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Vorteile:

Viel Freizeit;

Die Möglichkeit, alle Aufführungen im Theater und alle Filme im Kino anzusehen.

Mängel:

Kleines Gehalt.

Erforderliche Fähigkeiten:

Reißen Sie das Papier ab;

Gut entwickelte Beinmuskeln, die dem Stehen den ganzen Tag standhalten;

Geduld.

Inventar:

Eine Tasche oder Tasche zum Aufbewahren von abgerissenen Ticketabrissen.

Die Kontrolle von Fahrscheinen ist zwar nicht der prestigeträchtigste Job, den es auf dem Arbeitsmarkt gibt, ist aber dennoch als Option möglich. Heutzutage wird dieser Beruf dissonant als „Kassenwärter“ bezeichnet, aber früher wurde der Wächter im Theater, der die Eintrittskarten überprüfte und für Ordnung im Saal sorgte, als Platzanweiser bezeichnet. Und ich muss sagen, es war ein ziemlich prestigeträchtiger Beruf.

Aber Zeiten und Moral ändern sich, aber manche Berufe verlieren ihre frühere Bedeutung, verändern sich und erhalten neue Merkmale. Heute arbeiten Ticketsammler in Zirkussen, Theatern, Kinos und Clubs.

Die Tätigkeit als Theaterdiener eignet sich eher für Rentner, die grundsätzlich über Geld verfügen, aber einfach nicht zu Hause sitzen, sondern mit Menschen kommunizieren möchten. Und allein dadurch, dass sie als Ticketnehmer arbeiten, erkennen sie ihr Kommunikationsbedürfnis voll und ganz.

Die Funktionen der Ticketnehmer sind sehr einfach: Am Eingang zum Saal stehen, die Tickets der zur Aufführung gekommenen Personen kontrollieren, den Teil des Tickets mit dem Wort „Kontrolle“ (zur Berichterstattung) abreißen und nicht zulassen Leute ohne Ticket rein. Normalerweise gibt es mehrere Ticketnehmer, deren Anzahl durch die Anzahl bestimmt wird Eingangstüren in den Raum. In der Regel stehen an jeder Tür zwei Ticketverkäufer. Allerdings gibt es bei dieser Arbeit gewisse Schwierigkeiten. Hauptschwierigkeit Das liegt daran, dass man Vollzeit arbeiten muss (und im Theater fängt es um 10.00 Uhr an und endet um 22.00 Uhr, und im Kino ist es in der Regel rund um die Uhr) und man muss fast an einem Ort stehen. Und Sie müssen sehr bequeme Schuhe haben, damit Ihre Füße nicht so müde werden.

Darüber hinaus gehört es zu den Aufgaben der Platzanweiser, während einer Sitzung oder Aufführung für Ordnung im Saal zu sorgen, sodass niemand im Saal herumläuft, von seinen Sitzen aufsteht oder laut spricht; Besuchern bei der Suche nach einem Ort helfen; Beantworten Sie ihre Fragen.

Das Gehalt lässt viel zu wünschen übrig und liegt im Durchschnitt bei 1.200 Rubel pro Monat.

Vor Kurzem ist eine neue Spezialität aufgetaucht: die sogenannten Ticket Taker, die Eintrittskarten für Nachtclubs kontrollieren. Ihre Aufgabe ist es, beim Betreten eines Nachtclubs die Eintrittskarten zu kontrollieren. Sie müssen auch während der Disco für Ordnung sorgen und wenn möglich zulassen Konfliktsituationen mit Besuchern. Jeder kann arbeiten: Jungen und Mädchen. Aber Vereine versuchen, um die Sicherheit des Vereins und seiner Besucher absolut zu gewährleisten, junge Leute einzustellen, die sportlich gebaut sind und Muskeln entwickelt haben. Einige Nachtclubs verfügen über eine sogenannte Gesichtskontrolle. Die Aufgabe des Sicherheitsbeamten besteht darin, dubiose Personen nicht in den Club zu lassen, unabhängig davon, ob sie Eintrittskarten haben. Dies führt häufig zu Rechtsstreitigkeiten, die durch die Trunkenheit des Besuchers oft noch verschärft werden. Insbesondere für solche Fälle muss die Satzung eines Nachtclubs oder Unterhaltungskomplexes die folgenden Bestimmungen enthalten: „Die Verwaltung hat das Recht, einen Besuch ohne Angabe von Gründen abzulehnen“ und außerdem „Die Verwaltung hat das Recht, jeden Besucher vom Clubgelände zu verweisen.“ jederzeit ohne Angabe von Gründen widerrufen.“

Der Arbeitstag (bzw. die Nacht) eines Gesichtskontrollmitarbeiters dauert von 20.00 bis 4.00-6.00 Uhr morgens. Aufgrund einiger Gefahren einer solchen Arbeit Löhne, natürlich höher als das einer Großmutter, die im Theater Karten kontrolliert und mit dem intelligenten Publikum kommuniziert. Es beträgt durchschnittlich 7.000–9.000 Rubel.

Wenn Sie sich also für Kino, Theater oder Zirkus interessieren, können Sie dort Platzanweiser werden. Viel Glück!

Sie können dies nicht tun, wenn...

Das kannst du nicht für eine lange Zeit für deine Füße ausgeben.

Es gibt viele Menschen, die mindestens einmal Karten nicht an der Theaterkasse gekauft haben, sondern bei denen, die früher als Spekulanten galten und heute als gute Wiederverkäufer bezeichnet werden.

Das Paradoxe ist, dass die profitabelsten Angebote heute von Wiederverkäufern kommen. beste Theater Städte zu den berühmtesten Produktionen mit beliebten Schauspielern zu anständigen Orten Ihrer Wahl. Ihr Vorteil besteht darin, dass Sie das bekommen, was Sie gesucht, aber nicht gefunden haben. Der Vorteil des Verkäufers wird dementsprechend in Geldbeträgen berechnet – Zinsen, die dem Verkäufer selbst zufließen. Was hat diese Leute dazu bewogen, den Ticketverkauf zu ihrem Beruf zu machen?

Wir sprachen mit einem der Vertreter dieser Kaste, Igor, und wählten den Ort unseres Gesprächs in einem Café unweit seines Arbeitsplatzes – dem Theaterplatz. Hinter der Maske eines gesprächigen Witzbolds verbirgt sich ein interessanter und sehr außergewöhnlicher Mensch mit eigenen Vorzügen, Komplexen und Träumen. Bei unserem Gespräch war eine Frau dabei, die schließlich nach Igors Telefonnummer fragte. So wurde ein weiterer Kunde gefunden – dank eines Interviews für VD, der übrigens die ganze Zeit in der Tasche meines Gesprächspartners war.

–Igor, warum hast du dich für den Verkauf entschieden? Theaterkarten?

- Weil es keine Wahl gab. Ich habe zunächst als Kurier gearbeitet. Ich halte mich für talentiert, brillant, begabt. Leider kann mir niemand einen Anteil geben. Und jeder Diamant braucht es. Ich könnte alles sein: ein Diplomat, ein Künstler, ein Maler, ein Gitarrist. Aber ich habe es nicht getan, weil ich faul war ...

– Wo bekommt man Tickets?

– Sie müssen Tickets mit Ihrem eigenen Geld kaufen. In Moskau gibt es 500 Krämer wie mich. Wir kennen die Marktsituation, wir tätigen die richtigen Einkäufe und so leben wir. Jeder Tag ist für jeden anders. Fünfmal im Monat kann ich hundert Dollar verdienen. An anderen Tagen sind es weniger, eineinhalbtausend, eintausend, fünfhundert Rubel. Und manchmal, wie heute, sind es nur fünfzig... Wer das will, wird Erfolg haben.

