Ang mga pangunahing kinatawan ng French Renaissance. Renaissance sa France

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Na-post sa http://www.allbest.ru/

Plan

Panimula

Kultura ng Renaissance

Kultura ng Renaissance sa France

Pagpipinta ng French Renaissance:

Ang buhay at gawain ni Francois Clouet

Ang buhay at gawain ni François Clouet the Younger

Ang buhay at gawain ni Jean Fouquet

Listahan ng ginamit na panitikan

Panimula

Ang Renaissance ay isang panahon sa kasaysayan ng kultura ng Europa noong ika-13-16 na siglo, na minarkahan ang pagdating ng Bagong Panahon.

Ang Renaissance ay isang panahon sa kasaysayan ng kultura at sining, na sumasalamin sa simula ng paglipat mula sa pyudalismo tungo sa kapitalismo. Sa mga klasikal na anyo, nabuo ang Renaissance Kanlurang Europa, pangunahin sa Italya, ngunit ang mga katulad na proseso ay naganap sa Silangang Europa at sa Asya. Sa bawat bansa, ang ganitong uri ng kultura ay may kanya-kanyang katangian na nauugnay sa mga katangiang etniko, tiyak na tradisyon, at impluwensya ng iba pang pambansang kultura. Ang muling pagbabangon ay nauugnay sa proseso ng pagbuo ng sekular na kultura at kamalayang makatao. Sa ilalim ng katulad na mga kondisyon, ang mga katulad na proseso ay nabuo sa sining, pilosopiya, agham, moralidad, panlipunang sikolohiya at ideolohiya. Ang mga Italian humanist noong ika-15 siglo ay nakatuon sa muling pagkabuhay ng sinaunang kultura, ideolohikal at mga prinsipyo ng aesthetic na kinilala bilang isang huwarang karapat-dapat tularan. Sa ibang mga bansa, ang gayong oryentasyon patungo sa sinaunang pamana ay maaaring hindi umiiral, ngunit ang kakanyahan ng proseso ng pagpapalaya ng tao at ang paninindigan ng lakas, katalinuhan, kagandahan, personal na kalayaan, ang pagkakaisa ng tao at kalikasan ay katangian ng lahat ng kultura ng ang uri ng Renaissance.

Sa pag-unlad ng kultura ng Renaissance, ang mga sumusunod na yugto ay nakikilala: Maagang Renaissance, na ang mga kinatawan ay sina Petrarch, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto, atbp.; Ang Mataas na Renaissance, na kinakatawan ni Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Francois Rabelais, at ang Huling Renaissance, kapag ang isang krisis ng humanismo ay nahayag (Shakespeare, Cervantes). Ang pangunahing katangian ng Renaissance ay ang integridad at versatility sa pag-unawa sa tao, buhay at kultura. Ang matalim na pagtaas sa awtoridad ng sining ay hindi humantong sa pagsalungat nito sa agham at sining, ngunit nakita bilang pagkakapantay-pantay at pagkakapantay-pantay ng iba't ibang anyo. aktibidad ng tao. Sa panahong ito, ang mga inilapat na sining at arkitektura ay umabot sa isang mataas na antas, na pinagsama ang artistikong pagkamalikhain sa teknikal na disenyo at craft. Ang kakaiba ng sining ng Renaissance ay mayroon itong malinaw na demokratiko at makatotohanang katangian, na may tao at kalikasan sa gitna nito. Ang mga artista ay nakakamit ng malawak na saklaw ng katotohanan at nagagawang matapat na sumasalamin sa mga pangunahing uso sa kanilang panahon. Naghahanap sila ng pinakamabisang paraan at pamamaraan para sa pagpaparami ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng mga pagpapakita ng totoong mundo. Ang kagandahan, pagkakaisa, biyaya ay itinuturing na mga pag-aari ng totoong mundo.

Kultura ng Renaissance

Sa iba't ibang mga bansa, ang kultura ng Renaissance ay umuunlad sa iba't ibang mga rate. Sa Italya, ang Renaissance ay nagsimula noong XIV-XVI na siglo, sa ibang mga bansa - hanggang XV-XVI na siglo. Ang pinakamataas na punto ng pag-unlad ng kultura ng Renaissance ay naganap noong ika-16 na siglo - ang High, o Classical, Renaissance, nang ang Renaissance ay kumalat sa ibang mga bansa sa Europa.

Ang mga kultura ng iba't ibang mamamayang Europeo ay pinag-isa ng mga ideya ng humanismo. Ang prinsipyo ng humanismo, i.e. ang pinakamataas na kultura at moral na pag-unlad ng mga kakayahan ng tao, pinaka-ganap na nagpapahayag ng pangunahing oryentasyon ng European kultura XIV-XVI mga siglo Ang mga ideya ng humanismo ay nakakuha ng lahat ng mga layer ng lipunan - mga bilog ng mangangalakal, mga relihiyosong larangan, ang masa. Ang isang bagong sekular na intelihente ay umuusbong. Pinagtitibay ng humanismo ang paniniwala sa walang limitasyong mga posibilidad ng tao. Salamat sa mga humanista, kalayaan sa paghatol, kalayaan na may kaugnayan sa mga awtoridad, at isang matapang na kritikal na espiritu ay dumating sa espirituwal na kultura. Ang personalidad, makapangyarihan at maganda, ay nagiging sentro ng ideolohikal na globo. Ang isang mahalagang katangian ng kultura ng Renaissance ay ang apela sa sinaunang pamana. Ang sinaunang ideyal ng tao, ang pag-unawa sa kagandahan bilang pagkakaisa at proporsyon, ang makatotohanang wika ng mga plastik na sining, sa kaibahan sa simbolismo ng medieval, ay muling nabuhay. Ang mga artista, eskultor at makata ng Renaissance ay naakit sa mga paksa sinaunang mitolohiya at kasaysayan, sinaunang wika - Latin at Griyego. Ang pag-imbento ng paglilimbag ay may malaking papel sa pagpapalaganap ng sinaunang pamana.

Ang kultura ng Renaissance ay naimpluwensyahan ng kultura ng medyebal na may mahabang kasaysayan at malakas na tradisyon, ngunit pinuna ng mga humanista ang kultura ng Middle Ages, na isinasaalang-alang ito na barbaric; Sa panahon ng Renaissance, isang malaking bilang ng mga gawa ang lumitaw na nakadirekta laban sa simbahan at sa mga ministro nito. Kasabay nito, ang Renaissance ay hindi isang ganap na sekular na kultura. Ang ilang mga figure ay nais na ipagkasundo ang Kristiyanismo sa sinaunang panahon o lumikha ng isang bago, pinag-isang relihiyon, muling pag-isipan ito. Ang sining ng Renaissance ay isang natatanging synthesis ng sinaunang pisikal na kagandahan at espirituwal na Kristiyano. Sa pagtatapos ng ika-15 siglo. sa France, ang matatag na mga uso sa Renaissance ay itinatag sa panitikan, pagpipinta, iskultura, atbp. Karamihan sa mga mananaliksik ng Pransya ay may petsa ng pagtatapos ng Renaissance sa France sa 70-80s. XVI siglo, isinasaalang-alang ang pagtatapos ng siglo XVI. bilang isang transisyon mula sa Renaissance sa pamamagitan ng mannerism tungo sa baroque at kalaunan ay classicism.

Kultura ng Renaissance saFrance

Ang unang bahagi ng French Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng sinaunang pamana, na lumalim sa mga kontak sa kultura sa Italya.

Mula sa katapusan ng ika-15 siglo. Ang mga Italyano na manunulat, artista, historiographer, philologist ay dumating sa France: ang makata na si Fausto Andrenini, ang Greek scientist na si John Lascaris, ang philologist na si Julius Caesar Slapiger, ang mga artist na sina Benvenutto Cellini, Leonardo da Vinci. Salamat sa kagandahan ng istilo nito, ang gawa ni Pavel Emin na "10 Books on the Deeds of the Franks" ay nagsilbing halimbawa para sa mga nakababatang henerasyon ng French humanists.

Ang mga kabataang lalaki mula sa marangal at mayayamang pamilya ay dumagsa sa Italya upang makakuha ng kayamanan kulturang Italyano. Naapektuhan nito ang katangian ng Renaissance ng Pransya, lalo na sa paunang yugto nito, na nagbibigay dito ng isang kapansin-pansing aristokratikong-marangal na imprint, na makikita sa asimilasyon ng mga marangal na pamilya, una sa lahat, ng mga panlabas na elemento ng kultura ng Renaissance ng Italya at ang malawakang pagtangkilik ng korte ng hari ng Pransya. Ang pagtangkilik ng umuusbong na French intelligentsia ay ibinigay ni Anne ng Breton, Francis I; ang mga tradisyon ng bilog na pampanitikan ni Anne ng Brittany ay kasunod na ipinagpatuloy ni Marguerite ng Navarre, na umakit kay Rabelais, Lefebvre d'Etal, batang Calvin, Clemmann, Marot, Bonavaventure, atbp.

At gayon pa man, walang dahilan upang bawasan ang mga detalye ng French Renaissance lamang sa aristokrasya, o para lamang sa mga impluwensyang Italyano ang simula nito. Ang kultura ng French Renaissance ay lumago, una sa lahat, lamang sa sarili nitong lupa. Ang batayan para sa pinagmulan nito ay ang pagkumpleto ng pampulitikang pag-iisa ng bansa, ang pagbuo ng panloob na merkado at ang unti-unting pagbabago ng Paris sa isang pang-ekonomiya, pampulitika at kultural na sentro, kung saan ang pinaka-liblib na mga rehiyon ay naakit. Ang pagtatapos ng Hundred Years' War, na naging sanhi ng paglago ng pambansang kamalayan sa sarili, ay nagsilbing isang malakas na pampasigla para sa pag-unlad ng kulturang Pranses.

Ang pag-unlad ng isang kulturang makatao ay magiging imposible nang walang pagtaas ng pangkalahatang antas ng edukasyon. Ang karunungang bumasa't sumulat ng populasyon, lalo na ang mga taga-lungsod, ay napatunayan ng malaking bilang sulat-kamay na mga libro. Ang isang kilalang lugar sa kanila (maliban sa Bibliya at mga koleksyon ng medieval fabliaux) ay inookupahan ng mga manuskrito na katulad ng uri ng Italian humanistic short story (“The Great Sample of New Novels” ni Nicola de Troyes, “100 New Novellas,” na pinagsama ang impluwensya ng "Decameron" ni Boccaccio sa mga tradisyon katutubong kultura Middle Ages), na nagbubukas ng bagong direksyon sa katutubong panitikan Renaissance ng Pransya. Ang pag-unlad ng kultura sa France ay pinadali din ng paglaganap ng paglilimbag.

Pagpipinta ng French Renaissance

Ang Renaissance ay isang makabuluhang yugto sa pag-unlad ng kulturang Pranses. Sa panahong ito, mabilis na umuunlad ang relasyong burges sa bansa at lumalakas ang kapangyarihang monarkiya. Ang relihiyosong ideolohiya ng Middle Ages ay unti-unting itinutulak sa background ng humanistic worldview. Nagsisimulang maglaro ng malaking papel sa buhay kultural ng France sekular na sining. Realismo ng French art, koneksyon sa siyentipikong kaalaman, ang pag-apila sa mga ideya at larawan ng sinaunang panahon ay naglalapit sa kanya sa Italyano. Kasabay nito, ang Renaissance sa France ay may kakaibang hitsura, kung saan ang Renaissance humanism ay pinagsama sa mga elemento ng trahedya na ipinanganak ng mga kontradiksyon ng kasalukuyang sitwasyon sa bansa.

