Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Dapat kong aminin na pinag-uusapan ko ang harpsichord bilang isang malalim na personal na paksa para sa akin.

Dahil sa halos apatnapung taon kong ginagawa ito, nakabuo ako ng malalim na pagmamahal para sa ilang mga may-akda at naglaro sa mga konsyerto ng kumpletong mga siklo ng lahat ng isinulat nila para sa instrumentong ito. Pangunahing may kinalaman ito kina François Couperin at Johann Sebastian Bach.

Ang mga nasabi, sana ay magsilbing paghingi ng tawad sa aking mga kinikilingan, na kinatatakutan kong hindi ko maiiwasan. DEVICE Ang isang malaking pamilya ng keyboard at string na mga instrumento ay kilala

nabunot na mga instrumento . Iba-iba ang mga ito sa laki, hugis at tunog (kulay) na mapagkukunan. Halos bawat master na gumawa ng gayong mga instrumento noong unang panahon ay naghangad na magdagdag ng sarili niyang bagay sa kanilang disenyo. Mayroong maraming pagkalito tungkol sa kung ano ang tawag sa kanila. Sa karamihan

pangkalahatang balangkas
Ang mga instrumento ay nahahati ayon sa kanilang hugis sa longitudinal (nakapagpapaalaala sa isang maliit na piano, ngunit may mga angular na hugis - ang isang grand piano ay may mga bilog na hugis) at parihaba. Siyempre, ang pagkakaibang ito ay hindi nangangahulugang pandekorasyon: na may iba't ibang mga posisyon ng mga string na may kaugnayan sa keyboard, ang lugar sa string kung saan ang plucking na katangian ng lahat ng mga instrumentong ito ay ginawa ay may napakalaking epekto sa timbre ng tunog. J. Wermeer ng Delft. Babaeng nakaupo sa harpsichord OK. 1673–1675.

Pambansang Gallery

, London Ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot na instrumento ng pamilyang ito. Sa Russia mula noong ika-18 siglo. Ang pinakamalawak na ginagamit na pangalang Pranses para sa instrumento ay ang harpsichord ( clavecin), ngunit matatagpuan, pangunahin sa musikal at akademikong kasanayan, at ang Italyano - cymbal ( cembalo; Ang mga pangalan ng Italyano ay kilala rin clavicembalo, gravicembalo.

Ang pangunahing tampok ng harpsichord sa paggawa ng tunog ay na sa hulihan ng susi ay may tinatawag na jumper (kung hindi man ay kilala bilang pusher), sa itaas na bahagi kung saan ang isang balahibo ay nakakabit. Kapag pinindot ng musikero ang isang susi, ang likod na dulo ng susi ay tumataas (dahil ang susi ay isang pingga) at ang lumulukso ay tumataas, at ang balahibo ay bumunot sa string.

Kapag ang susi ay inilabas, ang balahibo ay dumudulas nang tahimik salamat sa isang bukal na nagbibigay-daan ito upang bahagyang lumihis.

Iba't ibang uri ng keyboard string instruments

Kapansin-pansin na si W. Shakespeare ay nagbigay ng paglalarawan ng aksyon ng lumulukso, at isang hindi pangkaraniwang tumpak, sa kanyang ika-128 na soneto. Sa maraming mga pagpipilian sa pagsasalin, ang kakanyahan ng pagtugtog ng harpsichord na pinakatumpak - bilang karagdagan sa artistikong at patula na bahagi - ay inihatid ng pagsasalin ni Modest Tchaikovsky:
Kapag ikaw, aking musika, ay tumugtog,
I-set ang mga key na ito sa paggalaw
At, hinahaplos mo sila ng iyong mga daliri,
Ang pagkakatugma ng mga kuwerdas ay nagbibigay ng paghanga,
Tinitingnan ko ang mga susi nang may paninibugho,
Kung paano sila kumapit sa mga palad ng iyong mga kamay;
Ang mga labi ay nasusunog at nauuhaw sa isang halik,
Naiinggit sila sa kanilang kapangahasan.
Naku, kung biglang bumaligtad ang tadhana
Sumasali ako sa hanay ng mga tuyong mananayaw na ito!
Natutuwa akong dumausdos ang iyong kamay sa kanila, -
Ang kanilang kawalan ng kaluluwa ay higit na pinagpala kaysa sa mga labi ng buhay.
Pero kung masaya sila, eh

Hayaan mo silang halikan ang iyong mga daliri, at hayaan mo akong halikan ang iyong mga labi.

Sa lahat ng uri ng keyboard-string plucked instruments, ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot. Ginagamit ito kapwa bilang solong instrumento at bilang kasamang instrumento. Ito ay kailangang-kailangan sa baroque music bilang isang ensemble piece. Ngunit bago pag-usapan ang malaking repertoire para sa instrumentong ito, kinakailangan na ipaliwanag ang higit pa tungkol sa disenyo nito. Sa isang harpsichord, ang lahat ng mga kulay (timbres) at dynamics (iyon ay, ang lakas ng tunog) ay unang inilatag sa instrumento mismo ng lumikha ng bawat indibidwal na harpsichord. Ito ang dahilan kung bakit siya sa isang tiyak na lawak

katulad ng isang organ. Sa isang harpsichord, hindi mo mababago ang tunog sa pamamagitan ng pagpapalit kung gaano mo pinipindot ang key. Sa paghahambing: sa piano, ang buong sining ng interpretasyon ay nakasalalay sa kayamanan ng pagpindot, iyon ay, sa iba't ibang paraan ng pagpindot o pagpindot sa susi.

Diagram ng mekanismo ng harpsichord kanin. A:
1. Steg; 2. Damper; 3. Jumper (tulak); 4. Register bar; 5. Steg;

6. Jumper (push) frame; 7. Susi

Siyempre, depende ito sa sensitivity ng pagtugtog ng harpsichordist kung musika ang tunog ng instrumento o “parang isang kasirola” (halos ganyan ang pagkakasabi ni Voltaire). Ngunit ang lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa harpsichordist, dahil sa pagitan ng daliri ng harpsichordist at ng string mayroong isang kumplikadong mekanismo ng paghahatid sa anyo ng isang jumper at isang balahibo. Muli, para sa paghahambing: sa isang piano, ang pagpindot sa isang susi ay direktang nakakaapekto sa pagkilos ng paghampas ng martilyo sa string, habang sa isang harpsichord ang epekto sa balahibo ay hindi direkta.

KWENTO

Ang maagang kasaysayan ng harpsichord ay bumalik sa maraming siglo. Ito ay unang nabanggit sa treatise ni John de Muris "The Mirror of Music" (1323).

Ang isa sa mga pinakaunang paglalarawan ng isang harpsichord ay nasa Weimar Book of Wonders (1440).

Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ang pinakamatandang instrumento na nabubuhay ay ginawa ni Hieronymus ng Bologna at may petsang 1521. Ito ay itinatago sa London, sa Victoria at Albert Museum. Ngunit kamakailan lamang ay itinatag na mayroong isang instrumento ng ilang taon na mas matanda, na nilikha din ng isang Italian master - Vincentius mula sa Livigimeno. Iniharap ito kay Pope Leo X. Nagsimula ang paggawa nito, ayon sa inskripsiyon sa kaso, noong Setyembre 18, 1515. 1440

Harpsichord. Weimar Book of Miracles. Upang maiwasan ang monotony ng tunog, ang mga gumagawa ng harpsichord, na nasa maagang yugto ng pag-unlad ng instrumento, ay nagsimulang magbigay ng bawat susi hindi sa isang string, ngunit sa dalawa, natural, magkaibang timbre. Ngunit sa lalong madaling panahon naging malinaw na para sa mga teknikal na kadahilanan imposibleng gumamit ng higit sa dalawang hanay ng mga string para sa isang keyboard. Pagkatapos ay lumitaw ang ideya na dagdagan ang bilang ng mga keyboard. Pagsapit ng ika-17 siglo Ang pinakamayaman sa musikang mga harpsichord ay mga instrumento na may dalawang keyboard (kung hindi man ay kilala bilang mga manual, mula sa lat.

manus - "kamay").(naglalaro ng crossing [armas]). "Ang mga piraso na may ganoong pangalan," ang pagpapatuloy ng kompositor, "ay dapat na gumanap sa dalawang keyboard, na ang isa sa mga ito ay dapat na tahimik sa pamamagitan ng pagpapalit ng mga rehistro." Para sa mga walang dalawang manu-manong harpsichord, nagbibigay si Couperin ng mga rekomendasyon kung paano tumugtog ng instrumento gamit ang isang keyboard. Ngunit sa ilang mga kaso, ang kinakailangan para sa isang dalawang-manu-manong harpsichord ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa buong artistikong pagganap ng isang komposisyon. Kaya, sa pahina ng pamagat ng koleksyon na naglalaman ng sikat na "French Overture" at "Italian Concerto," ipinahiwatig ni Bach: "para sa clavicembalo na may dalawang manual."

Mula sa punto ng view ng ebolusyon ng harpsichord, dalawang manual ay hindi ang limitasyon: alam namin ang mga halimbawa ng mga harpsichord na may tatlong keyboard, kahit na hindi namin alam ang mga gawa na tiyak na nangangailangan ng naturang instrumento para sa kanilang pagganap.

Sa halip, ito ay mga teknikal na trick ng mga indibidwal na harpsichordists.

Sa maningning na kapanahunan nito (XVII-XVIII na siglo), ang harpsichord ay tinutugtog ng mga musikero na nagmamay-ari ng lahat ng mga instrumento sa keyboard na umiiral noong panahong iyon, katulad ng organ at clavichord (kaya tinawag silang claviers). Ang mga harpsichord ay nilikha hindi lamang ng mga gumagawa ng harpsichord, kundi pati na rin ng mga masters na nagtayo ng mga organo. At natural na ilapat sa pagtatayo ng harpsichord ang ilang mga pangunahing ideya na malawakang ginagamit sa disenyo ng mga organo. Sa madaling salita, sinundan ng mga gumagawa ng harpsichord ang landas ng mga tagabuo ng organ sa pagpapalawak ng mga mapagkukunan ng rehistro ng kanilang mga instrumento. Kung sa organ ito ay parami nang parami ng mga bagong hanay ng mga tubo na ipinamahagi sa pagitan ng mga manwal, pagkatapos ay sa harpsichord nagsimula silang gumamit mas malaking bilang

mga hanay ng mga string, na ipinamahagi din sa pagitan ng mga manual. Ang mga rehistro ng harpsichord na ito ay hindi masyadong naiiba sa dami ng tunog, ngunit sa timbre - napakalaki.
Pahina ng pamagat ng unang koleksyon ng musika para sa birhen na "Parthenia".

London. 1611 Kaya, bilang karagdagan sa dalawang hanay ng mga string (isa para sa bawat keyboard), na tumunog nang sabay-sabay at tumutugma sa taas sa mga tunog na naitala sa mga tala, maaaring mayroong apat na talampakan at labing anim na talampakan na mga rehistro. ang mga organo ay itinalaga sa talampakan, at ang mga pangunahing rehistro na naaayon sa musikal na notasyon ay ang tinatawag na walong talampakan, habang ang mga tubo na gumagawa ng mga tunog na isang oktaba sa itaas ng mga nakatala ay tinatawag na apat na talampakan, at yaong mga gumagawa ng tunog ay isang oktaba na mas mababa. ay tinatawag na labing-anim na talampakan. Sa harpsichord, ang mga rehistro na nabuo ng mga set ay ipinahiwatig sa parehong mga panukala mga string.)

Kaya, ang hanay ng tunog ng isang malaking harpsichord ng konsiyerto noong kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Ito ay hindi lamang mas makitid kaysa sa isang piano, ngunit mas malawak pa. At ito sa kabila ng katotohanan na ang notasyon ng harpsichord music ay mukhang mas makitid sa hanay kaysa sa piano music.

MUSIKA

Pagsapit ng ika-18 siglo Ang harpsichord ay nakaipon ng isang hindi pangkaraniwang mayamang repertoire. Bilang isang lubhang aristokratikong instrumento, kumalat ito sa buong Europa, na mayroong mga maliliwanag na apologist nito sa lahat ng dako. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang pinakamakapangyarihang mga paaralan noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo, dapat nating pangalanan muna ang lahat ng mga English Virginalist. Hindi namin sasabihin ang kasaysayan ng birhen dito, mapapansin lamang namin na ito ay isang uri ng plucked na keyboard mga instrumentong kuwerdas , katulad ng tunog sa harpsichord. Kapansin-pansin na sa isa sa mga huling masusing pag-aaral sa kasaysayan ng harpsichord ( Kottick E.

