Den bedeutendsten Platz in der Entwicklung des westeuropäischen Realismus nimmt die französische Kunst ein. Und das ist kein Zufall. Bereits seit dem Ende des 18. Jahrhunderts spielte Frankreich eine führende Rolle im gesellschaftspolitischen Leben Europas, und der Klassenkampf zwischen Adel, Bürgertum und Proletariat nahm darin klare klassische Formen an. Das Bürgertum, das sich hinter dem königlichen und kaiserlichen Mantel versteckte oder seine Macht in offener Form behauptete, feierte den Sieg. „Industrie und Handel wuchsen zu immensen Ausmaßen“, schrieb K. Marx über Frankreich in den 50er und 60er Jahren, „die Börsenspekulation feierte ihre kosmopolitischen Orgien; Die Armut der Massen trat deutlich hervor neben der frechen Brillanz des ausschweifenden Luxus, der durch Betrug und Verbrechen erworben wurde.“
Die demokratische und proletarische Bewegung nahm in Frankreich Mitte des 19. Jahrhunderts großes Ausmaß an. Auf die Revolution von 1830 folgte die Revolution von 1848; Das Proletariat tritt an der Spitze der breiten Volksmassen immer entschiedener auf die politische Bühne. Im Juni 1848 erhob er sich offen gegen die Bourgeoisie und unternahm 1871 mit der Ausrufung der Pariser Kommune den ersten heroischen Versuch in der Geschichte, die politische Macht selbst in die Hand zu nehmen.
Verschärfung sozialer Widersprüche, grandiose Klassenkämpfe, neue soziale Probleme, Fragen der demokratischen Neuordnung der Gesellschaft konnten nicht umhin, fortschrittliche Köpfe zu begeistern und sie zu zwingen, die Phänomene der Realität zu analysieren und nach neuen Wegen in der Kunst zu suchen. In Frankreich, das das klarste Bild der Entstehung und Entwicklung der Hauptströmungen des 19. Jahrhunderts vermittelt, ist der Aufstieg des Realismus früher als in anderen Ländern zu beobachten, die realistische Richtung ist am engsten mit dem gesellschaftspolitischen Leben verbunden Es stellt die größten Vertreter der Kunst des 19. Jahrhunderts vor.
Die Julirevolution von 1830 war ein bedeutender Meilenstein auf dem Weg der Entwicklung Französische Kunst. Unter seinem Einfluss werden romantische Illusionen beseitigt, das Interesse an sozialen Themen nimmt zu und ein eigenständiges theoretisches Programm des Realismus wird entwickelt. Die Grundvoraussetzungen für die neue Kunst wurden von Laviron und Galbaccio im Salon von 1833 formuliert. Ihre Weiterentwicklung erhielten sie in den Werken bedeutender Theoretiker und Verteidiger des Realismus: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari und andere. Alle diese Kritiker – Vertreter der Generation von 1848 – stellten die Frage nach der erzieherischen Rolle der Kunst. Kunst, so argumentierten sie, sollte zur Entwicklung der Gesellschaft auf dem Weg des Fortschritts beitragen, sollte ein „Lehrer des Lebens“ sein und dafür muss sie relevant, sozial reichhaltig und für die Menschen verständlich sein. Kunst soll den Menschen helfen, die Welt um sie herum und ihre Widersprüche zu verstehen. Dies wird ihr gelingen, indem sie alle Idealisierungen und Verschönerungen des Lebens über Bord wirft. Die Wahrhaftigkeit des Bildes wird als eine der notwendigen Voraussetzungen für Kreativität angeführt – der Künstler malt, was er weiß, was er vor sich sieht. Der Aufruf zur Ablehnung allgemein anerkannter Modelle und zur Bekräftigung der Lebenswahrheit in der Kunst half fortgeschrittenen Künstlern bei der Beherrschung neuer Methoden und Mittel des künstlerischen Ausdrucks und eröffnete weitreichende Perspektiven für kreative Beschäftigungen. Gleichzeitig reduzierten einige Kritiker der Mitte des 19. Jahrhunderts den Begriff des Realismus manchmal auf die äußere Authentizität des Bildes, den illusorischen Charakter der Übertragung sichtbare Welt, was die Künstler natürlich desorientiert hat.
Philip Zhanron. Unter den Vorläufern großer realistischer Künstler verdienen einige weniger bedeutende Meister Erwähnung. Da ihnen das Talent ihrer Anhänger fehlte, bereiteten sie ihnen den Weg. Unter ihnen ist Philippe Jeanron (1809-1877). Er nahm an den Revolutionen von 1830 und 1848 teil und erschien oft in gedruckter Form, um realistische Prinzipien zu verteidigen. Bereits in frühe Arbeit„Kinder auf der Barrikade“ (1831, Museum in Caen) Genron wandte sich einer direkten Darstellung revolutionärer Ereignisse zu. In seinen späteren Werken lieferte er eine soziale Analyse der Realität, indem er Vertreter verschiedener Klassen der modernen Gesellschaft einander gegenüberstellte: den Adel, das Bürgertum und das Proletariat. Bei der Darstellung der Arbeiter betonte der Künstler deren Armut und Leid, ohne Sentimentalität zu vermeiden. Zhanron ist auch als Porträtmaler bekannt. Er hinterließ ausdrucksstarke Porträts der führenden Persönlichkeiten seiner Zeit – Vertreter der republikanischen Intelligenz.

Realismus in Frankreich und England (Literatur und Kunst im 19. Jahrhundert)

Mitte des Jahrhunderts wurde der Realismus zum vorherrschenden Trend in der europäischen Kultur.

Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen etablierter kapitalistischer Verhältnisse. Soziale Widersprüche und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller ihm gegenüber. Sie prangerten Geldgier, offensichtliche Ungleichheit, Egoismus und Heuchelei an. In seiner ideologischen Zielstrebigkeit wird er zum kritischen Realismus. Gleichzeitig ist das Werk großer realistischer Schriftsteller von den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit durchdrungen.

Literatur Frankreichs. Ein Beispiel für realistische Poesie im Frankreich des 19. Jahrhunderts war der Dichter Pierre Jean de Béranger (1780-1857). Er sprach während der Zeit der napoleonischen Monarchie und verurteilte 1813 in dem Lied „König Yveto“ Napoleons militärische Abenteuer und seine Steuerpolitik. Während der Restauration wurde er zu einem wahren Dichter-Kämpfer. Seine verspielten Lieder verspotteten in dieser Zeit die reichen und erfolgreichen Städter. Berangers politisches Lied ist voller Demokratie und geprägt von lebhaftem Nationalhumor.

Ein brillanter Vertreter des kritischen Realismus war Stendhal(im Besitz von Henri Bayle, 1783-1842). Der Schriftsteller wurde von Menschen mit einem aktiven, starken Charakter bewundert. Solche Helden sah er unter den Figuren der Renaissance („Italienische Chroniken“), bei Shakespeare und bei seinen Zeitgenossen.

Einer der schönsten Romane Stendhal- „Rot und Schwarz“ (1830). Der Held des Romans ist Julien Sorel, ein leidenschaftlicher Bewunderer der napoleonischen Ära, ein Mann mit einer erhabenen und sensiblen Seele, der danach strebt, das träge soziale Umfeld zu besiegen. Dies gelingt ihm jedoch nicht, da die herrschenden Klassen ihn, einen gebürtigen Plebejer, nicht akzeptierten. Im Roman „Das Parma-Kloster“ verurteilt der Autor die reaktionäre Ära, die die Tragödie intelligenter, talentierter und tief empfindender Menschen vorwegnahm.

Der Höhepunkt, der höchste Punkt der Entwicklung des westeuropäischen Realismus ist das Werk von Honore de Balzac(1799 -1850). Nach Balzacs Plan sollte sein Hauptwerk, das Epos „Die menschliche Komödie“, aus 143 Büchern bestehen, die alle Aspekte des Lebens der französischen Gesellschaft widerspiegeln. Balzac widmete diesem gigantischen Werk seine ganze Kraft; er schuf 90 Romane und Kurzgeschichten.

In diesem Epos sind die Romane durch ein gemeinsames Konzept und viele Charaktere verbunden. Es enthält Romane wie „Das unbekannte Meisterwerk“, „ Shagreen-Leder„, „Eugenia Grande“, „Père Goriot“, „César Birotteau“, „Lost Illusions“, „Cousin Betta“ und viele andere. Das Epos ist ein realistisches Bild von grandiosem Umfang, das die Moral und Widersprüche des gesellschaftlichen Lebens in Frankreich widerspiegelt. Balzac verleiht seinen Helden Intelligenz, Talent und starken Charakter. Seine Werke sind zutiefst dramatisch, sie stellen die Macht des „Geldprinzips“ dar, das alte patriarchale und familiäre Bindungen auflöst und das Feuer egoistischer Leidenschaften entfacht.

Prosper war der Meister der Novelle Merimee(1803-1870), herausragender realistischer Schriftsteller. Seine Kurzgeschichten sind lakonisch, streng, elegant. Sie zeichnen sich durch starke und lebendige Charaktere aus, integrale Naturen, die zu starken Gefühlen fähig sind – „Carmen“ (diente als Grundlage für gleichnamige Oper Bizet), Colomba, Falcom. Selbst in jenen Kurzgeschichten, in denen der Autor romantische Helden und romantische Situationen darstellt, wird die Handlung nicht auf eine romantische Ebene übertragen, sondern eine realistische Motivation gegeben.

Schrieb Merimee und spielt. Eines der herausragenden Werke des Schriftstellers ist das Chronikspiel „Jacquerie“, das die Bauernbewegung des 14. Jahrhunderts schildert. Er schrieb den einzigen großen Roman, „Chronik zur Zeit Karls IX.“, der vom Kampf zwischen Katholiken und Protestanten und den Ereignissen erzählt St. Bartholomäusnacht. Der Autor entlarvt fanatische Intoleranz.

Im Zusammenhang mit der Veränderung der politischen Position der Bourgeoisie nach der Revolution von 1848 und ihrer Weigerung, mit der Arbeiterklasse zusammenzuarbeiten, entsteht in der französischen Literatur eine neue Art von kritischem Realismus – Schriftsteller weigern sich, kraftvolle Bilder zu schaffen, und das Konzept von das Typische wird auf das Alltäglichste, Gewöhnliche reduziert. Im Allgemeinen kommt die Kunst dem Leben noch näher.

Der größte Vertreter der neuen Stufe des Realismus war Gustave Flaubert(1821-1880). Die Haltung des Schriftstellers gegenüber den sozialen Schichten der Bevölkerung war widersprüchlich: Er hasste das Bürgertum zeitlebens, behandelte die Massen mit Verachtung und hielt politische Aktivitäten für sinnlos. Deshalb fordert Flaubert den Künstler auf, „in den Elfenbeinturm zu gehen“ und der Schönheit zu dienen. Trotz der Unhaltbarkeit dieser Position lieferte Flaubert ein bemerkenswert kritisches Bild der bürgerlichen Vulgarität, ohne sich vom sozialen Kampf fernzuhalten. Eines der herausragenden Werke Flaubert- Roman „Madame Bovary“. Im Zentrum des Romans steht das Bild einer Frau aus bürgerlichem Umfeld. Gut erzogen romantische Literatur Sie stirbt im Zusammenstoß mit der bürgerlichen Realität. Der Roman „Erziehung der Gefühle“ schildert die Moral der Provinz und von Paris, die moralische Bedeutungslosigkeit des Bürgertums. Dieser Roman entwickelt das Thema eines jungen Mannes, lethargisch, träge, unfähig zu aktiver Aktivität. Die Romane „Salambo“, „Die Legende vom Heiligen Julian dem Barmherzigen“ und „Herodias“ basieren auf historischen Themen, in denen die Situation ferner Epochen mit wissenschaftlicher Objektivität wiederhergestellt wird. Der Autor erreichte eine äußerste Genauigkeit bei der Wiedergabe realistischer Details und Tiefe psychologische Analyse, enthüllt durch internen Monolog.

England:

Literatur Englands. Der schottische Schriftsteller Walter Scott (1771-1832) wurde durch sein Interesse am Mittelalter den Romantikern näher gebracht. Zu Beginn seiner kreativen Karriere sammelte er schottische Folklore und schrieb romantische Gedichte. Seine realistische Prosa machte ihn weltweit bekannt.

Walter Skol – Schöpfer des Genres historischer Roman, die romantische und realistische Tendenzen vereint. Den Tod des schottischen Clans schildert der Autor in den Romanen „Waverley“ und „Rob Roy“. Die Romane „Ivanhoe“ und „Quentin Durward“ zeichnen ein Bild des mittelalterlichen Englands und Frankreichs. Die Romane „Die Puritaner“ und „Die Legende von Montrose“ beleuchten den Klassenkampf, der sich im 17.-18. Jahrhundert in England abspielte.

Das Werk von W. Scott zeichnet sich durch eine besondere Romankomposition aus, die durch die Beschreibung des Lebens, der Lebensweise und der Bräuche der Menschen selbst und nicht von Königen, Generälen und Adligen vorgegeben wird. Gleichzeitig gibt der Autor mit der Darstellung des Privatlebens ein Bild historischer Ereignisse wieder.

Einer der großen Künstler der Weltliteratur – Charles Dickens(1812–1870), er ist der Begründer und Anführer des kritischen Realismus in der englischen Literatur, ein herausragender Satiriker und Humorist. Sein frühes Werk „The Pickwick Club Notes“ zeigt das noch patriarchalische England. Dickens lacht über die Gutmütigkeit, Leichtgläubigkeit und Naivität seines Helden, sympathisiert mit ihm und betont seine Selbstlosigkeit, Ehrlichkeit und seinen Glauben an das Gute.

Der nächste Roman, „Die Abenteuer des Oliver Twist“, schildert eine kapitalistische Stadt mit ihren Slums und dem Leben der Armen. Der Schriftsteller, der an den Triumph der Gerechtigkeit glaubt, zwingt seinen Helden, alle Hindernisse zu überwinden und persönliches Glück zu erlangen.

Allerdings funktioniert das Dickens voller tiefer Dramatik. Der Autor präsentierte eine ganze Galerie von Trägern des sozialen Übels, die Vertreter der bürgerlichen Klasse sind. Das sind der Geldverleiher Ralph Nickleby, der grausame Lehrer Oquirs, der Heuchler Pecksniff, der Misanthrop Scrooge, der Kapitalist Bounderby. Dickens‘ größte Errungenschaft ist das Bild von Mr. Dombey (der Roman „Dombey und Sohn“) – ein Mann, für den alle Gefühle gestorben sind und dessen Selbstgefälligkeit, Dummheit, Selbstsucht und Gefühllosigkeit durch die Zugehörigkeit zur Welt der Eigentümer entstehen.

Eigenschaften von Dickens wie unausrottbarer Optimismus, heller und sehr nationaler Humor, eine nüchterne, realistische Sicht auf das Leben – all das macht ihn zum Größten nach Shakespeare nationaler Schriftsteller England.

Dickens Zeitgenosse - William Thackeray(1811-1863) entlarvt in seinem besten Roman „Vanity Fair“ anschaulich und im übertragenen Sinne die Laster der bürgerlichen Gesellschaft. In dieser Gesellschaft spielt jeder seine Rolle. Thackeray sieht keine positiven Helden; er hat nur zwei Kategorien von Charakteren – Betrüger oder Betrogene. Aber der Autor strebt nach psychologischer Wahrheit und vermeidet die für Dickens charakteristische Groteske und Übertreibung. Thackeray behandelt die bürgerlich-adlige Elite der Gesellschaft mit Verachtung, das Leben der unteren Klassen ist ihm jedoch gleichgültig. Er ist ein Pessimist, ein Skeptiker.

Ende des 19. Jahrhunderts. Die realistische Richtung der englischen Literatur wurde hauptsächlich durch die Arbeit von drei weltberühmten Schriftstellern repräsentiert: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

So zeichnete D. Galsworthy in der Trilogie „The Forsyte Saga“ und „Modern Comedy“ ein episches Bild der Moral des bürgerlichen Englands Ende des 19. Jahrhunderts-Anfang des 20. Jahrhunderts Es enthüllt die zerstörerische Rolle von Besitzgier im öffentlichen und privaten Leben. Er schrieb Dramen. Er beschäftigte sich mit Journalismus, wo er die Prinzipien des Realismus verteidigte. Aber in der End of the Chapter-Trilogie zeigten sich konservative Tendenzen.

D. B. Shaw ist einer der Gründer und ersten Mitglieder der sozialistischen „Fabian Society“, der Schöpfer von Dramadiskussionen, in deren Mittelpunkt der Zusammenprall feindlicher Ideologien, eine kompromisslose Lösung sozialer und ethischer Probleme („Widower’s Houses“) steht. „Mrs. Warrens Beruf“, „Applecart“). Shaws kreative Methode zeichnet sich durch Paradox als Mittel zur Überwindung von Dogmatismus und Voreingenommenheit („Androkles und der Löwe“, „Pygmalion“) und traditionellen Ideen (historische Stücke „Caesar und Kleopatra“, „Die heilige Johanna“) aus.

G. D. Wells ist ein Klassiker der Science-Fiction-Literatur. In den Romanen „Die Zeitmaschine“, „Der Unsichtbare“ und „Krieg der Welten“ stützte sich der Autor auf die neuesten wissenschaftlichen Konzepte. Der Autor verbindet die Probleme, die den Menschen im Zusammenhang mit dem wissenschaftlichen und technischen Fortschritt entstehen, mit sozialen und moralischen Prognosen für die Entwicklung der Gesellschaft: „Die Geschichte der Menschheit wird immer mehr zu einem Wettbewerb zwischen Bildung und Katastrophe.“

Musikalische Kunst. In Italien und im 19. Jahrhundert. Unter den Bedingungen der politischen Reaktion erwies sich die Oper als die beliebteste und demokratischste Gattung der Theaterkunst. Der Höhepunkt des Realismus in der musikalischen Opernkunst des 19. Jahrhunderts. - das Werk des großen italienischen Komponisten Giusete Verdi (1813-1901), der eng mit der italienischen Befreiungsbewegung verbunden ist („Nabucco“, „Lombarden im Ersten Kreuzzug“). In Opernwerken wie Ernani, Macbeth und Die Schlacht von Legnano kommt ein Protest gegen jegliche Gewalt und Unterdrückung zum Ausdruck. Aufführungen von Verdis Opern, die von den Ideen des Kampfes für die Befreiung und Vereinigung Italiens durchdrungen waren, wurden von stürmischen patriotischen Demonstrationen begleitet.

Meisterwerke des Opernrealismus sind Verdis Opern Aida, Othello und Falstaff. Es handelt sich um Musikdramen mit kontinuierlicher Weiterentwicklung der Handlung. Die Szenen sind frei aufgebaut, mit flexiblen Übergängen vom Rezitativ zum Monolog, vom Solo zum Ensemble. Dem Orchester kommt ein wichtiger Platz zu. Verdi bietet eine vollständige Verschmelzung von Musik und dramatischer Handlung. Die Demokratie und tiefe Menschlichkeit von Verdis Werk brachten ihm große Popularität ein. Seine Opern sind ständig im Repertoire Opernhäuser Frieden.

Italienische Opern erweckten neue Prinzipien der Gesangs- und Bühnenaufführung zum Leben: dramatische Ausdruckskraft des Gesangs, schauspielerische Fähigkeiten des Sängers, historische Genauigkeit der Bühnenbilder und Kostüme. Bemerkenswerte Sänger, Vertreter des Belcanto mit Weltruhm waren die Sänger A. Patti, J. Pasta, I. Colbran und andere, die Sänger M. Battistini, F. Galdi und andere.

Im gleichen Zeitraum entstand in der Oper eine neue Richtung – die wahre (nt. verismo, von vero – wahr, wahrhaftig). Seine Vertreter sind die Komponisten R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867–1948), G. Puccini (1858–1924). Die Werke dieser Meister basieren auf realistischen Geschichten; ein wahres Spiegelbild der spirituellen Welt gewöhnlicher Menschen; emotional ausdrucksstarke Musik, Mangel an einer hohen sozialen Idee. Es hat sich auch ein bestimmter Spielstil herausgebildet – übertriebener Ausdruck, sentimentale Annäherungsversuche, scharfsinniges Drama. Die besten Werke dieser Richtung sind „Honor Rusticana“ von Mascagni, „Pagliacci“ von Leoncavallo. Dank der psychologischen Tiefe überwindet das Werk von G. Puccini, der „La Bohème“, „Tosca“ und „Cio-chio-san“ schrieb, die Grenzen des Verismus.

