Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Para sa kasaysayan French opera Ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay naging isang punto ng pagbabago, isang panahon ng mga pagbabago sa mga direksyon, estilo, at isang panahon ng reorientation ng genre. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang genre ng "grand opera" ay nangingibabaw dito, na nauugnay sa estilo ng mga nobela ni V. Hugo, kasama ang dramaturgy ng E. Scribe, na kinakatawan ng gawa ni J. Meyerbeer. Ang mga plot na katangian ng "grand opera" ay unti-unting nawawalan ng kaugnayan at nagsimulang maisip bilang stilted. Ang isang bagong pampanitikan paaralan ay ipinanganak sa France, ito ay tinatawag na "paaralan ng nerbiyos sensitivity" - ito ang mga gawa ni A. Dumas ang anak na lalaki ("Lady of the Camellias", "Dame of the Demi-monde", "Diane de Liz"), ang magkapatid na Goncourt ("René Mauprin"), A. Daudet ("Sappho"). Sa mga akdang ito, ang lahat ng atensyon ng mga may-akda ay nakatuon sa pagpapakita ng panloob na mundo ng mga bayani. At kadalasan - mga pangunahing tauhang babae, kababaihan, madalas - kinakabahan, maimpluwensyahan, marupok, mapusok na kababaihan. Ang isang tipikal na imahe ay isang "nagsisisi na makasalanan", isang ginang ng demimonde, nangangarap ng kaligayahan, ngunit pinilit na talikuran ang kanyang mga pangarap at pagmamahal. Kaya, pagkatapos ng mga monumental na makasaysayang drama ng Hugo, ang love-lyrical na drama at melodrama ay naging isang bagong sentro ng atraksyon para sa French theater.

Sa panitikan na ito, isang bagong genre ang lumitaw sa French musical theater - lyric opera (tandaan na ang opera na "La Traviata" ni G. Verdi ay naging isang uri ng pag-asa sa genre na ito). Nagbago siya, ngunit hindi inalis ang genre ng "grand opera". Parehong sina Gounod at Bizet (ang pinakamalaking Pranses na kompositor ng opera noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo) ay bumaling din sa genre ng grand opera, ngunit ito ay isang pagkilala sa nakaraan. At uso sa bagong panahon ang lyric opera. Ang Grand Opera theater mismo ay nakita sa mga taong ito bilang isang balwarte ng gawain. Lahat ng bago ay nangyari sa Opera Theater, na umiral sa Paris mula 1851 hanggang 1870.

Ang unang nakumpletong halimbawa ng lyric opera ay itinuturing na opera ni Charles Gounod na Faust (1859). Si Gounod ang nakagawa ng bagong istilo ng opera at ito ang makasaysayang kahalagahan ng kanyang trabaho. Siya ang may-akda ng 12 opera, iba ang genre. Ito ang comic opera na "The Reluctant Doctor" (1858), at ang opera sa istilong Meyerbeer na "The Queen of Sheba" (1862). Ngunit ang pinakamahusay ay ang mga gawa na kabilang sa lyrical genre: "Faust" (1859), "Mireille" (1864) at "Romeo and Juliet" (1867). Dagdag pa, si Thomas (Mignon, 1866, Hamlet, 1868), J. Bizet (The Pearl Fishers, 1863, The Beauty of Perth, 1867), Delibes (Lakmé, 1883) ay bumaling sa genre ng lyrical opera. Ang huling kapansin-pansing mga halimbawa ng genre na ito ay ang mga gawa ni Jules Massenet, pagkatapos ng Bizet, ang pinakakilalang kompositor ng opera sa France noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Tinawag ng mga kontemporaryo si Massenet na "isang makata kaluluwang babae" Bilang may-akda ng higit sa 20 opera, ganap niyang natagpuan ang kanyang sarili sa mga liriko na opera - "Manon" (1881-84, batay sa nobela ni Abbot Prevost) at "Werther" (1886, "The Sorrows of Young Werther" ni Goethe ).

Ang liriko na opera ay lumago mula sa parehong romantikong pinagmulan ng grand opera. Ang grand opera ay naging isang pagpapahayag ng kalunos-lunos na romantikismo, ang oryentasyong panlipunan-kritikal nito. Ito ay isang opera batay sa pagbuo ng isang linya ng aksyong masa. Ang liriko na opera ay ang kabilang panig ng romanticism: intimacy, intimacy, psychologism.

Salamat sa lyrical opera, lumilitaw ang mga bagong plot sa musical at theatrical stage, o ang mga klasikong plot ay ipinahayag sa isang ganap na bagong paraan. Ang mga kompositor ay madalas na bumaling kay Shakespeare ("Romeo at Juliet", "Hamlet") at Goethe ("Faust", "Werther"). Ang pilosopikal na nilalaman ng orihinal na mapagkukunan sa opera ay nabawasan, ang mga klasikal na plot ay pinagkaitan ng kanilang pangkalahatang kapangyarihan, at nakakakuha ng isang pang-araw-araw, hindi mapagpanggap na hitsura. Isa pa mahalagang bahagi plots - isang pag-alis mula sa romantikong kagalakan at pagiging eksklusibo. Bilang isang patakaran, ang mga pangunahing tauhan ay mga mahilig sa liriko, iyon ay, ang anumang balangkas ay pangunahing binibigyang kahulugan bilang isang liriko na drama, o kahit na melodrama. As in modern panitikang Pranses(“school of nervous sensitivity”) ang atensyon ay lumilipat mula sa bayani patungo sa pangunahing tauhang babae. Halimbawa, sa opera na "Faust" ni Gounod, na isinulat batay sa unang bahagi ng nobela ni Goethe, ang pilosopikal na nilalaman ng gawa ni Goethe ay halos hindi apektado, ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa isang liriko at pang-araw-araw na aspeto. Ang imahe ni Margarita ay nagiging sentro (tinawag pa nga ng mga kontemporaryo ang opera mismo na "Margarita" at hindi "Faust").

Ang isa pang direksyon sa French lyric opera ay nauugnay sa mga plot ng banyagang pinagmulan, na may oriental, kakaibang lasa. Sa pagtatapos ng 50s, lumitaw ang symphony ni David na "Desert" - isa sa mga unang "oriental" na gawa sa musikang Pranses, ang oriental na tema ay naging sunod sa moda.

Binuksan ng opera ni Bizet na The Pearl Fishers (1863) ang listahan ng mga liriko na "exotic" na opera. Ang aksyon ay nagaganap sa isla ng Ceylon, sa gitna ng mga maninisid ng perlas, laban sa backdrop ng mga nakamamanghang kanta at sayaw, ipinakita ang pagmamahal ng mangangaso na sina Nadir at Leila. Ang mga kaganapan ng isa pang "exotic" na opera ni Bizet, "Djamila" (1872), ay nagaganap sa Cairo, sa harem ng Garzia. Sa gawaing ito, ang kompositor ay gumagamit ng ilang tunay na Arabic melodies at sensitibong bumuo ng kanilang maindayog na intonasyon.

Noong 1864, lumitaw ang opera ni Gounod na Mireille, ang balangkas na kung saan ay konektado sa Provence, ang pinaka makulay at archaic na rehiyon ng France, kung saan napanatili ang mga sinaunang kaugalian at moral. Ang lasa na ito ay naroroon din sa musika ng opera.

Sa opera ni Saint-Saëns na Samson at Delilah (1866-1877), ang balangkas ay kapareho ng sa sikat na oratorio ni Handel, ngunit sa isang ganap na naiibang interpretasyon. Naakit si Handel ng espiritu ng kabayanihan kuwento sa Bibliya. Sa Saint-Saëns, ang opera ay binubuo ng isang serye ng mga makukulay na oriental painting, sa gitna ng opera - imahe ng babae ang mapanlinlang na seductress na si Delilah.

Ang oriental na lasa ay banayad ding ipinapahayag sa opera na "Lakmé" ni Delibes (mula sa buhay ng mga Indian).

Tandaan natin na ang mga imahe ng Silangan sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay sumakop din sa isang makabuluhang lugar sa mga opera ng mga kompositor ng iba pang mga pambansang paaralan: Russian (Glinka, Borodin, Rimsky-Korsakov), Italyano (Verdi's Aida, Cio-Cio -San" at "Turandot" ni Puccini), at natagpuan din ang isang napaka-natatanging pagmuni-muni sa musika ng mga impresyonistang Pranses (Debussy, Ravel).

Ang French lyric opera ay nauugnay hindi lamang sa pag-update ng mga plot. Nagiiba ang istilo ng musika ng opera mismo.

Una, upang bigyang-diin ang pagiging simple at katapatan ng mga plot, ang pagiging karaniwan ng mga damdamin ng mga character, ang mga kompositor ay nagsisikap na "pasimplehin" ang musikal na wika ng opera, na inilalapit ito sa pang-araw-araw na kultura ng musika sa kanilang panahon. Kaya sa Pranses entablado ng opera tumatagos ang elemento ng romansa. Ang romansa ay ipinakilala sa opera hindi lamang bilang solong numero. Minsan ang dramatikong linya ng balangkas ay nabubuo sa pamamagitan ng pagbabago ng simula ng pag-iibigan (ito ay sa pagsasadula ng melody ng romansa na ang pagbuo ng imahe ni Margarita sa Faust, ang tanging imahe ng opera, na ibinigay sa dinamika ay batay: mula sa isang walang muwang na paggising ng mga damdamin sa isang marubdob na rapture sa kanila at pagkatapos ay sa kalunos-lunos na pagtatapos, kabaliwan ng pangunahing tauhang babae).

Pangalawa, sa mga opera na may "exotic" na mga plot, ang lahat ng mga uri ng oriental na intonasyon, na nakikita nang hindi direkta, sa pamamagitan ng European vision, ay nagsisimulang gamitin. Ngunit sa ilang sandali ay umabot pa ito sa orihinal na pagpaparami (“Djamile” ni Bizet).

Ito ang dalawang pangunahing paraan upang i-update ang istilong musikal ng French opera.

Ang lyric opera bilang isang malayang genre ay mabilis na naubos ang sarili nito. Nagtagumpay na si J. Bizet, sa kanyang pinakamahusay na opera, Carmen, na pagtagumpayan ang makitid na mga hangganan ng lyric opera, na umabot sa taas ng operatic realism (1875). Noong 90s, ang modernong tema ay naging mas aktibo sa teatro ng Pransya. Sa mga gawa ni Alfred Bruno (ang opera na "The Dream" batay sa nobela ni E. Zola, 1891, ang opera na "The Siege of the Mill" batay sa Maupassant, 1893) at Charpontier (ang opera na "Louise", 1900) , kapansin-pansin ang mga katangian ng naturalismo. Noong 1902, sa paggawa ng opera na "Pelleas et Mélisande" ni C. Debussy, binuksan ang isang bagong panahon sa musikal at teatro na kultura ng France.

G.Verdi.

Opera "Troubadour". 1 act (No. 2 scene and Leonora’s cavatina, No. 3 scene and Manrico’s romance); Act 2 (No. 6 Azucena's song, No. 7 scene at Azucena's story); Act 3 (scene No. 13 at Manrico’s aria); Act 4 (scene No. 14 and Leonora's aria and chorus "Miserere").

Opera "Rigoletto" 1 act (No. 1 prelude and introduction, No. 2 the Duke's ballad "this or that", No. 7 scene and duet of Rigoletto and Gilda, No. 9 Gilda's aria "The heart is full of joy", No. 10 eksena at koro "Hush, hush"); Act 2 (scene No. 12 and Rigoletto’s aria “Courtisans...”, scene No. 13, 14 and the duet of Gilda and Rigoletto “I entered the temple humbly”); Act 3 (No. 15 Duke's song "Heart of Beauties", No. 16 Quartet).

Opera "La Traviata" Act 1 (Introduction, Alfred's drinking song "We will raise high the cup of joy", final scene and Violetta's aria "Aren't you for me"); Act 2 (eksena at duet nina Violetta at Germont); Act 3 (orchestral prelude, Violetta's aria na "Forgive you forever", eksena at duet nina Violetta at Alfred "We will leave Paris", finale).

Opera Aida" orchestral prelude, 1 act (No. 2 recitative and romance by Radamès "Sweet Aida", chorus "To the Sacred Banks of the Nile", No. 5 solo scene of Aida, No. 6 dedication scene and finale); Act 2 (scene No. 8 at duet nina Amneris at Aida, finale - chorus "Glory to Egypt", chorus "Laurel Wreaths", march); Act 3 (No. 10 introduction, choral prayer and Aida's romance "Azure Sky", No. 12 duet of Radames and Aida); Act 4 (duet nina Amneris at Radames "Lahat ng mga pari ay nagtipon doon", duet nina Aida at Radames na "Patawarin ang Lupa").

Opera "Tannhäuser": overture, act 2 (eksena ng kumpetisyon - kanta ni Wolfram); Act 3 (Wolfram's romance "To the Evening Star", Elizabeth's prayer).

Opera "Lohengrin": Act 1 (orchestral introduction, ang kuwento ni Elsa tungkol sa panaginip na "Naaalala ko kung paano ako nanalangin", ang koro ng mga tao na "Narito! Narito! Oh, anong himala!"); Act 2 (orchestral introduction, arioso by Friedrich Telramund “You have ruined me”, panunumpa ng paghihiganti ni Friedrich at Ortrud, arioso ni Elsa “O light-winged wind”); Act 3 (orchestral introduction, wedding chorus "Our Lord is Good", love duet of Elsa and Lohengrin "Wonderful Fire", kuwento ni Lohengrin "In the Holy Land").

Opera "Tristan at Isolde": symphonic introduction to act 1; Act 1 – eksena ng pag-inom ng love potion; Act 2, scene 2 – love duet nina Tristan at Isolde; Act 3 (pagpapakilala at himig ng mga pastol, pinangyarihan ng pagkamatay ni Isolde).

Opera "Das Rheingold": orkestra na pagpapakilala, interlude sa pagitan ng mga eksena 2 at 3 (pagbaba sa Nibelheim), eksena 4.

Opera "Valkyrie": Act 1 (pagpapakilala at unang eksena ng Siegmund at Sieglinde); Act 3 (“flight of the Valkyries”, scene three – ang paalam ni Wotan kay Brünnhilde at ang fire spells).

Opera "Siegfried": 1 act (ang unang kanta ni Siegfried "Notung, Notung, ang magiting na espada" at ang pangalawang kanta ni Siegfried "Ang aking malakas na espada ay sumuko sa martilyo"); Act 2 (scene two, “the rustle of the forest”).

Opera "Kamatayan ng mga Diyos": symphonic episode ng paglalakbay ni Siegfried sa kahabaan ng Rhine mula sa prologue; Act 3 (Kuwento ni Siegfried at martsa ng libing).

Opera "Faust": Act 1 (Mephistopheles' couplets "Ang buong sangkatauhan ay nasa lupa"); Act 2 (Siebel's couplets "Tell me", Faust's cavatina "Hello, sacred shelter", Margarita's aria "with pearls"); Act 3 (Mephistopheles' serenade "Lumabas ka, oh mahal kong kaibigan").

Symphonic suites mula sa musika hanggang sa drama ni Daudet "Arlesian".

Opera "Carmen": overture (3 tema), 1 act (martsa at koro ng mga batang lalaki No. 2, koro ng mga manggagawa "Tingnan kung paano lumilipad ang isang stream ng usok", unang hitsura ng Carmen No. 3, habanera Carmen "Ang pag-ibig ay..." No. 4, scene No. 5 - appearance of Jose , theme of fatal passion, theme of Jose's love Duet of Micaela and Jose No. 6. Scene of Carmen with soldiers - song about an old husband, seguidilla of Carmen); Act 2 (symphonic intermission, gypsy dance and song of Carmen, couplets of Escamillo No. 13, scene of Carmen and Jose, Jose's aria with a flower); Act 3: symphonic intermission, Sextet and smugglers' choir No. 18, Carmen's fortunelling scene No. 19; Act 4 - symphonic intermission, Choir No. 24 - square sa Seville, magtatapos ang duet. Koro Blg. 26

French Theater (G. B. Aseeva)

Makasaysayang kondisyon ng pag-unlad (L. A. Levbarg)

Ang 19th CENTURY ay minarkahan sa France sa pamamagitan ng isang malakas na pagtaas sa lahat ng mga spheres pampublikong buhay at kultura, ay nagbigay sa mundo ng ilan sa mga pinakadakilang artista sa lahat ng anyo ng sining.

Binigyang-diin ni Engels na ang France ang “gumanap ng pangunahing papel sa lahat kasaysayan ng Europa mula noong 1789..." 1. Ang espesyal na lugar ng France sa kasaysayan ng Europa noong ikalabinsiyam na siglo ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanang dito "ang makasaysayang pakikibaka ng uri, higit pa kaysa sa ibang mga bansa, sa bawat oras na umabot sa isang mapagpasyang wakas." 2 Ito ang nangyari noong mga taon ng unang burgis na rebolusyon noong 1789 - 1794, na nagbukas ng bagong yugto ng kasaysayang pag-unlad at tiniyak ang tagumpay ng burges na sistema sa pyudalismo.

1 (Marx K., Engels. F. Soch., tomo 22, p. 532.)

2 (Ibid., tomo 21, p. 258 - 259.)

Ang Thermidorian Convention (1794 - 1795) at ang gobyerno ng Direktoryo (1795 - 1799), na pinipigilan ang parehong mga popular na pag-aalsa at mga talumpati ng pyudal na maharlika, ay tumulong na palakasin ang mga posisyon ng matagumpay na burgesya. Sa panahon ng paghahari ni Napoleon I (Konsulado, 1799 - 1804, at Imperyo, 1804 - 1814), na nagtataguyod ng isang anti-pyudal na patakaran, ay lumikha ng mga kondisyon para sa masinsinang pag-unlad ng burges na ekonomiya, para sa pagpapaunlad ng malayang kumpetisyon, mga bagong kontradiksyon na nabuo. sa pamamagitan ng kapitalistang sistemang umusbong. Ang mga digmaan ng pananakop ni Napoleon ay naglagay ng karagdagang pasanin sa mga balikat ng masa. Ang mga huling taon ng Imperyo ay nagsiwalat ng pagbagsak ng patakaran ng pagsakop ni Napoleon, na ang huling pagbagsak pagkatapos ng Labanan sa Waterloo (1815) ay nagbukas ng daan para sa pyudal-Katoliko na reaksyon. Mula sa mga guho ng Napoleonic empire, ang "Banal na Alyansa" ay bumangon, brutal na pinipigilan ang kilusang pagpapalaya na dumaan sa Europa.

Ang panahon ng pagpapanumbalik ng Bourbon (Louis XVIII, 1815 - 1824; Charles X, 1824 - 1830), batay sa pyudal na bilog ng lipunan at Simbahang Katoliko, ay minarkahan ng madugong takot at ang pagnanais na ibalik ang "lumang rehimen" sa France . Ngunit ito ay medyo makapagpapabagal sa proseso ng matatag na pagbubuo ng burges na sistema. Ang isang malalim na krisis sa ekonomiya at lumalalang kontradiksyon sa pulitika ay humantong noong Hulyo 1830 sa isang rebolusyonaryong pagsabog at ang pangwakas na pagbagsak ng dinastiyang Bourbon. Ang pag-akyat sa trono ng Duke ng Orleans, Louis-Philippe, ay nangangahulugan ng pagbabago ng France sa isang burges na monarkiya.

Nagkaroon ng internasyonal na resonance ang Rebolusyong Hulyo. Nagdulot ito ng matinding dagok sa sistema ng Banal na Alyansa, nag-ambag sa pag-usbong ng pambansang kilusan sa pagpapalaya sa ilang bansa, na humantong sa tagumpay ng burgesya laban sa mga klerikal at marangal na pwersa at binago ang balanse ng mga pwersa ng uri sa France. Ang pangunahing tunggalian sa lipunan ay ang pakikibaka sa pagitan ng burgesya at proletaryado, na mula noong 1830 ay “kinikilala bilang ikatlong manlalaban para sa dominasyon” 1 . Mula noong pag-aalsa ng mga maghahabi ng Lyon noong 1831, na itinuring nina Marx at Engels na isang turning point sa pag-unlad ng tunggalian ng mga uri sa Kanlurang Europa, ang Monarkiya ng Hulyo ay patuloy na niyanig ng mga rebolusyonaryong aksyon ng masa ng proletaryado. Noong 1840s, lumago ang pakikibaka sa welga, na sinamahan ng mga armadong sagupaan.

1 (Marx K., Engels F. Soch., tomo 21, p. 308.)

Ang rebolusyonaryong ferment ng unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo ay umabot sa kasukdulan nito noong 1848, nang ang isang alon ng mga armadong pag-aalsa ay bumalot sa ilang mga bansa - France, Germany, Italy, Austria, Hungary at iba pa. Sa kalagitnaan ng siglo, natagpuan ng internasyonal na proletaryado ang mga dakilang ideologist nito. Sa panahong ito nagsimulang lumikha sina K. Marx at F. Engels ng teorya ng rebolusyonaryong kilusang paggawa - siyentipikong sosyalismo, ang pinakamalaking kontribusyon sa kasaysayan ng siyentipikong kaisipan, isang makapangyarihang sandata ng pandaigdigang kilusang paggawa.

Noong Hunyo 1848, ang una, ayon kay Marx, ay naganap sa France ang malaking labanan sa pagitan ng dalawang pangunahing uri ng modernong lipunan. Sa pamamagitan ng pagsisikap ng rebolusyonaryong masa, ang Monarkiya ng Hulyo ay napabagsak. Ngunit hindi pinahintulutan ng kawalang-gulang sa pulitika at pagkakawatak-watak ng proletaryado na mapanatili ang mga demokratikong tagumpay ng rebolusyon. Ang protégé ng burges-monarchist circles, si Louis-Napoleon Bonaparte, ay nahalal na pangulo ng Second Republic, at noong Disyembre 2, 1851, pinamunuan niya ang isang coup d’état. Makalipas ang isang taon, noong Disyembre 2, 1852, opisyal na idineklara ang Ikalawang Imperyo.

Ang paghahari ni Napoleon III (1852 - 1870) ay nailalarawan sa mabilis na paglaki ng malaking industriya at kapital sa pagbabangko. Kasabay nito, lumilikha ang rebolusyong industriyal ng mga kondisyon para sa pag-unlad ng proletaryado. Lumalakas ang kilusang paggawa, lumalaganap ang mga ideya ng Marxismo, at lumilitaw ang mga unang propesyonal na asosasyon ng mga manggagawa. Sa simula ng 1865, lumitaw ang mga cell ng First International sa France. Sa pagtatapos ng 1860s, isang rebolusyonaryong sitwasyon ang umuusbong. Ito ay pinalala ng digmaang Franco-Prussian noong 1870 - 1871, na humantong sa bansa sa isang pambansang sakuna - ang pananakop ng Prussian sa France. Ang Rebolusyong Setyembre ng 1870, na nagwakas sa rehimeng Bonapartista at nagproklama sa France bilang Ikatlong Republika, ay isang bagong hakbang sa landas ng mga burgis-demokratikong reporma, ngunit hindi malutas ang pangunahing tunggalian ng panahon.

Isang natural na bunga ng lumalalim na mga kontradiksyon ng uri ay ang Paris Commune ng 1871, na nagbigay sa mundo ng unang halimbawa ng diktadura ng proletaryado.

Sa kultura ng teatro sa mundo noong ika-19 na siglo, hawak ng France ang isa sa mga nangungunang lugar. Ang magulong mga kaganapan sa buhay panlipunan at pampulitika ay higit na natukoy ang pag-unlad ng sining ng Pransya.

Sa unang kalahati XIX na siglo Ang teatro ng Pransya ay bubuo sa ilalim ng tanda ng romantikismo. Sa kabila ng lahat ng ideolohikal na heterogeneity ng mga romantiko, pinag-isa nila ang kanilang mga pagsisikap sa paglaban sa klasisismo, ang mga tradisyon na kung saan ay malakas sa France, higit pa kaysa sa ibang bansa. Ang mga laban para sa romantikong pagbabago ng teatro ay nakakuha ng mga implikasyon sa pulitika sa ilang mga kaso. Ang prosesong ito ay natapos pagkatapos ng rebolusyon ng 1830 sa tagumpay ng mga romantiko, na kumuha ng isang malakas na lugar sa entablado ng mga opisyal na sinehan ng France.

Mula noong 1820s, ang mga unang master ng kritikal na realismo, sina Stendhal at Mérimée, ay naging mga kaalyado ng mga romantiko sa kanilang pakikibaka para sa pagpapanibago ng sining sa teatro. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang pagiging totoo ni Balzac ay umabot sa kasukdulan nito.

Isang tampok ng theatrical life ng France noong 1820s - 1830s ay ang koneksyon sa pagitan ng romantikong drama nina V. Hugo, A. Dumas the Father, at A. de Vigny na may theatrical practice. Ang sitwasyon ay naiiba sa makatotohanang dramaturgy (Mérimée, Balzac), na kadalasang hindi nakapasok sa entablado o sumailalim sa radikal na rebisyon.

Ang unang kalahati ng ika-19 na siglo sa France ay nailalarawan sa pamamagitan ng mabilis na paglaki sa bilang ng mga sinehan. Sa oras na ito, nabuo ang isang uri ng komersyal na teatro, na sinamahan ng panunuhol sa pamamahayag, ang paglitaw ng mga claque at iba pang mga phenomena na tipikal ng burges na teatro.

Gayunpaman, ang natural na prosesong ito ng "kapitalisasyon" ng teatro ay hindi maaaring pawiin ang mataas na ideolohikal na mga damdaming makatao ng mga pigura ng yugto ng Pranses. Ang mga tagumpay ng theatrical art ng France noong ika-19 na siglo ay hindi mapaghihiwalay sa mga dakilang tagumpay ng mga pinakadakilang aktor. Ang mga gawa nina Talma at Dorval, Frederic Lemaître at Rachel ay sumasalamin sa ideolohikal at masining na adhikain ng magulong ika-19 na siglo.

Ang mga makabuluhang pagbabago ay naganap sa teatro ng Pransya pagkatapos ng 1848. Sa konteksto ng tumitinding mga kontradiksyon sa lipunan at sa umuusbong na krisis ng burges na demokrasya, ang teatro ng Pransya ay lumalayo sa drama na mayamang ideolohikal, at umuusbong ang isang paghihiwalay ng teatro sa mahusay na panitikan. Ang repertoire ng komersyal na teatro ay tinutukoy, sa isang banda, sa pamamagitan ng purong nakakaaliw na mga genre, sa kabilang banda, ng tinatawag na "well-made play" (Ogier, Sardou, Dumas the Son), na may hayagang burgis na oryentasyong proteksiyon. Naturally, ang pamamayani ng "maliit na katotohanan" sa entablado ay nakakaapekto rin sa likas na katangian ng sining ng pag-arte noong ikatlong quarter ng ika-19 na siglo. Iilan lamang ang mga masters ng French stage ang nananatiling tapat sa mga advanced na tradisyon ng French theater.

Pranses na teatro

Sa mga pagtatanghal ng huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo, may posibilidad na palawakin ang mga hangganan ng tunay na pagkilos, at mayroong pagtanggi sa mga batas ng pagkakaisa ng panahon at lugar.

Ang mga pagbabago na nakaapekto sa sining ng drama ay hindi maaaring makaapekto sa dekorasyon ng entablado: hindi lamang ang mga kagamitan sa entablado, kundi pati na rin ang mga lugar ng teatro ay nangangailangan ng radikal na muling pagtatayo, ngunit sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay napakahirap na gumawa ng gayong mga pagbabago.

Ang mga sitwasyong ito ay nagpapahintulot sa mga kinatawan ng mga amateur pantomime na paaralan na kumuha ng kanilang nararapat na lugar sa mga aktor ng Bagong Panahon, sila ang naging pinakamahusay na gumaganap ng mga gawa ng makabagong drama.

Unti-unti, lumaganap ang mga pictorial panorama, diorama at neorama sa mga sining ng pagtatanghal noong ika-19 na siglo. Isa sa pinakasikat na master decorator sa France sa panahon ng pagsusuri ay si L. Daguerre.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naapektuhan din ng mga pagbabago ang teknikal na muling kagamitan ng mga yugto ng teatro: noong kalagitnaan ng 1890s, isang umiikot na yugto, na unang ginamit noong 1896, sa panahon ng paggawa ng opera ni Mozart na "Don Giovanni" ni K. Lautenschläger, ay malawakang ginamit.

Isa sa pinakatanyag na Pranses na artista noong ika-19 na siglo ay ang ipinanganak sa Paris na si Catherine Josephine Rafin Duchesnoy (1777-1835). Ang kanyang debut sa entablado ng teatro ay naganap noong 1802. Sa mga taong iyon, ang 25-taong-gulang na aktres ay unang lumitaw sa entablado ng Comedie Française theater noong 1804, sumali na siya sa pangunahing cast ng theater troupe bilang isang socétaire.

Sa mga unang taon ng kanyang trabaho, si Catherine Duchesnoy, na gumanap ng mga trahedya na tungkulin sa entablado, ay kailangang patuloy na makipaglaban para sa palad kasama ang aktres na si Georges. Hindi tulad ng laro huling pagganap Naakit ni Duchesnoy ang atensyon ng madla sa kanyang init at liriko ng kanyang madamdamin at madamdamin na malambot na boses ay hindi makapag-iiwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1808, umalis si Georges patungong Russia, at si Catherine Duchesnoy ang naging nangungunang trahedya na artista ng Comedie Française theater.

Kabilang sa mga pinakamahalagang tungkulin ng aktres ay si Phaedra sa dula ng parehong pangalan ni Racine, Andromache sa "Hector" ni Luce de Lancival, Agrippina sa "Germanica" ni Arno, Valeria sa "Sulla" ni Jouy, Maria Stuart sa the paglalaro ng parehong pangalan ni Lebrun, atbp.

Ang pagganap ng aktres na si Marie Dorval (1798-1849) ay nararapat ding bigyan ng espesyal na pansin, dahil inspirasyon niya at may pambihirang husay na nakapaloob sa entablado ang mga larawan ng kababaihang humahamon sa lipunan sa pakikipaglaban para sa kanilang pagmamahalan.

Si Marie Dorval ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga aktor na ginugol ang kanyang pagkabata sa entablado. Kahit na noon, natuklasan ng batang babae ang hindi pangkaraniwang kakayahan sa pag-arte. Sa maliliit na tungkuling ipinagkatiwala sa kanya ng direktor, sinubukan niyang isama ang isang kumpletong imahe.

Noong 1818, pumasok si Marie sa Paris Conservatory, ngunit iniwan ito makalipas ang ilang buwan. Ang dahilan para sa aksyon na ito ay ang hindi pagkakatugma ng sistema ng pagsasanay ng aktor sa institusyong pang-edukasyon na ito na may malikhaing sariling katangian ng batang talento. Di-nagtagal, naging bahagi si Marie Dorval ng acting troupe ng isa sa pinakamagandang boulevard theater, ang Port Saint-Martin. Dito ginampanan ang papel ni Amalia sa melodrama ni Ducange na “Thirty Years, or the Life of a Gambler,” na nagpasikat sa aktres. Ang pagtatanghal na ito ay nagsiwalat ng napakalaking talento ni Marie; ipinakita niya ang kanyang mahusay na pag-arte sa publiko ng kabisera: na nagawang lumampas sa melodramatic na imahe at makahanap ng tunay na damdamin ng tao, ipinarating ito ng aktres sa manonood na may partikular na pagpapahayag at emosyonalidad.

Noong 1831, ginampanan ni Dorval ang papel ni Ardelle d'Hervey sa romantikong drama ni A. Dumas na "Anthony", at makalipas ang ilang buwan - ang pamagat na papel sa drama ni V. Hugo na "Marion".

Sa kabila ng katotohanan na ang mga patula na dula ay mahirap para sa aktres, dahil ang taludtod ay isang uri ng kombensiyon na sumasalungat sa kanyang agarang emosyonalidad, matagumpay na nakayanan ni Marie ang mga tungkulin. Si Marion, na isinagawa ni Dorval, ay nagdulot ng isang bagyo ng kasiyahan hindi lamang sa madla, kundi pati na rin sa may-akda ng akda.

Noong 1835, ginawa ng aktres ang kanyang debut sa drama ni Vigny na "Chatterton," na isinulat lalo na para sa kanya. Si Kitty Bell, na ginampanan ni Dorval, ay lumitaw sa harap ng madla bilang isang tahimik, marupok na babae na naging may kakayahang magmahal.

Si Marie Dorval, isang aktres na may paos na boses at hindi regular na mga tampok ng mukha, ay naging simbolo ng pagkababae para sa mga manonood noong ika-19 na siglo. Ang pagganap ng emosyonal na aktres na ito, na may kakayahang ipahayag ang napakalaking lalim ng damdamin ng tao, ay gumawa ng hindi malilimutang impresyon sa kanyang mga kontemporaryo.

Ang sikat na Pranses na aktor na si Pierre Bocage (1799-1862), na nakakuha ng katanyagan bilang nangungunang aktor sa mga drama nina Victor Hugo at Alexandre Dumas fils, ay nagtamasa ng partikular na pagmamahal sa publiko.

Si Pierre Bocage ay ipinanganak sa pamilya ng isang simpleng manggagawa; Kahit na sa kanyang pagkabata, naging interesado si Pierre sa gawain ni Shakespeare, na nagsilbing isang katalista para sa kanyang pagkahilig sa entablado.

Si Bocage, na nabuhay sa pangarap ng isang teatro, ay naglakad patungo sa kabisera upang makapasok sa konserbatoryo. Ang mga tagasuri, na natamaan ng kamangha-manghang hitsura at pambihirang pag-uugali ng binata, ay hindi lumikha ng anumang mga hadlang.

Gayunpaman, ang kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory ay naging maikli ang buhay: Si Pierre ay walang sapat na pera hindi lamang upang magbayad para sa mga klase, kundi pati na rin para mabuhay. Di-nagtagal, napilitan siyang umalis sa institusyong pang-edukasyon at sumali sa kumikilos na tropa ng isa sa mga teatro ng boulevard. Sa loob ng ilang taon ay naglibot siya sa mga sinehan, nagtatrabaho muna sa Odeon, pagkatapos ay sa Port Saint-Martin at marami pang iba.

Ang mga imahe na nilikha ni Bocaj sa entablado ay walang iba kundi isang pagpapahayag ng saloobin ng aktor sa nakapaligid na katotohanan, ang kanyang pahayag ng hindi pagkakasundo sa pagnanais ng mga nasa kapangyarihan na sirain ang kaligayahan ng tao.

Si Pierre Bocage ay bumagsak sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin ng mga bayaning rebelde sa mga social drama nina Victor Hugo (Didier sa Marion Delorme), Alexandre Dumas fils (Anthony sa Anthony), F. Pia (Ango sa Ango) at iba pa.