Isang Kasaysayan ng Harpsichord. Bloomington. 2003) virginel, tulad ng spinet (isa pang iba't), ay isinasaalang-alang sa linya sa ebolusyon ng harpsichord mismo. Tungkol sa pangalang virginel, nararapat na tandaan na ang isa sa mga iminungkahing etimolohiya ay nagbabalik nito sa Ingles birhen at higit pa sa Latin virgo , iyon ay, "birhen", dahil si Elizabeth I, ang Birheng Reyna, ay mahilig maglaro ng birhen. Sa katunayan, nagpakita ang birhen bago pa man si Elizabeth. Ang pinagmulan ng terminong "virginel" ay mas wastong hinango mula sa isa pang salitang Latin - virga

(“stick”), na nagpapahiwatig ng parehong lumulukso. Kapansin-pansin na sa ukit na pinalamutian ang unang naka-print na edisyon ng musika para sa birhen ("Parthenia"), ang musikero ay inilalarawan sa pagkukunwari ng isang Kristiyanong dalaga - St. Cecilia. Sa pamamagitan ng paraan, ang pangalan ng koleksyon mismo ay nagmula sa Greek. parthenos

, na ang ibig sabihin ay "dalaga". Upang palamutihan ang edisyong ito, isang ukit mula sa pagpipinta ng Dutch artist na si Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Gayunpaman, hindi ginawa ng engraver mga imahe sa pisara, kaya ang pag-ukit mismo at ang tagapalabas ay naging baligtad - ang kanyang kaliwang kamay ay higit na binuo kaysa sa kanyang kanan, na, siyempre, ay hindi maaaring maging kaso para sa isang birhen noong panahong iyon. Mayroong libu-libong mga pagkakamali sa mga ukit. Hindi ito napapansin ng mata ng isang hindi musikero, ngunit agad na nakikita ng isang musikero ang pagkakamali ng ukit.

Ang nagtatag ng harpsichord revival noong ika-20 siglo ay nagtalaga ng ilang magagandang pahina na puno ng masigasig na pakiramdam sa musika ng mga virginalistang Ingles. kahanga-hangang Polish na harpsichordist na si Wanda Landowska: "Umaapaw mula sa mga pusong mas karapat-dapat kaysa sa atin, at pinapakain mga awiting bayan, antigo Ingles na musika- masigasig o matahimik, walang muwang o kaawa-awa - niluluwalhati ang kalikasan at pagmamahal. Dinadakila niya ang buhay. Kung siya ay bumaling sa mistisismo, pagkatapos ay niluluwalhati niya ang Diyos. Unmistakably masterful, siya rin ay spontaneous at mapangahas. Madalas itong tila mas moderno kaysa sa pinakabago at pinaka-advanced. Buksan ang iyong puso sa kagandahan ng musikang ito, na hindi alam.

Kalimutan na siya ay matanda na, at huwag isipin na dahil dito ay wala na siyang pakiramdam ng tao."

Ang mga linyang ito ay isinulat sa simula ng ikadalawampu siglo. Sa nakalipas na siglo, isang pambihirang halaga ang ginawa upang ihayag at suriin sa kabuuan nito ang napakahalagang pamana ng musika ng mga Virginalist. At anong mga pangalan ang mga ito! Ang mga kompositor na sina William Bird at John Bull, Martin Pearson at Gil Farnaby, John Munday at Thomas Morley...

Nagkaroon ng malapit na ugnayan sa pagitan ng England at Netherlands (ang pag-ukit ng "Parthenia" ay nagpapatotoo na dito). Ang mga harpsichord at birhen ng mga Dutch masters, lalo na ang Ruckers dynasty, ay kilala sa England. Kasabay nito, kakaiba, ang Netherlands mismo ay hindi maaaring magyabang ng tulad ng isang makulay na paaralan ng komposisyon.

Sa kontinente, ang mga natatanging paaralan ng harpsichord ay Italyano, Pranses at Aleman. Tatlo lang sa kanilang pangunahing kinatawan ang babanggitin natin - sina Francois Couperin, Domenico Scarlatti at Johann Sebastian Bach.

Isa sa mga malinaw at halatang palatandaan ng regalo ng isang namumukod-tanging kompositor (na totoo sa sinumang kompositor ng anumang panahon) ay ang pagbuo ng kanyang sariling, puro personal, natatanging istilo ng pagpapahayag. At sa kabuuang dami ng hindi mabilang na mga manunulat, hindi magkakaroon ng napakaraming tunay na lumikha. Ang tatlong pangalang ito ay tiyak na pag-aari ng mga tagalikha. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling natatanging istilo.

Francois Couperin Francois Couperin (1668–1733) - isang tunay na makata ng harpsichord. Malamang na maaari niyang isaalang-alang ang kanyang sarili: lahat (o halos lahat) ng kanyang harpsichord na gawa, iyon ay, kung ano mismo ang bumubuo sa kanyang kaluwalhatian at global na kahalagahan, ay inilathala niya at bumuo ng apat na tomo. Kaya, mayroon kaming komprehensibong ideya ng kanyang pamana ng harpsichord. Ang may-akda ng mga linyang ito ay sapat na mapalad na gumanap ng isang kumpletong cycle ng mga gawa ng harpsichord ni Couperin sa walong mga programa sa konsiyerto, na ipinakita sa pagdiriwang ng kanyang musika, na ginanap sa Moscow sa ilalim ng pagtangkilik ni G. Pierre Morel, ang French Ambassador sa Russia.

Ikinalulungkot ko na hindi ko mahawakan ang aking mambabasa sa pamamagitan ng kamay, akayin siya sa harpsichord at tumugtog, halimbawa, "The French Masquerade, o Les Masques of the Dominos" ni Couperin. Gaano kalaki ang kagandahan at kagandahan nito! Ngunit mayroon ding napakaraming sikolohikal na depth. Dito, ang bawat maskara ay may isang tiyak na kulay at - kung ano ang napakahalaga - karakter. Ipinapaliwanag ng mga tala ng may-akda ang mga larawan at kulay. Mayroong labindalawang maskara (at mga kulay) sa kabuuan, at lumilitaw ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod.

Nagkaroon na ako ng pagkakataong maalala ang dulang ito ni Couperin na may kaugnayan sa kuwento tungkol sa "Black Square" ni K. Malevich (tingnan ang "Art" No. 18/2007). Ang katotohanan ay ang scheme ng kulay ng Couperin, na nagsisimula sa puti (ang unang pagkakaiba-iba, na sumasagisag sa Virginity), ay nagtatapos sa isang itim na maskara (Fury o Despair). Kaya dalawang tagalikha iba't ibang panahon

at iba't ibang sining na nilikha ng mga gawa na may malalim na simbolikong kahulugan: sa Couperin, ang siklo na ito ay sumasagisag sa mga panahon ng buhay ng tao - ang mga edad ng isang tao (labing dalawa sa bilang ng mga buwan, bawat anim na taon - ito ay isang alegorya na kilala sa panahon ng Baroque). Bilang isang resulta, ang Couperin ay may itim na maskara, ang Malevich ay may itim na parisukat. Para sa pareho, ang hitsura ng itim ay resulta ng maraming pwersa. Direktang sinabi ni Malevich: "Isinasaalang-alang ko ang puti at itim na nagmula sa kulay at makulay na kaliskis." Ipinakita sa amin ni Couperin ang makulay na hanay na ito.

Ito ay malinaw na si Couperin ay may kamangha-manghang mga harpsichord sa kanyang pagtatapon. Hindi ito nakakagulat - pagkatapos ng lahat, siya ang court harpsichordist ni Louis XIV. Ang mga instrumento, kasama ang kanilang tunog, ay naihatid ang buong lalim ng mga ideya ng kompositor.(1685–1757). Ang kompositor na ito ay may ganap na kakaibang istilo, ngunit tulad ng Couperin, ang isang hindi mapag-aalinlanganang sulat-kamay ay ang una at halatang tanda ng henyo. Ang pangalang ito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa harpsichord. Bagama't sumulat si Domenico ng iba't ibang musika sa kanyang kabataan, kalaunan ay naging tanyag siya bilang may-akda ng napakalaking bilang (555) ng mga sonata ng harpsichord. Hindi pangkaraniwang pinalawak ni Scarlatti ang mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord, na nagpapakilala ng hanggang ngayon ay hindi pa nagagawang virtuoso na saklaw sa pamamaraan ng pagtugtog nito.

Isang uri ng parallel sa Scarlatti sa susunod na kasaysayan musikang piano ay ang gawa ni Franz Liszt, na, tulad ng kilala, ay espesyal na pinag-aralan ang mga diskarte sa pagganap ng Domenico Scarlatti. (Sa pamamagitan ng paraan, dahil pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga parallel sa sining ng piano, si Couperin ay mayroon din, sa isang tiyak na kahulugan, isang espirituwal na tagapagmana - ito ay, siyempre, F. Chopin.)

Para sa ikalawang kalahati ng kanyang buhay, si Domenico Scarlatti (hindi dapat malito sa kanyang ama, ang sikat na Italyano na kompositor ng opera na si Alessandro Scarlatti) ay ang court harpsichordist ng Spanish Queen na si Maria Barbara, at ang karamihan sa kanyang mga sonata ay partikular na isinulat para sa kanya. . Ang isang tao ay ligtas na mahihinuha na siya ay isang kahanga-hangang harpsichordist kung siya ay tumutugtog ng mga ito kung minsan ay lubhang mahirap teknikal na sonata.

J. Wermeer ng Delft. Batang babae sa spinet. OK. 1670. Pribadong koleksyon

Kaugnay nito, naaalala ko ang isang liham (1977) na natanggap ko mula sa namumukod-tanging Czech harpsichordist na si Zuzanna Ruzickova: “Mahal na Ginoong Majkapar! Mayroon akong isang kahilingan para sa iyo. Tulad ng alam mo, mayroon na ngayong maraming interes sa mga tunay na harpsichord, at maraming talakayan tungkol dito. Ang isa sa mga pangunahing dokumento sa talakayan sa mga instrumentong ito na may kaugnayan kay D. Scarlatti ay ang pagpipinta ni Vanloo, na naglalarawan kay Maria Barbara ng Portugal, asawa ni Philip V. (Si Z. Ružičkova ay nagkamali - si Maria Barbara ay asawa ni Ferdinand VI , anak ni Philip V. - A.M.). Raphael Pouyana (isang pangunahing kontemporaryong Pranses na harpsichordist - A.M.) ay naniniwala na ang pagpipinta ay ipininta pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang mapagkukunan ng kasaysayan.

Ang painting ay nasa Ermita. Napakahalaga kung padadalhan mo ako ng mga dokumento sa pagpipinta na ito." Fragment.

1768. Ermita, St. Petersburg

Ito ay nasa Hermitage, sa bodega ng departamento ng pagpipinta ng Pransya noong ika-18 siglo. Tagapangalaga ng departamentong I.S. Si Nemilova, nang malaman ang tungkol sa layunin ng aking pagbisita, ay sinamahan ako sa isang malaking silid, o sa halip isang bulwagan, kung saan may mga kuwadro na hindi kasama sa pangunahing eksibisyon. Gaano karaming mga gawa, lumalabas, ang nakaimbak dito na may malaking interes mula sa punto ng view ng musikal na iconography! Isa-isa, hinugot namin ang malalaking frame, kung saan naka-install ang 10–15 painting, at sinuri ang mga paksang interesado sa amin. At panghuli, ang “Sextet” ni L.M. Vanloo.

Ayon sa ilang ulat, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Espanyol na Reyna Maria Barbara. Kung napatunayan ang hypothesis na ito, maaaring magkaroon tayo ng harpsichord na tinutugtog mismo ni Scarlatti! Ano ang mga batayan upang makilala ang harpsichordist na inilalarawan sa pagpipinta ni Vanloo bilang si Maria Barbara? Una, tila sa akin ay talagang may mababaw na pagkakahawig sa pagitan ng ginang na inilalarawan dito at ng mga sikat na larawan ni Maria Barbara. Pangalawa, si Vanloo ay nanirahan sa korte ng Espanya nang medyo mahabang panahon at, samakatuwid, ay maaaring nagpinta ng isang larawan sa isang tema mula sa buhay ng reyna. Pangatlo, ang isa pang pangalan ng pagpipinta ay kilala - "Spanish Concert" at, pang-apat, ang ilang mga dayuhang musicologist (halimbawa, K. Sachs) ay kumbinsido na ang pagpipinta ay Maria Barbara.

Ngunit si Nemilova, tulad ni Rafael Puyana, ay nag-alinlangan sa hypothesis na ito. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1768, iyon ay, labindalawang taon pagkatapos umalis ang artista sa Espanya at sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara. Ang kasaysayan ng kanyang order ay kilala: Catherine II conveyed sa Vanloo sa pamamagitan ng Prince Golitsyn ang pagnanais na magkaroon ng isang pagpipinta sa pamamagitan ng kanya. Ang gawaing ito ay agad na dumating sa St. Petersburg at itinago dito sa lahat ng oras, ibinigay ito ni Golitsyn kay Catherine bilang isang "Concert". Tulad ng para sa pangalang "Spanish Concert," ang mga kasuutang Espanyol kung saan inilalarawan ang mga karakter ay may papel sa pinagmulan nito, at, tulad ng ipinaliwanag ni Nemilova, ito ay mga teatro na kasuutan, at hindi ang mga nasa uso noon.

