Ang Japan ay palaging nakikilala sa pamamagitan ng kanyang mapitagang saloobin sa pangangalaga at pagpaparami ng mga sinaunang tradisyon nito, at ang kahanga-hangang tampok na ito ay gumagawa ng Bansa sumisikat na araw kakaibang lugar kung saan makabagong pagbabago harmoniously pinagsama sa mga siglo-lumang kultural na mga tradisyon sa buhay ng mga ordinaryong Hapon.

Kung nakapunta ka na sa Japan, kung gayon, walang alinlangan, nakatagpo ka ng pula at itim na mga mangkok ng sopas, tray, chopstick at iba pang mga bagay na may lacquered (ang kanilang medyo mababang kalidad na mga analogue ay matatagpuan sa ating bansa). Ang Lacquer art ay isa sa mga tradisyunal na Japanese crafts na lumitaw noong sinaunang panahon - ang mga unang produkto ay natuklasan sa Japan noong panahon ng Jomon (14,000-300 BC) - at nananatili hanggang sa kasalukuyan. Sa modernong panahon, ang Japanese lacquerware ay aktibong na-export at naging isang uri ng "tatak" ng bansa - hindi nagkataon na sa Kanluraning mundo ang salitang "japan" ay nakakuha ng pangalawang kahulugan - "barnis, barnis na produkto, maglagay ng barnis."

Ang Japanese varnish ay isang organikong sangkap na gawa sa katas ng puno ng urushi (漆), na kinukuha sa pamamagitan ng pagkamot sa kahoy. Ang nagresultang barnis ay tinatawag din. Ito ay pinaniniwalaan na ang salitang ito ay nagmula sa dalawa pang salitang Hapon: uruwashii (麗しい), na nangangahulugang "maganda, maganda", at uruosu (潤す), na nangangahulugang "magbasa-basa". Ang hieroglyph urushi mismo, hindi katulad ng ibang mga pangalan ng mga puno, na isinusulat gamit ang susi na “puno” [木] (桜 – sakura, 梅 – plum, 松 – pine, atbp.), ay may susing “tubig” [氵], na nagbibigay-diin na ang punong ito ay mas mahalaga dahil sa tubig, iyon ay, ang katas na nakapaloob dito. Sa Japanese, ang lacquerware ay tinatawag na shikki (漆器: 漆 "varnish, lacquer wood" + 器 "tool, accessories") o nurimono (塗物: 塗る "to apply, paint" + 物 "thing, object").

Ang matigas na barnis ay bumubuo ng isang proteksiyon na patong na nagtataboy sa tubig at pinipigilan ang bagay na mabulok, at ginagawang mas madaling kapitan sa mga acid, alkalis, asin at alkohol. Ang mga materyales na ginagamit para sa mga produkto ay kahoy (ang pinakakaraniwang materyal), katad, papel, keramika, salamin, metal at maging plastik. Mayroong maraming mga paraan upang lumikha at palamutihan ang lacquerware. Pag-usapan natin ngayon ang tungkol sa karamihan kilalang species ang Japanese craft na ito.

Ouchi lacquerware

Ang ouchi lacquer art ay nagmula sa Yamaguchi Prefecture (山口県) salamat sa pagsisikap ng warlord na si Ouchi Hiroyo (1325-1380). Sa pagsisikap na baguhin ang kanyang mga ari-arian sa isang pagkakahawig ng kabisera ng panahong iyon, ang Kyoto (京都), aktibong inimbitahan niya ang iba't ibang mga master at artisan, bilang isang resulta kung saan ang kumbinasyon ng mga kasanayan at ideya ng mga manggagawa ng Kyoto na may mga lokal na tradisyon ay nagbunga. sa isang bagong kakaibang kultura.

Kishu lacquerware

Sa paligid ng ika-14-16 na siglo. Ang mga monghe ng Buddhist sa Negoroji Temple (sa lugar ng modernong lungsod ng Iwade (岩出市), Wakayama Prefecture (和歌山県) ay nagsimulang gumawa ng mga lacquered na bagay na may utilitarian na kalikasan - chopsticks, trays, bowls, pati na rin bilang mga bagay sa relihiyon - mga bagay para sa mga panalangin at mantra. Dahil ang kanilang pagkakayari ay hindi perpekto, at may mga spot dito at doon sa mga natapos na bagay. espesyal na istilo ang mga produkto ay pinangalanang Negoro. Noong ika-17 siglo, sa suporta ng mga awtoridad ng Kishu domain, ang lacquerware ng mga monghe ay nakakuha ng katanyagan, at ang pangalan ng lugar na ito ay itinalaga sa kanila.

Naka-varnish na Wakasa sticks

Ang mga lacquered na kagamitan sa kusina na ito ay ginawa sa Obama City (小浜市) sa Fukui Prefecture (福井県). Higit sa 80% ng lahat ng lacquered chopstick sa Japan ay ginawa dito. Ang gayong mga wand ng pambihirang kagandahan at biyaya ay isang tanyag na regalo sa kasal sa Land of the Rising Sun.

Odawara lacquerware

Prepektura ng Kanagawa (神奈川県). Ang ganitong uri ng lacquer art ay nagsimula noong panahon ng Kamakura (1185-1333), nang aktibong isulong ng malakas at maimpluwensyang Hojo clan ang pag-unlad ng craft, na ginawang sentro ng produksyon ng lacquer ang lungsod ng Odawara (小田原市). Sa panahon ng Edo (1603-1868), ang malaking dami ng naturang mga bagay ay na-export sa Edo (kasalukuyang Tokyo) - mga mangkok, tray at kahit na lacquered na baluti.

Kagawa lacquerware

Kagawa Prefecture (香川県). Noong 1638, si daimyo Yorishige Matsudaira ay dumating sa mga lugar na ito sa pamamagitan ng paghirang ng shogunate. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pag-ibig sa lacquerware at sculpture, kaya nagsimula siyang bumuo ng mga ganitong uri ng pandekorasyon at inilapat na sining sa kanyang domain. Pagkalipas ng dalawang siglo, salamat sa gawain ng master na si Tsukoku Tamakaji (1807-1869), naging tanyag ang Kagawa lacquerware sa buong bansa. Ang paggamit ng mga espesyal na paraan ng paggiling at buli ay nagbibigay ng pambihirang kinang sa mga produkto.

Wajima Lacquerware

Ishikawa Prefecture (石川県). Ang pinakalumang nakaligtas na halimbawa ng ganitong uri ng sining ay ang lacquered gate ng Shigezo Temple sa lungsod ng Wajima (輪島市), na itinayo noong 1397. Sa panahon ng Edo (1603-1868), naimbento ang zinoko powder na gawa sa dinurog na lutong luwad, na naging dahilan upang ang mga lacquerware na ito ay hindi kapani-paniwalang matibay, na lubhang nakaimpluwensya sa kanilang pangangailangan sa populasyon.

Aizu lacquerware

Ang Aizu crafts ay isa sa mga tradisyonal na sining ng Fukushima Prefecture (福島県). Ang paglitaw ng bapor na ito ay nagsimula noong 1590, nang ang lokal na panginoong pyudal na si Gamo Ujisato ay nagsimulang magpulong ng mga manggagawa mula sa kanyang mga dating pag-aari, pagkatapos ay ipinasa sa kanila ang pinakabagong mga pamamaraan ng bapor noong panahong iyon. Bilang resulta, naging isa si Aizu sa pinakamalaking tagagawa ng lacquerware. Ang pagpapalawak ng produksyon ay humantong sa pagkakataong mag-export ng mga produkto sa Tsina at Holland, na nagpatanyag sa rehiyon sa ibang mga bansa.