In Frankreich entwickelte sich die lyrische Oper, die sich von der großen Oper durch intimere Themen und der klassischen Literatur entlehnte Handlungsstränge unterscheidet. Dies sind die Opern „Manon“ und „Werther“ von J. Massenet, „Faust“ und „Romeo und Julia“ von C. Gounod, „Hamlet“ von A. Thomas und andere. Lyrische Opern wurden zu exotischen orientalischen Themen geschaffen. Dies sind „Lakmé“ von L. Delibes, „The Pearl Fishers“ und „Djamile“ von J. Bizet, „Samson and Delilah“ von C. Saint-Saens. Lyrische Opern verkörpern wahrheitsgetreu und subtil menschliche Erfahrungen. Die Darstellung des Alltags ist von Poesie geprägt. Die Musiksprache dieser Opern ist demokratisch und der urbanen Folklore nahe.

J. Bizets Oper „Carmen“ gilt als Höhepunkt des Realismus in der französischen Oper. Bizets Werk zeichnet sich durch Verfeinerung der Formen und Klarheit der Darstellung aus. Die Helden der Oper sind einfache Menschen mit starken und widersprüchlichen Charakteren. Diese Oper verkörpert den spanischen Nationalmusikgeschmack. Es enthält einen intensiven Ablauf dramatischer Ereignisse und eine Vielzahl volkstümlicher Szenen. Dies ist eine der beliebtesten Opern der Welt. PI. Tschaikowsky erkannte es als „ein Meisterwerk im wahrsten Sinne des Wortes“.

Mitte des 19. Jahrhunderts wurde zur Geburtszeit eines Neuen Musik Genre- Operette – leichte Oper, die sowohl Tanz als auch Dialoge umfasst (abgeleitet von der komischen Oper). Der Geburtsort der Operette ist Frankreich und ihre Begründer sind die Komponisten F. Herve und J. Offenbach.

In einem Jahrhundert zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Neben Wien wurden Salzburg, Seisenstadt, Esterhasa und andere zu Musikzentren. Die Wiener Hofoper wurde 1869 eröffnet und entwickelte sich zum führenden Musiktheater des Landes. Sein Repertoire wurde von französischen und italienischen Opern dominiert. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Operette „Venet“ entstand. Seine Gründer: F. Suppe (1819–1895), der „Die schöne Galatea“, „Boccaccio“ und eine seiner besten Operetten – „Donna Juanita“ – schrieb; J. Strauss (Sohn) (1825 -1849) – seine besten Schöpfungen“ Zigeunerbaron„, „Die Fledermaus“ und andere. Ein bedeutender Komponist dieses Genres ist K. Mialecker (1842-1899) – der Autor der Operetten „Der Bettlerstudent“, „Gasparon“, „Armer Jonathan“.

Die Werke dieser Komponisten verwenden häufig Volksmelodien, Tanzrhythmen und Operetten zeichnen sich durch ihre Melodie aus.

Die Wiener Walzer („Blaue Donau“, „Geschichten aus dem Wienerwald“ usw.) machten auch I. Strauss weltweit bekannt, wodurch er den Namen „König der Walzer“ erhielt.

Trotz der Tatsache, dass für Kreativität Englische Komponisten 19. Jahrhundert Generell wuchs die Opernkultur in England, die durch das Fehlen eines klar definierten nationalen Charakters gekennzeichnet war, schnell. Das Covent Garden Theatre war das größte in England und beherbergte Aufführungen der italienischen Royal Opera. 1856 wurde die Royal English Opera gegründet. Ende des 19. Jahrhunderts. Es hat eine Periode begonnen, die unter dem Namen der englischen Musikrenaissance in die Geschichte eingegangen ist – das Interesse der Komponisten an nationalen Themen nimmt zu.

Kunst. In dieser Art von Kunst ist das Hauptmerkmal des Realismus das Verständnis des sozialen Charakters des Menschen. Allerdings ist Realismus in der Malerei stärker als in der Literatur mit visuellen Mitteln verbunden, die die Illusion visueller Authentizität erzeugen.

Die realistische Richtung in der französischen Malerei stärkte ihre Position in Mitte des 19 V. nach der Revolution von 1848. In der Geschichte der französischen Kunst war der Kampf zwischen zwei Lagern, zwei grundsätzlich gegensätzlichen Kunstkulturen noch nie so intensiv wie in dieser Zeit. Die besten Eigenschaften des französischen Volkes und seiner fortschrittlichen Kunst wurden von Künstlern wie Millet, Courbet, Manet und Carp verkörpert. Sie durften keine Ausstellungen besuchen und wurden in Zeitungen und Zeitschriften verfolgt. Sie wurden von einer Vielzahl von Kunsthändlern, Günstlingen Napoleons III. und der gesamten reaktionären Bourgeoisie des Zweiten Kaiserreichs bekämpft.

J. F. Mime (1814-1875) zeigte in seinen episch monumentalen und lebenswahren Gemälden die französische Bauernschaft, ihre Arbeit, ihre moralische Stärke („The Ear Pickers“, „Angelus“).

Millet und Courbet wurden zu den Vorreitern des Impressionismus. Die Werke von Edouard Manet (1832-1883) sind Paris gewidmet. Er ist einer der brillantesten Koloristen der Kunstwelt. In seinen Gemälden wird mit erstaunlicher Wachsamkeit und Frische eine wahre Charakterisierung aller Pariser Einwohner („Frühstück im Atelier“, „Lesung“, „Im Boot“, „Dana“) vermittelt, die bis heute anhält das Erscheinungsbild des damaligen Frankreichs. Obwohl Manet in seinen ersten Gemälden versuchte, die Bilder und Themen der alten Meister im Geiste der Moderne neu zu denken („Mittagessen im Gras“, „Olympia“), begann er, Gemälde zu alltäglichen, historischen und revolutionären Themen zu schaffen. Die stärkste Seite in der Geschichte des französischen kritischen Realismus stammt von ihm letztes Bild„Bar at the Folies Bergere“ handelt von der Einsamkeit der menschlichen Existenz. Im Vorgriff auf den Impressionismus wandte er sich der hellen Pleinair-Malerei („Argenteuil“) zu (Pleinair (französisch plein air, wörtlich – Open Air) – in der Malerei die Reproduktion von Veränderungen in der Luftumgebung, die durch Sonnenlicht und den Zustand der Atmosphäre verursacht werden ).

Die englische Malerei erlebte im 19. Jahrhundert ihre Blütezeit. für das erste Drittel des Jahrhunderts. Es ist mit der Entwicklung einer brillanten Landschaftsmalerei verbunden.

Einer der originellsten Künstler seiner Zeit war William Termu (1775–1851). Er reiste viel durch Europa und seine Landschaften bekamen eine romantische Note („Schiffbruch“). Mit seiner kühnen Farb- und Licht-Luft-Suche und einer verzerrten Objektskala sind seine Gemälde sozusagen Vorläufer des Impressionismus („Regen, Dampf und Geschwindigkeit“). Berühmt wurde er auch als Historienmaler, der Landschaften mit mythologischen oder mythologischen Motiven schuf historische Szenen(„Garten der Hesperiden“, „Dido baut Karthago“ usw.)

Werke von F. Goya. Nach dem Tod von Velazquez im Jahr 1660 befand sich die spanische Kunst hundert Jahre lang in einem Zustand des tiefen Niedergangs. Und erst Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Das rückständige Spanien brachte unerwartet einen brillanten Künstler hervor, der nicht nur zu einem der größten Maler und Grafiker Spaniens wurde, sondern auch einen tiefgreifenden Einfluss auf die gesamte europäische Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts hatte – Francisco Goya (1746 – 1828). Er schuf eine Vielzahl wunderschöner Fresken, Gemälde, Radierungen, Lithografien und Zeichnungen. (Ätzung (vom französischen Wort „Salpetersäure“) ist eine Art der Gravur, bei der ein Motiv mit einer Gravurnadel in eine Schicht aus säurebeständigem Lack geritzt wird, die eine Metallplatte bedeckt. Die geritzten Bereiche werden mit Säure geätzt und die resultierende Tiefe erreicht Das Bild wird mit Farbe gefüllt und auf Papier gezeichnet.)

Theater. Im politisch zersplitterten Deutschland konzentrierte sich das Theaterleben auf kleine Städte, in dem Hoftheater klassisches Repertoire spielten.

Die Aufhebung der Monopole der Hoftheater im Jahr 1869 führte zur Entstehung vieler kommerzieller Theater und zu einem Rückgang des künstlerischen Niveaus des Repertoires. Der Kampf um die Schaffung von Aufführungen als einheitliches Bühnenwerk begann am Meininger Theater, das 1871 zum Stadttheater wurde. Die größten Schauspieler in Deutschland Mitte und Ende des 19. Jahrhunderts. es gab B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Die großen Tragiker I. Caina und A. Zorm glänzten in den Stücken von G. Ibsen und G. Hauptmann.

Um die Jahrhundertwende wurde Berlin zum Theaterzentrum Deutschlands. 1883 wurde das Deutsche Theater eröffnet, 1889 das Freie Theater, das die Dramaturgie von Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoi förderte.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Das Theaterleben Österreichs war geprägt von einer großen kreativen Blüte der Theater der Vororte, die mit der Tätigkeit des Dramatikers F. Raymond und des Schauspielers I. N. Pestrai verbunden war. Nach der Revolution von 1848 verloren diese Theater jedoch ihren demokratischen Charakter und ihr Repertoire wurde von unterhaltsamen Theaterstücken dominiert.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Burgtheater nahm einen führenden Platz im Theaterleben Österreichs ein. Sein Leiter, G. Laube, etablierte die Klassiker auf der Bühne. In 70-8Q-e. Das Theater wurde von F. Dilgenstedt geleitet, der einen Zyklus von Shakespeare-Tragödien, Stücken von Ibsen, Gogol, Turgenev und L. Tolstoi inszenierte.

Ballett. Der Geburtsort des modernen europäischen Balletts ist Italien. Das italienische Ballett basierte auf den Traditionen der antiken Pantomime und des Tanzes sowie der reichen Kultur des Volkstanzes. An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Eine neue Etappe in der Entwicklung des italienischen Balletts begann, die mit der Zeit des Befreiungskampfes des italienischen Volkes zusammenfiel. Die Aufführungen basieren auf dem Prinzip des wirkungsvollen Balletts und sind reich an Dramatik, Dynamik und Ausdruck. Solche Ballette wurden von G. John und S. Vshit inszeniert und Pantomimetänzer traten darin auf.

Das Theater La Scala galt als das größte Zentrum der Ballettkunst in Europa; im Jahr 1813 wurde am Theater eine Ballettschule gegründet.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. in Italien das gleiche wie in anderen Ländern Westeuropa, kam es zu einem Rückgang der Ballettkunst. Zu dieser Zeit etablierte sich ein virtuoser Spielstil. Der Fokus liegt auf der Überwindung technischer Schwierigkeiten und die dramatische Ausdruckskraft wird in den Hintergrund gedrängt. In den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. Es wurden meist bezaubernde Aufführungen inszeniert, die von Umständlichkeit geprägt waren und in der Regel keinen ideologischen Inhalt hatten.

BAUDLER Charles- Französischer Dichter. Die dichterische Tätigkeit von B. fiel mit der Blüte romantischer und parnassianischer Bewegungen in der französischen Literatur zusammen. Nach dem Sturm der Französischen Revolution und dem Epos der Napoleonischen Kriege etablierte sich in Frankreich eine bürgerliche Ordnung, die nicht nur die Bestrebungen der breiten Massen, sondern auch die Bestrebungen der Mittelschichten, des Kleinbürgertums, erfüllte brachte die meisten Künstler im Allgemeinen und Schriftsteller und Dichter im Besonderen hervor.

Es sollte auch beachtet werden, dass Baudelaire im Zeitalter von 1848, als ein starker revolutionärer Aufruhr die bürgerliche Welt erschütterte, aufzuwachen schien. Aus dieser Zeit stammen seine Werke – „Twilight“, „Breaking Dawn“ und „The Rag Pickers' Feast“. In B.s Gedichten tauchten allmählich demokratische und leicht revolutionäre Töne auf, die jedoch bald in noch dunklerer Enttäuschung untergingen.

Sein Hauptwerk ist „Die Blumen des Bösen“ (Les fleurs du mal, 1857; es gibt eine russische Übersetzung von Yakubovich-Melshin und Ellis; viele andere Dichter haben es übersetzt: Sologub, Vyacheslav Ivanov usw.). „Flowers of Evil“ ist die Quintessenz jener Stimmungen, über die wir oben gesprochen haben. Als Zeitgenosse der Parnassianer, der außergewöhnliche Filigranität der poetischen Form, Festigkeit der Struktur, Sparsamkeit in Worten, strengen Rhythmus und Wahl der Bilder sowie eine tiefe Übereinstimmung der Ausdrücke mit ihnen forderte, gehorchte B. nicht nur all diesen Bedingungen, sondern erwies sich als solcher einer der größten Meister dieser auf seine Weise klassischen Versform. B. gehört zur Gattung der Dichter-Bildhauer. Er schnitzt oder fälscht seine Gedichte. Seine Werke sind solide, jedes Wort hat definitiv seinen Platz. Die Handwerkskunst ist hier männlich.

Der Realismus als eigenständige Richtung etablierte sich in den 40er Jahren des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich später zur Form des kritischen Realismus (der höchste Punkt des Realismus – die Aufdeckung der Laster der Gesellschaft). Mit der Entwicklung des Realismus ging die Entwicklung der kapitalistischen Produktionsweise und damit einhergehend die Zunahme gesellschaftlicher Widersprüche einher, die sich in der Kunst dieser Zeit widerspiegelte.

Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts. verbindet sich mit Romantik

Enttäuschung über die Ergebnisse der Revolutionen

Negative Einstellung gegenüber der bürgerlichen Realität

Appell an die geistige Welt des Menschen

Der Kampf um persönliche Selbstbestätigung

Das Thema Nationalität liegt nahe

Allerdings im Gegensatz zu Romantikern, die vor der Realität fliehen, wenn man darüber nachdenkt Notfälle, außergewöhnliche Persönlichkeiten, heroische Situationen, ein Leben voller stürmischer Leidenschaften, der Realismus dringt tief in die Realität ein, in das öffentliche Leben.

Neue Ansätze realistischer Künstler des 19. Jahrhunderts. besteht darin, zu reflektieren, was wirklich „hier und jetzt“ geschieht. Die Künstler waren von der Möglichkeit des objektiven Wissens überzeugt existierende Welt mittels der Kunst. Sie wandten sich Szenen des bürgerlichen Lebens zu, beleuchteten das Leben der Bauern und den Arbeitsalltag der städtischen Unterschicht.

Einer der ersten Realisten der französischen Malerei war Gustave Courbet, der sich mit dem Thema Arbeit befasste („Stone Crusher“), schrieb soziale Leinwände basierend auf realen Motiven („Funeral in Ornans“). Courbets „Prosaismus“ ist eine offene Herausforderung für die offizielle Kritik.

Francois Millet- Bauerngenre, ohne melodramatische und ethnografische Schattierungen, aber durch die Übertragung von Posen, Gesten und Körperbewegungen, enthüllte es die Natur des Arbeitsprozesses, die Stärke und Geschicklichkeit der Bauern („Bäuerinnen mit Zweigen“, „Ährensammlerinnen“ ) – episch monumentale Leinwände voller Lebendigkeit und Wahrheit.

Honoré Daumier ist ein Künstler des kritischen Realismus, der wie O. Balzac in Tausenden von Lithografien, Zeichnungen und Gemälden die „Menschliche Komödie“ seiner Zeit schuf – Karikaturen von König Louis Philippe in den satirischen Zeitschriften „Caricature“ und „Charivari“ ( „Down the Curtain“), sein Hauptgenre ist die Moralsatire: die spießbürgerliche Welt der Betrüger, Narren, Provinziale in der Hauptstadt („Leaders of Justice“). „Die Wäscherin“ ist kein Porträt, sondern ein kollektives Bild aller Pariser Wäscherinnen; ein Porträt, in dem der Autor seine ganze Liebe zu den Menschen zum Ausdruck brachte. Eine Reihe von Illustrationen zu „Don Quijote“, in denen der Künstler im Bild der Hauptfigur versuchte, seine eigene Stellung in der Gesellschaft, das Thema des menschlichen Leidens, widerzuspiegeln. Die gesellschaftliche Relevanz seiner Geschichten ist ein Gegengewicht zur verbotenen Zensur.

Französische Nationallandschaft:

Jean Baptiste Camille Corot– poetische Spiritualität der Natur; Lieblingsmotiv – „after the rain“, d.h. sich ändernder Naturzustand; Die silberne Tonalität seines Gemäldes ist „Coros Grauschleier“.

Barbizon-Schule– Hauptziel: Darstellung der Einzigartigkeit der nationalen Landschaft, Vermittlung der sich verändernden Naturzustände, Ablehnung kompositorischer Kanons. Theodore Rousseau– „Landschaft mit Brücke“ ist eine Landschaft aus dem Leben, besonderes Augenmerk auf die Form, alle Bäume sind individuell, die malerische Modellierung macht sie voluminös und fast skulptural, ihre Monumentalität wird durch den niedrigen Horizont betont.

Jules Dupre– „Herbstlandschaft“ – die Wirkung der untergehenden Sonne betont den Farbkontrast der Herbstlandschaft nach dem Regen, die Bäume dominieren die Komposition und wirken besonders feierlich.

Charles Daubigny– Flusslandschaften („Ufer der Oise“), der Wunsch, kleinste Veränderungen im Zustand der Natur einzufangen, subtile malerische Übertragung von Licht, das Objekte umhüllt.

Aus dem Ende des 18. Jahrhunderts. Frankreich spielte eine wichtige Rolle im gesellschaftspolitischen Leben Westeuropas. 19. Jahrhundert war von einer breiten demokratischen Bewegung geprägt, die fast alle Bereiche der französischen Gesellschaft umfasste. Auf die Revolution von 1830 folgte die Revolution von 1848. Im Jahr 1871 unternahm das Volk, das die Pariser Kommune ausrief, den ersten Versuch in der Geschichte Frankreichs und ganz Westeuropas, die politische Macht im Staat zu ergreifen.

Die kritische Situation im Land konnte die Wahrnehmung der Welt durch die Menschen nur beeinträchtigen. In dieser Zeit strebt die fortschrittliche französische Intelligenz danach, neue Wege in der Kunst und neue Formen des künstlerischen Ausdrucks zu finden. Deshalb traten realistische Tendenzen in der französischen Malerei viel früher auf als in anderen westeuropäischen Ländern.

Die Revolution von 1830 brachte in Frankreich demokratische Freiheiten ins Leben, die sich die Grafiker nicht entgehen ließen. Scharfe politische Karikaturen, die sich an die herrschenden Kreise sowie an die in der Gesellschaft herrschenden Laster richteten, füllten die Seiten der Zeitschriften „Charivari“ und „Caricatures“. Illustrationen für Zeitschriften wurden im Lithographieverfahren angefertigt. Künstler wie A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville sowie der wunderbare französische Grafiker O. Daumier arbeiteten im Genre der Karikatur.

Eine wichtige Rolle in der Kunst Frankreichs in der Zeit zwischen den Revolutionen von 1830 und 1848 spielte die realistische Richtung in der Landschaftsmalerei – die sogenannte. Barbizon-Schule. Dieser Begriff leitet sich vom Namen des kleinen malerischen Dorfes Barbizon in der Nähe von Paris ab, wo in den 1830er bis 1840er Jahren. Viele französische Künstler kamen, um die Natur zu studieren. Sie waren mit den Traditionen der akademischen Kunst, denen es an lebendiger Konkretheit und nationaler Identität mangelte, nicht zufrieden und strebten nach Barbizon, wo sie unter sorgfältiger Untersuchung aller Veränderungen in der Natur Gemälde malten, die bescheidene Ecken der französischen Natur darstellen.

Obwohl sich die Werke der Meister der Barbizon-Schule durch Wahrhaftigkeit und Objektivität auszeichnen, sind in ihnen immer die Stimmung des Autors, seine Emotionen und Erfahrungen zu spüren. Die Natur in den Landschaften von Barbizon wirkt nicht majestätisch und fern, sie ist nah und für den Menschen verständlich.

Künstler malten oft denselben Ort (Wald, Fluss, Teich) zu unterschiedlichen Tageszeiten und bei unterschiedlichen Wetterbedingungen. Sie verarbeiteten Skizzen, die im Atelier unter freiem Himmel angefertigt wurden, und schufen ein Bild, das integraler Bestandteil seiner kompositorischen Struktur war. Sehr oft verschwand die für Skizzen charakteristische Frische der Farben im fertigen Gemälde, weshalb sich die Leinwände vieler Barbizons durch eine dunkle Farbe auszeichneten.