V. Landwska

Sa larawan, siyempre, ang harpsichord ay umaakit ng pansin - isang dalawang-manu-manong instrumento na may katangian ng harpsichord sa unang kalahati ng ika-18 siglo. ang kulay ng mga susi ay kabaligtaran ng modernong isa (ang mga itim sa piano ay puti sa harpsichord na ito, at kabaliktaran). Bilang karagdagan, kulang pa rin ito ng mga pedal para sa paglipat ng mga rehistro, bagaman kilala na sila noong panahong iyon. Ang pagpapabuti na ito ay matatagpuan sa karamihan sa mga modernong two-manual na harpsichord ng konsiyerto. Ang pangangailangan na lumipat ng mga rehistro sa pamamagitan ng kamay ay nagdidikta ng isang tiyak na diskarte sa pagpili ng pagpaparehistro sa harpsichord.

Sa kasalukuyan, ang dalawang direksyon ay malinaw na lumitaw sa pagsasagawa ng pagsasanay: ang mga tagasuporta ng una ay naniniwala na dapat gamitin ng isa ang lahat ng mga modernong kakayahan ng instrumento (ang opinyon na ito ay gaganapin, halimbawa, ni V. Landovska at, sa pamamagitan ng paraan, Zuzanna Ruzickova), ang iba ay naniniwala na kapag gumaganap ng sinaunang musika sa isang modernong harpsichord, hindi dapat lumampas sa balangkas ng mga gumaganap na paraan kung saan isinulat ng mga matatandang masters (ito ang opinyon ni Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ang parehong Rafael Puiana at iba pa).

Dahil binigyan namin ng labis na pansin ang pagpipinta ni Vanloo, napansin namin na ang artist mismo, sa turn, ay naging isang karakter sa isang larawan ng musikal: ang piraso ng harpsichord ay sikat. Pranses na kompositor Jacques Dufly, na tinatawag na "Vanloo".

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750).

Ang kanyang harpsichord heritage ay may pambihirang halaga. Ang aking karanasan sa pagtatanghal sa mga konsyerto ay ang lahat ng isinulat ni Bach para sa instrumentong ito ay nagpapatotoo: ang kanyang pamana ay umaangkop sa labinlimang (!) na mga programa sa konsiyerto. Kasabay nito, kinakailangang isaalang-alang nang hiwalay ang mga konsyerto para sa harpsichord at mga string, pati na rin ang maraming mga gawa ng ensemble na hindi maiisip nang walang harpsichord. Dapat itong kilalanin na para sa lahat ng natatangi ng Couperin at Scarlatti, bawat isa sa kanila ay nilinang ang isa. indibidwal na istilo. Si Bach ay unibersal. Ang nabanggit na "Italian Concerto" at "French Overture" ay mga halimbawa ng pag-aaral ni Bach sa musika ng mga pambansang paaralang ito. At ito ay dalawang halimbawa lamang, ang kanilang mga pangalan ay sumasalamin sa kamalayan ni Bach. Dito maaari mong idagdag ang kanyang cycle " Mga French suite sa mga gawa niya na hindi nagpapakita nito sa kanilang mga pamagat, ngunit nakapaloob sa mismong musika! Walang masasabi tungkol sa kung gaano kalawak ang pagkaka-synthesize ng katutubong tradisyon ng keyboard ng Aleman sa kanyang trabaho.

Hindi namin alam kung aling mga harpsichords ang nilalaro ni Bach, ngunit alam namin na interesado siya sa lahat ng mga teknikal na inobasyon (kabilang ang organ). Ang kanyang interes sa pagpapalawak ng mga kakayahan sa pagganap ng harpsichord at iba pang mga keyboard ay malinaw na ipinakita ng sikat na cycle preludes at fugues sa lahat ng mga key "The Well-Tempered Clavier".

Si Bach ay isang tunay na master ng harpsichord. Si I. Forkel, ang unang biographer ni Bach, ay nag-ulat: "Walang sinuman ang maaaring palitan ang mga balahibo sa kanyang harpsichord na naging hindi na magamit ng mga bago upang siya ay masiyahan - siya mismo ang gumawa nito. Palagi niyang sinasadya ang kanyang harpsichord at napakahusay sa bagay na ito na ang pag-tune ay hindi umabot sa kanya ng higit sa isang-kapat ng isang oras. Sa kanyang paraan ng pag-tune, lahat ng 24 na susi ay nasa kanya, at, sa pamamagitan ng pag-improve, ginawa niya sa kanila ang anumang gusto niya.

Sa panahon na ng buhay ng napakatalino na lumikha ng musika ng harpsichord, nagsimulang mawala ang posisyon ng harpsichord. Noong 1747, nang bisitahin ni Bach ang Hari ng Prussia, si Frederick the Great, sa Potsdam, binigyan niya siya ng isang tema para mag-improvise, at si Bach, tila, ay nag-improvised sa "pianoforte" (iyon ang pangalan ng isang bagong instrumento noong panahong iyon) - isa sa labing-apat o labinlimang, na ginawa para sa hari ng kaibigan ni Bach, ang sikat na tagagawa ng organ na si Gottfried Silbermann. Inaprubahan ni Bach ang tunog nito, bagama't hindi niya gusto ang piano noon.

Sa kanyang maagang kabataan, sumulat pa rin si Mozart para sa harpsichord, ngunit sa pangkalahatan ang kanyang gawain sa keyboard, siyempre, ay nakadirekta sa piano. Mga Publisher maagang mga gawa Itinuro si Beethoven mga pahina ng pamagat, na ang kanyang mga sonata (maging ang Pathétique, na inilathala noong 1799) ay inilaan “para sa harpsichord o piano.” Gumamit ng trick ang mga publisher: ayaw nilang mawala ang mga customer na may mga lumang harpsichord sa kanilang mga tahanan. Ngunit mas at mas madalas, ang katawan lamang ang natitira sa mga harpsichord: ang "pagpuno" ng harpsichord ay tinanggal bilang hindi kailangan at pinalitan ng bago, martilyo, iyon ay, mekanika ng piano.

Nagtatanong ito: bakit ang instrumentong ito, na may napakahabang kasaysayan at napakayaman na pamana ng sining, sa pagtatapos ng ika-18 siglo. pinilit na umalis sa musical practice at pinalitan ng piano? At hindi lamang pinalitan, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo? At hindi masasabi na nang magsimula ang prosesong ito ng pagpapalit ng harpsichord, ang piano ang pinakamahusay na instrumento sa mga tuntunin ng mga katangian nito. Kabaligtaran talaga! Si Carl Philipp Emanuel Bach, isa sa mga panganay na anak ni Johann Sebastian, ay sumulat ng kanyang double concerto para sa harpsichord at pianoforte at orkestra, na naglalayong ipakita sa kanyang sariling mga mata ang mga pakinabang ng harpsichord kaysa sa piano.

Mayroon lamang isang sagot: ang tagumpay ng piano sa harpsichord ay naging posible sa ilalim ng mga kondisyon ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Baroque aesthetics, na nakabatay sa alinman sa isang malinaw na nabuo o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga epekto (ang kakanyahan sa madaling sabi: isang mood, makakaapekto, - isang kulay ng tunog), kung saan ang harpsichord ay isang perpektong paraan ng pagpapahayag, nagbigay daan sa pananaw ng mundo ng sentimentalismo, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasisismo at, sa wakas, romantiko. Sa lahat ng mga istilong ito, ang pinakakaakit-akit at nilinang ay, sa kabaligtaran, ang ideya pagkakaiba-iba- damdamin, imahe, mood. At naipahayag ito ng piano.

Ang instrumento na ito ay kumuha ng pedal na may kamangha-manghang mga kakayahan at naging may kakayahang lumikha ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbagsak sa sonority ( crescendo At diminuendo). Ang harpsichord ay hindi maaaring gawin ang lahat ng ito sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Huminto tayo at alalahanin ang sandaling ito upang simulan natin ang susunod nating pag-uusap dito - tungkol sa piano, at partikular na tungkol sa malaking konsiyerto piano, iyon ay, ang "royal instrument", ang tunay na pinuno ng lahat ng romantikong musika.

Ang aming kwento ay pinaghalong kasaysayan at modernidad, dahil ngayon ang harpsichord at iba pang mga instrumento ng pamilyang ito ay naging hindi pangkaraniwang laganap at hinihiling dahil sa napakalaking interes sa musika ng Renaissance at Baroque, iyon ay, ang oras kung kailan sila bumangon at naranasan ang kanilang ginintuang edad.

Isang artikulo sa kasaysayan ng sinaunang panahon mga clavichord, mga harpsichord at katulad mga instrumento sa keyboard. Ang nagdaragdag ng interes ay ang artikulong ito ay akda ni Evgenia Braudo, ay inilathala bilang isang brochure noong 1916 sa seryeng “Musical Contemporary” sa ilalim ng No. 6. Gaya ng dati, kinilala at isinalin ko ito mula sa pre-rebolusyonaryo hanggang sa modernong Russian. Mga larawan, siyempre, mga suckers sa kalidad, ngunit kung gusto mo, sa tingin ko makakahanap ka ng mga normal sa Internet.

Kamakailan lamang, nagsimulang bigyang-pansin ang agham ng musika kasaysayan ng mga sinaunang instrumento. Kahit dalawampung taon na ang nakalilipas, ang mga taong ito mula sa malayong sinaunang panahon, na nagbubunga ng ideya ng kaakit-akit na kagandahan ng mga nakaraang siglo, ng mga nakalimutang obra maestra ng musika, ay interesado lamang sa mga natutunang arkeologo at mga tagapangasiwa ng museo. Sa mga nagdaang taon, salamat sa matagumpay na aktibidad ng iba't ibang "asosasyon para sa paglalaro mga sinaunang instrumento", kung saan mayroong isang malaking bilang sa lahat ng major mga sentrong pangkultura, ang lugar na ito ng musikal na pananaliksik ay nagsimulang makaakit ng mga natatanging puwersang pang-agham. Para sa pinakaunang mga pagtatangka na ipakita ang mga perlas ng lumang musika sa frame ng kanilang likas na sonority ay nagpakita na ang musikal na sining ng mga lumang taon, kaya pino at marupok, ay nangangailangan ng isang mahusay na pagsasanib ng pamamaraan na may nilalaman, at iyon lamang ang isang tumpak na paglilinaw ng ang mga tampok ng disenyo ng lahat ng mga kakaibang harpsichord, clavichord, at viols ay ginagawang posible na tunay na buhayin ang kupas na hiyas ng lumang pagkakayari.

Ang mga sumusunod na linya ay nakatuon sa libong taon ng kasaysayan ang pinakalaganap na instrumentong pangmusika, na sa lahat ng panahon ng kasaysayan ay naging tagapag-ingat ng pinakamataas na halaga ng musika, ang kanilang layunin ay hindi gaanong ipakita ito panlabas na ebolusyon Gaano karaming dapat ituro ang mga tampok na istruktura ng malayong mga ninuno ng ating modernong piano, na walang alinlangan na nakaimpluwensya sa pag-unlad ng istilong clavier ng mga nakaraang siglo.

Genealogy clavier bumabalik sa mga panahong napakalayo sa atin. Ang progenitor nito ay isang maliit na kahon na gawa sa kahoy na may nakaunat na string, na maaaring hatiin sa alinmang dalawang bahagi gamit ang isang movable threshold. Ito ay isang monochord, isang pisikal na aparato na pamilyar sa mga mambabasa mula sa mga aralin sa pisika sa high school. Kahit noong sinaunang panahon, ang instrumento na ito ay nagsilbi para sa matematikal na pagpapasiya ng mga tono. Sa pamamagitan ng pagpapaikli ng string, halimbawa G, sa 1/9 ng haba nito at pag-vibrate sa natitirang 8/9 nito, nakakakuha tayo ng major second, A; 4/5 ng parehong string ay gumagawa ng isang pangunahing ikatlong, H; tatlong quarters - isang quart, C; dalawang ikatlo - isang ikalimang, D; three-fifths major sixth, E; kalahati ay ang oktaba G.

Ngunit ang primitive single-string ay may napakalaking disbentaha. Ang kanyang string ay nagpakita ng ratio ng mga haba ng mga bahagi ng tunog para sa lahat ng mga tono ng bato, ngunit hindi nagbigay ng posibilidad ng sabay-sabay na pagtunog ng mga pinaghahambing na mga seksyon, at nasa isang napaka maagang panahon bumangon ang ideya para matustusan "monochord" ilang mga string para sa higit na kalinawan ng mga pagitan ng katinig. Inilarawan nina Aristides Quintilian at Claudius Ptolemy, mga teorista ng ika-2 siglo, ang isang instrumentong nilagyan ng apat na kuwerdas at tinatawag na helicon.

