Sa tulong ng mga Japanese storytellers o singer na sinamahan ang kanilang mga sarili sa pagtatanghal. Ang pinakamalapit na European analogue ng shamisen ay. Shamisen kasama ang hayashi at shakuhachi flute, tsuzumi drum at . Tumutukoy sa tradisyonal na mga instrumentong pangmusika ng Hapon.

Ang pangalan ay kaibahan sa genre ng bunraku at kabuki music - nagauta (mahabang kanta). Ang pinakakilala at pinakamasalimuot sa mga istilo ng pagganap ay ang Gidayu, na pinangalanan sa Takemoto Gidayu (1651-1714), isang pigura teatro ng papet bunraku mula sa Osaka. Ang mga instrumento at plectrum ni Gidayu ang pinakamalaki, at si Gidayu mismo ay parehong mang-aawit at komentarista sa mga nangyayari sa entablado. Napakasalimuot ng gawain ng mananalaysay kaya sa kalagitnaan ng pagtatanghal ay nagbabago ang guidayu. Dapat na alam ng tagapagsalaysay ang teksto at himig na ganap na tiyak. Mula noong ika-19 na siglo, lumitaw din si onna-gidayu, mga babaeng mananalaysay.

Pinagmulan

Ang Shamisen sa orihinal nitong anyo ay nagmula sa kailaliman ng Kanlurang Asya, mula roon ay dumating ito sa Tsina (ika-13 siglo), kung saan natanggap nito ang pangalang "sansian", pagkatapos ay lumipat sa Ryukyu Islands (modernong Okinawa) at mula doon lamang dumating sa Japan. . Ang kaganapang ito ay napakalinaw na ipinahiwatig sa kasaysayan - hindi tulad ng panahon ng paglitaw ng iba pang mga instrumentong pangmusika - at nagsimula noong 1562.

Ang hinalinhan ng shamisen ay ang sanshin, na nilalaro sa Ryukyu Kingdom, na sa oras na iyon ay naging isang prefecture. Sansin naman galing Intsik na instrumento Sanjian, na nag-evolve mula sa mga instrumento sa Gitnang Asya.

Ang shamisen ay isa ring mahalagang instrumento para sa mga naglalakbay na bulag na musikero ng gojo na lumitaw nang maaga sa Tokugawa shogunate.

Hindi tulad ng Europa, kung saan ang mga tradisyonal/antigong instrumento ay hindi gaanong natatanggap ng pansin, ang shamisen at iba pang tradisyonal na mga instrumento sa Japan ay malawak na kilala at minamahal. Ang katanyagan ay dahil hindi lamang sa paggalang ng mga Hapon para sa kanilang kultura at kasaysayan, kundi pati na rin sa paggamit ng mga pambansang instrumento, lalo na ang shamisen, sa tradisyonal na teatro ng Hapon - pangunahin sa Kabuki at Bunraku theater.

Ang shamisen ay naging pinakalaganap sa panahon ng Tokugawa, at ang kasanayan sa paglalaro nito ay kasama sa ipinag-uutos na programa sa pagsasanay para sa maiko - mga geisha ng mag-aaral. Iyon ang dahilan kung bakit madalas na tinatawag na "kuwarto kung saan hindi tumitigil ang shamisen."

Mga uri at aplikasyon

Mayroong ilang mga uri ng mga instrumento na naiiba sa bawat isa sa kapal ng leeg.

Mga tool na may makitid na leeg ay tinatawag hosozao at pangunahing ginagamit sa musika nagauta.

Mga tool na may gitnang fingerboard ang mga kapal ay tinatawag chuzao at ginagamit sa mga genre ng musika tulad ng kiyomoto, tokiwazu, jiuta atbp.

Sa hilagang Japan, lalo na sa lugar ng Tsugaru (kanlurang bahagi ng Aomori Prefecture), isang hiwalay isang uri ng shamisen na may makapal na leeg — Tsugarujamisen, paglalaro na nangangailangan ng espesyal na birtuosidad. Ang Tsugarujamisen na may pinakamakapal na bar ay tinatawag futozao at ginagamit sa joruri.

Device

Ang katawan ng shamisen ay isang kahoy na frame na mahigpit na natatakpan ng katad. Sa Ryukyu Islands, halimbawa, ang balat ng ahas ay ginamit, at sa Japan mismo ang balat ng pusa o aso ay ginamit para sa layuning ito. Ang katawan ay natatakpan ng katad sa magkabilang panig, kasama ang isang maliit na piraso ng katad na nakadikit sa harap na lamad upang maprotektahan ito mula sa mga suntok mula sa plectrum (bati).

Tatlong string na may iba't ibang kapal ay nakaunat sa pagitan ng mga peg at sa ibabang dulo ng fingerboard, na nakausli mula sa gitna ng ibabang bahagi ng katawan. Ang mga string ay gawa sa sutla, nylon at tetlon. Ang haba ng shamisen ay halos 100 cm.

Ang shamisen ay nilalaro gamit ang isang malaking plectrum na "bachi", na gawa sa mga materyales tulad ng kahoy, garing, bao ng pagong, sungay ng kalabaw, at plastik. Ang Bati para sa nagaut at dziut ay halos regular na mga tatsulok, na may napakatulis na mga gilid.

Ang Tsugarujamisen ay nagmumungkahi ng isang mas maliit na plectrum, mas nakapagpapaalaala sa isang dahon ng puno ng ginkgo.

Shamisen playing technique

Tatlong istilo ng paglalaro ng shamisen ang lumitaw:

Ang Uta-mono ay isang istilo ng kanta. Isa sa mga pangunahing genre saliw ng musika mga pagtatanghal sa teatro Kabuki. Ang genre na ito ay kinakatawan ng mahahabang musical interlude na ginagampanan ng Hayashi ensemble (ang ensemble na ito ay kadalasang kasama ng mga pagtatanghal sa teatro, ito ay binubuo ng isang plauta at tatlong uri mga tambol).

Katari-mono – kamangha-manghang istilo. Ito ay pinaka-katangian ng tradisyonal na musika ng Hapon at kinakatawan ng isang tiyak na uri ng pag-awit.

Ang Minyo ay isang awiting bayan.

Noong unang lumitaw ang shamisen sa Japan, ang mga string ay pinutol gamit ang isang maliit na pick (yubikake), at sa paglipas ng panahon nagsimula ang mga musikero na gumamit ng isang plectrum, na makabuluhang pinalawak ang mga kakayahan ng timbral ng instrumento. Sa tuwing kinukuha ang ibabang string, bukod pa sa tunog nito, maririnig ang mga overtone at bahagyang ingay, ang phenomenon na ito ay tinatawag na “sawari” (“touch”). Lumilitaw din ang Savaris kapag ang ibang mga string ay tumutunog sa mas mababang string, lalo na kapag ang pagitan ng pitch sa pagitan ng mga string ay isang octave (dalawang octaves, tatlo, ikalima, atbp.). Ang kakayahang gamitin ang karagdagang tunog na ito ay isang tanda mataas na kasanayan performer, at ang acoustic effect mismo ay mahigpit na kinokontrol ng mga gumagawa ng shamisen.

Ang plectrum ay hawak sa kanang kamay, at sa tamang sandali ang tunog ng mga kuwerdas ay pinipigilan ng tatlong daliri ng kaliwang kamay sa walang fretless na leeg. hinlalaki at ang kalingkingan ay hindi ginagamit sa laro. Ang pinaka-katangiang pamamaraan ng paglalaro ng shamisen ay ang sabay-sabay na paghampas ng plectrum sa lamad at sa string. Bukod dito, marami pang iba mahahalagang salik, na tumutukoy sa mga detalye ng tunog, halimbawa, ang kapal ng mga string, leeg, lamad, ang lugar kung saan ang plectrum ay tumama sa mga string, atbp. Maaari mo ring bunutin ang mga string gamit ang iyong kaliwang kamay sa shamisen, na nagreresulta sa isang mas eleganteng timbre. Ang kakayahang baguhin ang timbre ay isa sa mga tanda ng shamisen.

Bilang karagdagan sa paraan ng paglalaro, ang timbre ng instrumento ay maaaring mabago sa pamamagitan ng pag-iiba-iba ng haba ng string, leeg o plectrum, pati na rin ang kanilang laki, kapal, timbang, materyal - mga tagapagpahiwatig ng masa! Mayroong halos dalawang dosenang shamisen, na naiiba sa pitch at timbre, at pinipili ng mga musikero ang instrumento na pinaka malapit na tumutugma sa kanilang genre ng musika, o muling i-tune ito kaagad bago ang pagtatanghal.

Sa musika para sa shamisen, ang linya ng boses ay halos tumutugma sa tinutugtog sa instrumento: ang boses ay nauuna lamang ng bahagya sa melody, na nagpapahintulot sa iyo na marinig at maunawaan ang teksto, at binibigyang-diin din ang kaibahan sa pagitan ng tunog ng boses. at ang shamisen.