Bilang resulta ng maraming pagkatalo para sa France noong Daang Taon na Digmaan sa Inglatera, na tumagal mula 1337 hanggang 1453, naghari ang pyudal na anarkiya sa bansa. Ang mga magsasaka, na dinudurog ng hindi mabata na buwis at mga kalupitan ng mga mananakop, ay bumangon upang labanan ang kanilang mga nang-aapi. Ang kilusan ng pagpapalaya ay sumiklab nang may partikular na puwersa sa sandaling ang mga tropang British, na nakuha ang hilaga ng France, ay patungo sa Orleans. Ang mga damdaming makabayan ay nagresulta sa pagganap ng mga magsasaka at kabalyero ng Pransya sa ilalim ng pamumuno ni Joan of Arc laban sa mga tropang Ingles Ang mga rebelde ay nanalo ng ilang makikinang na tagumpay Ang kilusan ay hindi huminto kahit na si Joan of Arc ay nahuli at, sa lihim na pagsang-ayon ng Ang Pranses na haring si Charles VII, ay sinunog ng mga klero sa tulos.

Bunga ng mahabang pakikibaka ng mamamayan laban sa mga dayuhang mananakop, napalaya ang France. Ginamit ng monarkiya ang tagumpay na ito para sa sarili nitong mga layunin, ngunit ang posisyon ng mga matagumpay na tao ay nanatiling mahirap.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Dahil sa pagsisikap ni Louis XI, naging magkaisa ang France sa pulitika. Umunlad ang ekonomiya ng bansa, umunlad ang agham at edukasyon, naitatag ang mga relasyon sa kalakalan sa ibang mga estado at lalo na sa Italya, kung saan tumagos ang kultura sa France. Noong 1470, binuksan ang isang palimbagan sa Paris, kung saan, kasama ang iba pang mga libro, sinimulan nilang i-print ang mga gawa ng mga humanistang Italyano.

Ang sining ng mga miniature ng libro ay umuunlad, kung saan ang mga mystical at relihiyosong mga imahe ay pinalitan ng mga makatotohanang ideya tungkol sa mundo sa paligid natin. Ang mga mahuhusay na artista na nabanggit na sa itaas, ang mga kapatid na Limburg, ay nagtatrabaho sa korte ng Duke ng Burgundy. Ang mga sikat na Dutch masters ay nagtrabaho sa Burgundy (mga pintor na van Eyck brothers, sculptor Sluter), kaya sa lalawigang ito ang impluwensya ng Dutch Renaissance ay kapansin-pansin sa sining ng mga French masters, habang sa ibang mga probinsya, halimbawa sa Provence, ang impluwensya ng Italyano. Tumaas ang Renaissance.

Isa sa pinakamalaking kinatawan ng French Renaissance ay ang pintor na si Enguerrand Charonton, na nagtrabaho sa Provence, na nagpinta ng monumental at kumplikadong mga gawa. pagbuo ng komposisyon mga canvases kung saan, sa kabila ng tema ng relihiyon, malinaw na nagpahayag ng interes sa tao at sa katotohanan sa paligid niya ("Madonna of Mercy", "Coronation of Mary", 1453). Bagaman ang mga pagpipinta ni Sharonton ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang dekorasyon (pinong mga linya na kumokonekta sa isang mapanlikhang palamuti, simetriya ng komposisyon), isang mahalagang lugar sa kanila ay inookupahan ng mga detalyadong pang-araw-araw na eksena, tanawin, mga pigura ng tao. Sa mukha ng mga santo at ni Maria, mababasa ng manonood ang mga damdamin at kaisipang nagtataglay sa kanila, at maraming natututuhan tungkol sa katangian ng mga bayani.

Ang parehong interes sa landscape, sa maingat na pag-render ng lahat ng mga detalye ng komposisyon, ay nakikilala ang mga gawa ng altar ng isa pang artist mula sa Provence - Nicolas Froment ("The Raising of Lazarus", "The Burning Bush", 1476).

Ang mga tampok ng bago sa sining ng Pransya ay lalo na malinaw na ipinakita sa gawain ng mga artista ng paaralan ng Loire, na nagtrabaho sa gitnang bahagi ng France (sa lambak ng Loire River). Maraming mga kinatawan ng paaralang ito ang nanirahan sa lungsod ng Tours, kung saan noong ika-15 siglo. ay ang tirahan ng haring Pranses. Ang isang residente ng Tours ay isa sa mga pinakamahalagang pintor ng panahong ito, si Jean Fouquet.

Isa sa mga pinakasikat na artista noong huling bahagi ng ika-15 siglo. ay si Jean Clouet the Elder, na kilala rin bilang Master of Moulins. Hanggang 1475 nagtrabaho siya sa Brussels at pagkatapos ay lumipat sa Moulins. Sa paligid ng 1498-1499 Ginawa ni Jean Clouet the Elder ang kanyang pinakamahalagang gawain - isang triptych para sa Moulins Cathedral, sa gitnang pintuan kung saan ipinakita ang eksenang "Our Lady in Glory", at sa mga gilid na pintuan ay may mga larawan ng mga customer na may mga patron santo.

Ang gitnang bahagi ay naglalarawan ng Madonna at Bata, sa itaas na ang ulo ng mga anghel ay may hawak na korona. Malamang, gumamit si Clouet ng isang babaeng Pranses, marupok at maganda, bilang isang modelo para sa imahe ng artist ni Maria. Kasabay nito, ang abstraction ng konsepto ng may-akda at mga pandekorasyon na epekto (konsentrikong mga bilog sa paligid ni Maria, mga anghel na bumubuo ng isang garland sa mga gilid ng canvas) ay nagbibigay sa trabaho ng ilang pagkakahawig sa Gothic art.

Malaking interes ang mga magagandang tanawin na inilalagay ni Jean Clouet the Elder sa mga komposisyon na may mga relihiyosong tema. Sa tabi ng mga pigura ng mga santo sa mga gawang ito ay portrait na mga larawan mga customer. Halimbawa, sa canvas na "The Nativity" (1480), sa kanan ni Maria ay makikita mo si Chancellor Rolin na nakatiklop ang kanyang mga kamay sa panalangin.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Nagtrabaho din si Simon Marmion sa France, na nagsagawa ng maraming komposisyon at miniature ng altar, kung saan ang kanyang pinakatanyag na gawa ay mga ilustrasyon para sa "Great French Chronicles," at Jean Bourdichon, isang portrait na pintor at miniaturist na lumikha ng mga magagandang miniature para sa Book of Oras ng Anne ng Brittany.

Ang pinakamalaking pintor sa panahong ito ay si Jean Perreal, na namuno sa paaralan ng pagpipinta ng Lyon. Siya ay hindi lamang isang pintor, ngunit isa ring manunulat, arkitekto, at matematiko. Ang kanyang katanyagan ay lumampas sa France at kumalat sa England, Germany, at Italy. Si Perreal ay nagsilbi sa ilalim ni Haring Charles VIII at Francis I, at sa Lyon siya ay nagsilbi bilang isang eksperto sa konstruksiyon. Ang ilan sa kanyang mga gawa sa larawan ay napanatili, kabilang ang larawan ni Mary Tudor (1514), Louis XII, at Charles VIII. Isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Perreal ay ang kaakit-akit at patula na "Girl with a Flower." Kawili-wili din ang kanyang mga kuwadro na gawa ng katedral sa Puy, kung saan, kasama ang relihiyon at mga sinaunang larawan ang artist ay naglagay ng mga portrait ng French humanists, kasama ng mga ito ang imahe ni Erasmus ng Rotterdam ay namumukod-tangi.

Sa simula ng ika-16 na siglo. Ang France ang pinakamalaking (ayon sa lugar at populasyon) na estado sa Kanlurang Europa. Sa panahong ito, medyo gumaan na ang kalagayan ng mga magsasaka, at lumitaw ang mga unang uri ng kapitalistang produksyon. Ngunit hindi pa umabot sa antas ang burgesya ng Pransya para sakupin ang mga posisyon ng kapangyarihan sa bansa, gaya ng nangyari sa mga lungsod ng Italya noong ika-14-15 siglo.

Ang panahong ito ay minarkahan hindi lamang ng mga pagbabago sa ekonomiya at pulitika ng France, kundi pati na rin ng malawak na pagpapalaganap ng mga ideyang makatao ng Renaissance, na lubos na kinakatawan sa panitikan, sa mga gawa nina Ronsard, Rabelais, Montaigne, at Du Bellay. Ang Montaigne, halimbawa, ay itinuturing na sining ang pangunahing paraan ng pagtuturo sa isang tao.

Tulad ng sa Alemanya, ang pag-unlad ng sining ay malapit na nauugnay sa kilusang reporma na nakadirekta laban sa Simbahang Katoliko. Ang mga magsasaka ay hindi nasisiyahan sa kanilang sitwasyon, gayundin ang mga nakabababang uri sa lunsod at ang burgesya ay nakibahagi sa kilusang ito. Matapos ang mahabang pakikibaka ay nasugpo ito, napanatili ng Katolisismo ang posisyon nito. Bagama't limitado lamang ang epekto ng Reporma sa sining, ang mga ideya nito ay tumagos sa mga humanist artist. Maraming Pranses na pintor at iskultor ang mga Protestante.

Ang mga sentro ng kultura ng Renaissance ay mga lungsod tulad ng Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, at Lyon. Malaki ang ginampanan ni Haring Francis I sa pagpapalaganap ng mga ideya sa Renaissance, na nag-aanyaya sa mga Pranses na artista, makata, at siyentipiko sa kanyang hukuman. Sina Leonardo da Vinci at Andrea del Sarto ay nagtrabaho sa royal court sa loob ng ilang taon. Sa paligid ng kapatid ni Francis, si Margaret ng Navarre, na nakipagtipan gawaing pampanitikan, nagkaisa ang mga makata at humanist na manunulat, na nagtataguyod ng mga bagong pananaw sa sining at sa kaayusan ng mundo. Noong 1530s. Itinatag ng mga Italian Mannerist ang isang paaralan ng sekular na pagpipinta sa Fontainebleau, na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng French fine art.

Isang mahalagang lugar sa pagpipinta ng France noong unang kalahati ng ika-16 na siglo. inookupahan ng sining ng mga pintor na sina Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate at Francesco Primaticcio na inimbitahan mula sa Italya upang ipinta ang palasyo ng hari sa Fontainebleau. Ang gitnang lugar sa kanilang mga fresco ay inookupahan ng mga mythological, allegorical at historical na mga paksa, na kinabibilangan ng mga larawan ng mga hubad na babaeng figure, na hindi natagpuan sa mga kuwadro na gawa ng mga French masters noong panahong iyon. Ang pino at kaaya-aya, bagama't medyo magalang, ang sining ng mga Italyano ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming Pranses na pintor, na nagbunga ng isang kilusan na tinatawag na Fontainebleau school.

Malaking interes larawang sining itong tuldok. Ipinagpatuloy ng mga pintor ng larawang Pranses ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga masters ng ika-15 siglo, at higit sa lahat sina Jean Fouquet at Jean Clouet the Elder.

Laganap ang mga larawan hindi lamang sa korte ng mga larawang lapis na nagsilbing modernong mga larawan sa maraming pamilyang Pranses. Ang mga guhit na ito ay madalas na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kahusayan sa pagpapatupad at pagiging tunay sa paghahatid ng mga ugali ng tao.

Ang mga larawan ng lapis ay popular sa ibang mga bansa sa Europa, halimbawa, sa Alemanya at Netherlands, ngunit doon nila ginampanan ang papel ng isang sketch na nauna sa isang larawan ng pagpipinta, at sa Pransya ang gayong mga gawa ay naging isang malayang genre.