Si Bocage ang nagkusa na lumikha sa entablado ng imahe ng isang malungkot, disillusioned na romantikong bayani, na napahamak sa kamatayan sa paglaban sa naghaharing piling tao. Ang unang papel ng ganitong uri ay si Anthony sa drama ng parehong pangalan ni A. Dumas the Son; ang matalim na paglipat mula sa kawalan ng pag-asa tungo sa kagalakan, mula sa pagtawa hanggang sa mapait na hikbi ay naging nakakagulat na epektibo. Matagal nang matatandaan ng madla ang imahe ni Anthony na ginampanan ni Pierre Bocage.

Ang aktor ay naging aktibong kalahok sa mga rebolusyonaryong kaganapan noong 1848 sa France. Sa paniniwala sa tagumpay ng hustisya, ipinagtanggol niya ang kanyang mga demokratikong adhikain na may hawak na mga armas.

Ang pagbagsak ng mga pag-asa para sa pagtatagumpay ng hustisya sa modernong mundo Hindi pinilit ni Bocage na baguhin ang kanyang pananaw sa mundo, sinimulan niyang gamitin ang entablado ng teatro ng Odeon bilang isang paraan ng paglaban sa arbitrariness at despotismo ng mga awtoridad ng estado.

Di-nagtagal ang aktor ay inakusahan ng mga aktibidad na anti-gobyerno at tinanggal mula sa kanyang posisyon bilang direktor ng teatro. Gayunpaman, hanggang sa pagtatapos ng kanyang mga araw, patuloy na naniniwala si Pierre Bocage sa tagumpay ng hustisya at ipinagtanggol ang kanyang mga mithiin.

Katulad ng mga artista noong unang kalahati ng ika-19 na siglo bilang C. Duchesnoy at M. Dorval, ay nakatayo ang sikat na Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856). Ipinanganak siya sa Mons, sa pamilya ng isang direktor ng teatro. Ang sitwasyong ito ay nagtakda ng buong hinaharap na kapalaran ni Louise Rosalie.

Ang kapaligiran ng buhay teatro ay pamilyar sa sikat na artista mula pagkabata. Nasa edad na sampung taong gulang, ang talentadong batang babae ay nakatanggap ng pagkilala sa komunidad ng pag-arte sa mga papel ng mga bata na ginampanan niya sa teatro ng Parisian Comedie Française ay hindi nag-iwan ng sinuman na walang malasakit.

Noong 1827, pagkatapos ng pagtatapos mula sa klase ng drama sa konserbatoryo, nakatanggap si Louise Allan-Depreo ng propesyonal na edukasyon sa pag-arte. Sa oras na iyon, ang batang aktres ay medyo sikat na, at hindi siya nagulat sa alok na sumali sa acting troupe ng Comedie Française theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1830. Sa panahon mula 1831 hanggang 1836, nagningning si Allan-Depreo sa entablado ng Gymnaz Theater.

Ang isang mahalagang papel sa buhay ng pag-arte ni Louise Rosalie ay ginampanan ng isang paglalakbay sa Russia: dito, sa French troupe ng St. Mikhailovsky Theatre, gumugol siya ng sampung taon (1837–1847) sa pagperpekto sa kanyang mga kasanayan sa pag-arte.

Pagbalik sa kanyang tinubuang-bayan, muling sumali si Allan-Depreo sa troupe ng Comedy Française, naging isa sa mga pinakamahusay na artista sa papel na grand coquette. Ang kanyang pagganap ay nakakuha ng atensyon ng maharlikang strata ng Pranses at lipunang Ruso: pino at matikas na pag-uugali, ang kakayahang magsuot ng isang teatro na kasuutan na may espesyal na biyaya - lahat ng ito ay nag-ambag sa paglikha ng mga larawan ng mga walang kabuluhang social coquettes.

Si Louise Rosalie Allan-Depreaux ay sumikat bilang isang performer sa mga romantikong dula ni Alfred de Musset. Kabilang sa mga pinakatanyag na papel ng aktres na ito ay si Madame de Lery sa “Caprice” (1847), ang Marquise sa dulang “The Door Must Be Open or Closed” (1848), Countess Vernon sa trahedya na “You Can't Provide for Lahat" (1849), at ang Duchess Bouillon sa "Adrienne Lecouvreur" (1849), Jacqueline sa "The Candlestick" (1850), Countess d'Autray sa "The Ladies' War" (1850), atbp.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, nagsimulang magkaroon ng malawak na katanyagan ang mga pantomime theater. Ang pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito ay si Jean Baptiste Gaspard Debureau (1796-1846).

Ipinanganak siya sa pamilya ng direktor ng isang tropa ng teatro, at ang masayang kapaligiran ng teatro ay napuno ang kanyang buong buhay mula pagkabata. Hanggang 1816, si Jean Baptiste Gaspard ay nagtrabaho sa pangkat ng kanyang ama, at pagkatapos ay lumipat sa Rope Dancers troupe, na nagtrabaho sa Funambul Theater, isa sa mga pinaka-demokratikong grupo ng entablado sa kabisera ng Pransya.

Bilang bahagi ng tropa ng "Rope Dancers", ginampanan niya ang papel ni Pierrot sa pantomime na "Harlequin the Doctor," na nagdala sa dalawampung taong gulang na aktor sa kanyang unang tagumpay. Nagustuhan ng madla ang karakter ni Debureau kaya kinailangan ng aktor na isama ang imaheng ito sa maraming iba pang mga pantomime: "The Raging Bull" (1827), "The Golden Dream, o Harlequin and the Miser" (1828), "The Whale" (1832) at "Pierrot sa Africa" ​​(1842).

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang masayang genre ng folk slapstick ay nangingibabaw pa rin sa farce theater. Si Jean Baptiste Gaspard Debureau ay nagdala ng kahulugan sa farce pantomime, sa gayo'y inilalapit ang walang salita na katutubong pagtatanghal sa malalim na makabuluhang mga produksyon ng modernong propesyonal na teatro.

Ito mismo ang nagpapaliwanag sa kasikatan ng Debuer's Pierrot, na kalaunan ay naging isang bayani sa komiks. Sa larawang ito ang tipikal pambansang katangian French character - enterprise, talino sa paglikha at mapang-uyam na panunuya.

Si Pierrot, na sumailalim sa hindi mabilang na mga pambubugbog, pag-uusig at kahihiyan, ay hindi kailanman nawalan ng kalmado at nagpapanatili ng isang hindi maabala na kawalang-ingat, na nagpapahintulot sa kanya na lumabas na matagumpay mula sa alinman, kahit na ang pinakanakalilitong mga sitwasyon.

Ang karakter na ito, na ginampanan ni Deburau, ay galit na tinanggihan ang umiiral na kaayusan; sinalungat niya ang sentido komun ng isang simpleng naninirahan sa lungsod o magsasaka sa mundo ng kasamaan at karahasan.

Sa mga pagtatanghal ng pantomime ng isang mas maagang panahon, ang gumaganap ng papel ni Pierrot ay kinakailangang inilapat ang tinatawag na farcical makeup: pinaputi niya ang kanyang mukha, makapal na winisikan ito ng harina. Sa pagpapanatili ng tradisyong ito, ginamit ni Jean Baptiste Gaspard ang sikat sa mundo na Pierrot na kasuutan upang lumikha ng imahe: mahabang puting pantalon, isang malawak na blusa na walang kwelyo at isang simbolikong itim na headband.

Nang maglaon, sa kanyang pinakamahusay na mga pantomime, sinubukan ng aktor na ipakita ang kasalukuyang tema ng trahedya na kapalaran ng mahihirap sa isang hindi makatarungang mundo. Salamat sa kanyang virtuoso kasanayan, na harmoniously pinagsama ang makinang na eccentricity at malalim na pagmuni-muni panloob na kakanyahan karakter, lumikha siya ng magagandang larawan.

Ang pagganap ni Deburau ay nakakuha ng atensyon ng mga advanced na artistikong intelihente noong ika-19 na siglo. Ang mga sikat na manunulat ay nagsalita nang may kagalakan tungkol sa aktor na ito - C. Nodier, T. Gautier, J. Janin, J. Sand at iba pa Sa mga aristokratikong strata ng lipunang Pranses, walang mga hinahangaan ang talento ni Deburau, na tinatanggihan ang umiiral na kaayusan, na pumukaw sa galit ng mga awtoridad.

Gayunpaman, si Jean Baptiste Gaspard Debureau ay pumasok sa kasaysayan ng sining ng teatro sa mundo hindi bilang isang manlalaban para sa hustisya, ngunit bilang isang tagapalabas lamang ng papel ng isang tanyag na karakter ng alamat. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng trabaho ni Debureau bilang isang aktor ay kalaunan ay makikita sa gawain ng mahuhusay na Pranses na aktor na si M. Mars.

Isang kahanga-hangang artista sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay si Virginie Dejazet (1798-1875). Siya ay ipinanganak sa isang pamilya ng mga artista; maagang pag-unlad ang kanyang talento sa entablado.

Noong 1807, isang mahuhusay na batang babae ang nakakuha ng atensyon ng negosyante ng teatro ng Parisian Vaudeville. Tinanggap ni Virginie ang kasunod na alok na sumali sa acting troupe nang may kagalakan;

Ang trabaho sa Vaudeville ay nag-ambag sa pag-unlad ng mga kasanayan ng batang aktres, ngunit unti-unti itong tumigil upang masiyahan siya. Umalis sa teatro na ito, nagsimulang magtrabaho si Virginie sa Variety, na sinundan ng mga imbitasyon sa Gymnaz at Nuvote, kung saan gumanap ang aktres hanggang 1830.

Ang kasagsagan ng kanyang malikhaing aktibidad ay naganap noong mga taong 1831-1843, nang sumikat si Virginie Dejaze sa entablado ng Palais Royal theater. Sa mga sumunod na taon, ang aktres, na nakakaabala sa kanyang pakikipagtulungan sa mga grupo ng teatro ng Paris, ay madalas na naglibot sa bansa, kung minsan ay nananatili ng isang panahon o dalawa sa mga sinehan sa probinsiya.

Bilang isang dalubhasa sa pag-arte, matagumpay na gumanap si Dejaze sa papel ng isang drag queen, na ginagampanan ang mga tungkulin ng mga rake boys, pampered marquise, mga batang babae at matatandang babae. Ang kanyang pinakamatagumpay na tungkulin ay ginampanan sa mga vaudeville at farces ng Scribe, Bayard, Dumanoir at Sardou.

Madalas itinuro ng mga kasabayan ni Virginie Dejaze ang pambihirang biyaya ng aktres, ang kanyang virtuoso na husay sa pagsasagawa ng stage dialogue at ang kanyang kakayahan para sa tumpak na pagbigkas.

Ang mga masayahin at palabiro na mga pangunahing tauhang babae ni Dejaze, na madaling gumanap ng mga taludtod sa vaudeville, ay tiniyak ang tagumpay ng aktres at ginawa siyang paborito ng maunawaing pampublikong metropolitan sa mahabang panahon. At ito sa kabila ng katotohanan na ang repertoire ni Virginie ay hindi tumutugma sa tradisyonal na panlasa ng mass audience.

Ang galing ng virtuoso ng aktres at malalim pambansang katangian ang kanyang mga laro ay pinaka-malinaw na ipinakita sa pagganap ng mga kanta ni Beranger (sa monologo na "Lisette Beranger" ni Bera, sa vaudeville na "Songs of Beranger" ni Clairville at Lambert-Tibout).

Isa sa mga pinakasikat na artistang Pranses na nagtrabaho sa panahon ng romantikismo sa isang trahedya na papel ay si Elisa Rachel (1821-1858). Ipinanganak siya sa Paris, sa pamilya ng isang mahirap na Hudyo na nagbebenta ng iba't ibang maliliit na bagay sa mga lansangan ng lungsod. Nasa maagang pagkabata, natuklasan ng batang babae ang mga natatanging kakayahan: ang kanyang mga kanta ay umaakit ng maraming mga customer sa stall ng kanyang ama.

Ang likas na talento sa sining ay nagpapahintulot sa labing pitong taong gulang na si Eliza na sumali sa acting troupe ng sikat na French theater na "Comédie Française". Ang kanyang debut role sa yugtong ito ay si Camilla sa dula ni Corneille na "Horace".

Kapansin-pansin na noong 30s ng ika-19 na siglo, ang repertoire ng karamihan sa mga teatro ng kapital ay batay sa mga gawa ng mga nobelista (V. Hugo, A. Vigny, atbp.). Sa paglitaw lamang sa mundo ng teatro ng isang maliwanag na bituin bilang Elisa Rachel, ang mga paggawa ng mga nakalimutang klasiko ay ipinagpatuloy.

Sa oras na iyon, ang pinakamataas na tagapagpahiwatig ng pag-arte sa trahedya na genre ay itinuturing na imahe ni Phaedra sa laro ni Racine na may parehong pangalan. Ang papel na ito ang nagdulot ng malaking tagumpay at pagkilala sa aktres mula sa madla. Si Phaedra, na ginampanan ni Elisa Rachel, ay ipinakita bilang isang mapagmataas, mapaghimagsik na tao, ang sagisag ng pinakamahusay na mga katangian ng tao.

Ang kalagitnaan ng 1840s ay minarkahan ng mga aktibong aktibidad sa paglilibot ng mahuhusay na aktres: ang kanyang mga paglalakbay sa mga bansang Europa ay niluwalhati ang French school of theatrical art. Minsan ay binisita pa ni Rachel ang Russia at North America, kung saan ang kanyang pagganap ay nakatanggap ng mataas na papuri mula sa mga kritiko sa teatro.

Noong 1848, isang dula na batay sa dula ni J. Racine na "Athaliah" ay itinanghal sa entablado ng Comédie Française, kung saan si Eliza Rachel ang gumanap sa pangunahing papel. Ang imahe na nilikha niya, na naging isang simbolo ng kasamaan, mapanirang pwersa na unti-unting sinusunog ang kaluluwa ng pinuno, pinahintulutan ang aktres na muling ipakita ang kanyang natitirang talento.

Sa parehong taon, nagpasya si Eliza na basahin sa publiko ang "La Marseillaise" ni Rouget de Lisle sa entablado ng kabisera. Ang resulta ng pagtatanghal na ito ay ang galak ng gallery at ang galit ng mga manonood na nakaupo sa mga stall.

Pagkatapos mahuhusay na artista Siya ay walang trabaho nang ilang panahon, dahil itinuturing ni Eliza ang repertoire ng karamihan sa mga modernong sinehan na hindi karapat-dapat sa kanyang mataas na talento. Gayunpaman, naakit pa rin ng stage craft ang aktres, at hindi nagtagal ay nagsimula siyang mag-ensayo muli.

Ang aktibong teatro na aktibidad ay nagpapahina sa mahinang kalusugan ni Rachel: ang tatlumpu't anim na taong gulang na aktres ay nagkasakit ng tuberculosis at namatay pagkaraan ng ilang buwan, na nag-iwan sa kanyang mapagpasalamat na mga inapo na may masaganang pamana ng kanyang hindi maunahang kakayahan.

Ang isa sa mga pinakasikat na aktor ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mahuhusay na aktor na si Benoit Constant Coquelin (1841-1909). Ang interes sa sining ng teatro, na ipinakita niya sa kanyang maagang kabataan, ay naging gawain ng kanyang buhay.

Ang pag-aaral sa Paris Conservatory kasama ang sikat na aktor na si Rainier sa mga taong iyon ay nagpapahintulot sa talentadong binata na umakyat sa entablado ng teatro at matupad ang kanyang lumang pangarap.

Noong 1860, ginawa ni Coquelin ang kanyang debut sa entablado ng Comedie Française theater. Ang papel ni Gros-Rene sa dula batay sa dula ni Moliere na "The Annoyance of Love" ay nagdala ng katanyagan sa aktor. Noong 1862, sumikat siya bilang gumaganap ng papel ni Figaro sa dula ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro.

Gayunpaman, ginampanan ni Coquelin ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin (Sganarelle sa "The Reluctant Doctor," Jourdain sa "The Bourgeois in the Nobility," Mascarille sa "Funny Primroses," Tartuffe sa dula ni Molière na may parehong pangalan) pagkatapos umalis sa "Comédie Française" sa 1885.

Kinilala ng maraming kritiko ang pinakamatagumpay na larawang nilikha ng mahuhusay na aktor sa mga paggawa ng mga gawa ni Moliere. Sa huling yugto ng kanyang pagkamalikhain, ang repertoire ni Coquelin ay pinangungunahan ng mga tungkulin sa mga dula ni Rostand.

Ang mahuhusay na aktor ay naging tanyag din bilang may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na treatise at artikulo sa problema ng pag-arte. Noong 1880, ang kanyang aklat na "Art and Theater" ay nai-publish, at noong 1886 isang manwal sa pag-arte na tinatawag na "The Art of the Actor" ay nai-publish.

Sa loob ng labing-isang taon (mula 1898 hanggang 1909) nagtrabaho si Coquelin bilang direktor ng teatro ng Port-Saint-Martin. Malaki ang ginawa ng taong ito para sa pagpapaunlad ng sining sa teatro sa France.

Ang pagpapabuti ng mga kasanayan sa pag-arte ay sinamahan ng pag-unlad ng drama. Ang hitsura ng mga sikat na manunulat tulad ng O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas fils, ang Goncourt brothers at iba pa, na gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa mga sining ng pagtatanghal ng panahon ng romantikismo at realismo, ay nagsimula sa panahong ito.

Sikat na Pranses na manunulat at manunulat ng dula Honore de Balzac(1799-1850) ay ipinanganak sa Paris, sa pamilya ng isang opisyal. Ang mga magulang, na nagmamalasakit sa kinabukasan ng kanilang anak, ay nagbigay sa kanya ng legal na edukasyon; gayunpaman, ang batas ay umaakit sa binata nang mas mababa kaysa sa aktibidad na pampanitikan. Di-nagtagal, ang mga nilikha ni Balzac ay naging malawak na kilala. Sa buong buhay niya, sumulat siya ng 97 nobela, nobela at maikling kwento.

Si Honore ay nagsimulang magpakita ng interes sa theatrical art sa kanyang pagkabata, ngunit ang kanyang unang mga dramatikong obra maestra ay isinulat lamang noong unang bahagi ng 1820s. Ang pinakamatagumpay sa mga gawaing ito ay ang trahedya na "Cromwell" (1820) at ang mga melodramas na "The Negro" at "The Corsican" (1822). Ang mga dulang ito, malayo sa perpekto, ay matagumpay na naitanghal sa entablado ng isa sa mga teatro sa Paris.

Sa mga taon ng pagiging malikhain, lumikha si Balzac ng isang bilang ng mga dramatikong gawa na kasama sa mga repertoire ng maraming mga sinehan sa buong mundo: "The School of Marriage" (1837), "Vautrin" (1840), "The Hopes of Kinola" (1842), "Pamela Giraud" (1843), "The Businessman" "(1844) at "Stepmother" (1848). Ang mga produksyon ng mga dulang ito ay napakapopular.

Ang mga tipikal na larawan ng mga bangkero, stockbroker, tagagawa at pulitiko na nilikha ng manunulat ng dula ay nakakagulat na kapani-paniwala; Ibinunyag ng mga akda ang mga negatibong panig ng daigdig ng burges, ang pananakop nito, imoralidad at anti-humanismo. Sa pagsisikap na ihambing ang kasamaan sa lipunan sa pagiging perpekto ng moral ng mga positibong bayani, ipinakilala ni Balzac ang mga melodramatikong tampok sa kanyang mga dula.

Karamihan sa mga dramatikong gawa ni Balzac ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding tunggalian, batay sa mga kontradiksyon sa lipunan, puspos ng malalim na drama at pagiging tiyak sa kasaysayan.

Sa likod ng mga kapalaran ng mga indibidwal na karakter sa mga drama ng Honore de Balzac ay palaging may malawak na background ng buhay; ang mga bayani, na hindi nawala ang kanilang sariling katangian, ay lumitaw sa parehong oras sa anyo ng mga pangkalahatang imahe.

Ang playwright ay nagsumikap na gawin ang kanyang mga gawa na parang buhay, upang dalhin sa kanila katangian buhay ng isang tiyak na panahon, magbigay ng tumpak na mga katangian ng pagsasalita ng mga character.

Ang mga drama ni Balzac, na nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa dramaturhiya noong ika-19 na siglo, ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng sining ng teatro sa mundo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na dula ng mahuhusay na manunulat ng dulang Pranses, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit ng "The Stepmother", "Kinola's Hopes", na kasama sa mga repertoires ng mga sinehan na tinatawag na "Harbor of Storms", "Kinola's Dreams"; “Eugene Grande” at “Provincial History”, na isinulat batay sa nobelang “The Life of a Bachelor”.

Si Honore de Balzac ay naging tanyag hindi lamang bilang isang playwright at manunulat, kundi bilang isang art theorist. Ang kanyang mga ideya tungkol sa isang bagong teatro ay ipinahayag sa marami sa mga artikulo ni Balzac.

Nagsalita ang manunulat ng dula na may galit tungkol sa censorship, na nagpataw ng bawal sa kritikal na pagmuni-muni ng modernong katotohanan sa entablado ng teatro. Bilang karagdagan, ang komersyal na batayan ay dayuhan sa Balzac teatro XIX siglo kasama ang tipikal nitong burges na ideolohiya at layo mula sa realidad ng buhay.

Ang mahuhusay na French playwright, may-akda ng maraming melodramas, comedies at vaudevilles, Benjamin Antier (1787-1870), ay nagtrabaho sa isang bahagyang naiibang direksyon kaysa sa Balzac.

Ang mga dula ng playwright na ito ay kasama sa repertoire ng maraming mga teatro sa boulevard sa kabisera. Bilang isang tagasuporta ng mga ideyang demokratiko at republikano, sinubukan ni Antje na iparating ang mga ito sa madla, kaya't ang kanyang mga gawa ay nakakatunog ng mga tala ng akusatoryo, na ginagawa itong nakatuon sa lipunan.

Sa pakikipagtulungan sa sikat na Pranses na aktor na si Frédéric Lemaître, isinulat ng playwright ang isa sa mga pinakasikat na dula, "Robert Macker," na itinanghal noong 1834 sa entablado ng Parisian Foley Dramatic Theater. Karamihan sa tagumpay ng dulang ito ay dahil sa mahusay na laro paboritong Frederic Lemaitre ng madla at ang buong tropa ng gumaganap.

Sa iba pang mga dula ni Benjamin Antier, na nagtamasa ng tagumpay sa publiko ng kabisera, ang "The Cabman" (1825), "Masks of Resin" (1825), "Rochester" (1829) at "The Arsonist" (1830) ay nararapat na espesyal na pansin. Sinasalamin din nila ang mga talamak na suliraning panlipunan ng modernong mundo.

Isang innovator sa French drama sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mahuhusay na manunulat na si K. Azimir Jean Francois Delavigne(1793-1843). Bilang isang labing walong taong gulang na batang lalaki, pumasok siya sa mga lupon ng panitikan ng France, at pagkalipas ng walong taon naganap ang kanyang dramatikong debut.

Noong 1819, nagsimulang magtrabaho si Casimir Delavigne sa Odeon Theater, kung saan ang isa sa kanyang mga unang trahedya, "Sicilian Vespers," ay itinanghal. Dito, tulad ng sa maraming iba pang mga naunang gawa ng batang manunulat ng dula, maaaring masubaybayan ng isa ang impluwensya ng mga sikat na theatrical classics ng nakaraan, na hindi pinahintulutan sa kanilang mga likha ang kaunting paglihis mula sa kinikilalang mga canon ng klasisismo.

Ang trahedya na "Marino Falieri" ay isinulat sa parehong mahigpit na tradisyon, na ipinakita sa unang pagkakataon sa teatro ng Port-Saint-Martin. Sa paunang salita sa dulang ito, sinubukan ni Delavigne na bumalangkas ng mga pangunahing prinsipyo ng kanyang mga aesthetic na pananaw. Naniniwala siya na sa modernong drama ay may pangangailangan para sa isang kumbinasyon ng mga masining na pamamaraan ng klasiko at romantikismo.

Pansinin natin na sa panahong iyon maraming mga literary figure ang sumunod sa isang katulad na pananaw, na tama ang paniniwala na ang isang mapagparaya na saloobin lamang sa iba't ibang mga uso sa drama ay magbibigay-daan sa mundo ng sining ng teatro na epektibong umunlad sa hinaharap.

Gayunpaman, ang kumpletong pagtanggi sa mga halimbawa ng klasikal na sining, lalo na sa larangan ng pampanitikang patula na wika, ay maaaring maging dahilan ng paghina ng panitikang teatro sa pangkalahatan.

Ang mahuhusay na manunulat ng dula ay naglalaman ng kanyang mga makabagong tendensya sa kanyang mga huling gawa, na ang pinakamahalaga ay ang trahedya na "Louis XI," na isinulat noong 1832 at itinanghal pagkalipas ng ilang buwan sa entablado ng teatro ng Comédie Française.

Ang trahedya ni C. J. F. Delavigne, na nailalarawan sa pamamagitan ng romantikong poetics, matingkad na dinamismo ng mga imahe at banayad na lokal na kulay, ay naiiba nang malaki sa mga tradisyonal na klasikal na dula.

Ang imahe ni Haring Louis XI, na paulit-ulit na kinakatawan sa entablado ng pinakamahusay na mga aktor sa France at iba pang mga bansa sa Europa, ay naging isa sa pinakamamahal sa mga aktor. Kaya, sa Russia, ang papel na ginagampanan ni Louis ay maganda na ginampanan ng mahuhusay na aktor na si V. Karatygin, sa Italya - ni E. Rossi.

Sa buong buhay niya, si Casimir Jean-François Delavigne ay sumunod sa mga anti-klerikal na pananaw ng mga tagasuporta ng kilusang pambansang pagpapalaya, nang hindi lumalampas sa mga hangganan ng katamtamang liberalismo. Tila, tiyak na ang pangyayaring ito ang nagbigay-daan sa mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula na magkaroon ng malawak na katanyagan sa mga naghaharing pili ng panahon ng Pagpapanumbalik at hindi mawala ito kahit na sa mga unang taon ng Monarkiya ng Hulyo.

Kabilang sa mga pinakatanyag na gawa ni Delavigne ay ang mga trahedya na "Pariah" (1821) at "Mga Bata ni Edward" (1833); “Don Juan ng Austria” (1835) ) at iba pa).

Hindi gaanong sikat kaysa sa mga dula ni O. de Balzac at iba pang sikat na pigura ng sining sa teatro, noong ika-19 na siglo ang mga dramatikong gawa ng sikat Anak ni Alexandre Dumas (1824—1895).

Siya ay ipinanganak sa pamilya ng sikat na Pranses na manunulat na si Alexandre Dumas, may-akda ng The Three Musketeers at The Count of Monte Cristo. Ang propesyon ng kanyang ama ay paunang natukoy ang landas ng buhay ng kanyang anak, gayunpaman, hindi katulad ng kanyang tanyag na magulang, si Alexander ay mas naaakit sa mga dramatikong aktibidad.

Ang tunay na tagumpay ay dumating kay Dumas na anak lamang noong 1852, nang ang dulang "The Lady of the Camellias," na inangkop niya mula sa isang naunang nakasulat na nobela, ay ipinakita sa pangkalahatang publiko. Ang dula, na puno ng sangkatauhan, init at malalim na pakikiramay para sa courtesan na tinanggihan ng lipunan, ay itinanghal sa entablado ng Vaudeville Theater. Binati ng madla ang "The Lady of the Camellias" nang may kagalakan.

Ang dramatikong gawaing ito ni Dumas the Son, na isinalin sa maraming wika, ay pumasok sa repertoire pinakamalaking mga sinehan kapayapaan. Sa iba't ibang panahon, ang nangungunang papel sa "The Lady of the Camellias" ay ginampanan ni S. Bernard, E. Duse at iba pang sikat na artista. Batay sa dulang ito, isinulat ni Giuseppe Verdi ang opera na La Traviata noong 1853.

Noong kalagitnaan ng 1850s, ang mga problema sa pamilya ay naging pangunahing tema sa gawain ni A. Dumas na anak. Ito ang kanyang mga dula na "Diana de Lys" (1853) at "Half-light" (1855), "The Money Question" (1857) at "The Side Son" (1858), na itinanghal sa Gymnaz Theater. Binanggit din ng playwright ang tema ng isang malakas na pamilya sa kanyang mga huling gawa: "The Views of Madame Aubray" (1867), "Princess Georges" (1871), atbp.

Maraming mga kritiko sa teatro noong ika-19 na siglo na tinawag na Alexandre Dumas ang tagapagtatag ng genre ng paglalaro ng problema at ang pinakakilalang kinatawan ng makatotohanang drama ng Pransya. Gayunpaman, ang isang mas malalim na pag-aaral ng malikhaing pamana ng manunulat ng dulang ito ay ginagawang posible na mapatunayan na ang pagiging totoo ng kanyang mga gawa ay sa karamihan ng mga kaso ay panlabas, medyo isang panig ang kalikasan.

Kinondena ang ilang mga aspeto ng kontemporaryong katotohanan, iginiit ng anak ni Dumas ang espirituwal na kadalisayan at malalim na moralidad ng paraan ng pamumuhay ng pamilya, at ang imoralidad at kawalang-katarungan na umiiral sa mundo ay lumitaw sa kanyang mga gawa bilang mga bisyo ng mga indibidwal na indibidwal. Kasama ang pinakamahusay na mga gawa nina E. Ogier, V. Sardou at iba pang mga manunulat ng dula, ang mga dula ni Alexandre Dumas fils ay naging batayan ng repertoire ng maraming mga teatro sa Europa noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang magkapatid ay mga tanyag na manunulat, manunulat ng dula, at theater theorist. Edmond (1822-1896) at Jules (1830-1870) Goncourt. Pumasok sila sa mga bilog na pampanitikan ng France noong 1851, nang mailathala ang kanilang unang akda.

Kapansin-pansin na nilikha ng magkapatid na Goncourt ang kanilang mga obra maestra sa panitikan at dramatikong pakikipagtulungan lamang, na tama ang paniniwala na ang kanilang magkasanib na gawain ay makakahanap ng mga masigasig na tagahanga.

Ang gawain ng magkapatid na Goncourt (ang nobelang Henrietta Marechal) ay unang itinanghal sa teatro ng Comédie Française noong 1865. Pagkalipas ng maraming taon, sa entablado ng Free Theater, itinanghal ni Henri Antoine ang drama na "The Fatherland in Danger." Isinadula rin niya ang mga nobela ni Goncourt na "Sister Philomena" (1887) at "Maiden Eliza" (1890).

Bilang karagdagan, hindi pinansin ng progresibong Pranses na publiko ang mga produksyon ng mga nobelang "Germinie Lacerte" (1888) sa Odeon Theater at "Charles Damilly" (1892) sa Gymnasie.

Ang aktibidad sa panitikan ng magkapatid na Goncourt ay nauugnay sa paglitaw ng isang bagong genre: sa ilalim ng impluwensya ng kanilang banayad na artistikong panlasa, ang kababalaghan ng naturalismo ay naging laganap sa teatro ng Europa.

Ang mga sikat na manunulat ay nagsusumikap para sa detalyadong katumpakan sa paglalarawan ng mga kaganapan, na may malaking kahalagahan sa mga batas ng pisyolohiya at ang impluwensya ng panlipunang kapaligiran, habang binibigyang pansin ang Espesyal na atensyon malalim sikolohikal na pagsusuri mga karakter.

Ang mga direktor na kumuha ng produksyon ng mga dula ni Goncourt ay karaniwang gumagamit ng magagandang tanawin, na sa parehong oras ay binigyan ng mahigpit na pagpapahayag.

Noong 1870, namatay si Jules Goncourt; Noong 1870s - 1880s, sumulat siya ng isang bilang ng mga nobela: "The Zemganno Brothers" (1877), "Faustina" (1882), atbp., na nakatuon sa buhay ng mga aktor sa teatro ng Paris at mga performer ng sirko.

Bilang karagdagan, si E. Goncourt ay bumaling sa genre ng mga talambuhay: ang mga gawa tungkol sa mga sikat na artistang Pranses noong ika-18 siglo ("Mademoiselle Clairon", 1890) ay lalong sikat.

Ang Diary, na nagsimula noong buhay ni Jules, ay hindi gaanong kaakit-akit sa mga mambabasa. Sa napakaraming gawaing ito, sinubukan ng may-akda na magpakita ng isang malaking pampakay na materyal sa relihiyon, kasaysayan at dramatikong kultura ng France noong ika-19 na siglo.

Gayunpaman, sa kabila ng kanyang espesyal na interes sa mga isyu sa teatro, itinuturing ito ni Edmond Goncourt na isang namamatay na anyo ng sining, na hindi karapat-dapat sa atensyon ng isang tunay na manunulat ng dula.

Sa mga huling gawa ng manunulat, ang mga anti-demokratikong tendensya ay ipinahayag, gayunpaman, ang kanyang mga nobela ay puno ng banayad na sikolohiya, katangian ng mga bagong uso sa modernong panitikan ng Pransya.

Kasunod ng mga impresyonistang artista, itinuring ni Edmond Goncourt na kinakailangang ipakita ang pinakamaliit na lilim ng damdamin at mood ng mga karakter sa mga gawa ng anumang genre. Marahil sa kadahilanang ito, si E. Goncourt ay itinuturing na tagapagtatag ng impresyonismo sa panitikang Pranses.

Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na minarkahan ng pag-unlad ng isang bagong kilusang pangkultura - kritikal na realismo, ay nagbigay sa mundo ng maraming mahuhusay na manunulat ng dula, kabilang ang sikat. Emile Edouard Charles Antoine Zola(1840-1902), na nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang mahusay na manunulat, kundi pati na rin bilang isang kritiko sa panitikan at teatro.

Si Emile Zola ay ipinanganak sa pamilya ng isang Italian engineer, isang inapo ng isang matandang pamilya. Ginugol ng future playwright ang kanyang pagkabata sa maliit na bayan ng Pransya ng Aix-en-Provence, kung saan nagtrabaho si Father Zola sa pagdidisenyo ng isang kanal. Dito nakatanggap ang batang lalaki ng isang disenteng edukasyon, nakipagkaibigan, ang pinakamalapit sa kanila ay si Paul Cezanne, isang sikat na artista sa hinaharap.

Noong 1857, namatay ang ulo ng pamilya, ang pinansiyal na kagalingan ng pamilya ay lumala nang husto, at ang balo at anak ay napilitang umalis patungong Paris. Dito, sa kabisera ng Pransya, nilikha ni Emile Zola ang kanyang unang gawa ng sining - ang komedya na "The Fooled Mentor" (1858), na isinulat sa pinakamahusay na mga tradisyon ng kritikal na realismo ng Balzac at Stendhal.