– Welche Theater kaufen am häufigsten Tickets?

- Sie nehmen alles. Es hängt alles von mir ab, wie ich diesen oder jenen Vorschlag präsentieren kann. Sie können einen Ziegelstein in eine schöne Verpackung einwickeln und ihn verkaufen, und er wird wie eine Süßigkeit aussehen. Am beliebtesten sind natürlich Lenkom, Sovremennik, Bolschoi-Theater und Maly. Die Leute gehen jetzt häufiger ins Maly Theater. Ich sage immer wieder zu Viktor Pawlow: „Empfehle mich Solomin für die Hauptrolle.“

– Woher kennen Sie Pawlow?

– Generell kenne ich viele Künstler, ich bin ein geselliger Mensch.

– Wo trifft man sie?

- Auf der Straße. Ein bescheidener Mensch hat Angst, auf der Straße auf eine andere Person zuzugehen. Und ich bin in dieser Hinsicht etwas unhöflich.

– Können Sie herausfinden, wer auf jeden Fall ein Ticket bei Ihnen kaufen wird?

– Ich habe meine Stammkunden. Der eine ist zum Beispiel ein hochrangiger Beamter bei Lukoil, der andere bei Nikoil. Es gibt auch einen ersten stellvertretenden Finanzminister. Er kam vorbei und fragte nach Karten. Dann wusste ich nicht, wer es war. Und ein gewöhnlicher Mensch wird kommen, wir werden ihn bedienen, wir werden ihm Tickets entsprechend seinem Niveau geben. Es wird nicht teuer sein.

-Wie günstig?

-Zum Beispiel kaufe ich eine Fahrkarte für vierhundert Rubel, kann sie aber für das Zwei- oder Dreifache verkaufen. Abhängig vom Kunden. Wir variieren die Preise. Denn es heißt, je nach Position und Preis.

– Haben Sie konkrete Umsetzungspunkte?

– Ich arbeite am Bolschoi-Theater. Aber ich treffe überall Leute. Ich gehe die Straße entlang, sehe einen Mann und hinterlasse ihm meine Visitenkarte. Die Person versteht bereits, dass es besser ist, wenn sie etwas bei mir kauft. Weil ich normalerweise sage: „Wenn du nichts bei mir kaufst, wirst du von mir träumen.“ Er beginnt sich Sorgen zu machen.

-Wie viele Leute arbeiten neben Ihnen?

– Meiner Meinung nach sind es 40–45 Personen. Die Konkurrenz ist schrecklich. Die Leute um mich herum sind gut, wenn auch mit ihren eigenen Witzen. Manchmal kommt es zu Situationen, in denen zwei Verkäufer wegen eines Käufers aneinander geraten. In diesem Fall kann ich mich entfernen und jemand kann mir ins Gesicht schlagen. Es gab Fälle. Aber ich liebe diesen Beruf. Hier gibt es nur einen Grund: Kommunikation mit Menschen, manchmal sehr interessant, und Freiheit. Auf jeden Fall natürlich. Wenn ich will, dann gehe ich zur Arbeit. Kompletter Ostapismus. Irgendwie muss man überleben. Wenn mir Geld wichtiger wäre, wäre ich Multimillionär. Mein Unglück ist, dass ich nicht gierig bin. Ernsthaft.

– Haben Sie jemals Probleme mit der Polizei?

– Ja, jeder hat Probleme mit der Polizei. Aber dazu werde ich nichts sagen. Ich kann nur sagen, dass wir Konflikte lösen. Ich habe Freunde, die das seit 20–25 Jahren machen und sogar im Gefängnis waren.

- Bist du nicht müde von diesem Leben?

- Müde natürlich. Können Sie mir noch etwas anbieten? Vielleicht eine gute Position und ein gutes Portfolio? Ich würde gerne eine Aktentasche tragen. Das Wichtigste ist, dass es in unserem Land einfacher ist, ein Krämer zu sein.

-Igor, magst du Theater?

– Mein Vater war Theaterregisseur, das ist mir alles bekannt. Ich hätte nichts dagegen, eine eigene Theateragentur zu haben.

– Gehen Sie selbst ins Theater?

- Nein, ich gehe nicht. Wissen Sie, Künstler gehen in der Regel nicht ins Theater. Ich bin ein Künstler. Um ins Theater zu gehen, muss man Geld ausgeben, aber es tut mir leid. Und die ganze Zeit gibt es keine Zeit. Ich möchte etwas verdienen. Sie haben die Wahl: Entweder Sie gehen ins Theater oder Sie verdienen Geld für ein Stück Käse. Wissen Sie, wie schwierig es ist, mit demselben Suluguni Geld zu verdienen?

– Und doch, welches Theater würden Sie empfehlen?

– „Majakowka“ ist ein gutes Theater, das Taganka-Theater „Lenkom“. Ein gewöhnlicher Mensch kann nicht dorthin gelangen. Viele Theater sind einfach finanziell nicht zugänglich. Und die Situation hängt immer vom Regisseur ab. In jedem Theater, ob Elite oder gewöhnlich.

– Was möchten Sie den Lesern von VD sagen?

– Nehmen Sie Tickets von den Händlern. Es sind die gleichen Leute. Und sie wollen auch glücklich, gebraucht und nützlich sein. Ich gebe ein bisschen an, aber ich bin wirklich froh, dass mich jemand braucht.

Proszenium- der Bühnenraum zwischen Vorhang und Zuschauerraum.

Das Proszenium wird häufig als Spielfläche bei Opern- und Ballettaufführungen genutzt. IN Schauspieltheater Das Proszenium dient als Hauptkulisse für die kleinen Szenen vor dem geschlossenen Vorhang, die die Szenen des Stücks verbinden.

Manche Regisseure rücken das Hauptgeschehen in den Vordergrund und erweitern den Bühnenbereich.

Schauspieler- eine lebendige Verbindung zwischen dem Text des Autors, den Regieanweisungen und der Wahrnehmung des Zuschauers. In der Geschichte des Theaters dies schwierige Aufgabe verwandelte den Schauspieler entweder in eine verehrte und mystifizierte Persönlichkeit oder in ein von der Gesellschaft verachtetes Wesen mit fast instinktiver Angst. Lange Zeit bezeichnete der Begriff „Schauspieler“ die Figur eines Theaterstücks; dann - ein Rollenspieler, ein Bühnenkünstler, ein Komiker.

In der westlichen Tradition verkörpert der Schauspieler eine Figur, indem er diese verkörpert, seine physische Präsenz auf der Bühne repräsentiert und eine wirklich „physische“ Verbindung mit dem Publikum aufrechterhält, das dazu aufgerufen ist, sowohl das direkt Empfundene Fleischliche als auch das Vergängliche und Flüchtige zu spüren Seite seines Aussehens. Wie oft gesagt wird, ist ein Schauspieler von einem anderen Wesen besessen und verwandelt es. Daher der romantische Mythos vom Schauspieler „von Gott“, für den es keinen Unterschied zwischen Bühne und Leben gibt.

Allerdings kann der Schauspieler auch die Distanz zeigen, die ihn von der Rolle trennt. Hier liegt die alte Debatte zwischen Anhängern des „aufrichtigen“ Schauspielers, der alle Gefühle seiner Figur erlebt, und des Schauspielers, der sie beruhigen und darstellen kann.

Auf unserer Website haben die Zuschauer in der Rubrik „Gästebuch“ die einmalige Möglichkeit, den Schauspielern des Theaters Fragen zu stellen. IST. Turgenev, lernen Sie von ihnen alle Feinheiten und Geheimnisse des Berufs.