Ang pinakamalaking pintor ng larawang Pranses sa panahong ito ay si Jean Clouet the Younger.

Ang isang mahusay na pintor ng portrait ay si Corneille de Lyon, na nagtrabaho sa Lyon, na nagpinta ng banayad at espirituwal na mga imahe ng babae ("Portrait of Beatrice Pacheco", 1545; "Portrait of Queen Claude"), na nakikilala sa pamamagitan ng halos maliit na disenyo at banayad na glazes at sonorous mga kulay.

Simple at tapat na mga bata at mga larawan ng lalaki Ang Corneille de Lyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang ipakita ang lalim ng panloob na mundo ng modelo, ang pagiging totoo at pagiging natural ng mga pose at kilos ("Portrait of a Boy", "Portrait of an Unknown Man with a Black Beard").

Mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Ang mga mahuhusay na pencil portrait artist ay nagtrabaho sa France: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, na nagpatuloy sa mga tradisyon ng sikat na Francois Clouet. Ang mga mahuhusay na pintor ng portrait na nagtrabaho sa mga graphic technique ay ang magkapatid na Etienne at Pierre Dumoustier.

Ang buhay at gawain ni Francois Clouet

renaissance art painting pranses

Si François Clouet ay ipinanganak noong mga 1516 sa Tours. Nag-aral siya sa kanyang ama, si Jean Clouet the Younger, at tinulungan siya sa pagtupad sa mga utos. Pagkamatay ng kanyang ama, minana niya ang kanyang posisyon bilang pintor sa korte sa hari.

Bagama't kapansin-pansin ang impluwensya ni Jean Clouet the Younger sa akda ni François Clouet, gayundin ang Italyano masters, kanya estilo ng sining nakikilala sa pamamagitan ng pagka-orihinal nito at malakas na personalidad.

Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni François Clouet ay ang pagpipinta na "Bathing Woman" (c. 1571), na sa paraan ng pagpapatupad nito ay medyo nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng paaralan ng Fontainebleau. Kasabay nito, hindi tulad ng mga mythological compositions ng paaralang ito, ito ay nakahilig sa portrait genre. Ang ilang mga istoryador ng sining ay naniniwala na ang pagpipinta ay naglalarawan kay Diane ng Poitiers, habang ang iba ay naniniwala na ito ang minamahal ni Charles IX, Marie Touchet. Ang komposisyon ay naglalaman ng mga elemento ng genre: ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang babae sa isang bathtub, kung saan nakatayo ang isang bata at isang nars na may isang sanggol sa kanyang mga bisig; sa background ay may maid na nag-iinit ng tubig para paliguan. Kasabay nito, salamat sa espesyal na istraktura ng komposisyon at halatang portraiture sa interpretasyon ng imahe ng isang kabataang babae na tumitingin sa manonood na may malamig na ngiti ng isang napakatalino na babae sa lipunan, ang canvas ay hindi nagbibigay ng impresyon ng isang ordinaryong pang-araw-araw na eksena. .

Ang kahanga-hangang kasanayan ni François Clouet ay kitang-kita sa kanyang mga gawang larawan. Ang kanyang mga unang larawan sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga gawa ng kanyang ama, si Jean Clouet the Younger. Sa mas mature na mga gawa, mararamdaman ng isa ang orihinal na istilo ng French master. Bagaman sa karamihan ng mga larawan na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng karangyaan at kataimtiman, ang kinang ng mga accessories at ang luho ng mga costume at draperies ay hindi pumipigil sa artist na ipakita sa manonood ang malinaw na indibidwal na mga katangian ng kanyang mga modelo.

Ilang portrait ni Charles IX na ipininta ni François Clouet ang nakaligtas. Sa isang maagang larawan ng lapis mula 1559, inilarawan ng artist ang isang mapagmataas na tinedyer, na mahalaga na tumitingin sa manonood. Ang isang guhit mula 1561 ay nagpapakita ng isang umatras, bahagyang napilitan na binata, nakadamit pormal na suit. Ang kaakit-akit na larawan, na isinagawa noong 1566, ay nagpapakita sa manonood na si Charles IX sa buong paglaki. Sa kanyang marupok na pigura at maputlang mukha, napansin ng artista ang mga pangunahing katangian ng kanyang karakter: pag-aalinlangan, kawalan ng kalooban, pagkamayamutin, makasarili na katigasan ng ulo.

Isa sa mga pinaka-kahanga-hangang gawa ng French art noong ika-16 na siglo. naging kaakit-akit na larawan ni Elizabeth ng Austria, na ipininta ni François Clouet noong 1571. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang batang babae sa isang napakagandang damit, pinalamutian ng mga kumikinang na alahas. Ang kanyang magandang mukha ay ibinaling sa manonood, at ang kanyang madidilim na mga mata ay mukhang maingat at walang tiwala. Ang kayamanan at pagkakaisa ng kulay ay gumagawa ng canvas na tunay na isang obra maestra ng French painting.

Ang isang matalik na larawan ay ipininta sa ibang paraan, kung saan inilarawan ni François Clouet ang kanyang kaibigan, ang parmasyutiko na si Pierre Cute (1562). Inilagay ng artista ang bayani sa kanyang karaniwang kapaligiran sa opisina, malapit sa mesa kung saan nakahiga ang herbarium. Kung ikukumpara sa nakaraang trabaho, ang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas pinigilan na scheme ng kulay, na binuo sa isang kumbinasyon ng ginintuang, berde at itim na mga lilim.

Ang malaking interes ay ang mga larawan ng lapis ni François Clouet, kung saan ang larawan ni Jeanne d'Albret ay namumukod-tangi, na kumakatawan sa isang matikas na batang babae, na kung saan ang mga tumitingin ay maaaring magkaroon ng isang malakas at mapagpasyang karakter.

Sa panahon mula 1550 hanggang 1560, lumikha si François Clouet ng maraming mga graphic na portrait, kabilang ang magagandang mga guhit na naglalarawan sa maliit na Francis II, isang masigla at kaakit-akit na batang babae na si Margarita Valois, Mary Stuart, Gaspard Coligny, Henry II. Kahit na ang ilang mga imahe ay medyo idealized, pangunahing tampok ang mga larawan ay nananatiling makatotohanan at katotohanan. Gumagamit ang artist ng iba't ibang mga diskarte: sanguine, watercolor, maliliit at magaan na stroke.

Namatay si François Clouet noong 1572 sa Paris. Malaki ang impluwensya ng kanyang sining sa mga kontemporaryong artista at graphic artist, pati na rin sa mga French masters ng mga susunod na henerasyon.

Ang buhay at gawain ni François Clouet the Younger

Si Jean Clouet the Younger, anak ni Jean Clouet the Elder, ay isinilang noong mga 1485. Ang kanyang ama ang naging kanyang unang guro sa pagpipinta. Ang kaunting impormasyon tungkol sa buhay ng artista ay napanatili lamang na mula 1516. Si Jean Clouet the Younger ay nagtrabaho sa Tours, at mula 1529 - sa Paris, kung saan hawak niya ang posisyon ng court artist.

Ang mga larawan ni Jean Clouet the Younger ay nakakagulat na totoo at totoo. Ito ang mga larawan ng lapis ng mga courtier: Diane of Poitiers, Guillaume Gouffier, Anne Montmorency. Ipininta ng pintor ang ilan sa mga kasama ng hari nang higit sa isang beses: tatlong larawan ni Guyot de Genouillac, isang kalahok sa Labanan ng Marignano, na ipininta noong 1516, 1525 at 1526, at dalawang larawan ng Marshal Brissac, na itinayo noong 1531 at 1537, ay may nakaligtas hanggang ngayon. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga larawan ng lapis ay ang imahe ng Count d'Etan (c. 1519), kung saan ang pagnanais ng master na tumagos sa kailaliman ng panloob na mundo ng isang tao ay kapansin-pansin Ang larawan ni Erasmus ng Rotterdam (1520), nakakagulat na mahalaga at espirituwal, ay kapansin-pansin din.

Si Jean Clouet the Younger ay may mahusay na utos hindi lamang ng isang lapis, kundi pati na rin ng isang brush. Ito ay pinatunayan ng ilang mga painting na nakaligtas hanggang ngayon. Kabilang sa mga ito ang larawan ng Dauphin Francis (c. 1519), Duke Claude of Guise (c. 1525), Louis de Cleves (1530).

Ang mga imahe sa mga solemne na larawan ng seremonya ng maliit na Charlotte ng France (c. 1520) at Francis I na nakasakay sa kabayo (1540) ay medyo na-idealize. magandang babae na may isang palihim na ngiti sa kanyang malambot na mga labi, at isang simple at mahigpit na larawan ng isang hindi kilalang lalaki na may dami ng Petrarch sa kanyang kamay.

Naniniwala ang ilang mananaliksik na ang larawan ni Francis I, na kasalukuyang itinatago sa Louvre, ay ipininta ni Jean Clouet the Younger. Ang bersyon na ito ay nakumpirma ng isang pagguhit na ginawa ng artist, bagaman posible na ito ay nagsilbing modelo para sa isa sa mga estudyante ni Jean Clouet the Younger (halimbawa, ang kanyang anak na si Francois Clouet) upang lumikha ng isang kaakit-akit na larawan ng hari.

Ang larawan ng Louvre ni Francis I ay pinagsama ang solemnity, decorativeness at ang pagnanais na ipakita ang mga indibidwal na tampok ng modelo - ang hari ng kabalyero, bilang tinawag si Francis ng kanyang mga kontemporaryo. Ang karilagan ng background at ang mayamang kasuotan ng hari, ang ningning ng mga accessories - ang lahat ng ito ay nagbibigay ng larawan ng ningning, ngunit hindi natatabunan ang magkakaibang hanay ng mga damdamin ng tao at mga katangian ng karakter na mababasa sa hitsura ni Francis: pagtataksil. , vanity, ambisyon, tapang. Ang larawan ay nagpakita ng mga kasanayan sa pagmamasid ng artist, ang kanyang kakayahang tumpak at totoo na mapansin ang natatanging bagay na nagpapakilala sa isang tao mula sa iba.

Si Jean Clouet the Younger ay namatay noong 1541. Ang kanyang gawa (lalo na ang kanyang mga guhit) ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming mga mag-aaral at mga tagasunod, kung saan marahil ang pinaka-talino ay ang kanyang anak na si François Clouet, na si Ronsard sa kanyang "Elegy to Jean" (tinawag ng mga kontemporaryo ni Jean lahat sila ay mga kinatawan ng pamilya Clouet) na tinatawag na "ang karangalan ng ating France."

Ang buhay at gawain ni Jean Fouquet

Si Jean Fouquet ay ipinanganak noong mga 1420 sa Tours sa pamilya ng isang pari. Nag-aral siya ng pagpipinta sa Paris at, posibleng, sa Nantes. Nagtrabaho siya sa Tours bilang court artist kay King Charles VII, pagkatapos ay Louis XI. Mayroon siyang malaking pagawaan kung saan isinasagawa ang mga utos mula sa korte ng hari.

Si Fouquet ay nanirahan ng ilang taon sa Italya, sa Roma, kung saan nakilala niya ang gawain ng mga panginoong Italyano. Ngunit, sa kabila ng katotohanan na sa kanyang mga gawa, lalo na ang kanyang mga nauna, ang impluwensya ng Italyano at Dutch na sining ay kapansin-pansin, ang artist ay mabilis na nakabuo ng kanyang sariling, natatanging estilo.