Shamisen sa modernong musika

Ang Shamisen, dahil sa partikular na tunog nito, ay kadalasang ginagamit upang pahusayin ang "pambansang" tunog sa ilang mga pelikula at anime ng Hapon (katulad sa Russia). Kaya, ang shamisen ay tumutunog sa soundtrack ng anime series na Naruto, Puni Puni Poemi.

Si Agatsuma Hiromitsu ay gumaganap sa istilong Bagong Panahon.

Ginagamit ito ng mga kinatawan ng European musical avant-garde (halimbawa, Henri Pousseur).

Ang mga komposisyon na ginawa ng Yoshida Brothers ay medyo sikat; ang kanilang shamisen ay parang.

Si Michiro Sato ay nagsasagawa ng mga improvisasyon sa shamisen, at jazz pianist Ipinasok ni Glenn Horiuchi ang mga fragment ng shamisen na tumutugtog sa kanyang mga komposisyon.

Ang gitarista na si Kevin Kmetz ay namumuno sa bandang California na God of Shamisen, kung saan siya ang tumutugtog ng tsugarujamisen.

Video: Shamisen sa video + tunog

Salamat sa mga video na ito maaari mong gawing pamilyar ang iyong sarili sa tool, panoorin totoong laro dito, pakinggan ang tunog nito, pakiramdam ang mga detalye ng pamamaraan:

Sale: saan bibili/order?

Ang encyclopedia ay hindi pa naglalaman ng impormasyon tungkol sa kung saan maaari kang bumili o mag-order ng instrumento na ito. Maaari mong baguhin ito!

Minsan akong nangako na pag-uusapan ang tungkol sa mga instrumentong pangmusika ng Hapon. Dumating na ang oras na iyon. Si Biva ay dumating sa aking mga kamay nang hindi sinasadya, ngunit nahulog sa kanya upang buksan ang paksa :)

Ngayon ang ating atensyon ay makukuha ng mahiwagang - bagaman hindi banayad, at hindi mahangin, ngunit sa halip ay matigas, metal at maindayog - mga tunog ng tradisyonal na instrumentong pangmusika ng Hapon na tinatawag na biwa.
Ang Biwa ay isang Japanese na uri ng lute o mandolin, dumating ito sa Japan mula sa China noong ika-7 siglo, sa China ang isang katulad na instrumento ay tinatawag na pipa, ngunit dumating ito sa China mula sa Persia noong ika-apat na siglo AD.
At ang mga ugat ng European lute ay napupunta din sa Gitnang Asya.
Sa Japan, sa mahigit isang libong taon ng pag-unlad ng biwa, maraming modelo, maraming paaralan ng pagtugtog at pag-awit ang lumitaw.

(Ito ay isang uri ng konsiyerto para sa biwa na may orkestra. Gion shoja. Composer Hirohisa Akigishi
Sa recording ay ang prologue ng "The tale"s of Heike" (ang kwento ni Heike, na tinatawag ding "Taira Monogatari") Ito ang pangunahing bagay makabagong gawain, na ginagawa sa biwa. Ang recording na ito ay ginawa sa Seoul, noong 2004 sa Sejong center)

Ang hugis ng instrumento ay katulad ng almond nut na nakaturo paitaas. Ang harap na dingding ng katawan ay bahagyang hubog pasulong, ang likod ay patag. Ang mga dingding - iyon ay, dalawang kahoy na tabla - ay hindi malayo sa isa't isa, ang instrumento ay medyo patag. May tatlong butas sa dingding sa harap.
Ang biwa ay may apat o limang string na gawa sa pinakamagagandang sinulid na sutla na pinagdikit ng rice glue. Mayroong limang napakataas na frets sa leeg.

Ang mga string ay medyo maluwag, iyon ay, hindi sila masyadong tense. Ang musikero, na pinindot ang string nang mas malakas, ay nagbabago ng pag-igting nito, iyon ay, pinapataas ang pitch. Masasabi nating ang instrumento ay hindi nakatutok sa kahulugan ng salita ng Kanlurang Europa, ngunit ang musikero ay maaaring tumugtog ng ilang mga nota sa pamamagitan ng pagbabago ng puwersa ng pagpindot sa mga string.
Ngunit ang punto ng laro ay hindi tamaan ang tamang nota. Samakatuwid, walang death grip sa string; ang daliri ay nagbabago ng presyon sa lahat ng oras, na nagpapalutang ng tunog. Bilang karagdagan, maaari mong ilipat ang string sa mga malalawak na fret gamit ang iyong daliri, na nagiging dahilan upang magsimulang mag-buzz ang string, tulad ng sa naturang Indian. mga instrumentong kuwerdas parang sitar o veena.

Hinahawakan nang patayo ang biva at kapag naglalaro, ginagamitan ng triangular na kahoy na pick, na hugis maliit na pamaypay. Ang isa sa mga gilid nito ay umaabot sa 30 sentimetro ang haba, ito ay isang uri ng spatula. Ang paggawa ng mga blades na ito - mahusay na sining, dapat silang maging matigas at nababanat sa parehong oras. Ang kahoy para sa pick ay tuyo sa loob ng sampung taon. Malinaw na ang kahoy na ginamit ay isang bihirang species.
Sa pamamagitan ng isang pick maaari mong pindutin hindi lamang ang mga string, kundi pati na rin ang katawan, at din scratch ang mga string, gayunpaman, ang mga eksperto ay nagsasabi na ito makabagong teknolohiya, hindi pa ito nangyari dati.
Ngunit ito ay malinaw na mayroong higit sa isang paraan upang pindutin ang isang string na may tulad na isang malaking pick - at ito, siyempre, ay ganap na naririnig.

BIWA (King Records, 1990)
Ang CD ay naglalaman ng dalawang instrumental track at apat na vocal-instrumental track. Ang pinakakahanga-hanga ay ang epikong kanta na "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") na ginanap ni Enomoto Shisui.
Namatay si Enomoto Shizui noong 1978, at ipinanganak noong ika-19 na siglo. Siya ay kabilang sa mga sikat na master Bivs mula sa panahon ng pre-World War II.
Noong ika-19 na siglo at sa unang kalahati ng ika-20, ang sining ng biwa ay nakaranas ng muling pagkabuhay; sa Tokyo lamang ay mayroong 30 master na gumagawa ng mga instrumentong pangmusika; pagkatapos ng digmaan, isa na lamang ang natitira sa buong Japan - at sa buong mundo. . Ang sining na ito ay nagkaroon ng pagkakataong mawala magpakailanman, dahil ang mga liriko ay napuno ng espiritu ng samurai na naging hindi tama sa pulitika.
Kung ikukumpara sa bagong henerasyon ng mga mang-aawit, ang boses ni Enomoto Shizuya ay parang mas trahedya, mas hysterical at, masasabi ko, mas malupit.
Ang isla kung saan nakatuon ang kantang ito ay isang piraso ng lupa sa pagitan ng dalawang ilog. Maraming mga labanan ang naganap sa lugar na ito noong ika-16 na siglo sa pagitan ng mga hukbo ng dalawang pinuno ng militar.
Hindi ako makapaniwala na ito ay nakakaaliw na musika na pinakikinggan ng mga tao sa gabi kapag sila ay pagod sa mahahalagang bagay na dapat gawin. Hindi, hindi, ang musikang ito ay malinaw na nagpapaalala sa samurai ng kanilang tungkulin at nag-aapoy sa kanilang pakikipaglaban.

Isa pang sikat na bagay ay ang Atsumori, at mayroon ding biwa sa larawan.

Ang matatalim na hampas ng metal—tulad ng isang hampas ng espada—kumpara sa dahan-dahang paglalahad ng boses ng mang-aawit. Ang mga patinig ay nag-drag nang mahabang panahon, ang ritmo ay libre, maraming mga paghinto sa musika, ngunit sa anumang kaso ay hindi ito matatawag na tamad. Masyado siyang tense at focused.
Sa pamamagitan ng paraan, mga paghinto, kawalan ng laman, mga sandali ng katahimikan tradisyon ng Hapon ay itinuturing ding acoustic element, iyon ay, tunog. Tinatawag itong salitang "ma". Ang katahimikan ay maaaring maikli o mahaba, panahunan o kalmado, hindi inaasahan o lohikal. Binibigyang-diin ng katahimikan ang ilang partikular na tunog at inililipat ang diin sa isang pariralang pangmusika.

Sa kasaysayan ng biwa mayroong dalawang magkatulad na batis: una, ang biwa ay bahagi ng orkestra ng korte. Isang sinaunang biwa ang nakahiga nang pahalang sa sahig at nilalaro ng maliit na pick. Isa itong instrumentong percussion.
Noong Middle Ages, ang biva ay tinutugtog ng mga aristokrata at ng kanilang mga basalyo.Pinaniniwalaan na ang musikang ito ay puro instrumental. SA klasikal na panitikan Maraming mga paglalarawan ng medieval solo biwa, ang maganda at pinong tunog nito at napakagandang melodies na nagmula sa China, ay napanatili, ngunit hanggang ngayon ang solo biwa ay hindi pa napreserba sa tradisyon ng court music. Sa orkestra ng Gagaku, ang bahagi ng biwa ay napakasimple na imposibleng makatakas sa impresyon na may mahalagang bagay na nawala sa paglipas ng panahon.
Ang tradisyon ng biwa bilang solong instrumento ay naputol noong ika-13 siglo at nabuhay muli noong ika-20.

"Ichinotani" en laúd Biwa ni Silvain Guignard (fragmento). European na bersyon kung gaano kadaling makita

Pero pangunahing tungkulin Ang Bivs ay saliw ng mahabang kanta at kwento.
Hanggang sa ika-20 siglo, ang biwa ay tinutugtog ng halos eksklusibo ng mga bulag na musikero; tinawag silang bivahoshi. Ang ilan sa kanila ay mga mongheng Budista at nagbigkas ng mga sutra at mga himno, ngunit karamihan sa mga mang-aawit ay nagsasalaysay ng mga digmaan at labanan ng mga maalamat na bayani.
Ang pinakasikat na heroic epic mula sa biwahoshi repertoire ay ang Heike Monogatari.
Ito ay isang napakalaking at medyo madugong tula tungkol sa kung paano ang Heike clan (aka Taire), pagkatapos ng maikling kasaganaan, ay natalo ng Genji clan (aka Minamoto) sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo.
Ang tula ay may 200 na yugto, kung saan 176 ay karaniwan, 19 ay lihim, at ang natitirang 5 ay pinakamataas na lihim.

(paumanhin tungkol sa larawan at kalidad ng tunog. Pinatugtog ni Yukihiro Goto)
Ang lahat ng mga kuwento sa isang paraan o iba pa ay naglalarawan ng mga ideya ng Budismo ng sanhi at epekto, pati na rin ang impermanence ng kapalaran.
Ngayon, ang Heike Monogatari ay ginagampanan lamang ng ilang mga manlalaro ng biwa. Ang iba ay may mas modernong repertoire.
Gayunpaman, mayroong isang opinyon na ang mga kabayanihang kanta na ginawa ng mga bulag na monghe noong Middle Ages ay nawala, tulad ng ginawa ng tradisyon ng instrumental court biva. Ang tradisyon ng kabayanihan na pag-awit ay muling nabuhay nang maraming beses, ngunit malamang na hindi sa anyo kung saan ito umiral 700 taon na ang nakalilipas.
Bagaman ang kasaysayan ng instrumento ay bumalik sa ika-7 siglo, ang musika na nananatili hanggang sa araw na ito ay tila wala nang anumang kinalaman sa Middle Ages; ang estilo, na ngayon ay tinatawag na sinaunang at klasikal, ay nabuo hindi pa matagal na ang nakalipas. .
Ang isang mahalagang punto sa kasaysayan ng biwa ay ang ika-16 na siglo.
Pagkatapos ay nilikha ang isang bagong instrumento, ang Satsuma biwa: ang pinuno ng angkan ng Satsuma ay nag-utos na pagbutihin ang mababang kapangyarihan at katamtamang lute ng mga bulag na monghe upang ito ay maging isang malakas na instrumento na may kahanga-hanga at matalas na tunog. Lumaki ang Biwa, ang katawan nito ay gawa sa mas matigas na kahoy. Ang kanyang tunog ay naging mas panlalaki, kung hindi agresibo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(mas magandang tunog, ngunit ipinagbabawal ang pag-embed)
Ang mga bagong kanta ay binubuo din. Ang layunin ng pagkilos na ito ay pang-edukasyon at propaganda: ang mga kabataang lalaki na sumasailalim sa pagsasanay sa militar - iyon ay, hinaharap na samurai - ay dapat na palakasin ang kanilang espiritu at matutunan ang mga pangunahing kaalaman ng kabalyero habang nakikinig sa mga kantang ito.
Pagkatapos ay walang canon ng paglalaro at pag-awit - anumang samurai ay maaaring sumigaw ng isang kabayanihan na teksto at, para sa higit na pagpapahayag, matalo ang mga string paminsan-minsan. Ang mga kanta ay hindi lamang nanawagan sa mga kabataan sa mga kabayanihan, ang samurai na nakaligtas sa digmaan ay nagsalita din tungkol sa kanilang mga kampanya sa mga tunog ng biwa.
Sa paglipas ng panahon, at medyo mga sibilyan nagsimulang magkaroon ng matinding interes sa militaristikong musikang ito. Alinsunod dito, lumitaw ang isang istilo para sa mga sibilyan: machi fu (estilo ng lungsod) - at para sa militar: shi fu (estilo ng samurai).
Lumitaw ang mga bagong uri ng instrumento. Sabihin nating lumitaw ang chikuzen-biwa noong ika-19 na siglo, mayroon itong isang karagdagang - mataas na string. Samakatuwid, ang biwa na ito ay itinuturing na pambabae, mas malambot. Alinsunod dito, nilalaro ito ng mga kababaihan.

Sa lahat ng epikong awit na inaawit sa saliw ng isang biwa, ang teksto ay maindayog na prosa na may halong maiikling tula. Ang ilang mga parirala ay inaawit sa canonical melodies, na sinusundan ng mga maikling instrumental na sipi. Ngunit, bilang panuntunan, ang isang suntok o dalawa sa mga kuwerdas ng biwa ay tumutunog sa dulo ng bawat parirala o saknong. Ang mga beats na ito ay naiiba sa timbre - ang biwa ay may mas maraming posibilidad kaysa sa drum.
Kung ang mga tunog ng isang biwa ay naglalarawan kung ano ang kinakanta ng tagapagsalaysay, kung gayon sa pamamagitan lamang ng timbre - isang manipis na tunog o isang mapurol na tunog, ito ay tunog metal o sumisitsit... Ang teksto ay inaawit sa klasikal na Hapones, ang mga tagapakinig ay dapat na maunawaan kung ano ang sinasabi. : intonasyon, ritmo at pangkulay na tunog ay nauugnay sa nilalaman ng dula.
Ito ay musika para sa direktang pakikinig, para sa mga nakikiramay sa aksyon at ganap na nakuha nito.
Kami, na hindi alam ang wika, ay tila hindi gaanong nakikita sa musikang ito, ngunit, nakakagulat, hindi ito ginagawang kakaiba, kakaiba o hindi kapani-paniwala. Hindi, hindi, napapanatili nito ang kabuluhan at pagiging mapanghikayat.
Ito rin ay kagiliw-giliw na ito ay napaka-emosyonal na musika, napakatindi, bukas. At ang mga Hapones - tulad ng lahat ng iba pang mga Budista - ay tila umiiwas na ipakita ang kanilang nararamdaman.

Sa Japan, ang puwersang nagpapagalaw sa uniberso ay tinatawag na ki. Ito ay isang espirituwal na puwersa na katulad ng Greek pneuma.
Ang ekspresyong ki ay may pinakamataas na priyoridad sa lahat ng sining ng Hapon. Sa macrocosm, ang ki ay tumutugma sa hangin; sa microcosm, ito ay tumutugma sa paghinga ng tao. Maraming salitang nauugnay sa ki sa Japanese: ki-shф (panahon), ki-haku (espiritu).
Ang batayan ng boses ng pag-awit ay paghinga, kaya ang pag-awit ay isa sa mga manipestasyon ng ki.
Ang mga sinaunang Hapon ay naniniwala na sa pamamagitan ng pagsasalita, o mas mabuti pa, ang paghinga ng isang salita, sila ay gumaganap ng isang espirituwal na pagkilos. At sa wikang Ruso, ang mga salitang "hininga" at "espiritu" ay hindi talaga dayuhan sa bawat isa.
Ang tradisyon ng Hapon sa pag-awit ay direktang nauugnay sa saloobing ito sa salita bilang isang hininga na puno ng kahulugan.

At ang maikling entry na ito ay hindi lamang fragment ng musika, ito ang Gagaku - seremonyal na musika ng palasyo ng imperyal ng Hapon.

Ang pag-awit sa Europa - tulad ng lahat ng iba pang musika - ay batay sa pitch at tagal ng mga tunog. SA sinaunang japan pinagsama-sama ng pag-awit ang mga elemento ng tunog tulad ng kulay ng tunog, enerhiya, dami at kalidad nito sa isang solong hieroglyph ng tunog.
Ito ay isang bagay na hindi masusukat kaysa sa tamang tala.
At ang musika ng biwa ay sa maraming paraan hindi katulad ng musikang Kanlurang Europa. Ipinagpapalagay ng instrumentong Hapones ang isang ganap na naiibang saloobin sa tunog at ritmo.
Ang modernong kompositor ng Hapon na si Toru Takemitsu ay nagsulat ng ilang mga gawa na gumagamit ng biwa bilang karagdagan sa isang symphony orchestra. Mayroong isang tradisyunal na paraan ng pagre-record ng musika ng biwa - kumpara sa Kanlurang Europa ay tila tinatayang.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Ito ay nakatuon kay Toru Takemitsu

Nang ang tagapalabas ng bahagi ng biwa sa isa sa kanyang mga komposisyon ay nagboluntaryong mag-aral ng notasyon sa Kanlurang Europa, pinagbawalan siya ni Takemitsu na gawin iyon. "Ito ang huling bagay na inaasahan ko mula sa iyo," sabi ng kompositor. - Pag-aaralan ko ang tradisyonal na notasyon ng musika ng biwa sa aking sarili at matutunan kung paano gamitin ito, hindi mo kakailanganin ang mga tala sa Kanluran. Ngayon, ang tradisyunal na kahulugan ng tunog ay namamatay dahil sa Kanluraning sistema ng fine tuning ng mga instrumentong pangmusika at notating music.”

Isang araw, nawalan ng isang sinaunang biwa si Emperador Tennoh mula sa kanyang palasyo. Ang pangalan niya ay Genjo. Wala siyang presyo, napakamahal niya. Ang Emperador ay hindi makahanap ng lugar para sa kanyang sarili. Kung ito ay ninakaw, kung gayon ang magnanakaw ay kailangang basagin ito - imposibleng ibenta ito. Natitiyak ng Emperador na ang kanyang biwa ay ninakaw upang madilim ang kanyang kaluluwa.
Minamoto no Hiromasa ay isang aristokrata at isang mahusay na musikero. Labis din siyang nalungkot sa pagkawala.
Isang gabi ay narinig niya ang tunog ng isang kuwerdas - walang alinlangan: ito ay biwa ni Genjo. Ginising ni Hiromasa ang katulong na lalaki at pinuntahan nila ang magnanakaw. Nilapitan nila ang tunog, ngunit patuloy itong lumalayo. May ilang espiritung naglalaro sa biwa - tanging si Hiromasa lamang ang nakakarinig ng mga tunog ng mga kuwerdas.
Sinundan niya ang tunog hanggang sa marating niya ang pinakatimog na punto ng Kyoto - ang nakakatakot na Rashomon Gate. Si Hiromasa at ang kanyang tagapaglingkod ay nakatayo sa ilalim ng tarangkahan, ang mga tunog ng isang lute ay maririnig mula sa itaas. "Hindi ito tao," bulong ni Hiromasa, "ito ay isang demonyo."
Tumaas ang boses niya, “Hoy, sinong naglalaro ng Genjo dyan! Hinahanap na ni Emperor Tenno ang instrumento mula nang mawala ito. Alam kong nandito ka, sinundan kita mula sa palasyo!"
Tumigil ang musika, may nahulog mula sa itaas at nakasabit sa aisle. Napaatras si Hiromasa - akala niya ito ay isang demonyo. Ngunit nakasabit sa isang lubid sa itaas ang lute ni Genjo.
Tuwang-tuwa ang Emperador sa pagbabalik ni Genjo; walang sinuman ang nag-alinlangan na ang demonyo ang nagnakaw ng kayamanan at pagkatapos ay ibinigay ito. Si Hiromasa ay binigyan ng malaking gantimpala.
Pumasok pa si Genjou imperyal na palasyo. Ito ay hindi lamang isang lute, ito ay isang bagay na may sariling katangian. Kung kukunin ito ng isang walang kakayahan na musikero, hindi ito gumagawa ng tunog.
Isang araw nagkaroon ng sunog sa palasyo. Nagtakbuhan ang lahat at walang nakaisip na iligtas si Genjo. Ngunit, misteryoso, natagpuan siya sa damuhan sa harap ng palasyo, kung saan tila naabot niya ang sarili!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Dutar. Du - dalawa. Tar - string. Isang instrumento na may mga fixed frets at dalawang sinew string. Sa palagay mo ba ang mas kaunting mga string, mas madali itong laruin?

Well, pagkatapos ay makinig sa isa sa ang pinakamahusay na mga masters naglalaro ng dutar - Abdurakhim Khait, isang Uyghur mula sa Xinjiang, China.
Mayroon ding Turkmen dutar. Ang mga string at frets ng Turkmen dutar ay metal, ang katawan ay hungkag, na ginawa mula sa isang piraso ng kahoy, ang tunog ay napakaliwanag at tunog. Ang Turkmen dutar ay isa sa aking mga paboritong instrumento sa nakalipas na tatlong taon, at ang dutar na ipinakita sa larawan ay dinala sa akin mula sa Tashkent kamakailan lamang. Kamangha-manghang tool!

Azerbaijani saz. Ang siyam na mga kuwerdas ay nahahati sa tatlong grupo, na ang bawat isa ay nakatutok nang sabay-sabay. Ang isang katulad na instrumento sa Turkey ay tinatawag na baglama.

Tiyaking pakinggan kung paano tumutunog ang instrumentong ito sa mga kamay ng isang master. Kung kulang ka sa oras, pagkatapos ay manood ng hindi bababa sa 2:30.
Nagmula sa saz at baglama instrumentong Greek bouzouki at ang Irish na variant nito.

Oud o al-ud, kung tawagin mo itong instrumento sa Arabic. Ito ay mula sa Arabic na pangalan ng instrumento na ito na ang pangalan ng European lute ay nagmula. Al-ud - lute, lute - naririnig mo ba? Ang isang regular na oud ay walang frets - ang mga frets sa halimbawang ito mula sa aking koleksyon ay lumabas sa aking inisyatiba.

Makinig sa kung paano tumugtog ng oud ang isang master mula sa Morocco.

Mula sa Chinese two-string violin erhu na may simpleng katawan ng resonator at isang maliit na lamad na gawa sa katad ay dumating ang Gijak sa Gitnang Asya, na sa Caucasus at Turkey ay tinawag na kemancha.

Makinig sa kung paano tumutunog ang kemancha kapag tinutugtog ito ni Imamyar Khasanov.

Ang Rubab ay may limang string. Ang unang apat sa kanila ay dinoble, ang bawat pares ay nakatutok nang sabay-sabay, at mayroong isang bass string. Ang mahabang leeg ay may mga frets na tumutugma sa chromatic scale na halos dalawang octaves at isang maliit na resonator na may leather membrane. Ano sa palagay mo ang ibig sabihin ng pababang mga hubog na sungay na nagmumula sa leeg patungo sa instrumento? Hindi ba't ang hugis nito ay nagpapaalala sa iyo ng ulo ng isang tupa? Ngunit okay na anyo - anong tunog! Dapat narinig mo ang tunog ng instrumentong ito! Ito ay nanginginig at nanginginig kahit na sa napakalaking leeg nito; pinupuno nito ang buong espasyo sa paligid ng tunog nito.

Makinig sa tunog ng Kashgar rubab. Pero mas maganda ang tunog ng rubab ko, sa totoo lang.

Ang Iranian tar ay may double hollowed body na gawa sa iisang piraso ng kahoy at isang lamad na gawa sa manipis na balat ng isda. Anim na ipinares na mga string: dalawang bakal, pagkatapos ay isang kumbinasyon ng bakal at manipis na tanso, at ang susunod na pares ay nakatutok sa isang octave - ang makapal na tansong string ay nakatutok ng isang oktaba sa ibaba ng manipis na bakal. Ang Iranian tar ay may intrusive frets na gawa sa mga ugat.

Makinig sa kung ano ang tunog ng Iranian tar.
Ang Iranian tar ay ang ninuno ng ilang mga instrumento. Ang isa sa kanila ay ang Indian setar (se - three, tar - string), at pag-uusapan ko ang dalawa pa sa ibaba.

Ang Azerbaijani tar ay walang anim, ngunit labing-isang string. Ang anim ay kapareho ng Iranian tar, isa pang karagdagang bass at apat na string na hindi nilalaro, ngunit tumutunog ang mga ito kapag tinutugtog, nagdaragdag ng echo sa tunog at nagpapatagal ng tunog. Ang tar at kemancha ay marahil ang dalawang pangunahing instrumento ng musikang Azerbaijani.

Makinig nang ilang minuto simula sa 10:30 o hindi bababa sa simula sa 1:50. Hindi mo pa ito narinig at hindi mo maisip na posible ang gayong pagganap sa instrumentong ito. Ito ay ginampanan ng kapatid ni Imamyar Khasanov na si Rufat.

Mayroong hypothesis na ang tar ay ang ninuno ng modernong European guitar.

Kamakailan lamang, nang pag-usapan ko ang tungkol sa electric cauldron, ako ay sinisi na ako ay naglalabas ng kaluluwa sa kaldero. Marahil, tungkol sa parehong bagay ang sinabi sa taong 90 taon na ang nakalilipas ay nahulaan na maglagay ng pickup sa isang acoustic guitar. Makalipas ang ilang tatlumpung taon, nalikha ang pinakamagagandang electric guitar at nananatiling pamantayan hanggang ngayon. Pagkaraan ng isa pang dekada, lumitaw ang Beatles, Rolling Stones, sinundan ni Pink Floyd.
At ang lahat ng pag-unlad na ito ay hindi nakahadlang sa mga tagagawa acoustic guitars at mga klasikal na tagapalabas ng gitara.

Ngunit ang mga instrumentong pangmusika ay hindi palaging kumakalat mula silangan hanggang kanluran. Halimbawa, ang akurdyon ay naging hindi karaniwan sikat na kasangkapan sa Azerbaijan noong ika-19 na siglo, nang dumating doon ang unang mga naninirahan sa Aleman.

Ang aking akurdyon ay ginawa ng parehong master na lumikha ng mga instrumento para kay Aftandil Israfilov. Pakinggan kung paano tumutunog ang naturang instrumento.

Ang mundo ng mga oriental na instrumentong pangmusika ay malaki at magkakaibang. Hindi ko pa naipakita sa iyo ang bahagi ng aking koleksyon, at ito ay malayo sa kumpleto. Ngunit dapat kong sabihin sa iyo ang tungkol sa dalawa pang tool.
Ang tubo na may kampana sa itaas ay tinatawag na zurna. At ang instrument sa ilalim ay tinatawag na duduk o balaban.

Ang mga pagdiriwang at kasal ay nagsisimula sa mga tunog ng zurna sa Caucasus, Turkey at Iran.

Ito ang hitsura ng isang katulad na instrumento sa Uzbekistan.

Sa Uzbekistan at Tajikistan, ang zurna ay tinatawag na surnay. Sa Gitnang Asya at Iran, ang mga nagtatagal na tunog ng isa pang instrumento, ang karnay, ay kinakailangang idagdag sa mga tunog ng surnay at tamburin. Ang Karnai-surnai ay isang matatag na parirala na nagsasaad ng simula ng holiday.

Ito ay kagiliw-giliw na ang isang instrumento na may kaugnayan sa carnai ay umiiral sa Carpathians, at ang pangalan nito ay pamilyar sa marami - trembita.

At ang pangalawang tubo, na ipinapakita sa aking litrato, ay tinatawag na balaban o duduk. Sa Turkey at Iran, ang instrumentong ito ay tinatawag ding mei.

Makinig sa kung paano gumaganap ng balaban si Alikhan Samedov.

Babalik tayo sa balaban mamaya, pero sa ngayon gusto kong pag-usapan ang nakita ko sa Beijing.
Tulad ng naiintindihan mo, nangongolekta ako ng mga instrumentong pangmusika. At nang magkaroon ako ng libreng sandali sa aking paglalakbay sa Beijing, pumunta agad ako sa isang tindahan ng mga instrumentong pangmusika. Kung ano ang binili ko para sa aking sarili sa tindahan na ito, sasabihin ko sa iyo sa ibang pagkakataon. At ngayon tungkol sa kung ano ang hindi ko binili at kung ano ang labis kong ikinalulungkot.
Sa display case ay nakatayo ang isang tubo na may kampana, ang disenyo ay eksaktong nakapagpapaalaala sa isang zurna.
- Paano ang tawag? - tanong ko sa pamamagitan ng tagasalin.
“Sona,” sagot nila sa akin.
"Gaano ito kahalintulad sa "sorna - surnay - zurna" - napaisip ako ng malakas. At kinumpirma ng tagasalin ang aking hula:
- Hindi binibigkas ng mga Intsik ang letrang r sa gitna ng isang salita.

Magbasa pa tungkol sa sari-saring Tsino kaya mo zurny
Pero, alam mo, magkasabay sina zurna at balaban. Ang kanilang disenyo ay may maraming pagkakatulad - marahil iyon ang dahilan. At ano sa tingin mo? Sa tabi ng instrumento ng anak ay may isa pang instrumento - guan o guanji. Ito ang hitsura niya:

Ito ang itsura niya. Guys, mga kasama, mga ginoo, ito ang upuan!
Kailan siya nakarating doon? Noong ikawalong siglo. Samakatuwid, maaari nating ipagpalagay na ito ay nagmula sa China - ang tiyempo at heograpiya ay nag-tutugma.
Sa ngayon, ang lahat ng nakadokumento ay ang instrumentong ito ay kumalat sa silangan mula sa Xinjiang. Well, paano nila tinutugtog ang instrumentong ito sa modernong Xinjiang?

Panoorin at pakinggan mula sa ika-18 segundo! Pakinggan lamang ang marangyang tunog ng Uyghur balaman - oo, dito ito ay tinatawag na eksaktong kapareho ng sa wikang Azerbaijani (mayroon ding pagbigkas ng pangalan).

Maghanap tayo ng karagdagang impormasyon sa mga independiyenteng mapagkukunan, halimbawa, sa Iranica encyclopedia:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
isang cylindrical-bore, double-reed wind instrument na mga 35 cm ang haba na may pitong butas sa daliri at isang thumb hole, na nilalaro sa silangang Azerbaijan sa Iran at sa Republika ng Azerbaijan.

O nakikiramay ba ang Iranika sa mga Azerbaijani? Buweno, sinasabi rin ng TSB na ang salitang duduk ay mula sa Turkic na pinagmulan.
Sinuhulan ba ng Azerbaijanis at Uzbeks ang mga compiler?
Well, okay, tiyak na hindi ka maghihinala na ang mga Bulgarian ay nakikiramay sa mga Turko!
sa isang napakaseryosong website ng Bulgarian para sa salitang duduk:
nakaupo, dudyuk; duduk, dudyuk (mula sa Turkish düdük), pishchalka, svorche, glasnik, karagdagang - Instrumentong pangmusika ng djerven ng mga tao sa aerophonite, semi-closed trubi.
Muli nilang itinuro ang Turkish na pinagmulan ng salita at tinawag itong kanilang katutubong instrumento.
Ang tool na ito, tulad ng nangyari, ay laganap pangunahin sa Mga taong Turko, o sa mga taong nakikipag-ugnayan sa mga Turko. At ang bawat bansa ay nararapat na isaalang-alang ang kanyang katutubong, pambansang instrumento. Ngunit isa lamang ang kumukuha ng kredito para sa paglikha nito.

Pagkatapos ng lahat, ang mga tamad lamang ang hindi nakarinig na "ang duduk ay isang sinaunang instrumento ng Armenian." Kasabay nito, ipinapahiwatig nila na ang duduk ay nilikha tatlong libong taon na ang nakalilipas - iyon ay, sa hindi mapapatunayang nakaraan. Ngunit ang mga katotohanan at elementarya na lohika ay nagpapakita na hindi ito ganoon.

Bumalik sa simula ng artikulong ito at tingnan muli ang mga instrumentong pangmusika. Halos lahat ng mga instrumentong ito ay tinutugtog din sa Armenia. Ngunit ganap na malinaw na ang lahat ng mga instrumento na ito ay lumitaw sa mas maraming mga tao na may malinaw at naiintindihan na kasaysayan, kung saan nanirahan ang mga Armenian. Isipin ang isang maliit na tao na naninirahan na nakakalat sa ibang mga bansa na may sariling mga estado at imperyo. Makakagawa ba ang gayong mga tao ng kumpletong hanay ng mga instrumentong pangmusika para sa isang buong orkestra?
Aaminin ko, naisip ko rin: "Okay, malalaki at masalimuot na instrumento iyon, iwan muna natin sila. Pero may tubo pa kaya ang mga Armenian?" Ngunit lumalabas na hindi, hindi nila ito naisip. Kung naisip nila ito, kung gayon ang tubo na ito ay malinis pangalan ng Armenian, at hindi ang poetic-metaphorical cyranopoh (kaluluwa ng puno ng aprikot), ngunit isang bagay na mas simple, mas popular, na may isang ugat, o kahit onomatopoeic. Samantala, ang lahat ng mga mapagkukunan ay tumuturo sa Turkic na etimolohiya ng pangalan ng instrumentong pangmusika na ito, at ang heograpiya at mga petsa ng pamamahagi ay nagpapakita na ang duduk ay nagsimulang kumalat mula sa Gitnang Asya.
Well, okay, gumawa tayo ng isa pang pagpapalagay at sabihin na ang duduk ay dumating sa Xinjiang mula sa sinaunang Armenia. Pero paano? Sino ang nagdala nito doon? Anong mga tao ang lumipat mula sa Caucasus patungo sa Gitnang Asya sa pagpasok ng unang milenyo? Walang ganoong mga bansa! Ngunit ang mga Turko ay patuloy na lumilipat mula sa Gitnang Asya patungo sa kanluran. Maaari nilang maikalat ang instrumento na ito sa Caucasus, at sa teritoryo ng modernong Turkey at maging sa Bulgaria, tulad ng ipinahiwatig ng mga dokumento.

Nakikita ko ang isa pang argumento mula sa mga tagapagtanggol ng bersyon ng Armenian na pinagmulan ng duduk. Sinasabi nila na ang tunay na upuan ay gawa lamang sa kahoy na aprikot, na sa Latin ay tinatawag na Prúnus armeniáca. Ngunit, una, ang mga aprikot ay hindi gaanong karaniwan sa Gitnang Asya kaysa sa Caucasus. Ang Latin na pangalan ay hindi nagpapahiwatig na ang punong ito ay kumalat sa buong mundo mula sa teritoryo ng lugar na tindig heograpikal na pangalan Armenia. Ito ay mula doon na tumagos ito sa Europa at inilarawan ng mga botanist mga tatlong daang taon na ang nakalilipas. Sa kabaligtaran, mayroong isang bersyon na kumalat ang aprikot mula sa Tien Shan, na bahagi nito ay nasa China, at bahagi sa Gitnang Asya. Pangalawa, ang karanasan ng mga napakatalino na tao ay nagpapakita na ang instrumento na ito ay maaari pang gawin mula sa kawayan. At ang paborito kong balaban ay gawa sa mulberry at mas maganda ang tunog kaysa sa mga aprikot, na mayroon din ako at ginawa sa Armenia.

Makinig sa kung paano ko natutunan ang pagtugtog ng instrumentong ito sa loob ng ilang taon. Lumahok sa pag-record Pambansang artista Turkmenistan Hasan Mamedov (violin) at People's Artist ng Ukraine, ang aking kababayan sa Fergana, Enver Izmailov (gitara).

Sa lahat ng ito, nais kong magbigay pugay sa mahusay na manlalaro ng Armenian duduk na si Jivan Gasparyan. Ang taong ito ang gumawa ng duduk na isang tanyag na instrumento sa mundo; salamat sa kanyang trabaho, isang magandang paaralan ng pagtugtog ng duduk ang lumitaw sa Armenia.
Pero magsalita ka" Armenian na nakaupo" ay lehitimo lamang tungkol sa mga partikular na instrumento kung ang mga ito ay ginawa sa Armenia, o tungkol sa uri ng musika na lumitaw salamat kay J. Gasparyan. Tanging ang mga tao lamang na nagpapahintulot sa kanilang sarili na mga pahayag na hindi napatunayan ang maaaring tumuro sa Armenian na pinagmulan ng duduk.

Mangyaring tandaan na ako mismo ay hindi nagpapahiwatig ng alinman sa eksaktong lugar o ang eksaktong oras ng paglitaw ng nakaupo. Malamang na imposibleng maitatag ito at ang prototype ng duduk ay mas matanda kaysa sa alinman sa mga nabubuhay na tao. Ngunit binubuo ko ang aking hypothesis tungkol sa pagkalat ng duduk, batay sa mga katotohanan at elementarya na lohika. Kung may gustong tumutol sa akin, gusto kong magtanong nang maaga: mangyaring, kapag gumagawa ng mga hypotheses, umasa sa parehong paraan sa mga napapatunayan at na-verify na mga katotohanan mula sa mga independiyenteng mapagkukunan, huwag mahiya sa lohika at subukang maghanap ng isa pang maliwanag na paliwanag para sa mga nakalistang katotohanan.

Si Xi Jinping, Tagapangulo ng People's Republic of China, ay nagsasalita sa isang symposium na minarkahan ang ika-69 na anibersaryo ng tagumpay laban sa mga mananakop na Hapones noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, na nananawagan sa Japan na gumawa ng mas responsableng diskarte sa pagtatasa...

idinagdag: 04 Mar 2014

Pambansang Hapon na musika at mga instrumento

Ang Land of the Rising Sun Japan ay may kakaiba at kakaibang kultura. Ang pamana ng isang mahusay na bansa ay malapit na nauugnay sa musika. Ang pambansang musikang Hapones ay ang parehong orihinal na kababalaghan, na dahil sa paghihiwalay ng bansa.

Palaging tinatrato ng mga tao ng Japan ang mga monumento ng kultura ng kanilang tinubuang-bayan nang may pag-aalaga at paggalang. Ang anumang musika ay imposible nang walang mga instrumentong pangmusika. Kultura ng musika Ang Japan ay may sariling kakaibang genre. Ipinapaliwanag nito ang iba't ibang mga instrumento na ginagamit upang lumikha ng mga obra maestra sa musika.

Mga sikat na instrumentong pangmusika

Isa sa pinakasikat na instrumentong pangmusika ng Hapon ay shamisen, na kahalintulad sa isang lute. Ito ay kabilang sa kategorya ng tatlong-string nabunot na mga instrumento. Siya ay nanggaling sansina, na nanggaling naman Sanxian, na ang tinubuang-bayan ay China.

Ang musika at sayaw ng Hapon ay hindi magagawa nang walang shamisen, na iginagalang pa rin hanggang ngayon. mga isla ng Hapon at kadalasang ginagamit sa teatro ng Hapon Bunraku at Kabuki. Mahalaga rin na ang paglalaro ng shamisen ay kasama sa programa ng pagsasanay para sa mga geisha - maiko.

Ang pambansang musikang Hapones ay hindi rin mapaghihiwalay na nauugnay sa mga plauta. Instrumentong pangmusika fue ay kabilang sa isang pamilya ng mga plauta na kilala sa kanilang mataas na tunog. Gawa sila sa kawayan. Ang plauta na ito ay nagmula sa isang Chinese pipe - " paixiao«.

Ang pinakasikat na plauta mula sa pamilyang fue ay shakuhachi, na ginagamit bilang instrumentong pangmusika Zen Buddhist monghe. Ayon sa alamat, ang shakuhachi ay naimbento ng isang ordinaryong magsasaka. Nang siya ay nagdadala ng kawayan, narinig niya ang isang napakagandang himig na nagmula sa kawayan nang ihip ng hangin dito.

Ang fue flute, tulad ng shamisen, ay kadalasang ginagamit para sa saliw sa mga teatro ng Banraku at Kabuki, at iba't ibang uri ng ensemble. Ang ilan sa mga fouet ay maaaring iayon sa istilong Kanluranin, at sa gayon ay maging mga soloista. Ito ay kagiliw-giliw na ang dating paglalaro ng fue ay katangian lamang ng mga Japanese wandering monghe.

Suikinkutsu

Isa pang tool na kumakatawan Kultura ng hapon ay suikinkutsu. Ito ay may hugis na baligtad na pitsel na may tubig na umaagos mula sa itaas. Ang pagpasok sa loob sa pamamagitan ng ilang mga butas, nagiging sanhi ito ng instrumento na naglalabas ng tunog na halos kapareho ng tunog ng isang kampana. Ang instrumentong ito ay tinutugtog bago ang seremonya ng tsaa, at ginagamit din bilang katangian ng isang tradisyonal na hardin ng Hapon.

Sa pamamagitan ng paraan, para sa kaginhawahan, ang seremonya ng tsaa ay maaaring maganap sa hardin. Ang tunog ng instrumento ay naghuhulog sa isang tao sa isang hindi maipaliwanag na pakiramdam ng pagpapahinga at lumilikha ng isang mapagnilay-nilay na kalooban. Ang estado na ito ay napaka-angkop para sa paglubog sa Zen, dahil ang pagpapahinga sa hardin sa panahon ng seremonya ng tsaa ay bahagi ng tradisyon ng Zen.

Ang tool ay mas naiintindihan para sa aming pang-unawa taiko,na isinalin sa Russian ay nangangahulugang "tambol". Si Taiko pala ay sumikat sa military affairs, gaya ng mga katapat niya sa ibang bansa. Tulad ng sinasabi nila, sa mga talaan ng Gunji Yeshu, ang siyam sa pamamagitan ng siyam na suntok ay nangangahulugan ng isang tawag sa labanan, at sa turn, ang siyam sa pamamagitan ng tatlo ay nangangahulugan na ang kaaway ay dapat na habulin.

Kinakailangang isaalang-alang na sa panahon ng pagganap ng drummer, binibigyang pansin nila ang mga aesthetics ng pagganap na inaalok niya, dahil hindi lamang ang melody at ritmo ng pagganap ay mahalaga, kundi pati na rin hitsura instrumento kung saan tinutugtog ang melody.

Mga genre ng Japanese music

Malayo na ang narating ng Japanese folk music sa pag-unlad nito. Sa mga pinagmulan nito ay may mga mahiwagang kanta, nang maglaon sa pag-unlad at pagbuo genre ng musika naiimpluwensyahan ng Confucianism at Buddhism. Kaya, ang musika ng Hapon, sa isang paraan o iba pa, ay nauugnay sa mga ritwal, tradisyonal na mga pista opisyal, mga pagtatanghal sa teatro at iba pang aktibidad. Hapon musikang etniko, makinig online kung saan, sa modernong mundo, posible sa anumang oras ng araw at kahit saan ay naging isang mahalagang bahagi pamanang kultural mga bansa.

Mayroong dalawang pangunahing, pinakasikat na uri ng pambansang musikang Hapones.

• Ang una ay syomyo, na kumakatawan sa mga Buddhist na awit.
• Pangalawa - gagaku, na kung saan ay musika ng orchestral court.

Ngunit mayroon ding mga genre na walang sinaunang ugat. Nabibilang sila sa Yasugi Bushi at Enka.

Ang pinakasikat na genre ng Japanese folk songs ay Yasugi Bushi, na ipinangalan sa lungsod ng Yasugi. Ang tema ng genre ay nauugnay sa sinaunang Kasaysayan at mga kuwentong gawa-gawa at patula. Ngunit ang Yasugi Bushi ay hindi lamang kanta, kundi sayaw din Sukui dojo, pati na rin ang sining ng juggling sa musika Zeni Daiko, na gumagamit ng mga tangkay ng kawayan na puno ng mga barya bilang isang instrumentong pangmusika.

Enka, bilang isang genre, ay lumitaw kamakailan, noong panahon pagkatapos ng digmaan. Sa loob nito, ang mga Japanese folk motif ay magkakaugnay sa jazz at blues na musika. Kaya, ang musika ng Hapon ay may sariling pambansang katangian, at sa gayon ay naiiba sa iba pang mga genre ng musika sa ibang mga bansa. Kaya, may mga instrumentong pangmusika na tinatawag na singing well, na hindi mo makikita saanman sa mundo, maliban marahil sa Tibet.

Hapon na musika nailalarawan sa pamamagitan ng patuloy na pagbabago ng tempo at ritmo. Kadalasan walang sukat. Ang musika ng Hapon ay malapit sa mga tunog ng kalikasan, na ginagawang mas mahiwaga at hindi pangkaraniwan.

Video: Japanese music online

Instrumentong Musikal: Lute

Sa panahon ng supersonic na bilis at nanotechnology, minsan gusto mo talagang mag-relax, lumayo sa lahat makamundong walang kabuluhan at mahanap ang iyong sarili sa ibang mundo, kung saan walang modernong kaguluhan, halimbawa, sa romantikong panahon ng Renaissance. Sa ngayon, hindi mo na kailangang mag-imbento ng time machine para magawa ito, ngunit dumalo lamang sa isang konsiyerto ng tunay na musika sa isang lugar sa Izmailovo Kremlin o Sheremetyev Palace. Doon ay maririnig mo hindi lamang ang magagandang melodies na nagdadala sa iyo ng isip sa mga nakaraang panahon, ngunit makilala mo rin ang mga kagiliw-giliw na mga instrumentong pangmusika na pinatugtog ng ating malalayong mga ninuno ilang siglo na ang nakalilipas. Ang interes sa sinaunang musika ay lumalaki ngayon; ang mga modernong performer ay masigasig na pinagkadalubhasaan ang mga instrumento ng mga nakaraang panahon, na kinabibilangan ng traverse flute, viola da gamba, treble violon, baroque double bass violon, harpsichord at, walang alinlangan, ang lute ay isang instrumento ng mga privileged classes at nararapat espesyal na atensyon. Noong Middle Ages, nararapat na tinawag siya ng mga Arabo na reyna ng mga instrumentong pangmusika.

Tunog

Ang lute ay kabilang sa pamilya ng mga plucked string instruments; ang likas na katangian ng tunog nito ay medyo katulad ng isang gitara, gayunpaman, ang boses nito ay mas malambot at mas banayad, at ang timbre nito ay makinis at nanginginig, dahil ito ay mas puspos ng mga overtones. Ang pinagmumulan ng tunog sa isang lute ay ipinares at nag-iisang mga string, na kung saan ang tagapalabas kanang kamay plucks, at pinindot ito laban sa frets gamit ang kaliwang kamay, binabago ang kanilang haba, at sa gayon ay binabago ang pitch.

Ang musikal na teksto para sa instrumento ay isinulat gamit ang mga titik sa isang anim na linya na linya, at ang tagal ng mga tunog ay ipinahiwatig ng mga tala na inilagay sa itaas ng mga titik. Saklaw ang instrumento ay halos 3 octaves. Ang tool ay walang tiyak na karaniwang setting.

Larawan:

Interesanteng kaalaman

• Para sa maraming mga tao, ang imahe ng isang lute ay nagsilbing simbolo ng pagkakaisa, kabataan at pag-ibig. Para sa mga Tsino, ito ay nagpapahiwatig ng karunungan, gayundin ng pagkakaugnay-ugnay sa pamilya at lipunan. Para sa mga Budista - pagkakaisa sa mundo ng mga diyos, para sa mga Kristiyano - isang lute sa mga kamay ng mga anghel ay nagpapahiwatig ng kagandahan ng langit at pagkakasundo likas na pwersa. Sa sining ng Renaissance, sinasagisag nito ang Musika, at ang isang instrumento na may mga sirang kuwerdas ay nagpapahiwatig ng hindi pagkakasundo at hindi pagkakasundo.
• Ang lute ay isang sagisag - isang simbolikong imahe ng mga magkasintahan.
• Sa panahon ng Renaissance, ang lute ay madalas na inilalarawan sa mga kuwadro na gawa; kahit na sina Orpheus at Apollo ay pininturahan ng mga artista noong panahong iyon hindi gamit ang isang lira, ngunit may isang lute. At ang isang mas maayos na komposisyon kaysa sa isang batang babae o lalaki na may ganitong romantikong instrumento ay hindi maaaring isipin.
• Sa isang pagkakataon, ang lute, na napakapopular, ay itinuturing na isang pribilehiyong instrumento ng sekular na bilog, ang maharlika at maharlika. Sa Silangan ito ay tinawag na Sultan ng mga Instrumento, at sa mga bansang Europa ay may kasabihan na ang organ ay "ang Hari ng lahat ng mga instrumento", at ang lute ay "ang instrumento ng lahat ng mga hari".
• Ang mahusay na English makata at playwright na si W. Shakespeare ay madalas na binanggit ang lute sa kanyang mga gawa. Hinangaan niya ang tunog nito, na iniuugnay dito ang kakayahang magdala ng mga tagapakinig sa isang estado ng lubos na kaligayahan.
• Ang pinakadakilang Italyano na iskultor, pintor, makata at palaisip na si Michelangelo Buonarroti, na humahanga sa pagganap ng sikat na lutenist na si Francesco da Milano, ay nagsabi na siya ay banal na inspirasyon ng musika at ang lahat ng kanyang mga iniisip sa oras na iyon ay napunta sa langit.
• Ang lute player ay tinatawag na lutenist, at ang craftsman na gumagawa ng mga instrumento ay tinatawag na luthier.
• Ang mga instrumento ng mga masters ng Bolognese - sina luthier L. Mahler at G. Frey, pati na rin ang mga kinatawan ng pamilyang Tiffenbrucker ng mga artisan mula sa Venice at Padua, na nilikha noong ika-17 at ika-18 siglo, ay nagkakahalaga ng astronomical na pera ayon sa mga pamantayang iyon.
• Ang pag-aaral na tumugtog ng lute ay hindi napakahirap, ngunit ang pag-tune ng instrumento, na maraming mga string na ginawa mula sa likas na materyales, ngunit hindi maayos na napanatili ang pagbuo dahil sa mga pagbabago sa temperatura at halumigmig, ay may problema. Mayroong isang napaka-tanyag na biro: ang isang musikero na tumutugtog ng lute ay gumugugol ng dalawang-katlo ng kanyang oras sa pag-tune ng instrumento, at isang-katlo sa pagtugtog ng musika sa isang hindi natutugtog na instrumento.

Disenyo

Ang napaka-eleganteng disenyo ng lute ay may kasamang katawan at leeg, na nagtatapos sa isang tuning block. Ang hugis-peras na katawan ay may kasamang deck at isang katawan, na gumaganap bilang isang resonator.

• Ang katawan ay gawa sa mga hubog, hugis hemispherical na mga segment na gawa sa matigas na kahoy: ebony, rosewood, cherry o maple.
• Ang deck ay ang harap na bahagi ng katawan na sumasakop sa katawan. Ito ay patag, hugis-itlog at karaniwang gawa sa resonator spruce. May isang stand sa ilalim ng deck, at sa gitna ay may sound hole sa anyo ng isang eleganteng masalimuot na pattern o isang magandang bulaklak.

Ang medyo malawak ngunit maikling leeg ng lute ay nakakabit sa katawan sa parehong antas ng soundboard. Nakadikit dito ang isang ebony fretboard, at nakakabit din ang mga catgut fret stop. Sa tuktok ng leeg ay may isang kulay ng nuwes na nakakaapekto sa taas ng pag-igting ng string.

Ang peg block ng lute, kung saan matatagpuan ang mga adjusting pin para sa string tension, ay mayroon ding sarili nitong natatanging katangian. Ito ay nakasalalay sa katotohanan na ang bloke ay matatagpuan na may kaugnayan sa leeg ng leeg sa isang medyo malaki, halos tamang anggulo.

Ang bilang ng mga nakapares na mga string sa iba't ibang lute ay lubhang nag-iiba: 5 hanggang 16, at kung minsan ay 24.

Timbang ang instrumento ay napakaliit at humigit-kumulang 400 g., haba tool - mga 80 cm.

Mga uri

Ang lute, na napakapopular sa panahon nito, ay umunlad nang napakatindi. Ang mga musical masters ay patuloy na nag-eksperimento sa hugis nito, bilang ng mga string at tuning. Bilang isang resulta, isang medyo makabuluhang bilang ng mga uri ng instrumento ang lumitaw. Halimbawa, Renaissance lutes maliban tradisyonal na mga instrumento, na kinabibilangan ng mga instrumento na may iba't ibang bilang ng magkapares na mga string - mga koro, ay may mga uri ng iba't ibang laki na katulad ng mga rehistro ng boses ng tao: maliit na octave, maliit na treble, treble, alto, tenor, bass at octave bass. Bilang karagdagan, ang pamilya ng lute ay kinabibilangan ng baroque lute, al-ud, archlute, torban, kobza, theorba, kittaron, zither, bandora, cantabile lute, orpharion, vandervogel lute, mandora, mandola.

Aplikasyon

Isinasaalang-alang ng mga istoryador ng sining ang lute hindi lamang isa sa mga pinaka-kawili-wili, ngunit isa ring mahalagang instrumento sa kasaysayan. musikang Europeo 16-17 siglo. Nakatanggap ito ng pagkilala mula sa iba't ibang antas ng pamumuhay, mula sa mga karaniwang tao hanggang sa royalty, at ginamit bilang isang kasama, solo at ensemble na instrumento. Ang mabilis na lumalagong katanyagan ng lute ay patuloy na nangangailangan ng muling pagdadagdag at pag-update ng repertoire. Kadalasan, ang mga kompositor ng mga gawa ay gumaganap din, kaya naman ang isang buong kalawakan ng mga kahanga-hangang kompositor ng luten ay lumitaw sa mga bansang Europa. Sa Italya - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Sa Spain - L. Milan, M. Fuenllana. Sa Germany - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Sa England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Sa Poland - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Sa France - E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese. Dapat ding tandaan na kahit na ang mga pinakadakilang masters bilang I.S. Bach, A. Vivaldi, G. Handel, J. Haydn binigyang pansin ang lute, pinayaman ang repertoire nito sa kanilang mga gawa.

Sa kasalukuyang panahon, ang interes sa sinaunang musika, at sa parehong oras sa lute, ay hindi nawawala. Ang tunog nito ay lalong maririnig sa mga stage ng mga concert hall. Kabilang sa mga modernong kompositor na ngayon ay sumusulat para sa instrumento, maraming mga kagiliw-giliw na gawa ang dapat pansinin ni I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems , A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Mga sikat na artista

Pambihirang naka-istilong sa panahon ng Renaissance at Baroque, ngunit pinalitan ng iba pang mga instrumento at hindi patas na nakalimutan, ang lute ngayon ay muling pumukaw ng malaking interes, at hindi lamang sa mga tunay na musikero. Ang tunog nito ay lalong maririnig sa iba't ibang lugar ng konsiyerto, hindi lamang solo, kundi pati na rin sa ensemble ng iba pang magagandang sinaunang instrumentong pangmusika. Sa ika-21 siglo, ang pinakasikat na virtuoso performer na maraming ginagawa para itanyag ang instrumento ay V. Kaminik (Russia), P. O'Dette (USA), O. Timofeev (Russia), A. Krylov (Russia, Canada) , A. Suetin (Russia), B. Yang (China), Y. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norway), E. Karamazov (Croatia), J. Held (Germany), L. Kirchhoff (Germany), E. Eguez (Argentina), H. Smith (USA), J. Lindberg (Sweden), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Netherlands) at marami pang iba.

Kwento

Imposibleng masubaybayan ang buong kasaysayan ng paglitaw ng lute, na sa silangang mga bansa ay itinuturing na isa sa mga pinaka advanced na instrumento. Ang mga naturang instrumento ay laganap na sa maraming bansa sa mundo apat na libong taon na ang nakalilipas. Ang mga ito ay nilalaro sa Egypt, Mesopotamia, China, India, Persia, Assyria, Sinaunang Greece at Roma. Gayunpaman, iminumungkahi ng mga iskolar ng sining na ang lute ay may isang agarang hinalinhan - ang oud - isang instrumento na hawak pa rin sa espesyal na pagsamba sa Gitnang Silangan, na sinasabing ito ay resulta ng paglikha ng apo ng Propeta. Ang oud ay may hugis-peras na katawan, na gawa sa walnut o pear wood, isang pine soundboard, isang maikling leeg at isang paatras na hubog na ulo. Ang tunog ay nakuha gamit ang isang plectrum.

Ang pagsakop sa Europa sa pamamagitan ng lute ay nagsimula noong ika-8 siglo mula sa Espanya at Catalonia, pagkatapos na sakupin ng mga Moor ang Iberian Peninsula. Ang instrumento ay hindi lamang napakabilis na sumanib sa mga kultura ng mga bansang ito, kundi pati na rin, bilang resulta ng mga Krusada, ay nagsimulang mabilis na kumalat sa iba pang mga bansa sa Europa: Italya. France, Germany, inilipat ang iba pang mga instrumento na ginagamit sa oras na iyon, tulad ng cistra at pandura. Ang lute, na nakakakuha ng katanyagan, ay patuloy na napapailalim sa iba't ibang mga pagpapabuti. Ang mga manggagawa ay gumawa ng mga pagbabago sa disenyo ng instrumento, binago ang katawan at leeg, at nagdagdag ng mga string. Kung sa una ay mayroon itong 4 hanggang 5 na ipinares na mga string - mga koro, pagkatapos ay unti-unting tumaas ang bilang. Sa pamamagitan ng ika-14 na siglo, ang lute sa Europa ay hindi lamang ganap na nabuo, ngunit naging isa rin sa mga pinakasikat na instrumento hindi lamang sa korte, kundi pati na rin sa home music-making. Ito ay hindi na ginamit lamang bilang isang kasamang instrumento, ngunit bilang isang solong instrumento. Gumawa sila ng maraming iba't ibang uri ng musika para sa lute, na nag-aayos hindi lamang ng mga sikat na kanta at sayaw, kundi pati na rin ng sagradong musika. Noong ika-15 siglo, lalo pang tumaas ang katanyagan ng instrumento; madalas itong inilalarawan ng mga pintor sa kanilang mga artistikong canvases. Patuloy na pinayaman ng mga kompositor ang kanilang repertoire. Ang mga performer ay inabandona ang plectrum, mas pinipili ang daliri na paraan ng pagkuha, na makabuluhang pinalawak ang mga teknikal na kakayahan, na nagpapahintulot sa pagganap ng parehong harmonic accompaniment at polyphonic na musika. Ang mga lutes ay nagpatuloy na umunlad, at ang mga instrumento na may anim na ipinares na mga kuwerdas ay naging pinakasikat.

Noong ika-16 na siglo, ang katanyagan ng lute ay umabot sa sukdulan nito. Nangibabaw ito sa parehong mga propesyonal na musikero at amateurs. Ang instrumento ay tumunog sa mga palasyo ng mga hari at mataas na maharlika, gayundin sa mga tahanan ng mga ordinaryong mamamayan. Ito ay ginamit upang gumanap ng mga solo at ensemble na gawa, upang samahan ang mga bokalista at koro, at, bilang karagdagan, upang sumali sa mga orkestra. Ang mga paaralan para sa paggawa ng mga instrumento ng lute ay nilikha sa iba't ibang mga bansa, ang pinakatanyag sa kanila ay matatagpuan sa Italya sa Bologna. Ang mga instrumento ay patuloy na binago, ang bilang ng mga ipinares na mga string ay tumaas: una sampu, pagkatapos ay labing-apat, at pagkatapos ay ang kanilang bilang ay umabot sa 36, ​​na naaayon ay nangangailangan ng mga pagbabago sa disenyo ng instrumento. Mayroong maraming mga uri ng lute, kasama ng mga ito mayroong pito na tumutugma sa tessitura ng boses ng tao, mula sa disco hanggang sa bass.

Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang katanyagan ng lute ay nagsimulang bumaba nang kapansin-pansin, dahil ito ay unti-unting pinalitan ng mga instrumento tulad ng gitara, harpsichord, at ilang sandali pa ang piano. Noong ika-18 siglo, hindi na talaga ito ginagamit, maliban sa ilang uri na umiiral sa Sweden, Ukraine at Germany. At sa pagpasok lamang ng ika-19 at ika-20 siglo, dahil sa panibagong interes sa mga sinaunang instrumento Ang mga mahilig sa Ingles na pinamumunuan ng instrumental maker, propesyonal na musikero at musicologist na si Arnold Dolmich, muling tumaas ang pansin sa lute.

Ang lute ay isang sinaunang eleganteng instrumentong pangmusika na may maganda sa malumanay na boses, na sa isang pagkakataon ay pinilit na hindi magamit at hindi makatarungang nakalimutan. Lumipas ang oras, naalala siya ng mga musikero, naging interesado at muli siyang dinala sa entablado ng konsiyerto upang maakit ang mga tagapakinig sa kanilang sopistikadong tunog. Ngayon, ang lute ay madalas na nakikibahagi sa mga tunay na konsiyerto ng musika, na gumaganap bilang isang solo at ensemble na instrumento.

Video: makinig sa lute