Pause- die Zeitspanne zwischen den Aktionen, in der das Spiel unterbrochen wird und das Publikum den Saal verlassen kann. Dieser „Bruch“ bedeutet die Rückkehr der realen sozialen Zeit, die Zerstörung der Illusion, die Möglichkeit der Reflexion. Eine Pause ist notwendig bei einem Szenenwechsel, bei längerer Pause, bei Einbruch der Dunkelheit oder bei Veränderungen vor dem Betrachter.

Im Hoftheater der Renaissance hatte die Pause eine besondere Bedeutung. Zu dieser Zeit konnten sich die Zuschauer gegenseitig ihre luxuriösen Toiletten zeigen.

Die Pause ist eine Pause für das Publikum, aber keineswegs für das Geschehen. Von den Charakteren wird erwartet, dass sie ihr Leben zwischen den Akten weiterleben.

Die Pause ist auch eine psychologische Notwendigkeit für den Zuschauer, dessen Aufmerksamkeit ohne Pause länger als zwei Stunden nur schwer aufrechtzuerhalten ist. Darüber hinaus zwingt die Rückkehr in die Realität den Zuschauer dazu, über das Gesehene nachzudenken, die Theaterarbeit zu beurteilen, viele Eindrücke zu verallgemeinern und zu systematisieren. Dies ist der Moment des Erwachens der Kritikalität. Es ist nicht verwunderlich, dass die epische Dramaturgie zur Zunahme solcher Pausen in der Aufführung beiträgt und das Publikum dazu zwingt, in Momenten der Zerstörung der Illusion „einzugreifen“. Umgekehrt verzichten Aufführungen, die auf hypnotischer Wirkung basieren und einem bestimmten Rhythmus unterliegen, heute oft völlig auf solche Pausen.

Pause bei OGAT, benannt nach. IST. Turgenev dauert normalerweise 15 Minuten. Zu dieser Zeit kann die Öffentlichkeit das Theaterbuffet im zweiten Stock sowie das Museum zur Geschichte der Oryol-Bühne besuchen.

Rolle- die Art der Rolle, die ein Schauspieler spielt, entsprechend seinem Alter, seinem Aussehen und seinem Schauspielstil. Dabei wird insbesondere zwischen komischen und tragischen Rollen unterschieden.

Applaus - eine offene Begegnung zwischen Zuschauer und Darsteller jenseits der Grenzen der Fiktion. Im engeren Sinne ist Applaus (Händeklatschen) ein ziemlich universelles Phänomen. Es zeugt zunächst einmal von der sogenannten körperlichen Reaktion des Betrachters, der nach erzwungener Unbeweglichkeit seine Energie freisetzt.

Applaus erfüllt immer die Funktion des Kontakts, was bedeutet: „Ich nehme dich wahr und schätze dich.“

Der Brauch, Schauspielern zu applaudieren, reicht bis in die Antike zurück. Für diese Art von Aktivität erfanden die alten Griechen sogar einen kleinen bezaubernden Gott – Krotos.

Im 17. Jahrhundert Der Brauch, in die Handflächen zu klatschen, war in ganz Europa weit verbreitet. In manchen Kulturen zeigt die Öffentlichkeit ihre Zustimmung durch Rufen oder Pfeifen. Die Schauspieler des nach I.S. Turgenev benannten OGAT bitten ihre Zuschauer in diesem Sinne, nicht von der russischen Tradition und den Gesetzen der Höflichkeit abzuweichen.

Es ist fraglich, ob es möglich ist, während einer Aufführung zu applaudieren und so die Illusion zu brechen. Schließlich ist Applaus ein Element der Verfremdung, ein Eindringen der Realität in die Kunst.

Heutzutage applaudiert das Publikum bereitwillig den Schauspielern, ihren Witzen, der Szenerie zu Beginn der Handlung und unterbricht den Ablauf der Aufführung. Das eher intellektuelle oder „avantgardistische“ Publikum zeigt seine Begeisterung erst nach dem Schließen des Vorhangs, um nicht einzelne schauspielerische oder inszenatorische Entdeckungen zu fördern, sondern um am Ende der Aufführung allen Künstlern gleichzeitig zu danken und den Regisseur zu nennen Bühnenbildner und sogar der Autor auf die Bühne.

Es kommt vor, dass der Applaus vom Regisseur „inszeniert“ wird.

Zu allen Zeiten bezahlten Theaterunternehmer die Dienste professioneller Cliquen, um das Publikum zu einer positiven Akzeptanz der Aufführung zu zwingen. In Turgenjews Theater gibt es eine solche Praxis nicht. Seien Sie also sicher, dass die Impulse Ihrer Nachbarn auf den Ständen oder im Amphitheater aufrichtig sind.

Aber der Abgang und Abgang von Schauspielern von der Bühne „am Ende“ kann inszeniert werden: Die Schauspieler scheinen die Rolle weiterzuspielen oder eine komische Szene zu spielen, um das Publikum zum Lachen zu bringen.

Vergessen Sie nicht, dass Künstler OGAT erhalten. Für I.S. Turgenev ist die Meinung des Zuschauers sehr wichtig. Deshalb ist Applaus für sie die wertvollste Belohnung!

hinter der Bühne- Platz hinter dem Hauptbühnenbereich. Der Backstage-Bereich ist eine Fortsetzung der Hauptszene und dient der Erzeugung einer Illusion große Tiefe Raum, dient als Reserveraum zum Aufstellen von Dekorationen. Auf der Hinterbühne gibt es Furkas oder einen rotierenden Rollkreis mit vorinstallierten Dekorationen. Die Oberseite der hinteren Bühne ist mit Gitterstäben mit dekorativen Aufzügen und Beleuchtungsgeräten ausgestattet. Unter dem Boden der hinteren Bühne befinden sich Lagerräume zum Aufhängen von Dekorationen.

Nutzen - eine Aufführung zu Ehren eines der Schauspieler oder Theatermitarbeiter als Ausdruck der Anerkennung der Fähigkeiten des Begünstigten. Am häufigsten wird es im Zusammenhang mit durchgeführt verschiedene Arten unvergessliche Ereignisse, Jubiläen von Künstlern.

Benefizaufführungen im Turgenev-Theater sind immer sehr herzlich und großzügig mit überraschenden Treffen alter Freunde, unter denen das Publikum einen besonderen Ehrenplatz einnimmt.

Seitliche Bühnentasche- ein Raum für einen dynamischen Szenenwechsel mithilfe spezieller Rollplattformen. Auf beiden Seiten der Bühne befinden sich Seitentaschen. Ihre Abmessungen ermöglichen es, die Dekoration vollständig auf der Furka unterzubringen, die die gesamte Spielfläche der Bühne einnimmt. Typischerweise befinden sich neben den Seitentaschen dekorative Ablageflächen.

Requisiten - speziell angefertigte Gegenstände (Skulptur, Möbel, Geschirr, Schmuck, Waffen usw.), die verwendet werden Theateraufführungen statt der echten Sache. Requisiten zeichnen sich durch ihre Billigkeit und Haltbarkeit aus, die durch die Ausdruckskraft ihrer äußeren Form unterstrichen werden. Gleichzeitig weigern sich Requisitenhersteller meist, Details wiederzugeben, die für den Betrachter nicht sichtbar sind.

Die Herstellung von Requisiten ist ein großer Zweig der Theatertechnik und umfasst die Arbeit mit Papierzellstoff, Pappe, Metall, Kunststoffen und Polymeren, Stoffen, Lacken, Farben, Kitten usw. Die Palette der Requisitenprodukte ist nicht weniger vielfältig und erfordert spezielle Kenntnisse im Bereich Form-, Karton-, Veredelungs- und Metallarbeiten, Stoffmalerei, Metallprägung...