Ang sining ni Fouquet ay ipinakita nang malinaw sa genre ng portrait. Ang mga larawang nilikha ng pintor ni Charles VII at ng kanyang mga ministro ay makatotohanan at makatotohanan, walang pambobola o idealisasyon sa kanila. Bagama't ang paraan ng pagsasagawa ng mga gawang ito sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga pintura ng mga pintor ng Dutch, ang mga larawan ni Fouquet ay mas monumental at makabuluhan.

Kadalasan, inilarawan ni Fouquet ang kanyang mga modelo sa mga sandali ng panalangin, kaya ang mga bayani ng kanyang mga gawa ay tila nahuhulog sa kanilang sariling mga pag-iisip, tila hindi nila napapansin ang mga nangyayari sa kanilang paligid o ng mga manonood. Ang kanyang mga larawan ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng seremonyal na karangyaan at karangyaan ng mga accessory;

Ang larawan ni Charles VII (c. 1445) ay may nakasulat na: “Pinaka-Matagumpay na Hari ng Pransiya.” Ngunit inilarawan ni Fouquet ang hari nang lubos na mapagkakatiwalaan at totoo na ganap na walang indikasyon ng kanyang tagumpay: ang larawan ay nagpapakita ng isang mahina at pangit na tao, na sa kanyang anyo ay walang kabayanihan. Nakikita ng manonood sa harap niya ang isang egoista, sawa na sa buhay at pagod sa libangan, may maliliit na mata, malaking ilong at mataba na labi.

Ang larawan ng isa sa pinakamaimpluwensyang courtier ng hari, si Juvenel des Urzens (c. 1460), ay totoo rin at kahit walang awa. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang napakataba na lalaki na may namamaga ang mukha at isang mapang-asar na hitsura. Makatotohanan din ang larawan ni Louis XI. Hindi sinubukan ng artista na pagandahin ang kanyang mga modelo sa anumang paraan; Ito ay kinumpirma ng maraming mga guhit na lapis na nauna sa mga ipinintang larawan.

Ang obra maestra ni Fouquet ay isang diptych na isinulat noong mga 1450, isang bahagi nito ay naglalarawan kay Etienne Chevalier kasama si St. Stephen, at sa kabilang - Madonna at Batang Hesus. Humanga si Maria sa kanyang kagandahan at kalmadong kagandahan. Ang maputlang katawan ng Madonna at Child, ang asul na kulay-abo na damit at ermine na damit ni Maria ay lubos na naiiba sa maliwanag na pulang pigura ng maliliit na anghel na nakapalibot sa trono. Ang mga malinaw na linya, laconic at mahigpit na pangkulay ng pagpipinta ay nagbibigay sa imahe ng solemnity at expressiveness.

Ang mga imahe ng ikalawang bahagi ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong mahigpit na kalinawan at panloob na lalim. Ang kanyang mga karakter ay maalalahanin at kalmado, ang kanilang mga hitsura ay nagpapakita ng maliwanag na mga katangian ng karakter. Si Stephen ay nakatayo nang malaya at simple, na inilalarawan bilang isang tunay na tao, at hindi isang santo. Ang kanyang kamay ay nakapatong na proteksiyon sa balikat ng isang medyo napigilang si Etienne Chevalier, na kinakatawan ng artist sa sandali ng panalangin. Ang Chevalier ay isang matandang lalaki na may mukha na puno ng mga kulubot, baluktot na ilong at isang matigas na tingin sa maliliit na mata. Ganito talaga siguro ang itsura niya sa buhay. Tulad ng pagpipinta kasama ang Madonna, ang bahaging ito ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng integridad ng komposisyon, ang kayamanan at sonority ng kulay, batay sa pula, ginintuang at lilac shade.

Ang mga miniature ay sumasakop sa isang malaking lugar sa gawain ni Fouquet. Ang mga gawang ito ng artista ay halos kapareho sa mga gawa ng magkapatid na Limburg, ngunit mas makatotohanan sa kanilang paglalarawan sa nakapaligid na mundo.

Gumawa si Fouquet ng mga magagandang ilustrasyon para sa "Great French Chronicles" (late 1450s), Etienne Chevalier's Book of Hours (1452-1460), Boccaccio's "Novellas" (c. 1460), Josephus's "Antiquities of the Jews" (c. 1470). Sa mga miniature na naglalarawan ng mga relihiyoso, sinaunang mga eksena o buhay na Italyano, maaaring makilala ng isa kontemporaryong artista Pranses na mga lungsod na may tahimik na kalye at malalaking lugar, mga parang, mga burol, mga pampang ng ilog ng magandang tinubuang-bayan ng pintor, mga kahanga-hangang monumento ng arkitektura ng France, kasama ang Notre Dame Cathedral, Sainte-Chapelle.

Ang mga miniature ay halos palaging naglalaman ng mga pigura ng tao. Gustung-gusto ni Fouquet na ilarawan ang mga eksena ng buhay magsasaka, urban at hukuman, at mga yugto ng mga labanan mula sa katatapos na digmaan. Sa ilang mga miniature, makikita mo ang mga larawan ng mga kontemporaryo ng artist ("Representasyon ng Our Lady ni Etienne Chevalier").

Si Fouquet ay isang mahuhusay na tagapagtala ng kasaysayan; Ito ang miniature na "The Trial of the Duke of Alençon in 1458," na kumakatawan sa higit sa dalawang daang character sa isang sheet. Sa kabila ng malaking bilang ng mga figure, ang imahe ay hindi nagsasama, at ang komposisyon ay nananatiling malinaw at presko. Ang mga karakter sa foreground ay tila lalo na buhay at natural - ang mga taong-bayan na dumating upang panoorin ang paglilitis, ang mga guwardiya na pinipigilan ang panggigipit ng karamihan. Ang scheme ng kulay ay napaka-matagumpay: ang gitnang bahagi ng komposisyon ay na-highlight ng asul na background ng karpet na sumasaklaw sa upuan ng pagsubok. Ang iba pang mga carpet na may magagandang pattern, tapestries at halaman ay binibigyang diin ang pagpapahayag ng miniature at binibigyan ito ng espesyal na kagandahan.

Ang mga gawa ni Fouquet ay nagpapatotoo sa kakayahan ng kanilang may-akda na mahusay na maghatid ng espasyo. Halimbawa, ang kanyang miniature na "St. Martin" (Etienne Chevalier's Book of Hours) ay inilalarawan ang tulay, pilapil, mga bahay at mga tulay nang tumpak at tunay na madaling muling buuin ang hitsura ng Paris sa panahon ng paghahari ni Charles VII.

Marami sa mga miniature ni Fouquet ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang banayad na liriko, na nilikha salamat sa patula at kalmadong tanawin (sheet na "Nalaman ni David ang pagkamatay ni Saul" mula sa "Mga Antiquities ng mga Hudyo").

Namatay si Fouquet sa pagitan ng 1477-1481. Napakasikat sa kanyang buhay, ang artista ay mabilis na nakalimutan ng kanyang mga kababayan. Ang kanyang sining ay nakatanggap ng isang karapat-dapat na pagtatasa pagkalipas lamang ng maraming taon, sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

Zkonklusyon

Ang sining sa panahon ng Renaissance ay ang pangunahing uri ng espirituwal na aktibidad. Halos walang mga taong walang malasakit sa sining. Mga gawa ng sining lubos na nagpapahayag ng ideyal ng isang maayos na mundo at ang lugar ng tao dito. Ang lahat ng uri ng sining ay napapailalim sa gawaing ito sa iba't ibang antas.

Ang mga mithiin ng Renaissance ay lubos na ipinahayag sa pamamagitan ng arkitektura, eskultura, at pagpipinta, at ang pagpipinta sa panahong ito ay dumating sa unahan, na nagtutulak sa isang tabi ng arkitektura. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang pagpipinta ay nagkaroon ng mas maraming pagkakataon na maipakita tunay na mundo, ang kagandahan, kayamanan at pagkakaiba-iba nito.

Ang isang katangian ng kultura ng Renaissance ay ang malapit na koneksyon sa pagitan ng agham at sining. Ang mga artista, na sinusubukang lubos na sumasalamin sa lahat ng mga likas na anyo, ay bumaling sa kaalamang pang-agham. Isang bagong sistema ang binuo masining na pananaw kapayapaan. Ang mga artista ng Renaissance ay bumuo ng mga prinsipyo ng linear na pananaw. Nakatulong ang pagtuklas na ito na palawakin ang hanay ng mga itinatanghal na phenomena, upang maisama ang landscape at arkitektura sa pictorial space, na ginagawang isang uri ng bintana ang larawan sa mundo. Ang kumbinasyon ng scientist at artist sa isa malikhaing personalidad ay posible lamang sa panahon ng Renaissance. Sa panahon ng Renaissance, umusbong at umunlad ang mga bagong istilo at uso, na higit na tumutukoy sa pag-usbong ng modernong kultura at sa karagdagang pag-unlad nito.

SAlistahan ng ginamit na panitikan

1) Gurevich P.S. Kulturolohiya: Teksbuk. - M., 1996.

3)Kulturolohiya / ed. Radugina A.A. - M., 1996.

4) Sining ng maagang Renaissance. - M.: Sining, 1980. - 257 p.

5) Kasaysayan ng sining: Renaissance. - M.: AST, 2003. - 503 p.

6) Yaylenko E.V. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 p.

7) Yaylenko E.V. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 p.

8) Livshits N.A. French art 15-18 siglo. L., 1967.

9) Petrusevich N.B. Sining ng France 15-16 na siglo. M., 1973.

10) Kamenskaya T.D. Novoselskaya I.N. Pagguhit ng Pranses 15-16 na siglo. L., 1969.

Nai-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Mga tampok ng Renaissance. Ang paglitaw ng kultura ng Renaissance sa Netherlands. Ang mga gawa nina Pieter Bruegel at Jan van Eyck. Portrait technique ni Francois Clouet. Mga gawa ng mga masters ng Fontainebleau school. Mga natatanging katangian ng kulturang sining Hilagang Renaissance.

course work, idinagdag noong 09/30/2015

pangkalahatang katangian Renaissance, ang mga natatanging katangian nito. Ang mga pangunahing panahon at ang Renaissance man. Pag-unlad ng isang sistema ng kaalaman, pilosopiya ng Renaissance. Mga katangian ng mga obra maestra ng artistikong kultura mula sa panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng sining ng Renaissance.

malikhaing gawain, idinagdag noong 05/17/2010

Periodization ng Renaissance at ang mga katangian nito. Ang pagka-orihinal ng materyal na kultura ng Renaissance. Ang likas na katangian ng paggawa ng mga bagay ng materyal na kultura. Ang mga pangunahing tampok ng estilo at artistikong hitsura ng panahon. Mga tampok na katangian ng materyal na kultura.

course work, idinagdag noong 04/25/2012

Pag-unlad ng artistikong kultura ng Renaissance sa Italya. Ang landas ng buhay at gawain ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo Buonarroti. Ang gawain ng mga dakilang masters ng late Renaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto. Sining ng Mataas na Renaissance.

abstract, idinagdag 03/13/2011

Socio-economic prerequisites, espirituwal na pinagmulan at katangian ng karakter Kultura ng Renaissance. Ang pag-unlad ng kulturang Italyano sa panahon ng Proto-Renaissance, Early, High at Late Renaissance. Mga tampok ng panahon ng Renaissance sa mga estado ng Slavic.

abstract, idinagdag noong 05/09/2011

Pagtukoy sa antas ng impluwensya ng Middle Ages sa kultura ng Renaissance. Pagsusuri ng mga pangunahing yugto sa pag-unlad ng artistikong kultura ng Renaissance. Mga natatanging katangian ng Renaissance sa iba't ibang bansa sa Kanlurang Europa. Mga tampok ng kultura ng Belarusian Renaissance.

course work, idinagdag 04/23/2011

Renaissance bilang isang panahon sa kasaysayan ng Europa. Ang kasaysayan ng paglitaw ng hindi pangkaraniwang bagay na ito, mga tampok ng maagang Renaissance. Ang pag-usbong ng Renaissance sa Netherlands, Germany at France. Northern Renaissance sining, agham, pilosopiya at panitikan. Arkitektura at musika.

pagtatanghal, idinagdag noong 12/15/2014

Kronolohikal na balangkas ng Renaissance, ang mga natatanging tampok nito. Ang sekular na katangian ng kultura at ang interes nito sa tao at sa kanyang mga gawain. Mga yugto ng pag-unlad ng Renaissance, mga tampok ng pagpapakita nito sa Russia. Ang muling pagkabuhay ng pagpipinta, agham at pananaw sa mundo.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/24/2015

Humanismo bilang isang ideolohiya ng Renaissance. Mga pagpapakita ng humanismo sa iba't ibang panahon. Mga natatanging katangian ng Renaissance. Ang malikhaing aktibidad ng makatang Italyano na si Francesco Petrarca. Si Erasmus ng Rotterdam ay ang pinakamalaking siyentipiko ng Northern Renaissance.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/12/2016

Ang problema ng Renaissance sa modernong pag-aaral sa kultura. Mga pangunahing tampok ng Renaissance. Ang likas na katangian ng kultura ng Renaissance. Humanismo ng Renaissance. Malayang pag-iisip at sekular na indibidwalismo. Agham ng Renaissance. Ang doktrina ng lipunan at estado.

