matisse - marangya, hindi katulad ng anumang mga canvases, na walang anumang pagkiling sa akademiko, nawalan siya ng kapayapaan at tulog. Nang walang pag-iisip, pumunta si Picasso museo ng etnograpikal, kung saan itinago ang malawak na koleksyon ng mga African mask. Doon siya dumaan sa isang uri ng initiation rite. Sino ang nakakaalam, marahil ang mga bagay na ritwal na ito ay talagang naglalaman ng mahiwagang kapangyarihan?

"Nag-iisa lang ako, paggunita ng artista. - Gusto kong tumakas doon. Pero nanatili ako. Hindi lang ako nakaalis. Napagtanto ko ang isang bagay na napakahalaga; may nangyayari sa akin. Tiningnan ko ang mga fetish na ito, at biglang naging malinaw sa akin na laban din ako sa lahat. Nararamdaman ko rin na ang lahat sa paligid ay hindi kilala at pagalit. Nang mag-isa akong tumayo sa kakila-kilabot na museo na iyon, na napapalibutan ng mga maskara, mga manika ng India, mga maalikabok na mannequin, malamang na nagpakita sa akin ang "Les Demoiselles d'Avignon"; hindi dahil naudyukan sila ng mga anyo na nakita nila: ang larawang iyon ang naging unang karanasan ko sa exorcism - oo, tama!"

Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Kaya, pinilit ng ilang mga artifact ng tribo si Picasso na magpinta ng isang larawan na naging ninuno ng Cubism, at, bilang kinahinatnan, Futurism at isang dosenang iba pang mga -ismo. Ngunit ang kanilang mahiwagang interbensyon sa noon ay masining na buhay ng kabisera ng Pransya ay hindi tumigil doon. Succumbing sa alindog primitive na sining, hindi makaligtaan ni Picasso ang kababalaghan ng sumisikat na bituin ng walang muwang na sining, at nagkaroon ng makabuluhang kamay sa pagtiyak na sineseryoso ng Paris ang hindi propesyonal na mga likha ng katamtamang manggagawa sa customs na si Henri Rousseau.

Hindi pagkakaroon edukasyon sa sining Ang Customs Officer (bilang palayaw sa kanya ng mga Parisian bohemian) gayunpaman ay may seryosong ambisyon para sa pagpipinta. Naglaro sa mga kamay ni Rousseau ang pagiging parang bata - kung hindi ay halos hindi siya maglalakas-loob na ipakita ang kanyang awkward na mga eksperimento sa maunawaing publiko ng 1986 Salon of Independents, kung saan maaaring makilahok ang lahat ng interesadong artista.

Hindi nangyari ang isang himala; ang mga kritiko ay gumawa ng paraan upang kutyain ang naghahangad na lumikha, apatnapung taong gulang, na walang ideya tungkol sa linear na pananaw o ang mga prinsipyo ng pagbuo ng komposisyon. Ang tinig ng master na si Camille Pissarro ay namumukod-tangi mula sa magkatugmang koro ng pangungutya, na napansin ang mayayamang tono ng pagpipinta ni Rousseau.

Henri Rousseau. Gabi ng karnabal
1886

Ang pagkabigo sa Salon of Independents ay hindi masira ang may layuning Customs Officer. Sa kabaligtaran, iniwan niya ang kanyang trabaho upang italaga ang buong oras sa kanyang karera bilang isang artista. Ang kanyang pangunahing tagahanga, si Picasso, ay nagkaroon din ng walang limitasyong pananampalataya sa kanya. Isang araw ay nakatagpo siya ng isang pagpipinta ni Rousseau sa isang tindahan ng probinsiya, na ibinebenta doon sa halaga ng ginamit na canvas - kahit na ang junk dealer ay hindi nangahas na humingi ng mataas na presyo para dito. Agad itong binili ng Kastila at pagkatapos ay itinago ito hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, sumagot na ito ay kanyang “captured like an obsession... isa ito sa pinakatotoo mga sikolohikal na larawan sa French painting".

Henri Rousseau. Larawan ni Jadwiga

Bukod dito, naghagis siya ng isang hapunan bilang parangal sa kakaibang larawan, kung saan inanyayahan niya ang buong Parisian elite at ang bayani ng okasyon mismo - ang unang superstar ng walang muwang na sining. Isinabit ni Picasso ang pagpipinta ng Customs Officer sa pinakakilalang lugar sa sarili niyang studio, at pinaupo ang may-akda nito sa isang upuan na mas mukhang isang trono. Ito ay isang tunay na tagumpay para sa baguhang artista, bagaman ang ilan sa publiko ay malamang na napansin ang nangyayari bilang isang partikular na sopistikadong pangungutya o praktikal na biro.

Ngunit hindi Picasso. Siya ay kredito sa pagsasabi na siya ay gumugol ng apat na taon sa pag-aaral na magsulat tulad ni Raphael, ngunit kinuha niya ang kanyang buong buhay upang matutong gumuhit tulad ng isang bata. Samakatuwid, hinangaan niya ang regalo ni Rousseau, na nagpapahintulot sa kanya na ligtas na laktawan ang mga yugtong ito at agad na magsimulang lumikha ng mga primitivist na obra maestra.

Henri Rousseau. Tigre sa isang tropikal na bagyo

Gawa saan ang mga painting ng mga primitivist?

Anong mga palatandaan ang tumutukoy na ang nakikita mo ay isang gawa ng walang muwang na sining, at hindi, sabihin nating, gawa ng isang ekspresyonista, abstractionist, o kinatawan ng ilang iba pang kilusang avant-garde? Sa pamamagitan ng paraan, si Mark Rothko, na naging tanyag sa larangan ng abstract expressionism, ay naghanap ng inspirasyon at ang lihim ng kasanayan sa pagpipinta sa pagguhit ng mga bata at kahit na nakatuon ang isang buong libro dito - kahit na bago siya nagsimulang walang pag-iimbot na linangin ang color field painting.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Isang ina na oso kasama ang kanyang mga anak
1917, 140×100 cm

Ang mga halimbawa ng primitivism ay talagang nailalarawan sa pamamagitan ng mga katangiang pagkakamali na ginagawa ng mga bata sa pagguhit. Ngunit hindi kinakailangang magkaroon ng lahat ng sumusunod sa isang larawan. Nagawa pa rin ng mga self-taught artist ang ilang bagay.

1. Kakulangan ng linear na pananaw: ang mga bagay sa foreground ay katumbas ng laki sa mga bagay sa background, na ginagawang hindi malinaw ang kanilang relasyon sa espasyo, at ang imahe ay nawawalan ng volume.

2. Ang mga detalye sa background ay tinatrato nang may parehong pangangalaga tulad ng mga kalapit na bagay. Ang mga kahihinatnan ay pareho sa nakaraang talata.

Lola (Anna Mary) Moses. Pista

3. Ang mga kulay ay hindi nawawala ang ningning at saturation sa proporsyon sa distansya ng mga bagay mula sa harap na gilid ng canvas. Ang imahe ay nagiging flat at kahawig ng isang postcard.

4. Walang mga palatandaan ng anumang mga mapagkukunan ng pag-iilaw: kahit na ang araw ay naroroon sa larawan, ang lahat ng mga ibabaw ay pantay na nag-iilaw, ang mga tao at mga bagay ay hindi naglalagay ng mga anino, at hindi ka rin makakahanap ng anumang mga highlight.

Camille Bombois. Nagulat ang mga naliligo
1930, 65×81.5 cm

5. Paglabag sa anatomy: mga proporsyon ng katawan ng tao, mga pagkakamali sa paglalarawan ng mga hayop. Ngunit ano ang tungkol sa Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon, at marami pang iba, kung saan ang mga gawa ay hindi mo masasabi na pamilyar sila sa istraktura ng katawan ng tao? Primitivists din ba sila? - Hindi. Sa pagtingin sa isang pagpipinta ng isang kinatawan ng walang muwang na sining, makikita mo na ang tao ay sinubukan sa abot ng kanyang makakaya, at salamat sa mga pagsisikap na ito na ang kanilang walang muwang na mga pagtatangka na maabot ang "malaking" mga artista ay mukhang nakakaantig at may isang hindi mapaglabanan. alindog. Ngunit ang binanggit na mga numero ay hindi itinuloy ang gayong mga layunin, at tiyak na hindi kasama sa kanilang listahan ang aytem na “upang mapasaya ang lahat.”

6. Tulad ng mga bata, ang mga primitivist ay hindi nakikilala sa pagitan ng realidad at pantasya. Sa kanilang mga pagpipinta, ang mga tao at unicorn ay maaaring magkakasamang mabuhay nang ligtas, hindi sa loob ng balangkas ng isang surreal na pantasya, ngunit bilang isang pang-araw-araw na pangyayari. Ang mga leon sa gayong mga pagpipinta ay hindi isang banta sa mga tao, at ang isang usa ay maaaring magmukhang isang fairy-tale na nilalang.

Ivan Generalich. Unicorn

7. At, sa wakas, isang pangunahing pagkakaiba na nagbibigay ng sagot sa natural na lumilitaw na tanong kung paano naiiba ang mga di-layunin na pagpipinta ng mga modernista sa istilong "aking-5-taong-gulang-na-sinuman-maaaring-mas-mabuti" sa ang mga likha ng mga primitivista. Ang mga hindi propesyonal na artista ay naglalarawan ng mga bagay na may antas ng pagiging totoo na magagamit nila dahil sa limitadong kaalaman, kasanayan at kakayahan. At ang mga kinatawan ng avant-garde art ay nagsisikap na kalimutan ang itinuro sa kanila sa mga paaralan ng sining o magpanggap na hindi sila dumalo sa kanila. Ngunit ang pagkakatugma at pagiging maalalahanin ng komposisyon, ang labis na simbolismo, o ang kultural na background na mapanlinlang na nagniningning sa pamamagitan ng nagkukunwaring walang muwang at sadyang hindi tamang imahe ay magtataksil pa rin sa isang propesyonal. Oo, oo, maaari kang mag-log out, nakilala ka pa rin namin, Kasamang Chagall at Mr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. Matandang lalaki na may salamin
1950s

Paul Klee. Papet na palabas
1923

Primitivism: cheat sheet. Mga artista na nagtrabaho sa istilo ng primitivism

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Lola Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Mga iconic na painting ng mga primitivist

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Aktres Margarita
1909, 94×117 cm

Ang kasaysayan ng pagpipinta ni Pirosmani ay naging isang alamat. Siya ang na-immortalize sa tula ni Andrei Voznesensky, na itinakda sa musika ni Raymond Pauls, na lumikha ng kantang "A Million Scarlet Roses." Ito ay tungkol sa mga pagtatangka ng isang mahirap na artista na makuha ang puso ng hindi malapitan na Pranses na aktres na si Margarita de Sèvres, na gumanap sa Tiflis noong 1905, kung saan nawala ang ulo ni Pirosmani sa kanya. Ayon sa ilang mga bersyon, kabilang sa "dagat ng mga bulaklak" na ipinadala ng desperadong si Niko sa hotel ng kanyang kasintahan ay hindi lamang mga rosas, at hindi lamang mga iskarlata, kundi pati na rin ang mga poppies, peonies, lilies, lilac, acacias at iba pang mga bulaklak. mga regalo ng lupang Georgian. Isang halik lang ni Margarita ang karapat-dapat ng artista sa kanyang pag-arte. Ngunit pagkaraan ng maraming taon, nawala ang karamihan ng mga tagahanga at ang kanyang dating pagiging kaakit-akit, ang aktres ay pumupunta araw-araw sa Louvre, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Pirosmani noong 1969, at gumugol ng maraming oras sa pagsilip sa kanyang larawan. Kaya, ang sining ay nakaligtas sa panandaliang pag-ibig at panandaliang kagandahan.