Die Requisiten des nach I.S. Turgenev benannten Akademischen Theaters vollbringen wahre Wunder mit den einfachen Materialien in ihrem Arsenal. Manchmal übertreffen sie an Geschicklichkeit sogar die berühmte Fee, die für ihre ebenso berühmte Patentochter Aschenputtel eine Kutsche aus einem Kürbis baute. Wenn Sie mir nicht glauben, überzeugen Sie sich selbst. Kinderaufführungen fallen übrigens immer besonders heiter aus.

Obere Bühne- Teil der Bühnenbox, der sich über dem Bühnenspiegel befindet und nach oben durch ein Gitter begrenzt wird. Es ist mit Arbeitsgalerien und Übergangsbrücken ausgestattet und dient zur Unterbringung von Hängedekorationen, Deckenbeleuchtungsgeräten und verschiedenen Bühnenmechanismen.

Varieté - ein Komödienstück mit Couplet-Liedern und Tänzen sowie ein Genre der dramatischen Kunst.

Dieser Name entstand im 17. Jahrhundert als Mischung zweier Liedgattungen.

Ende des 15. Jahrhunderts wurden Lieder genannt Val de Vire- wörtlich „Vir-Tal“ (Vir ist ein Fluss in der Normandie). Im 16. Jahrhundert entwickelte sich Paris Stimme der Stadt(„Stimmen der Stadt“) – Strophenlieder mit überwiegend Liebesinhalt.

Im 17. Jahrhundert erschienen städtische satirische Volkslieder, die mit oder ohne einfache Instrumentalbegleitung aufgeführt wurden. Sie haben den Namen bekommen Varieté.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts begann man in Frankreich, diese Lieder in kleine Theaterstücke aufzunehmen, die dann auch als „Vaudevilles“ bekannt wurden.

Bilden- die Kunst, einem Schauspieler das für die Rolle nötige Aussehen zu verleihen.

Kosmetisches Make-up wird seit dem 16. Jahrhundert im Theater verwendet. Zu seinen Hauptfunktionen gehört die „Verbesserung der Natur“. Diese gewohnheitsmäßige Verwendung von Make-up ist auf der Bühne besonders willkommen, da diese Kunst nicht so sehr darin besteht, eine Figur alt aussehen zu lassen, sondern vielmehr darin, sie jünger aussehen zu lassen.

Einige theatralische Make-up-Traditionen, zum Beispiel in Chinesisches Theater, basieren auf einem rein symbolischen Korrespondenzsystem verschiedene Farben soziale Merkmale: Weiß – für die Intelligenz, Rot – für unbestechliche Helden, Blau – für die Stolzen, Silber – für die Götter.

Darüber hinaus ist Make-up eine Art lebendiges Kostüm des Schauspielers, das durch die Beweglichkeit des Gesichts mit der Maske konkurriert. Make-up nutzt die prägende Mehrdeutigkeit der Theateraufführung aus: Es ist eine Mischung aus Natürlichkeit und Künstlichkeit, Ding und Zeichen.

Ohne die Figur psychologisch zu charakterisieren, trägt er neben anderen Bestandteilen der Aufführung zur Gestaltung theatralischer Formen bei und wird zu einem gleichwertigen ästhetischen Element der Aufführung.

Dekoration- Schaffung eines visuellen Bildes der Handlung auf der Bühne mit malerischen, visuellen und architektonischen Mitteln.

Schon der Ursprung des Begriffs (Malerei, Ornamentik, Dekoration) weist auf die mimetische und bildnerische Funktion der dekorativen Infrastruktur hin.

Dekoration sollte nützlich, effektiv und funktional sein.

Zu den Hauptfunktionen von Bühnenbildern gehören die Illustration und Darstellung von Elementen, die im dramatischen Universum existieren sollen, sowie die freie Konstruktion und Modifikation der Szene, die als Spielmechanismus betrachtet wird.

Drama- literarisches (dramatisches), Bühnen- und Filmgenre. Es verbreitete sich besonders in der Literatur des 18.-21. Jahrhunderts und verdrängte nach und nach ein anderes Genre des Dramas – die Tragödie –, indem es ihr überwiegend alltägliche Handlungsstränge und einen Stil gegenüberstellte, der näher an der Alltagsrealität liegt. Mit dem Aufkommen des Kinos gelangte es auch in diese Kunstform und wurde zu einem ihrer am weitesten verbreiteten Genres.

In Dramen werden typischerweise bestimmte Dinge dargestellt Privatsphäre Der Mensch und sein Konflikt mit der Gesellschaft. Gleichzeitig wird der Schwerpunkt oft auf universelle menschliche Widersprüche gelegt, die im Verhalten und Handeln bestimmter Charaktere zum Ausdruck kommen.

Intrigen- die Hauptsituation des Dramas, um die herum sich die Handlung entwickelt.

Platzanweiser- ein Theatermitarbeiter, der die Eintrittskarten kontrolliert, die Zuschauer zu ihren Plätzen begleitet und für Ordnung im Saal sorgt.

Gitterstäbe- Gitterboden (Holzboden) über dem Bühnenbereich. Es wird für die Installation von Blöcken von Bühnenmechanismen und für Arbeiten im Zusammenhang mit der Aufhängung von Aufführungselementen verwendet. Der Rost ist über stationäre Treppen mit den Arbeitsgalerien und der Bühne verbunden.

Komödie- aus dem Griechischen komedia – ein rituelles Lied, das die Prozession zu Ehren des Gottes Dionysos begleitet. Zuvor bedeutete dieses Wort jedes Stück, unabhängig vom Genre.

Der Überlieferung nach wird die Komödie durch drei der Tragödie entgegengesetzte Kriterien bestimmt: Die Charaktere der Komödie sind Menschen mit bescheidenem Status, der Ausgang ist zwangsläufig glücklich, das Endziel des Stücks ist das Lachen des Publikums. Daher die einfache Anpassung an jede Gesellschaft, die endlose Vielfalt an Erscheinungsformen und die Schwierigkeit, eine kohärente Theorie der Komödie zu konstruieren.

Die Komödie kommt fast immer zu einem optimistischen Ende (Ehe, Versöhnung, Anerkennung). Das Lachen des Betrachters darin ist mal das Lachen eines Komplizen, mal das Lachen der Überlegenheit: Es schützt den Betrachter vor tragischer Angst.

Jedes komische Stück ist ein Double und Antipode des tragischen Mechanismus. Die Tragödie spielt mit unseren tiefsten Ängsten, die Komödie mit den Abwehrmechanismen gegen diese Ängste.

Beide Genres beantworten somit die gleiche menschliche Frage. Der Übergang vom Tragischen zum Komischen wird durch den Grad der emotionalen Beteiligung des Publikums sichergestellt. Letztlich werden in der Komödie alle Widersprüche in einem humorvollen oder sarkastischen Ton aufgelöst und die Welt findet ihr Gleichgewicht.

Der Wiederherstellung der Ordnung und einem glücklichen Ende muss jedoch eine Phase der Instabilität vorausgehen, nach der ein optimistischer Abschluss und eine endgültige Versöhnung beginnen.

Hinter der Bühne- Vertikale Stoffstreifen, die die Bühne umrahmen.

Hütte- In einem traditionellen Theaterraum eine Gruppe von Sitzplätzen, die durch seitliche Trennwände oder Barrieren von benachbarten Sitzplätzen getrennt sind.

Historisch gesehen war eine Loge ein kleiner Raum mit separatem Eingang, der in manchen Fällen durch einen kleinen Flur führte, in dem man seine Kleidung ablegen oder sogar während der Pause Zeit verbringen konnte. Dieser Raum wurde Außenloge genannt. Die Logen befanden sich sowohl auf der Ebene der Stände (die Benoir-Loge) als auch auf höheren Etagen (von denen die erste, die prestigeträchtigste, Mezzanine genannt wurde).