Ang simula ng French Renaissance ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-15 siglo. Ito ay nauna sa proseso ng pagbuo ng bansang Pranses at pagbuo ng isang pambansang estado. Sa trono ng hari ay ang kinatawan ng bagong dinastiya - Valois. Sa ilalim ni Louis XI, natapos ang pagkakaisa sa pulitika ng bansa. Ang mga kampanya ng mga haring Pranses sa Italya ay nagpakilala sa mga artista sa mga tagumpay ng sining ng Italyano. Ang mga tradisyon ng Gothic at mga ugali ng Dutch sa sining ay pinapalitan Italian Renaissance. Ang French Renaissance ay may katangian ng isang kultura ng korte, na ang mga pundasyon ay inilatag ng mga hari ng patron simula kay Charles V.

Ang pinakamalaking creator Maagang Renaissance Si Jean Fouquet (1420-1481) ay itinuturing na pintor ng korte nina Charles VII at Louis XI. Tinatawag din siyang dakilang master ng French Renaissance.

Siya ang una sa France na tuloy-tuloy na isinasama ang mga aesthetic na prinsipyo ng Italian Quattrocento, na ipinapalagay, una sa lahat, ng isang malinaw, makatuwirang pananaw sa totoong mundo at pag-unawa sa kalikasan ng mga bagay sa pamamagitan ng kaalaman sa mga panloob na batas nito.

Noong 1475 siya ay naging "pintor ng hari". Sa kapasidad na ito, lumikha siya ng maraming mga seremonyal na larawan, kabilang si Charles VII. Karamihan sa malikhaing pamana ni Fouquet ay binubuo ng mga miniature mula sa mga aklat ng oras, sa pagpapatupad kung saan minsan ay nakibahagi ang kanyang workshop. Ipininta ni Fouquet ang mga landscape, portrait, at painting ng mga makasaysayang paksa. Si Fouquet ay ang tanging pintor sa kanyang panahon na nagtataglay ng isang epikong pangitain ng kasaysayan, na ang kadakilaan ay naaayon sa Bibliya at sinaunang panahon. Ang kanyang mga miniature ay ginawa sa isang makatotohanang paraan at mga ilustrasyon ng libro, partikular sa edisyon ng “The Decameron” ni G. Boccaccio.

Sa simula ng ika-16 na siglo, ang France ang naging pinakamalaking absolutistang estado sa Kanlurang Europa. Ang maharlikang korte ay naging sentro ng buhay kultural, at ang mga unang connoisseurs at connoisseurs ng kagandahan ay ang mga malapit sa kanya at ang royal retinue. Sa ilalim ni Francis I, isang tagahanga ng dakilang Leonardo da Vinci, ang sining ng Italyano ay naging opisyal na fashion. Ang mga Italyano na mannerist na sina Rosso at Primaticcio, na inimbitahan ni Margaret ng Navarre, kapatid ni Francis I, ay nagtatag ng paaralang Fontainebleau noong 1530. Ang terminong ito ay karaniwang ginagamit upang ilarawan ang isang kilusan sa French painting na lumitaw noong ika-16 na siglo sa kastilyo ng Fontainebleau. Bilang karagdagan, ito ay inilapat sa mga gawa sa mga kwentong mitolohiya, kung minsan ay kaakit-akit, at sa masalimuot na mga alegorya na nilikha hindi kilalang mga artista at bumabalik din sa mannerism. Ang Paaralan ng Fontainebleau ay naging tanyag sa paglikha ng mga maringal na pandekorasyon na mga pintura ng mga ensemble ng kastilyo. Ang sining ng paaralang Fontainebleau, kasama ang sining ng Paris noong unang bahagi ng ika-17 siglo, ay gumanap ng isang transisyonal na papel sa kasaysayan ng pagpipinta ng Pransya: dito makikita ng isang tao ang mga unang sintomas ng parehong klasiko at baroque.

Noong ika-16 na siglo, inilatag ang mga pundasyon ng Pranses wikang pampanitikan at mataas na istilo. Ang makatang Pranses na si Joachin Du Bellay (c. 1522-1560) ay naglathala ng programmatic manifesto noong 1549, “The Defense and Glorification of the French Language.” Siya at ang makata na si Pierre de Ronsard (1524-1585) ay ang pinakakilalang kinatawan ng French poetic school ng Renaissance - ". Pleiades", na nakita ang layunin nito bilang pagtaas Pranses sa parehong antas sa mga klasikal na wika - Greek at Latin. Ang mga makatang Pleiades ay pinatnubayan ni sinaunang panitikan. Tinalikuran nila ang mga tradisyon ng panitikan sa medieval at hinahangad na pagyamanin ang wikang Pranses. Ang pagbuo ng wikang pampanitikan ng Pranses ay malapit na nauugnay sa sentralisasyon ng bansa at ang pagnanais na gumamit ng isang pambansang wika para sa layuning ito.

Ang mga katulad na uso sa pag-unlad ng mga pambansang wika at panitikan ay lumitaw sa ibang mga bansa sa Europa.

Kabilang sa mga namumukod-tanging kinatawan ng French Renaissance ay ang French humanist na manunulat na si François Rabelais (1494-1553). Ang kanyang satirical novel na "Gargantua at Pantagruel" ay isang encyclopedic cultural monument ng French Renaissance. Ang gawain ay batay sa mga katutubong libro tungkol sa mga higante na laganap noong ika-16 na siglo (ang mga higanteng Gargantua, Pantagruel, ang naghahanap ng katotohanan na si Panurge). Ang pagtanggi sa medieval asceticism, mga paghihigpit sa espirituwal na kalayaan, pagkukunwari at pagkiling, inihayag ni Rabelais ang humanistic ideals ng kanyang panahon sa mga kakatwang larawan ng kanyang mga bayani.

Ituro pag-unlad ng kultura Ang France noong ika-16 na siglo ay itinanghal ng dakilang humanist na pilosopo na si Michel de Montaigne (1533-1592). Mula sa isang mayamang pamilyang mangangalakal, nakatanggap si Montaigne ng isang mahusay na edukasyong makatao at, sa pagpilit ng kanyang ama, kumuha ng jurisprudence. Ang katanyagan ni Montaigne ay dinala sa kanya ng kanyang "Mga Eksperimento" (1580-1588), na isinulat sa pag-iisa ng kanyang kastilyo ng pamilya Montaigne malapit sa Bordeaux, na nagbigay ng pangalan sa isang buong direksyon ng panitikan ng Europa - essayism (French essai - karanasan). Ang aklat ng mga sanaysay, na minarkahan ng malayang pag-iisip at isang uri ng pag-aalinlangan na humanismo, ay naglalahad ng isang hanay ng mga paghatol tungkol sa pang-araw-araw na ugali at mga prinsipyo ng pag-uugali ng tao sa iba't ibang pagkakataon. Ibinahagi ang ideya ng kasiyahan bilang layunin ng pag-iral ng tao, binibigyang kahulugan ito ni Montaigne sa espiritung Epicurean - pagtanggap sa lahat ng ibinigay ng kalikasan sa tao.

Sa buong ika-15 siglo, sa isang kumplikadong makasaysayang kapaligiran na nailalarawan sa pyudal na pagkapira-piraso at ang mga kondisyon ng Daang Taon na Digmaan (1337-1453), ang mga pagbabago ay naganap sa larangan ng French fine art, na unti-unting nakakuha ng isang sekular na karakter.

Ang diwa ng Gothic, gayunpaman, ay tumagos nang malalim sa kamalayan ng mga tao, at ang mga panlasa, batay sa malalim na ugat na tradisyon ng Gothic, ay nabago nang napakabagal. Hanggang sa katapusan ng ika-16 na siglo. sa arkitektura ang medyebal-

Ang mga anyo ng High at Renaissance, at maging ang mga elemento ng Gothic ay napanatili sa eskultura at pagpipinta.

Marahil ang unang anyo ng sining kung saan ang mga makatotohanang tendensya ay lubos na ipinakita ay ang mga miniature ng libro. Sa mga ilustrasyon ng mga salmo, ebanghelyo, aklat ng mga oras, at makasaysayang mga talaan na nakikita natin ang isang bagong saloobin sa mundo sa paligid natin at isang paglipat mula sa isang kumbensiyonal na imahe tungo sa isang makatotohanan. Ang malapit na pansin sa kalikasan, ang pagnanais na pag-aralan ito at tularan ito ay humantong sa mga bagong pamamaraan sa paghahatid ng katotohanan: ang mga bagay at mga pigura ng tao ay naglalagay ng mga anino, ang mga malalawak na espasyo ay umuurong sa malayo, ang mga bagay ay nagiging mas maliit habang sila ay lumalayo at nakakakuha ng malabong mga balangkas. Sa kauna-unahang pagkakataon, sinimulan ng mga artista na ihatid ang kapaligiran ng liwanag-hangin at ang mekanika ng paggalaw ng katawan ng tao. Ganap na bagong mga hangarin sa sining ng Pranses noong ika-15 siglo. ipinahayag ang kanilang mga sarili sa gawain ng mga artista na nagtrabaho sa Tours, ang tirahan ng hari, ang pangunahing sentro ng kultura France noong panahong iyon. Ang Touraine ay tinawag na French Tuscany, at isang bagong istilo ng sining ng French Renaissance ang isinilang dito.

Isa sa pinakamahalagang Pranses na artista noong ika-15 siglo ay nanirahan at nagtrabaho sa Tours. -Jean Fouquet(1420-1477/81).