Tsugaru lacquerware

Ang Tsugaru ay ang pangalan ng kanlurang bahagi ng Aomori Prefecture (青森県). Ang Tsugaru lacquer art ay nagmula noong ika-17 at ika-18 na siglo, nang hinimok ang pag-unlad ng industriya sa mga lungsod noong panahon ng Edo. Ang istilong Tsugaru ay lumitaw bilang resulta ng pagtaas na ito, nang ang mga manggagawa at artisan ng lugar ay nakatanggap ng insentibo at pagkakataon na karagdagang pag-unlad ang iyong mga kasanayan. Kapag lumilikha ng mga produkto, ang pamamaraan na ginamit higit sa 300 taon na ang nakalilipas ay ginagamit pa rin.

Tiningnan namin ang ilang pangunahing istilo ng Japanese lacquer art. Walang alinlangan, marami pa sa kanila, at marami ang kinukumpleto ng mga bagong diskarte at pinahusay.

Ang Japanese craft ng paglikha ng lacquerware ay lumitaw noong sinaunang panahon at nakaligtas hanggang sa araw na ito, bilang isa sa mga pinaka-eleganteng, maayos, kamangha-manghang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining sa mundo. Isa ito sa mga kultural na tradisyon, nang hindi isinasaalang-alang kung alin ang hindi natin lubos na mauunawaan ang pangitain ng mundo, mga prinsipyo ng aesthetic at ang katangian ng mga Hapones.

Sa una, maaaring mahirap para sa isang walang karanasan na maunawaan ang lahat ng uri ng mga produktong barnisado. Samakatuwid, mas mahusay na pumunta sa mga tindahan kung saan sila ibinebenta, tingnan ang mga ito nang personal, makipag-chat sa nagbebenta at, kung nais mong bumili ng isang bagay para sa iyong sarili at sa iyong mga kaibigan bilang isang regalo, pumili ng isang bagay na gusto mo.

Kung nagpaplano kang bisitahin ang Land of the Rising Sun, maaari mong makitang kapaki-pakinabang ang aming mga kurso: tingnan at mag-sign up ngayon!

May napaka mayamang kasaysayan; malawak ang tradisyon nito, na ang kakaibang posisyon ng Japan sa mundo ay lubos na nakakaimpluwensya sa nangingibabaw na mga istilo at pamamaraan ng mga Japanese artist. Kilalang katotohanan Na ang Japan ay medyo nakahiwalay sa loob ng maraming siglo ay dahil hindi lamang sa heograpiya, kundi pati na rin sa nangingibabaw na Japanese cultural tendency tungo sa paghihiwalay na nagmarka sa kasaysayan ng bansa. Sa loob ng mga siglo ng tinatawag nating “Japanese civilization,” ang kultura at sining ay nabuo nang hiwalay sa mga nasa ibang bahagi ng mundo. At ito ay kahit na kapansin-pansin sa pagsasanay Japanese painting. Halimbawa, ang Nihonga paintings ay kabilang sa mga pangunahing gawa ng Japanese painting practice. Ito ay batay sa higit sa isang libong taon ng tradisyon, at ang mga kuwadro na gawa ay karaniwang nilikha gamit ang mga brush sa alinman sa Vashi (Japanese paper) o Egina (silk).

gayunpaman, sining ng Hapon at ang pagpipinta ay naimpluwensyahan ng mga dayuhan masining na kasanayan. Una, ito ay sining ng Tsino noong ika-16 na siglo at sining ng Tsino at ang tradisyon ng sining ng Tsino, na partikular na nakaimpluwensya sa ilang aspeto. Noong ika-17 siglo, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan din ng mga tradisyong Kanluranin. Sa partikular, sa panahon ng pre-war, na tumagal mula 1868 hanggang 1945, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan ng impresyonismo at Romantikismo sa Europa. Kasabay nito, ang mga bagong kilusang artistikong Europeo ay naimpluwensyahan din ng mga Hapon masining na pamamaraan. Sa kasaysayan ng sining, ang impluwensyang ito ay tinatawag na "Japaneseism", at ito ay lalong mahalaga para sa mga Impresyonista, Cubists at mga artista na nauugnay sa modernismo.

Ang mahabang kasaysayan ng Japanese painting ay makikita bilang isang synthesis ng ilang mga tradisyon na lumikha ng mga bahagi ng isang kinikilalang Japanese aesthetic. Una sa lahat, ang mga pamamaraan ng sining at pagpipinta ng Budismo, gayundin ang pagpipinta ng relihiyon, ay nag-iwan ng isang makabuluhang marka sa aesthetics ng mga pagpipinta ng Hapon; water-ink painting ng mga landscape sa tradisyong Tsino pampanitikan pagpipinta- isa pang mahalagang elemento na kinikilala sa maraming sikat na Japanese painting; pagpipinta ng mga hayop at halaman, lalo na ang mga ibon at bulaklak, ang karaniwang nauugnay sa mga komposisyon ng Hapon, tulad ng mga tanawin at mga eksena mula sa Araw-araw na buhay. Sa wakas, malaking impluwensya Ang pagpipinta ng Hapon ay may mga sinaunang ideya tungkol sa kagandahan mula sa pilosopiya at kultura ng Sinaunang Hapon. Ang Wabi, na nangangahulugang lumilipas at masungit na kagandahan, sabi (ang kagandahan ng natural na patina at pagtanda), at yugen (malalim na biyaya at kahinahunan) ay patuloy na nakakaimpluwensya sa mga ideyal sa pagsasanay ng pagpipinta ng Hapon.

Sa wakas, kung tututukan natin ang pagpili ng sampung pinakasikat na obra maestra ng Hapon, dapat nating banggitin ang ukiyo-e, na isa sa pinakasikat na genre ng sining sa Japan, kahit na kabilang ito sa printmaking. Nangibabaw ito sa sining ng Hapon mula ika-17 hanggang ika-19 na siglo, kasama ang mga artistang kabilang sa genre na ito na lumilikha ng mga woodcut at mga painting ng mga paksa tulad ng magagandang babae, mga aktor ng Kabuki at sumo wrestler, pati na rin ang mga eksena mula sa kasaysayan at kwentong bayan, mga eksena sa paglalakbay at landscape, flora at fauna at maging ang erotika.

Laging mahirap gumawa ng listahan pinakamahusay na mga kuwadro na gawa mula sa masining na tradisyon. Maraming kamangha-manghang mga gawa ang hindi isasama; gayunpaman, ang listahang ito ay nagtatampok ng sampu sa mga pinakakilalang Japanese painting sa mundo. Ang artikulong ito ay magpapakita lamang ng mga kuwadro na gawa mula sa ika-19 na siglo hanggang sa kasalukuyan.

Ang pagpipinta ng Hapon ay may napakayamang kasaysayan. Sa loob ng maraming siglo Mga artistang Hapones nakabuo ng malaking bilang ng mga natatanging pamamaraan at istilo na pinakamahalagang kontribusyon ng Japan sa mundo ng sining. Isa sa mga pamamaraan na ito ay sumi-e. Ang Sumi-e ay literal na nangangahulugang "pagguhit ng tinta" at pinagsasama ang kaligrapya at pagpipinta ng tinta upang lumikha ng isang pambihirang kagandahan ng mga komposisyon na iginuhit ng brush. Ang kagandahang ito ay kabalintunaan - sinaunang ngunit moderno, simple ngunit kumplikado, matapang ngunit mahinahon, walang alinlangan na sumasalamin sa espirituwal na batayan ng sining sa Zen Buddhism. Ipinakilala ng mga paring Budista ang mga solidong bloke ng tinta at mga brush ng kawayan sa Japan mula sa China noong ika-anim na siglo, at sa nakalipas na 14 na siglo, ang Japan ay nakabuo ng isang mayamang pamana ng pagpipinta ng tinta.