Der größte Vertreter der Barbizon-Schule war Theodore Rousseau, der, bereits ein berühmter Landschaftsmaler, sich von der akademischen Malerei abwandte und nach Barbizon kam. Rousseau protestiert gegen die barbarische Abholzung der Wälder und verleiht der Natur menschliche Qualitäten. Er selbst sprach davon, die Stimmen der Bäume zu hören und sie zu verstehen. Als ausgezeichneter Kenner des Waldes vermittelt der Künstler sehr genau die Struktur, Art und Größe jedes einzelnen Baumes („Wald von Fontainebleau“, 1848–1850; „Eichen in Agremont“, 1852). Gleichzeitig zeigen Rousseaus Werke, dass der Künstler, dessen Stil unter dem Einfluss der akademischen Kunst und der Malerei alter Meister geformt wurde, trotz aller Bemühungen nicht in der Lage war, das Problem der Übertragung der Licht-Luft-Umgebung zu lösen . Daher sind Licht und Farbe in seinen Landschaften meist konventioneller Natur.

Rousseaus Kunst hatte großen Einfluss auf junge französische Künstler. Vertreter der Akademie, die an der Auswahl der Gemälde für die Salons beteiligt waren, versuchten, die Ausstellung von Rousseaus Werken zu verhindern.

Berühmte Meister der Barbizon-Schule waren Jules Dupre, dessen Landschaftsbilder Merkmale der romantischen Kunst aufweisen („Die große Eiche“, 1844–1855; „Landschaft mit Kühen“, 1850) und Narcisse Diaz, der den Wald von Fontainebleau mit Aktfiguren bevölkerte von Nymphen und antiken Göttinnen („Venus mit Amor“, 1851).

Der Vertreter der jüngeren Generation von Barbizons war Charles Daubigny, der seine kreative Karriere mit Illustrationen begann, allerdings in den 1840er Jahren. widmete sich der Landschaft. Seine lyrischen Landschaften, die unscheinbaren Ecken der Natur gewidmet sind, sind voller Sonnenlicht und Luft. Sehr oft malte Daubigny nicht nur Skizzen, sondern auch fertige Gemälde nach dem Leben. Er baute ein Werkstattboot, mit dem er den Fluss entlang segelte und an den schönsten Orten Halt machte.

Der größte französische Künstler des 19. Jahrhunderts stand den Barbizoniern nahe. K. Koro.

Die Revolution von 1848 führte zu einem außergewöhnlichen Aufschwung im gesellschaftlichen Leben Frankreichs, in seiner Kultur und Kunst. Zu dieser Zeit wirkten im Land zwei bedeutende Vertreter der realistischen Malerei – J.-F. Millet und G. Courbet.

Der französische Realismus wird vor allem mit den Namen Stendhal und Balzac in Verbindung gebracht, und das ist historisch gesehen auch so. Wir dürfen jedoch nicht vergessen, dass sie talentierte Vorgänger hatten, in deren Werken die realistischen Prinzipien des Schreibens sehr klar dargelegt wurden. Die Rede ist vom Dichter Pierre-Jean Beranger, der durch seine Lieder weithin bekannt wurde, und vom Prosaschriftsteller Paul-Louis Courier, dem berühmten Pamphletisten, der laut Stendhal der französischen Sprache ihre „frühere Einfachheit“ zurückgab. Berangers Lieder und Couriers Broschüren trugen zur Entwicklung einer realistischen Poetik bei. Das gleiche Ziel verfolgten alltägliche, moralisch beschreibende und „physiologische“ Essays, die eine Massenschule des französischen Realismus darstellten.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts traten auf der literarischen Bühne Frankreichs große Schriftsteller auf, die ihr Weltruhm verschafften: Frédéric Stendhal (Pseudonym von Henri-Marie Bayle; 1783-1842), Honoré de Balzac (bürgerlicher Name Balsa; 1799-1850). ) und Prosper Merimee (1803–1870).

Stendhal (Romane „Armanet“, „Rot und Schwarz“, „Das Parma-Kloster“, „Lucien Leuven“, „Lamiel“, die Erzählung „Erinnerungen eines Egoisten“, die Kurzgeschichte „Vanina Vanini“, die Bücher „Das Leben von Haydn, Mozart und Metastasio“, „Geschichte der Malerei in Italien“, „Rom, Neapel und Florenz“, „Über die Liebe“, „Das Leben von Rossini“, „Racine und Shakespeare“ und andere Werke) war der Schöpfer von a realistischer psychologischer Roman. Das war seins Hauptverdienst, an dem die literarische Weltbewegung nicht vorbeiging.

Stendhal war ein Demokrat, der nach den Ursachen von Phänomenen in der umgebenden Realität suchte. Er hatte ein außergewöhnliches Interesse am menschlichen Geist und seinen Verbindungen zu den Sinnen. Stendhal war es gewohnt zu denken, dass die Grundlage allen menschlichen Handelns ein persönlicher, egoistischer Wunsch sei, der jedoch einem moralischen Gefühl untergeordnet werden müsse. Er legte großen Wert auf den Willen und betrachtete ihn als eine der Hauptkräfte der Persönlichkeit.

In seinen Kunstwerken legt Stendhal im Gegensatz zu anderen Realisten, insbesondere Balzac, einen stärkeren Schwerpunkt auf die innere Welt eines Menschen als auf die Gesellschaft und die äußere Umgebung des Helden. Der Mensch wird davon nicht so sehr als gesellschaftliches Produkt angezogen, sondern eher durch das Leben seines Bewusstseins. Dennoch gibt Stendhal den sozialhistorischen Determinismus nicht auf. So umgibt Stendhal Pietro, den Helden der Kurzgeschichte „Vanina Vanini“, mit einer romantischen Aura und motiviert seine Leidenschaft durch die Nationalität (italienisch), die besondere Rolle der Religion in seinem Kopf (nach der Niederlage fühlt er sich als Patriot bestraft). und greift auf die Hilfe der Religion zurück), soziales Gefühl, das ihm befiehlt, die Liebe einer Frau der Liebe seines Heimatlandes vorzuziehen. Bei der Darlegung der Prinzipien der Kreativität nutzt Stendhal seine Erfahrung und bezieht die Charaktere, die er darstellt, aus einer Reihe von Menschen, die er kennt: „Ich nehme einen der Menschen, die ich kannte, und sage mir: Dieser Mann hat sich bestimmte Gewohnheiten angeeignet.“ Ich gehe jeden Morgen auf die Jagd nach dem Glück, und dann gebe ich ihm noch ein bisschen mehr Intelligenz.“ Stendhal glaubte, dass der Mensch (und in vielerlei Hinsicht auch die Gesellschaft) von Leidenschaften beherrscht wird. Die wichtigste davon ist die Liebe, die zum Mittelpunkt seines künstlerischen Interesses wurde.

Stendhal identifiziert vier Liebesleidenschaften („On Love“): „Leidenschaft-Liebe“, „Leidenschaft-Ehrgeiz“, „Leidenschaft-Anziehung“, „körperliche Leidenschaft“. Vorrangiges Augenmerk wird auf die ersten beiden gelegt, von denen „Leidenschaft-Liebe“ wahr und ewig ist und „Leidenschaft-Ehrgeiz“ heuchlerisch ist und aus dem 19. Jahrhundert stammt.

Stendhals Psychologismus basiert auf dem Gegensatz von „Leidenschaft-Liebe“ und „Leidenschaft-Ehrgeiz“ einerseits und auf dem Gegensatz von Leidenschaften und Vernunft andererseits. Stendhals Held bemerkt, wie später Lermontovs Petschorin, dass in ihm zwei in einer Person zu sein scheinen: der eine lebt und handelt, der andere beobachtet ihn. Aus der Erfahrung der Kontemplation zieht der Autor eine wichtige Schlussfolgerung: „Die Seele hat nur Zustände, sie hat keine stabilen Eigenschaften.“ Der tiefgreifendste Weg, die innere Welt, das Leben der Seele zu offenbaren, ist der innere Monolog, der für alle Hauptfiguren des Schriftstellers charakteristisch ist – Julien Sorel, Lucien Levene, Fabrizio del Dongo usw.

Im geistigen Leben interessiert sich Stendhal für die Gedankenbewegung, da Leidenschaften von einem rationalen Prinzip durchdrungen sind. Der Autor geht nicht auf die Erforschung mentaler Zustände ein, sondern weist nur auf sie hin. Die Handlungen der Helden werden von ihm jedoch immer in Verbindung mit den Reaktionen darauf dargestellt, und dies lässt die unendliche Individualität des rationalen und sinnlichen Erlebens der Menschen erahnen.

In den Tiefen der romantischen Kunst des frühen 19. Jahrhunderts begann sich der Realismus herauszubilden, der mit fortschrittlichen gesellschaftlichen Gefühlen verbunden war. Dieser Begriff wurde erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts verwendet. Der französische Literaturkritiker J. Chanfleury bezeichnet Kunst, die sich der Romantik und dem Symbolismus widersetzt.“ Der Realismus ist jedoch eine tiefere Kategorie als einzelne künstlerische Stile in der Kunst. Realismus in Im weitem Sinne Worte zielen darauf ab, das wirkliche Leben vollständig widerzuspiegeln. Es handelt sich um eine Art ästhetischen Kern der künstlerischen Kultur, der bereits in der Renaissance – „Renaissance-Realismus“ – und im Zeitalter der Aufklärung – „Aufklärungs-Realismus“ – spürbar war. Aber seit den 30er Jahren

19. Jahrhundert Die realistische Kunst, die eine genaue Darstellung der umgebenden Umwelt anstrebte, prangerte unwissentlich die bürgerliche Realität an. Mit der Zeit wird dieser Strom aufgerufen kritischer Realismus, fiel mit dem Aufstieg der Arbeiterbewegung in verschiedenen europäischen Ländern zusammen.

Ursprünglich wurde der Realismus mit dem Naturalismus gleichgesetzt, und der Übergang zu ihm, etwa in Deutschland und Österreich, erfolgte Biedermeier - eine Stilrichtung, die durch die Poetisierung der Welt der Dinge, die Gemütlichkeit der häuslichen Inneneinrichtung und die große Aufmerksamkeit für Familienalltagsszenen gekennzeichnet war. Das Biedermeier verkam recht schnell zu einem spießbürgerlichen, süßlichen Naturalismus, bei dem kleinere Alltagsdetails im Vordergrund standen, diese aber „genau wie im Leben“ dargestellt wurden.

In Frankreich war Realismus mit Pragmatismus, der Vorherrschaft materialistischer Ansichten und der dominierenden Rolle der Wissenschaft verbunden. Zu den größten Vertretern des Realismus in der Literatur zählen O. Balzac, G. Flaubert und in der Malerei O. Daumier und G. Courbet.

Unterstützen Sie deBalzac(1799-1850) schilderte bereits in einem seiner ersten Werke „Shagreen Skin“, das romantische Bilder und Symbolik mit nüchterner Analyse verband, realistisch die Atmosphäre von Paris nach der Revolution von 1830. Nach den Gesetzen seiner Kunst zeigte Balzac in einer Reihe von Romanen und Erzählungen, die das Epos „Human Comedy“ bildeten, einen sozialen Querschnitt der Gesellschaft, in dem Vertreter aller Klassen, Verhältnisse, Berufe, psychologischen Typen leben und interagieren, die zu bekannten Namen geworden sind, wie zum Beispiel Gobseck und Rastignac. Das Epos, bestehend aus 90 Romanen und Erzählungen, die durch ein gemeinsames Konzept und gemeinsame Charaktere verbunden sind, umfasste drei Abschnitte: Moralstudien, philosophische Studien und analytische Studien. Sittenskizzen zeigten Szenen des provinziellen, Pariser, ländlichen, privaten, politischen und militärischen Lebens. So zeigte Balzac auf brillante Weise die Entwicklungsgesetze der Realität in einer Spirale von Fakten zur philosophischen Verallgemeinerung. Dem Autor selbst zufolge ging es ihm darum, eine Gesellschaft darzustellen, die „die Grundlage ihrer Bewegung in sich trägt“. Balzacs Epos ist ein realistisches, grandioses Bild der französischen Gesellschaft, das ihre Widersprüche widerspiegelt, die Kehrseite der bürgerlichen Beziehungen und Moral. Gleichzeitig behauptete Balzac mehr als einmal, dass er keine Porträts einzelner Personen, sondern verallgemeinerte Bilder malte: Seine literarischen Figuren seien keine sklavisch kopierten Modelle, sondern stellten eine Art Beispiel einer Familie dar, die die charakteristischsten Merkmale einer Familie vereinte bestimmtes Bild. Die Verallgemeinerung ist eines der Hauptgebote der Ästhetik Balzacs.

Ästhetik Gustaea Flaubert(1821-1880) fand seinen Ausdruck in dem von ihm geschaffenen Konzept über die besondere Rolle und den Elitismus der Literatur, die er mit der Wissenschaft verglich. Das Erscheinen des Romans „Madame Bovary“ markierte eine neue Ära in der Literatur. Mit einer einfachen Handlung über Ehebruch zeigt Flaubert auf unsere Art und Weise die tiefen Ursprünge der umgebenden Vulgarität, die moralische Bedeutungslosigkeit des Provinzbürgertums und die erdrückende Atmosphäre des Zweiten Kaiserreichs, die nach dem Juliputsch von Louis Bonaparte im Jahr 1848 entstand. Der Roman , dieses Meisterwerk der französischen Literatur, wird nicht umsonst als Enzyklopädie der französischen Provinz des 19. Jahrhunderts bezeichnet. Durch die Auswahl charakteristischer Details stellt der Autor aus unbedeutenden Zeichen der Zeit ein historisches Bild der gesamten Gesellschaft wieder her. Die kleine Stadt Yonville, in der der Roman spielt, stellt ganz Frankreich im Kleinen dar: Sie hat ihren eigenen Adel, ihren eigenen Klerus, ihre eigene Bourgeoisie, ihre eigenen Arbeiter und Bauern, ihre eigenen Bettler und Feuerwehrleute, die die Stadt übernommen haben Ort des Militärs. Diese Menschen, die Seite an Seite leben, sind im Wesentlichen getrennt, einander gleichgültig und manchmal feindselig. Die soziale Hierarchie hier ist unzerbrechlich und stark

schiebt die Schwachen umher: Die Besitzer lassen ihre Wut an den Dienern aus – an unschuldigen Tieren. Egoismus und Gefühllosigkeit breiten sich wie eine Infektion im ganzen Bezirk aus, Stimmungen der Hoffnungslosigkeit und Melancholie dringen in alle Poren des Lebens ein. Dem Künstler Flaubert ging es um die Farb- und Klangstruktur des Romans, der als eine Art Begleitung diente traurige Geschichte Emma Bovary. „Mir“, schrieb Flaubert, „war nur eines wichtig – die graue Farbe zu vermitteln, die Farbe des Schimmels, in dem Asseln vegetieren.“ Mit seinem Provinzdrama versetzte Flaubert dem bürgerlichen Geschmack und der falschen Romantik einen Schlag. Kein Wunder, dass „Madame Bovary“ mit „Don Quijote“ von Cervantes verglichen wurde, was dem Hobby ein Ende setzte Ritterromantik. Flaubert bewies die enormen Möglichkeiten realistischer Kunst und hatte entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung des Realismus in der Weltliteratur.

Die Revolution von 1830 eröffnete eine neue Etappe in der Geschichte der künstlerischen Kultur in Frankreich und trug insbesondere zur Entwicklung der Karikatur als wirksames Mittel der Kritik bei. In der Literatur, der Poesie, in der bildenden Kunst reagierte die Grafik am lebhaftesten auf revolutionäre Ereignisse. Der anerkannte Meister der satirischen Grafik war Honoré Daumier(1808-1879). Als brillanter Zeichner, ein Meister der Linie, schuf er ausdrucksstarke Bilder mit einem Strich, einem Punkt oder einer Silhouette und machte die politische Karikatur zu einer wahren Kunst.

Daumier beherrschte meisterhaft die Technik der Licht- und Schattenmodellierung, verwendete in seinen Gemälden grafische Techniken und betonte stets die Kontur. Mit einer ruhigen, fließenden schwarzbraunen Linie zeichnete er die Konturen von Figuren, Profilen und Kopfbedeckungen nach, was ein Merkmal seiner Bildmethode war.

Daumiers Gemälde sind durch Zyklen gekennzeichnet, von denen der erste revolutionär war. Man kann durchaus sagen, dass die Revolution von 1830 den Grafiker Daumier und die Revolution von 1848 den Maler Daumier hervorgebracht hat. Daumier war ein überzeugter Republikaner, und die Sympathien des Künstlers galten dem Proletariat und der demokratischen Intelligenz. Das bedeutendste Werk des revolutionären Zyklus ist „Aufstand“, in dem Daumier durch die Darstellung nur weniger Figuren und deren diagonale Anordnung den Eindruck und die Bewegung einer großen Menschenmenge sowie die Inspiration der Massen und das Ausmaß von erreichte die Aktion über die Grenzen der Leinwand hinaus. Der Schwerpunkt lag lediglich auf der Figur eines jungen Mannes im hellen Hemd. Er ordnet sich der allgemeinen Bewegung unter und lenkt sie zugleich, indem er sich an die Hinterhergehenden wendet und mit erhobener Hand den Weg zum Ziel anzeigt. Neben ihm steht ein Intellektueller, dessen blasses Gesicht vor Staunen erstarrt ist, doch er verschmilzt, vom allgemeinen Impuls mitgerissen, mit der Menge.

Der „Don Quijote“-Zyklus kann als Querschnittszyklus im Werk Daumiers bezeichnet werden. Seine Interpretation der Bilder von Don Quijote und Sancho Panza hat in der französischen Kunst keine Entsprechung. Im Gegensatz zu den banalen Illustratoren von Cervantes interessierte sich Daumier nur für die psychologische Seite des Bildes, und das Leitmotiv aller seiner 27 Variationen ist der hagere, unglaublich große und aufrechte Don Quijote, der auf seinem monströsen Knochen durch eine düstere Hügellandschaft reitet , wie eine gotische Chimäre Rossinante; und hinter ihm auf einem Esel der feige Sancho Pansa, der immer zurückbleibt. Sanchos Bild scheint zu sagen: genug Ideale, genug Kampf, es ist Zeit, endlich aufzuhören. Aber Don Quijote schreitet stets voran, getreu seinem Traum, er lässt sich nicht von Hindernissen aufhalten, er wird nicht von den Segnungen des Lebens angezogen, er ist ganz in Bewegung, auf der Suche.

Wenn Daumier in „Don Quijote“ den tragischen Widerspruch zwischen zwei Seiten der menschlichen Seele widerspiegelte, dann entstand in der Reihe „Richter und Anwälte“ ein erschreckender Kontrast zwischen der Erscheinung, der äußeren Erscheinung eines Menschen und seinem Wesen. In dieser wirklich brillanten Serie stieg Daumier zum sozialen und sozialen Aufstieg auf

Der Realismus nahm in den Tiefen der Romantik zu Beginn des 19. Jahrhunderts Gestalt an. Diese neue Wende war mit einer fortschrittlichen öffentlichen Stimmung und der Intensivierung der Prozesse der Bildung von Nationen, nationalen Kulturen und dem Interesse daran verbunden ethnische Geschichte und Kultur vor allem zur Nationalliteratur. Wir werden später über Romantik und Symbolik sprechen, irgendwie als Teil eines separaten Themas. Im Moment ist es wichtig und ausreichend zu sagen, dass die Romantik die führende Rolle des Klassizismus und des Akademismus bei der Entwicklung der bildenden Künste entlarvt und abgelehnt hat.

Erstes Semester Realismus Mitte des 19. Jahrhunderts eingeführt Französischer Schriftsteller und Literaturkritiker J. Chanfleury. Realismus bedeutete Vollständigkeit und genaue anzeige umgebendes wirkliches Leben, das unfreiwillig die Laster und Probleme der bürgerlichen Realität der Zeit enthüllte.

J. Chanfleury

Allerdings war der Realismus als ästhetisches Phänomen in der künstlerischen Kultur nicht völlig neu, ohne die entsprechende Terminologie zu verwenden, er war bereits in der Renaissance zu spüren – „Renaissance-Realismus“ und während der Aufklärung – „Aufklärungs-Realismus“. Aber im 19. Jahrhundert verschiedene Länder es hatte seine eigenen Besonderheiten.

In Frankreich heißt Realismus Kritischer Realismus , war mit Pragmatismus und der Vorherrschaft materialistischer Ansichten verbunden, der dominierenden Rolle der Wissenschaft und der französischen Nationalliteratur bei der Bestimmung der Aufgaben der Entwicklung der bildenden Künste. Zu den größten Vertretern des französischen kritischen Realismus in der Literatur zählten O. Balzac, V. Hugo und G. Flaubert, deren Werke im gebildeten Teil wohlbekannt waren Russische Gesellschaft und sind bereits teilweise übersetzt.

Honore de Balzac

Victor Hugo Gustave Flaubert

Die Hauptvertreter des kritischen Realismus in der französischen Malerei waren Honore Daumier, Gustave Courbet, Francois Millet, Camille Corot und Théodore Rousseau.