Viele Theater verfügten über privilegierte Logen – königliche (königliche, präsidiale), Gouverneurs- und Direktorenlogen, die der Theaterleitung zur Verfügung standen. Andere Boxen wurden meist von reichen und edlen Kennern für die gesamte Saison abonniert.

Der Vorteil der Loge war nicht nur ein separater Eingang, sondern auch die Möglichkeit, das Bühnengeschehen zu beobachten, ohne sich in geringerem Maße zu offenbaren.

Melodrama- ursprünglich ein Stück, in dem die dramatischsten Momente von Musik begleitet wurden, um die Gefühle einer stillen Figur auszudrücken.

Mit der Zeit wird das Melodram neu ein eigenständiges Genre. Freundlich und freundlich zeigen böse Menschen In tragischen oder berührenden Situationen versucht das Melodram, den Zuschauer nicht so sehr durch die Bedeutung des Textes, sondern durch Bühneneffekte zu begeistern.

Es hebt die heroischen, sentimentalen und tragischen Seiten so weit wie möglich hervor und vervielfacht die unerwarteten Enden, Erkenntnisse und tragischen Kommentare der Helden. Die Erzählstruktur ist unerschütterlich: Liebe, Verrat, der Unglück bringt, der Triumph der Tugend, Strafe und Belohnung, Verfolgung als „Kern der Intrige“.

Diese Form entsteht zu einem Zeitpunkt, an dem die Inszenierung beginnt, spektakuläre Effekte zu erzielen und den harmonischen Text durch unerwartete Enden zu ersetzen.

Den Charakteren des Melodrams, die klar in Positive und Negative unterteilt sind, wird die Möglichkeit einer tragischen Wahl genommen. Sie sind erfüllt von guten oder schlechten Gefühlen, sie werden nicht von Zweifeln gequält, sie werden nicht von Widersprüchen zerrissen.

Die Situationen des Melodramas sind oft unplausibel, aber klar definiert: völlige Verzweiflung oder unaussprechliches Glück; das grausame Schicksal des Helden, das mit einem Happy End endet (in einem optimistischen Melodram), oder ein düsteres und spannungsgeladenes Schicksal, wie in einem Horrorroman; soziale Ungerechtigkeit oder Belohnung für Tugend und bürgerliche Tapferkeit.

Inszenierung - im weitesten, allgemein akzeptierten Sinne des Wortes - eine Reihe von Mitteln der Bühneninterpretation: Bühnenbild, Beleuchtung, Musik und Schauspiel.

IN im engeren Sinne Dieser Begriff bezeichnet eine Tätigkeit, die darin besteht, verschiedene Elemente der Bühneninterpretation in einem bestimmten zeitlichen und räumlichen Rahmen zusammenzuführen dramatisches Werk. Die Inszenierung drückt zunächst das klassische Konzept eines Theaterstücks als ein einziges harmonisches Ganzes aus, das nicht auf eine einfache Summe von Materialien oder Bühnenkünsten reduziert wird, sondern vielmehr eine qualitativ neue Einheit darstellt hohes Niveau. Die Inszenierung erklärt die Unterordnung jeder einzelnen Kunst oder einfach jedes Zeichens unter ein einziges harmonisches Prinzip, eine einheitliche Idee.

Mit dem Erfordernis einer einheitlichen Idee ging von Beginn des Konzepts der Inszenierung an ein Bewusstsein für die Historizität von Texten und Inszenierungen sowie das Verständnis einher, dass es eine ganze Abfolge der „Konkretisierung“ desselben Werks gibt .

Mit einem Wort handelt es sich um eine Transformation bzw. Konkretisierung des Textes durch den Schauspieler, durch den Bühnenraum, eingebettet in die vom Betrachter erlebte Zeit.

Der Raum wird sozusagen auf Worte übertragen: Der Text wird im gestischen Raum des Schauspielers eingeprägt und festgehalten. Der Künstler sucht nach solchen Bewegungen, solchen Posen, die der räumlichen Erfassung des Textes am besten entsprechen. Die im Text zusammengefassten Worte des Dialogs existieren nun separat, sie sind in Bühnenraum und -zeit eingeschrieben, sie können gesehen und gehört werden.

Inszenierung umfasst sowohl die Umgebung, in der sich die Schauspieler befinden, als auch die psychologische gestische Lösung der Rolle. Jede Inszenierung ist eine Interpretation des Textes durch „Handlung“; Der Zugang zum Stück ist für uns nur durch eine solche Regielesung möglich.

Eine Inszenierung beinhaltet immer eine Phase der Arbeit mit Schauspielern. Der Regisseur dirigiert die Schauspieler und erklärt, wie sie entsprechend seiner Vorstellung von der Rolle auf der Bühne aussehen sollen. Er nimmt Anpassungen vor, abhängig von der Kompatibilität ihrer Leistung mit der Leistung anderer Schauspieler. Er sorgt dafür, dass Gestik, Intonation und Rhythmus bis ins kleinste Detail dem gesamten Diskurs der Inszenierung entsprechen, sodass sie in eine Passage, eine Szene oder eine gesamte Aufführung passen.

Untere Stufe- Teil der Bühnenbox unterhalb des Tablets, in dem sich Bühnenmechanik, Souffleur- und Lichtsteuerkabinen, Hebe- und Senkvorrichtungen sowie Geräte für Bühneneffekte befinden.

Oper - Genre der Musik- und Schauspielkunst, bei dem der Inhalt mittels musikalischer Dramaturgie, hauptsächlich durch, verkörpert wird Vokalmusik. Literarische Grundlage Oper - Libretto.

Das aus dem Italienischen übersetzte Wort „orega“ bedeutet wörtlich Werk, Komposition. In diesem Musikgenre, Poesie und dramatischer Kunst, Gesang und Instrumentalmusik, Mimik, Tanz, Malerei, Bühnenbild und Kostüme.

Fast jede Oper beginnt mit einer Ouvertüre – einer symphonischen Einleitung, die allgemeiner Überblick führt den Zuhörer in den Inhalt der gesamten Handlung ein.

Parterre(fr. Parterre- im Erdgeschoss) - Erdgeschoss Auditorium in einem Theater mit Sitzplätzen für das Publikum im Raum von der Bühne oder vom Orchester bis zur gegenüberliegenden Wand oder zum Amphitheater.

Der Vorläufer des Parketts war die Senatorenbank in Theatern Antikes Rom. Im 17. Jahrhundert, nach dem Aufkommen der Langleine Theatergebäude Auch das Erdgeschoss hat sich verändert und ist moderner gestaltet. Das Parkett war für die Unterschicht gedacht, daher gab es lange Zeit keine Sitzplätze – die Zuschauer am Parkett mussten der Aufführung im Stehen zusehen. Sitzplätze im Parkett erschienen in Anfang des XVII Jahrhundert in privaten Innentheatern in England. Anschließend wurden die Sitzplätze nach Bedarf arrangiert.

Heutzutage sind Sitzplätze meist in Reihen angeordnet, die von der Bühne bis zum Amphitheater reichen und parallel zum Bühnenrand verlaufen. Die Sitze sind durch Durchgänge zum Verlassen der Kabinen getrennt.

Rampe- ein System aus Streulichtbeleuchtungskörpern, die auf einem Tablett entlang der Vorderkante des Proszeniums installiert sind und den Bühnenraum von vorne und unten beleuchten sollen. Durch eine niedrige Seite vor den Zuschauern verborgen.

Direktor- eine Person, zu deren Aufgaben die Inszenierung eines Theaterstücks gehört. Der Regisseur übernimmt die Verantwortung für die ästhetische Seite der Aufführung und deren Organisation, die Auswahl der Interpreten, die Interpretation des Textes und den Einsatz der ihm zur Verfügung stehenden Bühnenmittel. Die Entstehung dieses Begriffs wird üblicherweise der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zugeschrieben.

In der Geschichte des Theaters gibt es viele mehr oder weniger legitime Vorgänger des Regisseurs.

Im antiken griechischen Theater wurde die Rolle des Didaskal (von didiskalos – „Lehrer“) oft vom Autor der Aufführung selbst gespielt, der als Organisator fungierte.

Im Mittelalter war der Leiter der Theatertruppe für die ideologischen und ästhetischen Aspekte der Kriminalinszenierung verantwortlich. In der Renaissance und im Barock wurden Aufführungen häufig vom Architekten und Dekorateur nach eigenen Plänen organisiert.

Im 18. Jahrhundert Große Schauspieler übernehmen den Staffelstab. Und erst mit der Blüte des realistischen Theaters geht die Funktion des Regisseurs auf Profis über und wird zu einer eigenständigen Kunst.

Requisiten- Gegenstände der Bühnenausstattung (ausgenommen Bühnenbild und Kostüme), die Schauspieler im Laufe des Stücks verwenden oder manipulieren.

Repertoire- eine Reihe von Theaterstücken, die von einem Theater während einer Saison oder über einen bestimmten Zeitraum aufgeführt werden; Auswahl von Stücken des gleichen Stils oder der gleichen Epoche; die Gesamtheit der Rollen, die ein Schauspieler spielen kann, die Bandbreite seiner schauspielerischen Fähigkeiten, seine Rolle.

Probe- Arbeit zum Erlernen von Text und Bühnenschauspiel, aufgeführt von Schauspielern unter der Leitung des Regisseurs.

Diese Tätigkeit der Aufführungsvorbereitung beschäftigt die gesamte Truppe und nimmt am meisten in Anspruch verschiedene Formen.

Die Proben finden jedes Mal auf eine neue und kreative Art und Weise statt.

Rolle - eine Kombination aus Text und Performance desselben Schauspielers. Die Rollenverteilung erfolgt in der Regel durch den Regisseur, abhängig von den Eigenschaften der Darsteller und den Einsatzmöglichkeiten im Stück.

Die Rolle wird dann zum Schauspieler selbst (die Rolle eines Bösewichts, Verräters usw.), der vom Schauspieler geschaffen wird. Wenn die Rolle nicht mit der Rolle des Künstlers übereinstimmt, spricht man von einer Mischrolle.

In jedem Stück gibt es sogenannte Haupt- und Nebenrollen. Die Einstellung zur Rolle wird entweder nach dem Prinzip der Nachahmung und Identifikation (der Verkörperung der Figur durch den Schauspieler) oder im Gegenteil nach dem Prinzip der Differenz und Verfremdung gebildet.

Szene- aus dem Griechischen Skene - Stand, Bühne. In den Anfängen des griechischen Theaters war die Skene ein Käfig oder Zelt, das hinter dem Orchester errichtet wurde.

Skene, Orchectra und Theatron bilden die drei grundlegenden szenografischen Elemente der antiken griechischen Aufführung. Das Orchester oder die Spielfläche verband die Bühne und das Publikum. Die Skene entwickelte sich in der Höhe so, dass sie das Theologeon oder den Spielplatz der Götter und Helden umfasste, und an der Oberfläche bildete sie zusammen mit dem Proszenium die architektonische Fassade, einen Vorläufer des Wandschmucks, der später den Proszeniumraum schaffen sollte.

Im Laufe der Geschichte hat sich die Bedeutung des Begriffs „Bühne“ ständig erweitert: ein Bühnenbild, ein Spielplatz, ein Ort der Handlung, ein Zeitraum während einer Handlung und schließlich, im metaphorischen Sinne, ein plötzliches und helles spektakuläres Ereignis („ jemandem eine Szene machen“).

Das Turgenev-Theater hat eine besondere, sehr ehrfürchtige Haltung gegenüber der Bühne. Dies ist ein Ort, an dem der Weg zum Uneingeweihten verschlossen ist. Wenn man darauf tritt, scheinen die Diener des Turgenjew-Hauses ein Gelübde abzulegen, aus dem Herzen zu spielen und alle Facetten ihres Talents dem Publikum zugänglich zu machen.

Aber auch Zuschauer haben die einmalige Gelegenheit, die Bühne zu besuchen, indem sie eine Eintrittskarte für das Stück „Love’s Beautiful Star“ erwerben: Sitzplätze für das Publikum sind direkt auf der Bühne ausgestattet, was der Inszenierung eine besondere Intimität und Intimität verleiht.

Szenografie- bei den alten Griechen - die aus dieser Technik hervorgegangene Kunst der Theatergestaltung und malerischen Dekoration.

In der Renaissance ist Szenografie eine Technik, die darin besteht, einen Hintergrund auf eine Leinwand zu malen.

IN modernen Sinn Worte sind die Wissenschaft und Kunst, die Bühne und den Theaterraum zu organisieren. Metonymisch: die Szenerie selbst, das Ergebnis der Arbeit des Bühnenbildners.

Dieser Begriff ersetzt zunehmend das Wort „Dekoration“, wenn es darum geht, über den Begriff der Dekoration hinauszugehen. Die Szenografie markiert somit den Wunsch, in einem Raum mit drei Ebenen zu schreiben (zu dem auch eine zeitliche Dimension hinzugefügt werden sollte) und nicht nur die Kunst, eine Leinwand zu bemalen, mit der sich das Theater bis zum Naturalismus begnügte.

In der Blütezeit der modernen Szenografie konnten Bühnenbildner dem Raum Leben einhauchen, die Zeit und das Spiel des Schauspielers im gesamten kreativen Akt wiederbeleben, wenn es schwierig ist, den Regisseur, Lichtdesigner, Schauspieler oder Musiker zu isolieren.

Theater(Griechisch θέατρον – Hauptbedeutung – ein Ort für Schauspiele, dann – Schauspiel, von θεάομαι – ich schaue, ich sehe) – eine Form der darstellenden Kunst.

Theater ist eine Synthese aller Künste, es umfasst Musik, Architektur, Malerei, Kino, Fotografie usw. Das Hauptausdrucksmittel ist der Schauspieler, der dem Betrachter durch seine Aktion mit verschiedenen Theatertechniken und Existenzformen das Wesentliche vermittelt von dem, was auf der Bühne passiert.

In diesem Fall muss der Schauspieler keine lebende Person sein. Dies kann eine Puppe oder ein von einer Person gesteuerter Gegenstand sein.

Theater gilt als das stärkste Mittel zur Beeinflussung von Menschen, denn wenn der Zuschauer sieht, was auf der Bühne passiert, verbindet er sich mit der einen oder anderen Figur. Durch Katharsis (Reinigung durch Leiden) kommt es zu Veränderungen in ihm.

Die wichtigsten Theaterarbeiter: Regisseure, Schauspieler, Visagisten, Garderobenwärter, Beleuchter, Kartenverkäufer, Choreografen, Künstler, Bühnenarbeiter.

Theaterkunst- eine Wortkombination, die alle Widersprüche des Theaters enthält: Ist diese Kunst mit ihren Gesetzen und ästhetischen Besonderheiten autonom oder ist sie nur das kumulative Ergebnis (Synthese, Konglomerat oder Kombination) mehrerer Künste (Malerei, Poesie, Architektur, Musik, Tanz und Geste)? In der Geschichte der Ästhetik gibt es beide Standpunkte.