Maria Avksentievna Primachenko. Ang hari ng isda ay nakahuli ng isang hoopoe at natuwa
XX siglo

Ang walang hangganang imahinasyon, matapang na mga scheme ng kulay, disarming katutubong kulay ay ilan lamang sa mga bahagi ng sikreto ng tila hindi mapagpanggap na sining ng isang artista mula sa Ukrainian hinterland. Isang beses lamang na nakita ang mga pagpipinta ni Maria Primachenko, malamang na hindi mo malito ang mga ito sa mga gawa ng ibang may-akda, sila ay orihinal at orihinal. Pinahahalagahan din sila sa labas ng bansa: Ang mga gawa ni Maria ay isang matunog na tagumpay sa mga eksibisyon sa Paris, Warsaw, Prague at iba pang mga lungsod sa Europa.

Henri Rousseau. Pangarap
1910, 298×204 cm

Ang "pangarap" ay itinuturing na isa sa pinakamahusay na mga kuwadro na gawa Rousseau. Ibinigay ng may-akda ang sumusunod na komento sa kanyang huli (at posibleng huling) gawa: “May mahiwagang panaginip si Jadwiga. Mahinahon siyang nakatulog sa tunog ng plauta ng hindi kilalang manliligaw. Kapag ang buwan ay nagbibigay liwanag sa mga bulaklak at berdeng puno, mga hayop, at kahit na mga mandaragit, tumitigil, nakikinig sa magagandang tunog ng musika.". Ang canvas ay humahanga sa teknikal na pagiging kumplikado nito, at ang kayamanan ng palette, na binanggit ni Pissarro sa unang pagpipinta ni Rousseau, ay umabot sa kanyang apogee dito: hindi ito biro, higit sa dalawang dosenang kulay ng berde lamang! Kahit na ang pinaka-caustic na mga kritiko ay hindi nagawang pigilan ang hypnotizing effect ng "The Dream," at ang kababayan at kontemporaryo ni Rousseau, ang manunulat na si Andre Breton, ay nagsabi na ang larawan "sinisipsip ang lahat ng tula at lahat ng mga lihim ng ating panahon".

Isa kang eksperto kung:

Huwag mag-atubiling sabihin ang salitang "primitivism" kapag pinag-uusapan ang mga medieval na obra maestra ng Rogier van der Weyden o Duccio di Buoninsegni.

Maaari mong agad na matukoy kung saan ang isang malinis na kagandahan sa pamamagitan ng brush ng isang tunay na primitivist na si Pirosmani, at kung saan ang isang pekeng "walang muwang" ni Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortachal beauty. Kanang bahagi ng diptych

Mikhail Fedorovich Larionov. Hudyo Venus
1912, 147 cm

Ikaw ay isang karaniwang tao kung:

Isinasaalang-alang mo ang sadyang pagpapasimple na kinakailangan upang lumikha ng mga guhit at karikatura, na isinasaalang-alang ang mga ito na mga halimbawa ng hindi kumplikadong primitivism.

Sa iyong palagay, kasama ba sa primitivism ang anumang gawaing sining na nakatutukso na tawaging mga scribbles. Sa katunayan, ang primitivism (nakakamalay, pinaghandaan din) ay hindi lamang isang hindi tamang anyo, kundi isang espesyal na pagtingin sa kakanyahan ng mga bagay: dalisay, kusang-loob, bata, o kahit primitive. Sa likod ng mga pagpipinta ng Malevich, Kandinsky, Mondrian ay may malalaking, mature na mga teorya.

Sa ito, nakaraan at kasunod na mga post, gumagamit ako ng materyal mula sa aklat ni Will Gompertz na "Obscure Art", isang serye ng mga lektura sa Garage Museum ni Irina Kulik, mga lektura ni Dmitry Gutov, aklat ni Susie Hodge na "Modern Art in Detail", mga dokumentaryo ng BBC, atbp.

PRIMITIVISM, FAUVISM

Sa isang nakaraang post napag-usapan ko ang tungkol sa cubism ng Picasso at Braque. Ang isa sa mga mapagkukunan ng inspirasyon ni Picasso ay isang eksibisyon ng sining ng Africa. Ang pagiging simple at sa parehong oras, ang primitive na kapangyarihan at kamahalan ng mga kahoy na maskara ay namangha sa artist. At hindi lang siya.

Sa totoo lang, ang pagnanais para sa pagiging simple na ito ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa buong kasaysayan ng modernong sining. Sa isang banda, sinubukan ng mga artista na kopyahin ang estilo ng trabaho ng mga primitive na tribo ng Africa, Australia at South America, at sa kabilang banda, mga guhit ng mga bata.

Sa pangkalahatan, ang masayang pag-asam ng pagbabago na nauugnay sa mabilis na pag-unlad ng industriya sa France ay mabilis na napalitan ng pagkapagod mula sa bilis na natamo ng buhay.

Nasa pagtatapos na ng ika-19 na siglo, naging laganap ang kilusang "return to origins".

Sa pagpipinta, gaya ng isinulat ko kanina, ito ay si Gauguin, kasama ang kanyang "Tahitian" na mga tema, mga flat na imahe at mayamang simbolismo.

Paul Gauguin, Lumang Panahon, 1892

Ang kilusan, na nagtataguyod ng pagpapasimple ng sining, ay kinuha iba't ibang hugis. Halimbawa, ang mga gawa ng sikat na Austrian na pintor at pangunahing kalahok sa Vienna Secession society, si Gustav Klimt (1862-1918), ay mas pino at pandekorasyon kaysa sa Gauguin. Gustung-gusto ni Klimt ang dekorasyon, mga kulay na tanso at ginto, at mga damit na pinalamutian nang sagana. Sa parehong pagiging simple ng linya at two-dimensionality ng imahe, ang primitivism ni Klimt ay maluho.

Gustav Klimt, Mga Inaasahan, 1909

Gustav Klimt, Apple Tree, 1912

Gustav Klimt, Babaeng may Fan, 1918

Gayunpaman, ang mga itinuturing na tagapagtatag ng 20th century primitivism ay nanirahan sa France. Hinangaan din nina Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () at Henri Derain (1880-1954) ang sining ng Africa. Naugnay din sila sa Dutchman sa pamamagitan ng paniniwala na ang mga emosyon sa isang larawan ay mas mahalaga kaysa sa itinatanghal na bagay.

Sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng pagiging simple ng sining ng tribo na may mayaman, dalisay na mga kulay, lumikha sila ng hindi kapani-paniwalang masigla at masayang gawain. Sa kanila, ang kulay ay ginagamit bilang isang paraan upang ihatid ang damdamin, at hindi upang ilarawan ang isang tunay na bagay.

Maurice de Vlaminck, The Orchard, 1905

Maurice de Vlaminck, Tulay sa Chatou, 1907

André Deurin, Estac, 1905

André Deurin, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Pulang Sibuyas, 1906

Henri Matisse, Harmony in Red, 1908

"Isinalin ko sa wika ng kulay ang nakita kong likas na walang paraan upang sabihin ang katotohanan, hindi bilang isang artista, ngunit bilang isang tao. Pinipisil hanggang sa dulo, binabasag ang mga tubo ng aquamarine at cinnabar" - ganito ang paglalarawan ni Maurice de Vlaminck kanyang gawain noong panahong iyon. Sa katunayan, ito ang kulay na malapit nang maging business card itong trio ng mga artista. Nagpasya silang mag-exhibit sa 1905 Salon. Gaya ng dati, mabangis ang kritisismo. Si Louis Vassel (isang maimpluwensyang kritiko noong panahong iyon) ay nagsabi na ang mga kuwadro ay ipininta ng "mga ligaw na hayop" (les fauves sa Pranses).

At kahit na hindi nilayon ni Matisse, o Vlaminck, o Doren na itali ang kanilang mga sarili sa loob ng balangkas ng anumang direksyon, nagustuhan nila ang salita.

Ang Fauvism ay direkta at matalinhaga isang maliwanag na flash sa abot-tanaw ng sining. Sa katunayan, ang ideyang ito ng paggamit ng malalaking patches ng undiluted na kulay na naka-frame sa pamamagitan ng isang simpleng form ay nakatanggap ng lohikal na pagpapatuloy nito sa mga gawa ng maraming mga artist ng ika-20 siglo.

Friedensreich Hundertwasser, The Path to You, 1966

Roy Lichtenstein, Still Life with Crystal Vase, 1973

Wilem de Kooning, Walang Pamagat 5, 1983

Gayunpaman, noong 1905 ang publiko ay hindi pa nakakabawi mula sa mga neo-Impressinists, at pagkatapos ay dumating si Matisse kasama ang kanyang sikat na "Babae na may Sumbrero".

Henri Matisse, Babae na may Sombrero, 1905

Hindi ko alam kung sa sandaling iyon ay natuwa si Madame Matisse na pinakasalan niya ang artista, dahil ang larawan ay naging kontrobersyal. Ang dilaw-berdeng mukha ay nabawasan sa ilang simpleng mga stroke at ang orangey touch ng buhok ay hindi magiging sa panlasa ng lahat. Gayunpaman, umapela ito kay Leo Stein, isang kolektor at patron ng mga kontemporaryong artista. Bumili siya ng "Woman with a Hat," at wala pang isang taon ay nakuha niya ang "The Joy of Life," isa pang sikat na painting mula sa panahon ng Fauvist ni Matisse.

Henri Matisse, "Ang Kagalakan ng Buhay", 1906

Dahil sa inspirasyon ng mga eksenang pastoral, nagpinta si Matisse ng mga grupo ng mga taong nagpapasasa sa iba't ibang kasiyahan: musika, sayaw, pag-ibig. At muli ang pangunahing karakter ay kulay. Ang mga pigura ng tao ay pininturahan nang walang ingat at dalawang-dimensional, bagaman ang komposisyon mismo ay itinayo nang maayos at magkakasuwato.

Ang balangkas mismo ay hindi kasing bago ng istilo ng pagsulat.

Agostino Caracci, Pagmamahalan, 1602

Ang kaibahan sa pagitan ng dalawang gawang ito ay nagpapakita kung gaano nagbago ang pananaw ng artista. Tila naglalaro si Matisse, nanliligaw sa manonood. Ang kanyang kagalakan sa buhay ay hindi gaanong nasa balangkas tulad ng sa mismong pagpipinta: linya, kulay.