Revolution von 1830 eröffnete eine neue Etappe in der Entwicklung der bildenden Kunst, der Karikatur, insbesondere der brillanten, ausdrucksstarken Bilder O. Daumier (1818-1879) machte satirische Grafiken zu einer wahren Kunst.

Honore Daumier Porträt von O. Daumier im Genre der Karikatur

Daumiers grafische und bildnerische Werke werden durch Serien oder Zyklen bezeichnet: „Don Quixote“ und „Men of Justice“ („Richter und Anwälte“), aber die erste war eine revolutionäre Serie, die aus zwei Teilen bestand: 1830 und 1848. Die bedeutendsten Werke dieses Zyklus sind „Aufstand“ und „Gesetzgebende Versammlung“.
Durch die diagonale Darstellung einiger weniger Menschen konnte der Eindruck entstehen, dass sich eine große Menschenmenge bewegt. Der Schwerpunkt liegt auf der Figur eines jungen Mannes im hellen Hemd, der sich der allgemeinen Bewegung unterordnet, diese lenkt und mit erhobener Hand den Weg zum Ziel anzeigt.

Aufruhr. 1830

In der Gravur/Lithographie stellte der Künstler die gesetzgebende Versammlung oder den gesetzgebenden Bauch der Minister und Regierungsmitglieder als hässliche und moralisch erbärmliche Gesellschaft dar.

Legislative Gebärmutter

In der Serie „Richter und Anwälte“ - eine Demonstration des erschreckenden Kontrasts zwischen dem Aussehen, der äußeren Erscheinung eines Menschen und seinem Wesen. Anwälte und Richter Daumier sind die Quintessenz von Falschheit, Heuchelei und Laster, die Personifizierung nicht nur des bürgerlichen Gerichts, sondern eines Teils der Gesellschaft als Ganzes.

Anwalt für Gerichtsverteidigung

Die Interpretation der Bilder der Helden des Don-Quijote-Zyklus – die den tragischen Widerspruch zwischen den beiden Seiten der menschlichen Seele zeigt – hat in der Weltkunst keine Entsprechung. Don Quijote, abgemagert, unglaublich groß, reitet auf einem monströsen, knochigen Rosinante durch eine düstere Hügellandschaft, stets vorwärts bewegend, seinem Traum treu, er wird nicht von Hindernissen aufgehalten, nicht von den Segnungen des Lebens angezogen, er ist ganz in Bewegung, auf der Suche. Hinter ihm steht sein Gegenüber – auf einem Esel, der immer zurückbleibende, feige Sancho Panza, der zu sagen scheint: genug Ideale, genug Kämpfe, es ist Zeit, endlich aufzuhören.

Don Quijote Sancho Panza und Don Quijote

Das zentrale Thema der Arbeit des Künstlers waren die einfachen Menschen: Arbeiter, kleine Angestellte, Handwerker, Wäscherinnen, die er malte und nicht nur sie widerspiegelte schwierige Situation, sondern der Wert ihrer Arbeit und Persönlichkeit. Sein Schlagwort „Man muss ein Mann seiner Zeit sein“ spiegelte die allgemeine Richtung des kritischen Realismus wider.

Die Bürde oder die Wäscherin, die Druckliebhaberin

Wagen der 3. Klasse

Die Hauptfigur des französischen kritischen Realismus ist Gustave Courbet (1819-1877).

Gustave Courbet

Er war der erste westeuropäische Künstler, der den Realismus offen als seine kreative Methode verkündete: die Darstellung der unattraktivsten Aspekte des Lebens ohne Ausschmückung, Idealisierung und Sentimentalität. Die Figuren in seinen Gemälden waren Vertreter aller Bevölkerungsschichten, auch der niedrigsten – Arbeiter, Bettler, Prostituierte.

Das Wesentliche an Courbets Werk war seine Fähigkeit, bei der Darstellung bestimmter Personen ihrem Erscheinungsbild Merkmale typischer Bedeutung zu verleihen, und einfache Genreszenen in Courbets Sujets erhielten Züge von Monumentalität.

Winnowers Steinbrecher

Beerdigung in Ornans

Auch Porträts verleiht der Künstler oft einen Genrecharakter und zeigt das Modell in einer konkreten Alltagssituation. Ein solches Beispiel ist eine Szene, in der der Vater des Künstlers und seine Freunde sich in einem kleinen örtlichen Café entspannen.

Nachmittagsentspannung in Ornane

Weitere Beispiele für Courbets Porträts sind die Darstellung einer Person als Symbol einer bestimmten Richtung künstlerischen Schaffens.

Auf der linken Seite ist ein Porträt von Hector Berlioz zu sehen, dem Gründer der Programmsymphonie
Auf der rechten Seite ist ein Porträt von Charles Baudelaire zu sehen, einem Klassiker der französischen Poesie (Blumen des Bösen usw.) – dem Begründer der Dekadenz und des Symbolismus.

Das bezeichnendste Bild ist Courbets Atelier oder die Werkstatt des Künstlers – eine komplexe allegorische Komposition, bei der sich hinter jedem realistischen, im Porträt erkennbaren Bild ein bestimmter Typus verbirgt, der vom Künstler in den Rang eines Symbols erhoben wurde.

Atelier oder Künstlerwerkstatt

Gleichzeitig betonte der Künstler, dass es sich um eine neue, realistische Allegorie handele, die nichts mit romantischer Fantasie oder der tränenreichen Sentimentalität des Symbolismus zu tun habe.
Für Courbet war die wichtigste Qualität realistischer Kunst nicht die Sympathie für die Benachteiligten und Unterdrückten, sondern die Darstellung ihrer Nützlichkeit als Mitglieder der Gesellschaft; kein Spiegelbild der inneren Welt, sondern ein soziales Merkmal von Modellen.
Courbet glaubte, dass das Wesen des Realismus in der Negation des Ideals als solches liegt; die Vernunft sollte in allem, was den Menschen betrifft, vorherrschen. Nur eine solche Haltung, so glaubte der Künstler, führe zur Befreiung des Einzelnen und letztlich zur Demokratie.

Stammt aus einer Bauernfamilie F. Millet (1814-1875) machte das Leben und Werk des Bauern zum Hauptthema seiner Gemälde und zeigte die Landarbeit als einen natürlichen Zustand des Menschen, eine Form seiner Existenz.

Jean-François Millet

Der Künstler glaubte, dass sich in der Arbeit die Verbindung des Menschen mit der Natur manifestiert, die ihn erzieht und veredelt.

Kartoffeln pflanzen Ährenpflücker

Mitte des 19. Jahrhunderts traten in Frankreich Künstler auf, die vor allem im Bereich der Nationallandschaften arbeiteten. Die Hauptrolle in der realistischen Landschaft gehört zu Camille Corot (1796-1875).

Camille Corot

Corot strebte danach, ein realistisches Gesamtbild der Natur zu schaffen und versuchte darin seine Gefühle und Stimmungen auszudrücken. Als sein Hauptmittel betrachtete der Künstler das ruhig diffuse, subtile Licht bewölkter Tage. Er arbeitete viel an der Lichtdurchlässigkeit im Bild und suchte nach vielen verschiedenen Schattierungen derselben Farbe, den sogenannten Valeurs, um seinen Landschaften Ehrerbietung zu verleihen.

Windstoßquelle

Blick auf Riva. Italienisches Tirol Tivoli, Gärten der Villa d'Este, Stadtrand von Rom, Italien

Die Kunst Frankreichs im Zeitalter der Aufklärung entwickelte sich unter den Bedingungen des Niedergangs des feudal-absolutistischen Systems, des Wachstums und der Einheit der demokratischen antifeudalen Kräfte der Gesellschaft am Vorabend der bürgerlichen Revolution.

Der Zerfall des Absolutismus, das Erstarken neuer gesellschaftlicher Kräfte – das waren Prozesse, die Jahrzehnte andauerten. Der Adel hielt hartnäckig an seinen Leibeigenschaftsprivilegien fest, der absolutistische Staat schützte sie, die Kirche hielt an dem Glauben an ihre Unverletzlichkeit fest und verfolgte jeden Zweifel und jeden Protest. Aber das fortschrittliche soziale Denken entwickelte sich immer schneller, und immer häufiger erschütterten Bauern- und Stadtaufstände das versklavte Frankreich.

Es war ein hartnäckiger ideologischer Kampf nötig, um die Köpfe auf die Revolution und auf das Handeln vorzubereiten. Es war notwendig, den Boden für diese Aktion zu ebnen und den Geist der Menschen von tief verwurzelten falschen Vorstellungen, vom Glauben an uralte Vorurteile und von der Unterwerfung unter monströse, der Vernunft widersprechende Gesellschaftsordnungen zu befreien.

Deshalb nannte V. G. Belinsky das 18. Jahrhundert in Frankreich das Jahrhundert der Verleugnung. Aufklärungsphilosophen, angeführt von Voltaire und Montesquieu, Diderot und Rousseau, unterwarfen das Feudalsystem und die Kirche einer destruktiven Kritik. Die Aktivitäten der Aufklärer, ihre philosophischen und politischen Ansichten waren das wichtigste und führende Element der fortschrittlichen Kultur dieser Zeit.

Französisch Kunstkultur 18. Jahrhundert spiegelte das Erscheinungsbild der Zeit wider. Der Kampf gegen die Kirche und den Absolutismus, der ihre Autorität zerstörte, schwächte die Bedeutung religiöser und historischer Themen und die für das 17. Jahrhundert charakteristische Hierarchie der Gattungen. In den schönen Künsten siegt zweifellos das weltliche und später das bürgerliche Prinzip. Dies spiegelt sich im Verhältnis der Gattungen wider; neue Gattungen, von galanten Festlichkeiten zu Beginn des Jahrhunderts bis hin zum Geschichtsbild der vorrevolutionären Jahre, das den heroischen Kampf verherrlicht, gewinnen unter ihnen die Vorherrschaft.

Der Kampf gegen die Klassenungleichheit, die im 18. Jahrhundert herrschte. Ein solch bedeutender Umfang führte zu einer entscheidenden Bekräftigung der Würde des Einzelnen in der Kunst. Das Interesse an subtilen und komplexen mentalen Bewegungen, an der Analyse von Erfahrungen in ihren subtilen Schattierungen bestimmte die Originalität des Realismus des 18. Jahrhunderts. Die Suche nach dem Individuellen und Charakteristischen in der Kunst dieser Epoche tritt im Kontrast zu den Apotheosen des „Sonnenkönigs“ am Ende des 17. Jahrhunderts noch deutlicher hervor.

Einen wichtigen Platz in der Kunst des 18. Jahrhunderts nahmen daher Porträtmalerei, Alltagsleben und Stillleben ein – jene Genres, in denen die realistischen Tendenzen der künstlerischen Kultur stärker ausgeprägt waren. Nie zuvor, mit Ausnahme von Holland im 17. Jahrhundert, haben sich diese alltagsnahen, der geistigen Welt eines einfachen Menschen nahen Genres so intensiv entwickelt. Neue Tendenzen in der Kunst wurden von Pädagogen, insbesondere Denis Diderot, wahrgenommen und tatkräftig unterstützt; Seine Rezensionen zu Ausstellungen – den berühmten „Salons“ – zeichnen sich durch ihre lebendige Verbindung mit aus künstlerische Praxis, aktive Verteidigung fortgeschrittener Quests.

Die Folge dieser Veränderungen war letztlich die Veränderung traditioneller Genres – mythologischer und religiöser sowie des Genres der zeremoniellen Porträtmalerei. Im zeremoniellen Porträt erklangen intime, lyrische Noten stärker und das mythologische Bild erhielt den Charakter einer galanten Szene.

Das Erscheinungsbild der französischen Kunstkultur des 18. Jahrhunderts, sensibel für die neuen Probleme der Zeit, scheint sehr wechselhaft. Der traurige Widerschein von Watteaus galanten Feierlichkeiten, die spielerische Affektiertheit von Bouchers Pastoralen, die Poesie des Alltags in Chardins Genreszenen, die analytische Schärfe von Latours Werk – all das bezieht sich nur auf die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts, die ausgezeichnet wurde scheint eine viel größere stilistische Einheit zu haben als die zweite.

Die Interaktionen und der Kampf der künstlerischen Bewegungen wurden durch die Entwicklung der antifeudalen Bewegung, ihre Ausbreitung und ihren Aufstieg bestimmt. Aber die edle Kultur bestimmte in ihren für diese Zeit typischen raffinierten, verfeinerten Formen im Laufe vieler Jahrzehnte die Merkmale der vorherrschenden künstlerischen Bewegung. Der Niedergang des Adels ging mit einer Kunst einher, die die Größe eines großen künstlerischen Stils verloren hatte, ohne Heldentum, Drama und Energie. Malerei, Bildhauerei u angewandte Künste wurden zu Elementen der eleganten dekorativen Dekoration privater Villen mit ihren kleinen, intimen Innenräumen. Dieser Rokoko genannte Stil war von Dekadenz geprägt; er war kokett und affektiert, oft erotisch; Die Zerbrechlichkeit und Skurrilität ornamentaler Formen wurde darin mit der Raffinesse zarter verblasster Farben kombiniert. Aber die Kunst des Rokoko enthielt ihre lyrischen Vorzüge, besonders wenn sie durch die innige Poesie des im Leben eingefangenen Gefühls bereichert wurde. Das Spektrum der Rokoko-Kunst war seit der Kunstgeschichte des 18. Jahrhunderts recht breit, wenn auch nicht umfassend. ist die Geschichte eines komplexen Kampfes zwischen künstlerischen Bewegungen, dessen Finale der Triumph des revolutionären Klassizismus von Louis David war.

In der Entwicklung der französischen Kunst des 18. Jahrhunderts. es gibt mehrere Stufen ( Die in der französischen Kunstgeschichte übliche Periodisierung nach der Herrschaft der Könige ist willkürlich und deckt sich bei weitem nicht mit dem tatsächlichen Prozess der künstlerischen Entwicklung.).

In den ersten zwei Jahrzehnten war das Bild noch sehr bunt; die dekorativen Prinzipien des Rokoko entwickelten sich parallel zu den Traditionen des Akademismus, aber sie hatten sich noch nicht zu einem einheitlichen System geformt; In dieser Krisenzeit, in der der Zweifel über die Bestätigung siegte, war das Werk von Antoine Watteau das auffälligste Phänomen.

1730-1740er Jahre – die nächste Periode, die durch die Entwicklung gekennzeichnet ist dekorativer Stil Rokoko, angeführt von Meistern wie Boucher und Nattier. Andererseits ist dies die Blütezeit des realistischen Alltagsgenres und Stilllebens von Chardin und des realistischen Porträts von Latour. So verschärfte sich in diesen beiden Jahrzehnten der Kampf zwischen den künstlerischen Strömungen. Dies ist auf die Stärkung fortschrittlicher gesellschaftlicher Kräfte und die Herausbildung neuer ästhetischer Ideale zurückzuführen – verbunden mit dem wachsenden Selbstbewusstsein des Dritten Standes.

In den 1750er und 1760er Jahren entwickelte sich der Realismus von Chardin, Latour und ihnen nahestehenden Meistern weiter. Aber der Kampf geht in eine aktivere Phase über. Grezovs Predigt der moralischen Würde von Menschen aus dem dritten Stand ersetzt die lyrischen Genres von Chardin, und die Sensibilität und Didaktik des Sentimentalismus steht im Gegensatz zur Frivolität und Leere der Rokoko-Kunst. Auf dem Gebiet der Ästhetik und Kunstkritik waren in diesen Jahren besonders aktive Pädagogen tätig, die die Verdorbenheit der Adelskultur aufdeckten. Die hohe Intensität des sozialen Kampfes und das Wachstum des bürgerlichen Bewusstseins weckten das Interesse an antiken Heldentaten; Die wachsenden Triebe des Klassizismus kündigten die Entstehung neuer künstlerischer Ideale an, die der revolutionären Ära würdig waren.

Seit den 70er Jahren. 18. Jahrhundert Wir können von einer neuen Phase sprechen, in der der Klassizismus nicht nur in der Architektur, wo er früher definiert wurde, sondern auch in der Malerei und Skulptur allmählich zur führenden Richtung wird. Die Kunst dieser Zeit verkörperte den „Durst nach energischem Handeln“, der die Franzosen erfasst hatte.

Die Architektur

Wenn das 17. Jahrhundert in der französischen Architektur von grandiosen Bauarbeiten für den König geprägt war, deren Hauptergebnis die Schaffung des monumentalen Ensembles von Versailles war, wo der Stil des Klassizismus in seiner beeindruckenden Pracht Elemente einer inneren Verbindung mit der Barockarchitektur offenbart , dann bringt das 18. Jahrhundert neue Trends mit sich.

Der Bau verlagerte sich in die Städte. Die neuen Bedürfnisse der Zeit stellten das Problem dar, eine Art städtisches Herrenhaus zu schaffen. Die Entwicklung der bürgerlichen Beziehungen, das Wachstum von Handel und Industrie, die Stärkung der Rolle des Dritten Standes im öffentlichen Leben stellten die Aufgabe dar, neue öffentliche Gebäude zu errichten – Börsen, Handelsräume, öffentliche Theater. Die zunehmende Rolle der Städte im wirtschaftlichen und politischen Leben des Landes sowie die Entstehung neuer Arten privater und öffentlicher Gebäude stellen neue Anforderungen an Architekten bei der Gestaltung eines Stadtensembles.

Jules Hardouin-Mansart, Robert de Cotte. Kapelle im Schloss Versailles. 1699-1710 Sicht von innen

unterliegt Veränderungen und architektonischer Stil Epoche. Charakteristisch für den Klassizismus des letzten Jahrhunderts ist die große Einheit figurativer Lösungen von äußerer Erscheinung und innerem Raum zu Beginn des 18. Jahrhunderts. zerfällt. Mit diesem Desintegrationsprozess geht eine Trennung von Baupraxis und theoretischer Lehre, eine Differenzierung der Prinzipien der Innen- und Fassadengestaltung einher. Führende Architekten verehren in ihren theoretischen Arbeiten immer noch die Antike und die Regeln der drei Ordnungen, doch in der direkten Architekturpraxis entfernen sie sich von den strengen Anforderungen logischer Klarheit und Rationalismus, Unterordnung des Einzelnen unter das Ganze und klarer Konstruktivität. Das Werk von Robert de Cotte (1656-1735), dem Nachfolger von Jules Hardouin-Mansart als königlicher Architekt (er vollendete den Bau der Kapelle des Schlosses Versailles, die durch ihre strenge, edle Architektur wunderschön ist), ist ein überzeugendes Beispiel dafür . In denen, die er in den 1710er Jahren erbaut hat. In Pariser Villen (Hotel de Toulouse und Hotel d'Estrée) fallen eine leichtere architektonische Form und eine freie Entfaltung des Dekors auf.

Der neue Stil, Rokoko oder Rocaille genannt, kann nicht nur von einer Seite betrachtet werden, sondern sieht in ihm nur ein reaktionäres und aussichtsloses Produkt einer dekadenten Klasse. Dieser Stil spiegelte nicht nur die hedonistischen Bestrebungen der Aristokratie wider. Auch einige fortschrittliche Tendenzen der Epoche wurden im Rokoko auf einzigartige Weise gebrochen; Daher die Forderung nach einer freieren Gestaltung, die dem wirklichen Leben entspricht, einer natürlicheren und lebendigeren Entwicklung und einem Innenraum. Die Dynamik und Leichtigkeit der architektonischen Massen und des Dekors standen im Kontrast zum schwerfälligen Prunk der Innenarchitektur in der Ära der übermächtigen Macht des französischen Absolutismus.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Der Hauptbau wird immer noch von der Aristokratie durchgeführt, sein Charakter verändert sich jedoch erheblich. An die Stelle der Gutsschlösser treten Stadtvillen, die sogenannten Hotels. Die Schwächung des Absolutismus spiegelte sich auch darin wider, dass der Adel Versailles verließ und sich in der Hauptstadt niederließ. In den grünen Vororten von Paris – Saint-Germain und Saint-Opor – wurden in der ersten Hälfte des Jahrhunderts nacheinander luxuriöse Herrenhaushotels mit weitläufigen Gärten und Dienstleistungen gebaut (Abb. auf Seite 258). Anders als bei den Palastbauten des vorigen Jahrhunderts, die das Ziel beeindruckender Repräsentativität und feierlicher Erhabenheit verfolgten, wird bei den jetzt entstehenden Villen viel Wert auf die tatsächliche Bequemlichkeit des Lebens gelegt. Architekten verzichten auf die Kette großer Säle, die sich in einer feierlichen Enfilade ausdehnen, und setzen auf kleinere Räume, die lockerer angeordnet sind, entsprechend den Bedürfnissen des Privatlebens und der öffentlichen Repräsentation der Eigentümer. Viele hohe Fenster erhellen den Innenraum gut.