Sa Middle Ages, isang "monochord", na tatawaging mas tama "polychord", nagsimulang gamitin hindi lamang para sa teoretikal na pananaliksik, kundi pati na rin para sa saliw na pag-awit. Upang mapadali ang sobrang kumplikadong pamamaraan ng pagtugtog ng instrumentong ito, ang soundboard ng monochord ay nagsimulang nilagyan ng mga stand na may matalim na mga gilid, na inilalagay ang mga ito sa mga lokasyon ng pinakamahalagang dibisyon ng string. Noong, humigit-kumulang sa kalagitnaan ng ika-12 siglo, nagsimulang kumalat ang mga pinakalumang instrumento na may mga susi, maliliit na portable na organo, regal, na ginagamit para sa mga layuning pang-edukasyon at pagsamba sa tahanan, ang mga unang pagtatangka ay ginawa upang iakma ang keyboard sa isang monochord, sa anyo ng isang sistema ng mga stand, na ang bawat isa, kapag pinindot, ang kaukulang key, ay nakataas nang sapat upang mahigpit na pindutin ang string sa isang tiyak na lugar. Gayunpaman, hindi sapat na paghiwalayin ang bahagi ng string gamit ang isang stand; ito ay kinakailangan upang itakda ito sa panginginig ng boses, at sa gayon, sa paglipas ng panahon, ang mga primitive stand ng monochord ay nabago sa mga metal na pin (tangents). Ang mga tangent na ito, na nakakabit sa mga keyboard levers, ay hindi lamang hinati ang string sa dalawang bahagi, ngunit sabay-sabay na pinatunog ito.

Isang tool na binuo sa prinsipyo monochord, ngunit may mas malaking bilang ng mga string na nakatakda sa oscillation gamit ang mga key at metal tangent na konektado sa kanila, ay nakatanggap ng pangalang clavichord.

Humigit-kumulang isang libong taon ang lumipas hanggang, sa pamamagitan ng pagsusumikap upang mapabuti ang mekanismo, ang sinaunang single-string ay naging isang clavichord. Kwento sining ng musika matigas ang ulo na sinubukan, salungat sa katibayan, na panatilihin ang pangalan na monochord sa likod ng clavichord, na nagdulot ng malaking kahirapan sa mga medieval na theorist, na sinubukan nang walang kabuluhan upang makahanap ng paliwanag para sa gayong pagkakaiba. Hindi gaanong patuloy, sa paglipas ng mga siglo, sinubukan ng mga tagabuo ng clavichord na mapanatili ang buo ang pinaka-monochord na prinsipyo kapag inilapat sa isang bagong instrumento. Habang ang monochord ay nagsilbi ng eksklusibong teoretikal na mga layunin, medyo malinaw na upang ihambing ang mga indibidwal na tono sa bawat isa noong sinaunang panahon, kinuha ang mga string ng parehong haba, na naging posible upang malinaw na ipakita ang direktang koneksyon sa pagitan ng haba ng tunog. bahagi at ang pitch ng tunog. Ngunit dahil sa isang kakaibang makasaysayang tradisyon, ang clavichord, na may ganap na naiibang aplikasyon sa sining ng musika, ay may parehong haba ng mga string, kaya ang pagkakaiba sa mga tono sa clavichord ay dahil lamang sa pagkakaiba sa lokasyon ng mga suporta. na naglalagay ng mga string nito sa panginginig ng boses. Bukod dito, ang bilang ng huli ay hindi tumutugma sa bilang ng mga susi. Ayon sa lumang prinsipyo ng monochord, ang bawat indibidwal na string ay may isang serye ng mga tulay na hinati ito sa iba't ibang mga punto, at sa gayon, sa tulong ng isang string, maraming mga tono ang maaaring gawin. iba't ibang taas. Ang lahat ng mga string ay nakatutok sa pinakamababang tono ng clavichord, G, na konektado sa unang key, na nag-vibrate sa buong haba ng string. Ang susunod na key, kasama ang malapad na metal na pin nito, ay pinaikli ang parehong unang string ng isang ikasiyam at sa gayon ay nagbigay ng tunog na A. Ang ikatlong key ay pinaikli ang parehong string ng isang ikalima, na nagbibigay ng tono na N. Tanging ang ikaapat na key lamang ang tumama sa pangalawang string, na naghihiwalay sa isang ikaapat na bahagi nito sa isang bahagi ng pin, upang sa tulong ng tatlong quarter ng string ang tono C ay nakuha.

Nakita namin na ang mga tono G, A at H ay ginawa sa pamamagitan ng pag-vibrate ng parehong string. Bilang isang resulta, hindi sila maaaring i-play nang magkasama sa lumang keyboard. Ang G at C ay nabuo ang unang katinig na magagamit sa mga susi ng instrumentong ito. Gayunpaman, sa pag-unlad ng maharmonya na pag-iisip at pagpapalawak ng konsepto ng katinig, ang pagkakaiba sa pagitan ng bilang ng mga string at mga susi ay nagsimulang mawala. Ang pagpapahusay na ito ng instrumento ay umunlad nang napakabilis. Sa pagtatapos ng ika-15 siglo, 7 string lang ang ginamit para sa 22 key. Noong ika-16 na siglo, ang bilang ng mga kuwerdas ay agad na dumami nang apat na beses; Kailangan kong makita sa museo ng Berlin mataas na paaralan musikal na sining, isang clavichord ng ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo na may 30 mga string, na may 45 na mga susi, na nakaayos sa parehong paraan tulad ng sa isang modernong piano. Gayunpaman, sa halimbawang ito, ang ilang mga string ay may 3 key. Ang "libre" na clavichord, kung saan ang bawat string ay pinaglingkuran lamang ng isang susi, ay naimbento nang maglaon, noong 1723, at sa isang pagkakataon ay itinuturing na pinakadakilang pambihira.

Kung paano na-coordinate ang mga susi sa mga string ng clavichord ay hindi pa nilinaw. Ang isang mabilis na sulyap sa panloob na istraktura ng clavichord, kasama ang mga kakaibang linya ng mga key lever, ay sapat na upang makita kung anong mga trick ang dapat gawin upang maiugnay ang mga susi at mga string. Karaniwan, ang mga stand na may mga pin ("frets", gaya ng tawag sa kanila sa analogy na may lute) ay inayos sa paraang ang bawat string ay dumaan sa tatlong stand na naka-mount sa resonant soundboard ng instrumento. Kapag tumutugtog ng clavichord, kailangang takpan ng musikero ang hindi tumutunog na bahagi ng string gamit ang isang kamay. Mula noong katapusan ng ika-15 siglo, ang abala na ito ay inalis sa pamamagitan ng paggamit ng isang makitid na strip ng tela, na iginuhit sa lugar kung saan ang string ay hinati. Noong ika-18 siglo, ang mga pagtatangka ay ginawa upang ikabit ang isang paa keyboard sa clavichord, modelo sa isang organ. Nakita ko ang isa sa mga napakabihirang specimen ng ganitong uri sa Bach Museum sa tinubuang-bayan ng dakilang master.

Ang mga sinaunang clavichord ay may napakakatangi na quadrangular na patag na hugis, na nagreresulta mula sa parehong haba ng lahat ng mga string ng instrumento. Sa pangkalahatan, ang kanilang hitsura ay kahawig ng mga hugis-parihaba na English na piano, na karaniwan sa mga twenties ng huling siglo sa mga mahihirap na amateurs at dito.

Ang mga unang instrumento ng uri ng clavichord ay mga pahaba na kahon na nagsilbi hindi lamang para sa musika, kundi pati na rin para sa lahat ng uri ng iba pang libangan sa bahay: para sa paglalaro ng dice, chess (kaya ang lumang French na pangalan para sa clavichord na "eschi quier" - chessboard), mga kababaihan. ' handicrafts (isang halimbawa ng isang katulad na uri, na may isang unan para sa mga pin, mayroong isang bar sa Petrograd Stieglitz Museum), atbp. Sa una, ang volume ng instrumento ay napakahinhin na ang keyboard ay inilagay sa mesa para sa pagtugtog. Kasunod nito, nang ang kanyang keyboard ay lumaki sa apat at kalahating octaves, ang "lolo ng modernong piano" ay kailangang ilagay sa sarili nitong mga paa. Ngunit kahit na sa mas masalimuot na anyo na ito, ang clavichord ay napakagaan at portable na ang mga birtuoso na nakalulugod sa mga tainga ng ating mga ninuno ay maaaring maglakbay kahit saan gamit ang kanilang clavichord, na kasya sa isang karwahe sa kalsada.

Ang mga tunog ng clavichord, tahimik at marupok, ay hinihigop ng malaking lawak ng telang ginamit sa paggawa ng mga instrumento. Samakatuwid, sa mga tuntunin ng sonority, ang clavichord ay ganap na dwarfed hindi lamang sa pamamagitan ng organ, ngunit kahit na sa pamamagitan ng lute. Ang matamlay nitong nanginginig na mga tunog ay puno ng ilang uri ng nakakatakot na alindog. Ang katotohanan ay ang clavichord ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na malambot na panginginig ng boses ng mga string, na ginawang hindi malinaw at malabo ang mga indibidwal na tono. Ang tampok na ito ay nag-ugat sa mismong mekanismo ng instrumento, para sa mas mahirap na pinindot ng player ang key, mas mataas ang metal pin na itinaas ang string mismo, at ang tunog na ginawa nito ay tumaas, bagaman sa isang bahagyang lawak. Ang mga Clavichordists ay mahusay sa paggamit ng vibration ng tunog (Bebung) para sa iba't ibang melismatic na dekorasyon. Ang makabagong piano, na mas advanced sa disenyo nito, ay siyempre alien sa gayong hindi malinaw na mga pormasyon ng tunog; sa pag-unlad ng teknolohiya, ang pinagmumulan ng musikal na kasiyahan ay nawala nang walang bakas; samantala, tanging ang aroma ng sonority ng isang sinaunang clavichord ang makapagbibigay sa atin ng isang tunay na ideya ng mga mapang-akit na alindog ng pinong musika noong ika-17 at ika-18 siglo.

Gayunpaman, ang lohika ng kasaysayan, na naglagay ng clavier sa ulo ng pag-unlad ng musikal ng Europa, na nasa kalagitnaan ng ika-15 siglo ay hiniling na palitan ang intimate, self-contained clavichord na may isa pang instrumento na may makinis, malinaw, malakas na tunog. Kasama ng clavichord, isang bagong instrumento sa keyboard, na kilala sa mga talaan ng musika sa ilalim ng pangalang clavicimbala, ay lilitaw sa unang pagkakataon sa Italya, at pagkatapos ay sa hilagang mga bansa. Ang pangalang ito, na hindi kasiya-siya para sa ating mga tainga, ay nagpapakita na ang prototype nito ay ang bulgar na dulcimer, na may umuusbong, matalim na tunog na ginawa sa pamamagitan ng paghampas ng martilyo sa mga string ng bakal na may iba't ibang haba at tuning.

Mga simbal hanggang ngayon sila ay bahagi ng Romanian at Hungarian folk orchestras at dito, sa timog ng Russia, mayroon silang sariling mga siglo, kawili-wiling kasaysayan. Ang mga instrumento ng ganitong uri ay pamilyar sa mga Egyptian noong sinaunang panahon at ipinasa sa mga Griyego mula sa kanila. Sa Europa sila ay naging laganap noong kalagitnaan ng ika-7 siglo. Ni isang katutubong pagdiriwang ay hindi kumpleto nang hindi sumasayaw sa tunog ng mga simbalo.

Sa una, ang dulcimer ay isang maliit na triangular na kahon na may 10 metal string na nakaunat sa soundboard. Nang maglaon, ang bilang ng huli ay lumago sa apat na oktaba. Salamat sa malaking volume ng instrumento, naging posible na mapabuti ang sonority nito sa pamamagitan ng paggamit ng dalawa at tatlong-chorus na hanay ng mga string na gawa sa iba't ibang materyales. Ang mga string na ito ay dumaan sa dalawang sistema ng mga stand at pinalakas sa tulong ng mga metal at kahoy na pegs. Ang kubyerta ay nilagyan ng dalawang bilog na butas. Ang isang makabuluhang disbentaha ng mga cymbal ay ang kakulangan ng isang aparato para sa pag-muffling ng tunog, at ang pinaka-mahusay na pagtugtog ay walang kapangyarihan upang madaig. orihinal na kasalanan instrumento, malabo, humihiging tono.

Gayunpaman, ang kasaysayan ng musika ay napanatili ang isang bilang ng mga pangalan ng mga birtuoso sa instrumentong ito, na sinubukang dalhin ang pamamaraan ng pagtugtog nito sa mataas na pagiging perpekto.

Sa mga ito, ang pinakatanyag sa kanyang panahon ay Pantaleone Gebenstreit(1669 - 1750), imbentor ng "pantaleon", na ipinangalan sa kanya, isang napakahusay na dulcimer, na may malaking papel sa pag-imbento ng isang bagong mekanismo ng clavier, ang piano na may mga martilyo. Kung gaano kahusay ang pakiramdam ng birtuoso na sining ng dulcimer player na ito na nilikha sa mundo ng musika ay ipinakita sa pamamagitan ng katotohanan na kahit na pangunahing mga masters, bilang Telemann ay itinuturing na posible na pumasok sa isang pampublikong kumpetisyon sa Gebenstreit. Ang isa sa kanyang mga estudyante, isang Bavarian na may pinaka-katangiang apelyido ng Gumpenguber, ay nakakuha ng mahusay na katanyagan sa korte Empress Elizabeth Petrovna. Naglaro na ang mga manlalaro ng dulcimer ng "For the Sovereign's Joy" sa Mikhail Fedorovich sa panahon ng Pinakamataas na labasan... sa paliguan. Ang mga cymbal ay sa isang tiyak na lawak na nakapagpapaalaala sa "yarovchaty gusli", na nagpapaliwanag ng kanilang kakayahang umangkop sa pang-araw-araw na buhay ng sinaunang buhay ng Russia.

Pangunahing pagkakaiba clavicymbala(i.e., isang cymbal na may mga susi) mula sa clavichord ay na sa una, ang bawat susi ay tumutugma, tulad ng sa isang modernong piano, sa isang espesyal na string na nakatutok sa isang tiyak na tono, bilang isang resulta kung saan hindi na kailangan ng isang sistema ng mga stand na naghihiwalay sa kanila mula sa string sounding part. Bilang karagdagan, ang clavicymbal ay natural na nangangailangan ng isang ganap na naiibang suntok. Sa halip na ang mga tangent ng clavichord, na nagpukaw ng panaginip na tunog ng mga kuwerdas sa kanilang banayad na pagpindot, ginamit dito ang mga kahoy na patpat, sa itaas na mga dulo kung saan ang maliliit na matulis na piraso ng pakpak ng uwak, matigas na katad o metal na mga tambo ay ikinabit, nakakabit. ang mga string. Upang mapahusay ang sonority, ang mga clavicymbal, tulad ng mga clavichord, ay ginawa gamit ang dalawa at tatlong koro, at ang bawat indibidwal na string ay na-vibrate ng isang espesyal na stick na may dila. Mula sa karagdagang pagtatanghal ay makikita natin kung gaano kahalaga ang tampok na disenyong ito ng clavicimbal para sa pagkuha ng iba't ibang lilim ng tunog.

Napakahirap sabihin kung kailan unang lumitaw ang ideya ng paglalagay ng keyboard sa mga cymbal. Ang tanyag na pilosopo na si Scaliger (1484 - 1556) ay nagsabi sa kanyang akda na "Poetices Libri VII" (Lyon, 1561) na sa kanyang pagkabata ang mga salterio (isang sinaunang uri ng mga instrumentong percussion na katulad ng mga cymbal), na nilagyan ng mga susi, ay matatagpuan sa halos lahat ng mga bahay. .

Sa karaniwang mga tao sila ay tinatawag na "monochords" o "manichords". Sa paraang ito maitatag natin na sa kalagitnaan ng ika-15 siglo, laganap na ang mga clavicymbal.

Ang mga Clavicimbal ay ang pinakaunang nakakuha ng mga karapatan sa pagkamamamayan sa buhay musikal ng England, at ang maliliit na instrumento ng ganitong uri ay naging paksa ng espesyal na libangan sa musika. Si Queen Elizabeth mismo ay isang mahusay na harpsichordist, at sa mahabang panahon ay naniniwala ang mga istoryador na ang Ingles na pangalan para sa instrumento. "virginelle" (Virginal), itinayo noong 20 taon bago ang kanyang kapanganakan, upang mapanatili para sa ating mga henerasyon ang alaala ng Birheng Reyna (virgo). Nagpapakita kami ng larawan ng isang instrumento na pinalamutian nang may carmine, ginto at mga coats of arms mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Ang mga kaakit-akit na komposisyon ng mga Old English masters ay binuhay muli; malumanay na kumakaluskos ang mahabang tahimik na mga string; Ang magagandang pagkakaiba-iba sa isang katutubong tema, isang maringal na sumbrero ng Panama, isang masayang galliard na umaakit sa aming mga tainga... Ang clavicimbal na ito, na gawa sa kahoy na cedar, ay Venetian na pagkakagawa. Sa Fedora Ioannovich Dinala ng ambassador ni Elizabeth ang Tsar ng Muscovy ng katulad na birhen kasama ang mga kaukulang manlalaro bilang regalo. Ang isang Ingles na manunulat ng pang-araw-araw na buhay ng Rus ay nagsabi na si Tsarina Irina Fedorovna, na sinusuri ang regalo, ay lalo na nagulat sa hitsura ng birhen, na ginintuan at pinalamutian ng enamel, at "hinahangaan ang pagkakaisa ng mga instrumentong pangmusika na ito, na hindi pa nakikita. o narinig ng libu-libong tao sa paligid ng palasyo upang makinig sa kanila.

Gayunpaman, ang mga unang birhen mismo ay nag-iwan ng maraming nais sa mga tuntunin ng magandang kagandahan, at ang kanilang pinakamahalagang disbentaha ay ang pagkapira-piraso, kalupitan at pagkatuyo ng tono. Samakatuwid, ang lahat ng kasipagan ng mga craftsmen na nagtrabaho upang mapabuti ang ganitong uri ng instrumento ay nabawasan sa pagpapakilala ng isang tiyak na pagkakaiba-iba sa mga lilim ng tunog ng mga clavicymbals. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Isang napakahalagang pagpapabuti ang ginawa ng sikat na master ng Amsterdam, si Hans Ruckers. mga mekanismo ng keyboard. Nagsimula siyang gumawa ng mga birhen na may dalawang keyboard sa unang pagkakataon. Kapag nagpe-play sa itaas na keyboard, isang string lamang ang tinukoy; kapag pinindot mo ang pang-ibaba na key, dalawang string ang ilalagay sa vibration, at ang birhen ay tumutunog nang may dobleng lakas at ningning. Upang bigyan ang tunog ng isang espesyal na kapunuan, idinagdag ni Ruckers ang pangatlo, mas payat, na nagtune ng isang octave na mas mataas, sa dalawang "koro" na mga string. Kaya, ginawang posible ng dalawang Rookers virginel keyboard na makapaglaro ng tatlong string nang sabay-sabay o isa lamang sa mga ito. Ang isa sa aming mga ilustrasyon ay nagpapakita ng photographic na larawan ng isang birhen ni Ruckers. Ang talukap ng mata ay naglalarawan sa kulay ng kumpetisyon sa pagitan ng Apollo at Mars, isang paboritong motif para sa mga artistikong dekorasyon ng claviers. Mula kay Hans Ruckers, ang sining ng paggawa ng mga birhen ay ipinasa sa kanyang apat na anak na lalaki, na marangal na tumupad sa utos ng kanilang ama. Bumalik sa loob maagang XVIII mga siglo, ang mga clavicymbal ng Ruckers ay naging sikat at nakahanap ng malawak na benta. Ang pinakamahusay na Dutch artist ng mga hayop at patay na kalikasan - Frank, Jan van Heysum - pinalamutian sila ng kanilang mahusay na mga brush, upang ang presyo ng mga instrumento ay umabot sa 3000 livres. Ngunit - sayang! - madalas na binubuwag ng mga mamimili ang mismong clavicymbal sa mga piraso upang mapanatili ang pagpipinta.

Nakikita ng mambabasa ang isa sa mga pinakamahusay na tool ng gawa ng anak ni Ruckers sa kasamang ilustrasyon. Ito "harpsichord"(large virginel) ni Handel, na minsang pumukaw sa paghanga ng mga kasabayan ng kompositor sa kagandahan at lambot ng tunog nito. Ang tatlong-choir na instrumento ay nilagyan ng dalawang keyboard na may napakaingat na inayos na mga key at isang napakahusay na pagkakagawa ng soundboard. Ang maliliit na hawakan na gawa sa kahoy na inilagay sa kaliwang sulok ay inihahain upang kumonekta at idiskonekta ang mga keyboard. Gayunpaman, sa kabila ng medyo malaking volume nito, ang harpsichord na ito ay hindi pa nilagyan ng alinman sa mga binti o pedal (naimbento noong ika-15 siglo ng Venetian organist na si Bernardino), na nagsilbi para sa octave na pagdodoble ng mga tono ng bass.

Nakikita namin ang lahat ng mga device na ito sa malaking London-made harpsichord, na kumakatawan sa huling salita sa clavier construction. Ang instrumento na ito ay lumabas noong 1773 mula sa sikat na pagawaan ng Bradwood, na hanggang ngayon ay napanatili ang reputasyon ng pinakamahusay na pabrika ng piano sa England. Sa pamamagitan ng hitsura ito ay halos walang pinagkaiba sa modernong grand piano (maliban, siyempre, para sa dalawang keyboard). Ang kahoy na frame nito na may mga nakahalang tadyang, na unang ginamit ni Bradwood, ay kakaiba. Salamat sa isang bilang ng mga rehistro para sa amplification at iba't ibang mga pagbabago ng sonority, ang harpsichord na ito ay nagbigay ng isang napaka-pantay at malakas na tono.

Habang ang British ay nagpakita ng kagustuhan para sa mga instrumento na ang sonority ay malapit sa piano, sa France, pinahahalagahan ng mga mahilig sa musika ang maliliit na clavicymbal na may isang keyboard higit sa lahat, "mga spinets", ipinangalan sa Venetian master Giovanni Spinetti, na nabuhay sa simula ng ika-16 na siglo (isa pang etimolohiya ng salitang ito mula sa "spina" (karayom) ay inabandona na ngayon). Ayon kay Praetorius, ang may-akda ng pinakakumpletong siyentipikong paglalarawan ng mga instrumentong pangmusika noong ika-16 na siglo, ang "spinet" ay isang maliit na quadrangular na instrumento na nakatutok ng ikalimang mas mataas o mas mababa kaysa sa tunay na pitch nito. Karaniwan itong inilalagay sa itaas ng keyboard. Nakita ko ang gayong mga instrumento mula sa huling bahagi ng ika-16 na siglo, na pinagsasama ang isang ordinaryong clavier na may spinet (upang mapahusay ang sonority), sa mga lumang koleksyon ng Aleman at Italyano. Ang isang lubhang kawili-wiling iba't ibang mga spinets ay ang instrumento na "clavicytherium". ganyan "vertical spinet", ay nilagyan ng bituka string. Ang paggamit ng huli ay maaari lamang ituring na isang masamang karanasan, dahil ang mga bituka na string ay hindi nanatili sa tono, madaling sumuko sa mga impluwensya sa atmospera. Ang clavicytherium ay nakaligtas hanggang sa ika-17 siglo, tila may hindi praktikal na mga string ng bituka. Ngunit ang mismong ideya ng isang patayong pag-aayos ng mga string ay umabot sa ating panahon at ipinatupad sa piano, na ang tinubuang-bayan ay Italya. Ang instrumento na nakuhanan namin ng larawan mula sa unang bahagi ng ika-16 na siglo ay kabilang sa mga pinakalumang specimen ng clavicytherium at napakabihirang.

Noong ika-17 siglo, ang pangalang "spinet" ay pinalawak upang sa pangkalahatan ay sakop ang lahat ng single-chop clavicymbals.

Ang pagpapabuti ng ganitong uri ng mga instrumento sa keyboard ay isang mahusay na merito ng Parisian masters, na ang mga produkto sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay itinuturing na pinakamahusay sa Europa. Ang Parisian ay naging tanyag lalo na sa kanyang mga harpsichord (tulad ng tawag sa malalaking spinets sa France). Pascal Tasken, na nakagawa ng instrumentong "en peau de buffle" noong 1768. Ang kakanyahan ng kanyang imbensyon ay na, kasama ng mga balahibo at nababanat na mga tambo, gumamit siya ng mga tambo ng balat ng kalabaw sa kanyang mga instrumentong may tatlong koro, na, ayon sa kanyang sariling katiyakan, ay hindi hinihila, ngunit hinahaplos ang pisi sa kanilang paghipo. Ang tinatawag na "jeu de buffle" ay maaaring gamitin nang hiwalay o kasabay ng mga balahibo. Sa katunayan, ayon sa mga eksperto noong panahong iyon, ang mga instrumentong ito ay nalampasan ang lahat ng nagawa na sa larangan ng pagtatayo ng harpsichord. Ang kanilang matamis, malambot, makinis na tunog ay nagbigay, sa tulong ng mga rehistro, iba't ibang pagtaas sa lakas, at ang mga tono ng bass ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na density at nilalaman.

Ang pag-imbento ng Tasquin, siyempre, ay mabilis na kumalat sa France at sa ibang bansa, at sa paglipas ng panahon ay lumitaw ang "clavecin en peau de buffle" ang musical chronicle ay pinayaman halos bawat taon na may mga bagong pagtuklas sa larangan ng mga mekanismo ng keyboard. Halimbawa, ang mga dila na gawa sa balat ng kalabaw ay ginamit ng master ng Dresden na si I. G. Wagner para sa kanyang naimbento noong 1775. "clavecin royal", na may apat na pedal na maaaring gayahin ng isa sa pagtugtog ng alpa, lute at simbalo.

Ang pangalang "clavecin royal" mismo ay may ilang pagkakatulad sa pagtatalaga ng Ruso para sa mga clavier "piano". Ang mga pinahusay na harpsichord ay nagsimulang itayo sa kauna-unahang pagkakataon sa Russia sa ilalim ni Catherine II, at sa kanyang mga babae sa korte mayroong maraming mga bihasang harpsichordists.

Kasabay nito, ang "cembalo angelico" na may katad na tangents na sakop upang makakuha ng posible malambot na tunog pelus. Ang iba pang mga imbentor, sa kabaligtaran, ay sinubukang interesan ang mga eksperto at mga baguhan sa bago sound effects, na maaaring makuha mula sa kanilang mga tool.

Mahusay Johann Sebastian Bach naimbento ang tinatawag na lute clavicimbal. Ang kanyang imbensyon ay napabuti ng isang master ng Hamburg I. Fleisher, na gumawa ng espesyal na theorbic clavicymbals (theorbo - bass lute), na gumawa ng mga tunog na mas mababa ng isang octave kaysa sa ordinaryong clavier. Ang kontra-outbuilding na ito ay nilagyan ng tatlong rehistro na nagpa-vibrate sa mga metal na string ng huli. Napakamahal ng theorbic clavicymbals ng Fleischer - hanggang 2000 rubles sa aming pera.

Napaka-interesante ay ang mga pagtatangka upang makuha ang sonority ng isang string ensemble gamit ang isang instrumento sa keyboard. Ang pagtuklas na ito ay ginawa noong 1600 ng isang organista Joseph Haydn mula sa Nuremberg. Ang mga ganitong uri ng instrumento ay karaniwan noong ika-18 siglo. Ang mga pangunahing tampok ng kanilang mekanismo ay pinakuluan sa katotohanan na sa tulong ng mga susi ng isang bilang ng mga busog na katabi ng mga string ng bituka ay itinakda sa paggalaw. Ang mga pedal ng instrumento ay naging posible upang ayusin ang presyon.

Ang ganitong uri ng bow wing ay dapat isama ang "musical marvel" ng mga panahon ni Catherine the Great - ang Strasser orchestra, na ngayon ay itinatago sa Hermitage. Tungkol sa isang katulad na harpsichord, na itinayo noong 1729 ng isang tiyak na Mr. de Virbes, sabi ng tanyag na mananalaysay na si I.H. Ang clavicimbal na ito ay may kakayahang gayahin ang 18 iba't ibang instrumento, at “napakakumpleto ng ilusyon na posibleng tumugtog ng isang buong symphony dito, na katulad ng tunog kapag ginaganap ng isang orkestra.”

Ngunit gayon pa man, ang paghahari ng harpsichord ay malapit nang magwakas. Noong 1711 Bartolomeo Cristofori, na maling tinatawag ding Cristofali, isang bagong instrumento sa keyboard ang naimbento, na sa paglipas ng panahon ay pinalitan ang mga dati nang lumang uri. Pinalitan ni Cristofori ang sistema ng mga tangent at pakpak sa harpsichord ng mga martilyo na tumatama sa mga kuwerdas at sa gayon ay nagpatunog ang mga ito. Habang sa pinaka-advanced na clavicimbal posible na makamit lamang ang kaunting mga lilim ng sonority sa pamamagitan ng isang kumplikadong pamamaraan ng pagpaparehistro, ang isang simpleng pagpindot ng mga daliri sa mga susi ng bagong instrumento ay naging posible upang mapahusay ang sonority mula sa pinaka-pinong piyansimo hanggang sa dumadagundong na fortissimo . Sa simula ng ika-18 siglo, ang isang Italian master sa wakas ay nagdisenyo ng isang mekanismo na naglalaman ng lahat ng mahahalagang katangian ng ating mga modernong grand piano. Salamat sa mekanismo ng pagtambulin, ang lakas ng tunog ngayon ay nakasalalay lamang sa puwersa ng pagpindot sa susi, na agad na nagbukas ng isang ganap na bagong lugar ng walang katapusang pagkakaiba-iba ng paglalaro na may mga dynamic na lilim kapag gumaganap ng isang komposisyon para sa clavier. Tinawag ni Cristofori ang kanyang instrumento, na maaaring tugtugin nang mahina o malakas sa kalooban, "Gravicembalo (distorted clavicembalo) col piano e forte."

Ang pag-imbento ni Cristofori ay hindi napansin ng kanyang mga kontemporaryo, at ang mahinhin na tagapangasiwa ng Museo ng Prinsipe ng Medici ay malamang na hindi pinangarap na ang piano na kanyang ginawa (isang larawan kung saan kasama sa artikulong ito) ay maingat na mapangalagaan bilang isang pambansang kayamanan sa pinakamahusay. museo ng Italyano. Ang kanyang brainchild ay kailangang magtiis ng isang matinding pakikibaka sa mga labi ng musikal na sinaunang panahon, na natapos lamang noong 20s ng ika-19 na siglo.

Sa kabila ng katotohanan na mula sa labas ng kasaysayan ng sinaunang clavier ay pinag-aralan sa lahat ng mga detalye, maraming mga katanungan na hindi pa sapat na sakop ng siyentipikong pananaliksik. Ang mga tanong na ito ay may kinalaman sa likas na katangian ng sonority at ang paggamit ng parehong mga instrumento sa pagganap ng sinaunang musika.

Sa parehong uri ng clavier, ang clavicimbal ay gumanap ng isang hindi maihahambing na mas makabuluhang papel sa kasaysayan ng musikal na sining. Mula sa pagdating ng solo na pag-awit, siya ay sumasakop sa isang nangungunang posisyon bilang isang pangkalahatang bass at kasamang instrumento. Bilang karagdagan, ang solong musika sa keyboard, na may utang sa pag-unlad nito sa henyo sa musika ng mga taong Romanesque, ay lumago nang eksklusibo batay sa harpsichord sonority.

Gaya ng nasabi na natin, na may clavicimbalo (o "cembalo", ayon sa Italian nomenclature), ang lakas ng sonority ay independiyente sa player mismo. Sa bagay na ito ito ay kahawig ng isang organ. Ang sistema ng mga rehistro lamang sa isang tiyak na lawak ay inalis ang pangunahing disbentaha ng instrumento, at ang mga murang home harpsichord ay karaniwang may isang rehistro lamang. Ang pagiging, sa isang banda, na may kaugnayan sa organ, ang clavicimbal, sa kabilang banda, ay kahawig ng isang lute bilang isang instrumento ng pagtambulin. Kapansin-pansin na sa simula ang lute at organ ay gumaganap ng parehong papel sa pagganap ng pangkalahatang bass gaya ng ginawa ng clavicimbal sa mas maraming huli na panahon. Ang huli, salamat sa kanyang mga espesyal na merito, sa wakas ay nanalo ng tagumpay laban sa kanyang mga karibal. Kung ikukumpara sa lute, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng higit na kadalian ng pagtugtog ng mga chord, ngunit ito ay nakahihigit sa organ sa kadaliang kumilos, pati na rin ang kakayahang sumanib sa mga timbre ng iba pang mga instrumento, kadalasang pinipigilan ng napakalaking sonority ng organ. Ang pinong tono ng clavicimbal ay tila nilikha para sa pangkalahatang bahagi ng bass sinaunang orkestra at ito ay agad na mapapansin kapag ang matigas at malupit na tunog ng piano ay pumalit sa kanya.

Ang mga teorista ng ika-18 siglo ay nagkakaisang kinikilala na walang ensemble na musika ang maiisip nang walang partisipasyon ng cymbal. “Ang unibersal na sonoridad ng clavicimbal,” ang isinulat ni Matheson, “ay lumilikha ng hindi maiiwasang pundasyon para sa lahat ng simbahan, teatro at musika sa silid"Hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang clavicimbal ay nagsilbing nag-iisang solong instrumento sa keyboard, at pinipilit tayo ng sitwasyong ito na isaalang-alang ang mga sound feature nito kapag gumaganap ng keyboard music ng pre-piano period. Isang napaka-eleganteng paglalarawan ng clavicimbal sonority. ay ibinigay ni Chr. Schubart, ang may-akda ng isang treatise sa aesthetics ng musika: "Ang tono ng clavicimbal ay may isang simpleng linear na karakter, ngunit ito ay kasinglinaw ng mga guhit ng Kneller o Chodowiecki, na walang anumang mga kakulay sa instrumento na ito, una sa lahat, kailangan mong matutong tumugtog nang malinaw, na katumbas sa pag-aaral ng musical notation.” Ang paghahambing na ito ay hindi karaniwang angkop na tumutukoy sa kakanyahan ng clavicymbal sonority. Ang mayamang polyphonic weaving noong ika-18 siglo ay lubos na namumukod-tangi sa naturang instrumento, at ito, sa isang tiyak na lawak, ay nagpapaliwanag ng katangi-tanging polyphonic na pagsulat ng mga lumang clavier masters.

Ang likas na kahirapan sa pagtugtog ng ilang mga musikal na pantay na tinig na may pantay na pagkakaiba ay hindi alam ng clavicimbalo. Dahil ang mga susi ay hinampas nang pantay, ang mga string ay nagbibigay ng eksaktong parehong epekto. Kasabay nito, sa kaibahan sa piano, kung saan ang polyphony ay madaling nagiging isang hindi maintindihan na kaguluhan ng mga tunog, ang mga tunog ng clavicimbal ay nakikita ng tainga nang hiwalay at malinaw.

Hindi mahirap itatag kung aling mga katangian ang lalong mahalaga sa mga mata ng mga musikero noong nakaraang mga siglo. Dapat itong isaalang-alang na ang panitikan ng harpsichord ay nabuo sa panahon ng kasaysayan ng musika kapag ang pagtugtog ng clavier ay nagsisilbi lamang bilang kaaya-ayang libangan sa mga libreng oras. Lahat ng malalim at kahanga-hangang nilalaman ng harpsichord music ay hiniram mula sa treasury ng mga organ compositions.

Ang mga may-akda ng Pranses ay higit na hinangaan ang kadaliang kumilos at magaan ng tunog. Ang mga mananalaysay at makata ng Aleman ay niluwalhati ang kulay-pilak na timbre ng instrumento. Ngunit lahat sila ay sumang-ayon na ang walang kaluluwang clavicymbal ay hindi angkop para sa pagpapahayag ng malambot na damdamin, mapanglaw at sensitivity ng puso ng tao, at samakatuwid, sa panahon ng sentimentalismo, ang hindi patas na nakalimutang clavichord, na may kakayahang maghatid ng mga banayad na lilim ng pagpapahayag ng musikal, muli. napunta sa unahan.

Clavichord, gaya ng alam na ng mga mambabasa, ay may napaka-primitive na mekanismo ng epekto. Ngunit tiyak na ang pagiging simple nito sa paglilipat ng suntok sa susi na lumilikha ng isang espesyal na pagkakalapit sa pagitan ng tagapalabas at ng instrumento kung saan siya tumutugtog. Ang tunog ng clavichord ay mahina at sa karakter ay mas malapit sa kulay-pilak na tono ng isang harpsichord kaysa sa isang modernong piano. Ngunit ang pagiging indibidwal ng musikal ng clavichord ay napakakaunting pinag-aralan na ang pinakamahalagang ebidensya sa kasaysayan ay ang mga paglalarawan nito na makikita natin sa mga nobela ng panahon nina Werther at Charlotte.

"Ang clavichord," ang isinulat ni Schubart, na sinipi na namin, "isang malungkot na melancholic clavichord, ay may malaking kalamangan sa piano sa pamamagitan ng pagpindot sa mga susi ay maaari nating maging sanhi ng hindi lamang buong pangkulay ng tunog, kundi pati na rin ang mga mezzotints, pangunahin trills, portamentos, o malumanay na panginginig ng boses, sa madaling salita lahat ng mga pangunahing tampok kung saan nabuo ang ating pakiramdam."

Alam natin kung ano ang "kinakailangang panginginig ng boses", na ginamit nang napakahusay ng mga clavichordists, mula sa paglalarawan ni Burney, ang sikat na kritiko ng Ingles, isang masigasig na tagahanga ni F. E. Bach, na sa kanyang panahon ay itinuturing na pinakadakilang birtuoso sa clavichord.

"Nang kailanganin ni Bach na kunin ang nais na tono mula sa kanyang clavier, sinubukan niyang bigyan ito ng lilim ng kalungkutan at malalim na pagdurusa, na posible lamang sa clavichord."

Sa aklat ni Bach ay nakakahanap din kami ng mga detalyadong tagubilin tungkol sa paglalaro ng kinakailangang vibration na ito. Nakuha ito sa pamamagitan ng bahagyang pag-vibrate ng daliri sa susi (tulad ng ginagawa ng mga violinist sa isang katulad na kaso sa kanilang instrumento).

Ang clavichord ay naging paboritong instrumento ng panahon ng sentimentalismo. Ngunit ang "panahon ng clavichord" ay hindi nagtagal. Nasa pagtatapos na ng ika-18 siglo, nagsimulang makuha ng piano ang karapatan ng pagkamamamayan sa paggamit ng musika. Si Mozart ang unang birtuoso na tumugtog ng "hammer clavier" sa publiko, at pinabanal ng kanyang henyo ang bagong instrumentong ito. Ang mabilis na paglaki ng mga teknikal na pagpapabuti sa mekanismo ng piano sa wakas ay pumalit sa mas hindi perpektong mga anyo ng clavier, at sa simula ng ika-19 na siglo, ang memorya ng mapang-akit na banayad na tunog ng clavichord ay napunta sa larangan ng malayong sinaunang panahon, sa lupain ng kalahating nakalimutang mga musikal na alamat.

Ang isang musikero na gumaganap ng mga musikal na gawa sa harpsichord at sa mga uri nito ay tinatawag harpsichordist.

Pinagmulan

Ang pinakamaagang pagbanggit ng isang instrumentong harpsichord-type ay lumilitaw sa isang 1397 na pinagmulan mula sa Padua (Italy), ang pinakaunang kilalang imahe ay nasa isang altar sa Minden (1425). Ang harpsichord ay nanatiling ginagamit bilang solong instrumento hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Para sa isang maliit na mas matagal na ito ay ginamit upang magsagawa ng digital bass, upang samahan ang mga recitatives sa mga opera. Sa paligid ng 1810 ito ay halos nawalan ng paggamit. Ang muling pagkabuhay ng kultura ng pagtugtog ng harpsichord ay nagsimula noong pagliko ng XIX-XX mga siglo.

Ang mga harpsichord noong ika-15 siglo ay hindi nakaligtas. Sa paghusga sa mga imahe, ang mga ito ay maiikling instrumento na may mabigat na katawan. Karamihan sa mga nakaligtas na harpsichord noong ika-16 na siglo ay ginawa sa Italya, kung saan ang Venice ang pangunahing sentro ng produksyon.

Mayroon silang 8` register (mas madalas dalawang register 8` at 4`) at nakikilala sa pamamagitan ng kanilang biyaya. Ang kanilang katawan ay kadalasang gawa sa cypress. Ang pag-atake sa mga harpsichord na ito ay mas malinaw at ang tunog ay mas bigla kaysa sa mga instrumentong Flemish.

Ang pinakamahalagang sentro para sa paggawa ng mga harpsichord sa Hilagang Europa ay Antwerp, kung saan nagtrabaho ang mga kinatawan ng pamilya Ruckers mula noong 1579. Ang kanilang mga harpsichord ay may mas mahabang string at mas mabigat ang katawan kaysa Mga instrumentong Italyano. Mula noong 1590s, ang mga harpsichord na may dalawang manual ay ginawa sa Antwerp. Pinagsasama ng French, English, at German harpsichord noong ika-17 siglo ang mga tampok ng mga modelong Flemish at Dutch.

Nakaligtas ang ilang French two-manual harpsichord na may mga walnut na katawan. Mula noong 1690s, ang mga harpsichord ng parehong uri ng mga instrumento ng Ruckers ay ginawa sa France. Kabilang sa mga French harpsichord masters, ang dinastiyang Blanchet ay namumukod-tangi. Noong 1766, ang pagawaan ni Blanchet ay minana ni Taskin.

Ang pinakamahalagang tagagawa ng English harpsichord noong ika-18 siglo ay ang Shudys at ang pamilyang Kirkman. Ang kanilang mga instrumento ay may plywood-lined oak na katawan at nakikilala sa pamamagitan ng malakas na tunog na may masaganang timbre. Noong ika-18 siglong Alemanya, ang pangunahing sentro ng produksyon ng harpsichord ay Hamburg; kabilang sa mga ginawa sa lungsod na ito ay mga instrumento na may 2` at 16` na rehistro, pati na rin ang may 3 manual. Ang hindi pangkaraniwang mahabang modelo ng harpsichord ay idinisenyo ni J.D. Dulken, isang nangungunang Dutch master noong ika-18 siglo.

Noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo, nagsimulang mapalitan ang harpsichord. Sa paligid ng 1809, ang kumpanya ng Kirkman ay gumawa ng huling harpsichord nito. Ang nagpasimula ng muling pagkabuhay ng instrumento ay si A. Dolmech. Itinayo niya ang kanyang unang harpsichord noong 1896 sa London at sa lalong madaling panahon nagbukas ng mga workshop sa Boston, Paris, at Haslemere.

Ang produksyon ng mga harpsichord ay inilunsad din ng mga kumpanyang Paris na Pleyel at Erard. Nagsimulang gumawa si Pleyel ng isang modelo ng isang harpsichord na may metal na frame na may dalang makapal at mahigpit na mga string; Sinanay ni Wanda Landowska ang isang buong henerasyon ng mga harpsichordist sa mga instrumento ng ganitong uri. Ang mga masters ng Boston na sina Frank Hubbard at William Dowd ang unang nangopya ng mga antigong harpsichord.

Device

Ito ay may hugis na pahaba na tatsulok. Ang mga string nito ay nakaposisyon nang pahalang, parallel sa mga susi.

Sa dulo ng bawat susi mayroong isang pusher (o jumper). Sa itaas na dulo ng pusher ay may isang languette kung saan ang isang plectrum (dila) na gawa sa balahibo ay naayos (sa maraming modernong mga instrumento ito ay gawa sa plastik), sa itaas lamang ng plectrum ay mayroong isang damper na gawa sa nadama o malambot na katad. Kapag pinindot mo ang isang key, ang pusher ay tumataas at ang plectrum ay pumutol sa string. Kung ang susi ay inilabas, ang mekanismo ng paglabas ay magpapahintulot sa plectrum na bumalik sa lugar nito sa ilalim ng string nang hindi na muling binubunot ang string. Ang vibration ng string ay damped ng damper.

Para sa pagpaparehistro, i.e. binabago ang lakas at timbre ng tunog, gamit ang mga switch ng kamay at paa. Ang dahan-dahang pagtaas at pagbaba ng volume sa isang harpsichord ay imposible. Noong ika-15 siglo, ang hanay ng harpsichord ay 3 octaves (sa ibabang oktaba ay nawawala ang ilang chromatic notes); noong ika-16 na siglo lumawak ito sa 4 na octaves (C - c«`), noong ika-18 siglo hanggang 5 octaves (F` - f«`).

Ang karaniwang ika-18 siglong German o Dutch harpsichord ay may 2 manual (keyboard), 2 set ng 8' string at isang set ng 4' string (tunog ng isang octave na mas mataas), na maaaring gamitin nang isa-isa o magkasama, pati na rin ang manual copulation mekanismo. Lumitaw ang mga switch ng rehistro ng paa at tuhod noong huling bahagi ng 1750s. Karamihan sa mga instrumento ay may tinatawag na rehistro ng lute na may katangian na timbre ng ilong (upang makuha ito, ang mga string ay bahagyang nababalot ng mga bumps ng katad o nadama gamit ang isang espesyal na mekanismo).

Mga kompositor na gumawa ng harpsichord music

Francois Couperin the Great
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jacob Froberger
George Frideric Handel
William Bird
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Dominico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckman
Dominico Zipoli

Video: Harpsichord sa video + tunog

Salamat sa mga video na ito maaari mong gawing pamilyar ang iyong sarili sa tool, panoorin totoong laro dito, pakinggan ang tunog nito, pakiramdam ang mga detalye ng pamamaraan:

Pagbebenta ng mga tool: saan bibili/order?

Ang encyclopedia ay hindi pa naglalaman ng impormasyon tungkol sa kung saan maaari kang bumili o mag-order ng instrumento na ito. Maaari mong baguhin ito!

Instrumentong pangmusika: Harpsichord

Marahil ay napansin mo sa mga konsyerto instrumentong pangmusika, katulad ng isang grand piano, ngunit mas maliit ang sukat, na may ilang mga keyboard at isang ganap na kakaiba, tumutunog na metal na tunog? Ang pangalan ng instrumentong ito ay harpsichord. Sa bawat bansa ito ay tinatawag na naiiba: sa France at Russia ito ay isang harpsichord, sa Italya ito ay isang cymbalo (at kung minsan ay isang clavicembalo), sa England ito ay isang harpsichord. Ang harpsichord ay isang keyboard na may kuwerdas na instrumentong pangmusika kung saan ang tunog ay nagagawa sa pamamagitan ng plucking.

Tunog

Ang tunog ng harpsichord ay mahirap malito sa anumang iba pang instrumento ito ay espesyal, makinang at biglaan. Sa sandaling marinig mo ang tunog na ito, naiisip mo kaagad ang mga sinaunang sayaw, bola, at marangal na kababaihan sa korte na may magagandang damit na may hindi maisip na mga hairstyle. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng harpsichord ay ang tunog nito ay hindi maaaring maayos na baguhin ang dinamika, tulad ng iba pang mga instrumento. Upang malutas ang problemang ito, ang mga manggagawa ay nagkaroon ng ideya ng pagdaragdag ng iba pang mga rehistro na isinaaktibo gamit ang mga manu-manong switch at levers. Matatagpuan ang mga ito sa mga gilid ng keyboard. Maya-maya, lumitaw din ang mga foot switch para mas mapadali ang paglalaro.

Larawan:

Mga kawili-wiling katotohanan

• Ang harpsichord ay palaging itinuturing na isang aristokratikong instrumento na pinalamutian ang mga salon at bulwagan ng pinakamayayamang tao sa Europa. Kaya naman noong unang panahon ito ay ginawa mula sa mamahaling uri ng kahoy, ang mga susi ay natatakpan ng mga plato ng bao ng pagong, ina ng perlas, at kung minsan ay binalutan ng mga mamahaling bato.
• Napansin mo ba na ang ilang harpsichord ay may itim na lower key at puting upper key - lahat ay eksaktong kabaligtaran ng grand piano o upright piano? Ang mga harpsichord na may mga pangunahing kulay na tulad nito ay karaniwan sa France noong ika-17 siglo. Tulad ng ipinaliwanag ng mga istoryador, ang dekorasyong ito ng keyboard ay nauugnay sa magaspang na istilo na nangingibabaw sa sining noong panahong iyon - ang puting-niyebe na mga kamay ng mga harpsichordist ay mukhang napakaganda at kitang-kita sa itim na keyboard.
• Sa una, ang harpsichord ay inilagay sa isang mesa, ilang sandali, ang mga manggagawa ay nagdagdag ng magagandang binti.

• Sa isang pagkakataon, ang konduktor ay kailangang umupo sa harpsichord, at pinamamahalaang niyang tumugtog gamit ang kanyang kaliwang kamay at idirekta ang mga musikero sa kanyang kanan.
• Sinusubukang muling likhain ang tunog ng isang harpsichord, ang ilang mga masters ay gumawa ng panlilinlang. Kaya, sa Red October grand piano, ginawa sa panahon ng Sobyet, ang ikatlong pedal ay nagpapababa ng isang espesyal na tela papunta sa mga string, kung saan ang mga metal na dila ay nakakabit. Hinampas sila ng mga martilyo at isang katangiang tunog ang nangyayari. Ang piano ng Soviet Accord ay may parehong disenyo.
• Ang mga foot switch sa harpsichord ay hindi lumitaw hanggang 1750.
• Sa una, ang dinamika ng tunog ay binago sa pamamagitan ng pagdodoble at pag-triple ng mga string, sa loob lamang XVII-XVIII na siglo nagsimula silang gumawa ng mga instrumento na may 2 at kahit 3 manwal, na matatagpuan sa itaas ng isa na may iba't ibang mga rehistro. Sa kasong ito, ang itaas na manwal ay nakatutok sa isang oktaba na mas mataas.
• Sa loob ng mahabang panahon, ang pinakalumang harpsichord na nakaligtas hanggang ngayon ay itinuturing na isang instrumento Italian master Hieronymus noong 1521. Gayunpaman, nang maglaon ay nakakita sila ng isang mas lumang harpsichord, na ginawa noong Setyembre 18, 1515 ni Vincentius ng Livigimeno.
• Ang mga harpsichord noong ika-16 na siglo ay higit sa lahat ay galing sa Italyano (Venice) at gawa sa cypress. Mga instrumentong Pranses na may dalawang keyboard (manual) ay gawa sa walnut wood.
• Karamihan sa mga harpsichord ay mayroon lute rehistro, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang timbre ng ilong. Upang makamit ang gayong tunog, ang mga kuwerdas ay pinahiran ng mga piraso ng nadama o katad.
• Noong Middle Ages, sa korte ng Spanish King na si Philip II ay mayroong tinatawag na "cat harpsichord". Ito ay isang aparato na binubuo ng isang keyboard at isang hugis-parihaba na kahon na may ilang mga compartment kung saan inilalagay ang mga pusa. Bago ito, ang mga hayop ay pinakinggan sa pamamagitan ng pagtapak sa kanilang mga buntot at pagraranggo ayon sa kanilang mga boses. Pagkatapos ay ang mga buntot ng mga kapus-palad na pusa ay sinigurado sa ilalim ng mga susi, kapag pinindot, isang karayom ​​ang natusok sa kanila. Ang hayop ay sumigaw nang malakas, at ang tagapalabas ay nagpatuloy sa pagtugtog ng kanyang himig. Nabatid na nag-order din si Perth I ng "cat harpsichord" para sa kanyang cabinet of curiosities.
• Ang sikat na French harpsichordist na si F. Couperin ay may treatise na "The Art of Playing the Harpsichord," na ginagamit pa rin ng mga musikero sa ating panahon.
• Si Couperin ang nagsimulang aktibong gumamit ng kanyang hinlalaki (unang daliri) kapag tumutugtog ng harpsichord bago iyon, ang mga musikero ay tumugtog lamang ng apat, at ang ikalima ay hindi ginamit. Ang ideyang ito ay agad na kinuha ng iba pang mga performer.
• Sikat na performer Handel, bilang isang bata napilitan siyang magsanay sa pagtugtog ng harpsichord sa attic, dahil ang kanyang ama ay tutol sa karera bilang isang musikero at pinangarap na ang kanyang anak ay makatanggap ng edukasyon sa batas.
• Ito ay kagiliw-giliw na ang aksyon ng lumulukso ay inilarawan ni W. Shakespeare sa kanyang ika-128 na soneto.
• Ang mga musikero na tumugtog ng harpsichord ay tinawag na clavierists, dahil matagumpay silang naglaro katawan at clavichord.
• Kapansin-pansin na ang hanay ng harpsichord ng konsiyerto noong kalagitnaan ng ika-18 siglo ay mas malawak kaysa sa piano, na pinalitan ito ng ilang sandali.

Gumagana

I.S. Bach - Concerto para sa harpsichord, string at basso continuo sa D major (makinig)

M. Corette - Concerto para sa harpsichord at orkestra sa D minor (makinig)

G.F. Handel - Harpsichord Suite No. 4 Sarabande (makinig)

Disenyo

Sa panlabas, ang harpsichord ay mukhang isang piano. Ang pinahabang triangular na hugis ay kinumpleto ng magagandang binti, at ang mga string ay nakaayos nang pahalang, kahanay sa mga susi. Ang bawat susi ay nilagyan ng pusher, kung minsan ay tinatawag ding jumper, na may dila na nakakabit sa itaas na dulo nito. Ang tunog ng isang harpsichord ay nalilikha sa pamamagitan ng plucking. Kapag pinindot mo ang isang susi, gumagalaw ang mga nababanat na dila na gawa sa mga balahibo ng ibon; Nahuhuli nila ang isang masikip na string, at dahil dito, nangyayari ang isang katangian ng plucking sound.

Kwento ng pinagmulan

Ang unang impormasyon tungkol sa instrumentong ito ay karaniwang iniuugnay sa 1511, kaya pinaniniwalaan na ito ay nagmula noong ika-16 na siglo. Gayunpaman, ilang sandali ay lumitaw ito bagong impormasyon na ang Italian source ng 1397 (“Decameron” ni G. Boccacio) ay naglalaman din ng impormasyon tungkol sa instrumento. Ang pinaka sinaunang larawan mga petsa pabalik sa 1425 - sa isang altar sa Minden.

Utang ng harpsichord ang pinagmulan nito sa psalterium. Ang disenyo ng sinaunang hinalinhan na ito ay binago at isang mekanismo ng keyboard ang idinagdag. Ang mga unang harpsichord ay hindi masyadong katulad sa modernong bersyon. Ang mga ito ay hugis-parihaba at mukhang isang "libre" na clavichord, tanging ang mga string ay may iba't ibang haba.

Sa isang pagkakataon, ang harpsichord ay napakapopular at matagumpay na ginamit sa mga ensemble at orkestra. Noong ika-17 – ika-18 siglo, naging laganap ang instrumento bilang solong instrumento. Ang kakaibang timbre ng harpsichord ay ganap na angkop sa magiting na oras na ito. SA maagang XIX siglo, halos hindi na nagagamit ang instrumento hanggang sa muling nabuhay ang kultura ng pagtugtog nito sa pagpasok ng ika-19-20 siglo.

Mga uri

Ang pangalang "harpsichord" ay kabilang sa mga instrumento sa keyboard na may hanay na hanggang 5 octaves at may hugis na pakpak. Mayroon ding mas maliliit na uri ng instrumento, na may kasamang isang hanay ng mga kuwerdas, at ang saklaw ng mga ito ay umaabot lamang sa 4 na octaves. Kaya, bukod sa mga ito ay namumukod-tangi: ang spinet, kung saan ang mga string ay matatagpuan pahilis, ang muzelard - hugis-parihaba sa hugis at ang mga string na matatagpuan mahigpit na patayo sa keyboard. Bilang karagdagan, ang virginel ay iba rin.

Video: makinig sa harpsichord

CLAVISIN [Pranses] clavecin, mula sa Late Lat. clavicymbalum, mula sa lat. clavis - key (kaya ang key) at cymbalum - cymbals] - isang plucked keyboard musical instrument. Kilala mula noong ika-16 na siglo. (nagsimulang itayo noong ika-14 na siglo), ang unang impormasyon tungkol sa harpsichord ay nagsimula noong 1511; Ang pinakalumang nakaligtas na instrumento na ginawa sa Italya ay itinayo noong 1521.

Ang harpsichord ay nagmula sa psalterium (bilang resulta ng muling pagtatayo at pagdaragdag ng mekanismo ng keyboard).

Sa una, ang harpsichord ay quadrangular sa hugis at kahawig ng isang "libre" na clavichord sa hitsura, sa kaibahan kung saan mayroon itong mga string ng iba't ibang haba (bawat key ay tumutugma sa isang espesyal na string na nakatutok sa isang tiyak na tono) at isang mas kumplikadong mekanismo ng keyboard. Ang mga string ng harpsichord ay itinakda sa panginginig ng boses sa pamamagitan ng pagbunot sa tulong ng balahibo ng ibon na naka-mount sa isang pamalo - isang pusher. Kapag pinindot ang susi, tumaas ang pusher na nasa likurang bahagi nito at ang balahibo ay nakakabit sa string (sa kalaunan ay isang leather plectrum ang ginamit sa halip na isang balahibo ng ibon).

Ang istraktura ng itaas na bahagi ng pusher: 1 - string, 2 - axis ng mekanismo ng paglabas, 3 - languette (mula sa French languette), 4 - plectrum (dila), 5 - damper.

Ang tunog ng harpsichord ay napakatalino, ngunit unsung (maikli) - na nangangahulugang hindi ito pumapayag sa mga dinamikong pagbabago (ito ay mas malakas, ngunit hindi gaanong nagpapahayag kaysa doon), ang pagbabago sa lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa likas na katangian ng strike sa mga susi. Upang mapahusay ang sonority ng harpsichord, nadoble, triple at kahit quadrupled na mga string ang ginamit (para sa bawat tono), na nakatutok nang sabay-sabay, octave, at kung minsan ay iba pang mga agwat.

Ebolusyon

Mula noong simula ng ika-17 siglo, sa halip na mga string ng gat, ginamit ang mga metal na string, na tumataas ang haba (mula sa treble hanggang bass). Ang instrumento ay nakakuha ng isang hugis-triangular na hugis ng pakpak na may isang pahaba (kahanay sa mga susi) na pagkakaayos ng mga string.

Noong ika-17-18 siglo. Upang bigyan ang harpsichord ng dynamic na mas iba't ibang tunog, ang mga instrumento ay ginawa gamit ang 2 (minsan 3) manual na mga keyboard (manual), na nakaayos sa isang terrace-like na paraan, isa sa itaas ng isa (kadalasan ang itaas na manual ay nakatutok sa isang octave na mas mataas) , pati na rin sa mga switch ng rehistro para sa pagpapalawak ng trebles, pagdodoble ng octave ng mga basses at mga pagbabago sa pangkulay ng timbre (lute register, bassoon register, atbp.).

Ang mga rehistro ay pinatatakbo ng mga lever na matatagpuan sa mga gilid ng keyboard, o sa pamamagitan ng mga pindutan na matatagpuan sa ilalim ng keyboard, o ng mga pedal. Sa ilang harpsichord, para sa mas malawak na pagkakaiba-iba ng timbre, ang isang ika-3 na keyboard ay inayos na may ilang katangiang pangkulay ng timbre, kadalasang nakapagpapaalaala sa isang lute (ang tinatawag na lute keyboard).

Hitsura

Sa panlabas, ang mga harpsichord ay karaniwang pinalamutian nang napaka elegante (ang katawan ay pinalamutian ng mga guhit, inlay, at mga ukit). Ang pagtatapos ng instrumento ay pare-pareho sa mga naka-istilong kasangkapan sa panahon ng Louis XV. Noong ika-16-17 siglo. Ang mga harpsichord ng Antwerp masters na si Rukkers ay namumukod-tangi para sa kanilang kalidad ng tunog at masining na disenyo.

Harpsichord sa iba't ibang bansa

Ang pangalang "harpsichord" (sa France; harpsichord - sa England, keelflugel - sa Germany, clavichembalo o dinaglat na cymbal - sa Italy) ay pinanatili para sa malalaking instrumentong hugis pakpak na may saklaw na hanggang 5 octaves. Mayroon ding mas maliliit na instrumento, kadalasang hugis-parihaba, na may iisang kuwerdas at may hanay na hanggang 4 na octaves, na tinatawag na: epinet (sa France), spinet (sa Italy), virginel (sa England).

Harpsichord na may patayong katawan - . Ginamit ang harpsichord bilang solo, chamber ensemble at orchestral instrument.

Ang lumikha ng virtuoso harpsichord style ay Italyano na kompositor at harpsichordist na si D. Scarlatti (may-ari siya ng maraming gawa para sa harpsichord); ang nagtatag ng French school of harpsichordists ay si J. Chambonnière (ang kanyang "Harpsichord Pieces", 2 libro, 1670 ay sikat).

Kabilang sa mga French harpsichordists noong huling bahagi ng ika-17 at ika-18 na siglo. - , J.F. Rameau, L. Daquin, F. Daidrieu. Ang musikang French harpsichord ay ang sining ng pinong lasa, pinong asal, rationalistically malinaw, subordinate sa aristocratic etiquette. Ang maselan at malamig na tunog ng harpsichord na katugma ng " sa magandang anyo» piling lipunan.

Ang galante na istilo (rococo) ay natagpuan ang matingkad na embodiment nito sa mga French harpsichordists. Ang mga paboritong tema ng mga miniature ng harpsichord (miniature ay isang katangian na anyo ng Rococo art) ay mga larawan ng babae(“Mapang-akit”, “Malandi”, “Mapanglaw”, “Mahiyain”, “Kapatid na Monica”, “Florentine” ni Couperin), magiting na sayaw (minuet, gavotte, atbp.) at mga idyllic na larawan ng buhay magsasaka (The Reapers) na inookupahan isang malaking lugar , “The Grape Pickers” ni Couperin), onomatopoeic miniatures (“The Hen”, “The Clock”, “The Chirping” ni Couperin, “The Cuckoo” ni Daquin, atbp.). Ang isang tipikal na katangian ng musika ng harpsichord ay isang kasaganaan ng melodic embellishments.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. ang mga gawa ng French harpsichordists ay nagsimulang mawala sa repertoire ng mga performer. Bilang isang resulta, ang instrumento, na may napakahabang kasaysayan at tulad ng isang mayamang artistikong pamana, ay pinilit na umalis sa musikal na pagsasanay at pinalitan ng piano. At hindi lamang pinalitan, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo.

Nangyari ito bilang isang resulta ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Baroque aesthetics, na batay sa alinman sa isang malinaw na nabalangkas o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga nakakaapekto (sa madaling sabi ang kakanyahan: isang mood, nakakaapekto - isang kulay ng tunog), kung saan ang harpsichord ay isang perpektong paraan ng pagpapahayag, unang nagbigay daan. sa worldview ng sentimentalism, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - classicism at, sa wakas, romanticism. Sa lahat ng mga estilo na ito, ang pinaka-kaakit-akit at nilinang na ideya ay, sa kabaligtaran, ang ideya ng pagbabago - mga damdamin, mga imahe, mga mood. At naipahayag ito ng piano. Ang harpsichord ay hindi maaaring gawin ang lahat ng ito sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.