Si Matisse, sa pamamagitan ng kanyang sariling pag-amin, ay nangarap na ang sining ay magiging tulad ng "isang magandang armchair para sa pagpapahinga." Kahit na ang Fauvism ay isang bagay ng nakaraan, ang artist ay patuloy na nagtatrabaho ayon sa parehong prinsipyo. Sa pamamagitan ng paraan, ang kanyang muse, kaibigan at kasama ay isang batang babae mula sa Tomsk - Lydia Deliktorskaya, na nanatili sa kanya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, at pagkatapos ay binigyan siya ng ilang mga canvases (na iniwan sa kanya ni Matisse para sa kanyang komportableng pagtanda) Museo ng Pushkin at ang Ermita.

Iiwas ako ng kaunti: kamakailan, nabasa ko ang pagpuna sa sining noong unang bahagi ng ika-20 siglo, na naging dahilan upang tumingin ako ng kaunti sa mga pagpipinta ni Matisse. Bilang karagdagan sa mga pambihirang tagumpay sa mga teknikal na larangan, ang oras na ito ay stagnant din sa mga relasyon sa lipunan. Ang mga karaniwang anyo ng buhay ay naging medyo pagod na. Ang artista ay sawang-sawa sa imahe ng isang well-fed bourgeois sa isang tailcoat, na siyang pangunahing customer.

Ang pagnanais na masira ang naging pangunahing puwersa sa pagmamaneho. Ang mga Cubists, siyempre, pinaka-malinaw na katawanin ang prinsipyong ito, literal na gumuho sa pamilyar na anyo ng mga bagay.

Ngunit ang ibang mga artista, na nahuli ang nangyayari na parang lamad, ay sumasalamin sa kanilang kawalang-kasiyahan sa pagpipinta. Binago nila ang lahat na pamilyar sa karaniwang tao, sinira ang burges na mundo sa kanilang canvas. Kusa o hindi sinasadya, nagprotesta ang artista laban sa mga hindi na ginagamit na kombensiyon. Marahil ang mga kaibahan ng mga Fauves ay hindi isang pahayag ng kagalakan ng pagiging, ngunit isang katulad na hamon sa katotohanan?

Kaya naman ang mga berdeng mukha ng mga babae, ang pabaya/konventional na disenyo. Mula sa puntong ito, ang pagpipinta ni Matisse na "Ang Kagalakan ng Buhay" ay sa halip ay isang kabalintunaan o panunuya ng hedonismo ng European bourgeoisie, na ang buong kasiyahan sa buhay ay nagmumula sa carnal na pag-ibig, mga kanta at sayaw. Ang ganitong mundo ng kendi na may mga figure na nakapagpapaalaala sa mga fairground na kendi. Ngunit ang pananaw na ito ay hindi partikular na popular. Gayunpaman, ang gawain ni Matisse ay mas madalas na binibigyang kahulugan bilang isang pagpapahayag ng kagalakan at ningning ng buhay.

Ang sining bilang isang kasiyahan para sa mga mata at puso ay isang prinsipyo na malapit hindi lamang kay Matisse. At kung kailangan niyang magsikap na gumuhit ng parang bata nang madali, ginawa ito ni Henri Rousseau (1844-1910) dahil hindi niya alam kung paano gawin kung hindi man.

Henri Rousseau, Self-Portrait, 1890

Si Henri Rousseau ay isang customs officer, isang taong hindi marunong bumasa at sumulat na nagpasyang kumuha ng pagpipinta sa edad na 40 nang hindi tumatanggap ng anumang edukasyon o pagsasanay. Isang homebody, hindi fan ng bohemian parties at malayo sa art community, naging isa siya sa mga pinakasikat na artist ng primitivism style. Si Rousseau ay simple ang pag-iisip at walang muwang, na marahil kung bakit ang kanyang mga gawa ay may pagiging simple ng mga guhit ng mga bata. Siyempre, ang publiko at mga kritiko sa simula ay pinagtawanan ang artista.

Henri Rousseau, Carnival Night, 1886

Ang kagandahan ng pagiging simple at pagiging bata ay tila sa manonood ng oras na iyon ay isang banal na kawalan ng kakayahan upang gumuhit, wala nang iba pa. Gayunpaman, ang kakulangan ng pamamaraan ni Rousseau ay higit pa sa nabayaran ng kalinawan, katangian, muli, ng mga ukit ng Hapon. Ang naghahangad na artista ay nakatulong nang malaki sa kanyang ganap na kaligtasan sa pagpuna, na nagbigay-daan sa kanya na ipagpatuloy ang paggawa ng kanyang minamahal.

Henri Rousseau

Malinaw na ang kanyang mga gawa ay hindi maihahambing sa mga tuntunin ng pagpapatupad sa mga masters ng nakaraan o mga mahuhusay na kontemporaryo. Kinuha ni Rousseau ang iba. Ang kanyang mga simpleng plot ay nabighani sa marami sa artistikong mundo noong panahong iyon. Kabilang sa mga humahanga ay, halimbawa, si Picasso, na nagmamay-ari sikat na parirala: "Maaari akong gumuhit tulad ni Raphael, ngunit aabutin ako ng buong buhay ko upang matutong gumuhit tulad ng isang bata." Si Rousseau ang nakamit ito. Binili pa ni Picasso ang kanyang painting na "Portrait of a Lady," na, ayon sa Kastila, ay nabighani lamang sa kanya.

Henri Rousseau, Larawan ng Isang Babae, 1895

Ang mga gawa ni Rousseau, wika nga, ay mayroon nang isang paa sa surrealismo. Talagang nabighani sila hindi sa kanilang kawalang-sining, ngunit sa kanilang subtext, kalabuan, at likas na alegoriko. Parang yung mga moments sa horror films na medyo umuugoy yung swings sa bakanteng playground na parang galing sa hangin... O hindi? Iniiwan ni Rousseau ang tanong na ito sa manonood.

Ang ugali ni Rousseau ay hinangaan hindi lamang ni Pablo Picasso. Kabilang sa kanyang mga tagahanga ay ang Romanian sculptor na si Constantin Brancusi (Brancusi) gayunpaman, hindi tulad ni Rousseau, ang artistikong komunidad ng Paris ay tumanggap sa kanya ng malakas. Pinili ni Brancusi ang papel ng isang karaniwang artista: isang makapal na balbas, bakya at isang linen na kamiseta. Ang mga materyales na ginamit ng iskultor ay angkop - kahoy at bato. Marble ay hindi lalo na humanga sa master.

Si Brancusi ay isang apprentice sa pagawaan ni Rodin sa loob ng ilang panahon, ngunit ang kanilang mga diskarte sa trabaho ay naging ganap na naiiba.

Auguste Rodin, Ang Halik, 1886

Constantin Brancusi, Ang Halik, 1912

Ang mga larawan ay nagsasalita nang mas malakas kaysa sa anumang paliwanag. Naniniwala si Brancusi na sa iskultura ay maaaring gawin ng isang tao nang walang paunang pagmomolde, direktang nagtatrabaho sa materyal. Sinubukan niyang panatilihin ang orihinal na hugis ng bato hangga't maaari, na iniiwan ang texture nito. Walang mga romantikong kurba, simpleng linya, kakulangan ng mga elementong pampalamuti... Gusto ko ang mga eskultura ni Brancusi para sa kanilang pagiging simple at pagka-orihinal ng pagpapatupad. Sa simula ng ika-20 siglo, ito ay isa pang hamon sa tradisyon.

Sinundan siya ng iba pang mga primitive sculptor: Modigliani (sinubukan din niya ang kanyang sarili sa sculpture, at medyo matagumpay), Giacometti, Hepworth...

Amadeo Modigliani, Pinuno, 1910

Giacometti, Walking Man 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

Sa Russia, ito ang iskultor na si Vadim Sidur. Sa aking opinyon, napaka-cool.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Sa Russia, sa pamamagitan ng paraan, ang isa sa mga unang primitivist sa pagpipinta ay sina Mikhail Larionov at Natalya Goncharova, na nagtrabaho sa "splint" na pamamaraan. Ito ay isang uri ng graphics na nailalarawan sa pagiging simple at flat na disenyo. Si Goncharova ay inspirasyon ng mga icon ng Russia. Sa kanyang mga gawa, gumamit siya ng isang katangian na elemento ng pagpipinta ng icon - mga makina - mga patayong puting linya.

Mikhail Larionov, Jewish Venus, 1912

Natalya Goncharova, Mowers, 1911

Tulad ng nakikita natin, ang pagiging simple, kaayusan at istraktura ay naging pangunahing mga konsepto at layunin ng mga artista, simula sa mga Post-Impresyonista. Gayunpaman, ang mga tila hindi nakakapinsalang adhikain na ito ay mayroon ding mapanirang potensyal. Pagkatapos ng lahat, ang anumang pagnanais na magkasya sa mundo sa isang istraktura ay may reverse side - ang paglikha ng isang matibay na sistema. At tulad ng ipinakita ng kasanayan, ang mga pagtatangka na ipailalim ang lahat ng nabubuhay na bagay sa subjective na mahigpit na lohika ay humahantong sa kamatayan at pagkawasak. Ang mga karagdagang kaganapan sa ika-20 siglo ay malinaw na kumpirmasyon nito.

Itutuloy)

At isang pahabol.

Ang isang kahanga-hangang babaeng Amerikano - si Lola Moses - isang baguhang artista, isang kinatawan ng primitivism ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ay nanalo lamang sa aking puso. Kahit papaano ay ipinaalala niya sa akin ang mga Dutch sa kanilang maginhawang pang-araw-araw na mga eksena ng buhay sa kanayunan. Halimbawa:

Lola Moses, Maagang Tagsibol sa Bukid, 1945

Pieter Bruegel the Elder, Census, 1566

P.S salamat sa lahat ng nagbabasa at interesado. Late ko nang nai-post ang post na ito - aalis ako at kailangan kong magpahinga)

Ang Enero 10, 2016 ay minarkahan ang ika-109 na anibersaryo ng kapanganakan ng sikat na Kuzbass artist na si Ivan Egorovich Selivanov.

Siya ay tinawag na Siberian Pirosmani at Van Gogh, at ito ay sa maraming paraan isang tamang paghahambing. Ang mga parokyano, kritiko ng sining, at tagahanga ay lumibot sa kanilang dalawa sa loob ng ilang panahon - gayunpaman, parehong namatay sina Pirosmani at Selivanov nang mag-isa, na nakakuha ng posthumous na katanyagan.

Naglakad ako sa aking sarili nang mahaba at matigas

Ang sikat na Kuzbass primitivist artist na si Ivan Egorovich Selivanov ay ipinanganak noong Enero 10, 1907. "Ipinanganak ako sa lalawigan ng Arkhangelsk sa distrito ng Shenkursky sa konseho ng nayon ng Edem sa nayon ng Vasilyevskaya sa isang mahirap na pamilya ng pulubi ng magsasaka," naalala niya mismo.