Mag-scroll pababa at tingnan ang 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Katsushika Hokusai "Ang Pangarap ng Asawa ng Mangingisda"

Isa sa mga pinakakilalang Japanese painting ay ang "The Dream of the Fisherman's Wife." Ipininta ito noong 1814 ng sikat na pintor na si Hokusai. Sa pamamagitan ng mahigpit na kahulugan, ang kamangha-manghang gawa ni Hokusai ay hindi maituturing na isang pagpipinta, dahil ito ay isang woodcut ng ukiyo-e genre mula sa aklat na Young Pines (Kinoe no Komatsu), na isang tatlong-volume na shunga na libro. Ang komposisyon ay naglalarawan ng isang batang ama na maninisid na nakikipagtalik sa isang pares ng mga octopus. Napakaimpluwensya ng imaheng ito noong ika-19 at ika-20 siglo. Naimpluwensyahan ng trabaho ang mga susunod na artista tulad nina Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff at Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Si Abe no Nakamaro ay nagsusulat ng isang nostalhik na tula habang pinagmamasdan ang buwan"

Ang Tessai Tomioka ay ang pseudonym ng isang sikat na Japanese artist at calligrapher. Siya ay itinuturing na huling pangunahing artista sa tradisyon ng bunjing at isa sa mga unang pangunahing artista ng istilong Nihonga. Ang Bunjinga ay isang paaralan ng pagpipinta ng Hapon na umunlad sa huling bahagi ng panahon ng Edo sa mga artista na itinuturing ang kanilang sarili na mga literati o intelektwal. Ang bawat isa sa mga artist na ito, kabilang si Tessaya, ay bumuo ng kanyang sariling istilo at diskarte, ngunit lahat sila ay malaking tagahanga ng sining ng Tsino at kultura.

3. Fujishima Takeji "Sunrise over the Eastern Sea"

Si Fujishima Takeji ay isang Japanese artist na kilala sa kanyang trabaho sa pagbuo ng Romanticism at Impressionism sa yoga (Western style) art movement noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Noong 1905, naglakbay siya sa France, kung saan naimpluwensiyahan siya ng mga kilusang Pranses noong panahong iyon, partikular na ang Impresyonismo, gaya ng makikita sa kanyang pagpipinta na Sunrise over the Eastern Sea, na ipininta noong 1932.

4. Kitagawa Utamaro "Sampung uri ng mukha ng babae, isang koleksyon ng mga naghaharing dilag"

Si Kitagawa Utamaro ay isang kilalang Japanese artist na ipinanganak noong 1753 at namatay noong 1806. Siya ay tiyak na pinakamahusay na kilala para sa isang serye na tinatawag na "Sampung Uri ng Mukha ng Babae. Isang Koleksyon ng Mga Dominant Beauties, Great Love Themes of Classical Poetry" (minsan ay tinatawag na "Women in Love", na naglalaman ng magkahiwalay na mga ukit na "Naked Love" at "Thoughtful Love"). Isa siya sa pinakamahalagang artist na kabilang sa ukiyo-e woodcut genre.

5. Kawanabe Kyosai “Tiger”

Si Kawanabe Kyosai ay isa sa mga pinakasikat na artista ng Hapon noong panahon ng Edo. Ang kanyang sining ay naimpluwensyahan ng gawa ni Tohaku, isang pintor ng paaralang Kano noong ika-16 na siglo na nag-iisang pintor sa kanyang panahon na nagpinta ng mga screen nang buo sa tinta sa isang pinong background ng gintong pulbos. Bagama't kilala si Kyosai bilang isang cartoonist, isinulat niya ang ilan sa pinakamarami sikat na mga painting sa kasaysayan ng sining ng Hapon noong ika-19 na siglo. Ang "Tiger" ay isa sa mga painting na ginamit ni Kyosai na watercolor at tinta para gawin.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji mula sa Lake Kawaguchi"

Si Hiroshi Yoshida ay kilala bilang isa sa mga pangunahing pigura ng istilong Shin-hanga (Ang Shin-hanga ay isang masining na kilusan sa Japan noong unang bahagi ng ika-20 siglo, noong panahon ng Taisho at Showa, na muling nabuhay. tradisyonal na sining ukiyo-e, na nag-ugat sa panahon ng Edo at Meiji (XVII - XIX na siglo)). Nagsanay siya sa tradisyon ng Western oil painting, na pinagtibay mula sa Japan noong panahon ng Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Si Takashi Murakami ay marahil ang pinakasikat na Japanese artist sa ating panahon. Ang kanyang mga gawa ay nagbebenta para sa mga astronomical na presyo sa mga pangunahing auction, at ang kanyang trabaho ay nagbibigay inspirasyon sa mga bagong henerasyon ng mga artista hindi lamang sa Japan, kundi pati na rin sa ibang bansa. Kasama sa sining ni Murakami ang isang hanay ng mga medium at karaniwang inilalarawan bilang superflat. Ang kanyang trabaho ay kilala sa kanyang paggamit ng kulay, na nagsasama ng mga motif mula sa Japanese traditional at sikat na kultura. Ang nilalaman ng kanyang mga pagpipinta ay madalas na inilarawan bilang "cute", "psychedelic" o "satirical".

8. Yayoi Kusama “Kalabasa”

Si Yaoi Kusama ay isa rin sa pinakasikat na Japanese artist. Gumagawa siya sa iba't ibang media kabilang ang pagpipinta, collage, scat sculpture, performance, environmental art at installation, na karamihan ay nagpapakita ng kanyang pampakay na interes sa psychedelic na kulay, pag-uulit at pattern. Ang isa sa pinakasikat na serye ng mahusay na artist na ito ay ang seryeng "Pumpkin". Sakop sa isang polka dot pattern, ang isang regular na kalabasa na may maliwanag na dilaw ay ipinakita sa isang net background. Sama-sama, ang lahat ng naturang elemento ay bumubuo ng isang visual na wika na hindi mapag-aalinlanganan na totoo sa istilo ng artist, at binuo at pino sa loob ng mga dekada ng masusing paggawa at pagpaparami.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanese Spirit No. 14”

Si Tenmyoya Hisashi ay isang kontemporaryong Japanese artist na kilala sa kanyang mga neo-nihonga painting. Lumahok siya sa muling pagkabuhay ng lumang tradisyon ng pagpipinta ng Hapon, na ganap na kabaligtaran ng modernong pagpipinta ng Hapon. Noong 2000 nilikha din niya ang kanyang isang bagong istilo butouha, na nagpapakita ng isang malakas na saloobin sa awtoridad masining na sistema sa pamamagitan ng kanyang mga ipininta. Ang "Japanese Spirit No. 14" ay nilikha bilang bahagi ng "BASARA" artistic scheme, na binibigyang kahulugan sa kultura ng Hapon bilang ang mapanghimagsik na pag-uugali ng mas mababang aristokrasya sa panahon ng Warring States upang ipagkait sa mga nasa kapangyarihan ang kakayahang makamit perpektong imahe buhay, magdamit ng malago at marangyang damit at kumikilos nang walang kalayaan, hindi naaayon sa kanilang panlipunang uri.

10. Katsushika Hokusai “The Great Wave Off Kanagawa”

Sa wakas, " Isang malaking alon sa Kanagawa" ay marahil ang pinakakilala pagpipinta ng Hapon kailanman naisulat. Ito talaga ang pinaka sikat na gawain sining na nilikha sa Japan. Ito ay naglalarawan malalaking alon nagbabantang mga bangka sa baybayin ng Kanagawa Prefecture. Bagama't minsan ay napagkakamalang tsunami, ang alon, gaya ng ipinahihiwatig ng pamagat ng pagpipinta, ay malamang na hindi normal na mataas. Ang pagpipinta ay ginawa sa tradisyon ng ukiyo-e.