Ihrer Lage in der Stadt nach Hotels der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. stellte weitgehend ein Übergangsphänomen vom Landsitz zum Stadthaus dar. Dabei handelt es sich um einen geschlossenen architektonischen Komplex, eine Art Anwesen innerhalb eines Stadtblocks, der nur durch das Eingangstor mit der Straße verbunden ist. Das Haus selbst steht im hinteren Teil des Grundstücks und blickt auf einen großen Innenhof, der von niedrigen Serviceflächen gesäumt ist. Die gegenüberliegende Fassade ist dem Garten zugewandt, der eine regelmäßige Anlage aufweist.

In Hotels der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der charakteristische Widerspruch der französischen Architektur dieser Zeit zeigte sich am deutlichsten – die Diskrepanz zwischen der Außenarchitektur und der Innenausstattung. Die Fassade des Gebäudes behält in der Regel traditionelle Ordnungselemente bei, wird jedoch freier und leichter interpretiert. Dekor

Innenräume verstoßen jedoch oft völlig gegen die Gesetze der Tektonik und verschmelzen die Wand mit der Decke zu einer vollständigen Hülle des Innenraums, der keine klaren Grenzen kennt. Es ist kein Zufall, dass Dekorationskünstler, die den Innenraum mit erstaunlicher Subtilität und Perfektion dekorieren konnten, zu dieser Zeit eine so große Rolle spielten. Die Zeit des frühen und reifen Rokoko kennt eine ganze Galaxie von Meistern, die exquisite Meisterwerke der Innendekoration schufen (Gilles Marie Oppenor, 1672–1742; Just Aurèle Meissonnier, 1693–1750 und andere). Oft wurde ein Gebäude von einem Architekten gebaut und von einem anderen entworfen. Aber selbst als alle Arbeiten von einem Meister ausgeführt wurden, war sein Ansatz zur Lösung des äußeren Erscheinungsbilds des Hotels und seines Innenraums grundlegend anders. Einer der bedeutendsten Rokoko-Architekten, Germain Beaufran (1667-1754), sagte in seiner Abhandlung „Livre d'Architecture“ (1745) direkt, dass die Inneneinrichtung derzeit ein völlig eigenständiger Teil der Architektur ist, der das nicht berücksichtigt In seiner Praxis verfolgte er diese These konsequent. In der Architektur des Lunéville-Schlosses, in den in den 1720er Jahren erbauten Hotels in Naisy, ist das Festhalten an den Traditionen des Klassizismus zu spüren Ein Teil ist deutlich hervorgehoben und wird durch einen Portikus mit Säulen oder Pilastern hervorgehoben. Nur wenige sprechen hier von geformten Details und vergleichsweiser Leichtigkeit der Ordnungselemente.

Jean Courton. Hotel Matignon in Paris. Planen.

Pierre Delamere. Hotel Soubise in Paris. 1705-1709 Fassade.

Beaufran entscheidet seine Innenräume völlig anders. Ein brillantes Beispiel dafür ist die Innenausstattung des Soubise Hotels (1735-1740). Unabhängig vom äußeren Erscheinungsbild des Herrenhauses, das 1705–1709 von Delamere fertiggestellt wurde. In klassischer Tradition verleiht Beaufran den Hotelzimmern den Charakter anmutiger Bonbonnieren. Geschnitzte Tafeln, Stuckornamente und malerische Tafeln bedecken Wände und Decke wie ein durchgehender Teppich. Die Wirkung dieser überaus eleganten, skurril-leichten Formen dürfte im Kontrast zur eher zurückhaltenden Architektur der Fassade besonders beeindruckend sein.

Der religiöse Bau war in dieser Zeit von unvergleichlich geringerer Bedeutung als der weltliche Bau. Die Gebäude des vorigen Jahrhunderts wurden größtenteils fertiggestellt.

Dies ist die Kirche Saint Roch in Paris, deren Bau Ende des 17. Jahrhunderts von Robert de Cotte begonnen wurde. und nach dem Tod dieses Architekten von seinem Sohn J.-R. fertiggestellt. de Cottom.

Jean Nicola Servandoni. Kirche Saint Sulpice in Paris. 1733-1745 Fassade.

Die interessantere Pariser Kirche Saint-Sulpice, deren Bau ebenfalls im 17. Jahrhundert begann. In den 20er Jahren. 18. Jahrhundert Die Hauptfassade blieb unvollendet. Es wurde von mehreren Architekten entworfen. Das Projekt des berühmten Dekorateurs Meissonnier (1726), der die Prinzipien der Rocaille auf die Außenarchitektur zu übertragen versuchte, wurde abgelehnt. Im Jahr 1732 gewann ein anderer Dekorateur, Jean Nicolas Servandoni (1695-1766), den ausgeschriebenen Wettbewerb für die Gestaltung der Fassade und wandte sich bei seiner Entscheidung klassischen Formen zu. Seine Idee bildete die Grundlage für den weiteren Bau. Die Fassade der Kirche ist in zwei Ebenen unterteilt, von denen jede ihre eigene Ordnung hat. Auf beiden Seiten der Fassade erheben sich Türme.

Aus dem zweiten Viertel des 18. Jahrhunderts. Die reichen Handelsstädte der Provinz begannen eine immer wichtigere Rolle im französischen Bauwesen zu spielen. Die Angelegenheit beschränkte sich nicht nur auf den Bau einzelner Gebäude. Das gesamte System der alten Feudalstadt mit seinen chaotischen Gebäuden und einem komplizierten Straßennetz, das in die engen Grenzen der Stadtbefestigung eingebunden war, geriet in Konflikt mit den neuen Bedürfnissen der wachsenden Handels- und Industriezentren. Die Beibehaltung vieler Schlüsselpositionen durch den Absolutismus führte jedoch zunächst zu einer eher kompromittären Lösung städtebaulicher Probleme. In vielen Städten erfolgt der Wiederaufbau bestimmter Teile der Altstadt durch den Bau königlicher Plätze. Die Tradition solcher Plätze reicht bis ins 17. Jahrhundert zurück, als sie nicht mit dem Ziel angelegt wurden, Ordnung in das Chaos der mittelalterlichen Stadt zu bringen, sondern als offener Ort für die Aufstellung einer Königsstatue. Nun blieb der Grund sozusagen derselbe – alles, was im 18. Jahrhundert entstand. Während der Zeit der Monarchie sollten die Plätze der Errichtung eines Denkmals für den Monarchen dienen, doch die Architekten selbst verfolgten weitaus umfassendere städtebauliche Ziele.

Einer der ersten Plätze neuen Typs, der mit der Sanierung und Bebauung ganzer Stadtblöcke verbunden war, war der Platz in Bordeaux. Sein Planer und Erbauer war Jacques Gabriel (1667-1742), ein Vertreter des berühmten Bauwerks aus dem 16. Jahrhundert. Architektendynastie, Vater des berühmten Architekten Jacques Ange Gabriel.

Die Arbeiten zur Planung und Entwicklung des Platzes begannen im Jahr 1731. Der Standort dafür wurde am Ufer der breiten Garonne festgelegt. Der Architekt entwickelte breit und vielfältig die Möglichkeiten, ein neues Ensemble zu schaffen, das einen bedeutenden Teil der Stadt abdeckt und mit der natürlichen Umgebung verbindet.

Jacques Gabriel begann seine Arbeit in Bordeaux mit dem Abriss alter, unscheinbarer Gebäude am Flussufer und dem Bau eines prächtigen Uferdamms. Die Stadt wandte ihr Gesicht der Garonne zu – ihrer Hauptdekoration. Diese Wendung sollte sowohl den Platz, der weit zum Fluss hin offen ist, als auch die Anordnung der beiden in den Platz mündenden Straßen festigen. Der Architekt wandte das Planungsprinzip von Versailles auf einen neuen sozialen und künstlerischen Organismus – die Stadt – an und löste es auf einer breiteren Basis. Die an den Seiten des Platzes gelegenen Gebäude waren für den Handels- und Wirtschaftsbedarf der Stadt bestimmt: Rechts befindet sich die Börse, links das Gebäude der Steuerbehörde. Ihre Architektur zeichnet sich durch Zurückhaltung und elegante Schlichtheit aus. Der Bau der Börse und des zentralen Pavillons zwischen den beiden Straßen wurde nach dem Tod von Jacques Gabriel durch seinen Sohn fertiggestellt. Eine Reihe innovativer Prinzipien des Place de Bordeaux – sein offener Charakter, seine Ausrichtung zum Fluss, die Verbindung mit den Stadtvierteln mithilfe von Strahlenstraßen – entwickelte Jacques Ange Gabriel in seiner Arbeit am Place Louis XV in Paris bald auf brillante Weise .

Emmanuel Here de Corney. Das Ensemble aus Place Stanislas, Place Carriere und Place de la Government in Nancy. 1752-1755 Luftaufnahmen.

Wenn das Ensemble des Platzes in Bordeaux eine Lösung darstellte, die viele Planungsprinzipien späterer Zeiten vorwegnahm, dann scheint ein anderes bemerkenswertes Ensemble aus der Mitte des 18. Jahrhunderts – ein Komplex aus drei Plätzen in Nancy, der enger mit der Vergangenheit verbunden ist – dies zusammenzufassen Methoden der Raumorganisation des Barock.

Emmanuel Here de Corney. Regierungsplatz in Nancy. 1752-1755 Generelle Form.

Drei Plätze unterschiedlicher Form – der rechteckige Stanislaus-Platz, der lange Carrière-Platz und der ovale Regierungsplatz – bilden einen eng verbundenen und in sich geschlossenen Organismus, der nur in einer sehr relativen Verbindung mit der Stadt besteht. Der ovale Ehrenhof des Regierungspalastes ist durch einen Arkadengang von der umliegenden Stadt und dem Park getrennt. Eine aktive Bewegung von dort aus kann sich im Wesentlichen nur nach vorne über den boulevardförmigen Carrière-Platz und den Triumphbogen entwickeln, so dass er beim Betreten des Stanislav-Platzes sofort durch das monumentale Gebäude des Rathauses blockiert wird. Man hat den Eindruck zweier monumentaler Ehrenhöfe, die sich vor prächtigen Palästen ausbreiten und durch eine gerade Gasse verbunden sind. Charakteristisch ist, dass die Straßen zum Stanislav-Platz von diesem durch Gitter getrennt sind. Der Charme des Ensembles entsteht durch die festliche Architektur der Paläste, die erstaunliche Handwerkskunst der geschmiedeten und vergoldeten Gitter sowie die Brunnen an zwei Ecken des Platzes, die in einem einzigen eleganten und eleganten Rokoko-Ton gestaltet sind. Der Planer des Gebiets und der Architekt der Hauptgebäude war Beaufrans Schüler Emmanuel Eray de Corney (1705-1763), der hauptsächlich in Lothringen arbeitete. Der zwischen 1752 und 1755 erbaute Komplex wirkte in seinen Formen und Planungsprinzipien bereits etwas anachronistisch im Vergleich zu der neuen Architekturbewegung, die Ende der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts begann.

Diese Bewegung, deren Einfluss bereits die Gestaltung des Platzes in Bordeaux geprägt hatte, drückte sich in der Ablehnung der Extreme und Eigenheiten des Rokoko zugunsten einer vernünftigeren, geordneteren Architektur und einem verstärkten Interesse an der Antike aus. Der Zusammenhang dieser Bewegung mit der Stärkung der Positionen der Bourgeoisie ist unbestreitbar.

Gerade um die Wende von der ersten zur zweiten Jahrhunderthälfte reicht die Rede der Enzyklopädisten zurück, die das Kriterium der Vernunft als einziges Maß aller Dinge vorsahen. Von diesen Positionen aus wird die gesamte feudale Gesellschaft und ihre Abkömmlinge – der Stil des Rokoko – als frei von Logik, Rationalität und Natürlichkeit kritisiert. Und umgekehrt finden sich all diese Eigenschaften in der Architektur der Antike wieder. In diesen Jahren erschienen Ausstellungen, die Denkmälern der antiken Architektur gewidmet waren. Im Jahr 1752 begann der berühmte Amateur- und Philanthrop Graf de Caylus mit der Veröffentlichung des Werkes „Sammlung ägyptischer, etruskischer, griechischer und römischer Altertümer“. Zwei Jahre später reist der Architekt David Leroy nach Griechenland und veröffentlicht anschließend das Buch „Ruins of the Most Beautiful Structures of Greek“. Unter den Architekturtheoretikern ragt Abbé Laugier heraus, dessen 1753 veröffentlichte „Studien zur Architektur“ in weiten Kreisen der französischen Gesellschaft lebhafte Resonanz hervorriefen. Vom Standpunkt des Rationalismus aus plädiert er für eine vernünftige, also natürliche Architektur. Der Druck pädagogischer, letztlich demokratischer Ideen war so groß, dass er auch auf offizielle Künstlerkreise Einfluss nahm. Die Führer der künstlerischen Politik des Absolutismus verspürten das Bedürfnis, dem positiven Programm der Enzyklopädisten, ihrer überzeugenden Kritik an der Unlogik und Unnatürlichkeit der Rokoko-Kunst, etwas entgegenzusetzen. Die königliche Macht und die Akademie unternehmen bestimmte Schritte, um dem dritten Stand die Initiative zu entreißen und selbst die entstehende Bewegung anzuführen. Im Jahr 1749 wurde eine Art künstlerische Mission nach Italien geschickt, angeführt vom Bruder der allmächtigen Günstlingsfrau Ludwigs XV., Madame Pompadour, der späteren Marquis von Marigny, die als Direktorin der königlichen Gebäude fungierte. Er wurde vom Kupferstecher Cochin und dem Architekten Jacques Germain Soufflot, dem zukünftigen Erbauer des Pariser Pantheons, begleitet. Der Zweck der Reise bestand darin, die italienische Kunst – diese Wiege der Schönheit – kennenzulernen. Sie besuchten die kürzlich begonnenen Ausgrabungen in Herculaneum und Pompeji. Soufflot studierte außerdem die antiken Denkmäler von Paestum. Diese ganze Reise war ein Zeichen neuer Phänomene in der Kunst und ihre Folge war eine weitere Hinwendung zum Klassizismus und ein verschärfter Kampf mit den Prinzipien der Rocaille, auch in verschiedenen Arten dekorativer Kunst. Zugleich liefert diese Reise einen deutlichen Beleg dafür, wie unterschiedlich der Appell an das antike Erbe verstanden wurde und welche unterschiedlichen Schlussfolgerungen daraus von Vertretern der herrschenden Klasse und den Künstlern selbst gezogen wurden. Die Ergebnisse italienischer Eindrücke und Überlegungen drückte Marigny in den Worten aus: „Ich will weder die aktuellen Exzesse noch die Strenge der Alten – ein bisschen davon, ein bisschen davon.“ An dieser Kompromiss-Kunstpolitik hielt er anschließend während seiner langjährigen Tätigkeit als Kunstdirektor fest.

Seine Reisegefährten Cochin und Soufflot nahmen eine viel fortschrittlichere und aktivere Position ein. Der erste veröffentlichte nach seiner Rückkehr die Abhandlung „Review of the Antiquities of Herculaneum with Multiple Reflections on the Painting and Sculpture of the Ancients“ und führte dann im Druck einen sehr scharfen Kampf gegen die Prinzipien der Rocaille-Kunst, für deren Strenge, Reinheit und Klarheit architektonischer und dekorativer Formen. Was Souflo betrifft, so zeugen seine ganz zusätzliche Reise nach Paestum und die Untersuchung zweier bemerkenswerter Denkmäler griechischer Architektur vor Ort von seinem tiefen Interesse an der Antike. In seiner Baupraxis nach seiner Rückkehr aus Italien setzten sich die Prinzipien des Klassizismus vollständig und kompromisslos durch.

In dieser Übergangszeit nahm das Werk des faszinierendsten Meisters der französischen Architektur, Jacques Ange Gabriel (1699-1782), Gestalt an und blühte auf. Gabriels Stil scheint den Anforderungen von Marigny zu entsprechen, aber es handelt sich hierbei um ein äußerst originelles und organisches Phänomen, das aus der natürlichen, „tiefen“ Entwicklung der französischen Architektur hervorgegangen ist. Der Meister war noch nie in Italien gewesen, geschweige denn in Griechenland. Gabriels Werk schien die Linie der französischen Architektur fortzusetzen und weiterzuentwickeln, die in den späteren Gebäuden von Jules Hardouin-Mansart (Grand Trianon und die Kapelle von Versailles) an der Ostfassade des Louvre zum Vorschein kam. Gleichzeitig übernahm er auch jene fortschrittlichen Tendenzen, die in der Rokoko-Architektur enthalten waren: ihre Menschennähe, Intimität sowie die erlesene Subtilität dekorativer Details.

Gabriels Beteiligung an der Stadtplanungsarbeit seines Vaters in Bordeaux bereitete ihn gut auf die Lösung von Ensembleproblemen vor, die ihn Mitte des 18. Jahrhunderts beschäftigten. eine immer wichtigere Rolle in der Architekturpraxis. Gerade zu dieser Zeit richtete die Presse ihre Aufmerksamkeit verstärkt auf Paris und auf das Problem, es in eine Stadt zu verwandeln, die den Namen Hauptstadt verdient.

Paris hatte wunderschöne Baudenkmäler und eine Reihe von Plätzen, die im vorigen Jahrhundert angelegt wurden, aber alle waren separate, in sich geschlossene, isolierte Inseln mit organisierter Entwicklung. Mitte des 18. Jahrhunderts entstand ein Platz, der eine große Rolle bei der Bildung des Ensembles des Pariser Zentrums spielte – der heutige Place de la Concorde. Sein Aussehen verdankt es einem ganzen Team französischer Architekten, sein Hauptschöpfer war jedoch Jacques Ange Gabriel.

Im Jahr 1748 wurde auf Initiative der Kaufleute der Hauptstadt die Idee geäußert, ein Denkmal für Ludwig XV. zu errichten. Die Akademie hat einen Wettbewerb zur Schaffung eines Platzes für dieses Denkmal ausgeschrieben. Wie Sie sehen, war der Anfang völlig traditionell, im Geiste des 17. Jahrhunderts – der Bereich war für eine Statue des Monarchen vorgesehen.

Als Ergebnis des ersten Wettbewerbs wurde keines der Projekte ausgewählt, aber der Standort für den Platz stand schließlich fest. Nach einem zweiten Wettbewerb, der 1753 nur unter Mitgliedern der Akademie ausgetragen wurde, wurden Entwurf und Bau Gabriel anvertraut, damit er andere Vorschläge berücksichtigen konnte.

Als Standort für den Platz wurde ein riesiges Brachland am Ufer der Seine am damaligen Stadtrand von Paris gewählt, zwischen dem Garten des Tuilerienpalastes und dem Beginn der Straße nach Versailles. Gabriel nutzte diesen offenen Küstenstandort auf ungewöhnlich fruchtbare und vielversprechende Weise. Sein Gebiet wurde zur Achse der weiteren Entwicklung von Paris. Dies war dank ihrer vielseitigen Ausrichtung möglich. Einerseits gilt der Platz als Schwelle zu den Palastanlagen der Tuilerien und des Louvre: Nicht umsonst führen von außerhalb der Stadt drei von Gabriel vorgesehene Strahlen zu ihm - die Gassen der Champs-Élysées, Der mentale Schnittpunkt davon befindet sich an den Eingangstoren des Tuilerienparks. Das Reiterdenkmal Ludwigs XV. ist in die gleiche Richtung ausgerichtet – zum Palast hin. Gleichzeitig ist nur eine Seite des Platzes architektonisch hervorgehoben – parallel zur Seine. Hier ist der Bau von zwei majestätischen Verwaltungsgebäuden geplant, und zwischen ihnen wird die Royal Street entworfen, deren Achse senkrecht zur Achse Champs-Élysées – Tuileries verläuft. Am Ende beginnt sehr bald der Bau der Madeleine-Kirche des Architekten Contan d'Ivry, die mit ihrem Portikus und ihrer Kuppel die Perspektive abschließt. An den Seiten ihrer Gebäude entwirft Gabriel zwei weitere Straßen, parallel zur Royal. Dadurch ergibt sich eine weitere mögliche Bewegungsrichtung, die den Platz mit anderen Vierteln der wachsenden Stadt verbindet.

Gabriel löst die Grenzen des Platzes auf eine sehr witzige und völlig neue Art und Weise. Indem er nur eine seiner Nordseiten bebaut und dabei das Prinzip der freien Entwicklung des Raumes und seiner Verbindung mit der natürlichen Umgebung vertritt, versucht er gleichzeitig, den Eindruck seiner Amorphität und Unsicherheit zu vermeiden. Auf allen vier Seiten gestaltet er flache Trockengräben, die mit grünen Rasenflächen bedeckt und von Steinbalustraden begrenzt sind. Die Lücken zwischen ihnen betonen die Strahlen der Champs Elysees und die Achse der Royal Street zusätzlich deutlich.