Nang maglaon ay sumulat siya: "Isinilang ako ng aking ina na si Tatyana Egorovna hindi para sa malaking pera, hindi para sa isang marangyang buhay, ngunit para lamang sa buhay, tulad ng iba pa." Buhay sa kalikasan. Siya ay pinalaki sa pangkat ng pulubi. Buong buhay ko, lahat ng trabaho ko ay walang kabuluhan, at bakit - hindi ko alam. May mga tao ba talagang lalamunin ang gawa ko na parang sakim na buwaya o itatapon? Ang mga susunod na henerasyon ay hindi pupurihin ang gayong mga tao."

“Maagang namatay ang tatay ko, noong 1912. Ang aking ina ay nag-iwan ng tatlong anak na lalaki mula sa aking ama: ang nakatatandang kapatid na lalaki ay ipinanganak noong 1904, ako ay ipinanganak noong 1907, ang bunsong kapatid ay ipinanganak noong 1912. Ang aking ina, kapatid na si Sergei at ako kaagad pagkatapos ng kamatayan ng aking ama ay kailangang pumunta at mangolekta ng limos para sa kapakanan ni Jesucristo. Noong 1922, pumunta ako sa kalapit na nayon ng Ivanovsk para maging pastol. Imposibleng tumira ang nanay ko at kaming tatlong magkakapatid sa aming baryo dahil sa kawalan ng lupa. Iniwan ko ang aking tinubuang-bayan - ang nayon noong 1924 noong ika-5 ng Pebrero. Ang aking kapalaran at kaligayahan ay mahirap sa panig ng iba, mayroon ding pulubi...”

Sinubukan ni Ivan Egorovich ang maraming bagay sa kanyang panahon iba't ibang gawa. Nagtrabaho siya bilang isang panday, mekaniko, bumbero, gumagawa ng kalan, bantay, at namuhay ng mahirap at kakarampot na buhay. Pinagkadalubhasaan niya ang sining ng mga kalan hanggang sa pagiging perpekto, na nakagawa ng napakaraming mahusay na mga kalan na maaari niyang mabuhay ng isang siglo sa karangalan at kasiyahan, ngunit ang kanyang kaluluwa ay palaging naghihintay ng isang bagay, hindi siya maaaring umupo sa isang lugar.

At pagkatapos ay naging ganito ang buhay: Naglibot ako ng maraming taon. Bumisita sa maraming lungsod. Nagpunta siya sa mga site ng konstruksiyon sa Murmansk, Arkhangelsk, Onega, Sverdlovsk, Zaporozhye. Dito pinili niya ang kanyang asawa na si Varvara Illarionovna para sa kabuuan landas buhay. Kasama niya, pumunta siya sa Leningrad, kung saan natagpuan sila ng Great Patriotic War. Mula roon na noong 1941 si Ivan Egorovich ay inilikas sa Kuzbass. Sa una ay nakatira siya sa Novokuznetsk, Mundybash, nagtatrabaho bilang hammer hammer, loader, mekaniko, at plasterer. Hindi ko naisip ang tungkol sa sining, wala akong oras...

At noong 1943 lumipat siya sa Prokopyevsk.

Sa lungsod ng mga minero, nagpasya siya riles lineman. Nakatira kami sa nayon ng Golubevka. At ang lugar kung saan kalaunan, noong 1951, si Ivan Yegorovich ay nagtayo ng bahay para sa kanyang sarili ay tinawag na Mars. Naamoy niya ang exoticism, romance, at space. Ito ay hindi para sa wala na si Ivan Yegorovich ay nakaupo sa balkonahe ng bahay sa mga gabi ng tag-araw at tumingin sa mga bituin sa itaas ng kanyang ulo.

Hindi kaagad naisip ni Selivanov ang pagpipinta. Noong 1946, nakakita siya ng isang pagpipinta sa isang tindahan. Ang makulay ng dayami ay nagulat sa kanya, na pumukaw sa kanyang kaluluwa. Sa kanyang sariling mga salita, "isang rebolusyon ang naganap sa buhay, isang bagyo ang bumangon sa buong katawan, tulad ng sa dagat." Nais kong iguhit ang aking sarili.

At sa kanyang unang pagguhit sa kanyang buhay, inilarawan ni Selivanov ang isang maya. Sa oras na ito siya ay halos 40 taong gulang. Kaya, na sa pagtanda, nagsimula siyang gumuhit. Una - gamit ang isang lapis, kalaunan - pinagkadalubhasaan niya ang pagpipinta ng langis.

Nagtawanan ang mga kaibigan at kamag-anak: "Ano ang iniisip mo, weirdo, na mag-aral sa apatnapung taong gulang! At bakit? Ilang bagay, pagguhit." Nagalit din ang asawa: "Mas mabuti kung i-install ko ang kalan!" Ngunit ipinanganak akong matigas ang ulo, anuman ang naisip ko, bigla kong gagawin," paggunita ni Selivanov tungkol sa simula ng kanyang trabaho. Tulad ng pag-uusapan ng mga eksperto, ang kanyang tenasidad ay nakasalalay sa kanyang apelyido mismo: nagmula ito sa canonical na pangalan ng lalaki na Selivan (mula sa Latin na silvanus - "diyos ng kagubatan").

Lahat ng nakita at naranasan ay nangangailangan ng muling pag-iisip, nakikitang embodiment. Ito ay tila kung paano ipinanganak ang mga makata, musikero, manunulat, at artista. Ang kislap ng talento ay sumisikat nang maliwanag sa mga taong may talento, anuman ang oras at edad...

Sa pamamagitan ng pagkakataon, nakita niya sa isang pahayagan ang isang patalastas para sa pagpasok ng mga baguhang artista sa Moscow Correspondence People's University of Arts na pinangalanang N.K. Krupskaya (ZNUI). Nagpadala si Ivan Yegorovich ng mga dokumento at isang pagguhit ng isang maya sa People's University. At sa lalong madaling panahon nakatanggap siya ng paunawa ng pagpapatala; si Yulia Ferapontovna Luzan ay hinirang bilang kanyang guro-consultant.

Si Ivan Egorovich ay naging isang matiyaga, promising na mag-aaral. Napansin ito mga gurong may karanasan, mga artista. Ginawa nila ang lahat para maipasa sa kanya ang kanilang kaalaman.

“Nagsimula akong mag-aral ng sining at pagkamalikhain noong Setyembre 1947. Nag-aral ako nang walang limitasyon sa oras sa ilalim ng dahilan kung ano ang mangyayari at kung ano ang mangyayari. Gumuhit pa rin ako sa kahilingan ng aking guro na si Aksenov Yu.G. para sa mga ilustrasyon para sa mga aklat-aralin at panitikan, na mayroong napaka, napaka pinakamahalaga hindi lamang para sa Correspondence University of Arts, ngunit para sa buong bansa, at hindi ako nag-abala tungkol sa pagbabayad ng sinuman para sa aking trabaho. Hindi ito bagay sa akin. Sa malao’t madali ay mauunawaan ng mga tao ang aking napakahalaga, napakalaking gawain,” ang paggunita ni I.E. Selivanov mamaya.

Nagiging artista

Matapos makapasok sa ZNUI, ang buhay ni Ivan Yegorovich ay napuno ng bagong nilalaman at masayang pagkamalikhain. "Para sa kanya, ang sining ay hindi isang katapusan sa kanyang sarili, ngunit isang paraan upang mapaunlad ang kanyang sarili at tumugon sa sakit ng mundo," paggunita ng kanyang pangalawang guro, si Yuri Grigorievich Aksyonov, na itinalaga sa kanya pagkatapos ng pagkamatay ni Yu.F. Luzan. Kasama si Yu.G. Ang artista ay kumunsulta at nakipag-ugnayan kay Aksenov sa loob ng 40 taon.

Ang mga unang gawa ni Selivanov ay mga guhit na may kulay na mga watercolor o may kulay na mga lapis. Sa gitna ng kanyang pagkamalikhain ay isang bagay, isang hayop o isang tao bilang isang self-sufficient phenomenon.

Ang mga guro ng kurso na nagturo kay Selivanov, siyempre, ay nahulaan ang tungkol sa napakalaking talento na nakatago sa kanilang mag-aaral sa Prokopyevsk. Ngunit noong 1956 pinadalhan niya sila ng larawan ng isang batang babae, maging sila ay namangha. Ito ang insight ni Selivanov, ang kanyang "pinakamagandang oras."

Agad na tinawag ng mga eksperto ang "Babae" na "amateur Mona Lisa," na nakikita sa kanya, ayon kay Yu.G. Aksenov, "ang etnikong kuwento ng isang artista tungkol sa kanyang katutubong Hilaga. Sa ginintuang-maaraw na pagkulay ng gawaing ito, makikita ng isang maasikasong mata ang isang maingat na tanawin sa hilagang bahagi, na nanatiling pinakamahalagang alaala ng artista magpakailanman.

Mula noon, si Ivan Yegorovich ay nagtatrabaho nang husto: gumagawa siya ng mga self-portraits, portrait, still lifes, landscapes, animal works, at inilalarawan ang kanyang mahirap na sambahayan: isang pusa, isang manok, isang tandang.

Ang lahat ng mga gawa - at mayroon nang halos 400 sa kanila - ay agad na ipinadala sa Moscow: "para sa mga inapo, para sa mga bagong henerasyon," marami sa kanyang mga gawa ay itinatago sa kabisera ngayon. Ang Moscow ang "nakatuklas" kay Selivanov. Mga pelikula tungkol sa kanya, mga eksibisyon - lahat ay ipinaglihi at inayos dito. Ang mga lokal na awtoridad at kinatawan ng "creative intelligentsia" at "mga propesyonal" ay hindi nakilala ang artist.

Tumanggi si Selivanov na ibenta ang kanyang mga gawa. Sa kanyang buhay, dalawang painting lamang ang naibenta: "Self-Portrait" - kay Suzdal, at isa sa dalawang larawan ng direktor na si M.S. Litvyakov - sa All-Union Museum of Folk Art. Hindi na sumasang-ayon si Ivan Yegorovich na ibenta ang kanyang mga gawa; sinisikap niyang tiyakin na lahat sila ay nasa isang lugar (sa Moscow).

Si Ivan Yegorovich ay madalas na gumanap ng kanyang mga gawa batay sa kanyang mga impression sa mga pelikula. Ito ay eksakto kung paano niya nilikha ang humigit-kumulang 50 mga gawa, at ang mga gawa na naibigay niya sa Novokuznetsk Museum of Fine Arts noong 1978 ay ginawa batay sa mga impression mula sa sinehan: "Spartacus", "Anka the Machine Gunner", "Pavka Korchagin".

Sa kanyang mga guhit na "Napoleon", "Lomonosov", "Copernicus", "Robespierre" ang isa ay tinamaan ng kanilang mahigpit na pagkakapareho sa orihinal na imahe at ilang uri ng walang muwang na pagiging simple sa paghawak. Tulad ng muling pagsasalaysay ng isang klasikong teksto sa iyong sariling mga salita. Iginuhit ng artista ang larawang "Spartacus" nang hindi binabasa ang nobela ni Giovagnoli. Ayon sa mga eksperto, "sinulat niya ito nang sabay-sabay sa sinaunang kalinawan, pagiging simple at kahinahunan ng Slavic."

Ang mga gawa ni Ivan Egorovich ay inirerekomenda para ipakita sa major mga eksibisyon ng sining. Nakatanggap sila ng pinaka-masigasig na mga pagsusuri. Ang pintor na si Robert Falk, nang makita ang kanyang "Babae," ay inilagay ito nang maikli: "Mag-ingat," ibig sabihin ay ang larawan at ang may-akda. At ang kritiko ng sining na si Mikhail Alpatov ay sumulat sa magazine na "Creativity": "At maaari nating ipagmalaki ang mga baguhang artista. Kabilang sa mga ito ay may mga maaaring ilagay sa tabi nina Niko Pirosmani at Henri Rousseau, na nararapat na kumuha ng kanilang mga lugar sa mga museo ng sining.

Ang mga pagpipinta ni Ivan Yegorovich ay ipinakita sa maraming lungsod sa ating bansa at sa ibang bansa: sa Paris, London, Prague, Berlin, Bonn, Budapest, Montreal, New York. Ang kanyang mga gawa ay nakakuha ng pansin ng akademiko ng pagpipinta na si Georgy Nissky at Amerikanong artista Anton Refrezhier.

Ngunit si Ivan Egorovich mismo sa mahabang panahon ay hindi alam ang tungkol sa kanyang malawak na katanyagan at katanyagan, bagaman paminsan-minsan ay mainit siyang binabati at ipinaalam tungkol sa mga pagsusuri na ibinigay ng mga artista at kritiko tungkol sa kanyang mga gawa. Hindi siya vain. Inalok siyang ibenta ang isa sa mga obra sa ibang bansa para sa malaking pera, ngunit tumanggi siya: "Lahat ng ginawa ay pagmamay-ari lamang ng aking Soviet Russia." At gayon pa man ang kaluwalhatian ay kaluwalhatian. Nakaramdam siya ng kasiyahan, isang pagdagsa ng mental at pisikal na lakas, inspirasyon at kagalakan.

Noong 1969, ginawa ng sikat na direktor ng dokumentaryo na si Mikhail Litvyakov ang pelikulang "People of the Kuznetsk Land", isa sa mga maikling kwento kung saan nakatuon kay Ivan Selivanov. At noong 1984 ito ay lumabas Ang tampok na pelikula direktor na si Viktor Prokhorov na "Seraphim Polubes and Other Inhabitants of the Earth," na batay sa talambuhay ni Selivanov, ipinakita ang kanyang mga gawa. Ang pelikula ay nagsasabi sa kuwento ng isang self-taught village artist, ang tinatawag na "naive" na pintor. Literal na napukaw ang atensyon ng madla sa footage na nagpapakita ng gawa ng artist. aso. baka. tandang. Pinakain ng batang babae ang mga manok. Pusa. Self-portrait. Ang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kadalisayan ng nakakamangha na tingin ng isang bata at ang kapanahunan ng sulat-kamay ng master.

Sa pamamagitan ng paraan, nang ang premiere ng pelikulang ito ay ginanap sa gitnang sinehan ng Prokopyevsk, walang nagbigay pansin sa matandang lalaki na dinala ng dalawang guro. Kaya ang premiere ng pelikula ay naganap para sa Selivanov mismo.

Ang isa sa mga sentral na lugar sa gawain ni Ivan Yegorovich Selivanov ay inookupahan ng mga hayop at ibon. Ang likas na talento ng artist ay ipinahayag sa madla na "Girl with Chickens", "Lion in the Forest", "Landscape with a Wolf", "Puma", "Dog", "Rooster Family", "Deer", "Cat", " Landscape. (Mga baka).” Inilalarawan niya ang mga ito nang may mahusay na imahinasyon, maingat, mapagmahal, na pinagkalooban sila ng palihim, kawalang-kasalanan, na parang nagpapakatao sa kanilang mga imahe: na may malaki, maalalahanin, malungkot na mga mata ng "Selivanovsky", aso, baka at ibon ay tumingin sa amin mula sa mga guhit ng artist.

Bagaman opisyal na relasyon Nang matapos ang People's University, halos apat na dekada nang ipinapadala ni Selivanov ang kanyang mga painting doon. Ipinadala niya si Yu.G. Sumulat si Aksyonov ng isang malaking bilang ng mga talinghaga at mga entry sa talaarawan, na tinawag silang "mga sulatin para sa pagbuo ng isang personal na sistema ng utak." Ang mga ito ay kahanga-hangang hubad na damdamin at "clumsy" sa wikang itinatangi ni Selivanov na mga kaisipan tungkol sa buhay, tungkol sa trabaho, tungkol sa sining.

Narito ang ilan sa kanila: “Mahilig talaga ako sa mga hayop. Maaari akong gumuhit ng sinumang gusto mo mula sa memorya. Ang kalikasan ay nagbibigay sa atin ng mood, isang pakiramdam ng kagandahan. Kung wala ito walang artista."

Sinamahan ng artist ang landscape na "My Motherland, My Home" sa mga sumusunod na salita: "Mahal kita, lupain ng Russia, pagkatapos ng kadiliman ng gabi, kapag sumikat ang araw. Huminga pa siya, tumatawa, nakatingin sa mga mata mo. Ang iyong puso ay nagagalak, ang iyong kaluluwa ay sumasayaw. Napakabuti mo, lupain ng Russia, aking Inang-bayan!”

Pagtatapat

SA pinakamahusay na mga gawa ah I.E. Selivanov - at ang mga ito ay halos mga portrait - ay nagpakita ng regalo ng isang buhay na pagkaunawa sa kalikasan. Sa loob ng dalawampung taon, gumawa siya ng apatnapung larawan ng kanyang asawa. Sa kanyang mga larawan, pinamamahalaan ni Selivanov na ihatid ang "pagpasok" ng kanyang tingin. Ang hitsura na ito ay parang sinaunang mga icon, ay hindi iniiwan ang manonood, "nangunguna" sa kanya, kahit saan siya tumingin sa larawan. Karaniwan ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Selivanov ay kahanga-hanga - ang kanyang "Self-Portrait". Ang isang may balbas na matandang lalaki, na nakakaalam ng kanyang halaga, ay tumitingin sa manonood na halos walang laman na mga mata, isang uri ng sage-sorcerer mula sa alamat ng Russia, isang tagapagdala ng walang hanggang katotohanan, isang enchanted wanderer-truth-seeker. Si Ivan Yegorovich mismo sa buhay ay isang maliit na tangkad, na may makalangit na asul na mga mata, isang ganap na makalupang tao na may kanyang mga praktikal na alalahanin, hilig at ambisyon.

Nang mamatay ang kanyang asawang si Varvara Illarionovna, na nagbahagi sa kanya ng mga paghihirap at kagalakan, natahimik ang bahay sa Mars. TIMOG. Naalala ni Aksyonov na "noong kalagitnaan ng 1970s, biglang tumahimik si Ivan Yegorovich: walang mga parsela na may mga gawa o liham mula sa kanya. Nag-aalala kung may nangyari? At biglang pagkalipas ng isang taon ang isang larawan ay dumating: Ang pusa ni Selivanovsky na si Vasya ay nakaupo sa niyebe na may malungkot na mga mata. Ito ay naging malinaw: isang kasawian ang nangyari." Ang asul na anino ng pusa, na may nakatusok na asul, ay nagpalamig sa mga kaluluwa ng madla, na binibigyang-diin ang kawalang-interes ng nakatatakot na pigura. Ang mga mata ng pusa ay tila sumisigaw: "Bakit nakalimutan mo akong lahat, kaawa-awa?" Ito ay isang pakiramdam ng kakila-kilabot na kalungkutan, kapag tila sa iyo na sa buong Uniberso, madilim at walang anyo, ikaw lamang ang nag-iisa. Para kay Ivan Yegorovich ito ay isang taon ng matinding depresyon.

Noong 1985, pumasok si Ivan Egorovich sa Insky Home for the Elderly and Disabled, na matatagpuan sa baybayin ng Belovskoye Reservoir, malapit sa lungsod ng Belovo. Siya ay nasa suporta ng gobyerno, tumatanggap, gaya ng sinabi niya, ng suweldo-pensiyon. Dalawang silid ang inilaan para sa kanya, isa sa mga ito para sa isang pagawaan. Ginugol niya ang buong araw sa kanyang kalye. Nagdulot siya sa mga nakapaligid sa kanya iba't ibang damdamin. Ang personalidad ay misteryoso at makabuluhan para sa mga residente ng boarding school, hindi karaniwan. Ang mga alamat, kung minsan ay walang katotohanan, ay nagsimulang lumitaw sa paligid ng kanyang pangalan. Ang mga naiinggit na tao ay nilapastangan ang kanyang trabaho, inihambing ito sa bazaar isokhultura, na nagsasalita nang mapang-abuso tungkol sa kanyang buhay sa labas ng mga dingding ng bahay na ito.

Sa Kuzbass, si Ivan Selivanov ay nagbukas lamang sa isang malawak na madla noong 1986. Pagkatapos, pagkatapos ng artikulo ni Vladimir Dolmatov sa pahayagan na "Soviet Russia" "Blue cat on white snow", ang pangalan ni Ivan Yegorovich ay narinig halos sa buong bansa. Sa parehong taon, dalawang personal na eksibisyon ng artist ang ginanap sa Kemerovo at Novokuznetsk.

Ang sabihing natigilan ang mga manonood ay isang maliit na pahayag. Ang aming kilalang-kilala at sa parehong oras ang ilang ganap na bagong katotohanan ay inihayag sa madla. Bagong Uniberso. Ang mga manonood ay naglakad-lakad at, nabigla, pinahirapan ang isa't isa, bakit sumasakit ang puso sa paningin ng isang malungkot na unggoy, at ano ang kaakit-akit sa "Ang Pamilya ng Tandang"? Si Ivan Yegorovich mismo, maliit at hindi mapagkakatiwalaan, sa mga bagong tarpaulin boots, at nakilala lamang niya ang mga felt boots at tarpaulin boots, isang hindi pangkaraniwang jacket at cap, ay hindi nagpaliwanag ng anuman. Marunong at palihim siyang tumingin, na para bang hindi siya kasali sa excitement na sumiklab sa paligid niya. At nang tumayo ako sa tabi ng aking mga self-portraits ay naging malinaw na ang lahat ay kanya. Sa kanila, palaging inilalarawan ni Selivanov ang kanyang sarili bilang makapangyarihan, puno ng panloob na lakas. May sapat na lakas sa kanya.

At ito sa kabila ng katotohanan na ang kanyang talento sa mga dalubhasang bilog ay matagal nang kinikilala bilang isang pambansang kayamanan. Sa isang liham kay I.E. Selivanov Kaukulang Miyembro ng Academy of Arts S.M. Sumulat si Nikireev: "Para sa akin, ikaw ay isang artista ng napakalaking, bihirang talento, tulad ng bihirang ipanganak ng lupain ng Russia. Isa kang kamangha-manghang talento. Nais kong maging malusog ka at kumpiyansa na ikaw ay isang tipak ng pambihirang timbang at ningning.”

