Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Guys, inilalagay namin ang aming kaluluwa sa site. Salamat diyan
para sa pagtuklas ng kagandahang ito. Salamat sa inspirasyon at goosebumps.
Samahan kami sa Facebook at Sa pakikipag-ugnayan sa

mataas na sining- isang kumplikado at hindi maintindihan na bagay para sa marami. Renaissance painting na may perpektong imahe umaakit ng maraming mga admirer, ngunit hindi madali para sa lahat na maniwala na ang mga gawa ng Picasso at Kandinsky ay talagang nagkakahalaga ng hindi kapani-paniwalang pera. Ang kasaganaan ng mga hubad na tao sa larawan ay isa pang misteryo, pati na rin ang kabalintunaan ng kung ano magandang mga larawan hindi kailangang maging maganda.

website Nalaman ko ang mga sagot sa ilang mga tanong tungkol sa pagpipinta sa pamamagitan ng pagtingin sa mga gawa ng mga kritiko ng sining at kultural.

1. Ganyan ba talaga kamahal ang pagpipinta?

Paminsan-minsan ay naririnig natin ang tungkol sa mga nakatutuwang kabuuan na inilatag para dito o sa larawang iyon. Ngunit sa katunayan, ang gayong pera ay napakakaunting mga gawa. Karamihan sa mga artista ay hindi pa nakakita ng malaking halaga ng pera. Naniniwala ang art historian na si Jonathan Binstock na may mga 40 na may-akda lamang sa mundo na ang mga pagpipinta ay pinahahalagahan ng isang kabuuan na may maraming mga zero.

Ang mga tatak ay namumuno sa sining

Narito marahil ang pinakakapansin-pansing halimbawa. Marahil ay narinig mo na ang graffiti artist na si Banksy. Ang matinding panlipunang oryentasyon ng mga gawa at ang talambuhay, na sakop ng isang halo ng misteryo, ay ginawa ang kanilang trabaho. Ngayon, si Banksy ay isang artist na ang trabaho ay pinahahalagahan sa multi-digit sums. Ang kanyang pagpipinta "Girl with hot air balloon"ay naibenta sa halagang £ 1.042 milyon. At ang buong mundo ay nagsalita tungkol sa pagganap ng pagkawasak nito kaagad pagkatapos ng pagbebenta.

Ang Banksy ay isang tatak at mahusay na nagbebenta ng mga tatak. kaya, Ang halaga ng isang pagpipinta ay higit na tinutukoy ng katanyagan ng may-akda nito.

Ang matagumpay na pagbebenta ng isang pagpipinta ay ang susi sa tagumpay ng iba

Ang isang artista ay maaaring malas sa mahabang panahon, siya ay magtanim sa kahirapan at kalabuan, na hindi mapagkakakitaan na ibenta ang kanyang trabaho. Pero sa oras na maibenta niya ang isa sa kanyang mga painting sa malaking halaga, siguradong tataas ang presyo ng iba pa niyang obra.

Rarity, kakapusan, uniqueness

Ang Dutch artist na si Jan Vermeer ay tinatawag na priceless ngayon. Hindi gaanong karaming mga kuwadro ang nabibilang sa kanyang brush - 36 lamang. Ang artist ay nagsulat ng medyo dahan dahan. Nawala noong 1990, ang pagpipinta ng Dutchman na "Concert" ay tinatantya na ngayon sa humigit-kumulang $ 200 milyon. Rarity at kakapusan Ang mga canvases ay nakakaapekto sa katotohanan na ang kanilang mga presyo ay simpleng abot-langit.

Ang maalamat na Van Gogh ay isang super brand. Mayroong ilang mga kuwadro na gawa ng artist, at ito ay malinaw na wala na siyang gagawin. Kakaiba ang kanyang gawa.

10 taon na ang nakalilipas, ang Suprematist Composition ni Malevich ay naibenta sa halagang $60 milyon. Marahil, kung hindi dahil sa krisis, ito ay naibenta sa halagang $100 milyon. Mga pagpipinta ni Malevich sa mga pribadong koleksyon nang walang pagbubukod, at kapag ang susunod na pagkakataon na ang isang bagay ng klase na ito ay lilitaw sa merkado ay hindi alam. Siguro sa 10 taon, siguro sa 100.

Sa pangkalahatan, ito ay malinaw: ang mga mamimili ay handa na magbayad ng hindi kapani-paniwalang pera para sa napakabihirang mga bagay.

Mahal ang inobasyon

Isa sa mga gawa ni Richard Prince sa direksyon ng "artistic borrowing".

Ang pagpipinta ay tumatagal sa pag-andar ng isang palatandaan

Ngayon, ang antas ng kultural na turismo ay lumalaki, at ang pagpipinta ay gumaganap ng function Atraksyon. AT mga sikat na museo mahabang pila ng mga turistang nakapila. At para maipahayag ang sarili at maangkin ang world-class na katanyagan, tiyak na pagmamay-ari ng gallery ang mga orihinal ng mga sikat at sikat na pintor.

Ang mga artipisyal na nilikhang sentro ng turismo sa kultura ay lumalaki din, halimbawa, sa Gitnang Silangan at sa Tsina. Kamakailan ang maharlikang pamilya Qatar pumasok sa isang pribadong transaksyon para sa $ 250 milyon- lahat para magkaroon ng larawan ang bansa Cezanne "The Card Players".

Kapag naroon na ang lahat, nagsisimula nang hilahin ang sining

Noong 2017, ibinenta ng bilyonaryo na si Dmitry Rybolovlev ang pagpipinta na ito kay Leonardo da Vinci sa halagang $450 milyon. Ngayon ito ang pinakamahal na deal sa mundo ng pagpipinta.

Kapag mayroon kang 4 na bahay at isang G5 na eroplano, ano pa ang dapat gawin? Ito ay nananatiling lamang upang mamuhunan sa pagpipinta, dahil ito ay isa sa pinakamalakas na pera».

Ayon sa data ng 2015, mayroong 34 milyong dolyar na milyonaryo sa mundo. At kahit na isipin natin na 1% lang sa kanila ang interesado sa sining, lumalabas na sa mundong ginagalawan nila 340 libong tao na handang magbayad ng mga bilog na halaga para sa mga pagpipinta. At ang mga pagpipinta mismo mga sikat na may-akda, tulad ng isinulat namin sa itaas, medyo, lalo na kung ikukumpara sa bilang ng mga milyonaryo. Bilang karagdagan, kahit na ang mga hindi interesado sa pagpipinta ay handa na mamuhunan dito para sa kapakanan ng prestihiyo o katatagan ng naturang pamumuhunan.

Kaya lumalabas na ang mataas na halaga ng pagpipinta ay higit sa lahat dahil sa katotohanang iyon Sobra malaking bilang ng ang pera ay naghahanap ng isang maliit na halaga ng mga kalakal.

2. Kailangan ba ng lahat ng painting ang mga frame?

Pagpinta ni Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philippe".

Ang aklat ni Susie Hodge na Why There Are So Many Naked People in Art ay nag-uusap tungkol sa layunin ng mga frame. Oo, sila nga protektahan ang mga gilid ng larawan at bigyang pansin ito. Ang ilang mga frame ay imahinasyon, ang iba ay medyo simple, hindi sila nakakagambala sa pagmumuni-muni. Ang layunin ng frame ay upang umakma sa larawan at ipakita ito sa pinakamahusay na posibleng paraan.

Narito ang isang abstract artist Piet Mondrian inihambing ang mga frame sa isang pader na nakatayo sa pagitan ng tumitingin at ng larawan. Nais niyang alisin ang pakiramdam ng distansya. At sumulat ang artista sa pinakadulo ng mga canvases at maging sa sidewall.

Hindi nagustuhan ni Georges Seurat ang anino, na inihagis ng frame sa larawan. At siya mismo ay madalas na gumuhit ng mga frame mula sa maliliit na tuldok ng iba't ibang kulay. Sa pamamagitan ng paraan, ayon sa isang katulad na prinsipyo ng mga pagpipinta ni Seurat, ang isang kulay na TV ay gagana sa kalahating siglo.

3. Bakit napakaraming nakahubad na tao sa mga larawan?

Fragment ng fresco ni Michelangelo na "Creation of Adam".

Kahit na ang mga sinaunang Greeks ay naniniwala na ang hubad na katawan ay hindi kapani-paniwalang maganda.

Sa sining, kadalasang kahubaran - ito ay isang simbolo. Isang simbolo ng bagong buhay, katapatan, ang kawalan ng kakayahan ng isang buhay na nilalang, pati na rin ang buhay at kamatayan.

Besides, walang dahilan ganoon kalakas na emosyon ang manonood, parang kahubaran. Maaaring ito ay interes, kahihiyan, kahihiyan, o paghanga.

4. Bakit napaka flat at sa pangkalahatan ay hindi makatotohanan?

Pagpipinta artistang Czech Bohumil Kubishty "Ang Hipnotista".

Marahil isa sa mga pinakakaraniwang akusasyon laban sa mga kontemporaryong master parang ganito: nakalimutan na ng mga artista kung paano ipaparating ang katotohanan. Kaya't ang maling kuru-kuro na ang mga bagay ay mukhang patag.

Ngunit tingnan natin, halimbawa, sa mga canvases mga cubist. Sinisira nila ang pananaw, ngunit naglalarawan ng mga bagay sa parehong oras mula sa iba't ibang mga anggulo at kahit sa magkaibang panahon. Samakatuwid, hindi masasabi na ang imahe sa canvas ay dalawang-dimensional.

Hindi na kinakailangan na gumuhit ng "kamukha" - magagawa ito ng isang larawan. Samakatuwid, ito ay kinakailangan upang maghanap ng isang sagot sa tanong kung bakit ang artist sa ito o sa larawang iyon ay inilalarawan ang katotohanan bilang flat, ito ay kinakailangan sa pinakadulo ideya ng may-akda. Inaalis ang ilang mga detalye ng larawan, tumutuon ang artist sa iba. Pinasimple ang larawan, siya

Ngunit propesyonal mga avant-garde na artista noong ika-19–20 siglo may likod edukasyon sa sining at matibay na batayan. Sila ay maaaring sumulat ng anumang paraan ngunit sa isang punto nagpasya na gawin ito sa ganitong paraan ginagaya ang mga primitivist. Tulad ng sinasabi nila, ito ay nilayon, dahil ito ay isang ganap na bago (at samakatuwid ay kawili-wili para sa mga pagod na sa luma) na paraan ng pag-impluwensya sa manonood.

Magaling sana ang mga artista sa pagpipinta sa diwa ng akademikong klasisismo, at iyon ang dahilan kung bakit ito ay nakababagot para sa kanila. Ang batang Picasso ay nagpinta ng mga makabagbag-damdamin at medyo makatotohanang mga larawan. Ngunit pinili ng isang may sapat na gulang na artista para sa kanyang sarili ang isang landas na nakakagulat, nagpapasigla sa mata, na tumutulong upang ipakita ang isang cool na coloristic na likas na talino at isang pakiramdam ng anyo.

6. Kailangan bang maganda ang mga painting?

Ang maganda ay hindi nangangahulugang sining, at ang sining mismo ay hindi palaging naglalarawan ng kagandahan. Ang bawat tao'y may iba't ibang ideya ng kagandahan, at ang opinyon ng isang solong tao ay hindi maaaring ituring na isang pamantayan.

Lumayo tayo sa pagpipinta at gumuhit ng parallel sa sinehan. Sa mga istoryador ng sining, nakita natin ang sumusunod na opinyon: ang pagsasabi na ang mga larawan ay tiyak na maganda ay kapareho ng pagsasabi na ang tunay na sinehan ay romantikong komedya o isang melodrama na may masayang pagtatapos. At mga sikolohikal na drama, aksyon na pelikula, mga thriller - hindi ito isang pelikula. Sumang-ayon, mayroong lohika dito.

Ang sining (kabilang ang pagpipinta) ay dapat magsalita ng wika sa panahon nito. At upang tamasahin ang anumang larawan, kahit na isang makatotohanan, kailangan mong malaman kung ano ang itinatanghal dito. Sa mga eksibisyon, karaniwan naming binabasa ang mga caption sa mga canvases at ginagamit pa nga ang audio guide.

Anong painting ang malapit sa iyo?

KAMUSTA KAYONG LAHAT! Ang masayahing Drimmy ay kasama mo gaya ng dati! Ang post na ito ay ginawa upang masagot ang ilang katanungan ng lahat ng mga interesado sa mga Artista. Sa parehong kahulugan, ang ibig kong sabihin ay may mga ganoong, well, hindi masyadong kakaibang mga tanong na maaaring makasakit sa mga artista ng tao / halimaw

Uulitin ko muli ang post na ito ay sasagutin lamang ang ilang mga katanungan kung bakit ang artista .....?

Kung ikaw ay isang manunulat o isang mang-aawit, pagkatapos ay huwag masaktan!

Isang tanong ang magbubuklod marahil ng ilan!

Tara na sa tanong!

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

(Ang ilang mga punto mula sa aking karanasan ay kukunin)

1. Bakit malungkot ang mga Artista?

Ahem. Buweno, ang unang bagay na masasabi ko ay ang pagpuna, dahil ang ilang mga miyembro ng komunidad ng URA ay hindi nagbibigay ng ganitong pagpuna sa banayad na anyo, na nakakasakit sa damdamin ng artista.

Kawalan ng pang-unawa mula sa mga kaibigan/kamag-anak

Ang mga artista ay nakikita ang mundo sa isang ganap na naiibang paraan at hindi lahat ay maaaring maunawaan kung ano at paano nila nakikita ang ating mundo.

At gaya ng dati, masasabi mo ang mga damdaming nagpapakita ng sarili sa parehong paraan tulad ng ginagawa natin sa Araw-araw na buhay.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

2. Bakit nagtatrabaho ang mga Artista sa gabi?

Ang mga artista ay maaaring magpinta buong gabi

Bumangon tayo bukas ng alas siyete ng umaga,

Hinahabol ang mga pangarap.

Pagkatapos ng lahat, ang gabi ay ang oras para sa inspirasyon!

Ang gabi ay hindi oras para sa panaginip.

Pwede ang mga artista.

Gumuhit.

Sa tingin ko ang sagot ay malinaw, ngunit gayon pa man, kung hindi, kung gayon.

Ang gabi ay isang kalmadong oras kung kailan dumarating ang inspirasyon at, wika nga, katahimikan, kung saan walang nang-aabala sa iyo o humihila sa iyo.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

3. Bakit sa tingin ko kakaiba ang mga Artista?

Mayroon akong dalawang sagot sa tanong na ito.

1. Ang mga taong malikhain ay mga mahuhusay na indibidwal na gustong maging kapaki-pakinabang at gumawa ng mabuti sa iba. Gusto nila ang kalayaan, kaya ang anumang mga paghihigpit ay ituturing nila bilang isang paglabag sa mga karapatan. Marami ang naniniwala diyan mga taong malikhain malungkot, malungkot at hindi nabubuhay nang matagal. Sa kabutihang palad, hindi ito ang kaso. Ang talento ay ibinigay ng Diyos sa isang tao, kailangan mo lamang na huwag palampasin ang sandali at simulan ang pagbuo ng iyong mga kakayahan sa oras.

Kapansin-pansin na sa mga geeks mayroong talagang maraming kapus-palad na mga tao, dahil ang kanilang trabaho ay hindi palaging malinaw sa iba. Bilang isang patakaran, sa isang karaniwang tao, ang aktibidad ng utak ay nangyayari sa loob ng ilang mga limitasyon, at lahat ng lumalampas sa mga limitasyong ito ay itinuturing na isang bagay na hindi natural at abnormal. Para sa kadahilanang ito, napakahirap para sa mga taong malikhain na mabuhay dito malupit na mundo, kung saan mayroong napakaraming matatag na stereotype at ayaw mag-evolve.

Kinukumpirma ng neuroscience na ang mga mahuhusay na indibidwal ay nag-iisip at kumikilos nang iba. Ang pag-iisip ng mga taong malikhain ay literal na idinisenyo upang mag-isip nang natatangi, hindi tulad ng karamihan. Gayunpaman, ang gayong kaloob ng kalikasan ay maaaring makapagpalubha ng buhay at makakapagpahirap sa mga relasyon sa iba. Kung pamilyar ka sa isang taong malikhain, malamang na nagkaroon ka ng ideya nang higit sa isang beses na siya ay nakatira sa isang ganap na naiibang mundo. Sa karamihan ng mga kaso, ang pagsisikap na maunawaan ang gayong tao ay walang kabuluhan gaya ng pagsisikap na baguhin ito. Upang magawang umangkop sa gayong tao, kailangan mong matutunang tingnan ang mundo sa pamamagitan ng kanyang mga mata.

2. Karaniwan, ang mga artista ay mga ordinaryong pragmatikong tao na may nabuong visual na pang-unawa sa mundo, na nakikita ang buhay bilang mga larawan-larawan. Ang kuwento ng kanilang kabaliwan ay isang kasinungalingan.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

4. Bakit Lonely ang mga Artista?

Well, ang una ay hindi lahat ng Artista.

Sa katunayan, ang lahat ng mga taong malikhain ay nag-iisa sa ilang kadahilanan. Una, mga henyo. ang isang tunay na taong malikhain ay nakakakita ng isang bagay na maganda sa lahat, at maraming tao ang hindi nakakaintindi. ang hindi pagkakaunawaan na ito ay nagbubunga ng kawalan ng tiwala. pangalawa, ang mga taong malikhain ay nag-iisip at nakikita ang mundo sa kanilang sariling paraan, naiiba. pangatlo, mayroon silang isang mas mahusay na binuo na intuwisyon, at nararamdaman nila ang mga damdamin at nakikita ang mga iniisip ng iba. ang isang taong malikhain ay isang bagong pag-ikot sa pagiging perpekto ng mundo. Kung mas maraming tao ang ganito, mas mabuti. ordinaryong mga tao makikita ang mga problema ng buong mundo. at samakatuwid ay mas malamang na itama ito. samakatuwid, ang mga taong malikhain ay ang mga gabay ng iba, itinuturo namin ang mga iniisip ng mga tao sa tamang direksyon.

sana malinaw.

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

5. Bakit Ang Ilang Mga Artista ay Tumigil sa Kanilang Trabaho at Gumawa ng Iba?

Magbibigay ako ng isang halimbawa ng aking mabuting kaibigan(lumabas sa depresyon;-; mangyaring.)

Sa kasamaang palad, ang eksaktong kaso kung bakit niya inalis ang lahat ay hindi alam, ngunit ang ilang mga punto ay maaari pa ring humantong sa ito.

1. Ito ang parehong kritisismo na inilabas hindi sa banayad na anyo, ngunit sa isang malupit at hindi tumpak.

2. Pareho itong mga kritiko ngunit sa anyo na sinasabi nila kung paano ito gagawin, o ang tawag sa kanila ng ilan ay "Mga pekeng guro" o "Ang ChSV ay hindi mga Artista"

ೋ❀❀ೋ═══❀═══ೋ❀❀ೋ

Buweno, ang tanong na ito ay hindi kung bakit, ngunit gaano ito katangi-tangi

6. Paano Patahimikin ang isang Artist?

Russian student spring-2017

Direksyon: pamamahayag

Nominasyon: Pinakamahusay na Materyal na Editoryal

Bakit medyo kakaiba ang mga taong malikhain?

"Walang halos anumang mas mataas na kasiyahan kaysa sa kasiyahan ng paglikha."

N.V. Gogol

Dapat ay narinig mo na ang pariralang "malikhaing tao" kahit isang beses sa iyong buhay, at kadalasan ito ay may bahagyang ironic na konotasyon na may kahulugang "hindi pangkaraniwan, kahanga-hanga." Ang mga malikhaing indibidwal ay nag-iisip, kumikilos, at minsan ay nagsasalita nang iba sa mga ordinaryong tao. Mayroon silang kakaiba, hindi maintindihan na mga gawi at pang-araw-araw na gawain. Maaari silang manamit ng katawa-tawa at maging sobrang emosyonal, bata at sira-sira. Ngunit, ang pinaka nakakagulat na bagay ay hindi nila itinuturing ang kanilang sarili na kakaiba sa lahat. Wala lang silang oras para bigyang-pansin ang mga ganitong bagay, dahil sila ay lubos na nasisipsip sa kanilang pagkamalikhain, at kahit na sa mata ng publiko ang isang indibidwal ay karaniwang walang talento, siya mismo ay mahal na mahal ang kanyang trabaho kahit na ano.

Bakit kakaiba ang mga taong malikhain? Madalas na sinasabi tungkol sa kanila na sila ay "lumipad sa mga ulap" o "hindi sa mundong ito." At ito ay ganap na totoo. Ang pagkamalikhain sa isang tao ay ipinahayag, una sa lahat, sa pamamagitan ng kanyang imahinasyon. Ang imahinasyon ay nasa puso ng musika ni Bach, tula ni Pushkin at mga pagpipinta ni Picasso. Dahil sa pagtaas ng sensitivity, ang lumikha sa kanyang pang-araw-araw na buhay ay patuloy na nahaharap sa di-kasakdalan ng mundo, kawalan ng pagkakaisa, kaguluhan at kontradiksyon, samakatuwid, sa tulong ng kanyang imahinasyon, lumipat siya sa isang kamangha-manghang kathang-isip na mundo kung saan walang lugar para sa. araw-araw na problema at kahirapan. Napakaganda doon, at dito pumupunta ang lumikha sa tuwing kumukuha siya ng brush / magsusuot ng pointe na sapatos / uupo sa piano (salungguhitan kung kinakailangan). Ang mismong proseso ng pagkamalikhain ay nagdudulot sa kanya ng labis na kasiyahan, kaya't nagtatrabaho siya araw at gabi, nalilimutan ang tungkol sa pagtulog at pagkain. At hinahangad niyang ipakita sa iba ang mga resulta ng kanyang malikhaing impulses upang mabigyan sila ng bahagi ng kanyang perpektong mundo upang gawing mas maayos, perpekto at maganda ang kanilang buhay. Sa bawat creator nabubuhay ang isang romantikong nangangarap na baguhin ang katotohanan para sa mas mahusay.

Ang isa pang kalidad ng mga taong malikhain ay ang kakayahang makita ang hindi pangkaraniwan sa karaniwan. Ang mga creator, tulad ng mga bata, ay handang mabigla sa lahat! Sila ay napaka-observant, matanong at mahilig matuto. Ang patuloy na pagnanais na subukan ang mga bagong bagay ay nakikilala taong malikhain mula sa karaniwan. Ang isang malikhaing tao ay dapat na patuloy na umunlad at lumago, pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan.

Minsan ang mga malikhaing indibidwal ay hindi sapat na nakikita sa lipunan dahil sa kanilang kalayaan sa paghatol at malikhaing katapangan. Ang lumikha ay palaging may sariling opinyon, at ang opinyon ng iba ay nakakaimpluwensya sa kanya nang mas mababa kaysa sa isang karaniwang karaniwang tao. Walang pakialam ang tagalikha kung ano ang iniisip ng iba tungkol sa kanya, at ang pagwawalang-bahala sa opinyon ng publiko ay kadalasang nagdudulot ng mga negatibong paghatol mula sa labas. Ang pagkamalikhain mismo ay lumalampas sa mga stereotype at pattern, at ang gayong pag-uugali, tulad ng alam mo, ay hindi tinatanggap ng karamihan. Ang karamihan ay may sariling mga panuntunan, at ang mga creative ay tiyak na hindi nababagay sa kanila.

Ang isa pang katangian ng mga taong malikhain, tinawag ng mga psychologist ang isang positibong saloobin kumplikadong mga gawain. Ang mga kahirapan ay nag-uudyok lamang sa kanila na magtrabaho nang mas mahirap at mas mahirap. Sa pamamagitan ng paraan, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa kahusayan ng mga tagalikha. Tiyak na hindi sila tatakbo mula sa trabaho kapag umabot na sa alas-sais ng gabi. Sa mga tuntunin ng kanilang mga personal na buhay, maaaring sila ay tila pabaya na tamad, ngunit sa kanilang negosyo sila ay napaka-disiplinado, obligado at masipag.

At sa wakas, marahil ang pinakamahalagang kalidad ng isang tagalikha ay ang talento. Ang talento ay inilatag sa isang tao sa pamamagitan ng likas na katangian sa kanyang mga kakayahan sa pag-iisip at mga katangian ng anatomikal. "Ang talento ay parang kulugo - naroroon man o wala," sabi ni Faina Ranevskaya. Nasa pagkabata, napansin ng mga magulang na ang kanilang anak ay gumagawa ng isang bagay na mas mahusay kaysa sa ibang mga bata. Malamang, ngayon sasabihin ko ang isang karaniwang katotohanan, ngunit ang talento ay maaaring maglaho magpakailanman kung hindi ito mapupulot sa oras at mapapaunlad ng pagsusumikap. Bilang karagdagan sa talento, ang mga creative ay kadalasang may mas mataas na pagnanais para sa kagandahan, wika nga, isang nabuong aesthetic sense.

Summing up, gusto kong sabihin iyon pagkatapos ng lahat mga taong malikhain ay hindi ipinanganak, ngunit naging. Mayroong isang malaking bilang ng mga halimbawa kapag ang disiplina sa sarili at kasipagan ay lumikha ng mga tunay na henyo, hindi mas masahol pa kaysa sa mga orihinal na may talento. Ngayon ay maraming mga pagsasanay upang bumuo ng pagkamalikhain at mga pagsubok upang makilala ang iyong mga malikhaing hilig. Ngunit sa pangkalahatan, ang lahat ng ito ay hindi mahalaga kung ang trabaho na iyong ginagawa ay nagdudulot sa iyo ng kasiyahan. At, kahit hindi ka marunong sumayaw, pero gusto mo talaga, walang naglalakas loob na pigilan ka!

Pinagmulan ng larawan: http://dance-theatre.ru/centr-sovremenoi-horeorgafii/

Naka-frame ba lahat ng paintings?

Piet Mondrian. Komposisyon na may dilaw, pula, asul, itim at kulay abo. 1920

Georges Seurat. Linggo ng hapon sa Lake Grande Jatte. 1884

Quote mula sa libro

"Kadalasan, ang mga kuwadro ay naka-frame at naka-display. Ang mga frame ay nakakakuha ng pansin sa larawan at pinoprotektahan ang mga gilid nito. Ang ilan sa mga frame ay mapagpanggap, lalo na ang mga lumang gawa na minsan ay nakasabit sa mga mansyon. Ang iba pang mga frame ay medyo simple, hindi sila nakakagambala mula sa pagmumuni-muni ng sining. Ang layunin ng mga frame ay upang umakma sa mga larawang nakapaloob sa loob, upang ipakita ang mga ito mula sa pinakamagandang bahagi.

Naniniwala si Piet Mondrian na ang mga frame ay parang pader. Minsan ay tila sila ay nakatayo sa pagitan ng madla at sining, na parang gumagawa ng isang balakid, na naghihiwalay sa sining mula sa ibang bahagi ng mundo. Nais ni Mondrian na masiyahan ang lahat sa kanyang trabaho at walang naramdamang hiwalay sa kanila. Nagpinta siya sa mga gilid ng canvas. At minsan kahit sa gilid.

Giniba niya ang mga pader na iyon!

Hindi nagustuhan ni Georges Seurat na ang mga frame ay naglalagay ng anino sa mga gilid ng larawan. At siya mismo ang nagpinta ng frame. Binubuo ito ng libu-libong maliliit na tuldok sa higit sa 25 iba't ibang kulay.

Alam mo ba na ang larawan sa screen ng TV ay binubuo ng mga tuldok na tinatawag na pixels? Ang larawang ito ay ipininta mahigit 50 taon bago naimbento ang color television!”

Magkomento

Maaaring mukhang katawa-tawa na mag-alay ng isang buong kabanata sa mga frame, at higit pa sa praktikal na simulan ang isang libro gamit ito. Ngunit ito ay may mga dahilan. Una, hindi tayo tumitingin sa isang pagpipinta sa isang vacuum. Ang liwanag, ang taas kung saan ito matatagpuan, ang mga kalapit na gawa, ang mga anotasyon - lahat ng ito ay lumilikha ng puwang sa paligid nito. Pinag-uusapan kontemporaryong iskultura, tiyak na pinag-uusapan nila ang tungkol sa "poetic space" na nakapalibot dito: ang kahulugan ng ilang abstract sculpture ay ipinanganak lamang kapag tiningnan ito ng manonood. Pangalawa, sa katunayan, ang frame ay madalas na nagiging balangkas ng pagpipinta mismo - tulad ng napatunayan ng mga nakakatuwang halimbawa sa itaas. Sa wakas, ang frame ay isang obligadong link sa hanay ng mga tanong at sagot, na makakatulong sa iyong mas maunawaan ang gawain. Pagkatapos mong malaman kung sino ang may-akda at kung naimpluwensyahan niya ang kasaysayan ng sining, maaari mong kaswal na tingnan ang frame. Sa pamamagitan ng paraan, noong 1990, ang New York Metropolitan ay nagkaroon ng isang uri ng eksibisyon sa kabaligtaran: ang museo ay nagpakita ng maraming walang laman na mga frame upang maakit ang pansin sa isang madalas na hindi pinapansin na katotohanan.