Jacques Ange Gabriel. Bebauung der Nordseite des Place de la Concorde (ehemals Place Louis XV) in Paris. 1753-1765

Das Erscheinungsbild der beiden Gebäude, die die Nordseite des Place de la Concorde abschließen, bringt deutlich die charakteristischen Merkmale von Gabriels Werk zum Ausdruck: eine klare, ruhige Harmonie des Ganzen und der Details, die Logik der architektonischen Formen, die für das Auge leicht erkennbar sind. Die untere Etage des Gebäudes ist schwerer und massiver, was durch die große Rustikierung der Wand betont wird; Es trägt zwei weitere Ebenen, die durch korinthische Säulen verbunden sind, ein Motiv, das auf die klassische Ostfassade des Louvre zurückgeht.

Doch Gabriels Hauptverdienst liegt nicht so sehr in der meisterhaften Gestaltung der Fassaden mit ihren schlanken kannelierten Säulen, die sich über die mächtigen Arkaden des Untergeschosses erheben, sondern im spezifischen Ensembleklang dieser Gebäude. Beide Gebäude sind ohne einander und ohne den Raum des Platzes und ohne ein weit entferntes Bauwerk – ohne die Madeleine-Kirche – undenkbar. Darauf orientieren sich beide Gebäude des Place de la Concorde – es ist kein Zufall, dass jedes von ihnen kein betontes Zentrum hat und sozusagen nur einer der Flügel des Ganzen ist. So skizzierte Gabriel in diesen 1753 entworfenen Gebäuden, deren Bau zwischen 1757 und 1758 begann, die Prinzipien der volumetrisch-räumlichen Lösungen, die in der Zeit des reifen Klassizismus entwickelt wurden.

Gabriel. Petit Trianon in Versailles. Planen.

Jacques Ange Gabriel. Petit Trianon in Versailles. 1762-1768

Die Perle der französischen Architektur des 18. Jahrhunderts ist das Petit Trianon, das Gabriel 1762–1768 in Versailles schuf. Das traditionelle Thema eines Landschlosses wird hier auf völlig neue Weise gelöst. Das kleine Gebäude mit quadratischem Grundriss ist mit allen vier Fassaden dem Raum zugewandt. Hier gibt es keine vorherrschende Betonung der beiden Hauptfassaden, die bis vor kurzem für Paläste und Anwesen so charakteristisch war. Jede der Parteien hat eine eigenständige Bedeutung, die in ihren unterschiedlichen Entscheidungen zum Ausdruck kommt. Und gleichzeitig ist dieser Unterschied nicht von grundlegender Bedeutung – es handelt sich sozusagen um Variationen desselben Themas. Fassadenverkleidung Freifläche Das aus der weitesten Entfernung wahrgenommene Parterre wird am plastischsten interpretiert. Vier aufgesetzte Säulen, die beide Stockwerke verbinden, bilden eine Art leicht vorspringenden Portikus. Ein ähnliches Motiv, allerdings in abgewandelter Form – die Säulen werden durch Pilaster ersetzt – erklingt auf zwei angrenzenden Seiten, jedoch jedes Mal anders, da das Gebäude aufgrund des Höhenunterschieds im einen Fall zwei Stockwerke hat, im anderen Fall drei . Die vierte Fassade, die dem Dickicht des Landschaftsparks zugewandt ist, ist völlig schlicht – die Wand wird nur durch rechteckige Fenster unterschiedlicher Größe in jeder der drei Ebenen gegliedert. So erreicht Gabriel mit mageren Mitteln eine erstaunliche Fülle und Fülle an Eindrücken. Schönheit entsteht aus der Harmonie einfacher, leicht wahrnehmbarer Formen, aus der Klarheit proportionaler Beziehungen.

Auch die Innenaufteilung ist mit großer Einfachheit und Klarheit gestaltet. Der Palast besteht aus einer Reihe kleiner rechteckiger Räume, deren dekorative Dekoration, die auf der Verwendung von geraden Linien, hellen, kalten Farben und der Sparsamkeit von Kunststoffmaterialien basiert, der eleganten Zurückhaltung und edlen Anmut der äußeren Erscheinung entspricht.

Gabriels Werk war ein Übergangsglied zwischen der Architektur der ersten und zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

In Gebäuden der 1760er-1780er Jahre. Die jüngere Architektengeneration bildet bereits eine neue Stufe des Klassizismus. Es zeichnet sich durch eine entschiedene Hinwendung zur Antike aus, die nicht nur zur Inspiration für Künstler, sondern auch zu einer Schatzkammer der von ihnen verwendeten Formen wurde. Die Anforderungen an die Zumutbarkeit eines architektonischen Werkes gehen bis zur Ablehnung dekorativer Ausschmückungen. Es wird das Prinzip des Utilitarismus vorgebracht, das mit dem Prinzip der Natürlichkeit des Gebäudes verbunden ist. Ein Beispiel dafür sind antike Gebäude, die ebenso natürlich wie utilitaristisch sind und deren Formen alle von einer vernünftigen Notwendigkeit diktiert werden. Säule, Gebälk und Giebel, die zum Hauptausdrucksmittel des architektonischen Bildes geworden sind, werden auf ihre konstruktive, funktionale Bedeutung zurückgeführt. Dementsprechend wird der Umfang der Auftragsabteilungen erweitert. Der gleiche Wunsch nach Natürlichkeit zeichnet den Parkbau aus. Damit verbunden ist die Abkehr vom regulären, „künstlichen“ Park und das Aufblühen des Landschaftsgartens.

Soufflo. Pantheon in Paris. Planen.

Jacques Germain Soufflot. Pantheon (ehemals Kirche St. Genevieve) in Paris. Begonnen im Jahr 1755. Gesamtansicht.

Ein charakteristisches Phänomen der Architektur dieser vorrevolutionären Jahrzehnte war die Vorherrschaft beim Bau öffentlicher Gebäude. In öffentlichen Gebäuden kommen die Prinzipien der neuen Architektur am deutlichsten zum Ausdruck. Und es ist sehr bezeichnend, dass eines der herausragenden architektonischen Werke dieser Zeit – das Pantheon – sich sehr bald von einem Gebäude mit religiöser Bedeutung in ein öffentliches Denkmal verwandelte. Ihr Bau wurde von Ludwig XV. als Kirche der Schutzpatronin von Paris – St. Genevieve, der Ort, an dem ihre Reliquien aufbewahrt werden. Die Entwicklung des Projekts wurde 1755 Jacques Germain Soufflot (1713-1780) anvertraut, der erst kürzlich von einer Italienreise zurückgekehrt war. Der Architekt verstand seine Aufgabe viel umfassender als sein Auftraggeber. Er legte einen Plan vor, der neben der Kirche ein weitläufiges Areal mit zwei öffentlichen Gebäuden – der juristischen und der theologischen Fakultät – vorsah. In seinem weiteren Schaffen musste Souflot diesen Plan aufgeben und seine Aufgabe auf den Bau einer Kirche beschränken, deren gesamtes Erscheinungsbild jedoch davon zeugt, dass der Architekt sie als Bauwerk von großer gesellschaftlicher Bedeutung konzipierte. Das im Grundriss kreuzförmige Gebäude wird von einer grandiosen Kuppel auf einer von Säulen umgebenen Trommel gekrönt. Hauptfassade betont durch einen mächtigen tiefen sechssäuligen Portikus mit Giebel. Alle anderen Teile der Wand bleiben komplett leer, ohne Öffnungen. Die klare Logik architektonischer Formen ist auf den ersten Blick deutlich erkennbar. Nichts Mystisches oder Irrationales – alles ist vernünftig, streng und einfach. Die gleiche Klarheit und strenge Konsequenz sind charakteristisch für die räumliche Gestaltung des Tempelinnenraums. Der so feierlich und monumental ausgedrückte Rationalismus des künstlerischen Bildes erwies sich als äußerst nah an der Weltanschauung der Revolutionsjahre, und die neu fertiggestellte Kirche wurde 1791 in ein Denkmal für das große Volk Frankreichs umgewandelt.

Unter den öffentlichen Gebäuden, die in den vorrevolutionären Jahrzehnten in Paris errichtet wurden, sticht die Chirurgische Schule von Jacques Gondoin (1737-1818) hervor. Das Projekt, an dem er 1769 zu arbeiten begann, zeichnete sich durch seine große konzeptionelle Breite aus, die allgemein ein charakteristisches Merkmal der Architektur dieser Jahre ist. Zusammen mit diesem Gebäude plante Gondoin den Umbau des gesamten Viertels. Und obwohl Gondoins Plan nicht vollständig umgesetzt wurde, wurde der 1786 fertiggestellte Bau der Chirurgischen Schule selbst im großen Stil fertiggestellt. Es handelt sich um ein weitläufiges zweistöckiges Gebäude mit einem großen Innenhof. Die Mitte des Gebäudes wird durch eine eindrucksvolle Jurtik markiert. Der interessanteste Teil des Innenraums ist der große halbkreisförmige Saal des Anatomischen Theaters mit erhöhten Bänken im Amphitheater-Stil und einem Kappengewölbe – eine eigenartige Kombination der Hälfte des römischen Pantheons mit dem Kolosseum.

Das Theater entwickelte sich in dieser Zeit zu einem neuen, weit verbreiteten öffentlichen Gebäudetyp. Und in der Hauptstadt und in vielen Provinzstädten wachsen sie nach und nach Theatergebäude, in ihrem Erscheinungsbild als wichtiger Teil im architektonischen Ensemble der Stadt konzipiert Gemeindezentrum. Eines der schönsten und bedeutendsten Gebäude dieser Art ist das 1775-1780 erbaute Theater in Bordeaux. Architekt Victor Louis (1731-1807). Auf einer offenen Fläche des Platzes ist ein riesiges Volumen rechteckiger Grundrisse platziert. Ein zwölfsäuliger Portikus ziert eine der Schmalseiten des Theatergebäudes und verleiht der Haupteingangsfassade eine feierliche Präsenz. Das Gebälk des Portikus enthält Statuen von Musen und Göttinnen, die den Zweck des Gebäudes definieren. Die Haupttreppe des Theaters, zunächst einläufig, dann in zwei gegenläufige Arme geteilt, diente als Vorbild für viele spätere französische Theaterbauten. Die schlichte, klare und feierliche Architektur des Theaters in Bordeaux, die klare funktionale Lösung seines Innenraums machen dieses Gebäude zu einem der wertvollsten Denkmäler des französischen Klassizismus.

In den Berichtsjahren begannen die Aktivitäten einer Reihe von Architekten, deren Gesamtwerk bereits zur nächsten, von den Ideen der Revolution inspirierten Periode der französischen Architektur gehört. In einigen Projekten und Gebäuden sind bereits jene Techniken und Formen skizziert, die zu charakteristischen Merkmalen des Neuen werden

Realismus, Symbolik. Die Präsentation stellt die Werke der französischen Künstler Courbet, Daumier und Millet vor.

Realismus in der französischen Malerei

Der in der Kunst der Aufklärung vorherrschende Stil des Klassizismus wurde bereits Ende des 18. Jahrhunderts von einem neuen Stil abgelöst, der eine Folge der Umwälzungen durch die bürgerliche Revolution in Frankreich und der Enttäuschung über deren Ergebnisse war. Dieser Stil wurde zur Romantik. Der Kunst der Romantik habe ich mehrere Beiträge gewidmet. Heute werden wir darüber reden Realismus, die in den Tiefen der romantischen Kunst Gestalt annahm. Der französische Literaturkritiker Jules François Chanfleury, der als Erster den Begriff „Realismus“ verwendete, stellte ihm Symbolismus und Romantik gegenüber. Die realistische Kunstrichtung wurde jedoch nicht zum absoluten Gegenspieler der Romantik, sondern war deren Fortsetzung.

Der französische Realismus, der eine wahrheitsgetreue Wiedergabe der Realität anstrebte, wurde natürlich mit der revolutionären Bewegung in Verbindung gebracht und als „kritischer Realismus“ bezeichnet. Appell an die Moderne in all ihren Erscheinungsformen, Reproduktion typischer Charaktere in typische Umstände basierend auf der lebensechten Authentizität des Bildes – der Hauptanforderung des Realismus.

„Die Kunst der Malerei kann nichts anderes sein als die Darstellung von für den Künstler sichtbaren und greifbaren Objekten ... ein realistischer Künstler muss die Moral, die Ideen und das Erscheinungsbild seiner Zeit vermitteln.“
Gustave Courbet

Es ist unwahrscheinlich, dass ich über die Arbeit und das Schicksal von Gustave Courbet sprechen könnte, der oft als Gründer bezeichnet wird Realismus in der französischen Malerei, besser als die Macher Film „Freiheit von Courbet“ aus der Serie „Mein Puschkinski“

In Ihrer Präsentation „Realismus in der französischen Malerei“ Ich habe auch versucht, die Werke wunderbarer französischer Künstler zu präsentieren Francois Millet Und Honoré Daumier. Wer sich für dieses Thema interessiert, dem möchte ich einen Blick auf die Seite ans Herz legen Gallerix.ru

Wie immer klein Liste der Bücher, in dem Sie über den französischen Realismus und französische realistische Künstler lesen können:

• Enzyklopädie für Kinder. T.7. Kunst. Zweiter Teil. – M.: Avanta+, 2000.
• Beckett V. Geschichte der Malerei. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Dmitrieva N.A. Kurzgeschichte Künste Heft III: Länder Westeuropas im 19. Jahrhundert; Russland XIX Jahrhundert. – M.: Kunst, 1992
• Emokhonova L.G. Weltkünstlerische Kultur: Lehrbuch. Ein Handbuch für Studierende. Durchschn. Päd. Lehrbuch Betriebe. – M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Weltkunst. 19. Jahrhundert. Bildende Kunst, Musik, Theater. – St. Petersburg: Peter, 2007.
• Samin D.K. Hundert große Künstler. – M.: Veche, 2004.
• Freeman J. Kunstgeschichte. – M.: Astrel Publishing House, 2003.

Realistische Bewegung in Kunst und Literatur des 19. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert begann sich die Gesellschaft rasant zu entwickeln. Neue Technologien entstehen, Medizin, chemische Industrie, Energie, Maschinenbau und Verkehr entwickeln sich. Die Bevölkerung beginnt allmählich aus alten Dörfern in die Städte zu ziehen und strebt nach Komfort und modernem Leben.
Der kulturelle Bereich konnte nicht umhin, auf all diese Veränderungen zu reagieren. Schließlich begannen gesellschaftliche Veränderungen – sowohl wirtschaftliche als auch soziale – neue Stile und künstlerische Richtungen zu schaffen. So wird die Romantik durch einen großen Stiltrend ersetzt – den Realismus. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger spiegelte dieser Stil das Leben so wider, wie es ist, ohne jegliche Ausschmückung oder Verzerrung. Dieser Wunsch war in der Kunst nicht neu – er findet sich in der Antike, in der mittelalterlichen Folklore und im Zeitalter der Aufklärung.
Der Realismus hat seit dem Ende des 17. Jahrhunderts seinen helleren Ausdruck gefunden. Das gestiegene Bewusstsein der Menschen, die es satt haben, nach nicht existierenden Idealen zu leben, führt zu einer objektiven Reflexion – dem Realismus, was auf Französisch „substanziell“ bedeutet. In den Gemälden von Michelangelo Caravaggia und Rembrandt tauchen einige realistische Tendenzen auf. Doch erst im 19. Jahrhundert wurde der Realismus zur ganzheitlichen Struktur der Lebensanschauung. In dieser Zeit erreicht es seine Reife und dehnt seine Grenzen auf das gesamte europäische Territorium und natürlich auf Russland aus.
Der Held der realistischen Bewegung ist eine Person, die die Vernunft verkörpert und versucht, über die negativen Erscheinungen des umgebenden Lebens zu urteilen. Literarische Werke thematisieren gesellschaftliche Widersprüche und schildern zunehmend das Leben benachteiligter Menschen. Daniel Defoe gilt als Begründer des europäischen realistischen Romans. Die Grundlage seiner Werke ist der gute Anfang des Menschen. Aber es kann durch Umstände verändert werden, es ist äußeren Faktoren ausgesetzt.
In Frankreich war Frederic Stendhal der Begründer der neuen Richtung. Er schwamm buchstäblich gegen den Strom. Schließlich herrschte in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die Romantik in der Kunst. Die Hauptfigur sei ein „außergewöhnlicher Held“ gewesen. Und plötzlich hat Stendhal ein ganz anderes Bild. Seine Figuren leben tatsächlich nicht nur in Paris, sondern auch in der Provinz. Der Autor bewies dem Leser, dass die Beschreibung des Alltags, wahrer menschlicher Erfahrungen, ohne Übertreibung oder Ausschmückung auf die Ebene der Kunst gebracht werden kann. G. Flaubert ging noch weiter. Es offenbart bereits den psychologischen Charakter des Helden. Dies erforderte eine absolut genaue Beschreibung der kleinsten Details, eine Darstellung der äußeren Seite des Lebens, um sein Wesen detaillierter darzustellen. Sein Anhänger in dieser Richtung war Guy de Maupassant.
Die Ursprünge der Entwicklung des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts in Russland waren Autoren wie Iwan Krylow, Alexander Gribojedow und Alexander Puschkin. Die ersten markantesten Elemente des Realismus tauchten bereits 1809 in der ersten Fabelnsammlung von I.A. auf. Krylova. Der Kern all seiner Fabeln ist eine konkrete Tatsache. Daraus wird der Charakter geformt, diese oder jene Verhaltenssituation entsteht, die durch die Verwendung etablierter Vorstellungen über den Charakter der Tierfiguren verschärft wird. Dank des gewählten Genres zeigte Krylov lebhafte Widersprüche im modernen Leben – Zusammenstöße zwischen den Starken und den Schwachen, den Reichen und den Armen, die Verspottung von Beamten und Adligen.
Bei Gribojedow manifestiert sich der Realismus in der Verwendung typischer Charaktere, die sich in typischen Umständen befinden – das Hauptprinzip dieser Richtung. Dank dieser Technik ist seine Komödie „Woe from Wit“ auch heute noch aktuell. Die Charaktere, die er in seinen Werken verwendete, sind immer wiederzufinden.
Der Realist Puschkin präsentiert ein etwas anderes künstlerisches Konzept. Seine Charaktere suchen nach Mustern im Leben und stützen sich dabei auf Aufklärungstheorien und universelle menschliche Werte. Geschichte und Religion spielen in seinen Werken eine wichtige Rolle. Dies bringt seine Werke den Menschen und ihrem Charakter näher. Eine noch akutere und tiefere Nationalität manifestierte sich in den Werken von Lermontov und Gogol und später in den Werken von Vertretern der „natürlichen Schule“.
Wenn wir über Malerei sprechen, war das Hauptmotto realistischer Künstler des 19. Jahrhunderts eine objektive Darstellung der Realität. So begannen französische Künstler Mitte der 30er Jahre des 19. Jahrhunderts unter der Führung von Theodore Rousseau mit der Malerei ländliche Landschaften. Es stellte sich heraus, dass die gewöhnlichste Natur ohne Verschönerung zu einem einzigartigen Material für die Schöpfung werden kann. Ob ein trüber Tag, ein dunkler Himmel vor einem Gewitter, ein müder Ackermann – all das ist eine Art Porträt des wirklichen Lebens.
Gustave Courbet, ein französischer Maler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, erregte mit seinen Gemälden Unmut in bürgerlichen Kreisen. Schließlich stellte er das wahre Leben dar, was er um sich herum sah. Dies können Genreszenen, Porträts und Stillleben sein. Zu seinen bekanntesten Werken zählen „Begräbnis in Ornans“, „Feuer“, „Hirsch am Wasser“ sowie die Skandalgemälde „Der Ursprung der Welt“ und „Die Schläfer“.
In Russland war P.A. der Begründer des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts. Fedotov („Das Matchmaking des Majors“). In seinen Werken greift er auf Satire zurück, prangert bösartige Moralvorstellungen an und sympathisiert mit den Armen. Zu seinem Nachlass zählen zahlreiche Karikaturen und Porträts.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde das Thema „Volksleben“ von I.E. aufgegriffen. Repin. Seine berühmten Filme „Refusal of Confession“ und „Barge Haulers on the Volga“ enthüllen die brutale Ausbeutung des Volkes und den sich zusammenbrauenden Protest unter den Massen.
Auch im 20. Jahrhundert gab es in den Werken von Schriftstellern und Künstlern weiterhin realistische Tendenzen. Aber unter dem Einfluss der neuen Zeit begannen sie, andere, modernere Merkmale anzunehmen.

Französischer Realismus.

Realismus der 30-40er Jahre

Realismus ist eine wahrheitsgetreue, objektive Wiedergabe der Realität. Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen des Sieges der bürgerlichen Ordnungen. Soziale Gegensätze und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller ihm gegenüber. Sie prangerten Geldgier, eklatante soziale Ungleichheit, Egoismus und Heuchelei an. In seiner ideologischen Zielstrebigkeit wird er zum kritischen Realismus. Zusammen mit den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit. In Frankreich schuf in den 30er und 40er Jahren Opore de Balzac seine besten realistischen Werke, der die 95 Bände „Menschliche Komödie“ schrieb; Victor Hugo – „Notre Dame de Paris“, „Das dreiundneunzigste Jahr“, „Les Miserables“ usw.
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Gustave Flaubert – „Madame Bovary“, „Erziehung der Sinne“, „Salambo“ Prosper Merimo – Meister der Kurzgeschichten „Mateo Falcone“, „Colomba“, „Carmen“, Autor von Theaterstücken, historischen Chroniken „Chronik der Zeit“ usw.
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In den 30er und 40er Jahren in England. Charles Dickens ist ein herausragender Satiriker und Humorist. Seine Werke „Dombey and Son“, „Hard Times“ und „Great Expectations“ sind der Höhepunkt des Realismus. William Makepeace Thackeray zeigte im Roman „Vanity Fair“, im historischen Werk „The History of Henry Esmond“ und in der Sammlung satirischer Essays „The Book of Snobs“ im übertragenen Sinne die der bürgerlichen Gesellschaft innewohnenden Laster. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Literatur der skandinavischen Länder erlangt weltweite Resonanz. Dies sind vor allem die Werke norwegischer Schriftsteller: Henrik Ibsen – die Dramen „Ein Puppenheim“ („Nora“), „Geister“ und „Volksfeind“ riefen zur Emanzipation auf menschliche Persönlichkeit aus heuchlerischer bürgerlicher Moral. Björnsons Dramen „Bankruptcy“, „Beyond Our Strength“ und Gedichte. Knut Hamsun - psychologische Romane „Hunger“, „Mysteries“, „Pan“, „Victoria“, die die Rebellion des Einzelnen gegen die spießbürgerliche Umgebung darstellen.

Revolution von 1789ᴦ., eine Zeit intensiver politischer Kämpfe. In Frankreich wechseln fünf politische Regime: 1.) 1795 – 1799 Periode des Direktoriums, 2.) 1799 – 1804 Periode des Napoleonischen Konsulats. 3) 1804 – 1814 – die Zeit des Napoleonischen Reiches und der Kriege, 4) 1815 – 1830 – die Zeit der Restauration, 5) 1830 – 1848 die Zeit der Julimonarchie, 6) die Revolution von 1848, die Stärkung des Bürgertums. Der Realismus in Frankreich nahm theoretisch und als Wort Gestalt an. Die Literatur ist in zwei Phasen unterteilt: Balzacian und Flaubertian. I) 30-Jahr bedeutet Realismus die Reproduktion verschiedener Naturphänomene. 40er Jahre, Realismus – ein Rahmen für die Darstellung des modernen Lebens, der nicht nur auf Vorstellungskraft, sondern auch auf direkter Beobachtung basiert. Merkmale: 1) Analyse des Lebens, 2) das Prinzip der Typisierung wird bestätigt, 3) das Prinzip der Zyklisierung, 4) Orientierung an der Wissenschaft, 5) Manifestation des Psychologismus. Das führende Genre ist der Roman. II) 50er Jahre Als Wendepunkt im Konzept des Realismus, das mit dem malerischen Werk Courbets verbunden war, formulierten er und Chanfleury ein neues Programm. Prosa, Aufrichtigkeit, Objektivität in dem, was beobachtet wird.

BERANGE Pierre-Jean- Französischer Liedermacher. Erste bedeutende Werke B. dieser Art liegen seine Flugschriften vor Napoleon I: „König Iveto“, „Politische Abhandlung“. Doch die Blütezeit von Bs Satire fällt in die Ära der Restauration. Die Rückkehr der Bourbonen an die Macht und mit ihnen der ausgewanderten Aristokraten, die in den Jahren der Revolution nichts gelernt und nichts vergessen hatten, ruft in B. eine lange Reihe von Liedern und Flugblättern hervor, in denen das gesamte soziale und politische System der Die Ära findet eine brillante satirische Widerspiegelung. Sie werden durch gegen sie gerichtete Pamphletlieder fortgesetzt Louis Philippe als Vertreter des Finanzbürgertums auf dem Thron. In diesen Liedern, die B. selbst als Pfeile bezeichnete, die auf den Thron, die Kirche, die Bürokratie, die Bourgeoisie geschossen wurden, erscheint der Dichter als politischer Tribun, der durch poetische Kreativität die Interessen des arbeitenden Spießertums verteidigt, das eine revolutionäre Rolle spielte B.s Ära, die später endgültig an das Proletariat überging. B. stand während seiner Herrschaft in Opposition zu Napoleon und pflegte den Kult seines Andenkens während der Bourbonen und Louis-Philippe. In den Liedern dieses Zyklus wird Napoleon als Vertreter der mit den Massen verbundenen revolutionären Macht idealisiert. Die Hauptmotive dieses Zyklus: Glaube an die Macht der Ideen, Freiheit als eine Art abstraktes Gut und nicht als reales Ergebnis des Klassenkampfes, der äußerst wichtig mit Gewalt verbunden ist (Idee, Gedanke). In einem der Lieder dieses Zyklus nennt B. seine Lehrer: Owen, La Fontaine, Fourier. Wir haben es also mit einem Anhänger des utopischen vormarxistischen Sozialismus zu tun. Die erste Gedichtsammlung beraubt ihn der Gunst seiner Vorgesetzten an der Universität, an der er damals tätig war. In der zweiten Sammlung wird B. wegen Beleidigung der Moral, der Kirche und der königlichen Autorität strafrechtlich verfolgt und mit einer Freiheitsstrafe von drei Monaten belegt. Die vierte Sammlung führte zu einer zweiten Gefängnisstrafe für den Autor, diesmal zu 9 Monaten. Dabei hat B.s Teilnahme am politischen Leben im eigentlichen Sinne des Wortes (wenn man von der revolutionären Wirkung von Liedern absieht) beispielsweise eher gemäßigte Formen zur Folge.
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in Form der Unterstützung der Liberalen in der Revolution von 1830. In den letzten Jahren zog sich B. aus dem öffentlichen Leben zurück, ließ sich in der Nähe von Paris nieder, wechselte in seiner Arbeit von politischen zu sozialen Motiven und entwickelte sie im Geiste des Populismus („Rote Jeanne“) , „Tramp“, „Jacques“ usw.).

BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799–1850), französischer Schriftsteller, der ein vollständiges Bild des gesellschaftlichen Lebens seiner Zeit zeichnete. Ein Versuch, im Verlags- und Druckgeschäft ein Vermögen zu machen (1826–1828), verschuldete Balzac hoch. Er wandte sich wieder dem Schreiben zu und veröffentlichte 1829 einen Roman Der letzte Shuang. Dies war das erste Buch, das unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wurde, zusammen mit einem humorvollen Leitfaden für Ehemänner Physiologie der Ehe 1829) erregte sie öffentliche Aufmerksamkeit auf den neuen Autor. Dann begann das Hauptwerk seines Lebens: 1830 das erste Szenen aus dem Privatleben, ein unbestrittenes Meisterwerk Haus einer Katze, die Ball spielt, 1831 der erste Philosophische Romane und Erzählungen. Balzac arbeitete noch mehrere Jahre nebenberuflich als freiberuflicher Journalist, doch von 1830 bis 1848 galt sein Hauptanliegen einer umfangreichen Reihe von Romanen und Erzählungen. bekannte Welt Wie Menschliche Komödie. Im Jahr 1834 hatte Balzac die Idee, die seit 1829 entstandenen und zukünftigen Werke mit gemeinsamen Charakteren zu verbinden und sie zu einem Epos zusammenzufassen, das später „Menschliche Komödie“ genannt wurde. Balzac verkörperte die Idee der universellen Interdependenz in der Welt und konzipierte eine umfassende künstlerische Studie über die französische Gesellschaft und den Menschen. Der philosophische Rahmen dieses künstlerischen Gebäudes basiert auf dem Materialismus des 18. Jahrhunderts, den für Balzac zeitgenössischen naturwissenschaftlichen Theorien und auf besondere Weise geschmolzenen Elementen mystische Lehren. Die menschliche Komödie besteht aus drei Abschnitten. I. Sittenskizzen: 1) Szenen des Privatlebens; 2) Szenen des Provinzlebens; 3) Szenen aus dem Pariser Leben; 4) Szenen des politischen Lebens; 5) Szenen des Militärlebens; 6) Szenen des Landlebens. II. Philosophische Studien. III. Analytische Studien. Dies sind sozusagen drei Kreise einer Spirale, die von Fakten zu Ursachen und Grundlagen aufsteigt (siehe Vorwort zu „The Human Comedy“, Gesammelt).
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soch., Bd. 1, M., I960). Die „Menschliche Komödie“ umfasste 90 Werke. Balzac geb war der erste große Schriftsteller, der dem materiellen Hintergrund und der „Erscheinung“ seiner Figuren große Aufmerksamkeit schenkte; Vor ihm hatte niemand Erwerbssucht und rücksichtslosen Karrierismus als die Hauptmotive im Leben dargestellt. Gobsek 1830), in Ein unbekanntes Meisterwerk (1831), Evgenia Grande, Briefe an einen Fremdenüber die Liebe zur polnischen Gräfin.

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In den 1830er und 1840er Jahren traten vor allem in den Werken von Balzac die charakteristischen Merkmale des Realismus zum Vorschein. Realisten sehen ihre Hauptaufgabe in der künstlerischen Wiedergabe der Realität, in der Kenntnis der Gesetze, die ihre Dialektik und Formenvielfalt bestimmen.

„Die französische Gesellschaft selbst sollte der Historiker sein; ich konnte nur ihr Sekretär sein“, betonte Balzac im Vorwort zu „Die menschliche Komödie“ und verkündete das Prinzip der Objektivität in der Darstellung der Realität als wichtigstes Prinzip der Realität Kunst. Dazu stellt der große Romancier fest: „Die Aufgabe der Kunst besteht nicht darin, die Natur zu kopieren, sondern sie auszudrücken!“ Tatsächlich als Kunst, die ein mehrdimensionales Bild der Realität vermittelt; Der Realismus beschränkt sich bei weitem nicht auf die moralische Beschreibung und das alltägliche Leben; zu seinen Aufgaben gehört auch die analytische Untersuchung der objektiven Gesetze des Lebens – historische, soziale, ethische, psychologische sowie eine kritische Bewertung moderner Mann und Gesellschaft einerseits und die Identifizierung eines positiven Prinzips in der Lebenswirklichkeit andererseits.

Auch eines der zentralen Postulate des Realismus – die Etablierung der Prinzipien realistischer Typisierung und deren theoretisches Verständnis – wird vor allem mit der französischen Literatur, mit dem Werk Balzacs, in Verbindung gebracht. Innovativ für den Ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert und das von Balzac eingeführte Prinzip der Zyklisierung wurde auch für das Schicksal des Realismus im Allgemeinen von Bedeutung. „The Human Comedy“ stellt den ersten Versuch dar, eine Reihe von Romanen und Geschichten zu schaffen, die durch eine komplexe Kette von Ursachen und Folgen sowie den Schicksalen der Charaktere miteinander verbunden sind und jedes Mal in einer neuen Phase ihres Schicksals sowie ihrer moralischen und psychologischen Entwicklung erscheinen. Die Zyklisierung entsprach dem Wunsch des Realismus nach einer allumfassenden, analytischen und systematischen künstlerischen Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit.

Bereits in Balzacs Ästhetik zeigt sich eine Orientierung an der Wissenschaft, vor allem an der Biologie. Dieser Trend entwickelt sich in der Arbeit von Flaubert weiter, der die Prinzipien der wissenschaftlichen Forschung anwenden möchte moderner Roman. So manifestiert sich die „wissenschaftliche“ Haltung, die für die positivistische Ästhetik charakteristisch ist, in der künstlerischen Praxis der Realisten, lange bevor sie im Naturalismus zur Führung wird. Aber sowohl bei Balzac als auch bei Flaubert ist der Wunsch nach „Wissenschaftlichkeit“ frei, jedoch von der den Naturforschern innewohnenden Tendenz, Naturgesetze und ihre Rolle im Leben der Gesellschaft zu verabsolutieren.

Die starke und helle Seite des Realismus in Frankreich ist der Psychologismus, in dem die romantische Tradition tiefgründiger und vielfältiger erscheint. Das Spektrum der kausalen Motivationen der Psychologie, des Charakters und der Handlungen eines Menschen, aus denen sein Schicksal letztendlich besteht, wird in der Literatur des Realismus erheblich erweitert und der Schwerpunkt liegt gleichermaßen auf dem historischen und sozialen Determinismus sowie auf dem persönlichen und individuellen Prinzip. Dadurch wird die größte Zuverlässigkeit der psychologischen Analyse erreicht.

Das führende Genre des Realismus in Frankreich, wie auch in anderen Ländern, ist der Roman in seinen Spielarten: moralisch-deskriptiver, sozialpsychologischer, psychologischer, philosophischer, Fantasy-, Abenteuer- und historischer Roman.

In den Werken der Realisten spiegeln sich neue Themen wider: die Entwicklung der modernen Gesellschaft, die Entstehung neuer Typen und Beziehungen, neue Moral und neue ästhetische Ansichten. Diese Themen sind in den Werken von Stendhal, Balzac und Merimee verkörpert. Die nationale Originalität des französischen Realismus spiegelte sich im Wunsch dieser Schriftsteller wider, die Essenz der reichen sozialen Erfahrungen zu verstehen, die die französische Gesellschaft in der turbulenten Zeit gesammelt hatte, die mit der Revolution von 1789 begann und zu Lebzeiten der Schriftsteller andauerte.

Nicht nur mit ihrem Talent, sondern auch mit einer tiefen Kenntnis der Realität ausgestattet, schufen die Realisten ein gigantisches Panorama Französisches Leben zeigt sie in Bewegung. Die Werke von Stendhal, Balzac, Mérimée und Bérenger deuteten darauf hin, dass der französische Adel im Laufe der Geschichte einem völligen Niedergang entgegenging. Auch Realisten sahen das Muster der Entstehung neuer Herren des Lebens – Vertreter der Bourgeoisie, die sie in den Bildern von Valno oder Gobsek brandmarkten.

Die Merkmale des aufkommenden Realismus manifestieren sich sofort auf unterschiedliche Weise in den Werken verschiedener Schriftsteller. Trotz der Tatsache, dass die Probleme der Werke von Balzac und Stendhal in vielerlei Hinsicht ähnlich sind, unterscheiden sich die einzelnen Merkmale ihrer kreativen Methode erheblich: Stendhal ist in erster Linie ein Meister des psychologischen Romans, der danach strebt, die innere Welt tief zu erforschen einzelner Menschen. Balzac schafft ein riesiges Gemälde der französischen Realität, eine ganze Welt, die von vielen Figuren bevölkert ist.

Sowohl Stendhal als auch Balzac sind vom Historismus geprägt. Die Idee, die sich durch ihre Arbeiten zieht, ist, dass sich die Gesellschaft in einem ständigen Wandel befindet, und sie suchen nach den Gründen für diese Entwicklung. Auch der Historismus ist Merimee innewohnend. Für ihn ist das Leben der Gesellschaft eine ständige Veränderung des Gleichgewichts der gesellschaftlichen Kräfte, die sich auf den menschlichen Charakter auswirkt. In mehreren seiner Werke zeigt Merimee seine Zeitgenossen, verstümmelt und korrumpiert von der bürgerlichen Gesellschaft („Doppelter Fehler“, „Etruskische Vase“ usw.).

Alle oben genannten Merkmale des französischen Realismus tauchten bereits in den 1830er und 40er Jahren auf, vor allem in den Werken von Balzac und Stendhal. Allerdings ist die grundlegende Neuheit des Realismus als künstlerische Methode von den damaligen Schriftstellern und Kritikern noch immer kaum verstanden. Stendhals theoretische Reden (darunter „Racine und Shakespeare“, „Walter Scott und „Die Prinzessin von Cleves“) stehen ganz im Einklang mit dem Kampf um die Romantik. Obwohl Balzac die grundsätzliche Neuheit der Methode der „Menschenkomödie“ empfindet, gibt er ihr keine spezifische Definition. In seinen kritischen Werken distanziert er sich von Stendhal und Mérimée, erkennt aber zugleich die Nähe an, die ihn mit diesen Schriftstellern verbindet. In „Etude on Bayle“ (1840) versucht Balzac, die Phänomene der zeitgenössischen Literatur zu klassifizieren, klassifiziert sich selbst (den „Eklektiker“) und Stendhal (die „Literatur der Ideen“) jedoch gleichzeitig als unterschiedliche Strömungen. Für Balzac war die „Schule der Ideen“ durch ein analytisches Prinzip gekennzeichnet, das darauf abzielte, die komplexen Konflikte der inneren Welt aufzudecken. Mit „eklektischer Schule“ meinte er Kunst, die eine breite epische Darstellung der Realität und gesellschaftlicher Verallgemeinerungen anstrebt, die in einer Vielzahl von Typen enthalten sind, die von Künstlern auf der Grundlage von Beobachtungen des Lebens geschaffen wurden. Selbst ein so maßgeblicher Kritiker des 19. Jahrhunderts wie Sainte-Beuve verzichtet im Artikel „Zehn Jahre später in der Literatur“ (1840) auf den Begriff „Realismus“ und sieht in „Die menschliche Komödie“ nur eine Manifestation des Übermaßes und verwerfliche Wahrhaftigkeit, indem er seinen Autor mit „einem Arzt vergleicht, der die schändlichen Krankheiten seiner Patienten unbescheiden preisgibt“. Ebenso oberflächlich interpretiert der Kritiker die Werke Stendhals. Und erst mit dem Erscheinen von „Madame Bovary“ (1857) von Flaubert erklärt Sainte-Beuve: „...Ich scheine die Zeichen einer neuen Literatur zu erkennen, Merkmale, die offenbar für Vertreter neuer Generationen charakteristisch sind“ („Madame Bovary“ von Gustave Flaubert“ (1857)).

All dies deutet darauf hin, dass die Bildung eines theoretischen Konzepts einer neuen künstlerischen Methode in der ersten Phase ihrer Entwicklung deutlich hinter der Praxis zurückbleibt. Im Allgemeinen stellt die erste Stufe des französischen Realismus die Schaffung einer neuen Methode dar, deren theoretische Begründung etwas später beginnen wird.

Das Wachstum der kritischen Tendenz in der französischen Literatur folgte einer aufsteigenden Linie und verstärkte sich, als das volksfeindliche Wesen der bürgerlichen Monarchie von Louis Philippe offenbart wurde. Als Beweis dafür erschien in der zweiten Hälfte der 30er Jahre Balzacs „Lost Illusions“, dem Thema gewidmet Enttäuschung über die bürgerliche Realität.

In Frankreich erhielt die realistische Ästhetik eine ausgeprägtere theoretische Formulierung als in anderen Ländern, und das Wort „Realismus“ selbst wurde zunächst als Begriff für eine Reihe künstlerischer Prinzipien verwendet, deren Befürworter so etwas wie eine Schule schufen.

Wie bereits erwähnt, taucht der Begriff „Realismus“ bereits in den 1820er Jahren auf den Seiten französischer Zeitschriften auf, doch erst in den 1840er Jahren wird dieses Wort von seiner negativ bewertenden Bedeutung befreit. Tiefgreifende Veränderungen in der Einstellung zum Konzept des „Realismus“ werden etwas später, Mitte der 50er Jahre, eintreten und mit den Aktivitäten von J. Chanfleury und L. E. Duranty und ihren Gleichgesinnten in Verbindung gebracht.

Es sei darauf hingewiesen, dass der Weg der frühen französischen Realisten alles andere als reibungslos verlief. Die bürgerliche Gesellschaft vergiftete und verfolgte diejenigen, die die Wahrheit über sie schrieben. Die Biografien von Bérenger, Stendhal und Balzac sind reich an Fakten, die bezeugen, wie geschickt die bürgerlichen herrschenden Kreise mit vielfältigen Mitteln die ihnen missliebigen Schriftsteller los wurden. Beranger wurde wegen seiner Taten vor Gericht gestellt. Stendhal war zu seinen Lebzeiten nahezu unbekannt; Balzac, der im Ausland weithin bekannt war, starb, ohne die gebührende Anerkennung in Frankreich zu erhalten. Merimees Karriere war recht erfolgreich, aber auch als Schriftsteller wurde er erst nach seinem Tod geschätzt.

Die 1830er und 40er Jahre stellten eine wichtige Periode in der Geschichte Frankreichs und seiner Literatur dar. Am Ende dieser Periode, also am Vorabend der Revolution von 1848, war bereits klar geworden, dass das Bedeutendste und Neueste aus der reichen literarischen Erfahrung der 30er und 40er Jahre mit der realistischen Bewegung verbunden war, deren Vertreter waren in der Lage, die lebendigsten und wahrheitsgetreuesten Bilder des französischen Lebens zwischen den beiden Revolutionen zu schaffen und so eine solide Grundlage für die weitere Entwicklung der französischen Nationalliteratur zu legen.

Die französische Kunstschule an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert kann als die führende europäische Schule bezeichnet werden. In Frankreich entstanden damals Kunststile wie Rokoko, Romantik, Klassizismus, Realismus, Impressionismus und Postimpressionismus.

Rokoko (Französisches Rokoko, von Rocaille – ein dekoratives Motiv in Form einer Muschel) – ein Stil in der europäischen Kunst der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das Rokoko ist geprägt von Hedonismus, einem Rückzug in die Welt des idyllischen Theaterspiels und einer Vorliebe für pastorale und sinnlich-erotische Themen. Der Charakter des Rokoko-Dekors erhielt betont elegante, raffinierte Formen.

François Boucher, Antoine Watteau und Jean Honoré Fragonard arbeiteten im Rokoko-Stil.

Klassizismus - ein Stil in der europäischen Kunst des 17. bis frühen 19. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealer ästhetischer und ethischer Standard war.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres und Jacques-Louis David arbeiteten im Stil des Klassizismus.

Romantik - ein Stil der europäischen Kunst im 18.-19. Jahrhundert, dessen charakteristische Merkmale die Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker und oft rebellischer Leidenschaften und Charaktere waren.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault und William Blake arbeiteten im Stil der Romantik.

Edouard Manet. Frühstück in der Werkstatt. 1868

Realismus - ein Kunststil, dessen Aufgabe es ist, die Realität möglichst genau und objektiv einzufangen. Stilistisch hat der Realismus viele Gesichter und viele Möglichkeiten. Verschiedene Aspekte des Realismus in der Malerei sind der barocke Illusionismus von Caravaggio und Velazquez, der Impressionismus von Manet und Degas und die Nynen-Werke von Van Gogh.

Die Geburt des Realismus in der Malerei wird am häufigsten mit der Arbeit des französischen Künstlers Gustave Courbet in Verbindung gebracht, der 1855 in Paris seine persönliche Ausstellung „Pavillon des Realismus“ eröffnete, obwohl schon vor ihm Künstler der Barbizon-Schule Theodore Rousseau, Jean- François Millet und Jules Breton arbeiteten realistisch. In den 1870er Jahren. Der Realismus wurde in zwei Hauptrichtungen unterteilt – Naturalismus und Impressionismus.

Die realistische Malerei hat sich auf der ganzen Welt verbreitet. Die Itineranten arbeiteten im Russland des 19. Jahrhunderts im Stil des Realismus mit starker sozialer Ausrichtung.

Impressionismus (von französisch impression – impression) – ein Kunststil des letzten Drittels des 19. – frühen 20. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal der Wunsch war, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität möglichst natürlich einzufangen, das Flüchtige zu vermitteln Eindrücke. Der Impressionismus warf keine philosophischen Fragen auf, sondern konzentrierte sich auf die Fließfähigkeit des Augenblicks, der Stimmung und der Beleuchtung. Die Themen der Impressionisten werden zum Leben selbst, als eine Reihe kleiner Feiertage, Partys, angenehmer Picknicks in der Natur in einer freundlichen Umgebung. Die Impressionisten gehörten zu den ersten, die im Freien malten, ohne ihre Arbeit im Atelier abzuschließen.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley und andere arbeiteten im Stil des Impressionismus.

Post-Impressionismus ist ein Kunststil, der im späten 19. Jahrhundert entstand. Postimpressionisten versuchten, die Materialität der Welt frei und allgemein zu vermitteln, indem sie auf dekorative Stilisierung zurückgriffen.

Der Postimpressionismus brachte Kunstrichtungen wie den Expressionismus, den Symbolismus und den Modernismus hervor.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne und Toulouse-Lautrec arbeiteten im postimpressionistischen Stil.

Schauen wir uns den Impressionismus und Postimpressionismus am Beispiel der Arbeit einzelner Meister Frankreichs im 19. Jahrhundert genauer an.

Edgar Degas. Selbstporträt. 1854-1855

Edgar Degas (Leben 1834-1917) – französischer Maler, Grafiker und Bildhauer.

Ausgehend von historischen Gemälden und Porträts mit strenger Komposition näherte sich Degas in den 1870er Jahren Vertretern des Impressionismus und wandte sich der Darstellung des modernen Stadtlebens zu – Straßen, Cafés, Theateraufführungen.

In Degas‘ Gemälden sind eine dynamische, oft asymmetrische Komposition, eine präzise flexible Zeichnung, unerwartete Winkel und eine aktive Interaktion zwischen Figur und Raum sorgfältig durchdacht und verifiziert.

E. Degas. Badezimmer. 1885

In vielen Werken zeigt Edgar Degas das charakteristische Verhalten und Aussehen von Menschen, das durch die Besonderheiten ihres Lebens hervorgerufen wird, offenbart den Mechanismus professioneller Gesten, Haltungen, menschlicher Bewegungen und seiner plastischen Schönheit. Degas‘ Kunst zeichnet sich durch eine Kombination aus Schönem und Prosaischem aus; Der Künstler fängt als nüchterner und subtiler Beobachter gleichzeitig die mühsame Alltagsarbeit ein, die sich hinter der eleganten Inszenierung verbirgt.

Die beliebte Pastelltechnik ermöglichte es Edgar Degas, sein Talent als Zeichner voll zur Geltung zu bringen. Satte Töne und „schimmernde“ Pastellstriche verhalfen dem Künstler zu dieser besonderen farbenfrohen Atmosphäre, dieser schillernden Leichtigkeit, die alle seine Werke so auszeichnet.

In seinen reifen Jahren wandte sich Degas oft dem Thema Ballett zu. Zerbrechliche und schwerelose Figuren von Ballerinas erscheinen vor dem Betrachter entweder in der Dämmerung des Tanzunterrichts, im Rampenlicht auf der Bühne oder in kurzen Minuten der Ruhe. Die scheinbare Zufälligkeit der Komposition und die unparteiische Haltung des Autors erwecken den Eindruck, als würde er das Leben eines anderen ausspionieren; der Künstler zeigt uns eine Welt voller Anmut und Schönheit, ohne in übermäßige Sentimentalität zu verfallen.

Edgar Degas kann als subtiler Kolorist bezeichnet werden; seine Pastelle sind überraschend harmonisch, manchmal sanft und leicht, manchmal auf scharfen Farbkontrasten aufgebaut. Degas‘ Stil zeichnete sich durch seine erstaunliche Freiheit aus; er trug Pastelle mit kräftigen, gebrochenen Strichen auf, wobei er manchmal den Ton des Papiers durch das Pastell hindurchscheinen ließ oder Striche in Öl oder Aquarell hinzufügte. Farbe entsteht in Degas‘ Gemälden aus einem schillernden Glanz, aus einem fließenden Strom von Regenbogenlinien, die eine Form hervorbringen.

Die späten Werke von Degas zeichnen sich durch Intensität und Reichtum der Farben aus, die durch die Effekte künstlicher Beleuchtung, vergrößerter, fast flacher Formen und beengter Platzverhältnisse ergänzt werden und ihnen einen äußerst dramatischen Charakter verleihen. Darin

Zeitraum Degas schrieb einen seiner beste Werke- „Blaue Tänzer.“ Der Künstler arbeitet hier mit großen Farbflächen und legt dabei besonderen Wert auf die dekorative Gestaltung der Bildoberfläche. Hinsichtlich der Schönheit der Farbharmonie und der kompositorischen Gestaltung kann das Gemälde „Blaue Tänzer“ als die beste Verkörperung des Ballettthemas von Degas angesehen werden, der in diesem Gemälde den größten Reichtum an Texturen und Farbkombinationen erzielte.

P. O. Renoir. Selbstporträt. 1875

Pierre Auguste Renoir (Leben 1841-1919) - Französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, einer der Hauptvertreter des Impressionismus. Renoir ist vor allem als Meister der weltlichen Porträtmalerei bekannt, der nicht frei von Sentimentalität ist. Mitte der 1880er Jahre. tatsächlich brach er mit dem Impressionismus und kehrte zur Linearität des Klassizismus während der Schaffensperiode von Ingres zurück. Renoir, ein bemerkenswerter Kolorist, erreicht den Eindruck einer monochromen Malerei oft durch subtile Kombinationen von Werten, die in den Farbtönen ähnlich sind.

P.O. Renoir. Planschbecken. 1869

Wie die meisten Impressionisten wählt Renoir flüchtige Episoden des Lebens als Themen seiner Gemälde und bevorzugt festliche Stadtszenen – Bälle, Tänze, Spaziergänge („Neue Brücke“, „Splash Pool“, „Moulin da la Galette“ und andere). Auf diesen Leinwänden werden wir weder Schwarz noch Dunkelbraun sehen. Nur eine Reihe klarer und leuchtender Farben, die miteinander verschmelzen, wenn man die Bilder aus einer gewissen Entfernung betrachtet. Die menschlichen Figuren auf diesen Gemälden sind in der gleichen impressionistischen Technik gemalt wie die sie umgebende Landschaft, mit der sie oft verschmelzen.

P. O. Renoir. Porträt der Schauspielerin Zhanna Samari. 1877

Einen besonderen Platz in Renoirs Werk nehmen poetische und charmante Frauenbilder ein: Innerlich unterschiedlich, äußerlich jedoch leicht ähnlich, scheinen sie vom gemeinsamen Stempel der Epoche geprägt zu sein. Renoir malte drei verschiedene Porträts der Schauspielerin Jeanne Samary. Eines davon zeigt die Schauspielerin in einem eleganten blaugrünen Kleid vor rosa Hintergrund. In diesem Porträt gelang es Renoir, die besten Eigenschaften seines Modells hervorzuheben: Schönheit, lebhafter Geist, offener Blick, strahlendes Lächeln. Der Arbeitsstil des Künstlers ist sehr frei, stellenweise bis zur Nachlässigkeit, doch dadurch entsteht eine Atmosphäre von außergewöhnlicher Frische, spiritueller Klarheit und Gelassenheit. In der Darstellung von Akten erreicht Renoir die seltene Raffinesse der Nelkenmalerei (Malerei in der Farbe von menschliche Haut), basierend auf einer Kombination aus warmen Hauttönen mit gleitenden hellgrünen und graublauen Reflexen, die der Leinwand eine glatte und matte Oberfläche verleihen. In dem Gemälde „Akt im Sonnenlicht“ verwendet Renoir hauptsächlich Primär- und Sekundärfarben und verzichtet vollständig auf Schwarz. Mit kleinen Farbstrichen erzeugte Farbflecken erzeugen einen charakteristischen Verschmelzungseffekt, wenn sich der Betrachter vom Bild entfernt.

Es ist anzumerken, dass die Verwendung von Grün-, Gelb-, Ocker-, Rosa- und Rottönen zur Darstellung der Haut die damalige Öffentlichkeit schockierte, da sie nicht auf die Tatsache vorbereitet war, dass Schatten farbig und mit Licht gefüllt sein sollten.

In den 1880er Jahren begann im Werk Renoirs die sogenannte „Ingres-Periode“. Das berühmteste Werk dieser Zeit ist „The Great Bathers“. Um eine Komposition aufzubauen, begann Renoir zum ersten Mal, Skizzen und Skizzen zu verwenden, die Linien der Zeichnung wurden klar und definiert, die Farben verloren ihre frühere Helligkeit und Sättigung, das Gemälde als Ganzes begann zurückhaltender und kälter zu wirken.

In den frühen 1890er Jahren kam es zu neuen Veränderungen in Renoirs Kunst. Auf malerische Weise entsteht ein Schillern der Farben, weshalb diese Periode manchmal „Perlmutt“ genannt wird, dann weicht diese Periode dem „Rot“, das aufgrund der Vorliebe für rötliche und rosafarbene Farbtöne so genannt wird.

Eugene Henri Paul Gauguin (Leben 1848-1903) – französischer Maler, Bildhauer und Grafiker. Zusammen mit Cezanne und Van Gogh war er der größte Vertreter des Postimpressionismus. Er begann im Erwachsenenalter zu malen; seine frühe Schaffensperiode ist mit dem Impressionismus verbunden. Gauguins beste Werke wurden auf den Inseln Tahiti und Hiva Oa in Ozeanien geschrieben, wo Gauguin die „bösartige Zivilisation“ verließ. Zu den charakteristischen Merkmalen von Gauguins Stil gehört die Schaffung statischer und kontrastierender Farbkompositionen auf großen, flachen Leinwänden, die zutiefst emotional und gleichzeitig dekorativ sind.

In dem Gemälde „Gelber Christus“ stellte Gauguin die Kreuzigung vor dem Hintergrund einer typisch französischen ländlichen Landschaft dar, der leidende Jesus ist von drei bretonischen Bäuerinnen umgeben. Der Frieden in der Luft, die ruhigen, unterwürfigen Posen der Frauen, die sonnengelbe Landschaft mit Bäumen im roten Herbstlaub, der Bauer, der in der Ferne mit seinen Geschäften beschäftigt ist, geraten zwangsläufig in Konflikt mit dem, was am Kreuz geschieht. Die Umgebung steht in scharfem Kontrast zu Jesus, dessen Gesicht jenes Leidensstadium zeigt, das an Apathie und Gleichgültigkeit gegenüber allem um ihn herum grenzt. Der Widerspruch zwischen den grenzenlosen Qualen, die Christus auf sich nahm, und der „Unbemerktheit“ dieses Opfers durch die Menschen – das ist Hauptthema dieses Werk von Gauguin.

P. Gauguin. Bist du neidisch? 1892

Gemälde „Oh, bist du eifersüchtig?“ gehört zur polynesischen Schaffensperiode des Künstlers. Das Gemälde basiert auf einer Szene aus dem Leben, die der Künstler beobachtet hat:

Am Ufer zwei Schwestern – sie sind gerade geschwommen und jetzt liegen ihre Körper in lässigen, üppigen Posen im Sand ausgestreckt – reden über Liebe, eine Erinnerung sorgt für Zwietracht: „Wie? Bist du eifersüchtig!".

Indem Gauguin die üppige, vollblütige Schönheit der tropischen Natur und der von der Zivilisation unberührten natürlichen Menschen malte, stellte er einen utopischen Traum von einem irdischen Paradies dar, von einem menschlichen Leben im Einklang mit der Natur. Gauguins polynesische Gemälde ähneln Tafeln in ihrer dekorativen Farbe, der Flächigkeit und Monumentalität der Komposition sowie der Allgemeingültigkeit des stilisierten Designs.

P. Gauguin. Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? 1897-1898

Das Gemälde „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" Gauguin betrachtete es als den erhabenen Höhepunkt seiner Überlegungen. Nach dem Plan des Künstlers soll das Gemälde von rechts nach links gelesen werden: Drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Die Frauengruppe mit Kind auf der rechten Bildseite stellt den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der Gruppe der äußersten Linken stellte Gauguin das Alter des Menschen dar, der sich dem Tod näherte; Das blaue Idol im Hintergrund symbolisiert die andere Welt. Dieses Gemälde ist der Höhepunkt von Gauguins innovativem postimpressionistischen Stil; Sein Stil verband einen klaren Einsatz von Farben, dekorative Farbe und Komposition, Flächigkeit und Monumentalität des Bildes mit emotionaler Ausdruckskraft.

Gauguins Werk nahm viele Merkmale des in dieser Zeit aufkommenden Jugendstils vorweg und beeinflusste die Bildung der Meister der „Nabi“-Gruppe und anderer Maler des frühen 20. Jahrhunderts.

V. Van Gogh. Selbstporträt. 1889

Vincent van Gogh (Leben 1853-1890) – Französischer und niederländischer postimpressionistischer Künstler, begann in den 1880er Jahren wie Paul Gauguin bereits im Erwachsenenalter mit der Malerei. Bis zu diesem Zeitpunkt arbeitete Van Gogh erfolgreich als Händler, dann als Lehrer in einem Internat, studierte später an einer protestantischen Missionsschule und arbeitete sechs Monate als Missionar in einem armen Bergbauviertel in Belgien. In den frühen 1880er Jahren wandte sich Van Gogh der Kunst zu und besuchte die Akademie der Künste in Brüssel (1880–1881) und Antwerpen (1885–1886). In der Frühphase seines Schaffens schrieb Van Gogh Skizzen und Gemälde in einer dunklen, malerischen Palette und wählte als Themen Szenen aus dem Leben von Bergleuten, Bauern und Handwerkern. Van Goghs Werke dieser Zeit („Die Kartoffelesser“, „Der alte Kirchturm in Nynen“, „Schuhe“) markieren eine schmerzlich scharfe Wahrnehmung menschlichen Leidens und depressiver Gefühle, eine bedrückende Atmosphäre psychischer Spannung. In seinen Briefen an seinen Bruder Theo schrieb der Künstler über eines der Gemälde dieser Zeit, „Die Kartoffelesser“, Folgendes: „Darin versuchte ich zu betonen, dass diese Menschen, die ihre Kartoffeln im Licht einer Lampe aßen, gruben den Boden mit denselben Händen, mit denen sie die Schüssel berührten; So zeugt das Gemälde von harter Arbeit und der Tatsache, dass die Charaktere ihr Essen ehrlich verdient haben.“ In den Jahren 1886-1888. Van Gogh lebte in Paris, besuchte in ganz Europa das renommierte private Kunstatelier des berühmten Lehrers P. Cormon, studierte impressionistische Malerei, japanische Gravur und synthetische Werke von Paul Gauguin. In dieser Zeit wurde Van Goghs Palette heller, der erdige Farbton verschwand, es traten reine Blau-, Goldgelb- und Rottöne auf, sein charakteristischer dynamischer, fließender Pinselstrich („Agostina Segatori im Tambourine Café“, „Brücke über die Seine , „Père Tanguy“, „Blick auf Paris aus Theos Wohnung in der Rue Lepic“).

Im Jahr 1888 zog Van Gogh nach Arles, wo die Originalität seines Schaffensstils endgültig festgestellt wurde. Feuriges künstlerisches Temperament, ein schmerzhafter Drang nach Harmonie, Schönheit und Glück und gleichzeitig die Angst vor menschenfeindlichen Mächten verkörpern sich entweder in den in sonnigen Farben leuchtenden Landschaften des Südens („Das Gelbe Haus“, „Die Ernte“). „La Croe Valley“) oder in bedrohlichen, an einen Albtraum erinnernden Bildern („Cafe Terrace at Night“); Dynamik von Farbe und Pinselstrich

V. Van Gogh. Nachtcafé-Terrasse. 1888

erfüllt mit spirituellem Leben und Bewegung nicht nur die Natur und die Menschen, die sie bewohnen („Rote Weinberge in Arles“), sondern auch unbelebte Objekte („Van Goghs Schlafzimmer in Arles“).

Van Goghs intensive Arbeit in den letzten Jahren wurde von Anfällen psychischer Erkrankungen begleitet, die ihn in eine Nervenheilanstalt in Arles, dann nach Saint-Rémy (1889–1890) und nach Auvers-sur-Oise (1890) führten, wo er Selbstmord beging . Kreativität von zwei den letzten Jahren Das Leben des Künstlers ist geprägt von ekstatischer Besessenheit, extrem gesteigertem Ausdruck von Farbkombinationen und plötzlichen Stimmungswechseln – von rasender Verzweiflung und düsterer Visionärik („Straße mit Zypressen und Sternen“) bis hin zu einem zitternden Gefühl von Erleuchtung und Frieden („Landschaft in Auvers danach“) der Regen").

V. Van Gogh. Iris. 1889

Während seiner Behandlung in der Saint-Rémy-Klinik malte Van Gogh den Gemäldezyklus „Iris“. Seiner Blumenmalerei mangelt es an hoher Spannung und sie zeigt den Einfluss japanischer Ukiyo-e-Drucke. Diese Ähnlichkeit zeigt sich in der Hervorhebung der Konturen von Objekten, ungewöhnlichen Winkeln, dem Vorhandensein detaillierter Bereiche und Bereichen, die mit einer Volltonfarbe gefüllt sind, die nicht der Realität entspricht.

V. Van Gogh. Weizenfeld mit Krähen. 1890

„Weizenfeld mit Krähen“ ist ein Gemälde von Van Gogh, das der Künstler im Juli 1890 malte und eines seiner berühmtesten Werke ist. Das Gemälde wurde angeblich am 10. Juli 1890, 19 Tage vor seinem Tod in Auvers-sur-Oise, fertiggestellt. Es gibt eine Version, dass Van Gogh beim Malen dieses Gemäldes Selbstmord begangen hat (er ging mit Materialien zum Malen ins Freie, schoss sich mit einer Pistole, die er gekauft hatte, um Vogelschwärme zu verscheuchen, in die Herzgegend und erreichte dann selbstständig das Krankenhaus, wo er an den Folgen des Blutverlustes starb).