Ang Japan ay isang napaka-kagiliw-giliw na estado, na kilala sa iba't ibang mga tradisyon at kaugalian. Heograpikal na posisyon Ang bansa ng Rising Sun ay ginawa itong medyo nakahiwalay sa ibang mga estado, salamat sa kung saan ito ay umunlad nang walang pagsasaalang-alang sa mga bansang European. Ang kultura ng Japan ay lubhang mayaman at magkakaibang. Ang mga kakaibang tradisyon ng Hapon ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng kasaysayan mahahalagang pangyayari. Unti-unti, ang Japan ay naging isang makapangyarihan, nagkakaisang estado na may katangian ng karakter at isang tiyak na kaisipan ng populasyon.

Pangunahing Aspekto ng Kulturang Hapones

Ang kultura ng bansa ay ipinakikita sa maraming larangan ng lipunan. Sa Japan ang mga aspeto nito ay;

Para sa mga Hapon, ang proseso ng pag-inom ng tsaa ay hindi isang simpleng kasiyahan sa mga pangangailangang pisyolohikal ng katawan, ngunit isang tunay na kulto. Ang seremonya ng tsaa sa Japan ay sinamahan ng mga espesyal na katangian at naglalaman ng maraming tradisyon. Ang gayong kagalang-galang na saloobin, tila, sa pang-araw-araw na proseso ay kinuha ang pag-unlad nito mula sa pagmumuni-muni ng mga Buddhist monghe. Sila ang nagdala ng napakaraming kahalagahan sa proseso ng pag-inom ng tsaa.

Para sa mga Europeo, ang konsepto ng "kimono" ay nagpapakilala sa pambansang kasuotan ng Japan. Gayunpaman, sa lupain ng pagsikat ng araw mismo mayroong dalawang kahulugan ng salitang ito - sa makitid at sa malawak na kahulugan. Ang salitang "kimono" sa Japan ay tumutukoy hindi lamang sa pambansang kasuutan, kundi pati na rin sa lahat ng damit sa pangkalahatan. Sa ilalim ng kimono, bilang panuntunan, isang espesyal na balabal at pitong sinturon ang isinusuot. Ang kimono na isinusuot sa tag-araw ay tinatawag na yukata. Depende sa edad ng babae, maaaring mag-iba ang modelo ng pananamit.

Sa Japan, dalawang relihiyosong kilusan ang matagumpay na ipinangaral nang sabay-sabay - Shintoismo at Budismo. Lumitaw ang Shintoismo sa sinaunang Japan; ito ay batay sa pagsamba sa iba't ibang nilalang. Ang Budismo, sa turn, ay nahahati sa ilang uri. Sa Japan mayroong maraming mga paaralan na nagtataguyod ng isa o ibang kilusan ng Budismo.

Ang mga rock garden ay partikular na kahalagahan sa kultura ng Hapon. Ang mga ito ay hindi lamang isang paglikha ng arkitektura na umaakit sa atensyon ng mga turista, kundi isang lugar din ng espirituwal na paglago. Dito nakakahanap ang mga Hapones ng kaliwanagan mula sa pagmumuni-muni sa mga istrukturang bato na nakaayos sa isang espesyal na pagkakasunud-sunod. Kasama sa mga rock garden ang isang partikular na disenyo na ang isang naliwanagang tao lamang ang makakapag-alis.

Ang Tango no sekku ay isang pagdiriwang ng mga lalaki. Ito ay nakatuon hindi lamang sa lahat ng maliliit na kinatawan ng lalaki, kundi pati na rin sa pagkalalaki at lakas ng buong mamamayang Hapones. Nakaugalian na ipagdiwang ang holiday sa tagsibol, kapag ang kalikasan ay nagising at nalulugod sa kagandahan nito. Sa araw ng Tango no Sekku, ang mga lalaki ay inaalagaan ng kanilang mga magulang. Dapat sabihin ng isang ama sa kanyang anak ang lahat mga mandirigmang Hapones at ang kanilang mga pagsasamantala. At inihahanda siya ng kanyang ina ng mesa na may kasamang masasarap na pagkain.

Ang mga cherry blossom ay itinuturing na pinakamagandang natural na kababalaghan. Maraming mga turista ang pumupunta dito upang tamasahin ang pagmumuni-muni ng isang namumulaklak na halaman. Sa tagsibol, makikita ang malalaking pulutong ng mga tao sa mga parke ng Hapon. Maraming pamilya ang nagpi-piknik at pinapanood ang kagandahan ng mga Japanese cherry tree.

Isa sa mga natatanging tradisyon ng bansa ang pagyuko. Kinakatawan nila ang mga patakaran magandang asal. Hindi kaugalian sa mga Hapon na magpaalam, sa halip, yumuyuko sila nang maraming beses gaya ng ginawa ng kausap.

Ang samurai ay kumakatawan sa isang tiyak na uri ng lipunan, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga tradisyon at kaugalian. Ito ay may direktang koneksyon sa kultura ng bansa. Ang samurai ay mga mandirigma na nagsasagawa ng isang tiyak na serbisyo, na maaaring militar, seguridad o domestic. Sa alinman sa mga kasong ito, ang samurai ay nagpapakilala sa katapangan, pagkalalaki at maharlika ng mga Hapones.

Ang proseso ng pagbuo ng kultura ng sinaunang Japan

Ang kultura ng sinaunang Japan ay nagsimulang umunlad sa pagsilang ng wikang Hapon at pagsulat. Ang lupain ng pagsikat ng araw ay hiniram ang batayan nito mula sa China. Ang pagsulat ng Hapon ay naglalaman din ng mga hieroglyph na hindi mauunawaan ng isang dayuhang mamamayan. Sa paglipas ng panahon, nagsimulang magdagdag ng mga bagong salita, tunog at parirala sa wikang Hapon. Kaya siya ay ganap na nagbago, gayunpaman karaniwang mga tampok may China pa rin matunton.

Nagmula rin ang pagiging relihiyoso ng bansa mga sinaunang siglo. Ang Shintoismo ay bunga ng pag-unlad ng iba't ibang mitolohiya. Naka-on sa sandaling ito ang doktrinang ito ay nagtataguyod ng kulto ng mga pinuno at mga patay na tao. Ang Budismo ay may malalim na ugat na ang mga opinyon ng mga siyentipiko at istoryador tungkol sa paglitaw ng ganitong uri ng relihiyon ay lubhang nag-iiba.

sining ng Hapon

Halos lahat ng uri ng sining na ginagawa sa Japan ay may isang pangunahing ideya - kalmado at pagpapahinga. Ito ay tiyak na ang pagkakaisa ng isang tao sa kanyang sarili na naglalaman ng sining, anuman ang paraan ng paglalahad ng impormasyon. Maraming uri ng sining na kilala sa buong mundo ang nagsimula ng kanilang pag-unlad sa Japan. Kabilang sa mga ito maaari nating i-highlight ang origami - ang kakayahang magtiklop ng iba't ibang mga hugis mula sa papel.

Ang isa pang tanyag na bahagi ng sining ng Hapon ay ang ikebana. Ito ang kasanayan sa pagbuo ng mga bouquet ng mga bulaklak gamit ang espesyal na teknolohiya. Dito nagmula ang isang pantay na sikat na aktibidad na tinatawag na bonsai. Ito ang paglikha ng iba't ibang komposisyon mula sa mga dwarf tree. Sa Omiya, hindi kalayuan sa Tokyo, mayroong isang buong Bonsai park. Ang bawat dwarf tree na ipinakita dito ay natatangi at maganda sa sarili nitong paraan.

Ang pagpipinta ng Hapon ay karapat-dapat sa espesyal na kahalagahan, dahil ang bawat pagpipinta ay may dalang kasama nito nakatagong kahulugan. Bilang isang patakaran, ang mga maliliwanag na kulay, magkakaibang mga transition at malinaw na mga linya ay ginagamit bilang disenyo. Ang Japan ay mayroon ding sining ng kaligrapya. Ito ang kasanayan ng aesthetically beautiful writing ng mga hieroglyph. Ang inilapat na sining ay laganap din sa Japan. Mayroong isang buong museo sa Tokyo na nakatuon sa bapor na ito. Dito makikita ang mga produktong gawa sa papel, salamin o metal. At hindi ito isang kumpletong listahan ng mga materyales na ginamit para sa layuning ito.

Ang estilo ng Japanese na panloob na disenyo ay nararapat din ng espesyal na pansin. Kasama dito ang pag-andar at pagiging simple, kasama ang pagka-orihinal ng pagpapatupad. Bilang karagdagan, ang panloob na disenyo ay nagdadala ng pilosopiya ng relihiyon, tulad ng anumang iba pang anyo ng sining ng Hapon.

Arkitektura ng Japan

Ang mga istrukturang arkitektura sa Japan, sa isang paraan o iba pa, ay nauugnay sa relihiyon. Noong una, ang mga gusali ng templo ay kadalasang walang anumang mga bulaklak. Ito ay dahil sa paggamit ng hindi pininturahan na kahoy sa konstruksyon. Nang maglaon ay nagsimula silang gumamit ng pula at asul na lilim.

Pangunahing materyal para sa mga gusaling arkitektura sa Japan ito ay itinuturing na isang puno. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang reserba ng mapagkukunang ito sa bansa ay medyo malaki. Bilang karagdagan sa katotohanan na ang kahoy ay nagsasagawa ng init at sumisipsip ng kahalumigmigan, praktikal din ito sa kaso ng mga lindol, na madalas na nangyayari sa Japan. Kung ang isang bahay na bato ay napakahirap na muling likhain pagkatapos ng pagkasira, kung gayon ang isang kahoy ay mas madali.

Ang pangunahing tampok ng arkitektura ng Hapon ay ang pagkakaroon ng makinis na mga geometric na hugis. Kadalasan, ito ay mga tatsulok at parihaba. Halos imposible na makahanap ng makinis at bilog na mga linya sa anumang istraktura. Pangunahing prinsipyo, batay sa kung saan inayos ng mga Hapon ang kanilang mga tahanan - ang hindi mapaghihiwalay na pagkakaroon ng loob ng bahay at labas. Nalalapat ito sa mga hardin ng Hapon. Dapat silang palamutihan sa eksaktong kaparehong istilo ng bahay mismo. Kung hindi, ito ay itinuturing na masamang anyo at kumpletong masamang lasa. Ang mga Hapon ay nagbibigay ng espesyal na pansin sa kanilang mga hardin.

Hapon na musika

Sa paggalang sa pag-unlad ng musika Ang Japan ay tumingin sa ibang mga bansa gamit ang anuman mga Instrumentong pangmusika. Ngunit kalaunan ay ginawang moderno niya ang mga ito sa ilalim ng impluwensya ng mga lokal na panlasa at tradisyon. Unang nakaimpluwensya sa pagbuo Klasikong musika Ang lokal na alamat ng Japan, ang Dengaku, ay hinaluan ng mga dayuhang impluwensya at nagsilang ng musikang pamilyar na ngayon sa Japan.

Ang iyong kontribusyon sa musikal na pinagmulan Nag-ambag din ang relihiyosong bahagi ng isyu. Salamat sa Kristiyanismo, nagsimulang kumalat ang pagtugtog ng organ. At itinaguyod ng Budismo ang pagtugtog ng plauta.

Naka-on kasalukuyan Ang klasikal na musika ay nakakuha ng katanyagan sa Japan. Maraming kinatawan ng creative cell na ito ang naglalakbay sa ibang bansa sa Japan. Kabilang dito sina Goto Midori, Ozawa Seiji at Uchida Mitsuko. Kamakailan lamang, ang mga bulwagan na idinisenyo para sa komportableng pakikinig sa klasikal na musika ay binuksan sa Japan. Kabilang dito ang Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, atbp.

Mga tradisyon ng sambahayan ng Japan

Ang mga Hapon ay isang taong may mabuting asal na sumusunod sa kanilang mga tradisyon at kaugalian. Ang pagtrato sa iyong sarili at sa iba nang may paggalang ay itinuturing na pamantayan sa Japan. Mula sa pagkabata, ang mga bata ay tinuturuan ng mabuting asal, ang mga pangunahing halaga ng mga Hapones ay ipinaliwanag sa kanila, at sila ay tinuturuan sa lahat ng posibleng paraan. At lahat ito ay nakikinabang sa lipunan. Ang sinumang turista na pumupunta sa lupain ng pagsikat ng araw mula sa ibang bansa ay nagulat sa pagiging palakaibigan, palakaibigan at mabuting asal ng mga Hapones.

Unlike mga bansang Europeo, matagal nang ipinagbabawal ng Japan ang paninigarilyo sa mga pampublikong lugar. Nalalapat din ito sa pribadong pag-aari. Ang paninigarilyo malapit sa ibang tao ay pinahihintulutan lamang kung sila ay nagbigay ng kanilang pahintulot.

Sa iba pang mga bagay, mahigpit na sinusunod ng mga Hapon ang lahat ng mga alituntunin ng kalinisan na idinidikta sa kanila ng lipunan. Halimbawa, sa anumang silid, kabilang ang mga relihiyosong gusali, mayroong mga espesyal na dayami na banig. Hindi ka maaaring maglakad sa kanila sa mga sapatos; sila ay itinuturing na hindi lamang isang panloob na dekorasyon, kundi isang tunay na kalapastanganan. Gayundin, nagpasya ang mga Hapon na protektahan ang kanilang sarili mula sa mga posibleng bakterya na nagmumula sa banyo sa kanilang mga paa. Sa alinmang pampublikong lugar at ang mga apartment ay may mga espesyal na tsinelas sa banyo na pumipigil sa mga nakakapinsalang mikrobyo mula sa paglipat sa ibang mga silid.

Para sa mga Hapon, ang pagkain ay hindi itinuturing na isang proseso ng buhay, ngunit isang tunay na kulto. Bago kumain, laging pinupunasan ng mga Hapon ang kanilang mga kamay gamit ang isang espesyal na tuwalya na binasa ng tubig, na tinatawag na oshibori. Ang setting ng talahanayan ay hindi nangyayari sa anumang random na pagkakasunud-sunod, ngunit ayon sa isang espesyal na pattern. Kahit na ang bawat aparato ay may sariling lugar. Hinahati sila ng mga Hapon sa lalaki at babae, at ito ay napakahalaga para sa kanila. Sa Japan, ang mga kutsara ay ginagamit lamang para sa pagkain ng o-zoni na sopas, na inihanda para sa Bagong Taon; mas gusto ng mga Hapon na uminom ng natitirang mga unang kurso ng eksklusibo mula sa mga espesyal na mangkok. Bukod dito, ang paghampas ng iyong mga labi habang kumakain ay hindi itinuturing na masamang asal. Ito ay pinaniniwalaan na sa ganitong paraan ang lasa ng ulam ay mas mahusay na inihayag.

Ang kaugnayan ng mabuting asal sa Japan ay napatunayan ng mga sumusunod na alituntunin:

• Kinakailangang talakayin nang maaga ang lugar at oras ng pagpupulong. Sa Japan, ang pagiging huli ay itinuturing na kawalang-galang na lampas sa mga hangganan ng pagiging disente.
• Hindi mo maaaring matakpan ang iyong kausap; kailangan mong matiyagang maghintay para magsalita ang tao, pagkatapos ay magsimulang ipahayag ang iyong opinyon.
• Kung maling numero ang tawag mo, dapat kang humingi ng paumanhin.
• Kung may tumulong sa iyo, tiyak na kailangan mong pasalamatan siya.
• Ang ilang mga bisita ng Hapon ay maaaring ituring na honorary. Kahit na sila ay inilalaan ng isang espesyal na lugar sa mesa, na, bilang isang patakaran, ay matatagpuan sa pinakamalayo mula sa pasukan sa silid.
• Kapag nagbibigay ng regalo sa mga Hapones, dapat kang humingi ng paumanhin sa pagiging mahinhin, sa kabila ng kung ano ang kinakatawan nito. Ito ang mga patakaran, hindi sila dapat labagin.
• Habang nakaupo sa hapag-kainan, maaaring ikrus ng mga lalaki ang kanilang mga paa, ngunit mahigpit na ipinagbabawal ang mga babae. Ang mga binti ay dapat na nakatago at nakaturo sa isang direksyon.

Kabilang din sa mga tradisyon sa pang-araw-araw na buhay sa Japan ang pagsamba sa mga matatandang tao. Hindi mahalaga kung ano ang propesyon, kita, hitsura o katangian ng isang tao, kung siya ay mas matanda, dapat siyang tratuhin nang may paggalang. Ang katandaan sa Japan ay nagbubunga ng paggalang at pagmamalaki. Ibig sabihin, pasado na ang tao mahabang paghatak at ngayon ay nararapat siyang parangalan.

Tulungan ang site: Pindutin ang mga button

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang istilong ukiyo-e ay nangingibabaw pa rin sa pagpipinta ng Hapon. Noong 1868, pagkatapos ng Rebolusyong Meiji at ang pagbubukas ng mga hangganan, ang mga tagumpay ay naging mas naa-access sa Japan kabihasnang Kanluranin, at unti-unting nawawala sa uso ang ukiyo-e, na napalitan ng photography.
Ngunit una sa lahat.

Ukiyo-e style

Ukiyo-e(Mga pintura ng Hapon (mga larawan) ng nagbabagong mundo) - isang direksyon sa sining ng Japan. Sa simula, ang terminong ito ng Budista ay ginamit upang nangangahulugang "ang mortal na mundo, ang libis ng kalungkutan." Ngunit sa panahon ng Edo, sa pagdating ng mga espesyal na itinalagang quarters ng lungsod kung saan umunlad ang teatro ng Kabuki at matatagpuan ang mga bahay ng mga geisha at courtesan, muling binigyang-kahulugan ang termino, at naunawaan ito bilang "ang mundo ng panandaliang kasiyahan, ang mundo ng pag-ibig."
Ang mga Ukiyo-e print ay ang pangunahing uri ng woodcut sa Japan. Ang anyo ng sining na ito ay naging tanyag sa kultura ng lungsod noong ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ang nagtatag ng ukiyo-e ay isang Japanese na pintor at graphic artist. Hishikawa Moronobu.

H. Moronobu “Autumn in Asakusa. Namumulaklak na cherry sa Ueno Park." Screen painting. Freer Gallery (Washington)
Sa una, ang mga ukit ay itim at puti, na gawa sa tinta. Mula sa simula ng ika-18 siglo. ang ilang mga gawa ay pininturahan ng kamay gamit ang isang brush.
Ang mga ukiyo-e print ay pangunahing inilaan para sa mga residente ng lunsod na hindi kayang bumili ng mas mahal na mga painting.
Ang mga tema ng ukiyo-e ay mga larawan ng pang-araw-araw na buhay: magagandang geisha, wrestler ng sumo, sikat na artista ng kabuki, at kalaunan, mga landscape print.

Katsushika Hokusai "The Great Wave off Kanagawa" (1823-1831)
Sa panahon ng XVIII-XIX na siglo. mga sikat na artista mayroong Utamaro, Hokusai, Hiroshige at Toshusai Sharaku.
Sa panahon na ang istilo ng ukiyo-e ay nagsimulang mawala sa uso sa Japan, naging popular ito sa Kanlurang Europa at America, ang mga kritiko ng sining ay nagsisimula nang bumili ng mga engraving nang maramihan.
Ang mga print ng Hapon ay nagbigay inspirasyon sa maraming mga artista sa Europa na nagtrabaho sa istilo ng cubism, impresyonismo, post-impressionism: Vincent van Gogh, Claude Monet, atbp. Ang impluwensyang ito ay tinawag na "Japanism".

Vincent van Gogh "Portrait of Father Tanguy" (1887-1888). Canvas, langis. Rodin Museum (Paris)

Mga sikat na Ukiyo-e artist:

Hishikawa Moronobu (XVII century)
Kitagawa Utamaro (XVIII century)
Kawanabe Kyosai (ika-19 na siglo)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX na siglo)
Utagawa Hiroshige (ika-19 na siglo)
Utagawa Kunisada (ika-19 na siglo)
Utagawa Kuniyoshi (ika-19 na siglo)
Keisai Eisen (ika-19 na siglo)
Suzuki Harunobu (XIX siglo)
Toyohara Kunitika (ika-19 na siglo)
Tsukioka Yoshitoshi (ika-19 na siglo)
Ogata Gekko (XIX-XX na siglo)
Hasui Kawase (XX siglo)

Tingnan natin ang pagkamalikhain ng ilan sa kanila.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. Self-portrait
Sikat na Japanese ukiyo-e artist, illustrator, engraver. Nagtrabaho siya sa ilalim ng maraming pseudonym (hindi bababa sa 30). Ipinanganak sa isang pamilya ng mga artisan, nagsimula siyang gumuhit sa edad na 6. Habang nagtatrabaho sa isang bookstore, natuto siyang magbasa at magsulat. Pagkatapos ay nagtrabaho siya sa isang pagawaan ng engraver - ang pag-ukit ay napakapopular sa Japan noong panahong iyon.
Noong 1793-1794. Nagsisimula ang independiyenteng buhay ng artista, medyo mahirap sa materyal na termino, ngunit mayaman sa sining - nag-aaral siya iba't ibang paaralan mga kuwadro na gawa: Kano school (landscapes, mga larawan ng mga ibon at hayop, araw-araw na mga eksena; pinalamutian nila ang mga pinto ng mga sliding screen na may mga disenyo); Sotatsu school (naglalarawan sa pang-araw-araw na buhay ng mga Hapones at Mga tanawin ng Hapon sa mga sliding door). Ang artist ay unti-unting nagsisimulang bumuo ng kanyang sariling estilo.
Noong 1796, nagsimulang gamitin ng artista ang pseudonym na Hokusai, na kalaunan ay naging malawak na kilala. Noong 1800, sa edad na 41, nagsimulang tawagan ng artist ang kanyang sarili na Gakejin Hokusai ("Mad Hokusai of Painting").
Naiintindihan ng artista ang larawan ng mundo sa pamamagitan ng kamalayan ng kahalagahan at espesyal na halaga ng pang-araw-araw na buhay ng mga tao, ang kanilang trabaho at alalahanin. Ang buhay ng kalikasan, ang kahulugan at kagandahan nito sa mga landscape ng Hokusai ay naiintindihan lamang salamat sa pagkakaroon ng mga tao sa kanila, abala sa kanilang mga ordinaryong gawain. Ginugol ni Hokusai ang halos lahat ng kanyang buhay sa paglalakbay sa buong bansa, na nag-sketch ng lahat ng kanyang nakita. Kilala si Hokusai hindi lamang bilang isang mang-uukit, kundi bilang isang manunulat, makata at pintor.
Siya ang una sa mga Japanese engraving artist kung saan ang tanawin ng trabaho ay nakakuha ng kahalagahan ng isang malayang genre. Nakuha ng mga landscape ng Hokusai ang makulay at marilag na anyo ng kalikasan ng Hapon.
Para sa aking mahabang masining na aktibidad lumikha siya ng humigit-kumulang 30 libong mga guhit at mga ukit at naglarawan ng mga 500 mga libro.
Ang kasagsagan ng trabaho ni Hokusai ay nagsimula noong 1820s at unang bahagi ng 1830s. Sa oras na ito nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na serye ng landscape. Ang mga seryeng ito ay humanga sa kanilang lalim at kayamanan. masining na pananaw Hokusai - mula sa isang malawak na pilosopikal na pag-unawa sa larawan ng mundo sa seryeng "36 na tanawin ng Mount Fuji" (1823-1829), na nagpapakita ng epikong kadakilaan ng kalikasan sa seryeng "Bridges" (1823-1829), na hinahangaan ang elemental nito kapangyarihan sa "Waterfalls" (1827-1830) sa banayad na liriko na karanasan ng kalikasan sa seryeng "Poets of China and Japan" (1830).

Katsushika Hokusai “South Wind. Maayos na panahon". Color woodcut (1823-1831) mula sa seryeng "Tatlumpu't anim na tanawin ng Mount Fuji"
Isa sa pinaka makabuluhang gawain Ang Hokusai, kung saan ang pagka-orihinal ng kanyang trabaho bilang isang artist-thinker ay lubos na nahayag, ay ang seryeng "36 Views of Fuji". Mas malaking numero Ang mga sheet sa seryeng ito ay kumakatawan sa iba't ibang mga eksena sa genre: isang mangingisda na naghahagis ng kanyang lambat; mga manggagawa ng sawmill na nagtatrabaho sa isang bodega ng kahoy; isang cooper na gumagawa ng batya, atbp. Lahat ng mga eksenang ito ay nakalagay sa isang landscape na may Mount Fuji sa background.
Ang gawain ni Hokusai ay nagdulot ng maraming imitasyon; ang bilang ng kanyang mga estudyante ay napakarami. Ngunit halos lahat ng mga tagasunod ng artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-asimilasyon lamang sa panlabas na bahagi ng kanyang malikhaing pamamaraan.

Surimono

Ang Surimono ay isang uri ng tradisyonal na Japanese art, color woodcut, na nagsilbing regalo sa mga Japanese urban intelligentsia. Ang dahilan para sa gayong regalo ay maaaring mga anibersaryo, ang kapanganakan ng isang anak na lalaki, ang simula ng panahon ng cherry blossom, ang paparating na Bagong Taon atbp. Ang mga genre ng surimono ay iba-iba: mga paglalarawan ng mga pigura, mga paglalarawan ng mga hayop, mga bulaklak at mga ibon, mga tanawin.
Ang imahe na nilikha sa pamamagitan ng visual, patula at teknikal na paraan ay kailangang magkaroon ng integridad. Ang Surimono ay isang sining, isang laro, isang paraan ng libangan, at bahagi ng buhay ng mga taong-bayan.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Malaki ang kontribusyon ni Hokusai sa pagsikat ng surimono: ginagawa niya itong pinakamahalagang uri ng Japanese woodcut.
Ang mga tao sa surimono ng Hokusai ay "nabubuhay". Inilalarawan sa background ng isang landscape, aktibong nakikipag-ugnayan sila dito: tinatakpan nila ang kanilang mga mata mula sa araw gamit ang kanilang mga kamay, itinuturo ang mga ulap, sumilip sa walang katapusang kalawakan, kung minsan ay nakatalikod pa rin sa manonood.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

Ang "Manga" (literal na Japanese na "mga guhit ni Hokusai") ay isa sa ang pinakamahalagang mga gawa sa malikhaing pamana ng artista, na nilikha niya sa kaitaasan ng kanyang katanyagan. Ang "Manga" ay isang pagpapahayag ng mga pananaw ni Hokusai sa pagkamalikhain, kanyang pilosopiya, at inilalantad ang mga lihim ng master; ito ay mahalaga hindi lamang bilang isang milestone sa buhay ni Hokusai, ngunit bilang isang mahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa kultura at sining ng huling pyudal na Japan. Ang Manga ni Hokusai ay madalas na tinatawag na "encyclopedia of the Japanese people." Karamihan sa mga guhit ay naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay lungsod at naglalaman ng maraming sketch ng mga tao. Ang koleksyon ay isang talaarawan kung saan naitala ng master ang lahat ng nakita niya sa buhay sa anyo ng mga guhit (hindi teksto).

Katsushika Hokusai "Pagmumuni-muni ng Bundok Fuji" (1814) Manga
Ang Hokusai, tulad ng sining ng Hapon sa pangkalahatan, ay may malaking impluwensya sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, kabilang ang French Impressionism. Ang mga tema ng mga kopya ni Hokusai ay naroroon sa mga gawa ni Claude Monet, Pierre Auguste Renoir at iba pa.
Ang huling makabuluhang kinatawan ng mga kopya ng Hapon noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. ay ang pintor ng landscape na si Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Si Utagawa Hiroshige ay isang Japanese graphic artist, isang kinatawan ng ukiyo-e movement, at isang master ng color woodcuts. May-akda ng hindi bababa sa 5400 na mga ukit. Sa mga liriko na landscape na may mga genre na motif, ipinarating niya ang hindi matatag na estado ng kalikasan, ang mga epekto sa atmospera ng snow at fog. Nagtrabaho siya sa ilalim ng pseudonym na Ando Hiroshige.
Maaga akong nawalan ng tatay at nanay. Nagsimula siyang mag-aral ng fine arts matapos makita ang mga gawa ng Hokusai.
Si Hiroshige ay isang estudyante ng engraver na si Utagawa Toyohiro (1763-1828). Ang unang akda na nagbigay ng katanyagan sa Hiroshige ay ang serye ng mga print na "53 Tokaido Stations," na inilathala noong 1834. Sa pagpapatuloy ng landscape genre ng Hokusai, binuo ito ni Hiroshige sa sarili niyang paraan.
Ang Tokaido ay isa sa limang kalsadang nag-uugnay sa Edo sa ibang bahagi ng Japan. Tumakbo ito sa silangang baybayin ng Honshu. Kasama nito ay matatagpuan ang 53 mga istasyon ng koreo, kung saan ang mga manlalakbay ay inalok ng tirahan, pagkain at mga kuwadra.
Noong 1832, naglakbay si Hiroshige sa Tokaido bilang bahagi ng isang opisyal na delegasyon na nagdadala ng mga kabayo para sa korte ng imperyal. Ang mga landscape ay gumawa ng isang malakas na impresyon sa artist, at gumawa siya ng maraming sketch. Sa pag-uwi, lumikha siya ng isang cycle ng 53 mga gawa. Ang tagumpay ng seryeng ito ay naging dahilan upang si Hiroshige ay isa sa pinakamahalaga at kinikilalang masters ng printmaking.

A. Hiroshige. Unang Istasyon: Shinogawa

A. Hiroshige. Station 30: Maisaka

A. Hiroshige. Ika-32 Istasyon: Shirasuka
Ang naakit ni Hiroshige sa natural na kagandahan ng kalikasan ay ang pagpapahayag.
Tinapos ng gawa ni Hiroshige ang panahon ng napakatalino na pag-usbong ng mga Japanese color woodcuts noong ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo. Pag-ukit 1850-1860. walang nag-nominate pangunahing artista, ang stylization at eclecticism ay lumilitaw nang higit at mas malinaw dito.
Noong 1868 sa Japan nagkaroon rebolusyong burges, at noong 1880s ito ay naging isang monarkiya. Ang mga kaganapang ito ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng sining ng Hapon, dahil... Pumasok ang Japan sa pandaigdigang sistema ng mga kapitalistang bansa. Maraming paaralan at grupo ang umusbong sa sining ng Japan sa panahong ito. Ang ilan sa kanila ay tinahak ang landas ng mastering sining ng Europa, ang iba pang mga artistang Hapones (halimbawa, si Kuroda Kiyoteri (1866-1924) ay nagpunta upang mag-aral sa Europa. Ngunit mayroon ding mga nagsikap na mapanatili ang kadalisayan ng mga pambansang tradisyon.
Ang katapusan ng ika-19 - ang simula ng ika-20 siglo. sa sining ng Japan ay isang panahon ng rebisyon ng luma masining na tradisyon, mastering European art, paghahanap para sa isang bagong bagay, pati na rin sariling landas pag-unlad.

Applied arts ng Japan

Ang pag-unlad ng sining ng Hapon ay nagsimula noong huli XVI V. Noong ika-19 na siglo Ang pag-ukit ng kahoy, pag-ukit ng buto, keramika, at porselana ay naging laganap.
Dapat din itong sabihin tungkol sa netsuke– miniature sculpture, isang gawa ng Japanese decorative at applied art. Ang netsuke ay isang maliit na inukit na keychain na ginamit sa tradisyonal na damit ng Hapon, ang kimono at kosode.

Netsuke na naglalarawan kay Hotei (diyos ng komunikasyon, saya at kasaganaan). Ivory, modernong gawa
Ang unang netsuke ay lumitaw sa Japan sa ikalawang kalahati ng ika-16 at unang bahagi ng ika-17 siglo. SA huli XIX V. at ang buong ika-20 siglo. netsuke ay ginawa para sa pag-export. Ginawa pa rin sila ngayon. Ito ay mga produktong souvenir na ginawa sa paraang conveyor, hindi masyadong Mataas na Kalidad. Ngunit ang sining ng netsuke ay hindi nawala. Kahit ngayon ay may mga craftsmen na ang specialty ay netsuke carving.

Netsuke na may sikreto

Sa artikulong ito sinisimulan ko ang isang serye ng mga artikulo tungkol sa kasaysayan ng sining ng Hapon. Ang mga post na ito ay pangunahing nakatuon sa pagpipinta mula sa panahon ng Heian, ngunit ang artikulong ito ay isang panimula at inilalarawan ang pag-unlad ng sining hanggang sa ika-8 siglo.

Panahon ni Jomon
Kultura ng hapon ay may napaka sinaunang mga ugat - ang pinakaunang mga natuklasan ay itinayo noong ika-10 milenyo BC. e. ngunit opisyal na ang simula ng panahon ng Jomon ay itinuturing na 4500 BC. e. Tungkol sa panahong ito nekokit Sumulat ako ng isang napakagandang post.
Ang natatangi ng Jomon ceramics ay ang karaniwang hitsura ng mga keramika, kasama ang pag-unlad Agrikultura, ay nagpapahiwatig ng pagsisimula ng panahon ng Neolitiko. Gayunpaman, kahit na sa panahon ng Mesolithic, ilang libong taon bago ang pagdating ng agrikultura, ang mga hunter-gatherer ng Jomon ay lumikha ng medyo kumplikadong mga hugis ng palayok.

Sa kabila ng napakaagang hitsura ng palayok, ang mga tao sa panahon ng Jomon ay nakabuo ng teknolohiya nang napakabagal at nanatili sa mga antas ng Panahon ng Bato.

Sa panahon ng Middle Jomon (2500-1500 BC), lumitaw ang mga ceramic figurine. Ngunit pareho sa Middle at Late period (1000-300 BC) nananatili silang abstract at napaka-istilo.

Mula sa Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Panahon ni Jomon, 1000-400B.C.
Pambansang Museo ng Tokyo

Sa pamamagitan ng paraan, naniniwala ang mga ufologist na ito ay mga larawan ng mga dayuhan. Sa mga figure na ito nakikita nila ang mga spacesuit, baso at oxygen mask sa kanilang mga mukha, at ang mga larawan ng mga spiral sa "spacesuits" ay itinuturing na mga mapa ng mga kalawakan.

Yayoi period
Ang Yayoi ay isang maikling panahon sa kasaysayan ng Hapon, na tumatagal mula 300 BC hanggang 300 AD, kung saan ang pinaka-dramatikong mga pagbabago sa kultura sa lipunang Hapones. Sa panahong ito, ang mga tribo na nagmula sa mainland at lumikas sa katutubong populasyon ng mga isla ng Hapon ay nagdala ng kanilang kultura at mga bagong teknolohiya, tulad ng pagtatanim ng palay at pagproseso ng tanso. Muli, karamihan sa mga sining at teknolohiya noong panahon ng Yayoi ay inangkat mula sa Korea at Tsina.

Panahon ng Kofun
Sa pagitan ng 300 at 500 taon, ang mga pinuno ng tribo ay inilibing sa mga punso na tinatawag na "Kofun". Ang panahong ito ay pinangalanan sa pangalang ito.

Ang mga bagay na maaaring kailanganin ng mga patay ay inilagay sa mga libingan. Ito ay pagkain, kasangkapan at sandata, alahas, mga pinggan na luwad, mga salamin at, pinaka-kawili-wili, mga pigurin na luwad na tinatawag na "haniwa".

Mula sa Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

Ang eksaktong layunin ng mga pigurin ay nananatiling hindi alam, ngunit ang mga ito ay matatagpuan sa lahat ng libingan ng panahon ng Kofun. Mula sa maliliit na figure na ito maaari mong isipin kung paano nabuhay ang mga tao sa oras na iyon, dahil ang mga tao ay inilalarawan na may mga tool at armas, at kung minsan ay nasa tabi ng mga bahay.

Ang mga iskulturang ito, na naiimpluwensyahan ng mga tradisyon ng Tsino, ay may mga independiyenteng elemento na likas lamang sa lokal na sining.

Babaeng mananayaw, Western Han dynasty (206 B.C.–A.D. 9), ika-2 siglo B.C.
Tsina
Metropolitan Museum of Art, NY

Sa panahon ng Kofun, ang mga pigurin ay naging mas pino at mas iba-iba. Ito ay mga larawan ng mga sundalo, mangangaso, mang-aawit, mananayaw, at iba pa.

Mula sa Nohara, Konan-machi, Saitama.Kasalukuyang H. 64.2, 57.3.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

May isa pang katangian ang mga eskulturang ito. Kinakatawan ng Haniwa hindi lamang ang social function, kundi pati na rin ang mood ng figure. Ang isang mandirigma, halimbawa, ay may mabagsik na ekspresyon sa kanyang mukha. at may malalaking ngiti sa mga mukha ng mga magsasaka.

Mula sa Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

Panahon ng Asuka
Mula noong panahon ng Yayoi, Japanese sining hindi mapaghihiwalay sa sining ng Korean o Chinese. Ito ay nagiging pinaka-kapansin-pansin sa ikapito at ikawalong siglo, nang ang sining ng Hapon ay nagsimulang mabilis na umunlad sa iba't ibang mga visual na genre.

Noong ika-6 na siglo, ang mga kapansin-pansing pagbabago ay naganap sa lipunang Hapones: ang unang estado ng Yamato ng Hapon sa wakas ay nabuo, at gayundin, noong 552, ang Budismo ay dumating sa Japan, na may dalang Buddhist na iskultura at ang konsepto ng isang templo, na siyang dahilan. para sa hitsura ng mga templo sa Japan - parehong Shinto, at Buddhist.
Ginaya ng mga dambana ng Shinto ang arkitektura ng mga kamalig (Ang pinakaunang mga dambana ng Shinto ay mga kamalig kung saan ginaganap ang mga pagdiriwang ng ani. Sa mga ritwal na kapistahan, naniniwala ang mga tao na ang mga diyos ay nagpiyesta sa kanila.)
Pangunahing natural na puwersa ang mga diyos ng Shinto, kaya ang arkitektura ng mga dambanang ito ay isinama sa likas na kalikasan, tulad ng mga ilog at kagubatan. Ito ay mahalagang maunawaan. Sa arkitektura ng Shinto, ang mga istrukturang gawa ng tao ay sinadya upang maging extension ng natural na mundo.

Ang unang Buddhist na templo, Shitennoji, ay itinayo lamang noong 593 sa Osaka. Ang mga unang templong ito ay mga imitasyon ng mga templong Budista ng Korea, na binubuo ng isang gitnang pagoda na napapalibutan ng tatlong gusali at isang may takip na koridor.

Ang paglaganap ng Budismo ay nag-ambag sa pakikipag-ugnayan sa pagitan ng Japan at Korea sa Tsina at ang pagsasama ng kulturang Tsino sa kultura ng Hapon.