1. Ursprung des Theaters

Der endlose Reichtum an Formen und Theatertraditionen, die sich im Laufe der Geschichte entwickelt haben, die Möglichkeit einer, selbst der allgemeinsten Definition Theaterkunst. Die Etymologie des griechischen Wortes theatron, das einen Ort bedeutet, an dem sich Zuschauer versammelten, um eine Aufführung zu sehen, vermittelt nur teilweise einen der Bestandteile dieser Kunst. Tatsächlich ist Theater eine Kunst, die in erster Linie der visuellen Wahrnehmung dient, einer Art institutionalisierter Kontemplation, und wird dennoch oft auf die Kunst der Dramaturgie reduziert. literarisches Genre, dessen spektakuläre Seite seit der Zeit des Aristoteles als Beiwerk betrachtet wurde, das zwangsläufig vom Text abhängt. Der Vielfalt der Theaterformen und dramatischen Genres entspricht die Vielfalt der materiellen, sozialen und ästhetischen Bedingungen des Theaterbetriebs: das Gemeinsame beispielsweise eines primitiven Rituals, eines Boulevardstücks, eines mittelalterlichen Mysteriums oder einer im indischen Stil geschaffenen Aufführung oder chinesische Tradition?

Für Soziologen und Anthropologen ist es schwierig, die Gesamtheit der Gründe zu identifizieren, die das Theaterbedürfnis eines Menschen bestimmen. Aber unabhängig voneinander und manchmal einstimmig wiesen sie auf den Wunsch nach Nachahmung hin; Lust am Spiel, sowohl bei Kindern als auch bei Erwachsenen, die ursprüngliche zeremonielle Funktion; das Bedürfnis, ungestraft Geschichten zu erzählen und über diesen oder jenen Zustand der Gesellschaft zu lachen; das Vergnügen, das ein Schauspieler während der Transformation erlebt. Der Ursprung des Theaters hatte offenbar ein Ritual bzw religiöse Grundlage und der Einzelne aus einer Gruppe von Personen nahm selbst an der Zeremonie teil, bevor er die Aufgabe einem Schauspieler oder Priester anvertraute. Das Theater entfernte sich erst allmählich von seinem magischen oder religiösen Wesen und musste, um der Gesellschaft herauszufordern, ausreichend stark und unabhängig werden: daher die in seiner Geschichte aufgetretenen Schwierigkeiten, die die Haltung gegenüber Autorität und Gesetz charakterisieren. Das moderne Theater hat mit der Kultquelle nichts gemein, mit Ausnahme einiger Experimente der Rückkehr zum Mythos oder zur Zeremonie, die in Anlehnung an die Experimente von Artaud auf der Suche nach der unberührten Reinheit der Theaterhandlung sind, und ihre Formen sind so vielfältig, dass es entspricht voll und ganz zahlreichen neuen ästhetischen und sozialen Funktionen. Die Entwicklung des Theaters ist eng mit der Entwicklung des sozialen und technologischen Bewusstseins verbunden: Aus diesem Grund wird von Zeit zu Zeit sein unvermeidlicher Tod aufgrund der Dominanz der Medien und der Massenkunst vorhergesagt.

2. Westliche Tradition

Wenn die Frage nach dem Wesen und der Besonderheit der Theaterkunst schon immer etwas Idealistisches und Metaphysisches enthielt, das weit von der realen Praxis des Theaters entfernt war, dann können wir zumindest einige Merkmale dieser Kunst aufzählen, die für unsere westliche Tradition aus dem antiken Griechenland charakteristisch sind bis in die Gegenwart. Der Begriff „Kunst“ unterscheidet sich von den Begriffen „Handwerk“, „Technik“ oder „Ritus“: das Theater, auch wenn es über eine Vielzahl technischer Mittel (Schauspiel, Szenografie etc.) und eine gewisse Anzahl verfügt der traditionellen und unveränderlichen Handlungen geht über den Rahmen jedes dieser Bestandteile hinaus. Jedes Mal repräsentiert er eine Handlung (oder eine mimetische Darstellung einer Handlung) dank der verkörpernden Schauspieler Charaktere oder sie der mehr oder weniger ausgestatteten, gleichzeitig an einem Ort versammelten Öffentlichkeit zu zeigen. Der Text (oder die Handlung), der Körper des Schauspielers, die Bühne, der Zuschauer – das ist die notwendige Kette jeder Theaterkommunikation. Jedes Glied in dieser Kette nimmt sehr unterschiedliche Formen an. Manchmal wird der Text nicht respektiert und durch eine nicht-literarische Spielweise ersetzt, auch wenn es sich um einen bestimmten, beabsichtigten Text handelt; Der Körper des Schauspielers verliert seine Funktion als menschliche Präsenz, wenn der Regisseur ihn in eine Surmarionette verwandelt oder wenn er durch einen in der Szenografie vorgesehenen Gegenstand oder Bühnenmechanismus ersetzt wird. Die Bühne ist nicht unbedingt in einem speziell für Theateraufführungen errichteten Gebäude ausgestattet: einem Stadtplatz, einem Hangar usw. perfekt für Theateraktivitäten; Der Zuschauer kann nicht völlig ausgeschlossen werden, ohne die Theaterkunst in ein dramatisches Spiel zu verwandeln, an dem jeder teilnimmt, wie in ein Ritual, das für seine Durchführung keinen Blick von außen braucht, oder in eine „sektiererische Aktivität“, die völlig isoliert und ohne kritisches Ventil ist für die Gesellschaft...

Eine Theateraufführung umfasst einen ganzen Komplex von Anweisungen, Ratschlägen und Anweisungen, die in der Theaterpartitur, im Text und in den Regieanweisungen enthalten sind.

Die Unterscheidung zwischen Genres und ihrer Hierarchie ist weder starr noch endgültig. Daher lehnt die moderne Theaterkunst die Dreiteilung in Drama/Lyrik/Epos kategorisch ab. Die Polarität ist Tragödie-Komödie, die in der doppelten Tradition der Genres vermerkt ist – „edel“ (Tragödie, hohe Komödie) und „vulgär“ (Farce, Spektakel) – verliert mit der Entwicklung sozialer Beziehungen ebenfalls seine Bedeutung.

3. Theater im Kunstsystem

Die meisten Theoretiker sind sich einig, dass die Theaterkunst über alle künstlerischen und technologischen Mittel einer bestimmten Epoche verfügt. Craig gibt zum Beispiel die folgende (fast tautologische) Definition: „Die Kunst des Theaters ist weder die Kunst des Schauspielens, noch ein Theaterstück, noch ein Bühnenbild, noch ein Tanz... Es ist die Gesamtheit der Elemente, die.“ erfinde diese verschiedene Bereiche. Es besteht aus Bewegung, die die Bedeutung des Schauspiels darstellt, Worten, die den Körper des Stücks bilden, und Linie und Farbe, die die Seele hervorbringen. Bühnendekoration, aus dem Rhythmus, der das Wesen des Tanzes ausmacht“

Über die Frage nach dem Verhältnis dieser verschiedenen Künste herrscht keine Einigkeit.

Für andere Theoretiker ist die Kombination verschiedener Künste unmöglich; bestenfalls kann man ein unstrukturiertes Konglomerat aufbauen; Es ist wichtig, eine Hierarchie zwischen den Mitteln herzustellen und diese zu kombinieren, um das gewünschte Ergebnis und den Geschmack des Regisseurs zu erzielen. Die von Appiah vorgeschlagene Hierarchie – Schauspieler, Raum, Licht, Malerei – ist nur eine der unzähligen Möglichkeiten der Ästhetik.

Eine andere Gruppe von Theoretikern sieht in den Konzepten von Wagner und Appiah zwei Seiten derselben Medaille und kritisiert gleichzeitig die Konzepte der Theaterkunst als Gesamtkunstwerk oder Totaltheater und ersetzt diese Theaterarbeit(Brecht). Darstellende Künste existieren und machen nur in ihrer Vielfalt und Widersprüchlichkeit Sinn. Durch die Inszenierung widersetzt sich die Szene dem Text, die Musik widersetzt sich der sprachlichen Bedeutung, die Körpersprache widersetzt sich der Musik oder dem Text und so weiter.

4. Besonderheiten und Grenzen der Theaterkunst

Kurzer Überblick theoretische Arbeitenüber das Theater beweist, dass keine Theorie in der Lage ist, die Theaterkunst auf die notwendigen und befriedigenden Komponenten zu reduzieren. Es ist unmöglich, diese Kunst auf ein Arsenal technischer Mittel zu beschränken. Die Praxis zielt darauf ab, den Horizont der Bühne endlos zu erweitern: Vorführung von Dias oder Filmen, Umwandlung des Theaters in Skulptur, Tanz oder Pantomime, politische Propaganda oder ein Event. Somit verzweigt sich das Studium der Theaterwissenschaften auf unbestimmte Zeit.

PaviP. Wörterbuch des Theaters. Herausgeber: Progress, 1991.

Theatervorhang- ein Tuch, das die Bühne vom Zuschauerraum abdeckt. Vorhänge bestehen aus dickem, gefärbtem Stoff mit dickem Futter, verziert mit dem Theateremblem oder breiten Fransen, die an der Unterseite des Vorhangs gesäumt sind. Mit dem Vorhang können Sie den Prozess der Umgebungsveränderung unsichtbar machen und so ein Gefühl der Zeit zwischen den Aktionen erzeugen.

Tragödie(Altgriechisch tragōdía, wörtlich „Ziegenlied“) – Genre Kunstwerk, basierend auf der Entwicklung von Ereignissen, die in der Regel unvermeidlich ist und zwangsläufig zu einem katastrophalen Ausgang für die Charaktere führt, oft voller Pathos; eine Art Drama, das das Gegenteil der Komödie ist.

Die Tragödie ist von strenger Ernsthaftigkeit geprägt, stellt die Realität auf das Schärfste dar, als ein Bündel innerer Widersprüche, offenbart die tiefsten Konflikte der Realität in äußerst intensiver und reichhaltiger Form und erhält die Bedeutung eines künstlerischen Symbols. Es ist kein Zufall, dass die meisten Tragödien in Versen verfasst sind.

Der Begriff „Tragödie“ wird mit dem Gesang von Satyrn (in Griechische Mythologie ziegenfüßige Kreaturen), deren Bilder in religiösen Riten verwendet wurden antikes Griechenland zu Ehren des Gottes Dionysos.

Farce- eine Komödie leichten Inhalts mit rein äußerlich komischen Techniken.

Im Mittelalter war die Farce auch eine weit verbreitete Form des Volkstheaters und der Volksliteratur XIV-XVI Jahrhunderte in westeuropäischen Ländern. Nachdem sie im Mysterium gereift war, erlangte die Farce im 15. Jahrhundert ihre Unabhängigkeit und wurde im nächsten Jahrhundert zum dominierenden Genre im Theater und in der Literatur. Die Techniken der possenhaften Possenreißerei blieben im Zirkusclown erhalten. Im modernen Russisch wird eine Farce üblicherweise als Profanierung bezeichnet, als Nachahmung eines Prozesses, beispielsweise eines Prozesses.

Das Hauptelement der Farce war keine bewusste politische Satire, sondern eine entspannte und unbeschwerte Darstellung des städtischen Lebens mit all seinen skandalösen Vorfällen, Obszönitäten, Unhöflichkeiten und Spaß. Die französische Farce thematisierte oft einen Skandal zwischen Ehegatten.

Foyer- ein Raum in einem Theater, Kino oder Zirkus, der dazu bestimmt ist, dass sich die Zuschauer aufhalten, während sie auf eine Show, Aufführung oder Aufführung warten, sowie dass sich das Publikum in der Pause entspannen kann.

Das Foyer des nach I.S. Turgenev benannten Staatlichen Akademischen Theaters lockt nicht nur mit seinem Wintergarten und einer Vielzahl von Fotografien, die über die denkwürdigsten Inszenierungen berichten, sondern auch mit dem einzigartigen Projekt „Theater im Foyer“, in dem Aufführungen aufgeführt werden für junge Zuschauer.

Furka- Teil der Bühnenausrüstung; eine mobile Plattform auf Rollen, mit der Teile der Dekoration auf der Bühne bewegt werden. Die Bewegung des Ofens erfolgt durch einen Elektromotor, manuell oder über ein Kabel, dessen eines Ende sich hinter den Kulissen befindet und dessen anderes an der Seitenwand der Furka befestigt ist.

In Vorbereitung „Theaterwörterbuch“ Es wurden Materialien aus Internetquellen sowie „Theater Dictionary“ von P. Pavi (Herausgeber: Progress, 1991) verwendet.

(sic, kapeldiner), übersetzt als „Diener der Kapelle“. Die Platzanweiser arbeiteten in Theatern und Kinos. Sie überprüften die Eintrittskarten, halfen den Zuschauern bei der Platzsuche, säuberten die Sitze, deckten sie ab und säuberten oft auch den Saal.

Der Steward erledigte nicht nur seinen Job, er war sozusagen die Seele des Saales. Er war immer über das Programm informiert, konnte Fragen zu den Schauspielern und Filmen beantworten, etwas über Produktionen und Filme erzählen oder den Zuschauern bei der Lösung ihrer Fragen helfen.

Theaterbegleiter

Früher waren die Platzanweiser für die Pflege der Musikinstrumente des Theaters verantwortlich. Daher eine Reihe von Designverbesserungen Musikinstrumente wurde genau von den Platzanweisern erstellt.

IN vorrevolutionäres Russland Saaldiener kontrollierten die Besucher, begleiteten sie zu den richtigen Plätzen und überwachten auch die Ordnung im Saal.

Allein die Anwesenheit des Betreuers sorgte für eine besondere Atmosphäre. Regelmäßige Besucher kannten die Begleiter vom Sehen und begrüßten sie, als wären sie gute Freunde.

IN moderne Welt Die Funktion des Platzanweisers ist in einigen Theatern noch erhalten, es sind jedoch neue Bedenken in dieser Position aufgetaucht: Beispielsweise muss sichergestellt werden, dass Zuschauer während der Aufführung keine Mobiltelefone benutzen.

Kinobesucher

Später wurden Kinomitarbeiter, die ungefähr die gleichen Funktionen wie im Theater ausübten, als Platzanweiser bezeichnet. Zu Beginn ihrer Existenz war die Filmindustrie als Luxusunterhaltung positioniert, daher war die Anwesenheit eines Zuschauers im Saal sehr wichtig.

In den alten großen Kinos in den USA hatte jeder Kinosaal einen oder mehrere Platzanweiser.

In US-Kinos waren die Platzanweiser einst auch dafür verantwortlich, das Publikum in „weiße“ und „farbige“ Bereiche zu unterteilen und so eine Vermischung zu verhindern. Und in den 50er Jahren, als Horrorfilme immer beliebter wurden, mussten sich die Platzanweiser manchmal in Monsterkostümen verkleiden und Kinder unterhalten.

Die Ära der Kinostarts erlebte ihren Höhepunkt in den 1920er Jahren, und diese Tradition war in den Vereinigten Staaten besonders stark ausgeprägt. Aber Wirtschaftskrise In den 1930er-Jahren kam es zu massiven Entlassungen von Zuschauern, es wurden immer weniger und heute gibt es in den Kinos praktisch keine Kellner mehr. Stattdessen gibt es Ticketkontrolleure, die lediglich prüfen, ob Zuschauer Tickets haben.