Si Fouquet ang unang Pranses na pintor na ang gawa ay malinaw na nagpakita ng interes sa pagkatao ng tao at ang paghahatid ng pagkakahawig ng larawan. Sa loob ng balangkas ng Gothic altarpiece, ang hindi mapag-aalinlanganang obra maestra ay ang "Melensky diptych", sa kaliwang pakpak kung saan ang donor (customer ng imahe ng altar) na si Etienne Chevalier at ang patron na si Saint Stephen ay inilalarawan, sa kanan - ang Madonna at bata. Ang mga nagpapahayag na mga figure ng donor at ang santo sa isang tatlong-kapat na pagkalat ay sumasakop sa halos buong eroplano ng larawan at, sa kabila ng ilang asetisismo ng mga imahe, ay hindi mukhang hiwalay at hindi makalupa. Ang espasyo sa likod ng kanilang mga figure ay minarkahan ng lalim, at ang kanilang mga mukha ay sa pamamagitan ng natural na carnation. Ang marmol na kaputian ng walang dugong mukha ng Madonna at ang katawan ng sanggol, sa kabaligtaran, ay tumingkad nang husto laban sa ganap na patag na background ng isang marangyang trono na sinusuportahan ng nagniningas na pula at maliwanag na asul na mga pigurin ng seraphim at mga kerubin. Kasabay nito, ang isang mataas na ahit na noo, isang maliit na bibig, puting balat, isang mahigpit na hinila na baywang, isang pose at isang kulay-abo-asul na damit na may isang ermine na damit ay mga katangian ng hitsura ng isang babae ng korte noong panahong iyon, lalo na mula noong ang imahe ng Madonna ay hindi walang larawang pagkakahawig sa minamahal ni Charles VII na si Agnes Sorel. Ang pagkakaibang ito sa pagitan ng seremonyal, sagradong sandali at pang-araw-araw na katotohanan ay katulad ng mga pamamaraan na ginamit ni Jan van Eyck sa kanyang mga pagpipinta sa altar (tingnan ang kasamang kulay).

Ang lumalagong relasyon sa kalakalan sa Italya, at pagkatapos ay ang mga kampanyang Italyano ng mga haring Pranses na sina Charles VIII at Francis I, ay nagbukas ng daan para sa malawakang pagtagos ng kultura ng Renaissance ng Italya sa France. Ang kakaiba ng French humanism ay natukoy sa pamamagitan ng koneksyon nito sa kapaligiran ng korte. Ito ay hindi isang kultura ng burgher, tulad ng sa Netherlands, ngunit isang kultura ng korte, at ang pagtangkilik ni Francis I sa sining ay nagbigay dito ng isang maharlikang overtones. Sa France, ang pinakamalaking pag-unlad ay nauugnay sa sekular na pananaw sa mundo. sensationalism - pang-unawa sa pamamagitan ng sensasyon. Sa sining siya ay lubos na kinakatawan paaralan ng Fontainebleau at mga makata "Pleiades", Naakit ni Francis I ang pinakanaliwanagang mga tao ng France, mga makata, artista, at mga siyentipiko sa kanyang hukuman. Isang tagahanga ng sining ng Italyano, inimbitahan niya ang mga sikat na artista mula sa Italya, na, kahit na wala silang makabuluhang epekto sa sining ng Pransya, tiyak na nag-ambag sa pagtagumpayan ng mga tradisyon ng medieval dito. Ang dakilang Leonardo da Vinci ay gumugol ng huling tatlong taon ng kanyang buhay sa korte ni Francis I.

Ang pinakaganap at malinaw na advanced na mga ideya ng French Renaissance ay nakapaloob sa panitikan. Nagkaroon ng literary circle sa royal court. Ang kapatid ng hari na si Margaret ng Navarre, na siya rin ay isang natatanging manunulat (ang kanyang panulat ay ang sikat na "Heptameron", na isinulat bilang imitasyon ng "Decameron") ni Boccaccio, ay nagtipon sa paligid ng kanyang mga manunulat at makatao na makata, na kung saan ang mga gawa ay lalong malinaw ang tunog ng mga bagong ideya at adhikain. Ito ay sina Rabelais, Ronsard, Montaigne, na ang mga gawa, walang alinlangan, ay nag-ambag sa pagbabago ng lipunan sa bagong daan.

Francois Rabelais(1494-1553) ay pinakadakilang kinatawan Ang French Renaissance, ang kanyang nobelang "Gargantua at Pantagruel" ay gumanap ng parehong papel sa kultura ng France bilang " Ang Divine Comedy» Dante sa Italy, i.e. malaki ang naiambag sa mabilis na pag-unlad ng mga ideyang makatao na katangian ng Renaissance.

Ang balangkas ay kinuha ni Rabelais mula sa katutubong panitikan, na mula sa aklat na “Great and Inestimable Chronicles of the Great and Huge Giant Gargantua.” Ginawa ni Rabelais na mga higante ang mga bayani, na pinagkalooban sila ng lawak ng kaluluwa at saklaw na likas, gaya ng karaniwang pinaniniwalaan, sa malalaking tao; Ang katawa-tawa at bastos na katutubong katatawanan ang naging batayan ng istilo ng pagsulat ni Rabelais. Ang nobela mismo ay isang tunay na manifesto ng French Renaissance.

Ito ay isang masigasig na himno sa mga bagong ideya sa larangan ng edukasyon, kung saan ang mga taong lumikha bagong kultura, nagbigay ng marami pinakamahalaga, dahil nilayon nitong ihanda ang isang tao mula sa maagang pagkabata upang madama ang kulturang ito. Rabelais, batay sa pagsasanay sa pagtuturo Ang mga Italian humanists, ay naglatag ng batayan para sa pampublikong edukasyon sa dalawang prinsipyo: una, ang isang tao ay dapat tumanggap hindi lamang ng kaalaman, kundi pati na rin ang pisikal na edukasyon, at pangalawa, sa sistema ng edukasyon, ang iba't ibang mga disiplina ay dapat na kahalili - humanities at natural na agham, interspersed sa libangan . Sa pagdedeklara ng programang ito, sabay-sabay na inatake ni Rabelais ang mga eskolastiko at teologo sa buong lakas ng kanyang walang pigil na panunuya bilang kuta ng ideolohikal ng lumang mundo.

Ang imahe ni Pantagruel, na nagpapakilala sa huwarang monarko at perpektong tao, sa isang tiyak na lawak ay sumasalamin sa mga birtud na walang alinlangan na taglay ng mga naliwanagang monarch na sina Francis I at Henry II sa buhay ng Korte ay nag-obligar sa manunulat na sundin ang mga panlasa ng monarko, purihin ang kanyang pagmamataas, ngunit sa parehong oras ay nagbigay ng pagkakataon na maimpluwensyahan ang mga panlasa na ito. Kahit na ang makata na si Ronsard ay lumikha ng mga gawa kung saan, niluluwalhati ang bahay ni Valois, nanawagan siya sa hari na gabayan sa buhay at mga gawa ng matataas na prinsipyo at mga birtud.

Sa pagkamalikhain Pierre de Ronsard(1524-1585) at mga humanistang manunulat na nagkaisa sa bilog na pampanitikan na "Pleiades" ("Pitong Bituin"), ang mga tula ng Renaissance ng Pransya ay umabot sa rurok nito. Ang "Pleiades" ay binubuo ng pitong manunulat na tiyak na lumabag sa mga tradisyon ng panitikan sa medieval, nakita ang pinagmumulan ng perpektong kagandahan sa sinaunang at modernong Italyano na tula at ipinagtanggol ang mga karapatan ng Pranses Pambansang wika. Ang pinakamahalagang malikhaing legacy ng Pleiades ay ang liriko na tula, kung saan natuklasan ng mga makata, ang una sa kanila ay si Ronsard, ang kanilang talento na may kapansin-pansing kinang. Sa "Hymn of France" ipinahayag niya:

Nabihag sa edad na dalawampu't isang walang malasakit na kagandahan, nagpasya akong ibuhos ang aking taos-pusong init sa mga tula, Ngunit, sang-ayon sa damdamin ng wikang Pranses, nakita ko kung gaano ito bastos, hindi malinaw, at pangit. Pagkatapos para sa France, para sa aking sariling wika, nagsimula akong magtrabaho nang matapang at mahigpit:

Ako ay nagparami, muling nabuhay, nag-imbento ng mga salita,

At ang nilikha ay niluwalhati ng bulung-bulungan.

Napag-aralan ko ang mga sinaunang tao, natuklasan ko ang aking landas,

Nag-ayos siya ng mga parirala, iba't ibang pantig,

Natagpuan ko ang istraktura ng tula - at sa pamamagitan ng kalooban ng mga muse,

Tulad ng Romano at Griyego, naging dakila ang Pranses.

Sa mga odes ni Ronsard mayroong isang matahimik, paganong pakiramdam ng kalikasan:

Ipinapadala ko sa iyo ang mga linyang ito, Libreng pastulan, bukid,

Ikaw, mga kuweba, batis, kakahuyan, tamad na ilog,

Ikaw, na bumabagsak mula sa bangin, nagpapadala ako ng batis sa padyak

Susi ng bundok. Aking kanta.

Sa Sonnets 1, pinayaman ni Ronsard ang French na tula gamit ang isang bagong metro na kilala bilang linya ng Ronsard:

Punasan mo, aking pahina, na may walang awa na kamay ang enamel ng tagsibol na pinalamutian ang hardin, ang scree sa buong bahay, ibuhos dito ang aroma ng mga bulaklak at mga halamang gamot na namumulaklak sa ibabaw ng ilog.

Bigyan mo ako ng lira! Ako ay tune ang mga string upang pahinain ang hindi nakikitang lason, kung saan ang isang sulyap ay sumunog sa akin, hindi mapaghihiwalay na namumuno sa akin.

Tinta, papel - ibigay sa amin ang lahat ng mga supply! Sa isang daang papel, hindi nasisira gaya ng brilyante, nais kong makuha ang aking pananabik,

At ang tahimik kong tinutunaw sa aking puso - Ang aking mapanglaw, ang aking tahimik na kalungkutan - Ang mga susunod na henerasyon ay maghihiwalay.

Sa ilalim ni Francis I, nagsimula ang pagtatayo sa buong France. Mga arkitekto ng Pranses noong ika-16 na siglo. lumikha ng orihinal na bersyon ng pambansang arkitektura ng Renaissance. Ang pagkakaroon ng bumaling sa mga sinaunang anyo ng arkitektura at ang karanasan ng Italya, hindi nila pinabayaan ang pag-imbento ng kanilang mga ninuno. Ang kumbinasyon ng mga tradisyunal na matarik na bubong na may mga bintanang lucarne (isang pagbubukas ng bintana sa bubong ng attic) at matataas na mga tsimenea, mga spire, mga tore na may maayos na pagproseso ng mga dingding ay naging katangian. Ang batayan ay kinuha mula sa isang lumang kastilyo, na itinayo mula sa ginupit na limestone kasama ng ladrilyo, at itinayong muli sa isang bagong paraan sa mga anyong arkitektura ng matataas na klasiko. Ang kastilyo ay nagpapanatili ng parehong polygonal na plano, ang mga pader ng kuta ay binuwag, at ang mga facade ng mga gusali ay nakaharap sa paligid, ngunit ang isa ay maaaring makapasok sa loob ng kastilyo sa pamamagitan ng mabibigat na gateway na may mga tore. Ang patayong direksyon ng gusali ay pinalambot ng malawakang paggamit ng isang entablature, malaking halaga pinahabang mga bintana; ang karaniwang palamuti ng Gothic ay pinalitan ng mga medalyon, pilasters, dahon ng acanthus, nakoronahan na mga salamander - ang sagisag ni Francis I.

Maraming katulad na kastilyo ang nilikha noong unang kalahati ng ika-16 na siglo. sa Loire Valley, sa mga maharlikang tirahan. Ito ang mga kastilyo ng Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. Ang pinakamahalagang yugto ng kulturang Pranses ay nauugnay sa pagtatayo ng kastilyo sa Fontainebleau.

Soneto - isang matibay na anyo ng versification, na binubuo ng dalawang quatrains at dalawang tercets.

