Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Renaissance - isinalin mula sa Pranses ay nangangahulugang "Muling Kapanganakan". Ito mismo ang tinawag nilang isang buong panahon, na sumisimbolo sa intelektwal at masining na pamumulaklak kulturang Europeo. Nagsimula ang Renaissance sa Italya sa simula ng ika-14 na siglo, na nag-uumpisa sa pagtatapos ng panahon ng paghina ng kultura at Middle Ages), na batay sa barbarismo at kamangmangan, at, umuunlad, umabot sa rurok nito noong ika-16 na siglo.

Sa unang pagkakataon ay sumulat ang isang historiographer tungkol sa Renaissance Italyano pinagmulan, pintor at may-akda ng mga gawa tungkol sa buhay ng mga sikat na artista, eskultor at arkitekto sa maagang XVI siglo.

Sa una, ang terminong "Renaissance" ay nangangahulugang isang tiyak na panahon (unang bahagi ng XIV siglo) ng edukasyon bagong alon sining. Ngunit sa paglipas ng panahon, ang konseptong ito ay nakakuha ng mas malawak na interpretasyon at nagsimulang magtalaga ng isang buong panahon ng pag-unlad at pagbuo ng isang kulturang taliwas sa pyudalismo.

Ang panahon ng Renaissance ay malapit na nauugnay sa paglitaw ng mga bagong estilo at pamamaraan ng pagpipinta sa Italya. May interes sa mga sinaunang larawan. Ang sekularismo at anthropocentrism ay mahalagang mga tampok na pumupuno sa mga eskultura at mga pintura noong panahong iyon. Pinapalitan ng panahon ng Renaissance ang asetisismo na naging katangian ng panahon ng medieval. Isang interes sa lahat ng bagay na makamundong, ang walang hangganang kagandahan ng kalikasan at, siyempre, dumarating ang tao. Ang mga artista ng Renaissance ay lumapit sa pangitain ng katawan ng tao mula sa isang pang-agham na pananaw, sinusubukang gawin ang lahat hanggang sa pinakamaliit na detalye. Nagiging makatotohanan ang mga larawan. Ang pagpipinta ay puno ng kakaibang istilo. Itinatag niya ang mga pangunahing canon ng panlasa sa sining. Ang isang bagong konsepto ng pananaw sa mundo na tinatawag na "humanismo" ay malawakang kumakalat, ayon sa kung saan ang tao ay itinuturing na pinakamataas na halaga.

Panahon ng Renaissance

Ang diwa ng pag-unlad ay malawak na ipinahayag sa mga kuwadro na gawa ng panahong iyon at pinupuno ang pagpipinta ng isang espesyal na kahalayan. Iniuugnay ng Renaissance ang kultura sa agham. Sinimulan ng mga artista na tingnan ang sining bilang isang sangay ng kaalaman, lubusang pinag-aaralan ang pisyolohiya ng tao at ang nakapaligid na mundo. Ginawa ito upang mas makatotohanang maipakita ang katotohanan ng paglikha ng Diyos at ang mga kaganapang nagaganap sa kanilang mga canvases. Malaking atensiyon ang binigay sa paglalarawan ng mga paksang pangrelihiyon, na nakakuha ng makalupang nilalaman salamat sa husay ng mga henyo gaya ni Leonardo da Vinci.

Mayroong limang yugto sa pag-unlad ng sining ng Renaissance ng Italya.

Internasyonal (korte) Gothic

Nagmula sa maagang XIII siglo, ang court Gothic (ducento) ay nailalarawan sa pamamagitan ng labis na makulay, karangyaan at pagiging mapagpanggap. Ang pangunahing uri ng mga pagpipinta ay pinaliit na naglalarawan ng mga eksena sa altar. Gumagamit ang mga artista ng tempera paints upang lumikha ng kanilang mga painting. Ang Renaissance ay mayaman sa mga sikat na kinatawan ng panahong ito, halimbawa, tulad ng mga Italyano na pintor na sina Vittore Carpaccio at Sandro Botticelli.

Panahon ng Pre-Renaissance (Proto-Renaissance)

Ang susunod na yugto, na itinuturing na inaasahan ang Renaissance, ay tinatawag na Proto-Renaissance (trecento) at nangyayari sa pagtatapos ng XIII - simula ng XIV siglo. Kaugnay ng mabilis na pag-unlad ng humanistic worldview, ang pagpipinta ng makasaysayang panahon na ito ay nagpapakita ng panloob na mundo ng isang tao, ang kanyang kaluluwa, ay may malalim na sikolohikal na kahulugan, ngunit sa parehong oras ay may simple at malinaw na istraktura. Ang mga relihiyosong plot ay kumukupas sa background, at ang mga sekular ay nangunguna, at ang pangunahing karakter ay isang tao na may kanyang damdamin, ekspresyon ng mukha at kilos. Lumilitaw ang mga unang larawan ng Renaissance ng Italya, na pumalit sa mga icon. Ang mga sikat na artista sa panahong ito ay sina Giotto, Pietro Lorenzetti.

Maagang Renaissance

Sa simula, ang yugto ng unang bahagi ng Renaissance (quattrocento) ay nagsisimula, na sumisimbolo sa pamumulaklak ng pagpipinta na may kawalan ng mga relihiyosong paksa. Ang mga mukha sa mga icon ay may hitsura ng tao, at ang landscape, bilang isang genre sa pagpipinta, ay sumasakop sa isang hiwalay na angkop na lugar. Tagapagtatag masining na kultura ng maagang Renaissance ay si Mosaccio, na ang konsepto ay nakabatay sa intelektwalidad. Ang kanyang mga ipininta ay may mataas na pagiging totoo. Ginalugad ng mga dakilang master ang linear at pananaw sa himpapawid, anatomy at ginamit na kaalaman sa kanilang mga likha, kung saan makikita mo ang tamang three-dimensional na espasyo. Ang mga kinatawan ng maagang Renaissance ay sina Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

High Renaissance, o "Golden Age"

Mula sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ang yugto ng mataas na Renaissance (cinquecento) ay nagsimula at tumagal ng medyo maikli ang buhay, hanggang sa simula ng ika-16 na siglo. Ang Venice at Rome ang naging sentro nito. Ang mga artista ay nagpapalawak ng kanilang mga ideyalohikal na abot-tanaw at nagiging interesado sa kalawakan. Lumilitaw ang tao bilang isang bayani, perpekto kapwa sa espirituwal at pisikal. Ang mga pigura ng panahong ito ay itinuturing na Leonardo da Vinci, Raphael, Titian Vecellio, Michelangelo Buonarrotti at iba pa. Ang mahusay na pintor na si Leonardo da Vinci ay isang "unibersal na tao" at patuloy na naghahanap ng katotohanan. Habang nakikibahagi sa iskultura, drama, at iba't ibang siyentipikong eksperimento, nakahanap siya ng oras para sa pagpipinta. Ang paglikha ng "Madonna of the Rocks" ay malinaw na sumasalamin sa estilo ng chiaroscuro na nilikha ng pintor, kung saan ang kumbinasyon ng liwanag at anino ay lumilikha ng isang three-dimensional na epekto, at ang sikat na "La Giaconda" ay ginawa gamit ang "smuffato" na pamamaraan, na lumilikha ng ilusyon ng haze.

Huling Renaissance

Noong huling bahagi ng Renaissance, na naganap sa simula ng ika-16 na siglo, ang lungsod ng Roma ay nakuha at dinambong ng mga tropang Aleman. Ang kaganapang ito ay minarkahan ang simula ng isang panahon ng pagkalipol. Ang sentro ng kulturang Romano ay tumigil na maging patron ng mga pinakatanyag na pigura, at napilitan silang umalis patungo sa ibang mga lungsod sa Europa. Bilang resulta ng lumalagong hindi pagkakapare-pareho ng mga pananaw sa pagitan ng pananampalatayang Kristiyano at humanismo sa pagtatapos ng ika-15 siglo, ang mannerism ang naging pangunahing istilo ng pagpipinta. Ang Renaissance ay unti-unting nagtatapos, bilang batayan ng ganitong istilo Ito ay itinuturing na isang magandang paraan na sumasaklaw sa mga ideya tungkol sa pagkakaisa ng mundo, katotohanan at ang makapangyarihang katwiran. Nagiging kumplikado ang pagkamalikhain at nagkakaroon ng mga tampok ng paghaharap sa pagitan ng iba't ibang direksyon. Ang mga makikinang na gawa ay nabibilang sa mga sikat na artista gaya nina Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Ang Italya ay naging sentro ng kultura ng pagpipinta at binigyan ang mundo ng mga makikinang na artista sa panahong ito, na ang mga pagpipinta ay nagdudulot pa rin ng emosyonal na kasiyahan hanggang ngayon.

Bilang karagdagan sa Italya, ang pag-unlad ng sining at pagpipinta ay may mahalagang lugar sa ibang mga bansa sa Europa. Ang kilusang ito ay tumanggap ng pangalan na partikular na dapat tandaan ay ang pagpipinta ng France sa panahon ng Renaissance, na lumaki sa sarili nitong lupa. Ang pagtatapos ng Hundred Years' War ay nagdulot ng pagtaas ng unibersal na kamalayan sa sarili at pag-unlad ng humanismo. May realismo, koneksyon sa siyentipikong kaalaman, atraksyon sa mga larawan ng sinaunang panahon. Ang lahat ng mga nakalistang tampok ay naglalapit dito sa Italyano, ngunit ang pagkakaroon ng isang trahedya na tala sa mga kuwadro na gawa ay isang makabuluhang pagkakaiba. Ang mga sikat na artista ng Renaissance sa France ay sina Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet the Elder.

Ang Renaissance ay isang makabuluhang yugto sa pag-unlad ng kulturang Pranses. Sa panahong ito, mabilis na umuunlad ang relasyong burges sa bansa at lumalakas ang kapangyarihang monarkiya. Ang relihiyosong ideolohiya ng Middle Ages ay unti-unting itinutulak sa background ng humanistic worldview. Malaking papel sa kultural na buhay Nagsimula nang maglaro si France sekular na sining. Ang pagiging totoo ng sining ng Pranses, koneksyon sa kaalamang pang-agham, at pag-akit sa mga ideya at larawan ng sinaunang panahon ay naglalapit dito sa Italyano. Kasabay nito, ang Renaissance sa France ay may kakaibang hitsura, kung saan ang Renaissance humanism ay pinagsama sa mga elemento ng trahedya na ipinanganak ng mga kontradiksyon ng kasalukuyang sitwasyon sa bansa.

Bilang resulta ng maraming pagkatalo para sa France noong Daang Taon na Digmaan sa Inglatera, na tumagal mula 1337 hanggang 1453, naghari ang pyudal na anarkiya sa bansa. Ang mga magsasaka, na dinudurog ng hindi mabata na buwis at mga kalupitan ng mga mananakop, ay bumangon upang labanan ang kanilang mga nang-aapi. Ang kilusan ng pagpapalaya ay sumiklab nang may partikular na puwersa sa sandaling ang mga tropang British, na nakuha ang hilaga ng France, ay patungo sa Orleans. Ang mga damdaming makabayan ay nagresulta sa pagganap ng mga magsasaka at kabalyerong Pranses sa pamumuno ni Joan of Arc laban sa mga tropang Ingles. Nanalo ang mga rebelde ng ilang makikinang na tagumpay. Ang kilusan ay hindi huminto kahit na si Joan of Arc ay nahuli at, sa lihim na pagsang-ayon ng Pranses na haring si Charles VII, sinunog sa tulos ng mga klero.

Bunga ng mahabang pakikibaka ng mamamayan laban sa mga dayuhang mananakop, napalaya ang France. Ginamit ng monarkiya ang tagumpay na ito para sa sarili nitong layunin, ngunit nanatiling mahirap ang posisyon ng mga matagumpay na tao.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Dahil sa pagsisikap ni Louis XI, naging magkaisa ang France sa pulitika. Ang ekonomiya ng bansa ay umunlad, ang agham at edukasyon ay bumuti, ang mga relasyon sa kalakalan ay itinatag sa ibang mga estado at lalo na sa Italya, kung saan ang kultura ay tumagos sa France. Noong 1470, binuksan ang isang palimbagan sa Paris, kung saan, kasama ang iba pang mga libro, sinimulan nilang i-print ang mga gawa ng mga humanistang Italyano.

Ang sining ng mga miniature ng libro ay umuunlad, kung saan ang mga mystical at relihiyosong mga imahe ay pinalitan ng mga makatotohanang ideya tungkol sa mundo sa paligid natin. Ang mga mahuhusay na artista na nabanggit na sa itaas - ang mga kapatid na Limburg - ay nagtatrabaho sa korte ng Duke ng Burgundy. Ang mga tanyag na master ng Dutch ay nagtrabaho sa Burgundy (mga pintor na van Eyck brothers, sculptor Sluter), kaya sa lalawigang ito ang impluwensya ng Dutch Renaissance ay kapansin-pansin sa sining ng mga French masters, habang sa ibang mga probinsya, halimbawa sa Provence, ang impluwensya ng Italyano. Tumaas ang Renaissance.

Ang isa sa pinakamalaking kinatawan ng French Renaissance ay ang artist na si Enguerrand Charonton, na nagtrabaho sa Provence, na nagpinta ng monumental at kumplikadong mga gawa. pagbuo ng komposisyon mga canvases kung saan, sa kabila ng tema ng relihiyon, malinaw na nagpahayag ng interes sa tao at sa katotohanan sa paligid niya ("Madonna of Mercy", "Coronation of Mary", 1453). Bagama't ang mga pintura ni Sharonton ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagkadekorasyon (pinong mga linya na nagkokonekta sa isang mapanlikhang palamuti, simetriko na komposisyon), ang mga detalyadong pang-araw-araw na eksena, mga tanawin, at mga pigura ng tao ay sumakop sa isang mahalagang lugar sa kanila. Sa mukha ng mga santo at ni Maria, mababasa ng manonood ang mga damdamin at kaisipang nagtataglay sa kanila, at maraming natututuhan tungkol sa katangian ng mga bayani.

Ang parehong interes sa landscape, sa maingat na paghahatid ng lahat ng mga detalye ng komposisyon, ay nakikilala ang mga gawa ng altar ng isa pang artist mula sa Provence - Nicolas Froment ("The Raising of Lazarus", "The Burning Bush", 1476).

Ang mga tampok ng bago sa sining ng Pransya ay lalo na malinaw na ipinakita sa gawain ng mga artista ng paaralan ng Loire, na nagtrabaho sa gitnang bahagi ng France (sa lambak ng Loire River). Maraming mga kinatawan ng paaralang ito ang nanirahan sa lungsod ng Tours, kung saan noong ika-15 siglo. ay ang tirahan ng haring Pranses. Isa sa mga pinakamahalagang pintor sa panahong ito, si Jean Fouquet, ay residente ng Tours.

Jean Fouquet

Si Jean Fouquet ay ipinanganak noong mga 1420 sa Tours sa pamilya ng isang pari. Nag-aral siya ng pagpipinta sa Paris at, posibleng, sa Nantes. Nagtrabaho siya sa Tours bilang court artist kay King Charles VII, pagkatapos ay Louis XI. Mayroon siyang malaking pagawaan kung saan isinasagawa ang mga utos mula sa korte ng hari.

Si Fouquet ay nanirahan ng ilang taon sa Italya, sa Roma, kung saan nakilala niya ang gawain ng mga panginoong Italyano. Ngunit, sa kabila ng katotohanan na sa kanyang mga gawa, lalo na ang kanyang mga nauna, ang impluwensya ng Italyano at Dutch na sining ay kapansin-pansin, ang artist ay mabilis na nakabuo ng kanyang sariling, natatanging estilo.

Ang sining ni Fouquet ay ipinakita nang malinaw sa genre ng portrait. Ang mga larawang nilikha ng pintor ni Charles VII at ng kanyang mga ministro ay makatotohanan at makatotohanan, walang pambobola o idealisasyon sa kanila. Bagama't ang paraan ng pagsasagawa ng mga gawang ito sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga pintura ng mga pintor ng Dutch, ang mga larawan ni Fouquet ay mas monumental at makabuluhan.

Kadalasan, inilarawan ni Fouquet ang kanyang mga modelo sa mga sandali ng panalangin, kaya ang mga bayani ng kanyang mga gawa ay tila nahuhulog sa kanilang sariling mga pag-iisip, tila hindi nila napapansin ang nangyayari sa kanilang paligid o ng madla. Ang kanyang mga larawan ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng seremonyal na karangyaan at karangyaan ng mga accessory;

Ang larawan ni Charles VII (c. 1445) ay may inskripsiyon: “Pinaka-Tagumpay na Hari ng Pransiya.” Ngunit inilarawan ni Fouquet ang hari nang lubos na mapagkakatiwalaan at totoo na ganap na walang indikasyon ng kanyang tagumpay: ang larawan ay nagpapakita ng isang mahina at pangit na tao, na sa hitsura ay walang kabayanihan. Nakikita ng manonood sa harap niya ang isang egoist, sawa na sa buhay at pagod sa libangan, na may maliliit na mata, malaking ilong at matabang labi.

Ang larawan ng isa sa mga pinaka-maimpluwensyang courtier ng hari, Juvenel des Urzens, ay totoo rin at kahit na walang awa.
(c. 1460). Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang napakataba na lalaki na may namamaga ang mukha at isang mapagmataas na hitsura. Makatotohanan din ang larawan ni Louis XI. Hindi sinubukan ng artista na pagandahin ang kanyang mga modelo sa anumang paraan;

Ito ay nakumpirma ng maraming mga guhit na lapis na nauna magandang larawan am.

Ang obra maestra ni Fouquet ay isang diptych na isinulat noong mga 1450, isang bahagi nito ay naglalarawan kay Etienne Chevalier kasama si St. Stephen, at sa kabilang - Madonna at Batang Hesus. Humanga si Maria sa kanyang kagandahan at kalmadong kagandahan. Ang maputlang katawan ng Madonna at Child, ang asul na kulay-abo na damit at ermine na damit ni Maria ay lubos na naiiba sa maliwanag na pulang pigura ng maliliit na anghel na nakapalibot sa trono. Ang mga malinaw na linya, laconic at mahigpit na pangkulay ng pagpipinta ay nagbibigay sa imahe ng solemnity at expressiveness.

Ang mga imahe ng ikalawang bahagi ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong mahigpit na kalinawan at panloob na lalim. Ang kanyang mga karakter ay maalalahanin at kalmado, ang kanilang mga hitsura ay nagpapakita ng maliwanag na mga katangian ng karakter. Si Stefan ay nakatayo nang malaya at simple, na inilalarawan bilang totoong tao, hindi santo. Ang kanyang kamay ay nakapatong nang protektado sa balikat ng bahagyang napigilan na si Etienne Chevalier, na kinakatawan ng artist sa sandali ng panalangin.

Ang Chevalier ay isang matandang lalaki na may mukha na puno ng mga kulubot, baluktot na ilong at isang matigas na tingin sa maliliit na mata. Ganito siguro talaga ang itsura niya sa buhay. Tulad ng pagpipinta kasama ang Madonna, ang bahaging ito ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng integridad ng komposisyon, ang kayamanan at sonority ng kulay, batay sa pula, ginintuang at lilac shade.

Ang mga miniature ay sumasakop sa isang malaking lugar sa gawain ni Fouquet. Ang mga gawang ito ng artista ay halos kapareho ng mga gawa ng magkapatid na Limburg, ngunit mas makatotohanan sa kanilang paglalarawan sa nakapaligid na mundo.

Gumawa si Fouquet ng magagandang ilustrasyon para sa "Great French Chronicles" (huli ng 1450s), Etienne Chevalier's Book of Hours (1452-1460), Boccaccio's "Novellas" (c. 1460), Josephus's "Antiquities of the Jews" (c. 1470). Sa mga miniature na naglalarawan ng mga relihiyoso, sinaunang eksena o buhay Italyano, makikita ng isang tao ang mga lungsod sa Pransya na kasabay ng artist na may mga tahimik na kalye at malalaking lugar, parang, burol, pampang ng ilog ng magandang tinubuang-bayan ng pintor, kahanga-hanga mga monumento ng arkitektura France, kasama ang Notre Dame Cathedral, Sainte-Chapelle.

Ang mga miniature ay halos palaging naglalaman ng mga pigura ng tao. Gustung-gusto ni Fouquet na ilarawan ang mga eksena ng buhay magsasaka, urban at korte, at mga yugto ng mga labanan mula sa katatapos na digmaan. Sa ilang mga miniature, makikita mo ang mga larawan ng mga kontemporaryo ng artist ("Representasyon ng Our Lady ni Etienne Chevalier").

Si Fouquet ay isang mahuhusay na tagapagtala ng kanyang mga gawa ay naglalarawan ng kamangha-manghang tumpak, detalyado at totoo makasaysayang mga pangyayari. Ito ang miniature na "The Trial of the Duke of Alençon in 1458," na kumakatawan sa higit sa dalawang daang character sa isang sheet. Sa kabila ng malaking bilang ng mga figure, ang imahe ay hindi nagsasama, at ang komposisyon ay nananatiling malinaw at presko. Ang mga karakter sa foreground ay tila lalo na buhay at natural - ang mga taong-bayan na dumating upang panoorin ang paglilitis, ang mga guwardiya na pinipigilan ang panggigipit ng karamihan. Ang scheme ng kulay ay napaka-matagumpay: ang gitnang bahagi ng komposisyon ay na-highlight ng asul na background ng karpet na sumasaklaw sa upuan ng pagsubok. Ang iba pang mga carpet na may magagandang pattern, tapestries at halaman ay binibigyang diin ang pagpapahayag ng miniature at binibigyan ito ng espesyal na kagandahan.

Ang mga gawa ni Fouquet ay nagpapatotoo sa kakayahan ng kanilang may-akda na mahusay na maghatid ng espasyo. Halimbawa, ang kanyang miniature na "St. Martin" (Etienne Chevalier's Book of Hours) ay inilalarawan ang tulay, pilapil, mga bahay at mga tulay nang tumpak at tunay na madaling muling buuin ang hitsura ng Paris sa panahon ng paghahari ni Charles VII.

Marami sa mga miniature ni Fouquet ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang banayad na liriko, na nilikha salamat sa mala-tula at kalmadong tanawin (sheet na "Nalaman ni David ang pagkamatay ni Saul" mula sa "Mga Antiquities ng mga Hudyo").

Namatay si Fouquet sa pagitan ng 1477-1481. Napakasikat sa kanyang buhay, ang artista ay mabilis na nakalimutan ng kanyang mga kababayan. Ang kanyang sining ay nakatanggap ng isang karapat-dapat na pagtatasa pagkalipas lamang ng maraming taon, sa huli XIX V.

Isa sa mga pinakasikat na artista noong huling bahagi ng ika-15 siglo. ay si Jean Clouet the Elder, na kilala rin bilang Master of Moulins. Hanggang 1475 nagtrabaho siya sa Brussels, at pagkatapos ay lumipat sa Moulins. Sa paligid ng 1498-1499 Ginawa ni Jean Clouet the Elder ang kanyang pinakamaraming pagganap makabuluhang gawain- isang triptych para sa Moulins Cathedral, sa gitnang pakpak kung saan ipinakita ang eksenang "Our Lady in Glory", at sa gilid - mga larawan ng mga customer na may mga patron saint.

Ang gitnang bahagi ay naglalarawan ng Madonna at Bata, sa itaas na ang ulo ng mga anghel ay may hawak na korona. Malamang, gumamit si Clouet ng isang babaeng Pranses, marupok at maganda, bilang isang modelo para sa imahe ng artist ni Maria. Kasabay nito, ang abstraction ng konsepto ng may-akda at mga pandekorasyon na epekto (konsentrikong mga bilog sa paligid ni Maria, mga anghel na bumubuo ng isang garland sa mga gilid ng canvas) ay nagbibigay sa trabaho ng ilang pagkakahawig sa Gothic art.

Malaking interes kumakatawan sa magagandang tanawin na inilalagay ni Jean Clouet the Elder sa mga komposisyon na may mga relihiyosong tema. Sa tabi ng mga pigura ng mga santo sa mga gawang ito ay portrait na mga larawan mga customer. Halimbawa, sa canvas na "The Nativity" (1480), sa kanan ni Maria ay makikita mo si Chancellor Rolin na nakatiklop ang kanyang mga kamay sa panalangin.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Si Simon Marmion ay nagtrabaho din sa France, na gumaganap ng ilang mga mga komposisyon ng altar at mga miniature, kung saan ang kanyang pinakatanyag na gawa ay ang mga guhit para sa "Grand French Chronicles", at si Jean Bourdichon, isang pintor ng portrait at miniaturist na lumikha ng magagandang miniature para sa Book of Hours ni Anne ng Breton.

Ang pinakamalaking pintor sa panahong ito ay si Jean Perreal, na namuno sa paaralan ng pagpipinta ng Lyon. Siya ay hindi lamang isang pintor, ngunit isa ring manunulat, arkitekto, at matematiko. Ang kanyang katanyagan ay lumampas sa France at kumalat sa England, Germany, at Italy. Si Perreal ay nagsilbi sa ilalim ni Haring Charles VIII at Francis I, at sa Lyon siya ay nagsilbi bilang isang eksperto sa konstruksiyon. Ang ilan sa kanyang mga gawa sa larawan ay napanatili, kabilang ang larawan ni Mary Tudor (1514), Louis XII, at Charles VIII. Isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Perreal ay ang kaakit-akit at patula na "Girl with a Flower." Kawili-wili din ang kanyang mga kuwadro na gawa ng katedral sa Puy, kung saan, kasama ang relihiyon at mga sinaunang larawan ang artist ay naglagay ng mga portrait ng French humanists, kasama ng mga ito ang imahe ni Erasmus ng Rotterdam ay namumukod-tangi.

Sa simula ng ika-16 na siglo. Ang France ang pinakamalaki (ayon sa lugar at populasyon) na estado sa Kanlurang Europa. Sa panahong ito, medyo gumaan na ang kalagayan ng mga magsasaka, at lumitaw ang mga unang uri ng kapitalistang produksyon. Ngunit ang burgesya ng Pransya ay hindi pa umabot sa antas para sakupin ang mga posisyon ng kapangyarihan sa bansa, tulad ng nangyari noong Italyano mga lungsod noong XIV-XV na siglo.

Ang panahong ito ay minarkahan hindi lamang ng mga pagbabago sa ekonomiya at pulitika ng France, kundi pati na rin ng malawakang pagpapalaganap ng mga ideyang humanistiko ng Renaissance, na lubos na kinakatawan sa panitikan, sa mga gawa nina Ronsard, Rabelais, Montaigne, at Du Bellay. Ang Montaigne, halimbawa, ay itinuturing na sining ang pangunahing paraan ng pagtuturo sa isang tao.

Tulad ng sa Alemanya, ang pag-unlad ng sining ay malapit na nauugnay sa kilusang reporma na nakadirekta laban sa Simbahang Katoliko. Ang mga magsasaka ay hindi nasisiyahan sa kanilang sitwasyon, gayundin ang mga nakabababang uri sa lunsod at ang burgesya ay nakibahagi sa kilusang ito. Matapos ang mahabang pakikibaka ay nasugpo ito, napanatili ng Katolisismo ang posisyon nito. Kahit na ang Repormasyon ay nagkaroon lamang ng limitadong epekto sa sining, ang mga ideya nito ay tumagos sa mga humanist artist. Maraming Pranses na pintor at iskultor ang mga Protestante.

Ang mga sentro ng kultura ng Renaissance ay mga lungsod tulad ng Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, at Lyon. Malaki ang ginampanan ni Haring Francis I sa pagpapalaganap ng mga ideya sa Renaissance, na nag-aanyaya sa mga Pranses na artista, makata, at siyentipiko sa kanyang hukuman. Nagtrabaho sina Leonardo da Vinci at Andrea del Sarto sa korte ng hari nang ilang taon. Sa paligid ng kapatid ni Francis, si Margaret ng Navarre, na nakipagtipan gawaing pampanitikan, nagkaisa ang mga makata at humanist na manunulat, na nagtataguyod ng mga bagong pananaw sa sining at sa kaayusan ng mundo. Noong 1530s. Itinatag ng mga Italian Mannerist ang isang paaralan ng sekular na pagpipinta sa Fontainebleau, na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng French fine art.

Isang mahalagang lugar sa pagpipinta ng France noong unang kalahati ng ika-16 na siglo. inookupahan ng sining ng mga pintor na sina Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate at Francesco Primaticcio na inimbitahan mula sa Italya upang ipinta ang palasyo ng hari sa Fontainebleau. Ang gitnang lugar sa kanilang mga fresco ay inookupahan ng mga mythological, allegorical at historical na mga paksa, na kinabibilangan ng mga larawan ng mga hubad na babaeng figure, na hindi natagpuan sa mga kuwadro na gawa ng mga French masters noong panahong iyon. Ang pino at kaaya-aya, bagama't medyo magalang, ang sining ng mga Italyano ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming Pranses na pintor, na nagbunga ng isang kilusan na tinatawag na Fontainebleau school.

Malaking interes ang portrait art ng panahong ito. Ipinagpatuloy ng mga pintor ng larawang Pranses ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga masters ng ika-15 siglo, at higit sa lahat sina Jean Fouquet at Jean Clouet the Elder.

Laganap ang mga larawan hindi lamang sa korte; modernong mga larawan sa maraming pamilyang Pranses. Ang mga guhit na ito ay madalas na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang virtuosity at authenticity sa paghahatid ng mga katangian ng tao.

Ang mga larawan ng lapis ay sikat sa ibang mga bansa sa Europa, halimbawa, sa Alemanya at Netherlands, ngunit doon nila ginampanan ang papel ng isang sketch na nauna sa isang larawan ng pagpipinta, at sa Pransya ang gayong mga gawa ay naging isang malayang genre.

Ang pinakamalaking pintor ng larawang Pranses sa panahong ito ay si Jean Clouet the Younger.

Si Jean Clouet ang Nakababata

Jean Clouet the Younger, anak ni Jean Clouet the Elder, ipinanganak c. 1485 Si Itay ay naging kanyang unang guro sa pagpipinta. Ang kaunting impormasyon tungkol sa buhay ng artista ay napanatili; alam lamang na mula 1516 si Jean Clouet the Younger ay nagtrabaho sa Tours, at mula 1529 sa Paris, kung saan hawak niya ang posisyon ng court artist.

Ang mga larawan ni Jean Clouet the Younger ay nakakagulat na totoo at totoo. Ito ang mga larawan ng lapis ng mga courtier: Diane of Poitiers, Guillaume Gouffier, Anne Montmorency. Ipininta ng pintor ang ilan sa mga kasama ng hari nang higit sa isang beses: tatlong larawan ni Guyot de Genouillac, isang kalahok sa Labanan ng Marignano, na isinagawa noong 1516, 1525 at 1526, at dalawang larawan ng Marshal Brissac, na itinayo noong 1531 at 1537, ay may nakaligtas hanggang ngayon. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga larawan ng lapis ay ang imahe ng Comte d'Etang (c. 1519), kung saan kapansin-pansin ang pagnanais ng master na tumagos sa kailaliman.
panloob na mundo tao. Ang larawan ni Erasmus ng Rotterdam (1520) ay kapansin-pansin din, nakakagulat na mahalaga at espirituwal.

Si Jean Clouet the Younger ay may mahusay na utos hindi lamang ng isang lapis, kundi pati na rin ng isang brush. Ito ay pinatunayan ng ilang mga painting na nakaligtas hanggang ngayon. Kabilang sa mga ito ang larawan ng Dauphin Francis (c. 1519), Duke Claude of Guise (c. 1525), Louis de Cleves (1530).

Ang mga imahe sa solemne ceremonial portraits ng maliit na Charlotte ng France (c. 1520) at Francis I sa likod ng kabayo (1540) ay medyo idealized. Ang malaking interes ay ang intimate portrait ni Madame
Canapelle (c. 1523), na naglalarawan ng isang sensual magandang babae na may isang palihim na ngiti sa kanyang malambot na mga labi, at isang simple at mahigpit na larawan ng isang hindi kilalang lalaki na may dami ng Petrarch sa kanyang kamay.

Naniniwala ang ilang mananaliksik na ang larawan ni Francis I, na kasalukuyang itinatago sa Louvre, ay ipininta ni Jean Clouet the Younger. Ang bersyon na ito ay nakumpirma ng isang pagguhit na ginawa ng artist, bagaman posible na ito ay nagsilbing modelo para sa isa sa mga mag-aaral ni Jean Clouet the Younger (halimbawa, ang kanyang anak na si Francois Clouet) para sa paglikha ng isang nakamamanghang larawan ng hari.

Ang larawan ng Louvre ni Francis I ay pinagsama ang solemnity, decorativeness at ang pagnanais na ipakita ang mga indibidwal na tampok ng modelo - ang hari ng kabalyero, bilang tinawag si Francis ng kanyang mga kontemporaryo. Ang karilagan ng background at ang mayamang kasuotan ng hari, ang ningning ng mga accessories - ang lahat ng ito ay nagbibigay ng larawan ng ningning, ngunit hindi natatabunan ang magkakaibang hanay ng mga damdamin ng tao at mga katangian ng karakter na mababasa sa hitsura ni Francis: pagtataksil. , vanity, ambisyon, tapang. Ang larawan ay nagpakita ng mga kasanayan sa pagmamasid ng artist, ang kanyang kakayahang tumpak at totoo na mapansin ang natatanging bagay na nagpapakilala sa isang tao mula sa iba.

Si Jean Clouet the Younger ay namatay noong 1541. Ang kanyang gawa (lalo na ang kanyang mga guhit) ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming mga mag-aaral at mga tagasunod, kung saan marahil ang pinaka-talino ay ang kanyang anak na si François Clouet, na si Ronsard sa kanyang "Elegy to Jean" (tinawag ng mga kontemporaryo ni Jean lahat sila ay mga kinatawan ng pamilya Clouet) na tinatawag na "ang karangalan ng ating France."

Francois Clouet

Si François Clouet ay ipinanganak noong mga 1516 sa Tours. Nag-aral siya sa kanyang ama, si Jean Clouet the Younger, at tinulungan siya sa pagtupad sa mga utos. Pagkamatay ng kanyang ama, minana niya ang kanyang posisyon bilang pintor sa korte sa hari.

Bagama't kapansin-pansin ang impluwensya ni Jean Clouet the Younger, gayundin ng mga Italian masters, sa akda ni François Clouet, ang kanyang artistikong istilo nakikilala sa pamamagitan ng pagka-orihinal nito at malakas na personalidad.

Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni François Clouet ay ang pagpipinta na "Bathing Woman" (c. 1571), na sa paraan ng pagpapatupad nito ay medyo nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng paaralan ng Fontainebleau. Kasabay nito, hindi tulad ng mga mythological na komposisyon ng paaralang ito, ito ay nakahilig sa portrait genre. Ang ilang mga istoryador ng sining ay naniniwala na ang pagpipinta ay naglalarawan kay Diane ng Poitiers, habang ang iba ay naniniwala na ito ang minamahal ni Charles IX, Marie Touchet. Ang komposisyon ay naglalaman ng mga elemento ng genre: ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang babae sa isang bathtub, kung saan nakatayo ang isang bata at isang nars na may isang sanggol sa kanyang mga bisig; sa background ay may maid na nag-iinit ng tubig para paliguan. Kasabay nito, salamat sa espesyal na istraktura ng komposisyon at halatang portraiture sa interpretasyon ng imahe ng isang kabataang babae na tumitingin sa manonood na may malamig na ngiti ng isang napakatalino na babae sa lipunan, ang canvas ay hindi nagbibigay ng impresyon ng isang ordinaryong pang-araw-araw na eksena. .

Ang kahanga-hangang husay ni François Clouet ay kitang-kita sa kanya gawa ng portrait. Ang kanyang maagang mga larawan sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga gawa ng kanyang ama, si Jean Clouet the Younger. Sa mas mature na mga gawa ay mararamdaman orihinal na paraan French master. Bagaman sa karamihan ng mga larawan na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng karangyaan at kataimtiman, ang kinang ng mga accessories at ang luho ng mga costume at draperies ay hindi pumipigil sa artist na ipakita sa manonood ang malinaw na indibidwal na mga katangian ng kanyang mga modelo.

Ilang portrait ni Charles IX na ipininta ni François Clouet ang nakaligtas. Sa isang maagang larawan ng lapis mula 1559, inilarawan ng artist ang isang mapagmataas na tinedyer, na mahalaga na tumitingin sa manonood. Ang drawing mula 1561 ay nagpapakita ng isang umatras, bahagyang nakagapos na binata, nakasuot ng pormal na suit. Ang kaakit-akit na larawan, na isinagawa noong 1566, ay nagpapakita sa manonood na si Charles IX sa buong paglaki. Sa kanyang marupok na pigura at maputlang mukha, napansin ng artista ang mga pangunahing katangian ng kanyang karakter: pag-aalinlangan, kawalan ng kalooban, pagkamayamutin, makasariling katigasan ng ulo.

Isa sa pinaka kahanga-hangang mga gawa sining ng Pranses noong ika-16 na siglo. Ang larawan ni Elizabeth ng Austria, na ipininta ni François Clouet noong 1571, ay naging isang magandang larawan. Ang kanyang magandang mukha ay ibinaling sa manonood, at ang kanyang madidilim na mga mata ay mukhang maingat at walang tiwala. Ang kayamanan at pagkakaisa ng kulay ay gumagawa ng canvas na tunay na isang obra maestra ng French painting.

Ang isang matalik na larawan ay ipininta sa ibang paraan, kung saan inilarawan ni François Clouet ang kanyang kaibigan, ang parmasyutiko na si Pierre Cute
(1562). Inilagay ng artista ang bayani sa kanyang karaniwang kapaligiran sa opisina, malapit sa mesa kung saan nakahiga ang herbarium. Kung ikukumpara sa nakaraang trabaho, ang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas pinigilan na scheme ng kulay, na binuo sa isang kumbinasyon ng ginintuang, berde at itim na mga lilim.

Ang malaking interes ay ang mga larawan ng lapis ni François Clouet, kung saan ang larawan ni Jeanne d'Albret ay namumukod-tangi, na kumakatawan sa isang matikas na batang babae, na kung saan ang mga tumitingin ay maaaring magkaroon ng isang malakas at mapagpasyang karakter.

Sa panahon mula 1550 hanggang 1560, lumikha si François Clouet ng maraming mga graphic na larawan, kabilang ang mga magagandang guhit na naglalarawan sa maliit na Francis II, ang masigla at kaakit-akit na batang babae na si Marguerite ng Valois, Mary Stuart,
Gaspard Coligny, Henry II. Kahit na ang ilang mga imahe ay medyo idealized, pangunahing tampok ang mga larawan ay nananatiling kanilang pagiging totoo at katotohanan. Gumagamit ang artist ng iba't ibang mga diskarte: sanguine, watercolor, maliliit at magaan na stroke.

Namatay si François Clouet noong 1572 sa Paris. Malaki ang impluwensya ng kanyang sining sa mga kontemporaryong artista at graphic artist, pati na rin sa mga French masters ng mga susunod na henerasyon.

Ang isang mahusay na pintor ng portrait ay si Corneille de Lyon, na nagtrabaho sa Lyon, na nagpinta ng banayad at espirituwal na mga imahe ng babae ("Portrait of Beatrice Pacheco", 1545; "Portrait of Queen Claude"), na nakikilala sa pamamagitan ng isang halos maliit na disenyo at banayad na mga glaze at sonorous mga kulay.

Ang simple at taos-pusong mga larawan ng mga bata at lalaki ni Corneille de Lyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang ipakita ang lalim ng panloob na mundo ng modelo, pagiging totoo at pagiging natural ng mga pose at kilos ("Portrait of a Boy", "Portrait of an Unknown Man with a Itim na Balbas”).

Mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Ang mga mahuhusay na pencil portrait artist ay nagtrabaho sa France: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, na nagpatuloy sa mga tradisyon ng sikat na Francois Clouet. Ang mga mahuhusay na pintor ng portrait na nagtrabaho sa mga graphic technique ay ang magkapatid na Etienne at Pierre Dumoustier.