Ang huling panghabambuhay na eksibisyon ng I.E. Naganap ang Selivanova noong 1987 - ang taon ng ika-80 kaarawan ng artist. Ipinagdiwang ni Ivan Yegorovich ang kanyang ika-80 kaarawan kasama ang isang sikat na baguhang artista Pederasyon ng Russia. Sa teritoryo ng Insky boarding house ay isinulat niya ang kanya pinakabagong mga pintura: “Larawan sa sarili” at “Larawan ng isang ina.”

Si Yuri Grigorievich Aksenov ang nagmungkahi na magpinta siya ng larawan ng kanyang ina. Si Ivan Yegorovich ay seryosong nag-isip tungkol dito at nagsimulang maalala kung paano nanatili sa kanyang alaala ang kanyang ina. Hindi niya ito nakita mula noong siya ay bente anyos; namatay siya noong 1937. At dito sa larawan ay lilitaw ang mukha ng isang tunay na taga-hilaga mula sa nayon ng Vasilyevskaya, distrito ng Shenkursky, lalawigan ng Arkhangelsk. Maaliwalas na mga mata, magaan na malago ang buhok, nakatali sa isang bun, isang simpleng mukha ng Ruso. Isang babaeng magsasaka na ang mga kamay ay umiikot, naghahabi, nagmasa ng masa, at nagtanim ng isang maliit na piraso ng lupa. Isang babaeng may mapait na kapalaran, iniwan na walang asawa na may tatlong anak at pinilit silang ipadala, lumaki, napunit sa kanilang mga puso, "sa mga tao." Kataas-taasang pagiging simple, maging ang kabanalan sa mukha na ito. Ito ay kinakailangan upang mabuhay ng ganoon katagal at mahirap na buhay, na nabuhay si Ivan Yegorovich upang maunawaan ang imahe ng kanyang ina at makita ang isang sulyap sa walang hanggan sa kanyang katutubong mga tampok.

...Namatay si Ivan Yegorovich noong Marso 1, 1988, nag-iisa. Siya ay inilibing sa nayon ng Inskoy, distrito ng Belovsky, rehiyon ng Kemerovo, sa lokal na sementeryo. Nabuhay lamang siya ng limang araw bago ang araw na nagpakita sila ng isang dokumentaryo tungkol sa kanyang buhay, kung saan itinuring niyang "sagrado ang paggawa hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay."

Iniwan siya ng kanyang mga kaibigan at tagahanga, na namimilosopo sa bawat pulgada ng kanyang pagpipinta, sa bawat salitang isinulat niya. Pero I.E. Iniwan sa amin ni Selivanov ang isang makahulang salita: "Ang isang tao ay nabubuhay hangga't tinatamasa niya ang buhay." Iniwan niya ang hindi lubos na pinahahalagahan ang mga akda at alamat, isang kuwentong sinimulan niya tungkol sa dalawang batang lalaki sa Arkhangelsk.

Ang kanyang pangalan ay kasama sa World Encyclopedia of Naive Art, na inilathala sa UK. Ang kanyang mga gawa ay nakatanggap ng tatlong mga parangal sa Grand Prix Mga internasyonal na eksibisyon sa Paris. Sa paglipas ng apat na dekada ng malikhaing aktibidad, ang artist na si I.E. Nag-iwan si Selivanov ng daan-daang mga painting at sketch. Ang ilan sa mga ito ay itinatago sa Prokopyevsk Local Lore Museum.

Noong 1990, inilathala ng publishing house na "Young Guard" ang isang libro ni I.E. Selivanov at N.G. Kataeva "At nagkaroon ng buhay..." Ang libro ay naglalaman ng mga reproductions ng mga painting ng artist at ang kanyang mga diary. Sa kanila ay nagsalita siya tungkol sa trahedya, sakit at kagandahan ng buhay ng Russia.

...Pareho ang Georgian artist na si Pirosmani at Selivanov, una sa lahat, ay may parehong kapalaran. Parehong alam ang tungkol sa kanilang mataas na regalo. Parehong walang tirahan at mahirap. Ang mga parokyano, mga kritiko ng sining, at mga tagahanga ay umaaligid sa kanilang dalawa nang ilang sandali. Gayunpaman, parehong Pirosmani at Selivanov ay namatay nang mag-isa, na nakakuha ng katanyagan pagkatapos ng kamatayan. Ang imahe ng Russia ni Ivan Selivanov ay pasensya at kalooban, pagdurusa, lakas at pagsasakripisyo sa sarili. Lubhang pinipigilan, mahigpit, matinding trabaho. Ganun din siya sa pagsasalita. Parehong doon at dito - kapangyarihan ng asetiko at ganap na pagiging simple ng pagpapahayag.

Ang araw ng kaluwalhatian ay hindi madalas na sumisikat sa mga orihinal na artista mula sa mga tao. Samakatuwid, gusto ko talaga itong simple, mabait, tapat at marangal na pangalan - Ivan Egorovich Selivanov, na niluwalhati nang higit sa isang beses katutubong sining sa mga eksibisyon sa ating bansa at sa ibang bansa, ay hindi nakalimutan. Dahil ang gawa nitong artistang ito mula sa mga tao ay atin pambansang kayamanan na kailangang protektahan.

Batay sa mga materyalesInternet

Ang kalubhaan at espirituwalidad ng Russian North - ang kanyang tinubuang-bayan - ay nabubuhay sa kanyang mga gawa. Ang isa pang natatanging tampok ng Selivanov ay ang kanyang natatanging pilosopiya, na makikita sa mga entry sa talaarawan na iningatan ng artist sa loob ng maraming taon.

Makulay na buhay na buhay na istilo katutubong talumpati, matingkad na mga larawan ng mga alaala at pangarap, aphoristic na mga pahayag - lahat ng ito ay ginagawang hindi gaanong mahalaga ang pamana ng talaarawan ni Selivanov kaysa sa kanyang mga masining na gawa.

"Hindi mo maiisip ito para sa iyong sarili nang walang tulong ng iba. Marahil ito ay isang quirk? Demonyong kapangyarihan sa aking utak?..” - ang mga salitang ito ni Selivanov ay maaaring gamitin bilang isang epigraph sa buong pag-aaral ng walang muwang na sining.

Pagkamalikhain I.E. Si Selivanov, na natuklasan ng mga Muscovites sa mga eksibisyon sa tinatawag na mga club ng creative intelligentsia - Central House of Artists, Central House of Artists, ang Board of the Union of Artists sa Gogolevsky Boulevard - ay nakita bilang isang hininga ng sariwang hangin, bilang ebidensya na ang katutubong sining ay nabubuhay pa, sa kabila ng mga taon ng pagsasamantala at pagbaluktot ng estado .

Ito ay sa gawa ni Selivanov at ilang iba pang orihinal na mga artista na "natuklasan" sa mga taong iyon na nagsimula ang isang alon ng pangkalahatang sigasig para sa walang muwang na sining, na umabot sa rurok nito noong 1970s.

Ang unang guro ni Selivanov sa Moscow Correspondence People's University of Arts na pinangalanang N.K. Si Krupskaya (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan ay nakaisip ng isang masayang ideya noong 1947: upang hilingin sa mag-aaral na gumuhit ng mga hayop mula sa harap at sa profile. Ang mga karakter sa kanyang mga guhit sa panahong ito ay isang baka, isang aso, isang pusa, isang tandang, at hanggang sa katapusan ng kanyang buhay sila ay tapat na mga kaibigan at "mga kausap."

Nang maglaon, nang si Yu.G. ay naging guro ng artista. Si Aksenov, isang elepante, isang leon, at isang usa ay lumitaw sa mga gawa ni Selivanov. Ang artist ay bumaling kay Aksenov na may isang kahilingan na tumulong na "maunawaan ang hindi maintindihan na mga salita sa lahat ng panitikan... Isulat, tulad ng ipinangako, kung ano ang hindi layunin na sining, aesthetics, dogmatics ... Nagpapadala ako ng apat na raang salita sa kabuuan."

Si Ivan Selivanov at ang kultural na mundo kung saan siya nakipag-ugnayan ay nagsalita ng iba't ibang wika. Maingat niyang pinag-aralan ang album na "Russian Portrait", ngunit wala itong impluwensya sa kanyang sariling mga larawan.

Wala sa mga kapitbahay ang gustong magpa-pose para sa artista. Inilalarawan niya ang kanyang asawa, mga guro, mga bayani ng mga sikat na pelikula - Spartacus, Cleopatra. Ang kanyang mga self-portraits ang pinakamahalaga. Si Selivanov ay may katangian na hitsura ng isang magsasaka ng Russia - isang makapal na balbas, isang takip ng makapal na buhok, gupitin "sa isang mangkok", matalim na tingin na may isang tuso.

Naakit niya ang atensyon ng mga mamamahayag sa telebisyon at mga gumagawa ng pelikula, at isinulat tungkol sa lokal at sentral na pamamahayag. Ngunit gayon pa man, ang bilog ng mga tao na direktang nakipag-usap sa artist ay wala sa kanilang sarili na may sapat na mataas na antas ng edukasyon upang sapat na bigyang-kahulugan ang kanyang sining.

Ang kanyang gawain ay hindi inilarawan nang detalyado sa wika hanggang sa araw na ito. modernong agham. Isang orihinal na pilosopo ng magsasaka, isang estranghero sa mundo ng "maunlad na sosyalismo," si Ivan Yegorovich Selivanov ay nag-proyekto sa kanyang trabaho ng mga larawan ng isang maayos na kaayusan sa mundo - isang tahanan na may hardin, mga kaibigan, mga guro, mga bayani at bawat nilalang ng Diyos.

Mga personal na eksibisyon ng I.E. Selivanova:

Central House of Writers, Moscow, 1971;

Bilang karangalan sa ika-70 anibersaryo ng I.E. Selivanova, Moscow, 1977; Bilang karangalan sa ika-80 anibersaryo ng I.E. Selivanova, Museo ng Fine Arts, rehiyon ng Kemerovo, 1986;

Museo ng Fine Arts ng Novokuznetsk, 1986;

Central Exhibition Hall ng Moscow Branch ng Union of Artists ng RSFSR, Moscow, 1987.

Mga eksibisyon na nagtatampok ng mga gawa ng artist:

Exhibition ng mga gawa ng mga baguhang artista at mga mag-aaral ng kurso pag-aaral ng distansya TsDNT im. N.K. Krupskaya, Central House of Artists, Moscow, 1965;

All-Russian na eksibisyon ng mga gawa ng mga baguhang artista, Moscow, 1960;

All-Union exhibition ng mga baguhang artista sa Moscow: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Exhibition "100 gawa ng mga orihinal na artista", Moscow, Board Hall ng Union of Artists sa Gogolevsky Boulevard, 1971;

Anibersaryo ng eksibisyon ng mga gawa ng mga mag-aaral ng Faculty of Fine Arts bilang parangal sa ika-50 anibersaryo ng ZNUI sa Central bulwagan ng eksibisyon Union of Artists ng RSFSR sa Podolsk, 1983-1984;

"Naifs sovietiques" (France), 1988;

All-Russian na eksibisyon ng mga gawa ng mga baguhang artista bilang parangal sa ika-40 anibersaryo ng Tagumpay ng mga taong Sobyet sa Great Patriotic War, All-Russian Museum of Folk Art, Moscow, 1985;

"Golden Dream", 1992;

"Paradise Apples", 2000;

"Festnaive-04".

Mga koleksyon ng mga painting ni I.E. Ang Selivanov ay naka-imbak:

State House of Folk Art;

Vladimir-Suzdal Museum-Reserve;

Museo "Tsaritsyno", Moscow.

Filmography:

"Mga Tao ng Kuznetsk Land", dir. M. Litvyakov, Leningrad Documentary Film Studio, 1969;

"They Drew Since Childhood", dir. K. Revenko, Central telebisyon, pelikula sa TV, 1979;

"Kuzbass Pirosmanashvili", studio ng telebisyon ng Kemerovo, 1981;

"Seraphim Polubes and Other Inhabitants of the Earth" (isang tampok na pelikula gamit ang mga gawa ni Selivanov), dir. V. Prokhorov, Mosfilm, 1984;

"Blue Cat on White Snow", dir. V. Lovkova, TsSDF, 1987.

Panitikan:

Shkarovskaya N. Folk amateur art. L., 1975;

World Encyclopedia of Naive Art. London, 1984. R. 529;

Si Ivan Selivanov ay isang pintor. Mga sanaysay tungkol sa artista. Kemerovo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. At nagkaroon ng buhay... M., 1990;

Ang eksibisyon ng mga gawa ng mga baguhang artista, mga mag-aaral ng mga kurso sa pagsusulatan sa Central Children's Science and Technology Center na pinangalanan. N.K. Krupskaya, Central House of Artists, Moscow, 1965.

Catalog ng mga artikulo sa print media:

Alpatov M. Direkta at taos-puso // Pagkamalikhain. 1966. Blg. 10;

Gerchuk Yu. Primitive ba ang mga primitive? // Paglikha. 1972. Blg. 2;

Baldina O. Pangalawang pagtawag. M., 1983;

Aksenov Yu. Tingnan gamit ang iyong sariling mga mata // Artist. 1986. Blg. 9;

Shkarovskaya N. Ang atraksyon ng pagmamahal sa kalikasan // Ogonyok. 1987. Blg. 36;

baguhan sining// Amateur artistic creativity: Mga sanaysay sa kasaysayan ng 1960-1990s. St. Petersburg, 1999.

DESTINY ANG POOR ARTIST?! ILANG KATOTOHANAN MULA SA BUHAY NI IVAN SELIVANOV

Ang pangalan ng Prokopchanian na si Ivan Selivanov ay kasama sa Encyclopedia of Naive Art, na inilathala sa UK. Sa ibang bansa, si Ivan Yegorovich ay tinawag na Russian Pirosmani at Van Gogh, pumasok siya sa nangungunang sampung walang muwang na mga artista Russia.

Ang kanyang mga gawa ay dinala sa London at New York, ipinagbili nang ilegal, at siya ay nalugmok sa kahirapan. Sa paglipas ng 45 taon, sumulat si Selivanov ng daan-daang mga kuwadro na gawa at sketch, ngunit ang kanyang mga talaarawan na may sariling pilosopiko na pananaw ay hindi gaanong kawili-wili. Ang lokal na museo ng kasaysayan ng Prokopyevsk ay naglalaman ng isang maliit na koleksyon ng kanyang mga gawa, halos isang daan ay nasa Moscow sa State Russian House of Folk Art.

May sakit ako sa pag-iisip... Bakit napunta ako sa mga ganitong kondisyon? Kinokontrol ako ng bawat asshole woman! Nakakaapekto rin ito sa buong katawan, sa sistema ng utak... Ito ay isang quote mula sa pelikulang “Ivan Selivanov. Mga Fragment ng Buhay"

Sa Central City Hospital na pinangalanan. Ang salon ni Gogol na "Artist" ay nagdaos ng isang gabi sa memorya ni Ivan Selivanov. Lumitaw sa website ng aklatan eBook, na nakatuon sa orihinal na artist mula sa Prokopevsk. Kasama dito ang mga artikulo tungkol sa Selivanov, mga hindi pa nai-publish na mga larawan at mga reproductions ng mga painting. Sa loob ng 20 taon, ang kritiko ng sining na si Galina Stepanovna Ivanova ay nangolekta ng materyal para sa aklat nang paunti-unti.

Noong Abril 1986, inanyayahan ang artista sa "Dialogue" film club; binisita niya ang Dostoevsky Museum at ang Kuznetsk Fortress. Sa pagawaan ng Vitaly Karmanov, kung saan siya dinala, nagulat siya na ang artista ay maaaring magkaroon ng napakaraming tubo ng pintura.

Ang mga tagahanga ng gawa ni Selivanov ay napanatili ang mga poster para sa kanyang personal na eksibisyon, na naganap noong Oktubre 22, 1986 sa Novokuznetsk Art Museum.

Ginugol ni Selivanov ang kanyang mga huling taon sa isang boarding home para sa mga matatanda at may kapansanan sa nayon. Inskoy. Naranasan niya ang kanyang sitwasyon ng kawalan ng kalayaan, na tinawag ang kanyang sarili na isang tao sa gobyerno na, dahil sa isang kaguluhan ng kaluluwa, ay hindi maaaring gumana.

- I’m mentally ill... Bakit ko nalaman ang sarili ko sa mga ganitong kondisyon? Bawat asshole na babae ay pinapaasa ako! Nakakaapekto ito sa buong katawan, sa sistema ng utak...

Hindi siya nanirahan nang matagal sa kanyang sariling bahay, kung saan siya inilipat isang taon bago siya namatay. Noong Marso 5, 1988, inilibing si Selivanov.

Sa isa sa kanyang mga pagbisita sa Selivanov, si Galina Ivanova (sa kahilingan ng artist) ay nagdala kay Ivan Yegorovich ng isang plato at isang kawali. Pagkatapos ay lumabas na ginamit niya ang plato sa halip na isang palette.
Tinakpan niya ng diyaryo ang kawali, nilagyan ito ng isang mug ng solvent, at pagkatapos ay nagsimulang magsulat. Sa mga nagdaang taon, nagtrabaho siya sa mga langis.

Ang Lenkom Theatre ay naglilibot sa Novokuznetsk at ang mga aktor na sina Nikolai Karachentsov at Oleg Yankovsky ay dumating sa aming studio (film at photo bureau KMK). Noong nakaraang araw, ang art connoisseur at collector na si Yankovsky ay dumating upang bisitahin si Selivanov, hindi napagtanto ang sira-sira na disposisyon ng may-ari.

"Ako ay isang sikat na aktor na si Oleg Yankovsky," nagsimula ang residente ng Lenkomov mula sa threshold.

Walang choice ang sikat na aktor kundi sundin ang payo ng matanda. Nakita niya ang mga gawa ng henyo na artist mamaya - sa dokumentaryo na pelikula nina S. Shakuro at V. Skoda. Si Nikolai Karachentsov ay tumingin nang may tunay na paghanga sa maliit (taas na 154 cm!), balbas na lalaki, at nagulat pa rin:

Isang kumpletong karakter!

Kinabukasan dinala ni Nikolai Petrovich ang buong tropa sa screening...

Kapag nabasa mo ang kanyang mga iniisip, iniisip mo na siya ay isang tunay na pilosopo:

"Ang isang tao ay hindi ipinanganak sa kanyang sarili, siya ay dumating sa mundong ito para sa ilang kadahilanan na hindi alam ng sinuman, at siya ay konektado sa lahat ng bagay na nabubuhay.
Kung ang isang tao ay tratuhin nang tapat sa kanyang trabaho at sa kanyang mga kasama, tinutupad niya ang batas sa patas na panlipunang paggawa."

"Upang mabuhay ng isang araw kasama tunay na katotohanan sa mundo, kailangan mong magtrabaho nang husto sa iyong sarili mula umaga hanggang gabi. Upang ang puso at kaluluwa sa kanilang kadalisayan ay katumbas ng amber o sinag ng araw."

"Itinuturing kong kaligayahan ang maging malaya sa iba, kumain ng rye bread na may patatas sa kanilang mga balat at kaunting asin at maraming tubig. Hayaan itong maging hindi komportable at marumi sa aking kubo, hindi mahalaga. Itinuturing kong mahalaga ang init sa aking kubo sa taglamig. Marami kasing matatandang lalaki, kabataang babae at matatandang babae ang katulad ko sa buong mundo."

IVAN SELIVANOV: BUHAY AT KAPALARAN

« Ipinanganak ako ng aking ina... hindi para sa malaking pera, hindi para sa marangyang buhay, kundi para lamang sa buhay, tulad ng bawat nabubuhay na nilalang sa kalikasan" Ito ang naisip at isinulat ng bayani ng aming artikulo, ang natatanging Russian artist at palaisip na si Ivan Egorovich Selivanov (1907-1988).

Hindi, opisyal na hindi siya isang "artista ng mga tao" - hindi siya nakatanggap ng anumang mga titulong akademiko o regalia mula sa estado. Ngunit siya ay isang tunay na "artista ng mga tao" ng panahon ng USSR. Kasama sina Niko Pirosmani at Efim Chestnyakov, siya ay isang kayamanan ng sangkatauhan. At ang kanyang mga talaarawan, sa mga tuntunin ng kanilang nilalaman at lalim, ay matatawag na totoo katutubong karunungan... Ngayon ay pag-uusapan natin siya, ang kanyang kapalaran at mga iniisip.

Ang artikulong ito ay hindi isang biographical sketch; hindi namin itinakda na ganap na maipaliwanag ang landas ng buhay ni Ivan Selivanov, ngunit hindi pa rin namin magagawa nang walang maikling pagpapakilala. Ito ang isinulat ng lokal na istoryador, mananaliksik ng kanyang buhay at trabaho na si Nina Grigorievna Kataeva:

« Nakilala ako ng artista sa isang bahay na itinayo sa teritoryo ng isang boarding school para sa mga beterano sa paggawa sa nayon ng Inskom, distrito ng Belovsky, rehiyon ng Kemerovo. Ang bahay ay itinayo tulad ng isang kubo, kung saan nanirahan si Selivanov sa loob ng tatlumpu't apat na taon. Ang katandaan, karamdaman at kalungkutan ay sa wakas ay pinilit siyang makipaghiwalay sa kanya, at pagkatapos ng isang taon ng malungkot na pag-iral sa ginhawa ng isang silid sa isang nursing home matandang artista Sa wakas ay nadama ko na ang mga lokal na pinuno ay nagmamalasakit sa akin».