Kastilyo ng Fontainebleau. Arch. J. Lebreton. France

Sa ikalawang kalahati ng kanyang paghahari, inilipat ni Francis I ang sentro ng aktibidad ng konstruksiyon na mas malapit sa Paris, sa makasaysayang rehiyon ng Ile de France. Ang kastilyo, na lumalago sa loob ng maraming siglo, ay isang medyo magulong gusali, ang arkitekto ay nagsagawa ng pagbabago nito noong 1528. Jules Lebreton. Kasunod nito, ang kastilyo ay muling itinayo nang maraming beses, ngunit ang mga pangunahing bahagi nito, na itinayo sa ilalim ni Francis I, ay napanatili. Ito ang tinatawag na Oval Court, na napapaligiran ng mga apartment ng hari, kabilang dito ang sikat na ballroom (galerya ni Henry II).

Ang isang gallery ay idinagdag sa kanila, na tinatawag na gallery ng Francis I, sa isang gilid na bumubuo ng patyo ng Pinagmulan, na bumubukas sa isang malawak na lawa, at sa kabilang banda - ang patyo ni Diana na may mga bulaklak na kama at isang eskultura ni Diana sa gitna. Ang pangunahing gusali, na patayo sa gallery, ay isinara ang parehong mga courtyard na ito at nakaharap sa White Horse courtyard - ang lugar ng mga pagdiriwang at mga paligsahan. Nagpakita ito ng mga tampok na karaniwan sa arkitektura ng French Renaissance na naging tukoy para sa lahat ng mga order na gusali: square masonry at rusticated cladding, pagpapalit ng mga round tower na may mga rectangular wall projection. - risalits 1 na may naka-highlight na sentro sa kahabaan ng harapan, paghahati ng sahig sa pamamagitan ng mga pahalang na cornice.

Ang pinakamayamang aklatan ng hari, isang koleksyon ng mga antigo, mga obra maestra nina Raphael at Leonardo da Vinci ay dinala sa Fontainebleau. Upang palamutihan ang interior, inimbitahan ni Francis I ang mga Italian mannerist artist na sina Rosso, Primaticcio, at Cellini. Nakakita sila ng mga tagasunod sa mga Pranses na artista na bumuo ng tinatawag na paaralan ng Fontainebleau.

Ang pinakamalaking kinatawan ng Mannerism na nagtrabaho sa Fontainebleau ay ang Florentine artist na si Giovanni Baggista di Jacopo, na binansagan para sa kanyang kulay ng buhok Rosso Fiorentino(1493-1541) - pula ang buhok na Florentine. Follower ni Andrea del

1 Rizalit(mula sa Italian risalita - protrusion) - bahagi ng gusali na nakausli sa kabila ng pangunahing linya ng harapan.

Rosso Fiorenpsno. Gallery ng Francis I. Castle ng Fontainebleau

Sarto at Michelangelo, si Rosso ay lumikha ng kanyang sariling istilo, na nakikilala sa pamamagitan ng matinding pagpapahayag, na binuo sa isang kumbinasyon ng mga pinahabang figure, matalim na kaibahan, matalim na anggulo. Ang istilong ito ay higit sa lahat ay tumutugma sa aristokratikong diwa ng French humanism, ang umiiral na mga ideya tungkol sa kagandahan, na nagpapanatili sa "Gothic curve" at alegorikal na kalikasan.

Ang pangunahing gawain ni Rosso sa Fontainebleau, at ang tanging nakaligtas, ay ang disenyo ng gallery ni Francis I. Ang oak parquet, lampara sa kisame, at mga panel na umaabot sa gitna ng dingding sa "paraang Pranses" ay ginawa ayon sa Ang mga guhit ni Rosso ng mga gumagawa ng cabinet. Ang itaas na bahagi ng mga dingding ay pininturahan ng mga fresco na naka-frame ng pandekorasyon na iskultura. Ang kakaibang pahabang mga pigura sa mga ito ay tila naka-flatten dahil sa napakaliwanag na mga kulay at ang mga malikot, magkakaugnay na mga linya ng komposisyon. Ang pakiramdam ng ethereal na kalikasan ng mga figure na ito ay pinahusay sa pamamagitan ng kanilang kalapitan sa isang napakalaki, halos bilog, plaster sculpture na may maraming mga detalye: cartouches 1, garlands, figure ng tao. Ang gayong magkatugma na kumbinasyon ng "paraang Pranses" sa arkitektura, spatial na pagpipinta at volumetric na realistikong iskultura, na hindi pa ginagamit kahit saan hanggang noon, ay ang malikhaing imbensyon ni Rosso mismo. Ang gallery ay gumawa ng isang nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo nito, nagdulot ng maraming imitasyon at naging "progenitor" ng mga sikat na gallery ng Louvre at Versailles, na pinalamutian na sa istilong Baroque.

Ang artista mula sa Bologna, Francesco Primaticcio (1504-1570), na inanyayahan upang tulungan si Rosso, ay naging diktador ng artistikong panlasa ng paaralan ng Fontainebleau pagkatapos ng pagkamatay ng master. Pinalitan ni Primaticcio ang emphasized expressiveness ni Rosso ng isang mabagal at matamlay na mannerism, na nagtatag ng bagong canon kagandahan, pinagsasama ang pagkababae at panlalaking katangian. Ang paborito kong karakter ay si Diana, ang dalagang diyosa, matangkad at balingkinitan. Ang pinakamagandang imahe niya ay itinuturing na mula sa Louvre

1 Cartouche - palamuti sa anyo ng isang kalasag o half-unfolded scroll.

"Diana the Huntress," na nauugnay sa personalidad ng sikat na kagandahan at pinakamakapangyarihang paborito ni Henry II, Diana de Poitiers.

Medyo katangian ng kultura ng korte ng Pransya ay isang pagsasanib ng tula at pagpipinta, na nag-iiba sa parehong paksa.

Ang isang halimbawa ay ang maikling kwentong “The Carriage” ni Margarita ng Navarre, na naglalarawan kung paano siya sumakay sa kabayo sa mga parang, tinatamasa ang rural landscape, at nakikipag-usap sa mga ordinaryong tao na nagtatrabaho sa bukid. Tatlong marangal na babae na umuusbong mula sa kagubatan ay nagreklamo tungkol sa kanilang pagdurusa sa pag-ibig. Napakatalino ng kanilang kwento, napakaretorika ng kanilang mga pagbubuhos at sinabayan ng napakaraming luha na naging maulap ang langit at bumuhos ang malakas na ulan sa lupa, na sumabad sa mala-elehiyang paglalakad na ito.

Ang parehong eksena ay inilalarawan sa isang magandang ukit Bernard Solomon, at ginamit ni Primaticcio sa pagdekorasyon sa ballroom ni Henry II Dito naabot ang pinakamataas na sukdulan ng kahanga-hangang dekorasyon ni Primaticcio. Hindi lamang siya bumaling sa mga eksena mula sa Ovid's Metamorphoses, na umalingawngaw sa maaliwalas at magagandang pigura ng mga babae, kundi pati na rin sa mga bucolic na eksena kung saan ang mga magagandang landscaper at kababaihang magsasaka ay kumakatawan sa idyll ng paggawa ng magsasaka.

Kapag pinalamutian ang ballroom, inabandona ng artista ang iskultura, pinalitan ito ng mga ginintuang baguette na pinalakas nito ang papel ng pagpipinta at ipinakilala ang higit na geometriko at higpit sa disenyo ng bulwagan.

Sa pagpipinta ng mga interior ng palasyo at sa eskultura na nag-frame ng mga kuwadro na gawa, ang mga tampok na istilo ng paaralang Fontainebleau ay malinaw na nakikita. Una, ang kagustuhan ay ibinigay sa historikal, mitolohiya at alegorikal na mga paksa. Ngunit ang mga pana-panahong eksena ng paggawa ng magsasaka, na karaniwan sa mga lumang French miniature, ay nauso din. Pangalawa, sinimulan nilang ilarawan ang mga hubad na babaeng figure, na hanggang sa oras na iyon ay hindi pa natagpuan sa mga gawa ng mga Pranses na artista. Kasabay nito, ang mga kaakit-akit na imahe ay binigyan ng isang pino, sadyang sekular na karakter, ganap na walang init ng tao, dahil sa hindi katimbang na pinahabang "mga figure na tulad ng ahas". Pangatlo, ang mga paboritong kulay ay naging maliwanag, halos transparent na maputlang rosas, mala-bughaw-asul, malambot na berdeng mga tono, naaayon sa mannerist na mga ideya tungkol sa pino, pino, ethereal, marupok na kagandahan.

Ang isang kilalang kinatawan ng estilo ng Fontainebleau sa iskulturang Pranses ay si Zhian Goujon(1510-1568). Ang kanyang pinaka-espiritwal na gawain ay ang nilikha niya sa mga sinaunang anyo kasama Pierre Lescaut(1515-1578) "Fountain of the Innocents." Para sa fountain, gumawa si Goujon ng mga relief ng mga nymph, na ang mga pinahabang nababaluktot na figure ay nakasulat sa makitid, pinahabang mga slab. Ang kanilang walang timbang at kaaya-ayang paggalaw ay sinasabayan ng magaan na nakabalot na tunika na parang umaagos na tubig. Ang mga figure na ito - isang uri ng simbolo ng lasa ng panahon - ay nauugnay sa mga imahe ng tula ni Ron Sarov:

Nakilala ko ang isang dryad sa isang bukid noong tagsibol. Siya ay nasa isang simpleng damit, sa pagitan ng mga bulaklak, Hawak ang isang bouquet na may pabaya na mga daliri, Naglakad siya sa harap ko na parang isang malaking bulaklak...

Ang pangalan ng Goujon ay nauugnay sa sculptural na disenyo ng western façade ng Louvre, na itinayo ni Pierre Lescaut at itinuturing na korona ng Renaissance architecture sa France. Ang eskultura ay puro sa frame ng mga bintana sa ikatlong palapag at sa mga risalits. Ang mga alegorya na pigura ng digmaan at kapayapaan ay nakabalangkas sa mga bilog na bintana sa itaas ng mga pasukan, mga larawang pantulong ng mga diyos, nakadena na mga alipin at may pakpak na mga henyo na may hawak na kalasag. itaas na bahagi risalits.

J. Goujon. Mga nimpa. Fountain of the Innocents. Paris

Dinisenyo din ni Goujon ang mga interior ng palasyo: ang diyosa na si Diana, mga faun at favness, usa at aso ay naging bahagi ng marangyang palamuti ng Staircase of Henry II; sa Swedish Hall, gumawa si Goujon ng isang tribune na sinusuportahan ng mga caryatids, katulad ng mga estatwa ng Athenian Erechtheion.

Tinukoy ng aesthetic ideals ni Goujon ang kakaiba ng kanyang trabaho, na binubuo sa katotohanan na hindi siya nag-sculpt ng isang solong larawan, na nagdidirekta sa lahat ng kanyang talento sa paglikha ng isang pangkalahatan, perpektong magandang imahe.

Kasabay ng pag-unlad ng arkitektura, pagpipinta at eskultura sa XV-XVI siglo. Ang mga pandekorasyon at inilapat na sining ay nakakamit ng makabuluhang tagumpay.

Ang sining ng paggawa ng enamel, na lumitaw sa timog ng France, sa Limoges, ay umabot sa mataas na pagiging perpekto noong ika-12 siglo. Ngunit kung mas maaga ang paggawa ng mga pininturahan na enamel ay nagsilbi sa mga pangangailangan ng simbahan, ngayon ito ay pangunahing mga produkto para sa mga sekular na layunin.