Ang simula ng Renaissance ng Pransya ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-15 siglo. Ito ay nauna sa proseso ng pagbuo ng bansang Pranses at pagbuo ng isang pambansang estado. Sa trono ng hari ay ang kinatawan ng bagong dinastiya - Valois. Ang mga kampanya ng mga haring Pranses sa Italya ay nagpakilala sa mga artista sa mga tagumpay ng sining ng Italyano. Ang mga tradisyon ng Gothic at mga ugali ng Dutch sa sining ay pinapalitan Italian Renaissance. Ang French Renaissance ay may katangian ng isang kultura ng korte, na ang mga pundasyon ay inilatag ng mga hari ng patron simula kay Charles V.

Ang pinakamalaking creator Maagang Renaissance Si Jean Fouquet (1420-1481) ay itinuturing na pintor ng korte nina Charles VII at Louis XI. Tinatawag din siyang dakilang panginoon Renaissance ng Pransya. Siya ang kauna-unahan sa France na patuloy na isinasama ang mga aesthetic na prinsipyo ng Italian Quattrocento, na pangunahing ipinapalagay ang isang malinaw, makatuwirang pananaw. totoong mundo at pag-unawa sa kalikasan ng mga bagay sa pamamagitan ng kaalaman sa mga panloob na batas nito. Karamihan sa malikhaing pamana ng Fouquet ay binubuo ng mga miniature mula sa mga aklat ng oras. Bilang karagdagan, nagpinta siya ng mga landscape, portrait, at painting ng mga makasaysayang paksa. Si Fouquet ay ang tanging pintor sa kanyang panahon na nagtataglay ng isang epikong pangitain ng kasaysayan, na ang kadakilaan ay naaayon sa Bibliya at sinaunang panahon.

Sa simula ng ika-16 na siglo, naging pinakamalaking absolutistang estado ang France Kanlurang Europa. Ang maharlikang korte ay naging sentro ng buhay kultural, at ang mga unang connoisseurs at connoisseurs ng kagandahan ay ang mga malapit sa kanya at ang royal retinue. Sa ilalim ni Francis I, isang tagahanga ng dakilang Leonardo da Vinci, ang sining ng Italyano ay naging opisyal na fashion. Ang mga Italyano na mannerist na sina Rosso at Primaticcio, na inimbitahan ni Margaret ng Navarre, kapatid ni Francis I, ay nagtatag ng paaralang Fontainebleau noong 1530. Ang terminong ito ay karaniwang ginagamit upang ilarawan ang isang kilusan sa French painting na lumitaw noong ika-16 na siglo sa kastilyo ng Fontainebleau. Bilang karagdagan, ito ay ginagamit kaugnay ng mga gawa sa mga paksang mitolohiya, kung minsan ay masigla, at sa masalimuot na mga alegorya na nilikha. hindi kilalang mga artista at bumabalik din sa mannerism. Ang Paaralan ng Fontainebleau ay naging tanyag sa paglikha ng mga maringal na pandekorasyon na mga pintura ng mga ensemble ng kastilyo.

Noong ika-16 na siglo, inilatag ang mga pundasyon ng wikang pampanitikan ng Pranses at mataas na istilo. Ang makatang Pranses na si Joachin Du Bellay (c. 1522-1560) noong 1549 ay naglathala ng programmatic manifesto na “Defense and Glorification Pranses" Siya at ang makata na si Pierre de Ronsard (1524-1585) ang pinakamarami mga kilalang kinatawan French poetic school of the Renaissance - "Pleiades", na nakita ang layunin nito na itaas ang wikang Pranses sa parehong antas ng mga klasikal na wika - Greek at Latin. Ang mga makatang Pleiades ay ginabayan ng sinaunang panitikan.

Kabilang sa mga namumukod-tanging kinatawan ng French Renaissance ay ang French humanist na manunulat na si François Rabelais (1494-1553). Ang kanyang satirical novel na "Gargantua at Pantagruel" ay isang encyclopedic cultural monument ng French Renaissance. Ang gawain ay batay sa mga katutubong libro tungkol sa mga higante na laganap noong ika-16 na siglo (ang mga higanteng Gargantua, Pantagruel, ang naghahanap ng katotohanan na si Panurge). Ang pagtanggi sa medieval asceticism, mga paghihigpit sa espirituwal na kalayaan, pagkukunwari at pagkiling, inihayag ni Rabelais ang humanistic ideals ng kanyang panahon sa mga kakatwang larawan ng kanyang mga bayani.

Ang dakilang humanist na pilosopo na si Michel de Montaigne (1533-1592) ay nagtapos sa pag-unlad ng kultura ng France noong ika-16 na siglo. Ang aklat ng mga sanaysay, na minarkahan ng malayang pag-iisip at isang uri ng pag-aalinlangan na humanismo, ay naglalahad ng isang hanay ng mga paghatol tungkol sa pang-araw-araw na ugali at mga prinsipyo ng pag-uugali ng tao sa iba't ibang pagkakataon. Ibinahagi ang ideya ng kasiyahan bilang layunin ng pag-iral ng tao, binibigyang kahulugan ito ni Montaigne sa espiritung Epicurean - pagtanggap sa lahat ng ibinigay ng kalikasan sa tao.

Sining ng Pranses noong ika-16-17 siglo. batay sa mga tradisyon ng French at Italian Renaissance. Ang mga kuwadro na gawa at mga graphic ng Fouquet, ang mga eskultura ng Goujon, ang mga kastilyo ng panahon ni Francis I, ang palasyo ng Fontainebleau at ang Louvre, ang tula ni Ronsard at ang prosa ng Rabelais, ang mga eksperimento sa pilosopiko ng Montaigne - lahat ay may tatak ng isang klasikong pag-unawa sa anyo, mahigpit na lohika, rasyonalismo, at isang nabuong pakiramdam ng biyaya.

French Renaissance ika-16 na siglo