Bakit flat ang lahat?

Nanghuhuli si Nebamon sa mga latian. Libingan ng Nebamon, ca. 1350 BC e.

Jean Metzinger. Mesa sa tabi ng bintana. 1917

Quote mula sa libro

"Hindi lahat ng art object ay mukhang makapal.

Ang dalawang-dimensional, o 2D, na mga larawan ay flat, tulad ng pahinang ito. Three-dimensional, o 3D, - may taas, lapad at lalim, tulad ng isang bola.

AT magkaibang panahon Ang sining ay maaaring kasing flat ng ibabaw kung saan isinulat ng mga artista, o kasing dami ng mga totoong bagay.

marami sinaunang sining, tulad ng, halimbawa, Egyptian wall paintings, mukhang flat. Ito ay mas katulad ng mga diagram at ganap na naiiba sa buhay.

Kahit noong sinaunang panahon, ang mga artista ay nakapagpahatid ng lakas ng tunog, at sila ay nagpinta ng mga flat na imahe sa layunin.

AT Sinaunang Ehipto ang mga marangal na tao ay inilibing sa mga pinturang libingan kasama ng kanilang mga kayamanan. Ang mga dingding ng libingan ay pinalamutian ng mga guhit na hindi nilayon para sa buhay. Ipinakita nila sa mga diyos ang ginawa ng mga tao sa buhay.

Ang imahe ay mukhang patag upang maging mas malinaw sa mga diyos.

<…>Ano ang nasa mesa? Nakikita mo ba ang isang plorera ng mga bulaklak, isang baso, paglalaro ng baraha at malapit na bintana?

Si Jean Metzinger ay hindi sumusunod sa mga batas ng pananaw, ngunit nais pa ring ipakita na ang mga bagay sa larawan ay tatlong-dimensional. Samakatuwid, inilarawan niya ang mga ito nang sabay-sabay mula sa iba't ibang mga anggulo. Ang pamamaraang ito ay tinatawag na cubism.

Magkomento

Ang puntong ito ay sumasalamin sa pangkalahatang pag-aalinlangan na nakalimutan ng mga artista kung paano tumpak na ilarawan ang three-dimensional na realidad - sa halos pagsasalita, "upang gumuhit ng tulad". Ang may-akda ng Naked People na si Susie Hodge ay humihingi ng suporta ng mga sinaunang master, abstractionist at cubist. Ang pagkolekta ng mga ito nang sama-sama sa ilalim ng marker na "flat" ay medyo katawa-tawa - ang mga cubist ay lumikha ng hindi bababa sa higit sa tatlong eroplano sa kanilang larawan, at kung minsan ay naglalarawan ng parehong bagay sa iba't ibang mga punto sa oras, kaya ang kanilang trabaho ay hindi matatawag na flat. Gayunpaman, walang iisang sagot sa pambata na tanong na ito, at sa bawat oras na kailangan mong isipin kung bakit nagpasya ang artist na gawing flat ang lahat. Nakalimutan ni Hodge ang tungkol sa mga partikular na kultura: ang pananaw ay isang imbensyon sa Europa, at sa sining ng maraming bansa ay maaaring hindi ito matagpuan sa prinsipyo. Ang argumento na ang flat na imahe ay nagiging mas pandekorasyon at abstract ay medyo makatwiran - tulad ng pagsasama ng "flat" at "sinaunang". Ngunit sa parehong oras, sa ilang kadahilanan, iniiwasan ni Hodge ang isang napaka-simple at malinaw na konklusyon: sa pamamagitan ng pag-alis ng ilang mga detalye mula sa imahe, ang may-akda ay nakatuon sa iba. Sa halos pagsasalita, sa pamamagitan ng pagpapasimple (at pagyupi) ng imahe, ang artist ay maaaring gawin itong mas nagpapahayag, at sa maraming mga kaso, dahil sa pagpapasimple, mas madali para sa kanya na kontrolin ang pagpapahayag na ito.

Bakit napakaraming nakahubad na tao sa sining?

Sandro Botticelli. Kapanganakan ni Venus. 1486

Yves Klein. Anthropometry na walang pangalan. 1960

Quote mula sa libro

"Ang mga nakahubad na tao ay karaniwan sa pagpipinta, eskultura at pagkuha ng litrato.

Ang lahat ay nagmula sa mga sinaunang Griyego, na naniniwala na ang hubad na katawan ay maganda at karapat-dapat pag-aralan. Kahit ngayon, natututo na ang mga artista na gumuhit ng mga hubad na tao para mas maintindihan ang hugis ng katawan. Ito ay tinatawag na pagguhit ng buhay.

Ang hubad na si Venus, ang Romanong diyosa ng pag-ibig at kagandahan, ay lumulutang, nakatayo sa kabibi. Ayon kay sinaunang alamat, Si Venus ay ipinanganak na nasa hustong gulang na at lumipat sa dagat. Ipininta ni Botticelli ang kanyang pagpipinta maraming taon pagkatapos ng pinagmulan ng alamat na ito.

Sa sining, madalas na ipinapahiwatig ang kahubaran bagong buhay. Noong panahon ni Botticelli, maingat na tinatakpan ng mga babae ang kanilang katawan. Pero nakahubad si Venus, dahil isa siyang diyosa at hindi ordinaryong babae!

Maraming artista ang naniniwala na ang katawan ng babae ay mas maganda kaysa sa lalaki, kaya naman mas karaniwan sa sining ang mga hubad na babae kaysa sa mga lalaking nakahubad.

Noong 1960, naisip ni Yves Klein bagong daan ilarawan ang mga babaeng katawan. Tinakpan niya ng asul na pintura ang mga hubad na babae at inilapag sa isang higanteng canvas sa sahig. Nagsilbi silang "mga buhay na brush".

Magkomento

Ang pinaka nakakaintriga na kabanata ng libro ay inilagay sa pamagat - na, sa pangkalahatan, ay lubos na nauunawaan. Ngunit hindi rin tayo makakahanap ng isang malinaw na sagot sa tanong dito - kabilang sa mga iminungkahing pagpipilian, marami ang nakolekta nang sabay-sabay: ang pag-aaral ng kaplastikan ng katawan at kagandahan nito, isang simbolo ng buhay at isang sampal sa mukha opinyon ng publiko. Dito, gayunpaman, walang misteryo: ilang bagay sa mundo ang nagiging sanhi ng napakalakas na reaksyon sa isang tao - interes at awkwardness, kahihiyan at pagnanais, paghanga o, sa kabilang banda, pagkasuklam - tulad ng kahubaran. Hubad katawan ng tao sa sining - at, sa iba't ibang dahilan, ito ang pambabae - ang pinakamakapangyarihang simbolo ng buhay at kamatayan. Sa puntong ito hubad na katawan- ito ay kasangkapan ng isang artista, na maaari niyang ilarawan sa isang larawan o ipakita sa buhay. Sa dating kaso nag-uusap kami tungkol sa pagganap. Ang hubad na pagganap ay magiging mas kapana-panabik, minsan marupok, minsan hindi kasiya-siya. Bilang karagdagan, ang hubad na katawan ay isa ring obligadong simbolo ng katapatan, na gustong gamitin ni Lucian Freud, na nagpapakita ng kawalan ng kakayahan ng isang tao. Kasabay nito, ang hubad na katawan sa tradisyon ng Europa ay malapit na nauugnay sa ideya ng kagandahan na ang pagpapakita ng isang hindi kinakailangang hindi kasiya-siyang katawan, tulad ng gustong gawin ni Freud, ay hindi gaanong nakakagulat at nag-iisip tungkol sa pagtanda at pagkalanta. . Sa argumento tungkol sa pamamayani ng mga hubad na babae sa mga lalaki, ang lahat ay hindi rin gaanong simple: sa tsarist Russia, halimbawa, posible na gumuhit lamang ng mga lalaking hubo't hubad, at para sa mga babaeng artista ay tradisyonal na pumunta sa Italya.

Kailangan ko bang malaman ang plot ng mga painting?

John Everett Millais. Ophelia. 1851–1852

Cornelia Parker. Malamig na madilim na bagay: pagmamasid sa pagkawasak. 1991

Quote mula sa libro

“Ang mga kuwento ay isinasalaysay sa lahat ng anyo ng sining, mula sa pagpipinta at eskultura hanggang sa sinehan.

Ang isang gawa ng sining ay isang bintana sa imahinasyon ng ibang tao. Nakikita natin ang mga katotohanan at kuwento sa pamamagitan ng mga mata ng iba.

Mga 160 taon na ang nakalilipas ay nagkaroon ng kilusan na tinatawag na Pre-Raphaelite Brotherhood. Ang mga artista ng kilusang ito ay nagsulat ng mga kuwento, na kadalasang hinango mula sa kasaysayan. Ang kanilang mga pagpipinta ay tinatawag minsan na "mga naka-frame na nobela". Si Millais ay isang Pre-Raphaelite.

<…>Ang magandang Ophelia ay nilunod ang sarili, at naisip ng artista kung paano ito mangyayari. Upang gawing mas kawili-wili ang larawan, pinalamutian niya ito ng maraming simbolo. Halimbawa, ang mga pulang poppies at asul na forget-me-nots ay nangangahulugan ng pag-alala o pag-alala sa mga patay.

Mabuti ito sikat na plot, at nagbuhos ang mga tao sa Royal Academy sa London, kung saan unang ipinakita ang pagpipinta noong 1852.

May kwento sa likod ng sining na ito. Nais ni Cornelia Parker na lumikha ng mood, kapaligiran, para isipin natin ang ating buhay at kung ano ang ating iiwan.

Hindi namin masyadong iniisip ang shed sa garden. Nag-iimbak kami ng mga hindi kinakailangang bagay dito, na mabilis naming nakalimutan. Nagpasya si Parker na pasabugin ito!

Pagkatapos ay nangolekta siya ng mga piraso ng nasunog na kahoy at naka-warped na metal at isinabit ang mga ito sa kisame gamit ang pangingisda. Sa gitna ay inilagay niya ang isang lampara upang maglagay ng mga nagbabantang anino sa mga dingding."

Magkomento

Sa kabanatang ito, ang may-akda ay gumawa ng isang tusong hakbang at sinusubukang itumbas ang kasaysayan ng paglikha ng larawan sa balangkas nito. Bakit kailangan ito? Noong ika-20 siglo, ang sining ay naging higit na walang plot, at kung dati, nang walang pag-unawa sa kasaysayan, imposibleng maunawaan ang sining (halimbawa, basahin ang mga klasikal na icon-painting plots - at salamat dito, upang mapagtanto kung ang artist ay gumawa o hindi. gumawa ng isang rebolusyon sa gawaing ito), ngayon ay naging mas mahalaga ang kasaysayan ng pintor at ang kasaysayan ng paglikha ng isang partikular na pagpipinta. Ang pagsunod sa talambuhay ng may-akda ay naging kapana-panabik tulad ng pagsunod sa mga panahon ng mahabang buhay na mga palabas sa TV: lumipat siya sa Europa, nagsimulang mas alagaan ang mga migrante, ngunit dahil dito bigla siyang naging hindi gaanong kawili-wili, o, sabihin, Cai Guoqiang - retrained bilang isang master ng malalaking teknolohikal na mga paputok at nawala ang lahat ng kanyang konseptwal na alindog. At narito si Richard Long: sa buong buhay niya ay tinahak niya ang mga landas sa buong mundo, hindi ipinagkanulo ang kanyang mga ideya, kung saan ipinasok niya ang lahat ng mga aklat-aralin sa sining ng lupa.

Sino ang lahat ng mga taong ito?

Edward Hopper. Chop suey. 1929

Mark Quinn. I. 2006

Quote mula sa libro

“Marami sa mga painting ay puno ng mga tao, ngunit sino sila?