Ang mga nilikha noong ika-16 na siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pambihirang pagka-orihinal. mga gamit sa lupa. Ang pinakamahalagang lugar sa larangan ng paggawa ng earthenware noong panahong iyon ay inookupahan ng Bernard Palissy(1510-1590), na lumikha ng faience, na tinawag niyang "country clay". Mula sa faience na ito gumawa siya ng malalaking pinggan, plato, tasa, napakalaking at mabigat, ganap na tinatakpan ang mga ito ng mga relief na larawan ng mga butiki, ahas, crayfish, snails, butterflies, dahon, shell, na matatagpuan sa isang asul o kayumanggi na background. Ang mga produkto ng Palissy, na idinisenyo sa rich brown, green, greyish, blue at white tones, ay hindi pangkaraniwang pampalamuti.

Gayunpaman, Pranses kultura ng sining siglo XVI ay hindi limitado sa maligaya at masayang muling pagbabangon ng sinaunang panahon. Kaayon nito ay nagkaroon ng muling pagkabuhay ng medyebal na tradisyon, na hindi kailanman ganap na naantala. Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. Ang takbo ng Gothic sa sining ng Renaissance ng Pransya ay nakakakuha ng momentum at napaka-katangi-tanging makikita sa gawain ng iskultor. Germaine Pilon(1535-1605), na nagsalita sa libingan ng simbahan-

walang plastic surgery. Ang kanyang pananaw sa mundo ay naaayon sa medieval na pananabik para sa kabilang buhay, na makikita sa Gothic na "Dances of Death" - mga fresco sa mga dingding Mga sementeryo ng Pransya. Ang kamatayan ay lumitaw doon sa nakakatakot na realismo ng isang buhay na balangkas at hinarap ang tao sa madilim na tula ni Clément Moreau:

Ang espiritu ay parang apoy, at ang katawan ay parang tatak,

Ngunit ang espiritu ay nagsusumikap para sa langit, at ang katawan ay nagsusumikap para sa alabok.

Ito ay isang madilim, mapoot na piitan,

Kung saan ang bihag na espiritu ay malungkot tungkol sa maliwanag na taas.

Ang mga gawa ni Pilon ay nakikilala sa pamamagitan ng maharlikang karangyaan, ngunit ang mga ideya sa medieval tungkol sa kabutihan ay lalong nagpasakop sa ideyal ng kadakilaan ng Renaissance, kaya ang naturalismo at sinaunang mga mithiin ay magkakasamang umiral sa kanyang malikhaing istilo. Kaya, sa lapida ni Valentina Balbiani, siya ay inilalarawan sa takip ng sarcophagus sa isang kahanga-hangang balabal, na may isang maliit na aso, at ang bas-relief sa sarcophagus na may nakakasuklam na realismo ay nagpakita sa kanya na nakahiga sa isang kabaong, hubad at naagnas, halos parang balangkas. Sa libingan nina Henry II at Catherine de Medici sa Abbey Church of Saint-Denis, sa tuktok ng funerary chapel sila ay kinakatawan sa royal vestments, nakaluhod, at sa ibaba, sa ilalim ng vault nito, hubad, pinagkaitan ng kanilang dating karilagan, tulad ng mga labi ng ilang pulubi. Ang mga makatotohanan, walang palamuti na mga larawang ito ay sumasalamin sa madilim na kalagayang likas sa buong Kanluraning mundo noong panahon ng Kontra-Repormasyon.

Ang Renaissance ay isang makabuluhang yugto sa pag-unlad ng kulturang Pranses. Sa panahong ito, mabilis na umuunlad ang relasyong burges sa bansa at lumalakas ang kapangyarihang monarkiya. Ang relihiyosong ideolohiya ng Middle Ages ay unti-unting itinutulak sa background ng humanistic worldview. Ang sekular na sining ay nagsisimulang maglaro ng isang malaking papel sa buhay kultural ng France. Ang pagiging totoo ng sining ng Pranses, koneksyon sa kaalamang pang-agham, at pag-akit sa mga ideya at larawan ng sinaunang panahon ay naglalapit dito sa Italyano. Kasabay nito, ang Renaissance sa France ay may kakaibang hitsura, kung saan ang Renaissance humanism ay pinagsama sa mga elemento ng trahedya na ipinanganak ng mga kontradiksyon ng kasalukuyang sitwasyon sa bansa.

Ang isa sa pinakamalaking kinatawan ng French Renaissance ay ang artist na si Enguerrand Charonton, na nagtrabaho sa Provence, na nagpinta ng mga monumental at compositionally complex na mga canvases kung saan, sa kabila ng relihiyosong tema, malinaw na nagpahayag ng interes sa tao at sa katotohanan sa paligid niya ("Madonna of Mercy ”, “Koronasyon ni Maria” , 1453). Bagama't ang mga pintura ni Sharonton ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagkadekorasyon (pinong mga linya na nagkokonekta sa isang mapanlikhang palamuti, simetriko na komposisyon), ang mga detalyadong pang-araw-araw na eksena, mga tanawin, at mga pigura ng tao ay sumakop sa isang mahalagang lugar sa kanila. Sa mukha ng mga santo at ni Maria, mababasa ng manonood ang mga damdamin at kaisipang nagtataglay sa kanila, at maraming natututuhan tungkol sa katangian ng mga bayani.

Malaking interes ang mga magagandang tanawin na inilalagay ni Jean Clouet the Elder sa mga komposisyon na may mga relihiyosong tema. Sa tabi ng mga figure ng mga santo sa mga gawang ito ay mga portrait na larawan ng mga customer. Halimbawa, sa canvas na "The Nativity" (1480), sa kanan ni Maria ay makikita mo si Chancellor Rolin na nakatiklop ang kanyang mga kamay sa panalangin.

Ang pinakamalaking pintor sa panahong ito ay si Jean Perreal, na namuno sa paaralan ng pagpipinta ng Lyon. Siya ay hindi lamang isang pintor, ngunit isa ring manunulat, arkitekto, at matematiko. Ang kanyang katanyagan ay lumampas sa France at kumalat sa England, Germany, at Italy. Naglingkod si Perreal sa ilalim ni Haring Charles VIII at Francis I, at sa Lyon siya ay nagsilbi bilang isang eksperto sa konstruksiyon. Ang ilan sa kanyang mga gawa sa larawan ay napanatili, kabilang ang larawan ni Mary Tudor (1514), Louis XII, at Charles VIII. Isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Perreal ay ang kaakit-akit at patula na "Girl with a Flower." Kawili-wili din ang kanyang mga kuwadro na gawa ng katedral sa Puy, kung saan, kasama ang mga relihiyoso at sinaunang mga imahe, ang artist ay naglagay ng mga larawan ng mga French humanist, kasama ng mga ito ang imahe ni Erasmus ng Rotterdam ay namumukod-tangi.

Ang mga sentro ng kultura ng Renaissance ay mga lungsod tulad ng Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, at Lyon. Malaki ang ginampanan ni Haring Francis I sa pagpapalaganap ng mga ideya sa Renaissance, na nag-aanyaya sa mga Pranses na artista, makata, at siyentipiko sa kanyang hukuman. Nagtrabaho sina Leonardo da Vinci at Andrea del Sarto sa korte ng hari nang ilang taon. Nagkaisa ang mga makata at humanist na manunulat sa kapatid ni Francis, si Margarita ng Navarre, na nakikibahagi sa mga aktibidad sa panitikan, na nagsusulong ng mga bagong pananaw sa sining at sa kaayusan ng mundo. Noong 1530s. Itinatag ng mga Italian Mannerist ang isang paaralan ng sekular na pagpipinta sa Fontainebleau, na may malaking impluwensya sa pag-unlad ng French fine art.

Malaking interes ang portrait art ng panahong ito. Ipinagpatuloy ng mga pintor ng larawan ng Pransya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga master ng ika-15 siglo, at higit sa lahat sina Jean Fouquet at Jean Clouet the Elder.

Ang pinakamalaking pintor ng larawang Pranses sa panahong ito ay si Jean Clouet the Younger.

Ang mga simple at tapat na larawan ng mga bata at lalaki ni Corneille de Lyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang ipakita ang lalim ng panloob na mundo ng modelo, pagiging totoo at pagiging natural ng mga pose at kilos ("Portrait of a Boy", "Portrait of an Unknown Man with a Itim na Balbas”).

Ang muling pagkabuhay ng sining sa teatro sa France ay naganap noong ika-15 at ika-16 na siglo. Bago ang Renaissance, ang teatro ng Pransya ay umiral sa tatlong anyo: misteryo, mapaghimala at liturhikal na drama. Ngunit, sa esensya, ang mga aksyong ito sa entablado ay may kaunting pagkakahawig sa sining ng teatro. Ang mga pagtatanghal ay ginanap nang hindi propesyonal at hindi inihayag panloob na mundo mga bayani. Ang bawat uri ng teatro ng Pransya noong ika-15 siglo ay may sariling katangian at layunin.

Ang misteryo noon produksyon ng teatro, kung saan ang mga relihiyosong plot ay bahagyang natunaw ng mga nakakatawang eksena sa araw-araw.

Ang liturgical drama, sa kabaligtaran, ay nagsadula ng mga indibidwal na yugto ng eksklusibo mula sa Ebanghelyo. Ang mga pagtatanghal na ito ay inayos sa panahon ng mga serbisyo ng Pasko ng Pagkabuhay at Pasko.

Ang himala ay isang drama na may relihiyoso at nakapagpapatibay na nilalaman. Ang batayan ng himala ay isang "himala" na ginawa ng isa sa mga santo, kadalasan ang Birheng Maria.

Ang Miracles and Mysteries ay napakapopular sa mga tao at umakit ng malaking audience. Ang mga pagtatanghal na ito ay inorganisa ng mga baguhang artista sa mga lansangan, mga parisukat at mga pamilihan. Ang mga aktor ay patuloy na lumipat mula sa lungsod patungo sa lungsod, dahil wala silang tropa o espesyal na lugar.

Paglipat patungo sa kahusayan

Ang French performing arts ay hindi propesyonal sa napakatagal na panahon. Ngunit, sa kabila nito, ang mga tunay na "caste" ay lumitaw sa mga aktor at nagsimula ang pagbuo ng isang tiyak na "layer" ng mga propesyonal na artista.

Nasa ikalawang kalahati na ng ika-16 na siglo, ang sining sa teatro sa France ay sumailalim sa propesyonalisasyon. Kasunod nito, nagkaroon ng pangangailangan para sa naaangkop na disenyo, iyon ay, sa permanenteng lugar para sa mga pagtatanghal. Bilang karagdagan sa mga espesyal na gusali, ang teatro ay nangangailangan ng pag-update ng repertoire nito at mga bagong kagamitan sa entablado.

Ang unang pambansang teatro ay itinayo noong 1548 sa Paris at tinawag na "Burgundy Hotel". Sa entablado nito, tulad ng dati, itinanghal ang iba't ibang mga dula sa diwa ng Italyano at mga pagtatanghal batay sa mga tema ng relihiyon at komedya. Ngunit ang gayong mga pagtatanghal ay hindi na nasiyahan sa madla, at humingi sila ng bago at sariwa. Bilang resulta, lumitaw ang dramaturgy at na-update ang repertoire. Ang mga gawa sa entablado ay isinulat para sa isang tiyak na tropa, na isinasaalang-alang ang husay ng direktor at mga aktor.

Noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang mga pagtatanghal ng Pranses ay nagsimulang maghalo ng ilang mga theatrical genre: trahedya, farce, tragicomedy, pastoral at iba pa. Ang pag-unlad ng sining ng pagtatanghal ay naganap sa napakabilis na bilis at nabago sa isang mas aesthetic at perpektong anyo.

I-download ang aklat na Svechin A.A. Diskarte sa tagumpay mula kay Alexander Andreevich Svechin Paghahanda ng isang armadong prente

Mga kagamitang elektrikal 2024-04-08 02:01:24

Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong