Die Ära der Romantik in der Musik und ihre großen romantischen Komponisten. Zusammenfassung „Klavierwerke romantischer Komponisten Welcher Komponist war ein Romantiker?“
Aufsatz in der akademischen Disziplin „Kulturologie“
zum Thema: „Romantik in der Musik“.
Planen
1. Einleitung.
2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.
3. Geographie der romantischen Musik.
5. Schlussfolgerung.
6. Referenzliste.
1. Einleitung.
Romantik ist eine neue künstlerische während des XIX Jahrhundert. Es löste den Klassizismus ab und seine Zeichen tauchten bereits Ende des 18. Jahrhunderts auf. Der Geburtsort der Romantik ist Deutschland, aber sie verbreitete sich schnell und drang in andere europäische Länder sowie nach Russland und Amerika vor. Der Begriff „Romantik“ selbst taucht erstmals in der Literatur auf, dank der Arbeit des deutschen Schriftstellers Novalis (1772 – 1801). Er wurde von E.T. in die Musik eingeführt. A. Hoffmann (1776 - 1882). Die Romantik entwickelte sich im Kampf und zugleich in enger Wechselwirkung mit ihren Vorgängern – dem Klassizismus und dem Sentimentalismus. In den Tiefen davon literarische Tendenzen es wurde geboren. Klassische Schriftsteller waren davon überzeugt, dass nur diejenigen, die es klar verstehen, die in der Lage sind, ihre Leidenschaften – persönliche Interessen und Bestrebungen – zu zügeln, ihre bürgerliche Pflicht erfüllen können. Sie glaubten jedoch, dass dies nur das Los einiger weniger „edler“ Menschen sei, hauptsächlich Adliger. Sie mussten bereit sein, ihrem Vaterland selbstlos und aufopferungsvoll zu dienen. Bürgerpflicht besteht ihrer Meinung nach in erster Linie aus edler Ehre und Tugend.
Die Romantiker versuchten, alles um sie herum, alle Lebensphänomene zu romantisieren. Sie übernahmen einige Prinzipien aus der vorherigen Epoche des Klassizismus, aber das eigentliche Wesen der Romantik ist ein Protest gegen die Prinzipien der Aufklärung, eine Enttäuschung über sie. Vertreter der Romantik konnten den Kult der Vernunft, des Rationalismus, der Logik und der Praktikabilität nicht akzeptieren. Für sie waren die Seele und Individualität eines Menschen, seine Gefühle wichtig.
Die Originalität der Romantik liegt auch darin, dass sie keine klare Einteilung der Kunst in Gattungen und Gattungen anstrebte. Sie waren von der Idee eines Gesamtkunstwerkes beeindruckt und setzten es erfolgreich um. Die Romantik gehört zu einer der interessantesten und fruchtbarsten Kulturepochen.
2. Charakteristische Merkmale der Epoche der Romantik in der Musik.
Die Romantik beherrschte die Musikkultur mehr als hundert Jahre lang (1800 – 1910). In dieser Kunst erwies er sich als langlebig, während er in der Literatur und Malerei nur fünfzig Jahre durchhalten konnte. Von einem Unfall kann man das nicht sprechen. Im Verständnis der Romantiker ist Musik die spirituellste Kunst und besitzt die größte Freiheit. Eines der wichtigsten Merkmale der Musik der Romantik ist ihre Synthese mit anderen Kunstformen. Darüber hinaus waren die Romantiker keine Anhänger einer strengen und klaren Genreeinteilung.
Auch die ästhetischen Kategorien waren gemischt. Die Tragödie konnte problemlos mit der Komödie koexistieren; das Hässliche mit dem Schönen; das Alltägliche mit dem Erhabenen. Solche Kontraste wirkten weder wenig überzeugend noch unnatürlich. Chef künstlerisches Mittel - romantische Ironie- erlaubt, das Inkompatible zu verbinden. Dank ihr entstand ein besonderes Weltbild, das der Romantik innewohnt.
Trotz der Tendenz, Genres zu vermischen, hatten viele von ihnen natürlich das Recht auf eigenständige Existenz und konnten sich in dieser Zeit erheblich weiterentwickeln; Es entstanden auch spezifische Genres. Erstens handelt es sich hierbei um ein Genre romantischer Musikgedichte und Balladen ( der hellste Vertreter- F. Schubert); Lieder; Klavierminiaturen.
Besonders hervorzuheben ist die Klavierminiatur. Es sollte ein Bild vermitteln, das den Autor beeindruckte, oder seine Stimmung. Eine Klavierminiatur könnte eine Genreangabe haben: Walzer, Lied, Lied ohne Worte, Mazurka, Nocturne. Komponisten wandten sich oft an Programmmusik, fassten ihre Werke zu Zyklen zusammen.
Charakteristisch für die Epoche der Romantik ist der berühmte Klavierzyklus von R. Schumann „Karneval“, der den freien Charakter der Ästhetik der Romantik widerspiegelt. „Karneval“ enthält einundzwanzig Nummern. Dies sind Skizzen, die sich gegenseitig ersetzen, sich in Stimmung, Bildern und Porträts unterscheiden, aber viele von ihnen sind durch eine einzige Handlung verbunden. Der Komponist malt einen imaginären Feiertag, zu dem maskierte Gäste eingeladen sind. Darunter sind die üblichen Karnevalsfiguren – der schüchterne Pierrot, der schelmische Harlekin, Columbine und Pantalone, die sich gegenseitig anmurren (all dies wird mit musikalischen Mitteln hervorragend vermittelt).
„Carnival“ steckt voller einem sehr originellen Konzept. Der Komponist selbst nannte seinen Zyklus „Miniaturszenen auf 4 Noten“, da die gesamte Melodie darauf aufbaut. Der Komponist nahm vier Noten in verschiedenen Reihenfolgen und Kombinationen auf und bildete so den Anschein eines jedem Stück zugrunde liegenden Themas.
Aus kompositorischer Sicht zeugt Carnival von höchstem kompositorischem Können. Alle Lieder des Zyklus zeichnen sich durch perfekte Verarbeitung, Brillanz und Virtuosität aus. Im Allgemeinen ist der gesamte Zyklus ein Beispiel für harmonische Kombination und Integrität.
Wenn wir ausführlicher über Programmmusik sprechen, können wir hier ein Merkmal wie die Verbindung mit anderen Genres hervorheben: Literatur, Malerei. Die Form des Aufsatzes wird von der Handlung abhängig. In diesem Zusammenhang entstehen symphonische Dichtungen, einsätzige Konzerte und Sonaten; Symphonien mit mehreren Sätzen. So entwickelte sich im Zeitalter der Romantik auch die Kammermusik. Vokalmusik, und Kammerinstrumental.
Auch die Oper wurde in dieser Zeit zu etwas Besonderem. Sie beginnt, sich dem Symphonismus zuzuwenden; zwischen Text und Musik besteht ein enger und berechtigter Zusammenhang; Das Bühnengeschehen hatte bei ihnen den gleichen Stellenwert.
Romantiker hatten Lieblingsthemen. Die Handlungsstränge basierten meist auf dem Thema Einsamkeit und Liebe, denn im Zentrum der Ästhetik der Romantik stand ein stolzer und einsamer Mensch, in dessen Seele starke Leidenschaften tobten. Romantischer Held war schon immer ein Gegner der Gesellschaft, der ganzen Welt. Daher ist es ganz logisch, dass sich Autoren in der Zeit der Romantik Themen zuwandten, die dem Bild eines solchen Helden nahe kamen: dem Thema Tod, dem Thema Straße und Wanderungen, dem Thema Natur. In romantischen Werken wurde den Elementen der Fantasie, die in die langweilige materielle Welt eindringen, viel Raum eingeräumt.
Komponisten der Romantik hatten ihre eigene Musiksprache. Sie legten großen Wert auf die Melodie und betonten die Bedeutung des Wortes. künstlerischer Ausdruck(Die letzte Bemerkung gilt auch für die Begleitung).
Die Harmonie wurde spürbar verändert und bereichert. Durch Harmonie wurden Leidenschaften, Trägheit, Stimmungskontraste, Spannung und der fantastische Beginn der Werke vermittelt. Daher sind Melodie, Textur und Harmonie gleich wichtig.
Die Musik der Romantik kann also in ihren Grundzügen als Gesamtkunstwerk und Genre bezeichnet werden; besondere Ausdruckskraft und enge Beziehung zwischen Melodie, Begleitung und Harmonie; Kontrast; fantastisch; gesteigerte Emotionalität und Ausdruck.
3. Geographie der romantischen Musik.
Die Romantik erstreckte sich über ein ziemlich weites Gebiet: von Europa und Russland bis nach Amerika, und überall wurde ihre Entwicklung gezielt durchgeführt. In Europa Musikalische Kunst In dieser Zeit gab es in einigen Ländern sowohl kulturelle Ähnlichkeiten als auch Unterschiede. Beispielsweise entwickelte sich die Musik Österreichs und Deutschlands in etwa in die gleiche Richtung. Die musikalische Romantik dieser Länder wurde von der Wiener Musikschule beeinflusst, die ihre Literatur kraftvoll zur Geltung brachte. brachte sie näher und Gemeinsame Sprache. Die deutsch-österreichische Romantik zeichnete sich nicht nur durch avancierte Werke verschiedener Genres, sondern auch durch aktive Aufklärung aus. Das bestimmende Merkmal der deutschen und österreichischen Romantik ist die Liedhaftigkeit.
Die Romantik in Polen ist eine Kombination aus Gesang und Instrumentalität – charakteristisch Polieren Volksmusik. So sind in den Intonationen von F. Chopin deutlich die Anklänge an das epische Genre der polnischen Volksmusik – die polnische Duma – zu hören. Dieses Genre ist Reifezeit Seine Entwicklung ist durch einen langsamen epischen Refrain gekennzeichnet, der oft einen traurigen Farbton hat. Und darauffolgende dramatisch intensive Episoden, die sich mit der Rückkehr der Melodie des ersten Refrains abwechseln. Es besteht kein Zweifel, dass es die westslawischen Dumas waren, die als Vorbild für Chopins Balladen und ähnliche Werke dienten. Darin liegt die Grundlage der polnischen Romantik Volkskunst.
Die italienische Romantik ist eine beispiellose Blüte der Opernkunst; Bel Canto-Start. Damit ist die italienische Oper in dieser Richtung weltweit führend geworden. Auch in Frankreich erlangt die Oper eine der führenden Bedeutungen. Großes Verdienst dafür gebührt G. Berlioz (1803 - 1869), dem Schöpfer solcher Werke interessantes Phänomen, als komische Oper, die die nationalen Besonderheiten dieses Landes direkt widerspiegelte.
In Russland entwickelte sich die Romantik unter dem Einfluss der Ideen der Dekabristen, der Großen Französischen Revolution und des Napoleonischen Krieges von 1812, das heißt, sie wurde mit globalen gesellschaftlichen Ereignissen in Verbindung gebracht. Die Prinzipien der Staatsbürgerschaft und des Dienstes am Heimatland wurden auf die Musikkunst übertragen, in der die Idee des Nationalbewusstseins deutlich zu hören war. So wurde die musikalische Romantik aller Länder vereint Gemeinsamkeiten: der Wunsch nach hoher Spiritualität, Träume von Schönheit, ein Spiegelbild der Sinnessphäre eines Menschen.
4. Große Komponisten und Musiker der Romantik.
Die Romantik bescherte der Musikkultur viele großartige Komponisten: F. Liszt (1811 – 1886, Ungarn), R. Schumann (1810 – 1856, Deutschland), F. Schubert (1797 – 1828, Österreich), K. Weber (1786 – 1826, Deutschland). ), R. Wagner (1813 - 1883, Deutschland), J. Bizet (1838 - 1875, Frankreich), N. Paganini (1782 - 1840, Italien), E. Grieg (1843 - 1907, Norwegen), G. Verdi ( 1813 - 1901, Italien), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (letzte Schaffensstufe, Deutschland) usw. Lassen Sie uns die Arbeit einiger von ihnen kurz charakterisieren.
Franz Liszt, wie W.A. Mozart war ein junger Virtuose und brachte Europa schon früh dazu, über sich selbst zu sprechen, indem er als Pianist vor der Öffentlichkeit auftrat. Seine Begabung als Komponist zeigte sich ebenso früh. Anschließend kombinierte F. Liszt Tournee- und Kompositionsaktivitäten. Er fertigte auch Transkriptionen symphonischer Musik für Klavier an und kann zu Recht als großer Pädagoge bezeichnet werden.
Die Originalwerke von F. Liszt zeichnen sich durch Virtuosität und Tiefe, Ausdruck und Raserei aus. Dies sind seine berühmten zyklischen Werke: „Jahre der Wanderungen“, „Etüden der transzendentalen Darbietung“, „Große Etüden nach Paganinis Capricen“, „Ungarische Rhapsodien“. F. Liszt leistete einen großen Beitrag zur Popularisierung und Entwicklung der ungarischen Musikkultur.
Franz Schubert gilt als erster Komponist der Romantik, der zu den großen Komponisten zählt. Seine Musik ist rein, fröhlich, poetisch und gleichzeitig traurig, kalt, verzweifelt. Wie für Romantiker typisch ist die Musik von F. Schubert kontrastreich, besticht aber durch ihre Freiheit und Leichtigkeit, die Schönheit der Melodien.
F. Schubert hat eine Vielzahl von Liedern geschrieben, die wahre Meisterwerke sind. Dies gilt insbesondere für Werke, die zu Gedichten von V.I. geschrieben wurden. Goethe („Der Waldkönig“, „Gretchen am Spinnrad“) und viele andere.
Der Komponist arbeitete auch in anderen Genres: Opern, Kammergesangs- und Instrumentalwerke. Und doch ist der Name F. Schubert zunächst mit seinen Liedern und verschiedenen Zyklen verbunden: „Die schöne Müllerin“, „ Winterreise", "Ein Abgesang".
Der französische Komponist Georges Bizet ging als Autor der unübertroffenen Oper „Carmen“ in die Geschichte der Weltkultur ein. Bereits im Alter von zehn Jahren wurde er Student am Pariser Konservatorium. Der junge Komponist am Anfang seiner Karriere kreativer Weg habe mich selbst ausprobiert verschiedene Genres, aber seine wahre Leidenschaft war die Oper. Neben „Carmen“ schrieb er Opern wie „Die Perlenfischer“, „Die Schöne von Perth“ und „Jamile“. Hervorzuheben ist auch die Musik, die er für das gleichnamige Drama von A. Daudet „Arlesian“ schrieb. J. Bizet gilt zu Recht als herausragender Komponist Frankreichs.
Edvard Grieg ist der berühmteste Komponist Norwegens, eines der Symbole dieses Landes. Seine Musik ist ein unverwechselbares und originelles Phänomen, das die einzigartige Individualität des kreativen Denkens dieses Komponisten demonstriert. Werke von E. Grieg, darunter „ Klavierkonzert„, Romanzen, „Lyrische Stücke“, „Zweite Violinsonate“ und natürlich „Peer Gynt“ – die Musik zu G. Ibsens Stück – wurden nicht nur Eigentum der norwegischen, sondern auch der Weltmusik.
Eine der Verkörperungen der Romantik ist der italienische Geiger und Komponist Niccolo Paganini. Am meisten genaue Definitionen Seine Kunst ist Helligkeit, Brillanz, Wut, Rebellion. Er schrieb virtuose und leidenschaftliche Werke, die noch heute im Repertoire berühmter Geiger präsent sind. Die Rede ist vom Ersten und Zweiten Violinkonzert, „24 Capricci“, „Karneval von Venedig“ und „Perpetual Motion“. Darüber hinaus war N. Paganini ein ausgezeichneter Improvisator und fertigte Arrangements und Variationen von Opernfragmenten für Solovioline an. Er war eine Inspiration für viele Persönlichkeiten der Romantik.
Wenn man über die Musik des herausragenden polnischen Komponisten Fryderyk Chopin (1810 - 1849) spricht, muss man zunächst sagen, dass es sich hierbei um die „Seele des polnischen Volkes“ handelt, die in Chopins Kunst vielfältigen Ausdruck fand. Seine Musik enthält Seiten epischer Größe und heroischen Aufstiegs. In den tragischen Episoden von Chopins Musik kann man die Trauer eines mutigen Herzens hören. Chopins Kunst ist eine zutiefst volkstümliche Kunst eines patriotischen Künstlers, eines humanistischen Künstlers, inspiriert von den fortschrittlichen Idealen der Zeit, in der er leben und schaffen musste.
Chopins Karriere als Komponist begann mit der Komposition polnischer Alltagstänze (Mazurka, Polonaise, Walzer). Er wandte sich auch Nocturnes zu. Seine „Ballade in g-Moll“, „Scherzo in h-Moll“ und „Etüde in c-Moll“ erwiesen sich als revolutionär für die Klaviermusik. Die Etüden und Präludien von F. Chopin (zusammen mit den Etüden von F. Liszt) stellen den Höhepunkt der Klaviertechnik der Romantik dar.
Die Romantik hat auf russischem Boden sehr gut Fuß gefasst. Die neue Weltanschauung fand eine Resonanz in den Köpfen und Seelen der Intelligenz. Sein Konzept des Widerstands gegen das Böse, das die ganze Welt erfasst hat, stand der russischen Kunst und Literatur sehr nahe.
Eine der Erscheinungsformen der Romantik war die russische romantische Prosa. Es entstand in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich zu einem einzigartigen Phänomen. Präsentiert nicht nur die Namen großer russischer Schriftsteller, sondern auch zweitrangiger Autoren. Einige Werke dieser Autoren zeigen deutlich eine Affinität zur Fantasie, eine ungewöhnliche und surreale Atmosphäre, eine magische Wendung der Handlung und seltsame Charaktere. In diesen Werken ist Hoffmanns Spur spürbar, jedoch gebrochen durch die russische Realität. Wie in Deutschland war die russische Musik dieser Zeit eng mit der Literatur verbunden. Dies lässt sich am Beispiel der Arbeit von V.F. sehen. Odoevsky (1804 - 1869), der in beiden Bereichen Erfolg hatte.
Im Allgemeinen brachte die Romantik eine Galaxie herausragender Komponisten hervor. Das sind P. I. Tschaikowsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Skrjabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninow (1873 - 1943). Natürlich waren die meisten der aufgeführten Komponisten nur Romantiker. Sie leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung des Realismus in der russischen Kultur, bestimmte Perioden ihres Schaffens fielen jedoch auf die Bühne der Romantik.
Der Vertreter der russischen Idee in der Musik war M.I. Glinka. Sein Auftritt in der russischen Musikkultur zwang sie, einen anderen Weg einzuschlagen. In seiner Arbeit gelang es ihm, europäische und russische Nationaltraditionen zu verbinden. Die romantische Schaffensperiode von M.I Glinkas sind wunderschöne Liebesromane voller Harmonie, Lyrik und Leidenschaft, perfekt in Form und Inhalt.
Neben den Aktivitäten der Komponisten spielten in dieser Zeit auch eine große Rolle kreative Assoziationen. Im Allgemeinen war dies eine Zeit großer und bedeutender Veränderungen für Russland, auch im Musikleben. Es gibt eine Entwicklung von Wissenschaft und Literatur, die mit sich bringt Russische Kunst. Ihre besten Vertreter beginnen, die große gesellschaftliche Kraft der Kunst zu erkennen. Die Trends der Zeit erfassen also auch die Musik, der Einfluss der Literatur auf sie nimmt zu und damit auch ihre Wechselwirkung. Der Umfang seiner Beziehungen zu anderen Kunstformen erweitert sich, es entstehen verschiedene Musikgemeinschaften: Dargomyzhskys Kreis, Rubinsteins Kreis, Belyaevs Kreis und schließlich Balakirevs Musikgemeinschaft, die „Mächtige Handvoll“ genannt wird.
Der Ausdruck „The Mighty Handful“ wurde vom Kritiker V.V. geprägt. Stasov (1824 - 1906). Dieser widersprüchliche Ausdruck wurde später populär und sowohl in respektvollen als auch in ironischen Kontexten wiederholt, wobei er sich auf die Musiker um M.A. bezog. Balakirewa.
Zunächst versuchten sie, das Interesse an russischer Volkskunst wiederzubeleben. Große Bedeutung beimessen Nationalität Sie glaubten zu Recht, dass dies nur erreicht werden könne, wenn der Komponist sich den Ursprüngen des Volksliedes zuwandte. Wer nur mit Salonkompositionen aufgewachsen ist, auch mit den besten, wird nichts Wertvolles schaffen können. Bisher glaubten die Mitglieder Balakirevsky-Kreis Professionelle Musik war mit seltenen Ausnahmen (gemeint ist M. I. Glinka, 1804 - 1857) weit entfernt von Volkskunst. Im Verständnis der „Kuchkisten“ ist der Komponist verpflichtet, sich vom Geist der Volksmusik zu durchdringen. Somit ist die russische Romantik russische Nationalkunst.
5. Schlussfolgerung.
Ein neues, romantisches Weltbild in der europäischen Kunst an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. In der Romantik grenzt die Alltagswelt an die fantastische Welt, in der der dramatische Held läuft und hofft, dem Alltag zu entfliehen. Die Romantiker glaubten, dass Kunst eins sei; Poesie und Musik liegen sich besonders nahe. Musik ist in der Lage, die Gedanken des Dichters „nachzuerzählen“, das Bild eines literarischen Helden zu zeichnen, und Poesie überrascht oft mit ihrer Musikalität. Der Trend der neuen Kunst spiegelte sich auch im Werk der großen romantischen Komponisten wider.
Die Musikromantik hatte ihre eigenen Helden, ihre eigenen Themen, ihre eigenen ästhetischen Prinzipien und künstlerische Sprache. Sein Ziel war freie Form, nicht durch Genre- oder Typgrenzen eingeschränkt. Die Musikromantik existierte schon sehr lange und brachte reiche Früchte.
Doch der Moment seiner Krise ist gekommen. Dies geschah zu einer Zeit, als das herannahende 20. Jahrhundert mit seinen besonderen Tendenzen begann, die Ideale der Romantik zu zerstören. Und obwohl sie schließlich von der Moderne abgelöst wurde, versank die Romantik nicht in der Ewigkeit, und ihre Traditionen lebten in der Kunst des neuen Jahrhunderts und sogar in unserer modernen Zeit weiter.
6. Referenzliste.
1. Belousova S.S. Romantik. - M.: Rosman, 2004. - 115 S.
2. Galatskaya V.S. Der deutsche Komponist Robert Schumann/W.S. Galatskaya. - M.: Wissen, 1956. - 33 S.
3. Gordeeva E.M. Mächtiger Haufen/E.M. Gordeeva. - M.: Musik. - 270 s.
4. Solovtsov A.A. Frédéric Chopin. Leben und Kunst. - Staatlicher Musikverlag/A.A. Solowzow. - Moskau, 1960. - 504 S.
Die Musik dauerte spezieller Ort in der Ästhetik der Romantik. Es wurde zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst erklärt, da es aufgrund seiner Spezifität in der Lage ist, die Bewegungen der Seele am besten zum Ausdruck zu bringen.„Musik beginnt, wenn die Worte enden“ (G. Heine).
Am Anfang entstand die musikalische Romantik als BewegungXIXJahrhundert und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini repräsentiert; die darauffolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. Die Spätromantik reicht bis zum EndeXIXJahrhundert. Also, wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung Im Grunde ist seine Entwicklung in der Mitte abgeschlossenXIXJahrhundert, dann ist die Lebensdauer der Musikromantik in Europa viel länger.
In der musikalischen Romantik sowie in anderen Formen der Kunst und Literatur führte der Gegensatz der Welt der schönen, unerreichbaren Ideale und des vom Geist des Spießertums und Spießertums durchdrungenen Alltagslebens einerseits zu dramatischen Konflikten, zur Dominanz von tragischen Motiven der Einsamkeit, Hoffnungslosigkeit, Irrfahrt usw., andererseits Idealisierung und Poetisierung der fernen Vergangenheit, Volksleben, Natur. In Anlehnung an den menschlichen Geisteszustand ist die Natur in den Werken der Romantiker meist von einem Gefühl der Disharmonie geprägt.
Wie andere Romantiker waren die Musiker davon überzeugt, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele darstellen als die Vernunft:„Der Geist verirrt sich, die Gefühle nie“ (R. Schumann).
Das besondere Interesse, das der romantischen Musik innewohnt menschliche Persönlichkeit drückt sich in der Vorherrschaft darin auspersönlicher Ton . Die Offenbarung eines persönlichen Dramas hatte oft die Konnotation vonautobiographisch, der der Musik besondere Aufrichtigkeit verlieh. Beispielsweise sind viele Klavierwerke Schumanns mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Berlioz schrieb die autobiografische Symphonie Fantastique. Wagner betonte in jeder Hinsicht den autobiografischen Charakter seiner Opern.
Sehr oft mit dem Thema „lyrisches Bekenntnis“ verflochtenNaturthema .
Eine echte Entdeckung romantischer Komponisten warFantasy-Thema. Zum ersten Mal lernte die Musik, mit rein musikalischen Mitteln sagenhafte und fantastische Bilder zu verkörpern. In OpernXVII - XVIIIJahrhunderte lang sprachen „überirdische“ Charaktere (wie die Königin der Nacht aus Mozarts „Zauberflöte“) in einer „allgemein akzeptierten“ Musiksprache und hoben sich kaum vom Hintergrund ab echte Menschen. Romantische Komponisten lernten zu vermitteln Fantasiewelt als etwas völlig Spezifisches (unter Verwendung ungewöhnlicher Orchester- und Harmoniefarben). Ein markantes Beispiel ist die „Szene in der Wolfsschlucht“ in Webers „The Magic Shooter“.
Wenn XVIIIJahrhundert war die Ära universeller virtuoser Improvisatoren, die gleichermaßen gut im Singen, Komponieren und Spielen verschiedener Instrumente warenXIXJahrhundert war eine Zeit beispielloser Leidenschaft für die Kunst virtuoser Pianisten (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, J. Brahms).
Die Ära der Romantik veränderte die „musikalische Geographie der Welt“ völlig. Unter dem Einfluss des aktiven Erwachens des nationalen Selbstbewusstseins der Völker Europas werden junge Menschen geboren Komponistenschulen Russland, Polen, Ungarn, Tschechien, Norwegen. Komponisten dieser Länder verkörpern Bilder nationale Literatur, Geschichte, einheimische Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der einheimischen Folklore.
Besonders charakteristisch für die Musikromantik ist das Interesse anVolkskunst . Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache durch Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu – Volkslieder, Balladen, Epen (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg usw.). Sie verkörperten Bilder nationaler Literatur, Geschichte und einheimischer Natur, stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen nationaler Folklore und belebten alte diatonische Modi wieder.Unter dem Einfluss der Folklore veränderte sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch.
Neue Themen und Bilder erforderten die Entwicklung der Romantikerneue Mittel der musikalischen Sprache und Prinzipien der Formbildung, Individualisierung der Melodie und Einführung sprachlicher Intonationen, Erweiterung der Klangfarbe und harmonischen Palette der Musik (natürliche Bünde, bunte Vergleiche von Dur und Moll usw.).
Denn im Mittelpunkt der Romantiker steht nicht mehr die Menschheit als Ganzes, sondern besondere Person mit seinem einzigartigen Gefühlund in den Ausdrucksmitteln weicht das Allgemeine immer mehr dem Individuellen, dem individuell Einzigartigen. Der Anteil verallgemeinerter Intonationen in der Melodie, häufig verwendeter Akkordfolgen in der Harmonie und typischer Muster in der Textur nimmt ab – all diese Mittel sind individualisiert. In der Orchestrierung wich das Prinzip der Ensemblegruppen dem Solospiel fast aller Orchesterstimmen.
Der wichtigste PunktÄsthetik musikalische Romantik warIdee der Kunstsynthese , das seinen auffälligsten Ausdruck fand in Opernkreativität Wagner undProgrammmusik Berlioz, Schumann, Liszt.
Musikgenres in den Werken romantischer Komponisten
In der romantischen Musik zeichnen sich deutlich drei Genregruppen ab:
- Genres, die in der Kunst des Klassizismus einen untergeordneten Platz einnahmen (hauptsächlich Lied und Klavierminiatur);
- Genres, die von den Romantikern der vorherigen Epoche übernommen wurden (Oper, Oratorium, Sonaten-Symphonie-Zyklus, Ouvertüre);
- freie, poetische Genres (Balladen, Fantasien, Rhapsodien, symphonische Dichtungen). Das Interesse an ihnen erklärt sich aus dem Wunsch romantischer Komponisten nach freier Selbstdarstellung und der allmählichen Transformation von Bildern.
In der Musikkultur tritt die Romantik in den VordergrundLied als das Genre, das am besten geeignet ist, die innersten Gedanken des Künstlers auszudrücken (während in der professionellen Arbeit von KomponistenXVIIIJahrhundert wurde dem lyrischen Lied eine bescheidene Rolle zugeschrieben – es diente vor allem der Freizeitbeschäftigung). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg und andere arbeiteten im Liedbereich.
Ein typischer romantischer Komponist kreiert sehr direkt, spontan und nach dem Willen seines Herzens. Romantisches Weltverständnis ist keine konsequente philosophische Auseinandersetzung mit der Realität, sondern eine augenblickliche Aufzeichnung von allem, was die Seele des Künstlers berührt. In dieser Hinsicht blühte das Genre im Zeitalter der Romantik aufMiniaturen (unabhängig oder kombiniert mit anderen Miniaturen in einem Zyklus). Dabei handelt es sich nicht nur um ein Lied und eine Romanze, sondern auch um Instrumentalkompositionen –musikalische Momente, Impromptu, Präludien, Etüden, Nocturnes, Walzer, Mazurkas (aufgrund der Abhängigkeit von der Volkskunst).
Viele romantische Genres verdanken ihren Ursprung der Poesie und ihren poetischen Formen. Das sind Sonette, Lieder ohne Worte, Kurzgeschichten, Balladen.
Eine der Leitideen der romantischen Ästhetik – die Idee eines Gesamtkunstwerks – rückte natürlich das Problem der Oper ins Rampenlicht. ZU Operngenre Mit wenigen Ausnahmen (Brahms) wurden fast alle Komponisten der Romantik konvertiert.
Der der Romantik innewohnende persönliche, vertrauliche Ausdruckston verändert sich völlig klassische Genres Sinfonien, Sonaten, Quartette. Sie kriegenpsychologische und lyrisch-dramatische Interpretation. Der Inhalt vieler romantischer Werke ist damit verbundenSoftware (Schumanns Klavierzyklen, Liszts „Wanderjahre“, Berlioz‘ Sinfonien, Mendelssohns Ouvertüren).
In der Epoche der Romantik nahm die Musik einen herausragenden Platz im Kunstsystem ein. Dies liegt an seiner Spezifität, die es Ihnen ermöglicht, emotionale Erfahrungen mit dem gesamten Arsenal an Ausdrucksmitteln am besten wiederzugeben.
Romantik in der Musik erscheint im 19. Jahrhundert in den Werken von F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Wenig später spiegelte sich dieser Stil in den Werken von F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi und anderen Komponisten wider.
Die Romantik entstand im frühen 19. Jahrhundert in Europa. Es wurde eine Art Opposition zum Klassizismus. Die Romantik ließ den Zuhörer eindringen magische Welt Legenden, Lieder und Geschichten. Leitprinzip diese Richtung- Widerstand (Träume und Alltag, perfekte Welt und Alltag) geschaffen kreative Fantasie Komponist. Dieser Stil war beliebt bei kreative Leute bis in die vierziger Jahre des 19. Jahrhunderts.
Romantik in der Musik spiegelt Probleme wider moderner Mann, sein Konflikt mit der Außenwelt und seine Einsamkeit. Diese Themen werden zum Mittelpunkt der Arbeit der Komponisten. Da man begabt ist und sich von anderen unterscheidet, hat man ständig das Gefühl, von anderen missverstanden zu werden. Sein Talent wird zum Grund für seine Einsamkeit. Deshalb sind die Lieblingshelden romantischer Komponisten Dichter, Musiker und Künstler (R. Schumann „Die Liebe eines Dichters“; Berlioz – der Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“ für die „Fantastische Symphonie“ usw. ).
Romantik vermittelt in der Musik die Welt der inneren Erfahrungen eines Menschen und hat oft einen Hauch von Autobiografie, Aufrichtigkeit und Lyrik. Themen wie Liebe und Leidenschaft werden häufig verwendet. So widmete der berühmte Komponist R. Schumann seiner geliebten Clara Wieck viele Klavierstücke.
Auch in den Werken der Romantiker ist das Thema Natur weit verbreitet. Komponisten kontrastieren es oft mit dem Geisteszustand einer Person und färben es mit Schattierungen von Disharmonie.
Das Thema Fantasy wurde für die Romantiker zu einer echten Entdeckung. Sie arbeiten aktiv daran, Märchen- und Fantasiefiguren zu erschaffen und ihre Bilder durch verschiedene Elemente der Musiksprache zu vermitteln (Mozart „ Zauberflöte" - Königin der Nacht).
Oft wendet sich die Romantik in der Musik auch der Volkskunst zu. Komponisten verwenden eine Vielzahl von Folklore-Elemente(Rhythmen, Intonationen, alte Modi) aus Liedern und Balladen. Dadurch können Sie den Inhalt von Musikstücken deutlich bereichern.
Die Verwendung neuer Bilder und Themen erforderte die Suche nach geeigneten Formen. So treten in romantischen Werken Sprachintonationen, natürliche Modi, Kontraste unterschiedlicher Tonalitäten und Solostimmen auf.
Die Romantik verkörperte in der Musik die Idee eines Gesamtkunstwerks. Ein Beispiel hierfür sind die programmatischen Werke von Schumann, Berlioz, Liszt und anderen Komponisten (die Sinfonie „Harold in Italien“, das Gedicht „Präludien“, der Zyklus „Wanderjahre“ etc.).
Die russische Romantik spiegelte sich lebhaft in den Werken von M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tschaikowsky und anderen wider.
A. Dargomyzhsky vermittelt in seinen Werken vielfältige psychologische Bilder („Meerjungfrau“, Romanzen). In der Oper „Ivan Susanin“ malt M. Glinka Bilder vom Leben des einfachen russischen Volkes. Die Werke der Komponisten der berühmten „Mighty Handful“ gelten zu Recht als Höhepunkt. Sie verwenden Ausdrucksmittel und charakteristische Intonationen, die dem Russischen eigen sind Volkslied, Haushaltsmusik, Umgangssprache.
Anschließend wandten sich auch A. Skrjabin (Präludium „Träume“, Gedicht „Zur Flamme“) und S. Rachmaninow (Studienbilder, Oper „Aleko“, Kantate „Frühling“) diesem Stil zu.
Skrjabina Swetlana Anatolewna
MBOU DOD DSHI Uvarovo, Region Tambow.
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Aufsatz
« Klavierwerke Romantische Komponisten“
Einführung.
2. Romantik in der Musik.
4. Einfluss romantischer Stil zum Klavierwerk von F. Liszt.
5. Schlussfolgerung.
6. Referenzliste.
Einführung.
Die Romantik als künstlerische Bewegung entstand Ende des 18. Jahrhunderts. Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte, zunächst in der Literatur (in Deutschland, Großbritannien und anderen Ländern Europas und Amerikas), dann in der Musik und anderen Kunstformen. Der romantische Stil ist originell, fantastisch und erhaben.
Die Ära der Romantik spielte eine große Rolle in der Entwicklung der Musikkultur. Die Romantik umfasste alle Bereiche der Kultur: Philosophie, Ästhetik, Theater, Literatur, Musik und andere. Humanitäre Wissenschaften. Aufgrund unterschiedlicher nationaler Traditionen und historische Aspekte, Romantik, Entwicklung in verschiedene Länder, eigenartig erworben nationale Merkmale: bei den Deutschen - in der Mystik, bei den Briten - in einer Persönlichkeit, die sich vernünftigem Verhalten widersetzt, bei den Franzosen - in ungewöhnliche Geschichten. Der romantische Stil zeichnet sich durch einen Appell an die innere Welt eines Menschen, den Wunsch nach Emotionalität aus, dies bestimmte den Vorrang von Literatur und Musik in der Romantik.
Relevanz Dieses Thema liegt in der Tatsache begründet, dass die Romantik für viele Komponisten eine Stütze war, eine große Rolle bei der Entwicklung der Musikkultur spielte und auch die Entwicklung der Klavierkreativität romantischer Komponisten vorantrieb.
Der Zweck dieser Arbeit– Identifizieren Sie die Hauptmerkmale der Romantik und studieren Sie ihre Widerspiegelung im Klavierwerk romantischer Komponisten, indem Sie die folgenden Probleme lösen:
- Betrachten Sie die Hauptmerkmale der Romantik;
- Identifizieren Sie Manifestationen der Romantik in der Musik;
- Studieren Sie die Stilmerkmale der Romantik in der Klaviermusik;
- Beschreiben Sie das Klavierwerk von F. Liszt.
Um ihre Ideen zum Leben zu erwecken, wandten sich romantische Komponisten neuen Formen zu: Klavierminiaturen, Balladen, Nocturnes, Polonaisen, Improvisationen und lyrische Lieder spielten eine große Rolle; Ein freierer Einsatz von Sonaten-Symphonik und Variationsformen, die Schaffung neuer großer einstimmiger Formen - Sonate, Konzert, symphonische Dichtung, der Einsatz spezieller Entwicklungstechniken - Leitmotive, Monothematismus, Gesangsrezitation, Kolorismus.
1. Die Ursprünge der Romantik und ihre Merkmale.
Wegen bürgerliche Revolution In Frankreich änderten sich die Ansichten und Vorstellungen der Menschen. Historische Ereignisse hinterließen ihre Spuren in der Seele aller, die Zeuge der revolutionären Umwälzungen waren. Die Ideen von Gleichheit, Brüderlichkeit und Freiheit kamen Künstlern, Schriftstellern und Musikern nahe. Damit endete das Zeitalter der Aufklärung. Doch die neue Gesellschaftsordnung entsprach nicht den Erwartungen dieser Gesellschaft, und es kam zu Enttäuschungen, und die Entstehung eines neuen ideologischen Systems – der Romantik – wurde unumkehrbar.
Romantik ist eine ideologische und künstlerische Leitung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die den Klassizismus ablöste. Im Inhalt der Kunst, in der Bewegung des ästhetischen Denkens und in der Natur künstlerischer Bilder finden tiefgreifende Veränderungen statt.
Im Zentrum der Welt der Romantik steht die menschliche Persönlichkeit, die nach völliger innerer Freiheit, Vollkommenheit und Erneuerung strebt. Er drückt seine Einstellung zum Leben und zur Welt um ihn herum durch die Texte emotionaler Erfahrungen und Gefühle aus. Die Lyrik künstlerischer Bilder spiegelte sich in der Wende der Kunst wider, die ihre Entwicklung, Verbindungen zur Vergangenheit und Bewegung in die Zukunft lenkte.
Die Grundlage der Romantik war das Konzept der Doppelwelten (der Traumwelt und der realen Welt). Die für frühere Bewegungen charakteristische Diskrepanz zwischen Ideal und Realität erlangt in der Romantik eine außerordentliche Schärfe und Intensität.
Die Hauptaufgabe der Romantik bestand darin, die innere Welt, das Seelenleben darzustellen. Mit der Romantik beginnt der wahre Psychologismus aufzutreten. Zurückhaltung und Demut wurden abgelehnt, sie wurden durch starke Emotionen ersetzt, die oft bis zum Äußersten gingen. Bei den Romantikern war die menschliche Psychologie in Mystik gekleidet; Momente des Irrationalen, Unklaren und Geheimnisvollen dominierten sie.
Romantiker wandten sich dem Geheimnisvollen, Rätselhaften, sogar Schrecklichen zu. Volksglauben, Märchen. Ablehnen Alltag Während die moderne zivilisierte Gesellschaft als farblos und prosaisch galt, strebten die Romantiker nach allem Ungewöhnlichen. Sie fühlten sich von Science-Fiction, Volkslegenden und Volkskunst im Allgemeinen angezogen.
Der Held der Romantik ist in erster Linie ein individualistischer Übermensch. Für Romantiker ist der Mensch ein kleines Universum, ein Mikrokosmos. Intensives Interesse an starken und lebendigen Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele, in ihrer „nächtlichen“ Seite, ein Verlangen nach dem Intuitiven und Unbewussten sind die wesentlichen Merkmale der romantischen Kunst.
2. Romantik in der Musik.
Im zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts entstand die musikalische Romantik, die unter dem Einfluss der literarischen Kunst entstand. Dies war ein historisch neues Phänomen, obwohl tiefe Verbindungen zu musikalischen „Klassikern“ offenbart wurden. Wenn man die Werke romantischer Komponisten studiert und aufführt, verspürt man Hochgefühle der spirituellen Struktur und Erhabenheit der Gefühle, dramatische Kontraste, tiefes Pathos und aufrichtige Lyrik.
Die Begründer der Romantik sind Komponisten wie: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. In einer späteren Zeit entstand der musikalische „Impressionismus“ von Debussy, Ravel und Skrjabin.
Schuberts Klavierminiaturen, Mendelssohns „Lieder ohne Worte“, Klavierzyklen, Nocturnes, Schumanns Präludien, Chopins Balladen – all dieser Reichtum verwandelte alte Genres und Formen, er gelangte in den musikalischen Schatz der Welt und erlangte Bedeutung in der klassischen Musik.
Den dominierenden Platz nimmt das Thema Liebe ein; es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.
Die Romantiker haben ein Naturbild, das eng und untrennbar mit dem Thema der lyrischen Beichte verbunden ist. Wie Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.
Das Thema Fantasie konkurriert oft mit Bildern der Natur und wird durch den Wunsch erzeugt, der Gefangenschaft zu entkommen wahres Leben. Für Komponisten der romantischen Schule erhalten märchenhafte, fantastische Bilder eine einzigartige nationale Färbung. Chopins Balladen sind von den Balladen von Mickiewicz, Schumann und Mendelssohn inspiriert. Sie schaffen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, der sozusagen die Kehrseite des Glaubens symbolisiert und versucht, die Vorstellungen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.
Die Spätphase im Leben und Werk des letzten großen klassischen Komponisten Ludwig van Beethoven fiel mit der Blütezeit des Schaffens des ersten großen romantischen Komponisten Franz Schubert zusammen. Dieser bedeutende Zufall zeigt die enge Verbindung zwischen klassischer und romantischer Musikkunst. Trotz der Kontinuität zwischen diesen beiden Erbes gibt es wichtige Unterschiede, die typisch für die Beziehung zwischen den Werken klassischer Komponisten und romantischer Komponisten sind. Der Hauptunterschied besteht in der besonderen Betonung der romantischen Musik auf der Verkörperung verträumter lyrischer und aufgeregter lyrisch-pathetischer Bilder und Stimmungen.
Romantische Komponisten begannen aufzutreten großes Interesse zur nationalen Identität der russischen Musik sowie der Musik anderer Völker. In diesem Zusammenhang ein sorgfältiges Studium der Folklore musikalische Kreativität - Musikalische Folklore. Gleichzeitig wuchs das Interesse an der nationalen historischen Vergangenheit, alte Legenden, Legenden, Legenden, die die Grundlage für die Entstehung faszinierender fantastischer Bilder bildeten. Durch die Beherrschung neuer Themen und Bilder verstärkte die romantische Musik ihre Interaktion mit romantischer Poesie und romantischem Theater. Dies bestimmte die Hochblüte der romantischen Oper im 19. Jahrhundert, einem Genre, in dem eine Synthese aller Kunstgattungen stattfindet. Einer der hellsten romantische Opern- „The Magic Shooter“ des deutschen Komponisten Carl Maria von Weber.
Die romantische Musikkunst brachte viele herausragende Komponisten hervor, die oft auch wunderbare Konzertinterpreten waren.
3. Stilistische Merkmale der Epoche der Romantik in der Klaviermusik.
Im Musikstil der Romantik spielen modale und harmonische Mittel eine sehr wichtige Rolle. Der erste dieser Prozesse – die Dynamik – ist die Sättigung der Akkorde in Spielen mit Veränderungen und Dissonanzen, was ihre Instabilität und erhöhte Spannung verschärfte, die beim weiteren Spielen eine Auflösung erforderte. Solche Eigenschaften der Aufführung von Werken romantischer Komponisten drückten die für diesen Stil typische „Trägheit“ aus, den Fluss „endlos“ sich entwickelnder Gefühle, der besonders in den Werken von Chopin, Schumann und Grieg zum Ausdruck kam. Aus natürlichen Tonarten wurden vielfältige Farben und bunte Klänge extrahiert, mit deren Hilfe der volkstümliche oder archaische Charakter der Musik betont wurde. Bei der Darstellung fantastischer, märchenhafter oder skurriler Bilder kam den Ganzton- und Farbskalen eine große Rolle zu.
In der romantischen melodischen Musik waren folgende Tendenzen am Werk: der Wunsch nach Weite und die Kontinuität der Entwicklung der Phrasierung. Viele Komponisten der Romantik haben in ihren Werken eine „endlose Melodie“ mit riesigen Mehrtaktligen. Besonders deutlich wird dies in den Werken von Chopin, Tschaikowsky, frühe Periode 80er – 90er Jahre Rachmaninow („Elegy“, „Melody“, „Romance“, „Serenade“ und seine anderen Werke).
Beim Kennenlernen der Musik romantischer Komponisten sind Klangerzeugung und „Stilgefühl“ von großer Bedeutung. Dabei ist es sehr wichtig zu beachten, dass es bei der Arbeit an der Phrasierung in einem bestimmten Stück notwendig ist, die Phrasen aufzugreifen ein anderer schmiegt sich aneinander und bildet Girlanden, aber gleichzeitig überlappen sie sich nicht.
Über die stilistischen Merkmale der Aufführung von Musikwerken romantischer Komponisten auf dem Klavier schrieb Professor V. Kh. vom Leningrader Konservatorium: „Ich kämpfe mit der Symmetrie, versuche, das Metrum zu überwinden und die „syntaktischen Nähte“ zu verbergen Durch Phrasierung und Nuancen wird die Fließfähigkeit und Melodie des Klangs und das Legato der Gefühle erreicht.
Beim Aufführen lyrischer Werke ist es notwendig, den Atem zu spüren; er kann durch Berührung gefühlt werden: ein Hintergrund voller Luft, atmender Bass, ein ordentliches Pedal.
Über die Stilmerkmale der Musik von F. Chopin sagte Liszt: „Seine Musik erinnert an eine Ackerwinde, die ihre Blütenkrone auf einem ungewöhnlich dünnen Stiel wiegt. Diese Blütenkrone von außergewöhnlicher Schönheit besteht aus so duftendem und zartem Stoff, dass sie bei der kleinsten Berührung reißen.“Chopin ist der „Höhepunkt“ der darstellenden Künste der Romantik.
Aufführen Musikalische Werke In der Ära der Romantik müssen wir uns daran erinnern, dass es einer besonderen Begabung, harter Arbeit und einem Sinn für Stil bedarf, um den gewünschten „Klang“ – samtig und überirdisch – zu erreichen. Wie Neuhaus sagte: „Klang ist ein Schrein, kümmere dich um Klang wie Gold, wie um ein Juwel, er entsteht in einer präsonischen Atmosphäre, seine Entstehung ist ein Geheimnis, es ist sehr wichtig, das notwendige „Maß des Klangs“ zu finden.“
Kommt in den Vordergrund melos. Die Melodie wird intonatorisch und kompositorisch aktualisiert. Zwei erscheinen verschiedene Quellen Intonationserneuerung: Folklore und Sprachintonation. Was von der klassischen Norm abweicht, fällt zunächst einmal auf. Bei den Klassikern gab es Rezitationen (rednerisch), aber bei den Romantikern war sie intimer, lyrischer, offener und emotionaler.
5. Der Einfluss des romantischen Stils auf das Klavierwerk von F. Liszt.
„Liszt als Virtuose, ein Phänomen unter ihnen
die alle paar Jahrhunderte einmal auftauchen“,
Serov schrieb
Im Werk von F. Liszt stellen Klavierwerke den größten Teil seines kreativen Erbes dar.
Liszts künstlerische Individualitäten als Pianist und Komponist vereinten sich, um neue Wege in der Musikkunst zu eröffnen.
Er vertraute alle seine Gedanken, Träume, Leiden und Freuden dem Klavier an. Und deshalb war Liszt der Erste, der im Bereich der Klaviermusik neue Kompositionsmethoden und Ausdrucksmittel fand.
F. Liszt war ein brillanter Pianist und mit seinem Auftritt konnte er tausende Zuhörer überzeugen und in seinen Bann ziehen. Ebenso strebte er in der kompositorischen Praxis eine klare und verständliche Darstellung musikalischer Gedanken an. Andererseits aktualisierte er als ständig suchender Künstler, der über ein brillantes kreatives Gespür verfügte, die gesamte Struktur und den Charakter des Klavierklangs und machte ihn, wie Stasov es treffend ausdrückte, „zu einer unbekannten und unerhörten Sache – a.“ ganzes Orchester.“
Der Komponist führte eine symphonische Interpretation des Klaviers in die moderne Aufführung und Kreativität ein. In seinen Entwicklungen erreichte er einen kraftvollen Orchesterklang des Instruments und bereicherte es mit koloristischen Fähigkeiten. In einem seiner Briefe wies Liszt darauf hin, dass sein Ziel darin bestand, „... den Geist des spielenden Pianisten mit Orchestereffekten bekannt zu machen und innerhalb der begrenzten Grenzen des Klaviers eine Vielzahl von Instrumentalinstrumenten sensibel zu machen.“ Soundeffekte und Schattierungen. Liszt erreichte dies, indem er seine Klavierwerke mit Klangfarben und melodischer Struktur sättigte. In Liszts Klavierstücken gibt es oft Anweisungen des Autors – Quasi-Tromba (wie eine Trompete), Quasi-Flauto (wie eine Flöte) usw., Imitation eines Cellos (z. B. in „The Valley of Oberman“), Hörner ( Etüde „Jagd“), Glocken („Genfer Glocken“), Orgel usw. Liszt erweiterte die Ausdrucksmöglichkeiten des Pianismus in den Vordergrund und betonte die Kraft, Brillanz und Farbigkeit des Klangs.
F. Liszt entdeckte neue Techniken in der Klaviertechnik. Er versuchte, alle Register des Klaviers zu nutzen: Er verwendete Bässe, die satt und tief klangen, übertrug die Melodie in das mittlere, „Cello“-Register und offenbarte im oberen Register einen transparenten, kristallklaren Klang. Beim Registervergleich verwendete der Komponist Passagen, die er mit Akkordkomplexen in breiter Anordnung sättigte. Liszt nutzte in großem Umfang Orchester-Tremolo-Effekte, Akkord-Triller oder Martellato-Oktaven, um dramatische oder dynamische Momente deutlicher hervorzuheben. Besonderes Augenmerk legte er auf die Verteilung des Klangmaterials zwischen den beiden Händen, deren Übertragung und Übertragung in verschiedene Register des Klaviers. Zu Liszts weiteren bevorzugten technischen Techniken zählen Passagen in Oktaven, Doppelnoten und meisterhaft eingesetzte Probentechniken. Diese Techniken beeinflussten die Entwicklung der vielschichtigen Textur von Liszts Werken. Ihre Entwicklung erfolgt in mehreren dynamischen und koloristischen Plänen, wie in Orchesterwerken.
Als großer Reformator des Klavierspiels lehrte Liszt Pianisten, „sich daran zu gewöhnen, Akzente zu setzen und Motive zu gruppieren, das Wichtigere hervorzuheben und das weniger Wichtige unterzuordnen, mit einem Wort, das Orchester zu ihrer Norm zu machen.“
Züge Klavierstil Die Blätter bildeten sich nicht sofort; sie lassen sich in vier Stadien einteilen. Die erste Stufe (20er – Mitte 30er Jahre) ist mit dem Studium der Fähigkeiten des Klaviers verbunden, in der zweiten (Ende 30er – 40er Jahre) entwickelt sich Liszt individueller Stil Sie bereichern ihre Technik und Musiksprache mit den neuesten Errungenschaften romantischer Komponisten (Paganini, Berlioz, Chopin). Die dritte Stufe (Ende der 40er – 60er Jahre) – der Höhepunkt von Liszts Meisterschaft – ist geprägt von der Rechtfertigung aller technischen Techniken durch die Anforderungen an Ausdruckskraft und Inhalt, dem Fehlen virtuoser „Exzesse“, die vierte Stufe (70-80er) ist es geprägt von neuen Quests: Ablehnung monumentaler Designs, Suche nach Kammerklang, subtilen Farben.
Die Tradition des „Listov“-Konzertpianismus wurde in der Kunst von A.G. entwickelt. Rubinstein, A. Siloti und insbesondere S. Rachmaninow.
Abschluss.
Die Romantik als Methode und Richtung in der Kunst war ein komplexes und widersprüchliches Phänomen. In jedem Land hatte es einen starken nationalen Ausdruck. In Literatur, Musik, Malerei und Theater ist es nicht leicht, Merkmale zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.
Zu den wichtigsten Schaffensbereichen romantischer Komponisten zählen: Lyrik, Fantasie, Originalität bei der Ausführung charakteristischer nationaler Motive (Beispiel E. Grieg). Beginnend mit Schubert und Weber haben Komponisten die Intonationsmuster der alten, überwiegend bäuerlichen Folklore ihrer Länder in die gesamteuropäische Musiksprache einbezogen.
Der neue Inhalt der Musik erforderte neue Ausdrucksmittel. Dies ist vor allem der enorme melodische Reichtum sowie der melodische Reichtum der entwickelten Strukturdarstellung, die erhöhte Komplexität und Farbigkeit der harmonischen Sprache.
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