Noong nakaraan, bago pa man ang pag-imbento ng litrato, ang mga marangal na tao ay nag-atas ng kanilang mga larawan. Kailangang ipakita ng mga artista kung gaano kalakas, maganda at mayaman ang mga customer. Kadalasan ang buong pamilya ay nag-pose para sa artist para sa mga larawan ng grupo.

<…>Ang larawan ni Edward Hopper ay naglalarawan ng dalawang kababaihan ng fashion sa isang mesa sa isang restaurant. Hindi tulad ng mga larawan ng nakaraan, ang mga babaeng ito ay hindi mahahalagang tao. Sila ang pinakakaraniwan at hindi naiiba sa mga kaswal na bisita. Sa karamihan ng tao ay nakikita namin ang maraming tao na hindi namin kilala, at sila ang gustong ilarawan ni Hopper.

At kahit na nagpapakita siya ng dalawang estranghero, ang asawa ni Hopper ay nagsilbing modelo para sa dalawa!

<…>Para sa cast ng ulo, ginamit ni Mark Quinn ang sarili niyang dugo. Ang iskultura ay naka-imbak sa malamig, kung hindi man ito ay matutunaw.

Ayon kay Quinn, ito ay isang paalala kung gaano karupok ang buhay. Bawat limang taon, gumagawa ng bagong ulo ang iskultor, para makita mo kung paano siya tumatanda.”

Magkomento

Sa katunayan, iniisip kung sino ang inilalarawan sa larawan, dapat mo munang isipin ang customer ng trabaho. Kung ikukumpara ang oras ng pagsulat at ang pangunahing tauhan, maaari pa ngang maglagay ng hypothesis kung gaano naging matagumpay ang artist. Mga kwento sa Bibliya madalas na isinulat ayon sa pagkakasunud-sunod ng simbahan, bagaman mayroong, siyempre, mga pribadong komisyon. Bago ang mga Impresyonista, ang mga larawan ay kadalasang kinomisyon para sa mayayamang tao, kaya mga artistang Pranses gumawa ng isang rebolusyon nang magsimula silang magpinta sa mga taong-bayan - gayunpaman, pagkatapos ay kailangan nilang isipin kung paano ibenta ang lahat ng mga kuwadro na ito. At ayon sa gawain ni Mark Quinn, madaling tapusin na ang artista ay hindi nagugutom at hindi nakakaranas ng mga problema ng mga Impresyonista: ang kanyang trabaho ay nangangailangan ng hindi gaanong lakas ng loob bilang solidong badyet.

Bakit may mga prutas sa mga larawan?

Paul Cezanne. Mga mansanas at dalandan. 1899

Jan van Kessel. Buhay pa rin "Vanitas". 1665–1670

John Lorbeer. Tarzan / Nakatayo ang paa. 2002

Quote mula sa libro

"Ang mga artista ay madalas na gumuhit ng mga mansanas at dalandan, ngunit bakit?

Una sa lahat, ang mga prutas ay maaasahan. Hindi tulad ng mga modelo ng tao, hindi sila kumukurap, kumikibot, o humihingi ng tsaa.

Ang paglalarawan ng mga prutas ay tumutulong sa mga artista na tuklasin ang mga hugis, kulay at tono ng kalikasan.

Ang ganitong pagpipinta ay tinatawag na still life. Bago ang pag-imbento ng litrato, ipinakita ng mga artista ang kanilang mga talento sa pamamagitan ng paglikha ng mga makatotohanang still lifes. Pero nagbago ang lahat...

Ipininta ni Paul Cezanne ang larawang ito pagkatapos ng pag-imbento ng camera, at hindi niya naramdaman na ang kanyang gawain ay kopyahin ang katotohanan. Magagawa rin ito ng photographer!

Nagpinta siya ng mga bilog na prutas sa isang patag na canvas, ngunit sa isang bagong paraan. Upang ipakita ang mga hugis ng mga prutas, inilarawan niya ang bawat mansanas sa parehong oras mula sa maraming mga anggulo, mula sa iba't ibang mga anggulo. Mukhang mahuhulog na ang mga mansanas sa mesa.

<…>Ang larawang ito ay may dobleng kahulugan. Sa tabi ng mga bulaklak, inilarawan ni Jan van Kessel ang isang bungo - isang simbolo ng kamatayan. Ito ay isang babala, na nagpapaalala sa kahinaan ng buhay. Hindi natin dapat kalimutan na sa huli tayo ay mamamatay!

buhay pa rin salitang pranses ibig sabihin ay "patay na kalikasan". Sa canvas, ang mga bulaklak ay parang buhay, ngunit nasa totoong buhay nagiging nana sila.

<…>Si John Lorbeer ay isang optical illusionist na sikat sa kanyang frozen figure.

Medyo nakakalito ang lahat dito. Siya ay ang parehong bagay bilang isang prutas na nakunan sa isang still life, ngunit sa parehong oras na buhay at hindi ipininta. Lumipas ang oras, ngunit nananatili siyang hindi gumagalaw at nakasabit sa dingding na parang isang larawan.

Magkomento

Magandang sagot sa tanong, ngunit nawawala ang isang mahalagang diin. Ang buhay pa rin ay higit sa lahat isang paggalugad ng dalisay na anyo. At kung ang isang pintor ay bihirang magpinta ng isang still life - tulad ng ginawa ng maraming impresyonista - nangangahulugan ito na hindi siya nababahala sa mga pormal na katangian ng larawan, ngunit sa panandaliang sensasyon na ibinibigay nito. Sa mga buhay pa, ang ideya ng kahinaan ng pagiging ay talagang inilatag - ngunit hindi mo ito maaaring kunin bilang isang ganap: pagkatapos ng lahat, maraming mga bayani sa mga larawan ay mortal din. Ang ideya na ang isang pagtatanghal ay maaaring minsan ay maging isang still life ay medyo nakakatuwa - ngunit dapat tandaan na ito ay napakabihirang.