Pagkalipas ng dalawang taon, ipinakita ng batang manunulat sa madla ang isang dula batay sa pabula ni La Fontaine na "The Milkmaid and the Jug." Ang paggawa ng dulang ito, na tinatawag na "Pierrette", ay naging matagumpay.

Gayunpaman, bago magkaroon ng pagkilala sa mga bilog na pampanitikan ng kabisera, kinailangan ni Emil na makuntento sa mga unang kakaibang trabaho, na sa lalong madaling panahon ay nagbigay daan sa isang permanenteng trabaho sa Ashet publishing house. Kasabay nito, sumulat si Zola ng mga artikulo para sa iba't ibang pahayagan at magasin.

Noong 1864, ang kanyang unang koleksyon ng mga kuwento na pinamagatang "Tales of Ninon" ay nai-publish, at isang taon mamaya ang nobelang "Claude's Confession" ay nai-publish, na nagdala ng malawak na katanyagan sa may-akda. Hindi umalis si Zola sa dramaturgical field.

Sa kanya maagang mga gawa Ang genre na ito ay nararapat na espesyal na pansin: ang one-act vaudeville sa taludtod na "Ang mamuhay kasama ang mga lobo ay umaangal na parang lobo," ang sentimental na komedya na "Ugly Woman" (1864), pati na rin ang mga dulang "Madelena" (1865) at "The Mga Misteryo ng Marseilles” (1867).

Tinawag ng maraming kritiko ang unang seryosong gawain ni Émile Zola na drama na “Thérèse Raquin,” batay sa nobela ng parehong pangalan sa Renaissance Theater noong 1873. Gayunpaman, ang makatotohanang balangkas ng dula at ang matinding panloob na tunggalian ng pangunahing tauhan ay pinasimple ng melodramatic denouement.

Ang drama na "Thérèse Raquin" ay kasama sa repertoire ng pinakamahusay na mga teatro ng Pransya sa loob ng ilang dekada ng ika-19 na siglo. Ayon sa maraming kontemporaryo, ito ay “isang tunay na trahedya kung saan si E. Zola, gaya ni Balzac sa “Père Goriot,” ay sumasalamin sa balak ni Shakespeare, na nagpakilala kay Therese Raquin kay Lady Macbeth.

Habang nagtatrabaho sa kanyang susunod na trabaho, ang playwright, na nabighani sa ideya ng naturalistic na panitikan, ay nagtakda upang lumikha ng isang "pang-agham na nobela" na magsasama ng data mula sa mga natural na agham, medisina at pisyolohiya.

Sa paniniwalang ang karakter at pagkilos ng bawat tao ay tinutukoy ng mga batas ng pagmamana, ang kapaligiran kung saan siya nakatira, at ang makasaysayang sandali, nakita ni Zola ang gawain ng isang manunulat sa isang layunin na paglalarawan ng isang tiyak na sandali ng buhay sa ilang mga kundisyon.

Ang nobelang "Madeleine Ferat" (1868), na nagpapakita ng mga pangunahing batas ng pagmamana sa pagkilos, ay naging unang tanda sa isang serye ng mga nobela na nakatuon sa buhay ng ilang henerasyon ng isang pamilya. Pagkatapos isulat ang gawaing ito, nagpasya si Zola na tugunan ang paksang ito.

Noong 1870, pinakasalan ng tatlumpung taong gulang na manunulat si Gabrielle-Alexandrina Mele, at pagkaraan ng tatlong taon ay naging may-ari ng isang magandang bahay sa mga suburb ng Paris. Di-nagtagal, ang mga batang manunulat, mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, na aktibong nagsusulong ng mga radikal na reporma sa modernong teatro, ay nagsimulang magtipon sa sala ng mag-asawa.

Noong 1880, sa suporta ni Zola, ang mga kabataan ay naglathala ng isang koleksyon ng mga kuwento na "Evenings of Medan", theoretical works na "The Experimental Novel" at "Natural Novelists", na ang layunin ay ipaliwanag ang tunay na kakanyahan ng bagong drama.

Kasunod ng mga tagasuporta ng naturalistic na paaralan, si Emil ay bumaling sa pagsulat ng mga kritikal na artikulo. Noong 1881, pinagsama niya ang mga indibidwal na publikasyon tungkol sa teatro sa dalawang koleksyon: "Our Playwrights" at "Naturalism in the Theatre," kung saan sinubukan niyang magbigay ng makasaysayang paliwanag ng mga indibidwal na yugto sa pagbuo ng French drama.

Ang pagkakaroon ng ipinakita sa mga gawang ito ng mga malikhaing larawan ng V. Hugo, J. Sand, A. Dumas fils, Labiche at Sardou, sa pagtatalo kung kanino ito nilikha teoryang aesthetic, hinangad ni Zola na ipakita ang mga ito nang eksakto kung ano sila sa buhay. Bilang karagdagan, ang mga koleksyon ay kasama ang mga sanaysay sa mga aktibidad sa teatro ni Daudet, Erckman-Chatrian at ang magkapatid na Goncourt.

Sa teoretikal na bahagi ng isa sa mga libro, ang mahuhusay na manunulat ay nagpakita ng isang bagong programa ng naturalismo, na sumisipsip ng pinakamahusay na mga tradisyon ng mga panahon ng Moliere, Regnard, Beaumarchais at Balzac - mga manunulat ng dulang na may mahalagang papel sa pag-unlad ng sining ng teatro hindi lamang sa France, ngunit sa buong mundo.

Sa paniniwalang nangangailangan ng seryosong rebisyon ang mga tradisyon sa teatro, nagpakita si Zola ng bagong pag-unawa sa mga gawain ng pag-arte. Ang direktang bahagi sa mga theatrical productions, pinayuhan niya ang mga aktor na "isabuhay ang dula sa halip na gawin ito."

Hindi sineseryoso ng playwright ang mapagpanggap na istilo ng pag-arte at declamation;

Si Zola ay partikular na interesado sa problema ng disenyo ng entablado. Salungat sa hindi maipaliwanag na tanawin ng klasikal na teatro, kasunod ng tradisyon ng Shakespearean, na may kasamang walang laman na entablado, nanawagan siya na palitan ang mga tanawin na "hindi nakikinabang sa dramatikong aksyon."

Pinapayuhan ang mga artista na gumamit ng mga pamamaraan na totoong naghahatid ng "kapaligiran ng lipunan sa lahat ng pagiging kumplikado nito," ang manunulat sa parehong oras ay nagbabala sa kanila laban sa simpleng "pagkopya sa kalikasan," sa madaling salita, laban sa simple, naturalistikong paggamit ng mga tanawin. Ang mga ideya ni Zola tungkol sa papel ng theatrical costume at makeup ay batay sa prinsipyo ng paglapit sa katotohanan.

Sa kritikal na paglapit sa mga problema ng modernong Pranses na drama, hiniling ng sikat na manunulat mula sa parehong mga aktor at direktor na ilapit ang aksyon sa entablado sa katotohanan, at pag-aralan nang detalyado ang iba't ibang mga karakter ng tao.

Bagama't itinaguyod ni Zola ang paglikha ng "mga buhay na imahe" na kinuha sa "mga tipikal na posisyon," siya sa parehong oras ay pinayuhan na huwag kalimutan ang tungkol sa pinakamahusay na mga tradisyon ng dramaturgy ng mga sikat na klasiko tulad ng Corneille, Racine at Moliere.

Alinsunod sa isinulong na mga prinsipyo, maraming mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula ang naisulat. Kaya, sa komedya na "The Heirs of Rabourdin" (1874), nang ipakita ang mga nakakatawang taong bayan ng probinsya na naiinip na naghihintay sa pagkamatay ng kanilang mayamang kamag-anak, ginamit ni Zola ang storyline ng "Volpone" ni B. Johnson, gayundin ang mga katangian ng komedya. ng mga dula ni Moliere.

Ang mga elemento ng paghiram ay matatagpuan din sa iba mga dramatikong gawa Zola: sa dulang "Rosebud" (1878), ang melodrama na "Rene" (1881), ang mga liriko na drama na "The Dream" (1891), "Messidor" (1897) at "Hurricane" (1901).

Kapansin-pansin na ang mga liriko na drama ng manunulat, na may kakaibang ritmikong wika at kamangha-manghang balangkas, na ipinahayag sa hindi katotohanan ng oras at lugar ng pagkilos, ay malapit sa mga dula nina Ibsen at Maeterlinck at may mataas na halaga ng masining.

Gayunpaman, ang mga kritiko sa teatro at ang metropolitan na publiko, ay dinala ang "mahusay na ginawa" na mga drama ng V. Sardou, E. Ogier at A. Dumas fils, walang malasakit na binati ang mga paggawa ng mga gawa ni Zola, na isinagawa sa direktang pakikilahok ng may-akda ng mahuhusay na direktor na si V. Buznak sa maraming yugto ng teatro sa Paris.

Kaya, sa iba't ibang panahon, ang mga dula ni Zola na "The Trap" (1879), "Nana" (1881) at "Scum" (1883) ay itinanghal sa Ambigu Comique theater, at "The Belly of Paris" (1887) ay itinanghal sa ang Théâtre de Paris ), sa Free Theater - "Jacques d'Amour" (1887), sa Chatelet - "Germinal" (1888).

Sa panahon mula 1893 hanggang 1902, kasama sa repertoire ng Odeon Theater ang "The Page of Love", "Earth" at "The Misdemeanor of Abbé Mouret" ni Emile Zola, at matagumpay silang naitanghal sa entablado sa loob ng ilang taon. .

Ang mga tauhan sa teatro noong huling bahagi ng ika-19 na siglo ay nagsalita nang may pag-apruba sa huling panahon ng akda ng sikat na manunulat, na kinikilala ang kanyang mga merito sa pagkapanalo ng kalayaan sa mga dula sa entablado "na may iba't ibang mga plot, sa anumang paksa, na nagbibigay ng pagkakataon na magdala ng mga tao, manggagawa, sundalo, mga magsasaka sa entablado - lahat ng polyphonic at kahanga-hangang pulutong na ito."

Ang pangunahing monumental na gawain ni Emile Zola ay ang serye ng mga nobela na "Rougon-Macquart", na isinagawa sa loob ng ilang dekada, mula 1871 hanggang 1893. Sa mga pahina ng dalawampu't-tomo na gawaing ito, sinubukan ng may-akda na kopyahin ang isang larawan ng espirituwal at panlipunang buhay ng lipunang Pranses sa panahon mula 1851 (ang kudeta ni Louis Napoleon Bonaparte) hanggang 1871 (ang Paris Commune).

Sa huling yugto ng kanyang buhay, ang sikat na playwright ay nagtrabaho sa paglikha ng dalawang epikong siklo ng mga nobela, na pinagsama ng ideolohikal na paghahanap ni Pierre Froment, ang pangunahing karakter ng mga gawa. Ang una sa mga siklong ito (“Tatlong Lungsod”) ay kinabibilangan ng mga nobelang “Lourdes” (1894), “Roma” (1896) at “Paris” (1898). Ang susunod na serye, "The Four Gospels," ay binubuo ng mga aklat na "Fruitfulness" (1899), "Work" (1901) at "Truth" (1903).

Sa kasamaang palad, ang “Apat na Ebanghelyo” ay nanatiling hindi natapos; Gayunpaman, ang pangyayaring ito ay hindi nabawasan ang kahalagahan ng gawaing ito, ang pangunahing tema kung saan ay ang mga ideyang utopia ng may-akda, na sinubukang mapagtanto ang kanyang pangarap ng tagumpay ng katwiran at paggawa sa hinaharap.

Dapat pansinin na si Emile Zola ay hindi lamang aktibong nagtrabaho sa larangan ng panitikan, ngunit nagpakita din ng interes sa buhay pampulitika ng bansa. Hindi niya binalewala ang sikat na kaso ni Dreyfus (noong 1894, isang opisyal ng French general staff, ang Jew Dreyfus, ay hindi makatarungang hinatulan ng espiya), na, ayon kay J. Guesde, ay naging "ang pinaka-rebolusyonaryong gawa ng siglo" at nakahanap ng mainit na tugon mula sa progresibong Pranses na publiko.

Noong 1898, sinubukan ni Zola na ilantad ang isang malinaw na pagkakuha ng hustisya: isang liham ang ipinadala sa Pangulo ng Republika na may pamagat na "I Accuse."

Gayunpaman, ang resulta ng pagkilos na ito ay malungkot: sikat na manunulat ay nahatulan ng "libel" at sinentensiyahan ng isang taon sa bilangguan.

Kaugnay nito, napilitang tumakas si Zola sa labas ng bansa. Siya ay nanirahan sa Inglatera at bumalik sa France noong 1900, pagkatapos ng pagpapawalang-sala kay Dreyfus.

Noong 1902, hindi inaasahang namatay ang manunulat; Sa kanyang talumpati sa libing, tinawag ni Anatole France ang kanyang kasamahan na "konsensya ng bansa."

Noong 1908, ang mga labi ni Emile Zola ay inilipat sa Pantheon, at makalipas ang ilang buwan ang sikat na manunulat ay iginawad sa posthumously ng pamagat ng miyembro ng French Academy of Sciences (tandaan na sa kanyang buhay ang kanyang kandidatura ay iminungkahi ng halos 20 beses).

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng French drama ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay maaaring pangalanan ng isang may talento na manunulat, mamamahayag at manunulat ng dula. Alexis Fields(1847-1901). Maaga siyang nagsimulang makisali sa pagkamalikhain sa panitikan;

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, nagsimulang magtrabaho si Paul sa mga pahayagan at magasin bilang karagdagan, naaakit din siya sa drama. Noong huling bahagi ng 1870s, isinulat ni Alexis ang kanyang unang dula, ang Mademoiselle Pomme (1879), na sinundan ng iba pang mga dramatikong obra maestra.

Ang theatrical activity ni Paul Alexis ay malapit na konektado sa Free Theater ng natitirang direktor at aktor na si Andre Antoine. Sa pagsuporta sa malikhaing paghahanap ng mahuhusay na direktor, ang playwright ay nagtanghal pa para sa kanya ng kanyang pinakamahusay na maikling kuwento, "The End of Lucy Pellegrin," na inilathala noong 1880 at itinanghal sa Paris Theater noong 1888.

Bilang isang masigasig na tagahanga ng naturalismo sa mga sining ng pagtatanghal, sinalungat ni Paul Alexis ang pagpapalakas ng mga anti-makatotohanang tendensya sa teatro ng Pransya.

Ang pagnanais para sa naturalismo ay ipinahayag sa dulang "The Maid About Everything," na isinulat noong 1891 at itinanghal sa Variety Theater makalipas ang ilang buwan. Maya-maya, sa ilalim ng pamumuno ni Alexis, isang produksyon ng nobela ng magkapatid na Goncourt na "Charles Demaillies" (1893) ay itinanghal sa Gymnaz Theater.

Ang mga gawa ng isa pa, hindi gaanong sikat na French playwright, ay puno ng humanistic motifs. Edmond Rostand(1868-1918). Ang kanyang mga dula ay sumasalamin sa mga romantikong mithiin ng paniniwala sa espirituwal na kapangyarihan ng bawat indibidwal. Ang mga bayani ng mga gawa ni Rostanov ay mga marangal na kabalyero, mga mandirigma para sa kabutihan at kagandahan.

Ang debut ng playwright sa entablado ay naganap noong 1894, nang ang kanyang komedya na "Romantics" ay ginanap sa Comedy Française. Sa gawaing ito, hinangad ng may-akda na ipakita ang kadakilaan ng taos-pusong damdamin ng tao, upang ipakita sa madla ang kalungkutan at panghihinayang para sa walang muwang na romantikong mundo na isang bagay ng nakaraan. Ang "Romantics" ay isang matunog na tagumpay.

Ang kabayanihang komedya ni Rostand na si Cyrano de Bergerac, na itinanghal sa Port-Saint-Martin Theater sa Paris noong 1897, ay sikat din lalo na. Nagawa ng playwright na lumikha ng isang matingkad na imahe ng isang marangal na kabalyero, isang tagapagtanggol ng mahina at nasaktan, na kalaunan ay nakatanggap ng tunay na sagisag sa paglalaro ng pinakamahusay na aktor ng French theater school.

Ang higit na nakapagpaparamdam sa masining na konsepto ng dula ay ang katotohanan na ang maganda, marangal na kaluluwa ng pangunahing tauhan ay nagtatago sa likod ng isang pangit na anyo, na pinipilit niyang itago ang kanyang pagmamahal sa magandang Roxana sa loob ng ilang taon. Bago lamang siya mamatay ay isiniwalat ni Cyrano ang kanyang nararamdaman sa kanyang minamahal.

Ang kabayanihang komedya na "Cyrano de Bergerac" ang pinakatuktok ng pagkamalikhain ni Edmond Rostand. Sa huling taon ng kanyang buhay, sumulat siya ng isa pang dula, na tinawag na "Ang Huling Gabi ni Don Juan" at nagpapaalala sa isang pilosopikal na treatise sa likas na katangian ng pagtatanghal at pangunahing kahulugan nito.

Ang isang mahalagang papel sa sining ng pagtatanghal ng France sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo ay ginampanan ng tinatawag na Antoine Theater, na itinatag sa Paris ng namumukod-tanging direktor, aktor at teatro na si Andre Antoine.

Ang aking trabaho bagong teatro nagsimula sa lugar ng isa sa mga salon ng Menu-Plaisir. Ang kanyang repertoire ay batay sa mga gawa ng mga kabataang kababayan at ang pinakamahusay na mga halimbawa ng bagong dayuhang drama. Inanyayahan ni Antoine ang mga aktor sa kanyang tropa na nakatrabaho niya sa loob ng ilang taon sa Free Theater (ang huli ay tumigil na umiral noong 1896).

Ang mga premiere production ng Antoine Theater ay medyo matagumpay na pagtatanghal ng mga dula ng mga batang French playwright na sina Brie at Courtelin.

Sa paglikha ng kanyang teatro, hinangad ng direktor na lutasin ang parehong mga problema na iniharap sa kanya habang nagtatrabaho sa Free Theater.

Ang pag-apruba sa mga ideya ng naturalistic na paaralan ng French theatrical art, hindi lamang itinaguyod ni Antoine ang mga gawa ng mga batang manunulat na Pranses, ngunit ipinakilala din ang mga madla ng kapital sa bagong dayuhang drama, na bihirang lumitaw sa entablado ng Pransya (sa oras na iyon, walang laman, walang kahulugan na mga dula ni ang mga naka-istilong may-akda ay itinanghal sa mga yugto ng maraming mga teatro sa Paris) .

Bilang karagdagan, ang direktor ay nakipaglaban sa mga craft at "cash-office plays" na nangako ng malaking kita dahil ang sining ay nauna para sa kanya.

Sa pagsisikap na lumikha ng bago, naiiba sa Libreng Teatro, na ang mga pagtatanghal ay maaari lamang daluhan ng mga may hawak ng mamahaling season ticket, nagbigay si Antoine ng mga bayad na pagtatanghal na idinisenyo para sa malawak na madla. Upang makamit ito, ipinakilala ng teatro ang katamtamang mga presyo ng tiket, at upang makaakit ng malawak na hanay ng mga manonood, ang malawak na repertoire ay madalas na na-update.

Kasama sa playbill ng Antoine Theater ang mga dula ng mga kabataang kababayan gaya nina A. Brieux, E. Fabre, P. Loti, L. Besnier, J. Courtelin, L. Decave at iba pa lalo na sikat. Bilang karagdagan, kasama ang repertoire ng teatro sa mahabang panahon mga dula ng mga dayuhang may-akda - Ibsen, Hauptmann, Sudeomann, Heijermans, Strindberg - ay naantala.

Noong 1904, itinanghal ang King Lear ni Shakespeare sa Antoine Theater. Ang pagtatanghal na ito ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa madla sa kalaunan, maraming mga direktor ng Pransya, na napagtanto kung gaano kataba ang lupang ito, ay bumaling sa walang hanggang dramaturhiya ng Shakespeare.

Sa simula ng 1905, walang natitira sa dating progresibo ni Andre Antoine ang mga pampubliko at mga kritiko sa teatro ng kabisera na walang malasakit na bumati sa mga paggawa ng mga dulang hango sa mga dula ng reaksyunaryong manunulat ng dulang si de Curel at mga pelikulang maaksyong uso noong panahong iyon na may napakabilis na baluktot. balangkas. Noong 1906, napilitan ang direktor na iwanan ang kanyang ideya at lumipat sa isa pa, na hindi gaanong tanyag sa mga Parisian, ang teatro ng Odeon.

Ang Antoine Theater ay pinamumunuan ni Firmin (Tonnerre) Zemier (1869-1933), isang mahuhusay na estudyante ni Andre Antoine, isang sikat na artista, direktor at masiglang pigura ng teatro. Siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang mahirap na innkeeper. Dahil maagang nawala ang kanyang ina, napilitan si Firmen na huminto sa kanyang pag-aaral at magtrabaho.

Noong 1887, pagkatapos makumpleto ang mga pribadong kurso sa drama, nakatanggap si Zhemier ng isang posisyon bilang dagdag sa Free Theater, ngunit sa lalong madaling panahon siya ay tinanggal sa utos ng direktor, na hindi nasisiyahan sa kanyang mga aktibidad.

Gayunpaman, ang trabaho sa ilalim ng direksyon ni Andre Antoine ay may malaking epekto sa pag-unlad ng mga kasanayan ng batang aktor. Kasunod nito, higit na inulit ni Zhemier ang mga ideya ng guro, na nagsusulong ng pagtanggi sa "nakasanayan, sira-sira at nakakapinsalang mga pananaw." Nakita niya ang layunin ng dramatikong sining ng teatro sa paglilingkod sa mga tao, at ang lahat ng kanyang gawain ay isinailalim sa propaganda ng mga prinsipyo ng realismo.

Kasabay nito, ang pagtatanggol sa mataas na humanistic ideals, si Zhemier ay matalas na pinuna ang mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay na humahadlang sa progresibong pag-unlad ng lipunan at kultura ng mundo sa kabuuan.

Noong 1898, nakatanggap ng isang imbitasyon mula sa pamamahala ng teatro ng Belleville, ang aktor ay masigasig na nagtrabaho sa Belleville hanggang 1890. Kasabay nito, sinubukan ni Zemier ng tatlong beses na pumasok sa klase ng drama ng Paris Conservatory, ngunit hindi ito nagtagumpay.

Sa loob ng tatlong taon (1892-1895), ang aktor ay naglaro sa entablado ng Libreng Teatro, pagkatapos ay nagsimula ang isang panahon ng paglibot para sa kanya: Si Zhemier ay nagtrabaho sa iba't ibang mga grupo ng teatro sa Paris, ang pinakasikat kung saan sa oras na iyon ay ang Gymnaz, Pagkamalikhain, at mga teatro ng Ambigu ", Théâtre Antoine, "Renaissance" at "Chatelet".

Sa simula ng 1904, na nakatanggap ng isang paanyaya mula sa pamamahala ng tropa ng Pransya ng Mikhailovsky Theatre, si Zhemier, kasama ang kanyang asawa, ang aktres na si A. Megar, ay pumunta sa St. Sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1906, nakatanggap siya ng imbitasyon na pamunuan ang pangkat ng Antoine Theater at hinawakan ang posisyon ng direktor sa loob ng labinlimang taon.

Pagkaalis ni Zhemier noong 1921, nawala ang dating kahalagahan ng Antoine Theater bilang isang advanced artistic group, isang muog ng mga batang manunulat at progresibong intelihente, at naging isang ordinaryong metropolitan na teatro.

Sinimulan ni Firmin Zemier ang kanyang karera sa direktor noong 1900 habang nagtatrabaho sa teatro ng Gymnaz. Ginagabayan ng pinakamahusay na mga tradisyon ng makatotohanang sining, ang progresibong direktor ay matapang na nag-eksperimento, na nagpapakita sa madla ng mga bagong anyo ng pagkilos sa entablado, kung saan sinubukan niyang pagsamahin ang pagiging epektibo ng teatro sa makasariling katotohanan ng buhay.

Tinatanggihan ang "frozen classicism" kasama ang hindi napapanahong mga panuntunan sa pagdidirekta, hinangad ni Zhemier na ipakita sa publiko ang isang makulay at pabago-bagong pagganap, na siyang nakaakit ng malaking bilang ng mga manonood sa Gymnaz.

Naniniwala ang direktor na ang apela sa mga gawaing ideolohikal ang mga modernong manunulat na Pranses ang tanging tamang direksyon sa usapin ng pag-update ng French drama.

Ang Antoine Theater at ang Renaissance Zémier ay nagtanghal ng mga dulang "La Vie Sociale" ni Fabre (1901), "A Woman of Paris" ni Beck (1901), "Thérèse Raquin" ni Zola (1902), "The 14th of July" ni Rolland (1902), "The Wedding of Krechinsky" Sukhovo-Kobylina (1902), "Anna Karenina" (1907) ni Tolstoy, "The Winners" ni Fabre (1908).

Naakit din ang direktor sa pamana ni Shakespeare; ang mga produksyon ng Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony and Cleopatra (1917), at The Taming of the Shrew (1918) ay masigasig na tinanggap ng publiko ng Paris.

Sa direktang pakikilahok ni Firmin Zemier, ang Shakespeare Society ay inorganisa sa France noong 1916, ang layunin nito ay gawing popular ang mga gawa ng sikat na English classic. Maya-maya, sa inisyatiba ng taong ito, nilikha ang isang unyon ng mga manggagawa sa sining.

Noong 1920, natupad ang matagal nang pangarap ni Zemier na lumikha ng isang tunay na katutubong teatro na magagamit ng masa. Sa Paris, sa magandang bulwagan ng Palasyo ng Trocadero, na maaaring tumanggap ng 4 na libong manonood, binuksan ang National People's Theatre. Di-nagtagal ay nakatanggap ito ng katayuan ng estado (ang Grand Opera, Comédie Française at Odeon ay ginawaran din ng katulad na karangalan).

Kasabay ng pamamahala ng kanyang paboritong brainchild, nagsagawa si Zhemier ng mga produksyon sa mga yugto ng mga sinehan ng Comedie Montaigne at Odeon.

Itinanghal ng National People's Theater ang mga dula ni R. Rolland na "14 July" at "Wolves", "The Marriage of Figaro" ni P. O. Beaumarchais. Ang mga pagtatanghal ng mga dula ni Shakespeare ay nagpatunay sa kadakilaan ng indibidwal at kasabay nito ang trahedya ng isang tao na nagsimula sa landas ng krimen ("The Merchant of Venice," "Richard III").

Gayunpaman, ang mga paghihirap sa materyal at ang kakulangan ng mga lugar kung saan ipinakita ang mga pagtatanghal ay humadlang sa paggawa ng pampublikong mass ay nagpapakita na pinangarap ni Zhemier nang lumikha ng kanyang teatro.

Pagkatapos ng kamatayan ni Zhemier noong 1933, ang National People's Theater ay nahulog sa pagkasira ng bagong buhay lamang sa pagdating ni Jean Vilar sa koponan noong 1951, na tatalakayin sa ibaba.

Si Firmin Zemier ay nagbigay ng espesyal na pansin sa edukasyon ng hinaharap na henerasyon ng mga aktor. Sa layuning ito, noong 1920, sa kanyang inisyatiba, ang Dramatic Conservatory ay binuksan sa Antoine Theater, kung saan natutunan ng mga batang talento ang mga pamamaraan ng modernong pag-arte.

Hindi tulad ng Paris Conservatory, kung saan ang declamation ang batayan ng pagtuturo, sa institusyong pang-edukasyon ni Zemier ang diin ay ang pag-abandona sa mga lumang tradisyon sa teatro na nawala ang kanilang sigla.

Noong 1926 sikat na artista at sinubukan ng direktor na magtatag ng World Theatre Society, na ang mga tungkulin ay kinabibilangan ng pag-oorganisa mga internasyonal na pagdiriwang, mga paglilibot at lahat ng uri ng malikhaing kumperensya, ngunit walang pakinabang.

Noong 1928, bumisita si Zhemier sa Russia sa pangalawang pagkakataon. Ang mga pagpupulong sa Moscow kasama ang mga kasamahan mula sa mga tropa ng kabisera ay nagpakita sa kanya ng mataas na antas ng kasanayan ng mga aktor at direktor ng Russia. Ang paglalakbay ay naging napaka-edukasyon.

Ang mature na panahon ng trabaho ni Firmin Zemier ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapatupad ng mga progresibong ideya at matapang na adhikain na napanatili mula sa kanyang panahon sa Free Theater.

Ang kanyang maraming nalalaman na talento ay nagpapahintulot sa aktor na maglaro sa mga produksyon ng iba't ibang mga genre, lumikha ng mga nakakaantig, trahedya o liriko na mga imahe sa entablado, pati na rin ang mga papel na ginagampanan ng mga komedyang karakter sa mga satirical na dula.

Kinilala ng mga kritiko sa teatro ang pinakamatagumpay na tungkulin ni Zemier bilang Patlen sa komedya na "Abogado Patlen" at Philip II sa drama ni Schiller na "Don Carlos."

Hindi gaanong kaakit-akit ang mga imahe ni Ubu sa "The King of Ubu" ni Jarry, ang walang kaluluwang nagseselos na Karenin sa paggawa ng "Anna Karenina" ni Tolstoy, ang masayang kasamang Jourdain sa "The Bourgeois of the Nobility" ni Molière, Shylock sa " The Merchant of Venice” ni Shakespeare, Philippe Brideau sa “The Life of a Bachelor” O. Balzac.

Gayunpaman, itinuring mismo ni Zhemier ang kanyang pinakamahusay na mga nilikha, isang napakalaking malikhaing swerte mga larawan ng mga ordinaryong tao sa pagsasadula ng mga gawa ng mga modernong manunulat ng dula (ang manggagawang si Baumert sa "The Weavers", ang stonemason na si Papillon sa dulang "Papillon, the Just Lyonnais" ni Hauptmann, atbp.). Isang hindi maunahang master ng makeup, alam ni Firmin Zhemier kung paano baguhin ang kanyang hitsura nang hindi nakikilala. Ang kanyang katangian na birtuosidad at mahusay na teknikal na kasanayan ay naging posible upang lumikha ng emosyonal, dynamic na mga imahe sa entablado, na sumasalamin sa mga character ng mga character sa banayad na mga nuances.

Ang mga galaw at kilos ni Zhemier ay hindi gaanong nagpapahayag kaysa sa kanyang mga intonasyon. Ayon sa kanyang mga kasamahan, ang aktor na ito ay "lahat ng naturalness." Si Firmin Zemier ay hindi nawala ang mga tampok na ito ng kanyang pag-arte sa sinehan, ang kanyang karera kung saan nagsimula noong 1930, pagkatapos umalis sa teatro ng Odeon.

Ang gawain ng mahuhusay na aktres na si Sarah Bernhardt (1844-1923) ay may malaking kahalagahan para sa kasaysayan ng French performing arts. Ang pagkakaroon ng interes sa teatro bilang isang bata, ginawa niya ang entablado na pangunahing bagay sa kanyang buhay.

Matapos makapagtapos ng mga kurso sa pag-arte sa Paris Conservatory, nagsimulang magtrabaho si Sarah Bernhardt sa entablado ng teatro.

Ang talentadong batang aktres ay gumawa ng kanyang debut sa propesyonal na entablado (sa Comedie Française theater) noong 1862. Sa dulang hango sa dula ni Racine na "Iphigenia in Aulis" ginampanan niya ang papel ng pangunahing tauhan. Gayunpaman, isang hindi matagumpay na pagganap ang nagpilit kay Bernard na umalis sa Comédie Française. Sinundan ito ng isang panahon ng creative exploration na tumagal mula 1862 hanggang 1872. Sa oras na ito, nagtrabaho si Sarah sa Gymnasium, Port Saint-Martin at Odeon. Ang pinakamatagumpay na papel na ginampanan ng aktres sa mga entablado ng mga teatro na ito ay si Zanetto sa dula ni Coppe na "The Passer-by", ang reyna sa "Ruy Blase" nina Victor Hugo at Doña Sol sa "Hernani" ng parehong may-akda.

Noong 1872, nakatanggap si Sarah Bernhardt ng alok mula sa pamamahala ng Comédie Française at muling nagsimulang magtanghal sa entablado ng teatro na ito. Dito, sa loob ng walong taon, ginampanan ng aktres ang mga nangungunang papel sa mga komedya ng Racine at Voltaire, na nangangarap na lumikha ng kanyang sariling teatro.

Noong 1880, umalis si Sarah Bernhardt sa Comédie Française sa pangalawang pagkakataon at, nang pinamunuan ang mga kumikilos na tropa ng una sa teatro ng Port-Saint-Martin at pagkatapos ng Renaissance, sinubukan niyang ayusin ang kanyang sariling teatro. Ang kanyang mga pangarap ay nakatakdang matupad lamang noong 1898, nang lumitaw ang mga poster para sa bagong Sarah Bernhardt Theater sa mga lansangan ng Paris.

Ang walang katulad na kasanayan ng mahuhusay na artista, ang susi kung saan ang kanyang mahusay na panlabas na pamamaraan, ay nag-ambag sa paglago ng kanyang karera sa entablado. Ito mismo ang nakita ng mga kritiko sa teatro bilang dahilan ng matunog na tagumpay ng sikat na Sarah.

Bagama't mahusay na nakayanan ang mga ginagampanan ng babae sa mga produksyon ng kanyang teatro, ang aktres ay gayunpaman ay nagbigay ng kagustuhan sa mga papel na lalaki, lalo na ang papel ni Hamlet sa dula ni Shakespeare na may parehong pangalan. Gayunpaman, ang tugatog ng husay sa pag-arte ni Sarah Bernhardt ay ang papel ni Marguerite Gautier sa dulang "Lady of the Camellias" ni Alexandre Dumas the Son. Hindi gaanong hindi malilimutan ang pangunahing tauhang si Bernard sa melodrama na "Adrienne Lecouvreur" ni E. Scribe.

Maraming mga playwright ang lumikha ng kanilang mga dula para mismo kay Bernard, sa pag-asang ang mahuhusay na aktres, sa kanyang kahanga-hangang pagganap, na pinipilit ang madla na makiramay sa kapalaran ng mga karakter, ay luluwalhatiin ang mga pangalan ng mga may-akda. Kaya, ang mga melodramas na "Cleopatra" at "Phaedra", na isinulat ng manunulat ng dulang si Sardou partikular para sa Sarah Bernhardt Theater, ay idinisenyo para sa pakikilahok sa mga produksyon ni Sarah mismo.

Noong kalagitnaan ng 1890s, ang repertoire ng aktres ay may kasamang malaking bilang ng mga tungkulin, ang pinakamatagumpay kung saan tinawag ng mga kritiko sa teatro ang mga larawang nilikha ni Sarah sa mga neo-romantic na dula ni Rostand (Princess Melissande, Duke of Reichstadt sa The Eaglet, Lorenzaccio sa dula. ng parehong pangalan).

Si Sarah Bernhardt, na bumaba sa kasaysayan ng sining ng teatro sa mundo bilang isang mahuhusay na tagapalabas ng magkakaibang mga tungkulin, ay mananatiling isang mataas na halimbawa ng pag-arte, isang hindi matamo na ideal.

Ang mga unang dekada ng ika-20 siglo, na minarkahan ng magulong mga kaganapan sa buhay pampulitika ng karamihan sa mga bansa sa mundo, ay may medyo negatibong epekto sa buhay kultural ng mga estadong ito, lalo na sa sining ng teatro.

Ang panahon ng pansamantalang pagpapapanatag kasunod ng pagtatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ay nag-ambag sa muling pagkabuhay ng aktibidad sa teatro sa France.

Ang mga repertoires ng karamihan sa mga teatro ng Pransya noong ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pambihirang lawak ng saklaw: ang mga obra maestra ng klasikal na trahedya, romantikong drama at komedya ng medyebal na panahon ay muling nakapaloob sa entablado ng teatro. Ngunit iyon ay kalaunan, at sa ngayon ang teatro ng Pransya ay nanatiling nakaaaliw.

Sa panahon ng post-war sa France, nagkaroon ng muling pagkabuhay ng komersyal na teatro, na nakatuon sa mga interes ng metropolitan public at iginiit ang sining ng mga legal na cliches at katangi-tanging mise-en-scène.

Noong 1920s, pinagtibay ng commercial boulevard theaters ng Paris ang prinsipyo ng isang dula na ginaganap sa entablado para sa ilang gabi hangga't sikat ang pagtatanghal. Kasunod nito, inalis ang dula sa repertoire ng teatro at pinalitan ng bago, na itinatanghal din sa entablado tuwing gabi.

Sa kanilang pagnanais na aliwin ang publiko ng Paris, ang mga aktor ng mga teatro sa boulevard na "Gimnaz", "Renaissance", "Port Saint-Martin", "Héberto", "Vaudeville" at iba pa ay hindi hinamak ang anumang paraan, kahit na gumagamit ng mga malalaswang plot at murang theatrical tricks .

Napakahusay na mastery ng mga lihim kasanayan sa teatro, ang mga kakaibang cliches na minana mula sa mga nakaraang henerasyon ng mga aktor, ang susi sa matagumpay na pagtatanghal sa entablado noong ika-20 siglo. Ang plasticity, expressiveness, mahusay na diction at mahusay na kontrol ng boses ang naging layunin ng pag-arte.

Kasabay nito, sa mga aktor ng boulevard mayroon ding mga mataas na propesyonal na masters, na ang mga pagtatanghal ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mataas na pakiramdam ng estilo. Kabilang sa mga pinakakilalang figure ng French artistic world noong unang kalahati ng ika-20 siglo, ang ama at anak ni Guitry ay nararapat na espesyal na atensyon.

Sikat na artista at playwright Lucien Guitry(1860-1925) ay ipinanganak sa Paris. Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo noong 1878, sumali siya sa tropa ng teatro ng Gymnaz - ito ay kung paano nagsimula ang kanyang aktibidad sa entablado.

Ang labing-walong taong gulang na aktor ay gumawa ng kanyang debut sa papel ni Armand sa dula batay sa dulang "The Lady of the Camellias" ni A. Dumas the Son. Ang matagumpay na pagganap ni Lucien ay napansin ng pamamahala ng tropang Pranses ng Mikhailovsky Theater, at sa lalong madaling panahon ang batang talento ay nagmamadali na sa St.

Ang talentadong aktor ay gumugol ng ilang mga yugto ng teatro sa Mikhailovsky Theater, at sa pagbabalik sa Paris noong 1891, nagsimula siyang magtanghal sa mga yugto ng iba't ibang mga teatro sa boulevard - tulad ng Odeon, Port Saint-Martin, atbp.

Noong 1898-1900, nagtrabaho si Lucien Guitry kasama ang mahuhusay na aktres na si G. Rézham sa paglahok ng duet na ito sa dula ni Rostand na "The Eaglet" (Lucien ang gumanap bilang Flambeau) ay nagdala ng hindi pa naganap na tagumpay sa produksyon.

Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ni L. Guitry sa dulang "Chauntecleer," na itinanghal sa entablado ng isa sa mga komersyal na sinehan noong 1910. Bilang isang aktor na may pigil na ugali, gayunpaman ay nagawa ni Lucien na lumikha ng isang maliwanag, pabago-bagong imahe sa entablado.

Pagkalipas ng pitong taon, ipinakita ni L. Guitry sa publiko ang kanyang mga dramatikong gawa na "Grandfather" at "The Archbishop and His Sons", ang mga paggawa kung saan sa entablado ng Port-Saint-Martin Theater ay naging matagumpay.

Noong 1919, ginampanan ni Lucien ang kanyang unang papel sa isang dula batay sa dula ni Alexandre Guitry. Kasunod nito, ang ama ay gumanap ng maraming mga tungkulin sa mga gawa na isinulat ng kanyang anak lalo na para sa kanya - "Pasteur", "Tama ang Aking Ama", "Beranger", "Jacqueline", "Paano Isinulat ang Kasaysayan".

Nagpatuloy si Lucien Guitry sa pagtatanghal sa entablado hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay; ang kanyang paglalaro, na nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan, laconic characterization, alien sa affectation, natutuwang mga tao hanggang 1925.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ang aktor ay lumikha ng maliliwanag at di malilimutang mga karakter sa mga komedya ni Molière - Alceste sa The Misanthrope, Tartuffe sa dula ng parehong pangalan at Arnolf sa The School for Wives.

Siya ay hindi gaanong sikat kaysa sa kanyang ama noong unang kalahati ng ika-20 siglo. Sasha (Alexander) Guitry(1885-1957), mahuhusay na Pranses na teatro at artista sa pelikula, sikat na manunulat at manunulat ng dula.

Ang masiglang kapaligiran ng buhay teatro na sinamahan ng pagkabata ng anak ni Guitry ay nag-ambag sa kanyang pagkahilig sa teatro ay tila hindi gaanong kaakit-akit sa batang Alexander, lalo na dahil matagumpay ang mga unang gawa ni Sasha.

Ang kanyang propesyonal na aktibidad sa panitikan ay nagsimula noong 1901, nang ang unang dula na tinatawag na "The Page" ay nai-publish, na itinanghal nang kaunti mamaya sa entablado ng Parisian Renaissance Theater. Unti-unti, si Sasha Guitry ay naging isa sa mga nangungunang kinatawan ng "boulevard drama". Halos lahat ng kanyang mga dula, at mayroong higit sa 120 sa kanila, ay kasama sa mga repertoire ng iba't ibang mga teatro ng kapital.

Ang mga dula ng Guitry the Son, kasama ang kanilang nakakatawa, medyo mapang-uyam at mababaw, ngunit sa parehong oras na nakakaaliw na aksyon, ay nagtamasa ng patuloy na katanyagan sa karamihan ng publiko ng kabisera, na nakita ang teatro lamang bilang isang paraan ng libangan.

Marami sa mga dramatikong gawa ni Sasha Guitry ay batay sa mga adulterous plot na may mga nakakatuwang sitwasyon at iba't ibang uri ng nakakatuwang mga kahangalan. Ito ang kanyang mga dulang "At the Zoaks" (1906), "A Scandal in Monte Carlo" (1908), "The Night Watchman" (1911), "Jealousy" (1915), "Husband, Wife and Lover" (1919) , "Mahal kita" (1919).

Bilang karagdagan, ang manunulat ng dulang ito ay nagsulat ng isang bilang ng mga gawa sa talambuhay na tinatawag na "mga dramatikong talambuhay" - "Jean La Fontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart", atbp.

Noong 1902, nakakuha si Sasha Guitry ng katanyagan bilang isang mahuhusay na artista. Ang kanyang mga pagtatanghal sa Renaissance Theater ay isang hindi pa nagagawang tagumpay. Sa lalong madaling panahon, ang aktor ay bumuo ng kanyang sariling istilo ng trabaho sa entablado - isang istilo ng magaan, masayang sining, katamtamang tunay at masigla, na nagbibigay sa madla ng pagkakataong magsaya sa teatro.

Si Sasha Guitry ay naging pinakatanyag sa kanyang mga tungkulin bilang mga kaakit-akit na manliligaw sa kanyang sariling mga dula: ginampanan niya ang mga ito nang may kaunting kabalintunaan, na parang palihim na nakatingin sa kanyang bayani mula sa labas.

Ang isang madilim na batik sa reputasyon ng Guitry na anak ay ang kanyang pakikipagtulungan sa mga Nazi noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1945, siya ay nakulong, ngunit hindi nagtagal ay pinalaya at ipinagpatuloy ang kanyang trabaho bilang isang manunulat ng dula.

Noong 1949, sumulat si Guitry ng dalawang dula - "Toa" at "You Saved My Life", na ipinakita sa ibang pagkakataon sa Variety Theater. Noong 1951, sa entablado ng parehong teatro, naganap ang premiere screening ng "Madness" ni Sasha Guitry, na sa oras na iyon ay naging interesado sa sinehan (ginampanan niya ang ilang mga tungkulin sa mga pelikula noong 1950s).

Ang kuta ng akademikong yugto sa unang kalahati ng ika-20 siglo ay nanatiling parehong "Comédie Française" kasama ang tradisyonal na mga prinsipyo sa entablado at klasikal na repertoire. Ang sitwasyong ito ay nag-ambag sa pagbabago ng pinakamalaking teatro ng estado sa France sa isang uri ng teatro-museum, laban sa mga sikat na teatro sa boulevard, sa isang banda, at ang mga makabagong adhikain ng karamihan ng mga manggagawa sa teatro, sa kabilang banda.

Ang panahon mula 1918 hanggang 1945 sa kasaysayan ng teatro ng Comedie Française ay karaniwang nahahati sa tatlong yugto. Ang una sa kanila, mula 1918 hanggang 1936, ay naganap sa ilalim ng pamumuno ng pangkalahatang tagapangasiwa na si Emile Fabre, ang pangalawa, mula 1936 hanggang 1940, ay minarkahan ng aktibong gawain ni Edouard Bourdais, ang pangatlo, mula 1940 hanggang 1945, ay minarkahan. sa pamamagitan ng gawain ng unang Jacques Copeau at pagkatapos ay Jean Louis Vaudoyer.

Ang lahat ng mga pinuno ng Comédie Française ay naghangad na panatilihin ang teatro sa antas ng isang "modelong yugto," gayunpaman, ang mga bagong ideya sa lipunan at paghahanap sa larangan ng sining ng pagtatanghal ay patuloy na tumagos sa panloob na buhay ng teatro.

Noong 1921, sinubukan ng direktor na si Georges Berre na ipakita ang Tartuffe ni Molière sa entablado ng Comédie Française sa isang bagong paraan: ang aksyon ng dula, na nagaganap sa bahay ni Orgon, sa kalye, o sa hardin, ay sumisira sa dating nangingibabaw na prinsipyo ng ang pagkakaisa ng lugar, at ang pagkakaisa ng panahon ay binalewala din .

Gayunpaman, nabigo ang direktor na punan ang klasikong gawain ng bagong nilalaman na tumutugma sa diwa ng panahon. Bilang isang resulta, ang karanasan ni Burr ay hindi binuo sa karagdagang mga paggawa ng teatro.

Sa pagtatapos ng 1933, itinanghal ni E. Fabre ang Coriolanus ni Shakespeare sa Comédie Française. Ang pagganap, na nagpukaw ng mga asosasyon sa mga modernong katotohanan (ang tagumpay ng mga Nazi sa Alemanya), ay nakakuha ng hindi kapani-paniwalang katanyagan. Ito ay higit sa lahat dahil sa mahusay na pagtatanghal ng mga nangungunang aktor na sina Rene Alexandre (1885-1945) at Jean Hervé (1884-1962), na naiiba ang interpretasyon sa imahe ng despotikong Romanong pinuno na si Coriolanus.

Ang sikat na playwright, may-akda ng maraming "comedies of manners" na si Edouard Bourdais, na pumalit sa hindi gaanong kilalang Emile Fabre bilang pinuno ng Comédie Française, ay lubos na nauunawaan na ang pinakalumang teatro sa Pransya ay kailangang i-update ang repertoire nito, na ipinakilala ito sa mga pangunahing problema. ng ating panahon.

Upang malutas ang mga problemang ito, inimbitahan ng Comédie Française ang mga nangungunang figure ng theatrical art, mga tagasuporta ng realistic theater, direktor na si Jacques Copeau at ang kanyang mga mag-aaral, ang mga tagapagtatag ng "Cartel of Four" na sina Charles Dullen, Louis Jouvet at Gaston Baty.

Ang sikat na direktor, aktor, guro ng teatro, at may-akda ng isang bilang ng mga teoretikal na gawa sa teatro, si Jacques Copeau, ay naghangad na iakma ang klasikal na repertoire ng pinakamatandang teatro sa mga modernong katotohanan. Nais niyang muling bigyang-kahulugan ang mga pangunahing ideya ng mga gawa ng Moliere, Racine, Dumas fils at iba pa.

Nagtatrabaho noong 1937 sa paggawa ng "Bayazet" ni Racine, itinuro ni Copo sa mga aktor ang isang mas pinipigilang deklarasyon, malaya sa labis na melodiousness at sa parehong oras ay hindi nasisira ang kagandahan ng taludtod ni Racine.

Naka-istilong tanawin at kasuotan, ang pananalita ng mga aktor na nagpapakita hindi lamang ng kahusayan sa pagganap, kundi pati na rin ang kakayahang ipahayag ang malalalim na karanasan ng kanilang mga karakter - lahat ng ito ay nagpatotoo sa pagbuo ng mga bagong uso sa tradisyonal na sining ng Comedie Française theater.

Ang paggawa ng "The Misanthrope" ni Moliere ay bago rin. Ang apela ni Copo sa pinakamahusay na mga obra maestra ng Pranses at mga klasikong mundo ay naging posible upang ganap na ipakita ang katotohanang iyon klasikal na sining, napalaya mula sa itinatag na mga cliché, ay isang mahalagang bahagi espirituwal na pamana bawat bansa.

Kasabay nito, ang ilang mga artista sa teatro ay naghangad na mapanatili ang tradisyonal na repertoire at mga pagtatanghal sa entablado na nagpapakita lamang ng mga propesyonal na kasanayan ng mga aktor. Kabilang sa mga naturang produksyon ay maaaring pangalanan ang "Phaedra" ni Racine, "The School for Husbands" ni Moliere, "Denise" ni A. Dumas the Son at ilang iba pa.

Ang mga tagasunod ni J. Copo, na namuno sa ikatlong direksyon sa malikhaing paghahanap ng Komedya Francaise, ay nagpahayag ng pagnanais na pinakamatandang teatro Ang France ay isang makabuluhang salik sa pakikibaka sa lipunan.

Kaya, sa inisyatiba ng Gaston Bati, ilang mga produksyon ang isinagawa sa entablado ng Comedy Française. Kabilang sa mga ito ang "The Candlestick" ni A. Musset (1937) at "Samum" ni A. R. Lenormand (1937). Ang mga pagtatanghal na ito ay ang susunod na hakbang patungo sa isang bagong istilo ng pag-arte at nag-ambag sa pagpapakilala ng pag-arte sa mga pagtuklas ng sikolohikal na teatro.

Iniharap ni Charles Dullin ang komedya ni Beaumarchais na The Marriage of Figaro (1937) sa isang bagong paraan sa entablado ng Comédie Française. Sa pagtatanghal na ito, naipakita ng mga aktor hindi lamang ang kanilang mataas na pagkakayari, ngunit upang ipakita din ang malalim na panlipunan at sikolohikal na mga layer ng dula.

Ang paggawa ng "Comic Illusion" ni P. Corneille, na isinagawa sa inisyatiba ni Louis Jouvet noong 1937, ay isang pagtatangka na pag-aralan ang pag-aaway ng philistine at creative consciousness, isang pagnanais na luwalhatiin ang acting profession.

Gayunpaman, ang produksyon ay naging hindi gaanong matagumpay kaysa sa mga gawa nina Bati at Dullen, dahil hinangad ng mga aktor na ipakita ang kanilang mga propesyonal na kasanayan sa halip na tuparin ang gawain na itinakda ng direktor. Gayunpaman, ang pakikipagtulungan kay Jouvet ay hindi pumasa nang walang bakas para sa koponan ng Comedie Française. Ganap na natanto ng mga aktor ang pangangailangang ilapit ang sining sa teatro sa mga problemang intelektwal sa panahong iyon.

Ang pinakamahirap na panahon sa mga aktibidad ng Comédie Française ay ang mga taon ng pagsakop sa Paris. Sa pagtagumpayan ng mga paghihirap, sinubukan ng mga aktor sa teatro na mapanatili ang kanilang mataas na propesyonalismo, at bilang karagdagan, sa kanilang pagganap ay hinahangad nilang ipakita ang mga ideyang makatao, pananampalataya sa tao at sa kanyang dignidad.

Sa mga taon ng digmaan, ang mga klasiko ay muling naging batayan ng repertoire ng Comédie Française, ngunit ang impluwensya ng mga panahon ay nadama sa mga produksyon. Kaya naman, ipinakita ni Jean Louis Barrault sa Corneille's "Side" (1943) si Rodrigo bilang isang tao na nakapagpanatili ng lakas ng espiritu sa mahihirap na kalagayan.

Kasama ni mga gawang klasikal, kasama rin sa repertoire ng Comédie Française ang mga gawa ng mga kontemporaryong playwright. Kabilang sa mga ito, ang pinakamatagumpay ay ang dula ni P. Claudel na "The Satin Slipper" (1943), na tumunog sa sinasakop na kabisera ng Pransya bilang isang tawag sa pagkilos. Gayunpaman, ang pinakamatandang teatro sa Paris ay patuloy na nananatiling isang muog ng tradisyon ng pambansang entablado.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo, ang pinakamahalagang salik sa artistikong buhay ng France ay ang avant-garde na sining, na sumasalungat sa modernong realidad at ang ideolohikal, moral at aesthetic na mga pamantayan nito.

Ang French theatrical avant-garde ay naging lubhang magkakaiba: kasama rito ang mga surrealist na tumanggi sa mga itinatag na tradisyon (G. Apollinaire, A. Artaud), at mga tauhan sa teatro ng bayan na nagpahayag ng mga demokratikong ideyal (F. Jemier, A. Lessuer, na nagbukas ng Sarah Theater noong 1936 Bernard People's Theater), at mga tagasuporta ng makatotohanang sining (J. Copo at ang mga tagapagtatag ng "Cartel of Four").

Isang espesyal na tungkulin sa buhay pampanitikan Ang France noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ay ginampanan ng mahuhusay na manunulat, makata at manunulat ng dulang si Wilhelm Apollinary Kostrovitsky (1880-1918), na kilala sa ilalim ng pseudonym na Guillaume Apollinaire. Ang taong ito ay bumaba sa kasaysayan ng teatro ng Pransya bilang tagapagtatag ng surrealismo, isa sa mga kilusan sa modernistang sining.

Si Guillaume Apollinaire ay ipinanganak sa Roma, sa isang pamilya ng mga Polish na maharlika ng isang matandang pamilya. Ang pag-aaral sa pinakamahusay na mga kolehiyo sa Monaco at Cannes ay nagpahintulot sa binata na makakuha ng kinakailangang kaalaman. Palibhasa'y naging interesado sa mga gawaing pampanitikan, pagdating niya sa Nice, ang labing pitong taong gulang na si Guillaume ay nagsimulang maglathala ng sulat-kamay na pahayagan, "The Avenger," na may mga tula at farces ng kanyang sariling komposisyon.

Noong 1900, ang unang one-act na komedya ni Apollinaire, "The Flight of a Guest," ay inilathala pagkalipas ng tatlong taon, ang susunod na gawain ay sinimulan, ang patula na drama na "The Breasts of Tiresias," na natapos lamang pagkaraan ng 14 na taon, noong 1917.

Sa kanyang pampanitikan at dramatikong mga obra maestra, tinutulan ni Apollinaire ang naturalistikong paglalarawan ng nakapaligid na katotohanan, laban sa "katangi-tanging kagandahan" ng mga simbolistang produksyon. Sa kanyang opinyon, sa interpretasyon ng iba't ibang mga phenomena ay mas kanais-nais na ipakita hindi ang isang "hiwa ng buhay", ngunit ang "drama ng sangkatauhan" sa pangkalahatan.

Ang satirical-buffon orientation ng Apollinairean dramaturgy kalaunan ay natagpuan ang ekspresyon sa mga gawa ng maraming sikat na playwright noong ika-20 siglo, kabilang ang mga gawa ni J. Cocteau, J. Giraudoux, at A. Adamov.

Gayunpaman, ang panawagan ng manunulat na umangat sa umiiral na katotohanan ay napagtanto ng maraming mga modernistang artista bilang isang pagtanggi sa totoong buhay at isang pagnanais na bumagsak sa globo ng hindi malay.

Sa direksyong ito nagtrabaho si Antonin Artaud. Hinanap niya sa kanyang mga teoretikal na artikulo at manifesto, na pinagsama sa aklat na "The Theater and Its Double" (1938), at ang poetic work na "The Theater of Alfred Jarry" (kasama si Roger Vitrac) na magtatag ng sining sa teatro, na may kakayahang, tulad ng isang relihiyosong ritwal o misteryo, ng pag-impluwensya Ang subconscious ng tao ay may malaking impluwensya.

Ang mga eksperimento sa entablado ni Artaud ay hindi naging matagumpay dahil ganap nilang ipinakita ang hindi pagkakatugma ng mga pangunahing prinsipyo ng surrealismo sa buhay na kasanayan ng sining sa teatro.

Ang mga aktibidad ng "Cartel of Four," na tinalakay nang kaunti sa itaas, ay nararapat na espesyal na pansin. Ang ideya ng paglikha nito ay nagmula sa mga progresibong tauhan sa teatro na namuno sa mga sinehan ng batang kapital, C. Dullen, L. Jouvet, G. Bati at J. Pitoev, noong 1926.

Ang deklarasyon ng Cartel, na nilagdaan ng mga miyembro nito noong Hulyo 1927, ay nagtakda ng pangangailangang lumikha ng isang administratibong kagamitan upang pamahalaan ang lahat ng mga teatro sa Pransya, at binanggit din ang malikhaing tulong sa isa't isa na kinakailangan upang harapin ang mga tradisyonal at komersyal na mga sinehan.

Nangunguna sa mga sinehan na may iba't ibang mga prinsipyo ng aesthetic, gayunpaman, ang mga miyembro ng "Cartel" ay nakahanap ng karaniwang batayan - ang makatotohanang mga pathos ng pagkamalikhain at mga demokratikong pananaw sa mundo. Ito ay salamat sa pagkakapareho ng pananaw sa mundo na ang Cartel of Four ay nakaligtas sa malupit na mga kondisyon ng unang kalahati ng ika-20 siglo at gumaganap ng isang natitirang papel sa pag-unlad ng French performing arts sa panahong ito.

Ang natitirang aktor at direktor na si Charles Dullen (1885-1949), na nag-aral sa bahay at pagkatapos ay nag-aral ng "agham ng buhay" sa Lyon, ay nagsimulang gumanap sa entablado noong 1905. Noon naganap ang kanyang debut sa maliit na teatro na "Agile Rabbit", na hindi alam ng publiko.

Pagkalipas ng dalawang taon, pumasok si Dullen sa Antoine Odeon Theatre, kung saan sinimulan niyang maunawaan ang mga lihim ng craft ng bagong teatro, at noong 1909 siya ay naging miyembro ng acting troupe ng Theatre of Arts. Ang unang natatanging imahe ni Dullen na nilikha sa entablado ng teatro na ito ay si Smerdyakov sa Dostoevsky's The Brothers Karamazov. Ang papel na ito ay minarkahan ang pagtatapos ng pag-aprentis ng aktor.

Ang talento ni Charles ay napansin ng namumukod-tanging aktor at direktor na si J. Copo. Noong 1913, inimbitahan niya ang isang batang aktor sa kanyang "Old Dovecote Theatre". Ang produksyon ng The Brothers Karamazov ay isang matunog na tagumpay din dito. Ang papel ng Harpagon sa "The Miser" ni Molière ay hindi gaanong matagumpay;

Ang mga ideya ni Copo tungkol sa mataas na espirituwal na misyon ng teatro ay nakahanap ng tugon sa kaluluwa ni Dullen. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang sikat na guro, si Charles ay masigasig din sa mga ideya ng katutubong teatro, na naging dahilan ng kanyang paglipat sa tropa ni Firmin Zemier.

Kasabay nito, pinangarap ni Dullen na lumikha ng kanyang sariling teatro, na binuksan noong 1922. Sa entablado ng "Atelier", bilang tinawag ng direktor sa kanyang utak, iba't ibang mga pagtatanghal ang itinanghal, at ang mga script ng ilan sa mga ito ay partikular na isinulat para sa teatro na ito ("Gusto mo bang makipaglaro sa akin" ni M. Ashar at iba pa).

Halos lahat ng mga dulang itinanghal sa entablado ng Atelier ay naging malapit sa realidad. Ito ay ang "Volpone" ni B. Jones kasama si Dullen sa pamagat na papel, "The Birds" ni Aristophanes sa interpretasyon ng B. Zimmer, "Musse, o the School of Hypocrisy" ni J. Romain, atbp.

Unti-unti, binuo ni Charles Dullen ang kanyang sariling sistema ng pedagogical, batay sa pagsasanay ng mga aktor sa proseso ng mga improvisational na pagtatanghal. Salamat dito, hindi lamang ang mga salita ng papel ang naintindihan, kundi pati na rin ang buong imahe sa kabuuan, ang bayani ay nagpakita sa harap ng gumaganap bilang isang buhay na tao, bilang isang resulta, ang aktor ay naging isang karakter.

Nakikita ang susi sa tagumpay sa mahusay na mastery ng acting technique, binigyang-pansin ni Dullen ang pagsasanay ng mga batang performer. Mula sa "Atelier" ng direktor na ito ay nagmula ang isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang figure sa entablado - M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barrot, A. Barsak at iba pa.

Ang paggawa ng dula ni A. Salakru na "The Earth is Round" ay ang huling obra ni Dullen sa Atelier. Noong 1940, nang ibigay ang kanyang brainchild kay Andre Barsak, nagsimulang magtrabaho ang tumatandang master sa mga sinehan na nakatanggap ng mga subsidyo mula sa estado - sa Théâtre de Paris at Théâtre de la Cité (dating Sarah Bernhardt Theatre).

Pinamunuan ni Dullen ang huli sa kanila hanggang 1947; itinanghal sa entablado ng teatro na ito ang dulang eksistensyal na "The Flies" ni J. P. Sartre. Kasunod nito, ang direktor ay naglibot ng maraming, at sa oras na ito ay itinanghal niya ang dula ni A. Salakru na "The Lenoir Archipelago", kung saan ginampanan ni Dullen ang pangunahing papel.

Ang mga huling taon ng trabaho ni Dullen ay minarkahan ng isang pag-alis mula sa karaniwang mga isyu sa etika at moral at isang kamalayan sa pampulitika at panlipunang mga tungkulin ng teatro. Lalong naging intelektwal ang pagiging realismo ng direktor, at kitang-kita ang impluwensya ng kanyang mga pagtatanghal sa puso at isipan ng mga manonood.

Walang gaanong kilalang tao sa buhay teatro ng France noong panahong iyon ay si Louis Jouvet (1887-1951). Nagsimula siyang dumalo sa mga klase sa teatro habang nag-aaral sa Unibersidad ng Paris.

Tulad ng kanyang kasamahan sa Cartel, unang gumanap si Louis sa mga yugto ng maliliit, hindi kilalang mga teatro sa mga suburb, ngunit ang mga cliches sa entablado at mga lumang tradisyon sa teatro ay hindi maaaring masiyahan ang mahuhusay na aktor.

Noong 1911, sumali si Jouvet sa Theater of Arts ni Jacques Roucher. Dito niya nakilala sina Dullen at Copo, pati na rin ang kanyang debut performance sa The Brothers Karamazov (ang papel ni Elder Zosima).

Noong 1913, nagsimulang magtrabaho si Louis sa "Old Dovecote Theatre" ng Copeau; Ang mga tungkulin ni Andrew Aguechick sa Twelfth Night ni Shakespeare, Geronte sa Scapin's Plots at Sganarelle sa The Reluctant Doctor ni Molière ay nagbigay ng katanyagan sa mahuhusay na aktor.

Sa kanyang kabataan, pangunahing ginampanan ni Jouvet ang mga tungkulin ng mga matatanda, na ipinaliwanag ng kanyang pagnanais na matutunan ang sining ng pagbabago. Ang mga larawang ginawa niya sa panahong ito ng pagkamalikhain ay naging kahanga-hangang parang buhay, sa parehong oras, tapat na mga karakter sa teatro ang lumitaw sa harap ng madla.

Pinagtibay ni Jouvet mula sa Copo ang kanyang saloobin sa teatro bilang isang paraan ng pag-unawa sa buhay at tao. Nasa 1920s na, tinalikuran niya ang mariin na panlabas na theatricality ng mga imaheng nilikha niya. Ipinapakita ang panloob na kakanyahan ng bayani, ang kanyang intelektwal na nilalaman - ito ang mga gawain na itinakda ng aktor para sa kanyang sarili.

Mula 1922 hanggang 1934, pinamunuan ni Jouvet ang koponan ng Comedy des Champs-Elysees, pagkatapos nito ay lumipat siya sa Antey, na pinamunuan niya hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay.

Ang mga kritiko sa teatro na tinatawag na Knock, o ang Triumph of Medicine ni J. Romain ay isa sa pinakamatagumpay na produksyon ng direktor na ito. Si Jouvet, na naglaro ng Knock sa isang modernong suit at halos walang makeup, ay nagawang lumikha ng isang kahanga-hangang imahe ng isang misanthrope, isang tagasuporta ng pasistang ideolohiya.

Sa mga produksiyon ni Jouvet, ang bawat detalye ay may tiyak na kahulugan, iyon ay, mahigpit na na-verify na mise-en-scène at ang mga karakter sa entablado na malinaw na tinukoy ang nagpasiya sa istilo ng produksyon. Noong 1928, nagsimula ang pakikipagtulungan ni Jouvet sa namumukod-tanging French playwright na si J. Giraudoux sa pagtatanghal ng dulang Siegfried. Ang resulta ng kanilang karagdagang trabaho ay ang paggawa ng dulang "There Will Be No Trojan War," na, tulad ng "Knock," ay naglalaman ng isang tiyak na mapanglaw na pag-iisip. Dalawang kulay ang nangingibabaw sa entablado - puti at asul ang mga manonood ay ipinakita ng mga karakter-ideya, na naglulunsad ng isang intelektwal na pakikibaka sa kanilang mga sarili.

Kahit sa mga klasikal na dula, nagawang i-highlight ni Jouvet ang kanilang intelektwal na pinagmulan. Halimbawa, si Arnolf sa "School for Wives" ni Molière ay inilalarawan bilang isang palaisip na ang konseptong pilosopikal ay natalo sa pakikibaka sa totoong buhay, at si Don Juan sa dula na may parehong pangalan bilang isang lalaking nawalan ng tiwala sa lahat. Ang mga pagtuklas sa teatro ni Louis Jouvet ay nagsilbing batayan para sa pag-unlad ng intelektwal na teatro sa France.

Ang simula ng aktibidad sa teatro ng natitirang aktor at direktor na si Gaston Baty (1885-1952) ay nagsimula noong 1919, ang oras ng kanyang kakilala kay Firmin Zemier at ang pagpirma ng unang kontrata. Si Bati, na nakakuha ng atensyon ng sikat na estudyante na si Andre Antoine, ay tumanggap ng trabaho bilang direktor; Circus ng Paris.

Sa loob ng ilang buwan, kinuha ni Bati ang posisyon ng direktor ng Comedie Montaigne theater. Sa limang pagtatanghal na kanyang itinanghal sa yugtong ito, ang pinakatanyag ay ang Samum ni Lenormand. Ang dulang ito ay nagsiwalat ng mga pangunahing uso sa gawain ng direktor, lalo na ang pagnanais na matuklasan sa trahedya ang mga pangunahing tauhan ng relihiyoso at pilosopikal na kahulugan, na tila katangian ng modernong katotohanan.

Noong taglagas ng 1921, pagkatapos buksan ang kanyang sariling teatro ng Chimera, naglathala si Bati ng tatlong artikulo na nagpapaliwanag sa mga pangunahing prinsipyo ng etika ng pagbuo ng isang bagong institusyon ("Theatrical Temples", "Drama Requiring Reform", "His Majesty the Word").

Ang mga publikasyong ito ay nagpapahintulot sa mga kritiko na tawagan si Gaston Baty na "isang idealista at isang militanteng Katoliko." Ang paglalagay ng slogan na “The renewal of the theater is its liberation from the dominance of literature,” tila hinahamon ng direktor ang mga siglo nang tradisyon ng Comedy Francaise at boulevard theaters.

Noong 1930, si Bati ay inilagay na namamahala sa pangkat ng Montparnasse. Ang unang produksyon ng direktor, "The Threepenny Opera" ni B. Brecht at C. Weill, ay naging matagumpay at agad na pumasok sa repertoire ng teatro.

Noong 1933, ipinakita ni Bati ang kanyang bagong gawain sa madla - "Krimen at Parusa" ni Dostoevsky. Nang hindi itinago ang kanyang interes sa relihiyosong aspeto ng gawain, ang direktor sa parehong oras ay nagbigay-pansin sa personalidad ng tao.

Ang pakikibaka para sa tao, sa kanyang pangalan, ay naging mapagpasyahan sa interpretasyon ng ilang mga karakter, lalo na si Sonya Marmeladova (Margaret Jamois). Ang tagumpay ng pangunahing tauhang babae laban kay Porfiry Petrovich (Georges Vitray), ang exponent ng konsepto ng estado ng tao, pati na rin ang kamalayan ni Raskolnikov (Lucien Nata) sa kamalian ng kanyang mga paniniwala ay ipinakita bilang isang tagumpay ng humanistic ideals. Ang mga katulad na ideya ay ipinahayag sa dulang "Madame Bovary" (1936).

Ang humanistic ideals ni Bati ay nakatanggap ng matinding panlipunang oryentasyon sa bisperas ng at sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Noong 1942, itinanghal ng direktor si Macbeth sa sinasakop na lungsod. Ayon kay Bati, ang dulang ito, na nagsasalaysay ng kapalaran ng isang ambisyosong bayani, ay ganap na naaayon sa diwa ng panahon;

Ang ika-apat na tagapagtatag ng Cartel, si Georges Pitoev (1884-1939), ay nagmula sa Tiflis. Noong 1908, pagkatapos ng pagtatapos mula sa Moscow University, St. Petersburg Institute of Railways at University of Prague, si Pitoev ay naging malapit sa teatro ng pinakadakilang artistang Ruso na si V. F. Komissarzhevskaya, at makalipas ang ilang buwan ay naging bahagi siya ng kumikilos na tropa ng "Mobile Theater" P. P. Gaideburov at N. F. Skarskaya.

Noong 1912, binuksan ni Georges ang Our Theater sa St. Petersburg, sa entablado kung saan itinanghal ang ilang mga dula ng mga Ruso at dayuhang may-akda. Pagkalipas ng dalawang taon, umalis si Pitoev sa Russia, sa gayon ay nagtatapos sa panahon ng Russia ng kanyang buhay at trabaho. Sa Paris, nakilala ni Georges ang mahuhusay na aktres na si Lyudmila Smanova, na sa lalong madaling panahon ay naging kanyang asawa.

Sa loob ng pitong taon (1915-1922), ang mga Pitoev ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Switzerland, lalo na sa Plainpalais Theatre, na ang repertoire ay kasama ang mga gawa ni L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw, atbp. Sa inisyatiba ni Pitoev, ang Hamlet ni Shakespeare, Macbeth at Measure for Measure ay itinanghal sa teatro, na isang matunog na tagumpay.

Noong Disyembre 1921, ang mag-asawang Pitoev ay nakatanggap ng isang imbitasyon sa permanenteng trabaho sa France mula sa sikat na negosyante, may-ari ng Champs-Elysees Theatre na si Jacques Heberto. Di-nagtagal, lumipat ang mag-asawa sa Paris at noong Pebrero 1922 ay nagbukas ng kanilang sariling teatro.

Kabilang sa mga produksyon na isinagawa ni Pitoev sa kabisera ng Pransya, ang "Uncle Vanya" at "The Seagull" ni Chekhov ay lalong sikat. Ang kanilang set na disenyo ay medyo katamtaman: ang mabibigat na velvet na kurtina ay naghihiwalay sa harapan ng entablado mula sa background. Napansin ng mga kritiko ang kakayahan ng direktor na ihatid ang kagandahan at tula ng mga dramatikong obra maestra at upang bigyang-diin ang malalim na sikolohiya ng mga kaganapang nangyayari sa entablado.

Marami ang nag-kredito kay Pitoev sa katotohanang binuksan niya ang Chekhov sa publiko ng Pransya, at sa gayon ay inilatag ang pundasyon para sa isang bago, tinatawag na direksyon ng Chekhovian sa mga sining ng pagtatanghal ng France. Ang mga direktor na nagtrabaho sa direksyon na ito ay naghangad na ipakita ang malalim na mga layer ng buhay ng tao at malutas ang masalimuot na gusot ng mga relasyon ng tao.

Si Georges Pitoev ay hindi lamang isang kahanga-hangang direktor, kundi isang mahusay na tagapalabas ng mga tungkulin sa mga dula ni Chekhov. Ang mga larawang ginawa niya ay naging nakakagulat na organic at tao. Kinilala ng mga kritiko si Astrov sa Uncle Van at Treplev sa The Seagull bilang ang pinakamatagumpay na mga tungkuling Chekhovian ng aktor na ito.

Tandaan na ang maliwanag na hitsura ni Zh Pitoev (manipis, medyo angular, na may asul-itim na buhok na nakabalangkas sa isang malaking maputlang mukha, kung saan nakatayo ang mga itim na kilay, na nakabitin sa malalaking, maalalahanin na mga mata) ay nagpapahintulot sa kanya na maglaro nang halos walang makeup.

Ang ikalawang kalahati ng 1920s ay minarkahan ng paglitaw ng mga bagong uso sa gawain ni Georges Pitoev, na sa oras na iyon ay naiimpluwensyahan ng iba't ibang mga artistikong paggalaw. Ito ay nagpakita ng sarili sa maraming mga produksyon: halimbawa, sa Hamlet (1926), ang pangunahing karakter ay lumilitaw bilang isang mahinang tao, walang kakayahang makipaglaban, tiyak na matatalo sa totoong mundo.

Ang dula ni Chekhov na "Three Sisters," na itinanghal sa Georges Pitoev Theater noong 1929, ay binigyang-kahulugan sa katulad na paraan. Ang walang saysay na pagtatangka ng magkapatid na Prozorov na tumakas mula sa nakakainip na pang-araw-araw na buhay ng probinsya ay nagiging isang trahedya, ang hininga nito ay nararamdaman sa lahat ng bagay - kapwa sa nakatakdang disenyo ng pagganap at sa kalunus-lunos na pagganap ng mga aktor. Kaya, ang trahedya ng pag-iral ng tao ay dinala sa unahan sa dula.

Ang mga huling taon ng buhay ni Pitoev ay napuno ng mga paghihirap ng serbisyo publiko. Noong 1939, itinanghal ng direktor na may karamdaman sa wakas ang dula ni Ibsen na "Enemy of the People."

Ang mahigpit na tanawin at mga modernong kasuutan na ginamit sa pagtatanghal na ito ay hindi nakagambala sa atensyon ng madla mula sa aksyon na nagbubukas sa entablado, at si Dr. Stockman, na ginanap ni Pitoev, ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon. Ang bayani ay lumitaw bilang isang maliwanag na malikhaing indibidwal, isang mangangaral ng kadakilaan ng tatlong sangkap - Dahilan, Katotohanan at Kalayaan.

Ang isang espesyal na kontribusyon sa pag-unlad ng teatro ng Pransya ay ginawa ni Lyudmila Pitoeva (1895-1951), ang asawa ng sikat na direktor. Ang kanyang kakilala sa performing arts ay naganap sa Russia. Ang pagkakaroon ng nakuha na mga kasanayan sa pag-arte sa bansang ito, ipinagpatuloy ni Lyudmila na mapabuti ito sa France.

Isang maikli, balingkinitan, marupok na aktres na may malalaking ekspresyong mga mata sa isang gumagalaw na mukha ang gumawa ng malaking impresyon sa madla sa kanyang walang arte na pagganap. Ang bawat imahe na kanyang katawanin sa entablado ay isang maliwanag na indibidwal, na nakatingin nang may awa sa nakapaligid na mundo na puno ng trahedya.

Sa maagang yugto ng kanyang karera sa pag-arte, hinahangad ni Lyudmila Pitoeva na ipakita sa mga pampublikong bayani na puno ng espirituwal na pagkakaisa at kadalisayan; ganyan ang kanyang Ophelia sa Hamlet ni Shakespeare, si Sonya sa Uncle Vanya ni Chekhov.

Gayunpaman, ang pinakamahalagang papel ng mahuhusay na aktres ay si Joan of Arc sa Saint Joan ni Shaw. Ang buong hitsura ng mataas, sobrang sensitibong pangunahing tauhang babae na si L. Pitoeva ay nagpahayag ng kawalan ng pag-asa. Ang imahe ni Irina mula sa "Three Sisters" ay puno ng isang premonisyon ng isang nalalapit na sakuna.

Sa ikalawang kalahati lamang ng 1930s ay nagsimulang muli ang aktres na maglaro ng mga pangunahing tauhang babae na naniniwala sa isang mas mahusay na hinaharap. Tinawag ng maraming kritiko sa teatro ang Nina Zarechnaya ni Lyudmila Pitoeva sa bagong produksyon noong 1939 na "apostol ng pag-asa."

"Ang pinaka banayad at pinaka kumplikado ng mga artista sa France," ayon kay A. V. Lunacharsky, ay si Suzanne Despres (Charlotte Bouvallee) (1874-1951). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang doktor, at tila walang naglalarawan sa kanyang kapalaran bilang isang artista.

Ang pakikipagkita sa direktor na si O. M. Lunier Poe ay kapansin-pansing nagbago sa buhay ni Suzanne. Noong 1893, pinakasalan niya ang lalaking ito, at makalipas ang isang taon ay ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Parisian theater na "Evre", kung saan siya ang direktor at punong direktor.

Sa parehong taon, ang batang aktres ay pumasok sa Paris Conservatory, sa klase ng G. I. Worms. Nang matapos ang kanyang pag-aaral, bumalik si Suzanne Despres sa yugto ng Evra, kung saan nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na mga imahe: Hilda sa paggawa ng Solnes the Builder, Solveig sa Peer Gynt at Rautendelein sa The Sunken Bell. Para sa mga kontemporaryo, si Suzanne Despres ay isa sa pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin sa mga dula ni G. Ibsen.

Ang isang mahalagang lugar sa French drama sa unang kalahati ng ika-20 siglo ay inookupahan ng mga aktibidad ng tinatawag na mga may-akda ng repertoire, na ang gawain ay nailalarawan sa pamamagitan ng komedya na saklaw ng mga kaganapan sa modernong buhay. Isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay isang mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula Jacques Deval(Bularan) (1890-1971).

Si Jacques ay isinilang at lumaki sa isang malaking acting family. Nagsimula siyang magtanghal sa entablado nang maaga, ngunit ang mga ito ay mga menor de edad na papel ng amateur. Noong 1920, ginawa ni Deval ang kanyang debut sa Femina Theater hindi lamang bilang isang propesyonal na artista, kundi pati na rin bilang isa sa mga direktor ng komedya na "A Weak Woman."

Si Jacques Deval ay nakakuha ng higit na katanyagan pagkatapos na magsulat ng isang bilang ng mga comedic na dula na kasama sa mga repertoires ng pinakamahusay na mga grupo ng teatro sa France noong panahong iyon.

Kaya, sa mga yugto ng mga teatro na "Monte Carlo", "Comédie-Comartin" at "Athénée" ang mga dulang "Diabolical Beauty" (1924), "Imaginary Lover" (1925), "September Rose" (1926), "Debauchery ” ay matagumpay na ginanap sa mga yugto ng mga sinehan "(1929), "Mademoiselle" (1932) at "A Plea for Life" (1933) (ang aksyon ng huling dalawang dula ay naganap sa isang makitid na domestic circle).

Ang mga gawa ni J. Deval, na nakikilala sa isang medyo magaspang, mabigat na katatawanan, ay nagkaroon ng hindi pa nagagawang tagumpay sa mga lupon ng burges. Kasabay nito, ang mga seryosong tao sa teatro ay mahigpit na pinuna ang mga komedya ni Deval para sa kanilang maraming mga turo at ang walang paltos na matagumpay na pagtatapos ng mga dula, na ang balangkas ay batay sa pag-iibigan ng mga karakter.

Upang masiyahan ang panlasa ng mahihirap na edukadong publiko, ang mga drama na "Ventoz" at "Kasama" ay isinulat: sa una sa mga ito, sinubukan ng may-akda na ipakita ang mga tagasuporta ng demokrasya bilang mga anarkista at maninira ng buhay; ang pangalawang dula ay isang karikatura ng mga Ruso na diumano'y nagdadalamhati sa sinapit ng mga inapo ng pamilyang imperyal ng Russia.

Sa mga taon ng post-war, na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng kanyang unang bahagi ng trabaho, si J. Deval ay nagtrabaho sa paglikha ng maraming mga komedya at magaan na mga vaudeville, ang balangkas na kung saan ay batay sa masasayang pakikipagsapalaran ng matapang na mga adventurer at magagandang courtesan. Lalo na matagumpay sa mga taong iyon ang mga pagtatanghal na "The Jumper" (1957) at "Romansero" (1957), batay sa mga gawa ng parehong pangalan ni Jacques Deval.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay minarkahan ng lumalagong katanyagan ng mga gawa ng mahuhusay na manunulat ng dula sa Russia. Noong kalagitnaan ng 1950s, ang "A Plea for Life" ay itinanghal sa Moscow Art Theater, at ang mga pangunahing tungkulin ay ginampanan ng mga sikat na aktor ng Russia na sina Bersenev at Giatsintova.

Noong 1957, nagsimula ang pakikipagtulungan ni Deval sa Leningrad Drama Theater. A. S. Pushkin at ang Moscow Theater na pinangalanan. M. N. Ermolova. Sa parehong oras, nagsimulang magtrabaho ang French playwright sa sinehan;

Kasama ng repertoire, ang avant-garde dramaturgy ay tumanggap ng malawakang pag-unlad sa unang kalahati ng ika-20 siglo, ang pinakakilalang kinatawan nito ay Jules Romain(1885-1966), may-akda ng isang bilang ng mga dulang pang-uyam sa lipunan (“Knock, or the Triumph of Medicine”, “Monsieur le Troadec is having fun”, “The Marriages of Le Troadec”, atbp.), pati na rin ang ang mga lumikha ng dalawampu't-volume na akdang "People of Goodwill" na sina Charles Vildrac at Jean-Richard Block.

Ang pinakamahusay na play ng isang mahuhusay na playwright, isang aktibong pigura sa French Resistance Charles Wildrac(1884-1971) ang mga kritiko sa teatro na tinatawag na "Steamboat Tennessee" (1919), na naging isang kapansin-pansing kababalaghan sa buhay teatro ng bansa.

Ang playwright ay isa sa mga unang tumugon sa tema ng henerasyong nagdusa sa digmaan at natagpuan ang sarili na hindi kailangan sa post-war France. Ang mga pangunahing tauhan ng dulang "Steamboat Tennessee", Bastian at Segar, ay kaibahan sa modernong lipunan, na binuo sa kasinungalingan at pagkakanulo.

Ang pamagat ng drama na "Steamboat Tennessee" ay simboliko: Segar set off sa isang barko ng katatagan at tiyaga sa malalayong lupain, kung saan naghihintay sa kanya ang mga bagong karaingan at pagkabigo.

Ang mahuhusay na Pranses na manunulat, playwright, publicist, teatro at pampublikong pigura ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng realismong Pranses sa larangan ng sining ng teatro. Jean-Richard Block (1884—1947).

Bilang isang tagasuporta ng mga malikhaing ideya nina R. Rolland at F. Zemier, si Blok sa loob ng ilang taon ay aktibong nakipaglaban para sa paglikha ng isang katutubong teatro sa France. Siya ay hinamak ang sining ng teatro noong huling bahagi ng 1920s at unang bahagi ng 1930s, na higit na nakakaaliw sa kalikasan.

Kaya, sa aklat na "The Fate of the Theater" (1930), ang manunulat ng dula ay kumilos bilang isang madamdaming tumutuligsa sa kontemporaryong sining dito ay nagkaroon ng panawagan para sa pagtatanghal ng mga dula sa entablado na may kaugnay na nilalaman na pumukaw ng "mga dakilang kaisipan at hilig" sa mga madla.

Si Jean-Richard Bloch ay pumasok sa mundo ng panitikan bilang isang ganap na nabuong tao: noong 1910 isinulat niya ang dulang "Restless," na pagkaraan ng 12 buwan ay itinanghal sa teatro ng Odeon sa kabisera. Pinilit ng matagumpay na premiere ang Odeon team na bumaling muli sa playwright na may kahilingang lumikha ng bagong play.

Noong 1936, ipinakita ng teatro sa publiko ang makasaysayang drama ni Blok na pinamagatang "The Last Emperor" (1919-1920), sa direksyon ni F. Zemier. Ang dulang ito ng isang mahuhusay na manunulat ng dula ay pumasok sa repertoire ng People's Theater pambansang teatro sa Trocadero, at nang maglaon ay ipinakita ang dula sa mga yugto ng teatro sa Geneva at Berlin.

Noong unang bahagi ng 1930s, nagtrabaho si Jean-Richard Bloch sa mga libretto para sa mga pagtatanghal ng ballet at opera, kung saan mayroon nang ilang dosena sa pagtatapos ng dekada. Bilang karagdagan, ang manunulat ng dula ay nakibahagi sa organisasyon at kasunod na gawain ng People's Theatre, na binuksan sa Paris noong 1935.

Personal na dumalo si Blok sa mga pag-eensayo ng mga dula batay sa kanyang mga gawa, pinanood ang paglalaro ng mga aktor at binigyan sila ng kapaki-pakinabang na payo. Salamat sa aktibong gawain sikat na manunulat ng dula Noong 1937, sa lugar ng winter velodrome, nakita ng publiko ng Paris ang napakalaking tanyag na pagganap na "The Birth of a City".

Sa mga taon ng pananakop, si J. R. Blok, kasama sina A. Barbusse, R. Rolland at ilang iba pang progresibong numero sa France, ay bahagi ng anti-pasistang unyon.

Noong 1941, napilitan siyang umalis sa bansa at manirahan sa Unyong Sobyet. Ang apat na taon na ginugol dito ay naging lubhang mabunga: ang mga makabayang drama na "A Search in Paris" (1941) at "Toulon" (1943), na sumasalamin sa mga kaganapan sa totoong buhay at kalaunan ay itinanghal sa mga yugto ng maraming mga sinehan, natagpuan ang isang mainit na tugon sa mga puso at kaluluwa ng mga progresibong panahon ng mga tao. Noong 1950, si Jean-Richard Bloch ay iginawad sa posthumously ng gintong Peace Medal.

Siya ay hindi gaanong tanyag kaysa sa mga nabanggit na manunulat ng dula. Andre Gide(1869-1951) - mahuhusay na Pranses na simbolistang manunulat, nagwagi Nobel Prize sa Sining (1947).

Ang kanyang pangalan ay nakilala sa mundo ng panitikan mula noong 1891. Sumulat si Andre ng ilan maliliit na gawa, na nagpakita ng imahe ng isang mapagmataas, taong mapagmahal sa kalayaan na humahamak sa modernong lipunan, na naglalagay ng mga personal na interes kaysa sa interes ng estado.

Ang temang ito ay ipinagpatuloy sa mga dulang "Saul" (1898) at "King Candaulus" (1899), kung saan ang may-akda ay naglalarawan ng mga nakakatuwang larawan ng malupit na mga tirano at kinatawan. karaniwang tao. Ang iba pang mga gawa ni Andre Gide ay napuno din ng matalim na panunuya sa modernong katotohanan.

Ang isa sa mga pinakamatagumpay na gawa, ayon sa may-akda mismo, ay ang dulang "Phioctetes", na inilathala noong 1899, na itinanghal pagkalipas ng dalawang dekada sa entablado ng isa sa mga sinehan ng kapital.

Gayunpaman, ang mga prinsipyo ng indibidwalismo at ang pangangaral ng imoralismo ay malinaw na narinig sa mga huling gawa ng manunulat - ang mga nobela na "The Immoralist" (1902), "Vatican Dungeons" (1914) at "Counterfeiters" (1925).

Ang kasagsagan ng trabaho ni A. Gide ay naganap noong 1930s - 1940s, sa panahong ito ay lumikha siya ng isang bilang ng mga dramatikong obra maestra - ang drama na "Oedipus" (1930), ang libretto para sa dramatikong symphony na "Persephone" (1934), itinanghal sa Grand Opera sa musika ni Stravinsky at iba pa.

Ang pag-asa para sa pagpapalaya mula sa isang mabigat na pasanin, na malinaw na nakikita sa mga gawa noong 1930s, ay nagbigay-daan sa mga pesimistikong pagtataya sa mga akda ng susunod na panahon. Sinubukan ng manunulat ng dulang kahit papaano na makamit ang modernong katotohanan, ngunit, napagtanto ang kawalang-saysay ng mga pagtatangka na ito, nahulog siya sa isang malalim na depresyon.

Ang aklat na “Bumalik mula sa Uniong Sobyet"(1936), kung saan sinubukan ng may-akda na magbigay ng pagsusuri sa hindi makataong ideolohiya ng pasismo.

Ang espirituwal na pagkalito, maging ang ilang takot sa isang malakas na puwersa na tumataba sa Europa, ay malinaw na nararamdaman sa dulang "Robert, o ang Pampublikong Interes," na isinulat ni A. Gide noong 1940 at itinanghal sa entablado ng isa sa mga teatro sa Paris. makalipas ang anim na taon.

Ang pinakabagong mga gawa ng manunulat (The Trial, 1947, atbp.) ay isang natatanging interpretasyon ng mga sinaunang kuwento at mga balangkas na hiniram mula sa sinaunang kasaysayan at Bibliya. Binuo nila ang pangangaral ng indibidwalismo na likas sa mga unang dramatikong gawa ng taong ito.

Bilang isang kalaban ng "panlipunan, makabayang adhikain ng manunulat ng dula," sinikap ni Andre Gide na lumikha ng "dalisay" na sining na hindi tumugon sa mga problema ng ating panahon. Sa kanyang maraming mga gawa na nakatuon sa estado ng modernong drama (ang artikulong "On the Evolution of Theater," atbp.), naghanda siya ng isang plataporma para sa pagbuo ng isang existentialist trend sa theatrical art at ang paaralan ng French "avant-garde teatro."

Marahil ang pinakamataas na tagumpay ng makatotohanang sining ng Pransya ay ang pamumulaklak ng intelektwal na drama, na nagpatibay sa makatao na konsepto ng buhay.

Kabilang sa mga pinakamahusay na kinatawan ng genre na ito, sina Armand Salakru, Jean Cocteau, Jean Anouilh at Jean Giraudoux (1882-1944) ay nararapat na espesyal na pansin. Ang huli sa mga playwright na ito ay ang may-akda ng isang bilang ng mga gawa na humipo sa mahahalagang problema sa lipunan at pilosopikal: "Siegfried" (1928), "Amphitryon-38" (1929), "Judith" (1931), "Walang Trojan Digmaan" (1935), " Electra" (1937), "The Madwoman of Chaillot" (1942), "Sodom and Gomorrah" (1943), atbp. Ang mga pagtatanghal ng mga dulang ito ay napakapopular sa publikong Pranses.

Gayunpaman, isa sa pinakamahusay na mga gawa Ang mga kontemporaryo ng 1930 ay tinatawag na drama A. Salakru"Ang Earth ay Bilog" (1937). Isinasaalang-alang bilang batayan ang mga makasaysayang pangyayari na nagsasabi tungkol sa buhay ng lipunang Florentine noong 1492-1498, walang awang pinupuna ng manunulat ng dulang ang panatisismo sa relihiyon, kawalan ng prinsipyo sa moral at pampulitika ng mga Florentine, at kasabay nito ang mga kinatawan ng modernong mundo.

Pinag-uusapan natin hindi lamang ang tungkol sa panatisismo sa relihiyon, kundi pati na rin ang tungkol sa anumang iba pang idolatriya, matabang lupa na kung saan ay ang kamalayan ng mga ordinaryong tao, na handang sumunod sa anumang utos na ibinigay sa kanila.

Sa laki ng sakuna, tinutumbasan ng mandudula ang digmaan sa paniniil at panatisismo. Gayunpaman, pinaniniwalaan ni Salakru ang mga manonood sa tagumpay ng pag-unlad: ang balita ng mga mandaragat na naglakbay sa buong mundo ay nakarating sa lahat. Muli nitong pinatutunayan ang kamalian ng mga paghatol ng panatikong ordinaryong tao.

Inilalaan ni Salakru ang isang bilang ng mga gawa ng mga taon ng digmaan (Margarita, 1941; Betrothal sa Le Havre, 1942) at ang panahon pagkatapos ng digmaan (Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Durand) sa problema ng pagtatatag mataas na pagpapahalagang moral , 1960 "Black Street", 1968, atbp.). Sa mga akdang ito, nanatiling tapat ang manunulat ng dula sa matataas na mithiin ng makatao at ang kanyang kritikal na saloobin sa modernong realidad.

Isang kapansin-pansing marka kultural na buhay Isang mahuhusay na makata, playwright, at filmmaker ang umalis sa France noong ika-20 siglo Jean Cocteau(1889-1963). Ang pagkakaroon ng naging isa sa mga natitirang manunulat ng France, naging tanyag bilang isang makata at nobelista ("The Impostor of Tom", 1923; "Problem Children", 1929), hindi nagtagal ay naging interesado siya sa mga gumaganap na sining.

Ang manunulat ng dulang ito ay isa sa mga unang bumaling sa mitolohiya sa kanyang akda, na nagbigay-daan sa kanya na tingnan ang makabagong realidad at tumaas sa matataas na pilosopikal na paglalahat. Noong 1922, binigyang-kahulugan ni Cocteau ang trahedya ni Sophocles na "Antigone", at pagkalipas ng ilang taon ay ipinakita sa publiko ang mga libreng adaptasyon ng mga trahedya na "Oedipus the King" (1925) at "Orpheus" (1926).

Noong 30s at 40s ng ika-20 siglo, ipinagpatuloy ni Cocteau ang interpretasyon ng mga paksang mitolohiya. Ang mga drama na "The Infernal Machine" (1932), "Knights of the Round Table" (1937), "Reno and Armida" (1941), "The Double-Headed Eagle" (1946), "Bacchus" (1952) hanggang ngayon. Hindi tulad ng mga naunang gawa, isang bagong motibo ang maririnig dito - pananampalataya sa tagumpay ng katapangan at tiyaga ng tao.

Kasabay ng kanyang trabaho sa mga mythological play, nagtrabaho si Cocteau sa paglikha ng mga gawa na sumasalamin sa estado ng modernong katotohanan ("Terrible Parents", 1938; "Idols", 1940; "The Typewriter", 1941). Ang kanyang mga miniature, o mga kanta, na isinagawa ng sikat na Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais at Bert Bovy (miniature na "The Human Voice", 1930, atbp.) ay lalong popular.

Sinakop ng sinehan ang isang mahalagang lugar sa malikhaing buhay ni Jean Cocteau. Noong 1930, batay sa kanyang script, ang pelikulang "Blood of a Poet" ay itinanghal, ngunit ang hindi kasiya-siyang mga resulta ng trabaho ay pinilit ang screenwriter na bumaling sa independiyenteng aktibidad ng direktoryo: noong 1946, ipinakita niya ang pelikulang "Beauty and the Beast" sa ang madla, na sinundan ng "The Double-Headed Eagle" (1950), Orpheus (1958) at The Testament of Orpheus (1960).

Sa loob ng ilang dekada, ang pinakasikat na manunulat ng dula sa France ay Jean Anouilh(1910-1987). Sa pagsisimula ng kanyang karera sa panitikan noong unang bahagi ng 1930s, mabilis siyang naging isang sikat na manunulat. Ang kasagsagan ng kanyang trabaho ay naganap noong 30s at 40s ng ika-20 siglo. Noong 1932, isinulat ni Anouilh ang kanyang unang dula, na pinamagatang "Ermine," kung saan ang motibo ng pagkontra sa dalawang polar na mundo - mayaman at mahirap - ay inilagay sa unang lugar. Pagkalipas ng ilang buwan, ipinakita sa publiko ang comedy-ballet na "Thieves' Ball" (1932), na ang balangkas ay batay sa kwento ng pag-ibig ng isang mayamang babae para sa isang magnanakaw.

Kinilala ng mga kritiko ang "The Savage" (1934) bilang ang pinakamatagumpay na gawain ng maagang panahon ng pagkamalikhain ni Anouilh. Gamit ang imahe ng isang dalisay na batang babae na nagngangalang Teresa, minarkahan ng playwright ang pagbubukas ng isang buong gallery ng mga katulad na karakter, na kalaunan ay lumitaw sa marami sa kanyang mga gawa.

Ang mga dulang may kinalaman sa mga isyu sa pamilya at moral ay hindi gaanong sikat kaysa sa "Savage". Ang isa sa kanila - "Noong unang panahon ay may isang bilanggo" (1935) - ay nagsasabi tungkol sa kapalaran ng isang bayani na pinalaya mula sa bilangguan pagkatapos ng mahabang sentensiya bilang isang bagong tao, at ang isa pa - "Isang Manlalakbay na Walang Luggage" (1936) - nagsasabi tungkol sa malungkot na kapalaran ng isang tao sa modernong mundo, na ang memorya ay nabibigatan ng mga alaala ng digmaan.

Ang mga taon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa gawain ni Jean Anouilh, na nailalarawan ng mapait na pagkabigo sa mga nakaraang mithiin. Gayunpaman, hindi nawala ang dating interes ng playwright sa teatro.

Noong 1942, dalawang cycle ng mga dula ang inilabas, parehong bago at dati nang nilikha: ang unang koleksyon na pinamagatang "Black Plays" ay kasama ang mga drama na "Ermine", "Passenger without Luggage", "Savage" at "Eurydice" (1941), na naging isang uri ng pagpapatuloy ng "Savage".

Ang pangalawang koleksyon - "Pink Plays" - naging hindi gaanong kawili-wili kaysa sa una; kasama dito ang mga akdang "Thieves' Ball", "Leocadia" (1939), "Rendezvous in Senlis" (1941).

Ang pinaka makabuluhang mga gawa sa panahong ito ng pagkamalikhain ni Anuev ay ang mga dulang "Eurydice" at "Antigone", na isinulat sa isang mitolohiyang balangkas at humipo sa mga problema ng ating panahon. Itinutuon ng may-akda ang lahat ng kanyang atensyon sa malalim na pag-aaway ng ideolohiya ng mga karakter, habang itinataas niya ang mga katotohanan ng buhay sa antas ng mga problemang pilosopikal.

Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, patuloy na aktibong nagtatrabaho si Anuy. Nasa unang bahagi ng 1950s, ang kanyang bagong koleksyon na pinamagatang "Brilliant Plays" (1951) ay nai-publish makalipas ang limang taon, ang "Prickly Plays" (1956) ay ipinakita sa madla na maunawain, at pagkatapos ay "Costume Plays" (1962), na nagpatuloy; upang itaguyod ang mataas na humanistic ideals.

Ang panahon ng post-war ng buhay at gawain ng mahuhusay na manunulat ng dula ay kasama rin ang pagsulat ng mga gawa tulad ng "Beckett, or the Honor of God" (1959), "The Basement" (1961), atbp.

Tinawag ng maraming kritiko ang dula na "The Lark" (1953), na itinayo sa anyo ng pagsubok ng pambansang pangunahing tauhang si Joan of Arc, ang rurok ng dramatikong pagkamalikhain ni Anouilh. Ang trahedya na salungatan ng trabaho (ang paghaharap sa pagitan ng isang tao at isang inquisitor) ay nakakakuha ng isang matinding socio-pilosopiko na resonance. Sa pagtatapos, ang mga ideyang makatao ay nagtatagumpay sa mga paniniwala ng kaaway ng sangkatauhan - ang inkisitor.

Ang dramaturgy ni Anouilh, na pumasok sa repertoires ng karamihan sa mga teatro sa Pransya noong kalagitnaan ng 1930s, ay hinihiling sa loob ng ilang dekada. Hanggang ngayon, sa mga entablado ng mga teatro sa Paris ay makikita mo ang mga pagtatanghal ng pinakamahusay na mga gawa ng manunulat ng dulang ito.

Ang pinakakilalang kinatawan ng French drama ng digmaan at mga panahon pagkatapos ng digmaan ay ang kinikilalang pinuno ng eksistensyalismo Jean Paul Sartre(1905-1980). Ang pilosopiya na naglalayong bumuo ng mga problema sa moral ay makikita sa marami sa mga dramatikong obra maestra ni Sartre.

Sa paniniwalang ang isang tao ay malaya sa kanyang pagpili at sa anumang sitwasyon ay lumilitaw bilang kung ano ang ginawa niya sa kanyang sarili, ang playwright ay bumaling sa pag-aaral ng pag-uugali ng mga bayani na natagpuan ang kanilang sarili sa isang kritikal na sitwasyon. Dahil dito, nakuha ng mga dula ang katangian ng mga talinghagang pilosopiko na may nilalamang moral at nakapagtuturo.

Sa mga taon ng digmaan, ang mga gawa ni Sartre ay tumunog ng isang panawagan para sa pakikibaka na may kaugnayan sa panahong iyon. Ganito ang kanyang "Flies," na itinanghal ni Dullin noong 1943 sa sinasakop na Paris. Sa mga mythological heroes, ang mga figure ng Resistance (ang imahe ni Orestes), ang mga maydala ng mga ideya ng Nazi (ang imahe ng Aegisthus) at mga tagasuporta ng conciliatory na posisyon ng mga collaborationist (ang imahe ni Clytemnestra) ay madaling nakilala.

Kasunod nito, madalas na bumaling si J. P. Sartre sa mga paksang pangkasaysayan (“The Devil and the Lord God,” 1951), ngunit ang repleksyon ng modernong socio-political reality ay madalas na sinamahan ng mga eksperimento sa pilosopikal sa diwa ng existentialism (ang mga dulang “For saradong pinto(1944), "Dirty Hands" (1948), "Dead Without an Executioner" (1946), atbp.).

Isang babala laban sa pag-uulit ng mga pagkakamali ng nakaraan at laban sa muling pagbabangon ng pasismo sa mundo pagkatapos ng digmaan ay pinatunog ng sikolohikal na drama na "The Hermits of Altona" (1959). Dito, tulad ng sa maraming iba pang mga gawa ni Sartre, ang kalunus-lunos na motibo ng kalungkutan at takot na takot sa hinaharap ay natagpuang ekspresyon.

Noong 40s at 50s ng 20th century, ang mga dramatikong obra maestra ng "absurdists" ay naging katulad ng mood sa mga gawa ni Sartre. Ang pangangaral ng kapahamakan ng isang tao na, sa paghahanap ng paraan upang makalabas sa ganoong estado, ay bumaling sa alogism (isang irrationalistic o mystical vision ng mundo sa mga gawa ng Ionesco), sunud-sunod na pag-asa sa kamatayan (sa Beckett) o mapangwasak na paghihimagsik na humahantong. hanggang sa kamatayan (sa mga gawa ng Genet), ay ang pangunahing tema ng "drama ng walang katotohanan."

Isa sa mga pinakasikat na dula Samuel Beckett(1906-1989) ay maaaring isaalang-alang ang akdang "Naghihintay para kay Godot" (1952) - isang madilim na talinghaga kung saan, kasama ang mga motibo sa relihiyon, ang pessimistic na pilosopikal na pangangatwiran at "itim na katatawanan" ay magkakasamang nabubuhay. Tinawag ng maraming kritiko sa teatro ang akdang ito na “pilosopikong clownery.”

Ang dramatikong pamana ni Beckett (Endgame, 1957; Oh! Happy Days!, 1961) ay napuno ng kawalan ng pag-asa, ang kanyang mga bayani - bulag, pipi, paralitiko at freak - ay lumilitaw bilang mga papet na kontrolado ng hindi kilalang mga puwersa ng kasamaan.

Ang mga gawa ni Jean Genet (1910-1986) ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang luntiang libangan at ilang kumplikado ng karaniwang anyo, na naghangad na gawing kakaibang phantasmagoria ("Maids", 1946; "Negroes", 1959; "Balcony", 1960 ; "Mga Screen", 1966).

Ang pagnanais na gambalain ang publiko mula sa pagpindot sa mga problema, upang ihulog sila sa isang estado ng kawalan ng ulirat, ay madalas na nagresulta sa pagtutula ni J. Genet ng brutal na karahasan (marahil ito ay dahil sa pamumuhay na pinamunuan ng manunulat bago maging isang tanyag na tao).

Ang mga dula ni Eugene Ionesco (1912-1994) ay puno ng pagtanggi sa lohikal na pag-iisip bilang isang paraan ng pag-alam ng katotohanan. Ang mga nakakatuwang larawan at slapstick na komedya ay naroroon sa halos lahat ng mga dramatikong gawa ng may-akda (“The Bald Singer”, 1950; “The Lesson”, 1951; “Chairs”, 1952; “Rhinoceros”, 1959, atbp.), na natatakpan ng pangangaral ng nihilismo at anarkiya na paghihimagsik.

Sa pagsasalita laban sa mga tradisyunal na anyo ng sining, itinanggi ng mga "absurdists" hindi lamang ang modernong teatro, kundi pati na rin ang panitikan at drama. Tumanggi silang isaalang-alang ang wika bilang isang paraan ng pagkakaunawaan ng mga tao, kaya ang ilan sa pagkalito at pagiging kumplikado ng mga anyo ng "drama ng walang katotohanan."

Ang isa pang direksyon sa French performing arts noong mga taon pagkatapos ng digmaan ay ang "demokratikong avant-garde", ang pinakakilalang kinatawan kung saan ay Arthur Adamov(1908-1970). Ipinanganak siya sa Kislovodsk. Noong 1914, umalis ang pamilya sa Russia at, pagkatapos ng mahabang paglibot, nanirahan sa France.

Ang mga unang dula, na nagpatotoo sa pagkalito at espirituwal na kaguluhan ng batang manunulat ng dula, ay isinulat sa ilalim ng malakas na impluwensya ng mga ideya ng "absurdist" na mga manunulat ng dula, ngunit kahit na noon ay nagsimulang magpakita ng espesyal na interes si Adamov sa mga tadhana ng mga tao sa modernong mundo. .

Ginugol ang anim na buwan mahuhusay na manunulat sa isang pasistang kampong piitan, nag-iwan ng bakas sa kanyang karagdagang gawain. Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, nilikha ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, na puno ng pananampalataya sa tagumpay ng mga demokratikong ideya at naglalaman ng matalim na pagpuna sa modernong lipunan.

Partikular na sikat ang mga dula ni A. Adamov na "Invasion" (1950), "Ping Pong" (1955) at "Paolo Paoli" (1957). Hindi gaanong sikat ang "Scum Politics" (1962), "Mr. Moderate" (1967) at "No Trespassing" (1969).

Tinawag ng playwright ang kanyang pinakamahusay na mga gawa na satirical at journalistic one-act plays, na tinatawag na "topical scenes" ("I am not French," "Intimacy," "The Complaint of Laughter").

Bilang karagdagan sa paglikha ng kanyang sariling mga drama, si Arthur Adamov ay kasangkot sa mga pagsasalin. Salamat sa taong ito, nakilala ng France ang "The Bourgeois" at "Vassa Zheleznova" ni A. M. Gorky, ang malikhaing pamana ni A. P. Chekhov.

Ang pagtatapos ng 60s ng ika-20 siglo ay minarkahan ng isang walang uliran na pagtaas sa interes ng publikong Pranses sa drama. Ang mga dula ng mga batang may-akda ay nai-publish sa pinakamalaking mga publikasyong Pranses na "Sail" at "Stoke", at ang mga bagong produksyon ay itinanghal.

Ang mga gawa ng mga batang manunulat ng dula ay higit na tumutugon sa mga kaganapan ng modernong realidad (“Edged Weapon” at “Fruit Peel on a Rotten Tree” ni V. Aim), isang repleksyon ng socio-political reality (“Atelier”, "Pag-aaway", "Bukas", "Window on street" ni J.C. Granbert).

Ang isang espesyal na lugar sa French dramaturgy noong ika-20 siglo ay inookupahan ng gawain ng mga batang may-akda na nagsimula ng kanilang mga karera sa entablado ng mga sinehan sa probinsiya. Nakibahagi sila sa Avignon Festival, ang natatanging “festival for the mind and heart” na ito. Ang kasaysayan ng pagdiriwang ay nagsimula noong 1947 (ang tagapag-ayos ng unang naturang kaganapan ay ang sikat na figure sa teatro na si Jean Vilar).

Ang tema ng kalungkutan at pag-abandona ng tao sa modernong mundo ay nakatanggap ng bagong kahulugan sa pagkamalikhain Barnar Marie Koltes(ipinanganak noong 1948). Halimbawa, ang mga dulang "Night Before the Forest" (ipinakita sa Avignon Festival noong 1977), "The Battle of the Negro and the Dogs" (na itinanghal noong 1983 sa mga suburb ng Paris).

Ang mga gawa ng mga playwright tulad nina Pierre Laville, Daniel Benhard at iba pa ay kilala sa kanilang apela sa mga isyung sosyo-politikal at sikolohiya ng tao.

Ang teatro ng Pransya ay umunlad sa mas mabilis na bilis kaysa sa dramaturhiya sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Noong unang bahagi ng 1960s, ang mga komersyal na "boulevard" na mga teatro, na unti-unting lumalapit sa mga cabarets at iba pang entertainment establishments, ay naging isang "arena" para sa mga produksyon ng adulterous comedies nina Andre Roussin at Roger Ferdinand, para sa pagpapakita ng mga madugong melodramas at mga aksyon na pelikula ng iba't ibang mga may-akda.

Ang repertoire ng naturang mga teatro, kasama ang pino at mapang-uyam na mga drama ng Françoise Sagan, ay kasama ang sira-sira, bahagyang magaspang na mga dula ni Marcel Aimé.

Sa kabila ng lahat, ang mga komersyal na sinehan ay patuloy na nakakaakit ng malalaking madla na gustong manood ng mga sikat na aktor - sina Jean-Claude Brialy at Micheline Prel (parehong nilalaro sa dulang "The Flea in the Ear"), Daniel Ivernel at Paul Meurisse (ang pangunahing mga karakter sa " The Staircase"), Marie Belle (Phaedra sa modernistang produksyon ng trahedya ni Racine), atbp.

Mga carrier ng pinakamayaman mga kultural na tradisyon Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, lumitaw ang pinakamatandang teatro sa France, ang Comédie Française, at ang mga grupo nina Andre Barsac at Jean Louis Barrault. Ang pag-arte ng mga aktor ng Comedy Française, na iginawad ng pinakamataas na papuri ng Italian playwright na si Carlo Goldoni noong ika-18 siglo, ay namamangha pa rin ngayon sa hindi matatawaran na husay at mataas na propesyonalismo: “Walang pinipilit sa kilos o ekspresyon. Bawat hakbang, bawat galaw, sulyap, tahimik na eksena ay maingat na pinag-aaralan, ngunit itinatago ng sining ang pag-aaral sa ilalim ng takip ng pagiging natural.” Ang ilang mga tampok ng istilo ng entablado ng pinakalumang teatro ng Pransya ay naroroon sa pagtatanghal ng iba pang mga grupo ng pag-arte. Gayunpaman, ang Comedy Française ay hindi nawala ang katanyagan at prestihiyo nito hanggang sa araw na ito.

Natutunan ng mga mahuhusay na direktor ng Pranses na sina Jean Louis Barrault at Andre Barsac ang mga lihim ng pagdidirekta sa sikat na paaralan ng Cartel, sa ilalim ng kilalang Charles Dullen. Gayunpaman, naunawaan ng bawat isa sa kanila ang mga aralin ng master sa kanilang sariling paraan.

Si Andre Barsac (1909-1973) ay nakakuha ng katanyagan hindi lamang bilang isang direktor-psychologist, kundi pati na rin bilang isang dekorador ng teatro. Ang pagkakaroon ng interes sa teatro sa kanyang pagkabata, pinili niyang hindi kumilos bilang kanyang larangan, ngunit ang propesyon ng isang artista. Ang mga taon ng pag-aaral sa Paris School of Decorative Arts (1924-1926) ay nagpapahintulot sa kanya na makabisado ang mga pangunahing kaalaman ng kanyang napiling propesyon, at noong 1928 ay nagpunta si Barsak sa trabaho sa Atelier theater ng C. Dullen, na sikat sa mga taong iyon.

Ang pasinaya na gawain ng batang artista ay ang tanawin para sa dulang "Volpone" ni B. Johnson, at ang pinakamahusay na mga obra maestra sa larangang ito ay ang mga sketch ng tanawin at mga kasuotan para sa dulang "The Doctor of His Unit" ni Calderon (1935).

Mula noong 1930, sabay-sabay na nagtrabaho si A. Barsak sa maraming mga sinehan - "Atelier", "Troupe of Fifteen" at sa opera house, kung saan pinalamutian niya ang "Persephone" ni Stravinsky.

Noong 1936, pinasimulan ni Andre ang paglikha ng isang bagong teatro na tinatawag na Troupe of the Four Seasons, na sa lalong madaling panahon ay ipinakita ang unang produksyon nito sa madla - ang Gozzi's The Deer King (ito ang debut work ni Barsak na direktor).

Sa panahon ng 1937/1938, ang isang bilang ng mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng teatro na ito, ang tanawin na ginawa ng direktor mismo - "Jean from the Moon" ni Achard, "Knock" ni Romain, "Once upon a oras na mayroong isang bilanggo" ni Anouilh, atbp. Ang matagumpay na pagtatanghal ng tropa ay nagbigay-daan sa mga ito na magsimula ng mga paglilibot sa New York, Paris at mga panlalawigang lungsod ng France, Belgium at Brazil.

Noong 1940, si André Barsac ay hinirang na direktor ng Atelier Theater, habang sa parehong oras ay nagpatuloy siyang magtrabaho bilang isang set designer at stage director. Sa aktibong pakikilahok ng taong ito, "The Tricks of Scapin" (1940), "Euridice" at "Romeo and Jeanette" ni Anouilh (1940), "The Brothers Karamazov" ni Dostoevsky (1946) at maraming iba pang mga pagtatanghal ay itinanghal sa entablado ng "Atelier".

Noong 1948, ipinakita ni Barsak ang The Inspector General ni Gogol, noong 1940, The Seagull ni Chekhov, at noong 1958-1959, ang dula ni Mayakovsky na The Bedbug.

Gayunpaman, ang pinakadakilang katanyagan para sa Barsak na direktor ay nagmula sa pagsasadula ng nobela ni Dostoevsky na "The Idiot", kung saan ang papel ni Nastasya Filippovna ay ginampanan ng sikat na trahedya na aktres na si Catherine Seller.

Ang paggawa ng gawain ni Turgenev na "Isang Buwan sa Bansa" ay pantay na tanyag. Ang pagtatanghal ay naging lubhang patula;

Ang isa pang lugar ng gawain ni Andre Barsac ay aktibidad sa panitikan. Siya ang may-akda ng komedya na "Agrippa, o Mad Day," na itinanghal sa entablado ng Atelier noong 1947, at isang bilang ng mga artikulo sa teatro.

Ang isang espesyal na papel sa pagbuo ng French stage art ay ginampanan ng mahuhusay na aktor at direktor na si Jean Louis Barrault (1910-1994). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang parmasyutiko at sa kanyang pagkabata ay natuklasan niya ang mga natatanging kakayahan sa pagguhit. Sa pag-abot sa kinakailangang edad, ang batang lalaki ay pumasok sa mga kurso sa pagpipinta sa Louvre School sa Paris. Gayunpaman, si Jean Louis ay hindi nakatakdang magtapos mula sa institusyong pang-edukasyon na ito, ang kanyang pagkahilig sa teatro ay pinilit na iwanan ang kanyang karera bilang isang artista at sumali sa tropa ng teatro ng C. Dullen "Atelier".

Ang pagkakaroon ng kanyang debut noong 1932 sa isang maliit na papel sa isa sa mga produksyon ng teatro, nagsimulang lumahok si Barro sa halos lahat ng mga pagtatanghal. Ngunit ang kakulangan ng kasanayan ay humadlang sa paglago ng karera, at ang batang aktor ay nagpahayag ng pagnanais na kunin ang sining ng pantomime kasama ang sikat na mime na E. Decroux.

Noong 1935, naganap ang premiere performance ng pantomime na "Near Mother," batay sa nobela ni Faulkner na "While I Lay Dying," sa entablado ng Atelier Theater. Sa pagtatanghal na ito, naglaro si Jean Louis ng isang kabayo at ang sakay nito. Sa parehong oras, ginawa ni Barro ang kanyang debut sa pelikula (ang pelikulang "Children of Paradise"). Ang isang napakahalagang kaganapan sa kanyang buhay ay ang kanyang pagkakakilala sa mga surrealist at ang tropa ng teatro ng Oktubre.

Di-nagtagal, iniwan ni Jean Louis si Dullen at inayos ang kanyang sariling tropa, na tinawag na "Augustine's Attic", ngunit hindi tumigil sa pakikipagtulungan sa "Atelier". Noong 1939, ginampanan ni Barro ang papel ni Silvio sa anti-pasistang dula ni Salakru na "The Earth is Round," na itinanghal sa Dullen Theater, at ipinakita sa madla ang isang pagsasadula ng dula ni Hamsun na "Hunger."

Ilang taon bago nito, ginawa ni J. L. Barrot ang kanyang debut sa entablado ng Antoine Theater kasama ang makabayang drama na Numancia (batay sa Cervantes). Ang pagtatanghal ay isang hindi pa nagagawang tagumpay dahil sa pagiging napapanahon at kaugnayan ng produksyon (sa oras na iyon ang buong progresibong publiko ay nag-aalala tungkol sa kahihinatnan ng digmaan sa Espanya).

Noong 1940, inanyayahan si Barrault sa Comedie Française theater, kung saan siya nagtrabaho hanggang 1946. Sa pinakatanyag na yugtong ito sa France, gumanap siya ng ilang mga tungkulin, kasama na si Rodrigo sa "Side" ni Shakespeare at ang desperadong Hamlet sa dula ng parehong pangalan. Bilang karagdagan, muling binigyang-kahulugan ni Jean Louis ang klasikal na repertoire ng teatro: Racine's Phèdre (1942), Claudel's The Satin Slipper (1943) at Shakespeare's Antony and Cleopatra (1945), na itinanghal ni Barrault, ay naging napakapopular sa mga sopistikadong madlang metropolitan.

Ang katibayan ng ilang eclectic na panlasa ng mahuhusay na direktor ay ang kanyang matagumpay na pagsasadula ng mga gawa ng iba't ibang genre, maging ito ay komedya o trahedya, operetta o pantomime. Kasabay nito, sinikap niyang lumikha ng isang sintetikong teatro na magkakasuwato na pagsasama-samahin ang pinakamahusay na paraan ng pagpapahayag na katangian ng iba't ibang uri ng sining.

Noong 1946, inayos ni Jean Louis ang isang bagong tropa ng pag-arte, na, bilang karagdagan sa kanya, kasama si M. Reno (asawa ng direktor) at maraming iba pang mahuhusay na performer.

Si Barrault ay naging artistikong direktor at nangungunang aktor ng tropa na ito, na gumanap sa gusali ng Marigny Theatre. Mga pagtatanghal tulad ng "Nights of Wrath" ni Salakru (1946), "The Trial" ni Kafka (1947), "The Tricks of Scapin" ni Molière (1949), "Christopher Columbus" ni Claudel (1950), "Malbrouck is Ready to Go” ni Achard, ay itinanghal dito ang "The Cherry Orchard" ni Chekhov.

Sa ilan sa mga produksyon na ito, si Jean Louis ay kumilos hindi lamang bilang isang direktor, kundi pati na rin bilang isang tagapalabas ng mga nangungunang tungkulin (ang anti-pasistang patriot na si Cordo sa Nights of Wrath, Christopher Columbus sa paglalaro ng parehong pangalan, Trofimov sa The Cherry Orchard, atbp.).

Noong 1959, si Barrot ay nahalal na pangulo ng Parisian Theatre de France. Ang kanyang mga produksyon ng mga dulang "Rhinoceros" ni Ionesco, "The Golden Head" ni Claudel at "Little Madame Molière" ni Anouilh ay nagmula sa parehong panahon.

Bilang karagdagan sa pagdidirekta at pag-arte, kasangkot din si Barrot sa mga aktibidad sa lipunan: sa loob ng ilang taon siya ang direktor ng School of Dramatic Art, na itinatag niya sa Paris sa tulong nina J. Berto at R. Rouleau. Si Jean Louis Barrault ay ang may-akda ng akdang pampanitikan na "Reflections on the Theatre", kung saan ang may-akda ay kumikilos bilang isang naghahanap ng katotohanan at isang makata ng sining ng pagganap.

Kaya, ang gawain nina Barrault at Barsac ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng teatro ng Pransya sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Hindi gaanong kawili-wili ang gawain ng mga natitirang master na sina Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer sa mga yugto ng mga teatro ng Evre, La Bruyère at Michel.

Ang unang bahagi ng 1950s ay nakita ang muling pagkabuhay ng dating kaluwalhatian ng National People's Theater F. Zhemier, dahil sa pagdating ng mahuhusay na direktor na si Jean Vilar (1912-1971) sa tropa. Sa maikling panahon, nagawa ng taong ito na gawing isa sa pinakamahusay na mga sinehan sa France ang National People's Theater.

Nag-iisang layunin ang ginawa ni Vilar: gawing accessible ang teatro sa milyun-milyong manonood, "ayon sa matalino at pangunahing pormula ni Stanislavsky." Ang mahuhusay na direktor ay lumikha ng isang bagong istilo ng entablado: simple at sa parehong oras ay marilag, aesthetically perpekto at naa-access, na dinisenyo para sa isang madla ng libu-libo.

Lumikha si Vilar ng isang tunay na buhay na teatro kung saan ang publiko ay gumaganap ng isang tiyak na papel, at pinamamahalaang pukawin ang interes sa mga sining ng pagganap kahit na sa mga malayo sa teatro. Sa inisyatiba ng taong ito, muling inayos ang sistema ng paglilingkod sa madla: dalawang oras bago magsimula ang pagtatanghal, binuksan ang isang cafe sa National People's Theater kung saan maaaring magmeryenda pagkatapos ng trabaho, bilang karagdagan, nagsimula ang mga pagtatanghal sa isang oras na maginhawa para sa madla.

Unti-unti, ang teatro ay naging isang uri ng House of Folk Culture, na hindi lamang nagpakita ng mga pagtatanghal at pelikula, ngunit nagho-host din ng mga pampanitikan at musikal na gabi, eskultura at mga eksibisyon sa pagpipinta. Ang "folk balls" na inorganisa ng pamunuan ng National People's Theater ay nakakuha ng pinakamalaking katanyagan sa mga taong iyon.

Sa pamamagitan ng pagtatanghal ng mga gawa ng lokal at dayuhang klasiko sa entablado, sinubukan ni Jean Vilar na hanapin sa kanila ang mga sagot sa mga tanong na gumugulo sa kanya, at kumuha ng mga kinakailangang aral mula sa nakaraan. Ganito ang mga produksyon ng "The Cid" ni Corneille kasama si Gerard Philippe sa title role (1951), "The Prince of Homburg" ni G. Kleist (1952), "Don Juan" ni Molière (1953) at "Macbeth" ni Shakespeare ( 1954).

Ang dulang "Sid", na binibigyang kahulugan ni Vilar, ay lumitaw bilang isang tula tungkol sa pag-ibig at maharlika ang teksto, na puno ng pagnanasa, na tumunog sa entablado na parang kolokyal na pananalita na naiintindihan ng bawat ordinaryong tao.

Ang produksyon na ito ay naging isang simbolo ng muling pagkabuhay ng French folk theater na ang pinakamagagandang tao sa France ay nagsalita tungkol dito nang may galak. Kaya naman, tinawag ni Louis Aragon ang “The Cid” na “ang pinakamahusay na pagtatanghal na itinanghal sa entablado ng Pransya,” at sinabi ni Maurice Thorez, pagkatapos mapanood ang obra maestra na ito: “Atin ang pambansang pamana.”

Sa entablado ng National People's Theater, ang mga mahahalagang hakbang ay ginawa tungo sa pag-unawa sa katutubong tema ng kasaysayan ang mga produksyon ng Hugo's Mary Tudor (1955) at Musset's Lorenzaccio (1958) ay naging isang tunay na sensasyon sa modernong mundo.

Noong 1960-1961, ipinakita ni Vilar sa madla ang mga pagtatanghal na "Antigone" ni Sophocles, "The Career of Arturo Ui" ni Brecht, "Scarlet Roses for Me" ni O'Casey, "The Alcalde of Salamea" ni Calderon at "The Mundo” ni Aristophanes. Sa mga produktong ito, nabuo ang imahe ng isang bayaning bayan na lumalaban para sa kapayapaan at kalayaan.

Itinuring ng maraming mahuhusay na aktor na isang karangalan ang magtrabaho sa ilalim ng pangangasiwa ng sikat na Jean Vilar. Unti-unti, nabuo ang isang highly professional acting troupe sa National People's Theater, na kinabibilangan nina Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli at iba pang aktor. Dumagsa rin dito ang pinakamahuhusay na set designer, lighting designer, costume designer at iba pang stage workers.

Isa sa pinakasikat na aktor ng post-war France, isang kinikilalang pinuno sa mga modernong romantikong aktor, ay si Gerard Philip (1922-1959). Ginawa niya ang kanyang pasinaya sa teatro noong 1942 at sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng katanyagan.

Maraming mga pagtatanghal na may partisipasyon ng aktor na ito ang pumukaw ng tunay na interes ng publiko. Si Gerard Philip ay lumikha ng isang bilang ng mga hindi malilimutang larawan - Rodrigo sa Corneille's "Cid", ang Prinsipe ng Homburg sa dula ng parehong pangalan, Lorenzaccio sa dula ni Musset, atbp. Bilang unang pangulo ng Union of Actors of France, ipinagtanggol niya ang karapatan ng mga tao ng propesyon na ito sa modernong mundo.

Si Gerard Philip ay gumanap hindi lamang sa entablado ng teatro, kundi pati na rin sa harap ng mga camera ng pelikula, nag-star siya sa mga nangungunang papel sa mga pelikula tulad ng "The Parma Monastery", "Fanfan-Tulip", "Red and Black", atbp.

Ang isang natatanging dramatikong artista ng isang trahedya na papel ay si Maria Cazares ( tunay na pangalan Quiroga) (1922-1996), kinatawan ng pamilya ng estadistang Espanyol.

Matapos ang paglipat ng kanyang ama sa Pransya, sinimulan ni Maria ang kanyang pag-aaral sa isa sa mga Parisian lyceum, at pagkatapos, na matagumpay na nagtapos sa institusyong pang-edukasyon na ito, pumasok siya sa Conservatory of Dramatic Art.

Noong kalagitnaan ng 1950s, iniwan ng talentadong aktres ang Comedie Française, kung saan gumanap siya sa loob ng maraming taon, at sumali sa tropa ng People's National Theater, sa entablado kung saan lumikha siya ng isang malaking bilang ng mga hindi malilimutang dramatikong mga imahe (Queen Mary. sa Mary Tudor ni Hugo at iba pa).

Si Maria Cazares ay nakakuha ng partikular na katanyagan bilang isang artista sa pelikula ang kanyang debut sa larangang ito ay ang kanyang papel sa "Mga Bata ng Paraiso" ni M. Carné (1945), na sinundan ng isang alok mula kay R. Bresson upang magbida sa pelikulang "Ladies of the Bois; de Boulogne” (1945). Gayunpaman, ang pinakamatagumpay na papel, na nag-iwan ng maliwanag na marka sa French cinema, ay ang Sanseverina sa pagbagay ni Christian-Jean ng "The Monastery of Parma" ni A. Stendhal.

Noong 1949, ginampanan ng pambihirang dramatikong artista ang papel na Kamatayan sa "Orpheus" ni Jean Cocteau, at pagkaraan ng sampung taon ay nakatanggap siya ng isang imbitasyon sa papel ng prinsesa sa pelikulang "The Testament of Orpheus" (1959). Ang mga kasosyo ni M. Cazares sa set ay naging sina Jean Marais (Orpheus) at Jean Cocteau (makata), na ang mahuhusay na pagganap ay naging susi sa matagumpay na pagpapalabas ng pelikula.

Ang maliliit na papel na ginampanan ni M. Cazares sa mga pelikulang "Shadow and Light" ni A. Calef (1950), "The Reader" ni M. Deville (1987) at "Knights of the Round Table" ni D. Llorca (1990) ay nabanggit na may pantay na atensyon.

Napanatili ng aktres ang magandang espiritu hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay. Halimbawa, ang sumusunod na katotohanan ay nagpapahiwatig: noong 1996 (ang taon na siya ay namatay), ang 74-taong-gulang na si Maria Cazares ay aktibong bahagi sa paggawa ng pelikula ng Paskalevich na pelikula na "Someone's America."

Kapansin-pansin na sa buong buhay niya, hindi nagbigay ng dahilan ang aktres para pagdudahan ang kanyang reputasyon bukod pa rito, hindi niya pinayagan ang mga mamamahayag at biographer sa kanyang buhay.

Ang isa sa pinakasikat na artistang Pranses sa ating panahon ay si Jean Gabin (totoong pangalan na Jean Alexis Moncorger) (1904-1976). Ipinanganak siya sa pamilya ng isang simpleng manggagawa, at tila walang nagbabadya ng kakaibang kapalaran para kay Jean. Gayunpaman, habang baguhan pa rin sa isang construction site at isang katulong na manggagawa sa isang pandayan, nagpakita siya ng pambihirang kakayahan sa pag-arte.

Noong 1923, ginawa ni Jean Gabin ang kanyang debut sa entablado ng teatro ng Folies Bergere ng kabisera bilang dagdag. Napansin ang talento at kaakit-akit na anyo ng young actor, at hindi nagtagal ay nakatanggap siya ng imbitasyon na maging artista sa isang variety show. Matapos magtrabaho ng ilang taon sa musical revue genre, lumipat siya sa operetta theater, at naging performer ng mga nakakatawang kanta sa mga sinehan ng Vaudeville, Bouffe-Parisienne at Moulin Rouge.

Gayunpaman, ang pinakadakilang katanyagan ni Jean Gabin ay nagmula sa kanyang maraming mga tungkulin na ginampanan sa mga pelikula. Ang kanyang debut sa pelikula ay naganap noong 1931 sa pelikulang "The Great Illusion".

Ang tagumpay ng pelikula ay nagbigay-pansin sa maraming direktor sa dalawampu't pitong taong gulang na aktor, at hindi nagtagal ay naging isa siya sa mga pinaka-imbitado. Ginampanan ni Jean Gabin ang isang bilang ng mga papel sa mga pelikula tulad ng "Embankment of Fogs", "Thunder from Heaven", "At the Walls of Malapaga", "Great Families", "The Powers That Be", "Prairie Street", atbp.

Ang aktor na ito ay bumagsak sa kasaysayan ng sining ng teatro at cinematic sa mundo bilang tagalikha ng imahe ng isang taong tapat sa mga ideal na ideya ng tungkulin at katarungan, na may kakayahang ipagtanggol ang kanyang dignidad at kalayaan sa pakikibaka.

Noong 1949, pagkatapos ng pahinga ng halos dalawampung taon, bumalik si J. Gabin sa entablado. Sa Ambassador Theater ginampanan niya ang isa sa mga pinakamahusay na tungkulin sa entablado - ang pangunahing karakter sa dula ni Bernstein na "Uhaw".

Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, hindi lamang ang mga sining ng pagtatanghal ng Paris ay umunlad, kundi pati na rin ang mga panlalawigang sinehan ng France, na matagal nang nasa "hibernation".

Matapos ang Unang Pista ng French Dramatic Art ay ginanap sa Avignon noong 1947, tumindi ang aktibidad ng mga theatergoers sa ibang mga lungsod sa probinsiya ng France. Di-nagtagal, nagsimulang gumana ang mga permanenteng tropa sa Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille at Lyon, at lumitaw ang mga sentro para sa dramatikong sining at Bahay ng Kultura.

Kasunod ni J. Vilar, ang mga panlalawigang sinehan ay bumaling sa mga gawa ng mga namumukod-tanging domestic at foreign classic, na muling binibigyang-kahulugan ang mga klasikal na obra maestra sa isang bagong paraan. Nagtanghal ang mga direktor ng probinsiya ng mga pagtatanghal na naaayon sa diwa ng panahon.

Kaya, habang pinapanatili ang makatao na tunog ng trahedya ni Corneille na "Horace," ang direktor ng Strasbourg na si Hubert Gignoux, sa kanyang produksyon noong 1963, ay nakatuon sa mga kahihinatnan ng bulag na pagsunod sa mga utos.

Sa iba't ibang panahon, ang mga paggawa ng mga dula nina Gogol, Chekhov, Gorky, gayundin ni Arbuzov ("The Irkutsk Story" sa Strasbourg noong 1964), Schwartz ("Dragon" sa Saint-Etienne noong 1968) at iba pang Russian playwright ay napakapopular. Gustung-gusto ng madla ang mga pagtatanghal ng mga satirical na komedya ng mga may-akda ng Ruso - sina Dürrenmatt at Frisch, na gumaganap nina O'Casey at Bertolt Brecht.

Isang kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng mga panlalawigang teatro ng Pransya ang iniwan ng mahuhusay na direktor, direktor ng Théâtre de la Cité sa Villeurbanne, si Roger Planchon (ipinanganak noong 1931). Bilang isang masigasig na tagahanga ng mga gawa nina B. Brecht at J. B. Moliere, sinubukan niyang ihatid ang mga ideya ng mga manunulat na ito sa malawak na madla.

Ang pagbabago ng direktor ay ipinakita sa isang bilang ng kanyang mga pagtatanghal, halimbawa, sa paggawa ng "Schweik sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig" ni B. Brecht (1961) R. Planchon ay gumamit ng isang patuloy na umiikot na bilog, na nagpapahintulot sa kanya na makamit ang isang tiyak. epekto: sa mga kinakailangang lugar ang bayani ay maaaring lumapit sa madla, pagkatapos ay lumayo sa kanila.

Sa pagtatanghal ng Molière's Tartuffe (1963), ang pamamaraan ng pagpapalawak ng espasyo sa entablado ay ginamit, salamat sa kung saan ang paglalahad ng mga kaganapan ay nakakuha ng mala-avalanche, nagbabantang karakter.

Tamang naniniwala si Planchon na ang direktor ay dapat na isang banayad na psychologist, ito ay magpapahintulot sa kanya na ganap na ibunyag ang "sosyal na sitwasyon" at galugarin ang kapaligiran sa panahon ng isang tiyak na makasaysayang at pampulitikang sandali.

Sa wastong pagtukoy sa karakter ng isang partikular na dula, itinuon ng direktor ang atensyon dito. Sa panahon ng screening ng Molière's Georges Dandin (1959), ipinadama ni Planchon sa madla ang trahedya na katangian ng sitwasyon kung saan natagpuan ang isang mayamang magsasaka, na nawalan ng ugnayan sa pamilyar na mundo at hindi nakatanggap ng pagkilala sa mga maharlika.

Ang mga pagtatanghal na itinanghal ng direktor batay sa kanyang sariling mga dramatikong obra maestra ay isang walang uliran na tagumpay sa mga manonood. Kabilang sa mga ito ay ang mga dulang "Debtors" (1962), "White Paw" (1965), "Dishonest" (1969), atbp. Sa pagtuklas ng interes sa iba't ibang dramatic at stage form, gayunpaman ay hinangad ni Planchon na makahanap ng solusyon sa isang problema. sa kanyang mga produksyon - pag-aaral ng mga kontradiksyon sa lipunan ng modernong buhay.

Matibay na rasyonalismo at tumpak na pagkalkula, mga hindi inaasahang desisyon at tahasang imahinasyon - ito ay katangian ng karakter istilo ng direktoryo ni Roger Planchon. Ang mga tampok na ito ay malinaw na ipinakita sa proseso ng pagtatanghal ng nobela ni A. Dumas the Father (1957);

Ang pinakadakilang katanyagan ay dinala sa Planchon sa pamamagitan ng mga pagtatanghal na itinanghal batay sa mga dula ng modernong Pranses na mga may-akda, mga tagasunod ng Brecht - "Paolo Paoli" ni Arthur Adamov (1957), "The Imaginary Life of the Street Sweeper Auguste Jais" ni Armand Gatti (1962). ), atbp.

Ang dula ni A. Gatti, na itinanghal ni R. Planchon, ay isang magkatugmang pagsasama ng dalawang drama - ang "drama ng mga ideya" at ang "drama ng imahinasyon": ang kasalukuyan at nakaraan, ang katotohanan at mga pangarap ay nalilito sa isipan ng isang taong sugatan sa kamatayan. Hindi isa, ngunit ilang Augustes ang lumitaw sa harap ng madla iba't ibang edad- batang lalaki, kabataan, lalaki, sa gayon ay binibigyang diin ng direktor ang pagnanais na makuha ang bayani sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay.

Bilang karagdagan sa mga teatro sa kabisera at panlalawigan, ang mga teatro sa mga suburb ng Paris ay binuo sa France pagkatapos ng digmaan, na ang mga pinuno ay itinuloy ang layunin na gawin ang mga institusyong ito na isang "parlamento ng panlipunang pag-iisip." Sa entablado, itinanghal ang mga pagtatanghal-pagsubok at orihinal na pag-aaral, na nakatuon sa kalunos-lunos na kapalaran ng mga taong inalipin.

Kaya, ang "Run" (1971) ni Bulgakov ay itinanghal sa entablado ng Theater of Nanterre, ang tropa ng Guild ay pinamamahalaang itanghal ang "Macbeth" (1965) ni Shakespeare, ang repertoire ng Theater of the Commune sa Aubervilliers sa loob ng mahabang panahon kasama ang mga pagtatanghal na “An Optimistic Tragedy” ni Vs. Vishnevsky (1961) at "The Star Turns Red" ni O'Casey (1962), sa Theater. Ang "Spring 71" ni Gerard Philippe ni A. Adamov ang pinakasikat sa Saint-Denis.

Bilang karagdagan, ang drama ni A. Gatti na "The Stork" at ang komedya ni A. Adamov na "The Politics of Garbage", "The Cherry Orchard" ni A. P. Chekhov at mga dula ni B. Brecht ("The Threepenny Opera", "Saint Joan" ay itinanghal. sa entablado ng mga slaughterhouse ng mga suburb sa Paris", "Mga Pangarap ni Simone Machar").

Ang ikalawang kalahati ng 1960s, na minarkahan ng isang paglala ng sitwasyong pampulitika sa buong mundo, kabilang ang France, ay naging isang panahon ng reaksyon sa kasaysayan ng teatro.

Maraming mga direktor ng mga teatro sa Pransya ang napilitang magbitiw. Noong 1963, ginawa ito ni Jean Vilar, at ang kanyang kahalili bilang pinuno ng National People's Theater ay si Georges Wilson (ipinanganak noong 1921).

Bilang isang masigasig na tagahanga ng dramaturhiya ng Brecht at ng kanyang mga tagasunod (Gatti, Dürrenmatt, atbp.), Si Wilson ay nagtanghal ng maraming magagandang dula ng mga may-akda na ito sa entablado ng teatro - "Mr. 1964), "Luther" ni Osborne (1964), " Romulus the Great" ni Dürrenmatt (1964), "People's Song before Two Electric Chairs" ni Gatti (1965), "Turandot, o the Congress of the Whitewashers" ni Brecht ( 1971), atbp.

Sa kabila ng ilang matagumpay na produksyon, unti-unting nawala ang dating kasikatan ng National People's Theater, ito ay sa ilang lawak dahil sa pag-abandona sa pampublikong sistema ng subscription na ipinakilala ni J. Vilar.

Noong 1971, nang hindi na umiral ang National People's Theater, ang mga ideya nito ay kinuha ng city municipal theater ng Paris - ang Théâtre de la Ville, na noong mga taong iyon ay pinamunuan ni Jean Mercure (ipinanganak noong 1909). Ang magkakaibang repertoire, na binubuo ng mga obra maestra ng klasikal at modernong drama, ay umakit ng maraming manonood sa teatro.

Ang isang bagong trend sa French theatrical art noong ika-20 siglo ay ang mass performances ni Robert Hossein (ipinanganak 1927). Noong 1971, pinamunuan ng sikat na aktor ng pelikula ang People's Theater of Reims; sa kanyang direktang pakikilahok sa teatro, itinanghal ang "Krimen at Parusa" ni Dostoevsky, "Romeo at Juliet" ni Shakespeare, "The House of Bernarda Alba" ni Lorca", "The Lower Depths" ni Gorky at maraming iba pang makabuluhang pagtatanghal.

Sa isipan ni Hossein, na naniniwala na ang teatro ay dapat makaimpluwensya sa damdamin ng madla, ang konsepto ng isang "mahusay na pampublikong panoorin", isang uri ng katutubong pagdiriwang, ay unti-unting nabuo.

Ang dulang "Battleship Potemkin", na itinanghal noong 1975 sa Sports Palace ng kabisera, ay ang unang matagumpay na gawain sa direksyong ito. Sinundan ito ng mga pagtatanghal ng mga dula mula sa klasikal na repertoire - "Notre Dame de Paris" (1978) at "Les Miserables" (1980) ni Hugo, na pumukaw ng hindi gaanong interes ng publiko kaysa sa unang produksyon.

Sa pagtatapos ng 1979, ipinakita ni R. Hossein ang kanyang bagong gawain sa madla - ang makasaysayang drama na "Danton and Robespierre" (1979), at noong 1983 ang premiere ng dula na "A Man Called Jesus", batay sa isang balangkas mula sa Bibliya, naganap.

Ang mga gawa ni R. Hossein ay nakakuha ng pansin hindi lamang para sa kanilang kadakilaan at makulay na libangan, kundi para din sa kanilang mga dynamic na crowd scene, hindi pangkaraniwang liwanag at sound effect, pati na rin ang pagiging simple at accessibility ng content.

Ang isang kapansin-pansing kababalaghan sa buhay teatro ng France noong ika-20 siglo ay ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, na inorganisa ng mahuhusay na direktor na si Marcel Marechal (ipinanganak noong 1938), na isa ring kahanga-hangang aktor (nilikha niya sa entablado ang matingkad na mga larawan ng Falstaff at Tamerlane, Scapin at Lear, Sganarelle at Hamlet).

Noong unang bahagi ng 1960s, nag-organisa si Maréchal ng isang tropa sa Lyon na tinatawag na Company du Cotourn. Ang mga demokratikong adhikain ng progresibong komunidad ng teatro ay hindi maiwasang maapektuhan ang mga aktibidad ng mahuhusay na direktor ng probinsiya, ito ay ipinahayag sa pagnanais ni Marechal na gawing isang Bahay ng Kulturang Popular, na naa-access ng maraming madla.

Sa paniniwalang ang pangunahing problema ng stage art ay ang kawalan ng "poetic realism," hinangad ni Marcel Marechal na lutasin ito sa pamamagitan ng paggamit ng mga bagong stage form na naiintindihan ng mass audience.

Sa kanyang trabaho, madalas siyang bumaling sa mga isyung sosyo-politikal: noong 1971, itinanghal niya ang dulang "The Man in Rubber Sandals" ng Algerian playwright na si Kateb Yassin, na nakatuon sa mga kaganapan ng Vietnam War.

Nang sumunod na taon, isang dramatisasyon ng dula ni Brecht na "Mr. Nagawa ng direktor, ayon sa mga kritiko sa teatro, na turuan ang publiko ng isang aralin "sa pinaka-nakakatuwang paraan sa mundo - sa ritmo ng isang komedya, kung saan ang mahika at katutubong karunungan, masamang pangungutya at tula ay pinagsama."

Kabilang sa mga pinakamatagumpay na gawa ni M. Marechal, dapat bigyan ng espesyal na pansin ang "Moschetta" ni Ruzante (1968), "Fracasse" ni T. Gautier (1972), at ang maraming oras na produksyon na "Grail Theater" (1979), nakatuon kay King Arthur at sa Knights of the Round Table. Ang mga pagtatanghal na ito ay isang organikong kumbinasyon ng simple at masalimuot, walang muwang at pagkalkula ng mga sandali ng mataas na liriko sa mga ito ay sinamahan ng mga nakakatawang eksena; dito nakilala ng nakaraan ang kasalukuyan, pinipilit tayong isipin ang hinaharap.

Buong pagmamalaking sinabi ni Marechal na nagawa niyang "buhayin ang isang teatrikal na tradisyon na ganap na nahuhulog sa elemento ng dula, iyon ay, upang bumalik sa mahusay na mga tradisyon at mga plot ng katutubong dula."

Noong 1975, lumipat ang tropa ni Marechal sa Marseille, ang pangalawang pinakamalaking lungsod sa France, kung saan bumangon ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, na naging pinakamalaking sentro ng pakikibaka para sa mga katutubong gumaganap na sining.

Isang kapansin-pansing marka sa kasaysayan ng modernong teatro sa Pransya ang iniwan ng mga teatro ng kabataan tulad ng "Theatre Bulle" ni Alain Skof, "Great Magic Circus" ni Jerome Savary, at iba pa.

Ang pinakamahusay na mga kinatawan ng bagong henerasyon ng mga direktor ng Pransya ay sina Patrice Chéreau at Ariane Mnouchkine, kung saan nabuo ang mga makabagong ideya.

Pinili ni Patrice Chéreau (ipinanganak 1944) ang kalagayan ng krisis ng isang lipunang binuo sa kasinungalingan, pagkukunwari at kawalan ng katarungan bilang pangunahing tema ng kanyang gawain. Sa pagbibigay ng malalim na sosyo-historikal na pagsusuri ng akda at ang panahon ng pagsulat nito, ang manunulat ng dulang sa parehong oras ay sumusubok na muling pag-isipan ito mula sa pananaw ng modernong tao.

Tinatawag ng maraming kritiko si P. Chéreau bilang tagapagmana ni Roger Planchon. Ang katotohanan ay ang huli, bilang pinuno ng National People's Theatre, na binuksan sa Villeurbanne batay sa Theatre de la Cité, ay nag-imbita sa batang direktor sa kanyang teatro. Dito itinanghal ni P. Chéro ang kanyang mga unang pagtatanghal - "Soldiers" ni Lenz (1967), "Don Juan" ni Moliere (1969), "The Imaginary Maid" ni Marivaux (1971), "The Parisian Massacre" ni Marlowe (1972).

Noong 1982, si Patrice Chéreau ay hinirang na pinuno ng Théâtre des Amandiers, na matatagpuan sa Parisian suburb ng Nanterre. Ang mga bagong lugar ng aktibidad para sa taong ito ay ang edukasyon at pagsasanay ng mga batang aktor sa isang paaralan ng teatro, pati na rin ang organisasyon ng isang studio ng pelikula na dalubhasa sa paggawa ng mga tampok na pelikula. Hindi rin nakakalimutan ni P. Shero ang kanyang trabaho bilang direktor sa teatro noong 1980s ay itinanghal niya ang mga dulang "The Battle of the Negro and the Dogs" ni B. M. Koltes at "Screens" ni Genet.

Si Ariana Mnouchkine, ang direktor ng Theater of the Sun, ay paulit-ulit na nakakaakit ng pansin ng mga manonood sa kanyang mga gawa sa direktoryo, kung saan ang Gorky's "The Bourgeois" (1966), Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream" (1968), "Clowns" ( 1969), atbp. ay nararapat na espesyal na atensyon.

Ang isang makabuluhang kaganapan sa buhay teatro ng France ay ang mga pagtatanghal na "1789" at "1793", na nakatuon sa Great French Revolution at itinanghal ni A. Mnouchkine noong 1971 at 1973, ayon sa pagkakabanggit. Nagkomento sa duology, sinabi ni Ariana: "Nais naming tingnan ang Rebolusyong Pranses sa pamamagitan ng mga mata ng mga tao," upang ipakita ang kanilang papel sa kaganapang ito.

Ang isang tampok na katangian ng mga pagtatanghal ay ang pagpapakilala ng isang kolektibong bayani, ang tagalikha ng kasaysayan - ang mga taong Pranses. Bilang karagdagan, ang bawat aktor ay gumanap ng maraming mga tungkulin, at limang yugto ng paglalaro ang ginamit, na pinipilit ang mga manonood na lumipat mula sa isang platform patungo sa isa pa upang direktang lumahok sa aksyon.

Sa mga produksyon, kanta, sayaw at simbolo ni Mnouchkine sa panahon ng Rebolusyong Pranses, natagpuan niya ang pagpapahayag ng mga makasaysayang dokumento sa salaysay, na naging mahalagang bahagi ng balangkas. Ang aksyon, mapang-akit sa kanyang pambihirang kapangyarihan at kapansin-pansin sa sukat, ay parehong kumplikado at simple; ang kanyang dinamismo, napakalaking emosyonalidad at kasabay ng pambihirang determinasyon ay may kakayahang gumawa ng isang mahusay na impresyon sa madla.

Ang susunod na gawain ni A. Mnouchkina, ang dulang "The Golden Age" (1975), na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga imigranteng manggagawa sa France, ay isang pagpapatuloy ng tema ng panlipunang pakikibaka na sinimulan ng paggawa ng duology.

Kasabay nito, ang repertoire ng Theater of the Sun ay kasama ang isang bilang ng mga klasikal na dula. Kaya, noong 1981/1982 season, ipinakita ng koponan ang Richard II at Twelfth Night ni Shakespeare sa madla. Ang mga produksyong ito, na nagkaroon ng walang katulad na tagumpay, ay ginawaran ng dalawang prestihiyosong parangal - ang Dominic Prize para sa pinakamahusay na pagganap ng taon at ang Grand Prize ng Drama Critics.

Noong unang bahagi ng 90s ng ika-20 siglo, maraming mga teatro sa France ang nagkaroon mga paaralan ng drama, inihahanda ang nakababatang henerasyon ng mga aktor. Kabilang sa mga ito, ang pinakatanyag na mga paaralan ay ang Teatro Chaillot, ang Théâtre des Amandiers, ang Bagong Pambansang Teatro ng Marseille, at iba pa.

Sa parehong oras, ang pamamahala ng isang bilang ng mga kapital na sinehan ay pinalitan: Si Jean Pierre Vincent pagkatapos ay naging pangkalahatang tagapangasiwa ng Comédie Française, si Jean Pierre Mikel ay naging pinuno ng Paris Conservatory of Dramatic Art, at ang koponan ng Chaillot Theater ay pinamumunuan ni Antoine Vitez, na dati nang namuno sa isa sa mga suburban theater ng Paris.

Sa kasalukuyan, nararanasan ng France ang pag-usbong ng sining sa teatro. Kasama ang mga lumang, kilalang masters ng pagdidirekta, ang mga batang direktor ay aktibong nagtatrabaho sa kabisera at mga teatro ng probinsya, nagsusumikap na magdala ng bago sa sining ng pagtatanghal. Lumalabas din ang mga young stars sa acting horizon. Sa repertoire ng karamihan sa mga teatro sa Pransya, ang mga dula ng domestic at dayuhang klasiko ay mapayapang nabubuhay kasama ang dramaturhiya ng mga batang mahuhusay na manunulat.

Tulad ng sa ibang mga bansa sa Europa, ang pinagmulan ng teatro sa Pransya ay nagmula sa sining ng mga naglalakbay na aktor at musikero noong Middle Ages (juggler), mga larong ritwal sa kanayunan, mga karnabal sa lunsod na may kanilang kusang pag-ibig sa buhay, liturgical relihiyosong drama at higit pang sekular na square spectacles. - mga misteryo at himala, na isinagawa ng mga urban artisan (tingnan ang Medieval theater). Ang mga baguhang tropa ay walang permanenteng espasyo para sa pagganap, at ang mga pagtatanghal ay paminsan-minsang mga kaganapan. Mula lamang sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. ang pag-arte ay nagiging isang craft, ang mga pagtatanghal ay nagiging regular, at ang pangangailangan ay lumitaw para sa mga espesyal na kagamitan na bulwagan para sa mga pagtatanghal sa teatro.

Ang mga nakasuot na mimes ay gumising sa isang batang balo. Farcical na pagganap. Mula sa isang sinaunang French miniature.



Henri Louis Lequesne bilang Orosmene sa trahedya ni Voltaire na "Zaire".



Jean Baptiste Moliere sa costume ni Arnolf. "School for Wives" ni Moliere.



Benoit Constant Coquelin sa komedya na "Funny Primroses" ni Molière. Artist Viber. XIX na siglo



Disenyo ng costume para sa trahedya na "Andromache" ni J. Racine. Artista L. Marini. siglo XVIII



Benoit Constant Coquelin (1841-1909) - Pranses na artista at theater theorist.



Sarah Bernhardt bilang Hamlet sa trahedya ng parehong pangalan ni William Shakespeare.]



Eksena mula sa dulang "The Power of Darkness" ni L. N. Tolstoy. “Libreng Teatro” ni A. Antoine. Paris. 1888



Jean Vilar at Gerard Philip sa trahedya na “The Cid” ni P. Corneille. National People's Theater (TNP).



Jean Louis Barrault sa entablado.

Noong 1548, binuksan ang unang teatro sa Paris, ang "Burgundy Hotel." Sa paglitaw ng propesyonal na teatro, lumitaw ang mga unang propesyonal na manunulat ng dula, na nagsusulat ng mga dula na partikular para sa tropa na ito. Nagsimula ang pag-unlad ng scenography, kung saan ang mga naglalakbay na tropa ay dati nang madaling pinamamahalaan nang wala. Ang bawat pagtatanghal ay karaniwang binubuo ng dalawang bahagi - trahedya, pastoral o tragicomedy - at isang komedya. Sa entablado ng "Burgundy Hotel" sa simula ng ika-17 siglo. Naglaro ang mga sikat na farcers (performers of farces) Tabarin, Gautier-Garguille, Gros-Guillaume, at Turlepin.

Ang ika-17 siglo sa France ay ang kasagsagan ng sining ng klasisismo. Ang Classicism ay lumikha ng isang magandang paaralan na tumutukoy sa istilo ng pag-arte para sa maraming taon na darating: ang solemnidad at kamahalan ng mga galaw, pose at kilos ng mga performer, ang kasanayan sa pagbigkas. Ang mga tagumpay ng bagong direksyon sa teatro ng Pransya ay nauugnay sa gawain ni Pierre Corneille (1606-1684), Jean Racine (1639-1699), Jean Baptiste Molière (1622-1673).

Ang mga trahedya ni Pierre Corneille ay itinanghal pangunahin sa Marais theater, na binuksan sa Paris noong 1634. Ang pangunahing tema ng mga gawa ni Corneille na "Cid" (1637), "Horace" (1640), "Cinna" (1641) ay ang pakikibaka sa ang kaluluwa ng bayani ng mga hilig at pakiramdam ng tungkulin at karangalan. Ang mundo ng kanyang drama ay malupit at marilag, ang kanyang mga bayani ay hindi nagkakamali, perpekto at sa kanilang panloob na katatagan ay nilalabanan nila ang pagkakaiba-iba ng panlabas na mundo. Ang mga gawa ni Corneille ay sumasalamin sa mga ideya ng kasagsagan ng absolutismo: ang mga bayani ng kanyang mga trahedya ay nagsasakripisyo ng kanilang mga damdamin at kadalasan ang kanilang buhay sa ngalan ng tungkulin sa estado at sa monarko. At hindi nagkataon na ang espesyal na interes sa mga gawa ni Corneille ay lumitaw sa France sa mga sandaling iyon sa kasaysayan kung kailan ang pananampalataya sa isang huwarang bayani, ang tagapagligtas ng amang bayan, ay kailangan. Ang nasabing bayani ay si Sid sa trahedya ng parehong pangalan. Ang papel na ito ay ginampanan ng mahusay na tagumpay ng kahanga-hangang aktor na si Gerard Philip (1922-1959) sa mga taon pagkatapos ng pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na nauugnay sa pag-asa ng mga tao para sa mga demokratikong pagbabago.

Ang gawa ni Jean Racine, ang nakababatang kontemporaryo ni Corneille, ay hindi maiiwasang nauugnay sa teatro ng Burgundy Hotel, kung saan halos lahat ng mga trahedyang isinulat niya ay ginanap. Ang Racine ay higit na naaakit sa lugar ng damdamin ng tao, pagtaas ng pag-ibig, pakikibaka ng magkasalungat na mga hilig. Hindi tulad ng Corneille, sa Racine, na ang gawain ay naganap sa mga taon ng pampulitikang reaksyon sa France, ang despotikong kapangyarihan ay lumilitaw bilang isang puwersang lumalaban sa mga positibong bayani. Ang trahedya ng kanyang mga paboritong pangunahing tauhang babae, kabataan at magagandang babae: Junia (Britannicus, 1669), Andromache at Berenice (sa mga gawa ng parehong pangalan 1667 at 1670) - tiyak na binubuo ng isang sagupaan na may makapangyarihang mapang-api na mga despot.

Sa isa sa mga pinakatanyag na trahedya ni Racine, "Phaedra" (1677), ang pagnanasa at moralidad ay lumaban sa kaluluwa ng pangunahing tauhang babae, at ang pagkauhaw sa personal na kaligayahan ay sumasalungat sa budhi.

Mula sa mga aktres na si M. Chanmele, ang unang gumanap ng papel ni Phaedra at iba pang Racine heroine sa The Burgundy Hotel, at si T. Duparc, na gumanap sa parehong tropa, ay nagmula sa tradisyon ng malambot, musikal, emosyonal na mayaman na deklarasyon kapag gumaganap ng Racine's mga trahedya, natural na biyaya ng mga galaw at kilos Sa pinagmulan ng mga tradisyong ito ay si Racine mismo, na gumanap sa Burgundy Hotel at bilang direktor ng kanyang mga dula. Mula noong unang produksyon, ang kasaysayan ng entablado ng "Phaedra" ay hindi nagambala. Ang papel na ginagampanan ng Phaedra ay ginampanan ng pinakamahusay na mga artista sa mundo, kabilang ang sa ating bansa - E. S. Semenova, M. N. Ermolova, A. G. Koonen.

Ang ika-18 siglo ay tinatawag na Age of Enlightenment. Ang isa sa pinakamalaking tagapagturo ng Pranses ay si Voltaire (Marie Francois Arouet, 1694-1778). Naniniwala siya sa makapangyarihang kapangyarihan ng pag-iisip ng tao at inilagay ang kanyang pag-asa para sa pagbabago ng mundo sa kaliwanagan. Isang tao na may matalas na katalinuhan at maraming nalalamang talento, si Voltaire ay isang makata, manunulat ng dula, pamphleteer, at kritiko. Kabilang sa kanyang pinakatanyag na trahedya sa istilo ng klasiko ay ang "Brutus" (1731), "Zaire" (1732), "The Death of Caesar" (1735), atbp.

Ang mga bagong genre ay lumitaw sa French drama - burges na drama, "nakakaiyak na komedya", satirical comedy, na naglantad sa moral ng pyudal na lipunan. Ang mga bagong bayani ay lumitaw sa entablado - isang financier, isang "bag ng pera" ("Turcare" ni A. Lesage, 1709), isang matalinong lingkod (gawa ni P. Beaumarchais).

Si Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799), na kabilang sa nakababatang henerasyon ng mga enlightener, sa kanyang satirical comedies na "The Barber of Seville" (1775) at "The Marriage of Figaro" (1784) ay lumikha ng imahe ni Figaro - isang talento, masigla, matapang na lingkod. Tinutugunan niya ang mga aristokrata mula sa entablado gamit ang mga sikat na salita: "Binigyan mo ang iyong sarili ng problema upang ipanganak, iyon lang."

Ang mga gawa nina Voltaire at Beaumarchais at ang kanilang mahuhusay na pagpapatupad sa entablado ay may mahalagang papel sa paghahanda ng ideolohikal ng Great French Revolution ng 1789-1799.

Noong ika-18 siglo Sa scenography at acting, ang mga pagtatangka ay ginagawa upang ilapit ang mga pagtatanghal sa katotohanan ng buhay at pagiging tunay sa kasaysayan. Dumadami ang bilang ng mga sinehan. At sa buong siglo, ang personalidad at pag-arte ng aktor ay nakakuha ng espesyal na atensyon mula sa parehong mga manonood at mga art theorist. Ang treatise ng namumukod-tanging materyalistang pilosopo at tagapagturo na si Denis Diderot na "The Paradox of the Actor" (1773-1778) ay binibigyang-diin ang pangangailangan para sa isang aktor na ipailalim ang kanyang damdamin sa pangangatwiran, upang kontrolin ang kanyang pag-arte, na hindi naman nagbubukod sa katapatan ng ang kanyang pag-uugali sa entablado at sa parehong oras ay tumutulong sa kanya na mapanatili ang isang pakiramdam ng proporsyon.

Ang mga kilalang kinatawan ng klasikong pang-edukasyon ay ang mga aktor na "Comédie Française" Michel Baron (1653-1729), Henri Louis Lequin (1729-1778), mga artistang sina Adrienne Lecouvreur (1692-1730), Marie Dumenil (1713-1802), Clairon (1723-1802), Clairon (1723-1802). 1803).

Ang Great French Revolution 1789-1794 Pinagtibay ang dekreto sa kalayaan ng mga sinehan Pagtitipon ng manghahalal Enero 19, 1791, nagdala ng kalayaan mula sa maharlikang monopolyo sa teatro ng Pransya, at humigit-kumulang 20 bagong pribadong sinehan ang agad na lumitaw. Tinukoy din ng mga katutubong pagdiriwang at mga pagtatanghal sa teatro ng masa ang paglitaw ng mga bagong genre ng entablado - mga alegorya, pantomime, oratorio na niluwalhati ang tagumpay ng rebolusyon; pampulitikang komedya (tingnan ang mass theatrical performances).

Sa panahon ng rebolusyon, ang Comedy Française ay pinalitan ng pangalan na Theater of the Nation. Ngunit dahil ang karamihan sa kanyang tropa ay laban sa mga rebolusyonaryong pagbabago, ang mga aktor na may rebolusyonaryong pag-iisip ay nagtatag ng isang bagong teatro - ang "Theater of the Republic", na pinamumunuan ng pambihirang trahedya na si Francois Joseph Talmat (1763-1826), isang kinatawan ng rebolusyonaryong klasisismo. Kasunod nito, muling nagkaisa ang parehong tropa ng pinakalumang teatro ng Pransya.

Ang ika-19 na siglo ay nagdala ng pagtanggi sa anumang mga modelo, panuntunan, dogma sa sining, ibig sabihin, ang mga pundasyon ng klasisismo. Ang paglaban sa tradisyunal na sining ay ibinibigay ng mga batang tagasuporta ng isang bagong direksyon - romantisismo. Sa kanilang maraming manifesto - "Racine and Shakespeare" (1823-1825) ni Stendhal, "The Theater of Clara Gasoul" (1825) ni P. Merimee, "Preface to "Cromwell"" (1827) ni V. Hugo - ang mga mangangaral Ang romantikismo ay pangunahing umasa sa ideyang kalayaan ng balangkas, anyo, paraan ng pagpapatupad. Sa ilalim ng impluwensya ng malayang dramaturhiya ni W. Shakespeare, P. Calderon, F. Schiller, iginiit ng mga romantiko na igalang ang "lokal na kulay," iyon ay, ang tunay na mga kondisyon ng pagkilos, sa pagpapalawak ng mga hangganan nito at pagtanggi sa pagkakaisa ng panahon at lugar. Gayunpaman, ang dramaturgy na nilikha ng mga romantiko ay hindi isinasaalang-alang ang mga kakayahan ng kontemporaryong yugto at mga aktor at, samakatuwid, ay naging napakahirap na gumanap sa tradisyonal na yugto. Samakatuwid, ang pinakamahusay na gumaganap ng romantikong drama nina V. Hugo at A. Dumas na Ama noong mga unang taon ay hindi ang mga aktor ng Comedy Francaise na may katapatan sa mga tradisyon, ngunit ang mga artista na binuo ng paaralan ng pantomime o melodrama. . Aktres na si Marie Dorval (1798-1849) na may madamdaming puwersa na nakapaloob sa entablado ang mga larawan ng mga pangunahing tauhang nakikipaglaban para sa kanilang pag-ibig. Isa sa pinakamagagandang role niya ay si Marion Delorme sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo. Si Pierre Bocage (1799 - ca. 1862) ay naging tanyag sa paglikha ng mga larawan ng mga bayaning rebelde sa mga social drama at melodramas nina V. Hugo at A. Dumas the Son. Ang makatotohanan at kasabay na romantikong gawain ni Frederic-Lemaître (1800-1876) ay lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang pinakatanyag na mga tungkulin ay si Ruy Blas sa drama ng parehong pangalan ni V. Hugo, Kean sa drama ni A. Dumas ang Ama na "Kean, o Genius and Dissipation", ang matalinong burges at manloloko na si Robert Macker sa komedya ng parehong pangalan, isinulat mismo ni Frederic-Lemaitre. Naglaro sila sa mga sinehan ng mga boulevards (maliit na pribadong mga sinehan sa lugar ng Grands Boulevards ng Paris), na bumangon sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga manonood dito ay mas demokratiko kaysa sa Comédie Française. Malinaw niyang tinugon ang emosyonalidad ng mga aktor, ang pagiging tunay ng kanilang mga karanasan sa entablado, at ang katumpakan ng panlipunan at pang-araw-araw na mga katangian.

Gayunpaman, ilang sandali, lumitaw ang mga aktor sa Comedy Française na pinagsama ang mga klasiko at romantikong tungkulin sa kanilang repertoire.

Isang kakaibang negation ng philistine common sense ang lumitaw sa dramaturgy noong 50s. XX siglo ang daloy ng "absurd drama". Ang mga dula ni Arthur Adamov, Eugene Ionesco, Jacques Genet, Samuel Beckett ay itinanghal sa maliliit na pribadong sinehan at nagpahayag ng isang kalunos-lunos na premonisyon ng kamatayan, isang paparating na sakuna, at kawalan ng kakayahan ng tao.

Noong 60-70s. XX siglo Hindi nang walang impluwensya ng mga ideya ng dramaturhiya ni B. Brecht, ang teatro sa politika ay aktibong umuunlad sa France, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang aktibong reaksyon ng publiko sa aksyon na nagaganap sa entablado.

Kabilang sa mga pinaka-kagiliw-giliw na theatrical productions ng 70-80s. XX siglo ay kabilang sa mga gawa ng mga direktor na sina Jean Louis Barrault, Ariane Mnouchkine ("Theater of the Sun"), Roger Planchon ("Theater de la Cité" sa mga suburb ng Lyon), Patrice Cherreau at iba pa.

Sa kasalukuyan ay may ilang daang kumpanya ng teatro sa France. Ang karamihan sa kanila ay nilikha para sa isang panahon at walang tulong ng gobyerno.

Sa Pransya at noong ikadalawampu siglo, ang mga sinehan ng libangan ay sumasakop sa unang lugar. Sa Paris ito ay mga teatro sa boulevard na nawala ang kanilang dating demokrasya. Ang kanilang mga may-ari ay hinabol ang mga layuning pangkomersiyo at binibilang sa isang burges na madla. Mayroon ding mga di-permanenteng tropa na nagtipun-tipon upang itanghal ang isang dula, at pagkatapos ay binuwag sa sandaling ang dula ay tumigil sa paggawa ng pera.

Kasabay nito, ang mga state stationary na sinehan na may mataas na antas ng kanilang mga kasanayan sa pagdidirekta at pag-arte ay may mahalagang papel sa buhay teatro ng France.

SA huli XIX siglo, gaya ng nalalaman, nagsimula ang mga masining na pakikipagsapalaran sa teatro ni Antoine. At kahit na limitado ang mga ito sa theatrical aesthetics ng naturalism, sa kanyang teatro at sa Odeon theater, nang pinamunuan niya ito, lumitaw ang mga batang aktor na kalaunan ay nagbago sa French theater.

Ito ang una sa lahat Charles Dullen (1885-1949). Ang kanyang pinakamahusay na mga tungkulin ay Harpagon (“The Miser” ni Molière), Smerdyakov (“The Brothers Karamazov” ni Dostoevsky), Mercade (“The Businessman” ni Balzac).

Ngunit hindi nasisiyahan si Dullen sa pag-arte nang mag-isa. Nag-isip siya ng malawak na reporma ng sining sa teatro at noong 1921 ay nagbukas ng kanyang sariling Atelier theater, na umiral sa ilalim ng kanyang pamumuno hanggang 1940. Kasama sa repertoire sina Aristophanes, Moliere, Calderon, Shakespeare, Ben Jonson, at mga modernong may-akda - Pirandello at Salacru, atbp. Dullen sinubukang bumuo ng mga bagong paraan ng pagpapahayag sa entablado na sasalungat sa nakapirming klasikong istilo ng Comedy Francaise. Sa disenyo ng mga pagtatanghal, sa halip na ang tradisyonal na tanawin ng Comedy Francaise o ang photographically detalyadong naturalistic na tanawin ng Antoine, ipinakilala niya ang isang laconic na disenyo kung saan ang pangunahing papel ay ibinigay sa kulay at liwanag (ang liwanag ay maraming kulay at nagpapahayag); ang lahat ng ito ay lumikha ng tamang kapaligiran.

Hindi nag-iisa si Dullen sa kanyang masining na paghahanap. Noong 20-30s. sa Paris, ang mga direktor ng avant-garde ay nakikibahagi sa pag-renew ng sining sa teatro - Louis Jouvet (Athenaeum Theatre), Gaston Baty (Montparnasse Theater) at Georges At Lyudmila Pitoevy (Mathurin Theater). Ito ay iba't ibang mga direktor sa kanilang sariling mga paraan aesthetic view. Binigyang-pansin ni Bati ang pagiging sopistikado ng anyo ng pagganap. Interesado si Jouvet sa internal breakdown ng mga bayani. Ang mga Pitoev ay sumunod sa realismo sa kanilang repertoire at produksyon, na ipinakilala ang mga Parisian sa mga dula ni Chekhov. Mahirap para sa mga sinehan na ito na mamuhay sa pananalapi upang gawing mas madali ang kanilang pag-iral, nagkaisa sila noong 1926 upang bumuo ng "Cartel".

Noong 1936, ang "Cartel" ay inanyayahan sa akademikong teatro na "Comédie Française". Ngunit si Dullen lamang ang nakapagtanghal ng The Marriage of Figaro. Ang pagkakaiba sa mga masining na prinsipyo ng Cartel at ng Comédie Française ay masyadong naiiba, kaya't wala nang malikhaing gawain ang naganap.

Noong 1920, direktor Firmin Zhemier (1869-1933) isa pang teatro ng estado ang itinatag - ang National People's Theater (TNP). Sinasakop nito ang isang makabuluhang lugar sa buhay kultural ng France. Ito ang pangalawang teatro pagkatapos ng Comédie Française. Sinimulan ni F. Zhemier ang kanyang karera kasama si Antoine, na gumaganap ng mga papel na karakter. Noong 1911 inorganisa niya ang National Travelling Theater upang maglingkod sa masa. Ngunit ang teatro ay umiral lamang sa loob ng dalawang taon; Ngunit ang ideya ng isang teatro para sa masa ay natanto noong 1920 sa TNP Theater. Nakatanggap ang teatro na ito ng mga subsidyo ng estado at isang malaking lugar sa Palasyo ng Trocadero. Kasama sa repertoire ang mga monumental na produksyon ng mga klasiko ("Oedipus the King" na inayos ni de Buellier), mga orihinal na pagdiriwang na nagpatuloy sa mga tradisyon ng Great French Revolution at ng Paris Commune ("Marseillaise", "Apotheosis of the World", "Mga Awit ng ang Rebolusyon”, “Mabuhay ang Kalayaan!”) . Ito ay mga panoorin sa masa kung saan nakilahok ang mga propesyonal na aktor at mga amateur na grupo. Pinamunuan ni Zhemier ang teatro hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, na gumaganap bilang isang artista sa iba't ibang mga sinehan sa Paris. Noong 1926, pinasimulan niya ang organisasyon ng World Theater Society, na dapat magsulong ng cultural rapprochement sa pagitan ng mga bansa.

Pagkatapos ng kamatayan ni Zhemier, ang TNP ay pinamumunuan ng direktor na si Andre Lesueur, na nagdirekta nito noong 1937-1938. "Wolves" ni R. Rolland, "The Sheep Spring" ni Lope de Vega at "Mother" ni Gorky.

Ang bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay lubos na naramdaman ng mga artista sa lahat ng mga bansa sa Europa. Ang mga teatro na pakikipagsapalaran, sa isang paraan o iba pa, ay nagpapakita ng pagmamalasakit sa kapalaran ng mundo. Ang teatro at dula ay kailangang tumugon sa mga kasalukuyang kaganapan sa buhay sosyo-politikal. Bumalik sa simula ng ikadalawampu siglo, sinabi ni Bernard Shaw na ang modernong drama ay isang drama ng mga ideya, drama-discussion, i.e. ang tinatawag nating intelektwal na drama.

Ang mga kakaiba ng intelektwal na drama ay na, bilang isang patakaran, walang mga panlabas na kaganapan na nagaganap dito. Lahat ng mga ito ay nagaganap sa labas ng entablado, at ang mga karakter sa entablado ay tinatalakay ang mga ito. Ang isang bayani sa isang matinding sitwasyon ng krisis ay dapat gumawa ng isang pagpipilian tungkol sa kung ano ang gagawin. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Sa simula ng Pransesintelektwal na dramagastosJean Giraudoux(siya ay pinag-aralan sa Sorbonne at Cambridge). Siya ay isang pangunahing manunulat at manunulat ng dula. Sa unang bahagi ng kanyang trabaho, nanaig ang mga mood ng pagkabalisa at pagkalito. Naramdaman niya ang hindi pagkakasundo na naghahari sa mundo. Ang mga kaganapan sa Unang Digmaang Pandaigdig ay nagpasiya sa pagtanggi ni Giraudoux sa isang abstract-romantic na saloobin patungo sa katotohanan at ang kanyang pagbaling sa socio-historical at etikal na mga salungatan. Naakit niya ang isipan at damdamin ng mga tao. Marami sa kanyang mga dula ay nagkaroon ng kalunos-lunos na tono. Nagsusulat siya ng nobela"Siegfried",na kalaunan ay inangkop sa isang dula (1928). Sinasalamin nito ang pagtanggi sa nakaraang digmaan. Mayroon ding ideya tungkol sa pagkakaugnay at mutual na dignidad ng mga kulturang Pranses at Aleman. Ang unang play ni Giraudoux ay"drama ng mga ideya".Ang lahat ng mga panlabas na kaganapan ay naganap sa likod ng mga eksena. Isang tuluy-tuloy at matinding talakayan ang bumungad sa harap ng madla, na hindi tumitigil kahit sa liriko na mga eksena. Nagkaroon ng espirituwal na pakikibaka - para kay Siegfried at Jacques, para sa isang tamang pag-unawa sa makasaysayang layunin ng mga Aleman, para sa kahulugan ng mismong konsepto ng "bansa". Totoo, hindi nagbigay ng pangwakas na sagot si Giraudoux sa alinman sa mga tanong na iniharap, ngunit nanawagan siya para sa isang pag-unawa sa katotohanan, ginising ang civic conscience, at nanawagan para sa pagsusuri ng mga aksyon mula sa posisyon ng mataas na moral na mga kinakailangan.

Noong 1935, lumabas ang isang drama-pamplet"Walang Trojan War"na kung saan ang foreboding ng paparating na Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay nakakaalarma. Dito niya ginamit ang balangkas ng Iliad ni Homer. Ang dula ay itinanghal ng direktorLouis Jouvet . Ang mga sinaunang kwentong mitolohiya ay ginagamit bilang isang alegorikal na anyo ng muling paglikha ng isang modernong salungatan.

Tinatalakay ng dula ang suliranin ng kalagayang moral ng tao: ang kalunos-lunos na pagmuni-muni kay Hector (alam natin kung paano natapos ang digmaang ito); isang nakakatawang pagmuni-muni sa mga matatandang uhaw sa digmaan. Ang pagkauhaw sa digmaan ay ang pagkauhaw sa kamatayan. Umaasa si Hector na may lalabas na Abogado na siyang hahatol sa hindi pagkakaunawaan (ang salungatan sa pagitan ng nakasulat at hindi nakasulat na batas). Lumilitaw ang Abogado (isang uri ng alegorya). Sinasabi niya na ang digmaan ay hindi maiiwasan. Ngunit nag-aalok sa kanya si Hector ng bayad, at siya, na may parehong mga argumento, ay nagpapatunay na dapat ibalik si Elena nang walang aksyong militar. Lumilitaw si Ulysses. Si Hector ay nagsasalita sa ngalan ng batang ama, batang ina, sa ngalan ng ibang tao, ang kanyang posisyon ay laban sa digmaan. At nagsasalita si Ulysses sa ngalan ng mga taong may karanasan. Ang mga argumento ng katwiran at ang mga argumento ng karanasan ay hindi nagtutugma. Ngunit ang tao ay may kapangyarihan sa buhay. Naiintindihan ito ni Ulysses, at pinipigilan siya nitong magtiwala kay Hector. Ang mga argumento ni Hector ay tumitimbang sa timbangan ng hustisya. At puro pagkakataon ang nagsisimula ng digmaan.

At ibinibigay ni Elena ang kanyang pagmamahal kay Minelaus, pagkatapos ay sa Paris, pagkatapos ay sa nakababatang kapatid na lalaki ni Paris. Worth it bang magsimula ng digmaan para sa kanya?

Ipinahahayag ng manunulat ng dula ang kanyang pagkasuklam sa mga batayang hilig, para sa mga bisyo ng indibidwalistikong tao, para sa moralidad at pilosopiya ng "mga kapangyarihan ng mundong ito."

Ang isang bagong salungatan ay pinagtibay ni Giraudoux - sa pagitan ng indibidwal at intelektwal na kalooban ng isang tao at buhay, mundo, at kapalaran.

Ang salungatan na ito ay kalunos-lunos at hindi maaaring pagtagumpayan, i.e. ito ay nakamamatay: ang kapalaran ay paunang natukoy.

Ang dulang ito ay nagsilang ng isang buong kilusan. Ngunit hindi pa rin humuhupa ang kontrobersiya tungkol dito. Sa French drama noong 30s, mahirap makahanap ng dula na iba ang kanilang isusulat at pag-uusapan. Inaakusahan ng ilan si Giroda na walang pag-asa at pinag-uusapan ang digmaan bilang isang makasaysayang pagkamatay. Ang iba, sa kabaligtaran, ay kumbinsido na walang fatalismo sa dula, na ang mga digmaan ay nagsisimula hindi dahil ang walang talo na kapalaran ang namamahala sa mundo, ngunit dahil ang digmaan ay kapaki-pakinabang sa isang tao. Inaakusahan ng iba si Giroda ng pagsunod sa pamumuno ng burgesya, na nagdedeklara ng digmaan na hindi maiiwasan. At sa wakas, may opinyon tungkol sa dula bilang isang obra maestra na nagmamarka ng isang uri ng "political theater" na nananawagan ng paglaban.

Nagbago ang panahon - nagbago ang mga pananaw. Ngunit ang polarity ng mga pagtatasa ay sanhi din ng mga panloob na kontradiksyon ng dula. Ang digmaan ay papalapit na, at naiintindihan ito ni Giraudoux nang mas mahusay kaysa sa sinuman, na nagpapakita ng mga tiyak na dahilan - nasyonalismo, ang mandaragit na pagnanais para sa mga seizure at pandarambong, militarismo na lumalason sa kamalayan ng mga tao, ang katangahan ng mga pinuno, ang kanilang mga mapanlinlang na patakaran, na kadalasang binubuo ng mga provokasyon.

Ang pagtatanghal ay isang paghihimagsik laban sa duwag at alipin na naninirahan sa tao, laban sa kapangyarihan ng mga likas na hilig ng hayop, laban sa kapangyarihan ng nakamamatay at hindi maintindihan, na lumalapit na parang hindi maiiwasan.

Oo, si Hector ay napapaligiran ng mga bulag, mga taong makasarili, mga demagogue, at mahirap para sa kanya na lumaban sa kanila. Ngunit nalampasan niya ang karamihan sa mga hadlang: Si Elena, na ang kagandahan ay ang pang-akit ng mga mapaminsalang instinct na humahantong sa digmaan, sa kabila ng lahat ng kanyang kawalang-interes, ay sumang-ayon na bumalik sa Greece. Ang pagiging makasarili at kawalang-interes ng Paris at ang palaban ni Haring Priam ay yumuko sa patuloy na kalooban ng kanilang nakatatandang kapatid na lalaki at anak. Kahit na ang lasing na katangahan ng Greek envoy na si Ajax ay hindi makalaban sa kagandahan at pagkakawanggawa ni Hector. Nagagawa niyang pigilan ang provokasyon ng "diplomatic consultant" na si Busiris (bawat isa sa mga pangungusap ay tumutunog sa paksa at pinatunayan na hindi ang mga Diyos ang nagsisimula ng mga digmaan, ngunit ang mga naghaharing bilog na may kawalang-interes at kawalan ng pang-unawa ng mga tao).

Ang eksena ng pakikipagkita ni Hector sa embahador ng Greece na si Ulysses ay umabot sa trahedya na kapangyarihan. Nang hindi tumitingin, nakatingin sila sa isa't isa. Si Ulysses ay isang makaranasang politiko, alam ang sakim na pagnanasa ng kanyang estado, na nauunawaan na halos imposibleng maiwasan ang digmaan, siya ang pinakamatalino at pinaka tuso sa mga Griyego; at Hector – bata pa, walang karanasan sa diplomasya, madamdamin, aktibo, matapang. Alam nila na ang kanilang bawat salita ay tumitimbang sa timbangan ng kasaysayan, na ang mga utos ng mga diyos ay huwad na satsat, isang imbensyon ng mga nagnanais na samantalahin ito. Nakatayo sila sa likuran ng mabibigat, sarado pa rin na "mga pintuan ng digmaan" at alam na ang kaunting kapabayaan, anumang di-sinasadyang pagpukaw ay hahantong sa pagdanak ng dugo, sa isang masaker. Ang eksenang ito ang naging kulminasyon ng pagtatanghal.

Gayunpaman, ang lahat ng pagsisikap nina Hector at Ulysses ay walang kabuluhan. Sa huling sandali, ang namamatay na Demokos, na tinusok ng sibat ni Hector, ay namamahala upang pukawin ang pagpatay kay Ajax. Ngayon ang digmaan ay hindi maiiwasan. "Ang makata ng Trojan ay patay na... Ang salita ay hanggang sa makatang Griyego" - ang dula ay nagtatapos sa hindi mapakali na hula ni Cassandra, na naglalarawan sa pagkawasak ng Troy.

Kakaibang itinanghal ang dulang ito: isang walang laman na entablado, pilak sa likod ng entablado, isang tarangkahan lamang sa gitna ng entablado (ang tarangkahan ng digmaan). Ang lahat ng mga bayani ay nakasuot ng iba't ibang kasuotan: Hector at Andromache - mga antigong kasuotan, Hecuba - sa isang ika-18 siglo na kasuutan, Ulysses - sa isang tailcoat, ang Abogado - sa isang modernong kasuutan. (Naka-istilo ang mga costume noong panahon, maliban sa mga tailcoat at moderno). Eclecticism hindi lamang sa mga costume, kundi pati na rin sa dekorasyon. Para saan? Ang punto ay ang mga problemang tinalakay sa dula ay tipikal sa anumang oras, sa anumang panahon. Ang buhay ng tao ay itinakda ng tadhana. Gayunpaman, hindi ginawa ni Louis Jouvet ang dula bilang isang trahedya ng nakamamatay na kamatayan. Ang buong harmonic na istraktura ng pagtatanghal, ang kahanga-hangang acting ensemble, na ipinanganak ng espirituwal na komunidad ng mga kalahok nito, ay nilabanan ang mapanirang ideya ng isang hindi maiiwasang digmaan.

Louis Jouvet, na nagtanghal ng pagtatanghal na ito (at siya mismo ang gumanap bilang Hector dito), binibigyang-kahulugan ang intelektwal na dramang ito bilang isang drama sa lahat ng panahon, ng lahat ng mga tao.

Ang intelektwal na tradisyon sa drama ay itinatag.

Sartre, Camus, Anouilh - ito rin ay mga intelektwal na phenomena sa teatro.

Jean-Paul Sartre sumailalim sa isang ebolusyon mula sa isang kalahok sa French Resistance tungo sa isang ultra-kaliwang kilusan na sumuporta sa Maoismo.

Nagsimula siya bilang isang existentialist noong mga taon ng Resistance.

Eksistensyalismo – pilosopikal na direksyon, ang pinakasikat sa Kanluran (mga pilosopo na sina Martin Heidegger, Karl Jaspers). Sa mga manunulat ay ibinahagi ito, bukod kay Sartre, nina Hemingway, Camus, at Anouilh.

Pag-iral – pag-iral. Sinasabi ng eksistensyalismo na mayroong komprehensibong pag-unawa sa tao, personalidad, at sa mundong ginagalawan ng tao. Ang isang tao ay itinapon sa mundong ito, pinilit na umiral dito. Ang sentral na kababalaghan ay ang pagkakaroon (existence) - ang tanging parameter. Ang pag-iral ay ang unang bagay na ibinigay sa tao. At ang pangalawa ay mga batas, mga kakanyahan.

Ang tao ay isang trahedya na nilalang: siya ay pinagkalooban ng katwiran at alam ang tungkol sa katapusan ng kanyang pag-iral. At ang pag-iral ay walang katotohanan: bakit umiiral kung ang isang tao ay kailangan pang mamatay. Ito ang kalunos-lunos na kalungkutan ng tao. Ang isang tao ay ipinanganak upang magdusa (siya ay ipinanganak na sumisigaw, siya ay lumalaban sa kanyang pag-iral - ito ang sinasabi ni N. Berdyaev).

Ang kakanyahan ng pagkakaroon ng lipunan, ang kakanyahan ng buhay ay ang isang tao ay hindi nais na harapin ang katotohanan, i.e. ng kamatayan. Iniuunat niya ang kanyang pag-iral, at kung siya ay tumakas mula dito, pagkatapos ay tumakas siya sa kanyang pagkatao. At hindi ito totoong buhay. Ang takot, pag-aalala, pagkabalisa ng isang tao ay impormasyon tungkol sa kanyang paa. At ang tunay na tao na iyon ay ang hindi natatakot na sumabak sa trahedyang ito. (Ito ay makikita sa anumang gawaing sining).

Sa Sartre, ang eksistensiyalistang pananaw sa mundo ay ipinahayag sa kontekstong moral. Ang kanyang artikulong "Being and Non-Existence" (1942) ay tumutukoy sa kanyang saloobin sa problema ng pagkakaroon (existence:

Ang isang tao na nahahanap ang kanyang sarili sa isang partikular na sitwasyon ay dapat gumawa ng isang pagpipilian, kahit na ito ay mapanganib para sa kanyang sarili. Ang kadakilaan ng isang tao ay kung siya ay gagawa ng isang pagpipilian alinsunod sa kanyang sariling kakanyahan; at kadalasan ay kailangang gumawa ng pagpili sa kabila ng sitwasyon (ito ay partikular na may kaugnayan at taas ng moral sa mga taon ng pananakop sa France).

Sa kanyang mga dula siya naglalarawan probisyon mula sa kanyang pilosopiya.

Maglaro"langaw"(1943), itinuroCharles Dullensa Sarah Bernhardt Theater sa inookupahang Paris, batay din sa isang sinaunang plot.

(Sa pamamagitan ng paraan, hiniling ng mga awtoridad sa pananakop na palitan ang pangalan ng teatro na ito, sumang-ayon dito si Charles Dullen: ang teatro ay tinawag na City Theater sa loob ng ilang panahon. Ngunit sa mismong teatro, ang lahat ng konektado sa pangalan ni Sarah Bernhardt ay sagradong iginagalang: Nakolekta ni Dullen ang lahat ng mga costume, lahat ng mga bagay na may ilang uri ng o ang kaugnayan kay Sarah Bernhardt, sa kanyang dating dressing room sa teatro - ito ay naging isang uri ng alaala.)

Dumating si Orestes sa Argos, kung saan naghahari ang paniniil at usurpation, upang palayain si Argos mula sa Clytemnestra, mula sa usurpation, mula sa mga langaw. Ang Orestes ay kahawig ng isang bayani ng Paglaban. Naiintindihan niya na dapat niyang iligtas ang kanyang bayan. Pero paano? (Ayon sa mitolohiya, dapat niyang palayain si Argos, sa gayon ay ginagampanan ang kanyang tungkulin. Ngunit ang paraan para dito ay pagpatay, ibig sabihin, katulad ng sa mga langaw at kay Clytemnestra). Ngunit nagdududa si Orestes kung may karapatan ba siyang pumatay, sa karahasan. Ngunit wala siyang ibang paraan, at napilitan siyang humawak ng espada. Ngunit ngayon ay taglay na niya ang marka ng isang rapist. Kaya naman, iniwan niya si Argos na may mabigat na pakiramdam.

Ang parehong mga tanong ay pinagtatalunan sa pampublikong buhay ng Pransya: "Posible ba ang karahasan?" Maraming nagsalita para sa katahimikan, para sa hindi pagtutol, upang hindi maging katulad ng mga Aleman sa anumang paraan. Dito pinaniniwalaan na magsisinungaling ang kadakilaan ng France.

Iba ang tanong ni Sartre: kailangang humawak ng armas, bagama't masakit ito para sa budhi, ibig sabihin, kailangan ang paglaban sa kaaway.

Nilulutas ni Sartre ang mga intelektwal na problema. Walang sapat na sikolohikal na bisa dito. Dito ang pagpili ay ideolohikal, intelektwal, at hindi sikolohikal.

Ang "langaw" ay isa sa mga unang manifesto ng eksistensyal na kalayaan, na nauunawaan bilang isang pagpapatibay ng karapatan ng indibidwal na malayang pumili ng kanilang landas sa buhay.

Hiwalay sa pangkalahatang buhay ng tao, ang isang tao ay maaaring pumili ng landas patungo sa kabutihan, o maaari niyang piliin ang landas ng kasamaan. Sa pormal at abstract na pormulasyon na ito ng tanong, ang humanistic na esensya ng tungkulin ay hindi tinukoy at ang panlipunang aktibidad ng indibidwal ay hindi ibinigay para sa. Ngunit hindi siya nagtanong sa ganitong paraan.

Nabigo si Orestes na "baligtarin ang lahat sa Argos." Pinalaya niya ang mga Argives mula sa malupit, ngunit hindi niya ginising ang kanilang mga kaluluwa. Nanatili silang isang bulag, duwag na pulutong, na handang batuhin ang kanilang tagapagligtas. Si Electra ay umatras din mula sa Orestes, na namuhay sa loob ng maraming taon na may mga pangarap ng paghihiganti at mortal na natatakot sa responsibilidad kapag ang paghihiganti ay nagawa. Si Sartre ay hindi nabubuhay: mahirap ipaliwanag kung bakit ang mga Langaw - Erinyes, ang mga lingkod ni Jupiter, na nagpahirap sa mga Argives, pinahirapan ng takot at pagsisisi, lumipad sa ulap pagkatapos ni Orestes, na hindi nakakaalam ng takot, kumbinsido sa katuwiran ng kanyang pagkilos.

Ngunit si Dullen ay hindi hilig sa abstract theorizing. Nakita niya sa dula ang pinakamalaking problema sa moral ng ating panahon. May iba rin siyang naunawaan - ang kalabuan ng kahulugan ay magliligtas sa seditious na dula, ay maiiwasan ang mga hinala ng mga mananakop mula dito - hayaan, sabi nila, ang mga Pranses ay magsaya sa mga pilosopikal na abstraction. Umaasa si Dullen na mas mauunawaan ng mga Pranses ang mga metapora ni Sartre kaysa sa mga pasistang awtoridad. Mahirap bang kilalanin ang iyong ipinako sa krus na tinubuang lupa sa Argos na ito, na lubog sa putik, kung saan umaaligid ang mga pulutong ng matabang langaw? Hindi ba't pinahirapan ang mga Pranses sa pag-iisip na sila, na pinahintulutan ang pagkakanulo sa pamamagitan ng kanilang kawalang-ingat at kawalang-interes, ay talagang kasangkot sa krimen? Tinutugunan ng pagtatanghal ni Dullen ang budhi, katwiran, at pakiramdam ng moral na responsibilidad ng madla.

Gumawa si Dullen ng isang kakaibang pagganap upang malito ang mga awtoridad sa trabaho, at malinaw na malinaw para sa madla. Ilang sloping machine ang inilagay sa malaking entablado ng Sarah Bernhardt Theatre, na naging posible upang makabuo ng dynamic at iba't ibang mise-en-scenes, na nagbibigay sa pagganap ng isang epic na lawak. Ang walang hugis na estatwa ni Jupiter, ang mga pangit na maskara ng mga Argives na may malalaking, namamaga na mga ulo at ang walang humpay, masakit, paulit-ulit na paghiging ng mga langaw ay lumikha ng isang madilim, nagbabala na kapaligiran ng isang lungsod na nalubog sa kakila-kilabot na kasawian.

Sa buong takbo ng aksyon, kumbinsido si Dullen na ang "order" ng mga alipin - Aegisthus at Jupiter - ay isang napakagandang blackmail.

At gaano man ka abstract ang eksistensyalistang argumentasyon ni Sartre, ang pangunahing moral na aral ng dula ay nasa mga salita ni Orestes, na sinalita bago ang pagpatay kay Aegisthus:“Ang hustisya ay bagay para sa mga tao, at hindi ko kailangan ng mga Diyos na malaman kung ano ito. Tamang durugin ka, hamak na hamak, tama na ibagsak ang iyong kapangyarihan sa mga naninirahan sa Argos, tama na ibalik ang kanilang pagpapahalaga sa sarili."

Gaano man kalilimuot ang labirint ng pilosopikong pag-iisip ni Sartre, sinabi ng kanyang dula: ang mga tao ay naging alipin dahil hinayaan nilang takutin, yumukod sa karahasan. Dapat tayong kumilos, lumaban, lumaban. Noong 1943, ang paglalaro ni Sartre ay nakita bilang manifesto ng Resistance. Ginampanan ni Dullen si Jupiter: ang pagsira sa diyos ay lantarang anti-pasista sa kanyang interpretasyon. Ang katawa-tawa ni Dullen ay katulad ng The Dictator ni Chaplin. Ang tagumpay ng "Flies" ay halos hindi kapani-paniwala para sa isang lungsod na nakuha ng mga kaaway. Bilang karagdagan sa kanyang pinakadakilang panlipunang misyon, natuklasan ni Dullen ang isa sa mga pinakadakilang manunulat ng dula sa ating panahon.

Albert Camus nagsimula ang kanyang mga aktibidad noong 1937, ay kilala bilang isang miyembro ng Resistance, bukod pa rito, isa sa mga pinuno ng Resistance. Siya ay isang Nobel laureate. Namatay sa isang aksidente sa sasakyan noong 1959.

Ang kanyang mga dula ay kadalasang batay sa isang balangkas ng Russia. Ang kanyang idolo ay si Dostoevsky. Isinadula niya ang nobelang "Mga Demonyo". Noong dekada 70, ang pagtatanghal na ito ay itinanghal sa Poland, sa direksyon ni Andrzej Wajda. Marami siyang dula sa tema ng mga populist, ngunit hindi pa ito naisalin sa Russian.

Noong mga taon ng digmaan, lumitaw ang kanyang dula na "Caligula". Antique na kwento. Sa gitna ay ang imahe ng Romanong diktador at ang kanyang panloob na pagbagsak: ito ay natunton kung paano napupunta ang isang tao patungo sa paniniil at kung paano siya nabigo.

Maglaroayitinanghal noong 1952 sa TNP theater kasama si Gerard Philip sa pamagat na papel. Ang ideya ay ipinahayag dito: ang mga tao ay nagnanais ng isang idolo, at nakuha nila ito. Ibig sabihin, ito ay hindi lamang tungkol sa malupit mismo, kundi pati na rin sa kanyang kapaligiran .

Sa pamamagitan ng pagsakop sa karamihan, nawala mo ang iyong pagkatao. Ang Polish na direktor na si Akser ay nagtanghal ng dulang ito sa Warsaw sa Sovremennik Theater kasama si Tadeusz Lomnicki.(At sa Leningrad sa Bolshoi Drama Theater, sa parehong diwa, itinanghal niya ang "The Career of Arturo Ui" ni Brecht kasama si E.A. Lebedev. Totoo, mayroong bahagyang magkakaibang mga punto dito: Si Arturo ay hinihimok sa kapangyarihan sa pamamagitan ng napakalaking ambisyon.) Iba ang kaso ni Lomnitsky: natatakot siya sa kapangyarihang ito, ngunit itinutulak siya sa kapangyarihan. At lalong lumalala ang lahat. Lumalabas na hindi ito tungkol sa tao mismo, ngunit tungkol sa sitwasyon.

Sa Camus, si Caligula ay hindi nagsusumikap para sa kapangyarihan, ngunit ang sitwasyon ay nagtutulak sa kanya sa tuktok ng paniniil. Idinidikta ng katotohanan ang balangkas na ito: hinirang ng mga Aleman ang isang malupit. At sinisira ng kapangyarihan ng kapangyarihan ang taong nagtataglay nito. Konklusyon: hindi ang indibidwal ang dapat sisihin, kundi ang kanyang kapaligiran.

Ang iba pang mga dula ni Camus ay tuklasin ang parehong isyu; halimbawa: may karapatan ba sa armas ang mga populistang rebolusyonaryo. Mula sa pananaw ng rebolusyon, ang landas na ito ay hindi maiiwasan, ngunit sa moral na pananaw, ang landas na ito ay hindi makatao at humahantong sa paniniil.

Sa treatise "Taong Galit" pinagtitibay niya ang marami sa mga prinsipyo ng absurdismo: ang mundo ay walang katotohanan, imposibleng malaman ang mga batas nito, at ang mga aksyon ng tao na naglalayong radikal na baguhin ang mundong ito ay walang kabuluhan. Ang isang tao ay maaari lamang magalit sa mga pribadong isyu.

Ang gawaing ito ay naglalaman din ng pagpuna sa USSR. Sa kanyang iba pang mga pag-play ang mga kaisipang ito ay ipinahayag sa isang paraan o iba pa.

Inihambing ng mga intelektwalista ang pasistang isterismo at ang malawakang panloloko ng milyun-milyong ordinaryong tao na may kapangyarihan ng isip ng tao at ang halaga ng malayang indibidwalidad ng tao. Ang partikular na talamak sa kanilang mga dula ay ang problema ng relasyon sa pagitan ng isang indibidwal na pinalaya sa pamamagitan ng kabayanihan na pagkilos at isang hindi gumagalaw na pulutong ng mga ordinaryong tao na mas gusto ang komportable at nakagawiang pagsunod sa paniniil kaysa kalayaan.

Isinasaalang-alang ng mga manunulat ng dula ang problema ng personal na kalayaan sa dalawang aspeto:

1) sa konkretong pampulitika (ang paglaban sa pasismo, reaksyon para sa pagpapalaya at humanismo); tinutukoy ng aspetong ito ang lakas ng mga intelektwal na manunulat ng dula;

2) sa abstract at walang tiyak na oras (pagpipilit sa walang hanggang paghaharap sa pagitan ng malayang bayani at ng passive mass); ito ay nagpapahiwatig ng kakitiran ng kanilang mga sosyolohikal na konsepto.

Sa mga playwright ng pangalawang direksyon, namumukod-tangi ang pagkamalikhainZhana Anouya.

Jean Anouilh(ipinanganak noong 1910) nagsimula ang kanyang mga aktibidad sa mga taon bago ang digmaan, ang kanyang trabaho ay nabuksan sa mga taon ng digmaan. Tinawag niya ang kanyang mga trahedya na gawa na "Black Plays" (1942) at "New Black Plays" (1947). Kabilang dito ang "Antigone", "Medea", "Romeo at Jeannette", atbp. Sa mga dulang "itim", ipinapahayag ni Anouilh ang pang-unawa sa buhay bilang walang pag-asa na kadiliman at kawalan ng pag-asa.

"Antigone" (1942) – muling iniisip ang sinaunang trahedya ni Sophocles. Nagtitipid antigong plot, makabuluhang binago ni Anuil ang mga katangian ng mga bayani, lalo na sina Creon at Antigone. Ang Anouilh's Creon ay isang liberal at mapagkunwari na pinuno na nagbibigay-katwiran sa medyo nakakumbinsi na modernong paniniil. Ang liriko na karakter ni Antigone ay pinagsama sa hindi matibay na kalooban ng isang manlalaban. Ipinagtatanggol ni Antigone ang kanyang mga likas na pangangailangan. Ang gawaing ito (paglilibing sa kanyang kapatid) ay hindi kailangan ng sinuman, kundi ng kanyang sarili.

Ang dula ay itinanghal sa Paris sa Atelier Theater ni Andre Barsac, kung saan si Suzanne Flon ang gumaganap bilang Antigone. Ang mismong katotohanan ng produksyon sa sinakop na Paris noong 1942 ay isang gawa ng pinakamataas na katapangan. Ang pagtatanghal ay nanawagan ng paglaban sa mga mananakop.

Bilang karagdagan sa mga "itim" na dula, lumikha si Anouilh ng isang cycle ng "pink" na mga dula, na nakikilala sa pamamagitan ng isang mas magaan na pang-unawa sa mundo Kabilang sa mga ito ang "Thieves' Ball" (1932), "Invitation to the Castle" (1947), "Rendezvous in Senlis" (1941). Ang mga sitwasyon ng anti-burges na "pink" na mga komedya ay higit na inuulit ang mga banggaan ng "itim" na mga drama - hindi kapani-paniwalang masasayang pagtatapos ay hindi maaaring matakpan ang malupit na katotohanan ng katotohanan.

Itinatampok sa mga unang dula ang tema ng hindi malulutas na kalungkutan at pesimismo ng tao. Tila pinapaboran ng mga pangyayari ang kaligayahan ng mga bayani, ngunit kusang-loob nilang tinalikuran ito ("Noong unang panahon ay may isang convict," "Savage," "Eurydice").

"Lark"(1953) ay itinuturing na pinakamahusay na dula ni Anouilh at kasabay nito ay isa sa mga natatanging likha ng modernong European drama. Ito ay isang dula tungkol sa pambansang Pranses na pangunahing tauhang si Joan of Arc. Itinanghal ang dula"Old Dovecote Theatre" pinagbibidahan ni Suzanne Flon. Ang mga dulang ito ay may katulad na mga pangunahing ideya: ginagawa ito ng isang tao hindi dahil sa kanyang katwiran, ngunit dahil sa kanyang likas, moral na kakanyahan.

Ang pangunahing tauhang babae ay hindi naglalagay ng mga hinihingi ng katwiran, ngunit ito ang tinig ng kanyang kaluluwa. Hindi niya maiwasang gawin ito, dahil ipagkakanulo niya ang kanyang kalikasan.

Ang tema ng natural na kagandahan at ang tema ng buhay na binuo sa mga prinsipyo ng katwiran kaibahan sa bawat isa. Anuy - para sa isang natural na kahanga-hangang pakiramdam, at hindi para sa isang makatuwirang prinsipyo na nagdidikta ng mga masasamang aksyon.

Intelektwal na teatrosa France ito ay nagkaroon ng iba't ibang hugis. Hindi lang nito dramaturgy characterized sa kanya, ngunit din kanilang mga diskarte sa pagtatanghal.

Palaging sikat ang France sa malaking bilang ng mga sinehan. Ngunit sa kalagitnaan ng ikadalawampu siglo, isang malaking bilang ng mga maliliit na sinehan ang lumitaw: sa Paris mayroong 64 sa kanila, hindi binibilang ang mga cabarets at restaurant) na may 200-300 na upuan. At ang Nangungunang teatroO w – 72 upuan (pocket theater).

Ang mga teatro na ito ay itinatag ang kanilang mga sarili sa panahonteatro ng walang katotohanan(50s) .

Nagsimula sa dula ang teatro ng walang katotohananEugene Ionesco "Ang Kalbong Mang-aawit"

Kaagad at tiyak na tinanggihan namin ang teatro ng walang katotohanan at ang dramaturhiya ng walang katotohanan. Siyempre, hindi matatanggap ang pilosopiya ng kalokohan (life is meaninglessness). Ngunit mayroong maraming sa teatro ng walang katotohanan na dapat pag-aralan. Halimbawa, ang pagpapakita ng kahangalan ng burges na buhay. Ang kritikal na pathos na ito ay halatang interes.

Ang Theater of the Absurd ay isinilang bilang parody ng intelektwal na drama.

"Rhino" Ionesco – protesta laban sa pasistang prinsipyo.

Sa mga dula ng teatro ng walang katotohanan mayroong isang sorpresa ng dramatikong lohika at isang sorpresa ng poetics.

"Ang Delirium ng Dalawa" Ionesco– mayroong isang makatotohanan, maging naturalistikong tagpuan dito (at hindi “lahat ng bagay ay may kondisyon,” gaya ng nakasanayan natin na madama ang walang katotohanan). Ang isa pang bagay ay mahalaga: kondisyonal na sitwasyon sa isang walang kondisyong sitwasyon.

Sinabi niya sa kanya na ang isang suso ay hindi katulad ng isang pagong. Inaangkin niya ang kabaligtaran. At ang bawat isa ay sinisisi ang isa't isa dahil sa mahilig makipagtalo. At lumalabas na ang kanilang buong buhay ay ginugol sa walang laman, hindi kinakailangang mga pagtatalo. Ang plaster ay nahuhulog at ang isang piraso ng kisame ay nahulog. Nagtago sila sa ilalim ng kama, ngunit patuloy na nagtatalo. At isang hindi talaga walang katotohanan na ideya ang lumitaw: ang mundo ay gumuguho, at sila ay abala sa isang hindi gaanong pagtatalo.

"Bagong Nangungupahan" Ionesco. Isang ganap na walang laman na silid na may bintana at pinto. Isang bagong nangungupahan ang dinala dito. Inihahatid ng concierge ang kanyang monologo (isang prangka na nakakatawang eksena). Hinihikayat niya itong tanggapin ang kanyang mga serbisyo, ngunit tumanggi siya. Pagkatapos ay taimtim na pumasok ang loader at ibinalita na dumating na ang mga bagay. Pumasok ang pangalawang loader na may dalang tisa at gumuhit ng bilog sa sahig. Ang isang upuan ay inilalagay sa isang bilog, at si Monsieur ay nakaupo dito. Pagkatapos ay nagsimula silang magdala ng mga kasangkapan, na pinipilit ang buong silid na dinala sa kisame. Pagkatapos ay lumitaw ang isang loader na may dalang bulaklak at nagtanong, "Iyan na lang ba?" Sumagot si Monsieur: "Iyan na ngayon." Inihagis niya ang bulaklak sa direksyon kung saan nalunod si Monsieur sa dagat ng mga bagay. Ang natitira ay ang kanyang sumbrero, na inilalagay at iniiwan ng loader. Ang ideya ay ang mga bagay ay dumurog sa isang tao, siya ay namamatay sa mundong ito ng mga bagay.