Ang guro ni Selivanov, ang orihinal na artist na ito, isang gumagawa ng kalan ng nayon, si Yuri Grigorievich Aksyonov mula sa Moscow Correspondence People's University of Arts, ay nagsalita tungkol sa kanya ng ganito: "Ang tanging bagay na nagligtas sa kanya mula sa kanyang buhay ay mula sa kampo. Lahat ng iba pa ay naroon." Ano pa? Talaga, iyon lang. Mga hindi patas na akusasyon, gutom, lamig, kahirapan, kalungkutan, pagala-gala nang walang trabaho. Ngunit marahil ito ay tiyak na salamat sa kapalaran na ito na ang artista ay pinamamahalaang manatiling malinaw hanggang sa kanyang huling hininga.

Isang kritiko ng sining mula sa Poland, na narinig sa isang gabi ng pelikula sa Moscow, sa Ministri ng Kultura ng RSFSR, na ang isang karapat-dapat na tahanan para sa pamana ni Selivanov ay hindi pa natagpuan, ay bumulalas sa sorpresa:

- Oo, kung nakakita kami ng isang artista tulad ng iyong Ivan Yegorovich, ibibigay namin sa kanya ang pinakamahusay na museo sa Warsaw!

Buweno, maaaring ibinigay ito ng mga Polo. Walang propeta sa kanyang sariling bansa.

Ang Kalungkutan ng isang Long Distance Runner

Si Selivanov mismo ay tinatrato ang mga pagbabago ng kapalaran na hindi eksaktong stoically, ngunit sa halip ay mapagkumbaba, na parang hindi maiiwasan. Hindi niya itinuring ang kanyang sarili bilang isang artista.

- Ako ay isang tao na nagpinta ng mga larawan sa pagitan ng mga gawaing bahay, sinabi niya. At paulit-ulit niyang tinukoy si Leo Tolstoy, na, nang tanungin kung bakit ang kanyang mga karakter ay binibilang at prinsipe, sumagot:

"Dahil kaya nilang kontrolin ang kasaysayan."

Naniniwala din si Selivanov na ang mahihirap ay hindi makakaimpluwensya sa kurso ng mga makasaysayang kaganapan. At nang sinubukan nilang kumbinsihin siya, na nagsasabi: “Ikaw ay isang manlilikha at hindi mo maiwasang maimpluwensyahan ang takbo ng buhay!”," ulit niya: "Hindi, pulubi ako".

At ganoon din ang pakikitungo niya sa pera. Nang dayain siya ng scammer sa lahat ng nakuha niya para sa mga eksibisyon, nagkibit-balikat lang siya: "Well, mukhang mas kailangan niya ito..."

Nag-iwan si Ivan Yegorovich ng maraming notebook sa talaarawan - dito at " Propetikong panaginip artist", at "Nasaan ka, kaligayahan?", at "Mga Kuwento at talinghaga"... At itinuring niya ang kuwaderno, na bahagyang makikilala natin ngayon, na lalong makabuluhan para sa kanyang sarili.

"Nalalapat sa lahat"

Ito mismo ang pinamagatan ni Selivanov sa isa sa kanyang mga notebook sa talaarawan: "Nag-aalala sa lahat." At hindi walang kabuluhan, siyempre - pinag-usapan nila ang maraming mahahalagang bagay. Halimbawa, tungkol sa walang halaga, sa kanyang opinyon, ang sistema ng edukasyon at pagpapalaki ng Sobyet (“Hindi ko alam kung sino sa mga taong marunong bumasa at sumulat ang maaaring gampanan ang mahalagang gawain ng pagtuturo sa isang tao. Habang ang lahat ay tumitingin sa bagay na ito nang may kalamigan, wala itong pakialam sa sinuman. Kaya ang mga tao ay natututo sa kanilang sarili - kung sino ang magtagumpay. Hindi ba't napakaraming butas sa ating estado? At mayroong lahat ng uri ng "layers" at mga nagtatamasa ng mga pribilehiyo sa buhay?").

At si Selivanov ay nagsusulat doon tungkol sa mga tiwaling manunulat, at tungkol sa trabaho bilang batayan ng buhay, at tungkol sa Moscow, na labis na nagdusa, ngunit nanatiling Moscow... Si Selivanov ay nagsusulat din ng maraming tungkol sa pag-ibig.

« Hindi ko niloko ang aking asawang si Varenka. Ang pagdaraya sa iyong asawa ay nangangahulugan din ng pagtataksil sa iyong tinubuang-bayan. Hinahamak ko ang mga ganitong lalaki palagi at saanman. SA panahon ng digmaan Ang mga nagtaksil sa kanilang tinubuang-bayan ay inilagay sa dingding. At anong uri ng bala ang nararapat sa isang lalaking asawa para sa pagtataksil?».

Tinatawag ni Selivanov ang kanyang sarili "ang kapitan na nawalan ng kontrol sa barko". Ngunit ipinagmamalaki niyang isinulat iyon "naghahain sa mga tao para sa isang maliit na pagkain, para sa isang piraso ng tinapay".

Sa pagpapahayag ng kanyang mga saloobin tungkol sa moralidad, masakit niyang sinasalamin ang mga walang hanggang katanungan, sa mga pangunahing misteryo ng pag-iral, sa kung ano ang nagmula kay Immanuel Kant - " ang mabituing langit sa itaas natin at ang batas moral sa loob natin" Siyempre, si Ivan Yegorovich ay hindi tumutukoy kay Kant, ngunit ang kanyang, Selivanov's, "starry sky" ay isang walang katapusang nababagong kalikasan, na nagbibigay-kasiyahan sa mga tao sa iba't ibang paraan: kung kanino "instinct na magnakaw", at kanino - "sa mabuting gawa."

Ang kanyang talaarawan entry mula 1982 ay napaka katangian: " Pumunta sa matarik na mataas na bangko. Ang abot-tanaw bago ka lalawak. Hahangaan mo ang makikita mo. Sa sandali ng iyong pagmuni-muni, isang malaking masa ng mga tao - ang mga tao - ay lilitaw sa abot-tanaw. Ang mga taong ito ay nakagapos at halos hindi makagalaw. saan? At ang maayos na sistema ng iyong mga pag-iisip ay agad na mawawalan ng balanse sa kalooban ng iyong puso. Iisipin mo - ano ito? Saan pupunta, saan tatakbo? Mula sa napakalaking masa ng mga taong nakagapos? Anong klaseng tao ang nariyan sa dagat ng tao... Bakit sila nakagapos sa bakal? I would ask each of them from the heart... Yes, you can’t break the law, you can’t approach them».

Kaunti sa iba

Ganyan siya, Ivan Yegorovich Selivanov, isang artista, makata at pantas. Ang mga taong nakakakilala sa kanya ay minsan namamangha - isang napakahinhin na edukasyon at isang pananalita na puno ng dignidad! Halimbawa, sinabi ni Selivanov: " Ang Rembrandt ay isang pambihirang kababalaghan; kakaunti ang mga artista tulad ni Rembrandt sa mundo. Siguro sampung tao. Hindi tulad ng iba, mayroon silang pagpapahayag ng katotohanan" Ngunit ang mga salitang ito ay maaari ding ilapat kay Ivan Yegorovich mismo. Kakaunti lang ang mga katulad niya sa mundo...

Andrey Bystrov,

) sa kanyang nagpapahayag, nakamamanghang mga gawa ay nagawang mapanatili ang transparency ng fog, ang liwanag ng layag, at ang makinis na pag-alog ng barko sa mga alon.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kanilang lalim, dami, kayamanan, at ang texture ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Mainit na pagiging simple ng Valentin Gubarev

Primitivist artist mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi humahabol sa kasikatan at ginagawa lang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay hindi kapani-paniwalang sikat sa ibang bansa, ngunit halos hindi alam ng kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng 90s, umibig ang Pranses sa kanyang pang-araw-araw na sketch at pumirma ng kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga pagpipinta, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa atin, ang mga maydala ng "katamtamang kagandahan ng hindi maunlad na sosyalismo," ay umapela sa publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Germany, Great Britain at iba pang mga bansa.

Senswal na pagiging totoo ni Sergei Marshennikov

Si Sergei Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga tradisyon ng klasikal na paaralan ng makatotohanang Russian pagpipinta ng portrait. Ang mga bida sa kanyang mga canvases ay mga babaeng malambing at walang pagtatanggol sa kanilang kalahating kahubaran. Marami sa mga pinakatanyag na pagpipinta ay naglalarawan sa muse at asawa ng artist, si Natalya.

Ang Myopic World ni Philip Barlow

SA modernong panahon Sa mga larawang may mataas na resolution at isang umuunlad na hyperrealism, ang gawa ni Philip Barlow ay agad na umaakit ng pansin. Gayunpaman, kailangan ng isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tingnan ang malabong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Ganito marahil ang nakikita ng mga taong may myopia sa mundo nang walang salamin at contact lens.

Sunny bunnies ni Laurent Parselier

Ang pagpinta ni Laurent Parcelier ay kamangha-manghang mundo, kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Wala kang makikitang makulimlim at maulan na mga larawan mula sa kanya. Maraming liwanag, hangin at Matitingkad na kulay, na inilalapat ng artist na may katangian, nakikilalang mga stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay hinabi mula sa isang libong sunbeam.

Urban dynamics sa mga gawa ni Jeremy Mann

Ang American artist na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na portrait ng isang modernong metropolis sa langis sa mga wood panel. "Mga abstract na hugis, mga linya, ang kaibahan ng liwanag at madilim na mga spot - lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumukaw sa pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagmamadalian ng lungsod, ngunit maaari ring ipahayag ang kalmado na makikita kapag pinag-iisipan ang tahimik na kagandahan," sabi ng artista.

Ang Illusory World ni Neil Simon

Sa mga painting ng British artist na si Neil Simone, walang katulad sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng mga marupok at pabago-bagong mga hugis, anino at mga hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga pagpipinta ang lahat ay tunay na ilusyon at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay malabo, at ang mga kuwento ay dumadaloy sa isa't isa.

Love drama ni Joseph Lorasso

Isang Italyano sa kapanganakan, ang kontemporaryong Amerikanong artista na si Joseph Lorusso ay lumipat sa mga paksang canvas na naobserbahan niya sa pang-araw-araw na buhay. ordinaryong mga tao. Ang mga yakap at halik, madamdaming pagsabog, mga sandali ng lambing at pagnanasa ay pumupuno sa kanyang mga emosyonal na larawan.

Buhay ng bansa ni Dmitry Levin

Si Dmitry Levin ay isang kinikilalang master ng landscape ng Russia, na itinatag ang kanyang sarili bilang isang mahuhusay na kinatawan ng makatotohanang paaralan ng Russia. Ang pinakamahalagang pinagmumulan ng kanyang sining ay ang kanyang attachment sa kalikasan, na mahal niya nang malumanay at madamdamin at kung saan nararamdaman niya ang kanyang sarili na bahagi.

Maliwanag na Silangan ni Valery Blokhin